LaCarne Magazine N111

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europa y latinoamérica

Nº111 - SEP 2021 - AÑO 10

ukelele 80’s el espíritu de la mejor década sigue vivo

EXPERIENCIAS

Nancys Rubias y Fangoria estivalia

investigación Millie Small

ENTREVISTAS

Poolpo - Mauricio Torres V. El Legado - Sôber - Proyecto Sopa - Rockstar P Retroacción - Limbo

MÁS INFO

N111 aÑo 10 sep 2021

SUMARIO

experiencias 06 Nancys Rubias y Fangoria,

46 Mauricio Torres V, prócer de la

10 estivalia, da comienzo su 33 edición

Argentina

fiesta en el Jardín Botánico el 7 de Agosto

investigación 22 Millie Small, la primera estrella internacional del Caribe

música Heavy & Reggae hecha en Bolivia

52 El Legado, orgullo Hard Rock desde

56 Sôber, nos presenta Elegía, un disco muy esperado

62 Proyecto Sopa, honestidad hecha

por el Metal en el nuevo álbum Paradigmas

68 Rockstar P, de Tennessee a Bolivia con la música urbana en el alma

72 Retroacción, decidido Rock peruaentrevistas no desde Lima 42 Poolpo, Pop Rock Alternativo desde 78 Limbo, templanza en el Metal desde la República Dominicana Rosario, Argentina

28 UKELELE 80’s

el espíritu de la mejor década sigue vivo

jefa de redacción y contenidos S. Plata

Diseño, maquetación y edición

Colaboradores

alfonseka, eva maría aroca, omar vega, la chica boom

Pedro Gallardo

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* No nos responsabilizamos de las opiniones de nuestros colaboradores

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EXPERIENCIAS

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Nancys Rubias y Fan fiesta en el Jardín Botánico LEER MÁS

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uy buenas de nuevo a todos! Como siempre, espero que todo vaya bien, y que estéis con ganas de disfrutar de la música. En esta ocasión, os traigo algo diferente a lo que suelo escribir, pero me apetecía mucho darle un espacio, pues fue una experiencia muy gratificante, y me lo pasé realmente bien.

El pasado sábado, 17 de Julio, tuve el gusto de asistir al fantástico Jardín Botánico de Madrid, y a sus “Noches Del Botánico”, con un concierto de la estrella del glam español por

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excelencia, nuestra admirada Alaska, que, junto a su banda Fangoria, nos deleitaron en una velada moderadamente divertida (más tarde explicaré el porqué de eso), que primero fue teloneada por la banda Nancys Rubias, formada por el característico y divertido marido de Alaska, Mario Vaquerizo.

Nancys Rubias y Fangoria, fiesta en el infierno del Jardín Botánico

Además de la popular canción de FANGORIA, digo que fue fiesta en el infierno por el calor sofocante que hacía esa tarde, que con la mascarilla (la sigo llevando, pero estoy harta de ella. Una cosa no quita a la otra), y que aún hacía bastante sol cuando el Jardín Botánico abrió sus puertas para que la gente fuera tomando asiento, y disfrutar de los espectácu-

que también han pagado). ¿A que no es tan difícil de entender la nueva normativa para poder disfrutar de la cultura con seguridad en tiempos de pandemia? Bueno, pues para algunos, sí.

De ahí que diga que fue moderadamente divertida, pues es verdad que ahora tenemos nuevas normas para este tipo de eventos, pero es necesario respetarlas si seguimos queriendo asistir a los mismos, y que ya resulta molesto que a la persona que está a tu lado le llamen la atención unas seis veces porque se salta las normas en todo el tiempo que duraron los conciertos. Sinceramente, me dieron ganas de empujarle grada abajo, pero había que guardar distancia de seguridad, así que me limité a perdonarle la vida con la mirada (risas).

En fin, fuera dramas, porque no quiero más dramas en mi vida…

ngoria los.

Y con una organización aún más estricta ahora por el hecho de la pandemia, me adentré en el espectacular Jardín, en el que hay un pequeño mercadillo, con ropa, bisutería, merchandise, y también había puestos ambulantes con comida y bebida (solo vi cerveza, y yo solo quería agua).

En fin, en el infierno madrileño, a las siete de la tarde, nos fuimos acomodando en nuestros asientos, bajo las instrucciones de que estaba prohibido, lógicamente, beber, comer, y fumar, por el hecho de que no te podías quitar la mascarilla en ningún momento, y también estaba prohibido bailar (levantarse de la silla para bailar, porque si no, las personas sentadas detrás no pueden ver el concierto por el

Nancys Rubias

Ellas, las Nancys, se encargaron de empezar la fiesta, con un concierto de aproximadamente cuarenta minutos, en el que nos hicieron bailar (sentados), Mario, tan locamente divertidas son sus extravagancias, y su peculiar estilo que termina enganchando a todos sin excepción, apareció con un traje de transparencias.

Nos amenizaron con temas como El Alfabeto Nancy, en el que se hizo un pequeño homenaje a Raffaella Carrá, pues al nombrarla,todo el público hizo una ovación al unísono. Eso fue bonito.

También nos hicieron cantar a pleno pulmón con sus temas más que conocidos como Peluquitas, o Me Encanta (I Love It), y un tema que, al menos yo, no había escuchado, ni la versión de las Nancys, ni la canción original, y que ahora no me lo puedo quitar de la cabeza. Estoy hablando del tema Dance With Somebody de Mando Diao, que en este caso fue interpretado en castellano, y realmente me gustó muchísimo.

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Llegó el «momentismo absoluto» de Fangoria

Tras una fiesta total que fue el concierto de las siempre glamurosas Nancys Rubias, se hizo una pausa de treinta minutos para poder beber algo, o ir al baño. Yo no hice ni una cosa ni otra, pues estaba de gente hasta arriba, y la situación me resultaba un poco contradictoria. Así que sí, aguanté todo el espectáculo de Fangoria sin beber nada, casi me salía polvo de la boca…

Pero ya cuando estaba a punto de momificarme por el calor, se hizo de noche, y la noche trajo consigo una brisa de aire fresco que me hizo revitalizarme de nuevo.

Entonces, empezó el gran concierto de la reina del glam español, con la que muchos de nosotros hemos crecido, y, de una forma u otra, sentimos admiración hacia esta pequeña gran mujer, con la que hemos aprendido, sobre todo, a no tener miedo, ni vergüenza, de ser nosotros mismos.

Nos ofreció un concierto de casi dos horas, pero que se me hizo realmente corto, pues me lo pasé fenomenal viendo todo el decorado escénico, con pantallas gigantes, bailarines, cambios de vestuario, etc.

Acompañada, por supuesto, de Nacho Canut, la otra mitad de Fangoria, Rafa Spunky, otra parte imprescindible en la banda (coros, y bajo), y nuestro amigo J. Horror, de la banda Generador, a la cual entrevisté recientemente, que se situaba a las guitarras.

Empezó igual que acabó, con un sol gigante, similar al de los Teletubbies, en una de las pantallas gigantes. Y mientras tanto, la fabulosa Alaska interpretó canciones de toda la vida, como A Quién le Importa, o Perlas Ensangrentadas, canciones muy sonadas para los fans de Fangoria, como Geometría Polisentimental, Espectacular, o Dramas y Comedias, también sonaron canciones de su álbum Extrapolaciones y Dos Respuestas, como La Revolución Sexual de La Casa Azul, la mítica canción Soy Yo de Marta Sánchez, o Historias de Amor de la banda O.B.K.

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Entre tanto, los bailarines con coreografías casi imposibles para cualquier mundano, imágenes que me fascinaban en las pantallas, luces de colores, y mucha fantasía. Si hay algo que me gusta de las canciones de Fangoria son las letras de sus canciones, con mensajes claros, y llenos de verdad, como el tema Momentismo Absoluto.

Para finalizar, la gran fiesta, que aunque estábamos sentados, terminé exhausta de tanto aplaudir, de dar pisotones al suelo de las gradas, que en algún momento pensé que se venían abajo. Como no nos podíamos levantar de los asientos, no podíamos hacer la ola, por lo que rápidamente buscamos alternativa (risas).

Pero eso sí, al final del concierto todo el mundo en pie, aplaudiendo, gritando, y agradeciendo por el gran espectáculo que acabábamos de ver.

Fue una noche inolvidable, además, en la compañía de mi hermana y cuñado. No podía pedir más.

Espero que os haya gustado esta crónica del concierto de Nancys Rubias y Fangoria, que yo creo que son más que conocidos, sobre todo en España y México, pero, por si acaso no los seguías, o si te han gustado, te dejo los enlaces a sus redes sociales y plataformas digitales, para que los escuches y vivas cada día con mucho glamour, amor, color, y fantasía. ¡Hasta la próxima!

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Estivalia

dará comienzo su 33ª edición el 7 de Agosto

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stivalia se prepara para volver a llenar las calles y plazas de los pueblos de la provincia de música, danza y teatro. El pasado 27 de Julio el presidente de la Diputación Carlos Carlos presentaba la 33ª edición de Estivalia que llegará a 20 municipios con la actuación de 20 artistas de muy variados estilos y de muy alta calidad.

El ya consagrado programa de la Diputación de Cáceres, Estivalia cobra un sentido especial, ya que su diseño original es para disfrutar de las noches de verano al aire libre, en las plazas, en los parques, en los espacios abiertos de los municipios de la provincia.

Estivalia llegará a 20 municipios de Cáceres con música, danza y teatro

Estivalia llega cuando aún hay que ser muy cuidadoso con las medidas sanitarias y de seguridad debido a la pandemia. Así lo ha recordado el presidente de la Diputación de Cáceres, Carlos Carlos, quien, junto al diputado de Cultura y Deportes, Fernando Grande Cano, ha presentado la 33 edición de un veterano programa que comenzaba en la década de los ochenta.

Desde entonces Estivalia ha ido evolucionando y ampliado el número de municipios al que llega un programa con el que se quiere facilitar que todo el mundo pueda disfrutar de actuaciones y citas culturales de calidad, ya sea en un pueblo más grande o más pequeño.

Esta 33ª edición de Estivalia se celebrará del 7 de Agosto hasta el próximo 12 de Septiembre, una edición que este año viene cargada de teatro, folk, flamenco, música fusión, son cubano y ritmos africanos.

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El presidente de la Diputación de Cáceres ha destacado que el programa de Estivalia es un ejemplo más del compromiso que tiene la Diputación con la cultura. La inversión de la institución en éste y otros programas culturales ha alcanzado este año la cifra de 4.200.000 euros, cantidad que ha hecho posible que se celebren Muro Crítico, Noches de Santa María, Ritmo y Cadencia, Cine de Hoy, el programa Te Recuerdo o Cultura Crea Turismo, o el Plan Activa Cultura y Deporte entre otros.

A diferencia de la pasada edición de Estivalia en la que se decidió limitar las actuaciones a grupos de la región, cumpliendo así con las recomendaciones sanitarias, esta nueva edición de Estivalia recupera las actuaciones nacionales e internacionales, además de las regionales.

Estivalia pasará en su 33ª edición por un total de 20 municipios en los que disfrutaremos de un cartel muy variado y para todos los gustos. Folk con Alkonetara Folk, Aulaga Folk, El Pelujáncanu, Mayalde o Muérdago Folk; fusión, la de flamenco-pop de Darío González, la de rumba-funk-latin-ska de La Ganga Calé, la de Los Niños de los ojos rojos, la de Miguel Caldito con sus ritmos de rumba-rockreggae-ska o la del funnky-reggae-groove de Seventh Sun. Pero Estivalia también contará con la música africana de Sü; flamenco con Flamencas.son o Pablo Moreno; el pop-rock de La Banda de Peter Pan; las baladas de Malizzia & Malizzia, o el son cubano de Septeto Naborí.

Y por supuesto, Estivalia también nos trae representaciones teatrales de las obras de

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Zteatro –“Hermes y el vigía de 100 ojos”-, De Amarillo Producciones Teatro –“El carro de los cómicos de la legua”-, Maltravieso Teatro –“Cómicos bucónicos”- o María Melo Producciones Teatro –“El juego de los embustes”-.

de Agosto en la localidad de Galisteo.

Para que no os perdáis nada, os dejamos a continuación toda la programación completa por fechas, municipios y actuaciones. Tomad nota!

El espectáculo propuesto por Pablo Moreno abre la puerta a la representación de un café cantante que invita a escuchar el pasado mediante un recorrido por algunos cantes que parecen olvidados y por otros interpretados con más asiduidad.

Programación completa de Estivalia 2021 Sü (World Music Africana)

7 de Agosto – GALISTEO Plaza de España a las 23:00h Sü comenzó en la música tacndo la batería en algunas agrupaciones de Rock hasta que descubrió el Djambé, instrumento que le hizo colgar las baquetas. Un tiempo después estudió percusión en Harlem y más tarde decidió ampliar sus conocimientos sobre la percusión africana viajando a Guinea y allí, en África su vida cambió por completo.

A su regreso al viejo continente y establecida en Holanda, comenzó a tocar la percusión en una banda llamada Kuife in Afrika, banda que también se acompañaba de danzas africanas.

Pasado un tiempo regresa a España y se ubica en Alicante donde forma parte de varios grupos de música y danza tradicional africana con grandes músicos de Guinea y Ghana.

Tras su experiencia con estas bandas, decide regresar a su tierra, Montijo, donde decide comenzar a componer sus propios temas con una clara intención de despertar conciencias, en la defensa de las personas migrantes, por los derechos humanos, por la paz, a la libertad y por un mundo sin fronteras.

Así es como comenzó a brotar en Sü el germen de Afrikando. En 2016 decide grabar su Ep para hacer llegar al mundo sus mensajes cantados, grabando con músicos de Angola, Cabo Verde, Portugal y España. Podremos verla en esta edición de Estivalia el próximo 7

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Pablo Moreno (Flamenco)

8 de Agosto – ABADÍA Plaza de España a las 23:00h

El artista placentino ha estado ligado desde pequeño al mundo del arte y la cultura, y fue con 15 años cuando decidió comenzar su formación artística. Después de terminar sus estudios de bachillerato decide estudiar Pedagogía en la Universidad de Sevilla, ciudad en la que tambié deicde continuar ampliando y perfeccionando sus conocimientos sobre el cante flamenco. Allí estuvo estudiando en la prestigiosa escuela Fundación de Arte Flamenco Cristina Heeren y en el conservatorio profesional de cante flamenco Cristóbal de Morales.

Desde entonces no ha parado de recorrer los escenarios de toda España y en esta ocasión, podremos disfrutar de todo su arte en esta edición de Estivalia el próximo 8 de Agosto en la localidad de Abadía.

María de Melo teatro El juego de los embustes 13 de Agosto – LOGROSÁN Casa Cultura a las 21:30h

Una comedia al más puro estilo clásico donde nadie es quien dice ser y todos quieren ser quienes no son. Una representación teatral en la que el público es partícipe directo jugando a averiguar quién es quién.

El juego de los embustes es una farsa y a veces un vodevil y, sin duda es, una comedia de engaños y de enredos; obra en verso ambientada en la pompa del siglo XVIII, amores y desamores, esgrima con floretes, vestuario de época, bailes y canciones, líos y más líos de condesas, criadas y libertinas, de lacayos, se-

ñores y truhanes que con lujo de detalles dan rienda suelta con ironía y picardía al engaño, la mentira, la traición…

En esta edición de Estivalia la compañía de María de Melo representará la obra El Juego de los embustes, teatro y comedia para disfrutar de una fantástica noche de verano.

Aulaga Folk (Folkore)

13 de Agosto – PINOFRANQUEADO Plaza a las 22:30h Aulaga Folk llevan en activo desde que se crearan en el año 99 y el objetivo principal de la formación es que la cultura popular no se olvide y sea reconocida; por ello la presenta de un modo más cercano y acorde a un público más joven; a los nuevos oyentes del siglo XXI, el futuro de nuestra tradición.

La sensibilidad por la música les lleva a escuchar distintos temas de su tierra y de la voz de sus habitantes, para lograr un repertorio que se nutre de los cancioneros populares y de la cultura oral, que Aulaga Folk reelabora con elementos tradicionales y con la fusión de otros instrumentos y músicas, pero siempre manteniendo la raíz original y el son de lo antiguo.

Aulaga Folk celebra su 20 Aniversario y presenta para el 2021 su cuarto trabajo de estudio titulado «Como siempre lo hemos hecho 2.0 Aniversario».

Canciones recogidas y recopiladas por toda la geografía extremeña, entre ellas están La Enramá de Pinofranqueado, Ahigaleñas de Ahigal, Ánimas de Las Hurdes, Pimentoneras de La Vera, La Velá de Casar de Palomero, Kikirikí de Ceclavín, Romance de la dama y el caballero de Robledillo de Gata, Otoño Mágico, dedicada al Valle del Ambroz, entre otras composiciones propias.

Estivalia y Aulaga Folk nos traen el folklore de nuestra tierra del que disfrutaremos en próximo 13 de Agosto en Pinofranquedado.

Malizzia & Malizzia (Baladas)

14 de Agosto – CAMPO LUGAR Plaza a las 23:00h María José Montaño y Manuel Pruaño, componentes de este dúo llamado Malizzia & Malizzia, triunfaron en el año 1996 con su tema Y no puedo más.

Para Malizzia & Malizzia ha llegado el momento de celebrar con todos sus fans y seguidores lo mejor de su carrera profesional. Para conmemorar sus 25 años sobre los escenarios han editado un trabajo muy cuidado, un recopilatorio de sus temas más representativos, con nueva producción y arreglos, y a las que han sumado algunas colaboraciones muy cercanas.

En este trabajo discográfico han contado con artistas de la talla de Lucía, Carmen Plata, Cheché Álvarez, Juana Valderrama, María Vidal, Pascual González y Cantores de Híspalis o Pablo de La sonrisa del guirre, entre otros.

Malizzia & Malizzia pasarán por esta edición de Estivalia en la que disfrutaremos de sus mejores canciones el próximo 14 de Agosto en la localidad de Campo Lugar.

Darío González (Fusión Flamenco-pop) 15 de Agosto – VILLA DEL REY Plaza Mayor a las 23:30h

Darío González es una apasionado de la música y tras su paso por la banda Malapata Band, dedice emprender su carrera en solitario.

