LH Magazin - Joe Bonamassa

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tulo í p a c o v "Un nuei carrera" en m SIN VOSOTROS NO HUBIERA SIDO POSIBLE

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DIRECTOR Juan Rodríguez

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Ritmo & Compás, 39 Rojo, Carabox, El Obsevatorio, Hardrum, Matilda, Rock Palace, Rock & Pop, Rock Soul, Tablada 25, Underground, El Poligono (Valladolid), Rusound (Daganzo), Olmostudio (Vallecas), FACTOR Q (Murcia) y Locales de ensayo Metro Usera (Madrid)...

SALAS Y BARES

1903, El Piratas, Alfredo`s, Sala Arena, Caracol, Clamores, Costello Club, El Sol, Galileo Galilei, Gruta 77, La Sala Live, Silikona, Siroco, Sala Lemon, Sala Gamma, Sala Musik, Sala 12 y Medio, Sala Stereo, Discos Comix y Discos Trafico, La Azotea (Murcia), Dekonya Cool Pub (S.S. de los Reyes), La Mina Rock (Alcobendas), Punteos Rock (Coslada) Albergue Riglos (Huesca), El Escudo y Pocoloco (Ávila), Gabanna (Lanzarote), Sala Estacion, Imagina, Atico y Dqvass (Alcazar de San Juan), Al Lado y El Moli (Campo de Criptana) Candela, El Duende, 500 Noches (Archena), Sala Strato Caster y 37 Grados (Córdoba), Mi Pequeño Mundo y Pensión “El Rafa” (FernánNuñez), La Marquesita (San Martín de Oscos), Sala Mirror, Alcatraz Rock Bar, Wah Wah (Valencia), La Casa Pintada (Ceuti), Restaurante El Meson (Puebla de Almoradiel), Restaurante S.M. el Rey de la Coca (Piles Playa), EL Paso (Cudillero), Sala Hangar (Burgos), Rock & Play (Boadilla del Monte), Velvet Club (Malaga), Garfield (Torremolinos), Yasta (Campo de Criptana),Sala Sausan/New Rock y Hotel Juype (El Provencio), Chamán (Illlana), Bar La Esquina (Mula), La Cripta y La Gasolinera (Bullas), Video Club Geminis (Cehegin) y Siglo XX(Blanca). Casa de Cultura y Guardamar Music, Restaurante Galicia ,Hotel Montemar y Restsurante El Gallego(La Marina), La Posada (Elche), Sala Ambigú (Cordoba),Savoy (Gijon), , Biribay (Logroño), Cuarenta y Tres (Zamora), Erreté (Barcelona),Hotel El Quesar de Gamoneo (Cangas de OnísAsturias) Cafe del Infante (Villaviciosa de Odón), Stars50 (Talamanca del Jarama/ Guadalajara) y Ruta 20 y Arbonaida. Hotel Restaurante Las Truchas (Monasterio de Piedra) Trifon Restaurante (Madrid), Boulangerie Patisserie Santa Eulalia (Madrid) y Instituto Cervantes (Lisboa)

Alicia López Tel.: 91 355 65 75 - 687 93 73 43 alicia@lhmagazin.com

REDACCIÓN Alicia López

COLABORADORES y CORRESPONSABLES

Jorge Vilella, Edu Salas, José Glez., Rafa, Mª Mar, Pilar, Rolo, Jose Luis Espinosa, Soraya Machin, Mariano Muniesa, Yolanda Perez Marin (El Club del Escenario), Amado Storni, Roberto Villandiego, Olegario Sánchez (Alcazar de San Juan), Patxi “La Caña” Valen (Plasencia), Alberto Cean (Asturias), Mar Monje Abiol, Juan Carlos Calderon, Jose Abellán, Luis Pulgar (Sevilla y Murcia)

FOTOGRAFÍA

Domingo J. Casas (Jefe), Paco Lainez, Eduardo Mendez, Mario Larrode , Bill Zygmant, Ricardo Rubio, Carlos Miiña, Liberto Peiró (Valencia), Xavier Mercadé (Barcelona), J.M. Rodríguez (Galicia), José M. Bueno (Asturias), Julio Perez Sotillo (Elche), Kiko Asunción (Murcia), Tony Ventura (Las Palmas).

AGENCIAS TIENDAS DE CÓMICS

Madrid Comics, C/ de Silva, 17, Generación X Madrid (Puebla, 15)-(Elfo, 98) Alcalá Cómics - Avenida de Guadalajara, 9.

Alcalá de Henares (Madrid).

Telon de Acero, C/Emilio Gastesi Fernández, 14 Libreria SINS ENTIDO, C/ Válgame Dios, 6

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RADIOS

Onda3 Radio (Puerto Lumbreras/ Lorca) Onda Regional y SER (Murcia), Onda Marina (Fernan-Núñez), Onda Cero/Europa FM (Alcazar de San Juan), Radio Safor (Bellreguard), Sol Radio (El Bonillo), El Ultimo Este y “La Caja de Pandora “ (Cabezo de Torres/Murcia), Rock FM, Radio 4G...

www.whitepress.es,KOPress

FOTOMECANICA / IMPRENTA EXCE Comunicación

Esta revista la hace mucha gente, el papel lo ponemos nosotros, las opiniones son de ellos.

l a i r o t i ed

músicos, promotores, managers, fotógrafos, conductores, transportistas, salas, sellos discográficos, medios de comunicación, luthiers… tienen en común con el resto de sectores lo que esta pandemia está sacando a flote, la gran desigualdad que existe. Y es que el problema no es el mismo para un medio como el nuestro que no recibe ni una subvención, que todo se hace con el esfuerzo del día a día, luchando para sobrevivir, ilusión... como lo venimos haciendo desde hace 19 años, no sólo desde que se declaró el estado de alarma en marzo, con otros medios que reciben subvenciones, que cuentan con el apoyo de multinacionales, u otros medios que para ellos esto es un hobby y tienen otro trabajo fuera de este sector. Difícil solución, yo al menos lo veo así.

Pero lo que mas me duele al darme esa vuelta por las redes sociales, es ver, como todavía hay trabajadores de este sector que sin ningún tipo de escrúpulos en sus redes anuncian que se bajan de forma ilegal discos, series, películas… que los sellos discográficos siguen dando discos de promoción a estos individuos sin mirar el trabajo que desarrollan de ese disco, se lo dan porque simplemente son amigos y después para muchos medios de comunicación que nos dedicamos y vivimos de promover la música, no hay copias para todos, no se entiende ¿verdad?

Pues esto es abrir la caja de pandora, músicos que tocan gratis porque tienen otros trabajos, mientras otros que se dedican en exclusiva a ello no encuentran donde tocar y son buenísimos, otros que no paran de dar conciertos en festivales que casualmente son los mismos de siempre (el copia y pega), fotógrafos que llevan toda la vida dedicándose en exclusiva a la fotografía de conciertos y que les cuesta llegar a fin de mes y les cuesta que les acrediten para determinados conciertos, festivales...., mientras fotógrafos que solo tienen un blog, pero tienen otro trabajo fuera del sector y son amigos de los organizadores no se les pone ningún impedimento.

En estos días que nos han tocado vivir tan difíciles y en los cuales la cultura está atravesando una situación muy delicada, el ir sacando un número de esta revista es todo un logro.

Ahora quizás, navego más por las redes sociales, viendo lo que se dice en ellas sobre este problema tan difícil de solucionar. Un gremio en el cual desde el que monta el escenario, las luces, técnicos de sonido e iluminación,

Contratos precarios, otros no, el mundo de la música es un negocio y como en todos los sectores unos van mejor y otros peor. Yo no me posiciono en ningún lado, creo que son válidas las dos formulas, el que trabaja y vive de su medio, como el que lo hace por hobby, lo que debe prevalecer es el buen trabajo de cada uno y no el amiguismo, que tristemente en España es lo que predomina, pero si debemos todos juntos remar en pro de la cultura y terminar ya de una vez con el discurso de que la cultura debe ser gratuita, que un CD es caro, apoyar las descargas ilegales… quizás lo que hay que decir, es que el sueldo de la mayoría de la población es escaso y no puede dedicar una parte de el a la cultura, o no nos hemos preocupado de que el público entendiera de que este sector de la cultura viven muchísimas familias, y hay que pagar para que también ellos puedan comer y pagar sus facturas como el resto... La cultura no puede ser gratuita.

Sin Vosotros no hubiera sido posible Sara Moreno, Delahaus, Reeper, Ana Laballo, The Borderline Music, Carlos Pina, Berlin Texas, Karla, Subtonica, Santi Berrendo, Malos Trapos, Cives, Marc C. Griso, Alba Robles, Urban Culture Studios, Silvia Cantero, Lengua Armada, Kasba Music, Familia Fernandez Victorio Garcia, Familia Gonzalez Martinez, Familia Martín Esteban, Familia Lucas Cañaveral, Todo Bajos, Studios New Life, Fisiolife Ventas, Oscarmer Copias, Pinturas Hermanos Perez, Bar-Cafeteria J y J y Club de Atletismo Suanzes de San Blas. lhmagazin.com

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MONTSE TORRES ¿Qué artista escuchaste o qué concierto viste que te hizo pensar que querías dedicarte al mundo de la música?

El primer concierto al que asistí fue en la gira “Palabra de mujer” de Mónica Naranjo en 1998. Recuerdo salir flotando, me impregné de su energía y su misterio en escena, quería ser uno de sus músicos o el ingeniero de sonido, me daba igual. Siempre me llamó la atención el trabajo de los que están detrás de un espectáculo así.

Por otro lado George Michael, al que llevaba enganchada desde su disco Older (1996). Me fascinaba que en ese álbum George componía, producía y grabó casi la totalidad de los instrumentos... esa versatilidad que tienen ambos artistas y ese control férreo sobre sus carreras me hizo ver que todo era posible. ¿Qué música empezaste escuchando?

Me encantaba el pop y la electrónica de los años 80 y 90, aparte de George y Mónica, escuchaba habitualmente a Duran Duran, Pet Shop Boys, Modern Talking, Roxette, Mike Olfield... Aunque reconozco que también disfrutaba mucho con la escena musical albaceteña de aquellos años que iba desde el indie al metal. ¿Qué recuerdos tienes de cuando estabas trabajando en la radio y qué significa la radio para ti?

Sin duda trabajar de los 15 a los 17 años en la radio reafirmó mi interés en el mundo audiovisual. A pesar de que éramos adolescentes, mi compañero Fortu y yo intentábamos realizar un programa de calidad, el cual trataba música y cine. Esto dio sus frutos y al final de nuestra andadura había varias discográficas y agencias de Management que nos hacían llegar material promocional y nos permitió hacer algunas entrevistas.

Además estuviste trabajando con orquestas de técnico de luces. ¿Cuándo decides hacer maletas y marcharte de Albacete a La Rioja?

En aquellos años trabajé en las orquestas “Trópico Show”, “Milano” y “J.J. Band”, en estas dos últimas como teclista.

Finalizo mis estudios de “Producción de audiovisuales” en 2005 y es ahí cuando decido irme para Logroño donde tengo algunos amigos. Tal vez no era el mejor lugar para desarrollar una carrera audiovisual, pero sin duda aproveché esos primeros años para grabar muchos temas y perfeccionar mis habilidades en el estudio.

Las oportunidades vendrían más adelante.

Estuviste trabajando en Sonovisión en donde grabaste a varios grupos y montaste el tuyo propio. ¿Cómo fue esa etapa?

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Sonovisión era mi válvula de escape a la rutina. Por aquel entonces también trabajaba como proyeccionista de cine en unos multicines, el cual era un trabajo muy repetitivo, mientras que Sonovisión, dado su amplio abanico de trabajos audiovisuales, suponía cada día un reto y algo nuevo que aprender. Allí tuve la gran suerte de conocer a mis compañeros del grupo “China Latina” al que entré como teclista en el año 2008. Un grupo de ska, rock y reggae reconocido en La Rioja y compuesto por cinco grandes músicos. Juntos, lanzamos en 2010 su segundo álbum de estudio “El mundo al revés”, disco en el que además contamos con la colaboración de “Kutxi Romero”, cantante de Marea, en dos de los temas. Han pasado ya 10 años de este lanzamiento, pero cada vez que lo escucho no puedo más que sentir orgullo del magnífico resultado. ¿Y cómo dejas La Rioja para venirte a Madrid a trabajar, primero como dependienta y ahora como encargada de la tienda de Cedaceros de Unión Musical?

Llevaba años sintiendo la necesidad de estar “más cerca de casa” y Madrid era una buenísima opción para alguien como yo que siempre ha tenido todo tipo de inquietudes artísticas. Acabé la carrera de Diseño Gráfico en 2015, realicé mi última temporada como teclista en la riojana “Orquesta Cíclope” y marché para Madrid.

Conseguí un primer trabajo como profesora de piano, pero eran tan poquitas horas que no podía ni pagar mi parte del alquiler. Con 32 años y la carrera de Diseño recién acabada, escuché más de una vez que buscaban un perfil más “junior”.

Unión Musical fue la primera empresa que creyó en mi en estas tierras y que además, me ha permitido ascender y crecer profesionalmente.

He visto un video en Youtube en el cual haces un maravilloso cover de Mónica Naranjo de la canción “Palabra de mujer”. ¿Qué significa para ti Mónica Naranjo?

Mónica siempre ha formado parte de mi vida tanto a nivel profesional como personal. Me impactó desde el principio, primero por su imagen a caballo entre Tino Casal y Locomía, la cual me pareció brillante y segundo por su forma de ser.

No era típico ver a una mujer tan hecha así misma, que decía lo que pensaba y a la que nunca le ha importado lo que piensen los demás sino ser fiel a sí misma. Ha sido y es una artista transgresora que ha primado el aprender y mutar antes que vender más o menos discos y que ha sabido parar

cuando lo ha necesitado.

