Hiller – Urspruch by Kaleidos Musikeditionen

„Mein herzlicher Dank für die großzügige Unterstützung gilt Waltraut May, Frankfurt am Main.“ Joanna Sachryn

Hiller N Urspruch FORGOT TEN TREASURES Works for Cello and Piano by Ferdinand Hiller & Anton Urspruch Joanna Sachryn cello Paul Rivinius piano

Edition Kaleidos · KAL 6348-2 Recording / Aufnahme: 04/2019, Sendesaal des Hessischen Rundfunks, Frankfurt am Main Recording Producer / Tonmeister: Udo Wüstendörfer Piano technician / Klaviertechnik (Steinway & Sons D-274): Andreas Seibert Liner notes / Booklettext: Arndt Zinkant Translations / Übersetzungen: Anika Mittendorf, Mirjam Gerber Artist photos / Künstlerfotos: © Hongfei Ni (Cover photo; pp. 1+15), © Anna Holthausen (Sachryn, p. 25), © Josep Molina (Rivinius), © Bernhard Heindl (Duo) Cover design & text layout / Grafikgestaltung: Jens F. Meier

A co-production with hr2-kultur / Eine Co-Produktion mit hr2-kultur Executive Producer: Jens F. Meier p& c 2020 Kaleidos Musikeditionen · www.musikeditionen.de

WORLD PREMIERE RECORDINGS

FERDINAND von HILLER

(1811–1885)

Sonata No. 2 for Piano and Cello in A minor, Op. 172 Sonate Nr. 2 für Klavier und Violoncello a-Moll op. 172 1 2 3 4

I. Allegro appassionato II. Andante con molto di moto III. Allegro con spirito IV. Allegro affetuoso, ma vivace

Serenade No. 1 for Piano and Cello, Op. 109 Serenade Nr. 1 für Klavier und Violoncello op. 109

5 6 7

I. Allegretto, quasi Andante II. Menuet III. Capriccietto. Molto vivace

ANTON URSPRUCH

11:36 6:28 5:19 9:19

4:38 5:19 4:58

(1850–1907)

Sonata for Piano and Cello in D major, Op. 29 Sonate für Klavier und Violoncello D-Dur op. 29 8 9 10

I. Moderato molto II. Allegro molto III. Adagio molto lento – Allegretto tranquillo

9:05 5:31 10:20

JOANNA SACHRYN cello PAUL RIVINIUS piano

FERDINAND von HILLER

ANTON URSPRUCH

Ferdinand Hiller: Sonate Nr. 2 für Klavier und Violoncello op. 172 (Beginn 1. Satz) aus der Erstausgabe von 1878 – Hamburg: August Cranz

Perlen aus vergessenen Schatzkästchen der Romantik Die Cellosonaten von Ferdinand Hiller und Anton Urspruch

ünstler jeder Couleur erleben immer wieder dies Dilemma: Im Schatten eines bewunderten Meisters zu stehen, dem man teils freiwillig, teils widerstrebend nacheifert – und von dessen übermächtigem Vorbild man sich doch stets zu lösen versucht. Johannes Brahms etwa komponierte lange Jungendjahre hinweg mit bewunderndem Blick auf Beethoven, für ihn stets das Maß aller Dinge – und ein „Riese“, den Brahms nach eigenen Worten stets „hinter sich marschieren“ hörte. Wie wir wissen, meint es die Musikgeschichte nicht mit allen Komponisten so gut. Viele waren zu Lebzeiten hochgeachtet und erfolgreich, doch konnten ihre Werke den Ruhm nicht bis in heutige Tage behaupten. Der mit Brahms und vor allem mit Clara und Robert Schumann befreundete Ferdinand Hiller (ab 1875 „von Hiller“) ist so ein Fall. Andere waren von veritablem Ruhm noch weiter entfernt – wie Anton Urspruch, 39 Jahre jünger als Hiller und zu Lebzeiten ebenfalls hochgeschätzt. Seine Symphonie wurde sogar mit Brahms verglichen, was den Komponisten indes nicht vor dem Vergessen bewahrte. Umso bemerkenswerter, dass nun Joanna Sachryn und Paul Rivinius wertvolle Schätze dieser zwei Komponisten erneut ins Rampenlicht holen. Damit erfahren deren Cellosonaten jene Aufmerksamkeit, die ihnen einst zuteilwurde – und auch gebührt. An Aufmerksamkeit mangelte es Ferdinand Hiller zu Lebzeiten wahrhaftig nicht. Wirft man einen Blick auf dessen Biografie, steht einem der Mund vor Staunen offen: Denn der Klaviervirtuose, Dirigent und Komponist kannte alles, was Rang und Namen hatte, und war mit vielen Großen