Tanto solo en el escenario como arropado por sus compañeros, Darío lleva la mediocridad y lo cotidiano al extremo, haciendo que un simple gesto como el de coger una guitarra y cantar una canción pueda transportar a un recuerdo, a un sentimiento.

Conservando esencia y carisma, añadiendo además un pequeño lavado de cara, De Fresa y Menta, su último disco capitaneado por Aitor Moya a la producción, es una apuesta de futuro. Se trata de un disco que mezcla lo LaCarne Magazine

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cremoso y tierno con lo salvaje y fresco de la vida, un disco en el que se mezlcan los sonidos del Rock, la Rumba, el Flamenco o el Pop. Darío González pasará por el escenario de Estivalia en próximo 15 de Agosto en la localidad de Villa del Rey, donde disfrutaremos de una noche rumbera y con mucho arte.

Flamencas.son (Flamenco)

16 de Agosto – CASAS DE DON ANTONIO Plaza España a las 22:00h Flamencas.son es un tributo a la mujer en el flamenco, su espectáculo esta fundamentado en las creadoras que marcaron estilo y que durante muchos años estuvieron a la sombra de las figuras masculinas de su época, épocas difíciles para las mujeres en general y para las flamencas en particular. Un proyecto musical que apuesta por un estilo repleto de matices, que transitan desde el flamenco extremeño hasta los cantes autóctonos de la geografía andaluza Hoy tenemos la representación de esta figura femenina flamenca en el espectáculo de cantaoras extremeñas, un proyecto para disfrutar y sobretodo para adquirir una nueva perspectiva del cante flamenco desde la figura de la mujer.

El espectáculo ofrece un directo fresco, sólido y compacto, puramente extremeño. Cada artista intervendrá con cantes en solitario y algunos en grupo acompañados de coros, palmas, percusión, y baile flamenco en función de los cantes interpretados, que hacen de esta jornada de lo Jondo un momento para disfrutar de los mejores cantes, toques y bailes, de estos artistas tan personales que forman parte de un pequeño grupo de los “Flamencos de Extremadura”.

Estivalia nos trae un espectáculo flamenco de la mano de Flamencas.son que nos harán disfrutar del cante, el baile y el arte flamenco el próximo 16 de Agosto en la localidad de Casas de Don Antonio.

La Ganga Calé (Fusión rumba, funk, latin y

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ska)

17 de Agosto – LOSAR DE LA VERA Plaza 10 de Mayo a las 0:00h La Ganga Calé se definen como banda mestiza con fusión de músicas como el funk, reggae, rumba, ritmos latinos, ska que los hace conectar tanto con los jóvenes, como con sus padres e incluso abuelos.

Durante 2019 la banda madrileña dan forma a su segundo trabajo Jungla Magnética, que ve la luz a comienzos de 2020 en la que han contado con las colaboraciones estelares de arstistas de la talla de María Peláe, Adriá de La Pegatina, Pulpul de Ska-P o Tony de Eskorzo.

A estas colaboraciones se suman las de varios músicos como percusionista cubano Pedro Pablo Rodríguez (Chucho Valdés, Luz Casal) o Julián Olivares con su tres cubano.

La Ganga Calé pasarán por esta edición de Estivalia para hacernos disfrutar de su particular sonido el próximo 17 de Agosto en la localidad de Losar de La Vera.

La Banda de Peter Pan (Pop-Rock) 19 de Agosto – LA PESGA Plaza del Collado a las 23:00h

La Banda de Peter Pan cuentan con dos discos publicados en los que encontramos canciones propias, nacidas en el alma y difundidas con el corazón. Otro de los aspectos que mayor éxito produce en el público es el sello personal de La Banda de Peter Pan, familiar y cercano, entrañable y atrayente de las canciones que tienen una gran variedad rítmica: rock, rumba, flamenco, reggae, salda, pop, etc.

La Banda de Peter Pan se caracteriza por ser apto para todas las edades, con mensajes muy directos que transfieren, entre otros valores, el compromiso con la inclusión social, con numerosas referencias en las letras de los temas.

Una de las peculiaridades más distintivas del grupo es la presencia en el escenario de su propio Peter Pan, Miguel Ángel, batería que, con solo 14 años, impregna las actuaciones

de una magia especial por su habilidad con las baquetas y por su descaro escénico, que domina desde su rinconcito preferido entre bombo, cajas y platillos.

En esta nueva edición de Estivalia, La Banda de Peter Pan nos hará disfrutar con su repertorio el próximo 19 de Agosto en la localidad de La Pesga.

Muérdago Folk (Folklore)

20 de Agosto – SANTIBÁÑEZ EL ALTO Plaza de las pilas de las Zorras a las 22:00h Muérdago está unido a la música tradicional a través del rabel. Y es el rabel el instrumento predominante en todas sus canciones, ya sean tradicionales o composiciones propias.

Las canciones tradicionales que Muérdago incorpora a sus repertorios, en su mayoría, están localizadas y recogidas en distintos trabajos de campo en todo el valle del Tiétar; toda la comarca de la Vera cacereña y todos los pueblos del valle del sur de Ávila, con algunas rabeladas aprendidas en los intercambios con el rabel cántabro, y la bandurria asturiana de LaCarne Magazine

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sus amigos Miguel Cadavieco y Dani García de la Cuesta.

Muérdago Folk nos harán disfrutar en esta edición de Estivalia de la música tradicional y del folklore el próximo 20 de Agosto en la localidad de Santibáñez El Alto.

Zteatro – Hermes y el vigía de 100 ojos 27 de Agosto – BOHONAL DE IBOR Plaza de España a las 22:30h

Zteatro nos presenta en esta edición de Estivalia la obra teatral de Hermes el vigía de 100 ojos, un espectáculo multidisciplinar, donde se mezcla el teatro gestual, el circo y la música en directo, con diferentes elementos como, zancos, bola de equilibrio, patinetes, o bolas de contac, además de fuego y acrobacia aéreas.

La representación de esta obra de la mitoligía griega nos cuenta los escarceos amorosos de Zeus con Io, de cómo éste la convierte en una ternera blanca para que su mujer Hera no descubra su infidelidad. Pero Hera se da cuenta de todo y le pide a Zeus que le regale la ternera, animal que pone al cuidado de de Argos, un monstruo de cien ojos, guardián muy efectivo, pues sólo algunos de sus ojos dormían en cada momento, habiendo siempre varios otros aún despiertos.

Zeus mandó a Hermes que matase a Argos para recuperar a Io, todos los ojos de Argos cayesen dormidos, y lo decapitó. La diosa Hera para conmemorar a su fiel guardián, hizo que los cien ojos de Argos fuesen preservados para siempre en las colas de los pavos reales.

Podréis disfrutar de esta maravillosa representación teatral que nos trae Estivalia y Zteatro el próximo 27 de Agosto en la localidad de Bohonal de Ibor.

disco, reggae, ska y funk con música tradicional de origen balcánico, irlandés y extremeño entre otras, aunque en este último trabajo sorprenderá su fusión.

Cuentan con un directo potente, sorprendente y en esta gira «HARD FOLK» además nos mostrarán la madurez del grupo y la originalidad de su fusión. Imposible nombrar la participación realizada en festivales de reconocido prestigio y la extensa vida artística de este grupo que rompe fronteras y conquista escenarios.

Los Niños de los Ojos Rojos aseguran una buena fiesta en esta edición de Estivalia, fiesta que disfrutaremos el próximo 4 de Septiembre junto a todos los vecinos de San Gil y todos aquellas personas que quieran acercarse a esta localidad.

Mayalde (Folk)

5 de Septiembre – CABEZUELA DEL VALLE Paraje de la Virgen a las 22:00h Mayalde es un grupo de música tradicional con sabor ancestral que desde hace 38 años se ha especializado en la recuperación de la música del alma. Escuchar sus conciertos es casi indescriptible, porque el mundo de las sensaciones que provocan es inabarcable.

Sus espectáculos tienen una puesta en escena llena de encanto, utilizan cualquier objeto cotidiano, desde cucharas, orinales, escobas, cazuelas, morteros, vasos, platos, tijeras de esquilar, huesos, bombos, acordeones, calderos, sartenes, badiles, regaderas, aceiteras, tapaderas, gaitas, etc, junto con otros de su propia construcción, conforman la base instrumental.

4 de Septiembre – SAN GIL Plaza a las 23:30h

Su capacidad de renovación y de investigación se acrecienta cada día y año tras año nuevos instrumentos, nuevos brindis, nuevos cantares y nuevas historias hacen las delicias del público, que no duda en participar con ellos en su espectáculo.

Los Niños de los Ojos Rojos son una banda internacional de folk que fusiona hip hop,

En esta edición de Estivalia la banda Mayalde nos trae su espectáculo del que estamos

Los Niños de los Ojos Rojos (Folk-fusión)

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seguros que disfrutaremos enormemente el próximo 5 de Septiembre en la localidad de Cabezuela del Valle.

Miguel Caldito (Fusión rumba-rock-reggae-ska) 7 de Septiembre – BROZAS Plaza de toros a las 22:00h

A Miguel Caldito el nombre artístico le viene de fábrica. Caldito es su apellido real, y no se nos ocurre ningún alias mejor para un músico que mezcla con tanta sustancia en el caldero de su guitarra estilos como la rumba, el flamenco, el rock, el reggae o la cumbia.

Nadie como él agita una coctelera en la que los ingredientes son el rock, la rumba, el flamenco… Acaba de presentar su último disco, Revolución Bailable, que compuso en Chile a ritmo de cumbia y en el que ha contado con la colaboración de artistas latinoamericanos, como Evelyn Cornejo o Chico Trujillo, una leyenda de la cumbia.

El músico extremeño, denominación de origen pata negra, ha recorrido el mundo con su guitarra y en esta edición de Estivalia disfrutaremos de sus sonidos en próximo 7 de Septiembre en la localidad de Brozas.

De Amarillo Producciones – El carro de los cómicos de la legua 8 de Septiembre – ALMOHARÍN Plaza de España a las 22:00h

Con la intención de servir de homenaje a la picaresca de nuestro teatro más universal, sobre el tablado de madera de este Carro preñado de historia e historias saltarán los versos agridulces de Calderón, la prosa directa de Cervantes, los ácidos consejos de Quevedo, la pícara literatura de Quiñones, sin olvidarnos de nuestros romances anónimos que, de boca en boca, fueron recorriendo las ciudades, pueblos y villas de nuestra geografía.

Un puñado de pícaros cómicos representarán un curioso acopio de jaranas, refranes, entremeses, pasos, romances y canciones de

nuestros viejos autores del Siglo de Oro. Todo ello de la mano de la compañía de teatro De Amarillo Producciones que pasarán por Estivalia el próximo 8 de Septiembre en la localidad de Almoharín.

Alkonetara Folk (Folklore)

10 de Septiembre – CASAS DE MILLÁN Polideportivo a las 22:00h El grupo Alkonetara Folk surgió en el año 1976, en plena transición, como fruto de ilusiones de un grupo de jóvenes cargados de sueños y rebosantes de altruismo.

En 1990 se interrumpió la actividad del grupo hasta el año 1995, en el que se retomó para grabar el disco Gritarán las piedras. A lo largo de los años han sido muchos los músicos que han pasado por la banda que en la actualidad cuenta con un total de nuevo componentes.

Con el pasar de los años se han introducido instrumentos nuevos como la batería, el bajo, la guitarra acústica y el cajón, todo esto para darle un aire nuevo y mejorado.

Alkonetara Folk traerán en esta edición de Estivalia el folklore y algunos temas populares de Garrovillas de Alconétar. Será el próximo 10 de Spetiembre en la localidad de Casas de MIllán.

Maltravieso Teatro – Cómicos Bubónicos

11 de Septiembre – ZARZA DE GRANADILLA Casa de Cultura a las 22:30h La intención de Maltravieso Teatro es crear, siempre dentro del mundo de las Artes Escénicas, una estructura legal y eficiente que permita la generación de productos culturales de calidad, la aportación a la sociedad de contenidos desde la creación libre, el trabajo digno para los profesionales del sector, el apoyo a nuevas iniciativas escénicas, la articulación de proyectos como apoyo a iniciativas institucionales y la ampliación de ofertas culturales para el público de Cáceres y su entorno.

Isidro Timón y Amelia David son los principales responsables y creadores de esta comLaCarne Magazine

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pañía de teatro que nació allá por el 2015.

Esta obra titulada Cómicos Bubónicos nos traslada a siglo XVII cuando una compañía de cómicos italianos llega a nuestra puerta huyendo de la peste bubónica que asola Italia.

Han cruzado Francia y bebido de su teatro, saben lo que pasa en Inglaterra y, en su largo viaje, perseguidos de cerca por la pandemia, han aprendido y regalado su saber y técnica de Comedia dell ́Arte, como ahora hacen para nosotros.

Maltravieso Teatro pasará por las tablas de Estivalia con esta representación el próximo 11 de Septiembre en la localidad de Zarza de Granadilla.

Septeto Naborí (Son Cubano)

11 de Septiembre – ZARZA LA MAYOR Plaza de toros a las 22:30h Si al exquisito sabor de los sones boleros y guarachas del Septeto Nacional de Ignacio Piñeiro, del Conjunto Matamoros, del Septeto Oriental y otras agrupaciones que hicieron furia allá por las décadas del 20 y el 30, añadimos la juventud de los rostros y esa gracia natural de nuestros días, el producto es uno, inconfundible y transcendente, y el placer de quien los escucha es el mismo, insuperable.

A lo largo de veintiocho años de carrera artística el grupo ha dejado sus huellas representando la música cubana en diferentes e importantes festivales en Cuba y en varios países de Europa.

Septeto Naborí traen el son cubano y el bolero a esta edición de Estivalia y podremos disfrutarlos el próximo 11 de Septiembre en la localidad de Zarza La Mayor.

el proceso las distintas formas musicales que han llegado hasta nuestros días; tonadas de flauta y tamboril, cantos de antiguas festividades y tradiciones, etc.

En el proceso confluyen, tanto el respeto a la tradición, como una forma diferente de ver y entender el folk actual, elaborando arreglos musicales propios, dotando así a los temas de un aire renovado y fresco, con el fin de poder acercarlo al gran público, especialmente a los más jóvenes.

El Pelujáncanu pasarán por esta edición de Estivalia y lo harán el próximo 12 de Septiembre en la localidad de Deleitosa.

Seventh Sun (Fusión música groove, funky, reggae) 12 de Septiembre – VALDEOBISPO Plaza de España a las 21:30h

Seventh Sun pretende ser una ventana abierta al mundo para dar a conocer la cultura y la música extremeña, tomando como base principal la interculturalidad en su música y así poder transmitir las inquietudes de estos artistas al mayor número de público.

La formación ponen en pie un repertorio de temas con influencias de música groove, funky, reggae, apostando por realizar un directo con fuerza… y sin escatimar en sonidos y riqueza musical.

La banda capitaneada por el saxofonista Joaquín de la Montaña y al que acompañan un total de seis músicos más, interpretará los temas de su trabajo Hombre y Piedra, publicado en 2018, en el que podremos escuchar canciones cantadas en español, portugués e inglés.

El Pelujáncanu (Folk)

Seventh Sun pasarán por el escenario de Estivalia y lo harán el próximo 12 de Septiembre en la localidad de Valdeobispo.

El proyecto musical El Pelujáncanu nace de la profunda inquietud de cuatro amigos y músicos extremeños por conservar y dar a conocer su folclore más ancestral, recuperando en

Encontraréis más información sobre Estivalia y otros programas culturales de la Diputación de Cáceres aquí.

12 de Septiembre – DELEITOSA Plaza de la Constitución a las 23:00h

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Millie Small

la primera estrella internacional del Car te de Trinidad a quien por casualidad grabó la compañía de noticias al bajar del barco cantando London Is The Place For Me. LEER MÁS

H

ace poco vi una serie que me dejó loquita perdida: Small Axe. En ella se nos presenta, a partir de 5 increíbles capítulos, la vida de las comunidades caribeñas negras en Londres en las décadas de los años 60, 70 y 80. El tema de la migración caribeña a Inglaterra después de la II Guerra Mundial es muy interesante.

Hacia 1948, el Empire Windrush transportó a más de 500 pasajeros de comunidades caribeñas desde Jamaica. Entre ellos iba Lord Kitchener, un cantante de Calipso provenien-

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La manera de cantar del Lord impresionó bastante al público inglés, que rápidamente se apropiaron del Calipso. Estas nuevas comunidades caribeñas en Inglaterra se asentaron en barrios, creando auténticas comunidades (o guetos en algunas ocasiones), donde la música y la comida estaban muy presentes (porque normalmente a los pobres y marginados sólo se les permite su legado cultural, que además les mantiene en un estado constante de ser el diferente).

Por eso, en 1959 se celebró por primera vez el Carnaval de Notting Hill, donde actuaron los

tubre de 1947 en Claredon, Jamaica. Proveniente de una familia muy numerosa (tenía 7 hermanos y 5 hermanas…), pasó sus primeros años en una plantación de azúcar, donde su padre era supervisor.

Como la mayoría de los artistas jamaicanos, Millie Small comenzó apuntándose a concursos de talentos. Ganó el Vere Johns Opportunity Hour con tan sólo 12 años, algo que la convenció para dedicarse a la música. Con esa visión, se instaló en Love Lane en Kingston junto a unos familiares, y comenzó a hacer audiciones por aquí y por allí, hasta que finalmente dio con el famoso productor de Studio One, Coxsone Dodd.

Este quedó bastante impresionado con Millie Small, pues su manera de cantar le recordaba mucho a Shirley Goodman, muy conocida en Estados Unidos por dúo Shirley&Lee. Así el productor ideó un dúo para Millie junto al cantante Owen Gray.

ribe músicos más famosos del Caribe emigrados, y, así, se inició una tradición musical muy importante que permitirá el asentamiento de estilos como el Ska, el Reggae, o el Rocksteady, con artistas que ya conocéis como Alton Ellis o Laurel Aitken.

