LH Magazin - Kat Von D by LH Magazin Music

lhm agazin.com 2001 - 2021

Año XX - Nº 142 ejemplar gratuito

Kat Von D “Ahora también triunfa en la música”

TECHY FATULE “Un antes y un después”

ISABEL MARCO

LA MARE

“Abandonar la ciudad “Un disco que te volver al mar” acompañará siempre ” para

CURLY MANE

“Estetica, espiritu y actitud de los 80`s”

RAT-ZINGER

GPS

“Pasado, presente y “Sorprenden con su futuro” sexto disco de estudio”

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n ó i c u b distri TIENDAS DE INSTRUMENTOS UME Union Musical:

Madrid Ume Arenal c/ Arenal 18, Ume Cedaceros C/ de Cedaceros 3, Ume Carranza C/ Carranza 16 Ume Hermosilla C/ Hermosilla 75 Barcelona Ume Muntaner C/ Muntaner 324 Ume Sants C/ Sants 304 bis Ume Baricentro Centro Comercial Baricentro L-164 Barberà del Vallès Girona Ume Girona C/ Francesc Eiximenis 18 Pamplona Ume Pamplona C/ Asunción 4-6 Sevilla Ume Sevilla C/ Rico Cejudo - Edif. Hispal Local 8 Valencia Ume La Paz C/ La Paz 22 Ume Guillem de Castro C/ Guillem de Castro 34 Ume Nuevo Centro Centro Comercial Nuevo Centro 46009 Valencia, ES-V Zaragoza Ume Zaragoza C/ Maestro Serrano 3-5

Leturiaga:

Leturiaga C/ Cristobal Bordiu 22

Ritmo & Compás, 39 Rojo, Carabox, El Obsevatorio, Hardrum, Matilda, Rock Palace, Rock & Pop, Rock Soul, Tablada 25, Underground, El Poligono (Valladolid), Rusound (Daganzo), Olmostudio (Vallecas), FACTOR Q (Murcia) y Locales de ensayo Metro Usera (Madrid)...

SALAS Y BARES

1903, El Piratas, Alfredo`s, Caracol, Clamores, Costello Club, El Sol, Galileo Galilei, Gruta 77, Silikona, Siroco, Sala Gamma, Sala Musik, Sala 12 y Medio, Sala Stereo, Discos Comix y Discos Trafico, La Azotea (Murcia), Dekonya Cool Pub (S.S. de los Reyes), La Mina Rock (Alcobendas), Punteos Rock (Coslada) Albergue Riglos (Huesca), El Escudo y Pocoloco (Ávila), Gabanna (Lanzarote), Sala Estacion, Imagina, Atico y Dqvass (Alcazar de San Juan), Al Lado y El Moli (Campo de Criptana) Candela, El Duende, 500 Noches (Archena), Sala Strato Caster y 37 Grados (Córdoba), Mi Pequeño Mundo y Pensión “El Rafa” (Fernán-Nuñez), La Marquesita (San Martín de Oscos), Sala Mirror, Alcatraz Rock Bar, Wah Wah (Valencia), La Casa Pintada (Ceuti), Restaurante El Meson (Puebla de Almoradiel), Restaurante S.M. el Rey de la Coca (Piles Playa), EL Paso (Cudillero), Sala Hangar (Burgos), Rock & Play (Boadilla del Monte), Velvet Club (Malaga), Garfield (Torremolinos), Yasta (Campo de Criptana),Sala Sausan/New Rock y Hotel Juype (El Provencio), Chamán (Illlana), Bar La Esquina (Mula), La Cripta y La Gasolinera (Bullas), Video Club Geminis (Cehegin) y Siglo XX(Blanca). Casa de Cultura y Guardamar Music, Restaurante Galicia ,Hotel Montemar y Restsurante El Gallego(La Marina), La Posada (Elche), Sala Ambigú (Cordoba),Savoy (Gijon), , Biribay (Logroño), Cuarenta y Tres (Zamora), Erreté (Barcelona),Hotel El Quesar de Gamoneo (Cangas de Onís-Asturias) Cafe del Infante (Villaviciosa de Odón), Stars50 (Talamanca del Jarama/Guadalajara) y Ruta 20 y Arbonaida. Hotel Restaurante Las Truchas (Monasterio de Piedra) Trifon Restaurante (Madrid), Boulangerie Patisserie Santa Eulalia (Madrid) y Instituto Cervantes (Lisboa)

Madrid Comics, C/ de Silva, 17, Generación X Madrid (Puebla, 15)-(Elfo, 98) Alcalá Cómics - Avenida de Guadalajara, 9. Alcalá de Henares (Madrid). Telon de Acero, C/Emilio Gastesi Fernández, 14 Libreria SINS ENTIDO, C/ Válgame Dios, 6

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DIRECCIÓN

c/ Travesia del Poeta BLas de Otero 5, lc. 2. - 28017 MADRID Tel.: 91 355 65 75 - 666 36 45 28 E-mail: lhmagazin@lhmagazin.com

DIRECTOR Juan Rodríguez

DISEÑO Y MAQUETACIÓN

Sire 2000 Tel.: 91 355 65 75 - 666 36 45 28

ESTUDIOS DE GRABACIÓN Y LOCALES DE ENSAYO

TIENDAS DE CÓMICS

Distribución Gratuita: 40.000 ejemplares

RADIOS

Onda3 Radio (Puerto Lumbreras/ Lorca) Onda Regional y SER (Murcia), Onda Marina (Fernan-Núñez), Onda Cero/Europa FM (Alcazar de San Juan), Radio Safor (Bellreguard), Sol Radio (El Bonillo), El Ultimo Este y “La Caja de Pandora “ (Cabezo de Torres/Murcia), Rock FM, Radio 4G...

Alicia López Tel.: 91 355 65 75 - 687 93 73 43 alicia@lhmagazin.com

REDACCIÓN Alicia López

COLABORADORES y CORRESPONSABLES

Jorge Vilella, Edu Salas, José Glez., Rafa, Mª Mar, Pilar, Rolo, Jose Luis Espinosa, Soraya Machin, Mariano Muniesa, Yolanda Perez Marin (El Club del Escenario), Amado Storni, Roberto Villandiego, Olegario Sánchez (Alcazar de San Juan), Patxi “La Caña” Valen (Plasencia), Alberto Cean (Asturias), Mar Monje Abiol, Juan Carlos Calderon, Jose Abellán, Luis Pulgar (Sevilla y Murcia)

FOTOGRAFÍA

Domingo J. Casas (Jefe), Paco Lainez, Eduardo Mendez, Mario Larrode , Bill Zygmant, Ricardo Rubio, Carlos Miiña, Liberto Peiró (Valencia), Xavier Mercadé (Barcelona), J.M. Rodríguez (Galicia), José M. Bueno (Asturias), Julio Perez Sotillo (Elche), Kiko Asunción (Murcia), Tony Ventura (Las Palmas).

AGENCIAS www.whitepress.es,KOPress

FOTOMECANICA / IMPRENTA SIRE 2000 Esta revista la hace mucha gente, el papel lo ponemos nosotros, las opiniones son de ellos.

DE LUNES A VIERNES

MIERCOLES:

- 10.00 a 12.00h LH A TODO RITMO con Juan Rodríguez

- 19.00 a 20.00h El Closet con Carlo Pari - 22.00 a 23.30h La Noche del Cazador con Pablo Martín, Raúl Ballesteros, Dani Pach y sus invitados.

LUNES: - 19.00 a 21.00h Radio The Sentinel con Santi Fernandez - 22.00 a 23.00h La Casa de Eddie con Mauro (el flaco) y Juan Carlos

VIERNES:

MARTES:

- 10.00 a 11.00 Hoy Me Voy Al Cine con Felipe Jimenez

- 19.00 a 20.00h Ruta al Rock con Oscar de Vega

- 18.00 a 20.00h A la Vuelta de la Esquina con Maru Bonilla, El Chico del 17 y Jelu

- 22.00 a 24.00h La Cabaña del Tio Rock con José Mora y Ángel Gómez

- 24.00 a 01.00 Solos en la Madrugada Francisco Miguel Pérez (RNE) y Miguel Vigil (Academica Palanca, La que se Avecina)

LH KIDS

SÁBADOS 12.00h Torres Hits

Un magazine realizado por los alumnos del CEIP Torres Quevedo en la extraescolar de radio martes y jueves

SÁBADOS 13.00h Radio Kids

Un magazine realizado por los alumnos del CEIP EE.UU de América de Huarte de San Juan en la extraescolar de radio lunes

Travesía del Poeta Blas de Otero 5, Local 2 - 2017 Madrid Tel.: 91 355 65 75

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Nos dedicamos a promocionar Artistas, Actores, escritores, eventos etc... en los medios de Comunicación

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Celebramos nuestro veinte aniversario y con una pandemia de por medio, así que más que contentos de que puedas tener este ejemplar en tus manos o lo estés leyendo en su formato digital. ¡La pandemia no ha podido con nosotros! y en parte ha sido gracias al gran apoyo que hemos recibido de todos los que nos seguís, gracias de corazón por ayudarnos. Me gustaría arrancar esta editorial con un nuevo proyecto que hemos lanzado LH Kids con el cual estamos enseñando a los chavales de primaria en los centros escolares a hacer radio a través de sus extraescolares y sus programas suenen los sábados por la mañana en LH Magazin Radio. Os aconsejo que le deis una escucha, porque ahí están los futuros locutores que os acompañarán en un futuro próximo ya sea en las ondas, a través de internet o en ese formato que se ha puesto de moda como es el podcast. Dar las gracias desde esta editorial al AMPA de Torres Quevedo y EE.UU. de America-Huarte de S. Juan por abrirnos sus puertas y mostrar a sus hijos este mundo maravilloso de la radio. En veinte años he entrevistado a miles de artistas, muchos internacionales, nacionales, estrellas de la música que cuando yo era adolescente ni imaginaba que podía llegar a conocerlos, grupos que dan sus primeros pasos y han llegado a lo más alto, otros muchos que lo han intentado y siguen peleando o ya no están… No quiero dar nombres porque ya sabéis quienes son y porque no hay uno más importante que otro, intento tratar a todos por igual con el mayor respeto e interesándome por sus propuestas. Veinte años dan para mucho y poco espacio en esta editorial con la cual queremos mirar a un futuro que está por escribirse porque el pasado ya está escrito y podéis volver a él cuando queráis. Aquellos que me conocéis bien sabéis que a través de mis entrevistas y conversaciones con vosotros de mi implicación en cuidar el contenido que llega a los más peques de la casa, así que con este nuevo proyecto de LH Kids es una oportunidad de acercar a los peques otras cosas, a las cuales no tendrían acceso. Dentro de poco empezaremos a llevar artistas a estos programas que están teniendo una gran audiencia y que nos ha sorprendido gratamente. Trabajar con ellos está siendo maravilloso, todos los días aprendo algo, ver sus caras de ilusión cuando traen realizados sus artículos y me lo muestran, no tiene precio. Así espero seguir aquí dentro de veinte años hablando de música en LH Magazin y que LH Kids cumpla veinte años.

