LH Magazin Music - Aiala

www.lhmagazin.com Año XIX - Nº 140 ejemplar gratuito

MEDINA AZAHARA

“Gira homenaje a Triana”

FHLIM Plano, horarios deMAR las actuaciones, FAYOS Showcases, Clinics... en el interior.

YOLANDA PORTILLO

“Un homenaje al movimiento FILIN”

MAR FAYOS “Mucho más que jazz”

MARIO SAN ROMÁN “El pop-rock en su máxima expresión”

GONZALO

“Sorprende con un homenaje a Carlos Cano”

a n ó i c a l e v e r a t s i t De ar l a n o i c a n B & R l e futura reina d lhmagazin.com

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DIRECCIÓN

c/ Travesia del Poeta BLas de Otero 5, lc. 2. - 28017 MADRID Tel.: 91 355 65 75 - 666 36 45 28 E-mail: lhmagazin@lhmagazin.com

DIRECTOR Juan Rodríguez

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Alicia López Tel.: 91 355 65 75 - 687 93 73 43 alicia@lhmagazin.com

REDACCIÓN Alicia López

COLABORADORES y CORRESPONSABLES

Jorge Vilella, Edu Salas, José Glez., Rafa, Mª Mar, Pilar, Rolo, Jose Luis Espinosa, Soraya Machin, Mariano Muniesa, Yolanda Perez Marin (El Club del Escenario), Amado Storni, Roberto Villandiego, Olegario Sánchez (Alcazar de San Juan), Patxi “La Caña” Valen (Plasencia), Alberto Cean (Asturias), Mar Monje Abiol, Juan Carlos Calderon, Jose Abellán, Luis Pulgar (Sevilla y Murcia)

FOTOGRAFÍA

Domingo J. Casas (Jefe), Paco Lainez, Eduardo Mendez, Mario Larrode , Bill Zygmant, Ricardo Rubio, Carlos Miiña, Liberto Peiró (Valencia), Xavier Mercadé (Barcelona), J.M. Rodríguez (Galicia), José M. Bueno (Asturias), Julio Perez Sotillo (Elche), Kiko Asunción (Murcia), Tony Ventura (Las Palmas).

AGENCIAS www.whitepress.es,KOPress

FOTOMECANICA / IMPRENTA SIRE 2000 Esta revista la hace mucha gente, el papel lo ponemos nosotros, las opiniones son de ellos.

l a i r o t i ed Por fin terminó el 2020 un año de supervivencia para el mundo de la cultura. Un año que tristemente nos dejó sin conciertos, festivales, con menos lanzamientos de los previstos… un año en el que hemos visto míticas salas de conciertos... radios, prensa musical… cerrando o reinventándose. Reinventarse quizás junto a pandemia, confinamiento, nueva normalidad, COVID 19 habrá sido de las palabras más escuchadas en el 2020.

Cada vez que escuchaba esa palabra reinventarse me ponía de los nervios, si llevamos más de 19 años haciendo lo que nos gusta, escribir sobre los grupos que lanzan sus discos, que ensayan en los locales de ensayo, que recorren nuestras carreteras para llevarnos diversión, emoción, para hacernos la vida un poco más llevadera… ¿Por qué teníamos que reinventarnos? si no fue nuestra culpa, que un día nos mandaron a todos para casa y todo lo que conocíamos hasta ese momento cambió de la noche a la mañana.

Nosotros no éramos los culpables y tampoco consiste en culpabilizar, sino haber visto a tiempo, desde nuestra administraciones, las necesidades de cada sector y haber estado apoyando en la medida de lo posible a eso que nos anunciaron a bombo y platillo en su día “que nadie se quede atrás”.

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El miedo, la impotencia se adueñó de nosotros, ¿futuro? mañana era nuestro futuro, como seguir trabajando en aquello que te apasiona y en lo que has venido trabajando durante tantos años. Noches de insomnio, días larguísimos pensando cómo pagar facturas, alquiler, saber como conseguir algo de dinero para que simplemente hubiera un plato de comida. Todos los que nos dedicamos a este sector y vivimos de él saben de lo que estoy hablando, espero que ese maldito 2020 no se nos borre de la cabeza nunca y nos ayude a que esta familia vuelva con más fuerza que nunca.

Yo tengo puestas todas mis esperanzas, lucha, en esta primera Feria Hispano Lusa De La Industria Musical, un punto de encuentro en el que espero que este sector tan destrozado por la pandemia vuelva a resurgir con fuerza y en familia, ayudándonos como lo hemos hecho siempre.

Pero ese 2020 también nos dejó ríos de solidaridad, compañeros que con lo poco que tenían estuvieron ayudándonos a capear este temporal, llamadas de teléfono para saber cómo estábamos… también nos mostró la otra cara la solidaridad, en nuestro caso compañeros del sector, oyentes, lectores… que se preocuparon por nuestro medio, donaciones desinteresadas, se preocuparon por saber cómo estábamos, si necesitábamos algo, porque mas allá de periodistas, también somos personas, gracias a ellos hemos podido llegar a esta Primera Feria Hispano Lusa De La Industria Musical y sobrevivir a ese maldito 2020.

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ISABEL MARCO A Isabel Marco la conocemos desde hace ya unos añitos como cantante del grupo Insolenzia con los cuales grabó seis discos de estudio, un doble directo en CD y DVD, una película documental y siete videoclips. ¿Cómo está en la actualidad Insolenzia y qué recuerdo tienes de esos años?

Ahora mismo estamos en parón indefinido y el recuerdo que guardo es muy grato, vivimos muchas cosas e hicimos buenos trabajos que tienen como guinda del pastel nuestro doble disco en directo con película documental.

SÍGUENOS EN: @isabelmarco.oficial @isabelmarco_oficial

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Este pasado año Isabel Marco publicaba su segundo disco como solista “Nada será igual”. ¿Por qué elegir la canción “Nada será igual” para dar título a este disco?

“Nada será igual” es la canción que dio el pistoletazo de salida a la composición del resto de canciones del disco. Además, habla de los miedos, incertidumbres y esperanzas que tenía puestas en mi embarazo; habla de un antes y un después en mi vida y, como segundo disco de mi carrera en solitario también venía, de algún modo, a poner sobre la mesa una nueva etapa en mi carrera musical, una manera de decir que esto no era un capricho de un solo álbum.

Tenemos que aprovechar esta entrevista para darte la enhorabuena por tu maternidad. Tú siempre has sido una luchadora, has cantado a los problemas sociales, al cambio climático… este disco fue compuesto mientras estabas embarazada ¿se hace una mas combativa en intentar cambiar el mundo cuando se es mamá?

Yo creo que no me ha hecho más combativa, esa faceta siempre ha estado presente en mi forma de ser y en mi manera de ver el mundo. Lo que sí es cierto, es que soy más consciente de la necesidad de

preparar al pequeño Dani para el mundo real, que tenga herramientas para lidiar con todo lo que la vida le va a deparar en un futuro, y también que en su educación y cultura más próximas no existan esas lacras que todavía respira la sociedad de sus generaciones anteriores, me estoy refiriendo al machismo y a la carencia de respeto por nuestro planeta, por ejemplo.

Escribir mientras estabas embarazada, ¿ha dado luz a un disco más intimo?

No, no creo que sea un disco más íntimo, tiene canciones en las que hablo de mi día a día pero hay varias canciones muy sociales. Lo hace especial para mí por el momento que estaba viviendo, porque ya lo compuse para dos. Él escuchó todas las canciones al mismo tiempo que yo, ya que mientras las componía él estaba en mi interior; también vivió mi latir nervioso cuando grababa, las buenas vibraciones con cada acorde… es por eso por lo que es un disco muy especial y único para mí; pero no es un disco dedicado a la maternidad, no está compuesto en esa línea.

También en tus letras hablas del medio rural, se habla mucho de la España vaciada pero, ¿crees que se está haciendo lo suficiente para que esto cambie?

Desde luego que no. Con el confinamiento y la pandemia, todo el mundo quiso tener un pueblo y veía las bondades

de vivir en zonas rurales; pero seguimos estando en desigualdad de condiciones.

Seguimos viendo cómo se gastan millones en arreglar situaciones en ciudades, situaciones que declaran catastróficas mientras en muchos pueblos tienen que convivir con ellas como pueden, nadie va a ayudarles; situaciones que tienen que superar con los medios que tienen a mano, porque no llega nada más, nadie se preocupa por ellos. En los pueblos pagamos los mismos impuestos pero nos llegan las infraestructuras y las ayudas diez años más tarde que a las zonas urbanas. Y es por eso por lo que muchos vecinos de las zonas rurales se encuentran con la necesidad de afincarse en las ciudades para desarrollar sus proyectos de vida, encontrar trabajo, llevar a sus hijos al colegio…

Tu compromiso social te ha llevado a participar en coloquios sobre la igualdad de la mujer y a impartir charlas sobre la presencia de la mujer en las artes escénicas. ¿Qué opinión tienes de letras y videos de reggaetón o trap, que denigran a la mujer?

Creo que en la pregunta está la contestación, ¿qué voy a decir si están denigrando a la mujer? Me enfurece ver cómo se les da bombo a nivel comercial a esas canciones que llevan esos mensajes, sobre todo porque están calando en jóvenes que corean sin preguntarse siquiera qué es lo que están cantando. De algún modo están adoctrinando a la juventud, primero la sociedad quiere crear mentes que carezcan de espíritu crítico y después se les bombardea con estos mensajes que no solo perpetúan modelos machistas, si no que los hacen más agresivos rozando el hilo de lo pornográfico. Me da bastante asco, no el estilo musical, si no ese tipo de mensajes que se han hecho muy explícitos con estos estilos de música, pero que también se pueden respirar de forma más sutil en el rock, el pop o la copla.

El disco fue grabado en el verano del 2019, cuenta con la producción de Pablo Martínez en los Estudios Ovni de Bonielles (Asturias). ¿Qué conocías de Pablo para decantarte por grabar con él?

De Pablo conocía su faceta como músico en Desakato, las instalaciones de su estudio y su calidad humana en cada una de las ocasiones en las que habíamos coincidido. Y a la vista está que no me equivoqué, llevó ya dos discos con él y entre marzo y abril voy a grabar el tercero.

Estoy muy contenta de haberle elegido como productor, me entiende, me mima y me da alas, además de hacer su trabajo de una forma impecable.

El disco salió a principios del año pasado y después vino el confinamiento, y con él la suspensión de conciertos. ¿Cómo ha afectado todo esto a este disco y a ti como artista?

La verdad es que esta situación tan particular que estamos viviendo está haciendo estragos en el sector de la cultura y los espectáculos. En un principio el confinamiento me sumió en una apatía brutal, no quería ni coger la guitarra, pero después me obligué para salir de ahí a hacer conciertos en streaming los

fines de semana y, a pesar de que era algo muy raro, la música cumplió con su papel terapéutico y comencé la composición de mi tercer disco. En cuanto a la presentación de “Nada será igual” sí es cierto que se ha quedado a medias, no he podido llevar el formato eléctrico con la banda a los lugares y festivales a los que estaba programado; aunque están todas las fechas pendientes de recuperar. Por otro lado, desde la agencia Alternativa Management se ha trabajado muy duro para que, desde el primer momento en el que se permitió realizar conciertos en formato reducido, se pudiese rehacer la agenda y así ha sido. He girado en formato acústico fundamentalmente, a excepción de un concierto con la banda, y he terminado el 2020 con 33 conciertos a mis espaldas, algo que no todo el mundo puede decir en estos tiempos. Solo espero que en 2021 podamos recuperar algo de lo que teníamos antes y podamos disfrutar de más conciertos en eléctrico. ¿Cómo crees que se ha tratado a la cultura en esta pandemia?

Creo que la cultura ha dado todo lo que podía y más; pero no ha sido ni está siendo compensado. Hay un doble rasero y siempre sale perdiendo la cultura.

Este disco sale en los formatos de CD, vinilo, digital, pero también en formato de cassette. ¿Cuál es tu formato favorito para escuchar música?

Mi formato favorito es el vinilo; pero creo que escucho más música en formato digital por eso de que puedes escucharlo en cualquier lugar.

Sabemos que eres una gran lectora y consumidora de cine y eso se nota en tus letras. ¿Cuál es el último libro que has leído y qué disco ha sido el último que has escuchado?

El último libro que he leído ha sido la saga de Elena Ferrante “Dos amigas”, ahora mismo estoy con “Canto yo y la montaña baila” de Irene Solà y me está pareciendo una delicia. El último disco que he escuchado ha sido “Curso de levitación intensivo” de Enrique Bunbury. ¿Qué proyectos tienes para este 2021?

Lo primero que tengo a la vista es la actuación en Feria Hispano Lusa de la Industria Musical el domingo 31 a las 13:00 horas en el Recinto Ferial IFEZA de Zamora; además Alternativa Management tiene stand donde podrán escucharse mis trabajos y el de mis compañeros de agencia. En marzo empiezo de nuevo con acústicos y en abril ya tengo un par de eléctricos con toda mi banda. Por otro lado estoy terminando la composición de mi tercer disco, ya he hecho la preproducción y estoy trabajando para entrar a grabar en abril. La preparación de este disco va a ser lo que más tiempo me ocupe, pero no voy a dejar de tocar allá donde me dejen; ya tengo cerradas unas cuantas fechas, que espero que se mantengan, y tengo también pendiente algún nueva versión de las que cuelgo en mi canal de YouTube.

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BUISAN BUISAN es un duo argentino de música electrónica y techno pop formado por Enrique Ángel Buisan & Christian Martínez Buisan. Sus influencias musicales son muy variadas y van de la música electrónica al heavy metal, del pop a la música clásica, de Abba a Guns & Roses, de Raffaella Carrá a Depeche Mode, de Jean Michel Jarre a Soda Stereo, etc.

Enrique y Christian, ambos se han sentido atraídos por la música desde muy pequeños y, ya en su adolescencia, esta se transformó en una pasión que los llevó a componer juntos, y con amigos, sus primeras canciones en Buenos Aires. Un arrebato de creatividad del que saldrán mas de cincuenta canciones con las cuales intentaron darse a conocer al mundo a finales de los años noventa sin mucho éxito. En el año 2003 abandonan el proyecto musical dedicándose a otros asuntos profesionales y personales.

En el año 2017, en un encuentro casual de Christian con el compositor, productor musical y cantante Javier León en Madrid, terminó en la grabación de su primer álbum de estudio, “Agente 99”, llamado así en honor a la primera banda de Enrique y Christian. En el 2019 lanzaron su segundo álbum de estudio, “Suburbia”, grabado también junto a Javier león y lanzaron varios EPs con el artista el argentino Electrochongo y el italiano LudoDream. En el 2020 lanzan su primer álbum cantado completamente en inglés: “Are You Happy In this Modern World” y en diciembre de ese mismo año lanzaron su tercer álbum, “En algún lugar en el tiempo” donde colaboran con los artistas españoles Salvador Tóxico, Domine y el ya casi tercer BUISAN, Javier León. @BU1SAN

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MONTSE TORRES Getaway es el título del nuevo single de Montse Torres, artista albaceteña afincada en Madrid de reciente incursión en el panorama del synthwave español.

Este tema, el cual podéis escuchar ya en las principales plataformas, nos transporta, a través de sus sintes y sus guitarras eléctricas a la cultura más pop y añorada de los años 80. Videojuegos, películas de ciencia ficción, neones y coches deportivos nos vienen a la mente escuchando los casi 4 minutos de este track clasificado dentro del synthwave como “Outrun”. Todo esto lo podéis ver reflejado en la portada del single, la cual, presidida por un Delorean, aúna todos aquellos recuerdos y sensaciones que Getaway evoca desde la primera escucha.

No os lo perdáis.

Anteriormente a este single Montse Torres publicó dos singles “Oxygen” y “Next” con un sonido ochentero que recuerda a artistas que han sido importantes en los pilares de su música, artistas como George Michael y MónicaNaranjo, escuchaba habitualmente a Duran Duran, Pet Shop Boys, Modern Talking, Roxette, Mike Olfield...

De Mónica Naranjo en su canal de youtube podéis ver un cover del tema “Palabras de Mujer” o escuchar toda su música, así como en spotify.

@montsetorres82

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MARÍA MUÑOZ Nací en Barcelona, y vivo en un pueblecito de la costa del mediterráneo llamado Pineda de Mar. Llevo cantando desde muy pequeña y la música que en mi casa se escuchaba era de Lucho Gatica, Rocío Dúrcal, Camilo Sesto, Nino Bravo, Raphael, Moncho y Vicente Fernández. Uno de mis sueños sería cantar con Alejandro Fernández.

“Con Moncho ya tuve la oportunidad de cantar en la presentación de mi segundo cd “ Por un amor “ fue un sueño hecho realidad, así como con Cristina Stop que también estuvo presente en la presentación. Yo aprendí a cantar con la música de estos artistas y los géneros que más me llegan al alma son el Bolero, la Ranchera y la Balada.

Después de 30 años dedicada a la música, haciendo covers de mis artistas más queridos y cuñas publicitarias para radios, me decidí a grabar mi primer disco como compositora de letra y música, un Cd llamado Simplemente lleno de Boleros y Bossa, con el sabor de mi mar Mediterráneo.

Acabo se sacar mi cuarto Cd llamado “Lo íntimo” donde realmente he encontrado mi sonido, ese sonido mediterráneo que tanto he buscado. En este Cd además de contar con 2 canciones mías, he tenido la oportunidad de arreglar 5 temas inéditos de autores mexicanos y además incluir 3 versiones; algo que nunca había hecho antes en mis anteriores trabajos de estudio. Mis planes son, como no, poder cantar en el país donde nace este género que tanto me gusta y viajar a toda América Latina para poder beber del lugar de donde viene mi música, además de conseguir el reconocimiento de mi país. Soy una mujer normal que le gustan las cosas sencillas y estar con los amigos y la familia, Maria Muñoz no es una artista las 24 horas del dia, sería agotador para mí y los que viven conmigo. @Marialavoz

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DE LUNES A VIERNES

JUEVES:

- 10.00 a 11.30h LH A TODO RITMO con Juan Rodríguez

- 20.00 a 23.00h Jazz Time con Jorge Grimaldos VIERNES:

LUNES:

- 10.00 a 11.00 Hoy Me Voy Al Cine con Felipe Jimenez

- 19.00 a 21.00h Radio The Sentinel con Santi Fernandez - 22.00 a 23.00h La Casa de Eddie con Mauro (el flaco) y Juan Carlos MARTES:

- 18.00 a 20.00h A la Vuelta de la Esquina con Maru Bonilla, El Chico del 17 y Jelu - 24.00 a 01.00 Solos en la Madrugada Francisco Miguel Pérez (RNE) y Miguel Vigil (Academica Palanca, La que se Avecina)

- 22.00 a 24.00h La Cabaña del Tio Rock con José Mora y Ángel Gómez MIERCOLES: - 19.00 a 20.00h El Closet con Carlo Pari - 22.00 a 23.30h La Noche del Cazador con Pablo Martín, Raúl Ballesteros, Dani Pach y sus invitados.

- 23.30 a 24.30h En la Frontera con Bayo Gris

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Desde muy pequeña llevas dedicándote a la música, al doblaje, a la publicidad…

Ahora publicas un disco “Llora” dedicado al FILIN ese movimiento cubano de los 40. ¿Cómo llega a ti ese movimiento cultural?

Con un disco-libro llamado filin. No podía dejar de escucharlo, eran los propios creadores del filin los que interpretaban los temas con una sensibilidad que me ponía la piel de gallina.

Este movimiento fusionó los boleros cubanos con el jazz, la clásica… ¿Piensas que en la fusión de estilos está la riqueza?

Pienso que la riqueza está en hacer lo que realmente sale de tu alma, de tu corazón. Escuchar aquello que te seduce y estudiarlo para poder buscarle la esencia y después sacarlo tal y como tú lo sientes. ¿Cómo has realizado la selección de estos temas?

Buscando y escuchando mucho a estos autores, analizando cada letra, cada melodía... no ha sido fácil, hay muchas joyas en este estilo musical, de hecho he dejado fuera algunos que en directo hago y que seguro grabaré en otro álbum.

Son canciones con unos arreglos alucinantes, con unas letras que calan en el corazón… Estamos hablando de los años 40/50. ¿Qué es lo que ha ocurrido en la música para pasar de esos arreglos preciosos, de esas letras de entonces, a los ritmos actuales que se repiten hasta la saciedad con letras vacías?