En toda esta vorágine de inmigración, apropiación cultural y músicas de ida y vuelta, se encuadra la protagonista de esta entrega, una joven de voz aguda que se convirtió en la primera estrella internacional del Caribe, concretamente de Jamaica. Hablemos pues de Millie Small.

Millie Small, la primera estrella internacional del Caribe Millicent Dolly May Small nació el 6 de oc-

Juntos hicieron varios discos, destacando Sugar Plum, que se convirtió en un éxito local. Al poco, Gray reanudó su carrera en solitario, así que Millie se unió a Samuel Augustus “Roy” Panton, con quien tuvo varios éxitos, como We’ll Meet. Poco a poco nuestra protagonista fue adquiriendo fama, trabajando con los productores y músicos del momento en Jamaica, como Lindon Pottinger o el gran Prince Buster.

En 1963 conoció al empresario Chris Blackwell, que, viendo su potencial, se convirtió en su gerente y tutor legal. A finales de ese año, Millie Small se encontraba en Forest Hill, Londres, recibiendo una intensísima formación, tanto en baile como en dicción. Éste será el momento de su primera grabación en solitario, Don’t You Know, que no tuvo mucho éxito, la verdad, pero que sería el preludio del éxito internacional.

Junto al guitarrista y arreglista Ernest Ranglin, se propuso hacer un éxito comercial, y para ello eligió hacer una versión Ska del tema de la adolescente Barbie Gaye, My Boy Lollipop. Y lo petó, pero muchísimo, eh.

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“pinchaos el temazo de Millie Small y bailad, malditos, bailad, como si no hubiera mañana, porque así se mantienen vivos los legados” De repente empezó a aparecer en todo tipo de programas de renombre de la televisión británica como Top of the Pops, se puso en el número 2 de los UK Singles Chart, y se posicionó en el Billaboard Hot 100 de Estados Unidos, Canadá y Australia, vendió más de 600.000 copias en Reino Unido, y ha vendido más de 7 millones de copias en todo el mundo.

Esto os puede parecer una tontería, pero estamos hablando de 1963. Tener ese alcance internacional en esa época fue todo un hito.

My Boy Lollipop es un punto de partida en la historia del Pop británico. Fue el primer gran éxito de Island Records, y sentó un precedente, pues era el primero de los temas grabados en el estilo Bluebeat, que era la discográfica que sacaba discos de Calipso, Mento, y, más tarde, Ska en Reino Unido, con artistas en su haber como Laurel Aitken y precursores de todo el movimiento Mod y Skinhead de los años 60.

Con todo el éxito a sus espaldas, y sin parar de hacer giras y actuaciones, la presión pudo con Millie Small y colapsó por agotamiento durante un tiempo; sin embargo, ya era toda una celebridad internacional a la que se le concedió un disco de oro en Nueva York, y a la que se homenajeó con honores en la capital jamaicana (al más puro estilo Simpsons, la pasearon por toda la ciudad en un descapotable) donde realizó importantes actuaciones.

En 1965 se embarcó en una gira mundial que la llevaría a Asia, Australia, EE.UU. Sudamérica… También grabó varios discos junto a Jackie Edwards, pero no tuvieron mucho éxito.

Poco a poco su popularidad fue bajando. No podemos decir que Millie Small fuese artis-

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ta de un one hit wonder, pero casi… En 1968 rompería todos sus contratos de grabación y desaparecería de la escena hasta varios años después, cuando presentó el tema My Love And I, y realizó una serie de trabajos para Trojan Records. Mayfair sería la última canción de Millie Small, una canción reivindicativa sobre la situación en la comunidad caribeña británica.

Aquí acabó su carrera discográfica. En 1971 decide marcharse a Singapur.

No habrá noticias suyas hasta 1987, cuando Thames News reveló que se encontraba en la indigencia, viviendo en un albergue junto a su hija. Ese mismo año reaparece públicamente en un acto donde recibió la Medalla de Reconocimiento por el Gobierno jamaicano. Y no se vuelve a saber nada de ella hasta 2006, donde se rumoreaba que estaba realizando nuevas grabaciones.

Después de casi 40 años alejada de la opinión pública, Millie Small concedió una entrevista a Tom Graves, donde hablaba en profundidad de su temprana carrera y del impacto de su éxito internacional, además de explicar que nunca recibió royalties por su éxito.

Moría en 2020 a causa de un derrame cerebral.

Millie Small se nos presenta menuda, con voz fina e infantil, pero con un ritmo caribeño que antecede a toda una revolución musical, y que es testigo de un movimiento cultural tan importante como son el desarrollo de la cultura del Reggae en Europa.

Una artista cuyo nombre casi nadie reconoce, pero cuyo éxito está ya incrustado en nuestro imaginario musical, como suele pasar con la mayoría de los artistas que supusieron una revolución, porque la historia suele ser muy desagradecida con sus creadores…

Por eso, pinchaos el temazo de Millie Small y bailad, malditos, bailad, como si no hubiera mañana, porque así se mantienen vivos los legados.

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ukelele 80’s el espíritu de la mejor década sigue vivo

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kelele 80’s se nos presenta como una banda llena de pasión por lo que hacen, y con un carisma arrollador. Con reminiscencia de una de las mejores décadas en la Historia de la Música, y con Mayte García a los mandos, se posiciona como la sorpresa del 2021 en la cultura musical extremeña, estrenando Hasta la eternidad, su primer trabajo, de una forma más que eficiente.

Como decíamos, Mayte García ha sabido reunir a grandes músicos dentro de un proyecto completo, donde el espíritu de la mejor década sigue vivo, y contando con invitados de lujo

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para su primer trabajo. Con canciones inclusivas que llegan al alma, nos cuenta una historia de superación, esfuerzo y alegría que no tiene nada que envidiar a lo que nos puede contar cualquier grupo asentado en las primeras posiciones de las listas de venta españolas.

Cualquiera que escuche el nuevo trabajo de Ukelele 80’s podrá identificarse en sus letras, y podrá viajar con cada una de las canciones de este disco a cualquier rincón escondido de su alma, descubriendo sentimientos que emanan a flor de piel. ¡Damos la enhorabuena a Ukelele 80’s por un magnífico trabajo!

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Ukelele 80’s, el espíritu de la mejor década sigue vivo Texto por S.Plata

Mayte, es un placer de nuevo volver a hablar contigo. Antes de que nos cuentes más acerca de Ukelele 80’s, nos gustaría conocerte más como persona y músico. Sabemos que empezaste muy joven tocando el piano, y después la batería y el bajo en algunas bandas. Cuéntanos esas primeras experiencias. ¿Cómo recuerdas aquellos primeros pasos?

He tenido la suerte de poder tocar varios instrumentos, pero no domino ninguno de ellos.

Creo que cada día se aprende algo nuevo.

El piano fue el primero. Más que aprender, se puede decir que me sirvió para educar el oído al ser tan pequeña. Seguidamente estuve en el Conservatorio de Música de Puertollano, y aprendí lenguaje musical, algo que considero bastante importante, pero para mí el método de enseñanza no es el más correcto.

Realmente mi vocación la encontré en el Colegio María Inmaculada, donde recibí clases de guitarra. Aprendiendo canciones de la iglesia, que por cierto me encantaban, también di rienda suelta a sacar de oído canciones de los 80’s de bandas como Los Secretos, La Guardia, Loquillo y muchos más. Esto de sacar de oído se ha ido perdiendo. Una pena, la verdad.

Con trece años tuve la suerte de empezar a tocar el bajo con nuestra primera banda, La Revuelta. Me enseñó mi hermano, y dediqué muchas horas a aquel proyecto. Recuerdo que compramos una batería a una chica, María. Era alemana y Hippie, una chica auténtica.

También cantaba. Me hizo tanta ilusión la batería, que me pasaba horas y horas tocándola.

Aprendí de forma autodidacta. Así, unos añitos después, decidieron que fuera la baterista de la banda.

Luego vendrían muchos más proyectos, todos ellos igual de ilusionantes. Con Promesa Rota nos conocieron en la Región con el camión del Súper Uno de Los Cuarenta Principales. Incluso volví al Conservatorio. Esta vez en Almendralejo, y toqué el Fagot y el Clarinete.

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Algo extraño pero cierto.

Tras ese primer contacto, y ya en el 2010, fundas tu propio proyecto llamado Imaginando un Color, y consigues grabar seis temas. ¿Con quiénes contaste para la formación de esta banda? ¿Qué fue lo que aprendiste de esta etapa como músico?

Conté con Josu Arévalo, Isidro Raya, Félix García y Pedro Alfaro. Lo fundé junto con Josu. Disfrutaba haciendo versiones y canciones propias. Él en ese momento impartía clases de guitarra en Monterrubio de la Serena, y decidimos proponerles a dos de sus alumnos que se unieran a la banda. Isidro y Félix eran dos adolescentes. Me recordaban a mis inicios.

Ellos conocían a Pedro, un chico que estudiaba en el mismo instituto y tocaba la batería.

Fue así como Pedro se unió también. Grabamos un EP de cinco canciones, y un sencillo dedicado a la Salud Mental financiado por Proines, la asociación a la cual le debo mucho al ser usuaria de allí. Recuerdo a esta banda como la mejor terapia cuando tocábamos Piedras en la maleta, A mil Kilómetros o Cocktail de Besos.

Tu nuevo proyecto es Ukelele 80’s, y tenemos entendido que lo has llamado así porque te encanta el ukelele y la música de los 80, pero ¿en qué momento decides dar el paso para su creación y por qué?

Llevaba mucho tiempo pensando en este proyecto, pero nunca tenía tiempo cuando me dedicaba a la Hostelería. Más tarde sucedió Imaginando un Color, pero parte de sus miembros eran muy jóvenes y se fueron a estudiar fuera de la localidad. Así pues, mi ilusión se fue apagando.

Pasaron unos años, y yo ya residía en Villanueva de la Serena y conocí a mi pareja, y no dudé en pedir el traslado e irme a vivir con ella a Badajoz. Nada más llegar, me inscribí en la Academia de música, y pasado un año ya allí se me ocurrió que le podía regalar a mi pareja una canción por su cumpleaños. Esta canción da nombre al primer disco, Hasta la

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Eternidad. Desde entonces no he dejado de componer y grabar. Creo que la culpa de esto es tener tiempo y encontrarme agusto y feliz en mi nuevo hogar.

Sabemos que llegaste a conocer a Manolo Tena, y nos gustaría que nos contaras cómo fue, quién os presentó, y con qué motivo. ¿Qué ha significado para ti este artista? Además de él, ¿quiénes han sido tus mayores influencias musicales?

Manolo Tena nació en nuestro pueblo vecino, Benquerencia de la Serena. Alguna vez lo vimos en Monterrubio. Dio un concierto cuando estaba en la cima más alta de la fama, presentando Sangre Española. A ese concierto tuve la suerte de asistir. Recuerdo que me salté las vallas de seguridad, y le toqué la bota Rockera de piel de Cocodrilo, y casi se equivoca al cantar. El vigilante me cogió y me sacó de allí.

Esa anécdota jamás se me olvidará.

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Esa noche estuvimos con él en los camerinos, y le dimos un disco de nuestra banda, Promesa Rota. Ya más tarde, en 2014, actuó en los Acústicos al Fresquito, y me hizo tanta ilusión que le comenté a mi hermano que quería hacer dueto con él. Me preparé Sangre Española.

Recuerdo que él llegó la víspera de Reyes, se tomó un Poleo Menta, y me alegró ver su imagen madura y ver que se cuidaba. Cuando hicieron la prueba de sonido, mi hermano le comentó mi idea de hacer dueto con él, y optó por escucharme. Le gustó tanto, que hicimos cuatro pases de la canción, dos el primer día y otros dos el segundo.

Antes de los conciertos me estuvo hablando de él. Me dio a entender que era una persona humilde, y que por ese motivo muchos se aprovecharon. Me habló de la Movida Madrileña, de su grupo Cucharada, y lo divertido que era disfrazarse.

Después del concierto le hice lo que fue mi primera entrevista. Hablamos de Salud Men-

tal, algo que él, al igual que yo, conocía a la perfección.

En 2016, después de fallecer éste, mi hermano quiso hacerle un Homenaje en los Acústicos al Fresquito, y se lo hicieron Mikel Erentxun y Alexandre LaCaze, este último con la mala suerte de fallecer unos años después.

En mi disco hay una canción dedicada a Alexandre en la que nombro a Manolo Tena, Naufragar sin vela. Ambos estarán siempre en mi recuerdo, y descubrí el último disco que sacó Manolo Tena, y me di cuenta de que sin duda es el mejor de su carrera. Me encanta.

Mis mayores influencias musicales han sido y son Los Secretos, Hombres G, Los Romeos, La Guardia, Loquillo, La Frontera, Tennessee, y la mayoría de bandas ochenteras. También tengo mucha influencia de bandas extremeñas como Ama o Vanagloria.

En este proyecto te acompañan varios músicos, como Amalia Mateos, Pedro Martínez y Víctor Villaverde. ¿Los conocías previamen-

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te? ¿Habías pensado ya en ellos para este proyecto? Cuéntanos cuál es su aportación a Ukelele 80’s.

Amalia Mateos ha sido mi profesora en Academia Harmony. Cuando le dije que había compuesto canciones y le comenté que quería grabarlas, me apoyó desde el primer momento, y me ayudó a trabajarlas. Cuando me confirmó que quería estar en mi proyecto, me hizo mucha ilusión. Es una gran músico y profesora, tiene otros proyectos como Tudo bem.

En el disco ha grabado todos los pianos, y en otros dos temas, la flauta travesera y el Saxo.

A Pedro Martínez le conocí hace muchos años, cuando tenía otros proyectos. En pleno confinamiento vi videos suyos de Violinista en el tejado, grabados en el balcón de su casa. Contacté con él para que formara parte de la banda, y mi sorpresa fue que aceptó. Es una gran persona y músico.

A través de Pedro conocí a Víctor Villaverde, y no dudó en unirse al proyecto. Él es quien pone el toque de humor en la banda. Tuvo varios proyectos con bandas como Ducks Tails y Trilogía, esta última también recorrió la Región con el Súper Uno de Los Cuarenta Principales. Ahora tiene otros proyectos como Black Birds y la Comparsa Caribe. Una excelente persona y músico.

Tu primer trabajo con Ukelele 80’s, llamado Hasta la Eternidad, se publicó en diciembre de 2020 en plena pandemia, y no habrá sido sencillo. Cuéntanos cómo lo has llevado a cabo, y cuánto tiempo te ha llevado todo el proceso de composición, grabación, mezclas y demás.

La Pandemia sólo tuvo de positivo que, al estar confinada, terminé más rápido la composición del disco. Incluso hice una canción dirigida a lo que vivimos en ese momento, Yo me quedo en casa. He trabajado mucho en el disco, mis horas libres las dedicaba a eso. El trabajo tardó en publicarse año y medio aproximadamente, pero es la primera vez que estoy orgullosa de verdad con el disco. Se ha hecho sin prisas y como se debe hacer. Este método sale más caro a la hora de pagar las sesiones de grabación, pero yo creo que es el más correcto y eficaz. Creo que grabar un disco entero segui-

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do puede saturar. Las mezclas, al igual que la grabación, se han hecho sin prisas, algo que también creo importante, y que David Capellán ha logrado realizar con éxito.

En este disco encontramos once temas con temáticas como la salud mental, el maltrato animal, la inclusión social, e incluso el ámbito deportivo, pero vayamos por partes desgranando este trabajo. Tu salud mental es el título de uno de los temas, y es autobiográfico. Háblanos de esta canción, y qué quieres transmitir con ella.

Tu Salud Mental es una canción que trata sobre la experiencia que llegó a mi vida en 2005, donde tuve problemas graves de Salud Mental. Gracias al consejo del Especialista, me uní a la Asociación Proines de Don Benito, y, allí, el equipo de profesionales me hizo trabajar para conocer la enfermedad y afrontar una nueva vida. Aprendí a quererme y valorarme a mí misma. Conseguí llevar una vida ordenada y saludable. A base de formación y mucho empeño hice unas prácticas a través del programa laboral, y conseguí tener el trabajo que hoy desempeño en una tienda de deportes.

La primera terapia que me aconsejó mi psicóloga fue tocar media hora al día la guitarra, algo que un principio no conseguí, pero podéis comprobar que con tiempo y trabajo todo se consigue.

Hay varios temas muy inclusivos, como decíamos anteriormente, en los que nos hablas sobre la parálisis cerebral y el trastorno de espectro autista. Son concretamente Eva y La última pieza del Puzzle, respectivamente.

Cuéntanos más acerca de los protagonistas de estas canciones.

Un día, viendo la Gala de los premios de la revista Grada, vi un reportaje de Eva y me quedé asombrada. Me considero su fan. Me parece un ejemplo claro de superación. Entonces contacté con José Antonio Lagar, su padre.

Yo ya le conocía anteriormente, y le propuse hacer la canción. Él me ayudó mucho a conseguir el resultado final. Incluimos en la letra lo que más me llamó la atención de ella. Cómo día a día trabaja en su rehabilitación, cómo en los Carnavales de Badajoz sale bailando con su silla de ruedas junto a la Comparsa a la que LaCarne Magazine

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pertenece, cómo maneja las Redes Sociales a través de las nuevas tecnologías. Quise hacer una canción con música actual, de Pop fresco, en la línea de Bombay o Efecto Pasillo, para que a Eva le gustara más, y el resultado fue acertado. Le encantó, y es una de las canciones más escuchadas.

También tuve la suerte de contactar con Isidro Arenas, de Tennessee, a través de José Antonio, el padre de Eva, y éste sin dudarlo aceptó hacer dueto conmigo en la canción.

Me encanta escucharla. Es una canción optimista, y la voz de Isidro la hace aún más.

La Última pieza del Puzzle es una canción que sale desde el fondo de mi corazón. Va dedicada a Rafael, mi sobrino. Tiene trastorno del espectro autista. En un principio, a mí todo eso me sonaba raro y me costó entenderlo.

Entonces estudié sus comportamientos y me informé sobre ellos. Supe por qué me rechazaba al abrazarle, por qué se asustaba cuando yo hablaba alto por mi alegría al verle, y muchas más cosas. Entonces me di cuenta de que es un verdadero Ángel. Sus avances, por muy pequeños que sean, nos colman de alegría. Solo escuchar una palabra de su boca, un estímulo, una reacción, para nosotros es un logro. Sus padres, y la familia en general, trabajamos mucho con él, y, cómo no, el movimiento asociativo siempre estará presente en su vida.