seiner Zeit befreundet. 1811 in Frankfurt am Main geboren, machte der begabte Jungpianist, der zehnjährig mit Mozarts C-Dur-Klavierkonzert debütierte, die Bekanntschaft mit dem Geheimrat Goethe, welcher ihm ein paar Verse in sein Poesiealbum schrieb. Damit nicht genug: Auch mit Grillparzer, Schubert und Beethoven hatte Hiller bereits als Teenager Kontakt. Mit etwa 16 lernte er dann Felix Mendelssohn kennen, der später sein bester Freund werden sollte – bis zum Zerwürfnis der beiden im Jahre 1842. Ein einnehmendes, geselliges Wesen aber muss Hiller sicher besessen haben. Mit Chopin und Liszt war er nicht nur per Du, sondern schaute sich bei beiden Meistern ihm bislang unbekannte Klaviertechniken ab. Während seiner Jahre in Paris lernte Hiller ab 1828 Rossini, Meyerbeer und Cherubini kennen. Und ein anderer Großer der Epoche sollte ihm sogar lebenslang freundschaftlich verbunden sein: Hector Berlioz. Ganz im Gegensatz zu Richard Wagner, mit dem Hiller zwar ebenfalls Umgang pflegte, dessen Musik er aber – wie der gesamten neudeutschen Schule – reserviert gegenüberstand. Und Hiller, der Komponist? Seine Werke wurden aufgeführt und meist wohlwollend rezipiert. Das Frische, Unbekümmerte und die teils salonhafte Eleganz lagen ihm besonders – kein Wunder, dass Hiller sich in puncto Cellomusik auch der Serenadenform widmete, welche die Strenge symphonischen Denkens zugunsten spielerischer Melodik und virtuoser Spielweise vermeidet. (Was wohl auch daran lag, dass Cellomusik bis in diese Epoche oft „nur“ von den Cellovirtuosen stammte, den großen Komponisten aber der Zugang zu diesem Instrument fehlte; meist mussten sie sich von eben jenen Virtuosen beraten lassen.) Hillers eigenes Instrument war das Klavier, und das merkt man auch seiner heiter-liebenswürdigen Serenade an. Als Gattung verspielter als die Sona8

tenform, kann sich Hillers musikalische Phantasie hier besonders schön entfalten. Das elegante Hauptthema gibt dem Cello im Verlauf des Satzes Gelegenheit, in sonorem Klang zu schwelgen, wenn es das Klavier nicht gerade mit kecken Pizzicati umspielt. Mit einem Menuett-Satz begibt sich Hiller dann nur scheinbar ins Rokoko zurück – die Musik ist absolut romantisch gehalten. Das Cello offeriert eine „kreiselhafte“ Melodie, die mehrfach sequenziert wird. Im Mittelteil intoniert der Bogen dann aparte Seufzermotive, die in sehnsuchtsvoller Stimmung innehalten, bevor der Tanzschritt des Menuetts wieder einsetzt. Der finale Vivace-Satz ist bezeichnenderweise mit „Capriccietto“ überschrieben. Rasant spielen Cello und Klavier hier um die Wette, wobei der Ball teilweise Note für Note hin und her gespielt wird. Atmosphärisch in der Nähe von Mendelssohn oder Schumann angesiedelt, vermag die charmante, salonhafte Eleganz dieser Serenade den Cello-Liebhaber besonders im Finalsatz zu bezaubern. Bezaubern wollte Hiller dann in seiner späten zweiten Cellosonate offenbar weniger, dafür ist das Hauptthema zu düster und versonnen. Aber ein Thema, das als thematischer Baustein taugt, das durchgeführt sein will. „Brahmsisch“ wirkt der „Non troppo“-Charakter der Musik – will heißen: eine Dramatik, die es nicht zu weit treiben will und bei der am Ende doch die Melancholie über das Drama siegt. Das Cello wühlt in grummelnden Ostinati, bevor in einer frei gehaltenen Themen-Reprise sich das Klavier in perlenden Figuren beinahe zum Diskant empor schlängelt und den Satz geheimnisvoll zum Abschluss bringt. Balladenhaft setzt der zweite Satz ein. Das Cello singt dem Klavier zu, das sehnsüchtig übernimmt. Einen innigen Ruhepol aber hat Hiller nicht im Sinn. Die musikalischen Gedanken werden immer wieder in neuer Beleuchtung aufgenommen, wandern zwischen Cello und Klavier hin und her. Eintrübungen und Aufhellungen wechseln einander ab, bevor Hiller

