La Factory #90

AĂąo 8 #90 paraguay gs. 20.000

purahei soul / fĂştbol, punk & birra / nhi-mu / zeta bosio, inagotable / the winery dogs / pasado, presente y futuro con richie kotzen / en borrador / tender cage: el indie rock vino para quedarse

#90 junio 2016

Con esta edición damos cierre a uno de los peores semestres en cuanto a apoyo publicitario que recuerde en 8 años, con la esperanza de que vendrán tiempos mejores, una frase que rezaba mi abuelo allá por 1980.

Si bien cada día nacen medios digitales, y también pero en mucho menor medida medios gráficos, la falta de apoyo por parte de las marcas a los nichos de estos medios cada vez es mayor, no entiendo muy bien el motivo, pero así es. La falta de investigación real por parte de los planificadores es notable, la acumulación de marcas por parte de grupos con medios propios achica la torta a una porción de cumpleaños infantil y desangra lentamente a los independientes.

No es necesario ser científico nuclear para saber que hacen marcas como Pepsi, Coca, Pizza Hut o Burger King, ni que decir las grandes telefónicas a nivel global, y otras marcas parecidas que promueven movimientos interesantes y dan soporte a ideas frescas y de nicho, pero PARAGUAY es el cementerio de las teorías. No digo que seamos LA ROLLING STONE (estamos muy lejos), pero si hace 8 años mostramos lo que sucede en la música, el diseño y el arte, sin cerrar la puerta absolutamente a nadie, mantenemos una de las mejores distribuciones y en lo posible y gracias a renuncias importantes en honorarios, trabajamos con gente de primera.

Un producto sin tetas, sin culos, sin farándula, sin amarillismo, con un promedio decente de lecturas en digital (60.000/mes) pero seguramente – como me dijo una “gerente de marketing” - somos muy underground! Si imagínate “underground” en el siglo 21, que carajos!

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los charts

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noticias encore

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tender cage

gracias totales!

staff Dirección General Raúl Daumas raul@lafactory.com.py

A G5Pro por ser la productora más copada del planeta tierra, a Annabel Pitaud, Maca Galindo, a todo el equipo del Kilkfest.

Dirección Ejecutiva Coti Rolón costanza@lafactory.com.py

foto de tapa Maca galindo

Dirección Editorial Tania Peña tania@lafactory.com.py

Dirección de Arte Claudia Peña claudia@lafactory.com.py

Diseño y diagramación Claudia Peña Manu Chávez Adri Díaz Edición y corrección Migue Rolón

22 la ruta del gordo

Distribución y logística Trippy Daumas Administración general Rebeca Elías Asistencia Administrativa Gabriel Martínez Selvaggio

26 the farm

32 kilkfest 2016 @losdefactory

46 zeta bosio, inagotable

52 en borrador

lafactory Derechos reservados LA FACTORY EDITORIAL Teniente Genaro Ruíz 945 Tel: (+595) 21 214 452 Email: info@lafactory.com.py Web: www.lafactory.com.py Asunción - Paraguay Asesoría: Advisor Business Solutions Tel: (+595) 21 449 659

Una producción de

#90 junio 2016

Las opiniones emitidas son exclusiva responsabilidad de los colaboradores.

annabel pitaud

mike silvero

www.laverbena.com.py

www.dementesx.com

juan josé galeano

Roque Martínez

osmar guri cáceres

isidora johnson

joaquín alcorta

colaboran este mes:

www.britnoise.net

www.livingmusical.com

hugui bellasai

ricardo bazán

male bogado

andrea stallard

dario elías

el tata

ajikokoro matousek

www.encore.com.py

Con protecciรณn UV

Algo con lo que te cuesta lidiar

¿Cuál es tu estilo musical preferido?

Soy un rockero, al que le apasiona el folclore paraguayo, cumbia y los ritmos latinos.

Frase de un tema propio que te define “Pero al fin y al cabo, si no tenes ni un centavo, el tesoro adorado es la familia de verdad...” Paraguayoite a Palos.

La persona a quien más admiras

Humilde, sencillo, apasionado. Este pelado es un grande de verdad, como todos nuestros amigos de la revis. Cinco preguntitas cortas a Jaime Zacher, vocalista de Bohemia Urbana.

Me cuesta mucho lidiar con la corrupción, porque es un terrible cáncer donde se desarrollan síntomas terribles como la intolerancia, odio, fanatismo, y discriminación. Y por supuesto impiden a gente capaz, ejercer su vocación, la corrupción es letal. ¿De aquí a cinco años cómo te ves?

De aquí a cinco años me veo llegando a mas lugares de mi país, ofreciendo conciertos junto con mis colegas sacrificados del rock.

Mi madre (QEPD), y todos los que tuvieron un gran aporte a los derechos humanos, John Lennon, Luther King, Nelson Mandela, Mahatma Gandhi.

Por cierto, tenemos una buena noticia, parece que se vienen más Zachercitos! Esperemos las declaraciones oficiales de nuestro amigo. Que sigan los éxitos pelado.

charts JUNIO 2016 Radio Urbana

HEI RADIO

Radio Venus

Radio Canal 100

Rock & pop

Red Hot Chili Peppers Dark Necessities

Lukas Graham 7 years

The Chainsmokers ft. Daya

Taylor Swift Style

Red Hot Chili Peppers Dark Necessities

Miike Snow Genghis Khan

Twenty One Pilots Stressed Out

Fifth Harmony ft. Dolla $ign

Work from Home

Jason Derulo Want To Want Me

Blink-182 Bored To Death

Twenty One Pilots Ride

Zayn Malik Pillowtalk

Ariana Grande Dangerous Woman

Tove Lo Talking Body

Brian Johnson ft. Jim Breuer

Coldplay Up&Up

Cheap Thrills Sia ft. Sean Paul

Sia ft. Sean Paul Cheap Thrills

Maroon 5 This Summer’s Gonna Hurt

The Monkees She Makes Me Laugh

Ryan Adams Bad Blood

Fifth Harmony ft. Dolla $ign

Drake ft. Kyla & Wizkid One Dance

WALK THE MOON Shut Up and Dance

Las Pastillas Del Abuelo Inercia

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Work from Home

Don’t Let Me Down

Mr. Rock n Roll

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encore / Led Zeppelin gana el juicio por “Stairway to Heaven” Un jurado de Los Ángeles falló a favor de Led Zepelin poniendo fin a un juicio por copyright en cuanto a la canción “Stairway to Heaven” que comenzó en el 2014. En mayo de ese año, Michael Skidmore (representante del fallecido Randy California, guitarrista de la banda Spirit) denunció que la introducción del clásico estrenado en 1971 era un plagio de la instrumental “Taurus“, publicada en 1968 por Spirit.

El veredicto llega después de un largo juicio en el que aportaron testimonios Jimmy Page, Robert Plant y John Paul Jones. Page y

Plant negaron haber escuchado “Taurus” antes de componer “Stairway to Heaven“. Lo curioso es que Randy California, cuyo nombre real era Randy Wolfe, nunca efectivizó una demanda en vida por este asunto y le era irrelevante.

subastan cabello de david bowie Jack White, Trent Reznor y Pearl Jam contra YouTube Durante la última semana, YouTube ha sufrido fuertes críticas de un importante número de artistas que aseguran que la plataforma de videos se ve beneficiada con contenido robado. En una reciente entrevista, Trent Reznor acusó a YouTube sobrevivir a costa de contenido robado y gratuito, opinión que fue apoyada por Patrick Carney de The Black Keys. “Dame 5 minutos en YouTube y probablemente encuentre 250 canciones que están disponibles sin que al artista se le pague”, comentó Carney.

Hoy Billboard informó que 180 músicos han firmado la petición para que el Congreso reforme la Acción Digital del Milenio de los Derechos de Autor (Digital Millennium Copyright Act), con particular atención en el pago que hace YouTube. Paul McCartney, Taylor Swift, Kings of Leon, Vince Staples, U2, Pearl Jam, Rush, David Byrne, Jack White, TrentReznor, Beck, Ryan Adams, St. Vincent, The Black Keys, Chris Cornell, Elvis Costello, Lionel Richie, Lady Gaga, TV OnThe Radio, Miguel y Spoon, son algunos de los nombres que figuran en el documento que pide una “reforma sensible que balancee los intereses de los creadores con los intereses de las compañías que explotan la música para su enriquecimiento financiero”.

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Los coleccionistas pueden hacer cualquier cosa por tener extraños objetos en su colección, y pagar cifras inimaginables.

Según reporta la Associated Press, un mechón de pelo de David Bowie se subastará mediante la agencia Heritage Auctions. La historia se remonta a 1983, cuando una empleada de la sucursal londinene del museo de cera Madame Tussauds, le cortó a Bowie un mechón de pelo para luego hacer la peluca de su figura de cera. Una vez que la peluca se hizo, la trabajadora enmarcó ese pedazo de pelo.

Según el mismo reporte, se espera que el mechón se venda a unos 4 mil dólares.

Tears for Fears trabaja en un nuevo álbum La banda que se hizo famosa en la década de los ochenta, Tears for Fears, anunció que se embarcará en una gira en unos meses, programando nuevas fechas que la banda se vio forzada a posponer a principios de este año. La agrupación también reveló que se encuentra trabajando en una nueva producción discográfica que será lanzada en el 2017 a través de Warner Brothers Records, según informó Billboard. El nuevo LP del grupo marcará su primer álbum de estudio desde el 2004.

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Saúl Estigarribia y Cynthia Schaerer Te cuentan las novedades del mundo de la música. http://www.encore.com.py/

Mirá qué bandas participan del primer disco de Glastonbury Los organizadores del gran festival de Glastonbury en Inglaterra van a editar por fin el primer disco en vivo. Glastonbury lo tiene todo: las mejores bandas, los grandes escenarios, las opciones gastronómicas más exóticas, espacios de

recreamiento, tecnología, alojamiento, etcétera. Así es como uno se pregunta cómo no habían editado hasta ahora un disco en vivo que resuma todo lo que ocurre. Pues 2016 es el año y una gran causa benéfica su excusa. Coldplay, Muse,

Adele, Foals, Wolf Alice, The 1975, The Last Shadow Puppets son algunos de los grupos que estarán en esta primera producción en vivo. Las regalías irán al Oxfam’sRefugee Crisis Appeal y saldrá a la venta el 11 de julio.

Belle and Sebastian anuncia box set de singles: Jeepster Singles Collection

HBO canceló la serie Vinyl La cadena televisiva HBO confirmó que Vinyl, la serie ambientada en la escena rock de los ’70, fue cancelada: “Después de una cuidadosa consideración, hemos decidido no proceder con una segunda temporada de Vinyl” lee el comunicado que divulgó The Hollywood Reporter. La serie, producida por Martin Scorsese y Mick Jagger, ya tenía programada una segunda temporada pero la cadena dio marcha atrás: “Obviamente esta no fue decisión fácil. Tenemos un enorme respeto por el equipo creativo y los actores, por su trabajo duro apasionado en este proyecto”. La cadena apuntó contra los bajos ratings que tuvo, comparada a los altos costos de producción. Cancelar la serie permitirá a los ejecutivos trabajar en otros proyectos.

Acaba de anunciar un box set con todos los EPs 12” que la banda publicó mediante el sello Jeepster. Debidamente titulada The Jeepster Singles Collection, la colección contiene los siete sencillos que la banda publicó entre 1997 y 2001. Saldrá a la venta el próximo 21 de octubre.