Cuando grabé esta segunda canción quise que quedara perfecta, y que emocionara al escucharla. Lo conseguí. Varias asociaciones de TEA me dieron la enhorabuena.

También hay hueco en este disco para otros temas no menos relevantes: Pan y Rosas, que habla sobre la violencia machista, Adopta, que lo hace sobre el maltrato animal, o Amor puede más que odio, dirigido al colectivo LGTBI. Háblanos más acerca de cada una de estas canciones. ¿Cómo desarrollaste la composición de estos temas?

Pan y Rosas es la historia de cómo las mujeres lucharon por sus derechos. Trata de acabar con el machismo pidiendo la empatía y pro-

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poniendo la igualdad. Por desgracia, en esta sociedad esto es muy difícil, pero poco a poco seguimos dando pasos para avanzar. Reflejé en esta canción tristeza. Al escucharlo me recuerda a uno de mis ídolos, Antonio Vega.

Amalia Mateos grabó un piano precioso. Es una canción muy sentida y muy trabajada.

Adopta es una historia ficticia. En realidad, los protagonistas son Clara Lago y Dani Rovira, ambos actores y fundadores de Fundación Ochotumbao. La canción trata de la tristeza que siente un animal maltratado y abandonado, cómo cambia su vida al ser adoptado por ellos. De pequeña me apasionaba el mundo animal, y sobre todo el canino. Recuerdo que el regalo que más ilusión me hizo fue Tobi, mi primer perro. No tenía raza, pero sin duda fue lo más bonito que en mi niñez me pasó. Jamás se me olvidará.

Dos de los temas de este primer trabajo de Ukelele 80’s cuentan con una especial dedicatoria: Naufragar sin Vela, dedicada a nuestro querido Alexandre Lacaze, y Y ese gol... llegará, dedicada al Club Deportivo de Monterrubio. ¿Cuál ha sido tu relación con los protagonistas de estos temas?

Alexandre LaCaze fue un amigo de la casa.

Me refiero a que formaba parte de la familia del Festival Acústicos al Fresquito que organiza mi hermano. Él estuvo varias veces actuando, y le acompañaba Mercedes y sus hijas, su bonita familia. En 2016 le hicieron un homenaje a Manolo Tena por su reciente pérdida, y ese mismo día Alexandre LaCaze no se encontraba bien, y estaba a la espera de unos resultados de unas pruebas. No tardaron mucho en darle la mala noticia: leucemia aguda. Él fue un luchador, tenía inmensas ganas de vivir, y eso a mí se me quedó grabado.

Contacté con Mercedes, y le propuse mi idea de crear una canción sobre él, y le encantó.

Fue un duro golpe para todos. A veces la vida es injusta. Siempre recordaremos con mucho cariño.

Cambiando de tema, hablemos del Club Deportivo Monterrubio. Hace unos años tuve la idea de hacerles una canción, pero al final se quedó solo en idea. El año pasado subieron LaCarne Magazine

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de categoría por primera vez en la historia, y ahí sí que llegó mi inspiración. La canción habla de un club humilde, de cómo todos de pequeños en sus calles jugábamos al fútbol, y de la felicidad de un pueblo entero al ver su ascenso.

Ukelele 80’s acaba de comenzar a dar sus primeros pasos, y, como ocurre en muchos casos, vivir de la música no es nada fácil.

Además de trabajar como músico, también te ganas la vida en una tienda, y seguro que compaginar ambos trabajos a veces resulta complicado. En tu caso, ¿cómo te organizas para estar en todo? ¿Qué es lo más complicado?

Hace tiempo aprendí que lo mejor en esta vida es ocupar tu tiempo realizando tareas que te gusten. Mi trabajo en la tienda de ropa deportiva me encanta. Me siento realizada con esa rutina. Gracias a ese trabajo he podido autoeditar un disco, y estoy haciendo el segundo.

En mi tiempo libre realizo mi trabajo musical.

Son muchas horas de composición, de ensayos, pero eso está claro que tiene su recompensa, y lo más importante es el beneficio para mi salud mental. La música lo cura todo.

Vivir de la música es mi sueño. Es difícil, pero lucharé para conseguirlo.

Has demostrado no sólo constancia, sino también mucha pasión por lo que haces, algo que pensamos es imprescindible para alcanzar los objetivos que nos propongamos. En tu caso, ¿cuáles son esos objetivos personales con Ukelele 80’s? ¿Hasta dónde te has propuesto llegar con este proyecto?

Mi sueño, como he dicho antes, es vivir de la música, crear canciones que le abran los ojos, por así decirlo, a todo oyente o espectador.

Quiero disfrutar haciendo música. En esta vida es lo que más me gusta, y nunca nadie me quitó mis pájaros de la cabeza porque en realidad no lo eran. Seguiré trabajando, y, si algún día consigo algo, le recordaré a la gente que nunca hay que dejar de luchar por sus sueños.

Ahora, con la situación sanitaria debido al Covid19, hemos visto cómo han disminuido los conciertos, pero, a pesar de todo, se siguen haciendo algunos eventos. ¿Podremos ver

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pronto a Ukelele 80’s sobre los escenarios? ¿Tienes previsto una gira de conciertos para presentar este nuevo trabajo?

Nos hubiera gustado presentar el disco en los Acústicos al Fresquito, pero no nos daba tiempo a prepararlo. Con suerte queremos presentarlo en el Teatro López de Ayala de Badajoz el 7 de Octubre, si todo sigue bien respecto a las nuevas medidas Covid.

Además de este nuevo disco, nos has comentado que ya estás trabajando en nuevos temas. ¿Qué puedes adelantarnos? ¿Seguirán los nuevos temas la línea de Hasta la Eternidad?

Seguiré con la misma línea de canciones, inclusivas, reivindicativas, y autobiográficas, pero en lo que es la música aparece el violín.

Quiero darle un aire al grupo The Coors, pero en castellano. Algo parecido a lo que consiguió Enrique Urquijo y Los Problemas. También quiero añadir a la banda la presencia de una intérprete de lengua de signos. Hace muchos años tuve esa idea, y no la llevé a cabo porque mi proyecto no maduró. Cuando vi que Rozalén tuvo la misma idea, me alegré mucho. Ojalá todos sigan sus pasos.

Mayte, ha sido un placer conocer un poco más en profundidad tu proyecto Ukelele 80’s, y estamos seguros de que con tu pasión y esfuerzo conseguirás llegar tan lejos como te propongas. Esperamos que vuelvas pronto a LaCarne Magazine para que nos cuentes cómo te ha ido. Mucha suerte, y gracias por dedicarnos un poco de tu tiempo. ¡Un fuerte abrazo!

El placer ha sido mío. Antes de acabar estas líneas, quiero aprovechar para recordar a los lectores que la música, como dice aquella maravillosa frase, es sinónimo de Libertad.

Gracias a LaCarne Magazine por aportarnos cultura. Recordad, la Cultura es segura. ¡Un abrazo!

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Poolpo

Pop Rock Alternativo desde la República D Poolpo debutó con Octopus, su primera producción, en un concierto a casa llena.

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ada día voy descubriendo nuevas bandas de esta región del planeta. Poolpo es una banda que hace su debut en el 2008 en la Republica Dominicana, y con el pasar de los años han ganado miles de seguidores a su propuesta musical, que se puede calificar como Pop Rock Alternativo.

Sus integrantes nunca han revelado sus nombres originales para así mantenerse en el anonimato. Aquí una entrevista para conocer sobre esta banda dominicana.

Poolpo, Pop Rock Alternativo desde la República Dominicana

Poolpo es una agrupación que debuta en el 2008. Coméntanos sobre aquellos inicios y de cómo comenzaron a darse a conocer.

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X y Z fueron los que iniciaron la banda. Se juntaron a realizar un tributo a Foo Fighters, y terminaron componiendo las canciones de Octopus. El primer sencillo de esa producción fue Popular. ¿Por qué Poolpo como nombre para la banda? ¿Qué hay detrás de este nombre?

X se soñó que tocaba en una banda llamada Pulpo para 50 mil personas. Como “Pulpo” ya estaba tomado por otro proyecto, decidimos jugar con la fonética y ponerle Poolpo.

En su propuesta musical se puede encontrar una conjugación de ritmos, ya sea pop, rock, alternativo… ¿Cómo se definirían en cuanto a propuesta musical?

Somos una banda de Pop Rock Alternativo. ¿De qué suelen hablar en sus canciones?

Dominicana ¿Cuáles son sus principales influencias?

Mayormente temas existenciales que trasciendan en el tiempo, y que cada quien le dé el sentido que entienda. ¿Por qué apostaron por esta propuesta musical?

Pues la verdad salió de nuestros gustos e influencias musicales. No fue como que apostamos a eso, más bien hacemos lo que nos gusta con nuestra música.

En cuanto a los integrantes de la banda, es sabido que no dan a conocer sus verdaderos nombres, están en el anonimato. ¿A qué se debe esto? ¿Algunos proceden de otras bandas o tienen proyectos paralelos?

Cuando lanzamos el primer sencillo en 2008 nadie sabía quiénes formaban la banda, y pues, al ser músicos conocidos del medio rockero, decidimos ocultar las identidades por un tiempo. A la gente le gustó tanto que continuamos con el misterio.

Su primer álbum salió bajo el título de Octopus. Háblame un poco sobre este trabajo discográfico, temas, la forma en que lo han promocionado…

Ese álbum salió antes de la era de las redes sociales. La promo era ir a Radio, TV, artículos en el periódico, bien ‘old school’.

Está conformado por 8 canciones que desde que escuchas la primera quieres seguir escuchando las demás. Fue reseñado por medios de la época como uno de los mejores álbumes de todos los tiempos del rock nacional.

Arriba las Manos fue su segundo álbum. Háblanos sobre este disco, su proceso de edición, grabación, temas… Éste fue editado en 2011, es un álbum más experimental. Utilizamos programaciones de baterías como en los Villanos y Estamos Negociando, hay canciones que entran en el Prog Rock (Pro-Anti). En fin, en ese disco desLaCarne Magazine

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cargamos toda la creatividad que teníamos en ese momento.

en demasía, y pues hay mucho material nuevo que está saliendo.

El Vuelo del Dragón está en ese álbum, y es una de las canciones que más les gusta a los miembros de la banda.

Existen muchos medios especializados que están haciendo un gran trabajo. Mientras más seamos, mejor para el crecimiento de la escena del Rock dominicano.

Poolpo a lo largo de su carrera ha recibido algunas nominaciones. ¿Podrías comentarnos sobre esto?

Estuvimos nominados a los premios Casandra (actualmente Soberanos) en el año 2009 como mejor banda de rock, y mejor video por Químicamente Mejorado. En 2012 nos vuelven a nominar como mejor banda de Rock.

Son los premios más importantes de país.

Atlas representa el regreso de Poolpo, luego de su álbum Arriba las Manos. ¿Qué sonido buscan consolidar en esta nueva producción?

Atlas representa una evolución musical de Poolpo, es nuestro sonido llevado al nivel de madurez que tenemos actualmente.

Arreglos de capas y capas de voces, programaciones, guitarras minimalistas que se complementan, etc. Si escuchan los nuevos sencillos Hércules e Icaro, lo van a notar. ¿Cómo fue el proceso de producción de su nuevo trabajo discográfico Atlas? ¿Existe alguna diferencia con relación a sus trabajos anteriores? ¿Cuándo saldrá este nuevo material?

Lo compusimos completo durante la pandemia a distancia, cada quien en su casa mandando ideas para las canciones. Hay que adaptarse a las situaciones, y pues ésa fue la forma de hacerlo.

Atlas sale a partir de septiembre 2021.

Dada la situación y crisis actual debido a la pandemia del Covid, ¿cómo ven en su opinión la actualidad de la escena rock y metal en Rep. Dominicana, y cómo esto impacta en el crecimiento y profesionalismo de la misma? ¿Cómo está de salud la escena dominicana en la actualidad?

Hay un resurgir bastante grande. La pandemia hizo que las bandas empezaran a componer

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¿En algún momento imaginaron que este proyecto fuera a ser tan importante como lo es ahora?

Bueno, hay que seguir el sueño de X, así que ésa siempre ha sido nuestra meta. ¿Cuál consideras su mayor logro? ¿Qué les queda por hacer? ¿Alguna gira fuera de Rep. Dominicana?

Nuestro mayor logro es seguir haciendo música, y que a la gente le siga gustando lo que sacamos.

Nos queda mucho por hacer, tanto nacional como internacionalmente. Establecer más relaciones de network importantes para alcanzar nuevas fronteras. ¿Qué podemos esperar de Poolpo en el futuro, y cuál es la razón por la que debemos escuchar su música?

Mucha más música. Compusimos más de 40 canciones durante la pandemia. La razón de por qué nos deben escuchar es de cada quien, pero sepan que siempre le ponemos un gran amor y empeño a lo que hacemos para que esto se sienta en nuestro material.

Bien, muchas gracias por otorgarnos esta entrevista. Si deseas dar algún mensaje o añadir algo más, pues adelante. ¡Sigan Poolpeando!

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Mauricio Torres V.

prócer de la música Heavy & Reggae hecha

S

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eguir los pasos de una influencia musical de tu país es realmente un desafío, un decoro, y demuestra la caballerosidad de los fans y admiradores.

Es un honor para mi persona poder realizar la presente conversación con Mauricio Torres V., uno de los protagonistas más vanguardistas dentro de la Escena musical boliviana, que tomó parte entre los 80’s y 90’s para sembrar las semillas del Heavy Metal & del Reggae Music en nuestras andinas tierras.

Gracias por la colaboración y el tiempo, por la sinceridad y el amor que le ha puesto a su

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obra y producción, realmente la valoramos y apreciamos. Nuevamente honrados por la entrevista exclusiva de Mauricio Torres V. con LaCarne Magazine.

Mauricio Torres V., prócer de la música Heavy & Reggae hecha en Bolivia Personal y musicalmente hablando, ¿cómo estás actualmente?

Musicalmente, me encuentro contento y realizado, ya que volver a grabar en 2018 fue un gran acierto. Personalmente, la situación actual me tiene algo preocupado y confundido.

México es un país altamente violento e inseguro, eso me ha obligado vivir mucha soledad.

Mauricio Torres V., actualmente radicas en México. ¿Qué tiempo vives allá? ¿Cómo te ha

has recibido? ¿Qué estilos musicales han influenciado en ti? ¿Puedes mencionarnos algunas bandas o grupos de su preferencia?

Fueron muchas influencias en cada etapa, pero puedo destacar como géneros el Heavy Metal, Post Punk / New Wave, Reggae, Indie y Electrónica.

Vi en el documental que realizaste de Metalmorfosis (Archivos 1985 – 1989) en su primera parte, -un alucinante material para coleccionistas sobre tu carrera musical – que te declaras fanático de Kiss. ¿Formas parte del Kiss Army? ¿Qué álbum es tu preferido de la banda? ¿Cuál es tu integrante preferido? ¿Con qué canción te identificas?

No soy miembro de ningún Kiss Army. Mis álbumes favoritos son Unmasked y Creatures of the Night, la canción es Shandy, y el miembro favorito Paul Stanley.

a en Bolivia ido en cuanto a tus proyectos musicales por esas tierras? ¿Alguna anécdota que quieras compartir?

Son 11 años en México. No ha sido nada fácil desde un principio. A pesar de mi trayectoria y experiencia, empezar un proyecto musical es complicado en un Mercado muy exigente y altamente competitivo.

La influencia de tu Sr. Padre para encaminarte -casi por instinto- en la música, ¿cómo recuerdas ese ejemplo de vida?

Lo recuerdo con mucho cariño y agradecimiento. Nuestra formación nace en casa, y de ahí viene la musicalidad y pasión. Con mi padre pude conocer muchas cosas fantásticas como Sui Generis, Moody Blues, Crosby Stills o Fleetwood Mac. Mauricio Torres V., ¿qué influencias artísticas

Tus inicios o primeros pasos en la música fueron como vocalista invitado de la banda Trueno Azul entre el 82/83. ¿Qué rememoras de aquel debut en la Escena y esos tiempos remotos?

Pisar y sentir el vértigo del escenario, y hacer rock a mis 14 años fue la experiencia más emocionante que he vivido.

Entre 1984 – 1985 se da la formación de Metalmorfosis, el debut junto a Stratus empapelando la ciudad, la creación del icónico Logo de la banda, los primeros shows, etc. Mauricio Torres V., ¿qué rememoras de ese momento en el que salieron como la banda de Heavy paceño más autentica y original de la hoyada en ese momento? ¿Cuál fue su obra musical registrada? ¿En qué formato se editó?

Considero que fue el debut ideal para un grupo nuevo en un evento masivo en la zona sur con mi ex colegio franco boliviano. Buen sonido a pesar del saboteo de Stratus al final del Show.

Fue un debut poderoso que nos abrió el camino rápidamente. No fue un Festival, fue soporte al grupo más sólido de la escena local de esa época. El grupo logró grabar cuatro canciones, un demo el 85 y un EP en 1986.

El año pasado Mauricio Torres V. ha editado LaCarne Magazine

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una edición de lujo exclusiva para coleccionista, con material inédito. Es tan fuerte el legado de Metalmorfosis en el Heavy boliviano, que muchos no pudimos obtener las copias numeradas que salieron a fin del 2020. ¿Cómo te fue con la re edición de tu material?

Muy pocos grupos poseen material de lo ocurrido en los años ochentas. Fue una gran satisfacción editar y compartir mis archivos personales con nuestros seguidores.

Se ha logrado agotar una linda edición de 160 piezas de este documento histórico.

Mauricio Torres V., posteriormente pasaste a conformar el proyecto musical XXX, banda que pude ver en el Colegio Franco Boliviano, en el Rock Bol 93 (y aún recuerdo el Festival como los primeros de mi vida en contacto con sonido en vivo y con shows en directo).