mit präzise gesetzten Pizzicati – die ja auch schon seine Serenade würzten – zu einer versöhnlichen Schlusswirkung findet. Ein kurzes Scherzo schließt sich an, das wie ein kratzbürstiger Walzer vorbei tänzelt. Mag Hiller dem Ohr auch ein schönes Adagio vorenthalten, so beschließt er doch im Schluss-Satz formal sehr überzeugend das Werk. Er lässt sein dunkles Hauptthema des Kopfsatzes wieder aufleben, entwickelt in dessen Nähe eine widerborstiges Ostinato-Motiv, das zwischen Cello und Klavier hin und her wandert und sich in immer lichtere Gefilde moduliert, bis die Sonate in einer heiteren Coda ausklingt. Fragt man nach Gemeinsamkeiten der Komponisten Ferdinand von Hiller und Anton Urspruch, so springt bei beiden das hohe Ansehen ins Auge, welches sie sich im Musikleben ihrer Zeit erworben hatten. Und die musikalischen Fäden liefen sozusagen im Hause Schumann zusammen, bei Robert und Clara gleichermaßen. Robert Schumann war Hillers Duz-Freund und die Verbindung war eng genug, dass Robert ihm sein berühmtes aMoll-Klavierkonzert widmete. Seine Frau Clara wiederum wurde Jahrzehnte später Widmungsträgerin von Urspruchs einziger Cellosonate, die auf der vorliegenden CD als Ersteinspielung vorliegt. Der junge Urspruch nämlich unterrichtete in Frankfurt am Hoch’schen Konservatorium als ihr angesehener Kollege. Schätzte Clara an dem begabten jungen Urspruch möglicherweise auch, dass sein Stil mitunter „brahmsisch“ wirkte, was Zeitgenossen ebenfalls so empfanden? Wie auch immer – in dieser Sonate wird öfters eine ähnliche Melancholie spürbar. Die romantisch wühlenden Klavierbässe weisen bereits nach wenigen Takten auf Brahms’ typische Klavier-Behandlung hin. Romantisch zart erhebt sich dagegen anfangs das Hauptthema im Cello, das sich mehrfach aussingen darf; das Klavier spinnt das Thema weiter, 10

Anton Urspruch: Sonate für Klavier und Violoncello op. 29 (Beginn 1. Satz) aus der Erstausgabe von 1893 – Frankfurt am Main: Steyl & Thomas

