La Factory #91 by La Factory

AĂąo 8 #91 paraguay gs. 20.000

fuzzkrank

os Los muchach enfermos del fuzz

#91 julio 2016

Que siga la fiesta! En la editorial pasada ya me descargué, hoy hablemos de lo bueno que estamos viviendo, especialmente en la escena musical y teatral. Unos años atrás era impensado tener un calendario tan rico y diverso de conciertos y obras teatrales, desde el papel de comunicador uno vive ese crecimiento desde cerca. Y lo bueno es que no solo se da este fenómeno en la capital, sino en muchas otras ciudades. La apertura y re-apertura de espacios para la música da como resultado una programación casi diaria de eventos de diversos géneros. Ojo, nadie dice que no cuesta un ojo de la cara mantenerse en la industria musical, pero es un hecho que el público/consumidor está respondiendo, así como también la calidad de las propuestas. Estamos haciendo industria, con garra, sacando fuerzas de todos lados, pero de a poco se va logrando. Un ejemplo claro es el espacio que dan los medios convencionales a bandas y elencos, esto era bastante raro unos 5 o 6 años atrás. Ni que decir en el mundo del teatro, donde hoy es muy difícil conseguir fechas en alguno de los teatros que tenemos en la ciudad debido a la cantidad de obras y elencos. Ya solo falta que las marcas acompañen de verdad este movimiento para que sea sostenible en el tiempo.

los charts

noticias encore

sound de acá

gracias totales!

staff Dirección General Raúl Daumas raul@lafactory.com.py

A Fuzzkrank, Mark Meyer, Juanma López Moreira, Majo Herrero, Paty Latorre, Mauri Rodas, los que hacen #FactoryVivo.

Dirección Ejecutiva Coti Rolón costanza@lafactory.com.py

foto de tapa juanma lópez moreira

Dirección Editorial Tania Peña tania@lafactory.com.py

Dirección de Arte Claudia Peña claudia@lafactory.com.py

Diseño y diagramación Claudia Peña Manu Chávez Adri Díaz Edición y corrección Migue Rolón

24 digitalism

Distribución y logística Trippy Daumas Administración general Rebeca Elías Asistencia Administrativa Gabriel Martínez Selvaggio

26 david ellefson

36 fuzzkrank

56 stephanie cornfield

63 la cocina de hugui

@losdefactory

lafactory Derechos reservados LA FACTORY EDITORIAL De Las Residentas 1237 Tel: (+595) 21 238 2277 Email: info@lafactory.com.py Web: www.lafactory.com.py Asunción - Paraguay Asesoría: Advisor Business Solutions Tel: (+595) 21 449 659

Una producción de

#91 julio 2016

Las opiniones emitidas son exclusiva responsabilidad de los colaboradores.

annabel pitaud

juan josé galeano

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Roque Martínez

osmar guri cáceres

joaquín alcorta

colaboran este mes:

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andrea stallard

ricardo bazán

male bogado

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hugui bellasai

el tata

ajikokoro matousek

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El cambio más grande que yo veo en el arte nacional son las ganas de la gente de estudiar y aprender, últimamente conozco mucha gente entran a escuelas de actuación y también se van a estudiar al exterior, o sea se ven muchas ganas de aprender, antes yo veía que la gente quería actuar pero no quería estudiar, hoy se dignifica la carrera dándole importancia a lo que es estudiar. ¿En qué te cambio vivir y hacer arte en otro país?

Andrea Quattrocchi, bella actriz y bailarina, estrena Rostros Sagrados este 5 de agosto en el teatro de las Américas junto a un super elenco. En esta mini entrevista nos habla brevemente sobre su visión del arte en nuestro país actualmente.

público en general tenga arraigado ver una producción nacional, eso es algo que yo observé en Argentina, la gente tiene la costumbre de hacer eso, ir al teatro, ir al ballet, es muy importante ser un público activo, cosa que en Paraguay no pasa. ¿Siempre quisiste ser…? Siempre quise ser bailarina clásica, yo creo que profesionalmente ya no lo voy a poder hacer, pero igual sigo bailando porque me encanta. ¿Algo a lo que aún le tenes miedo?

Yo creo que el cambio que tuve no está relacionado directamente con el arte, si con los amigos y las experiencias, pero vivir sola en otro país me hizo madurar muchísimo y crecer como persona más que nada. ¿Si tuvieras la oportunidad de cambiar algo en la escena nacional que sería? Me gustaría que nuestro público sea más culto y que sobre todo lo que se refiere a la escena teatral estén como acostumbrados o habituados a ir al teatro, me gustaría que nuestro

Le tengo miedo a un gran protagónico cinematográfico, pero de dos lados, miedo a que cuando venga esté a la altura de la situación con todos los años de estudio y preparación que tengo y por otro lado le tengo miedo que nunca se me dé ese protagónico tan importante donde yo pueda demostrar eso que yo aprendí durante todos estos años. ¿Un placer inconfesable? Una vez cada tanto suspendo todo lo que tengo que hacer para quedarme todo el día viendo Netflix.

charts JUlIO 2016 Radio Urbana

HEI RADIO

Radio Venus

Radio Canal 100

Rock & pop

Miike Snow Genghis Khan

Justin Timberlake Can’t stop the feeling

The Chainsmokers ft. Daya

Taylor Swift Style

The Lumineers Ophelia

Twenty One Pilots Ride

SIA ft. Sean paul Cheap thrills

Fifth Harmony ft. Dolla $ign

Work from Home

Jason Derulo Want To Want Me

The Strumbellas Spirits

Coldplay Up&Up

Lukas Graham 7 years

Ariana Grande Dangerous Woman

Tove Lo Talking Body

Fitz and the Tantrums Handclap

Ryan Adams Bad Blood

Bastille Good griet

Sia ft. Sean Paul Cheap Thrills

Maroon 5 This Summer’s Gonna Hurt

Blink 182 Bored to death

Drake Hotline Bling

Zara Larsson Lush life

Drake ft. Kyla & Wizkid One Dance

WALK THE MOON Shut Up and Dance

Don’t threaten me with a good time

LAFACTORY

Don’t Let Me Down

PANIC! AT THE DISCO

JULIO2016 2016 JULIO

info: facebook missrostrosagrado

¿Viste cambios en el arte en Paraguay o crees que seguimos igual?

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encore / Este es el disco más vendido de la historia de Gran Bretaña El último sondeo del Official Albums Charts dejó al descubierto el disco más vendido de toda la historia de Gran Bretaña. Se trata del Greatest Hits de la producción editada en 1981 cuenta con más de 6.000.000 de ventas solo en la isla. Mercury. El conteo sigue y en el número dos tenemos a otro “Greatest Hits”, el Abba Gold (1992) de la banda sueca más bailada de la historia con 5,2 millones de discos. Recién en tercer lugar llegan los legendarios The Beatles con su Sgt Pepper’s Lonely Hearts Club Band con 5,1 millones de placas. Le siguen Adele con 21 y Oasis con (What’s the Story) Morning Glory?

1 – GREATEST HITS – QUEEN (1981) 2 – GOLD GREATEST HITS – ABBA (1992) 3 – SGT PEPPER’S LONELY HEARTS CLUB BAND – BEATLES (1967) 4 – 21 – ADELE (2011) 5 – WHAT’S THE STORY MORNING GLORY – OASIS (1995) 6 – THRILLER – MICHAEL JACKSON (1982) 7 – THE DARK SIDE OF THE MOON – PINK FLOYD (1973) 8 – BROTHERS IN ARMS – DIRE STRAITS (1985) 9 – BAD – MICHAEL JACKSON (1987) 10 – GREATEST HITS II – QUEEN (1991) 11 – RUMOURS – FLEETWOOD MAC (1977) 12 – THE IMMACULATE COLLECTION – MADONNA (1990) 13 – BACK TO BLACK – AMY WINEHOUSE (2006) 14 – STARS – SIMPLY RED (1991) 15 – COME ON OVER – SHANIA TWAIN (1997) 16 – LEGEND – BOB MARLEY & THE WAILERS (1984) 17 – BACK TO BEDLAM – JAMES BLUNT (2004) 18 – URBAN HYMNS – VERVE (1997) 19 – BAT OUT OF HELL – MEAT LOAF (1977) 20 – 1 – BEATLES (2000)

El Personal Fest 2016 agrega nuevos nombres: The Kooks, Richard Ashcroft, Cypress Hill El Personal Fest anunció nuevos nombres para su edición de 2016, que tendrá lugar el 22 y 23 de octubre en GEBA:The Kooks, Richard Ashcroft y Cypress Hill se suman a la grilla de visitas internacionales que ya tenía confirmados a The Vaccines, The Magic Numbers, Stone Giant entre otros. El ex líder de The Verve, presentará su flamante álbum solista These People. La banda de hiphop también vuelve al país pero con nuevo material bajo el brazo: Elephants on Acid. En el mismo comunicado, también confirman nuevos nombres nacionales: Los Brujos, Richard Coleman y Vetamadre.

Las entradas están a la venta mediante el sistema www.topshow.com.ar

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Beck inspirado en Kraftwerk vuelve Strokes y Talking Heads a Argentina El camaleónico Beck nos sorprendió el mes pasado con el estreno de Wow, su segunda canción en solitario desde Morning Phase (2014, Capitol) y que se acerca más al electro-pop que al folk de su último álbum. En una nueva entrevista con Rolling Stone, el músico californiano adelantó que “Wow” es apenas un adelanto del disco, por el momento sin título, que va a publicar el 21 de octubre. Comentó que le llevó tres años hacerlo y que le costó mucho encontrar una identidad después de ganar el Grammy a Álbum del año. Beck comentó que lo inspiró el entusiasmo de los grandes festivales de verano y su audiencia juvenil, mencionando puntualmente a los Strokes y The Talking Heads.

Kraftwerk anunció su regreso al país, luego de su última visita en 2009 cuando se presentaron antes de Radiohead en el Club Ciudad de Buenos Aires. Esta vez el concierto será a puertas cerradas con un show en 3D con anteojos de colores incluidos, el próximo 23 de noviembre en el Luna Park. Con su puesta retro-futurista, Ralf Hütter, Henning Schmitz, Fritz Hilpert y Falk Grieffenhagen repasarán su larga carrera, que comenzó en Düsseldorf en la década del ’70. Las entradas para verlos se podrán conseguir a través de TicketPortal. JULIO 2016

Saúl Estigarribia y Cynthia Schaerer Te cuentan las novedades del mundo de la música. http://www.encore.com.py/

Pixies lanzará nuevo disco: Head Carrier Buenas noticias para los fanáticos y seguidores de Pixies. El nuevo disco de la agrupación saldrá el próximo 30 de setiembre y se llamará “Head Carrier”. Hasta el momento, uno de sus 12 tracks puede escucharse y se trata de “Um ChaggaLagga”. Según el comunicado de prensa,

los temas del nuevo disco responden fielmente a su característica mezcla de “surrealismo, psicodelia, disonancia y surf rock”. En la web de Pixies ya se puede pre-ordenar Head Carrier en distintas versiones: vinilo, cd digipack y ediciones especiales que incluyen remeras y un libro

gigante. Lo último que habían lanzado los Pixies fue “Indie Cindy” en el 2013. “Head Carrier” será el primer disco de Pixies con la participación de la bajista marplatense Paz Lenchantin en el estudio, y el primer trabajo pensado y lanzado directamente como un LP desde 1991.

La reunión de Guns N’ Roses es un éxito rotundo, afirma promotor ‘Not In This Lifetime’ ha roto récords de venta en los escenarios que se ha presentado. El promotor de la gira de reunión de Guns N’ Roses ha mencionado que los shows han sido un “éxito sin precedentes”, a pesar de aparentes malas ventas en algunos recintos. El líder de la banda Axl Rose, el guitarrista Slash y el bajista Duff McKagan, anunciaron su reunión al inicio de año, por lo que pronto iniciaron su gira de regreso con conciertos en Los Ángeles, Las Vegas, y Coachella. Más tarde, anunciaron una gira entera con el nombre Not In This Lifetime. De acuerdo con los promotores, los últimos seis conciertos de la gira recaudaron más de $100 millones en ventas. En octubre próximo estarán por Latinoamérica, pero esta vez no vendrán a Paraguay.

Nick McCarthy, guitarrista de Franz Ferdinand, deja el grupo Franz Ferdinand anunció que el guitarrista Nick McCarthy no formará parte de la grabación de su próximo disco. Deja el grupo por compromisos familiares. Mediante un comunicado en Twitter, la banda escribió: “Nos encantaría poder decir que este es el resultado de diferencias personales o musicales, pero no. Esas diferencias fueron las bases de la banda en un primer momento”. Además de la guitarra y el teclado, McCarthy también era uno de los co-compositores del grupo formado en Glasgow. Agregaron que a pesar de que McCarthy seguirá con sus propios proyectos, quizás regrese al grupo en un futuro. Pero a tan sólo pocos días de esta noticia, McCarthy decidió sorprendernos estrenando una nueva canción con un nuevo proyecto musical llamado Manuela, que está conformado por el músico y su esposa, la cantante Manuela Gernedel. El primer single llamado “Cracks in the Concrete”, ya se encuentra disponible, fue grabado en los estudios Savage In Hockney, en Londres, y cuenta con los riffs característicos de McCarthy muy sincronizados con las percusiones. El álbum debut de Manuela tendrá colaboraciones de artistas como Jim Dixon (Django Django), William Reese (Mystery Jets) y Paul Thomson (Franz Ferdinand).

Se viene un nuevo disco de Queens Of The Stone Age El guitarrista de Queens Of The Stone Age, Troy Van Leeuwen, reveló que la banda tiene pensado publicar un nuevo álbum antes que termine 2016. Este será el sucesor de Like Clockwork publicado en 2013. Van Leeuwen mencionó lo siguiente: “Ya comenzamos a hablar lo que haremos en el nuevo álbum de QOTSA. Hay muchas ideas rebotando. Estamos emocionados por reunirnos y haremos algo que saldrá antes de fin de año.” Mientras tanto, Josh Homme se encuentra de gira con Iggy Pop, mientras que Van Leeuwen lanzó un álbum con el supergrupo Gone Is Gone. WWW.LAFACTORY.COM.PY

SOUND DE ACÁ /

el futuro alternativo ya llegó

iknow

Este mes me da gusto escribir sobre una banda que ya anda haciendo mucho ruido en cada presentación, se podría decir que ya están bien instalados en el ambiente de la música local, llamando la atención a más de uno que lo escuche por primera vez con su sonido potente y excelentes canciones. En este espacio denominado Sound de Acá presentamos a: Iknow.

