LaCarne Magazine N115

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europa y latinoamérica

Nº115 - ENE 2022 - AÑO 11

EXPERIENCIAS

InMune - Absenci - The Halo Effect

investigación

Fats Domino - Festivales de Extremadura

ENTREVISTAS

Bonus - Panteras Negras Sergio Kalaña - Aire Arcano - Nico Estrella Monjas con Atraso - Zkirla

Alejandro Rivas Cottle Música de Orquesta e Ingeniería de Sonido

MÁS INFO

N115 aÑo 11 ENE 2022

SUMARIO

experiencias 06 InMune, Bienvenidos al Gran Circo

entrevistas 36 Bonus, una amalgama de estilos

08 Absenci, presentan su nuevo tema

40 Panteras Negras, el primer grupo

10 The Halo Effect, la mezcla de In

50 Sergio Kalaña, resurgiendo en el

del Terror

“Cuenta Atrás”

Flames y Dark Tranquillity

investigación 14 Fats Domino, pionero del Rock and Roll

musicales

de Hip Hop Chileno

mundo de la música

54 Aire Arcano, fusionando todo tipo de estilos dentro del Rock

58 Nico Estrella, el cantautor electrónico

18 Festivales de Extremadura y su 62 Monjas con Atraso, Punk sin estado actual

miedos ni en la lengua pelos

66 Zkirla, Hip Hop colombiano como ciencia de vida

28 Alejandro Rivas Cottle Música de Orquesta e Ingeniería de Sonido

jefa de redacción y contenidos S. Plata

Diseño, maquetación y edición Pedro Gallardo

https://lacarnemagazine.com www.facebook.com/lacarnemag www.twitter.com/lacarnemagazine

Colaboradores

alfonseka, eva maría aroca, omar vega, la chica boom, Jorge Ares * No nos responsabilizamos de las opiniones de nuestros colaboradores

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EXPERIENCIAS

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InMune

Bienvenidos al Gran Circo del Terror LEER MÁS

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ienvenidos al Gran Circo del Terror, donde todo es disidencia y confusión…» Y bienvenidos una vez más a un nuevo episodio que os traigo del creativo y maravillosamente terrorífico universo del maestro Morti.

En los últimos días de octubre ya venía dándonos pequeños retazos de algo que no nos iba a dejar indiferentes, en dónde veíamos al misterioso Morti preparándose para algo que estaba claro que iba a ser muy especial, y con una música inquietante de fondo, con lo que ya dábamos por hecho que, tratase de lo que se tratase, iba a ser algo que iba a ponernos los pelos de punta.

Y por fin llegó el día, y el pasado 31 de octubre, noche de celebrar Halloween / Samhain, todos

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los fans de la banda InMune nos llevábamos una grata sorpresa. En esta ocasión, se trataba de un nuevo y fantástico videoclip del gran tema El Circo del Terror, para el que han vuelto a contar con la producción de Rubén Vílchez, de Sabotatge Produccions, y la colaboración de El Circo del Terror Familiar.

Bienvenidos al Gran Circo del Terror, regresa InMune con novedades

Según la propia banda indica en su canal de YouTube, con este nuevo video nos ofrecen la mejor terapia para exorcizar a nuestros monstruos interiores, y ser inmunes a nuestros miedos cotidianos, ya que cada día es Halloween.

Yo no sé si mis monstruos y mis demonios han sido exorcizados, pero sí sé que llevan bailando y viendo en bucle este video desde entonces. ¿Aún no lo has visto? En fin, ahora no tienes escapatoria: https://youtu.be/x5PHd_liA7E

es que la agrupación estará acompañando a la banda Hamlet el próximo 23 de abril en la mítica sala RAZZMATAZZ de Barcelona. Así que apuntad esa fecha en vuestras agendas, pues por fin una de las mejores bandas de Rock que tenemos en España regresa al escenario.

Y ya son muchas las ganas que tenemos de asistir a conciertos después de la pandemia, y, bueno, recordemos que el pasado mes de mayo, a través de “El Rock es Cultura”, Morti nos ofreció un concierto en acústico de forma virtual, en la que interpretó varios temas de InMune, y de su carrera en general, que, aunque él supo cómo llevar su magia a nuestras casas, está claro que se disfruta muchísimo más de su talento en vivo y en directo.

Si os parece, podemos recordarlo a continuación: Morti, creatividad infinita

¿Verdad que es genial? Pues claro, estamos hablando de Morti y de su creatividad, sumado a un gran equipo que le acompaña.

Indicar que, además, han presentado un nuevo videoclip en el programa de Horns Up Podcast de Klaus Meine, de Scorpions.

Podéis escuchar el programa completo, aquí.

Inmunizados en 2022

En fin, de momento tenemos video nuevo, aunque es cierto que los fans estamos (yo estoy) impacientes por conocer las novedades que la banda tiene preparadas. ¿Lanzarán disco nuevo para el próximo año? ¿Harán una gira de presentación?… Bueno, parece que tendrá que haber una entrevista con InMune pronto… Ahí lo dejo, ¿eh, Morti? Sé que lo estás leyendo, (risas).

Gira de momento no sabemos, pero lo que sí han anunciado ya, y es una fantástica noticia,

Por otro lado, aunque esta vez dejamos de hablar de esta gran banda, InMune, otra gran noticia que hemos sabido recientemente por parte de este gran músico, compositor, y poeta, es que ha sido editado el único álbum del proyecto Bushido en una edición de doble vinilo + CD, bajo el sello de Parlophone Music Spain, y que puedes conseguir en este enlace.

Y hasta aquí os puedo contar. Quiero aprovechar la ocasión para dar las gracias, una vez más, tanto a Morti como a todo su equipo.

Juntos, siempre, InMunes, y fuertes.

Por supuesto, si no os queréis perder ninguna novedad sobre InMune y Morti, aquí os dejo sus enlaces a redes sociales y plataformas digitales. ¡Hasta la próxima!

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Absenci

presentan su nuevo tema ”Cuenta Atrás” LEER MÁS

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, para terminar el año, qué mejor que hablar sobre un gran descubrimiento musical, una nueva banda de Rock nacional, de la que podríamos decir que es la banda revelación de 2021.

Ellos son Absenci. Banda formada en plena pandemia y confinamiento por Paulo Morete (guitarra), y David Segado (bajo), (ex miembros de InMune), Javi SG a la batería, y Xaro Palmero como vocalista.

Vienen aportando un soplo de aire fresco al mundo del Rock con su primer tema, Cuenta Atrás, una canción muy pegadiza, con un sonido limpio, potente y buenos riffs, además de la preciosa tesitura vocal de Xaro, quien cuenta con una voz caracterizada por una gran potencia con ciertos desgarros vocales, pero que

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también suena dulce a la vez. Todo ello hacen de Cuenta Atrás un temazo que viene pisando fuerte, y que nos ha dejado con ganas de escuchar más de ellos pronto.

Absenci, Presentación en acústico

Fue el pasado viernes, 19 de noviembre, en la alucinante tienda de música Leturiaga, en Madrid, cuando estos chicos y chica, se suben por primera vez al escenario como Absenci, para presentarnos su tema principal, Cuenta Atrás, con el que se están dando a conocer, y otro de sus temas llamado Renacer, que es un tema que, según la misma banda, para ellos significa el resurgir musicalmente, volver a la música, y hacer un proyecto que les llena como artistas.

Fue una tarde muy emotiva y emocionante, tanto para la banda como para todos los asistentes. Ellos estaban arropados de familiares y amigos, y para nosotros, los medios de prensa, o para mí, personalmente, fue un auténtico placer asistir a este pequeño concierto, y po-

der disfrutar en primicia de sus temas, y ver en exclusiva el videoclip de Cuenta Atrás, del cual puedo decir que es un video muy llamativo, en el que se puede apreciar claramente la gran energía y potencia de su música, con la que Absenci vienen pisando fuerte.

El video es otro gran trabajo de Rubén Vílchez, de Sabotatge Produccions, que se puede disfrutar desde el pasado 25 de noviembre en YouTube.

Pero, disfrutemos también del tema en acústico, tal y como lo vivimos ese día. Podéis verlo aquí.

En general, fue una tarde muy agradable, en la que además de disfrutar de su música, pudimos charlar con ellos, hacernos fotos, e incluso pudimos tomarnos unas cervezas, bueno, yo solo una, porque madre mía de mi vida con la cerveza (risas), tan potente como la música de la propia banda. Cierto es que Xaro me avisó de que la cerveza era fuertecita (risas). Menos mal que yo no conducía.

En fin, os recomiendo que no le perdáis la pista a Absenci, pues os va a gustar, y mucho. Cómo siempre suelo indicar, ahora más que nunca hay que apoyar a la cultura, y si no fuera por la música… ¿Qué sería de nuestras vidas sin música? Un absoluto error.

Así que os dejo los enlaces a sus redes sociales y plataformas digitales, para que los escuchéis. Aunque de momento solo podemos escuchar Cuenta Atrás (en bucle desde el día que la lanzaron). Estoy segura de que ya se ha iniciado otra cuenta atrás para escuchar más música de Absenci. ¡FELIZ NAVIDAD, FELIZ AÑO, Y HASTA LA PRÓXIMA!

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The Halo Effect

la mezcla de In Flames y Dark Tranquillity LEER MÁS

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uy buenas a todos! En esta ocasión os traigo una novedad brutal, una nueva formación procedente de Suecia, «qué raro, yo hablando de Suecia, ¿verdad?»

(Risas). Son nada más y nada menos que The Halo Effect, la suma de componentes de In Flames y Dark Tranquillity, aunque es cierto que todos sus miembros han sido parte de In Flames, en algún momento.

Ellos son Niclas Engelin, Peter Iwers, Mikael Stanne, Jesper Strömblad y Daniel Svensson.

The Halo Effect, la mezcla de In Flames y Dark Tranquility

Y bajo el nombre The Halo Effect nos pre-

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sentaron el pasado 9 de noviembre su primer single, llamado Shadowminds, un tema muy fresco, con un sonido brutal y limpio, que habla sobre la situación que estamos viviendo y el rastro que ha dejado en la sociedad la pandemia mundial.

Ellos mismos reconocen que este nuevo proyecto es para ellos como haber vuelto a encontrar su camino, donde pueden expresarse musicalmente a gusto y sin limitaciones.

Y lo cierto es que, aunque casi parezca inevitable las comparaciones con In Flames o Dark Tranquillity, de algún modo tienen un sonido particular, personal, y diferente.

La canción en cuestión ha tenido muy buenas críticas y una gran acogida entre los fans, que rápidamente se han lanzado a grabar sus primeras impresiones, e incluso a grabarse haciendo sus propias versiones en cuestión de horas. En definitiva, ha captado a muchísimos

primer álbum para el próximo año bajo el sello de Nuclear Blast, y, sinceramente, estoy deseando escucharlo entero para hacer reseña del mismo.

También han anunciado en sus redes sociales una gira por Europa para el 2022, llamado “Vikings and Lionhearts”, junto a las bandas Amon Amarth y Machine Head. Visitarán España los días 6, 7 y 8 de Octubre, haciendo paradas en Barcelona, Madrid y La Coruña.

Te estoy diciendo que esto promete…

Shadowminds, el nuevo single de The Halo Effect

Como indicaba al principio, es un tema de Metal melódico, quizá este sonido viene siendo más habitual en Dark Tranquillity, pero, si prestas atención, se pueden escuchar claramente esos riffs de In Flames. Es sencillamente genial, y brutal. Escuchemos a continuación Shadowminds, que ha venido pisando fuerte. ¿Verdad que es una auténtica maravilla?

fans de las bandas de las que proceden. Es un proyecto nuevo, sí, pero siguen en esa línea, y está más que claro que esta banda promete.

Un proyecto que casi nos ha pillado a todos los fans por sorpresa, porque, a pesar de que sigo a varios de sus componentes en las redes sociales, sabía que estaban trabajando en algo juntos desde hace muy poquitos días que empezaron a desvelar algunos retazos de lo que realmente ha sido una grata sorpresa, y un gran regalo para los oídos de los amantes del metal, y de dos bandas míticas como son In Flames y Dark Tranquillity.

Dos bandas a las que por cierto he visto en directo, y han sido de las mejores experiencias que he vivido, así que, sí, estoy deseando que anuncien gira con esta gran banda, porque estoy más que segura de que van a ser brutales en concierto.

De momento, sabemos que presentarán su

El videoclip, que ha sido dirigido por Lucas Englund, comienza como una película de acción, y en el que se muestra una realidad bastante cruda, de caos y destrucción.

Pero la canción es una obra maestra creada por grandes músicos. Era obvio que iba a sonar de maravilla. Estoy en bucle escuchando Shadowminds desde su lanzamiento, una y otra vez.

Y hasta aquí os puedo contar a modo de presentación de esta nueva banda, proyecto, experimento, como lo quieran llamar, que viene dando que hablar, y espero que para quedarse por mucho tiempo. No olvidéis su nombre, The Halo Effect, y empezad a seguirles en sus redes sociales desde ya. ¡Hasta la próxima!

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Fats Domino

pionero del Rock and Roll LEER MÁS

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e nuevo viajamos a la cuna de la música negra americana, de nuevo nos vamos a Nueva Orleans, pero en esta ocasión para mover la cadera al ritmo del pionero del Rock and Roll. Un artista carismático que representa mejor que nadie ese espíritu musical de una ciudad con sonidos tan propios que sólo podemos definir como sonido Nueva Orleans… Vamos a mover el esqueleto con Fats Domino.

Fats Domino, pionero del Rock and Roll

Antoine Dominique Domino Jr nació el 26 de febrero de 1928. Proveniente de una familia de origen criollo francés, era el menor de 8

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hermanos, y su padre era violinista a tiempo parcial. Durante un breve tiempo acudió a la escuela Louis B. Macerty, pero lo abandonó para ponerse a trabajar como ayudante de repartidor de hielo.

Con 10 años tuvo su primer contacto con un piano. Le enseñaría a tocar su cuñado, el músico de Jazz Harrison Verrett. Con 14 años ya se encontraba actuando en bares de la ciudad, sin embargo la oportunidad le llegaría en 1947, cuando el director de la Orquesta de Nueva Orleans, Billy Diamond, aceptó hacerle una audición (se la hizo en el patio de su casa durante una barbacoa). Lo hizo tan bien que Diamond le contrató inmediatamente para su banda, Solid Senders, que actuaban todos los días en Hideaway Club.

Fue en este momento cuando cambió su nom-

jos con Imperial Records, nuestro protagonista trabajaba mucho como pianista de sesión para otros músicos y sellos discográficos, de ahí que la influencia de Fats sea tan grande, su sonido se expandía.

A mediados de los 50, entró en la escena Pop con el sencillo Ain’t That A Shame, el primer éxito de Fats Domino en una lista pop de Billboard.

Finalmente, su primer álbum vería la luz en noviembre de 1955 con el nombre de Rock And Rollin’ With Fats Domino. Un año después alcanzaría el número 2 de la lista Billboard Juke Box durante varias semanas con el tema Blueberry Hill.

Vendió más de 5 millones de copias por todo el mundo. Esta canción es un hito en el Rock And Roll, y será versionada por artistas como Elvis, Little Richard o Led Zeppelin. Fue también número 1 en las listas de R&B y su mayor éxito.

bre por Fats, homenajeando a pianista como Fats Walker y Fats Pichon (y también por su voraz apetito).

En 1949 firmó su primer contrato con un sello musical, concretamente con Imperial Records. Junto a Dave Bartholomew escribió The Fat Man, una canción basada en el tema Junker´s Blues, y con el que alcanzó el número 2 en la lista de R&B vendiendo más de un millón de copias. Este tema es considerado el primer hit de Rock and Roll de la historia.

Ahora sí que empezaba la carrera comercial de Fats Domino. A partir de aquí, la fama de Fats Domino empezó a crecer, sacó bastante canciones con éxito (todas junto a Bartholomew), y siempre se acompañaba de grandes músicos locales, como Smokey Johnson, Lee Allen o Earl Palmer. Aparte de los traba-

Fats Domino siguió cosechando éxitos: I’m Walkin’, Valley Of Tears, Be My Guest… se hizo bastante famoso, incluso apareció en dos películas: Shake, Rattle & Rock y The Girl Can’t Help It. Recorrió EE. UU. y actúo en multitud de programas de televisión, haciendo de su sonido algo tremendamente popular.

Esto le llevó de gira por Europa a principios de los 60.

Imperial Records moría en 1963 con más de 60 sencillos de Fats a sus espaldas. Nuestro prota pasó al sello ABC-Paramount Records, que le llevó a grabar a Nashville, Tennesse. La colaboración con Bartholomew había acabado y sus nuevos productores cambiaron un poco el sonido de sus composiciones, añadiendo un acompañamiento de coro vocal que se acercaba a un estilo más country; sin embargo, esto coincidió con el comienzo de la “invasión británica” y Fats caía en picado en popularidad.