Nuestros cafés de origen provienen de pequeños productores de cultivo ecológico y residuo cero

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Este café de la India se caracteriza por tener un aroma que recuerda al chocolate y frutos secos.

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Un café con aroma a nueces, avellanas.. y una ligera nota a caramelo.

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Nos recuerda a las almendras tostadas, chocolate con leche y una ligera nota herbal similar a la hoja del naranjo.

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JHON PARSONS La primera vez que escuché el nombre de este gran guitarrista, Jhon Parsons, fue en el concierto de Miguel Rios, en el pabellón del Real Madrid cuando se estaba grabando ese mítico disco “Rock & Ríos”. Desde entonces he seguido todos sus pasos y hoy es la primera vez que podemos charlar, para mi otro sueño cumplido. 8

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Casi todas las entrevistas que he leído tuyas comienzan hablando de tu participación en ese disco de Miguel Ríos “Rock & Ríos. ¿Qué significó para ti participar en ese disco? Para mí significó muchísimo fue la primera vez que grabé algo así, un disco doble en directo en dos noches, fue algo muy atrevido para aquella época. Me parece que una noche no se pudo utilizar la grabación por problemas técnicos. Arriesgado además porque encima del escenario estábamos unos músicos que nunca habíamos tocado juntos. Yo creo que salió muy bien. Además esa noche, después del concierto conocí a mi mujer María, así que doble éxito (risas). Marchaste a Alemania debido a la situación que atravesaba este país en el mundo de la cultura. ¿Qué está haciendo bien Alemania en la cultura? Mi situación en ese momento fue que estaba viviendo como caía la industria en este país, debido a la piratería, estaban cerrando tiendas de discos, estudios de grabación… y como vivía de eso, y de nuestros ahorros,

me fui a Alemania. Pero no te creas que los alemanes lo han hecho mejor, quizás había menos piratería en esa época y estaba más controlado. Yo viví en Alemania antes, desde 1977 a 1990 como músico de estudio. En esa época conocí a un productor, Tomas Bruck, y él años después montó Höhner y me llamó, ese fue el motivo de mudarme a Alemania. Has tocado junto a Luz Casal, Joaquin Sabina, Chavela, Revolver, Juan Perro… Este nuevo trabajo se llama “A Long, Long Road” (Un largo, largo camino). Así ha sido tu trayectoria y en ese camino, imagino que también hay que tener un poco de suerte, porque has conocido productores, músicos… que después te han llevado a otras cosas. Sí. Yo creo que lo mejor que me ha pasado es poder estar trabajando en esa época, porque ahora todo es mucho más complicado. Antiguamente las giras eran más largas, se vendían más discos, antes estaba mejor la industria ahora está muy tocada. Yo siempre he buscado poder vivir de mi

trabajo, nunca me quedé en una ciudad, en un país… esperando que las ofertas de la música llegaran a mí. Yo siempre he estado buscando esa llamada. Tocar en ese disco de Miguel Ríos y tener tanto éxito me abrió muchas puertas, es un poco de suerte, pero también tienes que moverte. Yo recuerdo esa magnífica noche que te vi en el campo de fútbol del Rayo Vallecano durante la gira de Miguel Ríos “El rock de una noche de verano” en la cual le acompañaban Luz Casal y Leño. En esa época, el público joven en su mayoría escuchaba rock. Ahora el público más joven escucha reggaeton o trap. ¿Se ha hecho el rock mayor? Cada época tiene su moda en la música, cuando yo era joven era el rock and roll, el rockabilly, el country rock. Claro, ahora con la música electrónica ha cambiado todo. El rock sigue ahí gracias a Díos (risas). Yo creo que es un tipo de música de las que mejor funciona todavía, aun no siendo la música de moda. Hablas de electrónica, en la canción “I Believe in you” de este disco has coqueteado un poco con ella. Sí (risas). Tiene mucho que ofrecer la electrónica, de hecho este disco está grabado todo en mi casa, programando las baterías, teclados y algunos loops… A mí me gusta mucho lo que están haciendo los jóvenes con todo eso. A un dinosaurio como yo (risas) también me motivan esos sonidos y elementos. Me gusta mezclar también las cosas y por eso he tanteado un poquito con algunos loops algo más modernos. Si bien es cierto que estás dentro del rock, también juegas con otros estilos musicales. ¿Qué escuchas? ¿Y qué opinión tienes de los hashtag, el big data...? Yo creo que las etiquetas sirven hasta cierto punto. Había antiguamente un problema en EE.UU. que los canales de radio eran canales temáticos de country, blues, una emisora de música negra… y tuvieron muchos problemas porque había artistas que estaban en el medio de esas etiquetas a lo mejor era blues pero más roquero, sabes, y no sabían donde colocarlo y eso es lo que pasa cuando pones etiquetas. Yo creo que lo mio es un poco eso, donde pones los Beatles es mucho más que pop, pero tampoco es rock. Sé que te gustan guitarristas como Hendrix, Eric Clapton, Jeff Beck, Steve Lukather… entre otros tantos. Actualmente¿ cómo ves tu el panorama de la guitarra y de la música en general? Hay gente muy buena, quizás no tan conocidos. Lo que pasaba es que los 60`s y 70`s esos grandes músicos no eran desconocidos eran los que más vendían. Hoy en día hay muy buenos guitarristas pero no son tan conocidos. Hay que buscar, pero si buscas encuentras cosas muy buenas. Por ejemplo está Jorge Salan, le conocí en el 2018, me hablaban de él y aparte de ser un guitarrista fantástico, es buena persona y lo que está haciendo lo está haciendo muy bien. En “A Long, Long Road” tu has tocado todos los instrumentos y además cantas. Incluso un fans tuyo dice en redes sociales que lo de cantar lo tenías que haber hecho

antes (risas). ¿Ha sido esta parte, la de canta,r lo que mas ha costado de hacer en este disco? Sí. La letra y la voz. Siempre la música ha sido mi prioridad, la melodía, la armonía.. ya sabes todo eso. Cantar ha sido otra faceta, grabé mis canciones en maquetas y yo las cantaba, sólo hay un tema instrumental. Al principio me sonaba raro pero poco a poco me fue gustando y pensé que si lo trabajaba un poco podría llevarlo al disco y así fue. También hay una pequeña colaboración de Sara Parsons Sanchez… Sí, mi hija. Ella estaba dormidita en una navidad, ella vive en Colonia (Alemania) con su marido y pasamos la navidad juntos y la dije: Sara vente conmigo un momento al estudio, que necesito tu ayuda. Al final cantó en cuatro temas y muy bien, canta mejor que yo (risas). Antes se aprendía a tocar la guitarra de oído, probando cosas… ahora con youtube, tutoriales, masterclass… ¿Qué piensas de todo esto? Estos adelantos ayudan mucho a que los músicos mejoren técnicamente muy rápido, claro uno después tiene que practicar, pero aprendes a hacerlo como lo hacen los demás. La creatividad creo que viene también de tener que buscar y a veces esa búsqueda es tan importante como la técnica perfecta. Hecho de menos esos guitarristas como Hendrix que hicieron las cosas a su manera y no copiando a otros. No hay que fijarse en una sola escuela, hay que aprender el concepto y buscar tu propio estilo. Una de tus bandas favoritas son los Beatles y de ellos los discos “Revolver” y “Sgt. Pepper’s”. En este disco hay una canción “You Know That” que a mí me recuerda mucho a George Harrison. Sí. Lo que pasa es que cuando sólo tienes seis o ocho compases para hacer un solo tienes que hacer algo muy efectivo y creo que Harrison ha sido una gran influencia Hablando en una ocasión con Steve Lukather me comentó que había dos clases de guitarristas, los que en una canción buscan lucirse en la canción y los que aportan su saber para que una canción sea más grande. Yo creo que tú eres de los segundos Sí. Estoy de acuerdo. Yo empecé a tocar con once años y siempre he tocado para hacer más grandes las canciones. También dice que cuando entras en un estudio para tocar en la canción lo primero que tienes que hacer es escuchar la canción. Hay muchos que no la escuchan eso es un fallo, están pensando en que escala tocar, que de rápido que es lo que acabo de aprender. ¿Qué nos quieres contar, Jhon Parsons, en este disco? Yo soy un romántico (risas) y principalmente mis canciones hablan de amor y desamor. Yo lo que quería hacer en este disco es hacer un disco de buenas canciones y en cuanto a las letras son canciones que afectan a todo el mundo que son los sentimientos. A mi no me gusta estar escuchando siempre un tema que me dice que mal está todo.Yo diría que es un disco de pop con muchos estilos mezclados Estoy seguro que ahora después de terminar de leer esta entrevista, nuestros

lectores van a ir a las plataformas digitales, para intentar escuchar este disco, pero es que John Parsons no ha subido el disco a estas plataformas.. Hay artistas que tienen millones de escuchas, bien para ellos, me alegro. El problema no son los artistas, el problema es el sistema. Lo que pasa es que cuando tu subes millones de canciones y la gente las escucha, al artista le llega por cada canción, al artista que no es muy conocido, pues casi no le llega nada y esto afecta también a la venta de discos, como vas a comprar un disco si lo puedes escuchar gratis en estas plataformas. Yo pienso que para que la industria funcione, para que haya nuevos grupos, nuevos artistas, que van a intentar vivir de la música hay que apoyarles. Yo creo que la industria se ha convertido en comida fast food, de usar y tirar, no hay el valor de ir a comprar un disco, escucharlo, primero te entraran los singles y después de escucharlo unas siete veces irán entrando las otras canciones poco a poco a gustarte incluso más que los singles, es un pequeño viaje, es como leer un libro. No creo que esté ayudando esto de las plataformas digitales. Lo que si es que hay que pagar algo porque sino cómo vamos a fomentar buenos artistas y buenos grupos si no cobran por su trabajo. El disco lo puedes conseguir en Amazon, iTunes, 7 Digital etc. Si prefieres el CD personalizado puedes seguir pidiéndolo a través del email de contacto, longlongroad1@gmail.com FOTO: Daniela Decker

