EL ARTE FEMENINO

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Arte

FEMENINO

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Arte

FEMENINO

INDICE

Prologo

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Los grandes ojos de Margaret Keane

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Eleonora Ragusa u O’ Tama Kiyohara: pintora japonesa en Sicilia

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Zoya Lerman, una artista no conformista ucraniana

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Giovanna Garzoni - Una pintora barroca inspira un desafio de arte

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Elisabeth Louise Vigee Le Brun, Autorretrato en un sombrero de paja

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Evelyn De Morgan la hermana prerrafaelita que quizas no conozcas

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Tamara de Lempicka ART DECO

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Tina Modotti.

Una mujer de su tiempo

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Matilda Browne, una mujer impresionista olvidada

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El mundo surrealista de Dora Maar

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Bibliografia

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Prologo

A lo largo de historia del arte, en su mayoria no hay reconocimiento al arte de las mujeres, por lo que hay una gran variedad de artistas que en su tiempo marcaron partes de la historia del arte, sin embargo no son muy mencionadas, razón por la que este libro esta dedicado a darlas a conocer y que no queden en el olvido y asi de esta forma aprender un poco más acerca de sus historias tanto personales como las tecnicas de arte que ellas usaban.

Cuenta de mujeres que encontraron la manera de formarse como artistas profesionales a pesar de las limitaciones de su época (durante mucho tiempo, muchas escuelas de arte no permitían la entrada a las mujeres), o de aquellas cuyas carreras artísticas se vieron eclipsadas por la de sus compañeros Muchas artistas femeninas pasadas por alto anteriormente, ahora están ganando reconocimiento y valor, tanto en los museos como en las galerías y subastas. El ARTE FEMENINO revela una historia paralela pero igualmente atractiva del arte para una época que promueve una mayor diversidad de voces.

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Los grandes ojos de Margaret Keane

Nació en 1927 en Nashville, Tennessee, EE. UU. Su nombre de nacimiento es Peggy Doris Hawkins, aunque algunos la mencionan como Margaret Doris Hawkins. A los 2 años, Peggy sufrió una lesión grave en el tímpano. Esto la obligó a aprender a mirar los ojos de la persona que le hablaba para comprender.

Comenzó a pintar a los 10 años y a los 18 años asistió a la Escuela de Diseño de Traphagen en Nueva York durante un año. Después de sus estudios, a principios de la década de 1950, comenzó a pintar ropa y cunas. Al mismo tiempo, Peggy hizo pinturas, mientras experimentaba con kitsch usando acrílico y óleo. (El kitsch también se llama pegajosidad; es una forma de arte u otros objetos que atraen los gustos populares en lugar de los gustos artísticos. Puede ser irónico o humorístico y generalmente se trata de colores y símbolos populares).

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Ya estaba casada y divorciada. con una hija, Jane, cuando se mudó a San Francisco, California. Aquí es donde y cuando conoció a su segundo esposo, Walter Keane. Se casaron en 1955 en Honolulu, Hawaii.Matrimonio con Walter Keane.

Después de su matrimonio, Margaret ayudó a Walter a pasar de los bienes raíces al negocio del arte. Él comenzó a vender sus pinturas en el club The Hungry i en San Fransisco.

Sin embargo, Margaret no tenía idea de la Margaret Keane, The First Grail, 1962, Keane Eyes Gallery. actividad fraudulenta de su esposo; él estaba reclamando crédito por sus pinturas, ya que estaban firmadas como “ Kean e “. Un día visitó el club y se dio cuenta de lo que Walter había estado haciendo. Finalmente, Walter la convenció de que era una buena idea hacer esto, ya que los clientes no se sentirían cómodos si se dieran cuenta de que el artista era otra persona todo este tiempo. Además, la sociedad no aprobaría a una artista divorciada. Incluso hizo que Margaret le enseñara a hacer las mismas pinturas solo, pero sin éxito. Sin embargo, Walter era todo un vendedor. En la década de 1960, la obra de Margaret estaba ganando millones.

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Las pinturas, particularmente las que tienen niños, se hicieron conocidas por sus ojos distintivamente grandes. Se llamaban Keane Eyes y Big Eyed Waifs . Las ilustraciones aparecieron en diseños y objetos de producción en masa. El público los amaba, a pesar de que las críticas fueron negativas.

El público creyó la mentira de Walter. Como si esto no fuera suficiente, Walter era un borracho, un mujeriego y emocionalmente abusivo. Siempre había gente en su casa.

A veces Margaret subía a la habitación para encontrar a su esposo con tres mujeres diferentes. A pesar de esto, Walter estaba muy celoso de Margaret. Tenían una mascota chihuahua y como a Margaret le encantaba, Walter la pateaba todo el tiempo. Ella tuvo que regalarlo. Además, la encerraría en el estudio y la obligaría a hacer nada más que pintar. Fue cuando amenazó la vida de Margaret y Jane cuando encontró el coraje para divorciarse de él, en 1965.

Por desgracia, sus problemas no se detuvieron allí. En una entrevista de radio en 1970, Margaret expuso la mentira de Walter. A mediados de la década de 1980, USA Today publicó una historia en la que Walter afirmó que su ex esposa estaba mintiendo. Ella no dudó y presentó una demanda por difamación contra él y el caso fue a la corte federal.

Durante el juicio en 1986, el jurado les pidió a ambos que crearan una pintura en menos Margaret Keane, Play Time, Keane Eyes Gallery de una hora. Walter se negó a

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dibujar, alegando un dolor en el hombro mientras Margaret hizo una pintura en 53 minutos. recibió $ 4 millones en daños.

Ella nunca consiguió el dinero. Walter ya había desperdiciado todo lo que se habían ganado todos esos años. Walter no dejó de reclamar crédito por sus pinturas hasta su muerte en 2000. Un psicólogo de la corte lo diagnosticó con trastorno delirante. Esto es cuando una persona que de otra manera es completamente normal, tiene una ilusión particular de la que está absolutamente convencido. Por ejemplo, un esposo podría estar convencido de que su esposa lo está engañando o, en este caso, está convencido de que él es el artista y el que merece atención y fama. Margaret no tenía idea de eso, como dijo en una entrevista Después de su victoria legal, Margaret se mudó a Hawái y se convirtió en testigo de Jehová, donde encontró amor y afecto allí. Ella continuó pintando. Sus obras se volvieron más felices: los niños finalmente sonreían y parecían felices, en lugar de estar tristes y sombríos. Hoy, Margaret tiene 93 años, vive en Napa, California, y continúa creando pinturas. Sus obras se presentan en la Galería Keane Eyes , en San Francisco, que abrió en 1992.Inspiración.

Margaret afirma que una de sus principales influencias es Amedeo Modigliani , particularmente en la forma en que pintó mujeres desde 1959. Otros grandes artistas que la inspiraron son Vincent Van Gogh , Gustav Klimt y Pablo Picasso , en la forma en que usa el color, la dimensión y crea la composición de la pintura. Sus Big Eyes se convirtieron en una inspiración para muchos artistas, como Tim Burton y los surrealistas pop Yoshito Nara y Mark Ryden.