El gran reconocimiento no llegaría hasta los años 80: el Salón de la Fama, Grammys, Medallas de honor… Su último disco como tal fue una recopilación para Navidad, lanzado en LaCarne Magazine

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1993, y su última gira fue en 1995, estando en Europa se puso malo y decidió que no se movería más del área de Nueva Orleans.

de mi vida Tremé haciendo de sí mismo. Con 89 años, y rodeado de su familia, su vida se apagaba el 24 de octubre de 2017.

Durante los desastres del Katrina, se pensó que había muerto, pues su casa se encontraba en una zona que sufrió mucho, incluso apareció una pintada en su casa que versaba “Rip Fats. You will be missed«, pero finalmente fue rescatado por un helicóptero de la guardia costera y llevado al refugio de Baton Rouge, pues lo habían perdido todo.

El legado de Fats Domino es innegable. Considerado por críticos y músicos como el pionero del Rock and Roll, él era tan humilde que cuando le preguntaba decía: “lo que ellos llaman Rock and Roll, es el R&B que he tocado durante 15 años en Nueva Orleans”, y así era.

En 2006 la ciudad de Nueva Orleans se propuso reconstruir su casa. Ese mismo año, ya totalmente apartado de los escenarios, lanzó un disco, Alive and Kickin’, en beneficio de la Fundación Tipitina (en apoyo a músicos locales indigentes y ayuda a la preservación del sonido de Nueva Orleans), y se trataba de grabaciones inéditas de la década de los 90.

El 19 de mayo de 2007 se subía por última vez a un escenario, en el Tipitina’s, un concierto benéfico que fue grabado y televisado bajo el nombre de Fats Domino: Walkin’ Back To New Orleans. Fue una despedida al más puro nola, con muchos artistas invitados y mucho sonido propio.

Ese mismo año, Vanguard lanzó un disco, Goin’ Home: A Tribute To Fats Domino, con sus canciones grabadas por artistas famosos como Elton John, Willie Nelson, Neil Young, Robert Plant, Tom Petty o Lenny Kravitz. En 2012 hizo una pequeña aparición en la serie

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Pero también es verdad que todos lo rockeros de los 50, ya fuesen blancos o negros, estaban tremendamente influenciados por el sonido de Fats. En una entrevista en 1969, un periodista llamó a Elvis Rey del Rock, a lo que él contesto: “No, el verdadero Rey del Rock es y siempre será Fats Domino”.

Además fue de los primeros artistas negros en tener fama entre el público blanco, incluso fue de los primeros en unir audiencias sin importarle la segregación racial.

Con su peculiar estilo de piano Boogie-Woogie, Fats Domino abrió la escena musical hasta límites insospechados y su sonido traspasó todas las fronteras posibles, creando una escuela que con el paso del tiempo se vería reflejada en el futuro el Rock.

Tupé, camisa elegante, y mucho movimiento de cadera, eso junto al piano de Fats hace que nada pueda salir mal, así que bebe hasta la colina del arándano y mueve ese cuerpito de R&B.

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Festivales de Extrem y su estado actual LEER MÁS

S

ólo el 38% de los Festivales de Extremadura tienen menos del 35% de su elenco de artistas de origen regional.

El dato es tremendamente positivo, ya que, si comparamos los últimos años, el porcentaje ha ido bajando progresivamente, lo cual indica mayor concienciación por parte de los programadores hacia la escena local y regional.

Tras 2 años de pandemia, donde la cultura ha sido uno de los sectores más maltratados por la lacra de la Covid 19 (y en concreto han sido las salas, pubs, músicos y trabajadores de dicho sector quienes más han padecido), estamos de vuelta para conocer la salud musical y festivalera en la región.

Parece que la vacunación y las medidas tomadas comienzan a dar resultado y la normalidad se acerca, pero eso lo comprobaremos el próximo 2022. Mientras tanto, evaluaremos nuestros festivales, los que se han podido realizar, siguiendo los siguientes parámetros: presencia de artistas extremeños y paridad.

Estado actual de los Festivales de Extremadura

ACÚSTICOS AL FRESQUITO El mítico festival de Monterrubio de la Serena este año ha tirado la casa por la ventana, y se ha permitido el lujo de tener varias ubicaciones. Monterrubio de la Serena, Madrid (en modo fiesta de presentación) y Montijo han sido los lugares escogidos por Jose Carlos García para realizar su festival y homenajear a Julio Ruíz. 15 artistas extremeños y nacio-

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nales han pasado por las diferentes ubicaciones del festival.

Organiza: Asociación Acústicos Al Fresquito Artistas: 15 Extremeños: 6 (40%) Nacionales: 9 (60 %) Paridad: 8 bandas femeninas (54%) Si comparamos parámetros con los años 2019 y 2018, la presencia de grupos extremeños ha disminuido, y en cuanto a la paridad también se ha visto reducida con respecto a 2019, teniendo en cuenta que aquel año fue un festival enteramente femenino.

2021: extremeños - 40% y paridad - 54% 2019: extremeños - 55% y paridad - 100% 2018: extremeños - 66% y paridad - -% CONTEMPOPRÁNEA

madura Al igual que Acústicos al Fresquito, el festival comandado por Agustín Fuentes tuvo diferentes sedes a lo largo de la geografía extremeña: Navalvillar de Pela, Olivenza, Miajadas o Madrid.

Recientemente hemos comprobado que el festival cambia su ubicación en 2022 a favor de Olivenza, una decisión acertada debido a los graves problemas de gestión que tiene el ayuntamiento de Alburquerque con muchos trabajadores de la población extremeña. Olivenza tiene riqueza arquitectónica muy importante también, gran oferta hotelera y de restauración, también es frontera con Portugal, e, importantísimo, zona de chiringuito y piscina para las jornadas calurosas.

de la ciudad. Pero vayamos a los parámetros.

Organiza: Ayuntamiento de Badajoz Artistas: 7 Extremeños: 0 Nacionales: 7 Paridad: 3 (42%) El primer año, y 0% de bandas extremeñas y un 42% de paridad. No parece interesarles la música que se realiza en nuestra región.

ALCAZABA FESTIVAL

Organiza: Asociación Contempopránea Artistas: 13 Extremeños: 6 (46%) Nacionales: 7 (54%) Paridad: 8 bandas femeninas (61%) Si comparamos parámetros con los años 2019 y 2018, la presencia de grupos extremeños ha aumentado notablemente, y en cuanto a la paridad también se ha visto aumentada con respecto a 2019. Ambos datos tremendamente positivos, que lo convierten en un festival de referencia.

2021: extremeños - 46% y paridad - 61% 2019: extremeños - 7% y paridad - 48% 2018: extremeños - 20% y paridad - -% BADAJOZ SUENA Badajoz Suena es un Festival que nació con polémica por una programación anclada en el pasado, por la suspensión de algunos de sus conciertos por Salud Pública, por la escasa participación de público ante unos precios desorbitados, y todo con motivo de las fiestas

El Alcazaba Festival está en la onda del festival anterior, siguiendo la estela de otros festivales como el Stone & Music Festival o el Starlite de Marbella.

Organiza: Ayuntamiento de Badajoz Artistas: 3 Extremeños: 0 (0%) Nacionales: 2 Internacionales: 1 Paridad: 0% Nada que decir con respecto a los datos. No parece interesarles la música que se realiza en nuestra región.

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STONE & MUSIC FESTIVAL

Stone & Music Festival es un Festival consolidado con el mayor presupuesto de la región, y que sigue en la línea de festivales del Starlite o Festival Jardins de Pedralbes.

Artistas de renombre de diferentes estilos que acompañan con su música al teatro romano de Mérida. Festival dado a polémicas, el año pasado por las medidas Covid, y este año por la presencia de Plácido Domingo, vetado en otros lugares por su relación con los abusos sexuales.

Organiza: Progevents Artistas: 13 Extremeños: 1 (7%) Nacionales: 10 (76%) Internacionales: 2 (16%) Paridad: 2 (16%)

Interferencias, el festival de la Siberia Extremeña. Esos festivales que se hacen con cariño, donde se cuidan a los artistas que empiezan y que forman parte de nuestro entorno, porque quien hace este festival es alguien al que le gusta la música, su tierra y su gente, donde el presupuesto es escaso pero importante para dar a conocer el futuro de lo que se hace aquí. Tras varios años realizándose en la Siberia, esta vez tocó en Mérida.

Organiza: Antonio Lázaro Luengo Artistas: 5 Extremeños: 3 (60%) Nacionales: 2 (40%) Paridad: 2 (40%) 2021: extremeños - 60% y paridad - 40% 2019: extremeños - 58% y paridad - 28% Un festival que se mantiene en buenos números, tanto en presencia de bandas extremeñas como en paridad, ya que ha ido mejorando este parámetro con las ediciones, y fundamentalmente su labor más importante es la de llevar la música como opción de ocio y cultura al ámbito rural, tan escaso de actividades de este tipo.

MÚSICOS EN MOVIMIENTO 2021

Anecdótica la presencia extremeña en el festival como el de la representación femenina.

2021: extremeños - 7% y paridad - 16% 2020: extremeños - 0% y paridad - 57% INTERFERENCIAS EMERGENTES FESTIVAL Proyecto consolidado con aportación de la Diputación de Badajoz. Músicos en Movimiento sigue siendo un festival itinerante como en las anteriores ediciones. Este año pasaron por localidades como Almendralejo, Berlanga, Zalamea de la Serena, Cabeza del Buey y Los Santos de Maimona. La heterogeneidad del festival ha ido incrementando a lo largo de los años. En esta edición no se re-

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piten bandas de un mismo músico, aunque sí repiten algunos músicos de años anteriores edición tras edición.

Organiza: Óscar Elías y Paco Croche.

Artistas: 25 Extremeños: 25 (100%) Nacionales: 0 Paridad: 6 (24%) 2021: extremeños - 100% y paridad - 24% 2020: extremeños - 100% y paridad - 20% 2019: extremeños - 100% y paridad - 22% 2018: extremeños - 100% y paridad - -%

2021: extremeños - 100% y paridad - 33% 2020: extremeños - 100% y paridad - 25% 2019: extremeños - 100% y paridad - 12% 2018: extremeños - 100% y paridad - -% Es un festival clave para conocer figuras fundamentales en la música de Extremadura. Se anticipan al resto de festivales a la hora de presentarnos artistas que luego tendrán una portentosa carrera.

EUROPA SUR

Es un festival que apuesta por llevar la música al ámbito rural con únicamente artistas extremeños, lo cual es una noticia excelente para la industria regional musical.

ESCENARIO AMEX

Este año, el festival Europa Sur ha tenido doble edición. Dejó su sede natal, que era Cáceres, para irse a dos poblaciones, Alcántara y Valdefuentes. De nuevo un festival ubicado en una ciudad apuesta por zonas rurales donde llevar la música y la cultura. Una apuesta novedosa pero necesaria. Miremos los parámetros: Es uno de esos festivales que se hacen con mucho trabajo y estima. La Asociación Amex es una de las imprescindibles a la hora de apoyar a los grupos de Extremadura. Con sede habitual en el foro de Balbos de Cáceres, tiene la excelencia de tener un 100% de artistas extremeños en su cartel desde que se iniciaron, y ya han sobrepasado la docena de eventos.

Organiza: Asociación Amex Extremeños: 6 (100%) Paridad: 2 (33%) El festival ha ido evolucionando a mejor en cuanto a la paridad. Todavía está lejos de cumplir con el objetivo, pero la trayectoria es positiva.

Organiza: Bon Vivant Records Extremeños: 2 (17%) Nacionales: 7 Internacionales: 3 Paridad: 4 (33%) 2021: extremeños - 17% y paridad - 33% 2019: extremeños - 25% y paridad - 50% 2018: extremeños - 0% y paridad - -% En cuanto a presencia de grupos extremeños, se mantiene en los números habituales, es decir la presencia de bandas de la tierra es anecdótica. En cuanto a la paridad, un 33% del cartel, ha disminuido con respecto al 2019.

Lo más llamativo del festival es su apuesta por bandas portuguesas.

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FESTIVALINO

Tras un año celebrándose virtualmente durante el 2020, en el 2021 volvió el festival de Pescueza. El Festivalino, el evento que implica la participación de gran parte de la comarca, y que siempre cuenta con anfitriones de renombre, además de mecenas famosos en la labor solidaria de repoblar el bosque. Manuela Carmena y Rozalén han sido las pregoneras de lujo en un encuentro generacional en la localidad más implicada en la lucha contra el edadismo.

Organiza: Ayuntamiento de Pescueza Artistas: 11 Extremeños: 4 (36%) Nacionales: 9 Internacionales 1 Paridad: 3 (27%) 2021: extremeños - 36% y paridad - 27% 2019: extremeños - 60% y paridad - 40% 2018: extremeños - 33% y paridad - -%

décadas en la localidad de San Vicente de Alcántara, siendo la alternativa rockera al otro mastodonte de la zona como es Contempopránea. Este año abandona el verano para pasarse a la edición de invierno.

Organiza: Extrema Sound Extremeños: 0% Nacionales: 11 Internacionales: 1 Paridad: 3 (25%) 2021: extremeños - 0% y paridad - 25% 2019: extremeños - 11% y paridad - 33% 2018: extremeños - 16% y paridad - -% La presencia de bandas extremeñas es escasa, por no decir nula, y además ha ido decreciendo con el paso de los años en cuanto a paridad, pues tampoco es muy positivo el dato, además de haber disminuido.

COOP FESTIVAL

El festival vuelve a los porcentajes de hace 3 años en cuanto a presencia de grupos extremeños (lo cual no es un dato positivo), y el parámetro de la paridad es engañoso, ya que no incluye las pregoneras Rozalén, Manuela Carmena y Ana Gragera, que incrementarían el parámetro en cuanto a paridad. Festival que apuesta por el impulso cultural de la España vaciada, rural y de población sénior. Un evento necesario.

SUBEROCK Suberock, el festival cuyo lema es que es el único festival gratuito del mundo. Un festival veterano que lleva realizándose más de dos

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El Coop Festival es un festival relativamente nuevo y público. Lleva 3 años realizándose, que ha pasado de tener su sede en Mérida, para este último año pasar a Cáceres.

La cooperación es su seña de identidad, y en el festival nos podemos encontrar todo tipo de estilos. Una especie de Womad pero en pequeñito, y con artistas nacionales que tienen incluso hasta más nivel que el festival de Peter Gabriel. Festival para toda la familia, con muchas actividades alternativas a las musicales que recuerda también a otros festivales como Esperanzah!.

Organiza: AEXCID Extremeños: 10 (91%) Nacionales:1 (9%) Internacionales: Paridad: 6 (60%) Los datos son muy buenos en los dos parámetros, y el nivel de festival es muy alto, por lo que es de agradecer la labor de los programadores. Pero lo compararemos con ediciones anteriores.

2021: extremeños - 91% y paridad - 59% 2019: extremeños - 66% y paridad - 33% 2018: extremeños - 33% y paridad - -% Es evidente que el festival ha mejorado en los dos parámetros estudiados de una manera progresiva, lo cual es un dato excelente.

GRANIROCK

El festival de Quintana de la Serena, Granirock, ha sido una de las sorpresas de final de año. En su edición de invierno nos trae un cartel de puro rock nacional, como nos tiene acostumbrados. Es sin duda uno de los platos fuertes en cuanto a festivales extremeños por su magnitud y los carteles a los que nos tiene acostumbrados. Mediremos los parámetros.

Organiza: Ayuntamiento de Quintana de la Serena Extremeños: 3 (60%) Nacionales: 2 (40%) Internacionales: 0 Paridad: 1 (20%) El festival ha incrementado notablemente la presencia de bandas extremeñas en su cartel, lo cual es un dato importantísimo y muy positivo, pero en cambio el parámetro de la paridad ha disminuido.

2021: extremeños - 60% y paridad - 20% 2019: extremeños - 22% y paridad - 40% 2018: extremeños - 33% y paridad - -%

Balance Anual Festivales de Extremadura – Reflexiones

Si comprobamos los parámetros de cada uno de los festivales comparados, este año podemos llegar a la conclusión que:

Festivales

Extremeños

Paridad

ACÚSTICOS AL FRESQUITO

40%

54%

CONTEMPOPRÁNEA

46%

61%

BADAJOZ SUENA

0%

42%

ALCAZABA FESTIVAL

0%

0%

STONE & MUSIC FESTIVAL

7%

16%

INTERFERENCIAS EMERGENTES

60%

40%

MÚSICOS EN MOVIEMIENTO

100%

24%

ESCENARIO AMEX

100%

33%

EUROPA SUR

17%

33%

FESTIVALINO

36%

27%

0%

25%

COOP FESTIVAL

91%

59%

GRANIROCK

60%

20%

SUBEROCK

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*Toda la estadística en cuanto a la paridad se ha realizado a base de comprobar las webs de cada grupo o banda que forman parte del festival, y contando como formación femenina toda aquella banda o artista que contenga algún miembro mujer en el grupo. *En dicho artículo no están todos los festivales de la región, pero sí los que, a nuestro juicio, son los más importantes de los realizados en nuestra tierra. * No hemos incluido Palomos 2021 por haber perdido esa modalidad de festival de un solo día en favor de unas jornadas de varios días con charlas, exposiciones, conferencias, arte y música LGTBIQ+.