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LIVING MUSICAL Solo nos importa la música

txt: joaquín alcorta

http://www.livingmusical.com.py/

Hace poco tuve la oportunidad de escuchar una banda que realmente me gustó, su potente sonido y la hermosa voz de su cantante arman un combo muy interesante a la hora de poder apreciar su música. Si bien el estilo del grupo es un poco difícil de definir, lo más sano que se podría decir de Iknow es que es una banda de rock alternativo con varias influencias tales como el pop, punk, hard rock y new metal. Oriundos de la ciudad de San Lorenzo, la banda fue formada en el mes de noviembre del año 2014 y a través del tiempo la formación fue cambiando como muchas otras, salieron y entraron nuevos integrantes hasta quedar y adaptar la banda a un power trío. Actualmente está formada por los integrantes originales Leticia

Britos (vocalista y bajista), Mauricio Ramírez (Guitarrista) y Hosni Bergdahl (Baterista) que se integró tiempo después. Pese a la reciente carrera, la banda ya participó de varios festivales y actuaciones en distintos bares de la capital, mostrando todo el potencial vocal e instrumental. La banda ya cuenta con 10 temas propios escritos en español, que principalmente se caracterizan por una mezcla de pop, punk, rock y en algunos temas se vuelve un poco más pesado, esa esencia, acompañada de una voz aguda dominando los temas, es lo que caracteriza a Iknow. “Tal vez” es uno de sus temas más escuchados y ya cuenta con varias reproducciones en las distintas plataformas musicales.

Para mí esta banda es un ejemplo a seguir por muchas que están comenzando, si bien son relativamente nuevos en el ambiente ya tienen una buena cantidad de seguidores influenciados por sus poderosas presentaciones. Sus ganas de pisar bien fuerte ya están dando resultado, comprometerse a hacer algo bueno es algo que ya están logrando con la calidad de sus canciones. Hasta la próxima.

Para más info, descargar y escuchar los temas pueden ingresar a la fanpage de la banda facebook: iknowpy Youtube: iknowPy WWW.LAFACTORY.COM.PY

la fiesta pablo benegas de

El cantautor paraguayo Pablo Benegas vuelve con un nuevo material discográfico: Tour Canciones Rotas, un álbum doble (CD y DVD) que fue grabado en vivo en el concierto de cierre de su última gira. El escenario del Teatro del Banco Central fue el lugar donde Benegas realizó este último concierto, en el que lo acompañaron grandes artistas de la escena pop local, como Iván Zavala, Andrea Valobra y Dany Meza.

“Tuvimos treinta artistas en escenario, entre músicos y bailarinas. El maestro Sergio Cuquejo y yo estuvimos a cargo de la dirección musical de ese show que hoy se puede revivir a través de este material discográfico”, dijo Pablo. Tour canciones rotas está disponible en CD + DVD 5.1 DTS Digital Sound, en todas las disquerías del país, así como también en formato digital (Deezer, Spotify, Claro Música, Google Play, iTunes, Apple Música y YouTube). Contiene dieciséis canciones, pertenecientes a su primer material Mi melodía y a su último álbum de estudio Canciones rotas, además de la canción inédita, Aurora boreal. Los trabajos de mezcla y masterización del disco en vivo fueron realizados tanto en Asunción, en los estudios Grand Staff, como en Buenos Aires, en PM Estudio, bajo la dirección de Aníbal Ortíz.

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adri morro prensa + contenidos http://www.adrimorro.com

PBM Music

El próximo lanzamiento de Pablo será un nuevo tema, de su composición, cantado a dueto con la famosa conductora de radio y TV, Pati Ginzo. “Con Pati estamos ensayando a full. Ella tiene una voz muy linda y seguro va a sorprender a todos”, dijo Pablo para luego comentar que también harán un videoclip juntos. “Rodrigo Salomón, de Oima Films, será el encargado de reflejar la canción Calcomanía en un clip que estará listo próximamente”.

El material cruzará las fronteras marcando presencia en la exposición de cultura MICSUR 2016 a realizarse este año en Bogotá (Colombia), gracias a la ayuda de Alejandro Méndez Mazó de la Fundación Lambaré, organización que se encarga, desde el año pasado, de difundir artistas y números nacionales en dicha muestra. “Debido al trabajo que vengo haciendo con mi música, la Fundación me ofreció presentar mi disco en esta exposición. Es un gran salto para el crecimiento de mi sello independiente PBM Music”. Pablo explica que decidió crear su propio sello PBM Music debido a sus necesidades como artista independiente. Explicó que para insertarse de manera óptima en el mundo artístico se requiere de mucho esfuerzo y del trabajo en una plataforma que abarque 360 grados, es decir, distribución, difusión y producción, arte y repertorio. “Debe funcionar como lo haría una compañía discográfica”, añadió. Tener su propio sello permite al artista tener el control de cada una de sus acciones, así como de la distribución y producción del contenido de sus proyectos. “Este control es mucho más necesario si sos un artista independiente con un sello discográfico independiente”, agregó.

Más lanzamientos Pablo Benegas tiene muchos planes para el futuro, entre los cuales espera lanzar un nuevo single en setiembre, además de comenzar a pensar en un nuevo disco de estudio. Asimismo, tiene en mente grabar con artistas extranjeros y comenzar a competir en las grandes ligas. “Me gustaría de a poco poder comenzar a producir otros grupos o solistas y que la familia de PBM Music pueda ir creciendo”, concluyó.

Facebook: PABLO BENEGAS Instagram: @pablobenegasmusica Twitter: @pablobenegasm WWW.LAFACTORY.COM.PY

reediciones de r.e.m Están separados, pero aún así siguen más activos que nunca, R.E.M anunció la reedición en vinilos de tres de sus grandes discos Lifes Rich Pageant (1986), Dead Letter Office (1987) y Eponymus (1988). La reedición estará disponible desde el 29 de Julio gracias a los sellos Capitol Records y Universal Music Enterprises, así que es momento de ir desempolvando el tocadiscos y esperar los pocos días que restan.

Bastille a la venta con “wild world” en septiembre es pop! La exitosa banda británica con la que todos saltamos en el tan bien recordado Asuncionico, ya lleva tiempo anunciando el lanzamiento de su nuevo álbum. Lo cierto es que ya hay fecha, y esperamos con ansias el 9 de setiembre para tener en nuestras manos “Wild World”. Mientras esperamos la llegada del disco podemos disfrutar del primer sencillo “Good Grief” En cuanto a la llamativa portada del nuevo álbum,

Dan Smith afirmó a medios internacionales: “No se trata de cómo han llegado ahí, ni de cómo vayan a bajarse. Se trata de compartir el momento: dos amigos coexistiendo en ese lugar y en ese momento exactos, dos personas enmarcadas en el gigantesco contexto de la gran metrópoli enloquecida que hemos construido. Se encuentran ahí por elección propia.”

ANERAH LANZó UN NUEVO VIDEOCLIP, MATICES La banda de rock nacional ANERAH, presenta su nuevo videoclip. estos amigos del rock tienen muchas experiencias que contarnos, nos pusimos en contacto con los chicos y nos contaron que la producción del video estuvo a cargo de Productora Creo Producciones y afirmaron lo que sigue: “Nos sentimos muy felices de haber logrado el resultado que esperábamos, el videoclip se realizó del track

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numero 2 (dos), Matices, del primer álbum, llamado Versos en Códigos.” “Ver el producto terminado fue muy emocionante, sentimos que el guión cobró vida! Ya que los días de rodaje fueron distintos para nosotros (los integrantes de la banda) y para los actores y no sabíamos aún como quedaría todo. “ “El equipo de trabajo fue formado por profesionales, desde el director, camarógrafos, asistentes, maquilladores, fotógrafos, actores y todo el plantel que tuvo participación en este proyecto.” JULIO 2016

OBRAS DE ACÁ!

teatro mbyky Teatro Mbyky nace con las ilusiones de un joven inmigrante español, enamorado del arte en todas sus expresiones, de esos músicos bohemios que siendo jóvenes parecen haber vivido en otra época. Probablemente no solo dejó Madrid sino también muchos sueños en Europa para llegar a Paraguay hace solo un par de meses y en comunicación con nuestro equipo afirmó que, con el deseo de contribuir a nuestra cultura, se propuso probar aquí una forma de teatro que ya lleva tiempo siendo desarrollada en el viejo continente. “Se me ocurrió formar el mismo concepto acá, se lo propuse a un amigo, aceptó y contactamos con Pili Ortiz, que es una auténtica maestra y con la que ha sido posible realizar todo esto” Javi Monreal, de solo 22 años, es el creador de Teatro Mbyky, una serie de cuatro obras de 15 minutos que se desarrollan en pequeñas salas con capacidad aproximada para 30 personas, trasladando a los

espectadores de una sala a otra dejándolos vivir distintas experiencias en periodos muy cortos de tiempo donde uno puede ver desde profesores conocidos de teatro hasta alumnos que recién empiezan a incursionar en el arte, con un costo bajo para que diversos grupos puedan asistir y enriquecerse culturalmente. Para el mes de Agosto se tiene prevista la segunda temporada de Teatro Mbyky, cuatro historias atrapantes que esta vez contarán con el acompañamiento de una banda sonora para enriquecer la producción. Las obras se desarrollarán nuevamente en El Granel, durante todo el mes de Agosto.

“Para mí es una alegría poder ser parte de una idea que propuse muy simple y ha tenido una acogida muy buena, muy feliz porque se haga teatro, por dar la posibilidad a estudiantes y gente que todavía se está formando, para que puedan empezar a actuar o a dirigir”

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Dekmantel, uno de los festivales de referencia en Europa, celebra su tercera edición del 4 al 7 de Agosto. te contamos sobre 2 de los DJs que probablemente serán culpables del “Puchojenso” en esta edición 2016.

DBX Daniel Bell, quizá sea uno de los que realmente te haga volar la cabeza. Dj especializado en los géneros House y techno. Te recomendamos que empieces conociéndolo con Losing Control.

AWANTO 3 Steven Van Hulle, dj y productor musical que prefiere mantener un perfil bajo, pero sin lugar a dudas uno de los únicos que según dicen logrará que tu cuerpo haga prácticamente un viaje astral al cerrar los ojos pasando del acid al deep house en unos pocos tracks.

Rihanna y sia se unen Oh, what could I do to change your mind? Nothing

agustín pio

barrios Mangoré

PUCHOJENSO: “Put your hands up”

pausa cultural

“Diamonds”, el tema escrito por Sia e interpretado por Rihanna, fue el exitoso sencillo en donde se unieron por primera vez, y ahora se preparan para la revancha con el nuevo tema “Sledgehammer”, que formará parte del soundtrack de la película dirigida por Justin Lin, “Stark Trek”.

Nació en San Juan Bautista Misiones, fue miembro de una familia de gran número, los siete hermanos Barrios acudían al llamado de la música, pero se sabe que Agustín era el más sobresaliente en la Orquesta Barrios. Al culminar sus estudios secundarios, empezó a dar conciertos alrededor de nuestro país para un año más tarde seguir sus deseos de superación, armó la maleta y con sus sueños y guitarra a cuesta tomó rumbo hacia Buenos Aires en donde empezaron sus viajes por el nuevo continente. Pero no solo era un apasionado por la guitarra, también era un autodidacta que dedicaba su tiempo a la filosofía, tecnología y un innato amante de la poesía. Mangoré compuso con cientos de artistas extranjeros, a los que consideraba hermanos, hasta que a la edad de 50 años cuando se encontraba en El Salvador, un infarto al corazón lo llevó a la eterna noche, pero no así a sus composiciones que mantienen en alto a la música Paraguaya.

NITSUGA MANGORé: Nitsuga corresponde a Agustín, escrito al revés y Mangoré viene de unlegendario jefe guaraní que murió de amor.

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chino vera

DementesX Música, libros, cine, diseño, publicidad http://www.dementesx.com/

desde el sol ardiente hasta mangoré

Compositor argentino, artífice de agrupaciones de barrio, de los buenos coros y gritos desde la garganta. Algo punk, algo bohemio, no se etiqueta en nada.

txt: osmar cáceres

Adrián “Chino” Vera movió volumen y pogos con A77aque (en temas como Angeles Caídos, hasta su retirada en el año 1992), Comando Suicida, Mal Momento, Romanticistas Shaolins, actualmente en MasCalaveras promocionado el álbum “Desde El Sol Ardiente”, el mismo lo presentan en Gales Bar el 21 de julio, acompañados de los anfitriones Piter Punk y Mojones. MasCalaveras lo complementan Diego Arona en batería y percusión, Sergio Rodríguez en guitarra y voz, Locar en guitarra y voces, Emyl Silva en bajo y el Chino Vera en la voz. “Desde el Sol Ardiente” cuenta con 10 canciones de carismático punk rock, condimentado de gran variado Rock and Roll y algunos toques de Country, Alternativo, Pop y hasta una pizca de Reggae, con letras que relatan un poco acerca de la condición humana, el amor, la desesperanza, el hartazgo de la no dignidad en la vida moderna, el dinero, el adiós a los seres queridos, y la fe necesaria para poder seguir bajo cualquier circunstancia que nos toque vivir; el primer corte de difusión es el tema que lleva por nombre: “Esa Clase de Paz” y es el primer videoclip oficial producido por Hydra Producciones. El disco cuenta con la participación de un invitado especial en las voces y coros, el mítico Ciro Pertusi de Jauria que refiere sobre Chino Vera “El Chino no defrauda, es como Woody Allen”.

En “Desde el Sol ardiente” hablan de sociedad pero también de amor ¿Una especie de punk rock bohemio de alma pero rock and roll fusión / crossover en la puesta? Si, algunos dicen que sonamos a los 50, otros que en las letras somos muy punk rockers, es cierto también que en la música hay una variedad de estilos. Yo creo que somos honestos con nosotros mismos. Es lo que nos sale y nos gusta tocar. De Cromañon a nuevos standares para recitales en Argentina ¿Se aprendió algo? Se aprendió, semejante tragedia tuvo que pasar pero ha mejorado mucho la seguridad en recitales y lugares para el rock and roll. ¿A77aque sigue latiendo, o ya es pasado? Sigue latiendo, sigue vigente, más allá de que también ya sea un clásico del Rock Argentino, el año pasado ¡metieron 10000 personas en el Estadio Malvinas!