Por supuesto que hay cosas inéditas dentro: la edición remasterizada de Legal Man viene con una mezcla extendida de “JudyIs a Dickslap“, y el box set se completa con TheJeepster Video Collection, un DVD con todos los videos de los singles, un documental y otras tomas inéditas. También contiene tres réplicas de fanzines de los ’90, un booklet con fotos y memorabilia inédita, más una tarjeta de descarga. Y para apurar la compra: los primeros 100 box sets vendidos serán autografiados por la banda.

two Door Cinema Club revela detalles de su próximo álbum Two Door Cinema Club estrenó el sencillo Are we ready? el cual formará parte de su próximo álbum de estudio Gameshow. El material le dará seguimiento a Beacon, anterior producción de la banda lanzada en el 2012. El álbum estará disponible para escucharse en su totalidad a partir del 14 de octubre de este año, por lo que se espera más música nueva de Two Door Cinema Club en los próximos meses.

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Más abajo la nota a Purahei Soul, copadísimos! Leélos aquí y como siempre decimos, escuchálos! Y no dejes de pagar tus entradas, porfis no lo hagas.

Dejá el puchete por un día y andá a escuchar bandas nacionales. ¿Cómo y cuándo nace Purahei Soul?

Purahei Soul nace a raíz de un encuentro que tuvimos los dos (Miguel Narvaez y Jennifer Hicks) en un seminario de jazz en la facultad de artes de la

una banda nacional más por conocer y que nos MEGA ENCANTA!

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UNA (Universidad Nacional de Asunción). En dicho encuentro con los jazzistas nos dimos cuenta que el color de nuestras voces fusionadas combinaban muy bien, y así, comenzamos a cantar en algunos encuentros con amigos.

Ambos, cantamos toda la vida como "solistas", así que pensamos que no era mala idea sacar algunos toques para probar qué salía y descubrimos que teníamos una innegable química arriba del escenario y disfrutamos mucho entre nosotros y a la gente le gustó. Purahei Soul no tardó en hacerse eco y rápidamente comenzamos a tener presentaciones importantes que nos

llevarían al lugar donde hoy día estamos, gracias al apoyo de la gente. ¿Quiénes son los integrantes?

El Dúo Purahei Soul tiene una banda genial que los acompaña.

Wilson Santos (Batería), Paula Rodríguez (Bajo/Contrabajo), Mar Pérez (Trompeta) Alejandro Ledezma (Violín/Viola) y Rodrigo Quintas (Piano). ¿Entre los integrantes, cómo llegaron a concordar para tener el estilo que llevan mostrando ahora mismo en sus temas y videos?

El concepto musical y estético

de la banda fue pensado desde un comienzo por nosotros dos, con el tiempo y la ayuda de profesionales artistas, colegas, diseñadores, asesores y marcas, fuimos creando una identidad. Sinceramente creemos que es una construcción de mucho trabajo y respeto. ¿Consideran su estilo como un estilo diferente? ¿Por qué?

Sinceramente esa es una respuesta que debería dar el público que nos escuche. Lo que sí podría decir es, que emprendimos una búsqueda entre los estilos musicales que consideramos nuestras raíces (folclore latinoamericano) y otros que adoptamos con amor como el Soul o el MPB, y que en ésta búsqueda descubrimos sensaciones y recuerdos que tratamos de transmitir.

txt: andrea stallard

Y si, Purahei Soul es una de las bandas que va creciendo en el ámbito gracias a que también crece la forma en que consumimos a los artistas nacionales. ¡Salud por ellos y salud por el arte!

Hagamos que el mundo conozca lo que hacemos en nuestro País.

JUNIO JUNIO 2016 2016

Cada vez notamos que se va poniendo más bueno esto de las bandas nacionales, conocemos más chicos y chicas con ganas de crecer y cómo van introduciendo más estilos. Decime si no te copa ir un día a una cenita y encontrarte a bandas nacionales dando conciertos, cuando antes solo teníamos la música programada!

¿Qué creen que hace falta en el ámbito nacional de la música para que bandas como Purahei Soul puedan crecer y posicionarse?

Creemos que hay un gran movimiento de artistas que están haciendo bien las cosas, con propuestas nuevas, innovadoras y frescas. Cuando comenzamos con Purahei dijimos que íbamos a cuidar TODOS LOS DETALLES, desde el lookeado hasta esas cosas ínfimas como cobrar con factura, o llegar a tiempo por ejemplo.

Creemos que esos pequeños detalles hacen la diferencia y hay bandas emergentes, como nosotros, que están haciendo bien las cosas y en repercusión están hoy día sonando en las radios y vemos sus videos constantemente en la TV. Vimos que están con grabaciones de videoclips, son una banda muy joven, ¿cómo sustentan los gastos?

Y pagamos nosotros como Purahei Soul, además contamos con la

ayuda de grandes profesionales del ambiente artístico como actores, bailarinas, diseñadores, audiovisualistas, productores, etc. Tenemos esa suerte de que Paraguay es tan chico y nos conocemos todos. Hoy en día, la consigna es ayudarse y colaborar.

Digamos que como estamos creciendo todos juntos, la onda es promocionar lo que tenemos para ofrecer como industria nacional. También tenemos el apoyo de marcas que confían en nosotros.

De todas las presentaciones que llevan hasta ahora, ¿cuál creen que fue la más importante?

Todas son importantes para nosotros, la verdad no podemos destacar una en especial, siempre hay magia.

En el tiempo que llevan como

banda, entre las idas y venidas, ¿cuál es el mayor crecimiento que rescatan en conjunto?

Definitivamente tenemos que admitir que para nosotros se alinearon los astros porque tuvimos la fortuna de abrir conciertos de artistas bastante importantes, entre ellos: Luis Miguel, Lionel Richie, Jack Johnson, Franco De Vita, Il Volo y unos cuantos más.

Rescatamos eso como una experiencia muy importante por que es ahí donde tenemos contactos con los músicos de los artistas y podemos intercambiar mails y esas cosas.

Cada toque que tenemos con Purahei es un crecimiento. ¿Cómo piensan cerrar el año?

Bueno, pensamos cerrar el año con un disco que estamos preparando con mucho esfuerzo para toda la gente que nos sigue y nos apoya así como también para toda la gente que todavía no conoce Purahei Soul. Esperando la receptividad del público hacia nuestras canciones, tenemos planes de salir a golpear puertas en otros países para que nuestro purahei sea internacional.

las redes de la banda Facebook: Purahei Soul Instagram: @PuraheiSoul Youtube: Purahei Soul

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pantuflas: quiksilver paseo la galería / foto: migue rolón / collage: coti rolón

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txt: mr.x

DementesX Música, libros, cine, diseño, publicidad http://www.dementesx.com/

fútbol, punk y birra piter punk & garage 21

Se estrena online el EP “Qué Bonita Vecindad”.

El mismo se grabó en la sala de Big Band Records, contiene 6 tracks, 3 de cada agrupación versionando a sus pares. La masterización corrió a cargo de Alfredo Duarte de Vecindad Autopsia. Se puede escuchar “Qué Bonita Vecindad!” en Spotify, iTunes y Deezer.

“Qué Bonita Vecindad! surgió en un fútbolacho con nuestros amigos de Garage21, después que les dimos masa y algunas cuantas faltas”, comparte Angel Recalde, integrante de Piter Punk.

Gabo Baierling, vocalista de PP agrega: “Este EP experimento con Panchi y los muchachos, más allá del desafío técnico, es un desafío a nivel humano: ponerse en el lugar de otro, disfrutar con el otro, divertirse con el otro, pensar con el otro, llorar y reír con el otro. Es reconocernos como una vecindad, la convivencia es clave en la misma y en la escena musical, un gran desafío”.

El EP “Qué Bonita Vecindad!” se grabó a finales de 2015, la masterización corrió a cargo de Alfredo Duarte de Vecindad Autopsia. Contiene los tracks reversionados por parte de Piter Punk a Garage21: Antonia, Bomba de Tiempo, Casa; y por parte de Garage 21 a Piter Punk los tracks: Como Olvidar, Día de Gloria, Ya me Acostumbré. Los mismos ya están disponibles en las plataformas Spotify, Apple Music, iTunes y Deezer.

disponible en:

Piter Punk Es una agrupación formada en el año 2002, con dos LPs en su haber, “La Tierra de Nunca Jamás” y “Vuelvo Hoy”.

Sus integrantes actuales son Gabriel Baierling como voz principal, Angel Recalde en bajo, Manolo Bejarano en guitarra y coros, Juan José Isasi en baquetas, Diego Fleitas en seis cuerdas y coros, y Kike Núñez en teclados.

Garage21 Formada en el año 2004, cuenta con dos LPs: “Y ahora que vas a hacer” y “Mucho Gusto”. Sus filas están conformadas por Panchi Galarce en bajo y voz, Federico Mujica en batería y Alejandro Frontanilla en guitarra y voz. Ambas están con miras a producir su tercer LP.

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SOUND DE ACÁ /

el indie rock vino para quedarse

tender cage Ya está más que claro que hay una nueva generación de músicos con un oído y un estilo diferente. Comienzan a gestarse cada vez más las primeras ideas de formar bandas que tienen un sonido propio (sin olvidar las influencias de la música del momento). Las historias, vivencias e influencias sirven de base para lo que experimentalmente se transforme después en una banda con personalidad.

Este es el caso de “Tender Cage”, banda que nació luego de que Lucio Núñez y Nelson Sostoa se hayan quedado solos a raíz de la separación de su antigua banda “Red Stone Peak”.

Durante un tiempo, solo fueron ellos dos. Pasaron los meses y llegó Leandro Sanabria con la intención de tocar el bajo, pero terminó quedándose como vocalista de la banda luego de ciertas coincidencias.

Ahora, conformado como un tridente, los tres nuevos integrantes salieron a la

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búsqueda de dos nuevos integrantes, pero no fue hasta luego de 3 meses que Nicolás González llegó para instalarse en la segunda guitarra y Martín Arriola para tomar el bajo. Luego de meses y meses de búsqueda, la agrupación se había concretado.

Fue desde ahí que empezó verdaderamente “Tender Cage”, aunque muchas canciones ya estaban escritas. Cuando la agrupación fue finalmente concretada llevó un cierto tiempo hacer correr el flujo creativo para la creación de canciones, pero

con paciencia y tiempo, los frutos fueron apareciendo. Es por esto que su primer single fue “The Man From Earth”, porque fue el primer tema que según ellos escribieron entre todos sin tener ningún tipo de pre-concepción existente. El haber soltado ese tema como su primer single siendo ya una banda, fue casi un tributo simbólico a la importancia que le dieron al trabajo en equipo, porque según ellos no conocen otra forma de trabajar.

“Nuestro método de trabajo, casi siempre es el jam. El ‘Jam’ o ‘improvisación’, es casi como JUNIO 2016

LIVING MUSICAL Solo nos importa la música

txt: joaquín alcorta fotos: Patricia Latorre

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un juego, hasta diría que un desafío. Es seguir la marcha, cazar al espíritu escondido en la canción, ser capaz de encontrar la magia sonante que no se deja mostrar fácil. Cuando hablo del jam como un juego y un desafío estoy completamente confiado en ambas afirmaciones. La experiencia puede considerarse lúdica debido a que cumple una única (y ni siquiera tan respetada) regla: primero un instrumento (generalmente una batería con un ritmo o una guitarra con un riff) y luego se van sumando el resto de la banda. Es importante saber que ofrecer en cada jam,

que tono a cada canción, que sentimiento melódico, etc. Y cuando hablo de desafío creo que eso se explica por sí solo: no siempre es fácil seguir una idea melódica, no siempre la inspiración esta al punto máximo y, muchas veces, hay que hacer exactamente lo que te pide el jam: “improvisar”. No importa lo que salga. Es un jam, todo puede pasar. Tanta importancia doy al jam por casi todas las canciones de la banda surgieron de esta manera, de la improvisación.