Bueno, yo creo que ahora también hay muy buenas composiciones, lo que ocurre es que hay tantísimo donde elegir que hay que hacer una buena criba para quedarte con lo mejor. Y en cualquier caso ahora hay géneros para todos los gustos. En aquella época y más especialmente en Cuba por todo lo que se estaba viviendo escribían sobre las vivencias que tenían y eso es lo que las hace especiales.

En este movimiento se reunían en casas para escuchar esos vinilos que llegaban de fuera de Cuba, dedicándoles tiempo a la escucha. ¿Crees que hemos perdido la costumbre de escuchar música, como se hacía entonces? Ahora tengo la sensación de que la música es el ruido de fondo.

En eso estoy totalmente de acuerdo contigo. Aunque quiero pensar que todavía hay románticos que se paran a escuchar de verdad. Es el único modo de disfrutar de ciertos géneros. ¿Crees que algún día los más jovencitos volverán a hacer reuniones de amigos alrededor de los discos poniendo los seis sentidos en la música?

Uff, ojalá... quiero pensar que sí.

Empezaste en el grupo Tentación con el cual ganasteis el Festival Villa de Madrid, XVII edición, en la modalidad de pop, corría el año 1996. ¿Qué recuerdos tienes de esos días?

Recuerdo mi ilusión, mi diversión sobre el escenario y después mi incredulidad cuando iba escuchando como recaían todos los premios en nosotros. Es la única vez en todos los años de este certamen que el mismo grupo se lleva tres premios. Mejor

intérprete vocal, mejor grupo y mejor tema. Tengo una foto que me hicieron en ese momento y estoy mirando al cielo, (risas).

Has acompañado en los coros a Paco Ortega, Manolo Escobar, Mónica Molina, Luis Eduardo Aute (Giraluna), José Mercé (Giraluna), etc.… artistas de distintos géneros. ¿Ha servido esta experiencia a la hora de crear tu estilo musical?

Por supuesto, siempre he dicho que la vida es la mejor escuela para todo y en esos años aprendí mucho de ellos y de sus diferentes formas de interpretar, de entender el escenario y la música.

Grabaste tu primer disco en el 2006 con el nombre de “Yoanna”, ¿qué diferencia nos encontramos de ese disco a este?

Eterna lluvia es un buen trabajo, el álbum está lleno de pedazos de mí, letras que hablan de una época de cambios en mi vida y quise reflejarlo en las letras. Conté con los mismos músicos que ahora en Llora, el mismo productor musical, mismo estudio e ingeniero de sonido, mastering...

Lo único que cambiaría de ese disco es que jamás tendría que haber consentido el cambio de nombre; cosas de la compañía discográfica... La gran diferencia, que ahora he decidido la mayoría de cosas, me he involucrado mucho más en todo.

Has puesto la voz a diversos anuncios, has realizado doblajes en estudios, pero desde el 2016 llevas trabajando de actriz de doblaje en plantilla en SDI Media Iberia doblando diversos personajes para series de televisión y plataformas entre ellas Star Wars, Enredos, La Princesa Sofia, Los Simpson, Ley y Orden… ¿cómo recalas en este mundillo del doblaje?

Me gusta trabajar con mi voz en todos sus registros y estudié durante 4 años con los más grandes de esta profesión y esa es la gran suerte que he tenido porque me enseñaron no solo a doblar sino también a respetarla, a amarla y a comprender la dificultad que tiene hacer bien un papel.

Actualmente el mundo de la cultura no está viviendo sus mejores momentos debido a la COVID19, no hay conciertos. ¿Crees que la cultura ha sido olvidada en cuanto a ayudas y que ha sido castigada, si la comparamos con otros países?

Sin duda. Todo el sector está viviendo el peor momento que recuerdo. No sé si castigada pero sin duda olvidada. Hemos pasado a un segundo plano y nadie ha tenido en cuenta a todas las personas que forman una cadena enorme en este sector, ya no solo los que damos la cara sino todos los que hay detrás de cualquier evento o espectáculo. ¿Cómo ves el 2021?

Quiero ser positiva y pensar que poco a poco van a empezar otra vez las programaciones de todo. ¿Qué proyectos tienes?

De momento que Llora llegue a oídos de todo aquel que ame la música y cuando salgamos de esta racha horrible, llevar el directo a todos los escenarios posibles.

Ojalá sea pronto.

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YOLANDA PORTILLO

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En este 2021 el grupo de rock andaluz por antonomasia emprende una gira en la cual homenajea a uno de los grupos pioneros de este género, Triana. ¿Qué supuso el grupo Triana para Medina Azahara?

La idea empieza en el 2020 hemos ido dándole forma durante este tiempo, Triana fue el grupo que abrió las puertas para que muchos grupos, entre ellos nosotros, pudiésemos aparecer en el mundo de la música y que nos dedicaremos a lo que realmente nos gusta, que es hacer canciones y ofrecerlas al público, fue Triana el primer grupo que consigue a base de esfuerzo romper esa barrera , sin temor a cantar con acento andaluz y a contar cosas que realmente importaba a los jóvenes de aquella época, anteriormente había habido otros grupos que lo habían intentado, pero ninguno tuvo el éxito alcanzado por ellos.

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¿Dónde surge la idea de hacer este homenaje a Triana?

La idea surge por Juanfran, director de Word Moon , empresa que se dedica desde hace muchísimo tiempo a la realización de grandes eventos , me lo propuso y desde el minuto uno vi que me estaba hablando de algo que nosotros habíamos visto hace mucho tiempo pero nunca nos decidimos a hacer, el ve que se puede hacer el mayor homenaje a Triana y nos envuelve y nos hace ver que será lo más grande para que el nombre y la llama que dejó Triana pueda seguir creciendo, no va a ser un homenaje al uso, va a ser un espectáculo digno de representar a los padres del rock andaluz, Triana.

En 1975 sale publicado el primer disco de Triana “El patio”. Al principio no tuvo una buena acogida, pero unos años

después todo cambió, el grupo empezó a coger notoriedad de este disco. Medina Azahara a lo largo de su carrera ha realizado versiones como “El lago”, “Abre la puerta” ... ¿Qué significó este disco para vosotros?

El patio es verdad que entró de puntillas en el mundo de las ventas pero si poco a poco y boca a boca se fue abriendo paso entre la gente y llegó a ser un disco escuchado por todo el mundo y llegó a situarse entre los mejores discos en su tiempo, representa el primer eslabón de una carrera de éxitos de ellos como grupo, pero también la puerta por la cual muchísimos grupos empezaron a componer con acento andaluz, y no solamente grupos de Andalucía sino también de otras provincias españolas.

Los temas de Triana muchos de ellos estaban rodeados de una compleja

MEDINA AZAHARA

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composición. Ahora que es éxito en la música aquello que se repite hasta la saciedad como las músicas urbanas, ¿crees que tendrían éxito aquellas canciones de Triana para un público mainstream actualmente?

Las buenas canciones siempre serán recordadas y sobre todo cantadas por la mayoría de las personas que las recuerdan; eran grandes compositores Y se podían escuchar.

Seguramente sí serían éxitos ahora, porque el mundo de la música está muy repartido.

Hay gente para todo, y lo bueno siempre tiene cabida, nosotros, Medina Azahara después de cuarenta años ininterrumpidos seguimos con esa ideología de pensar que lo que hacemos nos gusta, y también gusta a la gente, por eso los miles de seguidores que tenemos y las gentes que acuden a

nuestros conciertos, aunque actualmente si miras lo que suena en muchas emisoras de radio es la música latina la que más se oye, pero ¿qué pasa que no hay más música? Claro que sí existen muchos estilos musicales, y hay cabida para todos, todo lo que se hace con el corazón resplandece en el mundo para siempre. ¿Hay algún disco en especial de Triana que os marcara?

El patio forma parte de la historia de Triana y sus seguidores, pero yo creo que “hijos del agobio” es claramente la confirmación de una carrera que, aunque empezaba a hacerse grande tenía muchos depredadores que no creían en Triana, y ese disco fue lo que a aquellos que eran incrédulos volviesen la cabeza hacia ellos.

Luego hicieron grandes discos, pero una vez ya confirmados como lo que eran, un gran grupo. ¿Cómo se ha realizado la selección de los temas?

Los temas han sido elegido un poco entre todos aunque siempre mirando que

fuesen los más importantes dentro de su carrera, seguramente habrá alguno que quede fuera, pero es posible tocar todos, de todas formas el público que asista a los conciertos van a salir gratamente satisfechos, porque la elección tiene mucho que ver con el gran espectáculo que queremos hacer. Seguro que va a gustarle tanto los seguidores de Triana como a los de Medina Azahara. ¿Coincidisteis alguna vez en algún concierto Triana y Medina Azahara? ¿Los visteis en directo?, ¿qué recuerdos tenéis de ese concierto?

Sí coincidimos algunas veces con ellos tocando en festivales y en algún concierto

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solo de los dos grupos, Triana y Medina Azahara, recuerdo que la primera vez que los vi en concierto fue en Montilla, pueblo de Córdoba, nosotros teníamos ya nuestras canciones del primer disco casi terminado, y ellos eran en ese momento lo máximo, tocamos canciones de rock completamente distintas al rock andaluz, y no me perdí ni un detalle de su actuación, luego ya pasamos a tener amistad con ellos, ya que nuestro manager Javier García Pelayo había sido manager de ellos incluso eran casi de la familia; también el productor de nuestros cuatro primeros discos había sido su productor y prácticamente su descubridor, Gonzalo García Pelayo, eso y las actuaciones más alguna vez que nos vimos por Madrid hizo que entablásemos una buena amistad, recuerdo la última vez que coincidimos en un escenario, fue en Almuñécar en una plaza de toros portátil, antes de la actuación durante más pruebas de sonido nos subimos a lo más alto de la plaza para ver un toro que había en los co-

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rrales, bueno no era corral era un cuadrado de unos tres por tres metros, allí estuvimos un buen rato, sentados Jesús, Eduardo , Javier y yo, también creo que había alguien de mi grupo que ahora no recuerdo, después a los pocos meses vino la desgracia de Jesús, y ya no vi a ninguno más hasta que un día en Salobreña me llamó un tío a la salida de un restaurante, que no me llamaba por mi nombre, entonces no le hice mucho caso estaba lejos y no sabía quién era, me decía... Charlie Charlie..jajaja me detuve para ver quién era, y era como no Tele, estuvimos un buen rato hablando, nos despedimos y fue la última vez que hable con él, a Eduardo espero que venga, y verlo en cualquier sitio donde él quiera o pueda venir a ver este espectáculo que está hecho con todo el cariño respeto y admiración hacia ellos. ¿Cómo va a ser la ejecución de los temas, os los vais a llevar a vuestro terreno? o vais hacer la ejecución lo más parecida a cómo eran las canciones de Triana.

Las canciones intentaremos meternos en su piel y en su pensamiento, para poder tocarlos como ellos lo hacían, pero claro también es normal que en algunos momentos salga nuestra forma de hacerlo, pero sinceramente creo que será mucho más parecido a Triana, todas las canciones irán con una forma distinta de visualización, para hacer mas grande el espectáculo.

Medina Azahara nació en 1979 cuatro años después de que publicara Triana su primer disco. Sé que Triana fueron entre otros grupos como Deep Purple o Rainbow una influencia muy importante para Medina Azahara. ¿Fue difícil encontrar vuestro espacio y que no os compararan con Triana?

Bueno, las comparaciones siempre son.. al menos raras, nosotros veníamos de hacer música muy dura para aquellos tiempos solíamos copiar al detalle a grupos como Deep Purple, Grand Funk, Nazaret, y todo lo que sonaba a duro, aunque también hacíamos el disco de Pink Floyd “Wish you were here”, al completo, así que nuestras

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raíces venían de tocar y escuchar ese tipo de música, y así fue nuestro primer disco, nos convertimos en la parte dura del rock andaluz, algo que por cierto no hacíamos demás, pero con el tiempo hemos sabido sacar muy buen provecho a aquello que aprendimos de aquellos grupos y también de los grandes baladistas, pero aun así hubo quien nos comparó con ellos, creo que fuimos los últimos en llegar pero también los que sostenemos esa llama esa forma de hacer música diferente a los demás. ¿Eran esos años distintos en la música a los que estamos viviendo ahora?

Eran tiempos completamente distintos, la música casi siempre se creaba en los ensayos entre todos, ahora cualquier persona con un ordenador puede hacer música, de todas formas, es más difícil hacer una canción como las de antes a las de ahora, nos gustaba hacer los temas enredados, ahora cualquier cosa vale si suena bien. Había muchos grupos creando cosas y querien-

do ser mejores, que los demás. Éramos competitivos, creo que ahora todo es más fácil, pero en la música, ojo, nada es fácil, he visto y conocido a grandes músicos y no servir para nada lo que hacen y he visto a músicos regulares haciendo cosas maravillosas.

Junto a los míticos temas de Triana imagino que también daréis un repaso a vuestros éxitos. Y de esa época donde nació vuestro disco y primer éxito, (1979) se encontraba la canción “Paseando por la mezquita”. Cuándo nació esta canción ¿pensasteis que sería el hit que os acompañaría toda vuestra carrera?

No cabe duda que a los conciertos van a venir seguidores de Medina Azahara, por eso es casi una obligación tocar algunos de nuestros temas, yo creo que el repertorio que haremos será al gusto del público nadie saldrá descontento, paseando por la mezquita fue y es un tema que al principio casi nadie quería grabar, por su parte largamente instrumental para la época, pero a nosotros nos gustaba y se terminó grabando, y se convirtió en una pieza clave para el éxito del grupo, ahora forma parte de esas canciones que no podemos dejar de tocar en cada una de nuestras actuaciones, junto a Córdoba , necesito respirar, y tantas y tantas otras, afortunadamente hemos podido hacer las canciones que siempre hemos querido a veces con acierto y otras con menos, pero somos los buenos y los malos de nuestra propia existencia, nunca podíamos creer que un disco o una canción nos daría para hacer lo que hemos querido, hacer siempre.

Quizás este tema hoy tampoco sonaría en la radio fórmula. Ahora la música está mucho más sectorizada que en aquella época. Yo por ejemplo para escuchar un tema de Medina Azahara, Coz, Asfalto… tenía que escuchar a Serrat, Aute, Dylan… eso me abrió la puerta a otras músicas. ¿Cómo ves que se sectorice tanto la música?

Tuvimos la suerte de grabar nuestros tres primeros discos con una gran multinacional llamada entonces CBS, y sonamos en bastantes emisoras pero la verdadera piedra filosofal fue que al señor que ponía la música en las conexiones de televisión española con Telesur, la televisión por entonces de Andalucía y la que veíamos todos a partir de las dos , dos treinta, se le ocurrió poner la canción “Paseando por la mezquita” y así todo el mundo empezó a conocerla y a quedarse en la memoria de todos, y para siempre ser recordada.

La verdad es que en estos tiempos no hay mucha variedad, pones la radio y siempre suenan los mismos; pones la tele y siempre están los mismos, que no diga que sea bueno o malo, pero eso es matar a otros artistas que seguro darían mucha más variedad al mercado. Hay gente que no salen de sus casas siendo grandes artistas y compositores, no dan oportunidades y las que dan en algunos programas de televisión llámese x siempre van a por lo mismo, intentar sacar otro Bisbal u otra Rosa, al menos a mí es lo que me parece, y entiendo que las compañías discográficas busquen algo comercial, pero no siempre basándose en el mismo retrato, y mira que nosotros no podemos quejarnos demasiado, de vez en cuando salimos en alguna

televisión. En fin, el problema siempre ha existido y seguirá existiendo, si hay capataz no manda marinero. ¿Qué temas emblemáticos de Medina Azahara sonarán en esta gira de homenaje a Triana?

Bueno serán algunos clásicos entre ellos “Córdoba”. “Paseando por la mezquita” y algunos más.

Imagino que con todo lo que estamos viviendo con el COVID19 el año pasado disteis pocos conciertos o ninguno. ¿Se afronta esta gira con más ganas?

El 2020 ha sido un año malísimo para la cultura y entre ella, la música, los músicos y todo aquel que vive alrededor de los grupos y artistas, ya sea un montador, técnico de sonido, empresas, manager, promotores y demás, así como todo el que su trabajo tiene que ver con la cultura, nosotros hemos trabajado muy poquito creo que un par de galas o tres, a parte estábamos haciendo dos giras; Paco Ventura por su lado en solitario, y yo también con mi último disco en solitario y por supuesto con la madre de todo que es Medina. Todo iba sobre ruedas pero vino la pandemia y todo se fue al garete. Este año queremos poner toda la carne en el asador y también haremos dos giras con medina Azahara, una que será para el verano, donde presentaremos la gira retomada de “a toda esa gente” gira que este año cumple 25 años y que fue una de las mejores giras de nuestra vida como Medina Azahara, fue grabada y fue disco de oro y platino, será bonito recordarla y tocarla tal cual la hicimos hace 25 años, por otro lado el día 15 de abril presentaremos, el homenaje más grande a Triana, en el teatro nuevo Alcalá en Madrid, y dejaremos pasar el verano para volver con ella el día 15 de octubre en el gran teatro de Córdoba y así ir a recorrer toda España con este gran espectáculo.

GIRA “EL MAYOR HOMENAJE A TRIANA” 2021 15 Abr. Madrid 15 Oct. Cordoba 22 Oct. Palma Mallorca 05 Nov. Lleida 06 Nov. Las Palmas G.C. 12 Nov. Zaragoza 14 Nov. Logroño 19 Nov. Alicante 20 Nov. Salamanca 21 Nov. Valladolid 26 Nov. Granada 27 Nov. Zamora 28 Nov. Burgos 09 Dic. Albacete 10 Dic. Palencia 11Dic. Pamplona 12 Dic. San Sebastian 13 Dic. Barcelona 17 Dic. Sevilla 18 Dic. Sevilla 2022 07 Ene. Valencia 15 Ene. Huesca 27 Ene. Bilbao 05 Feb. A Coruña 12 Feb. Roquetas lhmagazin.com

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GATO VENTURA Inicia su camino en el mundo de la música allá por el 2003, grabando sus dos primeros discos en 2005 y 2011, estando en todo momento en contacto con los escenarios y el mundo de la música. En 2018 lanza “Delirios Parte 1”, el inicio de una trilogía que tomando como base el rock, lo mezcla con multitud de estilos, creando uno propio. En diciembre de 2020 lanza “Delirios Parte 2”. En ambos discos cuenta con colaboraciones de artistas de primer nivel en la escena nacional española (Marea, Medina Azahara, Sínkope, Reincidentes, etc) ¿A qué suena Gato Ventura? Debes escucharlo con tus propios oídos para entenderlo.

Sensaciones puras y sin filtros, grandes certezas y enormes contradicciones hacen el amor entre verso y verso. Esto es Delirios, esto es Gato Ventura.

La Llorona es una canción que lleva acompañando toda la vida a la cultura hispana. Esta versión forma parte del segundo disco con de Gato Ventura con su nombre artístico, “Delirios Parte 2: Apología del Desaire”. Es la primera vez que esta canción es interpretada por un artista puramente rockero, aunque tenga influencias de multitud de estilos. Ha contado en esta canción con la joven artista malagueña Gisela Hidalgo, cuya mezcla de voces ha conseguido la mezcla perfecta para hacer las delicias de los oyentes, dando la sensación de haber creado una versión que pasará a la historia de la música de habla hispana. Paco Luque (Hora Zulú) que ha dado forma a un magistral solo que nos transportará en un aura nostálgica que envuelve todo el corte, con la delicadeza de una pluma y con la fuerza del trueno. Un éxito que promete dar la vuelta al mundo y que dará mucho que hablar entre todos los amantes de la buena música, te guste el rock, o aún no lo hayas descubierto. No te lo pierdas… @venturagato

@gatoventura

ARI SADA Es un cantante, compositor, poeta y músico valenciano, nacido en Veracruz (México), de padre portugués y madre española. Desde muy pequeño ha desarrollado una especial conexión hacia la música, terminó sus estudios de solfeo y canto en el conservatorio de la ciudad de Puebla (México) antes de venir a España. Sus primeros pasos en la industria se dieron formando parte de varios proyectos de hard rock locales. En Setiembre de 2015 lanza al mercado su primer álbum “Historias”, con un sonido pop-rock, una indiscutible seña de identidad cercana al flamenco y otras influencias provenientes de Oriente Medio. En 2017 lanza su segundo álbum “Vivo”, producido por Nacho Mañó (integrante de Presuntos Implicados), con un sonido más homogéneo, armónico y cuidado, que ha recibido muy buenas críticas.