und der Dialog der zwei Instrumente ist im Verlauf teils so leicht und klar in der Faktur, dass es geradezu klassizistisch anmutet – ganz so, als habe Urspruch Brahms nicht weiterdenken, sondern auf das große Vorbild Beethoven zurückdefinieren wollen. Im nachfolgenden Allegro molto prescht das Klavier sogleich mit StaccatoKetten voran, wie um den Anspruch auf die Stimmführung anzumelden. Um diese balgen sich die zwei Instrumente im Folgenden geradezu, und man erinnert sich bei diesem Satz, dass Urspruchs D-Dur-Werk ausdrücklich als Sonate für Klavier und Violoncello betitelt ist, nicht umgekehrt. Was darüber hinaus verblüfft, ist nicht nur das „Beethoven’sche Brio“, sondern vor allem das blitzende Komponierhandwerk, in welchem man Urspruch als jenen souveränen Meister erkennt, als den ihn auch seine Zeitgenossen sahen. Ein wahrhaft trauriges Melos erfüllt das nun folgende Adagio, das einen emotionalen Glutkern des Stückes bildet; am Ende mündet es in ein kurzes lebhafteres Finale, das der Sonate den Anschein der Viersätzigkeit verleiht (neben der gleichen Tonart noch eine Gemeinsamkeit der beiden hier kombinierten Sonaten!). Ohnehin war es unüblich, ein wehmütiges Adagio ans Ende einer Sonate zu stellen. Also einmal mehr „per aspera ad astra“ („durch raue Pfade zu den Sternen“) – jenes sinfonische Motto, das seit Beethovens Fünfter schon so viele Werke durchzog? Nein, dafür ist der Wechsel bei Urspruch zu abrupt. Der Komponist lässt das Cello bis kurz vor dem Ende wehmütig singen, aber dann unvermittelt Sonnenstrahlen durch die Wolken brechen, um das Werk schwungvoll zum Abschluss zu bringen. Wie in etlichen anderen Urspruch-Stücken fällt auch in der Cellosonate der farbige, anspruchsvolle Klaviersatz auf. Der gemahnt daran, dass der junge Anton bereits früh unter die Fittiche von Franz Liszt genommen und 12

sogar einer von dessen Lieblingsschülern wurde. Sein eigenes Klavierspiel muss exzellent gewesen sein. Umso mehr verblüfft es, dass Urspruch sich als Komponist dann doch zu einem maßvollen Konservatismus bekannte, der sich dem „Revoluzzertum“ der Neudeutschen Schule um Wagner und Liszt am Ende verweigerte. Mochte er seine Karriere auch in Weimar begonnen haben (wie übrigens auch der junge Hiller), so galt er am Ende doch als Frankfurter Komponist. Dort wirkte er am Hoch’schen Konservatorium – und später am RaffKonservatorium – an der Seite von Clara Schumann, die den befreundeten Komponisten ihren eigenen Schülern zum Theorie- und Kompositionsunterricht empfahl. Dass Urspruch der berühmten Kollegin 1895 seine Cellosonate widmete, wird daher niemanden überraschen. Ebenso wenig überrascht es, dass die Stadt Frankfurt im Jahr 2000 ihren beinahe vergessenen musikalischen Sohn mit Gedenkkonzerten zum 150. Geburtstag ehrte. Und auch damals wurde diese attraktive Sonate bereits vom Duo Joanna Sachryn und Paul Rivinius aufgeführt. Verdient hat sie es allemal. Arndt Zinkant