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ISABEL MARCO

Son muchos años los que sigo detrás de la carrera de Isabel Marco. Esta gran artista que empezó sus primeros pasos en solitario, formó también durante 18 años parte del grupo Insolenzia, uno de esos grupos que quieres muchísimo y tristemente desaparecen. Después vendrían dos grandes discos en solitario “Quiero ser agua” (2018), “Nada será igual” (2019) un disco que compaginó su embarazo con la composición y ahora es el turno de su nuevo disco “Sin domesticar” un disco de esos que te acompañan a lo largo de los años.

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Tu anterior disco “Nada será igual” lo escribiste mientras estabas embarazada, ahora llega “Sin domesticar” la composición de este disco ha sido con tu peque Daniel en brazos. ¿Surgen otras historias, otros problemas a los que cantar cuando te conviertes en mamá? Para una persona que escriba sobre maternidad y crianza supongo que sí, pero no es mi caso. Quizá la maternidad cambia alguna perspectiva sobre la vida y eso repercuta en la manera de escribir o componer, pero sigo teniendo la misma visión puesta en la sociedad y situaciones cercanas o cotidianas a la hora de escribir mis canciones; me gusta que Dani esté presente de alguna manera en ese espacio de cotidianidad del que me gusta escribir. Dani me acompaña, me inspira y me da energía para seguir. “Mientras los abuelos cuidan de Daniel, tu buscas versos perdidos con tu guitarra” Se habla mucho de la conciliación familiar en el trabajo ¿Cómo se lleva esto de tener un hijo y conciliar con la familia dedicándose a la música? Como en todas las familias es difícil y cuesta mucho esfuerzo ir a trabajar y dejar de estar con tus hijos. Yo tengo la suerte de tener muy cerca a los abuelos que cada día me ayudan a poder seguir trabajando, que cuidan de Dani cuando voy a ensayar o tengo conciertos. Muchas veces que tengo concierto lejos de casa, para poder regresar a casa para estar con Dani por la noche, viajamos toda la familia, incluidos perro y gato. Tenemos espíritu ambulante.

Según me comentaste la última vez que nos vimos marchabas a Asturias a grabar, imagino que sería este disco. Sí es así, has repetido estudio de grabación Ovni Estudio. ¿Por qué volver a Asturias? Asturias es una tierra que inspira y tengo allí la posibilidad de pasar temporadas largas en una pequeña aldea rodeada de naturaleza, alejada de las calles con tráfico constante… Es un lugar que me facilita la composición de canciones y, además, en Ovni trabajo muy a gusto. Pablo Martínez me conoce muy bien, desde el principio supo ver lo que quería de mis canciones, nos entendimos y es un placer trabajar con él. ¿Por qué no volver? Como productor y técnico no tengo más que buenas palabras para él, y como persona todavía mejores; me aporta lo que necesito, sobre todo a nivel de ambiente de trabajo, algo que valoro muchísimo. Siempre se dice que el último disco es el mejor, pero en esta ocasión, es que es cierto, para mi lo es. Una vez terminado el disco ¿Qué sensaciones tienes de “Sin domesticar”? Estoy muy orgullosa de todas las canciones de “Sin Domesticar” tengo muy buenas vibraciones de todo este trabajo. Ahora tengo muchas ganas de presentarlas, de que la gente las escuche y las pueda vivir a través de los directos. Desde que lo acabé tengo una sensación de cierta ansiedad y nerviosismo por mostrar mi último trabajo, yo estoy muy satisfecha, por eso espero tener un buen feedback.

Tengo la sensación que con “Sin domesticar” has encontrado un lugar donde te encuentras muy cómoda componiendo, muy cercano a eso que llaman la american music. ¿Escuchas artistas a la hora de preparar un nuevo disco o intentas alejarte de ella para encontrar tu estilo? Escucho música todos los días, es un vicio confesable al que no quiero renunciar. Es difícil componer pensando en esa idea de pureza de estilo, pues desde el minuto uno en el que nacemos y nos cantan la primera nana ya estamos influenciadas por algo; así que no quiero castigarme sin escuchar música cuando voy a componer; pero no escucho para componer, escucho música por placer. ¿Cuándo te gusta hacer “trampas al reloj”? A cualquier hora. Vivo bastante ajena a los relojes y calendarios. Por desgracia en esta vida es necesario llevar una agenda, si no no llegaría a ningún concierto. Pero he de confesar que soy bastante desastre con la medida del tiempo, así que prefiero pensar que le estoy haciendo trampas. “Electricidad” ha sido el primer single que se ha extraído de este nuevo disco. Quizás la canción con más distorsión del disco. ¿Por qué elegir esta canción como adelanto del disco? Porque es una canción enérgica, con fuerza, que habla de sexo, algo que le gusta a todo el mundo. Electricidad me parece un tema con mucha presencia y que transmite perfectamente esa primera idea que nos viene a la cabeza cuando pensamos en la vida sin domesticar, habla de un momento de nuestras vidas en el que todas las personas nos mostramos salvajes, ¿no te parece? Una de mis favoritas y que me ha hecho caer alguna lágrima es “Huida hacia ninguna parte”. ¿Cómo surge hacer esta canción? Surge casi por accidente. Vi un documental sobre vidas de personas que han tenido que migrar de su país, que buscan algo mejor en lugares lejanos para sacar adelante sus vidas o las de su familia. “Huida hacia ninguna parte” habla de la vida de una mujer que emprende este camino y a lo largo del viaje sufre todo tipo de vejaciones de quien se supone que ha de cuidarla para llegar a su destino, un destino en el que nadie la espera, en el que además no va a encontrar cariño. Me parece muy triste que existan estas historias, que otras no puedan existir porque se quedan en el camino y que, sucediendo tan cerca, les demos la espalda. Que las políticas no amparen a estas personas, que se les deje morir y se les expulse. Me parece atroz. El disco se cierra con la canción “Ya tengo ganas”. Si antes de la pandemia la cultura en este país nunca había sido cuidada, vino una pandemia y nos dejó huérfanos. Creo que todas somos víctimas de esta situación, todas tenemos muchas ganas de que el rock nos envuelva, tanto las personas que nos subimos a los escenarios, como las que nos gusta disfrutar de la música o la cultura en general. “Ya tengo ganas” es una canción que habla de anhelos, ansiamos disfrutar de la cultura, de la música en directo como lo hacíamos antes. Hemos vivido momentos difíciles. ¿Qué es lo que más has echado en falta desde que

empezó la pandemia? He pasado mucho tiempo echando en falta los abrazos y los besos de mis padres, creo que eso ha sido lo que más eché de menos. En segundo lugar, ver las caras de la gente en los conciertos, todavía se me hace muy raro ver a la gente sentada y con mascarilla, no te deja ver sus reacciones, expresiones, si están cantando… se pierde mucho feedback con el público. Antes de terminar esta entrevista, necesito transmitirte de parte de nuestros oyentes y de mí, que una de las mejores canciones que hemos escuchado hasta el momento este año la publicabas este verano “Recuerdos de oro y cristal”. ¿Saldrá dentro del disco? Muchas gracias. “Recuerdos de oro y cristal” no forma parte de las canciones de “Sin domesticar”. Es un encargo que me hizo Gobierno de Aragón para felicitar a las personas que se dedican a la docencia. Yo quise enfocarla como una canción de agradecimiento a esa persona que todas nos hemos encontrado a lo largo de nuestra vida de estudiantes que, de alguna manera, nos ha abierto los ojos hacia algún territorio o ámbito de la vida que nos ha terminado fascinando. “Las palabras, las ideas pueden cambiar este mundo de locos” este fue el mensaje que escribió en la pizarra el maestro. ¿Todavía crees en esa frase? Sí, soy una persona optimista; aunque cada vez faltan más referentes que transmitan un mensaje con palabras e ideas de respeto, o quizá se da más bombo a las que hablan de odio, de segregación, de machismo y homofobia. Creo que hoy es muy importante que en las aulas se escriban mensajes que condenen estas lacras. Puede que se dé por sentado que no hay que explicar los derechos humanos, pero el populismo de partidos fascistas está haciendo mucho daño en jóvenes que quieren identificarse con una ideología y, hay que intentar que, aunque griten, no se les oiga tanto, que no se les haga tanto caso, desmontar sus argumentos; creo que las aulas es un lugar perfecto para ello. Este disco en parte se financió a través de un crowdfunding. Cuando uno consigue el objetivo que es lo que siente. Una gran sensación de agradecimiento hacia toda la gente que se ha animado a participar. Y también de alivio, porque la verdad es que se hace porque se necesita para poder dar ese empujón al lanzamiento de un disco. ¿Tu anterior trabajo salió en formato de vinilo, este también lo hará? Sí, también va a estar en ese formato. Es un formato que gusta bastante y el sonido es muy característico. Además de lo evidente de ver la publicación en tamaño grande.