El 38% de los festivales extremeños comparados tienen menos del 35% de su elenco de artistas de origen regional, pero además un 25% de los festivales comparados no tienen a ninguna formación extremeña entre su cartel de artistas. El porcentaje disminuye con respecto al 2019, ya que aquel año solo el 40% de los festivales tenía un porcentaje de artistas regionales inferior al 35%, lo cual es un dato muy positivo porque implica que hay concienciación por parte de los festivales de la importancia de incluir artistas extremeños en sus filas.

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En cuanto a la paridad, el dato es mucho peor.

En el 61% de los festivales extremeños comparados, el porcentaje de artistas femeninas es inferior al 35%. Si volvemos a comparar con el 2019, ha empeorado ligeramente el porcentaje, ya que fue de un 55%.

La desigualdad de artistas extremeños con respecto a nacionales disminuye, aunque si hablamos en cuestión de género se acrecienta el problema de desigualdad de género entre bandas musicales. ¿Sería necesario obligar una cuota mínima de bandas o artistas extremeños en todos aquellos festivales que reciben subvención pública? ¿También se debería incluir una cuota mínima paritaria en festivales con ayudas públicas? ¿Es posible un festival, como por ejemplo, Contempopránea Badajoz 2016, que contó con dos escenarios alternantes y uno enteramente de artistas extremeños? O como las últimas ediciones de Womad, que alberga un escenario con solo bandas extremeñas, donde se puede disfrutar de bandas internacionales, nacionales y extremeñas de primer nivel en el mismo festival.

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Alejandro Rivas Cott Música de Orquesta e Ingeniería de Sonido

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i hablamos cultural, musical y socialmente, Bolivia y Bélgica discurren de distintas maneras, así lo asegura el compositor y artista del sonido Alejandro Rivas Cottle, quien, desde su domicilio en Bruselas, nos ha colaborado con una extensa entrevista -que nos llegó en audio mp3-, y que fue delicadamente editada para retratar las palabras fundamentales del conversatorio que logramos en exclusiva para LaCarne Magazine.

Mientras disfrutamos de su nuevo trabajo, un Live Studio Session of Concert en el Canal YouTube, el amigo productor y director musi-

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cal nos abre las puertas del Estudio y corazón para contarnos sobre su carrera musical, sus inicios, y actuales historias que van acaeciendo en el viejo continente.

Alejandro Rivas Cottle, Soundtracks y Trovas, Música de Orquesta e Ingeniería de Sonido

Luego de acomodarnos a las nuevas épocas que rigen en el planeta, con sus nuevas leyes, regulaciones y protocolos, personal y musicalmente, ¿cómo te encuentras actualmente?

Esta etapa con la pandemia ha sido, no sé, desde el principio como una película de Ciencia Ficción de Terror -casi-, y, bueno claro, ya ha pasado un año y medio, y al comienzo cuando se paró todo era increíble, impensable que iba a durar tanto ¿no? Mucha gente pensaba que iba a terminar más rápido, y que

en algunos lugares, pero es algo que puede cambiar muy rápidamente, y depende de la vacunación también.

Compositor, Ingeniero de Sonido, Cantante, Director de Orquesta, Alejandro Rivas Cottle un artista íntegro y múltiple, ¿cómo naces a la vida musical?

Básicamente cuando era niño, muy pequeño, mi mamá me cantaba canciones de cuna -de niños- y cantábamos con ella. Después, poco a poco, por ejemplo, las canciones que escuchaban mis papás ya las cantaba y les cambiaba la letra.

tle todo iba a volver a esta “normalidad”, que hasta ahora no se ha podido lograr -todavía-.

En lo p,ersonal he estado felizmente bien de salud, y creo que como se paró todo, lo único bueno ha sido que he podido retomar canciones -por ejemplo, como no había nada que hacer-, he podido buscar entre mis Demos cosas que no estaban terminadas. Yo hago normalmente ideas y grabo en la compu un rato, y como no hay un tiempo, y no hay dead-line específico, no las acabo. Entonces era una buena oportunidad para terminar y retomar esa parte musical.

Respecto a cómo han ido cambiando los protocolos, depende mucho de país a país ¿no?

Si uno viaja -a veces- a algunos países, tienen doble mascarilla. Acá se están aflojando las cosas, ya no es necesario usar mascarilla

Luego, cuando ya tenía esos tecladitos de juguete, también me interesaba grabar, entonces lo que hacía era un poco -en esa época de los cassette que más se usaban-, agarraba un cassette de mis papás y lo ponía una cinta adhesiva ahí en los huequitos, y grababa para tener otra pista en la doble casetera, volvía a grabar de un lado al otro y hacía más tracks.

Después mi mamá me compró una guitarra cuando tenía 12 años, que creo que no la toqué por un par de meses por mi rebeldía, y ella me enseñó a tocar Vals Peruanos -mamá es de Perú-. Ésa fue mi primera aproximación.

Claro que obviamente no me interesaba tanto tocar Vals Peruanos en esa época. Yo escuchaba Punk, entonces me interesaba más tocar, por ejemplo, La Polla Records y ese Rock radical vasco, alguna cosa de Ramones, un poco de Rock Punk.

Me acuerdo que la primera tocada, con el primer grupo que hicimos en mi colegio – estaba en el San Calixto- con un par de amigos, tocamos en la Piscina de Obrajes. Había un Festival, e interpretamos una canción de La Polla Records, Yellow Submarine de los Beatles y no sé qué más. La anécdota que más me acuerdo era que el baterista estaba tocando, todos éramos obviamente principiantes, y voló la baqueta -así como ¡tum paj!- y se quedó tocando con el dedo… entonces ha sido la primera tocada de la vida, que eso ha debido ser cuanto tenía 13 o 14 años. ¿Qué influencias artísticas has recibido?

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¿Qué estilos musicales han influenciado en ti?

Influencias artísticas, creo que he ido variando un poco según qué escuchaba, ¿no? Primero escuchaba Punk y tenía este grupito que quería ser Punk que no llegó a mucho, después había toda una etapa que escuchaba Rock Latino, “Rock en tu idioma” que era la consigna de los 90’s.

Escuchaba mucho Caifanes, Maldita Vecindad, Fabulosos Cádillacs, entonces teníamos este grupo de Ska. Yo creo que lo que más me ha influenciado personalmente, y lo que se ha extendido más en mi carrera, son los momentos claves, ¿no? A parte de haber escuchado Rock y que se terminó mi banda, descubro la Canción Trova de Silvio Rodriguez. Entonces al empezar a tocar eso y otros cosas de cantautores, aprendí mucho.

Por ejemplo, tuve mucha suerte en un momento cuando estaba en colegio, cuando tocaba estas canciones de Silvio, y había un Movimiento que se llamaba el CREARE, y en esa época estaba un poco -qué sé yo- de moda o era importante recordar los momentos de las dictaduras. Entonces esta música -digamos que yo tocaba-, aunque yo no tocaba las músicas de Silvio Rodriguez, que eran de contenido más político sino más personal, entonces entraba perfecto en estas actividades.

Y en esto, gracias al CREARE, toqué una vez en El Socavón (Pub) cuando tenía 15 o 16 años, y el Grillo Villegas (propietario) me agarró y me dijo: ¡oye!, no quieres tocar otro miércoles, y fui a tocar. Después súper buena onda el Grillo me dio un par de clases de guitarra, yo no sabía nada de teoría musical, entonces me dio unas clases de escalas para poder improvisar acordes. Creo que ha sido mi primera formación. Por un lado eso me ha influenciado un poco en la forma de tocar.

Posteriormente hacía Música Experimental, después de que estudié Composición y Dirección de Orquesta, algunas cosas de Jazz, sobre todo el color de los acordes de Jazz, y en las cosas que hago de películas. Creo que otro momento importante -aparte del que estudié Dirección de Orquesta- fue cuando entré a

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la Orquesta Experimental de Instrumentos Nativos, y ahí pude descubrir, y es algo que uso bastante en la Música de Película, por ejemplo.

La Vida es un Soundtrack

Recuerdo que en 1995 te vi por primer vez en escenario (creo que en el Encuentro-Concurso Unirock ) con la banda Camila. Luego integraste el dúo Riviana, y algún momento tuve el gustazo de verte en la Dirección de la Orquesta Experimental de Instrumentos Nativos junto a Cergio Prudencio. ¿Una breve reseña de tu carrera hasta el presente? ¿Cómo surges en el proyecto musical de tu vida? ¡Claro!, y mi primer grupo en escenario se llamaba Camila, y tocábamos Ska, concretamente covers… llegamos a dos de las finales del concurso organizado por The Best Coffee… Cuando se deshizo el grupo encontré la guitarra acústica y la Canción (Trova)…

Silvio Rodriguez, que me ayudó mucho para aprender nuevas maneras de tocar la guitarra… Después del colegio me metí a estudiar

Economía, pensaba ¿ya… de música qué voy a hacer? En el Conservatorio no me gustaba tanto la Guitarra Clásica como para meterme a estudiar 8 años -digamos-, y para ser Profe después. ¡No! no era mi onda, y entonces tocaba en montón de boliches… Desde el ‘96 haciendo mis canciones, y una vez en el Equi, justo con apoyo del Ricardo Zelaya, y que grabó el Alfredo Bellott en un VHS -en esa época-, hice un disco en Vivo…

En la Universidad Católica se abre una Carrera -por una sola vez- de Dirección de Orquesta y Composición, y me metí de lleno.

Luego de terminar de estudiar, era Director Asistente de la Banda Sinfónica del Conservatorio… Al descubrir esto de la Música Contemporánea hicimos un dúo con el Ale Viviani, que se llamaba Riviani, y nuestra idea era incorporar a las canciones cosas experimentales, Música Contemporánea, hacíamos nuestros experimentos, y paralelamente yo estaba de Director Asistente – con otros amigos-de la Orquesta Experimental de Instrumentos Nativos, que me invitó Cergio Prudencio el 2005

para el 25 aniversario, y escribí una obra que tuve la suerte de dirigirla.

Además del laburo, daba un Taller de Música Popular en la Católica con el Sebastián Zuleta, y después me llamó el director del que era mi colegio, y daba clases de Historia de la Música y Lenguaje Musical.

Cuando sacamos el disco de Riviani era el 2006, a mí siempre me había gustado grabar, y en realidad cuando queríamos grabar el disco fuimos a un gran Estudio de un amigo (Gustavo Navarre), y claro, obviamente no teníamos ni un mango.

Y el Gus dice: -Ché, pero ¿por qué no grabas tú algunas cosas?, y de ahí aquí mezclamos-, y, de ahí ¡clink! se me prendió el foco y en la casa de mi abuela empecé a armar el Estudio… Grabé algunos grupos, entre estos el Riviani, que lo mezcló luego un amigo en Perú… Bolivian Jazz que fue un gran aprendizaje.

El 2007 me vine a Bélgica a estudiar Produc-

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ción Musical, quería algo que tenga práctica, y ésta era una Carrera perfecta para poder hacer lo que quería, que era combinar la Ingeniería de Sonido con la Producción -hacer música, hacer arreglos, aprender Jazz-… fue increíble.

Cuando terminé de estudiar volví a Bolivia, quería ser Productor y meterme en esto de películas… Y claro, a partir de eso -por un lado-, dejé la Canción y de hacer tocadas… y desde finales del 2010 empecé este Estudio (Brujas Records), y produje algunos grupos como La Burkina, Canela Palacios, Reverso, la Marraketa y empecé a hacer música de Cine, que es lo que estoy haciendo hasta ahora.

Este año, con esta situación del COVID, pude terminar las canciones, hice una grabación en Vivo en un Estudio -un disco en Vivo-, mi objetivo ahora aparte del trabajo de películas es renovar, volver a los escenarios a cantar las canciones nuevas de esta época.

En 2002 salió el CD Madidi: Música Por la Naturaleza, un proyecto encabezado y producido en Pro Audio junto a Oscar García – Bernarda Villagomez, álbum que cuenta con la participación de varios artistas, lindo material de colección donde compartimos el track list junto a grandes amigos músicos. ¿Cuál es tu discografía como compositor e intérprete?

Mi discografía no es muy extensa -por decirlo así-, tengo este disco que grabé en el Equinoccio En Vivo, después hay un par de discos donde hay obras mías. Por ejemplo, uno que es Música Boliviana para Banda Sinfónica, y ahí hice una Obertura pensando que iba a ser una Ópera -que nunca hice, que era Boquerón 1932- inspirado en la Batalla de Boquerón porque mi bisabuelo peleó ahí, pero agarraba o citaba algunas melodías dentro de la Obertura (Boquerón Abandonado o Infierno Verde), pero un poco transformadas para dar este contexto de la guerra, el horror y lo heroico.

Después, hay otra obra en un disco de la Orquesta Experimental de Instrumentos Nativos (25 Años), una obra que se llama Viento, que la idea era estos cambios de viento en La

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Paz en Agosto a través de las ventanas -una cosa bien sutil-, de ahí este disco de Riviani que se llama Revienta, que hicimos 15 canciones -y hay una oculta que nunca se mencionó-, y posteriormente tengo un disco que se llama Ulupica, que es de Música Contemporánea donde está una obra que se llama Péndulo -que hice en Bélgica-, para paisaje sonoro y clarinete solo.

Y de ahí en realidad lo que he sacado es poco a poco los soundtracks de las películas. Hice el 2018 una compilación donde escogí alguna selección de mi música para película, e hice un disco compilado que se llama Música for Film, y aparte hay los soundtracks de algunas películas sueltos.

En el 2015 me invitaste a formar parte del soundtrack de Corazón de Dragón, película- documental boliviana. Has trabajado en bastantes proyectos como Nosotros, Los Bar-

es sorprendente cómo puedes hacer diferente música según cada película.

Y los temas ¿no?. Por ejemplo, justo lo invité aquí a mi brother Marraketa Blindada para que participe del soundtrack de Corazón de Dragón, porque por un lado esta película es un documental de 8 niños que tienen cáncer en Bolivia -es durísima, un drama terrible que se vive en nuestro país con ciertas peculiaridades-, entonces la música lo que tenía que hacer no era poner más drama -ya era demasiado-, la música más bien tenía que hablar de los niños, la relación con los padres.

Entonces la canción que hicimos -grabamos dos- era un Rap con el Marraketa que era un poco sobre El Alto y uno de los personajes de ahí -un poco urbano-, y la otra que hicimos era una canción dedicada -digamos- del papá al hijo, porque en todo el documental tú ves que los papás están así full (venden su casa, venden su auto, venden todo para salvar a sus hijos).

baros, entre otros films que cuentan con tu música en la composición y dirección. ¿Coméntanos de las hermosas experiencias de musicalizar películas?

Bueno, esta experiencia de hacer música para películas es alucinante, porque es, por un lado, transformarse en lo que es la película.

Entonces, cuando eres un artista o cantante tienes tu estilo y punto -Trova, Metal-, en cambio tú puedes ponerte o disfrazarte de muchas maneras para buscar qué es lo que necesita la película, y lo que manda ahí interesante -no eres tú que dice yo hago esto y punto-, sino es el Director y la imagen (la música sirve a la imagen). Lo importante es la película no la música.

Poder hacer diferentes estilos de música es increíble, y me aburro muy rápido en general por cualquier cosa, entonces agarro una película y estoy unos meses ocupado, después viene otra que necesita otra cosa, entonces

Entonces les dicen así : “No Te Voy A Dejar” -voy a estar siempre contigo-, y lo lindo de esta colaboración es que no he sido sólo yo que ha hecho la cosa, estaba el Marraketa que ha rimado, el texto ayudó a hacer el Vadik, estaba la Imilla, el Carlos Fiengo (voces), ha sido una experiencia súper linda.

Y claro, en Nosotros los Bárbaros había que hacer música con mucha ironía, haciendo referencia a cosas de la Historia. Se agarró una pieza de piano inspirada un poco en los Aires Indios de Caba, pero con alguna cosa humorística, y, otra que me gustó mucho, que contrarrestaba en un lado -del parlante- con un Canto en Latín representando a la Iglesia, y al otro lado una Tarqueada donde no se mezcla, o sea que no se puede mezclar.

La idea era mostrar un poco como la superposición de culturas -como agua y aceite- que está ahí, pero que no se llega a mezclar tan bien, y en otros proyectos como El Color del Camaleón, hay una parte filmada en Alemania donde había que hacer Música Clásica (con Trío de Cuerdas y Orquesta), entonces es un LaCarne Magazine

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viaje alucinante que me encanta.

La Calle de las Brujas

Aquel momento en que pudimos laburar profesionalmente fue icónico para mi carrera.

Brujas Records, en plena Calle de Las Brujas de La Paz. ¿Qué anécdotas puedes rememorar de la producción realizada en aquellos tiempos en tu hoyada natal? Y actualmente, ¿cómo anda por Bruselas el Estudio? ¡Claro!, el Estudio allá en Las Brujas era alucinante. Para empezar, lo más importante era que fue la casa de mi abuela, entonces yo ahí me había criado, y estar en La Calle de Las Brujas es algo muy especial, porque era una tiendita que alquilaba mi abuela, ahí vendían las ofrendas para la Pachamama… Yo era amigo de los vecinos, tenía una energía alucinante, un lugar cargado de tradición, o sea, de las calles más originales que hay en La Paz. Un lugar de trabajo que tenía -para mí por lo menos- su cierta mística.