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Sus pinturas tambiĂŠn han sido la inspiraciĂłn de varios juguetes y dibujos animados. Por nombrar algunas, Little Miss No Name Dolls , Blythe Dolls y las famosas Powerpuff Girls .

Margaret Keane, City Girl, 1992, Keane Eyes Gallery.

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Eleonora Ragusa u O’ Tama Kiyohara: pintora japonesa en Sicilia

Después de siglos de cierre, Japón se abrió a la influencia extranjera y al comercio en 1853. En sus esfuerzos por ponerse al día con los desarrollos mundiales en tecnología, militar, agricultura y ciencia, el Emperador Meiji, o Meiji el Grande, invitó a científicos y expertos europeos a Japón. En el grupo invitado también había tres artistas italianos que recibieron la tarea de fundar una escuela de arte que capacitaría a artistas jóvenes que luego equipararían el arte japonés con los estilos modernos europeos. Rápidamente, la nueva escuela Kobu Bijutsu Gekko en Tokio abrió sus puertas a estudiantes capacitados en pintura de Antonio Fontanesi, escultura de Vincenzo Ragusa y arquitectura de Vincenzo Cappelletti.

Vincenzo Ragusa, originario de Palermo, conoció a O’Tama en un jardín donde pintaba abanicos. Él se enamoró de ella inmediatamente y le pidió que posara para una escultura.

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A pesar de la diferencia de edad de 20 años, rápidamente se convirtieron en amantes.

O’Tama fue un verdadero pionero. Fue la primera mujer japonesa en la historia que se casó con un artista europeo. También era una pintora experta con el coraje suficiente para pintar de manera diferente. A los 21 años, dejó su amado Japón para seguir a su esposo a Sicilia, afortunadamente junto O’Tama Kiyhara, Retrato, 1883. con su hermana y su cuñado.

Se mudaron a una casa en Palermo, donde O’Tama vivió hasta 1933.Cambió su nombre a Eleonora Ragusa y emprendió un nuevo proyecto emocionante: fundar una escuela de arte japonés en Sicilia donde enseñaría laca, pintura y tejido. Desafortunadamente, después de un par de años, la escuela tuvo que cerrar debido a problemas financieros y complicada burocracia italiana.

La historiadora japonesa y de arte Maria Antonietta Spadaro dice que ... Cuando llegó a Palermo, O’Tama se encontró frente a la totalidad del arte italiano. En cambio, su pintura era variable y ecléctica, adelantada a su época, ya que decidió utilizar técnicas que aún no existían en Japón. Tomemos La noche de la fiesta de la Ascensión (Notte dell’ascensione ): aunque todos los pintores contemporáneos habían representado el

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Monte Pellegrino, ella fue la primera en hacerlo como una escena nocturna. Mostró el monte desde arriba con un cielo nebuloso y linternas que nadie había pintado antes, ya que los postes de las lámparas eléctricas eran una novedad completa para Palermo y otras ciudades italianas. Solo los futuristas se habrían centrado en ellos algún tiempo después de eso.

O’Tama indudablemente trajo innovación al hermético mundo del arte italiano que había temido que el arte del Lejano Oriente contaminaría su expresión artística pura. En cambio, lo enriqueció. El esposo de O’Tama murió en 1927 pero ella permaneció en Palermo. No mucho después de la muerte de su esposo, su extraordinaria historia fue desenterrada por dos revistas japonesas que comenzaron a escribir una historia de portada sobre su vida. Sus parientes japoneses la enviaron a Europa y en 1933 regresó a Japón, después de 51 años de ausencia. Poco después abrió un taller de pintura en Shiba donde enseñó arte y cultura italiana hasta su muerte en 1937.

O’Tama Kiyohara, La bendición de los animales, 1891.

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Zoya Lerman, una artista no conformista ucraniana

La mayor parte de la actividad creativa de Zoya Lerman se produjo en un momento en que el poder soviético gobernaba en Ucrania (nació el 14 de junio de 1934). Intentó integrar su ideología y control en todas las esferas de la vida de los ucranianos. El arte no fue una excepción. Así, después de la década de 1930, surgió el realismo social, un método pseudoartístico que declaraba un concepto de cosmovisión de una sociedad socialista. Este estilo específico no tenía nada que ver con la diversidad artística, la estética y la singularidad de las pinturas. El arte se volvió formulaico porque solo tenía una función: servir a los intereses de la autoridad. En este caso, el principio de “quién no está con nosotros, está en contra de nosotros” fue un tema principal. Los artistas que evitaron el arte oficial fueron perseguidos y hostigados públicamente.

Como resultado, durante muchos años ni siquiera pudieron

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soñar con que sus pinturas formaran parte de ninguna exposición.

Lerman se convirtió en el representante de la segunda ola de la vanguardia: el underground. Esta tendencia fue relevante en Ucrania en las décadas de 1960 y 1980.

Entonces fue considerado una forma radical de resistencia contra el totalitarismo y la autoridad soviética por los artistas. Por lo tanto, el Zoya Lerman, esposa de Patrick, 1999, Museo de subsuelo estaba prohibido.

Arte Moderno de Ucrania.

Sin embargo, una rama del subsuelo (no conformismo) era solo el arte no oficial que permitían las autoridades soviéticas.

Entonces, para ser precisos, Lerman era un inconformista que excluía el aspecto político de sus obras de arte. Sin embargo, luchó por el derecho a expresar su propia cosmovisión artística. A diferencia de muchos de sus contemporáneos, los Sixtiers, ella se propuso solo tareas artísticas.

Las pinturas de Zoya Lerman están llenas de lirismo, sensualidad y matices emocionales que ella pudo reconocer.

Sus personajes son plásticos, elegantes e incluso poéticos. Sin embargo, a menudo están en poses no naturales y sus cuerpos son desproporcionados . Puede parecer que Lerman insinúa que la satisfacción externa es solo una decoración y, a través

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del cuerpo, intenta transmitir el conflicto, la falta de armonía.

Pero ese no es el punto. Lerman simplemente no necesita una reproducción precisa de las personas. Ella no trató de retratar manos, pies, orejas y narices. En cambio, retrató sentimientos y estados: alegría, pasión, tristeza, ligereza, placer, etc.

Uno de los temas que la artista desarrolló activamente en sus obras fue el ballet.

Zoya Lerman, The Lady and the Suitor, 2006, colección privada.

“Ella no citó a nadie, ni a Degas, Picasso o Benoit ... Ella respetó el trabajo, los días de semana y el destino del artista y retrató a estos personajes - elfos en el escenario, convictos en salas de entrenamiento - sin patetismo, sin embargo, con gran amor y plástico. artesanía ”, dijo un crítico de arte Igor Dichenko.