Incluso nuestro single, “The Man From Earth”. Para nosotros es una forma increíble de trabajar en canciones, dejándonos llevar por el espíritu de un tema y dejar que este nos envuelva y nos haga parte de él. Pero, ojo, no estoy diciendo que este es el método secreto para hacer canciones que te gusten. Esto es simplemente algo que a nosotros nos funciona.” Nos decía Leandro Sanabria, vocalista de la banda.

Los miembros de la banda comentan que las canciones de Tender giran alrededor de ciertos tópicos: la confusión del hombre moderno ante una era de la cual no se siente parte ni identificado, el eterno dilema del amor y sus espinas que brotan en lugares inesperados, la frialdad y el vacío

de lo material como respuesta decepcionante ante una pregunta más profunda y real, las cicatrices de la infancia que dejaron rasgos en su yo adulto.

“Todos estos son temas que, si bien no me quejan, me interesan profundamente. Y busco aventurarme en ellos lo mejor que puedo. De todas formas, o es que me cierro ante ciertos tipos de tópicos todo el tiempo. “Give Me My Voice Back”, por ejemplo, es una canción que trata de un granjero en la época medieval que tiene vende su voz a los dioses con el fin de que eviten que el rey se lleve a su esposa como esclava.

Las canciones pueden surgir de todas partes.Hay sonidos, historias. La música es solo una parte.” Concluye Leandro.

La apuesta de los artistas a lo nuevo, a lo arriesgado y a lo fuera de lo monótono es el gran tesoro que tenemos loa amantes de la música, porque así podemos saber con bandas como estas, que la buena música nunca va a morir.

Para saber más de Tender Cage podés ingresar a: www.facebook.com/tendercage También podes escuchar sus canciones en todas las plataformas digitales.

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los discos de el mono / Lacuna Coil / Delirium Mientras que grupos como Evanescence se hacían insoportablemente populares hace ya algunos años, gracias a canciones efectivas y bastante accesibles, los italianos de Lacuna Coil ofrecían una propuesta similar a la de sus colegas norteamericanos, pero con un gustito un poquito más refinado.

Es que como este estilo musical básicamente surgió en Europa, es lógico que ahí se encuentren cosas más que interesantes.

Pues bien, Lacuna Coil gozó de una interesante popularidad con discos como “Comalies” y “Dark Adrenaline”, aunque luego se las vio un poco negras. Entonces, el quinteto se quedó sin sus dos guitarristas y su baterista, y pasó a ser un cuarteto, se enfocó netamente en sus demonios internos para crear un octavo disco bastante alejado de la accesibilidad que habían logrado con títulos mencionados antes.

El arranque es atronador, con la combinación de voces entre Andrea Ferro y la bellísima Cristina Scabia al tope de su capacidad, y una base instrumental bastante sólida, como se podrá apreciar desde el primer tema, “The House of Shame”, pasando por “Blood, Tears, Dust”, “Downfall” (con Myles Kennedy como invitado) o “Clautrophobia”.

El resultado total representa un punto realmente destacado en la discografía de los italianos, que supieron hacer frente a la siempre complicada alteración de integrantes.

Claypool Lennon Delirium / Monolith of Phobos

Cuando el grupo del retoño de John y Yoko, llamado The Ghost of a Sable Tooth Tiger, hizo de telonero para los súperalternativos Primus, el histriónico bajista de la banda, Les Claypool, y el no menos sorprendente Sean, decidieron apiñar talentos para que ahora llegue esta propuesta, que resulta cuanto menos interesante. Son dos fuerzas que, si bien parecen musicalmente opuestas, han desarrollado suficiente terreno, dentro de un universo por demás

extravagante.

Este disco, compuesto por once canciones a lo largo de poco menos de una hora, es efectivamente muy delirante. El arranque se da con la canción que da título al disco y presenta una atmósfera casi espacial a los oídos. Pero conforme van pasando las canciones, apenas siquiera con la segunda, uno podrá confirmar que la unión de estas cabezas tiene la propiedad de ser muy interesante, especialmente en títulos como “Cricket and the Genie”, “Mr. Wright”, ambas con un sonido muy funk rock (especialmente gracias al bajista en cuestión), o la beatleniana “Captain Lariat”, donde ambas voces se reparten el boleto de este viaje.

Y el disco básicamente culmina como arranca, con un sonido envolvente y a ratos psicodélico. Y uno no hace más que imaginarse lo que habrá sido el proceso de composición y grabación de este disco. Al menos, el resultado es por demás seductor y divertido, ideal para oídos sin temor a emprender huidas hacia tierras algo inhóspitas a los sonidos radialmente normales. Nunca el nombre de un grupo fue tan acertado.

bien pesado, poseen cierto tipo de tristeza dentro de sus composiciones, desde ya varios discos, como “Viva Emptiness” o, especialmente, “Night is the New Day”; ese título explica mucho realmente.

Para su décimo primer álbum, la cosa no ha cambiado mucho, sino se confirma. Tras cuatro años, “The Fall of Hearts”, encuentra al quinteto con nuevos integrantes (nuevos guitarrista y baterista) y en muy buena forma. Hard Rock

progresivo del bueno distribuido a lo largo de más de una hora, con canciones muy logradas, como “Old Heart Falls”, “Decima” o, el primer corte, “Serein”.

Y si bien dentro del contexto sigue habiendo desolación emocional y otras nubes negras por encima de la cabeza del grupo, la musicalidad hace que este disco se gane un merecido espacio dentro de los recomendados y se convierte en un serio candidato a los mejores discos del año. Para tenerlos muy en cuenta.

“Delirium” es enigmáticamente refrescante.

Katatonia / The Fall of Hearts Siempre hubo algo que me atrajo poderosamente de Katatonia.

Los suecos, si bien siempre codeándose con un género más

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Y mientras se produjo una brecha de once años para que el grupo entregue apenas dos discos, una vez más el resultado es bastante complaciente, con sonidos para todo tipo de oídos.

Si con “Sometimes” el clima es más bien asfixiante, “Empty” nos devuelve al Garbage de antaño, con un ritmo muy pegadizo, guitarras sólidamente distorsionadas y a una Shirley Manson en plena forma. De esta forma, el sexto disco del cuarteto, nuevamente producido por Billy Bush (felizmente casado

con la Manson), presenta un desplazamiento por demás cambiante, con momentos extraordinarios, como esa sensacional “If I Lost You”.

Son un total de once canciones, cada una totalmente distinta una de otra, pero que crean un conjunto fuertemente ensamblado, confirmando que el sonido del grupo es hasta si se quiere decir, futurista. Eso hace que “Strange Little Birds” se parezca

cuarta oferta represente una revivificación artística, en “By Default”, el grupo se enfocó en reducir considerablemente la duración de los temas y darle un toque mucho más pop a su rockero sonido.

Ya con “Black Magic” uno puede notar hacia dónde se dirige la ecuación. Riffs muy efectivos, coros directos y atrapantes y ese genial juego de voces entre Marsden y la bella Emma Richardson, también al bajo. El single “Killers” continúa en este ambiente, pero no resulta acaso la mejor de las canciones, que logran alto vuelo en “Back and Beyond”, “This is my Fix” (muy parecido a sus compatriotas Arctic Monkeys) y “So Good”.

Después de un par de escuchadas, me vi realmente sorprendido por este disco, que,

si bien no parece ser el mejor del grupo, es por demás disfrutable y representa un buen intento por incorporar cosas nuevas a su ya sólido trabajo.

Con más de veinte años de carrera, Garbage vuelve tras cuatro años de silencio, visita al país de por medio, con un disco bastante más intenso que los otros.

Garbage / Strange Little Birds

Band of Skulls /

By Default El guitarrista y vocalista del grupo, Russell Marsden, había manifestado que los tres primeros grupos del trío inglés conformaban una especie de trilogía. Teniendo eso en cuenta, pues no es raro pensar que esta

a algo que ya hemos escuchado antes, pero que resulta fresco a la vez.

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Por: Rafael Sánchez La Ruta del Gordo, un espacio para hablar sobre la gran pasión de comer.

la ruta del gordo

Comer, es ante todo, una actividad social. Es por eso que este mes invito a otro gran entusiasta de la comida para contar su experiencia en uno de los lugares más famosos debido a su internacionalidad, calidad y devoción a la carne.

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Raúl Daumas nos lleva de paseo por los diferentes sabores que hoy nos ofrece el Hard Rock Cafe de Asunción con una entrevista a Alicia, la encargada en supervisar el lugar en donde nace la magia.

Juntando las dos pasiones de Raúl, las hamburguesas y la música, nace la entrevista del Burger Tour.

Raúl: Bueno, estamos acá en Hard Rock Café con Alicia y esto es el Burger Tour, y por eso me llamaron a mí ¿verdad?

Alicia: Claro, jajaja Raúl: Ayer estaba feliz porque se me cerraba un poco la campera pero creo que desde mañana ya no se va a cerrar, bueno Ali, explicame un poco, esto es una edición limitada.

Alicia: Estamos con una edición limitada por dos meses, el objetivo es que los clientes vengan a consumir acá en Hard Rock Café y se trasladen de un país a otro, nosotros los visitamos y son recetas propias. La idea es que vengas y comas una hamburguesa de Buenos Aires y creas que estás en Buenos Aires, o una de Barcelona y

creas que estás en Barcelona, esa es la idea con estas promociones.

Raúl: Y decime, a vos como chef ¿te envían las recetas? ¿Y es la misma receta para cada Hard Rock de diferentes países?

Alicia: Así mismo, son selecciones de diferentes países y bueno, uno selecciona cuatro o cinco, la que más le parece que va a pegar. De todos los países sacamos cinco hamburguesas.

Raúl: Bueno, empecemos, la italiana ¿qué tiene de especial?

Alicia: Es una hamburguesa súper fresca para mi gusto, porque es queso ricota, mezclado con tomate seco y tocino italiano.

Raúl: ¿Y la universal?

Alicia: La universal es de California, que tiene chorizo, queso fresco y unos chips de maíz y por supuesto unos jalapeños fritos, que le da un toque picante.

Raúl: ¿Y la denominada Madre Patria?

Alicia: Es la de Barcelona, que tiene una salsa especial, con vegetales gratinados que le da un toque único y se sienten los sabores de la parrilla, con locote amarillo y rojo como los colores de la bandera.

Raúl: ¿Y la Buenos Aires?

Alicia: Bueno, cómo no va a tener la salsa criolla, que ellos son especialistas en esa salsa, tiene

rúcula, chorizo y huevo frito.

Raúl: Y la que me va a tocar a mí es la Yankee, la de Nueva York.

Alicia: Esa se llama Italy porque es como una pizza en una hamburguesa.

Raúl: Osea, es de Nueva York pero está basada en comida Italiana.

Alicia: ¡Así mismo! Tiene champiñones, salsa de tomate, pepperoni.

Raúl: ¿Y todas están acompañadas de papas fritas normales?

Alicia: Sí, así es... todas menos “la nuestra”.

Raúl: La nuestra es la paraguaya que al final yo creo que es la mejor, no es por ser muy patriota pero es la que más pinta tiene ¿qué tiene la local?

Alicia: Tiene doble carne, huevo frito, queso cheddar, queso muzzarella, salsa de barbacoa, cebolla y tomate que son a la parrilla y tiene papa ¡es una bomba! Y obviamente está acompañada de mandioca y queso mix.

Raúl: ¿Y cómo está reaccionando la gente?

Alicia: Increíblemente la Kogua Burguer es la que más se lleva, es algo nuestro y nos encanta, hemos recibido buenísimos comentarios.

Raúl: Bueno ¿y entonces la gente tiene solo dos meses para venir a probar?