En 2019 y junto al Músico y Presentador Héctor de Césare, lanza una versión latina-urbana de la canción ”Prodigio de Mujer”, producida por Javier Losada (ex integrante de Veni, Vedi, Vici), que tuvo una excelente acogida en España y América Latina.

Ari Sada ha sido nominado a los Premios MIN en el año 2015, en las categorías de: Mejor Artista emergente, Mejor Álbum, Mejor Álbum de Pop, Mejor Canción y Mejor Producción.

En el año 2017 fue nominado como: Mejor Artista, Mejor Álbum, Mejor Canción y Mejor Producción. En el año 2020 fue nominado conjuntamente con Héctor de Césare como: Mejor Cantante, Mejor Vídeoclip, Mejor Canción, Mejor Producción y Mejor Single de Música Urbana.

Premios y Nominaciones: Mejor Vinilo del Mes, Febrero de 2016, por la Revista Custom Machines. / Finalista del Tour Music Fest 2018. / Incluido como Artista en las listas Billboard Venezuela 2018. / Artista del Mes, Diciembre 2018, por Mexicanos en Valencia. / Ganador Premio Internacional Latinoamericano de Oro 2019, en calidad de Músico y Compositor de España. / Nominado Premios Vodafone You 2019. / Nominado Premios Talento Latino 2020 Comunidad Valenciana 2020. @arisadaoficial

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AMBROS CHAPEL Grupo formado en 2006 por Pablo Casero (voz y guitarra), Alfred Sanchis (bajo), Óscar Vadillo (guitarra solista y coros) y José Rodríguez (batería).

Su primer álbum, “Rome” (Malatesta Records, 2009), contiene referencias sonoras con base en el rock gótico de los 80, pero muestra una madurez sorprendente y una elegancia en la composición que no es nada habitual en un grupo novel. Sus complejas estructuras y característicos arreglos, arropados por la profunda voz de Pablo Casero, recuerdan a los mejores momentos de bandas como The Cure, Echo and The Bunnymen o unos primigenios The Doors. Con él recorren buena parte de la geografía española, destacando su participación en el Monkey Week de 2010. “Constants Are Changing” (7Days Music, 2011) es su segundo disco. Muy bien recibido por el público, se coloca como uno de los más importantes discos del mercado independiente (Medios como Mondosonoro o Ruta 66 lo destacan dentro de lo mejor de año). A finales del 2012 sacan a la luz “Electric Eye” (7Days Music/To Jail Records), una pieza de lujo para coleccionistas y fans del grupo que se edita en un vinilo de 7” de 105 copias numeradas a mano. Antes de su siguiente trabajo, el grupo contribuye con su personal visión de “Welcome” al homenaje que el sello Lunar Records hace a The Church con su disco “Bajo un Cielo Prehistórico”. A principios de 2015 editan su tercer álbum, “The Last Memories” (7Days Music/Harmony Rock Records) considerado por público y medios como su mejor trabajo hasta la fecha. Tras acompañar a los emblemáticos Sad Lovers and Giants en su vuelta a Valencia y colaborar con una versión de “Adictos A La Lujuria” en un disco tributo a Parálisis Permanente, vuelven a la palestra con “Portraits” (Flor y Nata Records/Harmony Rock, 2017), un álbum compuesto por diez canciones impregnadas del característico sonido Ambros Chapel, pero con un registro más directo y emocionante, consolidándolos como uno de los mejores grupos a nivel nacional.

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Canción de autor con músicas del mundo: neofolk intimista.

EP "Reflejos, Hoy" desde 1 de marzo en plataformas digitales

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MAR FAYOS ¿En qué momento descubres que quieres dedicarte al mundo de la música?

Lo descubrí casi sin darme cuenta.

Mis padres siempre dicen que empecé a tararear canciones que escuchaba por la radio antes de empezar a hablar, y cuando empecé a hablar, parece que empecé a insistir muchísimo a mis padres que me apuntaran a clases de música hasta que lo logré, y ya no pude parar de vivir la vida cantando. Mi pasión por el jazz llegó más o menos al mismo tiempo, cuando con tres años, pasaba una tarde de domingo en casa de mis padrinos, y me enseñaron el nuevo disco que había sacado Tony Bennett y Diana Krall, llamado Steppin’ Out. Eso fue amor a primera escucha, y allí me di verdadera cuenta de que lo que quería hacer en la vida era cantar jazz y hacer sentir a los demás tan especiales como ellos dos me hacían sentir, aún sin entender nada de lo que contaban sus letras por aquel entonces.

En tu primer disco “Mi propia Religión” hay un tema que se llama “Historia de una niña” que habla un poco de esos sueños que tenías de cantar. ¿Era este mundo de la música tal y como lo imaginabas?

La verdad es que yo crecí en un entorno dónde la cultura del esfuerzo lo era todo, rodeada de gente que se había construido a si misma desde cero y sin ayuda de nadie. Por eso siempre tuve muy claro que quisiera lo que quisiera, nunca iba a ser un camino de rosas, y que tendría que luchar mucho para ganármelo y alcanzar mis metas. El mundo de las artes es particularmente difícil en ese sentido, por la gran exigencia y dedicación que requiere, por la gran competencia y las críticas con la debes lidiar a menudo y porque hay muchos factores que dependen de la suerte que tengas y de lo que otros opinen y te ofrezcan. Yo me siento afortunada de las oportunidades que he tenido y por haberlas aprovechado lo mejor que he sabido, y de siempre haber tenido esa sensación de querer trabajar para mejorarme a mi misma y demostrarme que me he ganado todo lo que logro, y por haber tenido modelos cercanos que siempre me han repetido lo duro y difícil que sería el camino que había elegido, pero aún así me han apoyado y me han ayudado a levantarme cuando me he caído una y mil veces.

Hay una parte de la letra de esta canción que me ha llamado la atención “Hay talento le decían, pero búscate algo más”.

Es triste que en este país se siga pensando que de la música no se puede vivir, que no es una profesión. ¿Cómo lo ves tu?

Creo que es un estigma que está presente en todas partes del mundo, pero que recientemente gracias al trabajo de muchos profesionales de la música que han luchado por darle valor a la profesión y por demostrar que se puede vivir de ello tanto como de cualquier otro oficio, junto con la regularización de la actividad artís-

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tica a través de la creación de escuelas con grados superiores reglados y recursos y espacios dedicados a las artes, nos estamos dando cuenta de que, hoy en día, es igual de difícil vivir de la música que de trabajar como arquitecto o periodista, y eso les digo siempre a mis alumnos, y sobretodo, a sus padres, cuando me preguntan sobre si deberían apoyar a sus hijos a cumplir sus sueños musicales.

Elegiste para estudiar música, Boston “Berklee College Of Music”. ¿Por qué Boston y no Liverpool en LIPA la escuela de Paul McCartney?

Si te soy sincera, la decisión de ir a estudiar al Berklee College of Music de Boston fue una de las cosas más espontáneas que hice en mi vida, guiada por una corazonada, siendo yo muy cerebral, y fueron un conjunto de circunstancias y casualidades las que me llevaron hasta allí, por eso ni me planteé ir a ninguna otra escuela en ese momento. Aunque yo siempre había querido vivir de la música, eso del “búscate algo más” me llevó a estudiar periodismo, por si acaso, porque escribir también me gustaba mucho. Cuando terminé la carrera, tuve la oportunidad de completar mis estudios con un máster, y quise aprovechar ese tiempo para intentar darle una oportunidad real a mi auténtica pasión, y ver qué pasaba, para no quedarme con el gusanito de “¿Qué habría pasado si hubiera tenido el valor de intentarlo en serio?”. Así que después de toda una vida de estudios musicales en el conservatorio y de hacer mis pinitos en el mundo del teatro musical, decidí empezar a estudiar canto jazz y de repente “Berklee” aparecía por todas partes: mis profesores habían estudiado allí y lo recomendaban, un amigo y compañero acababa de empezar allí la carrera y me hablaba maravillas, las pruebas de acceso eran en unos meses y yo no tenía nada que perder. Así que me dije, voy, y si no funciona, ya buscaré otras opciones. Y misteriosamente funcionó, y aunque ha sido una experiencia muy dura, también ha sido de las mejores de mi vida y no la cambiaría por nada. ¿Con qué recuerdo te quedas de tu paso por Boston?

Tengo dos recuerdos realmente especiales. El primero tiene que ver con mi segundo semestre en Berklee, que coincidió con un invierno de un frío espantoso.

Acababa de irme a vivir a un apartamento que estaba lejos de la escuela y se me estaba haciendo todo muy cuesta arriba, hasta el punto de casi abandonar y volverme a casa. Por casualidad acabé en una clase de combo o conjunto instrumental con un profesor muy prestigioso, llamado Oscar Stagnaro, que me hacía cantar música latina de la que no tenía ni idea, que era muy honesto y pero verdaderamente estricto conmigo y que, de entrada, me cayó fatal.

Después de pasas unas semanas muy frustrada conmigo misma, un día decidí ence-

rrarme en una sala de práctica sola con el piano y las partituras de la clase durante casi ocho horas y aprenderme el repertorio de pies a cabeza, para no tener que sufrir tanto cada vez que iba a esa clase, y sin saberlo, eso me hizo ganar su respeto. Con el tiempo, ese profesor se convirtió en mi mentor y uno de mis mayores apoyos, tanto que él y su esposa me acogieron en su casa cuando más lo necesitaba como si de una hija más se tratara. Él me invitó a vivir la experiencia más bonita que recuerdo en la escuela: cantar el bolero “Contigo Aprendí”, de Armando Manzanero, mirando a los ojos del compositor. Aún se me ponen los pelos de punta al recordarlo. ¿Cuáles son tus artistas referentes?

Empezaría con Tony Bennett, Armando Manzanero, Joan Manuel Serrat, Alejandro Sanz, Manuel Carrasco, pero también Nancy Wilson, Louis Armstrong, Miles Davis, Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Nina Simone, Julie London, Rosa Pasos, Elis Regina, Mercedes Sosa, Ivan Lins y muchos otros. Adoro a artistas que me han marcado especialmente en momentos concretos de mi vida y que se escuchaban mucho en mi casa como Stevie Wonder, los Beatles, Queen, Earth, Wind and Fire, Tower of Power, The Carpenters, The Jersey Boys, Burt Bacharach, Carole King, Ella Fitzgerald, Billie Holiday o Amy Winehouse, y últimamente me he obsesionado bastante con LP, Jazzmeia Horn, Jamie Cullum, Jane Monheit, Jorge Drexler, El Kanka y Andrés Cepeda, que fue mi máxima inspiración para escribir Mi Propia Religión.

Has recibido ya varios reconocimientos internacionales como el de asistir al Latin Alternative Music Conference de Nueva York en 2019 y 2020 y recibir premios de The Namm Foundation en 2020 y 2021, además de ser elegida para participar en la Residencia Antonio Sánchez 2020 en Ciudad de México; has sido seminifinalista en la Bucharest International Jazz Competition, en el Artist Award del Rootstock Music Festival 2020 y en Concurso de Juventudes Musicales de España 2020 en la categoría de jazz… ¿Qué significan para ti estos reconocimientos?

Me dan muchísima fuerza para continuar trabajando día a día en lo que me apasiona, y para seguir adelante cuando me dicen que no y las cosas no me salen como espero, ¡que me pasa muy a menudo!

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Este primer disco cuenta con composiciones escritas mientras estabas en Estados Unidos y otras en Barcelona. ¿Qué has buscado en este primer disco?

He querido ser honesta conmigo misma y escribir canciones que me gusten, me lleguen y que cuenten mi verdad sin pretensiones, y sin buscar gustar por gustar, ni tampoco imitar a nadie. Me gusta pensar, como me han dicho muchos, que este disco “soy yo hecha canciones” y que llegue de esta manera a los que quieran escucharme a modo de carta de presentación. Alguien muy sabio me dijo que nunca llegaría a hacer nada bueno si no descubría quién era y qué tenía por decir, y sobretodo, si gastaba mi tiempo y energía en intentar ser quién no soy. Así que cada vez que escribo y canto intento tener eso muy presente y dar lo mejor de mi, sin filtros ni pretensiones, esperando que así llegue a quién tenga que llegar.

Las letras de tu trabajo hablan de la experiencia vivida en estos años, esos sueños de cantar, la soledad, los miedos, reafirmación en lo que crees y en lo que haces… pero también hablas del regreso a casa donde te pilló el confinamiento después de haber estado viviendo fuera durante mucho tiempo. ¿Cómo llevaste este periodo de pandemia y confinamiento?

Al principio lo llevé regular. Por un lado, nunca había sentido tanto la necesidad de que el mundo parara para que pudiera bajarme, de estar en casa, y de dejarme cuidar. Llevaba a cuestas unos años muy duros, lejos de todo, con muchas luces y sombras, y espabilándome por mi cuenta, y llegué a casa justo antes de que empezara el confinamiento, agotada en todos los sentidos. Por otro lado, como no vi venir que tendría que quedarme allí encerrada y, mucho menos, por tanto tiempo, vine con una maleta muy pequeña y dejé casi todo lo que tenía atrás, y me costó bastante trabajo volver a reordenar mi vida, construir un pequeño home studio aquí y empezar a sentirme con fuerzas de continuar. Nunca dejé de trabajar desde casa como profesora y también en la creación de este disco, pero lo que más necesitaba era encontrarme a mi misma y descubrir verdaderamente lo que a día de hoy me salía del alma compartir, que no fue nada fácil. Así, mirando a mis miedos y fantasmas a la cara, encontré la forma de hacer este disco posible, que era el mayor de mis sueños y mi mayor asignatura pendiente, y tuve la suerte de contar con el mejor equipo con el que pude soñar. Así que, pese a los muchos conciertos cancelados, la incertidumbre, el miedo, la soledad…estoy agradecida de haber superado el Covid-19, que lo pillé muy al principio, en casa, junto a mi familia, y que de toda esta experiencia aprendiera a quererme un poco más y naciera Mi Propia Religión, que ahora ya es toda vuestra. ¿Cómo ha sido la grabación del disco? ¿Con qué profesionales has contado para llevarlo a cabo?

Grabando el disco, sentí que estaba en el sitio adecuado en el momento preciso, por primera vez en mucho, mucho tiempo.

De entrada, pensé que quería trabajar con Oriol Padrós como productor y con Gabriel

Peso como arreglista y pianista del álbum, porque les admiro mucho como profesionales y, además, son buenos amigos míos, y creía que entenderían lo que pretendía hacer y trabajarían en ello en cuerpo y alma, como si se tratara de uno de sus discos propios. Aunque no sabía cómo saldría el proyecto y no tenía mucho que ofrecerles, les llamé y me dijeron que sí antes de escuchar mis canciones y ellos dos, que ni se conocían, resulta que se entendieron a las mil maravillas, y a partir de allí, todo fue sobre ruedas. Hicimos una lista con músicos que soñábamos tener en el disco y todos nos dijeron que sí, encontramos estudio y fechas de grabación que nos cuadraban en la agenda, y luego llegó el equipo que me ayudó a poner imagen a mis canciones, y a todo lo demás. Estoy agradecidísima a cada uno de los miembros de esta familia de artistas que puso su magia en dar vida a “mi primer hijo”, con los que espero poder trabajar de nuevo pronto, ojalá que en la gira de presentación del disco que me encantaría poder hacer este verano.

Has pasado mucho tiempo en Estados Unidos. ¿Cómo ves el mundo de la cultura comparando España con Estados Unidos?

Creo que tendemos a pensar que el mercado de la cultura americana es mejor, porque es más grande y puede destinar más recursos a impulsar a sus artistas que el mercado que encontramos en otros países, como es el caso de España. Sin embargo, no creo que la calidad de los músicos sea mejor en Estados Unidos, pero sí que hay más cultura de consumo porque hay más respeto social por el trabajo de los artistas y el público se preocupa más por conocer a la persona que hay detrás y por valorar su esfuerzo que ha hecho hasta llegar donde está. Igual que te digo esto, también te cuento que las condiciones de trabajo no suelen ser mucho mejores que aquí, en cuanto al mundo de la música en vivo se refiere, que sigue siendo bastante precario en ambos países, y que al volver a casa me sorprendí gratamente al escuchar algunos artistas que no conocía y que ahora gustan mucho, que componen y cantan sus canciones, que han luchado por formarse y aprender el oficio de ser músico y que lo han revalorizado. Que haya música de tanta calidad hecha aquí y que el público la apoye me hace muy feliz. ¿Qué tienes pensado para este 2021?

De momento, seguir trabajando para dar a conocer “Mi Propia Religión”, terminar el Máster en Interpretación musical de jazz que estoy estudiando en el Berklee Global Jazz Institute, seguir acompañando a mis alumnos mientras crecen día a día como artistas y, si se puede, volver a tocar en vivo, que lo echo muchísimo de menos. ¿Cuál es el sueño de Mar Fayos?

Yo quiero ser feliz y poder vivir la vida cantando – y dedicándome en cuerpo y alma a la música-, que va todo de la mano.

Puestos a pedir, también querría que mis canciones lleguen a mucha gente que se sienta identificada y conmovida por ellas, y que me den el privilegio de poner música a algunos momentos de sus vidas.

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Compañía Discográfica de servicios plenos

Estamos al habla con José Manuel Fernández responsable del sello discográfico The Fish Factory. José Manuel, comencemos hablando de los servicios que The Fish Factory (TFF) brindan a los grupos.

Saludos amigos de LH. En TFF brindamos servicios plenos discográficos, es decir, cubrimos todas aquellas necesidades que los grupos y artistas necesiten para llevar a cabo, por ejemplo, un lanzamiento discográfico, una campaña de promoción y publicidad, redes sociales, una gira de conciertos, una grabación de un vídeo clip, una distribución física de discos en tiendas tanto nacionales como en el extranjero, también distribución digital, creación de elementos de merchandising, fabricación de cds, vinilos, etc., etc… es decir, todas las acciones y elementos que rodean al mundo de la música. Hay que especificar que estamos dedicados sobre todo a artistas y grupos relacionados con el mundo del rock en el más amplio sentido del concepto de la palabra ROCK ¿Cuáles son las fórmulas con las cuales trabajáis con los artistas?, es decir ¿Sois una empresa de servicios o sois también inversores en nuevos talentos?

@Tff-Compañía-de-Discos-

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Cubrimos ambas fórmulas, incluso fórmulas intermedias. Hay artistas que vienen con sus discos totalmente terminados y requieren solamente nuestros servicios de distribución o que requieren solamente nuestros servicios de prensa y publicidad, en ese caso les prestamos dichos servicios, pero en otros casos arrancamos un viaje conjunto desde el mismo nacimiento de un disco y la Compañía realiza las inversiones necesarias. Entre estas dos fórmulas hay un sinfín de opciones de negociación entre artista y Compañía, todas ellas intentando que sean sensatas y realistas para ambas partes.

Háblanos un poco más en detalle de los departamentos más importantes de la Compañía y cuáles son sus labores.

No podría decirte cual es el departamento más importante, ni cual prevalece sobre otro pero sí puedo decirte que el departamento de PROMOCIÓN Y PUBLICIDAD es el que más trabajo tiene. Es el departamento responsable de confeccionar todos los elementos de promoción y publicidad de las bandas y los discos, crear los calendarios de las campañas promocionales, elaborar notas de prensa, crear las noticias del

@the.fish.factory / www.thefishfactory.es

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artista, contactar con los distintos medios, realizar labores de community manager, gestionar las entrevistas, enviar discos de promoción a medios, etc.

Otro departamento de importancia es el llamado TFF ON TOUR, el responsable de la búsqueda de conciertos remunerados para nuestras bandas. Incluso en TFF ON TOUR realizamos a menudo labores como promotores realizando conciertos presentaciones de discos de nuestras bandas donde todos los importes económicos corren por nuestra cuenta.

El departamento de DISTRIBUCIÓN es el responsable de que los discos físicos lleguen a las tiendas, tanto minoristas como mayoristas (grandes superficies tipo Fnac, El Corte Inglés y tiendas digitales tipo Amazon). También realizamos gestiones de venta a clientes en distintas partes del globo.

La cuarta pata de los departamentos “top”, por así llamarlos, es el departamento de IMAGEN y DISEÑO que es el responsable de la grabación y edición de conciertos en directo, grabación y edición de Vídeo Clips, creación y edición de Vídeo Lyrics, Mezcla y Edición de Teaser Álbums, creación de todo tipo de Flyers para Redes Sociales, creación de Portadas y Libretos, etc.

Luego existen los clásicos departamentos de administración, departamento legal, de diseño, de envíos de paquetería, etc., que son apoyo necesario.