Fede Pertussi como productor ¿Loco lindo, qué tal la experiencia? Bueno ¡genial! nosotros los Calaveras quedamos muy conformes con la producción artística de Fede Pertusi y de Locarnini, el CD superó largamente nuestras expectativas. Con esos ánimos lo llevamos a Paraguay. Si te cruzás a Mangoré en alguna esquina de Asunción ¿Qué le dirías? ¿Mangoré es Agustín Barrios, verdad? El famoso guitarrista. Le diría “¡Maestro! ¡¿no me presta por un rato un poquito de su magia?!” ¿Qué es cuando dicen “Ojos bien abiertos”? En esa parte de la letra le hablamos a una mujer joven, le decimos que vaya donde vaya siempre esté atenta. La vida misma.

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los discos de el mono / Bangles / Ladies and Gentlemen… The Bangles

Red Hot Chili Peppers / The Getaway De buenas a primeras, hay dos cosas que son importantes de mencionar: The Getaway es bastante mucho mejor que el debut del grupo con Josh Klinghoffer a la guitarra. Era de esperarse que, con un nuevo trabajo, la nueva formación de los californianos se solidifique más y pueda crear canciones más enriquecidas y atrapantes. Por otro lado, la otra novedad de este decimoprimer título es el nombre de Danger Mouse en la producción, ya que es la primera vez que los pimientos picantes no trabajan con el legendario Rick Rubin, desde el “Mother’s Milk” de 1989. Los dos primeros singles, “Dark Necessities” y “Go Robot” son efectivos, pero otros temas, como “The Hunter” o “Sick Love”, que recibe la colaboración de Sir Elton John en las teclas, merecen recibir un buen destaque. Los instrumentos más sobresalientes son el bajo – excelente Flea, como siempre – y la groovísima batería de Chad Smith, aunque el trabajo de Josh cumple con buena nota, ya que no debe ser fácil llenar los enormes zapatos de un tal John Frusciante. La progresión es natural, obviamente. El 66% del grupo ya ha superado los 50 años y se notan aires de calma, lejos de esas explosivas composiciones llenas de rock, funk y, casi, metal del mencionado disco del 89 y, sobre todo, del colosal “Blood, Sugar, Sex, Magic” que los catapultó definitivamente a la fama. Pero, en serio, si uno sigue esperando la continuación de estos títulos sin apreciar el desarrollo de una banda, pues mucho se pierde.

Rival Sons / Hollow Bones Dos años atrás, este cuarteto tomaba por asalto con su estupendo disco llamado “Great Western Valkyrie”, con una propuesta de rock entre heavy y alternativo,

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Mucho antes que estas cuatro californianas invadan las radios del mundo con sus acarameladísimas baladas y sus egipcios pasitos de baile, tenían una onda bastante diferente a la que habían establecido en sus discos de la ya lejana década de los 80. Es así que esta colección de temas grabados en los inicios de la carrera de este grupo de chicas suena refrescantemente punk, haciéndonos pensar qué

sucedió con esa revoltosa actitud. Aunque en realidad, no se trata de un álbum realmente nuevo. Es una reedición de su primer EP, de 1982, de cinco temas, cuando todavía se llamaban “The Bangs”, que incluía aquel temazo llamado “The Real World” que las puso en el radar. De esta forma, el resto de las canciones abarca los inicios del grupo, desde 1980 a 1984, con otras excelentes canciones, como “Call on Me” y “Getting Out of Hand”. El resto de la ecuación está compuesto por unas versiones demo, aunque reciben una gran calidad de sonido, hay que decirlo, y un par de temas en vivo, como ese genial cover de Love, “7 and 7 Is”, que Ramones también había versioneado en su disco Acid Eaters. Entonces, los que tengan curiosidad por descubrir los atípicos inicios de una de las muy buenas bandas de aquellos maquilladísimos y peludos años ochenta, este disco – que en realidad ya salió en el 2014 – es una buena oportunidad, ya que recibió un lindo retoque y quedó de lo más pituco.

bastante cruda y honesta, que se ganó todo tipo de halagos por parte de la crítica, que catalogó aquel trabajo como uno de los mejores del año. Pues dos años después, el grupo de Long Beach, California, se encuentra en muy buena forma musical y así lo demuestran con su nuevo redondo. El disco, que tiene apenas nueve canciones, arranca con la primera parte del tema que titula la cuestión; una canción que va directamente al grano y que presenta esa característica tipo soco-a-la-cara que se destaca en

el grupo. Y con apenas el segundo tema, “Tied Up”, uno se da cuenta que la receta se repite, pero que resulta realmente una delicia a los oídos. El resto es básicamente igual, sin entrar en mayores detalles. Es posible que alguien diga que los temas del grupo no son la gran cosa, pero “Hollow Bones”, o algún otro disco del grupo, no es de ninguna manera aburrido. La mecha acaso sigue recorriendo hasta que el grupo definitivamente llegue al barril de pólvora que nos hará explotar. Para disfrutar a todo volumen. JULIO 2016

Entonces, cuando aparecen nombres como el de Electric Citizen, uno acepta la invitación al viaje hacía épocas donde las cosas apenas comenzaban. Este se trata de un cuarteto de Ohio, USA, liderados por la poderosa voz de Laura Dolan, que es lo primero que uno llega a apreciar, pero que instrumentalmente complementa todas las canciones de excelente forma, en especial gracias al talento de su guitarrista, Ross

Dolan, cuyos blacksabbescos riffs son una invitación a sacudir melenas, como se puede apreciar en temas como “Evil”, “Misery Keeper” o “Golden Mean”. Los fanáticos de sonidos retro, con especial énfasis en guitarras heavy y ritmos más bien rockeros, tendrán un delicioso festín en este disco, que en apenas tres años de vida, marca todo un emblema para el grupo y, a pesar de que el disco apenas llegó a nuestros oídos, ya nos hace pensar en qué es lo que

disco de diez canciones, cuyo primer corte “Who Do You” resulta lo suficientemente interesante para que el resto sea escuchado con suma atención. Si bien, primeramente, el álbum suena acaso como uno más del montón, con una segunda escuchada la cosa va tomando forma y cada canción, como “Dreams”, “This Girl” o “Hanging”, van ganando su lugar y compiten arduamente para convertirse en la favorita entre la decena de títulos incluidos en este debut. Y si bien la banda llega desde el medio de Inglaterra, el sonido que logra es bastante diferente al resto de los grupos de ese país, con esas típicas características con las que parecen cortados una gran mayoría de nombres. Este disco es un delicioso coctel de buenos

riffs, coros bastante pegadizos, una voz satisfactoria y melodías bien logradas. El pequeño hermano podría llegar a crecer, así que estemos atentos.

La industria musical es un lugar realmente gigantesco y que siempre ofrece espacio para esas bandas nuevas que proponen un sonido de tan vieja escuela que a ratos nos preguntamos si se trata o no de alguna re-edición de algún disco de antaño o algo por el estilo.

Electric Citizen / Higher Times

Little Brother Eli / Cold Tales Esta búsqueda por conocer nuevas propuestas y satisfacer esa sed de música nos lleva a Oxford, donde un nuevo grupo compuesto por Alex Grew, Joshua Rigal, Adam Stowe y Benji Page recibe este peculiar nombre y debutan con este interesantísimo

depara el futuro para los Citizens. El arranque ha sido de lo más auspicioso.

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txt: annabel pitaud

C u p d s

omo na aleta e onidos

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Los alemanes Jence Moelle e Ismail Tufekci,

más conocidos como Digitalism, acaban de lanzar su nuevo disco “Mirage” con quince canciones y más de una hora de baile. JULIO 2016 2016 JULIO

la verbena Hecho en Paraguay, dedicada al mundo. http://www.laverbena.com.py

Apenas Ismail contestó del otro lado, se identificó como Isi y, entre otros comentarios sobre el disco, lo describió como variado, con elementos de varios géneros, no solamente electrónica. Decís que el disco “Mirage” se inspiró en los viajes… ¿Podés explicarnos un poco más sobre esto? Viajamos un montón con el último disco y también por los toques que cada uno tiene. Nos sentimos muy inspirados por los lugares a donde fuimos, así comenzamos a componer… logramos ver una imagen de lo que queríamos al final. Pasó bastante tiempo desde “I Love You Dude”, el anterior disco. ¿Qué hizo que este disco sonara diferente? No creo que este álbum suene distinto, puedo decir sin embargo que es más poprock, pero de otra manera quizás, los tracks son más largos. Un poco más pegadizos que lo que solíamos ofrecer, pero es 100% el sonido de Digitalism. Se pueden sentir diferentes los saltos que hacemos hacia diferentes géneros… lo que pasa es que la gente se encasilla en un solo estilo y nosotros disfrutamos de diferentes estilos. Nos resulta un poco aburrido si todo va en una misma dirección, por eso incluimos esta diversidad. ¿Qué podés contarnos sobre el single que sacaron “Power Station”? En este track se resume la manera en que producimos el álbum. Jence estaba viviendo en Londres y yo en Hamburgo.

Teníamos un fin de semana donde yo iba a volar a Londres, teníamos que tocar ese viernes de noche, teníamos el track, hicimos algunos arreglos y al escucharlo pensamos en una estación de electricidad, en esos equipos viejos y llenos de polvo. Casi todo lo el disco lo hicimos así. En estos años, la música EDM explotó en todo el mundo, ¿creés que fue beneficioso para ustedes? EDM es solo un tipo de música electrónica, el caso me parece muy semejante a lo que sucedió a principios de los 90s con la música trance, muchas veces es a través de estos tracks que se descubre a otros artistas. Nuestro disco tiene tonos electrónicos, pop, de rock… En algún sentido puede ser que nos haya sido beneficioso, pero sólo por eso, porque tenemos elementos electrónicos. Las críticas hasta ahora dicen que este es su mejor disco, ¿qué decís? Es difícil... Es como cuando tenés un bebé (de hecho nos llevó 9 meses), tenés muchas expectativas para cuando crezca, pero ahora ya está ahí y tenemos que ver cómo le va. Nos parece que es muy bueno, el anterior también nos pareció bueno, porque en medio de los dos, aprendimos muchas cosas y encontramos mucho para

contar y eso comenzamos a hacer, sin pensar a dónde iba. Entre todo lo que escuchan… ¿hay algún artista sudamericano? La verdad que no sé. Lo que pasa con todos los tracks que escuchamos es que son temas sueltos, vamos encontrando y nos enganchamos. No atendemos de quién es o cuál es su procedencia. Así que, por lo que yo sé… no, pero no puedo estar tan seguro. ¿Tienen ya planes para venir a Sudamérica este año? Espero que sí, pero no aún no tenemos nada agendado. Ya estuvimos en Sudamérica, recuerdo un show en Bogotá que nos encantó porque era al aire libre.

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David Ellefson

“Estoy sumamente feliz de volver una vez más a Paraguay”

El histórico bajista de Megadeth, David Ellefson conversó con La Factory sobre el nuevo disco de la banda, la frustrada reunión de la formación clásica, la reciente muerte del ex baterista Nick Menza, la elección del brasileño Kiko Loureiro como guitarrista, sobre su pasada visita a la Orquesta de Cateura y la segunda visita de la banda este 20 de agosto en el Jockey Club de Asunción. the threat is real

¿Cómo la gente recibió Dystopia? Fue realmente estupendo. Algunos dicen que es nuestro mejor álbum en muchos años. Para nosotros cada álbum es especial y representa quienes somos en ese momento. Aún así es bueno tener una respuesta positiva y unánime de todo el mundo con respecto a Dystopia. ¿Qué exactamente significa Dystopia? Dystopia se refiere a una sociedad llena de miseria humana, opresión y básicamente una existencia desagradable. Todo esto a causa del estado político, religioso y económico. Algunos dirían que muchos vivimos en (o nos dirigimos hacia) un mundo distópico. Tengo entendido que trataron de juntar a la formación clásica con Nick Menza y Marty Friedman.

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Luego de mucho pensar lo solicitada que era la formación de “Rust in peace”, a finales de 2014 e inicios del 2015, agotamos todas las instancias y todos nos topamos con la realidad de que eso no funcionaría…que sería mejor dejar ese maravilloso legado y los recuerdos para continuar pisando fuerte en la mente y corazones de nuestros fans.

El nuevo cuarteto ¿Es cierto que vos recomendaste a Kiko Loureiro a Dave Mustaine? ¿Eras fan de Angra? Ya dejando de lado la reunión de la formación clásica, Dave Mustaine me llamó al teléfono, muy emocionado por haber encontrado, quien él creía que sería el próximo gran guitarrista para Megadeth, ese hombre era Kiko. Fue en febrero de 2015.

Le conté a Dave que lo conocía y busqué a Kiko para preguntarle si le gustaría hacer una audición. Entonces le pedí que nos envíe tres canciones. Creo que ellas fueron “Holy Wars”, “Hangar 18” y “A tout le monde”. Ya lo conocías de antes entonces. Antes de esto, había conocido a Kiko en el show WNAMM en ANAHEIM alrededor del 2013, y luego toqué junto a él en el Metal AllStars en varios shows en La Paz, Bolivia y San Pablo, Brasil. El grupo de Kiko, Angra, fue la banda soporte en el cartel. Kiko y yo tocamos juntos en esos shows durante un par de canciones. Realmente tiene un talento natural y un desenvolvimiento dinámico. Ahí supe que debía conseguir un medio para contactar con él y tenerlo a mano. Estoy contento de haberlo hecho ya que tres meses después lo estaba llamando para que se una a Megadeth. JULIO 2016

txt: roque martinez traducción: Karin Vallejos

divertidos por todo el mundo, estoy muy contento de que los fans nos hayan visto tocar juntos.