Por supuesto, en el mejor mundo de Zoya Lerman, el color era una herramienta importante. Los colores brillantes enfatizaban las imágenes de su trabajo. La más inusual de sus pinturas fueron las “blancas”. Al artista le encantaba pintar sobre un lienzo blanco con pintura blanca.

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Las parcelas enteras se crearon solo con contornos y sombras.

Esto se debía a que en el mundo ideal de Lerman, un mundo de bondad y belleza, el blanco significaba “amor”. La amabilidad en las pinturas de Lerman fue tomada de la nada. Este rasgo también fue una característica destacada de la propia Lerman.

Sus contemporáneos han contado repetidamente historias desgarradoras sobre ella. Una vez, al recibir el dinero, lo regaló a las personas necesitadas en el camino a casa. Aunque ella misma no sabía el lujo de eso. En otra ocasión, la artista se puso de pie para defender a un ladrón que había intentado robar su bolso de la policía. Lerman sintió pena por las personas indigentes: no tienen ningún recurso para sobrevivir.

Así que podemos considerar el altruismo de Zoya Lerman como uno de los componentes de sus pinturas.

Muchas de las pinturas de Lerman están dedicadas a las ideas de su mundo perfecto. Sin embargo, una serie de eventos en su vida real posteriormente le quitaron toda la luz. La casa de su familia fue destruida por un incendio, le costó mucho lidiar con la muerte de su esposo en 2001, y parecía imposible obtener el apoyo de la familia de su hijo debido a los frecuentes conflictos.

De repente, su vida se convirtió en una tragedia, y como resultado los colores tranquilos y no agresivos desaparecieron de sus lienzos. Habiendo perdido la esperanza de que la luz se manifestara de alguna manera en su vida, comenzó a trabajar en su propio mundo artístico de oscuridad . Entonces ella fue de un extremo a otro. Sin embargo, logró que el contraste del blanco y negro fuera la decoración de su renovado estilo de obras de arte. También delineó la interacción entre el ser

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humano y el mundo externo con entonaciones convincentes.

Zoya Lerman murió el 1 de enero de 2014. Sus pinturas están almacenadas en las colecciones del Museo Nacional de Arte de Ucrania, el Museo de Arte Moderno de Ucrania, la Dirección de Exhibiciones de Arte de la Unión Nacional de Artistas de Ucrania, así como en colecciones privadas en Europa. , Estados Unidos, Israel.

Zoya Lerman, Acróbatas, 1989, colección privada.

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Giovanna Garzoni - Una pintora barroca inspira un desafio de arte

Giovanna Garzoni (1600-1670) fue una pintora e ilustradora científica barroca italiana. Se especializó en pinturas naturalistas de bodegones con objetos de todo el mundo.

Sus pinturas son pequeñas, pero llenas de detalles. Muchos presentan objetos naturales, como plantas, animales, insectos y conchas. Son precisos pero también hermosos, como si Garzoni lograra fusionar la ilustración científica y la pintura expresiva en una sola forma de arte. Sus pinturas altamente realistas reunieron objetos de todo el mundo. Por ejemplo, una pintura muestra un jarrón de porcelana azul y blanco de China lleno de flores que crecen en una parte completamente diferente del globo. Otras obras presentan conchas, insectos, flores, frutas, lindos perritos y obras de arte extranjeras. Garzoni ordenó un gran respeto en su tiempo. Una fuente contemporánea afirma que podría cobrar

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el precio que quisiera, y grandes patrocinadores como las familias Medici y Colonna recolectaron sus obras.

Sus pinturas son ligeras y agradables a la vista, y representan objetos interesantes de una manera naturalista. El estilo y el tema de Garzoni eran muy deseables para su audiencia del siglo XVII, cuando la ciencia y la pintura de bodegones se estaban volviendo populares. Giovanna Garzoni, Florero con flores, melocotón y mariposa. Colección privada.

La italiana Giovanna Garzoni fue, en su época, una exitosa pintora de miniaturas que desarrolló especialmente el género de la naturaleza muerta, aunque también incursionó en el retrato y los temas religiosos. La artista, nacida en Ascoli Piceno en el año 1600, no fue hija de un pintor como solía suceder con las mujeres que llegaron a dedicarse la esta actividad, pero sus progenitores, Giacomo Garzoni y Isabetta Gaia, venían de familias de artesanos. Su talento fue descubierto cuando era aprendiz de un farmacéutico de su pueblo. Una carta escrita por ella en 1620 revela que fue entrenada en la pintura por Giacomo Rogni.

Su primera pintura firmada fue una Sagrada familia, realizada cuando tenía 16 años. Otro de sus más tempranos trabajos fue un libro de caligrafía adornado con frutas, pájaros y flores, que

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fue publicado en 1625.

A los treinta años Giovanna abandonó Venecia para trasladarse la Nápoles con su hermano. En esta ciudad trabajó bajo el mecenazgo del Duque español de Alcalá, pero en sus cartas expresa que allí no era feliz, y al retornar el duque a España la artista se mudó a Turín, aceptando una invitación del Duque de Saboya. En este sitio trabajó durante cinco años y en 1640 viajó la Florencia, donde trabajó para la Corte de los Medici, pintando varios bodegones para el Gran Duque Ferdinando II. Hacia el año 1654 la artista se trasladó a Roma donde fue miembro de la Accademia di Sano Luca (asociación de artistas fundada en 1593), hecho fuera de lo corriente en esa época ya que no era costumbre admitir mujeres, pero consta en los registros que recibió los mismos beneficios que sus pares masculinos.

La obra de Giovanna Garzoni muestra la influencia de Jacopo Ligozzi, pintor, ilustrador y miniaturista que también desarrolló una obra descriptiva de la fauna y la flora de carácter casi científico. Este tema era de gran interes para los Medici, especialmente el duque Ferdinando II y su hermano, el cardenal Leopoldo.

Muchos de los trabajos de Giovanna que hoy sobrevivieron y se encuentran en diferentes museos provienen de la colección cuidadosamente conservada Giovanna Garzoni, Cerezas en una compota de por el Duque Ferdinando II y plata con manzanas de cangrejo en una repisa de piedra y una mariposa Fritillary. su esposa, la Gran Duquesa

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Vittoria della Rovere. Casi 40 obras suyas fueron rastreadas en colecciones florentinas y otras fueron registradas en los inventarios de los Medici de los siglos XVII y XVIII. Las miniaturas de Giovanna, realizadas sobre una especie de pergamino hecho de fino cuero con pintura de acuarela o gouache, muestran una interesante simbiosis entre la convencional naturaleza muerta y el estudio científico botánico. La utilización de un medio acuoso en lugar del óleo les otorga frescura y ligereza. Detalles que dan vitalidad la estas composiciones son la inclusión de insectos y los efectos de luz y sombra, que crean una interacción entre los elementos representados.