Hablemos de tu música. Recientemente me has pasado unas canciones, que nada más escucharlas me encantaron y las hemos seleccionado como sintonía del programa “Oxygen” y “Next”. Canciones en las que la electrónica está muy presente. ¿Es este género en la actualidad lo que más te gusta?

Nunca me he definido con ningún género, pues he realizado música instrumental muy diversa, pero es cierto que en los últimos años me he decantado más por un estilo al que yo llamaba “ochentero”.

Siempre me atrajeron los sintes, las guitarras eléctricas y las reverbs y delays exagerados... Y tras investigar acerca de este tipo de sonido, podríamos englobar mis temas dentro del género “Synthwave”. ¿Qué tienes pensado hacer con ellas, te gustaría que se publicaran…?

Por supuesto, llevo 16 años grabando temas desde casa y hasta ahora, a parte de a mi círculo más cercano, nunca las había enseñado. Que vosotros, profesionales y amantes de la música las uséis como sintonía, me ha insuflado la suficiente confianza tanto para seguir componiendo, como para querer mostrar todo ese material que antes era para unos pocos.

Si os apetece escuchar mis trabajos, os animo a seguir mis cuentas de Instagram: @montsetorres1982 y Facebook: @ montsetorres82 En la actualidad uno puede grabar su música en casa. ¿Es lo mismo un home studio que un estudio de grabación?

Personalmente, siempre he tenido la necesidad de grabar y mezclar mis temas sola intentando mejorar mi sonido en cada tema, pues me apasiona la producción de audio, pero es muy costoso llegar a un sonido “pro” con los medios de un “home studio”. Aunque sí veo factible, dependiendo del estilo musical y los medios con los que contemos, grabar en casa y luego mezclar y / o masterizar en estudio. ¿Cómo ha afectado esta pandemia a tu trabajo?

Siempre intento mirar el lado positivo de las cosas y durante la pandemia se ha demostrado la importancia del arte y la cultura en la sociedad. Afortunadamente, una vez retomamos la actividad en nuestras tiendas UME, hemos comprobado que los clientes siguen confiando en nosotros.

Elegir un instrumento, que te asesoren correctamente e incluso ahorrarte unos euros respecto a internet son grandes motivos para seguir comprando en tienda.

SĂ?GUENOS EN: @montsetorres82 @montsetorres1982

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Yvat es una artista rumana con más de 15 años de experiencia a sus espaldas, que ha colaborado con sellos tan importantes como Detroit Underground, Boltfish, UCover o Cactus Island. ¿Qué significa para Yvat poder trabajar con Pikotako?

Pikotako es un sello nuevo maravilloso y me atrae la energía y la efervescencia de los nuevos comienzos. Mis proyectos lanzados en Pikotako también reflejan nuevos enfoques en sonido y arreglos para mí y encajan mejor con la serie de productos del sello. Además, encontré allí el equipo adecuado para promover mi trabajo, auténticas personas apasionadas con grandes dotes de comunicación.

Anteriormente habías trabajado con Dov Meraki en el single de BeautifulLies, ahora está lanzando un nuevo single de Woopie. ¿Se puede decir que el futuro de Yvat estará vinculado a Dov Meraki?

Mi colaboración con Dov Meraki está lejos de su fin. Creo que su voz delicada e infantil y sus letras divertidas pero profundas se fusionan perfectamente con mi sonido y mis composiciones. Durante esta pandemia, ya hemos trabajado juntos en un nuevo álbum. Además, los dos tenemos experiencia escénica y el proyecto juntos está pensado para futuras actuaciones en directo espectaculares.

Después de tanto tiempo trabajando en la música electrónica con sellos discográficos tan importantes y también considerado uno de los productores del banco de sonido alemán Ueberschall. ¿Qué buscabas en esta nueva entrega musical?

Cada uno de mis discos es diferente, cambié estilos, enfoques, siempre busco un sonido fresco. Es un imperativo personal estar conectado con las tendencias estacionales y ser capaz de comprender y ser entendido por una audiencia en constante cambio. El “cambio” es la constante en mi trabajo, aunque siempre busco la mejor calidad de sonido. Por tanto, no me sorprende estar en una nueva entrega. Busco experiencias provocativas, retos personales y profesionales.

Que uno sea considerada parte principal de un movimiento es una responsabilidad mayor a la hora de componer. Cómo llegó Dov Meraki a ti.

Un par de años antes de conocer a Dov Meraki comencé a buscar la voz femenina adecuada para mis canciones. Como resultado, se produjeron pocas colaboraciones puntuales. Usé diferentes voces cuyas voces pudieron capturar los estados de ánimo de mis pistas. Hace más de un año, buscaba una voz infantil clara como el cristal con inflexiones juguetonas pero sensuales. Fue entonces cuando conocí a Dov Meraki,

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por casualidad. Fue la persona adecuada para reunirse conmigo en el momento adecuado. ¿Qué ha aportado Dov Meraki a tu música?

Dov Meraki es una cantante de jazz de formación y trabajar con ella le aportó cierta libertad de improvisación ... y un toque de magia.

La música electrónica tiene sus inicios a finales de los setenta, principios de los ochenta una de las bandas consideradas pioneras en este género son los germanos Kraftwerk. En los ochenta fue su explosión. ¿Cómo te llega la música electrónica y cuáles son tus influencias?

Cuando era pequeña recibí un sintetizador como regalo de mi padre y desde entonces me interesó experimentar con el sonido. Al principio, hubo un tiempo en que experimenté con instrumentos clásicos y temas de orquesta de maneras más cerradas con los experimentos en sonido que hizo Cage en los años setenta. Estuve muy cerca de la escena electrónica británica en los años 2000 y allí aparecieron mis primeros discos.

Hay artistas que piensan que hubo un antes y un después de David Guetta. ¿Qué piensas?

Nunca pensé en eso. Creo que la música electrónica es muy permeable a los cambios sociales, ideológicos y tecnológicos. Nuestras necesidades y perspectivas, como público general, impulsan nuevos enfoques. ¿Por qué es tan importante para ti el trabajo analógico?

Encuentro que el sonido analógico tiene cierta delicadeza, es más cálido y de alguna manera más claro que el digital. Sé que podría ser solo un punto de vista subjetivo, porque me gusta cómo se siente trabajar con mis sintetizadores analógicos en el estudio. ¿Qué planes tiene para 2020 y cómo está afectando esta pandemia a su carrera?

Consideré la pandemia como un momento de introspección y una oportunidad para priorizar mejor las necesidades y acciones, un momento para sentarme conmigo mismo en el estudio y trabajar. Las crisis también son oportunidades para crecer. Así es como, desde marzo, comencé y completé un álbum completamente nuevo, titulado Pandemic, por cierto.

SÍGUENOS EN: @yvat

TODOS LOS DIAS DE

JUEVES:

- 10.00 a 11.30h LH A TODO RITMO con Juan Rodríguez

- 12.00 a 13.00h TAXI 3.0 con Pablo Romay y Mister Virus - 20.00 a 23.00h Jazz Time con Jorge Grimaldos

LUNES: - 12.00 a 14.00h Si Me Llamas Quedamos con Mister Pina - 20.00 a 22.00h Radio The Sentinel con Santi Fernandez

VIERNES:

MARTES: - 22.00 a 24.00h La Cabaña del Tio Rock con José Mora y Ángel Gómez MIERCOLES: - 19.00 a 20.00h El Closet con Carlo Pari - 23.30 a 24.30h En la Frontera con Bayo Gris

- 10.00 a 11.00 Hoy Me Voy Al Cine con Felipe Jimenez - 15.00 a 17.00h Mister Virus con Raúl García - 18.00 a 20.00h A la Vuelta de la Esquina con Maru Bonilla, El Chico del 17 y Jelu - 24.00 a 01.00 Solos en la Madrugada Francisco Miguel Pérez (RNE) y Miguel Vigil (Academica Palanca, La que se Avecina)

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PLUMA 53 Tras Pluma 53 se encuentra Sofia Rodríguez ¿Por qué hacerte cargo de la grabación de baterías, guitarra y por su puesto la voz?

Es divertido jugar con las canciones, habilidades y trabajar para sacar adelante una grabación es un reto y una suerte poder hacerlo... ¿Por qué, no confías en otros músicos, tienes las ideas tan claras que no te gusta que participen otros músicos de tu creación?

Soy una persona muy generosa, empática, siempre he involucrado a los músicos en mi banda de una manera familiar y abierta a ideas etc compartir escenario, ensayos con más personas en conjunto unidos por una misma pasión ha sido siempre muy especial pero como en todos los grupos me he cruzado con músicos fabulosos, con muchos poco comprometidos con el medio, extorsionistas... personas que si no tienen en la balanza ganadora un camino en el que lucrarse se caen de la banda y todo se paraliza. Por eso decidí que merecía la vida continuar sola mi proyecto, con mi pasión musical y habilidades puedo impulsar mis canciones, aunque sea de una manera humilde y que abarque pocos medios, ese trabajo siempre será la bso de mi vida y me hace sentir orgullosa de lo conseguido. ¿Por qué llamar a este proyecto Pluma 53 y no por tu nombre Sofia Rodriguez?

“Pluma” porque al nacer pillé una infección y me quedé en 1kg 100 gr de peso En ese tiempo estuve 6 meses en la incubadora y mi cuna era la 53. De ahí Pluma 53.

Has publicado un single con dos temas Nido y Pluma. Este último está dentro del Top 50 De LH Magazin como una de las mejores canciones de este verano. ¿Qué supone para ti que esta canción esté

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viajando tanto?

Siempre es de agrado que una canción la disfrute más gente.

Pluma habla del atontamiento al que estamos sometidos en esta era digital, sin disfrutar la calle que es donde está la realidad, la libertad… ¿Qué piensas de esta era digital?

Imagino que como todo, lo que se usa con sentido común funciona y lo que se usa con el sentido puramente lucrativo, de imagen etc se distorsiona de la realidad, pierde naturalidad y deja de ser transparente... Anclarse al pasado es una estupidez con todos los medios digitales que hay para facilitar y agilizar ciertos pasos pero despegarse por completo del origen, del porqué de las cosas y olvidarse de quiénes abrieron caminos es algo que daña la cultura y la esencia del producto, canción... ¿Qué te gusta contar en tus letras?

Mi vida Este disco lo grabaste en Montreal Studios en Navarra. ¿Por qué elegiste este estudio de grabación y quién se ha encargado de la producción del single?

Me apetecía grabar con Hans, ha grabado a muchos colegas y tenía ilusión de conocer su estudio y su forma de producción, era una grabación ya reservada hacia meses atrás y trabajada durante un año con los músicos que estaban en la banda. Finalmente a 48h de ir a grabar, el guitarra dijo que no podía venir porque le coincidía la fecha con un bono de regalo en un hotel con su novia y no se acordaba, se le propuso al guitarra grabar sus guitarras en el estudio un día después de su excursión pero decidió que si yo no cambiaba la fecha de grabación él no grabaría nunca.

No cambié la fecha porque el estudio no tenía disponible nada libre más adelante a corto plazo y bueno todo esto causó un efecto dominó con el batería “si no va él

SÍGUENOS EN: @pluma53 @pluma53

yo tampoco”, el bajista no dijo nada, así que me pareció todo bastante lamentable, poco profesional y humillante... pero bueno, les mandé a la mierda y fui yo sola a grabar porque sino perdía la fianza. Sólo me dio tiempo a grabar en el estudio Nido y Pluma, eran cinco temas los que íbamos a grabar en un día de estudio la banda y no me dio tiempo a más haciendo todo sola.

Hans se pegó curro express en el mismo día, tengo un buen recuerdo y el aprendizaje de que si la vida te da limones...... ¿Qué supone para Pluma 53 que el single salga con el sello discográfico Pikotako?

Agradecida de formar parte del comienzo de su sello Vivimos en la era del single, veremos en un futuro cercano un disco o se irán publicando singles. ¿Te gusta esta forma de trabajar o no queda otra que aceptar también la era del single?

Todo me parece bien, que cada uno publique lo que quiera en cada momento y crea conveniente según su público. Si la gente prefiere disco a single me da igual... a mi vamos... ¿Cómo llevas tu música a los directos?

Depende del formato de bolo Cómo está afectando esta pandemia a tu vida y a tu música.

Tengo un pequeño kit de grabación por casa y voy grabando las canciones con calma y las subo a Instagram, YouTube.. no me privo de dejar nada en el tintero así que poco a poco voy creando una biblioteca musical propia interesante... Trabajo en el sector sociosanitario y tengo una empresa llamada Psikopompo aún en fase de consolidación, va todo bien y estoy contenta.

Qué tienes pensado hacer para estos próximos meses.

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“El Salon” es tu nuevo single, adelanto de lo que sera tu próximo disco. Esta canción relata la historia de un amor desde sus comienzos, hasta la separación. ¿Eres de contar historias que te cuentan o mas bien de vivirlas?

En estos momentos de mi vida me gusta ser honesto con lo que cuento, canto y escribo. Para escribir es fundamental vivir, leer, viajar, sentir, llenarse de emociones..

En mi caso es prácticamente inmediato, es mágico, cuando algo me produce una emoción especial, suele acabar en forma de canción, “El Salón” nació así, de una de las muchas conversaciones que teníamos con mi gran amigo Fernando, el cual viajó al cielo hace unos meses, en la que estaban presentes mis hijos , hablamos de las muchas experiencias vividas y se despertó esta idea, tristemente muy común para millones de personas. En otras ocasiones soy interlocutor de los sentimientos de otras personas o también como no, de fantasías.

En un tiempo donde en la música parece que la percusión, los ritmos..., estan por encima de las letras. Siendo este un país de grandes compositores como son Sabina, Serrat, Aute, Antonio Vega... Yo pienso que el público mas joven no presta tanta atención a las letras.¿Cuál es tu opinión?