„Cello spielen heißt für mich – Erzählen.“

ie polnische Cellistin Joanna Sachryn überzeugt mit Ausdrucksstärke und einer Persönlichkeit, die sich bewusst nicht in Schablonen fassen lässt. Ihr Debut mit dem Konzert von E. Lalo nach nur vier Jahren Cello-Unterricht weckte große Aufmerksamkeit in der polnischen Öffentlichkeit. Mit 16 Jahren reiste sie mit Konzerten im Rahmen des Jeunesse Musicales nach Paris und London. „The Observer“ pries damals schon die außerordentliche Expressivität ihres Spiels. Mit 17 Jahren wurde Joanna Sachryn die jüngste Solocellistin Polens an der Stettiner Oper. Gleichzeitig absolvierte sie mit Auszeichnung ihr Diplom am Musikkonservatorium Stettin und wurde Preisträgerin nationaler Wettbewerbe. Trotz der Schwierigkeiten durch den Eisernen Vorhang setzte sie ihr Studium in der Solistenklasse bei Professor Gerhard Mantel in Frankfurt am Main und bei William Pleeth in London fort. Weitere entscheidende Impulse erhielt Joanna Sachryn durch Repertoirestudien bei Mstislaw Rostropowitsch und Daniil Shafran. Es folgten zahlreiche Engagements, z. B. mit den Münchner Philharmonikern, WDR Sinfonie Orchester Köln, Staatsphilharmonie Stuttgart, Philharmonisches Orchester Regensburg, Philharmonie Orchestra London, Deutsches Radio Kammerorchester, Korean Chamber Orchester, Chamber Orchestra of Europe, Deutsche Kammerphilharmonie Bremen, Staatsorchester Ploiesti und Oradea Rumänien. Joanna Sachryn ist Cellistin des Kölner Klaviertrios und wirkt in dem von den Cellisten der Wiener Philharmoniker gegründeten Cello Ensemble 5+1 mit. Als Kammermusikerin musizierte sie u. a. mit den Pianisten Günter Ludwig und Justus Franz, dem Geiger Thomas Christian, den Cellisten Johannes Goritzki, Martin Ostertag, Boris Pergamenschikow und Eleonora Schoenfeld, den Kontrabassisten Günther Klaus, Wolfgang Güttler und Boguslaw Furtok. Sie konzertierte beim Schleswig-Holstein Musikfestival, Rheingau Musikfestival, Menuhin Festival in Gstaad, Shanghai Spring Festival, International Cello Festival Katowice, auf internationalen Bühnen, wie dem Wiener Musikverein, London Royal Festival Hall, Cecilia Meirelles Hall Rio de Jeneiro, Santory Hall Tokio, National Art Center und Lotte Concert Hall in Seoul, Beijing National Center for the Performing Arts, Shanghai Oriental Art Center oder Shanghai Symphony Hall. Joanna Sachryn unterrichtet als Gast-Professorin an der Tongji University in Shanghai, Musik Central Konservatorium Beijing sowie an der Shanxi University in Taiyuan. Sie gehört zum Professoren-Team bei Cello Family in China. Sie gibt jährliche Meisterklassen in der Internationalen Musikbegegnungsstätte Haus Marteau. Ab 2020 unterrichtet sie an der Akademie für Musik Berlin. Joanna Sachryn spielt das Cello „Il Canone“ von Urs W. Mächler.

er Pianist Paul Rivinius, Jahrgang 1970, erhielt seinen ersten Klavierunterricht im Alter von fünf Jahren. Seine Lehrer waren zunächst Gustaf Grosch in München, später dann Alexander Sellier, Walter Blankenheim und Nerine Barrett an der Musikhochschule in Saarbrücken. Nach dem Abitur studierte er zusätzlich Horn bei Marie-Luise Neunecker an der Frankfurter Musikhochschule und setzte seine Klavierausbildung bei Raymund Havenith fort. 1994 wurde er in die Meisterklasse von Gerhard Oppitz an der Musikhochschule München aufgenommen, die er 1998 mit Auszeichnung abschloss. Paul Rivinius war langjähriges Mitglied im Bundesjugendorchester und im Gustav Mahler Jugendorchester. Als Kammermusiker profilierte er sich mit dem 1986 gegründeten Clemente Trio, das nach mehreren Auszeichnungen 1998 den renommierten ARD-Musikwettbewerb in München gewann und anschließend als «Rising Star»-Ensemble in den zehn wichtigsten Konzertsälen der Welt gastierte, darunter die Carnegie Hall in New York und die Wigmore Hall in London. Außerdem musiziert Paul Rivinius gemeinsam mit seinen Brüdern Benjamin, Gustav und Siegfried im Rivinius Klavier-Quartett. Seit 2004 ist er zudem Pianist des Mozart Piano Quartet, welches sich durch ausgedehnte Reisen nach Nord- und Südamerika sowie nach Asien internationales Renommee erspielt hat. 2018 erhielt das Mozart Piano Quartet den „Opus Klassik“ für die Einspielung des Klavierquartetts von Georg Hendrik Witte bei MDG Dabringhaus & Grimm. Zahlreiche Rundfunk- und CD-Produktionen dokumentieren seine künstlerische Arbeit, unter anderem mit den Cellisten Julian Steckel und Johannes Moser sowie mit der schwedischen Sopranistin Camilla Tilling. Paul Rivinius lehrte viele Jahre als Professor für Kammermusik an der Hochschule für Musik Hanns Eisler Berlin und lebt heute in München. 17