El Grillo ha pasado por ahí grabando en el disco de La Burkina, también he grabado ahí con la Vero Pérez, Ensamble Maleza, también hice programas de radio, campañas…

Emma Junaro ha grabado ahí, la Jenny Cárdenas también ha pasado por el Estudio, Canela Palacios. Era como entrar a otro tiempo.

En Bruselas tengo otro Estudio, pero está abocado a las cosas que hago de películas. Acá en Bélgica estoy haciendo más post-producción audiovisual, estoy muy contento de tener un lugar de trabajo donde todo funcione, y mucho trabajo para Bolivia, que lo puedo hacer desde acá.

Nos presentas en el Canal YouTube Alejandro Rivas un Live Studio Concert, tus canciones en vivo desde el Estudio de grabación, acompañado de grandes músicos. ¿Qué nos puedes comentar de tu magnífica experiencia? ¿Quiénes te acompañan en la sesión?

La experiencia de este Live Studio Session of Concert en el Canal YouTube ha sido increíble porque he vuelto a retomar mis canciones después de años, y justo se dio la oportunidad de poder hacer el concierto y presentar cosas nuevas.

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Genial los músicos: Ana Ferper una guitarrista mexicana, Rik Deckers pianista belga, Angelo Moustapha baterista africano, el bajista chileno y Jelle Van Doorsen, un percusionista de conservatorio que tocaba muy bien… Había poquísimo tiempo para armar todo. Yo me pasé unos meses haciendo las canciones, ya tenía los Demos y letras que hice en el primer encierro del COVID, y ensayé con cada uno en una oportunidad, el tiempo en Estudio es súper apretado. Ha sido un ejercicio de concentración increíble.

Estoy súper contento, había una química increíble con todos los músicos, tocar con ellos es lindo… Ha sido una gran experiencia, lo bueno es que esto se vuelve un disco. Justo estoy terminando de hacer el mastering y ya tengo el video, con esta excusa quiero volver a tocar.

Ahora ya he hecho un par de tocatas acá en Bélgica, y haré una en Madrid con un par de compatriotas, me entusiasma mucho. A parte del trabajo de Estudio (que es solitario, de laboratorio y todo muy controlado), ya ir a cantar y tener el feedback del público es tan lindo.

Tienes hermosas, melancólicas y poderosas composiciones. He apreciado con bastante placer temas como Polvo & Tiempo, Laken, Perdido en el Tiempo, Desangra y Duérmete Pilar (mi canción preferida que me recuerda a mi abuelita materna). ¿Qué canciones originales son tus preferidas para interpretarlas hoy y siempre? ¿Qué temas te identifican con tu público y se han convertido en tus referentes?

Qué bueno que te gusten estas canciones, muchas hablan sobre la distancia -tal vez de no estar en Bolivia-. Esta canción que mencionas (Pilar) la hice a mi hija, una canción de cuna. Esto de ser papá es increíble, ahí pude cantar un poco sobre eso, y cómo va cambiando esta bebé, que va aprendiendo del mundo.

Sobre las canciones, a mucha gente le ha gustado (y yo la tengo marcada) la primera que es Entre la Luna y El Sol, que la hice en el colegio en 1996, y hay otra que se llama No Me Ves. Y de las nuevas me gusta mucho tocar Duér-

mete Pilar (creo que a mucha gente le llega), y la que me gusta tocar es Desangra, que hicimos la letra con Christian Rivera, que es una canción a la Muerte, y con todo el bajón de la pandemia me he inspirado a terminarla.

Como buen melómano, imaginándonos en el caso de no tener WI-FI o acceso a la Red, volviendo a los CD’s y sus presentaciones físicas, ¿qué discos recomiendas para irse de viaje o vacaciones? ¿Qué material es tu preciado favorito?

Hay muchos discos que me gustan, y justo tomé un viaje con éste, que es de un amigo, el Sebastián Zuleta (Balvulard, su cuarteto) con Polaroid. Otro que me gusta mucho es el Morning Phase de Beck, o si van a hacer un viaje oscuro en el interior La Segunda Sinfonía de Mahler es para reconciliarse con el mundo, o Bartók el Concierto para Orquesta -es una cosa genial- o Stravinski con La Consagración de la Primavera, es una obra increíble.

En casa tenemos unos vinilos, y hay un LP que se llama Blue de Joni Mitchel que está buenísimo, y otro que he escuchado bastante es Spinfis, que es un grupo y cantante holandés con un Rock diferente, eso está súper bueno. Y de Silvio Rodríguez – Al Final de Este Viaje (es un discazo) o el álbum Silvio, o de La Polla Records el disco Ellos Dicen Mierda, es otro discazo. ¿Cuál es tu frase, lema, verso o dicho? Ése que te anima, alienta, levanta, enfoca, etc., para seguir en la batalla musical y en el juego de la vida.

Para mí, lo que más me alienta es levantarme y hacer algo nuevo, me aburro muy rápido de todo. Si estoy haciendo Rock 20 años -me muero- o Trova, o lo que sea. Lo que me levanta o me anima es hacer cosas nuevas, como Ingeniero de Sonido hago música de documental, grabo, realizo sonido directo, post producción.

Hacer las cosas distintas, eso es lo que me motiva (otro día doy clases) y no hacer lo mismo. Aprender algo nuevo es lo que más me motiva, o sea, hacer lo que sé hacer para aprender nuevas cosas. Eso es lo que me motiva a levantarme.

La despedida, un mensaje final para la gente que disfruta tu música y para los nuevos seguidores de Alejandro Rivas Cottle.

Primero, quiero agradecer muchísimo a LaCarne Magazine y al Alfonseka por darme este espacio de hablar de lo que hago. Les invito a escuchar un poco este concierto último que hice, y ahí en el mismo canal YouTube, pueden descubrir los soundtracks que también están ahí.

Diría a todos los que gustan de la Música de Cine, que escuchen lo que estoy haciendo, y también las canciones que estoy produciendo, encontrarán cosas que son diferentes. También el disco que se llama Música For Film, les invito a escuchar a todos. Agradezco la oportunidad de estar aquí, nos estamos viendo o escuchando.

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Bonus

una amalgama de estilos musicales Bonus, una amalgama de estilos musicales

H

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oy viajamos a Cuba, un país donde, a pesar de tantas dificultades y carencias, se forman excelentes agrupaciones de variadas tendencias musicales, y de gran talento.

Aquí les presento a Bonus, una banda que en su propuesta comprende una variedad de géneros dentro del Rock y el Metal, y que con solo poco tiempo de trayectoria ya han obtenido logros. Yanairis Fernández es la vocalista y fundadora de Bonus, y es ella quien nos brindará más sobre esta agrupación cubana.

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Saludos, Yanairis, y bienvenidos a este medio de promoción. Para comenzar, por favor, cuéntanos ¿en qué están concentrados en estos momentos?

Saludos, Omar, y a los seguidores de la revista.

Bonus estamos enfocados en el lanzamiento del primer single de nuestro primer disco.

Recientemente hicimos un concierto online, donde el tema en cuestión estuvo junto a otros tres que también figurarán en el LP, que aún se encuentra en proceso de mezcla y masterización.

Hemos subido a nuestro canal de YouTube el vídeo en vivo de Disyuntiva, que así se llama

estamos los que estamos, no podía pedir más!

Casi 5 años de trabajo, me imagino le han dado fruto. ¿Cómo han sido estos años para ustedes?

Nos queda un mundo por recorrer, pero somos afortunados en cuanto a la facilidad con la que nos hemos colocado en algunas listas de la web Pistacubana.

Hemos sido nominados tres veces consecutivas para los premios Cuerda Viva, dos de ellos en la categoría Banda más Popular, y el año pasado nos llevamos a casa el premio La Cuerda que otorga el festival en comunión con Pistacubana. Uno de los mayores logros fue entrar en la empresa Turarte.

En cuanto a su propuesta musical, podemos encontrar una amalgama de sonidos. ¿Cómo definirías la propuesta de Bonus? ¿Qué elementos de otros estilos del Metal o fuera de éste incorporan al sonido de Bonus?

Creo que, para la mayoría de las personas, el confinamiento, consecuencia de la pandemia, les cambió su enfoque y perspectiva de las cosas. A nosotros también. Decidimos dejar de coquetear con géneros más populares, dar y mostrar de lo que realmente estamos hechos. ¡Aunque es indiscutible y por suerte! la canción, y que probablemente nombre al CD. Bien, hablemos de los orígenes de Bonus. ¿Cómo ha sido su incursión en el medio musical? ¿Tuvieron muchos tropiezos para darse a conocer, o todo se dio de buena forma?

Nuestros inicios tuvieron lugar en el último trimestre del 2017. Realmente creo que comenzamos con el pie derecho. Lo que más tiempo tomó fue conseguir los equipos de sonido, amplis e instrumentos. Teniendo lo justo, solo quedaba reunir a los músicos.

Ya tenía idea de quiénes quería que conformaran la banda, aunque el formato de la agrupación ha cambiado un par de veces. Solo el director musical está desde el minuto 0. El segundo más viejo es el drumer. ¡Idealmente

Todos en Bonus hemos bebido de muchas fuentes, y esto se expresa en nuestra música, aunque a la hora de crear no estemos pensando directamente en esto. Tenemos auto prohibido frenar el proceso de creación de una canción solo porque no cumpla con un género específico, por eso podrás encontrar en una misma pieza distintos estilos.

Me resulta divertido porque sé que se armará un rollo a la hora de clasificarnos. Hacemos Heavy Metal, Metal Melódico, Progresivo, Power Metal, Djent, Match Metal, Rock. Esto es un batido de todo lo que nos atrapa. ¿A qué tipo de público pretende llegar Bonus con su propuesta, o piensan en abarcar el mayor número de personas que escuchen rock y metal?

Sería imposible complacer a todo público, LaCarne Magazine

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pero creemos que lo que estamos haciendo dejará sorprendidos a unos cuantos en el gremio. Solo necesitamos que confíen en nuestra propuesta y hagan oídos. ¿Quiénes son los actuales integrantes de Bonus? ¿Proceden de alguna banda, o alguno tiene algún proyecto paralelo?

Actualmente somos cinco integrantes: Pablo Abreu – Drum y Voz, David Díaz – Guitar, Sergio Acosta – Tecladista, Frank Ramos – Bajo, Yanairis Fernández – Voz. Todos procedemos de otras bandas. Por ejemplo, David es también uno de los guitarristas de Los Kents. Por mi parte, también integro otra fila, el proyecto SOMOS, dirigido por Suylen Milanés.

Para Yanairis, ¿cuál es el poder que puede llegar a tener la música que se transmite mediante una lírica, composición e interpretación? ¿Qué temas abordan Bonus en sus letras? Ésta es una pregunta un tanto difícil porque no desearía que me pensaran como alguien arrogante. No concibo a Bonus con letras fáciles, tampoco que se necesite un Larousse a mano para entendernos. Creo que justo en el medio está lo ideal para mí. Un poco de poesía no está mal, y en medio de metáforas y versos dejar caer algo más «de la calle», porque al final eso soy yo, una mezcla de emociones y vivencias.

Como resultado de adoptar diversos estilos, las temáticas de nuestras canciones se adaptan en consecuencia. ¡¿Quién puede concebir una canción de Power Metal que no cuente una historia épica?! Aunque siempre se puede experimentar.

En otros casos puede que hablemos de emociones y problemas personales, o incluso temas metafísicos. También el sexo y crítica social, mañana podemos ir sumando a la lista.

La palabra tiene poder, y cuando se suma a la música gana una energía insospechada, se convierte en mantra.

Sé que Bonus están en preparación de su pri-

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mer álbum. ¿Podrías darnos algunos detalles sobre este material?

Es un disco de nueve pistas. Estamos cuidando muy bien el sonido, y por eso la tarea de mezcla y masterización está a cargo de Jorge «El Indio» Deepblast Studio. Buscamos entregar al público un material lo más cercano a lo que sale de una discográfica.

Como en nuestro país el Metal y el Rock and Roll no cuentan con el apoyo debido, tenemos que recurrir a lo particular. Nunca sonará como lo tengo en mi cabeza porque hemos grabado con una tarjeta de sonido de 300 dólares, y un micro de 150, mientras que las grandes disqueras usan condensadores de 5000, y eso no es por gusto. Pero el que sabe, ¡sabe! Se consigue un producto final especial gracias al cuidadoso trabajo del productor.

La situación de estos dos años pasados ha estado en crisis debido a la pandemia, y la escena ha estado paralizada. ¿Qué estuvo haciendo Bonus para mantenerse activo?

Hemos estado sin ensayar ya casi dos años de pandemia. Solo nos veíamos para grabar el disco o hacer uno que otro programa de TV. Tanta inercia podía pasarnos factura, y por eso seguíamos trabajando las redes sociales, para seguir a la vista de amigos y seguidores.

¿Cuál es tu opinión con respecto al apoyo de las revistas, las radios, los webzines, etc., hacia las bandas? ¿Es bueno o malo, o prefieren pregonar su arte a través de los escenarios?

Reitero que Cuba no es un país que prefiere el Rock, y menos el Metal, pero toda regla encuentra excepción. No podemos quejarnos porque hemos encontrado el apoyo de directores de programas de radio que lo dan todo por esta escena: Juan Camacho, Carlos Fornés, Dany Piña, Judith Henquen y otros, que si bien sus programas tienen otros cortes, aun así ponen nuestros temas. Tal es el caso de Dylcia Oquendo, Lafargue, Dairon Bejerano, Helson Hernández.

En la televisión, de más está decir que le debemos un montón a Ana Rabasa de Cuerda Viva y a todas las chicas que conforman su equipo, a La Rueda Producciones, que días atrás nos propició espacio para hacer un concierto en línea, y al canal Clave que nos pasa los vídeos que hemos llevado. Recientemente otro programa para los frikis Rock en Cazuela, idea original de Ernesto Meseros, también revistas digitales como Opia Magazine y otros. ¡A todos ellos les debemos! Recientemente medios extranjeros se han hecho eco de nuestro trabajo. Todo es necesario en la época que estamos viviendo, tener presencia en

el medio que sea es casi tan importante como presentarse en un escenario, así que tratamos de equilibrar.

Adicional al disco, conciertos…, ¿cuáles son otros objetivos de la banda para el futuro?

Tenemos unos deseos enormes de participar de festivales, nacionales e internacionales. Intentaremos algo como esto.

Para ir finalizando, ¿cuáles son sus planes, sus esperanzas, sus ilusiones tras la salida de este primer disco?

Sin un orden de interés, que el disco nos abra las puertas a nuevos seguidores, y que los que ya están se mantengan, captar el interés de alguna discográfica nacional, participar en Cubadisco.

Muchas gracias por otorgarnos esta entrevista. ¿Podrías dar un mensaje a los lectores de La Carne Magazine, por favor? ¡Gracias a ustedes! Perseverar hasta triunfar.

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Panteras Negras el primer grupo de Hip Hop Chileno

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onocí la música de Panteras Negras gracias al álbum Hip Hop Combatiendo, que lo pude adquirir en mi incursión en 2002 al gigante del Sur, Santiago. Es una joya en CD original del 2000, edición Warner Music – Chile bajo licencia de Oihuka – España, una verdadera reliquia en mi colección blindada de Rap, además que, en estos tiempos digitales y virtuales, se nos complica -un poco o mucho – la adquisición física de discos y material musical.

Luego de disfrutar de bastante información de Panteras Negras, entre videos y documentales, álbumes y singles, nos colgamos de Insurrección Periférica 2020 por FAQ Records

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(Live Stream), que brindaron los veteranos del Rap transandino, y así poder vibrar de mejor manera -a la distancia- la propuesta musical del grupo.

Nos contactamos gracias a las redes sociales y su magia comunicacional del Instagram con Chino Makina, fundador integrante de la primera agrupación de Hip Hop chileno, Panteras Negras, quién amablemente nos brinda su colaboración y confianza para la presente exclusiva con la revista LaCarne Magazine.

Panteras Negras, con la rebeldía en canción y el fusil en palabra

Gracias nuevamente por abrirnos las puertas del corazón, y compartir su vocación dentro la Escuela de la Vida. Un orgullo Hip Hop. Luego de estos momentos de contingencia sanitaria que atravesamos, a dos años sobrevivir bajo la sombra del COVID19, personal y musical-

Nosotros como Renca, nuestra comuna, se bailaba en la Plaza de Renca, conocí a Lalo Meneses en uno de los círculos de baile, yo empiezo a bailar desde los nueve años siguiendo a Michael Jackson, y por ahí se genera este paso del Break Dance a la música, por un video donde se logra una entrevista hacia el grupo, que lo produce Tele Análisis (Rodrigo Moreno está a cargo), y se hace un documental que se llama Estrellas en La Esquina.