¿Cómo fue trabajar con Chris Adler, el baterista de Lamb of God, quien grabó el disco? Chris fue bastante amable en ofrecerse para grabar el álbum Dystopia durante su tiempo fuera de Lamb of God. Hizo un trabajo fantástico y realmente trajo emoción a la banda y al álbum. Tenemos una excelente vibra y amistad juntos, pero ya que él estaba en Lamb of God, sabíamos que sería un desafío tenerlo como baterista permanente de la gira mundial. Realizamos viajes realmente

Hace un par de semanas anunciaron al nuevo baterista, Dirk Verbeuren. En mayo pasado, tuvimos los inevitables conflictos en la agenda con Chris participando en dos de las más grandes bandas de heavy metal del planeta; Lamb of God y Megadeth. Por ese motivo, solicitamos los servicios de Dirk Verbeuren y ahora lo contratamos como nuestro baterista permanente. Chris siempre será un miembro de la familia para nosotros. Estoy contento de haberlo conocido como amigo y ahora también a nivel musical.

La muerte de un amigo ¿Cuál es el mejor recuerdo que tenés con Nick Menza? Fue un golpe repentino su muerte. Su partida fue realmente muy fuerte para todos nosotros. Algunos de mis mejores recuerdos con Nick están fuera del escenario; cosas como andar en bicicleta en las colinas de Hollywood durante los años de “Rust in Peace” en el tiempo fuera del tour o audicionando con Marty Friedman, grabando el álbum “Rust in peace”, y ciertamente ese primer tour que hicimos juntos. Nick era muy divertido, desenvuelto y con una personalidad dinámica. Su energía fue realmente contagiante, lo cual fue genial en ese momento de transición personal para mí. Lo consideraba un gran amigo, tanto como un miembro de la banda. WWW.LAFACTORY.COM.PY

foto del Facebook de la Orquesta de Instrumentos Reciclados de Cateura de david ellefson / año 2013

¿Cómo recordás la visita a los chicos en pleno ensayo? El día que fui a ver a la Orquesta ensayar fue simplemente maravilloso. Me quedé asombrado por lo buenos que son y también por cómo suenan los instrumentos del vertedero. ¿De verdad creías que se podía hacer música de la basura reciclada?

un corazón en paraguay ¿Tuviste un nuevo contacto con los músicos de la Orquesta de Cateura? Sí, lo tuve. Mi viaje a Asunción para la película fue increíble. Los fans de Paraguay fueron tan estupendos. Conocer a estos maravillosos niños de la orquesta de Cateura y sus familias, nos demuestra que el poder de la música puede superar cualquier obstáculo en nuestras vidas.

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Realmente trae una perspectiva de la innovación de un instrumento, y no sólo por el precio del mismo. Además, cada uno de esos instrumentos crea su propio sonido, y todos hacen una hermosa música. ¿Pudiste ver el documental “Landfill Harmonic”? Si, lo vi y me contaron que se estaría estrenando la película el mes que viene en Paraguay. Es un gran honor ser parte de un momento tan histórico en tu país. Voy

a estar presente en el estreno el próximo 18 de agosto en Asunción. Después de tu visita al país, muchas personas se interesaron aún más en el trabajo de la Orquesta de Cateura. Bueno, estoy muy feliz de saber eso. Fui a Cateura porque soy fan de la Orquesta y si mi presencia les ayuda a ganar notoriedad por su trabajo futuro, entonces eso lo hace aún más especial para todos nosotros. ¿Entre los chicos de la Orquesta había fans de Megadeth? Sí, el metal es una sensación que va más allá de un estilo musical. Yo estaba feliz de que muchos de los chicos en el conjunto fueran fanáticos del metal, pero están aprendiendo los estilos clásicos de la música de la orquesta, también. Creo que ser un oyente bien equilibrado ayuda a uno a ser mejor músico. ¿Recordás la visita de Megadeth en Paraguay? Sí, lo recuerdo. Estoy sumamente feliz de volver una vez más a Paraguay. El espíritu de la gente es simplemente increíble. JULIO 2016

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txt: annabel pitaud

soundtrack para hiroshima

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Realizar música para acompañar una narración e, incluso, para que ocupe el lugar de las palabras, es lo que en la mayoría de los casos se busca con la música de película. La banda Mogwai lanzó “Atomic” como parte de un proyecto audiovisual sobre la bomba nuclear que devastó Hiroshima. JULIO JULIO 2016 2016

britnoise Todo el sonido proveniente del Reino Unido http://britnoise.net/

Stuart Braithwaite, guitarrista de la banda, con su marcado acento escocés, nos contó más sobre este trabajo.

Al escuchar “Atomic” uno siente como que algo no está bien, algo perturbador… se adapta muy bien a cómo está el mundo hoy en día, ¿no? Sí, o sea, parte de la música es bastante inquietante, pero creo que la vida normal no es tan mala pero hay cosas negras que suceden. ¿Estuvieron en Hiroshima?

Living in Dread and Promise” de la BBC 4. Creo que si hiciéramos música basada en Hiroshima sería probablemente mucho más dura y sombría, pero sí, creo que definitivamente va con la atmósfera.

Creo que a la gente le gusta, suenan bastante positivos al respecto. Hemos tenido una reacción más grande de lo que yo personalmente esperaba, así que estoy muy contento por eso.

La tecnología avanzó un montón en cuanto a elementos para crear efectos de sonido, aunque al mismo tiempo parece que hay una tendencia de volver a lo analógico. ¿Cómo lo hicieron ustedes?

En los shows en vivo, ¿adaptan sus canciones?

Hay muchos sonidos electrónicos pero probablemente son más los sonidos electrónicos analógicos que digitales. Aunque también usamos algunos efectos digitales. Grabamos digitalmente… simplemente que sea lo que sirva mejor, que suene mejor para la canción que estemos haciendo. Hay tantos formatos en que te llega la música hoy en día. ¿Cuál sería tu recomendación para escuchar Atomic?

¿La música de Atomic refleja lo que sintieron allí?

Vinilo. Soy un fanático del vinilo y creo que suena mejor que cualquier otro formato. No sé por qué, no soy científico pero definitivamente es diferente. Creo que tal vez sea por la forma física en que el sonido se convierte en música.

Sí, tal vez algunas partes. La música era para el documental “Storyville - Atomic:

¿Cuáles son los comentarios que están recibiendo sobre el disco?

Sí, tuvimos un concierto allí, de hecho vamos a volver.

Bueno, estamos tocando el soundtrack pero no es igual al álbum, la duración es diferente porque hay algunas canciones que son más cortas y otras más largas. En realidad volvimos al álbum, porque hicimos la música para el documental, luego lo metimos en un disco, y al tocarlo en vivo, volvemos al original. Vos también tocas en Minor Victories, ¿cómo te las arreglás con los dos grupos? Jajajaja, con gran dificultad pero creo que voy logrando manejarlo. ¿Qué planes hay con Mogwai en lo que queda del año? Tenemos algunos conciertos de Atomic en Europa y también estamos yendo a Japón. Además tengo tours con Minor Victories y… sí, será un año bastante ocupado para mí.

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en este número de la revista nos visitan dos grupos que si no los conoces, no vivís en este país. Paiko, ya un ícono de la escena musical paraguaya, siempre vigente y bohemia urbana que desde ombo viene haciendo méritos para entrar al hall de la fama del rock nacional.

1. Cuando empezaron como banda, ¿esperaban tener el éxito que tienen actualmente? 2. ¿Cuáles son los cambios más grandes que notan como grupo? 3. En cuanto a lo musical, ¿cómo y gracias a qué creen que se desarrollaron los cambios que los llevaron a sonar como suenan hoy? 4. Si bien siempre existen dificultades en todo ámbito, ¿cuál es una con la que aún deben luchar? 5. Si tuvieran que elegir un momento, ¿con cuál se quedarían? 6. ¿Qué es lo que les mantiene y mantuvo tanto tiempo como una de las bandas más emblemáticas del país? 7. Siempre vemos el trabajo constante que tienen con las demás bandas nacionales, ¿cuáles son otras bandas que trabajaron a la par con ustedes?8. ¿Una banda nacional que los motiva a seguir adelante? 8. ¿Cómo ven el ámbito musical hoy en nuestro país? 9. Una frase o canción que los identifique

DE BANDAS NACIONALES

bohemia urbana / paiko

Definitivamente, exportar nuestra música a más países! Es el desafío pendiente!

Creemos son años de aprendizaje, nuestro 2do. y 3er. disco los grabamos con Mario Breuer (Calamaro, los Redondos, La Ley, J-Quest, etc.) en Bs. As., en el estudio El Pie, de Alejandro Lerner, en esa época aprendimos muchísimo! El cuarto álbum grabamos en New York, con productores americanos! Estuvimos 6 meses alojados en NY grabando! Una experiencia fantástica!

Los cambios más grandes vemos en la era digital, antes era el CD, ahora Spotify, Deezer, iTunes etc.!

”Viva la música que nos une”

Estamos viviendo uno de los mejores momentos, los adolescentes escuchan música hecha en casa, tanto o más que canciones de artistas de otros países!

Ensayamos en el mismo predio que nuestros amigos de Flou, así que los vemos frecuentemente! Además tenemos un show en conjunto con Salamandra que se llama “Buenos Vecinos”, con Villagrán Bolaños, un show que se llama: “La fiesta del Caos Total” y compartimos con muchas bandas en varios festivales! También invitamos a nuestros shows en varias épocas a diversos artistas como: Rigoberto Arévalo y Su Trio de Siempre, Só Pra Você, entre otros!

Somos un grupo de amigos, que escribe canciones para otro grupo de amigos!

A la vuelta, en el año 2000, publicamos ese álbum que habíamos grabado un año antes, bajo el nombre de “Al Natural...”, y para sorpresa nuestra, se convierte en un éxito al instante!

Este es un momento genial, acabamos de lanzar el primer video clip en 360 grados del país, y la música hecha en el Paraguay está muy fuerte, con mucha gente yendo a los shows y escuchando canciones nacionales!

Empezamos con Paiko en 1999, grabamos el primer álbum y rajamos a Miami, porque en Paraguay, la situación estaba muy inestable (asesinato de Argaña, marzo paraguayo, suba inesperada de González Macchi como Pdte.).

paiko

Es muy difícil decir con quién específicamente, cada banda está lo bastante ocupada ingeniándose cómo seguir. Pero a la vez, no obstante, siempre existe solidaridad entre

Como la mayoría de las bandas Paraguayas de Rock, “La Creatividad”. ¿Porqué? Porque nadie nos llamó, no habían festivales para nosotros, el mercado no demandaba nuestra aparición. Creamos nuestras bandas, nuestras propias canciones, nuestros festivales y por qué no decir “Nuestro Propio Mercado”. Eso mantiene a una banda paraguaya de rock, “LA CREATIVIDAD”.

Camino a Encarnación, el móvil se descompone por tercera vez, ya llevábamos 10 horas, sentados en medio del campo, un ataque de risas. Representa la capacidad artística de sacar algo positivo de las peores circunstancias.

Los derechos de autor manipulados por mafiosos corruptos, es una de las dificultades mayores.

Nos desarrollamos naturalmente, gracias al conocimiento y el aporte de cada músico. Con mucho tiempo, sacrificio y trabajo de composición, ensayo, grabación.

Mucha capacidad de improvisación, para cubrir los tediosos huecos que pueden surgir en un show.

No lo esperamos, lo soñamos

1. 8.

Pero al fin y al cabo, no tenés ni un centavo Y el tesoro adorado es la familia de verdad PARAGUAYOITE A PALOS

Creo que hay un efectivo fenómeno de acercamiento mutuo, tanto del público general a las bandas de Rock, como de las bandas de Rock al público en general.

nosotros... y en los conciertos que coincidimos nos ayudamos. Por cuestiones geográficas, obviamente trabajamos muchísimo con Salamandra, el doctor Ayala y los perro de Ypacaraí, Unión de músicos de Ypacaraí, UMY.

bohemia urbana

txt: andrea stallard

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todos los miĂŠrcoles a las 15:15 por la fanpage de lafactory!

mauricio rodas #factoryvivo con:

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Gracias a que no estamos en ningún canal de televisión ni nada parecido, es un poco más libre esta entrevista, hay pucho, hay tequila ¡Vamos a brindar! Te invité a vos que sos parte de la casa ya que es la primera edición de este espacio y como me dijeron que le parezco a Lanata, tenés que cuidarte de las preguntas. (M): Por el pucho sobre todo (R): Y por la gordura también! ¿Qué pasó con BritRanchera? Está en un proceso de hibernación, constante o permanente, estamos viendo qué hacer, cómo continuar, cómo seguir, hay canciones nuevas. ¿No se ponen las pilas los integrantes? No, no es que no se ponen las pilas, tienen muchas responsabilidades los integrantes y a mí la verdad que hacer BritRanchera de otra forma o con otra gente no me va, lo hago con ellos o no lo hago, entonces desde un principio sabíamos que iba a ser así, no es ninguna sorpresa para nosotros. ¿Es el momento? ¿Hay una necesidad de mezclar ritmos? Puede ser, mirá, la verdad de la milanesa es que cuando nosotros nos juntamos con Julio Troche a hacer ese proyecto, que nos encontramos en realidad después de mucho tiempo por casualidad, yo venía de salir de tocar cumbia con los Verduleros y tuve un año sabático musical, no hice nada, no toqué ni grabé, pero si empecé a hacer música, a escuchar música. ¿Te putearon mucho cuando estuviste con los Verduleros? “Ey, vos cantas cumbia”. Sí, un poquitito pero, a mí me chupa un huevo, no me importó y no me importa, si

es que tengo la oportunidad de hacerlo, ya sea como integrante o como productor o compositor lo voy a hacer sin problemas. ¿Que pensás de las personas que no admiten que uno pueda vivir de otros estilos musicales? Y esa gente es como que te quiere adoptar a vos como una persona que no puede hacer otra cosa, no les entiendo, pero tampoco me saca el sueño tratar de entenderlos. Contáme una experiencia groupie Bueno, es fuerte, estábamos tocando con los verduleros en Itapúa o no me acuerdo si era Ciudad del Este, lo que si que era en un campo, yo no era el cantante principal, era el guitarrista, y había una chica que no paraba de mirarme, pero me miraba con una cara medio rara, no cantaba, me miraba nomas, terminó el concierto, salimos y le hacían entrar a un par de personas para sacarse fotos, y entró ella y dije: NO! Y viene y me saluda muy amablemente pero súper amablemente, y yo me preguntaba qué iba a pasar, ahí me agarra la mano, y me pone un rosario, y me dice “para que les proteja” y me quedé helado, después de un rato me fui y le hablé, estaba con su novio, y fue fuerte.. ¿Vos estabas medio caliente con la onda y ella te da un rosario? Me trancó ya la onda jajajaja ¿Cómo le sentís al movimiento folklórico?