SÍGUENOS EN: @isabelmarco.oficial

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BUISAN BUISAN es un dúo argentino de música electrónica y tecno pop formado por Enrique Ángel Buisan & Christian Martínez Buisan. Enrique y Christian, ambos se han sentido atraídos por la música desde muy pequeños y, ya en su adolescencia, esta se transformó en una pasión que los llevó a componer juntos, y con amigos, sus primeras canciones en Buenos Aires. Un arrebato de creatividad del que saldrán más de cincuenta canciones con las cuales intentaron darse a conocer al mundo a finales de los años noventa sin mucho éxito. En el año 2003 abandonan el proyecto musical dedicándose a otros asuntos profesionales y personales. En el año 2017, en un encuentro casual con el compositor, productor musical y cantante Javier León en Madrid, terminó en la grabación de su primer álbum de estudio, “Agente 99” , llamado así en honor a la primera banda de Enrique y Christian. Entre el 2018 y 2021 lanzaron varios álbumes y EPs colaborando con los artistas españoles Salvador Tóxico y Domine, el argentino Electrochongo y el italiano LudoDream En octubre de 2021 los BUISAN han lanzado, junto al artista madrileño TEENAGE, “Carne de perdón”, primer single adelanto de su cuarto álbum “Música para escuchar en el fin del mundo” que se publicará a finales de este mismo año. Sus influencias musicales son muy variadas y van de la música electrónica al heavy metal, del pop a la música clásica, de Abba a Guns & Roses, de Raffaella Carrá a Depeche Mode, de Jean Michel Jarre a Soda Stereo, etc. @BU1SAN

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VERÓNICA LUCÍA Con cadencias es el primer disco de la Lanzaroteña Verónica Lucía, una joven intérprete de 17 años que comenzó a recibir clases de canto en Lanzarote a la edad de 10 años, actualmente estudia 2º de bachillerato de arte y recibe clases de canto y piano. Desde muy temprana edad mostró aptitudes para la composición que ha querido plasmar en este disco. A pesar de su corta edad su potente y magnífica voz les transportará a diferentes géneros musicales mezcla de sus raíces cubanas con su tierra natal Lanzarote, demostrando su versatilidad como cantante en este disco titulado: Con Cadencias El primer tema el bolero: “Pregón a Canarias” es un homenaje a la belleza de su tierra y a la buena gente de las Islas Canarias. “A Ella” es una balada-pop a piano y voz compuesta por Verónica Lucía nacida desde el amor y dedicada a su madre. “Luna llena” es un Lamento Cubano-Chachachá, una oda de añoranza y un llamado a la esperanza y a la reflexión hacia el pueblo de Cuba, tierra natal de su padre autor de la misma. “Chica de Yaiza” es un joropo, dedicado a una chica trigueña de Yaiza, la esposa del autor que recrea sitios del pueblo de Yaiza en Lanzarote, y que hace un guiño a esa música latinoamericana que trajeron los canarios de regreso a su tierra. El surgimiento de las mal llamadas manadas y la polémica sentencia contra la más conocida, donde el fallo de un juez fue (abuso y no violación) es el centro de esta rumba flamenca: “No más nadas” en defensa de la mujer. Durante la soledad y el aislamiento que trajo consigo la pandemia del Covid-19 afloraron en ella miedos e incertidumbres que la autora Verónica Lucía quiso expresar en la letra de esta balada-pop: “Sola” El último tema “Culpable” es un reguetón-romántico que habla de una relación amorosa, donde se combina el reguetón, la salsa y la batucada @Verónica Lucía

@verónica_ _canaria

“Estudio de grabación especializado en producción, grabación y mezcla de Rock y Metal. Numerosas referencias discográficas nos avalan”

newlifestudios@hotmail.com 679441592 / 651321026 lhmagazin.com

DINARÉS SABÍAS que...

Jorge Dinarés es cantante y creador de canciones y poemas. Empezó a escribir y componer con catorce años, vivió la movida madrileña de muy joven, creó el grupo Mente en Blanco con el que en los noventa publica el disco “Ellas y tú” (Barsa Promociones).

DISCOGRAFÍA

Tras la ruptura del grupo, siguió componiendo y desarrollando sus conocimientos musicales: Songwriting de Berklee University, Fundamentals of Music Theory of University of Edinburgh, Producción musical y su efecto en la composición de Berklee University, así como distintos cursos de poesía en Fuentetaja Literaria y la Escuela de Escritores. En 2013 inicia su carrera como Dinarés. Ha publicado cinco álbumes de estudio: “Todo en tu mirada” (2.013) “Maletas vacías” (2015) “I’ll be ready” (2017) “Sé que estas ahí” (2.019) “Gracias” (2.021) un EP: “Jazz Affaire” (2.021) con Antonio Serrano y Federico Lechner), un álbum en vivo. “Directamente” (2.020) y un poemario (“Fugaz” Editorial Huerga y Fierro) (2.018). Ha compuesto el tema principal de la película “De parte de tu ex” (2.014) y ha co-escrito la banda sonora de la película “La Pasión según Pep Amores” que se ha estrenado en 2.021.

“Todo en tu mirada” (2.013)

“Maletas vacías” (2.015)

“I´ll be ready” (2.017)

“Sé que estas ahí” (2.019)

“Gracias” (2.021)

“Jazz Affaire” (2.021)

Ha colaborado con Antonio Serrano, Federico Lechner, Toño Miguel, Pablo Navarro, José Nortes, Kim Fanlo, Gladston Galliza, Paco Bastante, Rafa Martín y Toni Mateos entre otros. Su reciente disco, “Gracias”, que ha coproducido artísticamente con Pablo Navarro, ha sido publicado en abril de este año. Consta de catorce temas que componen su trabajo más maduro e intenso hasta la fecha. Actualmente está grabando, con la producción artística de Antonio Serrano y Federico Lechner, seis temas que completarán los ya publicados en Jazz Affaire, para confeccionar un LP de temas propios arreglados en clave de jazz.

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LA MARE

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Dentro de muy poquito se pondrá a la venta el tercer disco de La Mare que llevará por título “Mi raíz”, una canción que salió como single adelanto de este disco a finales del año pasado. Gaditana de nacimiento, afincada en Madrid, en esta canción nos habla de la necesidad de abandonar la ciudad para volver al mar. ¿Cuándo surge la necesidad de volver a la raíz? Hace ya mucho años que me fui de Cádiz, por estudios primero y por trabajo después, y ha sido en Madrid, al llevar cuatro años en la ciudad, que empecé a echarlo mucho de menos. Tanto que llegó a niveles bastante obsesivos con él!! Llegando a escribir todo alrededor del mar… creo que con este disco, que es Mar por todos lados, ya me quedo tranquila y podré ser menos monotemática en el próximo! De momento sigo en Madrid, pero el punto de mira está cerca del mar. La música de La Mare es como una coctelera en la que tiene cabida lo africano, lo cubano… todo bien agitado con músicas más cercanas como la rumba, dan vida a un estilo que poquito a poco se está haciendo un hueco importante en el panorama nacional y latino. ¿Hay algún tipo de música que no tenga cabida en esta coctelera? Como bien dices, me gustan mucho las músicas del mundo, los ritmos tradicionales, los folclores… no siento rechazo por ninguna música (sí por las letras que por costumbre acompañan a algunas músicas) pero sí que hay músicas con las que no caso mucho, como el heavy o el metal, no me veo componiendo sobre estos ritmos, de partida, pero todo está por ver!! Unas distorsiones nunca sientan mal! En este nuevo trabajo habrá estilos de música más cercanos a la raíz de La Mare como son tanguillos de Cádiz, las bulerías, la rumba e incluso el charro. ¿Se introducen estos estilos porque uno va creciendo como músico y los entiende mejor o ha sido por la búsqueda de hacer algo distinto en este nuevo disco? Es más lo primero, una va aprendiendo y descubriendo y hay ritmos que se te agarran al pecho y quieren hacerse canción contigo! Algo así me paso cuando descubrí el charro, sabia que quería componer algo sobre este ritmo y para ello conté con Alba Chacon, del grupo Zagala, y entre las dos construimos toda la parte rítmica con Panderos cuadrados y panderetas, y quedó genial. O por ejemplo los tanguillos, esa canción se compuso prácticamente sola y eran unos puros tanguillos de Cádiz y nada me hace más feliz que cantarle al mar sobre la música típica de mi tierra. Ambas canciones han sido grabadas con unas colaboraciones increíbles, tenéis que asomaros por el disco. “Salpicame” es otro single que es un adelanto del disco. Una canción que según he podido leer en tus redes sociales nació en mitad de un enamoramiento sin frenos ni límites. ¿te gusta escribir sobre tus experiencias vividas? ¿sirve de terapia? Si, muchísimo. No es solo que me guste es que además es inevitable. Creo que las mejores canciones se escriben desde un sentimiento que te atraviesa, sea cual sea la temática, cuando consigues transformar una emoción arrolladora en canción, nacen canciones hermosas que sanan a quien las