Cuéntanos un poco de la historia de TFF, cuando nació, el número de discos editados.

The Fish Factory nació en 2009 con la grabación del dvd en directo de Asfalto “Al Fin Vivos” que salió al mercado en doble Dvd y doble Cd audio. Desde entonces y hasta ahora hemos editado 133 referencias entre Cds, Dvds, Lps Vinilos y Singles vinilos.

Cabe destacar las ediciones DeLuxe de nuestros vinilos, que consisten en las primeras 100 unidades de nuestros lanzamientos en vinilo (de la copia 001 a la 100) que incluyen elementos de merchandising gratuitos compuestos de una colección de 4 púas de guitarra profesionales relativas al disco en cuestión, una colección de 4 postales también relativas el artista, un marca páginas y en algunos casos una bolsa bandolera porta discos, un landyard y un pase de backstage conmemorativo.

Ya para finalizar, dinos cuál es la forma en que un artista se puede poner en contacto con vosotros y como saber si su estilo musical puede entrar a formar parte del catálogo de TFF Sin ningún tipo de compromiso nos pueden escribir a info@thefishfactory.es y allí les atenderemos con celeridad. Sobre el estilo musical y si puedes entrar en nuestros gustos…

NO DUDES EN ENVIARNOS TU PROPUESTA… cualquier estilo nos puede volar la cabeza en cualquier momento… si nos llega la nueva Amy Winehouse te prometo que le sacamos el álbum!!!!!!

Contacto: info@thefishfactory.es

el_koala_oficial Del creador de discos como “Rock rústico de lomo ancho” disco de oro 2006, “Vuelve la burra al trigo”, o singles como “SOY ARBAÑÍ”, “EL BAILE DE LAS PAPAS”... y su último disco EL KOALA SE ACERCA A LA CIUDAD

PRÓXIMAMENTE NUEVO DISCO Telf.: 633598080 Jesús Mª García

“QUE LE IMPORTA A NADIE” el último videoclip de CHAPELA una bachata sureña donde pide el BASTA YA defendiendo el derecho al amor libre sin impedimentos sociales por culpa de religiones, política ó de tendencia sexuales de cada uno.

Consulta nuestro catálogo www.oceanmusic.es

chapelaoficial

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Arranca su gira nacional comenzando en Andalucía, Madrid, Castilla la Mancha, Castilla León, Barcelona, Valencia, etc…. lhmagazin.com

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A Levi le conocimos hace unos años con su proyecto UNO (2005), ahora es máxima actualidad porque publica un nuevo single “Mala influencia”. ¿Es este nuevo single el adelanto de un próximo disco, una canción para una banda sonora?

Mala Influencia es un single que nació como sintonía para la serie realizada por Videópatas y Bruno Martín.

Cuando terminó UNO te metiste de lleno en el mundo del cine. ¿Cómo recalas en ese mundillo de lo audiovisual?

Durante los conciertos de promoción del primer disco de UNO, conocí a Bruno Martín, y eso me cambió la vida, porque él ya era un realizador con un talento increíble y hacer cosas juntos (“El cuento de la boca y la niña bonita”) me sirvió para aprender de alguien con quien comparto muchos puntos de vista. Después conocí a Nacho Adorna, uno de los mejores escritores que puedas leer... Y junto a ellos dos, llegó el bautismo de fuego con la creación del documental que rodamos cuando fuimos a tocar a Hollywood con UNO (“Herederos de la Revolución”). Esa producción tuvo un proceso elaboración absolutamente fascinante que me enamoró y me marcó para siempre…

Todo ello es autenticidad en estado puro. ¿Qué fue lo que te atrajo del cine?

Siempre me había interesado, pero como antes no había conocido a nadie relacionado con el cine, no sabía como canalizar todas esas ideas que tenía en la cabeza. Así que cuando esas puertas se abrieron, comencé un camino que siempre había deseado

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@libersonica

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@levi.star.dream

transitar.

Al ver tus trabajos cinematográficos, se reconoce rápidamente un estilo muy característico como director. ¿Cómo lo describirías?

De alguna manera creo que toda mi obra está marcada por un lenguaje muy musical. El ritmo, los cambios de tempo en la narrativa, la estética, la inocografía del rock… todo eso está ahí. Mi cine se parece a mi música, y supongo que tiene mucho que ver el hecho de que he creado un universo a través de buscar las respuestas por mi mismo… al final eso hace que en cada cosa hago se note mi personalidad.

El cortometraje “Pura Realidad” (2015), se presentó en el “Short Film Corner” del Festival de Cannes y en el Festival Internacional de Cine de Gijón. ¿Fue este cortometraje un antes y un después?

Sin duda, porque fue la confirmación de que podíamos hacer cine a un nivel muy potente y de que tenía un estilo propio como director.

El mediometraje “Noche Loca” (2016) cosechó el premio a mejor actriz principal en el Festival de Cine de Girona y las presentaciones en el circuito de festivales de los films: “Ahí Va Mi Héroe” (2017), “Mente Indiscreta” (2018) y “La Capital Mundial De La Gente Sola” (2018), “Cinco Minutos Emocionantes” (2019) . ¿Que han supuesto todos estos films en tu carrera como director?

Todos ellos son obras de las que me siento muy orgulloso y, a la vez, son aven-

turas de vida que me han marcado como persona y como artista. Además durante toda esa trayectoria hemos formado una familia (Los DreamMakers) que es a la vez un equipo de gente (de distintas partes del país) con un nivel creativo excepcional.

Actualmente te encuentras trabajando en tu primer largometraje, “Las Tr3s Partes Del Espejo”: Un film donde se mezclan tres historias salpicadas de aventura, acción y drama. ¿Qué significa para ti que próximamente se estrene tu primer largometraje?

Se trata de un proyecto extremadamente personal... Es un largometraje en el que llevamos trabajando dos años y una de las experiencias artísticas más importantes de mi vida. Infinitas horas en las que he estado rodeado de un grupo de almas que han puesto su talento y su esfuerzo al servicio de una lucha titánica contra lo imposible...

El fruto de lo que conlleva intentar soñar en los tiempos que corren. Además, respecto a la historia (que escribí con Nacho Adorna), habla de algo que yo creo que todos hemos vivido en algún momento: Esa situación en la que sabes que si tomas una decisión puntual, tu vida puede cambiar para siempre, y ese, es un concepto que siempre me ha fascinado.

Pusiste música a varías colecciones de la diseñadora Sara Coleman que fueron presentadas a nivel mundial, entre otros sitios, en la “Mercedes Fashion Week”. ¿Qué supuso esto para ti en tu faceta de compositor?

Fue una fusión artística muy poderosa que me llevó a trabajar de una forma distinta a todo lo que había hecho antes, porque transformamos los diseños y tejidos en paisajes sonoros a los que tuve que llegar con técnicas y formas de composición muy lejanas a mi zona de confort.

También has compuesto bandas sonoras en diversos proyectos. ¿Se trabaja de distinta forma a la hora de componer un tema de rock como tu último single “Mala influencia” que una banda sonora?

Para mi es muy diferente. Cuando compongo un tema de rock, dejo que el propio tema me guíe y siga su propio camino, así que el proceso es un momento de libertad total (de ahí salió el concepto Libersónica).

Sin embargo, cuando estoy trabajando en una banda sonora, la composición forma parte de un todo que tiene que complementar; Así que los sonidos, las melodías y el ritmo están totalmente condicionados por el guion, la fotografía y el montaje. ¿Cómo ha afectado esta pandemia en tus proyectos? ¿Cómo crees que está siendo tratada la cultura desde las instituciones?

Algunos proyectos se han quedado colgados y laboralmente la situación es un desastre, pero bueno, estamos en un periodo incierto del que yo he aprendido muchas cosas a nivel personal y filosófico.

Respecto a las instituciones, una vez más, no están sabiendo comprender, ni tratar a la cultura (ni a nadie)… Lo curioso es que a todo el mundo le da igual mientras pueda aprovecharse y disfrutar de la cultura.

Hay posibilidad de un regreso de UNO. Esta pregunta tenía que caer si o si, ya sabes que UNO fue una de mis bandas favoritas (risas).

No me cabe duda de que la respuesta está en la película: Entre la razón y la locura.

Todo empieza en el año 1990 cuando, tras abandonar los platos, durante nueve años, en diferentes discotecas de Madrid, el profesional Carlos Martín decide seguir en la música de otra manera, ahora en la Industria Musical. Es entonces cuando Carlos empieza a trabajar en el Sello discográfico Ediciones Musicales Horus.

Durante 6 años llegan a sus manos, artistas como Sergio Dalma, María del Monte,

Manolo Escobar, El Junco, Los Chunguitos, El Fary, Lolita, Manzanita, Ana Reverte, Los Diablos ó Zapato Veloz “El Tractor Amarillo” entre muchos otros.

Después pasó por otros sellos como Picap, donde estuvo 12 años (Con artistas como María del Mar Bonet, Raimon, Lluis Llach o Marina Rosell entre otros) Llegan años duros en la Industria y Carlos Martín deja este sello para entrar a formar

parte de la gran Familia de Café del Mar Music. Consigue posicionar la marca no solo en los Medios de Comunicación si no también en el público de a pie. Desde el VOLUMEN V compilado por José Padilla hasta el VOLUMEN XVI pasando por los ARIAS, CHILL HOUSSE MIX, DREAMS o Discos de Artistas como DAB, LA CAINA ó RUE DU SOLEIL entre otros.

SÍGUENOS EN: @cmarrabal

be_released_carlosmartin

/ contacto: calos@bereleased.com

BE RELEASED ahora

Sus Trabajos como Be Released

Be Released nace tras 22 años de experiencia trabajando con Artistas y con marcas en los Medios de Comunicación.

Be Released es la suma de todo lo anterior, los trabajos que figuran más abajo y la buena voluntad de seguir trabajando para dar buen servicio profesional y humano a los Artistas, discográficas y Managers en general. Su objetivo es satisfacer sus necesidades para que hagan realidad sus proyectos.

Be Released se ha ido adaptando a los cambios durante estos 30 años que lleva Carlos Martín como profesional para dar más cobertura a sus clientes.

Be Released desarrolla planes de marketing y promoción no sólo para proyectos discográficos ó artistas independientes si no también cualquier otra tendencia que tenga que ver con el mundo de la Cultura.

Por eso, el director de Be Released, Carlos Martín, va más allá y decide celebrar sus 30 años en la Industria de la Música, ideando y dirigiendo un Festival en Langa de Duero (Soria) “Camino Duero Fest”.

Una primera edición que se celebró en agosto de 2019 con gran éxito, en colaboración con Luciérnaga Magenta.

El Objetivo de Be Released es seguir haciendo números uno con Artistas, Escritores, Actores, Empresas en general que quieran promocionar sus productos y por supuesto no descartando la posibilidad de organizar otros Festivales o conciertos en un futuro.

- República Café promocionando varias compilaciones de artistas de Chill, Jazz o soul.

- Senador, con artistas como Medina Azahara, Ecos del Rocío, Paco Candela etc..

- Ocean Music con Artistas como EL Koala, Raul, El Balilla etc..

- Goal Sons con Artistas como DCS, Estela Trujillo Fredrik Strand, Alberto Navarro ó Arnau, entre otros.

- Mirmidón Producciones con artistas como Luar Na Lubre, El Naán, Anxo Lorenzo ó Ses entre otros - Karonte con artistas como Suburbano, Mara Aranda, Javi Ruibal, Mariano Diaz, Perico Sambeat, Daniel García, CMS ó Abe Rábade entre otros..

- Adriático Records, con artistas como Las Carlotas, Fran Ocaña, Las Soles etc..

Otros trabajos con Artistas como Pablo Perea (La Trampa), Carlos Marín (El Divo), Pol 3.14, Lya ó Melody entre muchos otros.

- Obras de Teatro como “Vuelve el Cabaret”.

- Escritores como Javier Márquez, Alex Gómez Font u Oneidys Torres.

- Marcas Textiles como la Italiana Brookfielsd (con la que vestimos a la selección Española de Fútbol en la Eurocopa 2012), como la española Broncoestilo de Hip Hop liderada por el artista El Meswy que ha vestido a actores en la Serie Aída o la prestigiosa marca Turca Cipo & Baxx que ha vestido a Melendi en la temporada 2012/13

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Gonzalo es recordado por su paso por la OTI en 1983 con la canción “Quien Piensa En Ti”. ¿Molesta o gusta que te recuerden por esa canción?

Siempre es un placer que te recuerden, para mí que me recuerden por quién “Piensa en ti” es un orgullo, me siento muy feliz por ello.

Hablo de esa canción que en España en los 40 principales llegó a ser número uno y como decíamos pasó por ese festival tan importante como era la OTI, con más de 16 millones de descargas. Te presentaste en el 2019 en la voz senior con esta canción ¿Cómo te sentiste?

En la voz senior los cuatro miembros del jurado tarareaban y cantaban la canción pero pensaban que era un imitador de Gonzalo, la canción la conocían y cuando se dieron la vuelta y vieron que era yo se quedaron muy sorprendidos, la verdad es que me sentí muy bien durante la actuación, porque al publico presente le gustó mucho, y yo me sentí feliz de que conocieran la canción, me sentí muy bien. ¿Qué recuerdos tienes con el paso del tiempo de ese paso por la OTI y de esos años?

Los recuerdos que tengo de esa actuación en el festival de la OTI son maravillosos, muchos nervios al sentir que te estaban viendo millones de personas, luego la canción se convirtió en un éxito enorme, no solamente en España sino en toda Latinoamérica. Cuando la escribí estaba con las manos en los bolsillos y mirando al suelo, gracias a esta canción actué en los escenarios más importantes de España y de Latinoamérica, cosas de la vida...

Gonzalo además ha sido el productor de proyectos como Ella Baila Sola, Las Hijas

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Del Sol, Guaraná, Javier Álvarez... ¿Se ve de distinta forma la música como cantante que de productor?

Sí, la verdad es que no tiene nada que ver ser artista a ser productor discográfico, aprendí mucho de mi etapa como cantante y después lo volqué y utilicé en mi etapa como productor discográfico.

Ahora publicas un homenaje en el 20 aniversario de Carlos Cano. ¿Qué significa para ti la figura de Carlos Cano?

Carlos Cano ha sido uno de los cantautores más importantes que ha habido en España para mí su figura es inolvidable y un ejemplo a seguir, algo muy español y muy nuestro, alguien que recopiló y canto de una forma magistral la copla española y le devolvió su verdadero carácter, también canto el fado y supo unir el fado con la canción española. Carlos Cano fue un gran artista con una voz increíble “tenía un piano de cola en la garganta” así lo veo yo.

Este disco lleva por título “La Copla Rota” ¿Cómo crees que ha sido tratada la copla en España?

La copla ha estado asociada durante un periodo muy largo al franquismo y luego posteriormente se le ha dado un carácter muy estereotipado, creo que ahora la copla estado teniendo un momento de auge, debido a que todo lo que tenga que ver con el carácter auténtico y con la raíz de la música popular está viviendo un momento extraordinario.

Carlos Cano fue un precursor a la hora de actualizar la copla, esto no fue visto con buenos ojos por algunos puristas... ¿Cómo crees que fue tratado por la cultura en España Carlos Cano?

Creo sinceramente que Carlos Cano

ha sido un artista español muy admirado debido precisamente a la recuperación de la copla, aparte de las maravillosas canciones que escribió él, como por ejemplo María la portuguesa, mi general, habaneras de Cádiz y un largo etcétera de canciones que supo interpretar magistralmente, dándole siempre a sus actuaciones el carácter de música culta, qué es lo que él hacía, además de esto recuperó la copla. Carlos Cano tenía como si dijéramos muchachos guasa y una forma muy cínica de ver algunas cosas de la idiosincrasia española. ¿Cómo ha sido la selección de las canciones que has elegido para hacer este homenaje a Carlos Cano?

Me desperté una noche a las 4 de la madrugada cantando María la portuguesa, a partir de ahí vino todo, una canción te llevaba otra, ha sido un viaje maravilloso por la historia de España y de su copla, cada canción es una historia, un viaje hacia la España de nuestros días. ¿Hay alguna etapa en especial que te gusta más que otra de Carlos Cano?

Sobre todo me gusta la etapa a partir de María la portuguesa y todo lo que le aportó esta canción, luego ya cuando se hizo más maduro empezó a recuperar la copla, realmente me parece muy interesante.

Pensábamos que Gonzalo estaba más cercano al pop, ¿cómo llegaste al mundo de La Copla.?

Para mí también ha sido una sorpresa ponerme a cantar copla, si, yo estoy o siempre estuve más cerca del mundo del pop, pero como te comentaba antes cuando me desperté a las 4 de la mañana cantando María la portuguesa, algo cambió en mi y empecé a investigar la historia de Carlos

Cano y este es el resultado, la copla rota.

Imagino que cuando uno se sumerge en este mundo de La Copla con esas letras desgarradoras, con esos arreglos y de repente escuchas la radio y oyes lo que suena... ¿qué piensas?

Bueno pues pienso que los tiempos cambian, y que a las nuevas generaciones lo que les gusta es escuchar es el urban el reggaeton el rap el hip hop y todo esto me parece muy bien, sin embargo el mundo de la copla no está tan lejos de artistas como Rosalía, qué opinas tú?

Con este disco vas a recorrer teatros, ¿nos puedes adelantar como serán tus directos?

Mis directos son una aproximación artística al mundo de Carlos Cano a su figura a su forma de hablar, las cosas que él pensaba las entrelazo entre canción y canción, las hablo y digo cosas que él dijo en sus entrevistas, mis actuaciones en directo son a piano y voz y realmente no hace falta nada más para comunicarse con el público.

Veremos encasillado ya a Gonzalo dentro de La Copla o habrá en un futuro más cambios.

Yo no creo que se me pueda encasillar dentro de la copla, como tampoco se me puede encasillar dentro del mundo del pop, creo que soy y siempre seré una persona que va a contracorriente, me gusta hacer música y la música es muy variada, eso es lo bonito de la expresión artística.

GONZALO

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s a n a s e t r A s a z e v r e C ¿Qué comer con Cerveza artesana LH Rock?

Mejillones en salsa picante

·1 Kg de Mexillón de Galicia

·1 cebolla mediana

· pimiento verde pequeño

·1 diente de ajo grande

·150 ml. de tomate frito casero

·1 guindilla o más al gusto

·1 cucharada (de postre) de Pimentón de la Vera picante

·Vino blanco

·50 ml de aceite de oliva virgen extra

·2 hojitas de laurel, un poco de perejil fresco picado y sal al gusto

Preparación de los mejillones

Comenzamos por limpiar los mejillones debajo de un hilo de agua del grifo, retirándoles las barbillas y cualquier otra impureza o suciedad que traigan consigo.

Ponemos una olla grande con un buen chorro de vino blanco (ribeiro o albariño) en el fondo, incorporamos los mejillones y un par de hojas de laurel a fuego alto durante 3-4 minutos hasta que se abran. Retiramos del fuego y retiramos una de las conchas. Reservamos en una fuente para el emplatado final. El líquido resultante lo aprovecharemos para elaborar la salsa.

Preparación de la salsa

Picamos en pequeños dados la cebolla y el pimiento verde. En una sartén con aceite de oliva virgen extra y los pochamos, junto al ajo bien picadito, a fuego medio. Pasados un par de minutos salamos para que sude la cebolla y nos ayude a que se ablanden las verduras. Retiramos el rabillo y las pepitas a la guindilla. La añadimos entera en la sartén para que vaya soltando su picante al resto de ingredientes. Lo dejamos unos 6-7 minutos y vertemos entonces el tomate frito removiendo para que se mezcle bien con el sofrito.

Del líquido resultante de los mejillones, colamos la cantidad de medio vaso, la incorporamos a la salsa y mezclamos. Añadimos a la salsa el pimentón picante. Dejamos que reduzca la salsa otros 5-6 minutos a fuego medio para que se vaya espesando. Emplatamos los mejillones en una fuente. Los cubrimos con un poco de salsa picante y espolvoreamos por encima perejil bien picadito como decoración.

La cerveza LH Rock (American IPA)

Cerveza tostada con un sabor amargo y un filtrado ajustado para conseguir ese color tan parduzco y característico.

Esta cerveza es puro rock como la guitarra Gibson Les Paul que empezó a fabricarse en 1956. Su sabor amargo con un ligero aroma a hierba, pero equilibrado hará que te emociones. Su color caoba que recuerda a esta mítica guitarra te hará revivir esos momentos únicos llenos de rock and roll.