Lo pueden encontrar en YouTube, y por ahí al terminar el registro se hace una canción, donde Lalo Meneses hace una letra para este documental, yo hago un Beatbox. Ya habíamos hecho algunas cosas más pequeñas, pero así como un juego, y ahí se empezó a tomar un poco este camino hacia la música desde este documental.

mente hablando, ¿cómo está actualmente?

Actualmente estamos bien con la familia, seguimos en la música, seguimos en la lucha, la sobrevivencia del día a día de ganarse el pan, de salir a buscar el laburo, por ahí estamos normalmente bien, porque se pudo crear también, se pudo hacer negocios y levantar bienes familiares, y creo que pudimos pasar el obstáculo grave de esta pandemia. ¿Cómo nace Panteras Negras a la vida musical?

Panteras Negras tiene un comienzo de danza, hablamos del Break Dance, ya acá en Chile se ejecuta Beat Street y Break Dance a mediados del 84, tirando para esas fechas se genera todo un «revolú» con la danza callejera -que es el Break Dance- en Chile, y por ahí nace también toda esta inquietud por esta Cultura.

¿Qué influencias artísticas han recibido? ¿Qué estilos musicales han influenciado en ustedes y su música?

Bueno, Panteras Negras hablamos de las referencias musicales, los artistas que nosotros un poquito hemos tomado en esta senda del Rap, primeramente como tal, el artista que yo nombro siempre es Michael Jackson, porque él hace un “revolú” en todo ámbito, y también toca a muchos seres, a muchos rappers de esa época -que también- se levantaron como por seguirlo a él.

El sueño del artista se podía lograr, la visión desde ahí nace y empieza como a escucharse Afrika Bambaataa, sale Public Enemy con referencias muy políticas, que también hace mucha referencia a nuestro grupo, nace N.W.A. -por un lado en la Costa Oeste- y nuestra influencia fue muy fuerte, Dr. Dre con toda su magia, y por ahí nace nuestro lado de Panteras con esos referentes.

Panteras Negras, El Rapulento

Para muchos músicos, el lugar de nacimiento y la zona de crecimiento son fundamentales para el desarrollo de su identidad artística, ¿qué nos puede comentar al respecto?

Nosotros somos oriundos del barrio Huamachuco 1, población que queda en los pies del LaCarne Magazine

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cerro de Renca, Comuna de Renca -valga la redundancia- .

decían El Chino, yo era el Chino Chico (ja ja) como menor.

Panteras Negras nace en esta población, en la cual hay un colegio del barrio que es la 3-17, ahí entró a estudiar el Dj Rata, Chino Makina y El Juez, y se logra esta conexión. Anteriormente yo había ido a otro colegio de la comuna donde estaba Lalo Meneses, yo estaba en sexto y él iba como en segundo medio, y teníamos la onda del Break Dance y que compartíamos danza dentro del colegio.

Para ese video, Estrellas de la Esquina -yo en ese tiempo- ya ejecutaba parte del Break Dance, del Popping (Electro que se llamaría, el Robot por decirlo así), también estaba el Beatbox que también ejecutaba, y por ahí se empezó a unir estas frases como “de la maquina”, tanto por hacer ruidos como una batería electrónica, por el Break Dance y también por destacarme en deporte, en movilidad, hacer harto ejercicio (por ahí también era como esa “maquina” ¿no?).

Esto también se origina en este otro colegio (3-17) con El Juez y Dj Rata, donde vivimos bastante, tres años puedo hablar de colegio y barrio, esto es acá, toda la magia nace en La Huamachuco, en el mismo cerro. Salíamos mucho de noche, la magia la encontrábamos también ahí, y ésas fueron nuestras fuerzas como grupo de un barrio o un pueblito de Chile, y la magia está ahí (Huamachuco). ¿Cuál es su nombre y lugar de nacimiento? ¿Cómo aparece el sobrenombre de Chino Makina?

Mi nombre es Daniel Fernández, nací en Santiago en la Comuna de Independencia. Bueno, el nombre de Chino Makina primero como tal, a mi hermano mayor (Sergio El Duro) le

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Hoy en día está como de moda decir “maquina”, pero en la época que nace este nombre, ¡no! O sea que ahí nace, Chino Makina Fernández, simulando como un boxeador también. Agarro como ese estereotipo de nombre, lo hago propio y central, ya que los nombres del Hip Hop son como medio “agringados”, con nombres que cada uno -no más- entiende, el Tag de uno. Yo le quise poner algo un poquito más entendible, como esta búsqueda -como del boxeador- en el nombre. ¿Y Panteras Negras?

Bueno, el nombre de Panteras Negras nace, así bien sencillamente, por el sueño de uno de

puente y conexión para que muchos jóvenes en Chile puedan hacer también su historia.

Somos el grupo “más zarpado” (por decir así), la primera banda con una demanda por injuria a la Policía de Chile, nosotros nos atribuimos esa primera historia como la primera banda que fue acusada por decir la verdad.

Para los artistas, los títulos y postgrados son sus propias obras, discos, canciones, videos, etc. ¿Cuál es su discografía a la fecha?

El grupo cuenta con una discografía que voy a contar ahora: empieza con Lejos del Centro, un álbum independiente por el Sello Liberación, que era un Sello muy Independiente Folklórico de acá de Chile, y se ejecuta en el 89 para el 90, saliendo como en el 90 al underground, al mercado pero así muy básico, en cassette. los integrantes de esa época, hablo de Marcelo Cruz, que fue en un momento DJ, pero no fue el original en el grupo, antes de DJ Rata fue Marcos Parra (que está en el primer disco Lejos del Centro). Nace ese nombre, él se lo cuenta al Lalo que tuvo un sueño, y nosotros lo llamamos los Panteras Negras.

Bueno, los Panteras Negras, ya sabemos la historia que han hecho nuestros hermanos afroamericanos con su lucha anti racial. Nosotros por ahí quisimos pescar el nombre del “sueño” y hacerlo tributo, ya que en nuestro país también estaba la lucha social, la dictadura, acá habían también grupos armados (o revolucionarios), llámenlo de esa manera, y nosotros, por no ponernos el nombre de esos grupos, era peligroso, quisimos adoptar el nombre de Panteras Negras, que reflejaba la lucha y la astucia del joven del barrio. Así nace. ¿Cuál es su breve historia hasta el presente?

Bueno, nuestra breve historia es que somos el primer grupo de Hip Hop en Chile, respaldados por la historia. Nacimos de la población, con un mensaje claro político – rapero – visionario, lo cual nos lleva a tomar decisiones súper especiales en años de caos, en tiempos de cultura. Y hace que nosotros seamos el

Luego estamos con Reyes de la Jungla, lo sacamos con un Sello llamado Alerce, y ése se graba en 1993. Después sale Atacando Calle, que también va por el Sello Alerce, y ése lo ejecutamos en 1995. Continúa La Ruleta (1996) que sale por Oihuka, no participo mucho en ese disco, ya que tuve una salida del grupo, así que no lo nombro tal como mío.

Después aparece Hip Hop Combatiendo, que logramos en 1999 en el País Vasco por el Sello Oihuka, luego surge el disco que se hace con La Calle Records, que fue también muy básico (siendo como un Sello no tan fuerte, sino un Sello Independiente), y eso con varios artistas, así que también no eran tanto de la banda.

Y terminamos con Prodigios, que fue grabado el 2012, fue nuestra última producción donde trabajé intensamente yo y el Lalo como vocalistas principales, y el hijo de Lalo trabajó mucho en los beats con Marcelo Aldunate, que fue el productor del disco. Ésa sería nuestra discografía, hoy en día haciendo temas sueltos, y nada concreto para otro disco También tenemos trabajos visuales amarrados, tal como el Rapulento, Amor y Barrio, que fue un video que lo trabajé y produje (coLaCarne Magazine

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municando y amplificando que es un video que tuve en el trabajo de producción), también pueden ver El Regreso, y no me recuerdo otros nombres, pero en Internet (YouTube) están ahí, rememorando videos como Reyes del Estilo y El Tiempo en la Ciudad.

Panteras Negras, rimando Fuego en el Micrófono

Activista y protagonista fundamental dentro de la Cultura desde Chile para el Mundo, ¿cuál es su carrera más allá de Panteras Negras? ¿Qué anécdotas nos puede comentar?

Hoy en día mi mayor sueño, y más allá del grupo, es lograr mi disco propio. Lo estoy laburando actualmente con trabajo de máquina, mucho sampler, mucho de melómano, escuchando mucho de todo como para tener una idea fresca y poder sacar algo acomodado a mi estilo.

Lo digo de esta manera porque Lalo Meneses siempre ejecutó -un poco- los beats del grupo, y hoy en día me paro en este escenario en el cual quiero ejecutar y lograr un disco (si es posible más discos), u otro de música de samplers (a lo mejor no de Rap como tal), u otro disco donde invite a muchos raperos y yo sea el productor de los beats, que también es interesante.

Así que más allá de Panteras son los sueños que quiero que aparezcan, que lleguen y poder concretar esta linda aventura de amor a la música.

Como buen melómano del Hip Hop, y coleccionista de la música, ¿qué discos recomienda para irse de viaje o vacaciones? ¿Qué material es su cabecera entre otros?

Si pensamos en un viaje de dos a tres horas o de cuatro a cinco horas, recomiendo -en realidad- un disco doble que es de la película Break Street (si hablamos referente a lo que es la Cultura Hip Hop), que es un disco bien musical por decirlo así, tiene de todo un poco, el Break Dance con la Revancha del Breaker (Breakers Revenge), la Noche de Santa (Santa Rap), varias canciones que son como iconos del Hip Hop – Cultura y eso lo recomiendo.

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Y por otro lado, uno de mis favoritos, Michael Jackson – Thriller, un tremendo disco. Así que los dejo con esa invitación para escuchar estas dos obras maestras de nuestra Cultura. ¿Cómo han encarado la situación mundial del COVID19, las cuarentenas, y la etiquetada “pandemia” desde la trinchera del arte musical?

La influencia que nos dejó esta pandemia fue algo especial, lo digo especial porque empezamos a vernos individualmente, no hemos estado mucho como banda, tuvimos una presentación el año pasado, el 2020 fue una única presentación que se hizo por sistema on line, y en la cual me di cuenta en lo personal que tampoco era muy fuerte hacer música por las redes, no tenía un golpe tan directo como tocar en vivo.

Así que -la cuarentena- hizo que hoy en día estamos con trabajos individuales, cada uno haciendo sus cosas, Lalo Meneses por un

álbum va ahora (un disco de solista), yo también haciendo trabajo en solitario, y también haciendo algunos featuring en conjunto con otros artistas.

Tratar de sacar lo mejor, que sería evolución personal, por ahí esta pandemia ha generado que podamos elevarnos de nivel (un poquito de escalones), subir un poco en lo individual y buscar la perfección como músicos (en lo personal), así que por ese lado le he visto lo positivo.

Nación Pantera

El Rap Latinoamericano ha ido evolucionando a pasos de gigante desde mediados de los 90’s, y a la fecha es un género tan sólido en sus naciones como en sus expositores o cultores -portavoces, que también están en todo el globo terráqueo, ¿cómo se encuentra actualmente el Movimiento Hip Hop desde su experiencia? ¿Algunas agrupaciones o MC’s que nos recomienda seguir de su país?

En lo particular Panteras Negras tuvo una gira por Europa el 2016, de la cual tuvimos la experiencia de estar en Alemania, Italia, Noruega, Barcelona, Bélgica (como cede), y desde ahí esta gira fue importante -ya que no conocía estos lugares- y estar con los chilenos, mostrando la calidad del Hip Hop fue súper valioso.

A la fecha tenemos mucha música, puedo recomendar escuchar Flor de Rap, Portavoz, Hordatoj, Chyste MC, Movimiento Original, que son como -un poquito- los que encabezan la música acá en nuestro país y también los recomiendo como destacados.

Durante su recorrido musical, ¿qué evento o Festival lo dejó marcado?

En mi recorrido musical y experiencia en tarima, lo más fuerte que me ha tocado sentir fue Europa, todos sus escenarios fueron importantes.

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En Chile uno que me marcó bastante alegría fue con el show de fondo de Public Enemy, cuando vinieron a Chile nosotros tuvimos la oportunidad de telonear y ser parte de esa no-

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che (para mí fue como una gran noche). Ésa sería como “mi noche”.

Paralelamente a su actividad musical, de B

boy a chef de hamburguesas gourmet, que tienen un look apetitoso además que son hechas con esa actitud e identidad adquirida, tal vez por la buena onda que le brindó los años en el

Hip Hop, ¿qué anécdotas nos puede contar de esta ocupación?

Pasando de lo que dejó la pandemia, y lo que te hablaba que cada uno empezaba a experimentar cosas en lo individual, nace esta idea con la familia y mi pareja -en especial-, levantar un negocio, y por ahí nace la idea de la hamburguesa (con la parrilla ganar un poco de dinero que es la base) apoyado por un amigo que sí sabía de cocina, y vino a trabajar con nosotros y dejó la marca. Nosotros agarramos esta idea y este sabor que nos dejó el amigo chef, y seguimos con las hamburguesas.

Ya hasta el momento llevamos un año de estar activos, de traerle sabor al barrio, de dar un gusto de mucho aprecio por la comunidad hacia nosotros. Es la comida algo esencial para el cuerpo humano, y lo hago un poco con la onda del Hip Hop (porque él trae esto), de no ligarse ni amarrarse a los formatos de vida, sino crear tu propio sistema de hacer dinero o tener una idea fresca y llevarla a cabo.

Yo la tomo y la adopto a mi forma (al Hip Hop) y le doy todo esto -plus-, y estos argumentos que son la música (y entra a funcionar esta idea). Hasta el momento muy bien, la anécdota -es solamente- que vienen amigos del Hip Hop a probar esta hamburguesa, y ahí se comparte de todo, las risa (bastante) y el cariño, La Divina Hamburguesa. ¿Cuál es su frase, lema, dicho o verso que le anima a seguir en la batalla y/o escuela de la vida?

La frase que más está en Panteras Negras y en mí son las palabras “Suma y Sigue”, consigna que también la tenía un grupo revolucionario de la época 80 – 90, Frente Patriótico Manuel Rodríguez.

Insurrección Mic Dos Mil entre otras piezas -del álbum mencionado en mi colección- son de mis preferidas de Panteras Negras, también descubrí y me encanté con Guerra en las Calles o El Rapulento, dentro de su larga lista de creaciones y producciones, ¿qué canciones son sus preferidas hoy y siempre? ¿Qué temas los identifican con el público y se han convertido en sus referentes?

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Hablando de las canciones, a mí me gusta mucho una de Lalo Meneses que se llama No Estoy Ni Ahí Con Cultura, es una de las canciones que me gusta por lo que se dice, y por la fuerza que trae, otra canción de las que también me mueve harto es Juicio Final.

Tenemos otra que se llama el Atentado Explosivo, que tiene una fuerza y un propósito (es un atentado así mismo como es), y para la gente (la que representa y nos piden siempre) es la canción Rapulento, que es muy popular acá, y donde la banda se hizo conocida por esa canción, y tiene una fuerte referencia con lo que es el Rap Popular. ¿Qué le diría a las personas que quieren incursionar en la música, la poesía, el baile popping, el beatmaker y su creatividad en producción? ¿Algún consejo en particular?

Mi consejo a las nuevas generaciones que quieran bailar, en el baile popping o los que quieran producir beats, está todo en el querer, también desarrollar la práctica diaria. Nosotros no nacimos con el YouTube, tampoco con la información tan clara, era el espejo para bailar Break Dance, y en el concepto de música la modernidad te lo entrega todo. Así que ha investigar, porque ahí en las redes (en Internet) podríamos decir que está la escuela, claro.

Solamente es la práctica, “la práctica hace al Maestro”, y el Maestro se educa nuevamente con el aprendizaje de un joven. Así que nada está hecho ni terminado, se vuelve a empezar a crecer, yo lo tomo de la misma manera, cada desafío es un aprendizaje, y a éste hay que ponerle constancia, de ahí sale el resultado.

Panteras Negras, los Reyes de la Jungla KRS One dijo “Rap es algo que haces. Hip Hop algo que vives”, ¿qué proyectos tiene para el 2022?

Bueno, como KRS One lo nombra -así tal cual, el que vive Hip Hop lo va a adoptar el resto de su vida, o sea, uno entró en este juego y ya no se puede salir, y el que se sale, nunca fue. Así que por ahí mi normalidad de lo que vivo hoy en día y de lo que pretendo, tengo un viaje en camino.

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Quiero conocer la cuna donde comenzó todo, ésa sería una meta -cerrando el círculo en lo personal en mi vida-. Concretar esa misión de conocer dónde empezó todo -El Bronx-, ir a West Coast a estar -si es posible- en la tumba de Eazy-E, que es uno de mis referentes. Ésas son mis normas por vivir, el Hip Hop hacia concho (de corazón, de Alma). Se viene eso y estamos para más.

La despedida, un mensaje final para la gente que disfruta su música y para los nuevos seguidores de la poderosa, pionera y vanguardista Panteras Negras y Chino Makina.