Alicia: Sí, dos meses para venir a probar todo.

Además de los deliciosos sabores que pude apreciar, destaco como cliente la buena onda que tienen todas las personas que trabajan en el local.

Así que si a ustedes como a mí las hamburguesas les hacen quemar bulbo, Hard Rock Cafe los lleva de paseo y les muestra un mundo de sabor en nuestro casco histórico.

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DementesX Música, libros, cine, diseño, publicidad http://www.dementesx.com/

narco planeta feliz txt: mr.x

Hoteles paradisíacos, ciudades en auge y crecimiento imparables, comida para todos y todas -ya con postre, estrellas, y cometas incluidos- en un planeta en donde los servicios básicos funcionan de manera ejemplar -sin importar los colores ni coloretes-, por sobre todo, la justicia se ajusta como se debe.

“Narcoplaneta Paraguay, tenés que sentirlo” reza la invitación para recorrer los reconditos parajes de sus tierras, llena de bondades y parajes sin igual ¡De hermosos ñanduties! “En el narcoplaneta Paraguay no hay un solo preso político. Lo que ocurre es que un sector altamente radicalizado de la minoría opositora quiere inspeccionar las cárceles olvidadas y vacías, algunas cárceles tuvimos que convertir en bibliotecas, y otras en centros de investigación de archivo” asegura El General, con una fotografía de Itaipú colgando a sus espaldas.

Sentado en su trono de verdades inamovibles, el gran Labio que todo lo ve y lo siente, declama luego de un sorbo de tereré “Somos un planeta de gente laboriosa, simbiosis de dos razas, patriota, hospitalaria, muy nacionalista e irreductiblemente amante de nuestra libertad”.

Suenan fuegos artificiales, festejando, explotando -hay tanto por festejar que la gente siempre tiene excusa para el mbokapu-, luego ya los medios y la prensa relatan el resto. “Acá en Narcoguay enfrentamos a los narcotraficantes con todo el rigor de nuestras leyes. Cambiamos

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armas por flores, las mismas disparan vida y poesia. Festejamos que reina la paz todos los días y todas las noches”, continúa este paraguayo de pura sepa -es feliz, y lo sabe-, cerrando la apertura a preguntas del narcoplaneta más feliz del universo. Tenes que sentirlo, a flor de piel, en el calor del sol, y en el frío de la noche.

De avanzada, la innovación de punta a punta. Prosigue “Aquí no hay ninguno que tenga arcos ni flechas, pura tecnología de punta”. Un planeta tan feliz, con veredas inclusivas, donde hasta los autos tienen espacio; donde los indígenas y campesinos, animales, mitos, y hasta seres de otro planeta tienen cabida en la mesa multiplanetaria de negociaciones interinstitucionales.

Por si fuera poco, “En Narcoguay no nos espía nadie. Nosotros somos la inteligencia. Cambiamos las armas de guerra por las armas de pensamiento masivo: pensar con el ciudadano, ser su pensamiento. Meternos en su pensamiento y ser parte de su vida. Hay que ser integrales y estar alineados en onda con los demás planetas” culmina su majestad, para dar paso a la música, a los bocaditos, a las fotos de sociales.

Hay más, mucho más. Tantas son las bondades de este planeta que de a poco, sus bosques y sus tierras van reapareciendo como por arte de magia ¡Hermosos los árboles y estancias de la patria sojera brillando por todo el planeta!

Su gente, tan amigable, nunca cuestionan nada -especialmente los empresarios de frontera-, pero aplauden todo. Hip, hip, hurra!

La libertad, primero. “Todo está liberado. La gente duerme con las ventanas abiertas, la billetera abierta, la cuenta bancaria abierta”. Los barrios explotan de festejo, los vecinos se abrazan en la llamada “hora de amor al vecino” en donde el calor humano es una constante.

Hasta hay móviles disponibles para dar un tour de historia por los parajes de verdad y justicia.

Irradiados de felicidad, los seres de este planeta van a sus casas a dormir en paz, para así reanudar a primera hora la jornada honrada y feliz de todos los días. *Basada en la última entrevista realizada a Stroessner antes de su derrocamiento. La misma fue publicada recién el 4 de febrero de 1989 en ElPais (España).

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entrevista Por: Annabel Pitaud de Brit Noise

the farm The Farm es una de esas bandas emblemáticas del britpop de los 90s, no tanto por la cantidad de éxitos que metieron, sino por cómo afectaron justamente esos temas.

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The Farm es una agrupación muy querida en su ciudad por los trabajos que realizan en su comunidad. Sus integrantes son conocidos por brindar clases y tutoría gratuitas para bajo, guitarra y batería. Peter Hooton, el vocalista, es un tipo que no cosechó éxito a largo plazo, sin embargo, sigue muy activo en todo lo que tenga que ver con la creación artística.

txt: annabel pitaud

“El fútbol y la música deben unir a la gente”

El caso específico de “All Together Now”, un himno que hasta ahora es cantado en los partidos de fútbol de numerosos equipos y, que incluso, fue empleado en una campaña contra el cáncer.

Proveniente de la clase social obrera del puerto de Liverpool.

En mayo la banda tenía que realizar su primera visita a Sudamérica, una gira que los llevaría a Perú, Brasil y Chile, pero lastimosamente el tour se pospuso y aun no tiene nueva fecha. Esta entrevista con Peter Hooton la realizamos justamente unos días antes de que se haga dicho anuncio. Se mostró muy feliz de poder llegar a nuestro continente y de visitar países con gran trayectoria futbolística, ya que es un gran fanático del balompié.

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t

The Farm se reformó en el 2004 y vienen presentándose en vivo desde entonces.

Contános cómo son sus shows: ¿qué incluyen, tienen temas nuevos?

Estuvimos tocando principalmente en festivales, tanto en el Reino Unido como en el resto de Europa. El set incluye las canciones de siempre pero últimamente estamos presentando también los temas nuevos. ¿Están trabajando en un nuevo disco entonces?

Estamos escribiendo nuevo material, básicamente letras. Aunque hace poco entramos a un estudio para trabajar en la música y es lo que estamos tocando ya en vivo. No sabemos todavía si será un disco nuevo o no, tenemos 5 o 6 canciones hasta ahora, pero queremos escribir un poco más. ¿Cómo es el público que asiste a sus shows?

Son muy pasionales en cuanto a nuestra música, son personas que suelen acercarse a nosotros y nos cuentan que nuestras canciones son importantes en sus vidas, nos cuentan historias. Somos una banda para la gente, buscamos que nuestras canciones sean prácticas, humanas, anti guerras incluso. Somos de Liverpool, es una ciudad desafiante y eso buscamos reflejar en las letras, esa es nuestra actitud.

Este año estuviste trabajando este año en la campaña de la BBC “Get Creative Day”, una campaña que celebra el arte, la cultura y creatividad de todo el mundo y en diferentes formas. ¿Me gustaría saber si te parece que aún es posible encontrar creatividad en

la clase trabajadora, eso que caracterizó hace unas décadas al norte de Inglaterra?

Sí, definitivamente! Fue una experiencia fantástica. Desde que surgieron los Beatles, Liverpool se convirtió en una ciudad tradicionalmente famosa por el fútbol y también por la música. Pero me resulta impresionante ver creatividad, en el sentido en que la gente la lleva al extremo.

Como gran fan del club Liverpool, le preguntamos si había asistido a la final de la Copa UEFA, donde se había enfrentado su club al español Sevilla, resultando campeón el equipo español…

Fue muy decepcionante. Pero creo que un fanático del fútbol tiene que ser muy filosófico, sólo un equipo puede ganar al final del día… y ese día no fue el nuestro.

Pero creo que las épocas de gloria de Liverpool están atrás, tenemos un equipo bueno, pero está en la etapa de progreso todavía…

Siempre te preocupó la violencia en el fútbol. ¿Cómo recordás la época cuando los hooligans era un grupo activo?

Fui a muchos partidos en ese tiempo y creo que hubo una gran exageración. Pero ahora es muy diferente y me alegra en sea así. Me gusta que el fútbol sea un factor que una a la gente.

En un programa de televisión, estuve hablando de eso con Shaun Ryder (Happy Mondays), sobre la rivalidad de Manchester y Liverpool… y no creemos que el fútbol esté hecho para dividir a las personas. El fútbol, en circunstancias correctas, tiene que unir a la gente.

En los 90s tuviste una revista alternativa llamada The End. ¿Creés que algo así hubiera funcionado hoy en día teniendo en cuenta toda la tecnología que nos rodea?

Pienso que sí. El lema de The End era alentar a la gente a que escriba, a que exprese sus pensamientos y sentimientos. Hoy en día, con Facebook y Twitter por ejemplo, la gente hace eso constantemente. Pero con las redes sociales también afloran los peores sentimientos y pensamientos de la gente. Podría decir que el 95% de lo que se encuentra en redes sociales es interesante, fantástico y hasta brillante, pero hay un 5% que es basura y que sólo expresan odio.

Al momento de la entrevista nos comentó además que venían ensayando a full para los shows en Sudamérica, sobre todo las canciones de los álbumes “Spartacus” (1991) y de “Love See No Colour” (1992), además de algunos temas nuevos.

Para quien conozca la historia de The Farm, sabrá que es un grupo que sufrió en sus inicios la pérdida de uno de sus integrantes, de un amigo, Andy McVann a la edad de 21 años y a quien siempre recuerdan en sus mensajes.

Sin necesidad de más preguntas, Peter Hooton siguió hablando:

“somos un grupo muy entusiasta, pero también pasamos por un montón de cosas en el pasado, nos gusta más que nada estar con la gente y entretenerla”.

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NHI-MU TEATRO AÉREO CON LOS PIES EN EL AIRE

Este mes, Nhi-Mu Teatro Aéreo, único en su género en nuestro país, festeja 19 años desde su nacimiento. Selva Fox, actual directora y una de las fundadoras, comparte cómo fueron los primeros pasos y, aún con los pies en el aire, en esta nota cuenta que la compañía sigue más fuertes que nunca.

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¿Cómo nació Nhi-Mu? Nació en 1997, en la casa de Nelson Arce, donde nos reunimos para ver unos videos de obras artísticas de Buenos Aires y decidimos con él, Pato Masera, Sonia Amarilla, Pablo Meilicke, Juancho Álvarez y Karina Sanabria hacer teatro aéreo. De este grupo, quedé yo a la cabeza, ya que cada uno de ellos tomó otro rumbo, ya sea porque vive en otro país o porque se dedica a otro tipo de espectáculo. ¿Por qué le pusieron ese nombre?

Por el famoso dicho “no digas ni mu”, y la h intermedia le agregamos para jugar con la palabra. ¿Cómo fueron los inicios?

En principio trajimos a un instructor de Buenos Aires para que nos enseñe la técnica.

El dinero para comprar los equipos del exterior, porque en esa época no había acá, lo conseguimos haciendo performances en discotecas u obras infantiles. Cuando sobraba algo de efectivo, lo usábamos para comprar tornillos y materiales para la estructura.

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txt: annaly vargas para Adri Morro Prensa + Contenidos

Hay más sorpresas que vamos a develar en breve. Si, podemos decir que estaremos próximamente girando en modalidad Cine al Aire por 40 ciudades del Paraguay durante el 2016, además de cine queremos brindar talleres en los mismos.

¿Cómo fueron evolucionando?

Al comienzo usábamos arneses y sogas, al estilo circense, luego fuimos incorporando telas acrobáticas y trapecios. Hoy tenemos un elenco estable, pero también solemos invitar a compañeros para que formen parte de nuestras obras. ¿Cuáles son las obras más emblemáticas de Nhi-Mu? Desde mi perspectiva, Viaje 1 (la primera obra presentada en 1997 en el Ferrocarril) y Viaje 2, porque marcaron el comienzo de cosas lindas.