Y a mí me parece que la ultima gran banda o agrupación que intentó un poco modernizar o revitalizar el folklore fue la Secreta, si bien por ahí el 6x8 que ellos utilizaban (no me vayas a matar Mike) era más chamame, al fin y al cabo era música folklórica que a mí me encanta, y para mí fue lo último, también está Pedro Martínez que está haciendo nuevos materiales. ¿Mucha droga y rock and roll? No, el tema de las drogas es igual que el sexo, si vos querés lo hacés, y si no querés no lo hacés, no me parece que drogándote seas mejor músico, ni mejor arquitecto, ni mejor nada, me parece que está adentro, es algo de distracción para los que quieran tomarlo así, algunos la toman para inspirarse, yo sinceramente nunca utilicé esos medios para inspirarme. ¿Vos cómo te inspiras? ¿Con las desgracias amorosas? Y la verdad que afortunadamente hace mucho tiempo no estoy pasando por ninguna desgracia amorosa. ¿Cómo creés que sería la industria ideal? Yo creo que más festivales, más conciertos, más allá de la venta de discos y difusión también, pero para mí lo principal es que hayan conciertos, festivales, muchos, de bandas nacionales, como hace poco hubo uno. Que cada medio de comunicación o marca haga conciertos. WWW.LAFACTORY.COM.PY

fuzzkrank

chos a h c u m s Lo enfermos del fuzz

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La banda celebró el lanzamiento de su primer material hace poco más de un mes, automáticamente se convirtió en una de las sorpresas del año. Exponentes del stoner rock, un género que se quiere abrir paso entre los melómanos de siempre, su cantante y bajista Hugo Lafuente repasó los comienzos de la banda, la grabación del EP, las letras, las influencias, el concepto detrás del disco, la adoración por los 70’s, la radio y el futuro post apocalíptico que nos acecha, en esta entrevista para La Factory.

por roque martínez fotos juanma lópez moreira & paty latorre WWW.LAFACTORY.COM.PY

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Frente al cerro Lambaré son las 11:20 de un sábado de mañana. Pasaron veinte minutos de la hora pautada para la entrevista entre este humilde periodista y el cantante y bajista de una de las bandas locales más interesantes de los Últimos años: Fuzzkrank, Hugo Lafuente.

mbos creímos que la nota sería entre música tropical y cervezas en la estación de servicios donde pautamos el encuentro. Sin embargo, los dos comentamos que la resaca se apoderó de nuestras almas por lo que descartamos el alcohol. Tampoco sonaba música alguna así que sin muchos preámbulos comenzamos a charlar allí en la difusa frontera donde las autoridades municipales de Asunción y Lambaré hace años entraron en conflicto por los impuestos que dejan los moteles de la zona.

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La banda local Fuzzkrank presentó su EP homónimo en formato físico y plataformas digitales durante un show realizado una noche de junio pasado, en el Centro Cultural de España Juan de Salazar. Además organizaron un after party en Barbarella, donde todo fue preparado para que la audiencia viva una experiencia musical. “Fue un jolgorio donde se montó todo un espectáculo musical con imágenes que se proyectaban para que la gente viva una experiencia”, dijo Hugo Lafuente, cantante y bajista de la banda. Oriundos de la siempre amorosa ciudad de Lambaré, Hugo Lafuente (bajo y voz), Matías Aguilera en la primera guitarra, Xavier Sosa en la segunda guitarra y José Burguez en la batería integran este cuarteto lleno de fuzz, groove y stoner rock. “Fuzzy Feeling” es la canción con la que Fuzzkrank logró darse a conocer. Sin embargo, para la banda no fue suficiente pues querían contar más historias, por lo que ingresaron a 340 Studios de Tony Jara.

fue sobrepasado por el grunge, su primo hermano en Estados Unidos, por eso no pudo florecer mucho”, contó el cantante. “El género en el que estamos metidos está muy sujeto a la experimentación musical. Y no es que solamente existe una rama dentro del stoner rock, porque el estilo puede ser fusionado con otros géneros”, contó Hugo. La banda no se mueve solo dentro del stoner sino del rock progresivo, el fuzz rock y la psicodelia.

“Cada uno tiene sus influencias. Xavi viene más del punk rock, Matt tiene mucho blues encima. Yo estoy escuchando mucho otra vez Queens of the Stone Age. Cada uno tiene algo distinto que le aporta al sonido general de la banda”, explicó Hugo.

“Queríamos grabar para que no digan ‘no tienen luego canciones’. Me sorprendió que la gente cada vez más iba escuchando y descubriendo lo que hacemos a partir de un solo tema”, comentó el bajista. Matías, el guitarrista, es considerado algo así como “la consola de efectos”, al igual que Javier, que mete pedales delay y wah wah a dos manos. “El fuzz es el viento de la bocina que te vuela el pelo o esa especie de vibración que te entra por todo el cuerpo cuando estás tocando muy fuerte”, comentó Lafuente. El stoner rock se hizo popular luego de que las principales bandas que lideraban el género se separaron. “En los 90’s no se pudo desarrollar porque

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Los inicios Hugo y Matías empezaron a tocar juntos después de conocerse en el colegio, allá por 2011. Al bajista le llamaba mucho la atención la remera de Led Zeppelin que llevaba el guitarrista. “Le escribí en Facebook y le dije: ‘Hola, ¿vos tocás guitarra?’. Me contestó ‘Sí, yo toco guitarra’, le respondí ‘Ah, qué purete’”, comentó Hugo. Ambos comenzaron a interactuar hasta que formaron Chopper, la banda con la que versionaban a Black Sabbath, Led Zeppelin y AC/DC. “Es una de esas cosas en donde decís ‘vamos a probar’. - Tocábamos en los intercolegiales y siempre ganábamos los primeros puestos”, manifestó Lafuente.

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El futuro post apocalíptico ¿Dónde grabaron el EP? Ingresamos al estudio de Tony Jara, donde se grabaron las pistas de la voz, la guitarra y el bajo durante un tiempo. En tanto que en el estudio de Marcelo Soler se grabó la batería. Fue nuestra primera experiencia de grabar en un estudio. No sabíamos cómo era eso. Nosotros solo queríamos hacer música. ¿Qué nos podés decir del ilustrador argentino Diego Valle García, quien hizo el arte de tapa del EP? Diego hace flyers y pósters para eventos de stoner rock en Argentina. Además, es responsable de la portada de bandas como Humo del Cairo. Cuando nos envió el diseño nos voló la cabeza. Dijimos “ese se queda”. Superó las expectativas de todos. Le pasamos todo el material y la idea del concepto del EP. ¿Por dónde va ese concepto? Se observa una radio que está en un futuro post apocalíptico en el medio del desierto. Se trata de un receptor de ondas intergalácticas de otro planeta que de repente está recibiendo una transmisión donde aparece hablando Carl Sagan sobre el origen del Universo. Y luego empieza a sonar eso que se escucha en el EP. Durante la grabación pasó algo muy loco cuando el wah wah captó una frecuencia de radio y eso quedó grabado.

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Los viajes Sin embargo, en 2012 el proyecto tuvo un corte cuando Matías fue a un viaje de intercambio a estudiar en Austria. Al año siguiente sucedió lo mismo con Hugo, quien fue a Alemania. Ambos se sorprendieron por un particular estilo musical con el que se cruzaron en el viejo continente. “Estaba en pleno auge este movimiento oculto del stoner y doom. ‘¿Qué es esto?’, decía. Eran bandas como de los 70’s, pero de ahora”, contó Hugo. “Ambos fuimos a estudiar de intercambio a Europa. Hicimos un año entero de colegio. No nos veíamos seguido. Solo una vez en las vacaciones de invierno. Hacía un frío de mierda. Era muy simpático porque no nos podíamos comunicar y hasta nos perdimos uno del otro en una estación de trenes”, dijo el cantante. Luego de aquella travesía, Matías y Hugo volvieron a juntarse en Paraguay, pero esta vez en formato power trío. “Entre los covers que hacíamos ya metíamos temas propios. Justamente, el primer tema que tocamos de nosotros fue ‘Fuzzy feeling’, y luego las canciones que son parte del EP”, comentó Hugo. Fuzzkrank dio su primer show en Gales Bar, en tanto que el segundo fue en Richards Bar. Al trío se sumó Xavi, quien también era compañero de Hugo y Matías en el colegio. “Hubo una época donde no hablamos mucho y cada uno se fue por su lado, pero después la vida se encargó de reencontrarnos otra vez”, expresó. “El primer toque como cuarteto fue en Woodstock Bar en 2014. Hacíamos “War pigs” y “Children of the grave” de Black Sabbath. Con los ensayos surgían maquetas de temas que íbamos desarrollando y sin darnos cuenta teníamos canciones que duraban 8 minutos, como ‘Black Monolith’”, dijo Hugo.

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sentimiento fuzzy ¿De dónde salió el nombre, Fuzzkrank? Matías también toca con los Steinkrug, quienes suelen hablar mucho en alemán durante sus ensayos. Uno de ellos había mencionado la palabra “fuss krank”, como enfermo del pie. Le cambiamos una letra y cambió todo. Lo escuchó y después me escribió: “¿Qué pasa si le ponemos “Fuzzkrank?”. Le dije: “Qué buen nombre”. Y se quedó así de una. Te puedo pasar una lista de todas las pronunciaciones válidas. ¿Qué significa? Representa nuestro sonido porque el “fuzz” se consigue saturando las válvulas al tocar con la ganancia al máximo. Mientras que “krank” significa enfermo. Consideramos que Fuzzkrank es una enfermedad causada por la exposición a altos niveles de distorsión. Somos enfermos del fuzz. ¿Cómo surgieron las canciones? Matías siempre trae la maqueta de una canción y después vamos arreglando. Sin embargo, “Deus ex machina” fue idea de Xavi que me dijo que en teatro o en cine representa ese momento en que el protagonista está por morirse y llega algo de la nada a salvarle. En latín significa la “máquina de Dios” o “Dios desde la máquina”. El tema es una crítica directa hacia la religión. ¿“Glass of Whiskey” de qué habla? Habla de estar solo. ‘Puta, estoy solo, voy a tomar un vaso de whiskey'. Esa letra la trajo Matt y yo le hice unas cuantas modificaciones. Mientras que “Black Monolith” fue todo un viaje porque al inicio tenía otra duración y otro feeling. Es una especie de hijo bastardo de temas de Kyuss y Pink Floyd. También fue inspirado por la película “2001, una odisea en el espacio” de Stanley Kubrik, que se hizo en 1968, y la que nos voló la cabeza. ¿Cómo definirías el concepto del disco? La canción forma parte de un concepto. La idea es que escuches el material, observes la portada y te ubiques en ese contexto. Estoy en el medio del desierto y hay una radio que estamos escuchando.

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Fuzzkrank es una enfermedad causada por la exposición a altos niveles de distorsión. Somos enfermos del fuzz. ¿Se ven tocando en el medio de la nada, como las bandas de stoner rock? Estaría muy bueno. Eso está movido por la energía cósmica de bandas como Kyuss, que llevaban un generador a tocar para unos cuantos locos que bebían y fumaban. Era toda una escena la de Palm Desert en California, que hacían las llamadas “generator party’s”. ¿Cómo fue para que escuchen Kyuss? Esa es otra gracia del género. A mí me llegó por el guitar hero, donde hay un tema que se llama “Demon Cleaner”. Demasiado me gustaba el sonido de la batería de Brant Bjork. “¿Qué lo que es esta música?”, decía. Era un rock medio tribal con un trance raro. Era bastante minimalista, pero vos escuchabas y la voz de John García te llevaba de la oreja.

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renovaron la escena del rock en paraguay junto a eeeks y luisonz. Es algo que me parece hermoso. Muy lindo sobre todo porque te das cuenta que la gente está buscando música nueva. Lo interesante es mostrar a la gente lo nuevo que hay. No más de lo mismo. Estoy feliz porque son bandas que están buscando un sonido propio. ¿Por qué eligieron cantar en inglés? Teníamos nuestra época donde escuchábamos música exclusivamente en inglés. Estábamos convencidos de que la estética de la música que tocamos se completa con el idioma. ¿Piensan cambiar eso alguna vez? De hecho, tenemos un tema en español que no está en el EP. También partes en las que cantamos en español. Queremos grabar un nuevo material en el que cerremos nuestra etapa de composición en inglés y dedicarnos después a componer temas en español. Vamos a tomarnos un break de los conciertos para componer más temas. ¿Fue una decisión tuya empezar luego a cantar en castellano? Fue una decisión de todos en realidad. Nos gusta componer en inglés porque tiene lo suyo, pero ahora vamos a buscar el reto de componer en castellano, cosa que no es fácil sin que suene a música romántica o a rap. ¿Le ven a Fuzzkrank en un festival stoner? Se puede dar porque ahora todo se mueve a través de internet y se da la oportunidad a músicos de tocar en distintas partes. ¿Cuáles son los planes futuros de la banda? Ahora los planes de Fuzzkrank se centran en grabar un segundo EP, que nos gustaría publicar este año. Después nos dedicamos exclusivamente a componer temas para el álbum que sería ya en castellano. Tenemos nuevas canciones como “THC”, “Desert Planet”, “Mother Earth” y “Magnetic Fields”. La música gira siempre en torno a lo que hacemos, pero las variaciones en la música son infinitas.

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el supremo

roa bastos Recordando los 99 años del escritor paraguayo Augusto Roa Bastos (Asunción, 1917 – 2005), compartimos a continuación 11 frases del discurso íntegro del día 23 de abril de 1990, día en que recibe el Premio Cervantes correspondiente al año 1989.

1. El Premio Cervantes es el más alto honor que se ha concedido a mi obra. Tres razones principales le dan un realce extraordinario ante mi espíritu. La primera es el hecho mismo de recibirlo de manos de su majestad don Juan Carlos I, rey de España, que nuestros pueblos admiran y respetan por sus virtudes de gobernante, por su infatigable tarea en favor de la amistad y unidad de nuestros pueblos de habla hispánica.