Es bueno conjugar ambas cosas, ritmo, melodía y mensaje, lo que ocurre es que el ritmo al que entiendo tú te refieres, es uno solo,muy repetitivo y muy gastado, que también, como no, ha dado buenas canciones, pero que está muy lejos de los ritmos que han acompañado y lo harán eternamente a las grandes melodías y canciones, sean pop, rock, balada, jazz, blues, etc. de nuestra música y grandes compositores.

El público joven se deja llevar en su mayoría por lo que es más visible y se potencia a través de los medios de comunicación y las redes sociales. Entiendo que también los jóvenes prestarán atención a ese tipo de letras, pero no fidelizan en el tiempo con ellas, por algo será.

Este nuevo trabajo ha sido grabado, producido y masterizado por Javier Losada. ¿Por qué Javier Losada?

A estas alturas de mi carrera, me apetece estar de la mano musicalmente con personas que entiendan mis emociones al 100%, con Javier pasamos horas hablando de la vida y del alma, Javier Losada es un mago del pop, ha compuesto, arreglado, producido a los más grandes artistas, ha escrito y dirigido para orquestas sinfónicas,que es la máxima expresión de la música, es creador y partícipe directo de algunas de las fuentes de donde yo bebí siendo un niño, para mí es un privilegio poder contar con el, mientras pueda y el quiera, seguiré haciéndolo y además es mi amigo. ¿Se ha retrasado el lanzamiento del disco por la pandemia o estaba previsto que fuera asi?

Se han retrasado algunos proyectos y se han intercalado otros, nos hemos tenido que adaptar a esta situación, no sirve lamentarse, debemos continuar, yo he estado escribiendo durante la pandemia,

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componiendo otras cosas, como por ejemplo “Las ocho de la tarde” y en cuanto nos ha sido posible hemos retomado la salida de “El Salón” que estaba grabado desde el pasado mes de diciembre. En próximas semanas saldrán nuevas cosas también.

Cuando te comentan tus seguidores que se emocionan con esta canción ¿Cuál es tu reacción?

“El Salón” es una canción que considero un antes y un después en mi carrera, es una canción valiente, es triste, pero muy auténtica y real como la vida misma, es hermoso que manifiesten y que el público muestre abiertamente sus emociones, me hace muy feliz y siento mucha empatía, ya que a mi también me emociona, por supuesto esta y otras canciones y cosas de la vida. Me encantaría dar a un abrazo a cada uno de las personas que se emocionan con mi música, es el mejor regalo, gracias a todos ellos.

“Ojala” se publicó en el 2019 y tambien es parte de este nuevo disco. Un tema que tiene poco que ver con “El Salon”. Una canción que es una canto de esperanza a cambiar muchas cosas de nuestro día a dia como son las redes sociales, la cultura… ¿Crees que cuando pase esta pandemia saldremos mas reforzados como sociedad y seres humanos o todo sera igual?

“Tristemente” nos adelantamos unos meses a gritarle al mundo este canto de esperanza que hoy, con lo que vivimos, toma especial importancia. En cada uno de sus versos lanza un mensaje distinto, que invito a escuchar y reflexionar y que desemboca en que “Ojalá” podamos juntos hacer un mundo mejor. “Ojalá que dar la mano sea tu red social cambiando likes por un abrazo... un abrazo real” Yo pediría a las personas tener memoria de lo vivido y responsabilidad para un futuro, confío que asi sea, en que el amor todo lo vence, pero me temo que en general seguiremos igual, sometidos a una vida llena de injusticia económica y social en la que el dinero lo estropea todo.

Durante el confinamiento compusiste la canción “Las ocho de la tarde” que era el momento en el que salíamos a nuestro balcones para aplaudir a nuestros sanitarios. ¿qué fue lo que te llevó a componer esta canción?

El 28 de Febrero falleció mi único hermano de una neumonía y aunque en aquél momento nadie nos informó ni se planteó ni se confirmó nada sobre el tema Covid19 , ya que el sufría de esclerosis, me quedan mis dudas para siempre. Estaba muy triste y sensibilizado con lo que estábamos viviendo y la tarde de 26 de Marzo estaba en casa, en el estudio haciendo otras cosas y sentí como una iluminación, mucha emoción y entre lágrimas escribí “Las ocho de la tarde” en pocos minutos, la grabé, se la envié a mi productor Javier Losada, el hizo unos retoques y las mezclas y se lanzó por redes sociales, tuvo miles de reproducciones y se compartió miles de veces, muchos medios, radios y tv se hicieron eco de la canción. Sirva como homenaje y recuerdo para todos los que

nos han dejado y como agradecimiento a los que nos han dado la mano incansablemente. Es una canción muy especial que me acompañará siempre.

Llevas mas de 25 años en la industria discográfica, ya sea como cantante, compositor, productor… Ha cambiado mucho la forma de escuchar y consumir música en estos 25 años. ¿Crees que el cambio ha sido para mejor o no?

Todo tiene su lado positivo y negativo, yo grabé mi primer disco en 1991, muy joven y ya había grabado mis maquetas anteriormente, he vivido muchas experiencias increíbles y un proceso enorme de transformación de la industria. Crecí escuchando los vinilos en casa de mis padres, simulaba de niño que tocaba el piano sobre la tapa del tocadiscos, escuchaba música de todo tipo, soñaba con ser músico y cantante y para ello estudié y me preparé , grababa de la radio con las cintas de cassette y las rebobinaba una y otra vez en mi habitación, llegó el Cd, fui de los primeros en Zaragoza en tener un reproductor de DAT en mi estudio, empecé a hacer música con un ordenador Atari, en fin... llegó la era digital, Internet y todo cambió. Escuchar una canción en la radio, sintonizar tu emisora, comprar la entrada de un concierto o ir a la tienda de discos a comprar ese disco de tu artista favorito no lo veo comparable a la frialdad de las redes sociales, que por otro lado te permiten visibilidad inmediata en cualquier parte del mundo ya mismo, pero caduca todo muy rápido y se fideliza muy poco, apenas se valora el esfuerzo no es, ni de lejos lo de antes. No obstante, de nada sirve lamentarse con lo de antes, ahora es lo que tenemos y con esas herramientas tenemos que trabajar y sacar lo positivo de ello que es mucho.

Si tuvieras que quedarte con un momento que hayas vivido en estos 25 años ¿Cuál sería?

Artísticamente son muchos, he vivido intensamente cada uno de los momentos. Soy muy apasionado y romántico. Me quedo con el momento actual, siempre todo lo que vivo lo hago con la maxima pasión, todo lo he vivido con mucho amor, desde mis inicios haciendo publicidad para radio y tv, la primera vez que grabe en un estudio, la grabación de mi primer disco, mi paso por la final del Festival de Benidorm, cuando me llamó el director artístico Manuel Illán y me fichó para su compañia ofreciéndome un super proyecto que iniciamos y que al fin se vino abajo, tantos escenarios, cada una de las cientos de canciones que he escrito, ufff no se, me resulta muy difícil quedarme solo con uno.

Lo mejor está por llegar.

“El Salon” es uno de los temas mas votados en nuestro Top 50 de LH Magazin, siempre anda por los primeros puestos. ¿Crees que ha conectado esta canción con el público porque la historia que cuenta es muy común? ¿Te ha sorprendido que guste tanto?

Doy gracias profundamente a vuestros

oyentes por darme tanto cariño y votar mi canción “El Salón”, pienso que muchos de ellos se sentirán identicados o quizás les llevará a pensar en alguien cercano que haya vivido una historia asi. Me hace muy feliz y me encantaría que la canción llegue a muchos más corazones,no me sorprende porque está hecha desde la más profunda sinceridad, imagino que esto le llega el público...el que sea un tema tan profundo y fuerte pero totalmente real.

¿Qué es lo que estás preparando próximamente?

Ahora mismo estamos terminando las mezclas de un tema que podréis escuchar muy pronto y el rodaje del nuevo videoclip.

Hay varias canciones en proceso de grabación, voy avanzando, aunque lentamente, en mi libro, preparando mis conciertos en directo para cuando sea posible y mi colaboración con otros artistas.

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GISELA HIDALGO

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Empezaste de muy pequeña haciendo trabajos de modelo. ¿Cómo descubres que tu pasión es la música?

Desde bastante pequeña he sentido gran atracción por la música, suelo decir que prácticamente canto desde que empecé a hablar. ¿Qué artistas son tus referentes?

Escucho estilos muy variados pero podría citar a Maria Cambas, Amy Winehouse, Lady Gaga, Beyonce...

Has estudiado canto. ¿Piensas que para dedicarte a esta apasionante mundo de la música hay que tener al menos una base?

Si, ya que una base de oído musical hay que tener; el oído es algo que se trabaja pero si no hay base no hay nada sobre lo que trabajar. ¿Qué ha significado para ti que en tu camino se cruce María Cambas (vocal coach y profesora de canto.

Finalista del programa La Voz)?

Maria Cambas supuso un antes y un después en mi vida, cuando ella apareció empecé a dedicarme profesionalmente a la música y me sigue acompañando a día de hoy.

Tienes diecisiete años. Tu primer single, “No”, supera los dos millones de streamings en Spotify

y “No estás aquí”, alcanza la cifra de un millón de visualizaciones en Youtube. Con estas cifras y con tu corta edad ¿es posible tener los pies en el suelo?

Es 100 por 100 necesario tener los pies en el suelo, la humildad es un valor que nunca se debe de perder ante cualquier situación.

Después de publicar tres singles, en el mes de abril sale publicado tu disco “Mi paz” (Ace Music). ¿Qué ha supuesto para ti ver ya publicado tu primer disco?

Es mi sueño desde pequeña y ver este proyecto que tanto trabajo ha conllevado, ha sido una mezcla de satisfacción, orgullo, euforia, tranquilidad…

“Mi paz” es una canción del disco ¿Por qué elegir este tema para dar titulo al disco?

Mi paz es uno de los 11 temas que componen este disco, ademas de ser uno de los favoritos de mis padres, por ello decidí que se llamara así en homenaje a ellos por ser uno de los primeros y mayores pilares de este disco. ¿Cómo ha afectado esta pandemia al lanzamiento del disco y a ti?

Ha tenido sus beneficios y contradicciones, beneficios porque he

podido dedicarme a aprender a tocar la guitarra, componer y dibujar y contradicciones porque se nos han caído muchos proyectos que teníamos.

Uno de mis temas favoritos y en el cual se puede disfrutar de tu gran voz es “Hoy”. ¿Es una de tus favoritas también?

Bueno no es de mis favoritas pero si de las mas especiales que hay en este disco ya que colaboro junto a Maria Cambas.

Como primer single de este disco se extrajo “Te buscare” y en la actualidad y cara al verano se ha publicado el single Piki Piki, el cual se ha colado en nuestro Top 50 en busca de la canción del verano. Este tema tiene un cierto aire de musica urban. Hay público que parece que tiene miedo hablar de este género debido al contenido de sus letras, sus videos… ¿Qué opinión tienes de todo esto?

Soy de esas personas que opina que cada persona tiene su estilo de crear y expresarse, pero se pueden hacer temas muy movidos sin necesidad de denigrar a ningún colectivo ni utilizar nada ofensivo ante nadie.

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En la actualidad Manu Sirvent guitarrista del grupo es quien ha tomado las riendas en la voz. ¿Por qué dar este paso al frente para ser la voz principal de Desert Dog? Tras el paso por la banda de Miriam Camino e Irene Valverde, dos excelentes vocalistas, quedó vacante el puesto de vocal, y antes de volver a buscar quien podría cubrir el puesto, mis compañeros de grupo Rodrigo Mialdea, Pedro Gª Ripoll y Javier Ortiz, me sugirieron que dada la cantidad de temas que tenía escritos para mí tonalidad, y ya que anteriormente había ejercido como vocalista en otras bandas, probara a cantarlos yo y ver cómo resultaba, y parece que de momento seguiremos así.

“I Got The Funk” cuenta con la colaboración de la gran voz de Celia Vergara ¿Qué visteis en Celia Vergara para que os acompañara en esta canción? ¿Cómo os conocisteis?

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Fue una sugerencia de nuestro productor Miguel Blanco y estamos muy contentos con su excelente colaboración, Celia Vergara es una de las mejores voces del panorama actual. Otra colaboración estelar en este tema, también sugerida por nuestro productor, es Iñaki Arakistain, que se marca un pedazo de solo de saxo al final del tema.

Esta canción está consiguiendo tener muchísimos votos en LH Magazin y se está posicionando como una de las canciones de este verano del 2020. ¿Os está sorprendiendo la gran aceptación que está teniendo esta canción?

Estamos encantados con la aceptación que está obteniendo. Las canciones se hacen para que la gente las escuche y las disfrute y si está siendo así que siga la racha.

Qué es para Desert Dog el funk, el soul…

El funk, el soul, el blues y en general toda la Black Music corre por el ADN de Desert Dog, y aunque cada uno de nosotros tiene distintas influencias este es el nexo de unión.

El año pasado además de publicar “I got The Funk” publicasteis otro tema más “La Balanza”. Un tema más comprometido socialmente. ¿Hay en Desert Dog un hueco para hablar de los problemas sociales?

Por supuesto la música es un vehículo que puede ayudar a la transformación y concienciación social, tenemos en el repertorio canciones con temática basada en la observación y denuncia de realidades que no nos gustan y que nos gustaría poder cambiar. ¿Dónde se han grabado estos dos temas y quién se ha encargado de la producción?

La grabación se ha realizado en Madrid, en los magníficos Infinity Estudios con Pablo Baselga como ingeniero de sonido y el talentoso Miguel Blanco como productor, que también ha hecho los arreglos de metales que podéis escuchar en I got the funk.

“2016 vio la luz vuestro primer disco “Mundo Paralelo”. En el 2018 publicasteis el single “Blues de Internet”. ¿Habrá disco próximamente con estos dos nuevos temas o hay que resistirse que ahora la forma de consumir música es distinta a hace unos años atrás, es la hora del single?

Bueno realmente hemos sacado estos dos nuevos temas al mercado como adelanto de lo que será nuestro próximo larga duración, ya tenemos montados 14 temas nuevos e inéditos que están a la espera de entrar en el estudio.