DETALLES – FICHA DE DATOS Origen: Madrid Familia: American IPA % Alcohol: 5,9 Color: Marrón con notas rojizas Envase: Botella 33 cl.

Para su mejor conservación siempre dejarlas de pie.

PVP: 2,75€ unidad, Pedido mínimo 6 botellas.

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Coincidiendo con su 15 aniversario artístico sale a la venta su nuevo trabajo discográfico llamado EN ESTADO PURO Copla y Flamenco, donde domína la copla y el flamenco

antoniocortesof

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sylviapantoja

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@AialaMusic

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@aialamusic

El segundo disco de Aiala llevará por título “2021: An Earth Oddity” y saldrá publicado el día 12 de febrero. ¿Cómo has afrontado este segundo disco?

Después del lanzamiento de “Nothing less than art” me moría de ganas de crear cosas nuevas, en verano del año pasado ya tenía muchos temas escritos, muchas ideas para llevar a cabo, y me presenté en La Panchita para empezar a buscar todas esas sonoridades.

“2021: An Earth Oddity” significa una rareza terrestre. ¿Por qué este título para este segundo disco?

Porque siento que es una rareza, y por homenajear a dos de mis creadores favoritos, Bowie y Kubrick, dos maestros en sus artes, y dos maestros en crear rarezas también, en mi opinión. Lo raro siempre me ha gustado, es un concepto muy ambiguo, lo que puede ser raro para ti puede no serlo para mi, y eso me gusta también, esa ambigüedad, todo depende del punto de vista, la perspectiva. Y porque siempre me he sentido rara, sea lo que sea lo que eso significa.

Han dicho de ti que eres la futura reina del R & B nacional y yo lo corroboro. Que digan de ti esto, solo con un disco en la calle y dos singles y a puertas de tu segundo disco ¿cómo te sientes?

Yo creo que es una locura, me halaga, pero creo que hay muchísimo nivel, hay talento a borbotones, voces brutales y es algo que me apasiona, no creo que tenga que haber ninguna reina, lo bueno de las voces es que nunca habrá dos iguales, en cada voz puedes oír la personalidad de cada una, y eso es lo bonito.

Como primer single de este próximo disco se extrajo “Fighting and learning” ¿qué tiene de especial esta canción para ser el avance del disco?

No sé muy bien, pero lo tuvimos clarísimo desde el primer momento. La sonoridad del tema, la letra, la producción, todo, cuadraba a la perfección desde el primer momento, fue super orgánico traerlo al mundo, aunque siempre es difícil elegir, porque son tan distintos unos temas de otros, nunca sabes qué escoger para enseñarle al mundo, porque lo que realmente te representa al 100% es el trabajo completo.

Pero este tema crea una atmósfera especial, también por la letra de la canción y el momento histórico que estamos viviendo.

Esta canción además fue elegida mejor canción catalana del año por los oyentes de iCat FM. ¿Te ha sorprendido la gran aceptación que ha tenido este single tanto por el público como por la prensa musical?

Alucinada me hallo, súper feliz. Además el tema tenía un mes y lo eligieron tema del año, yo no me lo creía. Trabajamos con amor porque es lo que nos gusta, y es como sabemos hacerlo, amamos la música. La sensación en el estudio, cuando lo terminamos, fue brutal, estábamos súper felices con todo el curro, con el resultado, pero no nos esperábamos esto ni de lejos, estoy muy agradecida.

De este tema se rodó un videoclip en el cual hemos podido ver tu faceta de actriz. ¿Te gustaría en un futuro dedicarte al séptimo arte?

Creo que eso son palabras mayores, tenemos muchísimos profesionales, excelentes, que llevan formándose años, y siguen haciéndolo, igual que yo estudio la voz. Pero me encantaría hacer algún trabajo aunque fuera una vez en la vida, ya que la interpretación, es un arte que siempre he admirado y disfrutado, y aunque no sea actriz, interpreto canciones encima de un escenario.

El videoclip tiene una estética muy Tarantino. ¿Es Tarantino uno de tus directores favoritos?

Así es, siempre me ha gustado muchísimo el cine, de las primeras películas que recuerdo que se me quedaron grabadas a fuego en el cerebro es Kill Bill, que igual tendría nueve o diez años cuando la vi por primera vez, y flipé muchísimo. Aunque la sonoridad del tema es mucho más de Django que de Kill Bill. Siempre he encontrado en el cine y el teatro otra gran fuente de inspiración para mis temas.

“Face to face (Silence)” es el segundo single que se ha publicado como adelanto de tu nuevo trabajo. Una canción más orgánica en la que la electrónica casi no tiene presencia y se aleja de lo que pudimos escuchar en tu primer disco “Nothing Less Than Art”. ¿Has buscado en este disco un disco más ecléctico y más orgánico?

Realmente no pensaba en eso mientras creábamos el disco, aunque creo que si que es bastante ecléctico. En el estudio simplemente le vas dando a cada tema lo que te pide, y resulta esto al final. Mas o menos hay la misma mezcla de músicas orgánicas con músicas mas electrónicas en este disco que en el anterior, la cosa es que intento no separar la música electrónica de la orgánica, porque creo que no tiene sentido, creo que lo natural es usar todas las herramientas a tu disposición para crear lo que te de la gana, y por suerte en la música tenemos desde la voz o las cuerdas de un piano o guitarra hasta todos los sonidos electrónicos que reproduces con un ordenador, teclados... o directamente sampleas algo. La cosa esta en saber qué, cuando y como usarlo.

Este disco en su gran mayoría se ha debido componer durante el confinamiento imagino. ¿Cómo ha afectado este confinamiento y la pandemia en cuanto a las letras del disco?

Durante el confinamiento estuve bastante bloqueada con la escritura, estuve leyendo, pintando... mil cosas, pero a penas escribía nada, pero a la que nos desconfinaron la inspiración volvió a mi, y escribí Fighting and learning, por ejemplo, y

creo que es bastante obvia en este caso la influencia del mundo en mis letras. Pero como nunca paro de escribir, en el disco hay un poco de todo, desde letras que podrían haber ido en mi primer disco, hasta canciones 100% de estudio.

Antes de entrar a grabar en el estudio eres una artista que intentas despejar tu mente sin escuchar música o todo lo contrario, tienes algunos artistas referentes en tu cabeza por donde tu quieres que vaya el disco.

Me empapo de todo, pero siempre, no justo antes de grabar. Me gusta mucho mezclar temas clásicos con temas nuevos y ver que pasa, me hago listas de reproducción y me las voy escuchando. Yo creo que un disco no se hace en el estudio, en mi

caso, es un proceso lento que no tiene fecha, siempre estoy creando, ahora ya estoy creando el próximo.

Hemos tenido la suerte de poder escuchar el disco antes de esta entrevista. Hay un tema que se llama “White Wine” que arranca con un sonido muy retro y en el que se fusionan varios estilos musicales, y nos ha llamado la atención. Además hay una colaboración. ¿Quién es? ¿Enriquece la fusión de géneros la música? ¿Te gusta el vino blanco?

Spxxn P, un artistazo, estoy muy feliz de haber podido contar con él en este tema.

Creo que es súper necesaria la fusión, y es lo más natural, enriquece la música y te lleva a lugares nuevos, y en este tema me parecía que lo necesitaba. Y no es nada

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nuevo, que ya Amy tenía temazos con Nas. “Blind world” el mundo está ciego es otro tema de este nuevo disco. ¿Qué es lo que no vemos?

Yo creo que en general no vemos más allá de nuestras narices. El mundo está muy jodido y solo veo a gente quejarse en redes sociales, obviamente estoy generalizando mucho, sé que hay gente que se lo curra mucho y que sigue reaprendiendo y trabajándolo a diario para mejorarse y mejorar el mundo, pero también está claro que otro gran bloque de la población está ciega, y no quiere ver. A veces bastan una o dos palabras para dejar algo positivo o negativo en el mundo, o en alguien, y ya que tenemos la capacidad de elegir, ¿por qué elegir la segunda? Use the right words baby, be kind... Es fácil, pero sin embargo estamos como estamos, hacen que reine el odio en este mundo en vez del amor. Realmente lo que importa, a mi parecer, es tu manera de vivir, el día a día, como tratas

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a tu entorno, las pequeñas acciones que haces y que nadie ve pero que de verdad dejan algo bueno en el mundo. No vemos que si dejamos el odio de lado y amamos, el mundo es bello y rico.

El soul más profundo nos lo encontramos en el tema “Always want more”, a la memoria me vinieron enseguida artistas como Aretha Franklin, Nina Simone...

Cuales son los pilares de Aiala en la música.

Nazco de la música negra, del blues, el soul, el jazz, el funk.... Y evoluciono de todo lo que vino después. Desde Billie Holiday, Aretha y Nina, como decías, Stevie Wonder, Queen, Bowie, Salt’n’Pepa, The Specials, The Fugees, Amy.... Interminable la lista... Mis pilares en la música no son ciertos artistas, nazco en lo clásico y evoluciono en lo moderno, porque es lo que me rodea y en lo que me sustento.

Has vuelto a contar con Chalart 58 en este disco en la producción y como músico. ¿Qué aporta Chalart 58 a la música de Aiala?

Es el maestro, sin él no podría llevar a cabo todas las ideas, ni sonaría todo como suena, él es quien sabe qué necesitas

para que el tema suene exactamente como piensas. Con Chalart es todo muy fácil, respetamos siempre las ideas del otro y hacemos lo que sea mejor para la canción, nos gusta experimentar y probar formas nuevas de hacer las cosas, sonoridades distintas, con amor y sin prisa, y sin miedo a nada. Aporta la sabiduría y experiencia que me faltan, obviamente, le estoy muy agradecida por todo lo que aprendo de él a diario. Y mejor no nos lo podemos pasar.

“Give me” me ha traído el recuerdo de la kinky Beat, sé que es un grupo que ha estado muy presente en ti. ¿Qué significó este grupo para ti?

Mucho, eran una pasada, los directos brutales, me encanta la voz de Matah, su poderío y presencia en el escenario, cuando era pequeña y la veía en el escenario pensaba, joer, ojalá algún día pueda estar así encima de un escenario.. Y mira donde hemos llegado. Han hecho camino para todos los que venimos después, y seguramente sin La kinky hoy no estaría donde estoy.

“Love and power” es una canción de pista de baile en el que juegas con el efecto Vocoder también conocido como efecto Cher. ¿En que artista te has inspirado a la hora de hacer esta canción?

Aunque me encantan todas las divas, en este tema puedo oír sonoridades parecidas a temas más actuales y también a temas del siglo pasado, pero no me inspiré en nadie en concreto. Tenía la idea bastante clara, la maquetamos con Chalart y se la mandamos a nuestro colega Willow Vsound, con el que ya colaboré en el primer disco, para que la hiciera sonar solo como él sabe.

Hablemos un poco de la situación que está viviendo la cultura con la pandemia, la suspensión de conciertos, salas cerradas, sin festivales... ¿Cómo piensas que se ha actuado desde las instituciones?

Mal, no soy ninguna experta en el tema, pero creo que se podrían hacer bastante mejor las cosas, porque hemos tenido que aguantar ver como nos suspendían todo, a todos, nos quedamos sin curro todo el año, no solo músicos, sino toda la gente que vive de la cultura, mientras veíamos aviones, metros, iglesias o plazas de toros a reventar, pues me parece que no son formas, y menos cuando se ha demostrado que la cultura es segura.

Cómo te gustaría que fuera este 2021 Que esté lleno de bolos y arte en vivo, que nos podamos abrazar pronto, y bailar todos sin distancia otra vez. Y más conciencia para todos, que nos hace falta.

Nuestros cafés de origen provienen de pequeños productores de cultivo ecológico y residuo cero

Cafés de origen Café India

Este café de la India se caracteriza por tener un aroma que recuerda al chocolate y frutos secos.

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Un café con aroma a nueces, avellanas.. y una ligera nota a caramelo.

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SÍGUENOS EN: @nachopradamusica @nachopradaechevarrieta

NACHO PRADA Nacho Prada ha pasado por grupos como El Nido, La Noche De La Iguana… ahora tiene previsto publicar su disco en solitario el próximo 1 de marzo de este 2021. ¿Qué te ha motivado a sacar ahora tu proyecto en solitario?

El mayor impulso fue gracias a resultar ganador del concurso Demoexpress y tener la oportunidad de comenzar a lanzar un proyecto en solitario. Siempre he compuesto canciones pensando en un proyecto así, aunque quizás nunca había tenido la determinación de comenzarlo seriamente.

Al hecho del concurso se suma también el estar en una época creativa en la que tengo verdaderas ganas de dedicar energía a expresarme musicalmente.

En el 2019 ganaste el concurso Demoexpress 2019 de Valladolid cuyo premio era grabar este Ep que verá la luz próximamente. ¿Son importantes que existan estos concursos?

Son vitales. Para un proyecto musical en búsqueda de crecer el apoyo de este tipo de iniciativas aporta muchísimo. No solo en lo económico o en la visibilidad, si no también al dar importancia a las escenas de música locales y a la posibilidad e importancia de dedicarse a la música (u otro tipo de arte) como método de vida, etc.

Empezaste de muy joven en diversos coros y agrupaciones, en grupos de rock y folk. ¿Cúal es la musica que escuchas en tu

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intimidad?

Escucho música bastante variada, o al menos lo intento. Me parece super importante empaparse de diferentes sonidos, aunque siempre he tenido algunos predilectos. Tengo discos fetiche para diversos momentos vitales. Eso si, un grupo que siempre me ha acompañado, por ejemplo, Radiohead.

“Reflejos, hoy” será el titulo del disco, ¿qué hay en el de esas etapas de cuando empezaste?

Las canciones que lo forman beben de una época en la que he buceado mucho por el folclore, sin una denominación de origen fija. En este caso, eso si, suena bastante más “al otro lado del charco”, que a nuestra península, aunque siempre bajo el prisma de la canción y con un enfoque, digamos, “pop”. ¿Por qué llamar al Ep “Reflejos, hoy”?

Son pequeños reflejos de emoción/pensamiento, que surgen en el hoy. Me gusta pensarlos como cinco destellos, historias que tienen algo de nexo común, a pesar de ser singulares. Temas como la belleza o la luz recorren estas canciones y el título resonó en mi cabeza durante un tiempo. Lo vi claro. ¿Qué significa para ti la música tradicional y cuánto hay de ella en tu música?

Para mí es algo súper importante. Me crié en una familia que respiraba esa músi-

ca constantemente. Mis padres pertenecían a un grupo de folclore castellano y a parte son grandes amantes de las músicas del mundo. Crecí entre ensayos y eso se queda en la sangre. Creo que nunca se podrá ir de la música que haga, siempre me acompañará. Es un legado muy potente.

Al fin y al cabo en eso se basa la música y cultura popular, asi se transmite, de madre/ padre a hijo, y los que seguimos tenemos también nuestro pequeño deber de cuidarla.

Te has formado como psicólogo y musicoterapeuta… estas facetas tambien tienen cabida en tu música.

Por supuesto, para mí es una parte muy importante de mi vida, y que me inspira mucho.

Encontré en la musicoterapia una profesión y una labor que me enamora día a día, y a través de ella trabajo. También es una visión, en muchos casos. Me parece crucial buscar fuentes de inspiración hoy en día.

En concreto hay una canción del disco que está inspirada en la labor que he desarrollado durante un tiempo como musicoterapeuta. Esa canción habla de una despedida. ¿Qué te gusta contar en tus letras?

Me gusta jugar, aunque siempre suelen tener un prisma bastante personal. He tenido épocas más sombrías, y en este momento encuentro más luz. Siempre tiene que ver con momentos vitales. En este caso mi trabajo actual me ha aportado mucho, yo creo. Últimamente encuentro inspiración en las cosas sencillas y cotidianas, me atraen los caminos vitales, las reflexiones y la vida tradicional. Me gusta que las canciones sean un lugar dónde pararme a pensar y dejarme llevar.

He podido ver en youtube un concierto que ofreciste en El Auditorio Del Espacio Joven Sur de Valladolid en formación de trío dos violines y tu con la guitarra. ¿Es el formato habitual con el que realizas tus conciertos o depende del lugar?

Los últimos conciertos los he dado con esa formación y he disfrutado muchísimo.

Me parece que aporta una belleza increíble y que es algo muy puro y sincero. Además María y Galen son unas personas con un talento inmenso y es una maravilla poder tenerles tan cerca.

Ahora estoy trabajando para presentar las canciones en concierto en formato banda, con batería étnica, bajo, y algún elemento más. Pero, sinceramente, los dos formatos me enamoran, y me encantaría poder compaginarlos. Se entienden muy bien, uno es más movido y el otro más íntimo.

FOTO: David Izquierdo

SÖLAR Tras la tormenta llega la calma, pero no hay calma cuando la tormenta es Sölar porque, para ellos, el rock no es una etiqueta ni unos parámetros fijos, sino la evolución de los sonidos más contundentes y las melodías más cuidadas dentro de un rock al que ellos no ponen límites. En el último año el grupo ha experimentado cambios cruciales para el enfoque que van a darle a su música a partir de ahora. Por un lado, el cambio de formación, que cuenta en la actualidad con músicos tan versátiles y potentes como Ale Manca (batería), Víctor Alonso (guitarra) y Javier Condito (bajo). A la voz permanece el fundador de la banda, compositor también de todos los temas de este disco y los anteriores, Pepe Travé. Una voz con gran personalidad que hace inconfundible el sonido Sölar.

Por otro lado, el cambio al castellano, que ha propiciado la posibilidad de abrirse a otros mercados, les está reportando muy buenas críticas y la seguridad de estar trabajando en la línea adecuada. El grupo, con una indiscutible proyección, comenzó 2019 su gira “Más allá de la forma” en la que han compartido cartel con grupos de la talla de Narco, Reincidentes, Los Zigarros, Sexy Zebras y Hamlet en el Al Alma Festival.

En este momento, Sölar están a punto de presentar su 5º trabajo “ROMPIENDO ESQUEMAS”, que estará disponible en febrero de 2021 editado por Clifford Records. Un trabajo que dará continuidad a la línea que supuso la publicación de “Hiperactivo”, que se publicó en formato videosingle grabado por Óscar Parada.

Poco después la banda adelantó “No tienes nada que hacer”, grabado en El Castillo Alemán por Carlos Hernández Nombela. Este tema ha supuesto el cambio definitivo en el sonido y la forma de entender la música de Sölar. Durante el verano de 2020 la banda ha vuelto a ponerse en manos de Carlos Hernández para completar la grabación de su último LP, del que acaban de adelantar “Déjate llevar” y harán lo propio con otro más antes de su lanzamiento definitivo. Ahora sí, la banda está a punto de romper todos los esquemas. @solarrock

@SolarRockOfficial

FERNANDO GIRON En mi caso me gusta más utilizar el concepto de paseo musical, en vez de carrera. Nunca he sentido que haya desarrollado una carrera, ya que eso mismo me condiciona en un camino. Toco la guitarra hasta el día que quiera dejar de hacerlo, por eso el concepto paseo, lo encuentro más apropiado a mi experiencia. Estudié en el Conservatorio de Arganda del Rey, con Manolo Mené principalmente. Posteriormente añadí los estudios en la Escuela de Música Creativa, donde conocí a Jaime Iglesias, que hoy en día sigue siendo una brújula para mi. Más adelante acabé en Berklee de Boston y en el Musician Institute de Los Ángeles donde recibí clases de grandes músicos, y fuera de la escuela estudié con otro tanto: Jeff Kollman, Aswani, Greg Howe, Fuze, Sid Jacobs, Dave Hill, etc.

Cuando interpreto con la guitarra intento olvidar que es una guitarra lo que tengo en mis manos, y pensar que es mi voz, o la trompeta de Chet Baker. He tocado y toco en giras, en el estudio, en presentaciones, en promociones, en conciertos sueltos, en sustituciones, en demos y donde mi criterio ha decidido aceptar. Todo ello para una lista puntiaguda de artistas.

Y existencial, donde mi desarrollo como músico hace las veces de compositor, arreglista e instrumentista. En este terreno me siento en un compromiso conmigo mismo y mi relación con la música. Decir que estoy terminando la grabación de mi primer disco “The ÜberMessenger”(Fernando Girón), un disco para todos y para nadie. Donde aparte de incluir las canciones que lo conforman, se encuentra cubierto por textos: cuentos, poesías, relatos, etc, que he ido haciendo durante todo este tiempo. También hay ilustraciones, fotografías, etc. @fgiron

@fernando_giron_k

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Con tan solo nueve años Arcadio Falcón cogió su primera guitarra y a los trece años compuso su primera canción. ¿Qué canción escuchaste u oiste para decidir querer dedicarte a la música?