Pearls from Forgotten Treasures of Romanticism Cello Sonatas by Ferdinand Hiller and Anton Urspruch

rtists of all persuasions experience this dilemma time and time again: to stand in the shadow of an admired master whom one emulates partly voluntarily, partly reluctantly - and from whose overpowering example one always tries to detach oneself. Johannes Brahms, for example, composed for many youthful years with a nod of admiration to Beethoven, who was for him the be-all and end-all – and a “giant”, whom Brahms, in his own words, always heard “marching behind him”. As we all know, music history does not treat all composers well. Many were highly regarded and successful in their lifetimes, yet their works could not maintain their popularity up to the present day. Ferdinand Hiller (“von Hiller” from 1875), friends with Brahms and above all with Clara und Robert Schumann, is one such example. Others were even farther from veritable fame, such as Anton Urspruch, 39 years younger than Hiller and just as esteemed in his lifetime. His symphonies were even compared to Brahms’, although this did not help save the composer from oblivion. All the better that Joanna Sachryn and Paul Rivinius have now brought precious treasures of these two composers back into the limelight. Their cello sonatas thus receive the attention they once received – and deserve. Ferdinand Hiller certainly did not lack attention during his lifetime. His biography is jaw-dropping: the piano virtuoso, conductor and composer knew all the greats of his time and was friends with many of them. Born in Frankfurt am Main in 1811, the talented piano prodigy, who made his debut at the age of ten with Mozart’s C major Piano Concerto, made the acquaintance of Privy Councillor Goethe who wrote a few verses for him in his poetry album. As if that weren’t enough: Hiller also had contact with Grillparzer, Schubert and Beethoven as a teenager. When he was

about 16 he met Felix Mendelssohn who would later become his best friend until a rift between the two in 1842. Hiller must surely have had a convivial and engaging nature. With Chopin and Liszt he was not only on a first-name basis, but he also learned piano techniques from both masters which were previously unknown to him. During his years in Paris, Hiller got to know Rossini, Meyerbeer and Cherubini from 1828. And another great of the era was to remain a lifelong friend of his: Hector Berlioz. This was in stark contrast to Richard Wagner, with whom Hiller was also on friendly terms, but whose music – like that of the entire New German School – he regarded with reservation. And Hiller the composer? His works were performed and usually well-received. Blithe freshness and salon-like elegance were particularly appealing to him – no wonder Hiller also devoted himself to the serenade form regarding works for cello, which avoids the rigour of symphonic concepts in favour of playful melodies and virtuosic techniques. (Which was probably also due to the fact that the cello repertoire up until this time was mostly written “only” by the cello virtuosos themselves; the great composers lacked access to this instrument and usually had to seek advice from precisely these virtuosos). Hiller’s own instrument was the piano, and one can recognise this in his endearingly jovial serenade. As a genre more playful than the sonata form, Hiller’s musical imagination was able to flourish particularly well here. The elegant main theme gives the cello the opportunity to revel in sonorous tones during the course of the movement, when the piano isn’t playing jaunty pizzicati. With a minuet movement, Hiller only seems to divert to the Rococo period – the music remains absolutely Romantic. The cello offers a “gyroscopic” melody which is sequenced several times. In the middle section, the bow voices distinctive sighing motifs which pause in a yearning mood before the dance steps of the minuet resume. The final vivace