Gracias a la Accademia di San Luca, que guardia excelentes registros, se pueden conocer detalles de la vida de esta artista, lo que fue de gran importancia, puesto que en su época solo se hizo una breve mención sobre ella en Meraviglie dell’Arte de Carlo Ridolfi, obra del año 1648. Hay que tener en cuenta que el género que desarrolló era considerado de menor importancia por la historiadores del arte, frente a la figura humana y los temas religiosos. Posteriormente, Lione Pascoli, en su obra Vite (1730-1736) escribe que esta artista tuvo la posibilidad de poner el precio que quisiera por su arte. El éxito con sus clientes le permitió tener una gran independencia económica y algunos mencionan que por este motivo pudo retirarse a la edad de 43 años. wLa artista fue prácticamente desconocida hasta que en 1964 se realizó una exposición de naturalezas muertas en Italia que mostraba algunos de sus trabajos.

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Elisabeth Louise Vigee Le Brun, Autorretrato en un sombrero de paja

Élisabeth Vigée-Lebrun y las mujeres en sus retratos son una referencia famosa para todos los amantes del arte.

Se considera que la pintora francesa, también conocida como Madame Lebrun, ha colocado su estilo en algún lugar entre el de un artista rococó y neoclásico. Como hija de un pintor, el talento para pintar estaba aparentemente en su sangre. Ya en su adolescencia, fue reconocida por su aptitud y pronto comenzó a retratar a personas famosas, habiendo aprendido de maestros como Gabriel François Doyen, Jean-Baptiste Greuze y Joseph Vernet.

Vigée Le Brun fue una artista destacada y obtuvo un gran éxito en la Francia del siglo XVIII. Fue retratista de la reina María Antonieta, miembro oficialmente aceptada de la Académie Royale, y una de las primeras artistas femeninas en obtener reconocimiento internacional.

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Carece de un alto estatus, educación formal e igualdad social, pero aún así se elevó por encima de estas formidables barreras.

Ella siguió una carrera dominada por rivales masculinos, y se convirtió en la retratista más exitosa de su tiempo. Élisabeth Louise Vigée Le Brun fue una potencia de ambición, determinación y trabajo duro. SuAutorretrato en un sombrero de paja muestra esto y más. ¿Por qué las pinturas de retratos a veces son tan interesantes y la mayoría de las veces tan aburridas? Podemos caminar por los pasillos de las galerías de retratos que pasan cara a cara y, de repente, ser sorprendidos por la originalidad de una persona. Su imagen nos cautiva, y a veces no entendemos la razón. El autorretrato de Élisabeth Louise Vigée Le Brun en un sombrero de paja podría ser un retrato así. Es cautivador con sus colores, telas, tonos de piel e implicaciones sociales.

Lleva un vestido de algodón rosa polvoriento conocido como chemise en gaulle y más tarde conocido como chemise à la Reine desde que fue popularizado por la reina María Antonieta en la década de 1780. Está bordeado con volantes blancos alrededor del escote y puños blancos alrededor de las muñecas. Un chal de tela negro contrasta dramáticamente con el vestido mientras se envuelve alrededor de sus codos y cae en cascada debajo de su brazo. Un sombrero plano de paja conocido como chapeau à la bergère descansa sobre su cabello sin polvo. En esencia, el atuendo de Élisabeth Louise Vigée Le Brun está a la altura de la moda francesa de finales del siglo XVIII. Ella es representada como una mujer aristocrática de moda. Sus joyas y ropa caras ocultan sus modestos orígenes de clase media.

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Élisabeth Louise Vigée Le Brun se representa a sí misma sosteniendo una paleta de pintor y siete pinceles en el Autorretrato con sombrero de paja. Globos de pintura adornan el borde de la paleta como perlas en una cuerda adornarían el cuello de una dama. Los accesorios del pintor parecen casi naturalmente íntimos con el atuendo de moda de Vigée Le Brun. La pintura que descansa sobre la paleta resalta los colores en su vestido, su sombrero y el cielo detrás de ella. Los colores de la pintura no son casualidad.

Élisabeth Louise Vigée Le Brun, Autorretrato con sombrero de paja, 1782, Galería Nacional, Londres.

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Las herramientas del artista se representan con amor y delicadeza, y audazmente dicen: “Soy un pintor profesional”.

Vigée Le Brun fue una pintora profesional de la reina María Antonieta y de las principales personas de la sociedad francesa. Tanto hombres como mujeres querían ser pintados por ella. En sus imágenes, fue capaz de combinar la adulación aristocrática y la virtud de la clase media. Ningún libertinaje feo entra en sus imágenes. Son castos, respetables, pero juveniles y atractivos. La belleza interior del alma brilla sobre la belleza exterior de la piel. Élisabeth Louise Vigée Le Brun se pintó en Autorretrato con sombrero de pajacon la elegancia y el atuendo de una respetable aristocrática dama-pintora. Estas implicaciones son 100% intencionales. Vigée Le Brun quiere aparecer ante nosotros como una dama cortesana y como una artista profesional. Nunca ocultó su nacimiento de clase media. Ella lo aceptó, pero no dejó que la definiera en una época en que el nacimiento equivalía al rango destinado, y el rango condujo al éxito destinado. La aristocracia en el pináculo de la sociedad nació alto y se supone que vive alto. La clase media nació media y se supone que vive media. Superar la posición de uno no era el estilo de vida francés ideal del siglo XVIII. Sin embargo, ideal y realidad rara vez se encuentran armoniosamente.

La realidad es que muchos profesionales de clase media se estaban infiltrando en las filas protegidas de la aristocracia a través de salones y mecenazgos. No era necesario ser duquesa para conocer a una duquesa. Las amistades entre señores y abogados se estaban haciendo posibles. No estaban de moda pero eran posibles.

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Élisabeth Louise Vigée Le Brun se infiltró en el círculo más alto que se podía encontrar a finales del siglo XVIII en Francia, y ese fue el círculo deLa reina María Antonieta . Vigée Le Brun se convirtió en su retratista oficial de la corte en 1778 y pintó a todas las principales damas del círculo íntimo de amigos y familiares de la Reina, a pesar de su nacimiento. El talento ahora podría superar el nacimiento. El atuendo de Vigée Le Brun ahora combinaba con su clientela . Vístase para el trabajo que uno quiere, no para el trabajo que uno tiene.

El autorretrato en un sombrero de paja es indudablemente respetable en la vestimenta. Sin embargo, el tema de una mujer artista todavía era arriesgado incluso en la era de pensamiento progresista de la Ilustración. Ser artista significaba ser hombre. La Académie Royale solo aceptó a cuatro mujeres en su institución venerada, esencialmente limitando a las artistas femeninas para que sean vistas como raras excepciones.

Los miembros femeninos no tenían garantizado el espacio de exhibición en el Salón como los miembros masculinos.

No recibieron capacitación artística gratuita en la École des Beaux-Arts. Los miembros femeninos no podían ganar Marie Antoinette in Court Dress, 1779–1788 el codiciado Prix de Rome

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que los miembros masculinos podían ganar permitiéndoles visitar Italia para una exposición artística y educación.