Sois músicos experimentados, muchos venís de la llamada Movida Madrileña. ¿Eran mejores esos tiempos que estos para la cultura?

Bueno pues en muchos aspectos sí que fueron mejores tiempos, se vendían más discos, los grupos tocábamos a caché y había quizás más curiosidad por descubrir nuevos valores, ahora da la impresión de que mucha gente solo quiere ir a ver a las grandes figuras.

Cómo está afectando este COVID19 a los planes del grupo.

Pues un poco desastre para todas las bandas emergentes o no consolidadas artística y económicamente. Se han suspendido las presentaciones del nuevo disco y se nos ha caído nuestra gira veraniega, pero la pasión y amor por la música hace que sigamos trabajando y ensayando a la espera de poder volver a la carretera. Desde estas páginas queremos enviar un fuerte abrazo a todos los compañeros y compañeras que, como nosotros, han visto frustrados sus planes. conciertos y lanzamientos.

Se están adoptando las medidas necesarias o todo lo contrario, para apoyar al mundo de la cultura.

Seguimos sin ver apoyo institucional que ayude a difundir y que apoye la gran riqueza cultural y musical que hay en nuestro país. El Gobierno británico, por ejemplo, ha anunciado el mayor paquete de ayudas al sector cultural de su historia: casi 1.700 millones de euros, el ministro de cultura británico sostiene que todas las estrellas que han triunfado a nivel mundial comenzaron en las salas de conciertos y no van a permitir que cierren, sin ellas no hubieran tenido a los Beatles, Adele o Elton John. En Francia, la alcaldesa de París ha dotado un presupuesto extra para apoyo a la cultura, y suma y sigue… ¿Cómo veis lo que resta de año?

Es toda una incógnita porque depende de factores externos, nosotros, por nuestra parte seguiremos montando temas nuevos y actualizando nuestro show para cuando llegue el momento de volver a reencontrarnos con nuestro público.

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VERONICA ROJAS

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¿Cuáles son tus referentes musicales?

Son muchos los referentes musicales, y artistas que me han inspirado y me siguen inspirando día a día, tengo una lista interminable…(risas). Pero te puedo decir algunos como: Edith Piaf, Chavela Vargas, María Dolores Pradera, Luis Amstrong, Alicia Keys, Alejandro Sanz, Manuel Carrasco, Vanesa Martin, Pablo Alborán , India Martinez, Pablo Lopez, Sabina…

Las etiquetas musicales benefician o perjudican.

Pienso que la música se define por los elementos empleados y las emociones trasmitidas, no creo que sea necesario ponerle etiqueta o calificarla, sino más bien un descripción de lo que se hace, de lo que se transmite. Con una etiqueta opino que se cierra mucho el campo, el arte debería de escapar de todo eso. ¿Qué fue lo que te motivo a dedicarte a la música, un concierto, una canción…?

El motivo en si no lo conozco, pero desde que tengo uso de razón he sentido una fuerte admiración, atracción por ella y sin darme cuenta le he entregado mi vida entera. La sensación que me producía y me produce no tiene explicación, como decimos, la música es mágica y hace magia con cada uno de nosotros, y a mí me hechizo.

Mis padres me comentan que lo primero que hacía nada más llegar a casa después de salir del colegio, era soltar la maleta, coger la escoba, poner música y cantar, y ahí mis horas pasaban, y volvía loca a los vecinos,jaja… Lo mismo pasaba cuando hacíamos viajes en coche -”Papá, música y a cantar!!”- (risas)…

Y así fui creciendo, creyendo y aumentando mis ganas de ir conocerla más y más.

También eres actriz ¿qué fue primero la música o la interpretación?

Mi primer sentimiento ha sido siempre la música, pero ella lleva intrínseco la interpretación, y siempre que cantaba, me montaba mis películas, mis personajes, mis vestimentas…

Compones para otros artistas como la canción “ella” ¿qué ha supuesto esto para ti?

Ha supuesto una gran suerte, una formar de disfrutar increíble, que al escucharla en su voz me hace inmensamente feliz.

Mientras compones siempre piensas, este tema le vendría genial a tal, y te vas ilusionando e imaginando, pero nunca te esperas que pueda pasar.

Has aparecidos en varios concursos… ¿son los concursos de televisión una opción para poder lanzar una carrera musical? ¿cómo fue la experiencia?

Son una gran puerta para poder llegar a la casa de más personas, que te conozcan, y así poder conectar con ellos de una forma más rápida.

Tengo muy buenos recuerdos, y gracias a ello he conocido a gente increíble.

Tu nuevo single “sin ti”… ¿ha nacido esta canción con el piano y te imaginabas la canción as como ha quedado, cuando ha nacido?

“Sin ti” nació en una tarde tranquila, mientras leía algunos de mis escritos que encontré en una hoja rota, y me puse a escribir sobre esa emoción, esa declaración de amor que sentía la necesidad de transformarla en canción.

La tuve en mente días, iba recitándola, y cantándola con melodías y dándole formas diferentes, hasta que llego ese día en que la sentí clara, sentí que tenía que sonar así, íntima y valiente, y ella sola se fue creciendo con los acordes del piano.

Este tema es uno de los mas votados en nuestro top 50… ¿te está sorprendiendo la gran aceptación que está teniendo entre el público?

Estoy muy sorprendida, agradecida y feliz de saber esta noticia, solo deseo que llegue a más personas y crezca una familia.

Una familia incondicional, con corazones cargados de intenciones, de respeto, nobleza, generosidad…Con la vida y todas sus maneras. Gracias!!!

De la producción y dirección se han encargado… ¿qué fue lo que te llamó la atención de ellos para que se engargaran de “sin ti”?

Su apuesta, sus ganas y su dedicación. ¿Cómo esta afectando esta pandemia en tu música?

Me ha afectado en la parte creativa, porque busco mis espacios, mi soledad pero me coarta cuando se me impone un aislamiento obligado y por una pandemia, tan singular como esta. ¿Cuáles son tus planes inmediatos?

Seguir con mi lucha dentro de la música, realizar conciertos y así poder rodearme de la energía ,y el disfrute del público, porque al final son ellos los que te cargan las pilas y te hacen feliz

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Bueno, en primer lugar y dada la loca situación alrededor de todo el mundo ¿qué nos puedes contar de ti? ¿Tú y toda tu familia estáis bien?

Todo el mundo está bien. No hay ningún problema. Gracias a Dios, todo el mundo está sano. Estoy en Nashville y aparentemente las cosas no se han ido mucho de madre por esta zona por los datos que nos van contando. Aunque es cierto que la situación se ha ido de las manos.

Sí, la verdad es que en ciertos países como España, que tan bien conoces por tus giras, pero también en Estados Unidos, ha dado la sensación de estar fuera de control.

Bueno, aquí la verdad es que dependiendo del estado hay unas reglas u otras. No ha habido un plan nacional, con lo cual el efecto en la lucha ha sido muy débil en muchos sitios. Si a eso le añades los que incluso niegan que el virus exista y todas las manifestaciones similares te das cuenta de que en general a gran parte de la gente le faltan dos dedos de frente.

Aprovechamos la ocasión para felicitarte una vez más por tu nuevo trabajo, ya que desde LH hemos seguido y apoyado siempre tu carrera. Y, sinceramente, cuando pensábamos que no podía haber nada más épico que tu anterior disco, has formado algo aún más espectacular. Llegados a este nuevo disco, tú nunca has negado tus influencias de toda clase de artistas del Blues, incluyendo siempre versiones de temas de tus ídolos en tus discos. ¿Qué te hizo decidirte en esta ocasión por los grandes héroes de la guitarra británicos de hace décadas como Jeff Beck, John Mayall, Eric Clapton o bandas como Cream?

Pues la verdad es que este plan nació ya en 2018. Pero más que un tributo a mis ídolos de la guitarra ingleses o irlandeses se planteó más como un experimento.

Curiosamente estaba en mitad de una entrevista promocional en la radio durante una de mis giras cuando en una conversación relajada con un periodista me surgió la pregunta: ¿y no sería curioso grabar un disco

en Londres para comprobar hasta qué punto mis influencias británicas afloran de modo natural en el entorno propicio? Hacer algo así me iba a permitir trabajar directamente con músicos a los que admiro y considero grandes amigos como el guitarrista Bernie Marsden, lo que resultó en una experiencia maravillosa.

Igualmente poder grabar y tocar junto al ex letrista de Cream Pete Brown supuso para mi vivir todo ese puro sentimiento funkie de los mejores momentos de una banda como Cream con unas maravillosas, excéntricas y eclécticas letras de canción inigualables.

El experimento se alargó hasta el punto de que finalmente grabamos muchísimo más material juntos del que finalmente aparece en el disco final. Concluimos cerca de julio de 2019, lo que nos llevó a una necesaria pausa veraniega porque estábamos muy satisfechos con el resultado de todo lo que habíamos hecho. Sólo que al relajarnos tanto, los trabajos de post-producción se alargaron posteriormente hasta enero de 2020.

Tampoco nos preocupaba en ese momento porque el plan inicial era sacar el disco en marzo de 2020, lo cual hubiese sido un desastre. Así que llegamos a grabar incluso hasta tres temas más, entre ellos el tercer tema del nuevo disco, “Lookout Man”, de modo que seguíamos divirtiéndonos, disfrutando y creando música en la que creíamos sin tener la más mínima idea de que en un mes estallaría una pandemia a nivel mundial.

Visto ahora me parece increíble pensar en cómo vivimos el acontecimiento de grabar el disco hasta que todo terminó bruscamente el 12 de marzo.

Milagrosamente el mayor peso de la grabación quedó terminado antes, pero ya nos vimos obligados a grabar todos los coros posteriormente en Australia, e incluso algunas de mis partes vocales aún no grabadas en mitad de una gira antes de que nos confinasen a todos.

Todas las mezclas las tuvimos que terminar en Nashville e incluso algún

solo de guitarra de Bernie tuvimos que añadirlo en ese proceso final ya encerrados. La conclusión es que nos dio tiempo de concluirlo todo antes de tener que encerrarnos gracias a una muy buena planificación que terminó casi literalmente un segundo antes de que el mundo se viniese abajo.

Lo que si te puedo decir es que para el sentimiento que recorre todo el disco, haberlo podido componer y grabarlo en parte en Londres desde luego ayudó muchísimo. No me cabe ninguna duda de que conseguimos que este disco sonase mucho más duro. Es el disco de sonido más duro que he grabado en mi vida. Hay temas que podrían estar perfectamente en un disco de Black Country Communion.

No hay duda de que esto es algo a lo que ha contribuido mucho el hecho de haber conocido y tocado en la última década junto a Glenn Hughes o Jason Bonham en una banda de rock verdadera. Queda claro que, bueno, tengo 43 años ahora mismo pero todavía tengo fuego suficiente en mi interior para ser capaz de grabar un disco de heavy blues.

De hecho no sólo se trató de componer y grabar en Londres, sino que lo hicisteis en los estudios más míticos y nombrados de toda la ciudad: los Abbey Road Studios. ¿Qué supuso para alguien que ama la música grabar en un sitio por el que han pasado tantos nombres propios de la Historia de la Música?

La experiencia fue fantástica. Pero más importante que estar y grabar en un sitio tan legendario fue pensar en todo momento que, pese a todo, se trataba de ir a grabar a un estudio mi música. No podía dejar que fuese el estudio el protagonista de mi nuevo disco. Ni siquiera cuando te hacías consciente de que en aquellas paredes se grabaron clásicos como “Hey Jude” o que los Beatles habían usado esas mismas salas. Así que el planteamiento fue: vamos a ver, este lugar fue una herramienta para los Beatles, así que pensemos y hagamos lo mismo: tienen un equipo impresionante, micrófonos de primera y todo lo que necesitamos para hacer nuestro

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disco. Así fue cómo conseguimos que funcionase.

Pero aparte de grabar la mayor parte del disco, ¿fue allí también donde compusiste los temas del nuevo disco, de dónde salió esa pura vena e influencia británica en tu forma de hacer blues y rock?

Sí fue allí, pero a un nivel mucho más práctico. Junto a las grandes salas de grabación tienen cantidad de pequeñas oficinas y estudios más pequeños en los que poder trabajar.

De hecho establecimos un plan de trabajo bastante estricto. Todos los días Bernie y yo nos desplazábamos hasta el estudio y nos metíamos en una de esas salas a trabajar desde las ocho de la mañana para probar, tocar y componer canciones. Hubo días en que fuimos capaces de salir de allí incluso con dos temas casi acabados.

Fue increíble. Tocábamos toda la mañana, firmábamos una canción, salíamos a almorzar algo, volvíamos y éramos capaces de crear otra canción esa misma tarde. Estuvimos así durante cuatro semanas ininterrumpidas, entre junio y julio de 2019, más el período en que volvimos a grabar en enero de 2020.

Lo mejor de todo es que al final el hecho de trabajar y tocar juntos en una misma ciudad de la que también podíamos disfrutar, acabó creando una pequeña comunidad. Disfruté mucho de la experiencia y desde luego no me cabe ninguna duda de que el sonido final que hemos conseguido con el disco se debe realmente al hecho de haber podido vivir en Londres durante ese período.

sación y, sobre todo, grabar un buen disco que es lo que creo que conseguimos.

Has viajado por todo el planeta y supongo que conoces bien a tu público.

De modo que lanzar un disco bajo tu nombre con una propuesta tan directa y dura, ¿crees que encaja bien en el concepto o en lo que pudiesen esperar los fans de discos más blueseros?

Cuando nos sentamos con las canciones que finalmente han acabado en este nuevo disco lo tuvimos claro: todo iba a sonar mucho más heavy, esto no es material como el de “Redemption”, ni tampoco de “Blues of Desperation”. Pero es que es lo que me gusta. Es un nuevo capítulo en mi carrera. Igual que la idea, de momento sólo en teoría y sobre el papel, de grabar un disco nuevo completo en enero de 2021 completamente en directo. ¿Cómo decidiste el que sería el primer single y primer videoclip de este nuevo trabajo?