movement is tellingly given the title “capriccietto”. The cello and piano compete here at breakneck speed, with the ball being played back and forth note by note. Atmospherically situated near Mendelssohn or Schumann, the charming, salon-like elegance of this serenade may enchant connoisseurs of the cello, especially in the final movement. Later, in his second Cello Sonata, Hiller apparently did not want to enchant so much as the main theme is more sombre and pensive. As a thematic building block however, it is a theme that wants to be carried through. The “non troppo” character of the music seems “Brahmsian” – that is to say: the drama is not taken too far and melancholy triumphs over drama in the end. The cello wallows in rumbling ostinati before a free recapitulation of the theme in which the piano twists and twines its way up almost aloft to the treble in effervescent figures, bringing the movement to a mystical conclusion. The second movement begins like a ballade. The cello sings to the piano, which takes over longingly. However, Hiller did not have an intimate, peaceful moment in mind. The musical ideas are continually taken up in a new light and meander back and forth between the cello and piano. They alternate between overshadowing and brightening before Hiller reaches a reconcilable final cadence with precisely placed pizzicati – which also spiced up his serenade. This is followed by a short scherzo which skips past like a brusque waltz. Even though Hiller withheld a lovely adagio from our ears, he formally concludes the work very convincingly in the final movement. He revives his dark main theme from the opening movement, develops an unruly ostinato motif nearby that wanders to and fro between the cello and the piano, modulating into ever brighter realms until at the last the sonata ends in a sanguine coda. If one asks what the composers Ferdinand von Hiller and Anton Urspruch had in common, the fact that both were highly regarded in the music scene at the

time comes to mind. And these musical threads converged, so to speak, at the Schumanns’ house – meaning both Robert and Clara equally. Robert Schumann was Hiller’s good friend and their connection was close enough for Robert to dedicate his famous A minor Piano Concerto to him. In turn, his wife Clara would become the dedicatee of Urspruch’s only cello sonata decades later, which appears on this CD as the first recording of this work. The young Urspruch was actually teaching in Frankfurt at the Hoch Conservatory as her esteemed colleague. Perhaps Clara also appreciated the talented young Urspruch’s at times “Brahmsian” style – as did their contemporaries? Nevertheless – a similar melancholy is often discernible in this sonata. The romantic, stirring bass in the piano already suggest Brahms’ typical approach to the piano after only a few bars. In contrast, the main theme on the cello, romantic and tender at the beginning, is allowed to sing out several times. The piano develops the theme further and the dialogue between the two instruments becomes so light and clear in expression that it almost seems Classical – as if Urspruch was not rethinking Brahms but rather wanting to hark back to his great mentor, Beethoven. In the following allegro molto, the piano immediately rushes forward with staccato chains, as though aspiring to take the lead. Hereafter, the two instruments virtually scuffle for the lead and one is reminded in this movement that Urspruch’s D major piece is expressly titled Sonata for Piano and Violoncello, not the other way around. What is also astonishing is not only the “Beethovanesque brio” but above all the brilliant compositional craft in which Urspruch is recognised as a master craftsman – as his contemporaries also saw him. A truly melancholy melody pervades the following adagio, forming the emotional core of the piece. This flows on to a short, livelier finale at the end, which gives the sonata the appearance of four movements (in addition to having the same key yet another similarity between the two sonatas featured here!).

Placing a melancholy adagio at the end of a sonata was, in any case, unorthodox. So once again “per aspera ad astra”? (“through hardships to the stars”) – that symphonic motto that has imbued so many works ever since Beethoven’s fifth? Not here – the segue in Urspruch is too abrupt for that. The composer lets the cello plaintively sing until shortly before the end, where then rays of sun suddenly burst through the clouds, bringing the work to a spirited conclusion. Just as in many other pieces by Urspruch, the colourful and demanding piano part of the cello sonata stands out. It reminds us that the young Anton was taken under the wing of Franz Liszt at an early age, even becoming one of his favourite pupils. His own piano playing must have been exceptional. All the more surprising that Urspruch the composer was known for his modest conservatism, who ultimately rejected the “revolutionising” of the New German School of Wagner and Liszt. Even though he had begun his career in Weimar (incidentally, so too had the young Hiller), he was eventually considered to be a Frankfurt composer. That was where he worked at the Hoch Conservatory – and later at the Raff Conservatory – alongside Clara Schumann, who recommended her own students to take theory and composition lessons with her composer friends. The fact that Urspruch dedicated his cello sonata to his famous colleague in 1895 therefore came as no surprise to anyone. Nor was it surprising when the city of Frankfurt honoured their almost forgotten musical son with commemorative concerts for the 150th anniversary of his birthday in 2000. For this occasion, this appealing sonata was performed by the duo Joanna Sachryn and Paul Rivinius. A great honour for all. Arndt Zinkant