Me quiero despedir solamente diciendo que el que me escuche, el que vea o el que oiga, pueda vivir una vida netamente libre de las paradojas del humano, de tener estas restricciones, de poder tomar un avión si es posible, de salir del barrio. No quedarse como “con la humildad”, porque a veces la humildad hacer ver la pobreza, hay que ser simple.

Tener la voluntad de mirar el cielo, de cuidar el entorno y el planeta. Educar a los hijos, cuidar a los niños, respetar mucho a nuestros ancianos, conocer la Historia de su país, generar nexos y contactos igual a ti para poder crear un Mundo más integro, con una verdad bien absoluta -que la verdad nunca se tape-. Muy agradecido por la invitación a esta entrevista y de aquí para arriba, eso es Panteras Negras – Chino Makina.

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erramos la conexión con esa locura, felicidad y rebeldía desde La Huama (en Santiago de Chile) junto a los Panteras Negras, quienes en este último Insurrección Periférica 2020 nos reflejaron en el show, su importancia viva y activa en Escena, y que van brindando con ese su Espíritu Combativo -en letras mayúsculas- desde 1988, y van “rimando fuego en el micrófono” para cimentar un pilar fundamental dentro la Cultura Latino-Sudamericana de Hip Hop, unos verdaderos íconos, legendarios y baluartes para el Movimiento que siguen en pie de guerra.

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Sergio Kalaña

resurgiendo en el mundo de la música mos para darles una oportunidad, y visibilidad a nuestros artistas nacionales.

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omo el Ave Fénix, este artista resurge una y otra vez en el mundo de la música. A pesar de las dificultades encontradas en su trayectoria, nunca ha tirado la toalla, y hoy le conocemos un poquito mejor. Él es Sergio Kalaña, quien fuera vocalista de la mítica banda de Punk nacional Eskorbuto, con la que se dio a conocer, y, a raíz de ahí, muchos proyectos surgieron para él, haciéndose a sí mismo toda una leyenda en América Latina casi sin saberlo.

Algo bueno tiene que tener la era de la digitalización, información y redes sociales, que han permitido a Sergio Kalaña hacerse hueco de nuevo en la industria musical, y, aunque con la pandemia se paró el mundo entero, aquí esta-

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Sergio Kalaña, resurgiendo en el mundo de la música

Te conocemos por ser el vocalista de las bandas Eskorbuto, Mal de Bichos, y Doctor Lecter. ¿Cómo has evolucionado tras el paso por estas bandas? ¿Qué experiencias te llevas de cada una de ellas?

Hola, pues creo que el paso por Eskorbuto con tan sólo 20 años fue un salto grandísimo en lo que se refiere a mi evolución musical en todos los aspectos, la oportunidad de grabar en un estudio profesional, conocer cómo funcionaba la industria en aquel entonces, o tocar conciertos en los que, en mayor o menor medida, siempre había gente viéndote, pues ha sido un aprendizaje y evolución continuo.

Mal De Bichos surgió en Lugo, tuve la suerte de conocer a Oskar (Guitarra), y enseguida entendió lo que me pasaba por la cabeza,

no, el señor Mak Memphis. Tenía hace años en la cabeza un puñado de canciones pensadas para que yo pusiera la voz. En 2017 nos pusieron en contacto, me convenció el proyecto, y en noviembre de 2018 se grabó el EP, Disparo Subterráneo.

De mi paso por Doctor Lecter, hasta la fecha, me quedo con la gira que nos llevó en 2019 por USA y México, una experiencia inolvidable.

Comentas que a día de hoy está muy viva la esencia de Eskorbuto…

Pues sí, siempre suelo decirlo, con el tema de las redes ahora mismo, creo que Eskorbuto está más vivo que nunca. No dejan de salir libros, documentales, películas… En la actualidad, raro es que nuevas generaciones se enganchen al Rock, Punk, Metal, y, sin embargo, escuchas a chavales nacidos en los años 2000 que saben más de la Banda que Pako, la leyenda se agranda…

en poco tiempo estábamos dando forma a un montón de canciones. Completamos la banda con Manuel a la batería, y Sons Galiza nos dio la oportunidad de grabar en sus estudios, un disco que vería la luz en diciembre del 2002 para el sello Sons Rock, de la compañía. Todo fue muy rápido y la cosa pintaba bien.

La compañía se volcó muchísimo con la banda, pero la situación de la industria no pasaba por sus mejores momentos, y mantener una banda en la que al final todo son gastos, se convierte en algo difícil, por mucha ilusión que tengas. Oskar y yo siempre fuimos los pilares en Mal De Bichos, los demás miembros siempre se fueron cambiando porque donde no hay dinero, la gente, comprensiblemente, aguantaba poco.

Doctor Lecter supuso para mí la vuelta a los escenarios. Después de muchos años de no hacer nada musicalmente, me proponen poner la voz a un proyecto de un músico Mexica-

Háblanos de “Solo palabras”. ¿Qué tiene de especial este álbum? Recordamos que, a pesar de ser el único álbum de estudio de MAL DE BICHOS, es un álbum que tiene mucho tirón a día de hoy, y que os llevó a hacer numerosos conciertos.

Solo Palabras es un disco al que le tengo mucho cariño, en Eskorbuto me limitaba a cantar. Las letras de Pako y participar poco en la composición, creo que es la principal diferencia a la hora de trabajar. Todas las letras del disco son mías, las cuales le mostraba a Oskar, junto con la idea que tenía en la cabeza, y juntos terminábamos de darles forma.

Cierto es que tocamos bastante por la zona De Galicia, pero siempre conciertos minoritarios, y, entre eso, y los numerosos cambios de formación, todo se fue enfriando hasta que Oskar y yo terminamos tomando caminos separados por el bien de nuestras cabezas, y de nuestros bolsillos. ¿Cómo surgió la oportunidad de unirte a la banda Doctor Lecter?

Pues la oportunidad de unirme a Doctor Lecter surge tocando Pako Eskorbuto en 2017, LaCarne Magazine

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en Monterrey. Mak, el organizador del evento, pregunta por qué no he ido yo a cantar en esas giras con Pako, y le pide por favor a Alik, que cuando regresen a España nos ponga en contacto.

Cuando Alik habla conmigo, me cuenta que el Kalaña, de Eskorbuto, en Latinoamérica, es “la hostia”, y en a México hay una generación que había crecido con el Kalaña, y que lo tienen como su disco preferido de Eskorbuto, por la voz.

A todo el mundo le alucina la voz del Kalaña.

Pues nada, yo fui el primer sorprendido de todo este fenómeno Kalaña, antes no había redes sociales, y yo no me enteraba de estas cosas. Lo dicho, nos pusimos en contacto, me contó el proyecto, y le dije a Mak que adelante, que contaran conmigo.

Cuéntanos, ¿Cómo ha sido para ti dar el salto “al otro lado del charco”?

Pues ha sido una experiencia positiva. En 2018 fui 15 días a Monterrey, a conocer a la banda, y de paso grabar el EP. Aprovechando que estaba allí, hicimos tres fechas para probarnos, y todo salió bien.

En 2019, pudimos hacer la gira de la mano de Ulises Ríos (Zapito Records) USA/México, y la verdad, no puedo decir nada malo al respecto. Pasaron cosas negativas, claro está, pero lo bueno estuvo por encima de cualquier mierda que podía surgir. ¿Cuáles son tus influencias musicales? ¿Qué sueles escuchar normalmente?

Mis influencias musicales son muy variadas, y, aunque quizá en las grabaciones que he participado no se note mucho, a día de hoy, yo sí me doy cuenta de todo lo que me ha influenciado. Normalmente escucho Heavy Metal, tanto nacional, como internacional. He pasado mi época del Trash Metal, Death, Grind, hasta volver a escuchar lo mismo de siempre. Siempre he escuchado muchísimas maquetas.

En Bilbao, en otros tiempos era habitual comprar maquetas de bandas locales, y, por supuesto, Eskorbuto siempre estuvo presente

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en mi vida. Si te gusta Eskorbuto, está claro que lo hace hasta límites insospechados, jajajajaja. Hay muchas bandas Punk de Euskadi que siempre he escuchado, no tanto de otros lugares de la península.

Entre proyecto y proyecto, has tenido tiempo de parones en el mundo de la música (siendo el último obligatorio debido a la pandemia). ¿Qué has sacado en positivo de esos periodos de tiempo, a pesar de las adversidades?

Pues mira, que entre Eskorbuto y Mal De Bichos, pese a cambiar de ciudad, apenas hubo parón. Andaba yo muy enchufado a la hora de hacer canciones, tenía muchas ganas de hacer algo mío, pero en 2006, cuando la banda puso fin, sí que me he pasado años sin hacer nada.

Bueno, nada tampoco, pero lo de hacer una banda, tocar en directo y demás menesteres, ni se me pasaba por la cabeza. Demasiado sufrimiento para nada, y, teniendo otras obligaciones, pues eso, trabajar, trabajar, y trabajar hasta reaparecer con Doctor Lecter. En este caso, sí ha sido la pandemia la que ha puesto freno a todos los planes que teníamos después de haber hecho la gira.

Precisamente, debido a la pandemia, surge crear el tema “Movilización”. Háblanos sobre esta canción.

Pues, Toni Sirius me propone poner letra y voz a un tema que creó él durante la pande-

mia, y me comenta sobre hacer una letra que hable un poco de la censura que están sufriendo músicos y otros personajes de la cultura en este país, coincidiendo con el encarcelamiento de Pablo Hasel.

Me envió el tema, le puse letra, me metí en el estudio, la grabé, y el resto, pues, ya fue cosa de Toni. Hicieron un video -lyric, y en redes rápidamente fueron subiendo las escuchas, hasta que se estancó, y ahí ha quedado como una canción más. Es una pena, a mí personalmente me gusta mucho, pero si no estás constante dándole caña al asunto, rápidamente olvidamos todo.

Es sabido que el mundo del rock, por desgracia, siempre está como en un segundo plano, a pesar de que gusta, y tiene bastante público. ¿Cómo ves el panorama musical hoy en día?

Pues hoy en día, sinceramente, lo veo mal.

Para mí, siempre ha estado mal, y es que en parte nos educan así. En este país parece que el Rock solo pueda ser un hobby, salvo para unos pocos que han conseguido vivir de ello.

Personalmente, nunca he vivido del Rock, y en mi etapa de Eskorbuto, lo que sacábamos era un extra a lo que ganaba en el trabajo. Actualmente, veo que a las nuevas generaciones nuestro mensaje o estilo musical, no les llega.

No se puede generalizar, pero soy consciente de que están en otra onda.

¿Cuáles son los planes de futuro de Sergio Kalaña?

Pues mis planes de futuro pasan por trabajar, y en cuanto a la música se refiere, la intención es pisotear la Península, como Sergio Kalaña. Intentaremos tocar allá donde podamos de la mano de Six Force Management. Lo vamos a intentar, fácil, no es, pero sin duda, lo vamos a intentar.

Y, por último, algún dato que quieras añadir, o enviar algún mensaje a nuestros lectores…

Daros las gracias por la labor de difusión que hacéis, por permitirnos asomar la cabeza, y hacer que la gente nos sitúe un poco más.

A vuestros lectores, que sigan informándose, que no pierdan la curiosidad por lo que rodea a las bandas, y que apoyemos todos a este sector que, sinceramente, pienso que se le ha dado la espalda. ¡¡Hagamos el Metal Latino Viral!!

Mil gracias por todo.

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Aire Arcano

fusionando todo tipo de estilos dentro del R en el 2015 (guitarrista), la banda terminó de encontrar su estilo (la fusión de Heavy Metal, Hard Rock y Punk Rock).

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esde Argentina nos llega la banda Aire Arcano. Ésta es una agrupación la cual podemos encasillar dentro del Punk Rock, aunque sus músicos tienen una variada influencia y gustos, que van desde el Hard Rock hasta el Heavy Metal. El vocalista y líder de la banda, Chucho Hernández, da respuesta a esta breve entrevista.

Aire Arcano, fusionando todo tipo de estilos dentro del Rock

Saludos y bienvenidos a este medio de promoción. Háblanos un poquito de cómo se formó la banda, de los orígenes de Aire Arcano.

La banda se formó en 2014, y con el cambio de integrantes fue encontrando su estilo. De la formación original solo quedo yo, Chucho, vocalista. Con la llegada de Manuel Cardero

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Aire Arcano es una banda que deriva de Todo Así, una banda de un tinte más liberal en la música, fusionando todo tipo de estilos dentro del Rock.

En el 2015 realizaron su primera presentación, y fue un concierto inolvidable por lo ocurrido. ¿Coméntanos sobre esta primera actividad?

En la primera presentación de Aire Arcano, allá por el 2015 en un centro cultural de Caballito en Capital Federal (Buenos Aires), todo termino descontrolado, ya que el público era 50% Punk y el otro 50% Skind Head. Para cerrar el show, hicimos un cover de Los Violadores (una de las bandas de Punk Rock más populares en Argentina), y se pudrió todo. Terminaron todos a las piñas y destruyendo todo el lugar. ¿Cómo clasificarían la música de Aire Arca-

Ése fue nuestro primer demo. La idea original era sacar el demo completo, pero por ciertas cuestiones en el momento se separó en 2: La Hermenéutica (integrada por 3 canciones), y Fisis Subjetivas que tiene 4 canciones. El título y las canciones tenían mucho que ver con el momento que estaba viviendo, y mi carrera de Historia.

Ustedes tuvieron la posibilidad de conocer y compartir escenario con Paul DiAnno. ¿Qué ha significado esto para la banda?

Paul DiAnno es una referencia para todos los músicos, y más a los que nos gusta el Rock pesado. Fue sinceramente un placer y una oportunidad única.

Rock no? ¿De qué suelen hablar en sus canciones? ¿Cuáles son sus principales influencias?

Aire Arcano es una banda que desde su génesis ha sido heterogénea. Una gran diferencia entre las miradas y los estilos de vida de los integrantes, pero con un gran Groove musical. Eso hace desde su comienzo a Aire Arcano una banda distinta a las demás.

En cuanto a las influencias, es un poco lo que decía antes, al ser una banda heterogénea, las influencias venían de todos lados y en estilos muy diferentes entre sí.

Desde ese punto, y también por mi manera de ver la música como un universo único, no me gusta estereotipar a la banda en su estilo.

Aire Arcano hace Rock, juega con los distintos géneros, pero siempre dentro del Rock. Guitarras distorsionadas y buenas canciones.

Su primera grabación fue un material titulado “La Hermenéutica de Las Fisis Subjetivas”.

Coméntanos sobre este trabajo.

En el 2018 ustedes sacan su primer EP que lleva por título “Historias Arcanas”. ¿Háblame un poco sobre este trabajo discográfico, temas, la forma en que lo han promocionado…?

Es la evolución de La Hermenéutica…, incluso hay alguna canción de esos demos en el EP. Está integrado por 5 canciones que viajan por varios estilos dentro del Rock. Desde un Hard Rock hasta un instrumental con teclados.

Es una muy linda carta de presentación, y lo pueden encontrar en todas las plataformas musicales. ¿Este primer trabajo discográfico salió de forma auto-producido e independiente? Ahora bien, ¿han recibido ofertas de algún sello nacional para grabar? ¿Han enviado sus grabaciones a algún sello discográfico dentro o fuera de Argentina?

Tal cual, Historias Arcanas es auto-gestionado, y si bien nos hemos codeado con grandes discografías multinacionales y grandes festivales, ya el interés de las grandes discográficas ha emigrado a otros estilos, y lamentablemente es una tendencia mundial. El Rock ya no vende.

Antes de la llegada de la pandemia, fueron varias las presentaciones de la banda y en importantes lugares. ¿Qué experiencias y aprendizajes han obtenido en cada concierto?

Cada concierto es un mundo, una experiencia distinta que te va formando como artista, como músico. Esas experiencias son los que LaCarne Magazine

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nos hacen el ahora.

En cuanto a la alineación, ¿quiénes integran en la actualidad la banda?

En la actualidad están Javi Hard Rock en las guitarras, Valentín Pereyra en el bajo, Luca Corso en la batería, y quien les habla, Chucho Hernández, líder y vocalista de la banda.

Dada la situación y crisis actual, ya sea en lo social y por la pandemia, ¿cómo ven en su opinión la actualidad de la escena rock en Argentina, y cómo esto impacta en el crecimiento y profesionalismo de la misma? ¡El Rock en Argentina está resurgiendo, está ganando, o en realidad recuperando lugares que les correspondía por derecho, por decir que no! El Rock siempre tiene que ser contestatario, si no, no es Rock.

La escena Rock en Argentina se está hacien-

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do fuerte. Luego de la pandemia muchas envidias quedaron de lado o desaparecieron, y eso es muy copado para el Rock (no comercial) en Argentina. ¿Qué planes hay para este 2022 en la agenda de la banda?

Estamos en el transcurso del Dados Vuelta Tour 2021, y en el 2022 seguramente sigamos esta línea y con mucho Rock.