Bueno, tuvimos claro que el primer tema sería “Why Does It Take So Long To Say Goodbye” porque refleja un poco no sólo nuestra forma de grabar discos, ya que documentamos todo el proceso y luego empleamos esos clips en el video, sino porque hoy en día no tiene nada que ver la forma en que se promocionan los discos a cómo se hacía hace décadas.

Hoy en día es muy importante generar expectativas y despertar, con suerte, el interés de los fans que pueden acabar comprando tu disco. De ahí que haya que avanzar temas y darles poco a poco razones suficientes para comprar tu álbum.

El sonido final del disco no solo suena mucho más duro que tus discos previos, sino también más orgánico si es posible que los anteriores. Todo suena real, como si hubieseis grabado parte de las canciones en directo.

Supongo que, aparte de la experiencia de la grabación, ese mérito se debe a la presencia habitual de Kevin Shirley como mentor y productor una vez más.

Sin duda. Es obvio cuando Kevin realiza su labor de ingeniero de sonido y mezclas. Pero la sensación de directo se debe también a que grabamos en el más grande de los estudios: grabamos en el Estudio A, no en el Estudio 2 o en el Estudio 1.

La diferencia entre estas salas es que grabar en el 1 o el 2 supone tener que salir del estudio cada vez que grabas algo para poder comprobarlo al otro lado.

Entiendo que los Beatles llegasen a usarlos a menudo cuando grababan por separado sus partes en los discos, pero nosotros buscábamos otra sen-

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El paisaje musical es totalmente distinto al de hace 10 años y mucho más al de hace 20 años cuando grabé mi primer disco. Esperamos crear con este tema suficiente interés para que cuando en octubre llegue el segundo, el que da título al disco, la gente se anime a comprarlo sin duda. Es un disco diferente que creo que va a gustar sin duda a mis fans.

Sin duda creo que al final se trata de un disco lo suficientemente variado para abarcar y contentar a todo tipo de fans de tu carrera. Porque aparte de temas duros también los hay mucho más alegres musicalmente como “Lonely boy” y letras que animan, que realzan el coraje incluso cuando las historias que cuentas no siempre son optimistas. Sin embargo al final tu música, en tiempos difíciles como éstos, es algo que puede ayudar a la gente.

La verdad es que mientras componía el disco y al final cuando estuvo acabado desde luego nunca hubiese sido capaz de imaginar lo que se nos venía encima. Todavía grabando en enero y febrero de 2020 nadie podía imaginar o esperar que el mundo entero iba a cambiar radicalmente de cómo lo conocíamos. Quedémonos con que al final cosas así también te

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ayudan a descubrir que también hay gente maravillosa que lo da todo en los peores momentos. Y sin ninguna duda soy de los que cree que la música es realmente importante en nuestra sociedad. Un disco es la forma más pura de desconexión que pueda existir. Durante el tiempo que escuchas sus canciones te olvidas de tus problemas, de las malas noticias, del mundo entero.

Has cumplido veinte años en el negocio de la música. ¿Todavía crees que sea necesario el formato físico en un mundo tan tecnológico como el nuestro?

Personalmente no me cabe ninguna duda de que, afortunadamente estamos volviendo en parte a lo que el negocio fue hace décadas. Uno de los aspectos que más me preocupa cuando edito un disco es éste en su formato en vinilo. De ahí que por ejemplo en este o en cualquier otro de mis discos de estudio suela seleccionar no más de nueve temas en lugar de los dieciséis o diecisiete que tenía compuestos en esta ocasión, porque me gusta pensar y recordar todos esos discos de los años 60 y 70 que apenas duraban treinta minutos, cuando si te das cuentas en muchos casos mis discos han de ser editados en doble vinilo

por la duración. De ahí que este nuevo disco sea el ideal de ese concepto de álbum que tanto me gusta y que plenamente creo que está volviendo.

Coincidiendo con tu nuevo disco, se edita una reedición del que fuera tu primer disco, “A New Day Yesterday”, rebautizado como “A New Day Now” porque has regrabado parte del disco, sobre todo las partes vocales, aparte de añadir tres impresionantes temas extras.

El hecho de que se publiquen a la vez prácticamente se ha debido a las circunstancias externas pero sí, no deja de ser un motivo de celebración porque estoy orgulloso de lo lejos que he llegado desde aquel lejano primer disco. Sobre la regrabación sé que mucha gente prefiere ese lado mío en el que las canciones pueden surgir de una jam session, pero como compositor todo músico necesita crecer.

Es importante crecer y crear nuevos retos para seguir adelante.

Rolo

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JOE BONAMASSA “Royal Tea” MASCOT RECORDS Catorce discos de estudio en sus recién cumplidos veinte años en solitario. Posiblemente el doble de grabaciones de primerísima calidad en directo. Así es Joe Bonamassa. Allí dónde ha llegado se lo ha ganado con el mismo sudor con el que sus mil influencias musicales, especialmente del mundo del blues, hicieron de un estilo de música una forma de vida. Merece la pena recordar que Bonamassa tocó siendo apenas un crío con B.B.King. Pero no por aparentar o hacerse la foto. Joe Bonamassa es un trabajador incansable que, hasta ahora, sólo nos ha regalado calidad y buen hacer. Y una vez más es lo que nos ofrece con este original nuevo disco. Calidad, ganas, trabajo y diez temas impecablemente facturados que harán las delicias de sus fans blueseros pero también de quienes le han conocido por sus varias andanzas paralelas, en especial Black Country Communion, esa superbanda con Glen Hughes como vocalista en que ya

reivindicaban juntos el legado de la música británica de finales de la década de los 70. En ese prolífico período es dónde Bonamassa ha rebuscado y creado su particular tributo a grandes nombres y héroes del rock británico como Jeff Beck, John Mayall & The Bluesbreakers, Eric Clapton y Cream. No en vano por cada uno de esos nombres hay uno o varios temas en uno de los discos más potentes jamás formados por este infalible guitarrista norteamericano. Para ello ha reunido nada menos que a su amigo y ex guitarrista de Whitesnake Bernie Marsden, al ex letrista de Cream Pete Brown y al pianista y tesoro viviente del Reino Unido Jools Holland. Con un primer single y videoclip como “Why Does It Take So Long To Say Goodbye” que engancha a la primera, el resto del disco no le va a la zaga. Original y perfecto en su ejecución, el toque mágico del productor Kevin Shirley le da una envergadura al disco que para sí quisieran los discos de artistas bajo el ala de multinacionales. Compuesto y grabado en Londres como el artista nos explicaba en su entrevista, como músico Bonamassa ha vuelto a hacer los deberes en su forma de recordarnos la importancia de cualquier legado musical. Matrícula de honor con honores. No hay tema de este nuevo disco que no vayas a disfrutar en ese más difícil todavía en que Bonamassa vuelve a superarse y darnos lo mejor de sí mismo como compositor, virtuoso guitarrista y espectacular vocalista.

JOE BONAMASSA “A New Day Now – 20th Anniversary Edition” MASCOT RECORDS Y para celebrar ese mencionado veinte aniversario de Bonamassa en la música, qué mejor que recuperar el que fue su primer disco de estudio en una versión verdaderamente especial. Así, el que originalmente fue editado como “A New Day Yesterday” revitalice el legado de Bonamassa en una edición para la que el artista ha regrabado completamente las voces, aunque manteniendo el espíritu original de aquel disco del año 2000.

Hay que tener en cuenta que, con apenas 23 añitos a sus espaldas, su manager y productor de entonces pretendía darle al artista otro

tono más en la onda de lo que se llevaba como artista de blues en esos años, de ahí que Bonamassa nunca quedase del todo satisfecho del resultado. Lógicamente si algo resulta evidente para cualquiera de sus seguidores, es la madurez como vocalista que Bonamassa ha conseguido a lo largo de los años. Hasta el punto de que, aún si conoces las canciones, te va a parecer estar escuchando otro nuevo disco del guitarrista. Algo que no deja de ser todo un regalo en un año tan escaso de alegrías musicales. Tan impecablemente presentado como todo disco que cae en manos del sello Mascot Records, “A New Day Now” cuenta en sus créditos con la producción y composición de Steven Van Zandt, el legendario guitarrista de la E-Street Band de Bruce Springsteen y añade a los temas originalmente publicados tres Bonus Tracks rescatados especialmente para la ocasión: “Hey Mona”, “I Want You” y “Line Of Denial”. Dos Bonammasas en un año bien merecen celebrar todo lo bueno que la música aún puede ofrecernos incluso en los tiempos que vivimos.

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mpezaste tocando el bajo en un grupo llamado “Tierra de nadie”, después te pasaste a la guitarra y empezaste a componer. ¿Qué recuerdos tienes de esa época?

Los recuerdos que me vienen son fantásticos amigos tocando y descubriendo nuestro éxito y la ilusión de tener un local, eso sí que molaba. Eso de tener un local era maravilloso, era tu espacio, compartido con tu grupo.

Trabajaste en el mítico bar de los Hombres G (Poand Roll). ¿Cuáles eran tus sueños por esos años?

Si, cuando trabajé en el bar de los Hombre G “popanroll” fue fantástico, conocí a mucha gente; mi sueño es el mismo y ahora sé que valgo para esto, para la música.

El gusto por el cine te llevo a formar la banda Los Olvidados. Estudiaste guion y dirección de Cine además de interpretación en la escuela Metrópolis. ¿Pudo más el cine que la música o compaginaste ambas artes?

Nada, son distintos artes y cada uno es para una cosa. Cada uno se trasmite de una manera y a la vez se complementan.

Se dice mucho que dedicarse al mundo de la cultura exclusivamente es difícil, tú has sido músico, has realizado un documental llamado “Tírala alta” con el cual se ganaron muchos premios a nivel nacional e internacional. ¿Es posible sobrevivir en este país dedicándose solo al cine, a la música, a escribir…?

Difícil, pero bueno depende como quieras vivir.

“Memorias” es un disco que recoge algunas de tus mejores composiciones de los últimos años y las más novedosas. ¿Cuál es el tema que más lleva compuesto de este disco?

Después del invierno

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“Memorias” es la canción que da título al disco. ¿qué significa para ti esta canción para que dé nombre al disco?

Memorias me encanta. Me hizo sacar el disco, me empujó, porque salió muy de dentro de mí y me empujó a todo lo demás. Le debo mucho a la canción “Memorias” y por eso llamé al disco así.

Además “Memorias” es una de las canciones más votadas en el Top 50 en busca de la canción del verano. ¿Por qué piensas que esta canción gusta tanto a tus seguidores?

Porque es una canción muy directa en todos los sentidos, contando una historia de abandonar la pareja porque ya no tienes nada que ver con tu pareja y quieres continuar tu vida, aunque ya han cambiado muchas cosas de la vida actual. ¿Cómo está afectando esta pandemia a tu disco “Memorias”?

Muchísimo, nos saltamos esta pregunta (risas), bueno yo soy positivo e intento seguir arriba porque esto deprime demasiado, se anularon conciertos, la presentación del disco, la presentación del corto, buf… ¿Tienes algún género de música en particular que te guste más que otro y cuáles son los artistas que escuchas?

Sí, soy pop sin apellidos; escucho mucha música de los 60 ,70, y 90, los 80 me los suelo saltar. Ahora estoy escuchando mucho a Coque Malla; me parecer muy interesante.

El tema “Nunca es tarde” cuenta con una colaboración especial. ¿Quién es y cuenta el disco con más colaboraciones?

MARIO SAN ROMAN Aurora Rodríguez es una cantante maravillosa os la recomiendo. También esté Javier Molina, batería de Hombres G pero canta (risas), es que canta muy bien.

He podido leer que estás preparando un largo que seguramente puede que se llame “Amistad incondicional”. ¿De qué tratará y cuándo está pensado que esté terminado?

Nada, de momento he cambiado el nombre (risas) ahora se llama “La Gran gira”, es de una banda de música que se unen después de muchos años y hacen una Gran Gira. Esta genial ñ. Aún queda bastante, pero ya os iré contando.

Os agradezco mucho vuestra implicación, gracias a vosotros y a la pasión que tenéis. Nos hacéis tener aún más ilusión. Gracias.

ERANO

EL V CANCION D

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Durante todo el verano se ha venido realizando el programa de radio LH a Todo Ritmo edición de verano en el cual se ha buscado la canción del verano de este atípico año 2020. Entre más de 150.000 votos recibidos durante todo el verano la canción mas votada ha sido “Memorias” de Mario San Roman. Mas de cincuenta canciones han sido las candidatas a optar este titulo de canción de verano, cuya primera edición tuvo lugar en el año 1964 en Italia. La canción del verano nació con el motivo de aumentar las cifras de ventas de discos en el verano, como se hizo en el invierno con la invención del Festival de San Remo donde comprobaron que las ventas subían. Fue en 1966 cuando 40 Principales lo introdujo en España. LH a Todo Ritmo durante este verano ha intentado recobrar ese espíritu de la canción del verano tal ha sido el éxito que el ya estamos deseando dar comienzo en busca de la canción del verano del 2021. Enhorabuena a Mario San Roman y la canción del verano del 2020 “Memorias”.

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POTATO OMELETTE BAND En el mes de abril publicasteis vuestro segundo trabajo “Tortilla solar: una opera dominguera”. ¿Qué es lo que queda de esa idea en su principio de crear una banda de calle con instrumentos de juguete e inventados?

La esencia de la banda es la misma de siempre, una banda de calle en donde la imaginación es el ingrediente principal.

A la hora de grabar el disco había muchos sonidos en nuestra cabeza que queríamos plasmar y hemos tirado de grandes músicos para lograrlo y conseguir un trabajo que puedas escuchar una y otra vez, lleno de detalles y, en ocasiones con la fuerza de una banda “común” al completo.