Una que marcó un antes y un después fue “Sultans of Swing”, de Dire Straits. ¿Qué viste en Dylan, Whitman, Clapton, Aute…? ¿Para que sean tus músicos de cabecera?

Que la música podía ser algo más que una canción o una melodía, que se podían contar cosas a través de ella. Siempre he sido curioso en general, desde los artistas que mencionas a tácticas de guerra Napoleónicas… Me gusta aprender sobre el mundo y su historia y cuando me di cuenta de que podía canalizar esas inquietudes en canciones, me cambió la vida.

En 2015 formas el grupo Falcon´s Bandits, con los que grabas un Ep homónimo en Estados Unidos que os abre las puertas de lugares míticos en Boston como son el Hard Rock Café, Cantab Lounge, Midway Café y el Club Bohemia… ¿Qué supuso para ti actuar en estos lugares de culto?

Una experiencia maravillosa en la que empecé a ver todo el trabajo que hay detrás de una banda de éxito. Haber pisado los escenarios en los que cantaba Joan Baez hace 50 años siempre sera un bonito recuerdo de esa época.

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Regresas a España. ¿Qué te motivó el volver a España?

Poder trabajar en mis canciones, como yo quería y con la visión más clara que cuando me fui.

Recientemente salió publicado tu disco “Millennials, tiranos and other stories” un segundo álbum de american folk, soft rock y melodías singer-songwriter cantadas en inglés, español y gallego. El título del disco viene por lo que se cuenta en las letras. ¿Piensas que la música debe contar los acontecimientos sociales que nos tocan vivir?

Sí, es lo que te decía antes. La música tiene un poder casi místico que, aunque aún no lo entiendo al 100%, sé que está. Desde pequeño tengo grabadas las últimas palabras que le dice Tío Ben a Peter Parker en la primera película de Spiderman: “Un gran poder conlleva una gran responsabilidad” Por ejemplo el tema “Tommy the killer” habla de un tiroteo en un centro educativo en Estados Unidos. ¿Cómo viviste ese episodio?

De forma fría, que es lo peor. En 5 años allí se produjeron muchos tiroteos similares y este dio la sensación de ser “uno más”.

Por eso me lancé a escribir la canción, para intentar entender.

En la actualidad nos venden que todo tiene que estar muy sectorizado, dirigido a un público que le gusta una determinada etiqueta musical. Pero tu disco tiene muchas influencias de distintos géneros. ¿Qué opinión tienes de las etiquetas musicales?

Creo que las etiquetas están genial para los críticos y las tiendas de discos; para nadie más.

En este disco te has rodeado de músicos como Álvaro Lamas (Los Secretos, Antonio Vega…), Track Dogs, Valentín Iturat (Patax, Afrodisian Orchestra, Orquesta Nacional de Jazz…), Watch Out, Guadi Galego (Berrogüetto…), Juan Antonio Simarro, Ramiro Marziani… ¿Cómo se han ido uniendo a este disco?

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He tenido la suerte de rodearme de artistas increíblemente talentosos y que han creído en el proyecto. Todos recibieron la propuesta con entusiasmo y el disco, sin duda, suena mejor gracias a ellos.

El disco lo presentasteis el pasado mes de diciembre en la sala Rockville de Madrid y agotaste las entradas. ¿Cómo os sentisteis encima del escenario con el público sentado, con mascarillas…?

Raro, para qué mentirte. En algunos momentos no sabes si el público está disfrutando o preparándose para salir corriendo (risas)… Pero no, la verdad es que fue una noche fantástica y lo pasamos todos muy bien. ¿Cómo ha afectado esta pandemia en tus proyectos? ¿Cómo crees que está siendo tratada la cultura desde las instituciones?

He tenido que parar cosas, sí, pero un poco como todos. Las instituciones (todas) están en un momento de credibilidad bastante bajo, lo cual es lógico, pero no creo que estén tratando a la Cultura peor que al resto. Están desbordadas, el sistema es ineficaz y corrupto, y el país está casi en quiebra.

Qué proyectos tienes para este 2021 Pues ya estoy inmerso en la grabación del próximo trabajo, un EP de versiones de Dylan, con el que espero seguir creciendo y llegando a cada vez más personas.

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MARIO SAN ROMÁN Mario San Roman presentó “Memorias” en la sala Moby Dick y pudimos disfrutar de una buena banda de pop rock, de las mejores que hayamos visto en los últimos años. La canción que da título al disco fue la canción más votada del verano pasado en LH Magazin, más de 150.000 votos, convirtiéndose en canción del verano. Sé que “Memorias” nació para darte alas para crear tu disco. ¿Te ha sorprendido la gran aceptación que ha tenido esta canción?

La verdad , que si que me sorprendió pero la vida está llena de sorpresas y esta es una de ellas (risas).

“Roto” es el nuevo single del cual se ha rodado un videoclip en el que colabora la actriz Adriana Abenia. ¿Qué tiene “Roto” de especial para ser single?

Roto es una balada , que creo que está muy conseguida , tiene lo que tienen las canciones que te llegan , es una canción de desamor que cala en lo más profundo . Ádemás de músico, eres director de cine ¿qué te apasiona del séptimo arte? ¿Qué viste en Adriana para ser seleccionada para el videoclip de “Roto”?

Además de su belleza, la seguí por las redes y es una mujer muy viva , muy risueña y me encantó, y fue mejor incluso de lo que pensé.

Recientemente tu corto “Nunca es tarde” fue seleccionado para la II Edición de Memorables Film Festival. Has conseguido los premios Mejor guión, Mejor banda sonora y Mejor actriz

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secundaria. ¿Qué han supuesto para ti estos premios?

Pues continuar, más fuerza para rodar y pensar que fue mi primer corto y eso me motiva, esos premios me hacen reflexionar y exigirme más aún.

Hablando de cine, ¿tienes algún género en particular que te guste más que otro?

Género, cualquier cosa que te atrape, me es indiferente. ¿Y alguna película favorita?

Mi pelicula favorita es dificil de contestar pero El Cazador me encantó, me parecieron tres historias en una pelicula de guerra que no se ve la guerra pero que dice mucho sobre la amistad, el amor, el odio. ¿Cuáles son tus sueños en ese mundo de lo audiovisual?

Rodar un largo En la música eres un apasionado de los Beatles. ¿Dónde surge esa pasión por The Beatles?

Desde niño me encantaban sin saber ni quienes eran, pero lo escuchaba y me agradaba muchísimo.

Arrancaba la entrevista hablando de esa maravillosa presentación en la sala Moby Dick. ¿Qué recuerdos tienes de ese día?

Buff entre la pandemia, el que hacía mucho que no tocaba en directo, para mí el principio de algo importante.

Habéis dado un par de conciertos más en centros culturales, y en Morata de

Tajuña. ¿Cómo os sentisteis tocando en casa, en Morata de Tajuña?

Bien, (risas) Morata es donde vivo hace mas de 7 años y la verdad que me conoce todo el mundo, estuvo genial.

He podido leer en tu facebook que se vienen cosas muy importantes encima.

Ya nos puedes adelantar algo.

Sí, pues mira te lo cuento a ti en primicia, estoy preparando un concierto en el teatro Coliseum de MADRID Gran via, ni mas ni menos, promocionado todo por mi, donde habra colaboradores muy importantes. Ya te contaré mas (risas) ¿Qué proyectos tienes pensado para este 2021?

Pues cine, voy hacer un documental , el concierto del 25 de Marzo y empezar a girar si el virus, la nieve, y no sé que nos deja.

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MABEL FLORES @mabel.flores.music

A muchos os sonara el nombre Mabel Flores asociado al grupo La Flor del Otro. Ella publico su disco de forma auto-editada en el 2018 se llamaba “Entre mujeres”, un disco grabado en casa. Ahora nos presenta su primer disco de estudio profesional “Meraki” palabra de origen griego que significa poner el alma y el corazón en las cosas que una hace. ¿Cuál es la diferencia de grabar un disco en casa a un estudio profesional?

La diferencia es abismal, en todos los sentidos. A parte de la calidad del material con el que se registra cada instrumento, que se aprecia en el resultado final y pone la tecnología al uso de la música, sin duda me quedo con haber trabajado con un productor musical y artístico. En este disco buscaba acercarme al máximo a un resultado impecable y empezar a enfocarme profesionalmente en el sector musical, porque “Entre mujeres” nació sin demasiadas pretensiones. En aquel entonces aún me dedicaba a la Educación Social y compaginaba “mi trabajo” con la música (que era

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más un hobby que otra cosa). No me planteé dedicarme exclusivamente a ello hasta 2019, momento en que me di cuenta que la música me estaba ofreciendo una estabilidad económica y disfrutaba mucho más dedicándole tiempo a la canción que no a mi trabajo estándar. Con este disco, “Meraki”, sí que ha habido una intencionalidad y por eso quería poner todo mi imaginario en manos de profesionales que lo hicieran brillar al máximo.

Es cierto, eso que cuentas en tu canción “Canciones en pijama”, que a los veinte años te diste cuenta que había que romper con lo establecido. ¿Cuál fue la gota que colmó el vaso?

Bueno, más que que había que romper con lo establecido, que era momento de hacer mi propio camino. Supongo que a todas nos pasa que llega un momento en que hay un llamamiento interno que te empuja a saltar del nido materno/paterno, a construirte el tuyo propio con tus normas

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y tus reglas, a desarrollar tu propia vida.

Siempre he sido una persona bastante inconformista y más aún cuando se trata de seguir las normas de un juego que para mi no tiene una base en la que creo profundamente. Ese fragmento de “Canciones en pijama” habla precisamente de eso, de saltar y echar a volar, descubrir mundo y establecer tu verdad.

En que momento Mabel Flores empieza a soñar con ser una artista.

No existe un momento exacto en el que digo “Mira, me apetece ser cantante”.

Considero que ser artista va más allá de querer serlo. Para mi toda persona que crea y utiliza el arte a un nivel estético o comunicativo es artista, no lo encasillaría en lo que conocemos tradicionalmente como bellas artes solamente, hay muchas formas de hacer arte y escribir, para mi, es una de ellas. A mi desde pequeñita me ha gustado mucho escribir, enredarme en las palabras e inventar historias y encontré en la escritura una vía de escape, un entender el mundo y dejar mi huella en él. Mis diarios eran una especie de legado hacia mí misma, me permitían volver a un tiempo atrás y entender qué pasaba en aquel momento.

Y un buen día, a los 20, llegó mi primera guitarra y empecé intentar rimar todo lo que escribía y a tocar rondas de acordes encima de aquellas letras. Poco a poco, de forma natural fueron naciendo las primeras canciones, que nunca compartí con nadie, pero a mi me hacían tanto bien.. Hasta que un día llegué a Terrassa, conocí un grupo de amigos que tenía una banda y me animaron a montar La Flor del Otro, que fue mi primer grupo, en el que me encargaba de crear las canciones a guitarra y voz y ellos las arreglaban. Creo que soñar con ser artista puede ser muy frustrante depende como te lo plantees, porque vivir del arte...ay...qué difícil es.

Este disco bebe de muchas influencias como la rumba, el calypso, el merengue, la cumbia y el corrido, la electrónica… ¿Que música escucha Mabel en su intimidad?

Mabel está abierta a escuchar de todo y más (risas). No le hago ascos a nada y me encanta descubrir artistas que desconozco, embriagarme de nuevos estilos y músicas populares.

Lo cierto es que me gustan muchísimo estilos de música y creo que por eso la mía es tan heterogénea, no me sentiría cómoda haciendo lo mismo siempre. Así que en mi intimidad escucho lo que me apetece en base a como me siento, desde indie-pop, a música folclórica, pasando por trap y reggaeton, de verdad que amo descubrir música, así en general. Si que es cierto que tengo grandes referentes de la música de autor como Rozalén, El Kanka, Muerdo, Pedro Pastor, Sofía Viola, etc. a quienes admiro profundamente y bebo sobretodo de toda esta ola, porque para mi por encima de la música (sea del estilo que sea), van los mensajes. El año pasado salio la canción “Vamos a volar” de la cual se rodó un videoclip en el que podemos ver a unos peques viviendo una aventura. ¿Cual ha sido la mayor aventura de Mabel Flores?

Sin duda ésta. La música. Ha sido la apuesta de mi vida. En general creo que todas las personas que nos dedicamos al mundo del espectáculo hacemos grandes renuncias a lo largo de nuestra vida, dejamos de asistir a eventos sociales, a reuniones con amistades y familia, a rechazar invitaciones a celebraciones varias...Nos emociona emocionar al resto, nos entregamos a ello en cuerpo y alma...y a mi al menos me hace sentir viva, viva de verdad, no puedo compararlo con nada más. Es un viaje único. Y tampoco puedo

imaginarme sin hacer esto que vengo haciendo hace años. El Covid lo ha frenado todo y es un poco desesperante convivir con la incerteza de no saber qué pasará, pero intento ilusionarme cada día y proyectar que podremos volver a los escenarios, que nuestro público nos está esperando y tiene tantas ganas como nosotras de volvernos a cantar a la cara, sin pantallas de por medio.

El disco nace con un crowdfunding en plena pandemia ¿Cómo viviste esos días?

Pues fue muy duro, supongo que cada una ha vivido su proceso pero lo cierto es que se cancelaron todos los conciertos, y con ello la fuente de ingresos que tenía que costear el disco. Hubo un punto en que me dije “Si no cuento con mi público, esta apuesta es un disparate”. Y me lancé.

Pedí la mitad de lo tenía previsto gastar y aun así me parecía demasiado, pensé que no llegaría...La falta de experiencia en campañas de crowdfunding me hizo dudar muchísimo. Pero monté una buena estrategia de comunicación, unos videos caseros muy apañaos desde casa y todo salió genial.

Acabamos recaudando más de lo que pedimos y haciendo el proceso muy colectivo, fue precioso porque el disco ya no solo era esperado por mi, sino que habían 300 y pico personas más que desde el instante en que se hicieron mecenas estuvieron pendientes de que todo saliera bien. Fue un

gran apoyo.

La cultura no está viviendo sus mejores momentos debido al COVID19, suspensión de conciertos, de festivales, salas de conciertos cerradas... Nos gustaría saber qué opinas sobre cómo lo están haciendo las instituciones.

Creo que se ha criminalizado mucho a un sector muy desgastado y precario. El sector artístico y del espectáculo hace años que venimos pidiendo a gritos una regularización de nuestras actividades, un convenio adaptado, unas obligaciones para quien nos contrata y un cumplimiento de todos estos “pactos”. Ya veníamos sobreviviendo como podíamos, adaptándonos a una situación de vivir con mínimos, porque en muchas ocasiones tampoco necesitábamos más. Pero para crear hacen falta recursos económicos y para poner un plato en la mesa también. Creo que las ayudas han sido escasas, que las salas de conciertos están asfixiadas, que las bandas y el equipo que nos rodea (técnicxs, roads, fotógrafxs, videógrafos, promotores, mánagers, etc.) estamos viviendo una situación límite, que muchas vamos a caer en el camino si no revertimos la situación, que se ha demostrado por activa y por pasiva que no somos focos de contagio. La programación cultural puede continuar sin poner en riesgo a nadie, pero necesitamos ayuda. Creo que la mala gestión es es un reflejo. Y un pueblo sin cultura, es un pueblo muerto.

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LA CASA DE EDDIE ¿Qué fue primero músico o locutor de radio?

Lo primero fue querer ser músico, empecé con una banda de rock formada por amigos, se llamaba La Vidurra, y después me pase al Heavy Metal con otra banda que se llamaba Darshan, en estas dos bandas cantaba (un caradura) (risas), esa fué mi experiencia como músico, luego me pasé a la parte técnica, y estudié técnico en sonido y grabación, trabajando en salas de conciertos, todo esto en Argentina, La radio en mi vida apareció en España. ¿Dónde comienza tu pasión por la radio?

Fue de casualidad, me invitaron una noche a manejar una mesa de sonido en un programa de radio, en radio Vallekas, al final me terminé quedando con ellos uno par de meses, hasta que me di cuenta que me gustaba más estar hablando al micrófono que estar en la pecera. ¿Qué significa para ti una banda como Iron Maiden?

Para mí es el comienzo de mi vida musical, soy de escuchar música de diferentes estilos, pero Maiden es la piedra fundamental, ahí comenzo todo, hasta hoy, bueno… supongo que en el futuro también lo será., cuando en 1984 salió Powerslave, que fue mi primer casette que me compré, y para rematar salió Live After Death en 1985, tenía 14/15 años, edad suficiente donde uno decide estilo de música y club de fútbol que lo acompañará toda la vida.

Que el programa se llame La Casa de Eddie, para los que no lo saben es un humilde homenaje que doy a la mascota de Iron Maiden. ¿Cómo y cuándo surge la idea de crear La Casa de Eddie?

Surge donde se crean las grandes ideas…

En un bar, escribí un correo a Radio Vallekas, y a los pocos días me contestan y me dicen que sí, pues ahí me dije, ¿y ahora qué hago? yo solo ni loco lo hago, pues me subí al bar en Villalba, me encontré con Paco, y al tercer ron le dije, Paco tengo la posibilidad de hacer un programa de radio y yo solo no me animo, ¿lo hacemos juntos?, me dijo que le encantaría hacerlo, pedimos otro ron y brindamos (risas). Ahí Paco y yo creamos La Casa de Eddie hace 13 años atrás, luego a Paco se le complicaba venir al programa, y entro Juan Carlos hace año y pico, y seguimos adelante con el proyecto.

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¿Qué es lo que buscáis en cada programa de La Casa de Eddie?

Como decimos siempre en las entrevistas, “el salón” de la casa de eddie, un sitio donde un grupo de gente charla, nos gusta que la gente que nos escucha conozca al músico, no a su música, que la tiene en un CD y listo, y creo que el músico lo entiende y lo agradece.

Durante todos estos años han pasado muchísimos artistas por vuestros micrófonos… imagino que habéis vivido buenos momentos. ¿Con qué momento te quedas de estas entrevistas?

Grandísimos momentos, tu piensa que, tantos años y haciendo entrevistas casi todos los lunes pasaron un montón de bandas, pero diré tres. La primera tener a los Hermanos Castro (Baron Rojo) sentados delante mío, eran en mi juventud los primeros Heavy metal en español que escuchaba. La segunda, hacer un concierto de Las Madres en la radio, con público tomando unas cervezas y comiendo pincho de tortilla, hasta que vino la policia a pararnos. Y la tercera esta es para Paco, por la emoción que tenía, el día que vino por primera vez Antonio Bartrina (Malevaje). ¿Cuál es la línea musical de La Casa de Eddie?

Me gustaría saberlo

¿Hay algún estilo de música que jamás sonará en el programa?

La música clásica, reggaeton...

Cómo ves actualmente el panorama musical ¿Sorprende su calidad?

Es alucinante el nivel que hay de bandas no conocidas o empezando a serlo, de verdad, les recomiendo a la gente que vayan a esas salas pequeñas para ver lo que hay, se van a sorprender.

Son muchas las bandas que se ponen en contacto con vuestro programa para mandaros su material. Con tanto material recibido ¿os resulta difícil preparar la escaleta del programa?

Después de tantos años es mucho más fácil, al principio contactábamos con las bandas y lo seguimos haciendo, pero ya hay mucho management que nos envía la info.

La Casa de Eddie se emitía en Radio Vallekas, actualmente se realiza y se emite en LH Magazin Radio ¿Cómo os encontráis con este cambio?

Tenía ganas hace tiempo de cambiar, muchos años en Radio Vallekas a la cual estaré eternamente agradecido por el trato que siempre me han dado, y el cambio a LH Magazin nos da la motivación para seguir haciendo radio durante 12 años más, luego ya cambiaremos.

SARAJEVO 84 Banda granadina de rock alternativo fresco y potente, con letras en inglés, están influenciados, entre otros, por el stoner, garaje-rock o powerpop. El cuarteto lo forman Miguel García (batería), Débora G. Izquierdo “PenélopeLaMala” (bajo y coros), Óscar “Nienor” (guitarra principal) y Andrés Martínez (voz principal y guitarra rítmica).

En 2019 llevan a cabo la gira Carry On, exprimiendo al máximo su segundo EP. En directo, proyectan toda la potencia de sus temas a un público que conecta enseguida. Salas como Milwaukee, Revólver, Siroco, Prince o Fun House, han recibo su música, compartiendo cartel con artistas como El Canijo de Jerez, Derby Motoreta’s Burrito Kachimba o Sexy Zebras.