Esencialmente, los miembros femeninos fueron aceptados en la institución pero no obtuvieron muchos beneficios o ventajas de la institución. Vigée Le Brun no fue diferente en su experiencia, pero aun así tuvo un éxito notable en su carrera a pesar de sus desventajas. Élisabeth Louise Vigée Le Brun construye una imagen compleja de sí misma a través de su autorretrato en un sombrero de paja . Las discusiones sobre Rousseau y su esfera natural de domesticidad están siendo cuestionadas. El sexismo está siendo ofendido. Los privilegios de clase están siendo disputados. Vigée Le Brun no permite que su sexo, clase, ignorancia e inexperiencia la definan. Se enseñó a pintar a través de la práctica y la determinación. Se acercó a azafatas influyentes en los salones para construir un sistema de apoyo. Ella comenzó a usar la ropa de moda de sus clientes aristocráticos para poder asociarse fácilmente y trabajar junto a ellos. Vigée Le Brun fue prolífica y pintó más de 660 retratos y 200 paisajes. Vigée Le Brun fue una potencia de ambición, determinación y trabajo duro. Su autorretrato en un sombrero de pajamuestra esto y más. Es la imagen de una mujer. Es un retrato de mujer.

El rey Luis XVI de Francia invitó a la artista de 23 años a Versalles, donde comenzó a retratar a María Antonieta , convirtiéndose en su retratista favorita durante más de diez años. Durante un período de seis años, Vigée-Lebrun creó más de 30 pinturas de la reina y su familia, convirtiéndose en el pintor oficial de

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la familia real casi hasta su desaparición bajo la Revolución Francesa. Gracias a las delicadas pinturas de Vigée-Lebrun, María Antonieta pudo promover una imagen de sí misma como una esposa y madre amorosa, después de haber sido acusada por los críticos de infidelidad sexual, afirmaciones que parecen estar respaldadas por investigaciones contemporáneas.

Entre las figuras en los cientos de pinturas de Vigée-Lebrun, también podemos ver a otros miembros de la realeza, escritores y personas influyentes de finales del siglo XVIII y principios del XIX de toda Europa, ya que se vio obligada a trabajar en el exilio de Francia durante muchos años después de la revolución. . Los temas famosos incluyeron al último rey de Polonia, Stanisław August Poniatowski, así como Aniela Radziwiłłww y Helena Potocka. También ha interpretado a la condesa de la Châtre o la princesa Ana Gruzinsky-Golitsyna.

Es digno de mención que Vigée-Lebrun fue uno de los pocos artistas de su tiempo que pudo sostenerse de su trabajo como una pintora estimada y buscada. Durante sus viajes, fue procesada en la Academia de San Luca en Roma, se convirtió en miembro de la Société pour l’Avancement des Beaux-Arts en Ginebra y se unió a la Academia de Bellas Artes de San Petersburgo.

Las mujeres en sus pinturas son bastante idealizadas. Todos lucen florecientes y hermosos, presentados al público en colores vivos. Sobreviven más de 650 retratos y 200 paisajes pintados por Élisabeth Vigée-Lebrun.

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The Bather, 1792

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Evelyn De Morgan la hermana prerrafaelita que quizas no conozcas

Los estudiosos de la historia del arte regularmente rinden homenaje a la Hermandad Prerrafaelita. La opinión a menudo está dividida sobre este grupo de artistas del ‘club de niños’.

Reescribieron cómo las mujeres fueron retratadas en el arte, mostrándolas como seres sexuales poderosos, sensuales.

Aunque tristemente, a menudo en historias que terminaron mal. Sin embargo, las filas de la hermandad estaban firmemente cerradas para las mujeres como artistas. Podrías ser una esposa, una amante, una musa, una modelo, pero eras un símbolo, no un creador. Sin embargo, un pequeño número de mujeres conectadas a este movimiento se hizo un lugar para ellas. Hicieron arte que es a la vez hábil y absolutamente hermoso. Por ejemplo, Elizabeth Siddal , Marianne Stokes, Joanna Mary Wells y Emma Sandys.

Evelyn De Morgan nació Mary Evelyn Pickering en 1855.

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Su madre fue educada en casa por una madre que sentía que su hija debería tener la ventaja de aprender, tanto como sus hijos.

Las lecciones de dibujo comenzaron a los 15 años y desde ese momento supo que el arte era su vocación en la vida. En su cumpleaños número 17 , escribió: “El arte De Morgan, Demeter Duelo por Persées eterno, pero la vida es corta Evelyn fone, 1906, Wightwick Manor, Wolverhampton, Reino Unido. ... no tengo un momento que perder”. Su madre sugirió que se la ‘presentara’ a la sociedad, que era el protocolo para mujeres agradables, jóvenes y de clase alta en ese momento.

Evelyn respondió: “¡Nadie me arrastrará con un cabestro alrededor de mi cuello para venderme!”

Fue una de las primeras mujeres admitidas en la Slade School of Art de Londres en 1873, y rápidamente desarrolló su propio estilo. En este punto, comenzó a usar su segundo nombre, Evelyn, que era un nombre usado por hombres y mujeres. A lo largo de su vida ella lucharía para ser juzgada por su habilidad, no por su género. Su primer trabajo vendido fue Tobias and the Angel en 1875, y un año después expuso a Santa Catalina de Alejandría en la Galería Dudley de Londres.

Evelyn prepararía dibujos de composición sueltos, a menudo desnudos, y luego construiría sobre la figura con ropa y detalles. Trabajó en óleo sobre lienzo con doble forro.

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Ella experimentó con aceites suspendidos en glicerina, que no fue del todo exitoso. Sin embargo, su uso de aceites de colores pintados sobre pan de oro fue sorprendente. Ella tomó prestado este proceso de las piezas alternativas medievales que vio en sus viajes. Hizo muy poco trabajo o pintura excesiva.

Sus influencias incluyen al pintor y escultor simbolista George Frederic Watts . Lo visitaría en Florencia para sumergirse en los pintores renacentistas . Las amistades con Dante Gabriel Rossetti y William Holman Hunt la llevaron al círculo prerrafaelita.

Se casó con el ceramista, pintor y novelista William De Morgan en 1887. Más tarde utilizó las ganancias de su arte para apoyar su trabajo de cerámica.

La madre de De Morgan, Sophia, fue una defensora de la reforma social. Claramente ambos compartieron sus puntos de vista progresistas.

Evelyn también tenía una política excelente, era feminista y pacifista.

Ella apoyó el movimiento sufragista . Su firma está incluso en la Declaración a favor del sufragio femenino de 1889. Pintó muchas imágenes Evelyn De Morgan, William De Morgan, 1909, Galería Nacional de Retratos, Londres, Reino en protesta por la Primera Unido.

Guerra Mundial y la Guerra Boer, utilizando demonios

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para representar la guerra. Luego vendió para recaudar fondos para la Cruz Roja.

Evelyn murió en 1919, dejando una colección de lienzos de colores vivos y desafiando las expectativas de su género.