Tras Potato Omelette Band estan los músicos Laura Nadal (Alamedadosoulna, The Clams, HAFA) y Gerardo Yllera (El hombre linterna, Alcohol Jazz, Skalone, Barrio Tomillo). ¿Dónde empezó a coger forma la intención de formar Potato Omelette Band? ¡Pues a raíz del puro ocio y diversión!.

Solemos veranear de camping y siempre llevamos lo que llamamos el “kit de entretenimiento” que consta de ukelele, melódica y todo tipo de cacharrillos que hagan ruido. Tocando y tocando nos dimos cuenta que necesitábamos tocar varios instrumentos a la vez para conseguir que sonara lo que teníamos en la cabeza, así que empezamos a desarrollar ingenios para poder llevarlo a cabo, además de sacar sonido a nuestros utensilios de camping.

A lo tonto ya teníamos un repertorio y lo quisimos llevar a la calle, por lo que nos parapetamos con nuestras sillas de camping y nos tiramos a las calles a ver qué pasaba. Muy bueno fue lo que pasó porque llevamos así 7 años.

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¿Se puede cantar a problemas como la valla de Melilla, el capitalismo, el maltrato animal… con un toque de humor?

Ese es nuestro lenguaje más natural, el de la música aparentemente alegre que te deja pensando un rato. Por ejemplo en nuestro tema “Animal” parece que vamos a tocar un tema de animalitos infantil (¡ojo! ¡No somos una banda infantil aunque pueda parecerlo!) y acaba siendo un mensaje más bien punki desenmascarando nuestra hipocresía como sociedad, la primera frase ya te lo deja entrever: “¡ahí van las vaquitas! ¡camino de la muerte!” ¿Cómo veis y cómo os está afectando esta pandemia al mundo de la cultura?

Los artistas vivimos en permanente crisis, esta no hace más que volver a retratar la realidad: a los gobiernos les importa una mierda el arte. Menos mal que hay tanta y tanta gente que se está desviviendo porque la música no pare, organizando y asistiendo a conciertos, permitiéndonos sobrevivir económica, pero sobretodo anímicamente.

Nos gusta repetir una frase que es la clave de todo para nosotros: “sólo la música nos salvará” ¿quién no se ha encerrado este confinamiento a SENTIR en mayúsculas, llorar, reír, vibrar, con su música preferida y esto le ha permitido seguir adelante?¿quién no se ha sentido más acompañado gracias a ella?

Durante el confinamiento y desde vuestra isla estuvisteis dando conciertos “ah!isla2” para vuestros seguidores.

Después de un tiempo muchas artistas no vieron con muy buenos ojos a los que estaban regalando su arte. ¿Cuál es vuestra opinión? ¡Nosotros tampoco! Al ser profesionales de la música es antiético regalar tu trabajo.

Por desgracia hay mucha confusión con este tema y si dices lo que acabamos de escribir te tildarán de insolidario, estrellita, vendido, ¡yo que sé!, pero si regalamos nuestro trabajo no hacemos más que devaluarlo y terminar de destrozar lo que nos da de comer. Recordemos que elegir el camino del arte (al menos en España) es elegir el camino más difícil. No estás haciéndolo en tus ratos libres mientras tienes otro trabajo, no, tú has elegido el enorme sacrificio que conlleva dedicarse a esto que, en este momento no hay folio suficiente para retratar, y, por ello, has de cobrar, o, al menos dar la oportunidad de que quién pueda o quiera colabore. Es por eso que en nuestros conciertos desde casa habilitamos una cuenta para recibir una “gorra virtual” en la que colaborar. Estuvo bien porque muchos músic@s no se atrevían pues les parecía feo, pero en seguida siguieron nuestro ejemplo, dignificando esta labor tan importante de insuflar ánimo y sonrisas en los momentos más duros.

Un concierto vuestro está rodeado de humor, teatro, denuncia, música… viendo vuestros conciertos de “ah!isla2” en los que no paráis ni un momento… ¿Hay que estar en muy buena forma física para llevar estos shows a buen puerto? ¡Las olimpiadas de la música! Sí, entrenamos bastante antes de la temporada… cada uno tocamos 3-4 instrumentos a la vez, además de cantar, salta, bailar, hinchar la party-melódica-gaita…¡¡eso es más duro que un concierto Beyoncé!!

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Tercer disco de esta banda de Madrid que lleva por nombre “All our sins”. ¿Qué es lo que buscabais en este nuevo disco, una continuidad o una vuelta de tuerca a vuestras composiciones?

Ya no sólo dar una vuelta de tuerca, si no quitar la tuerca y usar otra cosa. Quisimos experimentar, coger lo que creíamos que habíamos hecho bien hasta el momento y como mejorarlo, como convertir la música de Gate Doors en algo completamente nuevo y que todavía sonara a Gate Doors, dentro de una evolución lógica si tenemos en cuenta los anteriores discos.

Vuestro disco en España sale con el sello discográfico Lengua Armada. ¿Qué supone para vosotros que el sello discográfico italiano Wormholedeath os haya fichado?

Mucho orgullo y mucha ilusión, nos da la certeza de que hay cosas que estamos haciendo bien y que nuestra música llega fuera de nuestras fronteras, lo que para nosotros es algo absolutamente fundamental. Esto nos impulsa a seguir hacia adelante, creando música y trabajando duro. ¿Por qué iros a Londres para grabar el disco?

Precisamente por el punto que hemos comentado anteriormente, por trabajar más allá de nuestro país, observar y tomar referencias de cómo se trabaja fuera de España. Un gran amigo nuestro, Emilio Maestre, estaba estudiando allí en la Academy of Contemporary Music, la oportunidad surgió y por supuesto no dudamos ni un instante en hacer las maletas e ir para allá. ¿Qué bandas son las que os han llevado a conseguir lo que actualmente es Gate Doors?

La lista sería interminable, pero también depende mucho de nuestra edad y época de la vida en la que, por ejemplo, se ha compuesto este último All Our Sins… Si

bien al comenzar con la banda estábamos explorando los sonidos más reconocibles dentro del rock y del punk, como Green Day, Sum 41, Guns N´Roses, AC/DC, ahora cada uno nos movemos por otras vertientes… Nos estamos moviendo en sonidos mucho más actuales, bandas como Stray From The Path, Dream Theater, Alter Bridge, Architects… Sin querer parecernos a, al final es inevitable que la música que escuchas te influencie de una u otra manera en la música que compones. ¿Cómo ha afectado al lanzamiento del disco la covid 19?

Pues os podéis imaginar… Si bien es cierto que fue lanzado el 7 de marzo con su correspondiente concierto de presentación, el cual fue una pasada y tuvimos a la gente muy volcada a pesar del miedo al “bicho”… Siguieron 3 meses de encierro total, otros dos de progresivo desconfinamiento con las famosas fases, aforos de salas y recintos de conciertos muy limitados… Y ahora volvemos al principio parece… La parte buena es que no nos ha pillado en mitad de la gira, lo cual habría sido letal para la promo del disco, así que creemos que cuando todo pase tendremos que reunirnos con todo el equipo y volver al 200% con todo, porque tenemos muchísimas ganas de subir a un escenario otra vez.

Pero hasta el momento, mascarilla, lavado de manitas y distancia de seguridad. ¿Qué pensáis de que se hayan suspendido festivales, cambiado de fechas conciertos, cancelación de los mismos... y luego se vean imágenes de plaza de toros a reventar?

Hemos estado a punto de comentarlo en la pregunta anterior… Sinceramente es algo que no entendemos en absoluto. Si no se puede, no se puede para nadie. Somos partidarios de querer ir con calma, a pesar de todas las ganas que tenemos de volver, pero ver que se favorece la tauromaquia cuando, ya no solo las bandas, sino operarios, técnicos de sonido, montaje, staff, promotores, discográficas, etc. Llevan meses sin ingresos…. Nos hierve la sangre.

La tauromaquia es algo que a nosotros personalmente no nos gusta, creemos que esta mal torturan a un animal por diversión en todo caso, aun que lleves

haciéndolo cientos de años y haya gente cuyas familias coman de eso, sigue estando mal… Pero lo importante de la respuesta es que no se puede tratar de manera desigual a la gente, ¿por qué a unos si y otros no? ¿El virus contagia más con música de fondo? No se ha estado a la altura para gestionar esta crisis y se están haciendo muchas cosas mal. También ha visto a toreros en televisión quejándose de todo el dinero que están perdiendo, pero ni a un técnico, ni músico de orquesta… No lo entendemos, y nos enfada claro.

Sé que sois muy amantes del videoclip de hecho habéis sacado tres vídeos de este disco. ¿Qué porcentaje tiene la estética, la imagen… en una canción?

Mucho, prácticamente todo nos atreveríamos a decir. Si analizamos ambos extremos se ve más claro: imaginad una canción buenísima con un vídeo súper cutre, cosa que es muy habitual, junto a una canción muy mediocre pero con un vídeo espectacular, que también se ve mucho. El segundo tipo tiene muchas mas papeletas para brillar, la gente es mucho más exigente con el vídeo, pero escucha casi cualquier cosa. Ahora mismo hay géneros musicales, muy populares, que son muy flojitos en lo que a la calidad de sus temas respecta, pero te preparan unas películas para cada tema que da gusto verlo. Nos puede gustar más o menos, y hay muchas canciones muy buenas que pasarán desapercibidas por no tener un buen videoclip, pero es lo que hay y debemos adaptarnos..

Este año se cumplen diez años de que os formarais como banda. ¿Cómo ha sido el camino hasta aquí?

Una completa montaña rusa, subidas, bajadas, ilusiones, tristeza, alegría…

Pero sobre todo mucha música, muchos escenarios pateados, muchos kilómetros… y con nuestros tres discos bajo el brazo.

Siempre con la sensación y las ganas de querer seguir con ello, nunca parar y con la incertidumbre y la emoción de qué espera a la vuelta de la esquina.

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GATE DOORS

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C/ Esteban Collantes, 13 MADRID 28017 Tel.: 91 928 9271 Whatsapp: 772 407 101 Johnny@johnny-guitars.com

Siempre admiro la valentía de quien abre un negocio dedicado al mundo de la cultura en este país y más en estos tiempos raros que nos toca vivir con la covid 19.

En la calle Esteban Collantes 13, junto a la parada de metro Ascao nace Johnny Guitars. Un bello rincón dedicado a los músicos profesionales, así como al músico que empieza a dar sus primeros pasos.

Hablamos con ellos para que nos cuenten qué tiene de especial Johnny Guitars. ¿Qué os ha motivado abrir Johnny Guitars?

Por diferentes razones hemos llegado tres amigos a una confluencia de intereses que nos hizo pensar en la posibilidad de aprovechar nuestra pasión por la música y, en especial, por la guitarra, para ofrecer un servicio profesional al Este de la M30. ¿Qué servicios pueden encontrar los músicos profesionales en vuestra tienda?

El servicio que prestamos viene dado por las distintas experiencias que aportamos cada uno de nosotros como músicos y conocedores de las necesidades del guitarrista y bajista principalmente.

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Por tanto, es un servicio integral que abarca, por supuesto, el ajuste y reparación de instrumentos, de amplificadores, pedales y todo tipo de aparatos electrónicos.

Pero además, en Johnny Guitars puedes encontrar un asesoramiento para conseguir ese sonido que andas buscando, qué modificaciones de tu instrumento, de tu amplificador o de tus pedales te convienen y te facilitamos los materiales y la instalación que sea necesario.

Lleváis también acabo servicio de ajuste y reparación de instrumentos musicales. ¿Quién es la persona que se encarga en la actualidad de este servicio?

Es Miguel Hernanz quien realiza los servicios de ajuste y reparación. Miguel tiene una larga experiencia en estos trabajos y va a darte una solución al problema que traiga tu instrumento. ¿Está vuestra tienda también orientada a ese músico que empieza a dar sus primeros pasos?

Desde luego. Somos conscientes de que hay que ayudar a la cantera a sentirse a gusto con su instrumento porque –y especial-

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mente en los principios– una guitarra mal ajustada o que no afina bien puede ser un infierno para aquel que intenta sacar sus primeras notas. ¿Quiénes son los que forman en la actualidad el equipo de Johnny Guitars?

Somos Julio Goñi, Miguel Hernanz y José Herencia ElPopa. ¿Vais a vender todas las marcas o os vais a especializaros en algunas en concreto?

En principio no es nuestra idea vender marcas comerciales. Para eso ya hay otras tiendas. Pero sí vamos a tener en exposición instrumentos de segunda mano para dar así un mejor servicio a nuestros clientes. En el caso de que alguien tuviera interés en adquirir un instrumento nuevo de alguna marca en concreto, nosotros podríamos conseguirla.

He podido leer también, que pronto venderéis instrumentos propios. ¿Vais a fabricar instrumentos y amplificadores de vuestra propia marca?

Estamos en proceso de diseño, pero a no mucho tardar empezaremos a ofrecer

nuestros instrumentos. Instrumentos asequibles que van a competir con las grandes marcas. Estamos seguros de ello. La construcción de amplificadores es una idea que nos ronda la cabeza, pero será en una segunda fase. Vamos a arrancar con los instrumentos y pedales de efecto.

Dando una vuelta por vuestras redes sociales he podido ver varios casos de modificaciones de amplificadores, pedales… Ser auténtico, tener tu propio sonido, es lo que suele buscar un músico profesional. ¿Es esta parte de la modificación una parte importante en Johnny Guitars?

Ya te anticipaba antes algo sobre esto.

Tenemos mucha experiencia en buscar “el tono”. Tanto en amplificadores, pedales, como en instrumentos (pastillas, circuitería…) y podemos aconsejar en este sentido. Y llevarlo a cabo, evidentemente. ¿Qué pensáis de la venta online de instrumentos, amplificadores…?

El boom que supuso internet y las tiendas online hace unos años fue bestial. El acceso a toda la información, los foros… Todos aprendimos mucho ahí.