Bien, esto sería todo, muchas gracias por tu tiempo. Para finalizar, aquí tienes espacio para cualquier comentario final.

Ante todo, les quería agradecer por la buena onda y por el espacio para la difusión de nuestra música. ¡Desde Argentina un gran abrazo!

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Nico Estrella el cantautor electrónico

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finales de los 90’s, en Bolivia existía un auge musical que estaba encabezado por nuevas propuestas sonoras y bandas que alimentaban la escena local. El grupo Aisha marcaba agenda y tocatas en los distintos Pubs de la hoyada, donde los hermanos Estrella, junto a Vadik, habían levantado sus voces en ritmos y melodías propositivas.

Pasaron los años, y muchas agrupaciones se disolvieron, sus integrantes armaron nuevos proyectos musicales o comenzaron sus carreras solistas, donde Nico Estrella toma partido e inicia su periplo hacia el derrotero del Arte en nuestro Estado Profundo, que desde siempre ha nublado a la expresión artística, y lo ha ahogado bajo las convulsiones socio-políticas (que ellos mismos generan) sin vergüenza ni disimulo.

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Las redes sociales sirven para reencontrarnos en el camino de la vida, y, gracias a la magia del aquí y el ahora, nos cruzamos en el chat Messenger con Nico Estrella, amigo de la bohemia y colega de la música que desde Samaipata (Santa Cruz) nos abre las puertas de su confianza para colaborar en exclusiva con LaCarne Magazine.

Con la música camino al corazón

Luego de casi dos años de sobrevivir al COVID19, personal y musicalmente hablando, ¿cómo estás actualmente?

Personalmente y musicalmente ha sido un tiempo muy intenso de búsqueda y renovación. Un tiempo de cuestionar mis propias estructuras, y de adaptarme a este nuevo mundo en el que vivimos. Ha sido un tiempo de mucha creatividad e introspección, pero también de incertidumbre. Hubo drama, romance y misterio. ¿Cómo naces a la vida musical?

Nací en Oruro, Capital Folclórica de Bolivia.

En casa se escuchaba buena música, creo

Con Daustria empecé a coquetear con la distorsión y la guitarra eléctrica. Luego hicimos una banda con mi hermano Jorgos llamada Aisha, y tocamos por varios años por el circuito paceño. Luego formé Índigo, toqué y grabé con Qhana, y empecé mi camino solista.

Para los artistas, los títulos y postgrados son sus propias obras, discos, canciones, videos, etc. ¿Cuál es tu discografía (y los años de edición) a la fecha?

Por el año 2008 empecé el proyecto solista con un álbum llamado Elektro-Nico (mi primer álbum), el 2010 edité Nacimiento Imaginario.

El mismo año hice un álbum en vivo llamado Nico en el Ojo de Agua. El 2018 publiqué un sencillo que se llama Agua Salada. El 2020 publiqué tres trabajos musicales: Maniobras Evasivas, Tobogán y Piano Crush.

Mi cabeza es una canción

que gracias a mi papá y a mi hermana mayor.

Soy autodidacta, así que la radio fue mi instrucción musical. ¿Qué influencias artísticas has recibido? ¿Qué estilos musicales han influenciado en ti?

Yo diría que la música Pop y Rock de los años 60, 70, 80 y 90 moldearon la forma en que escribo canciones. Principalmente la música de los Beatles, el Blues de Moody Waters, Led Zeppelin, James Brown, el Pop ochentero onda Genesis o Tears for Fears, King Crimson, Massive Attack, Portishead. Y por otro lado Charly García, Spinetta, Cerati y Calamaro también me marcaron un camino, una faceta.

Una breve reseña de tu carrera hasta el presente, ¿cómo surges en el proyecto musical de tu vida?

Empecé a hacer música a mediados de los 90 en dos bandas bastante diferentes: Astral y Daustria. De Astral heredé el buen gusto de escribir canciones propias.

Luego de los años recorridos, ¿qué nos puedes rememorar de tu experiencia dentro de la movida musical en Bolivia?

Lo que más valoro son los buenos amigos y amigas músicos que conocí a lo largo de los años. Todos tratando de mejorar nuestra obra, y tratando de subsistir en un país donde no hay apoyo alguno a la creación artística, y la mayor parte de la gente escucha Música Tropical y no quiere nada nuevo. ¿Cómo has encarado la situación mundial del COVID19, las cuarentenas y la etiquetada “pandemia” desde la trinchera del arte musical?

Ya que no se podía tocar en vivo, me dediqué a la composición. Traté de encontrar conexión y romper algunas estructuras mentales musicales, y tratar de encontrar nuevas formas de escribir nueva música. Todo ello con la incertidumbre del futuro y celebrando el presente.

Creo que, al igual que muchos otros, llegué a apreciar las cosas pequeñas de la vida a las que estamos acostumbrados. ¿Con qué artistas has tenido el gusto de compartir escenarios y trabajar codo a codo? ¿Qué evento o Festival te han dejado marcado?

Un Festival que recuerdo con especial cariño es éste que se llamaba Alternativa 2011, al LaCarne Magazine

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que fui invitado después de publicar Nacimiento Imaginario.

Es muy entrañable porque tuve el gusto de tocar en vivo con los invitados de mi álbum: Álvaro Montenegro y Freddy Mendizábal en la Casa de la Cultura de La Paz. También tuve el gusto de participar en un par de discos de Vadik Barrón. Y grabé un buen disco en el 2010 con la banda de Folk Rock Qhana.

En el mundo de la Trova, la guitarra, el canto y la poesía, en Bolivia hay una movida cultural interesante, así como en la Electrónica y el Rock. ¿Qué nos puedes comentar de la escena musical en la que por lo general te desenvuelves?

Yo soy casi totalmente ajeno al mundo de la Trova en Bolivia. Pese a que conozco a muchos de sus protagonistas, lo mío va por otro lado. Me pasa que soy demasiado electrónico para los trovadores, y demasiado cantautor para los electrónicos.

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En todo caso, he sido invitado a grupos de compositores, cancionistas, cantautores, etc.

De lo cual estoy muy agradecido. La poesía es algo que no podemos pasar por alto los músicos a la hora de buscar más herramientas de expresión.

Las guitarras suenan para dormir

¿Con qué colegas has tenido el gusto de compartir canciones o hacer colaboraciones? ¿Qué canciones originales son tus preferidas para interpretarlas hoy y siempre?

Con mi amigo Vadik hicimos un par de cosas musicales que siempre dejan un feliz recuerdo. Mis canciones preferidas a la hora de tocar varían todo el tiempo, pero entre las mías están: Agua Salada, Nos Vamos a Encontrar, Cuando Vivías Cerca, Canción Espejo, canciones que parecen haber tocado las fibras más íntimas.

“Hay una escalera, nos vamos a encontrar… bien”, dice el melódico estribillo de una de mis

canciones preferidas del álbum Nacimiento Imaginario. ¿Qué temas identifican tus versos?

Si te refieres a temática, mis temas recurrentes son la ciudad, el amor, el deseo, la reflexión, la búsqueda de libertad, el hastío, la nostalgia, las drogas, etc. ¿Qué discos recomiendas para irse de viaje o vacaciones? ¿Qué material es tu cabecera?

Creo que eso es muy subjetivo, pero a mí me gusta el Trip-Hop noventero, el New-Jazz onda Mammal Hands para relajarse, y para sacudir el esqueleto, el buen James Brown, ¡Hit Me! ¿Cuál es tu frase, lema, verso o dicho para seguir en la batalla musical y en el juego de la vida?

“Métele, que son pasteles”. ¿Qué les dirías a las personas que quieren incursionar en la música y su creatividad melódica? ¿Algún consejo en particular?

Que escriban la música que quieren escuchar.

Que sea un camino hacia el corazón. ¿Qué proyectos tienes para el 2022? ¿Alguna primicia en especial? ¡Uh… sí! Ando muy contento con este nuevo proyecto musical denominado Wozniak, que estamos preparando con amigos como Boris Barroso y Sergio Medina. Es algo muy bonito para mí, volver a pertenecer a un grupo después de varios años de solista.

Es algo diferente a todo lo que haya hecho antes, y, a la vez, es la suma de todo lo anterior.

Es acústico y electrónico, y es instrumentalmente original. Transmite mucha paz de una forma muy sofisticada sin perder coolness.

Eso se está cociendo en estos momentos, y estará listo para el 2022.

La despedida, un mensaje final para la gente que disfruta su música y para los nuevos seguidores de Nico Estrella.

Un saludo muy efusivo a todos los que ya me conocen, y a los que no todavía, espero conocerlos en el camino. Cuídense mucho y refuercen sus defensas. Abran puertas, crucen puentes, y no se pierdan del regalo del amor y de la música.

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ientras cierro la presente edición, y musicalizo esta amada labor comunicacional con el álbum Nacimiento Imaginario, disco que ya cumplió una década de vida, y que con el paso del tiempo toman cuerpo sus melodías hechas canción.

Producido por Vatícan Records, el disco cuenta con diez tracks que te envuelven en un viaje muy recomendable, con estilos musicales divergentes y versos poéticos de lírica preciosa. Un CD original de Nico Estrella que tuve la suerte de recibir de obsequio por parte de mi hermano Pepe, quien me comentó haber adquirido de manos del artista la copia que ahora se resguarda con recelo en la colección de discos blindados. Éxitos hoy y siempre.

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Monjas con Atraso Punk sin miedos ni en la lengua pelos

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ientras disfruto en la presente edición junto al álbum Bastardos de la banda Monjas con Atraso, que me acompaña en las jornadas y labores hogareñas -a manera de soundtrack- desde que logramos concretar la presente exclusiva junto a Rigo Moreno (vocalista), me siento bendecido al poder conectar con dignos representantes de la contracultura y resistencia musical, que hermanan mucho más las latitudes que vibramos desde el Sur del continente, donde los pueblos y sus gentes se mantienen en permanente “pie de lucha” en la América que nos ha tocado sobre-vivir.

La banda Punk formada en la comuna de La

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Florida (Santiago de Chile) en 1998, se acaba de presentar en el Psyco Therapy junto a otros grupos colegas, y a inicios del mes de diciembre afilan instrumentos para compartir junto a los argentinos Las Manos de Filippi, un broche de oro que despide el año 2021, una fiesta con rebeldía musical junto al gran público que ya tienen las preventas agotadas.

Golpeando al Estado Profundo desde Chile

Saludos cordiales desde el altiplano boliviano.

Gracias por la confianza y colaboración en exclusiva para LaCarne Magazine. Luego de acomodarnos a las nuevas épocas que rigen en el planeta, con sus divergentes leyes, regulaciones y protocolos, personal y musicalmente, ¿cómo se encuentran actualmente?

Primeramente, agradecer el interés en nosotros. Nos encontramos bien por suerte, con

bajo, Claudio Flower (batería), y quien les habla, Rigo Moreno en voz. ¿Cuáles fueron sus influencias musicales para la agrupación? ¿Qué estilos han experimentado en su sonido?

Tenemos muchas influencias, principalmente el Punk, pero somos amantes de estilos tan dispares como el Metal y la Música Alternativa. ¿Qué bandas o grupos son los referentes de Monjas con Atraso?

Si podemos mencionar bandas e influencias, podríamos nombrar a Ramones, La Polla Records, Fiskales Ad Hok, Sepultura, Megadeth, System of a Down, Pixies, Pantera, Bowie, Víctor Jara entre muchos más.

Pude encontrar en el Canal YouTube precioso material, como el álbum Bastardo, del cual me deleité por completo. ¿Cuál es su discografía a la fecha?

Nuestro primer álbum es Triste Final, un disco bien artesanal del 98, y el 99 está el No te Creo (Demo), el 2004 sacamos Calmantes (EP), el 2012 lanzamos el disco Bastardo, y un tiempo que no estuve en la banda los chicos sacaron un single. ganas de componer y de tocar lo máximo posible, lamentablemente Flower (batero de la banda) se encuentra en otra ciudad -lo que nos ha complicado un poco-. Esperamos que vuelva pronto y ya preparar nuevo material, y tocar más. ¿Cuándo y dónde nace Monjas con Atraso? ¿Quiénes integran y qué instrumentos interpretan en Monjas con Atraso? ¿Por qué del nombre?

Monjas con Atraso nace en la popular comuna de La Florida por el año 98, el nombre es de un dicho popular acá en Chile, que se refiere al “miedo”. Básicamente compartimos esa temática en nuestras letras, cómo se ocupa éste en influenciar a las masas y controlarlas.

Nuestra formación en este momento es Weo Rodriguez (guitarra y voces), Kukio Jerez (guitarra principal), Orlando Ezquerra en

Monjas con Atraso, amigos del Pecado

Arde el Televisor, un video que me llamó la atención, ¿qué nos pueden comentar de la obra audiovisual?

El video lo hizo Pogo de Peores de Chile, y en realidad la idea y concepto son completos de él. Llegó a un lugar que nosotros habíamos pensado (pero como que nos leyó la mente) y nos gusta mucho.

El Movimiento Musical y la forma de hacer música ha cambiado desde el 2020 con la llegada de la pandemia. Actualmente, ¿cómo está la actividad Cultural en Chile? ¿Cómo les fue en su retorno a los escenarios?

Pudimos hacer en plena pandemia un registro en directo que fue emitido on-line (el cual nos dejó muy contentos), hemos retomado un par de fechas con público -obviamente con aforo limitado-, pero feliz de volver a tocar para la gente en directo.

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¿Qué canciones son las que los identifican o son las más requeridas en sus shows? ¿Alguna en especial?

A nosotros nos gusta mezclar temas muy antiguos y siempre estar mostrando cosas nuevas. Ahora estamos tocando un tema que se llama Juguete Chino que esperamos pronto lanzar, pero los temas que no pueden faltar en un show son C4, Sin Esperanza, Arde el Televisor y Sangre.

Pude observar el merch de Monjas con Atraso, desde relojes, portavasos, remeras, y un aguante de su hinchada y fanaticada digno de resaltar. ¿Qué experiencias pueden comentarnos?

Los relojes fueron para nosotros mismos -nunca los sacamos a la venta-, pero sí hemos vendido muchas poleras, son muy populares y agradecemos mucho a la gente por el apoyo, y esperamos sacar más modelos.

Durante el recorrido musical de Monjas con Atraso, ¿qué evento o Festival los ha dejado marcados de por vida?

Muchos en realidad, pero telonear a Muertos de Cristo en el Estadio Víctor Jara fue muy especial, y además ellos se portaron muy bien con nosotros. Otro hito importante fue Rockodromo -un Festival gratis- que se hace en Valparaíso con bandas muy importantes de la escena nacional, algunas giras dentro del país -también- especialmente en Valdivia, Osorno y la Patagonia chilena. Esperamos poder ir alguna vez a Bolivia -es un sueño por cumplir-. ¿Qué bandas nos recomiendan de su querido Chile, algún proyecto musical de su empatía y sugerencia, para prestarles atención y poder conocer más en este infinito mundo de la melomanía?

En Chile hay muy buenas bandas, podemos recomendar a Rojo Vivo, Fiskales Ad Hok, Sin Remedio, Dezaztre Natural, Mondronauta, Squad, Tercera Pieza, Gordom y se me olvidan muchas más.

Todas las mañanas se levanta el Sol

¿Cuál es su frase, lema, dicho o verso que les anima a seguir en la batalla o juego de la vida? ¡Vamos conchetumadre a morir!

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A inicios del año pude observar su nombre en un álbum compilado de música extrema antifascista intitulado Lenguas Armada, conmemorando las revueltas y el Estallido Social, además de reclamar libertad por los presos políticos y mapuches. ¿Cómo surge la producción? ¿Qué anécdotas nos pueden comentar?

Kamilo Rudo, vocalista de Gordom, fue quien ideó y organizó todo, y nos invitó. El crédito es cien por ciento de él, nosotros felices de haber participado.

Monjas con Atraso cierran el año en un Festival alucinante junto a Las Manos de Filippi, Fiskales Ad Hok, y Rojo Vivo, sin duda será una gran fiesta de la música y la resistencia ante el Estado Profundo. ¿Cómo van las ener-

gías para la tocata?

Están las entradas agotadas, y nosotros esperando ansiosos ese día -de verdad-, muy contentos que nos hayan invitado a participar y a tocar con grandes amigos. ¿Qué proyectos tiene Monjas con Atraso para el próximo 2022? ¿Alguna primicia que nos quieran adelantar?

Tenemos unos temas grabados que lanzaremos como singles muy pronto, y esperamos entrar al Estudio a grabar otros más. Esperamos pronto mostrarles nuevo material que nos tiene muy contentos.

Sus palabras de despedida y mensaje final para la gente que sigue su música, y para los nuevos admiradores de Monjas con Atraso.

Muchas gracias por el interés en nosotros, y darnos este espacio para dirigir unas pocas palabras. Se agradece el espacio y esperamos algún día vernos en persona, y tomarnos una cerveza y mostrarles nuestra música en vivo, ¡un abrazo gigante!