Además se proclaman vencedores del concurso de bandas del EDP RnR Madrid Maratón de 2019, ganando la final con un concierto en la sala Joy Slava y actuando en Liverpool durante dos días como premio.

Ahora lanzan Arctic Fire, cara B virtual del existoso Lost In Translation, con el que amplían su sonido a nuevos horizontes que no temen explorar. Producido por Harry Up! y grabado en La Casa Estudio durante el mes de Febrero de 2020.

@Sarajevo84band

@sarajevo84band

KAKOFONÍAS Banda Canaria de estilo propio que lleva más de 15 años en la brecha musical, donde su originales canciones han hecho posible que goce de una gran popularidad en las Islas Canarias.

Fusionan diferentes estilos para modelar temas que se entremezclan con el rock, reaggae, ska, bossa, latin, pop, etc y esto les convierte en una formación tan original como mestiza.

Kakofonías es sinónimo de canciones que logran sorprender allá donde va, tanto por sus creativas melodías como por sus ocurrentes letras originales adornadas con unos excelentes arreglos musicales que culminan en una puesta en escena, que siempre consigue que el público acabe coreando sus temas.

@Grupo-Kakofonias-101692252005641

@kakofonias

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www.kakofonias.com

Travesia Poeta Blas de Otero 5 28017 MADRID 91 355 65 75 / 687 93 73 43 lhmagazin.com

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ALJIBES SÍGUENOS EN: @AljibesOficial @_aljibes_

Rubén Castillo y Alberto Gutierrez fundan Aljibes en el 2008. Después de recorrer muchas juergas privadas, pubs, discotecas, eventos… deciden en el 2018 sacar su primer disco “Entre amigos” con el cual recorren el país e incluso su single “Aquí estoy yo” consigue entrar en listas de éxito de varias radios. Ahora nos presentan nuevo disco “De Toledo pa`la Habana” para el cual se han rodeado de grandes músicos tanto para el disco como para sus directos.

El disco estaba previsto que se publicará en junio del 2020, pero debido al COVID 19 se retrasó su publicación. ¿Cómo ha afectado a Aljibes esta pandemia?

Imaginamos que como a todos los compañeros del sector, conciertos aplazados, promociones anuladas, presentación de disco anulada... Un verdadero desastre, que poco a poco vamos solucionando de nuevo.

Para este disco os habéis rodeado de grandes músicos como Alain Perez, Diego Magallanes, Frank Mayea, Daniel Morales, Carlitos de Jerez… entre otros. ¿Qué ha supuesto para vosotros trabajar con estos músicos?

Para nosotros un verdadero Honor principalmente estar rodeado de músicos de estos niveles, y también una gran responsabilidad para nosotros, si el nivel sube la responsabilidad y “presión” también.

En este nuevo disco se mira mucho a Cuba, a los ritmos latinos. Un disco que fusiona el flamenco con esos ritmos. ¿que significa para vosotros la música cubana?

Para nosotros la música latina siempre ha ido presente, pero en este disco “DE TOLEDO PA´LA HABANA” Queríamos plasmarlo juntando toda la musicalidad, armonía e incluso coros latinos, a las voces flamencas que nosotros añadimos, para crear una fusión flamenco-latina la cual, queremos dedicar a todas las víctimas de esta tragedia que estamos viviendo todo el planeta. ¿Pensáis que la riqueza de la música actual

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está en la fusión?

No, para nada!!!, hay muchos compañeros que hacen su disco sin ningún tipo de fusión y les queda fenomenal también, lo de aljibes en este nuevo disco es simplemente una apuesta a nuestro criterio.

Como adelanto del disco salió un tema del se realizó un videoclip que he visto en vuestras redes sociales “Con la mano levanta” un tema de Macaco. ¿Por qué incluir esta versión en vuestro disco?

Principalmente, le propusimos la idea al gran “DANI MACACO”. Él nos dio luz verde al ver como iba quedando el tema, y de hacerlo simplemente fue, porque en los directos es un tema que nos encanta hacer, la gente disfruta y decidimos meterlo en este nuevo disco.

También se ha adelantado del disco “Agujitas del reloj” que cuenta con la colaboración de Capullo de Jerez. ¿Qué significa para vosotros este artista? ¿Cómo surge esta colaboración?

Miguel ( capullo de Jerez ), desde pequeños para nosotros ha sido uno de nuestros referentes, nosotros ante todo somos flamencos, y es un honor el tenerlo colaborando en este nuevo disco, aparte será algo que jamás olvidaremos. La colaboración surge a través de una conversación con su hijo (representante actual de Miguel ), en la cual le propusimos la idea, y la cual aceptaron con mucho gusto. ¿Nos podéis desvelar si habrá más colabo-

raciones en el disco? ¿cuándo está prevista su salida?

No, este disco queremos que vaya marcado con el sello principal de “AGUJITAS DEL RELOJ” y el nombre de CAPULLO DE JEREZ, simplemente por respeto hacia él, en este disco solo estará presente su colaboración, como salida del disco, tenemos previsto si todo va bien debido a la pandemia el poder presentarlo en un teatro de Madrid, para el próximo mes de Mayo, pero no queremos adelantar acontecimientos ya que no está la cosa para ello (risas)...

Ha llovido mucho desde que empezasteis a dar vuestros primeros conciertos en fiestas. Mirando al pasado ¿Cómo veis este viaje?

Un viaje, muy bonito porque vives muchas cosas tanto buenas como malas, pero si te das cuenta mirando atrás, de todo lo logrado ¿no?, y sobre todo nos sorprendemos de lo que te puede cambiar la vida en tan sólo 1 año.

Hace ya un tiempecito de que no habéis podido dar un concierto en directo. La música se crea para mostrarla al público. ¿Cómo lleváis esto de no poder dar conciertos?

La verdad, que muy mal, un artista trabaja por y para la gente, entonces el no poder mostrar mediante los conciertos los trabajos realizados, es algo que molesta y mucho, pero también a la vez, somos comprensibles dentro de lo que cabe, y entendemos que en todos los sectores a mayor o peor medida los afecta, entonces no nos queda otra que seguir esperando el momento de poder de nuevo disfrutar.

DESHONRA “Vomitando fuego” es vuestro primer disco, pero no sois precisamente una banda de músicos que empiezan de cero ahora.

Ya tenéis una trayectoria como músicos, habéis pasado por otras bandas en León. ¿Cuáles son esas bandas?

Así es, las trayectorias de todos los integrantes han sido muy variadas y no solo en la provincia de León. A modo de ejemplo resumimos algunas: Peel en The Endrogaos y DxPxA en Malaga, Going full Monkey en Madrid y Rebel Riot en Leon. Javi en Koke y Rayadura entre otros en León. Oscar, Toro y Viti en Standby en León Diez canciones son las que componen este disco que viaja a través del punk y el rock.

Un estilo que habéis llamado “Rock Bastardo”. ¿Por qué elegir esta etiqueta para definir vuestra música?

Precisamente por esa mezcla de estilos e influencias que hemos tenido a lo largo de nuestras carreras, no queremos encasillarnos en ninguno concreto, y dado que consideramos que hemos conseguido hacer algo distinto quisimos definir un estilo propio para la banda.

Cuál es vuestra playlist para pasar el rato en la furgo mientras vais de viaje a un bolo.

La playlist que tenemos colgada en nuestro perfil de Spotify (risas). Cuando nos dejen hacer nuestro primer bolo volvemos a hablar.

Cuando uno monta un nuevo proyecto como es Deshonra y en vuestro caso, que habeis pasado por otras bandas, ¿Qué es lo que busca en esta nueva etapa?

En primer lugar, a estas alturas es

primordial para nosotros la sinergia entre los componentes y poder disfrutar de la complicidad que te proporciona una pasión compartida. La unión y la conexión hace que todo lo demás fluya.

Si dentro de la música no se estaban viviendo buenos momentos, con la pandemia han ido a peor. ¿Cómo decidís dar el paso de sacar el disco en plena pandemia?

La verdad es que nos pilló de lleno en plena grabación, dado que empezamos en enero y terminamos de grabarlo en marzo.

Después de pensarlo durante un tiempo, decidimos que debíamos ser sinceros con nosotros mismos y nuestros seguidores quienes insistían en tener nuestro material cuanto antes. Por otra parte, nos crecemos ante la adversidad y este reto suponía un órdago al destino. ¿Dónde grabasteis el disco y con cuánto tiempo habéis contado para grabarlo?

El disco fue grabado en los estudios Music Center de León. En este aspecto Ángel y cía nos dieron todas las facilidades del mundo, sin prisas y permitiendo todas las posibilidades a la hora de grabar y producir con calma y buen hacer. ¿Con qué soñáis con este disco “Vomitando fuego”?

Nuestro mayor sueño en estos momentos es que mantengamos la ilusión del primer día por muchos años más y que quede en la memoria el recuerdo y la esencia de lo que vivimos mientras lo grabábamos.

Me gustaría preguntaros por la canción “Solo queda el sitio”, un tema que habla de las personas que nos dejan un hueco im-

portante cuando se marchan de esta tierra. ¿Está compuesta para alguien en especial?

En efecto, esa es la misión de esta canción, que cada persona la haga un poco suya y recuerde con cariño a sus seres queridos Y va dedicada a nuestro Primo Jony que sale en la canción, que se fue demasiado pronto, como todas las personas que queremos, verdad?

Seguimos con más canciones “Cotillas deluxe”. Cómo nos gusta criticar al de al lado sin conocerlo de nada. ¿Da más alas a esto internet y el anonimato?

Sin duda, el auge de la crítica desde el anonimato ha llegado a cotas desproporcionadas y fuera de toda lógica gracias a las redes sociales y nuevas tecnologías. En estos tiempos todos somos expertos de nada y mediocres en todo.

Para terminar hablemos de vuestro himno “Deshonra” del cual sale el título del disco. ¿Es encima de un escenario donde más disfruta Deshonra?

Por desgracia es algo que aún no hemos podido demostrar ni saborear debido a las circunstancias actuales, no obstante prometemos que así será y seguiremos trabajando para dar lo mejor de nosotros en los directos que vendrán. Tendréis que comprobarlo.

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“27” es el nuevo trabajo de Lecter Bukosky, un disco que rinde homenaje a los poetas españoles de la Generación del 27 del siglo XX. ¿Cómo surge la idea de hacer este homenaje a esta generación de grandes poetas?

Hacemos “killer poesía”, y la generación más killer es sin duda la del 27; también es la que nos brindó uno de los niveles más altos poéticamente hablando, fue la Edad de Plata de nuestros versos... Y además, era lógico, nosotros en el disco del 2015 ‘Regresamos al lugar de los asesinatos’ ya hicimos un texto de Gòngora y la Generación del 27 nació en el aniversario de la muerte de Góngora, realizado en la Universidad de Sevilla. ¿Crees que tendría hueco esta generación de poetas en nuestros días?

El talento siempre encuentra resquicios, no tengo la menor duda. Además, en estos tiempos tibios donde la gente se ofende por cualquier cosa serían, o mejor dicho son, más necesarios que nunca los creadores con espíritu crítico y combativo. ¿Cómo sería esa Generación del 27 en estos días?

La mitad estarían haciendo rock al igual que muchos de nosotros y la otra mitad experimentando con el trap, pero todos, sin excepción, estarían llevando a cabo una revolución. Los cimientos intelectuales, el dogma que llevaría a los demás hombres y mujeres a actuar en consecuencia.

Federico García Lorca, Dámaso Alonso, Rafael Alberti, Juan José Domechina, Jorge Guillén, Miguel Hernández… Imagino que elegir de todos ellos 10 ha tenido que ser tarea difícil. ¿Cómo se ha realizado la selección del poema?

Por afinidad en la temática,

teniendo siempre en cuenta el ritmo y la musicalidad de los mismos, siempre respetando el texto original al máximo, pero siendo sabedores que el desafío era contextualizar los temas con la sonoridad del 2021. La verdad es que hemos disfrutado mucho y hemos llevado nuestra propuesta en la experimentación a otro nivel.

Lo habitual es publicar un disco, un single, después un videoclip, ponerlo en circulación o a la inversa… pero en Lecter Bukosky esto no sirve, siempre sus lanzamientos están rodeados de un toque de originalidad y este “27” no iba a ser distinto. Solo se publicarán 27 discos con diez canciones y cada uno tendrá un coste de 127€. Ahora que la música se regala en plataformas digitales ¿hay público que pague 127€ por un disco?

Para lo bueno siempre hay espacio, nosotros ya hemos vendido más de la mitad de los ejemplares. Pero uno de los grandes problemas de la cultura musical en España es ese precisamente; se regala. Si se regala por lo tanto no vale nada. Si no vale nada es malo. Si es malo no lo quiero. Tenemos que respetar nuestro trabajo, y lo primero es obvio, hacer un buen trabajo, original, diferente y de calidad; y lo segundo, y más importante, darle valor. No solo en los formatos físicos y conciertos, en TODO. Sobre la portada del disco también hay cosas que contar. Cada persona que tenga un disco tendrá un trocito de la portada. ¿De quién es la portada y por qué hacerlo así?

La extraordinaria portada ha sido creada en la arena de la playa San Lorenzo de Gijón por la artista argentina residente en esa ciudad, Patrich Itzel Bazerque, y capturada por el fotógrafo Pablo Roces Albalá. Y si juntas todas las portadas del disco obtienes un cuadro enorme de casi dos por tres metros. La idea es demostrar que juntos siempre somos más y mejor aunque de manera individual también tengamos sentido.

Ahora se busca llegar a más público con vídeos, likes, subir las canciones en plataformas digitales… ¿con sólo 27 discos se llega también a ese público?

Nos da igual. Yo hago las cosas que quiero y creo que merecen ser mostradas. Luego las enseño lo máximo que puedo y ya está.

La reacción del público es un trabajo ajeno en realidad.

Además estos 27 agraciados

con este disco, tendrán que esperar un tiempo porque les llegará después de 27 conciertos, exposiciones… ¿Se va hacer mucho de rogar el disco?

No, a finales de año lo tendrán en sus casas, y además, habrán sido parte fundamental y única del juego. El proyecto “27” consiste en 27 recitales con una exposición propia, compuesta por textos y biografías de los miembros de la Generación del 27, imágenes del proceso creativo, audio con los diez poemas y un cuadro (de 90cm de alto por 270cm de ancho) con todos los discos que forman la edición.

Generación del 27 o generación del # ¿Cuál prefieres?

En realidad, lo mejor de la G27 es que no tenían nada en común, (risas). Me explico, no trataban los mismos temas, no tenían la misma ideología, no habían nacido en la misma fecha… Por eso nos encanta, incluso cerramos el disco con Miguel Hernández que para muchos no es tal generación aunque nosotros lo utilizamos de cierre para unir con la siguiente.

Con el # estamos etiquetando gustos, el big data nos da ya la información de nuestras búsquedas… tengo la sensación que en la actualidad estamos mucho más controlados que lo estaban en el 27. ¿Es esta la era de la libertad o todo es un engaño?

En realidad es una mierda. Netflix nos ofrece basura, el Mc burger igual, la educación elimina asignaturas vitales para pensar, los móviles roban el tiempo sexual de los adolescentes, sus padres se empeñan en realizarse teletrabajando y cualquier analfabeto con un ordenador sin saber nada de música puede ser el nuevo Elvis Presley.

Pero nosotros seguimos haciendo rock and roll y killer poesía. Así que para afrontar los tiempos que corren: Salud amigos y dinero para derrocharla.

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Empecemos por el principio, si te parece.

Desde muy joven procesas una admiración por el “Power Metal”. ¿Cuáles son tus bandas con las que te iniciaste en el mundo de la música?

Al principio no tenía una gran admiración por la música, hasta que escuché por primera vez una banda de rock. En base a ello exploré más los alrededores de esos estilos hasta que el Power Metal finalmente llegó a mí, con bandas como Stratovarius y Sonata Arctica ¿Qué significa para ti la figura de Tony Kakko?

Para mí Tony Kakko siempre ha sido un gran cantante y compositor. Desde la primera vez que le oí me quedé fascinado con su personalidad y técnica vocal, al igual que sus composiciones las cuales son grandes obras de arte.

Cantabas en el coro de la escuela de secundaria cuando tu voz cambió y el director del coro te dijo que tu voz solo servía para ser bajo. ¿Cómo te sentiste? ¿Pensaste en algún momento abandonar?

Pues la verdad es que era frustrante y el simple hecho de que nazcas con una voz y no puedas ni siquiera luchar por conseguir algo más lo hacía aún peor. Pero supongo que una parte de mí deseaba realmente conseguirlo y no estaba dispuesta a abandonar, así que sin saber a dónde iba o qué posibilidades tenía, yo lo seguí intentando. ¿Qué fue lo que te impulsó a estudiar canto?

Recuerdo estar en el instituto sin saber qué hacer con mi vida y al escuchar música sentía una gran conexión con ella, como si fuera ese mi sitio, lo mismo con la voz. Yo escuchaba grandes cantantes como Tony Kakko o Timo Kotipelto y sentía que yo también tenía que estar ahí. ¿Cómo descubriste la escuela de artistas de Jesús Yanes?

Después de dejar claro que yo quería dedicarme a la música, mi madre vio un anuncio de la escuela en un canal de TV que nunca suele poner y a partir de ahí indagamos más para ver qué tipo de escuela era. Al final una cosa llevó a la otra y aquí estamos.

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G N I Y D UN SUN @SunofTheDying @sunofthedying

Jesús Yanes trabaja con muchos artistas de distintos géneros musicales. ¿No te dio miedo esto?

Al principio cuando entré en su escuela sí que me resultaba extraño y no estaba seguro de qué esperar, pero una vez le conocí, decidí que quería hacer mi primer disco con él. Al fin y al cabo, un buen productor produce música y no necesariamente tiene que ser siempre la misma.

Una vez habiendo pasado por la escuela de artistas de Jesús Yanes ¿viste la música y sus distintos géneros musicales con otros ojos?

Bueno, la verdad es que sí. Es decir, antes de entrar era muy joven, carecía de mucho conocimiento y estaba más cerrado a escuchar sólo la música que me gustaba, pero según aprendes, ves las cosas con una perspectiva diferente y aprendes a valorar, en este caso la música, desde un punto de vista más objetivo.

Undying Sun es tu proyecto. ¿Qué te gustaría conseguir?

Poder hacer que mi música conecte con la gente, les aporte algo positivo y que disfruten con ella igual que yo disfruto creándola.

Tu primer single “The Dark Decay” lleva más de 900.000 visitas. ¿Te ha sorprendido?

La verdad es que son unas cifras magníficas sobre todo siendo mi primer single y estoy muy agradecido por ello.

Los comentarios recibidos por el videoclip son muy buenos. ¿Esto anima a seguir trabajando?

Siempre es agradable recibir valoraciones buenas acerca de tu trabajo y saber que le gusta a la gente, hace que sientas que todo tu trabajo ha merecido la pena.

He leído en uno de ellos que te comparan con Stratovarius. ¿Molesta o es un halago?

Por supuesto que es un halago, Stratovarius es una de las mayores y mejores bandas que el power metal ha conocido y desde luego es un honor ser comparado positivamente con una banda de estas magnitudes.

Cuenta con la producción de Jesús Yanes.

¿Cómo ha sido trabajar con él?

Pues una experiencia inolvidable. Con él ha sido posible crear este disco y convertir un sueño en una realidad.

Para la grabación de este tema te has rodeado de grandes músicos como Ángel Antón en la guitarra, Emma Asensi teclados, en el bajo Rafa J. Vegas y Alberto del Rey en la batería. ¿Cómo ha sido la experiencia de trabajar con estos grandes músicos y que han aportado a Undying Sun? Pues les estoy muy agradecido por haber participado en este single. Siempre es agradable rodearse de buenos músicos, de su experiencia y profesionalidad.

El videoclip se ha grabado en El Palacio de los Condes de Grajal. ¿Por qué elegiste este sitio?

Digamos que surgió la posibilidad de grabarlo en ese palacio y encajaba en mis ideas para realizar el videoclip por esa relación entre la antigüedad del palacio y la decadencia de la que habla la canción.