Ahora -también- pude disfrutar del tema “No es Vida” que forma parte de su EP. ¿Cómo le fue al proyecto? ¿Qué anécdotas nos puedes rememorar?

XXX fue un proyecto muy interesante que tuvo dos etapas: la primera de rock clásico con Wilder, que después formó Anadda, y después Post Punk / Reggae con otros integrantes.

El grupo surgió gracias al Socavón, y logramos grabar un demo en cassette de cuatro canciones, dos covers y dos propias. La banda llegó a su límite, pienso que no daba para más, y yo debía seguir adelante buscando el próximo paso. Sin XXX no hubiera existido Lapsus.

El próximo paso en tu carrera es Lapsus, banda que también tuve la oportunidad de ver en su debut como proyecto, presentando el que sería el adelanto del álbum Umar Mash, también en el Franco (creo que en 1997) ya en el Coliseo del colegio, y cuando el Festival cambió de nombre a ExploRock. ¿Cómo le fue a la banda? Alcanzaron gran popularidad y sembraron la semilla del Reggae boliviano. ¿Qué anécdotas puedes comentarnos de aquellos tiempos gloriosos para tu carrera? ¿Con qué canciones han marcado su legado como Lapsus?

Lapsus fue un grupo que nació con estrella.

El debut en El Socavón fue fundamental. Muy

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pronto corrió la noticia de que nacía una nueva banda con la voz de XXX y la batería de LouKass. Tras la disolución final del Lou-Kass, Lapsus se convirtió en el proyecto de Reggae más sólido de esa época.

En el colegio franco 1995 pudimos presentar canciones del disco meses antes de entrar a estudio. El éxito de este disco estuvo en que presentamos en vivo durante todo un año varias canciones que ya eran del gusto de la gente.

El grupo tenía mucha personalidad y sonaba sólido, nuestro lado débil fueron las relaciones personales internas. Puedo resumir su legado con Mi Love, Amarastabrillar y Together. ¿Cuál es la discografía oficial de Mauricio Torres V. a la fecha? ¿En qué formatos se edita-

ron? ¿Qué años y bajo qué Sellos o de manera Independiente?

Discografía Oficial 1985 Metalmorfosis “Viaje infernal/Los Rockeros van al infierno” Demo 2 tracks (Heriba), 1986 Metalmorfosis “Qepd/ Somos de metal” Ep/Cd/K7 2/4 tracks (Heriba), 1989 Platino “Te Seguiré” Demo 1 track (Santa fe).

fosis “Archivos” Bootleg Cd-R 24 tracks (independiente) Acoplados, 1998 Soundtrack La calle de los Poetas Muertos Cd (Díscolandia), 2004 40 años de Rock boliviano Cd 4Box set (Discolandia), 2007 Equinoccio Rock Festival Cd.

1991 XXX “No Prohibido” Demo 4 tracks (Sonox), 1994 Súper Video Hits Lp/K7 Acoplado (Heriba),1996 Lapsus “Umar Mash” Cd/k7 14 tracks (Discolandia), 2001 Lapsus “Skiva/Reggae Holiday” Demo Cd/2 tracks (Pro Audio), 2006 Lapsus “Banda Ancha” Cd/14 tracks (Independiente).

Umar Mash, el último proyecto musical que Mauricio Torres V. dirige en pleno Siglo XXI, editando material en 2018, grabado en México. ¿Cómo te fue con la producción y difusión en esta nueva etapa musical?

Grabar la primera producción de Umar Mash fue una experiencia muy satisfactoria, ya que pude hacerlo cuidando todos los detalles desde la preproducción.

2008 Polaroid “Dulce 16” Single 1 track (independiente) 2019 Umar/Mash “Búmeran” Ep/ Cd 8 tracks (independiente), 2020 Metalmor-

Puedo considerar que fue mi trabajo más profesional, fue como hacer mi maestría en la música, desde la elección del productor, músicos,

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estudio e ingenieros.

Con la difusión me fue bastante bien en plataformas digitales. El CD físico está quedando para los coleccionistas.

Este nuevo proyecto solista sirvió para retomar las presentaciones en vivo en Bolivia, re encontrarme con el público y visitar varias ciudades.

Recuerdo que conducías un programa de televisión “Super Video Hits” –si mi memoria no me falla- en los gloriosos 90’s. También vi en tus redes sociales que hiciste radiodifusión.

Ahora sigues comunicando con tu canal YouTube Años Luz (Tributo Al Rock Boliviano), donde tienes una hermosa colección de vinyl hecha en Bolivia, digitalizada y completamente abierta en el portal, lista para compartir. ¿Cómo ves al comunicador musical que vive en ti y a su aporte realizado hasta la fecha?

La comunicación es parte de mi personalidad.

Actualmente trato de tener contacto con los seguidores de las bandas que he tenido.

También estoy terminando un documental de Metalmorfosis de tres capítulos, y me alegra considerablemente ver que mucha gente recuerda el trabajo realizado en televisión. Ése fue mi aporte y me llena de satisfacción que la gente lo recuerde y lo aprecie.

Mauricio Torres V., eres especialista en escuchar y disfrutar de la música, como los catadores de vino, un experto del buen sabor en el sonido musical. ¿Qué es la música y su respectiva colección para Mauricio Torres V.?

La Música siempre me ha acompañado, incluso la he combinado con mi profesión, es parte de mi personalidad. Retomar el coleccionismo de discos de vinilo en México es una experiencia muy gratificante y apasionante.

Te iniciaste en el Escena Heavy de Bolivia, en tu ciudad natal -La Paz-, pasaste a comandar la Movida del Reggae Music boliviano, con identidad y sonido propio, Top Hits originales y mucha buena onda sembrada en sus shows.

Ahora que radicas en México, ¿cómo ves y vives la Cultura luego de tantos años de aporte

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y trayecto?

La gigante oferta cultural que tiene Ciudad de México ha sido uno de los motivos por los cuales he decidido radicar acá. Lastimosamente con la pandemia todo se ha parado en este tiempo. Podría decir que después del camino recorrido, hoy trato de aprovechar al máximo la vida, siempre es hoy.

Melómano, la música la mejor droga como dicen algunos amigos colegas. ¿Qué disco recomendarías de Reggae y de Heavy Metal para llevarte de viaje?

Mis seis discos para salir del planeta son Queenryche / Operation Mindcrime, Barón Rojo/ Volumen Brutal, Pink Floyd / The Wall, The XX/ The XX, Bob Marley / Exodus y The Clash / London Calling.

Dentro de larga experiencia y una trayectoria de aproximadamente 4 décadas, ¿cuáles fueron los shows donde el Alma se te salió y envolvió con el público en uno? ¿Qué concierto marcó en tu ser como épico e inolvidable?

Shows memorables: Metalmorfosis (Rock Bol 1987), Lapsus (Urban Fest 2006), Umar Mash (Chukuta Fest 2019).

Del Heavy Metal al Reggae Roots, Mauricio Torres V. eres un músico y cantante versátil. ¿Qué temas son tus preferidos de cantar -e interpretar- de los que has escrito, compuesto y grabado en tus proyectos de vida musical?

Canciones favoritas para cantar: Mi Love, Amarastabrillar, Cero de Sol y Together de Lapsus.

La Paz fue la ciudad más importante de Rock en Bolivia, allá por 1982, cuando eras un muchacho de 14 años, y nadie de tu familia sabía de tu otro rol (el de cantante de Heavy…). ¿Cómo recuerdas esos mágicos momentos?

Fue un tiempo mágico lleno de vértigo y aventuras. No teníamos mucho para disfrutar, pero lo hacíamos al máximo dándole a todo mucho valor.

Mauricio Torres V., escuché en el documental que realizaste decir algo muy genial y divertido: que escuchaban Rock por borbotones, eran el grupo de traficantes de la mejor música

La Paz, ésa que no estaba en tiendas ni radios (música de Europa y EE.UU.). Ahora que los tiempos han cambiado, ¿cómo vive su pasión en este aspecto?

Hoy en día todo está disponible, está a la mano. Internet ha acortado las distancias, pero hay que saber buscar, la cantidad no significa calidad. La pasión por el arte es algo muy individual. En mi caso trato que la música sea mi alimento y mi remedio.

Nuestro amado país quedó baldío, sin mercados ni industrias, Discos Heriba, Lauro Records, Santa Fé, entre otros Sellos que han desaparecido. Con Discolandia que aún vive de las ultimas migajas de su emporio – monopolio, pero ya no produce casi nada en la actualidad. ¿Cómo se puede explicar esta situación adversa para los músicos? El camino es la producción Independiente. Mauricio Torres V., ¿cómo fue tu experiencia con las bandas que integraste?

Nunca fue fácil, ni ayer ni lo es hoy. Trabajar como músico independiente requiere de mucha exigencia, tratar de lograr el mejor resultado, ya que está en juego la carrera y la propia inversión.

Un trabajo independiente debe ser superior o estar al mismo nivel que un trabajo con disquera, ahí está el desafío. Ser independiente no debe ser un pretexto para la mediocridad, por lo contrario, mostrar la excelencia. Es importante recordar que Banda Ancha de Lapsus (2007) fue un disco independente y quedó impecable en todo aspecto.

Mauricio Torres V., te has acoplado a la nueva era de la música, de promoción digital por medio de las distintas plataformas. ¿Cómo te ha resultado la experiencia?

A pesar de que las plataformas pagan muy poco, es lo único que tenemos. El gran negocio siempre ha estado en sus manos con la distribución. Hoy se repite la historia, ganan los dueños de los masters y las plataformas que distribuyen, los artistas estamos relegados.

Con Umar Mash tuve la suerte de lograr que Búmeran fuera escogida e incluida en varios

Play Lists (470,000 plays). Ésa es la clave del éxito con las plataformas.

Un mensaje para los nuevos y viejos miembros de la Cultura alrededor del planeta entero, luego de los años recorridos. ¿Cuáles son tus palabras de experiencia a la gente? ¿Qué les dirías a las personas que quieren incursionar en el Movimiento?

Nunca dejen de hacer las cosas con el corazón y pasión. “Perseverancia, un plan y mucho trabajo” son la clave del éxito. Consuman arte, alimento para el Espíritu.

Mauricio Torres V., ¿cuál es tu frase, lema, verso o dicho? Ése que te anima, alienta, levanta, enfoca, etc., para seguir en la batalla musical y de la vida.

“Coraje es la alegría de vivir la vida peligrosamente”.

Adecuándonos a los nuevos tiempos y sus medidas de seguridad, durante la Nueva Era, ¿qué proyectos se vienen para el 2021 para Mauricio Torres V.?

Con Metalmorfosis se viene la esperada reedición en vinilo del EP de 1986, y el capítulo tres del documental Archivos. Con Umar Mash, poder grabar algo nuevo y presentaciones en Bolivia apenas sea posible.

Mauricio Torres V., ¿cuál su compromiso para con la vida, la humanidad y su existencia en la Madre Tierra desde lo que mejor sabe hacer, que es la música y el canto?

Pongamos nuestro grano de arena y cuidemos lo poco que nos queda del planeta. Es el único que tenemos.

Un mensaje de despedida para la gente que disfruta de tu música y la sigue en las redes sociales, para los nuevos admiradores y seguidores de Mauricio Torres V. Vivan la vida intensamente, que la vida es hoy, siempre es hoy. Nosotros podemos ser muy fuertes hasta el final… (Together/Lapsus).

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El Legado

orgullo Hard Rock desde Argentina

E

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l Legado, éste es el nombre que le han dado a la banda de Hard Rock procedente de la Argentina.

Esta banda se comenzó a gestar por el año 2018, cuando algunos de sus integrantes se conocen y comienzan a componer sus temas, y así con el trascurso del tiempo van completando la alineación, músicos todos con experiencia previas en otras bandas.

Pero quién mejor que Leo Dobao para contarnos la historia de la banda, la actualidad y sus planes.

El Legado, orgullo Hard Rock desde Argentina 52 LaCarne Magazine

Hola, y sean bienvenidos a LaCarne Magazine. Háblanos un poco de la historia de El Legado, la cual creo comenzó por el año 2018.

Bueno, El Legado en su momento, allá por 2018, empezó con otro nombre (se llamaba Hijo del Viento) y con otra formación. De aquella formación solo quedamos Emiliano Ortiz (Guitarra) y Yo (Leo Dobao – Batería).

Emiliano tenía las ideas de las canciones, pero faltaba armar la estructura, hacer los arreglos y toda la producción, así que comenzamos los 2 haciendo eso hasta tener una maqueta de batería y guitarra, y una idea de la melodía vocal. Ya para esa instancia Hijo del Viento se había disuelto.

Con ese trabajo terminado yo convoqué a German García para que grabe el bajo. German toca conmigo en otra banda llamada Everflow, y le gustó el material de la banda y decidió quedarse, y luego convocamos a Javier Barrozo que también había tocado con-

La banda la terminan de conformar German García (Ian/Everflow) en bajo, y Johan Maximus (Estigma Purpura/Javier Barrozo) en teclados. ¿De qué bandas se puede decir que se nutre El Legado? ¿Quiénes son sus principales influencias musicales?

El Legado se nutre principalmente del Rock Neo clásico y Hard Rock de los 70 y 80, aunque también tiene cosas modernas, como el audio y ciertos colores de la producción. Las principales influencias son Deep Purple, Rainbow, Malmsteen, Whitesnake, Europe.

A pesar de la banda no tener aún un álbum oficial o ampliamente difundida, El Legado ha estado presentando muy buenos temas musicales en su canal de YouTube, esto como anticipo de su debut discográfico. ¿Qué tal ha sido la reacción del público, los oyentes, en relación a estos temas? ¡La verdad a la gente le gustó mucho, recibimos muy buenas críticas, y esperemos que lo próximo que venga les guste aún más! migo en otra banda que se llamaba Magnos.

Por último, se sumó Johan Maximus en los teclados.

Siendo una banda de Hard Rock, ¿se consideran una banda subterránea? ¿Cuál es su opinión respecto a este movimiento dentro de la música y el arte en sí?

Yo creo que somos una banda nueva, y, como para toda banda nueva, es muy difícil insertarse, pero lo hacemos de manera profesional, tratando que el material sea de la mejor calidad posible.

El Legado es una joven banda conformada por experimentados músicos. ¿Quiénes integran la banda y de dónde proceden cada uno?

La banda está formada por Emiliano Ortiz, guitarrista (Mistica Power/Christian Bertoncelli); Leo Dobao, baterista (Everflow/Ian/Magnos); Javier Barrozo (Magnos/Lorihen/W. G Temple) en las voces para terminar las líricas, y comenzar las grabaciones.

Pasemos al disco debut. ¿Para cuándo se podrá contar con este material? ¿Será lanzado de manera independiente o con algún sello?

El material va a salir de manera independiente, y el formato que vamos a usar es ir sacando de a 1 canción, hasta formar 3 EP de 4 canciones cada uno. Próximamente va a salir Adicto a Vos, que es la última canción de primer EP, y luego estarán disponibles las 4 canciones en todas las plataformas. ¿Cómo fue la producción por parte de la banda? ¿Buscaron algún productor experimetado, o desde el inicio la idea fue de encarar como banda la producción del disco?

Al comienzo íbamos a hacer los demos y buscar un productor, pero luego decidimos hacerlo nosotros. ¿Qué opinan de la caída del formato físico musical, y qué opinan de la música en plataformas? ¿En qué cambiarán las cosas a futuro para los músicos?

Yo creo que, como todo, las cosas van camLaCarne Magazine

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biando y hay que adaptarse. Lo único que no cambia es que la música que perdura es la que a la gente le gusta, y la que de alguna manera u otra hace la diferencia. ¿Cómo ven el desarrollo de la escena de Argentina en estos últimos años, o al menos desde que ustedes se formaron? ¿Se ha mejorado en algunos aspectos? ¿Está igual que antes? ¿Se ha vuelto más cerrada y limitada?

En Argentina es bastante cerrado el circulo. Es muy difícil difundirse en medios importantes, y es un trabajo de hormiga, del día a día, y hoy con todo esto de la pandemia está todo muy complicado, pero tenemos fe que al salir la gente se va a acercar a ver bandas nuevas. ¿Qué opinan de las transmisiones online que han reemplazado momentáneamente a las presentaciones en vivo por el tema de la pandemia? ¿Ustedes han participado en algunas de estas transmisiones? ¿Qué nos pueden decir al respecto?

Creo que está buenísimo porque te acerca a gente que quizás jamás pueda verte en vivo, y puede descubrir una nueva banda. Nosotros participamos de varias transmisiones y estuvo genial. Espero vengan más.

Si la banda pudiese proyectarse en los próximos 3 años, ¿cuáles serían los logros que esperan cumplir en ese lapso de tiempo?

Lo que queremos es poder tener nuestro primer disco y seguir creciendo, y poder viajar al

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interior de Argentina y al exterior a llevar nuestra música. ¿Qué podemos esperar de El Legado en el futuro, y cuál es la razón por la que debemos escuchar su música?

Realmente estamos dando lo mejor y estamos orgullosos del material que estamos haciendo. Yo creo que a la gente le va a gustar mucho ver a la banda en vivo, así que cuando la pandemia lo permita esperamos poder llevar nuestra música lo más lejos posible.

Muchas gracias por otorgarnos esta entrevista. ¿Podrías dar un mensaje a los lectores de LaCarne Magazine, por favor?

Muchas gracias a ustedes por este espacio, es muy importante para nosotros tener un espacio para difundir nuestra música, así que agradecidos de corazón.

Y decirle a la gente que está leyendo esta nota que se cuiden, que todo esto del Covid va a pasar y todo va a ser como antes si Dios quiere, y esperamos poder ir a llevarles nuestra música a donde estén. Mientras tanto, los invitamos a escucharnos de manera virtual. ¡Muchas gracias a todos!

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Sôber

presenta Elegía, un disco muy esperado LEER MÁS

Fotos por Javier Bragado

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uy buenas a todos! Como siempre, espero que todos os estéis cuidando, que sigáis siendo responsables, que aun con vacunas el virus sigue ahí fuera.