Su mensaje de feminismo, el rechazo de la guerra y también el valor de la espiritualidad sobre el materialismo es tan relevante hoy como lo fue hace más de cien años.

La hermana de Evelyn, Wilhelmina Stirling, reunió obras en una colección que finalmente se convirtió en la Fundación De Morgan. Cuidan con cariño las obras de Evelyn De Morgan hasta el día de hoy.

Evelyn De Morgan, El sueño y la muerte Los niños de la noche, 1883 , Watts Gallery, Surrey, Reino Unido..

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Tamara de Lempicka ART DECO

Nacida en una familia de clase alta, con el nombre completo de Tamara Rosalia Gurwik-Gorska tanto su lugar de nacimiento como la fecha del mismo no pueden ser datados con claridad, oscilando entre los años 1895-1989 y las ciudades de Varsovia, Moscú o San Petesburgo.

Su infancia y adolescencia transcurren entre Suiza, Italia, Polonia y Rusia, durante esos años toma lecciones de idiomas y arte, disciplina en la que muestra una gran sensibilidad.

En 1916 contrae matrimonio con Tadeusz Lempicki en San Petesburgo, ese mismo año, nace su hija Kizette. Dos años más tarde se verá obligada a abandonar el país tras el arresto de su marido como consecuencia de los cambios políticos en Rusia. Es entonces cuando se instala en París, donde volverá a reunirse con Tadeusz.

En Francia comienza a tomar clases de pintura, siguiendo

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las lecciones de André Lhote a quien reconocerá siempre como su maestro.

Sus comienzos profesionales los hará como ilustradora de moda. No será hasta 1922, en el Salón d´Automne, donde realizará su primera exposición.

Comienza a frecuentar entonces reuniones que comparte con personajes como Cocteau, Joyce, Colette o Isadora Duncan. Es en esta década cuando su producción Tamara de Lempicka, Autoportrait en un Bugatti verde, 1929, colección privada. se revaloriza, exponiendo también sus primeros desnudos. Realiza distintas muestras individuales y colectivas en el Salon des Indépendants (París), en la galería Bottega di Poesia del conde Emanuele Castelbranco (Milán) o en la Exposition Internationale des Beaux-Arts (Burdeos), donde recibe un diploma de honor por Kizette en el balcón. En 1929, ya divorciada de Tadeusz, realizará su famoso Autoportrait (Tamara en un Bugatti Verde). El 3 de abril de ese mismo año llegará por primera vez a Estados Unidos, donde participará en la 28ª International Exhibition of Paintings (Carnegie Institute de Pittsburgh) con el Retrato del doctor Boucard, El sueño, y Kizette en el balcón.

Es en el periodo de entreguerras donde la producción y la fama de Tamara –como artista y como encarnación de un

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estilo de vida libre– alcanza su máximo apogeo con el respaldo de la sociedad y de la crítica. Pinta retratos de científicos, escritores, intelectuales, y gran parte de la antigua nobleza europea exiliada. Contrae segundas nupcias con el Barón Raoul Kuffner. En el verano de 1932, la artista realizó una estancia en España, visitando Málaga, Sevilla, Córdoba, Toledo y Madrid. En 1934, se reúne en Italia con el rey español en el exilio, Alfonso XIII, a quien le dedica un retrato que se podrá admirar por primera vez en Madrid. Tres años más tarde, en 1937, expone en el Musée du Jeu de Paume la exposición Les femmes artistes d’Europe.

Ante la amenaza de la II Guerra Mundial, Tamara y el Barón Kuffner se trasladan a Estados Unidos, más en concreto a Beverly Hills, donde instalarán su residencia en la antigua casa de King Vidor. Será en el año 1941 cuando inaugura una muestra individual en la Julien Levy Gallery, a finales de año hará lo propio en la galería homónima de Los Ángeles y en las Courvoisier Galleries (San Francisco). En 1943 vuelven a mudarse, esta vez a Nueva York. Al término de la guerra, la artista reabre su famoso estudio de la rue Mechain en París.

Tamara de Lempicka, Joven con guantes, 1929.

Durante las siguientes décadas el advenimiento

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del expresionismo abstracto contribuyó a que el estilo de Lempicka fuera dejado de lado, aunque la artista no detuvo su creación artística en ningún momento. No fue hasta, 1966 cuando el Musee des Arts Decoratifs organiza una exposición conmemorativa en París llamada Les Années ’25, que volvió a levantarse el interés por el estilo de la artista gracias al éxito de la muestra.

En los años 60, y tras la muerte del Barón, traslada su residencia a Houston para estar más cerca de su hija Kizette. Pero en 1978 Lempicka se muda definitivamente a México, donde adquiere una casa en Cuernavaca conocida como “Tres Bambús”, donde pasará los últimos días de su vejez.

Tamara de Lempicka murió mientras dormía el 18 de marzo de 1980. Siguiendo su deseo fue incinerada y sus cenizas esparcidas en la cima del volcán Popocatépetl.

Las obras de Tamara de Lempicka son reconocibles a primera vista, la pintora creó un estilo único que influyó con gran potencia a los estilos modernistas venideros, incluyendo el Pop Art y el Comic.

Tamara de Lempicka, La mujer dormida, 1935.

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Tina Modotti.

Una mujer de su tiempo

Tina Modotti es una fotógrafa cuyo camino es paralelo a los grandes momentos de la historia del siglo XX. Su forma de hacer arte es un testimonio del mundo que la rodea y de sus ojos en él.

Tina Modotti nació en 1896 en Italia en una familia de clase trabajadora. En la década de 1910, a la edad de 16 años, emigró a los Estados Unidos como parte de la gran ola de emigración europea de esta época. Una vez en California, fue notada por su belleza y se convirtió en actriz. Fue el comienzo de Hollywood.

En la década de 1920, fue a México para supervisar la exposición de su esposo (el pintor Robo). El pobre hombre murió allí, pero Tina se quedó y se enamoró del país y su fermento social y cultural. De hecho, en la década de 1920, México acababa de salir de una revolución política y había comenzado una revolución cultural.

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Mientras estuvo en México, Tina Modotti vivió con su amante, el fotógrafo Edward Weston y el agente de su iniciación a la fotografía. Al principio ella era su modelo, pero rápidamente se movió detrás de la cámara y aprendió a usarla.

México fue su musa, solo tomó fotos durante los ocho años que pasó allí. Su trabajo está marcado por las injusticias sociales que encontró. Tomó Tina Modotti, Mujer de Tehuantepec, 1929. fotos de las que nadie ve, las que quedan fuera. Estas fotos están llenas de un gran respeto. A través de ellos, sentimos su reverencia por el país y su gente.

En la década de 1920, México estaba en medio de la reforma agraria. Tina Modotti tomó muchas fotos de campesinos mexicanos, destacando las injusticias que sufrieron. En la siguiente imagen, los campesinos están leyendo un periódico comunista El Machete, cuyo título es “Toda la tierra, no pequeños trozos de tierra”.