2. Me inclino, pues, ante sus majestades, con el homenaje de mi reconocimiento y gratitud. En este homenaje va implícito el de mi pueblo paraguayo, lejano y presente a la vez en este acto con su latido multitudinario; aquí, en esta ciudad, en esta Universidad, ilustres, de Alcalá de Henares, patria chica de Cervantes, solio de su imperecedera presencia y foco de su irradiación universal. Por otra parte, esta toga que visto es también un símbolo; corresponde al doctorado honoris causa en Letras Humanas por la Universidad de Toulouse-Le Mirail -que me ha sido concedido en significativa coincidencia el mismo día del otorgamiento del Premio Cervantes-. Ello me permite, por tanto, reunir simbólicamente a tres países muy caros a mi afecto, España, Francia y Paraguay, lo que imparte una significación internacional e interuniversitaria a este acto. 3. La segunda afortunada circunstancia que realza para mí el otorgamiento del máximo galardón es su coincidencia, también augural, con un cambio histórico, político y social de suma trascendencia para el futuro de Paraguay: el derrocamiento, en febrero del pasado año, de la más larga y oprobiosa

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dictadura que registra la cronología de los regímenes de fuerza en suelo suramericano. 4. Pienso que es el resultado -en todo caso es el símbolo- de una conjunción de esas fuerzas imponderables, en cierto modo videntes, que operan en el contexto de una familia de naciones con la función de sobrepasar los hechos anormales y restablecer su equilibrio, en la solidaridad y en el mutuo respeto de sus similitudes y diferencias. Mucha falta les hace este equilibrio a las colectividades de nuestra América, frágiles y desestructuradas por su dependencia y sometimiento a los centros mundiales de decisión, causa central de sus problemas internos, de su inmovilismo, de su atraso, de su desaliento.

5. Desde esta persuasión veo el Premio Cervantes como un doble galardón a mi obra y a la cultura de mi patria. Y como tal lo celebro en tanto paraguayo de origen y en cuanto español por adopción, ciudadano de nuestras patrias, hijo y defensor de su unidad en la vida cotidiana y en el tiempo de la historia. 6. La concesión del premio me confirmó la certeza de que también la literatura es capaz de ganar batallas contra la adversidad sin más armas que la letra y el espíritu, sin más poder que la imaginación y el lenguaje. Y es esta batalla el más alto homenaje que me es dado ofrendar al pueblo y a la cultura de mi país que han sabido resistir con denodada obstinación, dentro de las murallas del miedo, del silencio, del olvido, del aislamiento total, las vicisitudes del infortunio y que, en su lucha por la libertad, han logrado vencer a las fuerzas inhumanas del despotismo que los oprimía.

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txt: osmar cáceres

7. Hace un momento hablaba de un hecho que me enorgullece: el haber plasmado mi novela Yo el Supremo en el modelo del Quijote con esa apasionada fidelidad que puede llevar a un autor a inspirarse en las claves internas y en el sentido profundo de las obras mayores que nos influyen y fascinan. El Supremo Dictador de la República sólo deseó el poder absoluto y lo tuvo en sus manos sin dejar de ser también el hombre más pobre del mundo, puesto que su riqueza era de otra especie. Le bastó al déspota ilustrado que el país de cuya emancipación había sido el inspirador y ejecutor fuese el más independiente y autónomo en la América de su tiempo. Aquí comenzó la contradicción de lo absoluto en el espacio de la historia que es el reino por antonomasia de lo relativo: la libertad como producto del despotismo; la independencia de un país bajo el férreo aparato de una dictadura perpetua. 8. El protagonista de mi novela, inspirado en el personaje central de la historia paraguaya – el Supremo Don José Gaspar Rodríguez de Francia, hecho Dictador Perpetuo de la República, según el modelo de la antigua ley romana- resultó más fuerte que la muerte, porque ya estaba muerto sin saber que lo estaba.

9. A causa de estas alternativas involuntarias, no puedo considerarme más que un artesano. Lo que también es mucho decir. Un artesano entregado, cuando puede -no cuanto puede, que es poco- al oficio de modelar en símbolos historias fingidas, relatos a medias inventados; historias imaginarias de sueños reales, de

lejanas y recurrentes pesadillas. Como decía Cervantes, de las que él mismo escribía. Escribir un relato no es describir la realidad con palabras, sino hacer que la palabra misma sea real. Únicamente de este modo la palabra real puede crear los mundos imaginarios de la fábula.

10.

10. No pudo entrar Cervantes en América, pero sí lo hicieron sus libros llevando su presencia y su genio. Estos libros, empero, no entraron en Paraguay. La ausencia inaudita duró casi dos siglos desde la edición príncipe del Quijote, mientras las sucesivas ediciones de toda su obra invadían literalmente

América. Los hechos culturales producen a veces estas incógnitas inexplicables, estas fallas que a veces se les escapan a las agujas del azar en el entramado novelesco de los hechos históricos. De pronto, sin embargo, en algún festejo popular de Paraguay he visto a algún caballero de la Triste Figura montado en rocín flaco, con yelmo de trapo y lanza de caña de Castilla, jugando a los fuegos de San Juan. ¿Por dónde se filtraron estos fantasmas o estrellas errantes de la imaginación mítica? 11. En la certidumbre de que no podía ser otro el libro, yo no hice más que poner, en mi novela, sobre el legendario atril, un libro, el Libro de todos los tiempos: el inmortal Don Quijote de la Mancha de don Miguel de Cervantes Saavedra, Supremo Señor de la Imaginación y de la Lengua.

11.

“veo el Premio Cervantes como un doble galardón a mi obra y a la cultura de mi patria”. WWW.LAFACTORY.COM.PY

ESCRIBIR LÍNEA EN

Abrapalabra online un taller de escritura creativA 50

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adri morro prensa + contenidos http://www.adrimorro.com

Escribir es un ejercicio que requiere de cierta constancia. Y a pesar de que se trata de un oficio solitario, la mayoría de las veces, la posibilidad de acceder a espacios de confrontación, de diálogo y experimentación constituye una oportunidad para impulsar la escritura de uno, de afinar el pulso. Muchas veces, es lo que los talleres de escritura creativa ofrecen, cada cual a su modo.

Desde hace más de quince años, la propuesta de Abrapalabra, un taller creado por Lia Colombino, no es enseñar a escribir, sino proponer un acercamiento a la escritura a través de propuestas lúdicas y creativas, con consignas o ejercicios compartidos entre todos los participantes, que funcionen como disparadores. Los resultados son distintos en cada caso, y van seguidos de la confrontación colectiva de textos. A la dinámica de Abrapalabra se le suman los postres: lecturas seleccionadas para analizar y reflexionar, pero sobre todo disfrutables, como si se tratara de una sobremesa. Pero ya sea que la ciudad esté difícil de transitar, o que los tiempos de uno no coincidan con los horarios de los talleres ofrecidos, no siempre es posible acceder a estas instancias de creación y experimentación. Por dicha razón, Lia creó la modalidad online de Abrapalabra, abriendo la posibilidad, además, de que gente que vive fuera del país participe del mismo; a la

manera de los foros o redes sociales que permiten interacciones virtuales. Desde el 2015, Damián Cabrera se incorporó a la coordinación del taller, que no tiene duración específica: comienza y termina cuando uno así lo desee, con la opción de retomarlo posteriormente. La metodología del taller online es similar a la presencial: los coordinadores envían una consigna a los talleristas cada quince días, y los textos resultantes cuentan con una detallada devolución por escrito -casi un ejercicio de edición, que además de las observaciones y sugerencias de carácter literario, reciben, adicionalmente, correcciones ortográficas y gramaticales-. Por supuesto, en el taller online tampoco faltan los postres, que se envían, también cada quince días, las semanas en que no hay consignas. Lo que también se alterna en el taller online son las devoluciones: cada semana, Lia y Damián se distribuyen las tocas: los textos de los talleristas que a cada uno le corresponde revisar y devolver; con lo cual quienes elijan participar

de esta modalidad cuentan con dos miradas distintas que se concentran sobre su escritura, además de las miradas de los demás talleristas que son como cómplices en esta tarea. Los procesos son lentos, y cada participante va montando sus aprendizajes y experiencias a su propio ritmo. Estos procesos suponen la búsqueda personal de una voz, antes que el desarrollo de un texto en particular, que podrá venir a su tiempo. Abrapalabra Online también quiere ser una instancia para ejercitar la capacidad de apreciar el texto ajeno, y pensar a partir de él, siempre en un marco de respeto. El taller Abrapalabra Online tiene nuevos lugares disponibles para aquellos que deseen participar en su plataforma en abrapalabra.org. El costo del taller es de 235.000 Gs. por mes, y quienes estén interesados pueden comunicarse a: edicioneslaura@gmail.com / Tel: 0983 307 588 WWW.LAFACTORY.COM.PY WWW.LAFACTORY.COM.PY

Parrilla Rock Reseñas de discos y tips parrilleros Domingos por la 95.5 FM Rock&Pop.

txt: adrián bellassai & josé balart

Quiero Costillar de ternera Con Back in Black Hace dos años se fusionaban dos pasiones, la parrilla y el rock, y así nacía Parrilla Rock para convertirse en un clásico de los domingos a través de la 95.5 FM Rock&Pop. Hoy escribimos reseñas de discos y tips parrilleros para los fanáticos del rock y el asado.

Empezamos esta sección con un corte fundamental en el clásico asado y un disco elemental en la historia del rock.

El primer paso es el primordial, elegir un buen costillar... elegirlo con el carnicero, admirarlo de punta a punta, darlo vuelta y mirar los huesos, la carne con un rojo brillante, la grasa debe ser blanca apenas amarilla. El costillar entero, apartando el vacío y la falda, es la mejor opción, aunque podés elegir simplemente una o dos tiras del grosor de la palma de tu mano, este tamaño es óptimo para hacerlo a fuego lento. Back in Black es el disco más vendido en la historia de AC/DC, su portada negra, guarda luto a su cantante Bon Scott. Un disco que cuando empezás a escuchar el primer tema, Hells Bells, suenan esas campanas que sabes están anticipando lo que viene… el sonido de las campanas se eleva y dan paso a la guitarra de Young con esos riffs que derrochan potencia. ¿Y la entrada del “nuevo”? Brian Johnson se luce en un debut soñado.

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Mientras apilamos un montón de carbón alrededor de unas roscas de papel diario es inevitable no pensar qué le iría bien a nuestro costillar como guarnición .. ¡Qué manera de empezar! Una trompada de AC/DC. Ya estamos encendidos, la segunda canción Shoot To Thrill es energía, es potencia, es rock puro, es un clásico instantáneo. Aparece la siguiente canción, que es una muestra de la capacidad vocal de Brian, el coro nos invita a sumarnos a él: “Honey, What Do You Do For Money?” Vamos 3 de 10 canciones. Las brasas se están tornando blanquecinas, es momento de desplazarlas en el asador de manera a que toda la parrilla reciba la misma proporción de calor... acercando la mano a la parrilla debo poder aguantar hasta 10 segundos sin quemarme, ese es JULIO 2016

@srparrillapy @abrianbellassai

y si nos tira alguna picadita. Con Shake a Leg, canción 9 de este discazo, queremos pogo, queremos saltar, queremos alzar las manos con nuestros cuernitos y agradecer a estos dioses del rock por tanto.

el punto del fuego lento que queremos mantener. Nuestro costillar está listo para ir a la parrilla, no le hemos puesto absolutamente nada, lo ubicamos del lado del hueso y lo dejamos a su suerte. Givin The Dog A Bone, la cuarta canción. Sin darnos cuenta empezamos a sacudir la cabeza al ritmo de los riff de los hermanos Young, totalmente seducidos por una canción que no nos da tiempo de tomar aire. Luego, como intentando cuidar nuestras pulsaciones, en Let Me Put My Love Into You, bajan los decibeles en una canción con mucha tensión sexual, una canción donde pensamos en una mujer seductora, sexy, ardiente. Decidimos preparar unas mollejitas con limón para comerlas de entrada acompañadas de la tan tradicional mandioca. Las ponemos en un recipiente bien profundo con mucho limón, sal, pimienta, orégano, tomillo y ají molido, las dejamos tapadas con un paño húmedo para que se adoben. Cuando ya estábamos rendidos en la primera mitad del disco, aparece la canción que le da título al disco, Back In Black, canción que debe ser patrimonio de la humanidad. Una total oda al rock, no importa cuántas veces la hayas escuchado, es como el primer amor, siempre te produce esa dosis de adrenalina que te va directo a la cabeza. Ya ha pasado 1 hora y un poquito más de haber dejado el costillar en la parrilla, es

momento de salarlo. Aprovechamos para tomar un buen número de brasas del brasero y ubicarlas de un lado de la parrilla de manera a conseguir un extremo mucho más caliente para cocinar las mollejas, este calor no debe incidir en la temperatura que venimos manteniendo para el costillar. Ubicamos las mollejitas en los fierros y se despierta el exquisito aroma del adobo que habíamos preparado, el sonido de la grasa chillando por el calor del fuego es incomparable. Es momento de disfrutar un buen vino y quedarse muy cerca del asador para no perderse los detalles de esto que se está gestando... Have A Drink On Me, mientras suena este blues rocanrol, seguimos disfrutando de nuestra bebida, husmeando lo que pueda estar haciendo el asador

Las mollejitas ya están doradas de ambos lados, y es momento de bañarlas en limón y retirarlas para servirlas con mandioca y comerlas directamente desde la tabla de madera sin ánimos siquiera de sentarse en la mesa ni ensuciar algún plato. Llegamos a las 2 horas y nuestro costillar dejado a su suerte en la parrilla muestra todos sus huesos bien dorados, casi desprendiéndose de la carne. Es momento de darlo vuelta y darle el último toque de color necesario para servirlo. Llegamos a la canción 10, la última canción, llegamos a Rock And Roll Ain’t Noise Pollution, ya no sabés que esperar de esta canción porque todo está demostrado. Más que seguir los riffs, escuchar como Brian rasga el cielo con su voz y seguir extasiado con la electricidad de AC/DC. Nuestro Costillar está listo, tierno y con un color incomparable, los huesos se desprenden de la carne con facilidad y la corteza que los cubre ya han cedido, nuestra botella de vino ya está llegando a su final y estamos listos para disfrutar del tan esperado asado. De seguro Bon Scott está más que satisfecho con este disco. Una obra maestra del rock, producto de la genialidad de estos monstruos. Un disco que respalda a la potencia que ya conocíamos de AC/ DC. Un disco que no tiene límites.