En esta ocasión, he tenido el placer de tener una charla telefónica con Antonio Bernardini, que me atendió muy amablemente, y con quien estuve hablando largo y tendido. Tam-

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bién nos echamos unas risas, y, lo más importante, nos contó toda la información sobre el nuevo disco de la banda Sôber, todos los detalles de su composición y lanzamiento, y cómo serán los próximos conciertos.

Sôber nos presenta Elegía, un disco muy esperado Lo primero, darte las gracias por atenderme en esta entrevista. Empecemos, ¿cómo se siente Sôber (cómo te sientes tú) tras el lanzamiento de Elegía?

La verdad es que nos sentimos muy contentos. Ha sido el primer disco que Sôber hemos

Los fans dicen que para este nuevo álbum habéis retomado el sonido de los Sôber de los primeros años. ¿En qué se parece este nuevo álbum a los primeros álbumes de Sôber?

Bueno, yo creo que es más una opinión de la gente. Nosotros teníamos la intención de hacer un disco más crudo, más directo, y volver un poquito a reencontrarnos con los primeros trabajos, pero no hacer una nueva Morfología o una nueva Síntesis porque ya están hechas.

Digamos que, con el tiempo, evolucionas, tanto como músico, técnica, y como compositor.

En este caso, Carlos es el compositor del disco y letrista también, entonces llega un momento en el que queríamos darle ese aire más de oscuridad, solemnidad, y más contundencia.

Eso es lo que queríamos. Volver otra vez a la imagen del principio de Sôber, pero siempre con un punto de luz, y optimismo, que siempre nos ha gustado, poder hacer canciones que tengan varios niveles de lectura para que la gente pueda interpretarlo a su manera. Eso es lo bonito y lo romántico que puede tener el estilo que Sôber estamos haciendo.

hecho después de Vulcano, hace ya cinco años, aunque hemos estado inmersos en La Sinfonía del Paradÿsso y todo lo que conllevó, pero el disco realmente que hemos hecho y compuesto ha sido éste, con lo cual estamos súper contentos, muy motivados, y muy orgullosos de lo que hemos sacado.

Tras veintiséis años de carrera, en teoría tienes que sacar disco, aunque también podríamos haber seguido girando y ya está, pero cuando tienes diez temas que crees que merecen la pena, y con un formato tan cuidado, pues pensábamos que era un regalo para los fans y para nosotros mismos.

¿Cómo crees que ha evolucionado la música de Sôber con el paso de los años?

Pues hemos evolucionado, pero el estilo en sí no ha cambiado mucho. Somos un grupo que cuando comenzamos nos marcamos unas directrices muy concretas, y que nos costó muchas críticas, porque por allá en el año 1996, en España, no había ningún grupo como nosotros.

Entonces tenías que oír y ver cómo la prensa y oyentes nos comparaban con algún otro grupo, como para ubicar a la gente dentro de un estilo. Quizá una semejanza con Héroes del Silencio, en el sentido de una voz melódica, las letras, etc.

También con Tool, porque, bueno, nos llamamos Sôber, como una canción de Tool, que en esa época éramos muy fans de ellos. Bueno, y ahora también. También éramos muy fans de Helmet por el tipo de guitarras, ritmos.

Quizá el tono de voz de Carlos se puede parecer un poco al del cantante de Tool.

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Además, en esa época no había Internet, y no había la información que hay ahora para poder decir “voy a hacer un estilo como lo hacen ellos”. De hecho, un directivo de una importante compañía que también llevaba la discográfica de Tool nos dio las gracias por la promoción que les estábamos haciendo a Tool (risas). Eso es real. Y en un evento en el Hard Rock Café de Madrid, cuando A Perfect Circle sacaron su primer disco, para que fuese mucha gente a escucharlos y verlos nos llamaron a nosotros para que tocásemos.

Tool se han hecho gigantescos, y me flipan a mí, a todo el grupo, y a medio mundo. Pero al principio en España no les conocía nadie. Y quizá alguien se compraba el disco de Sôber, y le hablabas de Tool, y no sabía de quién le estabas hablando. Paradÿsso fue un disco que nos cambió la vida a todos.

El disco se compuso antes del cambio de discográfica, y en la nueva discográfica tra-

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bajaban muy bien, y con Paradÿsso fuimos subiendo hasta alcanzar el disco de oro, platino, fue un pelotazo. No era una compañía multinacional, pero creyeron en el producto y lo trabajaron muy bien, y no nos condicionaron en nada, pudimos ir a mezclar en Los Ángeles, etc.

Nosotros somos un grupo muy conservador con lo que hacemos, y no nos dejamos influenciar por nadie. Somos muy drásticos en eso. O sea, si algo no nos cuadra hacemos un gabinete de crisis enseguida, y en ese sentido nos intentamos adaptar a las producciones, sonidos nuevos, pero sin cambiar el estilo.

Hay bandas que han cambiado el estilo, y al final han perdido público.

Hay que saber adaptarse teniendo en cuenta que en España el rock no es el estilo de música que más se escucha, aunque el rock realmente funciona, porque cuando vienen a tocar una banda de rock se llena el WiZink. O sea, en España el rock funciona, pero no se

si Dios quiere, todo se arregla, pero llega un momento en el que ya no pasa nada, y siendo un músico profesional, en el escenario tienes que ver el rol que tiene cada uno, y eso es lo que tuvimos clarísimo cuando nos volvimos a juntar para que el proyecto funcionase.

Ahora han pasado ya once años de eso, y, bueno, estamos muy ilusionados con el nuevo disco, muy contentos, con mucha energía y con muchas ganas de presentarlo.

publicita. Realmente, eso a nosotros nos da un poco igual.

Tuvimos la suerte de que con Reddo entramos directamente en el número dos en las listas, y llegó al disco de oro, y estábamos muy contentos, pero también vimos que necesitábamos movernos, y llegamos a la conclusión de hacer un descanso con Sôber después de muchos años de carrera, y fue cuando nos dedicamos a los proyectos paralelos, como fueron Skizoo y Savia, con los que nos llevó a hacer giras y lanzar tres discos.

Fue un descanso que nos vino bien para crecer como personas y como músicos, nos puso los pies en la tierra, volviendo a tocar en salas más pequeñas, y fue como volver a empezar de cero.

Como músico, no hay una carrera que te enseñe a cómo ser un artista de rock multimillonario, no la hay, (risas). Entonces te equivocas, hay roces con los compañeros, etc., y al final,

He leído el por qué Sôber habéis llamado al álbum Elegía, el significado del título, y realmente me ha parecido muy bonito (una elegía es un poema asociado a una pérdida). Con esto entiendo que siempre está muy presente la esencia de Alberto Madrid y Simón en el espíritu de Sôber. ¿Cierto?

Sí, la verdad. Están presentes siempre. No hay ningún miembro del grupo que no se acuerde de ellos en algún momento, es muy difícil, pero no habíamos hecho un disco dedicado a ellos expresamente. Entonces Carlos eligió el nombre Elegía, que es una oda, un poema, acerca de alguien que se está muriendo, o a la muerte. Es un poco etéreo, es una cosa muy bonita, porque, además, nos gustan los títulos que dan qué pensar. Nunca vamos a poner un título demasiado concreto.

No se nos ocurriría llamar a un disco “Perro”, por ejemplo (risas). Ponemos nombres para que la gente también lo piense un poco. Por ejemplo, el nombre de “Elegía”. No todo el mundo conoce esa palabra, y eso, en conjunción con el diseño, que lo hizo la hija de Carlos, que se le da súper bien pintar con acuarelas, y cuando lo vimos pensamos que era cojonudo, y además de su hija, que la hemos visto nacer todos, y fue todo un orgullo contar con sus diseños.

Hay muchas ilustraciones dentro del disco, las letras están escritas a mano por ella, con su perfección e imperfección, al no ser una tipografía, eso está muy cuidado. En eso también ayudó el tiempo de pandemia entre Carlos y su hija, al convivir juntos. Explicarle a ella el significado de las letras, y que ella plasmara en sus ilustraciones lo que ella consideraba LaCarne Magazine

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que significaba eso.

Al ser una persona con una relación tan cercana, no es lo mismo que tener que explicárselo a alguien externo. Eso hace que el disco sea aún más especial. Yo, personalmente, estoy encantado de cómo ha quedado. Además, el formato es espectacular.

Hemos hecho un libro con disco, que además ese formato del disco, que en realidad es un libro-disco, le bajaba el IVA de un 21% a un 4%, y así además ofreces al público algo más interesante, que no sólo un disco y ya. Todo este tiempo de pandemia nos ha hecho pensar y mimar mucho cada detalle.

La canción Elegía entiendo que es la más representativa del álbum por razones obvias, pero, además de este tema, ¿con qué otra canción te sientes más identificado? A mí personalmente me encanta “Mi Heroína”, porque tiene algo que, a mí, como madre y como hija, me toca la fibra sensible. De hecho, iba en el bus cuando la escuché por primera vez, y me entró una llorera, que, menos mal que iba sentada en el lado de la ventanilla y pude disimular… (Risas) Sí, hay canciones que la gente del grupo la estamos escuchando, y al final nos terminamos emocionando, pero si me pides del disco mi canción favorita, a nivel guitarrista, a mí la canción de Seda y Plomo me parece muy divertida de tocar. Tuve la oportunidad de hacer el solo de esa canción.

En este disco no hay tantos solos como en los anteriores, y entonces, pues de los pocos solos que hay, uno me tocó a mí, y es una canción con un riff de guitarra muy contundente, con una letra muy agresiva y directa. A mí me gustan todas. Por ejemplo, la versión a piano de Eclipse con La Bien Querida es una canción muy bonita. ¿Cómo surgió la colaboración con La Bien Querida? Quizá una colaboración un tanto curiosa. La canción suena preciosa, desde luego.

Pues Carlos es amigo de ella, y, bueno, teníamos listos diez temas, y nosotros en todos los

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discos hemos publicado once. Entonces, era como un número fetiche, y tuvimos la oportunidad de hacer un bonus track de una canción como Eclipse, que es una maravilla, y al ver ese lazo de amistad entre Carlos y esta chica, que, aunque viene del mundo del “Indie”, tiene una voz muy dulce, y te puede recordar un poco a la antigua Jeanette.

Entonces vimos que conjugaba perfectamente, con el compromiso por ambas partes de que si no nos gustaba, no se iba a publicar, pero se hizo, se grabó en una mañana, y la verdad es que el resultado nos gusta mucho, y es un tema que a la gente le está llegando.

El pasado 26 de Junio Sôber volvisteis a los escenarios en Madrid. ¿Me figuro que fue una pasada volver a sentir la emoción de tocar ante el público?

Sí, la verdad es que fue algo muy emocionante, y en un entorno con muchas luces y muchos vatios, estilo festival, y aunque la gente estaba sentada, era mucha gente, y lo disfrutaron muchísimo, y nosotros también. ¿Cuáles son las canciones que más os gusta tocar en concierto?

Canciones como El Hombre de Hielo, Loco, Tic Tac, por el trabajo que me hacen hacer con la guitarra. Unas canciones son más divertidas que otras porque estás todo el rato cambiando de efecto, etc.

Pero luego también las que el público disfruta, como Arrepentido, Diez Años, La Nube. Yo creo que en general para el set elegimos las que más disfrutamos nosotros, y las que más disfruta el público.

Cuéntame, estoy viendo fechas de próximos conciertos. Actualízame un poco la información, ¿dónde y cuándo serán los próximos directos de Sôber?

Vamos a hacer conciertos, dos o tres cada mes, en lo que queda de año, pero no va a ser una presentación como tal del disco.

Como aún hay muchas restricciones, y no podemos presentar como nosotros pensamos que se merecen los temas del disco, pues por

el momento vamos a tocar dos o tres temas nuevos en cada concierto, y vamos dando un poco retazos de lo que es el disco.

Pero ya de cara a primeros de año estamos cerrando una serie de fechas y salas, como se solía hacer, y poder dar un concierto extenso. ¿Cómo habéis vivido la pandemia como banda? ¿Os ha retrasado a la hora de presentar material, o, por el contrario, os ha dado más tiempo para trabajar en el nuevo disco?

Nos ha beneficiado en todo lo que comentaba antes, que hemos tenido tiempo de cuidar más todos los detalles del disco. Pero, por ejemplo, nosotros teníamos pensado grabar el disco después del concierto de Las Ventas, el siete de Marzo de 2020, con la mala suerte de que a los seis días nos encerraron a todos.

Además, me contagié de la Covid19 en ese tiempo, que me afectó al olfato, y a día de hoy no estoy recuperado del todo, estoy a un 90% de recuperación.

Así que, debido al confinamiento, Sôber tuvimos que retrasar la grabación un mes o dos meses, pero durante el confinamiento fuimos yendo al estudio, con todas las restricciones.

No podíamos ir todos a la vez, pero, bueno, íbamos grabando tranquilamente y sin problemas, y nuestra idea era haberlo lanzado después del verano de 2020, que en teoría iba a estar todo mejor, pero como no fue así, pues no lo hemos lanzado hasta ahora.

Pero, como te comentaba, eso nos ha ayudado a que el formato y todo haya sido mejor. El resto del confinamiento y pandemia, pues nos ha afectado igual que a todo el mundo.

Parece que ya se ve la luz al final del túnel, excepto por los últimos acontecimientos con la gente un poco más joven, que entiendo que después de dos años sin poder moverte, pues hacen que pasen estas cosas, y, bueno, ahora con las vacunas y tal creo que sin problemas podemos ir avanzando en el tema de dar conciertos en festivales monumentales que están por venir.

¿Qué música habéis estado escuchando últimamente?

Pues, la verdad, escuchamos de todo, pero escuchamos mucho Rock Progresivo, como Anathema, que realmente aporten algo nuevo y que te abren un poco la mente.

Ya te digo, Metal Progresivo, cambios de ritmo, escuchamos ese tipo de música porque nos gusta y nos invita a experimentar, y aunque no hagamos un disco entero con muchos experimentos, pero sí metemos algún matiz. ¿Qué canción (de Sôber o no) pondríais como BSO a la situación actual?

Pues así… Yo creo que una canción como Blancanieve, en la que se ve un mundo caótico, muerto, pero que al final sale el sol y todo se resuelve. Yo creo que es un buen ejemplo.

Y para finalizar, ¿algo que quieras añadir, algún dato adicional, o lanzar algún mensaje al mundo?

Nada, que muchas gracias, sobre todo a los fans, que han confiado en el grupo, y con los tiempos que están cayendo han comprado el disco antes de que saliese confiando en la banda, y que hay Sôber para rato, que el Rock está volviendo, y que a ver si quitamos algún estilo de estos que no les gusta a nadie (risas).

Muchísimas gracias, Antonio, por esta gran entrevista.

Y, ya sabéis, si queréis seguir de cerca todas las novedades sobre Sôber, no dejéis de seguirles en sus redes sociales, y recordad que también podéis escuchar su nuevo álbum en plataformas digitales, pero en esta ocasión, os lo digo de corazón, comprad el disco original y le mandáis un saludo al dueño de Spotify. Un abrazo enorme. ¡Hasta la próxima!

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Proyecto Sopa

honestidad hecha por el Metal en el nuevo á

L

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as telecomunicaciones y sus redes sociales hoy en día sirven mucho más de lo que uno se puede imaginar, así continuamos la magna navegación para encontrar novedosos sonidos, y arribar a sus intérpretes en el infinito mar musical que presenciamos al transcurrir por el amado globo terráqueo.

Mientras disfruto en exclusiva del nuevo álbum, cortesía de la banda para con mi persona, me ambientó la edición y redacción final con la musicalización perfecta gracias al disco Paradigmas.

Nos comunicamos con Callo Valencia (voz y bajo) del Proyecto Sopa, banda que retuer-

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ce el sonido metálico con pureza de garaje y esencia Stoner, para conversar sobre su nuevo material Paradigmas, que presentan a la luz pública y marca una nueva etapa en la banda, en exclusiva para LaCarne Magazine.

Proyecto Sopa, honestidad hecha por el Metal en el nuevo álbum Paradigmas Luego de acomodarnos a las nuevas épocas que rigen en el planeta, con sus nuevas leyes, regulaciones y protocolos de bioseguridad, personal y musicalmente, ¿cómo se encuentran actualmente?

Primero que todo, muchas gracias por el espacio y en general la ayuda que dan a los músicos para difundir su trabajo, ayuda esencial en estos tiempos, donde las artes han quedado reducidas a su expresión virtual solamente, personalmente eso nos tiene cansados y tris-

y Callo Valencia (voz y bajo).

El nombre Proyecto Sopa nace como broma, la palabra «sopa» la usaba como sinónimo de «tonto» o «leso«. Con el tiempo fue adquiriendo muchos sentidos que se fueron asociando naturalmente a la sopa, como algo simple pero con muchos ingredientes que forman algo más complejo y sabroso. ¿Cuáles fueron sus influencias musicales para Proyecto Sopa? ¿Qué estilos han experimentado en su sonido?

Proyecto Sopa siempre ha sido una mezcla natural de todas las influencias que tanto yo como los integrantes del momento hemos tenido. Igual eso nos ha traído más de algún problema para encajar en alguna “tribu”, porque realmente nunca nos hemos «casado» con ningún estilo. Tenemos algo de Stoner Rock, Funk, Punk, Pop, y ahora hasta Hip Hop. Y es que es la música que escuchamos. Tratamos de ser lo más honestos que podamos, y tocar todo lo que nos nace.

álbum Paradigmas tes -la verdad-.

Proyecto Sopa siempre ha sido de tocar mucho en vivo. Antes de todo esto tocábamos por lo menos dos veces al mes, ahora ni siquiera hemos podido encontrar dónde lanzar físicamente nuestro nuevo disco. Los pocos espacios que hay -para variar- sólo están llevando bandas tributo, igual de cierta manera se les entiende a los dueños de los locales (tienen que parar las ollas). ¿Cuándo y dónde nace el Proyecto Sopa? ¿Quiénes lo integran y qué interpretan? ¿Por qué del nombre?

Proyecto Sopa nace el 2009 en mi pieza. Era sólo un proyecto solista que poco a poco fue adquiriendo más ambición por querer perfeccionar. Hoy lo integran Nicole Quijada (voz y teclado), No Creo en Tus Jirafas (es su nombre artístico) en batería, Iván Rojas (guitarra)

¿Qué bandas o grupos son sus referentes?