Mirando atrás, ¿qué podés decir de estos años recorridos?

Son 19 años y seguimos remando. Los artistas tenemos que juntarnos y hacer fuerza. Atravesamos una época difícil el año pasado, cuando casi tuvimos que cerrar, pero los amigos y compañeros de Nhi-Mu no lo permitieron, ellos nos dieron fuerzas para continuar y levantar el espíritu. Tenemos que ser fuertes y fieles a lo que creemos, a nuestros sueños, y seguir. Voy a seguir con el teatro aéreo, porque me gusta, me encanta, es mi sueño. Este galpón es donde vivo todos mis sueños y voy a seguir para adelante siempre.

Contános sobre el galpón.

El galpón es nuestra casa, el lugar donde ensayamos las obras, los espectáculos y donde se llevan a cabo los talleres que ofrecemos al público en general. ¿En qué anda Nhi-Mu? Estamos ensayando una obra que queremos volver a presentar en julio, se llama “Todos los sapos también van al cielo” y, como nos gusta la experimentación, se trata de una fusión entre el teatro negro y el aéreo. También hacemos espectáculos los miércoles y los fines de semana en el local “Para cuándo la vida”, tenemos muchas expectativas de trabajos nuevos. Además, los talleres de tela acrobática, trapecio y para niños están cargados de gente. ¿Cuáles son los sueños de Nhi-Mu? Comprar el galpón, que sea nuestro, para poder invertir en montajes aéreos más grandes y comenzar una nueva etapa.

También nos gustaría montar una obra y poder llevarla al exterior y demostrar que Paraguay también tiene teatro aéreo.

Más info 25 de Mayo 1087 (021) 207241 Facebook: Nhi-Mu Teatro Aéreo WWW.LAFACTORY.COM.PY

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La revis cumple sus 90 tiradas, y nosotros cumplimos seis meses con nuestros 2x1, seis meses viendo los distintos puntos de vista de los que hacen que nuestra revis y lo que tanto nos gusta sea más cool cada día. Celebramos seis meses con los chicos de DTI y Nhandei zha!

1. ¿Hace cuánto tiempo conformaron la banda?

2. Cómo se definen a ustedes mismos?

3. ¿Qué creen que es lo que aportan de diferente como banda?

4. ¿Algo que los diferencia de los demás?

5. ¿Cómo se sienten en la escena nacional?

6. ¿A dónde quieren llegar como banda?

7. ¿Cuál es el mayor desafío que afrontaron hasta ahora como banda?

8. ¿Una banda nacional que los motiva a seguir adelante?

DE BANDAS NACIONALES

Destruye Todo Imperio / NHANDEI ZHA

txt: andrea stallard

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1.

4.

Lo que nos diferencia, al menos según las personas que nos siguen, es la energía que transmitimos hasta en los temas más “tranquis” ¡Siempre hay mucha energía y violencia!

Tanto en la música como en la puesta en escena.

3.

Aparte del mensaje que damos en general, aportamos una nueva escena musical tanto en Asunción como en otras partes del país... Si bien no fuimos la primera banda de metalcore o “core” fuimos los que encaramos esto más seriamente y con una propuesta adecuada al mercado actual del estilo en Latinoamérica.

Organizamos festivales nacionales e internacionales, abriendo camino a bandas internacionales del estilo y a nacionales (que ahora son el 50% de la música nueva en Asunción, gran Asunción y otros puntos del país). A tener un propio circuito y salir del país. ¡Creemos que es lo que aportamos! Aparte de crecer como banda, ayudar a crecer y dar las mismas oportunidades a otras más.

Nos definimos como una banda de metal en general, obviamente mucho más hacia las ramas del metal core, hardcore, groove metal, djent.

2.

Como Destruye Todo Imperio estamos oficialmente desde julio del 2015, así que estamos cerquita de nuestro cumpleaños! Jajaja

¡Por supuesto los Flou!

Ellos son los más grandes y profesionales del metal y rock pesado nacional, aparte de dar siempre una mano a todos.

8.

La verdad el mayor desafío hasta ahora fue grabar el disco. Creo que es la prueba de fuego de toda banda. Después de ahí, más o menos vas en automático.

7.

¡Queremos llegar lejos! Seguir juntos como banda muchos años más, viajar, compartir con bandas de acá y otro país a las que admiramos, lograr aceptación y tener un público de otro país como en Paraguay!

6.

5.

¡Muy cómodos! Nos sentimos muy a gusto y compartimos con muchísimas bandas no solo de nuestro estilo, algunas fechas tocamos con Salamandra, en otras con Flou y en otras como una vez con bandas como Steel rose, Patriarca y Mythika!

dti

1.

3.

Nos sentimos acogidos por la gente y las bandas amigas. Somos malcriados, siempre tocamos en escenarios buenísimos, con carteles increíbles, en buenas posiciones y con bandas que siempre fueron nuestras influencias dentro de la escena local. Hicimos

5.

Algo que sucede bastante es la comparación entre los unos y los otros en el mundo de la música. Nosotros no pasamos por eso, sino que tratamos de desligarnos por completo de cualquier prejuicio, hacer amistad y aprender de absolutamente todas las personas con las que nos toca compartir escenario, estudio, etc.

4.

Somos extremadamente sinceros con nosotros mismos, absolutamente todo lo que sale de la fábrica de Nhandei Zha es 100% pasión y corazón. Tenemos shows muy energéticos y tratamos de interactuar mucho con el público.

Cada canción tiene partes donde tratamos de participar con la gente del otro lado del escenario, ya sea con saltos, gritos, aplausos, head bangueos y todo lo que se nos ocurra.

Pensamos que Nhandei Zha es un grupo de miles y miles de personas, y nosotros 5 somos nada más que una mínima fracción del fenómeno en el que se está convirtiendo esta banda.

Nos definimos como un grupo de amigos dentro y fuera de la música, con muchas cosas en común, amantes de la música y en especial del rock en todas sus expresiones. Si tenemos que ponerle un nombre a la música que hacemos, suponemos que sería Nu Metal.

Aunque realmente tiene salpicones de punk, hip hop, y saltos que pueden ir desde el pop, J-Rock, hasta el metal extremo.

2.

La idea de formar Nhandei Zha nació en el año 2008. En 2009 todo fue tomando forma, la banda se consolidó como tal y comenzamos a componer temas propios y a tocar cada vez más.

7.

La banda nacional por excelencia a nuestro parecer es FLOU. Hacen rock pesado, metal, se mantienen fieles a sus gustos y creencias y siempre fueron tendencia en este país.

Queremos ser un FLOU, un SALAMANDRA, un REVOLBER, un RBS, un NHANDEI ZHA.

8.

Hacer música es siempre un desafío en muchísimos sentidos. Creemos que la parte musical, refiriéndonos a composición y shows en vivo, la tenemos bastante bajo control. Algo de lo que sí podemos reflexionar con respecto a esta pregunta sería el financiamiento de una banda. La suma de dinero invertido para hacer que esta máquina camine es bastante alta y en un sistema tan corrupto y podrido como en el que nos toca vivir es siempre desafiante hacerlo viable. El arte es menospreciado en nuestro sistema. Existen entes como APA que deberían velar por los intereses de los artistas pero sin embargo hacen todo lo contrario y solo tiran el carro para atrás. Así que el mayor desafío que afrontamos día a día con muchísima pasión es “vivir” de nuestra música.

Como banda queremos llegar a la mayor cantidad de oídos y ojos posibles en el mundo entero. No apuntamos nada más a la escena local, apuntamos a la escena global. Las redes sociales y el internet en general hacen cada vez más fácil llegar a rincones en donde años atrás era muy difícil llegar. Suponemos que el día que estemos tocando en el Tokyo Dome en Japón vamos a poder decir: “Acá queríamos llegar como banda”.

6.

amigos para toda la vida a través de la música de este país.

nhandei zha

kilkfest 2016 estilos variados y mucha energía

La fresca tarde/noche del 4 de junio daba la bienvenida a una nueva edición del festival Kilkfest, un año y medio después de la exitosa primera edición.

Esta vez los invitados variaban tanto en sus estilos musicales como en su procedencia en el mapa: los estadounidenses The Ocean Blue, los brasileños Skank y los británicos Kaiser Chiefs serían los encargados de agitar a las casi 5.000 personas que llegaron al Casco Antiguo de Asunción.

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txt: mario hannich fotos: maca galindo

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La segunda edición del Kilkfest contó con un gran trabajo en la organización de G5Pro y el apoyo del Club Personal, utilizando el complejo para el show principal y ubicando los puestos de comidas y bebidas en la calle, además de los baños, logrando comodidad en la movilización del público y evitando los amontonamientos.

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Vertebral fue la banda encargada de romper el hielo, relativamente nueva en la escena pero formada con músicos de experiencia.

La gente empezaba a llegar de a poco a la imperdible cita.

Para calmar la espera entre banda y banda los DJs Chic Floyd y Mars tuvieron la misión de mantener al Casco Antiguo en movimiento pasando música desde el escenario.

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Aún con varios claros dentro del predio The Ocean Blue salta al escenario y empiezan a descargar su show, un pop rock pulcro y ochentoso se apoderaba del Casco Antiguo con David Schelzel a la cabeza,

el setlist repasaba clásicos de la banda y canciones más recientes.

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Los puntos más altos se dieron cuando tocaron Between Something and Nothing, Ballerina Out of Control, la muy conocida Sublime, Ask me Jon y los covers West End Girls de Pet Shop Boys y There’s a Light That Never Goes Out deThe Smiths. Segunda venida de The Ocean Blue a nuestro país, demostrando que siguen más que vigentes.

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Era el turno de los brasileños Skank, banda que celebraba sus 25 años de trayectoria y visitaba por primera vez nuestro país. Su vocalista Samuel

Rosa, inquieto y en permanente contacto con el público encabezaba la fiesta con mucha distorsión acompañada de los instrumentos de viento.

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Sonaron temas como É Uma Partida de Futebol, É Prohibido Fumar, Saideira, Jackie Tequila, además de las reconocidas Te Ver, Amores Imperfeitos y cerrando el show con el doblete Garota Nacional y Vamos Fugir. Skank encendió al público que en esos momentos ya colmaba el lugar, dando paso al plato fuerte de la noche.

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Kaiser Chiefs fue lo más esperado, y no defraudaron al público, haciendo un show enérgico y desatando todo su rock.

Los oriundos de Leeds empezaron con Everyday I Love you Less and Less, haciendo que todos empiecen a saltar llevados por el ritmo. El vocalista Ricky Wilson se comunicaba con la gente poniendo a prueba su castellano y moviéndose de una punta a otra del escenario agitando al público. En momentos clave llegaron otros hits de la banda, la esperada Ruby fue coreada por todos, así como I Predict a Riot. Cerraron con una semi electrónica Parachute y Oh My God poniendo fin a aproximadamente 1 hora y media de un potente show.

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La madrugada no se acababa, faltaba Salamandra para cerrar el festival, algunos ya se iban retirando del lugar, pero la hora no fue impedimento para que mucha gente se mantenga firme para disfrutar del show de la banda nacional que son unos de los que más público lleva a sus conciertos. Recorrieron todos sus clásicos, Canción Corta Para los Amigos, Vamos de Gira, Solito, entre otros.

El Kilkfest 2016 nos dio un viaje por distintos estilos musicales, pero todos con una misma premisa: para disfrutar de un festival tan variado, solo hay que tener ganas de saltar y compartir la energía de cada banda.