compone y a quien las escucha. Para la producción del disco has contado con Diego Galaz (La MODA, Pedro Pastor, Fetén Fetén…) ¿que trabajo de Diego hizo que te decantaras para que produjera este disco? Fetén fetén es una banda que escucho desde hace mucho, sobre todo sus discos instrumentales. Cuando Pedro Pastor sacó el disco Vulnerables, noté muchas cosas en el sonido que me encantaron y sobre todo vi el crecimiento de la banda. Le pregunté a Pedro y me dijo: Diego. Y ahí me lo planteé, le tiré la caña y me dijo que sí y aquí está Mi raíz con su firma y su elegancia. ¿Cómo viviste la pandemia y cómo ha afectado al lanzamiento de este disco? A nivel laboral… qué te voy a contar, un destrozo jajaja al menos ya puedo reírme. Para mi ha supuesto aplazar MI RAÍZ un año, que se dice rápido pero pasa lento y olvidarme de hacer conciertos en un tiempo. Por suerte, entre la ayuda de autónoma y varias formaciones online a las que me he dedicado, he sobrevivido dignamente, en lo que a lo económico se refiere, pero a nivel emocional ha sido muy difícil. La incertidumbre ha sido muy grande y constante y eso te va minando por dentro. Parece que ahora se ve algo de luz, al menos vamos a presentar el disco y parece que la gente va a poder bailarlo! Me parece increíble y la espera ha valido la pena pero si, ha sido difícil mantenerse a flote a veces. ¿Cómo crees que se ha tratado a la cultura en este país? Pues no muy bien, a la vista está la cantidad de movimientos de protesta que han surgido. Ayudas deficientes con requisitos a los que muchas/os no llegaban precisamente por la precariedad en la que se mueve este ámbito (pagos en negros, contrataciones temporales…); teatros cerrados y aviones y AVES repletos…Se ha visto claramente qué es lo que prima en este país y ha sido una incoherencia imposible de esconder. Por otro lado, la pandemia ha sacado a luz todo el trabajo que hay detrás de la cultura y eso es importante, visibilizar todo lo que hay detrás de la hora de show que ves desde una butaca. Durante el 2019 estuviste por latinoamérica presentando tu anterior disco “Sal, arena y mar”. Hay muchos artistas que han cruzado el charco y dicen, que allí, se está viviendo unos años buenos como los 80`s de aquí. ¿Se demanda más cultura en latinoamérica que aquí en España? En mi caso, no lo he vivido así. A ambos lados del charco he vivido la euforia que la música provoca en la gente y la demanda de cultura y buena música. Quizás en el próximo viaje, que ojalá sea pronto, pueda contarte más. “Viento de levante” ha sido otra canción que se ha adelantado de este disco y que cuenta con la colaboración de La Mari de Chambao. ¿Qué significa para ti esta gran artista y cómo surge la colaboración? La colaboración surge de manera muy natural. La Mari es una artista que admiro tanto como la gran mayoría de este país y otros tantos. Su voz remueve las entrañas y hay tantas canciones que me han emocionado en su voz… Empezó a comentarme

algunas cosas en redes sociales y por ahí hablábamos de vez en cuando, hasta que nos encontramos hace dos veranos en una playa de Cádiz y nos saludamos como si nos conociéramos de toda la vida. La Mari es naturalidad y alegría pura, todo es fácil a su lado y también todo es risa. Al poco, andaba yo rematando las bulerías y, en mi cabeza, las escuché en su voz. Se lo propuse en un audio de whatsapp y su respuesta fue otro audio con el estribillo cantado con su voz ya por arriba… ahí me morí de la alegría y de ahí palante con todo! Luego ha sido todo muy fácil, la Mari se ha adaptado mucho a las fechas que proponíamos para grabar, lo cual le agradeceré siempre, porque me ha regalado una de grabaciones más bonitas de mi carrera musical. Soy un apasionado de los carnavales de Cadiz, sus chirigotas, coros, cuartetos y comparsas. ¿Te gustan y hay algún compositor en especial que te guste más? Me encanta el carnaval de mi tierra. Mi compositor es Juan Carlos Aragón, que en paz y rebeldía descanse. Ha sido un revolucionario siempre dentro del carnaval, sus letras, la música… desde adolescente me volvía loca y llevo muchas de sus coplas grabadas en el corazón para siempre. Y para terminar qué nos podrías adelantar a nuestros lectores sobre tu nuevo disco. Mi raíz es un disco muy puro y muy fresco. Alegre y con sus toques de emoción, humor y ritmo. El sonido es muy orgánico, todo lo que suena esta tocado con manos e instrumento, no hay trampa (lo cual no significa que no me gusten las trampas, solo que en este disco no hay:)). Abarca muchos temas en sus letras pero sobre todo hay mucho Amor, en todas sus formas (amor de dos, amor de Tita, amor al mar…) y mucha rebeldía. Después de todo este tiempo, lo escucho y escucho mucha luz y mucha verdad, además de que se te mueve el cuerpo solo con muchos de los temas. Así que estoy feliz y satisfecha y sobre todo, con infinitas ganas de llevarlo a los escenarios.

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Tras Puraposse se encuentra Aguayiko un pilar importante de Kaotiko. El mundo de la música es difícil, tener una banda como Kaotiko que funciona, que dan sus bolos, que tienen una importante legión de seguidores… ¿Por qué volver a publicar un nuevo disco con Puraposse? Se vuelve a publicar nuevo disco porque se han trabajado unos buenos temas y no tuvimos ninguna duda de que tenía que ver la luz. En Puraposse los que estamos somos los que más o menos viajamos con Kaotiko en la furgoneta. Todos somos de la familia, uno conduce otro afina las guitarras, otros tocamos... pero al final todos somos de casa. Todo esto del segundo CD surgió a raíz de quedar en el local para hacer meriendas. Entre chuleta y chuleta, cogíamos los instrumentos y nos poníamos a tocar. Con cualquier base que tenía por aquí nos poniamos a darle vueltas y al final salía una canción. De unas cuantas canciones que te-

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níamos, elegimos las que más nos gustaban y al estudio que nos dirigimos. Yo vivo para la música y aunque tenga a Kaotiko, me gusta mucho componer. Me meto en el local a las 10h de la mañana y no salgo hasta las 20h de la tarde. Tengo tantas canciones que me da para Kaotiko y para Puraposse, así que cuando Kaotiko deja fines de semana libres, los relleno yendo a cualquier lado a tocar. El disco se abre con el tema “Las calles” esas calles en la cual nos hemos criado muchos. ¿Ha ganado la era digital a las calles? Sí, creo que los niños deberían de salir más a la calle y dejar las pantallas a un lado un poco. Estar más con los colegas, ir a llamarles al timbre para que bajen a jugar a la peonza o a coger lagartijas. Creo que no dejan salir tanto a los niños a la calle por miedo. La tele nos mete mucho miedo.. Recuerdo que con 6 años estaba en el río del pueblo intentando pescar y lo

único que hacía era llegar mojado a casa y recibir una bronca. Pero esas vivencias creo que fueron lo que nos hizo tener unos principios, valorar lo que tenemos y respetar a los mayores, cosas que a día de hoy brillan por su ausencia en muchas casas. Mucha culpa de todo esto es de la gente que pone las pantallas delante de los niños para que ellos estén más tranquilos. Mientras el niño no llore, no me estreso y encima puedo ver la tele tranquilo... Así se genera la rueda: los padres ven la tele, cogen el miedo, no dejan salir a curtirse a la calle sus hijos y vuelta a empezar. ¿Hay todavía nervios después de tanto tiempo en el mundo de la música para subirse encima de un escenario? Siempre hay nervios, eso nunca se me ha quitado del estómago. La primera vez que me subí a un escenario fue en 1996 y siempre me han acompañado, sea escenario grande o pequeño. A más de uno en la

siempre me han acompañado, sea escenario grande o pequeño. A más de uno en la banda nos pasa que los nervios y la presión aprietan y casi siempre, antes de poner los pies en el escenario, los ponemos en el baño para descargar todo lo que llevamos dentro, es decir, echamos un buen truño. Habiéndonos quitado un buen peso de encima, subimos algo más tranquilos para arriba. En muchas ocasiones se ha matado al Rock and roll. ¿Hay ahora un público joven que le guste el rock and roll? Sí, la hay, y más que va a haber. La base de toda la música que se escucha hoy en día viene del Rock and Roll. La reivindicación en los textos que se usan en el rap y en otros estilos de música empezaron en el Rock y el Punk. La música ha evolucionado, hay más música digitalizada, que por un lado nos ha ayudado a componer más fácil, pero que por otro lado ha perdido la frescura de la improvisación. Están por venir

oleadas de Rock and Roll. El disco comenzó a grabarse en octubre del 2020 y se terminó este año en marzo con una pandemia de por medio. En “Eyacula” se habla de una nueva orden inventada y de una revolución. ¿Cómo se puede terminar con esa nueva orden? Las órdenes no están en nuestras manos, están en manos de gente que gobierna. Que más que gobernar, lo único que hacen es ser corruptos y cuidar que no les falte de nada en sus mansiones. Hoy, dicen que tenemos que salir con la ropa interior azul y palomas blancas, lo imponen y fuera, ¡a eso lo llaman libertad! Lo que queremos decir es que no se quede la gente en casa, que se estruje el cerebro un poco, que no se dejen condicionar por lo que dice la tele. La tele y algunos medios de comunicación tienen la orden de unos cerdos, de transmitir el mal y crear el pánico, para que así la gente esté acojonada en su casa y no dé muchos problemas. El disco ha sido grabado por Juki (Kilauea) ¿Por qué elegirle para la grabación de este segundo disco? Juki es colega de Jokin (batería de Puraposse), tocan juntos en Kilauea. Juki tiene una visión de la música que me gusta mucho, le gusta sacar el sonido del amplificador, sonido a válvula. Para este disco quería que las guitarras sonaran con un poco menos de distorsión que en los discos que venía haciendo anteriormente. Fuimos al local donde ensayan Kilauea. En principio fuimos con la idea de hacer una maqueta para nosotros, y más adelante hacer el disco. Nos gustó tanto el tipo de sonido que sacó Juki, que dijimos ¡esto va para el disco directamente! Sonaba fresco, natural y es justo lo que queríamos. Fue una experiencia muy guapa, muy de local, no parecía que estábamos grabando un disco, estábamos echando unas birras y poco a poco íbamos grabando cosas. Como en pleno siglo XXI todavía hay partidos políticos, personas que piensan en el racismo, que no creen en la violencia de género, que todavía creen en la desigualdad social para su bienestar… ¿Por qué pensáis que esto sigue sucediendo? ¿Qué se ha hecho mal? Esto empieza por los cerdos de arriba, que dicen que los homosexuales tiene una enfermedad, que la gente de color son malos y no tienen los mismo derechos... Muchos medios de comunicación son los que enferman a la gente, dando información que dé audiencia, que normalmente son malas noticias. La gente se cree lo que ve y lo que escucha, ¡hay que salir más a la calle y ver lo que se cuece! Desahucios, gente pidiendo para comer... Esto es lo que está pasando en nuestras tierras, está llena de cerdos con distinto collar. “Sin ausencia” habla de las ganas de ver a los amigos, volver al bar, del barrio, de la necesidad de sonreír… ¿El contacto humano ha sido de lo más difícil que hemos vivido últimamente? Cada uno en su casa, ha vivido lo que ha vivido. Para cada persona el umbral del dolor está en un lado diferente. Unos se enfocan más en sentimientos, otros en no poder beber una cerveza acompañados de sus colegas. Para unos, su droga era salir a