Queens of The Stone Age, Red Hot Chili Peppers, Deftones, Arcade Fire, Weichafe, Los Morton, Los Miserables, etc. Mucha música de los 90’s, pero también de los 60’s, 70’s y 80’s chilena e internacional… Es difícil nombrar todo.

Mientras conocía un poco más del Proyecto Sopa, pude encontrar en el Canal Youtube el full álbum Algo Más, el cual disfruté por completo al editar el presente cuestionario. ¿Cómo recuerdan esta etapa en Proyecto Sopa? ¿Cuál es su discografía a la fecha?

Que bkn (bacán) que te haya gustado. Gracias por decirlo. El periodo de composición de ese disco lo recuerdo con mucho cariño, fue un periodo muy fructífero creativamente. A la fecha tenemos un Demo (2010) y 3 discos de Estudio: Proyecto Sopa (2012), Algo Mas (2016) y Paradigmas (2021). Todos los pueden escuchar en Bandcamp.

El Movimiento Musical y la forma de hacer música ha cambiado desde el 2020 con la llegada LaCarne Magazine

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de la pandemia. Actualmente, ¿cómo está la actividad Cultural en Chile?

A mi gusto está fome, aún no me acostumbro al sólo consumo de arte virtual, no se puede ver «todo», ni de la mejor forma. Con respecto a la música, para mí las bandas se conocen realmente tocando en vivo, porque los streaming que he visto son bonitos y todo, pero no son realmente en vivo o hay muy pocos.

Pero, como dicen, el arte es vida y nos ha servido para llevar mejor esta “plandemia”, tanto para los que hacemos como para los que consumimos arte.

Este julio 2021 Proyecto Sopa estrenan su nuevo álbum Paradigmas, del cual pudimos apreciar el primer sencillo, Todos para Todos, junto a Lenwa Dura y Dj SeeAll, con una excelente fusión de estilos y generaciones. ¿Cómo les ha ido con la realización del flamante material?

Nos ha ido bien, no podemos quejarnos. Nos han ayudado harto en la difusión y en las menciones en redes sociales, no tanto como creo que se merece, pero está bien, lo digo porque es primera vez que un icono del Hip Hop de los 90’s como el Lenwa rapea con una banda de Rock. Eso para mí es épico, no tanto como fan (que lo soy) ni porque haya sido con nuestra banda, sino para la historia de la música chilena.

La canción habla del despertar de Chile y de lo mucho que merecemos un cambio para combatir todas las injusticias que vemos a diario.

Muchas gracias por compartirme el álbum Paradigmas, que de entrada me ha dejado contento en cuanto a lírica como música, combinando un sonido potente que eleva el buen sentir de la producción latinoamericana. El nuevo álbum fue grabado y mezclado en Gitano Recs por Juan José Sánchez, y Masterizado por Jack Endino (Seattle – USA). ¿Qué nos pueden comentar de los productores que han trabajado en su sonido?

La verdad es que Proyecto Sopa nunca hemos trabajado con un productor externo, siempre he sido sólo yo quien hace esa pega, pero este disco tiene la suerte de tener la co-pro-

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ducción de Carlos Albarracín (Dr. Rock And Roll) en las voces de cuatro canciones, y creo se nos hizo poco. A futuro me gustaría tener de nuevo una mente externa que nos haga descubrir cosas de nosotros mismos.

En cuanto a la grabación, Juanjo nos encontró el sonido perfecto que estábamos buscando.

De seguro fue más de un dolor de cabeza por la mezcla de influencias, pero lo hizo increíble, tal como lo fue la suerte de que Jack Endino escuchara la mezcla del disco y quisiera hacernos la masterización. Qué mejor que confiarle tu sonido a un ex productor de Nirvana y Soundgarden. Cuando nos dio el vamos, quedamos locos.

El álbum Paradigmas cuenta con una hermosa portada y cover art, además que suena conceptual y orgánico, con alma. ¿Cómo se dio el proceso creativo?

Estuvo difícil la grabación por lo de las fases en cuarentena, y fue justo en un momento donde estaban funando a todos los que esta-

ban haciendo videos. Así que, con ayuda de una amiga que vive ahí, nos atrevimos a hacerlo en la Cordillera de la Costa, y pasamos todo el rato preocupados que no apareciera un sapo o los pacos. Hasta tuvimos que hacer la mula que nos cambiábamos de casa para sacar el permiso.

El disco de Proyecto Sopa oficialmente estará al aire en las plataformas digitales a partir de julio. ¿Qué temas son los que nos esperan por disfrutar dentro de la nueva obra? ¿Alguna de las canciones de su preferencia? ¿Qué sencillos promocionales de Proyecto Sopa vienen en adelante?

Después de Todos para Todos viene la canción Tan Mal que también cuenta con un invitado de honor, el DJ 3do que hace unos scratches increíbles, esta es una de las canciones co-producidas en las voces por el Dr. Rock And Roll, y el video trae otra sorpresa que esperamos revelar pronto. El resto de las canciones son todas amadas de la misma forma pero aún no decidimos cuales serán single

o tendrán video.

Realmente formidable el tema Tan Mal, con unos estribillos pegadizos como la performance del DJ 3do, espectacular material que nos entregan junto a otras canciones que han llamado mi atención (Tus Balas, Si mal no me Quisiste, Paradigmas). En general el álbum goza de un Espíritu que nos lleva por el viaje hacia la cima musical. ¿Cómo se ha acomodado desde la música, a la época de cuarentenas que atraviesa la humanidad? ¿Qué experiencias pueden comentarnos?

Es un poco frustrante no poder juntarnos a ensayar -cuando no se puede-. Dejamos de tener sala mensual, y se ha vuelto muy difícil, pero todos en la banda tenemos hijos pequeños y abuelos que cuidamos mucho. La familia es prioridad y pretendemos cuidarnos para cuidarlos.

Durante el recorrido musical de Proyecto Sopa, ¿qué evento o Festival los ha dejado marcados de por vida?

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Como banda han sido varios, por lo que es difícil elegir, pero quedan más que gratos recuerdos de tocar en Matucana 100, en la Estación Mapocho en la Feria Pulsar, en la televisión abierta en el Canal 9 – Bio Bio-, Casa de Salud en Concepción, y Ele Bar en Valparaíso. ¿Cuál es su frase, lema, dicho o verso que le anima a seguir en la batalla de la vida o juego de la vida?

“La vida es para disfrutar y hacer las cosas bien, todo es posible con amor y respeto”. No sé si sea un lema o algo, pero lo tengo súper claro.

Sus palabras de despedida y mensaje final para la gente que sigue su música, y para los nuevos admiradores del Proyecto Sopa.

Gracias por ser diferente, gracias por darle una oportunidad a algo nuevo. Nos hace muy feliz que les guste nuestro trabajo, y esperamos de todo corazón que nos veamos pronto.

Cuídense mucho, y, sí…, ya despertamos a no dormirnos de nuevo.

Cierro al mismo tiempo la edición (de la en-

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trevista exclusiva) y la audición premiere del nuevo álbum Paradigmas, obra magistral de la música independiente hecha en Latinoamérica, con alma de libertad que nos deja contentos los oídos sutiles con sus sonidos, sus temáticas y canciones contemporáneas, urgentes para estos tiempos que nos toca sortear.

Nuevamente agradecido y enorgullecido por haber contado con la posibilidad de llenar el alma y el paladar que todo melómano -en exclusiva- desea saciar, con un álbum que sella una huella en el presente futuro. Gracias realmente por la gentileza y que suene alto el Proyecto Sopa.

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Rockstar P

de Tennessee a Bolivia con la música urba Extraño ir a eventos de Hip Hop y ver a todos actuar, extraño subir al escenario.

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Luego de casi un año de sobrevivir al COVID19, personal y musicalmente hablando, ¿cómo estás actualmente? ¡Ha sido una locura el COVID-19! Personalmente, no me ha afectado a mí ni a mi familia, por la buena gracia de Dios. Algunos amigos me dijeron que lo tenían o que un familiar suyo lo tenía, pero, gracias a Dios, todos los que conozco están sanos y somos fuertes.

Musicalmente, me ha motivado a ir aún más duro con la música. Lancé nueva música durante la cuarentena, y grabé un video musical.

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¿Cuál es su nombre y lugar de nacimiento? ¿Cómo nace a la vida musical?

Mi nombre es Giovanni Jesus Moldiz, nací en el Estado de Maryland (EE.UU.). Diría que todo empezó cuando tenía 16 años. Tenía y tengo la pasión de escribir mis propias letras.

Seguí escribiendo hasta que tuve la oportunidad de grabar en la casa de un amigo en ese momento.

En aquel tiempo de mi vida, ni siquiera estaba seguro de lo que quería hacer con mi vida, probablemente no hasta que vine aquí, a Bolivia. Empecé a tomarme la música en serio desde los 24 años. Sabía que tenía el talento,

Ésa es una pregunta interesante y es verdad.

Hermano, todo lo que puedo decir es que traje a Tennessee cuando vine a Bolivia. Mi estilo es del sur de Estados Unidos, y he visto que hay gente que está jodiendo con mi música y la disfruta. Cuando escuchas mi voz, me escuchas representando de dónde soy.

Su carrera artística dando vida a Rockstar P. ¿Cuál es su breve historia hasta el presente? ¿Por qué de su aka Rockstar P? Rockstar P ha existido desde 2017. Las personas que realmente me han estado siguiendo saben que me llamaba Rockstar Papi.

Luego sentí que no sonaba bien, y lo cambié a Rockstar P, que suena mucho mejor. ¿Por qué elegí llamarme Rockstar P? En ese momento de mi vida sentí que estaba viviendo como una estrella de Rock. Salía y me emborrachaba casi todos los fines de semana, tenía fiestas en la casa en la que solía vivir.

ana en el alma así que seguí adelante. ¿Qué influencias artísticas ha recibido?

Al principio me influenció la poesía, hasta que comencé a escuchar mucho Notorious B.I.G. Diría que tiene un impacto “enorme” en mi vida. Tampoco puedo olvidarme de Eminem / Slim Shady, es sin duda una gran influencia. ¿Qué estilos musicales han influenciado en ti?

Me influyó mucho Hip Hop de mediados y finales de los 90’s, R&B también.

Para muchos músicos, el lugar de nacimiento y la zona de crecimiento son fundamentales para el desarrollo de su identidad artística. Ahora en Cochabamba haciendo carrera. ¿Qué nos puede comentar al respecto?

Para los artistas, los títulos y postgrados son sus propias obras, discos, canciones, videos, etc. ¿Cuál es la discografía de Rockstar P (y los años de edición) a la fecha?

He estado lanzando muchos sencillos a lo largo de los años como Rockstar P. Mi primer EP es Before The Savage, que salió en septiembre de 2019. Es un EP de seis canciones y dos colaboraciones, My Game con Kobra Kane y Made You Look con Nep The Prince.

Luego lancé un EP de tres canciones llamado My Zone en junio de 2020. Ese EP tiene una colaboración para mi canción Raw con Khalil Slim K. ¿Qué canción suya es la preferida a la fecha tanto al momento de escucharla como al interpretarla? ¿Algunas piezas que se hayan hecho parte del público que sigue la música de Rockstar P? Voy a ser real contigo: las canciones que he guardado para mis álbumes que no se han escuchado son algunos de mis trabajos favoritos que tengo. Pero si tuviera que elegir una canción que tengo online, Especial diría que es mi canción favorita.

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El 2020 Rockstar P estrenas el EP My Zone, un disco con tres temas. Cuéntanos del contenido lírico y rítmico (musical) del flamante material. ¿Cómo y dónde se realiza la obra? ¿Por qué del título? Compartes colaboraciones. ¿Quiénes son sus invitados? ¿Cómo le fue con la producción Independiente y de autogestión?

El EP My Zone fue algo reunido, para que la gente sepa que todavía estoy en el juego y que estoy aquí. ¡Está duro! Diría que el EP soy sólo yo hablando mi mierda, ¿entiendes?

Me gusta hablar de ganar dinero, hablo de mis hijos, lo que le hace saber a la gente que esto es para ellos, ¿entiendes?

Me acerqué a los tres productores para hacerles saber que me gustaban sus ritmos, y ahí fue cuando nos pusimos manos a la obra.

Grabé el EP en mi casa. Mucha de mi música está grabada aquí, en mi habitación. Mi hermano Nep mezcla mi música y hace su magia para que suene bien.

La razón para nombrar este EP My Zone es que me sentí cómodo en donde estoy en la vida. No sólo cómodo con mi música, sino con todo. También significa que estoy en mi mundo. El único invitado en este álbum es el hogareño Khalil Slim K de RAC Records. Hemos trabajado juntos antes, sentí que estaba bien tenerlo en el proyecto.

La producción de este EP estuvo a cargo de Nep The Prince, y los creadores de ritmos de este proyecto hicieron un trabajo increíble asegurándose de que suene bien.

Pude observar Savage Radio, tu proyecto Podcast. ¿Qué nos puede comentar del nuevo emprendimiento? ¿Cómo te está yendo? ¡Sí! Savage Radio es mi nuevo proyecto en el que estoy trabajando (ja ja ja). Savage Radio es algo en lo que he estado trabajando desde septiembre de 2020. Va bastante bien, nos estamos divirtiendo con él.

Debido a COVID19, no hemos podido hacer tantos podcasts en persona como queríamos,

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pero parece que las cosas están empezando a volver a la normalidad. Dicho esto, volveremos a trabajar pronto y nos comunicaremos con otros artistas.

Disfruté del video de Special, un single que presenta tu actitud Trap gringo- boliviana. ¿Qué tal le ha ido al tema? ¿Qué nos puedes comentar de la producción visual? ¡Me alegra que hayas disfrutado esa canción!

El video fue muy divertido. Cuando publiqué el audio de la canción, vi que mucha gente estaba jodiendo con Special. Fue entonces cuando me dije: necesitamos un video. Un saludo grande al Prince El Uno por grabar el video.

Trabajó su magia, escribió el guión, y el resto es historia.

El Trap Latinoamericano ha ido evolucionando. ¿Cómo se encuentra actualmente el Movimiento en Cochabamba, Bolivia, y sus conexiones con Nashville, USA? No diría que hay demasiadas conexiones entre Cochabamba y Tennessee. Pero puedo ver que los artistas aquí están estudiando cómo trabajan los artistas en los Estados Unidos.

Rockstar P acaba de estrenar un nuevo single, Make a Move feat Breakdex, uniendo la escena boliviana. ¿Qué nos puede comentar

de la conexión? ¡Un saludo grande a BreakdeX! El video fue filmado en mi casa, aquí en Cochabamba (ja ja ja). Conocí a BreakdeX en línea, tenemos un amigo en común. Él se acercó mostrando amor. Un día me ofreció hacer una mejor versión de uno de mis singles de My Zone.

Y yo era como, ¡dale! Una vez que escuché su versión de la canción fue cuando supe que tendríamos una hermosa amistad.

Otro single BoliviUsa, junto a Lil Thug, Los Del Futuro & Cocha Gang donde participas de invitado. ¿Cómo le ha ido con la nueva colaboración?

Respeto mucho a Lil Thug. También se acercó mostrando amor por mi música, y me pidió que colaboramos en una canción. Me envió el beat y lo matamos.

actividad alguna, ¿qué proyectos tiene Rockstar P para el presente 2021?

KRS One es una maldita leyenda. Tengo algunos singles que la gente puede escuchar.

Tengo algo de música nueva muy pronto dentro de este año.

No puedo hablar demasiado sobre los títulos ni las fechas exactas, pero mantén los ojos abiertos. Estoy trabajando en un álbum en solitario, y en otro álbum con Nep The Prince que se lanzará este año.

La despedida, un mensaje final para la gente que disfruta su música y para los nuevos seguidores de Rockstar P. Es un completo honor haber realizado esta entrevista contigo. Para la gente que me conoce y no me conoce, vayan a escuchar mi música ¡te prometo que te encantará!

¿Cuál es su frase, lema, dicho o verso que le anima a seguir en la batalla y/o juego de la vida?

«Time waits for no man» o “El tiempo no espera a ningún hombre”.

Tengo 2 álbumes nuevos este año, y videos nuevos. Pronto llegarán nuevos episodios en Savage Radio. Flourescent Entertainment, No Square Gang, vinimos a reclamar lo que es nuestro.

Como KRS One dijo, “Rap es algo que haces.

Hip Hop algo que vives”. Si en la medida de las posibilidades, se puede obrar y mantener

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Retroacción

decidido Rock peruano desde Lima

S

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orpresiva aparición surge en el horizonte de la vida musical, sugerencia del management de la banda conformada por Vladimir Amanzo (bajista), Anthony Flores (primera guitarra y solos), Jaime Bussalleu (vocales & segunda guitarra), y Renato Sauri (batería), quienes son Retroacción.

Su nueva producción es un sencillo doble que adelanta el trabajo del próximo álbum que la banda limeña va preparando para su producción.

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Gracias por la confianza y colaboración exclusiva para LaCarne Magazine, es una meta alcanzada lograr concretar y editar la presente charla.

Retroacción, decidido Rock peruano desde Lima Luego de acomodarnos a las nuevas épocas que rigen en el planeta, con sus nuevas leyes, regulaciones y protocolos, personal y musicalmente, ¿cómo se encuentran actualmente?

Retroacción nos encontramos en creación de más material, y promocionando nuestros últimos temas que han salido este año. Aunque es difícil bajo la realidad mundial que nos afecta a todos, tratamos de seguir en pie de lucha con la gestación de más música y unifi-

¿Cuáles fueron sus influencias musicales para Retroacción? ¿Qué estilos han experimentado en su sonido?

En su mayoría Rock de los 90’s, pero también cada uno tiene una influencia marcada, lo cual se complementa en el sonido de Retroacción.

Nuestro estilo característico sería la Nueva Ola de la música intensa de los 90’s. Pero cada uno otorga una cuota única como integrante bajo sus propias influencias. ¿Qué bandas o grupos son sus referentes?

Podría decir que Deftones, Rage Against the Machine, Foo Fighters, Motorhead, A Perfect Circle, y una gran lista de diferentes bandas, estilos rítmicos y melódicos. Cada canción nuestra posee diferentes tintes al parecer.

car nuestros lazos con el público.