Si bien la tendencia mayoritaria es la compra por internet, en el caso de los instrumentos musicales, la gente agradece el asesoramiento personal. Y nosotros aconsejamos probar el instrumento antes de comprarlo.

Esto por internet no lo puedes hacer y muchas veces la gente se encuentra con sorpresas desagradables cuando reciben lo que han comprado.

Normalmente, cuando se compra un instrumento por internet, este no viene ajustado al gusto del musico por lo tanto tiene que pasar antes o después por un luthier para ponerse a punto.

“Antiguamente”, no hace mucho, si justificaba comprar por internet ya que había mucha diferencia en los precios. Ahora mismo ya no vale la pena, por expuesto anteriormente.

Visitando la tienda pude comprobar en situ cómo se hacen las reparaciones allí mismo, tenéis una sala insonorizada para probar los instrumentos, amplificadores… Qué más nos vamos a poder encontrar en Johnny Guitars.

Efectivamente, tenemos una sala apropiada con instrumentos y amplificadores de alta gama para hacer las pruebas que sean necesarias.

Tenemos los talleres necesarios para poder ofrecer todos los servicios de los que hemos hablado.

Además, y esto es importantísimo para el que llega con la incertidumbre de si su instrumento es salvable, o puedes conseguir eso que te ronda la cabeza, os vais a encontrar con un equipo experimentado y amable que te va a ayudar sin reparar en esfuerzos. Porque no todo el que llega a vernos tiene claro lo que quiere o necesita.

Para terminar quisiera desearos toda la suerte del mundo en esta bella aventura, y aconsejar a todos nuestros lectores y oyentes que se pasen por Johnny Guitars en la calle Esteban de Collantes 13. Esta es la primera colaboración de muchas que vendrán próximamente así que atentos.

Muchas gracias, y ya sabéis dónde tenéis vuestra casa

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A través de que disco, concierto, la música que se escuchaba en casa… descubres que quieres dedicarte al mundo de la música.

Bueno, realmente descubrí que quería ser músico con 6 años, cuando mis padres me llevaron a un pasacalle de la Banda Municipal de Música de mi pueblo, Aznalcóllar. Fue ver la trompeta y comenzar una relación de amor puro desde entonces con ese instrumento, y con la música.

Siendo niño estudiaste solfeo y trompeta lo que te permitió ser el integrante mas joven de la la Banda Municipal de Música de Aznalcóllar. Empiezas a escribir tus canciones, grabas un Ep de flamenco pop con el productor Joaquín Garzón. Tus canciones empiezan a sonar en España, y latino América, realizas una gira por España con cierto éxito y todo esto solo con veinte años. ¿Por qué decides parar en ese momento?

Quizás por eso, tenía sólo 20 años, cada vez sentía más presión y no me veía aún preparado profesionalmente para todo lo que podía llegar. Entonces decidí tomarme un descanso de los escenarios, y seguir estudiando música, pero esta vez enfocado más a la composición y producción musical.

Has trabajado como compositor para artistas como David Parejo, María Parrado…, has colaborado para diversas editoriales, discográficas… Has trabajado en numerosos proyectos desarrollados en la editorial Leiber Music. ¿qué ha supuesto para ti conocer a Miguel Vilches? ¿ha sido él un impulsor para que regreses a cantar tus temas?

Bueno, cuando yo conocí a Miguel Vilches, digamos que estaba en un momento

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duro de mi carrera profesional. Llevaba tiempo fuera y todo lo que conocía de la música había cambiado. La forma de trabajar, la forma de hacer carrera etc. Miguel me enseñó como afrontar esos cambios, me dio a conocer pautas, estrategias y me comenzó a presentar contactos del mundo de la música, ya que los contactos que yo conocía ya habían cambiado. Él supo hacerme ver que la paciencia es una gran virtud dentro de la música, junto con el talento y trabajo duro diario.

En este regreso tu primer single “A lo íntimo” el cual fue producido por Jesús Chávez y mezclada por Jordi Cristau. En pocos días en YouTube consiguió más de 200.000 visualizaciones. ¿Supero las expectativas que tenías creadas?

La verdad es que sí, superó mis expectativas y por mucho. Yo trabajo día a día para ser mejor que el anterior, entonces, cuando estaba componiendo A lo íntimo, solo quería disfrutar y hacer disfrutar a todo aquel que escuche mi música. Así que fue una gran sorpresa ver todo ese recibimiento, lo que me ayudó a seguir mejorando cada día, todo por y para el público. “#Yaquedamenos” es tu segundo single que hace referencia a los días que nos esta tocando vivir con esta pandemia. ¿Como ha afectado esta pandemia a tu proyecto?

Bueno, la verdad es que #Yaquedamenos no está creada por la pandemia, más bien es un reconocimiento al amor a distancia, que viven por diferentes circunstancias muchas personas en todo el mundo. Y en general, lo cierto es que el sector de la cultura no está pasando por el mejor de los momentos a causa de esta pandemia. Pero, también es verdad que

son momentos de cambio y de ver la música de otra forma. Hemos tenido tiempo de pensar en ello y seguir trabajando duro como siempre.

Esta canción se ha colado en nuestro Top 50 en busca de la canción del verano y no para de recibir votos. Nos mandaron una historia a través de WhatsApp, una chica, que nos comentaba que tu canción le hacía soñar con ese momento de juntarse con su chico que debido a esta pandemia les tenía separados. Cuando lees esto, ¿qué es lo primero que se te pasa por tu cabeza?

Creo que ahí, en esos momentos es cuando piensas que todo cobra sentido.

Las noches en vela escribiendo, los días con mucho estrés sin apenas descansar, entre composición, producción, grabación de videoclip, etc. Este tipo de historias es lo que te hace sentir músico. Es una sensación que no se puede explicar. Ver como las personas comienzan a hacer suya la canción es lo más grande que le puede pasar a un músico, y en mi caso como he escrito anteriormente, es lo que me hace ver que todo por lo que estoy luchando merece la pena. “#Yaquedamenos” lleva más de 80.000 reproducciones en redes sociales en tan solo una semana.

Se ha colado en varias listas de éxitos… está teniendo una repercusión espectacular. ¿Pensabas que esta canción llegaría tan lejos?

La verdad es que no. Como he escrito anteriormente, no suelo pensar cómo puede acoger el público cada una de mis canciones, siempre es una verdadera sorpresa, y simplemente intento disfrutar del momento y de lo que pueda suceder, que es lo que estoy haciendo ahora. Estoy muy feliz de todo lo que me está ocurriendo no sólo a mí, sino a todo el equipo maravilloso de personas que hay detrás de este humilde proyecto.

La letra es preciosa. Tengo la sensación que en un país donde nacieron grandes compositores como Serrat, Aute, Sabina,

Perales, Miguel Ríos… en la actualidad nos preocupe más la música que lo que cuentan las letras, solo falta echar un vistazo a nuestro alrededor donde la base rítmica en una canción es lo más importante las letras es secundario. ¿Tu como lo ves?

Yo pienso y siempre lo pensaré que una canción sin una buena letra es como un cocido sin morcilla. La letra es parte fundamental de una canción, es lo que le da sentido a la historia y hace que esa canción comience a formar parte de ti. Tener una buena base rítmica es bueno para un cierto momento del día, pero a la hora de la verdad, si no va acompañado de una gran historia esa canción pasará a ser olvidada más pronto que tarde.

Actualmente se van publicando single a single, parece que el CD también tiene sus días contados, aunque yo soy un enamorado del vinilo, y de obras completas que nos permiten conocer mejor a los artistas. ¿Cuál es tu opinión y cuales serán los siguientes pasos que des?

Yo vengo de una familia donde siempre se ha escuchado buena música. Recuerdo a mi padre cuando era pequeño, sentado en su sofá con los ojos cerrados escuchando un vinilo de The Rolling Stones. Yo pienso que es fundamental que el artista siga sacando discos completos, porque es la mejor forma de conocer al artista. Mi idea como artista es seguir creando canciones y poder formar un EP para que el público conozca más de mí.

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RITMO Y COMPÁS Un lugar ideal para disfrutar de la música y del buen ambiente. Pasear por sus pasillos es pasear por la historia de la música en forma de retratos que de alguna forma está asociada a Ritmo y Compás ya sea de cuando tenía su sala de conciertos o de los artistas que pasan por sus salas para preparar sus conciertos, giras…

Nos acercamos a hablar con ellos para que nos cuenten las novedades que en la actualidad nos podemos encontrar en sus espectaculares instalaciones.

Lo primero que me llamó la atención en esta nueva visita a Ritmo y Compás es que están cambiando su domotica. ¿Que beneficio tiene este nuevo sistema de llavero respecto al del carnet anterior?

El sistema anterior de control de puertas tenía ya unos años y nuestra filosofía es dar lo mejor al cliente, por eso decidimos cambiarlo, además con este sistema tenemos mas control de las instalaciones con lo que el cliente lo agradece.

Otra cosa que me llama mucho la atención de estos locales es lo cuidados que están en general, pero sobre todo sus salas equipadas por horas, con un diseño cuidado que invita a pasar muchas horas

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C/ Tomas Redondo 2 MADRID 28033 Tel.: 913 552 800 locales@ritmoycompas.com ensayando y con un equipo de sonido muy cuidado. ¿Por qué cuidar al detalle este aspecto de los locales por horas?

Ya te lo contaba antes, queremos dar calidad al cliente, tanto en instalaciones, equipo o limpieza, además el equipo de los locales por horas va renovándose continuamente para que el músico pueda probar diferentes equipos y si le gusta alguno poder comprarlo en nuestra tienda. ¿De cuantas salas por horas disponéis en la actualidad y que baremos de precios tenéis?

Actualmente tenemos 84 salas que van desde los 10 m2 a 65 m2, los precios varían mucho, ya sabes que al compartir local entre varias bandas el precio oscila, tenemos fama que somos los mas caros, pero cuando vienen cambian de idea.

Una de sus salas míticas es la Sala Antonio Vega, 65 m2, Sistema In-ears con 8 amplificadores de cascos en todo el perímetro. Cuenta con una sala de estar aparte de 26 m2 con baño privado, nevera, entrada independiente, televisión, sofás. También tiene un control-pecera de 10 m2 para dar el toque final grabando los ensayos y retratándolos antes de comenzar la Gira.

Yo he podido ver desde clinic, hasta la

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preparación de grandes giras, conciertos…

Ahora también le estáis dando otros usos. ¿Cuáles son?

El primer uso es el de ensayo, seguido por grabación, clinic, master class, presentaciones, sesiones fotográficas, video clip… es una sala polivalente, ya que cuenta con gran tamaño y altura.

Tenéis suites para ensayar ¿Qué es una suit y qué diferencia hay con una sala de ensayo normal?

Además de la Sala Antonio Vega, tenemos 3 suite más, dos para alquileres de meses o días y una por horas con un equipazo, la diferencia es en el tamaño y que uno de los paramentos es un ventanal de cristal de arriba abajo.

Pasear por sus pasillos es disfrutar del buen ambiente que se respira entre grupos, personal de Ritmo y Compás… un ambiente ideal para aquellos que se inician en la música, ya sea de forma amater en los locales de ensayo o en su escuela. ¿Cuáles son las novedades para este principio de curso en la escuela de Ritmo y Compás?

Hemos creado una serie de clases tanto presenciales como virtuales para aquellos que quieran iniciarse o perfeccionar su

música.

Además tenéis servicio de Luthier. ¿Por qué incluir este servicio y quién se encarga de el?

Creemos que es un servicio muy importante y poco sabido por muchos, un instrumento requiere un mantenimiento adecuado para evolucionar musicalmente, por ello hablamos con Carlos Rufo uno de los mejores Luthieres y músicos del sector, el resultado fue cederle un local para poder dar un precio económico a nuestros clientes.

Otra novedad es la venta de instrumentos musicales, amplificadores, accesorios… ¿Por qué abrir esta nueva línea de ventas de instrumentos musicales?

Bueno.. siempre hemos querido ser un centro integral, queremos dar el máximo de servicios a nuestro cliente, a día de hoy tenemos los 84 locales, escuela de música, estudio de grabación, lutheria, reparación de equipos, alquiler equipos y nos faltaba la tienda para cerrar el circulo y poder ofrecer a precios competitivos el equipo además de probarlo.

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Sierra de Gata un paraíso paraiso para descubrir Durante todo este verano te hemos venido hablando, en el programa de radio matinal de LH a Todo Ritmo, del Hotel Rural de cuatro estrellas A Velha Fabrica situado en un entorno idílico de la Sierra de Gata, en Valverde del fresno, Extremadura.

Este hotel rural, el año pasado recibió el premio de mejor hotel rural de España de la mano de la Fundación Gala.

El pasado sábado 29 de agosto Mario San Roman actuó en A Velha Fabrica y por este motivo fuimos a cubrir el concierto. Llegamos el viernes 28 de agosto por la tarde y descubrimos que A Velha Fabrica esta situado en un sitio precioso de la Sierra de Gata, ¿Un sitio idílico? eso es poco, es el paraíso. Sus empleados son encantadores, siempre con una sonrisa y dispuestos a contarte como se construyo A Velha Fabrica que se levanta sobre os restos de una antigua fábrica textil, aceite de oliva y jabón.

Una vez ubicados en nuestra habitación, que por cierto son súper acogedoras y cómodas, pudimos disfrutar de su piscina de agua salada.

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Durante todo el fin de semana tanto en el desayuno, como en la comida o la cena, tanto el trato como la comida es exquisita. Destacar mas algún plato que otro sería injusto, porque todos tienen su encanto, pero por recomendarte alguno que debes probar antes de marcharte: el solomillo ibérico con cebolla caramelizada a la miel y chips, el bacalao a la dorada, el lagarto ibérico con salsa de pimienta, la presa ibérica a la brasa sobre cama de patatas panaderas, sus croquetas caseras de jamón… pero entre sus postres hay uno que me enganchó la serradura portuguesa, un postre que enamora preparado con galletas, nata y leche condensada.