hacer deporte, otros querían salir a comprar droga... cada uno tiene su mundo. Pero creo que lo más duro ha sido que la gente mayor no pueda ver a sus familiares, no poder recibir el cariño de sus nietos, hijos o quien sea. Así que cada uno lleve a su territorio la canción y si le hace pasar un rato un poco mejor o le ayuda a olvidar un poco la mierda que nos han hecho vivir, pues de puta madre. A veces pienso que esta sociedad se está deshumanizando con tanta digitalización. ¿En el progreso todo vale? No, todo no vale. En el 1996 cuando grabé el primer disco de Kaos Etiliko “No Hay Agua”, fue cuando empezó la piratería. De este disco se vendieron bastantes copias. Las discográficas ya empezaron a notar que algo estaba sucediendo y que había llegado para quedarse. Efectivamente, el segundo disco de Kaos Etiliko “ Porsupueston” tuvo mucha repercusión, pero ya discos físicos no se vendían. Por otro lado, la digitalización ha facilitado el poder componer solo en casa, programar baterías, meter bases y una infinidad de posibilidades. La llegada de la digitalización creo que ha distanciado un poco a los integrantes de las bandas. Antes nos metíamos en el local todos, tocábamos y lo grabábamos con un radiocasete. Tenías que desarrollar la creatividad, te hacía falta que un batería te estuviera haciendo un ritmo y esto daba pie a que propusiera hacer algún cambio o lo que sea. Hoy en día se llevan las canciones casi hechas al local y solo queda tocarlas. La digitalización es un arma de doble filo, pero como siempre digo, hay que sacar siempre la parte positiva de las cosas. De estos y más temas es de lo que se habla en este segundo trabajo de Puraposse llamado “Sírvase” ¿Por qué “Sírvase”? Todo empieza por la portada. Es una portada que la tenía pensada hace mucho tiempo. Va enfocada a muchas cosas, empezando por la gente a la que no le gusta lo que hacemos, ¡que se sirvan de ella para limpiarse el culo! y para la gente a la que le mola y disfruta escuchando nuestra música, ¡que se sirva de notas con droga que grabamos para ellos! Una forma educada de dirigirla a cada persona según lo que le transmitimos. De última hora, añadimos unos labios a la portada. Nos había salido una balada y otra canción habla del el asco que nos dan l@s homófob@s, cuya letra dice: “respeto con cuchillas afila el pintalabios escupe hormonas fuego a discreción”, decidimos dejarlo caer sutilmente con esos labios impresos en el rollo de papel. SÍRVASE todo el mundo, para lo bueno y para lo malo.

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Elena la vocalista del grupo Curly Mane viene de una formación llamada Lizzies tras su disolución Elena encontró a Willy (guitarra) quien se embarcó enseguida en el proyecto de formar el grupo después recaló Santi (bajo) y más tarde Carlos Badanelli (batería). Así es, y ahora Kash Pinnipler es quien está frente la guitarra y formando parte de la familia Curly. El segundo corte del disco da título a este Ep y es toda una declaración de intenciones “I need rock and roll” ¿Hay o no hay rock and roll? Hay mucho Rock and Roll, por eso se titula así el disco, es lo que hacemos y amamos. Michael Jackson llegó en tu infancia después vendrían Guns and Roses, Beatles, Joan Jett, Judas Priest, Motorhead, Black Sabbath, Dio, Ozzy, Pearl Jam… Pilares de Curly Mane que tiene una estética muy de los 80`s. ¿Es para vosotros la mejor década de la música? Cada década del siglo XX tiene su sonido característico, son diferentes y concordes al momento y lugar histórico en el que surge cada estilo. Los 80´s me llegaron muy hondo desde muy pequeñita, es como si hubiese estado allí a pesar de haber nacido en los 90. Su estética, espíritu y actitud son partes de mi identidad. Fue una época increíble para la música popular, no me atrevería a decir que la mejor, ya que todas son especiales en si mismas. Este primer trabajo ve la luz en un formato de vinilo. En la era digital que nos quieren vender o en la que ya estamos ¿Por qué sacar este trabajo en ese formato? Es una forma de dignificar una obra musical, materializarla y eternizarla. Efectivamente hoy en día reinan las TICs, han transformado nuestra vida cotidiana al

completo, por supuesto también la forma de escuchar música. Los contenidos que se publican en las redes sociales y plataformas digitales suelen ser efímeros, bajo mi punto de vista la música está en peligro por esa nueva forma de creación de contenidos exprés para su posterior desecho casi inmediato. Obras que circulan por los medios y redes más de una semana quedan casi obsoletas y anticuadas. Incluso para la psicología social está siendo un reto ya que cada vez los contenidos satisfacen menos al público, y esto es por la ausencia de conexión verdadera con ellos, por la ausencia de transmisión de un mensaje con profundidad. El vinilo está en pleno renacimiento y es precisamente porque rompe con la forma de presentar contenidos digitales, te permite tocar una obra de arte casi total, portada, letras, incluso el disco es palpable. Por otra parte y ya termino, las personas melómanas suelen preferir la música en vinilo, yo misma tengo mi colección de discos, así que cómo no sacar el mío propio. El disco se abre “Its a Shame” ¿Debe ser la música una arma para denunciar la situación actual que se está viviendo como en este caso es la del empoderamiento? It´s a shame es una canción que habla de la toma de consciencia del poder propio, todas las personas somos poderosas como seres humanos, pero el ambiente y condicionamientos sociales dificultan que nos demos cuenta de ello.

CURLY MANE

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Por supuesto la música es una forma de expresión de todo aquello que la persona que la crea necesite expresar, emociones, pensamientos, y como no es una forma de denunciar todo aquello que nos perjudica y nos limita en nuestro día a día. “2020” ¿Cómo vivisteis ese año y como ha afectado al lanzamiento del disco? Es un año de transiciones, donde todo se ha descolocado para que se pueda establecer un orden nuevo en todas las dimensiones humanas. Como si hubiera sido un puente hacia un periodo completamente nuevo. Dentro de ese caos se ha tenido que adaptar el lanzamiento del disco y encontrar las vías para hacerlo de la mejor forma, eso he intentado. Lo que de verdad ha afectado ha sido no poder tocar en directo con normalidad, tanto para el público que suele asistir a conciertos como para las bandas, ha sido complicado de aguantar. De este tema hay un videoclip en el cual salís presentando un noticiero. ¿Qué noticia os hubiera hecho ilusión dar, en ese noticiero, que sucediera en el 2020? ¡Qué pregunta más difícil! En primer lugar, que todo el pueblo español (mejor todavía la ciudadanía universal, aunque fuese demasiado ambicioso) se ha unido ante el despropósito político, el robo de libertades y las mentiras que nos quieren colar todos los días en los medios. Que la resistencia se hiciese grande y el pueblo no estuviera dividido por ideologías que sirven solo para crear un enemigo, que al

contrario, todas las personas estuviesen en unión y lucha por los derechos humanos y la libertad. Por otra parte, y esta noticia sería para el noticiero de 2021, que ya no se vuelvan a utilizar sillas en los conciertos y podamos vernos la cara al completo.

¿Cómo crees que se ha tratado al mundo de la cultura en este país? Se ignora, creo que hay muchísimo talento artístico en España y no se le pone nada fácil a los artistas emergentes, se tiene el arte en un segundo plano; empezando por los centros escolares, hay un problema de base, sistémico. “Young Old Woman” es un temazo en el cual se puede disfrutar de la gran voz de Elena, una especie de “Gold Ballads” espectacular.

¿Quién es “Young Old Woman”? Toda aquella mujer que se vea identificada con la letra es una Young Old Woman. La portada simplemente es espectacular ha sido dibujada por Sheila Puga. ¿Qué buscabas en ella? En un dibujo animado que transmite una parte de inocencia y pureza infantil, quería reflejar la fuerza de Curly Mane, es una presentación de la banda, una primera toma de contacto. El disco lo cierra el tema “Tough ain´t enough” un tema que en plan metafórico el boxeo se da la mano con la lucha del dia a dia. ¿Cómo es ese día a día para una banda que publica su primer trabajo? Tratar de defenderlo en la medida de lo posible teniendo en cuenta las circunstancias actuales. Trabajando para sonar cada vez mejor en el directo, seguir creando canciones partiendo de este primer trabajo como punto de partida y teniendo muchísima ilusión por poder hacer lo que más nos gusta; tocar Rock and Roll.

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D n o Kat V Has tatuado a grandes estrellas de la música como son Frank Iero (My Chemical Romance), Billie Joe Armstrong (Green Day), Ville Valo (Him), Papa Roach, Sebastian Bach (Skid Row), Lady Gaga, Christina Perri, Demi Lovato, Miley Cyrus entre otros. ¿Qué hay de estos artistas en tu música? Aunque he tenido el placer de tatuar a muchos artistas increíbles, no diría que ninguno de ellos haya influido específicamente en la música que hago. Aunque he conocido a muchos de mis amigos músicos a través del mundo del tatuaje y, a su vez, he podido colaborar con ellos en partes del álbum. Por ejemplo, tatué tanto a Linda Perry como a Dave Grohl, y me hice muy amiga de ellos en el camino, y una vez que anuncié que estaba haciendo un álbum, ambos estaban emocionados de trabajar conmigo en la música. Terminé escribiendo un puñado de canciones con Linda, ¡y Dave Grohl también tocó la batería en algunas canciones!