En 1927, se unió al partido comunista mexicano y se dedicó a la causa comunista. Una de sus fotos fue utilizada para ilustrar el periódico comunista New Masses.

Una vez en la fiesta, conoció a los muralistas. Estaban

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Campesinos leyendo El Machete , Tina Modotti, 1928

completamente comprometidos con el Renacimiento mexicano a través de su arte. Accesible para todos, glorifica la revolución. Tina se hizo cercana con la pareja Kahlo - Rivera : era la amante de Frida Kahlo y la fotógrafa oficial de Diego Rivera.

Sin embargo, pensó que su trabajo como artista no era lo suficientemente útil, así que lo detuvo para dedicarse al comunismo. En 1930, viajó a la URSS, la patria del comunismo, donde trabajó para International Red Aid. Unos años más tarde, luchó contra el fascismo en España durante su guerra civil (1936-1939).

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Finalmente, regresó a su país adoptivo, México, donde murió en 1942 bajo circunstancias sospechosas. Tras su muerte, Pablo Neruda escribió un hermoso y conmovedor poema en su honor: “Tina Modotti hermana, no duermes no, no duermes tal vez tu corazón oye crecer la rosa de ayer la última rosa de ayer la nueva rosa descansando dulcemente hermana.

Puro es tu dulce nombre pura es tu fragil vida de abeja sombra fuego nieve silencio espuma de acero linea polen se construyo tu ferrea tu delgada estructura ”

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Matilda Browne, una mujer impresionista olvidada

Matilda Browne (1869-1947) fue una artista exitosa a principios del siglo XX, pero desafortunadamente, pocas personas conocen su nombre o su arte en la actualidad.

Matilda Browne mostró talento artístico prometedor temprano en su vida. Al crecer en Newark, Nueva Jersey, recibió una introducción al arte al observar a su vecino, el pintor de Hudson River School, Thomas Moran.

Sus padres apoyaron a su incipiente joven artista. Estudió con muchos maestros, incluidos Moran, Kate y Eleanor Greatorex (hijas de Eliza Pratt Greatorex ), Carleton Wiggins y Julian Dupré. Su madre la llevó a Europa para entrenar cuando aún era muy joven. Y valió la pena. Matilda Browne participó en su primera gran exposición en la Academia Nacional de Diseño cuando tenía solo doce años.

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A Browne le encantaba pintar animales, especialmente vacas y otros animales. También pintó muchas flores, a menudo en coloridos paisajes de jardines. Su pincelada audaz le dio a sus pinturas florales una apariencia exuberante y esponjosa que es fácil de identificar una vez que la haya visto varias veces.

Su estilo se describe mejor como impresionismo, aunque sus escenas de animales pastorales recuerdan la pintura paisajística francesa de Barbizon. También hizo algunas esculturas de animales de bronce.

Matilda Browne se convirtió rápidamente en una artista respetada y exitosa. Su lista de elogios abrió puertas que de otro modo no hubieran sido accesibles para una artista femenina de su tiempo. Cuando era adulta, se mudó a Connecticut, donde pintó en las colonias de arte Cos Cob y Old Lyme. En Old Lyme, ella era la única mujer aceptada en el círculo interno que vivía y trabajaba en la pensión de Florence Griswold . Aunque el grupo no solía ser amigable con las artistas femeninas, a estos hombres les gustaba y respetaba a Browne. Incluso tuvo el honor de pintar una puertaen la casa de la señorita Florence, en la que representaba a dos vacas pacíficas en un paisaje bucólico. Algunas fuentes dicen que su buen sentido del humor la ayudó a encajar con los niños, mientras que otros afirman que su seriedad es lo que los convenció. De cualquier manera, su gran habilidad como pintora hizo que estos otros artistas se dieran cuenta. Su membresía en la Antigua Colonia de Arte de Lyme se conmemora por su inclusión en la Fox Chase de Henry Rankin Poore , un friso juguetón sobre la chimenea del comedor de la señorita Florence.

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Matilda Browne, en el jardín de Voorhee, 1914.

Museo Florence Griswold, Old Lyme, Connecticut.

Browne fue una artista exitosa durante toda su vida. Ella ganó numerosos premios, como una medalla en la Exposición Colombina del Mundo de 1893, y expuso en muchos espectáculos importantes, incluido el Salón de París. Los críticos de arte deliraron sobre ella. Se casó con Frederick Van Wyck en 1918. Van Wyck escribió un libro llamado Recollection of an Old New Yorker en 1932, y Matilda hizo todas las ilustraciones.

Aunque Matilda Browne tuvo tanto éxito en su tiempo, muy pocas personas saben sobre ella hoy. Esta es una historia más común para las artistas femeninas de lo que uno podría pensar, y siempre es bastante frustrante escucharla. La historia del arte abarca mujeres impresionistas como Mary Cassatt y Berthe Morisot. Entonces, ¿por qué Browne se ha desvanecido en la

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oscuridad? Podría ser porque es una doble minoría, en género y nacionalidad. Mientras la investigaba, descubrí que los libros sobre mujeres impresionistas la omiten, presumiblemente porque era estadounidense, mientras que los libros sobre impresionistas estadounidenses tienden a centrarse en los artistas masculinos.

La mayoría de las obras de Browne se encuentran en colecciones privadas. El Museo Florence Griswold es el mejor lugar para ver su arte. Los Idylls of Farm and Garden de 2017 del museo fueron la primera exposición individual de Matilda Browne en más de ochenta años. Parece que este reconocimiento moderno estaba muy retrasado.

Matilda Browne, In The Garden, 1915. Colección privada.

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El mundo surrealista de Dora Maar

Dora Maar (1907 - 1997) recuerda a la mayoría de la gente de Picasso. Pero además de ser su musa y amante, también fue una artista ambiciosa y progresista. Antes de que se conocieran, ya era conocida como una fotógrafa surrealista y defendió los ideales de izquierda de la década de 1930.

Maar estaba destinada a hacerse un nombre en los círculos de arte surrealista . Nacida Henriette Theodora Markovitch, hija de una madre francesa y un padre nacido en Croacia, conoció a quienes encontrarían el surrealismo durante sus estudios.

Maar estudió arte en varias escuelas: la Unión Central de Artes Decorativas (ya una escuela progresiva donde las niñas aprendieron las artes decorativas), la Escuela de Fotografía y la Escuela de Arte de París (l’Ecole des Beaux Arts). Fue allí donde conoció a Jacqueline Lamba, quien luego se casaría con André Breton, uno de los cofundadores del surrealismo.

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Sus primeros trabajos como fotógrafa publicitaria Si se pregunta por qué Man Ray uno de los fotógrafos más famosos de la década de 1930, interpretó a Maar en varias ocasiones , la respuesta es bastante simple: trabajó como asistente para él y se mantuvieron en contacto cercano incluso después, cuando abrió Un estudio de fotografía con Pierre Kéfer en 29 Rue d’Astorg, París.