“Playing cello means for me telling stories”

he polish-born cellist Joanna Sachryn convinces with her expressivity and a personality which intentionally breaks the mould. Her debut performance of E. Lalo’s concerto after only four years of cello study sparked great interest in the Polish public. Aged sixteen she toured with ‘Jeunesse Musicales’ to Paris and London. Even then the ‘Observer’ extolled her extraordinary expressiveness. At the age of seventeen Joanna Sachryn was the youngest cello soloist at Stettin Opera. At the same time she passed her diploma with distinction at the music conservatory in Stettin and won prizes in numerous national competitions. Although the Iron Curtain was a major impediment, she went on to study with Gerhard Mantel in his soloist class at the Frankfurt University for Music and Performing Arts and in London with William Pleeth. She received decisive impulses through repertoire studies with Mstislav Rostropovich and Daniil Shafran. Numerous performances followed, for example with Munich Philharmonic, WDR Symphony Orchestra Cologne, German Radio Chamber Orchestra, Korean Chamber Orchestra, Chamber Orchestra of Europe, Deutsche Kammerphilharmonie Bremen, State Orchestra of Ploiesti and Oradea Rumania. Joanna Sachryn is the cellist of the Cologne Piano Trio as well a member of the Vienna Cello Ensemble 5+1. As a chamber musician she played among others with the pianists Günter Ludwig and Justus Franz, the violinist Thomas Christian, the cellists Johannes Goritzki, Boris Pergamenschikow and Eleonora Schönfeld, the double bass players Günther Klaus, Wolfgang Güttler and Boguslaw Furtok. She has performed at the Schleswig-Holstein Music Festival, the Rheingau Music Festival, the Menuhin Festival Gstaad, Shanghai Spring Festival, International Cello Festival Katowice, on international stages such as The Musikverein Vienna, London Royal Festival Hall, Cecilia Meirelles Hall Rio de Janeiro, Santory Hall Tokio, National Art Center and Lotte Concert Hall in Seoul, Beijing national Center for the Performing Arts, Shanghai Oriental Art Center and Shanghai Symphony Hall. Joanna Sachryn teaches at the renowned Tongji University in Shanghai; as well guest professor at Beijing Central Conservatoryand Shanxi University Taiyuan. She is a team member of Cello Family in China and gives annual masterclasses in Haus Marteau in Lichtenberg, Germany. In 2020 she takes up a teaching post at the Berlin Academy of Music. Joanna Sachryn plays the cello “Il Canone” of Urs W. Maechler. 24

aul Rivinius (*1970) received his first piano lessons at the age of five. His first teachers were Gustaf Grosch in Munich and Alexander Sellier, Walter Blankenheim and Nerine Barrett at the Saarbrücken College of Music. After leaving the school he also studied the horn as a pupil of Marie-Luise Neunecker at the Frankfurt College of Music and continued his piano studies under Raymund Havenith. In 1994 he joined Gerhard Oppitz’ advanced course at the Munich College of Music, graduating with distinction in 1998. For many years Paul Rivinius was a member of the German Federal Youth Orchestra and of the Gustav Mahler Youth Orchestra under Claudio Abbado. He also enjoyed considerable success with the Clemente Trio, an ensemble founded in 1986, which – after several awards – won the renowned ARD music competition in Munich in 1998 and was subsequently selected as a „Rising Star“ ensemble, resulting in guest appearances in the ten most important concert halls in the world, including the Carnegie Hall in New York and the Wigmore Hall in London. Paul Rivinius also plays alongside his brothers in the Rivinius Piano Quartet, and since 2004 he has been the pianist of the Mozart Piano Quartet, which is performing through Europe, North and South America. In 2018 the Mozart Piano Quartet received the „Opus Klassik“ for the recording of Georg Hendrik Witte‘s piano quartet for MDG Dabringhaus & Grimm. Numerous radio and CD productions document his artistic work, among others with the cellists Julian Steckel and Johannes Moser and with the Swedish soprano Camilla Tilling. Paul Rivinius was teaching for many years as a professor of chamber music at the Academy of Music Hanns Eisler Berlin and is now living as a free-lancing pianist in Munich. 27