Un disco elemental para todos los amantes del rock. WWW.LAFACTORY.COM.PY

los que ya no están /

Desde hace un tiempito, muchos estamos con la incertidumbre del futuro de la banda estadounidense de hard rock. Al parecer todo apuntaba a una separación definitiva.

txt: joaquín alcorta

Pero como todas las cosas de la vida, esta historia necesitaba tener un poco de polémica y enredo, porque al parecer algunos miembros de la banda niegan tal separación lo que nos hace sumergir en una marea interminable de contradicciones. ¡¿Se separan o no?! Tras varios rumores sobre una posible separación, Steven Tyler, líder de Aerosmith, habría confirmado la ruptura de la banda en un programa de radio de estados unidos. Según sus declaraciones, realizarán una gira de despedida a lo largo de 2017. “Amo esta banda. Siento que la gente tendrá mucho que pensar sobre esta gira de despedida”, decía el frontman de Aerosmith. Ante la insistencia del conductor de la radio sobre si la despedida será definitiva, el cantante se limitó a decir: “Sí, ya es hora”. Estos últimos conciertos llegarán después de la publicación del disco en solitario de Steven, We’re All Somebody From Somewhere, que salió a la luz el pasado 15 de julio. A partir de entonces, los músicos volverán a reunirse para dar fin a una de las bandas más conocidas y con más de 40 años de carrera.

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LIVING MUSICAL Solo nos importa la música http://www.livingmusical.com.py/

“Haré treinta conciertos en solitario desde mayo hasta agosto. Y en 2017 saldremos con Aerosmith. Probablemente será una gira de despedida. Mira, hay un par de bandas que todavía tienen a sus miembros originales, los Rolling Stones y nosotros. Estoy agradecido por ello”, adelantó ya en abril Steven Tyler sobre el futuro del grupo. Y como en toda novela siempre hay un gran “PERO”, pese a todo lo dicho por Steven Tyler, los otros miembros no están listos para decir adiós. El guitarrista de la banda Joe Perry, ha negado las declaraciones de Steven que dicen que la banda se separará al final del tour. Ahora, Perry asegura que él nunca se ha visto haciendo un tour de despedida. Para Rolling Stone comentó: “En este punto de nuestras vidas y carrera, tal vez está bien decir ‘OK, es el final de una era, pero hay una nueva en el horizonte’. Así que no sé si será cómodo decir ‘Tour de despedida’ y hacerlo más grande de los que es”.

tocar y no lo hemos hecho. Pongámoslo de esta forma: aún queda mucho”, dijo.

“La separación es una de las tantas cosas de las que hemos hablado como grupo, pero no sé si sea el final. Seguimos la misma filosofía de siempre, de álbum, a un tour, al día a día”, contó.

Lo dicho por Joe Perry coincide con lo que comentó el baterista de la banda Joey Kramer en una entrevista radial.

Asimismo, dijo que si la gira de despedida arrancara en 2017, les tomaría casi dos años de conciertos. “Todavía hay muchos sitios en los que hemos querido

“Iremos a Sudamérica en octubre, nos tomaremos un tiempo de descanso y luego estamos pensando en la gira mundial. Y al ritmo como hacemos las giras ahora, probablemente nos tome realizarla dos años o dos años y medio”, dijo. Por su parte, en una entrevista brindada a Perú21, Tom Hamilton (bajista) aseguró que “no hay razón” para que Aerosmith – una de las pocas bandas que mantiene a todos sus miembros originales – se separe. “Creo que sabíamos que esto iba a pasar, que esta iba a ser nuestra última gran gira… Pero no hay razón para que nos separemos, eso no tiene sentido. Creo que los fans quieren que Aerosmith sea la banda de rock que siempre ha sido (con Steven Tyler)”. La posible razón de la separación: En medio de todos estos rumores de separación, Steven Tyler presentó We’re All Somebody From Somewhere, canción de su primer disco como solista.

Compuesto por 15 canciones, el disco We’re All Somebody From Somewhere fue lanzado el 15 de julio y tiene un sonido marcadamente country. Aerosmith es una banda americana creada en Boston en 1970. Más de 15 álbumes y cientos de conciertos han hecho a esta agrupación famosa en todo el mundo. El último álbum de Aerosmith, titulado ‘Music from Another Dimension!’, fue lanzado en 2012. Sea cual sea el futuro de banda, seguramente sus enormes éxitos seguirán sonando en nuestros reproductores eternamente.

“hay un par de bandas que todavía tienen a sus miembros originales, los Rolling Stones y nosotros. Estoy agradecido por ello”. Steven Tyler

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STEPHANIE CORNFIELD

Gracias a nuestro amigo Jorge Díaz de Bedoya logramos hablar con Stephanie Cornfield, quien desde joven entregó su alma a la fotografía. Su amor por lo que hace la llevó a recorrer el mundo y fotografíar a las figuras mas grandes y reconocidas tanto del cine como de la música.En esta entrevista nos cuenta cómo empezó su carrera, sus experiencias que parecen salidas de un libro, desde la India, una nota rodeada de arte. ¿Porqué la fotografía, y no el cine o la actuación, teniendo en cuenta tus raíces?

LA VIDA A TRAVÉS DE UNA LENTE

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Buena pregunta. Cuando era muy joven quería trabajar como asistente de director, recuerdo muy bien que mi padre me dio un viejo diario con una lista cruzada de todos los directores, por lo cual los conozco, pero fui una joven rebelde, creí que mi padre simplemente no quiso ayudarme, de otra forma hubiera atendido el teléfono. Personas más jóvenes me preguntaban si yo era una actriz debido al aspecto misterioso que tenía, y siempre respondía vagamente que sí, que tal vez algún día, pero nunca hice el esfuerzo. La verdad es que ser una actriz nunca fue tan atractivo para mí, tenés que tener ese sentimiento profundo, ese impulso adentro tuyo de ser o convertirte

en un buen actor, siempre me sentí más interesada en estar detrás de cámaras y crear. Pero luego me interesé bastante en estudiar política, quería convertirme en una reportera. Tenía un novio que era reportero para la CBS News y me uní a él durante un conflicto, y durante mis dos años de relación con él, vi muy de cerca de qué se trataba y pensé que no era lo suficientemente fuerte psicológicamente ni lo madura como para ser una reportera, escuchando historias terribles de él atajando a bebés en sus manos. Por lo que di un paso al costado de este mundo fascinante pero a la vez peligroso. Sigue siendo algo atractivo en el presente. Entonces decidí hacer un Master en una escuela de cine de Los Angeles, luego de obtener una licenciatura en Asuntos Internacionales en una universidad americana, pero

ciertos eventos dramáticos en mi vida cambiaron el curso de este destino. Estaba bastante perdida, hacía un poco de fotografía y pensé en: ¿porqué no?, puedo hacer esto. Empecé con la fotografía por puro accidente. Primero fui fotógrafa de la vida nocturna, cubriendo la noche de París, Londres y Nueva York para varias editoriales. Hacía fotos de druggies y drag queens de la escena underground ya que la conocía muy bien y era parte de ella. Era muy fiestera. Todos sabían quién era yo y estaban ok conmigo haciendo fotos. No era una extraña, por así decirlo. Luego me convertí en fotógrafa de rock stars, era Staff Photographer para una famosa revista francesa llamada Best, que fue donde aprendí mi oficio como retratista. Hacía más fotos de retrato que de conciertos. Me gustaba tener el control, crear mi propia imagen.

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txt: raúl daumas fotos: stephanie cornfield Luego volví a mi verdadero amor, el cine, y fui fotógrafa en películas por más de 10 años, más que nada hacía retratos de actores y directores pero también hacía fotos de set ya que me gusta la experiencia de formar parte de un rodaje. Me encanta estar en el set, observar todo lo que le rodea, crear una imagen particular o robar una imagen, amo robar (sonríe), es un trabajo muy duro ya que tenés que ser invisible pero también fuerte para conseguir las cosas, cuando se trata de una gran producción con un ejército de técnicos, mejor tené cuidado!

Sos un soldado que tiene que estar mental y físicamente preparado, es un despiadado pero excitante mundo ya que encontrás estados de ánimo únicos y misteriosos en una sesión, es una experiencia sensorial.

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¿Sentís diferentes sensaciones al realizar una sesión para el mundo del rock and roll, el cine y en documentales? Cada experiencia fotográfica es un nuevo desafío, nunca rechazo un desafío. Con respecto al mundo del Rock and Roll me gustó la completa libertad al hacer fotos con los músicos, cuanto más locos mejor, te deja un espacio de creatividad fantástico. Ellos no tienen miedo de desafiarse al momento de las fotos. En cuanto al cine, realizar retratos de directores es probablemente la parte más desafiante ya que ellos están ahí para dirigir, en cambio con los actores es un sueño porque conocen a la cámara, pero igual hay veces en las que no se sienten muy cómodos ya que prefieren lidiar con las cámaras en movimiento. Las fotos de documentales son el mejor sentimiento, probablemente las más difíciles y las más excitantes. Tenés que encontrar un nuevo ángulo, la tarea de crear una imagen original es muy grande, especialmente cuando estás en lugares donde cientos de fotógrafos estuvieron antes que vos.

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¿Qué tiene que fusionarse ante tus ojos para decidir disparar la cámara? Desde muy joven me sentí desafiada por el color, movimiento, tendencias y específicamente, caras. Veo a los retratos como paisajes y los trato como pinturas, y me gusta trabajar en la textura. La gente dice de mis fotos que son muy cinematográficas, de ensueño y que captan el misterio del momento. Siempre estoy pensando en distintas maneras de iluminar una sesión. Me gusta mezclar luces, tener una combinación de luces cálidas y frías. Disfruto bastante hacer fotos con luz baja, creando un ambiente atmosférico. Hay un momento decisivo para los retratos tanto como para las fotos de documentales, ese mágico momento… Recuerdo que la cita preferida de mi padre es la de un arquero japonés sobre tener solo una flecha, amo esa cita, significa todo para mí… Entre tantos destinos ya sea de trabajo o placer, ¿cómo decidís cual es tu lugar? Me gusta bastante salir de mi zona de confort. Al principio vine a la India como visitante por 5 años y sentí una fuerte atracción sensorial. Lo especial de la luz, los sonidos particulares, ya sea caminando por las calles o durante mis viajes haciendo fotos de documentales, escuchando sonidos trance, y estando en el Kumbhamela fue mágico. Desarrollé un fuerte amor por la música clásica de la India. Fui a un festival de música donde actuó el maestro de tabla Zakir Hussain, y me voló la mente, la belleza de la gente es muy inspiradora. La gente te mira y sentís la vida, la locura total sucediendo, y yo puedo relacionarme con eso. Me siento india (sonríe). Tengo una vida de gitana, muy nómada. Soy una vagabunda.

Mis últimas dos exhibiciones se llamaron “Nomadic Mirrors” y “Vagabond Souls”. Pero estar constantemente en movimiento también puede ser una debilidad, algo peligroso en el sentido de que podés perderte a vos mismo fácilmente, edificando diferentes proyectos, es muy fácil perder la concentración. Siempre tenés que pensar anticipadamente sobre tener una vida internacional y viviendo en India definitivamente ganás el hábito de pensar el doble. Bombay, donde vivo, es muy agotadora, tenés que ser muy cauteloso calculando tus movimientos, de lo contrario te ahogás. Después de vivir en India siento que vivir en cualquier parte del mundo será muy fácil. Pensaba en Estambul, donde nació mi padre, mis abuelos fueron parte de una minoría viviendo ahí, mi abuela era griega y mi abuelo mitad ruso mitad rumano, mi madre es italo-francesa, así que soy una mezcla de todo. De todas formas, Estambul siempre fue mi objetivo, ya que está en mi corazón descubrir la tierra de mis ancestros, entonces me las arreglé para ir y trabajar en 3 películas. Amé la energía, la gente, también sentí pertenecer allí, está ahí bien en el fondo, inhalás belleza mirando al maravilloso Bósforo. Es muy triste que esta parte del mundo esté cerrada debido al terrorismo. También consideré a Los Angeles como un segundo hogar ya que es donde mi padre vivió durante los últimos 30 años de su vida. Regularmente visitaba la ciudad, con estadías prolongadas, de hecho estoy trabajando para Los Angeles Times para su cobertura de Cannes en los últimos 10 años, realmente aprecio el profesionalismo y la buena energía de mi editor. En los EE.UU. la gente aprecia el trabajo arduo y dan oportunidades a los recién llegados, lo cual no siempre es el caso en otras partes del mundo. Verdaderamente sentís este sueño americano. Tengo

un pasaporte americano gracias al hecho de que mi padre fue naturalizado. Cuando llegás al LAX escuchás el mensaje: “Bienvenido a casa”, hay una calidez que no siento cuando vuelvo a París (risas). Al trabajar con gente tan conocida en el mundo, ¿la presión es mayor o ya es costumbre? El hecho de que trabajar bajo presión borra todo tipo de sentimientos sobre ser abrumado por la fama de alguien, le da una especie de familiaridad, por así decirlo, ya que el talento siendo fotografiado siente esa presión también, es por esto que generalmente no los tratamos de “Usted”. Durante esta intensa sesión se puede crear una conexión inmediata, donde la mayoría de las veces es una experiencia emocionante. La única personalidad que me ha impresionado es Jack Nicholson. Quedé impresionada y nerviosa al conocerlo. Sentí a mi corazón latir más rápido mientras llegaba a su casa sobre la Mulholland Drive en Los Angeles. Una simple y elegante casa en las colinas con una asombrosa vista de la ciudad, definitivamente no llamativa, con hermosas piezas de arte por todas partes. Cuando lo vi pensé que no era real, tenía una presencia carismática y una voz para morirse. Cuando estaba retratándolo, me desconcentré totalmente, diciéndole estáticamente: “Te ves muy bien!”. Fue entonces que entendí porqué mujeres más jóvenes se enamoran de él. Durante la sesión, me dijo que era la primera vez que posaba con los ojos cerrados. También le pregunté si las historias sobre él con su vecino y buen amigo Marlon Brando eran ciertas. Negó todo con una sonrisa. Las historias siempre son inventadas en torno a leyendas del cine. Esa es la realidad de la vida.