Dora Maar, Main Coquillage, 1934, Collection El edificio todavía existe al Centre Pompidou, Musée national d’art moderne, París, Francia lado de una hermosa puerta de madera, sin embargo, actualmente alberga un bar de sushi. Gestionaron proyectos publicitarios y trabajaron para varias revistas como Le Figaro Illustré y Beauté Magazine.

A pesar de este elemento comercial, la influencia del surrealismo se infiltró en las obras de Maar. Le gustaba equilibrarse en la delgada línea entre fantasía y realidad, como se puede ver en su anuncio de una botella de aceite para el cabello Pétrole Hahn. La botella yace de costado, pero en lugar de aceite, derrama una maraña de largos y ondulados mechones de cabello.

En 1933, Maar visitó Barcelona y, al año siguiente, Londres, donde fotografió los efectos de la depresión económica

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tras el colapso de Wall Street de 1929 en los Estados Unidos.

Siendo una mujer de ascendencia rica, se sorprendió bastante cuando vio las condiciones de vida miserables de las personas y el enfoque del fascismo. Fueron estas experiencias las que desencadenaron su participación en la política de izquierda en ese momento. Maar formó parte de varias asociaciones ultraizquierdistas y a menudo participó en manifestaciones y conversaciones de café, junto con otros artistas surrealistas.

Se volvió muy activa políticamente en este momento de su vida, cuando todavía tenía solo 25 años.

Esto inspiró a Maar a comenzar a experimentar con fotomontajes surrealistas. Esta técnica se usa a menudo como un medio para expresar disidencia política: fue utilizada por primera vez por los dadaístas en 1915 en sus protestas contra la Primera Guerra Mundial. En la década de 1920, fue adaptada por el constructivista ruso Aleksander Rodchenko como una protesta contra el desequilibrio social en su pais. Incluso hoy, artistas como Peter Kennard usan fotomontajes para expresar su oposición a las dificultades económicas y la carrera de armamentos nucleares. De hecho, el fotomontaje es Dora Maar, Le Simulateur, 1935, Museo J. Paul como una herramienta muy Getty, Los Ángeles, Estados Unidos © Dora Maar EstateArtists Rights Society (ARS). surrealista porque al cortar

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y pegar imágenes juntas, la significación del resultado es a menudo totalmente diferente a las imágenes originales triviales.

Los fotomontajes de Dora Maar, sin embargo, son diferentes a los iniciados por los dadaístas e incluso por algunos surrealistas como Georges Hugnet. Donde los fotomontajes habituales son bastante absurdos, ella crea escenas que casi podrían haber tenido lugar. La mujer que usa un sombrero con forma de estrella es un buen ejemplo: visto desde atrás, podría ser simplemente un sombrero, pero al mismo tiempo, la imagen encaja perfectamente en la iconografía y las ideas surrealistas de la inconsciencia, el sueño y el sueño.

Está claro que Dora Maar se sintió como un pez en el agua en compañía de los surrealistas. Su grupo de amigos incluía escritores, fotógrafos y cineastas que tenían los mismos puntos de vista en la vida. Gracias a sus contactos, pudo participar en varias exposiciones y publicaciones internacionales entre 1933 y 1938.

Maar creó el fotomontaje “ Le Simulateur “ ( The Faker ), inspirado en las fotografías que tomó unos años antes en Barcelona. Reutilizó la foto de un joven acróbata y lo colocó boca abajo en una arquitectura extraña. Al representar su cuerpo de esta manera, el acróbata parece estar deformado, por lo que Maar se refiere a las difíciles condiciones sociales de la década de 1930, que es el preludio de la Segunda Guerra Mundial. El clima político europeo era extremadamente tenso en ese momento y el edificio en el que el acróbata realiza su truco también parece extraño.

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Debes voltear el fotomontaje para verlo. Dora Maar ha colocado una imagen de un ático al revés y ha dibujado los ladrillos a mano. Aunque parezca un sueño, los elementos separados encajan perfectamente.

Monstre sur la Plage ( Monstruo en la playa ) también explora las ansiedades que rodean el desmoronamiento del clima político y la amenaza de guerra. La figura perturbada está mirando el mar, esperando algún evento próximo. Hoy, este fotomontaje puede parecer extraño porque cuando ves una imagen relacionada con la Segunda Guerra Mundial y el mar, puedes pensar automáticamente en el Día D y las batallas en las playas de Normandía. Esto provoca un pensamiento intrigante: ¿fue Dora Maar una clarividente? Siendo francesa, podría haber imaginado a un soldado alemán en la playa. Por otro lado, probablemente aplicó un uso común en el surrealismo al representar al monstruo en un entorno irónicamente idílico, como un mar en calma. ¿Cómo se encontrarían un fotógrafo y un pintor? ¿En una exposición de fotografía? ¿O una exposición de pintura? En este caso, no fue ninguno. Maar se desempeñó como fotógrafo de cine en el set, y a finales de 1935 se conocieron durante el rodaje de “ Le Crime de Monsieur Lange “ de Jean Renoir . Fue Paul Eluard, un poeta surrealista francés, quien le presentó a Pablo Picasso . Su relación duraría casi nueve años, tiempo durante el cual Picasso no terminó su relación con MarieThérèse Walter, madre de su hija Maya. Maar nunca estuvo en paz con su situación, y las tensiones empeoraron cuando Picasso comenzó una aventura con Françoise Gilot, de 21 años, en 1943 (Picasso tenía 62 años en ese momento).

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Picasso ha representado a Dora Maar muchas veces como su mujer llorosa, pero también merece crédito por registrar la creación del famoso “ Guernica “ de Picasso . Ella fotografió las sucesivas etapas de la creación de la pintura en su estudio de mayo a junio de 1937; incluso podría haberlo influenciado durante el proceso creativo. ¿Ves la bombilla en el centro de la pintura? ¿Se habría inspirado en una de sus lámparas fotográficas? Realmente no lo sabemos, pero una cosa es segura: si no fuera por Maar, ¡no tendríamos acceso a estas fotografías raras y fascinantes!

Deprimirse Durante su relación, Maar abandonó la fotografía y comenzó a pintar. En su forma muy persuasiva, Picasso la empujó a pintar en un estilo C ubista , que había dominado durante mucho tiempo. Puedes imaginar que estaba muy celoso de su excelente trabajo fotográfico, así que esta era su forma de mantenerse artísticamente a la vanguardia: sus pinturas iban a eclipsar las de Maar.

Después de romper con Picasso, le compró una casa en Ménerbes, Francia, donde ella se retiró de la vida pública. Maar sufrió un colapso mental (causado por los años de tensión durante su vida con Picasso y, por supuesto, la Segunda Guerra Mundial). Entró en una clínica psiquiátrica, donde soportó un tratamiento violento, incluida la terapia de electrochoque. En su vida posterior, continuó pintando en diferentes estilos, pero nunca volvió a la vida pública.

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Fotografía de Pablo Picasso trabajando en Guernica, tomada por Dora maar, 1937, Museo Reina Sofía, Madrid, España.

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