“The Dark Decay” es el adelanto de lo que será tu primer Ep que llevará por título “Where All Begins” (Donde todo comienza), un buen título para comenzar esperemos una próspera y productiva etapa con tu banda. ¿Cuándo podremos disfrutar del Ep? Espero que muy pronto. Todavía no puedo dar una fecha, porque en los tiempos que corren, las cosas no son fáciles para la música y menos para un artista nuevo como yo. ¿Qué nos puedes adelantar de lo que nos vamos a encontrar en el Ep? Es lo que llaman un disco conceptual, es decir, cuenta una historia que se va desarrollando a lo largo de las diferentes canciones. Trata de un personaje que por dificultades en su vida acaba hundiéndose en la oscuridad y tiene que intentar luchar para recuperar su luz y alcanzar sus sueños. Y con relación a la música puedo adelantar que es un disco de power metal con un toque diferente, pero conservando elementos clásicos, con cambios y versatilidad.

Fotografías Luar Shadow Light´s Domingo J.Casas

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O N A R A J E JOTA B A lo largo de todo el territorio nacional LH Magazin tiene muchos amigos y Jota Bejarano es uno de ellos.

Hoy os presentamos a un artista todoterreno al que si aún no has visto en directo deberías hacerlo… Energía pura!!!

¿Cuándo supiste que querías ser músico y qué sentiste cuando te subiste por primera vez a un escenario?

Creo que lo he sabido siempre, hasta cuando no era consciente de ello. Empecé a cantar con mi padre y mi hermano mayor con solo 9 años, mis primeros conciertos fueron en mi colegio y lo que recuerdo de ellos es que de los nervios no era capaz de distinguir a nadie entre el público… ¿Te dedicas a la música de forma profesional?

Si, llevo actuando desde los 14 años, solo una pandemia mundial ha hecho que parara. Tanto con LA LINEA ROCK BAND (Espectáculo de versiones) como Jota Bejarano (Temas propios) he recorrido toda España y varios países del extranjero como Noruega, Malta, Croacia, Francia, Portugal… ¿Cómo fue tu paso por el musical de Queen “We Will Rock You”?

Queen fue un antes y un después en mi carrera, aprendí de los mejores, a como estar encima de un escenario y como se hacían las cosas en una producción de primer nivel. Tuve la oportunidad de hablar de música con Brian May y estar en un escenario con él, algo que jamás hubiera pensado.

Después del musical te picó el gusanillo de la televisión, cuéntanos como llegaste ahí y en qué series has participado.

Así es, soy esa persona que te suena de algo y no sabes de que… he tenido apariciones en series como “Los hombres de Paco” “Aida” “Los Serrano” “Águila Roja”, anuncios publicitarios… la lista es

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larga. Fue el resultado de hacer cuatro años teatro musical.

Y tras esa época sacas tu primer disco…

Si, tras 15 años cantando temas de otros necesitaba expresarme de otra manera, así nació “Hasta que salga el sol” producido por Pablo Perea (La Trampa) Cantar mis canciones me dio a conocer a un nuevo público y es el complemento perfecto a ese trabajo que llevaba realizando 15 años. ¿Con quién te gustaría subirte al escenario?

En otra época te hubiera dicho un montón de nombres pero en estos momentos… con mi banda, son mi segunda familia y les echo de menos. Estamos deseando como muchos, que esto acabe. ¿Cuántos discos has grabado?

Como Jota Bejarano oficialmente “Hasta que salga el sol”, luego vinieron varios singles, todos disponibles en las principales plataformas digitales.

También he participado en otros discos como “Legado de una tragedia” y coros en discos para muchos artistas. ¿Con qué género musical te encuentras más identificado?

No tengo un género definido, creo en la energía de cada uno al servicio del género, no en el género como un algo que te limita.

Escucho y he cantado durante mi vida desde Sinatra hasta Metallica. No creo en los géneros. ¿Cuál es tu último trabajo?

Mi último trabajo se titula “Volveremos”,

es un canto de esperanza para todo nuestro sector, para miles de familias que directa o indirectamente han visto desde el minuto uno de esta pandemia que su vida se paraba, sin una ayuda, sin una respuesta y condenados no a un segundo, sino a un cuarto plano muy cruel e inmerecido.

Malos tiempos para la lírica como decía el gran Germán Coppini, ¿Cómo ves el panorama musical en la actualidad?

Pandemias aparte, creo que es el momento perfecto para replantearnos ciertos aspectos de nuestro sector, desde el sector contratación hasta los espectáculos y por supuesto los medios de comunicación.

Me da mucha pena como está la música española en la actualidad. España ha dado grandes artistas de todos los géneros, desde Nino Bravo, hasta Barón Rojo pasando por Hombres G. Con esto quiero decir que España está sobrada de calidad, pero es muy complicado llegarle al público.

Mil gracias por regalarnos esa música que tanto nos gusta Jota. Nos vemos en los escenarios muy pronto..

TEXTO: Mar Monje FOTOS: Laura Cantero / Alba Sanz

@jota.bejarano.16 @jota_bejarano

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@LenguaArmadaHc @nanoruizlengua

LENGUA ARMADA NANO

Hace veinte años nacía Lengua Armada, Nano Ruiz es su creador. ¿Cuál fue la necesidad que te empujó a crear tu sello discográfico?

En realidad comienzo en 1997 a llevar los asuntos de Habeas Corpus por aquel entonces mi grupo y como se me daba bien me entran un par de grupos para que trabaje para ellos, Sober Stoned (Sôber) y Sonotones, a partir de ahí es el pistoletazo de salida. Al poco tiempo consigo un contrato para Sober Stoned en la discográfica Zero Records y su director Juan Hermida me propone trabajar en Zero y no me lo pienso porque era una de las discográficas independientes de rock más interesantes del panorama. En Zero Records aprendo a trabajar junto a grandes profesionales y compañeros que fueron: Chiki Dean o Silvia Méndez, junto a ell@s aprendo el trabajo de promoción y la relación con los medios de prensa, radio y televisión. En el 2000 ya creo mi propia oficina en la calle Montera 34 encima de la mítica sala El Sol y desde este año cuento oficialmente los aniversarios y este año sería el 21.

Lo que me lleva a crear una marca discográfica es la necesidad, ya que había muchos grupos que me gustaban y que ninguna discográfica quería publicar, ni

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apostar por ellos. ¿Recuerdas cuáles fueron esos primeros discos que salieron con el sello discográfico?

Los primeros discos que edito son de dos grupos que estaban huérfanos, RIP KC y las raperas BKC, dos discos a los cuales tengo especial cariño porque me dieron mucha alegría y buena onda para comenzar.

Son distintos aquellos años a los que nos ha tocado vivir ahora en la cultura, claro antes de la COVID19.

Todo ha cambiado mucho para en realidad no cambiar nada que me gusta decir.

En esa época se vendían discos, los grupos tenían oportunidad de hacer carrera, había muchos conciertos, muchos festivales, la gente estaba por la música y no tan despistada, ahora hay más alicientes y desde que entró en la vida de la gente la palabra – GRATIS – comenzó la debacle. Los hábitos de consumo ahora son diferentes es todo rápido, efímero, con un dedito pasas la información a toda velocidad y la gente no dedica tiempo, ni le tiene el cariño de antaño, la música ha pasado a ser “comida rápida” y tendencia que sube y baja como el precio del mercado.

Es diferente y hay que adaptarse y ser ingenioso ahora mismo para destacar y hacer

carrera.

Cuál crees que fue el punto de decadencia de la música en estos años que llevas con el sello discográfico. ¿El mp3, el top manta, las plataformas digitales?

Creo que todo influyó, la aparición del mp3 y la compresión de la música para que la pudieras consumir en cualquier lugar en aparatos que eran como cajetillas de cerillas y en la actualidad en móviles o altavoces portátiles que tienen poca calidad acústica, es decir basura. Para mi la música es algo muy importante que tiene mucho valor y creo que hay que escucharla y disfrutarla en su plenitud en un ambiente adecuado y con la calidad sonora que se merece. La publicidad de las bandas anchas de internet por las marcas de telefonía fomentaron la descarga y el meter en la cabeza del público la maldita palabra – GRATIS – con esas agresivas campañas de publicidad llevaron a que muchísima gente perdiera el respeto y el valor que tienen las obras pasando a ser todo descarga libre sin límite. Lo que supuso para muchos una revolución se nos volvió en contra rápidamente.

Imagino que a lo largo de estos años habrás vivido muy buenos momentos. ¿Cuáles han sido para ti esos buenos momentos?

La verdad que si, ha habido muy buenos momentos, he trabajado con muchos grupos a lo largo de estos 24 años a los cuales estoy agradecido por su confianza a todos y cada uno de ellos. He tocado en grandes festivales, he hecho muchas giras, he participado en la organización de algunos festivales y he conseguido los objetivos para los grupos para los que trabajo que al final es lo más importante para mi, dar un buen trato, un buen servicio y alcanzar metas juntos. He podido gestar tributos a grupos que forman parte de mi vida como son: Judas Priest o Motörhead con grupos españoles que he elegido y con los cuales he tenido trato. He conseguido firmar contratos con buenas discográficas para algunos grupos, he asesorado y aconsejado lo mejor posible a los grupos. He organizado y participado en bastantes conciertos benéficos para recaudar fondos a causas en las que creía. He conocido a gente maravillosa con la cual he aprendido, me he reído, he compartido y a día de hoy somos buenos amig@s. He cumplido mi sueño de trabajar en lo que quería, el mundo de la música, en fin, muchos recuerdos bonitos y más que tienen que venir. Creo que en estos 24 años he ayudado con el corazón en la mano a muchos grupos y he tratado de hacer mi trabajo lo mejor posible. La música es cultura y la cultura como la salud es necesaria. ¿Qué rescatarías de esos años cuando empezabas con el sello discográfico, para traerlos a la actualidad?

Rescataría el teléfono fijo, (risas) y las quedadas sin móvil, los ensayos sin móviles, los conciertos sin móviles, la sinceridad frente a la frialdad, el trabajo frente a la superficialidad y la tontería que nos han traído las redes sociales. No soy de los que piensan que el pasado fue mejor, esto es mierda, vivo el presente ahora hay cosas positivas y una oferta musical muy amplia pero observo que hay menos discurso tanto musical como de actitud que no es vital.

Son muchos los años que nos conocemos y sé que que miras con lupa las bandas con las que trabajas. ¿Qué tiene que tener una banda para que te enganche?

La única condición que tiene que tener es que me guste, que sus canciones me lleguen y luego que exista sintonía entre el creador (ell@s) y el emisor (yo), porque si no me siento cómodo con algún grupo prefiero no trabajarlo.

Además del sello discográfico en Lengua Armada hay más departamentos. ¿Cuáles son los servicios que se ofrecen al músico desde Lengua Armada?

En la actualidad no ejerzo como sello discográfico, algunos grupos auto editan a través de Lengua Armada pero no es mi servicio principal.

Lengua Armada Lenguaje Constructivo se nutre del servicio de promoción y comunicación que damos y aunque desarrollo otros asuntos mi fuente de ingresos es la promo. ¿En la actualidad con qué grupos estás trabajando?

Ahora mismo llevo una bonita racha y estoy trabajando con Whisky Caravan un grupo muy pro que está asentándose muy bien y empezando a recoger los frutos de su gran trabajo; también estoy con grupos noveles y muy interesantes como: Los SEX, Lady Banana, To The Helpless, American Ghost o Los Pelukeros de Punset… En estos meses he trabajado propuestas muy interesantes de solistas como: Pablo Fugitivo, o Rodrigo Ramos y ahora pues estoy con Víctor Fraile, Olatz Salvador o Aiala. He trabajado estos meses pasados con: Lendakaris Muertos, Manolo Kabezabolo, Mi Capitán y en estos momentos estoy con La Excavadora.

Trabajo la comunicación y promoción de algunos artistas de las discográficas: Kasba o Mauka Musik. En fin, parece que la cosa a nivel de comunicación y promoción se va animando porque el año pasado se quedó parada.

Pienso que desde hace unos añitos para acá, estamos viviendo un buen momento en cuanto a la calidad y las propuestas musicales de las bandas, independientemente de géneros musicales. ¿Cómo lo ves tú?

Creo que hay una oferta increíble, hay mucha calidad, ahora la gente toca muy bien y hay buenas propuestas pero la lástima es que se desinflan rápido. Falta desde mi punto de vista querer hacer carrera, mimo, paciencia, es decir que sea tu manera de vivir y me sobra frivolidad, pose y tontería.

Para terminar, cómo crees que se han portado nuestros políticos con el mundo de la cultura a raíz de la COVID19.

He de decir que míos no son amigo, no me representan, no creo en ninguno de ellos. Volviendo a la gestión que nos compete ha sido – NEFASTA Gracias Nano por tu tiempo y ayuda a lo largo de todos estos años, un fuerte abrazo. ¡Gracias a LH Magazin por esos años de trabajo y de apoyo a la cultura!

Abrazo.

Mientras escucha “Agujitas del reloj” último single de Aljibes en el que colabora Capullo de Jerez. Adelanto de su próximo disco que llevará por título “De Toledo pa´la Habana”

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Formados en el 2009 en Zaragoza cuentan con cuatro discos, su último trabajo se llama “Invocatio Ad Deos Etilicorum (2020)”.

Un disco que recoge la experiencia adquirida de los más de diez años que llevan haciendo música en la cual nos encontramos folk, western, country… pero sobre todo mucha juerga. ¿qué buscabais en este nuevo disco, un cambio o una continuidad?

Sacar un disco es como cumplir años.

Cada etapa de la vida te regala una experiencia nueva y en este caso apostamos por el folk norteamericano a modo de viaje, un encuentro con las raíces de la música de las montañas, el whisky de destilación propia y los bailes en mitad del bosque al anochecer.

De la grabación del disco se ha encargado el gran Diego García que ha trabajado con Ara Malikian, entre otros tantos y ha sido grabado en los estudios Audio Feeling. ¿Por qué elegir a Diego?

Si quieres los mejores resultados tienes que trabajar con los mejores. Fue una elección sencilla.

He podido leer que es un disco conceptual, un disco para pasar una noche al lado de una hoguera de juerga. ¿Tiene que ver esta fiesta con el título del disco “Invocatio Ad Deos Etilicorum”?

Sin duda. Los dioses etílicos siempre nos han tratado con simpatía. Somos unos paganos empedernidos. Si les haces las debidas ofrendas, suelen escuchar tus plegarias. ¿Cómo surgen las historias que cantáis en vuestras canciones?

Cada canción surge de una necesidad.

Hay historias que necesitan ser contadas, solo hay que saber buscarlas. En este disco

hay personajes llenos de bondad como una mujer que se dejó la piel con su camión en los años 60 en las carreteras de EEUU criando a su pequeño, auténticos villanos que venden su alma al diablo o instrumentales que unen las melodías tradicionales que han forjado la historia de los pueblos que se asentaron en las montañas. Cada disco tiene una deuda con sus ancestros y el folk de Norteamérica está lleno de historias de todos los lugares gracias a la inmigración que portaba una muda limpia en una vieja maleta y un instrumento en el otro brazo. ¿Cuál es vuestra playlist para ir de viaje a un bolo?

Depende del momento. Desde Hank Williams a los Manowar, pasando por Mike Olfield, el maestro Morricone o el nuevo disco de una banda con la que hemos compartido escenario. Hay que aprender a escuchar, sin duda una de las deudas pendientes del siglo XXI. En vuestros conciertos hay baile, fiesta, brindis...es posible en la actualidad un concierto de Los Drunken Cowboys con el público sentado.

Hemos hecho varios, tanto en Streaming como con público sentado en salas grandes.

Es divertido cuando te cuentan que estabas en el salón de su casa mientras vaciaban el minibar o que les duele el culo de saltar en la silla. Es una buena manera de saber cómo se siente un cowboy después de una larga jornada. La música se escucha con los oídos, pero es cierto que el resto de los sentidos también quieren participar, en especial los que tienen que ver con el baile y el brindis.

La portada del disco es una obra adaptada

de la artista Julseen Moos. ¿Cómo llega a vosotros esta artista y que queréis contar con esta portada?

Julseen es una artista experimentada con una expresividad muy tierna y divertida. Siempre hemos pensado que los dioses etílicos tienen un punto de bondad y alegría y ella era perfecta para este trabajo.

Sois una banda de folk, pero hay un hueco para Miguel Ríos en vuestro disco. ¿Qué significa para vosotros este rockero?

Miguel Ríos fue un pionero que se dejó la piel en el escenario. Mientras muchos estaban haciendo el imbécil en la televisión copando los medios él estaba girando arriesgando su carrera en cada concierto.

Este país le debe mucho a este gran músico.

Ya el año pasado en mayo comentabais que el sector de la música es uno de los sectores que más estaba sufriendo, ha pasado ya un tiempecito ¿qué opinión tenéis de cómo se está tratando al mundo de la cultura?

Nadie en su sano juicio podría afirmar que a la cultura se le ha tratado con el respeto que merece. El sector está sufriendo de manera injusta e innecesaria. La cultura es un bastión para la salud mental y para el futuro de los pueblos. No podemos ocultar el hecho de que esta pandemia es una cuestión sanitaria y dejar de lado la cultura considerándola un juguete caro que no le compras a un niño o un capricho de segunda necesidad es un error grave. Sin cultura seríamos borregos en un rebaño u orcos en un lodazal. Supongo que alguien conocedor de este hecho le interesará que así sea.

Debería de pensar en las consecuencias, porque los borregos son obedientes, pero los orcos son peligrosos y su concepción de futuro es aterradora.

@Los-Drunken-Cowboys @losdrunkencowboys

LOS S Y O B W O C N DRUNKE

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“LOS GOONIES NUNCA DICEN MUERTO” FRANCISCO JAVIER MILLÁN. DIÁBOLO EDICIONES Hace ya algunos años Francisco Javier Millán firmó una pequeña joya en forma de libro titulada “Generación Goonies”, donde nos recordaba lo influyente que fue la productora Amblin no sólo en el cine de la década de los 80, sino en la cultura popular universal. Su éxito y la elección del título se han demostrado en las sucesivas ediciones de un libro de referencia, tanto como su obra “Galaxia Lucas. Mas allá de la fuerza”. Sin embargo lo que miles de seguidores de la editorial pero en especial de la película llevaban esperando años era este libro, íntegramente dedicado a una película que marcó a toda una generación como pocas. Abriendo además sus páginas con una espléndida y reveladora entrevista exclusiva con Richard Donner, el director de la película, lo que desgrana y cuenta disfrutando como el que más

el autor, son muchas de las cosas que seguro llevabas décadas queriendo saber. Pues bien, aquí están todas las respuestas.

Más allá del magnífico tesoro de Willy el tuerto, los Goonies es una película que habla sobre el sentimiento de la amistad y sobre lo que significa hacerse mayor. Muchos espectadores que la vieron, siendo niños, todavía la recuerdan como una parte fundamental de su infancia.

Su espíritu ha seguido presente durante estos 35 años desde su estreno. “Los Goonies nunca dicen muerto” es una obra imprescindible para todo fan que se precie. En sus páginas descubriremos cómo se gestó este clásico de los ochenta, información sobre quienes lo hicieron posible, las localizaciones, las leyendas de piratas de la costa de Oregón, y muchas sorpresas más. Un libro que nos hará regresar, una y otra vez, a los Muelles de Goon.

La aventura que hizo soñar a una generación, ahora en tus manos con infinidad de información y cientos de imágenes tan inolvidables como la propia película.

“JAZZ MAYNARD. TRILOGIA NOIR 1”

RAULE & ROGER. DIÁBOLO EDICIONES

Personaje de cómic verdaderamente internacional por muchos méritos propios, Jazz Maynard se reedita en un gran formato único que, al gran tamaño del tomo, añade además el detalle de ser editado en blanco y negro, resaltando el increíble trabajo del dibujante Roger de un modo que jamás hubieses imaginado. Extraordinaria edición de lujo que te recomendamos descubras antes de que se agote, incluye inumerable contenido extra y en gran formato de los tres primeros volúmenes de una de las series de cómic de mayor éxito mundial. Su protagonista se ha convertido ya en un icono del cómic. Y disfrutar de viñetas a toda página en toda su gloría van a dejarte con la boca abierta.

Por si no lo conoces, el seductorJjazz Maynard te lleva, a ritmo de jazz y en viñetas audazmente dibujadas, por las callejuelas del Raval en Barcelona. De vuelta al barrio en el que se crió tras pasar diez años en Estados Unidos, Maynard es a la vez trompetista y ladrón de guante blanco, aunque a su vuelta pronto se da cuenta de que todo ha cambiado... Salvo su capacidad para meter en líos a sus allegados. Mientras trata de poner orden en su vida, delincuentes de poca monta y criminales internacionales convierten la ciudad en un infierno del que Maynard debe tratar de salir.

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