Debido a la crisis sanitaria es complicado tocar en vivo por el momento, pero estamos enfocados en sacar el nuevo disco y promocionarlo. ¿Cuándo nace Retroacción? ¿Por qué el nombre de la banda?

El nombre Retroacción nace hace ya más de 10 años con el objetivo de crear una banda de nombre único y con significado sólido.

Retroacción vendría ser la fusión de Retro, como base de la música antigua (análoga) que nos gusta y sentimos fuerte influencia, con la palabra Acción, dándole un sentido más contemporáneo, transformando nuestras influencias en música con mucha acción.

Mientras conocía un poco más de Retroacción, pude encontrar en el Canal Youtube algo de material, como el tema Virus – Ley, excelente tema manifiesto, y otro variado material el cual disfruté por completo mientras editaba el presente cuestionario. ¿Cómo están en esta etapa en Retroacción? ¿Cuál es su discografía a la fecha?

La discografía Retroacción se viene desde el 2010 con un Demo que llamamos Desde el Parque, un disco que recién formaba nuestro carácter como banda. Luego viene el Superpredador del 2014 (bajo el sello de una disquera de la movida rockera independiente), luego El Manifiesto del 2016, los sencillos Virus – Masacare 2020, y este año 2021 lanzamos los sencillos Rey Alquimia – Rey Crueldad, estos últimos temas son parte del próximo álbum.

Retroacción estamos a punto de presentar una nueva producción que significa una evolución en la banda, un sonido más pulido pero pesado y rápido, como es nuestra esencia.

Esto fue trabajado con la producción de Ricardo Méndez, vocalista de Difonía.

El Movimiento Musical y la forma de hacer música ha cambiado desde el 2020 con la llegada de la pandemia. Actualmente, ¿cómo está la actividad Cultural en Perú?

La actividad cultural en el rubro de la música LaCarne Magazine

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está muy estancada. Algunas productoras están tratando de empezar a resurgir con eventos, pero la realidad nacional y/o cultural no permite que siga creciendo naturalmente este rubro.

Cuando empezó la pandemia, todo paró repentinamente, incluyéndonos, teníamos muchos planes que se vieron truncados. Sin embargo, Retroacción nos adaptamos a las nuevas circunstancias, hicimos conciertos digitales y tratamos de estar presentes a pesar de no poder juntarnos a tocar. Luego de un tiempo recién pudimos juntarnos a ensayar, y ahora algunas actividades se están aperturando, incluso ya hay algunos conciertos presenciales con aforo reducido. Esperamos que todo vaya avanzando para el próximo año, un tour local y, si se puede, internacional.

Rey Crueldad / Rey Alquimia (Sencillo doble). ¿Cómo les ha ido con la realización del flamante material? ¿Qué nos pueden comentar de la producción?

Hemos realizado video lyrics y video promocional para su difusión, y la verdad ha salido bastante bueno el manejo que le hemos dado a estos temas, ya que cierran un poco el concepto del nuevo disco que saldrá pronto.

El nuevo material de Retroacción contiene letras sociales y explícitas que dan identidad a su sonido como banda. Habrá nuevo material para el 2021, ¿qué nuevos temas vienen trabajando?

Este año Retroacción vamos a lanzar el disco completo, que incluye los temas Virus Ley, Masacre, Rey crueldad, Rey Alquimia, Miserables y Supervivientes.

El Sencillo doble Rey Crueldad / Rey Alquimia cuenta con una hermosa portada y cover art. ¿Cómo se dio el proceso creativo? ¿Quién es el autor del magistral arte?

El arte del disco lo realizó Renato Sauri, baterista de la banda. La portada está basada en el concepto que tenemos sobra la representación del mal mundial que se encarna en este ser clavado en la tierra, usurpando y absorbiendo sin parar nuestra tierra y vida.

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Ese concepto que tenemos sobre la tiranía y abuso de poder que existe (incluso viniendo de cada uno de nosotros en proporciones diferentes), es lo que se trata de representar en la portada. Un mensaje que puede ser directo o lo puedes interpretar a tu gusto, bajo la premisa de un ser superior acabando con nosotros.

El tema de Rey Alquimia cuenta con un video oficial donde se los puede observar en su magnificencia musical. ¿Qué nos pueden comentar de la dirección y producción del audiovisual? ¿Algunas anécdotas del rodaje?

La producción del videoclip fue bastante diver-

Vladimir, y varios soporte de croma para poder hacer la edición luego.

El videoclip de Rey Crueldad es otro tema fundamental de compromiso social con su música y sonido. ¿Qué nos pueden comentar de la canción? Y del visual, ¿qué opinan?

La canción habla directamente del Ente poderoso que maneja el mundo, personificado en aquellos “líderes” a los que no les importa la vida de los demás con tal de conseguir sus propios intereses. Visualmente quisimos simbolizar la crisis mundial y el manejo de estos entes malignos con imágenes de archivo y efectos visuales.

La propuesta visual estuvo a cargo de Jaime, el cual tuvo la idea pilar para la construcción del video. ¿Qué temas son los que nos esperan por disfrutar dentro de la nueva obra de Retroacción?

Alguna de las canciones que se estén trabajando, ¿de qué hablan? ¿Qué sencillos promocionales vienen en adelante?

Hay dos temas más que están por salir, pero que saldrán junto con el disco completo. Uno es Supervivientes y otro se llama Miserables.

tida, ya que nosotros mismos lo producimos.

Fuimos a casa de Vladimir (el bajista) donde tiene un Home Studio, usamos fondo verde y empezamos a grabar. Luego nos tomamos unas cervezas para celebrar y hablar de la banda.

Los pude observar en Lima Noise. ¿Cómo se ha acomodado desde la música, a la época de cuarentenas que atraviesa la humanidad? ¿Qué experiencias pueden comentarnos?

Ahora muchas bandas hemos optado por los shows por Internet, lo que es una alternativa válida; sin embargo, no es lo mismo que tener un show presencial. Hoy en día ya están empezando a abrirse las posibilidades de shows presenciales con aforo reducido y siguiendo protocolos. Esperamos que el panorama pueda mejorar para volver a los escenarios con toda la energía que siempre dejamos.

Este video estuvo a cargo de nosotros, los integrantes, la dirección fue llevada por Jaime, cámara y realización Anthony, Vladimir y Renato. En la edición y post producción estuvimos Jaime, Anthony y Renato.

Hubo buenos recuerdos en Lima Noise, tocando con público y sin público, pero la realidad ha removido bastante la escena musical que existía. Esperemos que la movida musical limeña vuelva a resurgir nuevamente, pero los buenos momentos nunca se olvidan.

Este video lo grabamos en el Home Estudio de

Durante el recorrido musical de Retroacción, LaCarne Magazine

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¿qué evento o Festival los ha dejado marcados de por vida?

Un evento en Ica fuera de Lima, por el día del Rock nacional si no me equivoco. Había muchas personas esperándonos tocar, eso fue mucho. Otro evento en Arequipa, con unas muy buenas bandas de allá. Nos quedamos conversando toda la noche con ellos y los dueños del local, muy buena experiencia. Otra también fue en Cajamarca con un frio infernal (ja ja ja).

A poco de tiempo de formada la banda tuvimos la oportunidad de tocar en el campus universitario donde Jaime y yo estudiamos. Fue nuestro primer concierto grande.

Luego de un par de años ganamos el primer lugar de un concurso a nivel regional, lo cual nos abrió muchas puertas para movernos en la escena musical peruana, los viajes al interior de Perú, y poder conocer gente que nos ha demostrado gustarle lo que hacemos y que hasta ahora nos siguen. ¿Cuál es su frase, lema, dicho o verso que le anima a seguir en la batalla de la vida o juego de la vida?

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«Es momento de subir al escenario».

Sus palabras de despedida y mensaje final para la gente que sigue su música, y para los nuevos admiradores de Retroacción.

Toda música que hacemos va enteramente dedicada a nuestros oyentes. Gracias a ellos nos motivamos en la vida y pretendemos tener varios años en esto.

Queremos hacer llegar nuestro mensaje de conciencia a más personas. Nosotros hacemos música de corazón y mensaje con mente, cada época evolucionamos en nuestro sonido, y queremos que nuestros seguidores sigan disfrutando de nuestra calidad.

Sabiendo que al día de hoy podemos escuchar miles de propuestas, esperamos que la nuestra pueda llegar a más gente que aprecie lo que hacemos.

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Limbo

templanza en el Metal desde Rosario, Arge

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ientras seguimos en el ruedo del oficio, la música nos tiene encantados y llenos de energías, vibrantes y relucientes al encontrarnos en conversaciones que derivan en fundamentales testimonios hechos entrevistas.

Nos contactamos con Matías José (Tuke), portavoz de la banda argentina Limbo, quienes nos presentan un resplandeciente nuevo álbum, El Arte del Engaño, lleno de Metal y versos duros que marcan el estilo de la agrupación rosarina, que va sembrando en el panorama una creciente banda sonora a la vida que nos toca recorrer en el amado planeta.

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Muchas gracias por su confianza y colaboración, emocionados de acercarnos a hermanos músicos de la hermana República de Argentina. Así unimos los lazos comunicacionales y musicales en el continente Latinoamericano.

Limbo, templanza en el Metal desde Rosario, Argentina Luego de casi un año de sobrevivir al COVID19, personal y musicalmente hablando, ¿cómo están actualmente?

Estamos lo mejor que se pueda estar, tirando siempre para adelante, tratando de cuidarnos.

Nuestro baterista tuvo que atravesar un COVID19 muy duro hace unos meses atrás, pero por suerte salió. Esto nos tuvo dos meses parados, pero, bueno, de a poco estamos volviendo a los ensayos regulares y tratando de ajustar la banda para cuando se pueda tocar

Los tres tenemos gustos bastante variados, pero hay bandas claves en las que claramente coincidimos, como Sabbath, Ozzy, Motorhead, Zeppelin, Pantera, Slayer, Nirvana, Alice in Chains, Soundgarden, Ramones, etc.

Del ámbito nacional, personalmente bandas como Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, La Renga, Hermética, Almafuerte, Malón, Riff, Divididos entre otros me encantan. ¿Cómo surge el proyecto musical Limbo? ¿De dónde se inspiraron para el nombre artístico?

A Limbo la fundó en el año 2004, junto a Milton Albano y Ezequiel Travaglini, dos amigos míos músicos del barrio 25 de mayo, zona sur de la ciudad de Rosario, en donde nacimos. La formación actual se conforma con Matías Méndez (Chueco) en batería -ya hace 10 años-, y Ezequiel Parry en bajo hace 1 año.

entina en vivo. ¿Cómo nacen a la vida musical?

Supongo que los tres somos músicos, comenzamos de forma autodidacta muy de chicos.

En mi caso a los 12 años. Después cada uno fue eligiendo a su tiempo y forma su propia aventura musical y de aprendizaje. ¿Qué influencias artísticas han recibido? ¿Qué estilos musicales han influenciado en Limbo?

Limbo estamos muy atravesados por el Rock (Hard Rock, Heavy, Thrash, Punk, Grunge, etc.) de los 70’s a 90’s, básicamente tanto de bandas argentinas como internacionales.

El objetivo desde un principio fue fusionar de forma coherente estos géneros musicales, y tratar de sacar de ahí canciones que sean gancheras, no repetitivas, con buenos riffs y estribillos, siempre aplicando nuestra impronta personal de la forma más sincera posible.

El nombre Limbo se me ocurre al buscar uno corto y pegadizo en principio. Cuando leí el significado de Limbo, me pareció interesante, divertido utilizarlo, ya que tanto el baterista como yo no estábamos bautizados, y, según se dice, es un lugar sin tiempo ni espacio donde van las almas no bautizadas a la espera de un juicio final.

Para los artistas, los títulos y postgrados son sus propias obras, discos, canciones, videos, etc. ¿Cuál es la discografía de Limbo (y los años de edición) a la fecha?

Limbo contamos con 4 trabajos de estudio: En el fin de los tiempos (2008), Caminante abismo (2012), Ser Eterno (2016) y El arte del engaño (2021).

Limbo acaban de estrenar El Arte del Engaño, EP que representa su trabajo durante la pandemia 2020-2021. ¿Cómo les fue en la realización del nuevo álbum? Una breve reseña del material, ¿cómo lo produjo? ¿Alguna anécdota del proceso creativo y compositivo?

El Arte del Engaño es el disco que mejor representa el audio y esencia musical de la banda, el que nos encontró en nuestro mejor momento como banda. Encaramos la grabaLaCarne Magazine

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ción de baterías bajo la supervisión de Billie Gómez como Dr. Drum a finales de enero del 2020 en Cetear, antes que la pandemia explote a nivel global.

Nos metimos en Estudio los tres a tocar, en ambientes aislados, individuales las canciones, y así tratar de captar las mejores tomas de baterías que representen el peso y la energía de la banda en vivo. Las guitarras, bajos y voces las grabamos en comienzo y explosión de la peor fase de la cuarentena acá en Argentina en Estudios Elefante, a cargo de Rafa Finondo.

Para este disco se ensayaron y ajustaron durante todo el 2019 las seis canciones que incluye. Algunas ya las tenía compuestas y cerradas, como El Rapto, Ruin y Tiempo de Resurrección. En tanto las demás surgieron y se finalizaron a medida que se iba acercando la fecha para ingresar a grabar a principios del 2020.

La portada me llamó la atención. ¿Quién es el autor? ¿Cómo se dio el proceso de la obra? ¿Se escuchó el material para inspirarse en la creación del Art-Work?

La idea artística principal se me ocurre al ver la obra de Salvador Dalí (La esfinge de Barcelona). Estaba buscando que la portada tenga este tipo de estética surrealista, y la imagen central captó muchísimo mi atención.

Se me ocurrió jugar un poco con esto del título del disco y reventar más la imagen utilizando el rostro de Jesús, según las creencias occidentales (que era blanco, de ojos claros, y rubio).

Con esta idea principal fui con Pablo García, el ilustrador, y, basándose él en las letras de las canciones, cerró el concepto de forma increíble, lo llevó a otro nivel. Es la mejor portada que podría haber imaginado para este disco. ¿Cómo les ha ido en los primeros meses de difusión del nuevo álbum? Tremendo álbum que pude disfrutar por completo, muchas gracias por el potente Metal. ¿Qué repercusiones

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van recabando?

La verdad que no nos esperábamos una repercusión tan amplia en dos meses. Si bien era un álbum que se había hecho esperar, ya que el anterior había salido en 2016, éste tuvo un impacto positivo de forma casi instantánea.

Cuenta con muchísimas reproducciones y comentarios en nuestros canales, varios medios -tanto nacionales como internacionales- lo recomendaron y reseñaron en revistas digitales, portales y radios. Esto generó que el alcance sea mucho más masivo y rápido que con el álbum anterior. La verdad que estamos súper conformes. ¿Cómo ha encarado la situación mundial del COVID- 19, las cuarentenas, y la etiquetada “pandemia” desde la trinchera del arte musical?

A nosotros nos agarró no componiendo, más bien en plena grabación y edición del disco, así que considero que el resultado artístico tanto en audio, forma de ejecución y portada están directamente vinculados a haber atravesado el proceso en esas condiciones y contexto global totalmente loco e inimaginable. Más allá de ser una crisis, que no vemos la hora de que se termine, supongo que al disco lo condimentó de alguna forma.

Durante su recorrido musical, ¿qué evento o festival los ha dejado marcados?

Tuvimos la suerte de tocar muchísimas veces y con bandas o artistas que siempre nos gustaron, pero un show que recuerdo con mucho cariño fue cuando nos llamaron para tocar en San Rafael / Mendoza, año 2019. Es una ciudad que está rodeada de montañas, ríos, un lugar verdaderamente hermoso.

Manejamos entre ida y vuelta unos 1700 Km con los chicos de la banda y un grupo de amigos que se sumaron desde nuestra localidad (Rosario). Llegamos allá, nos recibieron de forma insuperable, comimos y bebimos muy rico, compartimos fecha con dos bandas amigas de allá, y la pasamos increíble.

Estar tocando tan lejos de casa y que la gente te esté esperando con los brazos abiertos LaCarne Magazine

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para cantar tus canciones es algo muy lindo. ¿Qué canción de su autoría es la preferida a la fecha, tanto al momento de escucharla como al interpretarla? ¿Algunas piezas que se hayan hecho parte del público que sigue su música?

Como compositor me es difícil elegir, pero la primera canción que creo que marcó la diferencia con el público y que realmente gustó fue Caminante Abismo.

Después le siguen varias canciones que a la gente le gustaban de los discos anteriores, como Vida Muerta, Oscuro Bosque, Causas Perdidas, Día Perfecto, Encuentro en el Espanto. Esperemos que las canciones del nuevo disco empiecen a ser parte de sus favoritas para escuchar en vivo.

Actualmente, ¿cómo se encuentra el panorama musical en Rosario, Argentina?

Actualmente seguimos con restricciones en cuanto a horarios y eventos, es una situación muy triste la que vive nuestra cultura y espacios para desarrollar shows. Esperemos que con el tiempo se pueda ir recuperando. ¿Cuál es su frase, lema, dicho o verso que le anima a seguir en la batalla y/o juego de la vida?

No sé si tengo una frase puntual, pero de lo

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que estoy seguro es que la música y la banda siempre me trajeron cosas buenas en la vida, amistades, experiencias, forma de ver y apreciar el día a día.

Si, en la medida de las posibilidades, se puede obrar y mantener actividad alguna, ¿qué proyectos tiene para el presente 2021?

Queremos poder llegar a presentar el disco con la gente sin distanciamiento social, sin perseguirse de estar contagiándose algo, disfrutando de un show de Rock and Roll como estábamos todos acostumbrados antes del 2020.

La despedida, un mensaje final para la gente que disfruta su música y para los nuevos seguidores de Limbo.

Queremos agradecer de todo corazón a cada persona que se toma el tiempo de escuchar y compartir nuestros discos, ver nuestros videos, comentar, seguirnos, y también a los que nos ayudan a difundir nuestro trabajo, como es tu caso, Alfonseka. ¡Muchas gracias!

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