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Cambió el bajo por las consolas, aunque solo temporalmente. Zeta Bosio, el ex Soda Stereo, convertido en DJ hoy en día, regresó en mayo pasado a Asunción para brindar un set en Rockero junto a los locales Chic Floyd.

En una breve pero interesante entrevista, hablamos sobre sus proyectos actuales y lo que se viene en breve… txt: annabel pitaud fotos: raúl ruiz

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Estás viniendo a tocar como DJ en esta ocasión…

Sí, como en las últimas oportunidades que he visitado Paraguay. Me pone muy feliz seguir con esto, ya que ha sido uno de los objetivos que tenía desde que empecé con esto hace ya casi 10 años. En mi Soundcloud pueden encontrar lo que he producido en solitario y en colaboración con otros artistas. ¿Qué podés contarnos sobre el proyecto Shoot the Radio con Fernando Montemurro?

Shoot the Radio surgió por las ganas de tocar que tenía y de volver a estar en un escenario. Fernando se encarga de los teclados y sintetizadores y yo tomé el bajo.

Estamos sacando el disco que se llama Opera Galaxy… actualmente estamos terminando los últimos temas. En el disco aparecen artistas invitados… por ejemplo, Javier Weyler (ex Stereophonics) lo elegimos por amistad y por la relación con la música que tenemos ambos. Cuando fui a conocer su estudio en Londres, le mostré lo que estaba haciendo y le encantó y me dijo que quería tocar la batería.

Contános cómo son los shows en vivo de Shoot the Radio…

Hoy en día que es el comienzo, estamos tocando solamente nosotros dos y me parece una buena forma de empezar y crecer. Los temas en vivo están replanteados de forma distinta, con mayor energía. El estilo del show es más de Daft Punk, Chemical Brothers, temas que se van enganchando entre sí. Tiene mucha importancia lo visual, las luces y las pantallas. Va dirigido a que lo audiovisual vaya sincronizado con la música.

Hace poco presentaste tu libro “Yo Conozco ese Lugar”, ¿cuándo empezaste a armar el libro?

Hace 4 años surgió la idea. Se acercó un intermediario de la Editora Planeta

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y me dijo que la editorial estaba interesado en que lo haga y ahí empecé a analizar la idea ya que tenía muchas ganas de hacerlo anteriormente, ganas de escribir lo que había pasado. En el 2005 había empezado a escribir indirectamente, mediante un “manual para bandas” dirigido a bandas jóvenes y/o emergentes y los consejos que escribía, era lo que me había pasado con mi banda.

Además de una línea del tema “La Cúpula”… ¿a qué se refiere el título del libro?

Explica muy bien lo que yo puedo contar de la historia, algo que nadie más puede explicarlo porque yo estuve ahí.

Seguramente hubo muchos pasajes, algunos fáciles, otros difíciles, que costaron ponerlos en palabras…

Traté de ser lo más espontáneo posible. Mediante grabaciones que un periodista amigo me ayudó a extraer y a ordenar la historia. Luego hubo un período de correcciones, donde me involucré muy personalmente porque había que acomodar toda esa historia y darle un sentido, no sólo en la prosa sino cronológicamente también.

Ahora están con los preparativos para el Cirque Soda. ¿Cómo fue para que surja el interés del Cirque du Soleil en Soda Stereo?

Surgió por parte de la gente que trabajó en nuestra gira “Me Verás Volver” del 2007 y de la productora PopArt de Buenos Aires. Contactaron con la gente del Cirque en Montreal y luego de varias conversaciones, aceptaron realizarlo. Pero todo este proceso fue casi un periodo de 3 años de trabajo, y es increíble que ahora estamos a 6 meses del estreno… será en marzo del 2017. ¿Cuál es la participación que tienen Charly y vos?

Vamos a poder revisar nuestras músicas del lado musical del proyecto del Cirque, intervenir en las canciones y tratar de generar nuevas cosas porque lo necesita la obra.

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txt: roque martínez

“Captain love” y “Think it over” fueron algunos de los momentos más emocionantes de la noche del martes, donde la gente acompañó en los coros.

Tras más de 15 canciones el público despidió con aplausos y ovaciones a los artistas en lo que fue un show inolvidable.

Cada tanto anuncian el show de una banda que absolutamente nadie espera, este es el ejemplo de The Winery Dogs. Cuando Music Hall realizó el anuncio oficial por la celebración de sus 58 años fueron muchos quienes no creyeron que una banda que si bien no goza de una popularidad masiva sí goza de de una notable admiración entre los fans más exigentes del rock duro en pleno centro asunceno.

A la tercera canción Kotzen saludó a la audiencia, señaló que se trataba de la primera vez de la banda en el país, luego preguntó “¿cuántos conocen ‘Hot Streak’?”

Con un sonido potente el trío hizo volar cabezas de rockeros y metaleros que se hicieron presentes en la lujosa sala poco habitué de este tipo de shows. Ovación generalizada para los tres músicos, pero la mayoría de los cánticos de la platea eran dedicados a Mike Portnoy, quien desde las baquetas acompañaba cada “ole ole ole Portnoy” con su batería.

Para el momento de la zapada se salió totalmente del libreto y con los palillos en la mano golpeó todo objetos que tuvo adelante, incluyendo el piso del propio escenario y los pedestales de los micrófonos. Otro de los momentos altos fue cuando Richie Kotzen soltó un eterno solo de guitarra durante su momento de la noche. Allí los que aún faltaban engancharse en la propuesta hard rockera de la banda se dejaron llevar por la magia de los dedos de Kotzen con su instrumento. La platea no pudo más que engancharse con el aluvión de música que caía desde el escenario.

Los músicos dejaban todo sobre las tablas mientras sonaban “Time machine”, “Empire”, “Fire” y la muy coreada “Ghost town”. Sorprendía ver a varios de los presentes cantar las letras desde el inicio hasta el fin. También sorprendía ver que toda esa emoción era exclusivamente por la música ya que en el local no vendió una gota de alcohol.

Llegado el momento del solo de Sheehan la banda ya tenía a todo el público en el bolsillo. Técnica y experiencia se mezclaban en la ejecución del espigado y veterano bajista de la banda, cuyo instrumento no hacía solo las bases

sino que iba por otra parte mientras las seis cuerdas por el suyo.

El set list de la noche se basó en la breve pero contundente discografía de la banda, su disco homónimo de 2013 y “Hot Streak” de 2015. Los tres ejecutantes demostraron que el proyecto apunta a revalidar el virtuosismo del hard rock en la vena de Mr. Big, ya que dos de sus integrantes, Kotzen y Sheehan supieron ser parte allá por la década de los 90. Mientras que este es la banda más importante y popular de Portoy luego de su salida de la banda de metal progresivo Dream Theater.

El power trío se despidió con más ovaciones por parte de su público que demostró que aunque una banda oculta para el mainstream puede convocar a una importante cantidad de público para una verdadera cátedra de música. “I’m no a angel” fue una de las canciones más coreadas por la gente que estaba prendida, mientras que con “Desire” dijeron hasta luego en medio de aplausos y ovaciones.

the winery dogs dieron cátedra de música en asunción

La banda de rock estadounidense The Winery Dogs brindó un show de primer nivel sobre el escenario del teatro del Hotel Guaraní durante la presentación en vivo de su último disco “Hot streak”. Tres músicos con larga trayectoria como Richie Kotzen en guitarra y voz, Billy Sheehan en bajo y Mike Portnoy en la batería, quienes dieron cátedra de virtuosismo ante las más de 500 personas que colmaron las instalaciones del teatro.

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richie kotzen txt: juan josé galeano

pasado, presente y futuro con

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Con el recuerdo de ese fantástico show de los Winery Dogs, realizado en mayo pasado, todavía fresco y retumbando en nuestros oídos, compartimos esta charla que tuvimos con Richie Kotzen, el prolífero guitarrista del poderoso trío, para hablar de sus planes y perspectivas, entre otras cosas.

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La gira mundial de los Dogs termina el 10 de julio, en San Antonio (Texas). Había iniciado ya en octubre del año pasado y tras casi diez meses recorrieron ya todas partes del mundo, por lo que el guitarrista y vocalista, oriundo de Pensilvania, pretende tomarse una breve pausa. “Hemos tocado bastante y estoy listo para tomarme un descanso y pensar qué viene después. Realmente extraño un poco tener tiempo para mí mismo y pasar un rato con la gente que amo,” inició diciendo.

hacer. Amo la música y estoy agradecido de vivir este momento y de haber visto a tanta gente increíble,” detalló, refiriéndose especialmente a la primera vez que vio “Purple Rain”, aquel fabuloso musical de Prince, que se estrenó en 1984.

Soul sobre todas las cosas De todas formas, todo hace suponer que la pausa será realmente breve.

En este sentido, Kotzen es un músico verdaderamente hiperactivo. Solamente él, ya tiene más de veinte discos solistas (en estudio y en vivo); y con otras agrupaciones, como Arthurs Museum – su primer proyecto grupal – Poison, Mr. Big y Winery Dogs, la cifra se estira aún más.

“Es que siempre estoy tocando”, confiesa.

“Estuve escribiendo muchísimo, tengo muchas ideas, estuve grabando, creo que iré a mi estudio a grabar y si las canciones se dan bien, pues lanzaré otro disco,” confesó, así que podríamos esperar un nuevo disco solista muy pronto.

La evolución musical de Kotzen es por demás interesante. Comenzó a tocar el piano a los cinco años y poco después se pasó a la guitarra eléctrica. Grabó su primer disco solista con apenas 19 pirulos y desde ahí ya no paró jamás.

Describe su estilo como una mezcla entre rock, blues, jazz y soul, con influencias tan variadas como Jimi Hendrix, Steve Ray Vaughan y, principalmente, Prince, Sly and the Family Stone, Parliament Funkadelic y Stevie Wonder.

“Todos ellos fueron enormes influencias para mí. Escucho mucho soul americano, es mi estilo musical favorito de todos los tiempos. Me gusta el sonido que tiene y cómo me hace sentir,” explicó. Esto realmente se puede notar en varios de sus discos solistas y en temas de Winery

Dogs, como “Regret”, que resultó uno de los puntos altos de su actuación en vivo.

Al consultarle justamente sobre esas influencias y sobre sus íconos musicales favoritos, Kotzen fue bastante categórico.

“Sin tener que idealizar a nadie, es indudablemente que todavía podemos escuchar a alguien, reconocer su talento y apreciar su arte, haga lo que haga.”

Insistió además en que cada uno maneja eso de tener ídolos de manera muy personal y particular. “Mis ídolos son los míos y cada uno tiene al suyo,” señaló.

Viejos tiempos vs. nuevos tiempos Corría el año 1975 cuando el músico daba sus primeros pasos artísticos y también se refirió a la abismal diferencia entre aquellos viejos tiempos y ahora. “La nueva generación está metida en cosas totalmente diferentes ahora. Si recién hoy en día me pusiera a escuchar música, posiblemente no me metería así como ocurrió, porque tendría otras distracciones, como Internet u otras cosas,” manifestó.

De todas formas, con la charla extendiéndose por varios minutos, uno puede darse cuenta que, en realidad, Richie Kotzen no pretende ser negativo, aunque sí habló de la existencia de una tendencia a ser menos productivo, por lo que insistió en buscar inspiración donde cada uno lo sienta. “Personalmente yo todavía quiero escuchar cosas nuevas.

Es mi naturaleza y es lo que me gusta

De hecho, el guitarrista decidió tocar ese instrumento cuando a los 7 años vio a Kiss. Primeramente fue en la TV, promocionando un concierto, y después en los posters de una tienda de discos.

De esta forma, también se considera sumamente afortunado. “Tuve la fortuna de ver a toda esa gente en el pico máximo de sus carreras y es genial”.