Tatuadora, empresaria, presentadora, influencer… y ahora publicas tu primer disco. ¿Por qué ahora entrar en el mundo de la música? La música siempre ha sido mi mayor pasión y la fuerza impulsora detrás de todos los demás medios creativos en los que participo. Me inspiré para escribir este álbum hace casi 10 años y comencé el proceso, pero la vida se interpuso en el camino de la vida con la filmación de programas de televisión, libros, lanzar una línea de maquillaje... Estudiaste piano y tienes una formación clásica. ¿Cómo llegas a la escena del rock? ¿Cuáles fueron esos grupos que te llevaron al rock? Mi primera introducción a la música fue a partir de la música clásica tocando el piano, luego fue el punk rock, y poco después descubrí el metal, que de inmediato me encantó porque el tecnicismo me recordaba mucho a la música clásica en muchos sentidos. Pero una vez que me aventuré en el mundo del post punk y los sonidos de onda sintética, ahí fue donde mi corazón se sintió como en casa. Bandas como Depeche Mode, Siouxsie y The Banshees, y The Cure realmente me hablaron a un nivel diferente, tanto sonora como líricamente. Para componer “Exorcism” te empapaste de muchas películas del género de terror,

a mi me gusta “El Exorcista” ¿Cual es tu película favorita de este género? La película del “El Exorcista” es todo un clásico, pero a mi me gusta “The Rite” con Anthony Hopkins para mi es muy interesante porque es él quien necesita el exorcismo más que todos sus clientes. Aunque esta canción concretamente va más por el lado del amor y de cómo te sientes que no tienes control de tu vida, de tus emociones… Es un disco conceptual con una temática que habla del amor, desamor, sentimientos… Sí. Yo lo escribí como diez años antes, yo estaba en una relación que era un poco tóxica. Yo ahora estoy feliz con mi marido, tenemos un hijo. “Love Made Me Do It” es un disco muy rico en cuanto a sonidos, estilos… pero en él hay muchos sintetizadores. Soy amante de artistas como Vangelis, Jean Michel Jarre.. Yo también

La formación del grupo es algo inusual, hay dos sintetizadores, una batería, una contorsionista… ¿No te gustan las guitarras? (risas) Tengo una canción con un poco de guitarra que se llama “Enough” con midi pero ya está, si está todo inspirado en los 80’s no hay hard rock o metal, pero a mi me gustan todos los estilos musicales. Ya estamos trabajando en el próximo disco y estamos haciendo una canción con mi amiga Charo y ella toca la guitarra y vamos a cantar en español. Yo pienso que no tienes que hacer solo un estilo. Ahora si escuchas música en plataformas de un determinado género y debido al big data ella misma te va proponiendo otros artistas pero siempre del mismo género. Yo creo que esto es un error porque no te deja descubrir otros estilos musicales. Son diferentes épocas, antes se escuchaba la música en la radio o se compraban discos y ahora se escucha en youtube… y si tienes razon con lo que cuentas. Yo no escribo para tener éxito, yo escribo desde el corazón. Yo pienso que esto hoy en día se ha perdido, hay que ser más honesto. ¿Por qué llevar una batería en directo si se puede llevar secuenciada? Porque suena más real y Dave Parley es un gran batería. Cuando estoy un poco deprimido me

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acuerdo del mar, siento la necesidad de ir al mar. Hay una canción que se llama “Lost At Sea”. ¿Tú buscas el mar cuando estás triste? La música es mi mejor amiga. Yo cuando estoy deprimida o enojada hay canciones que me apetecen escuchar unas más que otras. Cuando escribí estas canciones me sirvieron de terapia, pero sí es cierto que cuando las canto todavía las siento. Yo me siento muy orgullosa cuando alguien me dice que mis canciones les ha ayudado. Cierto que me gusta todo el disco pero hay una “Pretending” que me gusta más porque tiene un sonido muy de los 80´s espectacular (risas) Cierto (risas). ¿Son los 80 ‘s tu década favorita? Sí. Fue una época para mí en la cual había mucho talento, como en las grandes voces, la melodías, las letras… Muchos de los tatuajes que yo hago son inspirados por la música, para mi

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la música es una de las cosas más importantes de la vida. Pienso que lo que están escribiendo ahora los autores no me toca en el corazón, como la música de los 80´s. Es un disco que se ha realizado con mucho tiempo. ¿Estás contenta con el resultado? Sí, estoy muy feliz de como suena ahora. Lo escribí 10 años antes, pero durante este tiempo he hecho muchísimas cosas como lanzar libros, la empresa de maquillaje… todas estas cosas me estaban entorpecien do el camino de lo que realmente yo quería hacer que era la música. El año pasado vendí mi línea de maquillaje y ahora tengo todo el tiempo para enfocar mi energía en la música. Yo pienso que todo pasa en el tiempo que debe pasar,

yo tengo fé en eso. Se han ido lanzando singles, antes de la publicación del disco, cada uno con su

respectivo videoclip. El videoclip casi desaparece si no es por Michael Jackson y su famoso Thriller. Ahora gracias a la era digital está volviendo a ser una pieza importante dentro de la industria de la música.

Sí. Para mi los videos musicales no son una oportunidad para tomar unas fotos sexy, yo quiero hacer arte, yo quiero contar la historia de la canción, yo dirijo casi todos los videos y mi banda también me ayuda y yo creo que a los fans les gusta.

“Love Made Me Do It” se ha publicado en formato de vinilo con un diseño espectacular y unas fotografías preciosas. Tengo la sensación que a muchas bandas se les olvida el detalle de cuidar la fotografía. A mí me encanta comprar todavía mis discos y evito escuchar música en plataformas. Me encanta escuchar un álbum desde que empieza hasta que termina. Cuando era chica descubrí muchos grupos leyendo los agradecimientos que salen en los discos, espero que suceda lo mismo con mi disco (risas). Para este primer disco te has rodeado de grandes colaboraciones como las de Dave Grohl, Linda Perry, Dave Sitek (TV On The Radio), Peter Murphy (Bauhaus), Danny Lohner (Nine Inch Nails), Ladyhawke y Charo. Yo cuando era pequeñajo no me podía imaginar que podría entrevistar a mis idolos o incluso a ti (risas)... Yo soy el número uno de fans de todos mis amigos, tengo mucha suerte de tener amigos con mucho talento y además que me apoyan y quieren ser parte de mi música. Durante ese tiempo que estuve escribiendo me ayudaron mucho, además hice tatuajes a Dave Grohl y cuando le comente que iba a grabar un disco él me dijo que quería tocar la batería, que fuéramos a su estudio y ahí grabamos su batería para algunas canciones. Soy una afortunada de tener estos amigos y creo que viviendo en Los Ángeles también es un poco más fácil. FOTO PORTADA: Sequoia Emmanuelle FOTO POSTER: Jim Louvau FOTO INTERIOR: Sequoia Emmanuelle // band photo Jim Louvau

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Alberto Romero, que nosotros conocimos como Albertucho, ahora vuelve con nuevo trabajo llamado “Camino de vuelta” como Capitan Cobarde. Escuchando el título del disco enseguida se me venía a la cabeza un cante flamenco que se llama “Cantes de ida y Vuelta” y como sé que te gusta mucho el flamenco y el folk, quería empezar por ahí, ¿Tiene algo que ver este “Camino de vuelta” con ese camino del folk, el flamenco... esas raíces andaluzas? Camino de vuelta es porque tantos años que llevamos en la música,estamos un poquito de vuelta… y de todo… porque hemos experimentado de todo y hemos escuchado muchas músicas. En este disco, lo que he hecho en la producción es volver un poco al as raíces y tener un sonido más andaluz, que en los últimos discos que tenía. Son casi ya 20 años.. Sí 18. Tantos cambios de sello discográfico… (risas)… sí,creo que ya he pasado por todas las discográficas que existen.. Ahora ¿qué piensa uno cuando se plantea hacer un nuevo trabajo? Yo supongo que el amor a la profesión, el amor a la composición, el amor a la música y el amor a la vida que uno ha aprendido, es como una devoción, una religión, ya que va hacer uno si no es cantar lo que le pasa. Hay una canción que está dedicada a dos abuelas tuyas con alzheimer... Sí, una falleció ya y es una enfermedad que ha tocado mucho a mi familia y es un homenaje a sus vidas, porque es muy triste terminar los días de tu vida sin acordarte de la gente que te quiere es un drama muy grande. Una de tus canciones favoritas de este disco es Los Malos Cristianos Sí, a mi siempre me han gustado las letras oscuras, rebeldes y las que te hacen sacar la parte más oscura de ti mismo, porque forma parte del personaje que tú te creas… y esta es muy satánica… me gusta, me gusta. La religión siempre está por medio… Si, yo vengo de un colegio de curas, entonces conozco al enemigo (risas),la religión es uno de los grandes enemigos del ser humano. Hay una canción que se llama “Vergüenza” y enseguida lo he relacionado con un suceso que pasó en Chueca relacionado con el colectivo LGTBI, una manifestación fascista… y es una Vergüenza Sí, vamos a ver, está la gente bien pensante, humanista, la gente que piensa en el ser humano… y está la gente que destruye, que todo lo que somos lo destruye por el egoísmo. Creo que hay una cuestión muy cultural, creo que hay un problema de incultura. ¿Esta canción nace el día que entra VOX en el congreso? Totalmente. De hecho la canción la escribí ese día. Las lagrimitas salieron a la hora de escribirla, como casi todas las buenas canciones. Como tu sabes Andalucía es una tierra de caciques, es una tierra donde el andaluz ha sufrido mucho porque ha sido un latifundio de ricos y que de repente el andaluz vote a la ultraderecha y le dé la