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¿Hasta dónde llegás con la autoexigencia en el trabajo? La mayoría de las veces, al hacer un retrato, ya sea en la esquina de una habitación o en una playa sin alma, realmente tenés que trabajar en tu creatividad para crear una foto original. Tenés que convencer a los publicistas, que es la parte más complicada del trabajo, o incluso hasta a los famosos mismos de que preferís menos tiempo en un lugar más fotogénico que en uno sin sentido, tenés que estar preparado para tomar riesgos, sin tener miedo, creo que es parte de ser un buen fotógrafo dadas las circunstancias. Ser perfeccionista significa superar tus límites. Recuerdo cuando fotografiaba a bandas de rock como Blur en Londres, la cual fue mi primer tapa para la revista francesa de rock, que pregunté qué podía hacer para hacerlos reír, a lo que Damon Albarn respondió: “Mostrános tus tetas!”, entonces me quité la remera y les hice fotos en corpiño, se mataron de la risa y Damon con una tierna sonrisa dijo: “Eres una chica muy graciosa!”. En otra oportunidad trabajé con Pixies, estábamos en París haciendo fotos en una fuente de agua (tenía agua hasta los muslos) y quería que la foto tenga el efecto más dramático posible haciendo una zambullida. Tenía puesta una mini falda de gamuza con botones de presión, entonces me desabotoné la mini falda y se la di a un tipo de la compañía disquera que estaba parado ahí e hice las fotos en ropa interior. Se creó una reacción intensa por lo cual me apuré en hacer las fotos, la situación parecía un poco surrealista, un chico incluso filmó todo! Un recuerdo muy gracioso! Así que sí, soy una perfeccionista, me despertaría a las 3 de la mañana para capturar la mejor luz sin dudar o para hacer tomas documentales o un retrato.

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¿Hay alguna persona a la que siempre quisiste fotografiar? ¿Lo lograste? ¿Porqué esa persona? Hice fotos a Iggy Pop cuando era fotógrafa de rock stars, lo conocí en el backstage de uno de sus conciertos. Me perdí en uno de los corredores, y de repente lo veo y grito: “Iggy!”. Un guardia de seguridad quiso alejarme pero Iggy me agarró de la mano y dijo: “Vení, tomá un trago”. Estuve con él por dos horas, con sus músicos, su manager, fue más una reunión de cara a cara. Recuerdo toda la conversación de ese día. Luego volví a encontrarme con él en el backstage de otro de sus conciertos, sentía que el era como un hermano mayor para mí, dándome consejos, los dos hacíamos artes marciales, la conversación fue muy profunda. Extraño encontrarme con él pero también extraño fotografiarlo ya que gané madurez como fotógrafa, me encantaría hacerle fotos con un ojo más cinematográfico. Sería muy interesante fotografiar a Jim Jarmush ya que amo su trabajo pero también porque tiene rasgos increíbles. Este año en Cannes hubiera sido un sueño ya que presentaron (con Iggy) un documental sobre la vida de Iggy llamado “Gimme Danger”, desafortunadamente ninguno de los periodistas con los que estaba trabajando me dio esa tarea y no tuve la oportunidad de conocerlos directamente y hablar con ellos. Llegué a acercarme a Iggy en la alfombra roja, incluso le pasé la mano, lo saludé y le dije: “Hola Iggy, soy Steph”,

pero no tuve el tiempo para presentarme y explicarle todo. El personal de seguridad estaba quitándome de ahí pero estuve muy cerca, Iggy me miró como diciendo: “la conozco pero no recuerdo de dónde”, ya que habían pasado muchos años, solo necesitaba unos minutos más! ¿Fue difícil crecer en el mundo del espectáculo? Mi padre dirigió a Brando y Poitier, tuvo una corta carrera pero fue considerado por los críticos y sus pares como un talentoso innegable. Mis padres se divorciaron y mi padre volvió a los EE.UU., yo solo tenía 10 años por lo que en realidad no crecí con él. Supongo que el cine está en mi ADN! Tuve la increíble oportunidad de conocer a uno de los mejores amigos de mi padre, Roman

Polanski, tuvimos un almuerzo que duró casi 3 horas con este maestro del cine, desafortunadamente fue cuando yo aún estaba en el mundo del rock and roll y no tenía la experiencia suficiente en cine. Mi abuelo fue la cabeza de la 20th Century Fox para Europa y Oriente Medio pero lastimosamente falleció cuando yo solo tenía 3 años. Mi abuelo emigró a los EE.UU. durante la guerra, escapó de los nazis y cambió su nombre de Cornfeld a Cornfield. Mi tío Bernard Cornfeld mantuvo su nombre original. Bernie fue uno de los tipos más ricos en la tierra durante los ’60, un extravagante hombre de negocios y amante de las mujeres. No estaba en el mundo del espectáculo pero sí tuvo una agencia de modelos y una productora para conseguir a las chicas (risas). Conocí a mi tío por una increíble coincidencia, en un día lluvioso en Londres, conocí a una chica que me pidió compartir el taxi y empezamos a hablar. Le conté qué estaba haciendo -buscando algo de modelaje y un lugar para quedarme- y mantuvimos contacto. Descubrí que ella era lesbiana y doble de acción en las películas, todo un personaje. Un año después ella volvía a París desde Cannes y me llamó. Me dijo: “Cuál era tu nombre?” y le dije: “Cornfield”, “Esperá que vas a hablar con una persona”, respondió. Luego escuché: “Hola, soy tu tío abuelo”, “Bernie?”, dije. Increíble, destino. Congeniamos inmediatamente. Él era un personaje excéntrico y yo también lo era en esos tiempos. Cuando viví en Londres, mi padre nunca me dijo que tenía un tío rico, así que era como un cuento de hadas. Me mudé a su casa en Belgravia, e ingresé a un mundo completamente nuevo, los mejores restaurants, teatros, fiestas, la buena vida. WWW.LAFACTORY.COM.PY

Podés seguir a Stephanie Conrfield en Twitter: @scornfield y en Instagram: @nomadic_mirrors

Crecí escuchando increíbles historias, realmente mi padre empezó a escribir su biografía, tendría que hacerme cargo de eso algún día. Tuvo sus días dorados, fue muy talentoso pero con mi padre era a su manera o sino no se hacía, por lo que su carrera terminó debido a ese pensamiento, sin compromiso. Sus guiones eran sus bebés, eran sus próximas películas, no vendería su guion incluso si necesitaba dinero desesperadamente. Es por eso que pienso que haber tenido el ejemplo mi padre y sus problemas y luchas generó una gran sombra encima de cualquier deseo de mi parte de dirigir, lo veía como algo imposible de lograr, pero esa sombra lentamente se va desvaneciendo así que cuando consiga algo de paz mental y estabilidad la cual no tengo ahora mismo (sonríe), me gustaría escribir un guion y por último y más importante, dirigir una película, empezando quizás con un corto. Me gustaría publicar 3 libros, dos fotográficos y una autobiografía ya que tengo muchas historias para compartir y algunas muy importantes sobre mi rebelde juventud en particular. Un libro fotográfico con mis retratos y el otro con fotos de documentales. ¡Ojalá algún día!

Contános sobre tu venida a Paraguay. Conocí a Jorge y a Rafa en Cannes durante el festival de cine gracias a un amigo en común, Nicolás. Yo era la fotógrafa asignada para el LA Times y otras editoriales y estaba bastante ocupada con mis tomas. Finalmente nos conocimos cuando estaba retratándolos y fueron testigos de la adrenalina de mi trabajo, tuvimos una conexión inmediata y desarrollamos una amistad y solidaridad desde

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ese mismo momento. Quedé asombrada por su amabilidad y su energía, definitivamente mi tipo de personas! Me conmovió mucho que incluso ellos planean proyectar una de las películas de mi padre en el cine al aire libre de Rafa en Asunción. Cuando nos conocimos, con Jorge empezamos a hablar sobre nuestras vidas comunes y corrientes y descubrimos muchas similitudes, ambos vivimos y tuvimos experiencias inusuales en nuestras vidas y por sobre todo, ambos venimos del mundo del rock

and roll, ya que Jorge es músico y yo trabajé como fotógrafa de rock stars por unos cuantos años, que fue cuando conocí a Iggy Pop! Jorge me contó sobre su proyecto cinematográfico y como yo trabajo tanto de retratista como fotógrafa de set, acordamos que sería buena idea que me lleve a trabajar con él ya que me encanta trabajar en lugares exóticos y formar parte de un equipo haciendo una película, amo esa magia. Por lo que espero que podamos hacer que esto pase, mi lema es: no intentes, sólo hazlo.

JULIO 2016

foto: migue rolón

la cocina de hugui presenta:

INGREDIENTES

CÓMO HACEMOS?

1 disco de pascualina hojaldrado 200 grs. de queso muzzarella 200 grs. de jamón 1 albahaca 2 tomates grandes 2 dientes de ajo C/n aceite de oliva y orégano

Sobre una placa aceitada, poner el disco, sobre el mismo el jamón, queso, tomate cortado y albahaca. Luego enrollar y pincelar con aceite de oliva, tirar encima el ajo cortadito y el orégano. Hornear durante 35 minutos a 160 grados.

Huguito Bellassai Pastelero, panadero y chef de cocina internacional, malísima influencia si tu plan es hacer dieta y multifacético por donde se lo mire. Hugui busca constantemente experimentar y encontrar nuevos sabores.

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Aníbal Ferreira Menchaca a.k.a. Tata Publicó sus cómics a lo largo de los años 70 y 80 en el diario ABC. En este espacio lo traemos de vuelta.

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JULIO 2016

por: ricardo bazán

Horizontales

verticales

1- Vocalista británico de heavy metal, conocido por su trabajo con Black Sabbath desde 1987 hasta 1991 y otra vez desde 1993 hasta 1997. Siendo el segundo vocalista que más tiempo ha permanecido en la banda después de Ozzy Osbourne.

Tamplin. Actualmente es el vocalista del supergrupo de hard rock Chickenfoot.

6- Segundo álbum de estudio del cantante y compositor Elvis Presley, lanzado por RCA el 19 de octubre de 1956.

14- Canción de la banda grunge Nirvana, del álbum de 1993, In Utero. Es la sexta pista en dicho álbum.

7- Tercer álbum en vivo de la banda británica de rock alternativo, The Cure lanzado en 1993. 8- Grupo uruguayo de rock formado en 1989 tras la separación de Los Estómagos. Con más de 25 años de trayectoria ininterrumpida, 12 discos de estudio, 4 en vivo y 5 dvd oficiales, es una de las más importantes bandas de rock de su país.

13- Álbum debut de Rowek, el proyecto solista de Gustavo Rowek, el legendario baterista de V8 y Rata Blanca. Fue publicado en agosto de 2012.

17- Décima canción de Ten, álbum debut de Pearl Jam. Escrita por Stone Gossard y Jeff Ament (música) y Eddie Vedder (letra). 18- Canción de la cantautora británica Dido. Fue lanzado el 18 de enero de 2013 como el primer sencillo oficial de su cuarto álbum de estudio Girl Who Got Away.

1- Canción de Queen de su álbum “Innuendo” lanzado en 1991. Aunque está firmada por el grupo, fue escrita por Brian May para Freddie Mercury quien se encontraba en sus últimos meses debido a que padecía de sida. 2- Guitarrista y compositor sueco de Heavy Metal que ha participado activamente en grupos como Steeler o Alcatrazz, y se le atribuye la mayor influencia en la creación del subgénero conocido como Metal neoclásico. Es considerado uno de los mas grandes guitarristas de todos los tiempos. 3- Tema de Metallica en colaboración con el guitarrista Lou Reed, lanzado como único sencillo del álbum conceptual “Lulú” de 2011. Este disco fue el último trabajo de Lou Reed antes de su fallecimiento en 2013.

9- Álbum de hard rock de la banda australiana AC/DC. Fue lanzado en 1986, como la banda de sonido de la película Maximum Overdrive (La rebelión de las máquinas), dirigida por Stephen King.

4- (?). Guitarrista estadounidense, conocido por ser el guitarrista del grupo Jane’s Addiction, que revolucionó la escena del rock a finales de los 80 y principios de los 90. Posteriormente fue guitarrista de la banda californiana Red Hot Chili Peppers. También es anfitrión y jurado del reality televisivo Ink Master.

12- Guitarrista de rock, cantante y compositor. Fue miembro de Van Halen y, a principios de los años 1970, de la banda de rock Montrose. Es de origen libanés y primo del músico Ken

5- Banda de britpop, formada en la ciudad de Manchester en 1990. En sus inicios conocido como The Rain, el grupo contaba en sus filas con el cantante Liam Gallagher, el guitarrista Paul Arthurs, el

bajista Paul McGuigan y el baterista Tony McCarroll, a los que más tarde se uniría como compositor y guitarrista principal el hermano mayor de Liam, Noel Gallagher. 8- Séptimo álbum de estudio de Michael Jackson, publicado el 31 de agosto de 1987. Fue su reaparición en el mercado, con un álbum, cinco años después de lanzar Thriller y tras múltiples aplazamientos y rumores. 10- Segundo sencillo de la banda argentina Los Fabulosos Cadillacs. Está incluido en Vasos vacíos, el octavo y más premiado álbum del grupo. Se convirtió en la canción más representativa y más popular en toda la historia de la banda, logrando ser considerada una de las canciones más populares de la música latinoamericana. 11- Tema del grupo chileno de rock “Los Tres” de su tercer álbum “La espada & la pared” lanzada en 1995. 15- Undécimo álbum del grupo estadounidesnse R.E.M.. Fue el primer álbum realizado sin Bill Berry, el batería original de la banda, que por motivos de salud la abandonó en octubre de 1997. 16- Canción del grupo estadounidense de metal cristiano P.O.D.. Fue lanzado el 2 de abril de 2002 como el tercer sencillo de su éxitoso álbum Satellite. WWW.LAFACTORY.COM.PY

Ajikokoro Matousek Podés conocer más de su trabajo en: http://ajikokorosportfolio.blogspot.com/

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