Y ya cuando la charla llegaba a su fin, concluimos con el típico consejo a los nuevos y futuros músicos, aunque el artista fue tajante de entrada. “No podría dar uno,” dijo.

De todas formas, expuso sus razones, con un argumento por demás personal.

“Tengo una hija de casi 19 años y he notado que tiene una gran orientación musical; escribe excelentes canciones y tiene una voz hermosa. Yo no puedo involucrarme mucho porque creo que no tenemos la misma perspectiva. Si alguien viene y me dice que le gusta lo que hago y me pregunta cómo es que lo hago, podría hablar todo el día sobre eso. Pero dar a alguien algún consejo debido a mi propia experiencia podría perjudicar a alguien, podría orientarlos hacia una dirección equivocada.

Lo que es importante para una persona, puede resultar irrelevante para otra”.

Terminamos hablando de, cómo no, música. Kotzen tiene discos fenomenales como “Fever Dream” o “Into the Black” y sus grupos gozan de gran talento y espectacularidad musical. Y luego de apreciar su extraordinario capacidad como guitarrista y vocalista aquella noche en el Hotel Guaraní, el consejo que realmente queda es escuchar.

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Se llama August y tiene un grupo llamado “The Suits”

“Fue algo asombroso. Me dije “quiero hacer eso”.

txt: andrea stallard fotos: vivi amaral

EN

Les dejamos una entrevista a la Directora de esta obra, donde nos cuenta cรณmo se desarrolla el proyecto. ยกNo te olvides! Agendรกlo y apostรก al arte nacional ยกQue vamos creciendo!

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dirigida por:

paola irún

una nueva forma de hacer teatro en Paraguay, dirigido por Paola Irún.

Se trata de una experiencia nueva de grupos alternativos que van desarrollando la obra teatral sin contar antes con un guión, van creando la historia hasta días antes del estreno, usando diversos espacios urbanos para llevar acabo la puesta en escena.

Paola, antes que nada ¿cómo definís a En Borrador?

EN BORRADOR, teatro en construcción es un grupo de teatro experimental que crea sus propias obras de teatro originales, basadas en la colaboración entre elenco y dirección y entre estos y un grupo de artistas de distintas disciplinas. ¿Qué es un teatro de laboratorio y qué le diferencia del teatro convencional?

La diferencia es la experimentación, la búsqueda de la mejor manera de decir lo que queremos decir, prueba y error. Los protagonistas de estas búsquedas son actores creadores y hacedores de su propio material, no actores intérpretes. No hay una sola forma, no hay un solo estilo, sino la mezcla de estilos y formas.

Hay investigación previa sobre el punto de partida, visual, audiovisual, literaria y anecdótica. El énfasis está en el proceso, que no es ensayo sino creación, los ensayos convencionalmente vistos, llegan recién hacia el final del proceso. Y en el caso particular de EN BORRADOR, no utilizamos salas de teatro, sino que intervenimos espacios alternativos de la mano de la dirección de arte a cargo de Carlo Spatuzza.

¿Cómo se dio la posibilidad de trabajar con las personas de Brasil? ¿Ellos serían actores o estarían en la producción?

y con el tiempo Carla y yo fuimos gestando este proyecto para IBERESCENA hasta que nos salió y ahora estamos en pleno proceso.

Este proyecto fue premiado por IBERESCENA Fondo de Ayuda para las Artes Escénicas Iberoamericanas por primera vez en Paraguay a través de la Secretaría Nacional de Cultura.

Estos fondos Iberescena, apoyan la creación de obras originales en co-producción entre países de Iberoamérica. Es así que EN BORRADOR se une a NUCLEO BARTOLOMEU DE DEPOIMENTOS y la productora METROPOLITANA GESTÃO CULTURAL. Esta co-producción consiste en un intercambio artístico de herramientas creativas para la construcción de la nueva obra de EN BORRADOR que se llama “De nuevo, otra vez y una más”. El equipo de EN BORRADOR estuvo en São Paulo en residencia artística con BARTOLOMEU recibiendo su forma de hacer teatro. La obra en sí se construye en Asunción y luego los brasileros vienen a colaborar con nosotros una última vez antes del estreno.

¿Cuáles son los planes que se tiene con el equipo de Brasil?

Cuando fuimos con EN BORRADOR al festival iberoamericano MIRADA del Brasil en el 2014, nuestra productora Carla Stefan (Metropolitana) era también la productora de BARTOLOMEU, a partir de ahí se crearon lazos

Planes a futuro luego del estreno en Paraguay, de poder llevar la obra al Brasil y poder seguir trabajando en nuevas colaboraciones de otras obras. ¿La selección de actores cómo se realizó?

Ruth Ferreira y Ever Enciso fueron los actores originales de la primera parte de este proyecto que se realizó en el 2015, EN PROCESO, donde EN BORRADOR trabajó con estudiantes de teatro y Manuel Alviso fue el director de una micro historia llamada REUBICAR representando a EL ESTUDIO (de Agustín Núñez), fue esa micro historia la que se tomó como punto de partida para esta nueva obra. Luis Zorrila, actor y músico, también participó de esa primera parte y ahora es parte clave de este proyecto debido a que utilizamos la herramienta de BARTOLOMEU de dramaturgia musical. Por último, Jorge Báez y Rayam Mussi que son parte del equipo de EN BORRADOR desde su creación en el 2009.

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¿Cuál es la mayor dificultad de trabajar con un proyecto así?

Este tipo de proyectos requiere mucho más tiempo y el triple de trabajo que una obra convencional, porque no es sólo la puesta en escena sino la creación del material que se va a poner en escena. Nos encantaría poder trabajar de 6 meses a un año para poder realmente ahondar en la experimentación pero los fondos no son suficientes como para solventar todo ese tiempo y todo el trabajo que se requiere.

Tenemos sí la suerte de estar presentados por IBERESCENA, por el CABILDO a través de la Fundación Augusto Roa Bastos y el Fondec, con el apoyo de la Secretaría Nacional de Cultura y el auspicio de La Trattoria Tony y el grupo BM1 que nos ceden este nuevo espacio alternativo que vamos a intervenir. ¿Lo más enriquecedor para vos como Directora haciendo este proyecto?

A través de EN BORRADOR decimos muchas cosas, es nuestra propia voz la que llega hasta el público, aportamos un peldaño más a la dramaturgia paraguaya contemporánea. Esto me parece sumamente importante porque es nuestro deber como artistas de teatro crear nuestra identidad teatral. ¿Qué es lo que el teatro paraguayo tiene para decir? Para aportar no sólo acá sino para el resto del mundo. La dramaturgia paraguaya, en mi opinión, es lo que más debemos apoyar e impulsar para ir creando esa identidad. Con “De nuevo, otra vez

y una más” hablamos del Río Paraguay y de la gente que se ve afectada por su crecida, que se debe reubicar; pero también hablamos de la reubicación que cada ser humano elije o se ve obligado a realizar, en el día a día, nos movemos, nos reinventamos, para no estancarnos. Dejamos atrás cosas, llevamos con nosotros otras pero intentamos estar en movimiento. Y luchamos contra un estado de repetición constante, cometemos muchas veces los mismos errores, y vivimos las mismas situaciones una y otra vez, como personas, como comunidad, como país. Hablar de todo esto y poder compartir con la gente es muy enriquecedor.

¿Realmente el público está preparado para algo que sale de los esquemas?

Por supuesto que sí. Mucha gente justamente está buscando lo diferente, aquello que salga de los límites de lo que estamos acostumbrados, aquello que implique no solamente una hora de divertimento, sino una experiencia multisensorial que mueva, que provoque, que sacuda en el mejor de los casos. ¿Cuándo y dónde podremos disfrutar de la puesta en escena?

A partir del 8 de Julio, estaremos todos los fines de semana de Julio, viernes y sábados a las 21hs, y domingos a las 20hs. El lugar es VILLA ROMANA, Gral.

Gray 361 y Del Maestro, Villa Morra. Reservas al 0982 534300.

https://www.facebook.com/EnBorrador/ http://enborrador2016.tumblr.com

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foto: migue rolón

la cocina de hugui presenta:

INGREDIENTES

CÓMO HACEMOS?

1800 grs. de almidón de mandioca 350 grs. de queso Paraguay 1 cda. de sal 80 grs. de manteca 150 ml. de leche 100 ml. de agua

En un bol poner el almidón de mandioca, agregar la manteca derretida, sal y queso Paraguay. Trabajar la masa con las manos.

Mezclar la leche y el agua y agregarla de a poco hasta tener la textura deseada. Calentar en una sartén enmantecada y cocinar hasta que esté dorada de ambos lados.

Huguito Bellassai Pastelero, panadero y chef de cocina internacional, malísima influencia si tu plan es hacer dieta y multifacético por donde se lo mire.

Hugui busca constantemente experimentar y encontrar nuevos sabores.

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txt: roque martinez fotos: Gustavo Segovia

“TENGO UNA GRAN EMOCIÓN

LIBERTAD

PERO EL PENAL ESTÁ

DE LU

El escritor de la cárcel de Tacumbú, César Pastor Martínez, obtuvo su ansiada libertad condicional el día del trágico incendio.

César Pastor Martínez (61) pasó 10 años y 8 meses en la cárcel de Tacumbú. Periodista de oficio, empezó a escribir detrás de los barrotes de su celda en el Pabellón Libertad. “Escribiendo me siento libre en prisión. Es una liberación de nuestros propios sentimientos. Es hacer un poco de catarsis al ver tantas injusticias”, dice sobre su oficio de narrador.

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EMOCIÓN

LUTO”

César acostumbraba levantarse a las 05:00, preparar mate y sentarse frente a su computadora y dar rienda suelta a su inspiración con las palabras. “Aprovecho la tranquilidad porque a esa hora nadie aún se despierta”, contó en una entrevista cuando aún se encontraba preso.

A las 08:30 comenzaba a dar clases a 15 internos que tomaban clases de primaria en un aula del Pabellón Libertad, lugar que César considera “el pulmón de la cárcel”, ya que allí la educación es obligatoria.

“Tengo la gracia de la paciencia para poder escucharles a la gente. Allí hay gente que no sabe ni cómo conseguir abogado.

Así eran mis días”, asegura Martínez.

En contrapartida, su trabajo se contraponía a la “escuela de la delincuencia”, como es considerada la penitenciaría. - “En el penal se relacionan con otra gente, aprenden cómo robar mejor y ser más violentos porque tienen que defenderse en los pasillos. Quien entró por romper un vidrio tiene que hacerse de un cuchillo y defenderse”, recuerda sin vueltas el hombre.

“Estar en Tacumbú es algo terrible para la gente de afuera. Por eso la sociedad cree que tal vez no te puede tocar, pero te puede pasar. Hay personas que entran por casos ínfimos que no valen la pena. Conozco el caso de un señor con nueve hijos que está preso por una denuncia donde se le acusaba de robar una azada. Estuvo preso seis meses.

Eso es una aberración”, confiesa el hombre.

César estuvo los dos primeros años en la zona de la baldosería, al frente mismo del penal. “Allí hay mucha droga y no tenés el sol. Cuando fui al Pabellón Libertad mi mayor logro fue dejar el cigarrillo. Ahí no se fuma. Nunca consumí drogas. Ni marihuana ni cocaína. Allí está prohibido está tomar y fumar. Hay una norma y un reglamento que respetar. Si uno no cambia va de vuelta al pasillo”, cuenta.

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¿Y después qué?” habla de la experiencia desde el punto de vista del voluntario. La humanización está en darle las herramientas al interno para que se transforme y cambie”, explica.

Ahora está en Rusia. Otro trabaja en España que se casó con una francesa y una hija de 19 años, que ahora está en la facultad. Extrañaba a mi familiia y poder pasear”, manifestó Martínez.