El sábado por la mañana aprovechamos para darnos una vuelta por el pueblo y perdernos entre sus habitantes, descubrimos que en esa zona tienen su fala, una lengua romance del sub grupo galaico-portugués hablada en los municipios de San Martín de Treve-

jo (Sa Martin de Trevellu), Eljas (As Elhas) y Valverde del Fresno (Valverdi du Fresnu), en el Valle de Jálama (Val de Xálima), al noroeste de la provincia de Cáceres (en la frontera portuguesa).

Después estuvimos montando a caballo en el picadero San Miguel y pudimos conocer a Ángel Luis Rodríguez propietario del picadero, con el cual tuvimos una grata charla en la que nos contó historias de contrabandistas, historias apasionantes de una España cercana a Portugal que hasta que no se quitaron las fronteras existió. Oírle narrar estas historias será una experiencia que nunca olvidareis, todo lo que cuenta lo vive con una pasión que engancha.

Acto seguido comimos en A Vela Fabrica con Mario San Roman, Dani su guitarrista y la familia de ambos, la sobremesa fue tan distendida como amena, la cual nos llevó de lleno a la prueba de sonido y después un bañito en la piscina.

Cena concierto con Mario San Roman.

Antes del concierto tuve el placer de conocer a unas personas bellísimas, de esas que se graban a fuego en tu corazón, María Jesús Nuevo responsable del Centro de Interpretación Comarcal Sierra de Gata, Tina Jiménez alcaldesa del bellísimo pueblo Torre de Don Miguel con las cuales disfrutamos todo el fin de semana. Mas personas asi necesitamos en este mundo, tiernas, acogedoras, amables, cariñosas… todo lo que os diga es poco. Respecto al concierto de Mario San Roman no es fácil hacer un acústico durante una hora y ademas si sirve para amenizar una cena, pero ellos tienen un buen repertorio de buenas canciones y alguna que otra versión, que hizo que los allí presentes en el comedor dejaran a un lado su cena para cantar esas versiones y las canciones de Mario San Roman, vamos se metieron al público en el bolsillo.

Terminó el concierto y estuvimos hablando hasta las tantas, en esta conversación se unió Carlos Varea, propietario y gerente de A Velha Fabrica, al cual pudimos dar la enhorabuena en persona por lo bonito y lo bien llevado de su hotel rural de cuatro estrellas A Velha Fábrica. Además la noche acompañaba a ver las estrellas y los alrededores de las luces de los pueblecitos a lo lejos.

que tal actitud reverencial hacia estos dos componentes proceda de la cultura celtíbera. No en vano, son los celtas los que construyen su sociedad y sus poblados y organizan sus deliberaciones alrededor de un gran árbol. Los pueblos antiguos han luchado contra las fuerzas de la naturaleza intentando con sus manifestaciones rituales doblegar las adversidades naturales y eso mismo es lo que los pueblos celtibéricos intentaron lograr con El Capazo. Así que con tan bella tradición prometemos volver para disfrutar de esta ancestral tradición del bello pueblo de Torre de Don Miguel.

Gracias por este fin de semana inolvidable y os invito a que disfrutéis de unos días en esta maravilla de lugar La Sierra de Gata

El domingo costó despedirse de los empleados del hotel, pero teníamos que poner rumbo a ese precioso rinconcito de la Sierra de Gata llamado Torre De Don Miguel.

Allí nos esperaba María Jesús Nuevo y Tina Jiménez para recorrer junto a ellas sus calles, pudimos pasear por su judería, y su arquitectura curiosa los “balcones”, partes de la vivienda sobre las calles, nos mostraron la casa rural El Balcón de Justina que precisamente esta bella casa rural se encuentra sobre la calle… ir con María Jesús al lado es como ir con una enciclopedia a cuestas, pero con mucho humor. Me contó que una tradición del pueblo es el rito del Capazo un rito ancestral de posible procedencia Vetona que conserva todo el sabor mágico de los primeros tiempos. Se celebra cuando llega el final del invierno con la terminación de la molturación de las aceitunas en los molinos. “El Capazo”, arcaico por los dos elementos que lo componen: el culto al árbol y al fuego. Es probable

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s a n a s e t r A s a z e v r e C

Tempura de verduras a la cerveza LH

Ingredientes para 4 personas 1 pimiento verde 1 pimiento rojo 8 champiñones enteros 1 pimiento amarillo 1 calabacín 300 g de harina 1 cerveza LH 1 paquete de levadura de panadería (20 g) Pimienta blanca Sal -PreparaciónEn una fuente honda echa la levadura y disuélvela con una pizca de cerveza. A continuación, añade la harina y la cerveza LH entera, poco a poco, removiendo mientras se van integrando los ingredientes. Por último, echa un poco de sal y otra de pimienta blanca. Tiene que quedar cremosa.

Deja que repose y actúe la levadura durante una hora en la nevera.

Lava los pimientos, ábrelos y quítales las pepitas y los filamentos blancos. Trocéalo en tiras cortas. Lava el calabacín y trocéalo en rodajas. Lava los champiñones y córtalos dados, retirando el tallo. Forma las brochetas con las distintas verduras, alternándolas.

Coloca una sartén con aceite de oliva y pasa las brochetas por la masa de tempura. Cuando el aceite esté caliente (es importante), fríe las brochetas rápidamente. Déjalas escurrir en una fuente sobre papel absorbente y sirve a continuación.

Disfruta de unas buenas patatas bravas con la mejor Cerveza Artesana LH “la perfecta combinación”

2 cucharadas de aceite de oliva - 2 cucharadas de café de pimentón dulce 1 cucharada de café de pimentón picante (Si la queremos más “brava” podemos añadirle alguna cayena) - 1/2 Cebolla - 1 diente de ajo 1 cucharada sopera de harina - Aproximadamente un vaso de caldo casero 3 patatas de freír grandes - Aceite de oliva - Sal.

Elaboración:

Echamos el aceite en una sartén y añadimos la cebolla y el ajo picado, retiramos cuando el ajo se empiece a dorar ligeramente y reservamos.

Apartamos la sartén del fuego agregamos los dos tipos de pimentón moviendo bien. Añadimos entonces la harina poco a poco, removiendo hasta que queda una masa uniforme. Se añade entonces el caldo poco a poco, muy caliente, mientras seguimos moviendo, hasta que la salsa haya tomado la consistencia que nos guste.

Finalmente retiramos del fuego y trituramos.

Por último corregiremos con sal y agua si nos ha quedado demasiado espesa. La salsa tiene que quedar untuosa.

Pelamos las patatas y las cortamos en dados irregulares.Ponemos una sartén con abundante aceite, dejamos que se caliente e introducimos las patatas, bajamos el fuego al mínimo y las dejamos cocinar muy lentamente.

Cuando ya estén tiernas las sacamos de la sartén, ponemos el fuego a tope, calentamos el aceite al máximo y las introducimos de nuevo en la sartén; deben quedar doradas y crujientes por fuera y blandas y tiernitas por dentro.

Colocamos las patatas sobre papel absorbente, para quitarles el exceso de aceite y emplatamos y bañamos con la salsa brava.

La cerveza LH Artesanal es una cerveza de tipo Pilsen, Lager rubia y fácil de beber.

Sencilla y refinada, de sabor y aroma tradicionales. En esos buenos momentos compartidos de conciertos, escuchando buenas canciones, casi siempre hay una buena cerveza a tu lado.

Ahora llega la rubia artesanal LH Magazin, la cerveza que te hará recordar esos buenos momentos de amistad y música, gracias a su textura y su gran sabor.

DETALLES – FICHA DE DATOS Origen: Madrid Familia: Pilsen % Alcohol: 4,7 Color: Rubio pajizo EBC: 24 Envase: Botella 33 cl.

Para su mejor conservación siempre dejarlas de pie.

PVP: 2,50€ unidad, Pedido mínimo 6 botellas.

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“ORLANDO Y EL JUEGO 5.CHEMINOVA”

LUIS DURÁN DIÁBOLO EDICIONES Cuesta acabar cualquier viaje. Pero especialmente aquellos que marcan nuestras vidas, los que resultan catárticos, iniciáticos, diferentes. Y ver publicado en junio de 2020, en mitad del mundo como nunca lo habíamos conocido, el último tomo de una aventura que comenzó nada menos que hace seis años exactos, en junio de 2014, es algo de lo que resulta difícil salir. No conozco obra de autor de este país que haya supuesto semejante reto y enfrentamiento a las hojas en blanco, No conozco ninguna forma de cómic conocida que haya superado el espectacular esfuerzo de un autor por contarnos tantas historias de tantos personajes en un universo común que algunos son parte ya de las vidas de quienes tenemos la suerte de haber leído los cinco tomos de “Orlando y el Juego”. Personalmente podría seguir.

Porque leer a Luis Durán es recuperar el buen vicio de leer un tebeo sin más preocupación que evadirse y creer en los mil y un relatos dentro de una concepción tan elaborada. Y una vez más, perderse en sus páginas, “CUANDO DAREDEVIL SE LLAMABA DAN DEFENSOR. HISTORIA DE EDICIONES VÉRTICE” ALFONS MOLINÉ.

DIÁBOLO EDICIONES Posiblemente el libro más esperado para todos los fans de los cómics Marvel. Ediciones vértice fue una de las más prolíficas e importantes editoriales en el mercado del cómic español durante sus casi dos décadas de existencia, contando con un puesto importante en la historia de la industria de nuestra historieta al haber sido la primera editorial que trajo y popularizó en España los superhéroes Marvel. Spiderman, Los Cuatro Fantásticos, el Capitán América, la Masa (Hulk), Dan Defensor (Daredevil), la Patrulla-X y demás personajes surgidos del talento de Stan Lee, Jack Kirby, Steve Ditko y tantos otros, fueron difundidos por Vértice inicialmente en unas ediciones de bolsillo que mutilaban significativamente las versiones originales americanas del material Marvel. La presente obra pretende ofrecer un viaje a una época en la que el quiosco de la esquina constituía una continua caja de sorpresas, reseñando todas y cada una de las publicaciones lanzadas por Vértice.

“HERBERT WEST: REANIMADOR” EDU MOLINA / basado en el relato de H.P. LOVECRAFT. DIÁBOLO EDICIONES Cercano al siempre celebrado aniversario del nacimiento del inmortal autor estadounidense H.P.Lovecraft, se editó este “Herbert West: Reanimador”, basado en el relato homónimo del autor y uno de los pocos que se alejan de su particular universo de los mitos de Cthulhu, pero con un encanto y morbo único que lo hacen inolvidable. Historia repleta de clichés del género de terror clásico, desde los asesinatos a la profanación de cadáveres, pasando por muy particulares muertos vivientes, es inevitable leer esta fiel adaptación sin pensar en la genial adaptación cinematográfica de Stuart Gordon del mismo relato. Aquí es el artista mexicano Eduardo Molina quien pincel y tinta en mano recre de modo espectacular las macabras andanzas del inolvidable investigador Herbert West.

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en su elaborado dibujo, en tanta poesía convertida en viñetas y textos, es un viaje que recomiendo a cualquier verdadero amante de este arte que es el cómic como medio de expresión. No creo ser el único en pensar que esta obra merecería premios que otros obtienen sin una cuarta parte del trabajo que esta obra le ha supuesto a su autor. Un tomo repleto de sorpresas y juegos metalingüísticos incluso dentro del propio cómic. Un broche final de una elegancia absoluta.

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“EL CASTILLO AMBULANTE” ÁLVARO LÓPEZ MARTÍN. DIÁBOLO EDICIONES El autor de los libros de referencia también editados por Diábolo “El viaje de Chihiro” y el tantas veces reeditado “Mi vecino Miyazaki”, nos embarca en un nuevo viaje al universo de las películas de Hayao Miyazaki y la visión única del Studio Ghibli. En este caso se trata de una de las películas más apreciadas por su propio director y creador: “El castillo ambulante”. Sin duda una profunda reflexión animada sobre los grandes temas del cine de Hayao Miyazaki y verdaderamente todo un hito del cine de animación. Nominada al Oscar y premiada en el prestigioso Festival de Venecia, la mítica producción de Studio Ghibli, basada en la novela de Diana Wynne Jones, ha marcado a millones de personas en todo el mundo. En este libro se analiza la película de principio a fin con todos sus detalles, significados, curiosidades, frases, filosofía, comparativa con la novela y todo lo que hay detrás de una obra única. Nuevamente su autor hace de este homenaje, análisis y recuerdo en papel algo para recordar la película para siempre.

“CRIATURAS DEL PANTANO” Una selección de STEVE BANES & CRAIG YOE DIÁBOLO EDICIONES Nueva y esperada entrega de la Biblioteca de Cómics de Terror de los Años 50 rescatada por Diábolo Ediciones posiblemente de pantanos, ciénagas y lagunas tan misteriosas como las que pueblan este particular tomo. Con total honestidad, sólo por el prólogo de Stephen Bissette, quien dibujara a La Cosa del Pantano para el mismísimo Alan Moore, este tomo ya merece la pena. Pero disfrutar además de los dibujos que Bissette nos regala de la inolvidable Swamp Thing como pre-ambulo a un nuevo puñado de historias maravillosas, tan ingenuas como crueles y terroríficas, ya hace que la lectura de este libro sea verdaderamente obligada, como pasa con el resto de la colección. Lugares sin duda misteriosos en que el encuentro con todo tipo de criaturas y monstruos es posible, este quinto volumen está dedicado íntegramente a las húmedas criaturas del pantano. Incluye historietas inéditas en castellano de autores como Basil Wolverton, Harry Harrison, Jack Katz, Lou Cameron y muchos otros. Como el resto de tomos y junto a la cuidadísima edición y mimo con que Diábolo nos ofrece estas historias, se incluye una espectacular galería con algunas de las mejores portadas de las revistas de la época en que originalmente los relatos aquí incluidos fueron publicados. Imprescindible.

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El Salón

Alberto Navarro Ya a la venta en plataformas digitales

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