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atisfacción total cerrar la presente edición con el Punk de Monjas con Atraso en los auriculares y la adrenalina sonora que nos quita el estrés rutinario, donde se abren las puertas de la imaginación y nos elevamos en un fraterno abrazo junto a Rigo Moreno, con la cerveza en la mano y un fuerte ¡salud!

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Zkirla

Hip Hop colombiano como ciencia de vida

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onfrontarnos a nuevas experiencias musicales, vocales y sonoras, hacen del buen oficio de la Comunicación Social un logro y un honor, ya que se vuelve trascendental cuando ambas partes cierran el círculo, y la compleja experiencia de intercambiar ideas y vivencias se hacen a la luz, editándose y publicándose las espirales verbales en profundos textos hechos entrevistas.

Desde una de las Capitales Latino – Sudamericanas del Hip Hop, nos conectamos con Zkirla, quien amablemente nos lleva por un

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viaje musical al país cafetero, salsero y hip hopero -por excelencia- en la presente exclusiva para LaCarne Magazine. Muchas gracias por la confianza y colaboración.

Zkirla, Rap Ají desde Bogotá

Luego de casi dos años de sobrevivir bajo la sombra del COVID19, personal y musicalmente, ¿cómo está actualmente Zkirla?

Muy concentrado en este nuevo álbum que pronto saldrá, el proceso de composición y de grabación, y ahora todo lo que se viene con la post producción y la promoción es lo que me mantuvo concentrado, a pesar de sufrir de COVID en dos ocasiones este mismo año. ¿Cómo nace a la vida musical Zkirla?

En mi casa y mi familia siempre la música ha

escuchado primero fueron Ice-T, 2 Live Crew, hasta el mismo MC Hammer, pero los que me hicieron enamorar del Rap fueron N.W.A. por el sonido de sus beats, y las letras que me impactaron cuando pude traducir algunas de ellas, y a nivel latino Vico C por su versatilidad de poderse montar en cualquier ritmo.

Ya más adelante me enganché con 2Pac, Nas, Wu-Tang, Jay-Z, A Tribe Called Quest, Ras Kass, Masta Ace, Onyx, Naughty By Nature, Maestro Yek, Tempo, Shurik’n, Lito, MC Cassidy, ellos son quizás mis mayores influencias en el Rap. ¿Qué estilos musicales han influenciado en Zkirla y su música?

Soy un apasionado no sólo del Rap, sino de la Música Romántica por la influencia de mi madre, de ese género aprendí a desprender el sentimiento a través de la palabra. La Salsa también me ayudó mucho a entender el concepto del storytelling, ya dentro del Hip Hop procuro jugar con todos los subgéneros y estilos posibles, pero mi favorito siempre será ese sonido West Coast de los 90’s y el Hardcore Rap.

sido un elemento importante. Mi abuelo y algunos de mis tíos han tenido experiencia con grupos, con instrumentos, pero fue mi madre quien me inculcó el camino de la música -ya que ella era cantante aficionada-. En mi casa (de niño) todo el día sonaban canciones de Juan Gabriel, Rocío Dúrcal, Pimpinela, Django y muchos otros grandes vocalistas.

Entonces esa vena artística creció conmigo, y ya es a finales de los 80’s cuando conozco el Rap, el Breakin’ y todo este Movimiento del que fue amor a primera vista, y ya a comienzos de los 90’s, aún siendo muy niño, decido empezar a escribir mis primeros Raps. ¿Qué influencias artísticas ha recibido Zkirla?

Los artistas de Hip Hop que recuerdo haber

Para muchos músicos, el lugar de nacimiento y la zona de crecimiento son fundamentales para el desarrollo de su identidad artística, ¿qué nos puede comentar al respecto?

Totalmente de acuerdo, crecer en una ciudad como Bogotá, con tanta diversidad racial, cultural y musical, tristemente a veces tan difícil de llevar, y crecer en un barrio (como Las Cruces en el centro de la capital) el cual me atrevo a decir llegó a ser el epicentro del Hip Hop en Latinoamérica a mediados de los 90’s, fue para mí muy enriquecedor en todos los aspectos de la vida. Me formé como hombre y como músico inspirado por esas calles -a veces violentas-, pero con muchas historias y vivencias para narrar. ¿Cuál es su nombre y lugar de nacimiento? ¿Cómo aparece el sobrenombre de Zkirla y su talento en el escenario? ¿Cuál es su breve historia hasta el presente?

John Cepeda, nacido y criado en Bogotá.

Zkirla me pusieron en el barrio porque era LaCarne Magazine

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muy bajito de niño, pero muy explosivo a la hora de practicar deportes como el microfútbol, y luego decidí tomar ese alias para mi carrera musical, ya que así me conocían en las calles de mi zona.

Para los artistas, los títulos y postgrados son sus propias obras, discos, canciones, videos, etc. ¿Cuál es la discografía de Zkirla a la fecha?

El primero fue el álbum Primera Dosis del año 2000, cuando hacía parte del grupo Cescru Enlace. Luego salí de este crew y me lancé como solista en 2001 con el tema Sin Piedad, que tuvo un éxito inimaginable en el país, y es un clásico del Rap Colombiano.

Luego me dediqué a la radio con mi programa Sexto Elemento, y a colaborar en los discos de algunos colegas, en 2007 junto al productor Beat Zaba publicamos el Mixtape Kiss The Ring Vol. 1, de aquí se desprenden otros dos grandes tracks de mi carrera, como lo son Sifón & Blunt y Flow, Bohemia e Intriga. En el año 2009, junto a DJ Zuco y Dekoy, publicamos otro Mixtape Underground Finest Vol. 1, y, ya en 2010, publico mi primera producción como solista, Dios Bendiga Las Calles, que tuvo un gran impacto en la Escena.

Aparte, fui el coordinador del soundtrack y co-director y narrador del documental Rebeldes En Tránsito: Memorias del Hip Hop en Bogotá en 2015, y he realizado muchas colaboraciones junto a grandes nombres como El Chojín, Ariana Puello & MC Ceja.

Zkirla, la ciencia del Rap

Colombia tuvo un Estallido Social ante las irregularidades casi impuestas por el Estado Profundo que gobierna en cada región y cada país. Hubo mucha resistencia artística musical que enorgulleció a Latinoamérica y Europa. Hubo gente como El Chojin (España) que mantuvo su apoyo total a la lucha del pueblo y su Movimiento Hip Hop. ¿Qué anécdotas nos puede comentar?

Colombia se ha destacado por su guerra interna de los últimos 60 años, la lucha de guerrillas, el narcotráfico, la corrupción, y el abuso policial han sido el pan de cada día, sumado a

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la falta de educación y de oportunidades para muchas regiones.

Hemos podido a través del Rap canalizar esa información, y tratar de aportar con nuestros mensajes y rimas a despertar al pueblo. Haber hecho Rap vs Racismo versión Colombia junto a El Chojin fue muy gratificante, lo que aún tenemos pendiente es tocar este track en vivo con toda la energía.

La dictadura castrista ahora tiene leyes que encarcelan a los raperos en Cuba, por ejemplo, Maykel Osorbo se encuentra detenido por el tema Patria y Vida, recientemente ganador del Latin Grammy a Mejor Canción Urbana.

Caso similar pasó con Pablo Hasel, que atentó liricalmente al Reino de España, ¿qué nos puede comentar del abuso de poder en su amada tierra de la Cumbia, Vallenato y café, como le dicen a Colombia?

La sociedad en general siempre ha sido muy

crítica de la Cultura Hip Hop, quizás por desinformación o por ignorancia. Muchos caen en la creencia de que este Movimiento es exclusivamente para vagos, drogadictos y pandilleros, pero se sorprenden cuando encuentran en las historias de vida -de quienes representamos este género- que muchos somos estudiados, responsables, educados, padres y madres de familia y trabajadores.

Pero siempre el Estado ha buscado la manera de frenar el impacto de nuestro mensaje a la sociedad, la lucha diaria contra la policía, por el simple hecho de vestir de cierta manera, ha creado una persecución de la que he sido víctima en un par de ocasiones, y he terminado preso por pocos días, pero esto lo que hace es alimentar nuestras ganas de combatir estos abusos con música y el apoyo de nuestra gente.

El Estado Profundo de Bolivia tiene muy bue-

na relación con el narcotráfico, y acá la juventud está echada a perder por el uso y abuso de la cocaína y el crack, entre la borrachera ahora hay otros males que aquejan a las nuevas generaciones, ¿cómo se encuentra su país, luego de décadas de guerras armadas, carteles, asesinatos, violencia? ¿Qué foco le dio a su música Rap este contexto socio-político? ¿Cómo afecta al arte, vivir en medio de la guerra?

El Rap en mi país tiene mucha similitud en cuanto a cómo se inició en Norteamérica. Los primeros raperos querían hablar del baile y de la fiesta, pero en los 80’s la violencia estaba desaforada por la guerra del Cartel de Medellín contra el Gobierno, las masacres por parte de la guerrilla y los grupos paramilitares, el sicariato y otros factores que llevaron rápidamente a entender que géneros como el Rap y el Punk -hecho en Colombia-, podían ser la voz que alertara a la comunidad de estos peligros, de tratar de buscar la manera de darle un

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apoyo a alguien que lo necesite.

No ha sido fácil, ya que muchos jóvenes piensan que esto de las drogas es fácil de controlar, o que para divertirse hay que consumir, pero siempre que podamos buscaremos la manera de darles ese grito que necesitan para despertar. Yo fui uno de esos jóvenes que consumió, vendió y se enredó en el micro-tráfico, pero gracias al Rap pude dejar eso en el pasado.

Acabo de apreciar en su red social del Instagram que Zkirla presenta nuevo videoclip, ¿qué nos puede comentar de la canción y su realización visual? ¿Algunas anécdotas de la producción?

Mi Parche es el título de este track, y es un homenaje a los diferentes barrios y localidades de Bogotá en donde se respira Hip Hop, es una combinación del sonido clásico del Boom Bap y la contemporaneidad del Trap.

Como dato curioso, para el vídeo no hicimos storyboard, sólo hablé con Caronte (el realizador del vídeo) y decidimos bajo el lema “sin guión, simplemente queremos mostrar las calles que no se ven en los folletos”, arrancar por diferentes lugares emblemáticos de la Cultura Urbana y grabar allí. En un día recorrimos la mayoría de las partes seleccionadas, bajábamos del carro, prendíamos cámara, hacíamos un par de tomas y luego nos dirigíamos al otro sitio, fue muy rápido todo pero muy gratificante.

Zkirla tiene una linda rima que habla del orgullo de nacer para ser MC en Bogotá, una de las cunas más potentes del Rap Latino Americano, con un mega evento como Hip Hop al Parque, que confirma la fuerte presencia de la Cultura Hip Hop en Colombia. ¿Cómo nos resume su experiencia?

Ser considerado el artista que más veces ha pisado la tarima de este Festival, es para mí de los grandes triunfos de mi carrera.

He podido estar como MC, como presentador, como invitado a algún show de un colega, y hasta como medio de comunicación. Ver desde diferentes perspectivas el Festival, y más

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aún el poder compartir con artistas de los cuales crecí escuchando su música, es de esas cosas que uno jamás se imaginó poder realizar. De este evento Hip-Hop Al Parque tengo mil historias, la mayoría positivas y muy enriquecedoras.

Me golpea la policía, pero sigue la poesía… dicen los versos del estribillo en el single P.O.E.S.I.A. Me encanta eso del #RapAjí, o sea, picante en la lírica, el flow, el boom / bap, ¿qué canción suya es la preferida a la fecha tanto al momento de escucharla como al interpretarla? ¿Algunas piezas que se hayan hecho parte del público que sigue su música?

Sin Piedad, por lo que significó para mí y para la Escena en su momento, ya que fue mi debut como solista, Dios Bendiga Las Calles por el impacto que ha tenido al cantarla en vivo junto

a mi hermana Lianna, y Kiss The Ring All Stars porque es de los beats en los que siento que mejor me pude desenvolver.

Estuve disfrutando en su Instagram #LaCienciadelRap, donde revisa su material y nos alienta a escuchar buena música Rap, como buen melómano del Hip Hop, ¿qué discos recomienda para irse de viaje o vacaciones? ¿Qué material es su cabecera?

The Chronic – Dr. Dre, Enter the Wu-Tang (36 Chambers) – Wu-Tang Clan, Reasonable Doubt – Jay-Z y Me Against The World – 2Pac son obras maestras que nunca pasarán de moda, pero también recomiendo Let’s Get Free – Dead Prez y Disposable Arts – Masta Ace, dos geniales viajes musicales para estudiarlos a fondo y disfrutarlos en un momento de relax.

¿Cómo ha encarado Zkirla la situación mundial del COVID19, las cuarentenas y la etiquetada pandemia desde la trinchera del arte musical?

Escribiendo, ésa es mi terapia, me gusta desahogarme en una hoja. Por estos días le he estado apostando mucho a crear contextos diferentes en varias canciones y en algunos escritos de Spoken Word, además ejercer la docencia a través del Rap es otro aliciente, poderme comunicar con los estudiantes de mi proyecto Rimas En Paz, ya sea de manera presencial o virtual, y poderles compartir mi conocimiento y ayudarles a desarrollar sus habilidades artísticas, es otro punto que me mantiene vivo y enérgico por estas épocas.

El Rap Latinoamericano ha ido evolucionando a pasos de gigante desde mediados de los LaCarne Magazine

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90’s, y a la fecha es un género tan sólido en sus naciones como sus expositores o cultores -portavoces. ¿Cómo se encuentra actualmente el Movimiento Hip Hop en Colombia? ¿Algunas agrupaciones o MC’s que nos recomienda seguirla?

En Colombia, por estos días, se vive una época dorada, ya que el sector musical, la prensa y el público en general lo ha entendido y lo ha sabido adaptar a sus gustos. Estamos llegando a lugares insospechados hace unos años, esto se debe al empuje de los artistas y el gremio en general, recomiendo escuchar Ali a.k.a. Mind, Don Pini, Viva Lives, Vivían Oranch y Fondo Blanco.

Durante el recorrido musical de Zkirla, ¿qué evento o Festival lo dejó marcado?

Como MC, la primera vez que llené un evento en el que yo era el único artista del concierto. Eso me dio un gran impulso y seguridad, saber que alrededor de 400 personas iban a escucharme y a apoyar mi música, y que no era porque estuviese compartiendo tarima con otro colega, es muy especial para mí esa noche.

Y, ya como un estudiante de este juego, he tenido el privilegio de estar en el escenario al momento de sus shows junto a Public Enemy, Cypress Hill, Mexicano 777, Saian Supa Crew, Xzibit y muchos más, pero uno que me marcó mucho fue el que asistí (cuando trabajaba como presentador del programa televisivo Da Beat) a Medellín para ver a 50 Cent junto a G -Unit, una puesta en escena muy sencilla pero contundente y bien coordinada. ¿Qué hubiese sido de Zkirla sin el Hip Hop? ¿En qué otra carrera se hubiera envuelto o desenvuelto?

Estudié publicidad, y ese aprendizaje me ha ayudado mucho en mi carrera, pero si no hubiese sido músico me gustaría haber entrado en el mundo del periodismo deportivo, la narración, viajar, conocer los grandes escenarios y esos hermosos estadios. ¿Cuál es su frase, lema, dicho o verso que le anima a seguir en la batalla y/o escuela de la vida?

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“Perder por conocer no es perder, es aprender…”

Como KRS One dijo “Rap es algo que haces.

Hip Hop algo que vives”, ¿qué proyectos tiene Zkirla rumbo al 2022?

Lanzar un par de sencillos y videos de lo que será mi próximo álbum La Voz De Las Conductas, ya terminamos -junto al productor mi hermano DejaVu Rec- todo el proceso de grabación, y estamos muy satisfechos del resultado. Ahora sólo queda darle forma, color y sonido, y pegarlo en las calles, también continuar con la docencia, descubriendo nuevos talentos y retomando el proyecto de mi podcast La Ciencia Del Rap. La despedida, un mensaje final para la gente que disfruta su música y para los nuevos seguidores de Zkirla.

Siempre positivos a pesar de las críticas, de las envidias y de aquellos seres que te quieren sacar de casillas. La concentración y el trabajo en equipo son la clave de un proyecto, escuchar a los que saben, dejarse guiar y compartir con personas que respeten y enriquezcan tu visión, ahí está el punto a favor para lograr tus objetivos.

C

errando la edición, saboreando Hip Hop en toda latitud de la oficina – hogar, tenemos el tracklist del nuevo álbum La Voz de las Conductas de Zkirla, que nos anuncia el siguiente contenido: 1.- Soberbio, 2.P.O.E.S.I.A. ft. DJ Z-Kruel, 3.- Destino ft. Macko & Vivian Oranch, 4.-La última cita, 5.- No hay Trato ft. Smooth Johnnie, 6.- Querido Cassette ft. Jewel, 7.- De Esquina en Esquina, 8.Barrio Bravo ft. LaFandy, 9.- Controversia ft.

MC Rayer, 10.- Monedas, Billetes y Cheques, 11.- Mi Parche.

Le deseamos éxitos en la presentación del flamante material y en la carrera musical. Saludos cordiales desde el Altiplano boliviano.

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