“Es sobre un joven que empezó a relacionarse con las drogas y terminó en Tacumbú.

“Camino al infierno encontré el cielo” es mi libro favorito. Tienen que leer porque van a sentir lo que es estar en prisión y lo que es recuperarse. No todo termina en la cárcel cuando te condenan a 25 años. Podés volver a salir y ser una gran persona. Nelson Mandela estuvo 27 años en prisión y después fue presidente”, cuenta.

La ansiada libertad

Recibió 16 años de condena

César, el periodista Martínez trabajó como periodista y publicista. Escribía en una revista mensual que fundó su padre, donde era redactor y director. Además trabajó en Radio Nacional del Paraguay y en Radio Guaraní como cronista deportivo junto al relator Luis Enrique Pérez. “Le hacía parte baja y hasta fui a Uruguay a cubrir partidos de Olimpia por Copa Libertadores”, recuerda Martínez. Él agradece a los pastores del Pabellón Libertad por darle la oportunidad, estando preso, de contar con una computadora para poder escribir. “Esa es una puerta que se me abrió. El talento lo descubrí acá adentro.

Estando en desgracia uno saca fuerzas de adentro para poder salir adelante”, comenta.

César, el escritor El escritor lleva publicados cuatro libros, los que en su totalidad fueron escritos estando preso.

Se trata de “Camino al infierno encontré el cielo”, “El trovador y las doncellas”, “Las calles del chespi”, y “Tacumbú: Y después qué?, último título que publicó”.

“Por ejemplo ‘Las calles del chespi’ es una historia real sobre un chico que nació en la chacarita, que le lustraba los zapatos a los senadores. Mi último libro “Tacumbú:

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Martínez recibió una pena de 16 años de cárcel por tráfico internacional de cerca de 2.000 kilos de marihuana entre Paraguay y Chile, en el conocido caso “Zafiro”, donde fueron condenadas 20 personas. “Estoy pagando por una tontería mía. Antes de entrar en prisión ni multa de tránsito tenía. Soy un hombre limpio. Caí en desgracia”, expresó con un notable pesar.

Sin embargo, Martínez estaba muy ansioso a una audiencia marcada para el 2 de junio de este año en la que podía obtener su tan anhelada libertad condicional. Esto dependía exclusivamente de la jueza penal Yolanda Morel. Al momento de la audiencia, a Martínez le temblaban las piernas. Finalmente, la jueza evaluó su trabajo dentro de la cárcel y le señaló que desde el 10 de junio, al finalizar una serie de trámites, sería un hombre libre.

“Pensaba en mi hermana, que es como mi madre, y soñaba en cómo iba a recibirme el día que salga libre. Extraño a mis cuatro hijos, es lo que más siento” expresó el escritor.

El jueves 9 de junio, los compañeros de César se organizaron para hacer un asado con mandioca en una parrillita, jugar al fútbol y así despedir al que estaba a punto de recuperar su libertad. “Pusimos G. 15.000 cada uno. Me decían que iban a patearme para que salga enyesado, jugamos cuatro partidos. Fue espectacular. A la noche miramos un partido de la Copa América. Ellos se solidarizan con quien sale en libertad porque tienen la misma esperanza. Los guardiacárceles me decían ‘estoy feliz contigo’”, confiesa el hombre.

César no puede evitar emocionarse cuando habla sobre su familia a quienes le agradeció que nunca le hayan olvidado. “Tengo 4 hijos, uno es abogado, otro es bajista quien tiene una banda, ya tocó en más de 25 países.

César recuerda que esa mañana madrugó a las 05:00. Unos 20 minutos después se encontraba en la oficina juntando sus últimos objetos cuando de repente escuchó la alerta de fuego por los altavoces del pabellón desde donde pedían a los internos evacuar la zona ante el peligro inminente. “En la noche empecé a contar los minutos para quedar libre. Me despertaba y dormía, hasta que amanecimos con un incendio”, explica César.

Martínez recuperó su libertad en medio de la tragedia del penal de mientras madres, hermanas, esposas, novias e hijas de los internos reclamaban la lista de heridos y fallecidosante la prensa. A las 10:00 de ese fatal día, César cruzó el portón principal de la penitenciaría. Varios compañeros fueron a despedirle antes de salir. “Parece que se tenía que incendiar Tacumbú para que vos salgas”, le dijeron.

César se levantó con una sensación de libertad por lo que fue hasta la oficina que ocupaba para estar unos minutos cuando vio el humo que salía desde el pabellón de la tercera edad.“El fuego empezó a subir, al igual que el miedo de los compañeros que sacaban sus colchones y ropas”, dice Martínez sentado en un banco de una plaza del barrio de Tacumbú, solo 20 minutos después de convertirse en un hombre libre.

El jefe de seguridad, Blas Gaona (43), cayó desvanecido en aquél lugar cuando rescató a más de 80 internos que se encontraban en el sitio donde se originó el incendio.

Gaona falleció por inhalación de humo al ser trasladado a un centro asistencial.

“Difícil es cuando amanecés y se está prendiendo fuego al lado de tu pabellón.

Nosotros tuvimos que salir porque el peligro era inminente. Lograron abrir el portón del pabellón de la tercera edad, pero muchos quedaron encerrados en el fondo.

Gaona fue a rescatarlos. Lo que hizo fue digno de un héroe”, relató Martínez.

Martínez relató que después el fuego tomó la parte del sótano. Contó que allí llevaban a los presos políticos para la tortura durante los años de la dictadura. “De ese lugar se hizo un pabellón de trabajo. Ese sótano se volvió un lugar de trabajo”, comenta.

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Sus compañeros Martínez recibió la noticia de la muerte de sus compañeros cuando ya se encontraba en su casa. “El boxeador David Fraser (37) me enseñó box en el gimnasio.

Hoy día lastimosamente ya no lo tenemos. Tratamos de ayudar a los celadores. Le dábamos espacio.

Estoy shockeado porque le conocí a Gaona, Fraser y Herrera”, cuenta.

César cuenta que se enteró con mucha tristeza de la muerte de los internos una vez que llegó a su casa. Él conoció a cada uno de ellos: David Fraser Gamarra (37); Daniel Salinas (27); Francisco Javier Benítez (41); César Herrera Bogado (47) y Alfredo Maciel (36) además del guardiacárcel héroe, Blas Gaona. “Tengo una gran emoción por mi libertad, pero el penal está de luto”, contó.

“Tacumbú: ¿Y después qué?” se titula el último libro que César lanzó en abril de este año. “Espero acostumbrarme a la nueva vida que voy a llevar. Tengo hijos, voy a trabajar. Voy a seguir escribiendo y apostando a la humanización. Voy a seguir luchando a través de los escritos. Voy a seguir escribiendo cuando consiga la libertad”.

César saluda a su hijo Daniel, el abogado quien fue a buscarle en su vehículo en la plaza donde pasó los primeros 45 minutos libre. “¿Hau’pei, kape?”, le saluda.

“Tenés que bajar esa panza. No hay que abusar del asado”, le dice durante sus primeros minutos como un nuevo hombre libre mientras cruzan un fuerte abrazo.

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Aníbal Ferreira Menchaca a.k.a. Tata Publicó sus cómics a lo largo de los años 70 y 80 en el diario ABC. En este espacio lo traemos de vuelta.

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por: ricardo bazán

Horizontales 1- Banda de horror punk y hardcore punk formada en 1976, liderada originalmente por el cantante Glenn Danzig y el bajista Jerry Only. Los miembros fueron de los pioneros en utilizar el maquillaje corpse paint y Jerry Only fue el inventor del estilo de peinado devilock.

4- Trilogía de discos de Mago de Oz, iniciada en 2003.

6- Banda británica de hard rock y heavy metal fundada en 1969 en la ciudad de Londres en el Reino Unido.

Fueron pieza clave y una de las principales influencias del movimiento Nueva ola del heavy metal británico.

7- Sexto disco de la banda española de heavy metal Barón Rojo. El disco se publicó en 1988 y fue producido por Barón Rojo para Chapa/Serdisco.

8- Grupo estadounidense de nu metal cuyo nombre significa “Pagable al morir” (basado en las creencias cristianas del grupo). Temas: Boom, Youth of the Nation, Alive.

9- Canción y sencillo creado e interpretado por Gustavo Cerati, es una de sus canciones más conocidas en su etapa como solista y fue lanzado en el álbum Ahí Vamos, en 2006.

verticales 11- Show en vivo de la banda argentina Los Tipitos, grabado el 16 de abril de 2005 en el Teatro Gran Rex. El corte difusión fue “Campanas en la noche”. El material también fue editado en DVD. 12- Noveno álbum de estudio de la banda británica de rock progresivo Asia y fue publicado en el Reino Unido en agosto de 2004 y en Japón en septiembre del mismo año. Fue re-publicado en 2010.

15- Segundo álbum de estudio de The Who, grabado y publicado en 1966. El álbum sería publicado en Estados Unidos como Happy Jack, debido al título sexualmente sugerente de la edición británica y al éxito del single “Happy Jack”, que sería incluido en el álbum.

16- Álbum de estudio lanzado por Kiss, en 1983. En el día del lanzamiento del álbum, Kiss aparecía en MTV sin sus maquillajes. La portada del álbum tiene a Gene Simmons, co-fundador y bajista de la banda, que tiene fuera su larga lengua para mostrar a los fans que el cuarteto todav’a era Kiss, con o sin los antiguos miembros.

1- Tercer sencillo del álbum Amar es Combatir de la banda de Rock Maná. Este sencillo dio un gran salto al primer lugar de Hot Latin Tracks de la revista Billboard desde el 22.

2- Noveno álbum de estudio de Iron Maiden. Salió a la venta el 12 de mayo de 1992 figurando como nœmero 1 en el ranking británico. El álbum arrojó tres sencillos, “Be Quick or Be Dead”, “From Here to Eternity”, “Wasting Love”. Este álbum marca un importante hito: sería el último que grabarán con Bruce Dickinson hasta su reunión para el Brave New World.

3- Cuarto y último sencillo del álbum del grupo norteamericano R.E.M. “Up” publicado en 1998. Fue el œnico single del álbum que no ingresó en las listas estadounidenses.

4- Lanzado el 8 de septiembre de 1992, fue el primer álbum de la banda Morphine, el trío aparece desde la escena subterránea rockera de Boston, Mark Sandman vocalista y bajista, destaca en este trabajo, apareciendo con un bajo de dos cuerdas hecho en casa que tocaba con un Slide, acompañado de Dana Colley en el saxo barítono, y Jerome Dupree en la batería.

5- Banda estadounidense de thrash metal, formada en Nueva York en 1981, por el guitarrista Scott Ian y el bajista Dan Lilker. Está considerado como uno de los grupos principales de la escena thrash junto a Metallica, Megadeth y Slayer.

10- Canción inicial y primer single del álbum “How To Dismantle An Atomic Bomb”, de la banda irlandesa U2. Fue lanzado el 24 de septiembre de 2004. Obtuvo los Grammys para Best Rock Song, Best Rock Performance by a Duo or Group with Vocal y Best Short Form Music Video en los Premios Grammy 2005.

13- Primera canción del disco “Cryptic Writings” de Megadeth. Fue lanzada en 1997 y posteriormente una versión en español en 2004 (aunque solo está en español el coro y otras pocas partes).

14- (en letras) Último álbum de estudio de Mercyful Fate, fue lanzado en 1999 por Metal Blade Records.

Este álbum continúa el sonido más pesado que fue introducido en el anterior álbum Dead Again.

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Ajikokoro Matousek Podés conocer más de su trabajo en: http://ajikokorosportfolio.blogspot.com/

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