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mano al hijo del torero, a la duquesa… da mucha vergüenza. Pero como te decía es una cuestión cultural porque hay muchos obreros hoy en día votando a VOX. Ahora los políticos son las nuevas estrellas del rock viven más de la publicidad que de las ideas, de las propuestas que deben proponer. Por eso yo estoy tan desencantado de la política. Llevo un poco de tiempo enfadado con lo que está sucediendo con los macrobotellones… Una cosa es ser estudiante y otra cosa es ser un guarro. Pero esto es como el que va a la playa y empieza a tirar su basura. Yo me pregunto si en su casa son igual de guarros. Lo que decíamos antes ser un facista es cosa de educación e imagino que ser un guarro pues también. Este disco lo produce un amigo, El Ratón. Sí, mi amigo Diego y admirado. Buscaba un sonido andaluz, es el primer disco en el que meto guitarras flamencas como de Albertucho que de Capitan Cobarde y quería que tuviera ese punto de discos que han nacido en Andalucía. Quería que sonara como discos de Triana, Pata Negra… todo ese rock andaluz y Diego es un gran conocedor del rock andaluz y por eso le pedí que produjera el disco. Diego es una enciclopedia del rock andaluz ¿Y Los Delinqüentes te gustaban? Hombre claro, claro. Eran una reivindicación total del sonido andaluz y cambió todo, le cambió la vida hasta a Kiko Veneno que estaba de capita caída y salió con ellos y relanzó su carrera. De repente era como si la música andaluza se hubiera reducido a mezclar reggaeton con flamenco y de repente salieron Los Delinqüentes y sonaba a rock andaluz a Jimi Hendrix, Beatles, y de repente volvía Andalucía a estar en el punto de mira de la escena rock. Los Delinqüentes para mi son un referente total. En el tema “Todas las mañanas” colaboran Ratón y Astola. Un tema en el cual se demuestra que te has puesto y mucho las pilas a la hora de escribir, Pero la producción del disco es brutal. Yo me atrevería a decir que es de las mejores de toda tu carrera artística. Sí, ten en cuenta que cuando van pasando los años uno tiene más claro lo que le gusta y a lo que quiere parecerse.. Este disco tiene un sonido muy americano muy rollo Ryan Adams con los timbales, un rollo muy newyorkino, pero muy sureño. En el disco hay un tema que se llama “El Juguetito” en la cual colabora Ana Boheme. Pero en esa canción hay un batera que según dices es el futuro de la percusión. Es una promesa ya y una futura estrella. Se llama Manuel y tiene nueve años. Como la canción habla de ese niño que llevamos dentro y que se nos pierde con los años, Teto que es el percusionista del disco y de Los Delinqüentes de toda la vida es profesor y me dijo que mejor que la batería la grabe un niño. Esta canción lleva dos años ya grabada y el niño sigue tocando y dicen que está despuntando y sólo tiene once años ahora. En plena era de youtubers, influences, videojuegos… ¿Les interesa a los jóvenes el rock?

Sí. Mira el otro día estuve en las fiestas de Fuenlabrada y había un grupo de chavales de 19 o 20 años haciendo rock and roll que parecían Los Platero y Tu. Hay esperanza, es verdad que las radio y las teles generalistas no apoyan la autenticidad, no apoyan el baraje, solo apoyan el treiding, el trap, las músicas urbanas esas que llaman ahora, la verdad es que es mas difícil cada vez encontrarte con rockeros, somos como una raza en extinción, pero se ven, menos, pero se ven. Yo me acuerdo cuando Reincidentes llenaban estadios ¡qué tiempos aquellos!

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DESHONRA “Deshonra nace en la ciudad de León en julio de 2019 tras idas y venidas de sus integrantes en la escena rockanrolera estatal. Con amplia trayectoria en los lomos de estos cinco amables caballeros, provenientes de distintas ramas del rock urbano, y de grupos con solera tales como Standby, Koke, Zero Katum, The Endrogaos, Rebel Riot, DxPxA...nuestros héroes Vity (Guitarra), Oscar (Bajo), Toro (Batera), Javi (Guitarra) y Peel (Voz), unen fuerzas en torno a un apasionante proyecto conjunto cargado de fuerza, potencia e ilusión con un claro objetivo: disfrutar de su pasión por el ruido, hacer disfrutar a sus seguidores y marcar un antes y un después en la escena, irrumpiendo con un estilo propio y sin comparación al que han decidido denominar “Rock Bastardo”. A pesar del poco tiempo juntos, en enero nos metemos en el estudio de grabación de Music Center en León a grabar el disco en el que incluimos 10 temas. Los amarás o los odiarás, pero no te dejarán indiferente... Llegan arrasando con furia y fuego, firmes y decididos a hacerse un hueco entre vuestros grupos de referencia. Aquí los tienes, ¿estás preparad@?

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MARCO R. WAGNER Nieto de un director de orquesta de ascendencia alemana, hijo de un pintor español y una pianista brasileña, Marco nació y se crió en la escena artística de Río de Janeiro de los años 60. Se fue a Estados Unidos en los años 80 para beber de todos los estilos tradicionales que se funden en este enorme paraguas que llamamos Americana. Su último y sexto trabajo “Back to the Plow”, es un disco hecho con el cuidado de alguien a quien le importa su condición de artista arraigado, donde interpreta todos los instrumentos y voces en el estudio de su casa durante la pandemia. Editado y masterizado por el ganador del premio Grammy su amigo Michael SaintLeon (The Switchyard Studios, Nashville) y publicado por Several Records (España) en 2021, fans de Loudon Wainwright III o James Taylor encontrarán su música favorita en este álbum. El último tema “Culpable” es un reguetón-romántico que habla de una relación amorosa, donde se combina el reguetón, la salsa y la batucada

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VALANTAIN La nueva banda madrileña VALANTAIN está formada por: Aitor (vocalista), Johan (guitarrista), Alan (Bajista) y Marc (batería). Johan, Alan y Marc en 2015 iniciarían con otro vocalista el proyecto que probablemente más les hizo aprender y adquirir experiencia juntos. Con él trabajarían en componer, producir y lanzar varios singles, seguidos de su primer y único disco el cual les llevaría a girar por varias ciudades de España, participar y ganar algunos de los concursos más populares de su género, como el Hard Rock Rising de Hard Rock Café o el Granito. A raíz de su participación en el Download Festival en 2019, la banda tuvo un punto de inflexión importante a la hora de entender la música. Crecieron, en ellos tres, inquietudes que hicieron imposible continuar con el resto de miembros de ese proyecto y que, meses después desembocaría en el nacimiento de VALANTAIN. A finales de 2019 Johan coincidiría con Aitor en un bar que ambos solían frecuentar. Conociéndole sólo de sus participaciones en talent shows como “Factor X” y posteriormente en la edición de “La Voz España 2019”, en el que sorprendió a los coach y público gracias a su interpretación del tema de The Weeknd “Dark Times” a piano y voz. Johan se le acercó a contarle sobre un proyecto único que llamaría su atención. Después de enseñarle versiones bastante crudas de sus temas decidió unirse al grupo como vocalista principal y completar así la banda. Su estilo se caracteriza por ser una amalgama de pop, electrónica y una voz R&B, fundamentada sobre una sólida banda del rock más fresco y moderno. Tras más de un año de trabajo en varias canciones, definir su estilo y su sonido, iniciaron su carrera discográfica en este año 2021 que seguro les va a traer muchas alegrías. El pasado 4 de septiembre tuvieron la oportunidad de participar en el “Festival Coca-Cola Music Experience (CCME)” en el recinto de Ifema en Madrid. Una gran oportunidad para darse a conocer a nuevo público y que sus fans pudiesen ver prácticamente la que es su primera actuación en directo. Próximamente harán una gira que les llevará por diferentes ciudades de la geografía española. @valantainmusic

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El 2018 nos trajo un nuevo trabajo de Perro Gris “Alas Blancas” un disco con el cual pasó por nuestras páginas, radio… Fue nominado en cuatro categorías a los premios MIN de la música independiente. Mejor artista emergente, mejor canción, mejor producción musical y mejor vídeo clip. Con este disco apareció en nuestro medio. Ahora regresa con un nuevo disco “Canalla” Habéis vuelto a contar con el mismo equipo que vuestro anterior disco. Habéis grabado en los estudios The Ring House, de Madrid, de la mezcla se ha encargado Salva Ruano, la masterización ha corrido a cargo de José Peña en Noise & Silence y los arreglos Salva Ruano y Javier Losada. ¿Por qué volver a contar con el mismo equipo? Bueno, creo que la calidad de sonido que alcanzamos con el disco de “Alas blancas” era lo que íbamos buscando desde hace tiempo, no tenía sentido no apostar por la misma fórmula y a las pruebas me remito. Este ya es el sexto disco de Perro Gris. Ya han pasado 11 años desde que se publicará vuestro primer disco. ¿Qué es lo que busca uno en un sexto disco?

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Hacemos música por el simple placer de hacerla, no buscamos nada en particular. Salvo intentar siempre hacer las cosas mejor. Desde que empezasteis en esto de la música mucho ha cambiado la cosa. ¿Qué es lo que más te ha llamado la atención de todos estos cambios? Bueno, me llama especialmente la atención el poco valor que la gente en general y la más joven en particular le da a la música y a los músicos. El sistema nos ha acostumbrado a todos a que la música sea un producto que se pueda consumir de forma gratuita, tanto en conciertos como en plataformas digitales, y lo que poco cuesta poco se valora. Uno de esos cambios ha sido el tener que publicar single a single, para alimentar redes sociales y luego más tarde publicar el disco. “Baila” fue el primer single y salió a finales del 2020. ¿Qué tenía “Baila” de especial para que fuera el primer single? Sí, uno de los efectos negativos del covid en la música ha sido el parón forzoso en las giras. Teníamos el disco terminado justo cuando todo se vino encima, no queríamos quemar el lanzamiento sacando el disco de golpe y que quedara en el olvido. Nos pareció buena idea presentarlo single a single y al menos tener una presencia casi constante en las redes. “Baila” era una canción que a todos nos encantaba, pero no fuimos nosotros quién lo decidimos, realmente hicimos escuchar el disco a un grupo suficiente de gente de confianza sin saber que estaban escuchando y resultó ser “Baila” la elección más popular. En este disco has experimentado con otros ritmos y la electrónica está más presente. ¿Es difícil salir de esa zona de confort y abrirse a otras sonoridades? Bueno, nuestro carácter inconformista

y nuestra inquietud por evolucionar no nos deja estar cómodos en la zona llamada de confort, y no hacemos más cosas porque pensemos que hacer más sea mejor, sino porque pensamos simplemente que mejor es mejor. He leído que este disco es seguramente, el más personal de toda tu trayectoria. ¿Por qué hacer que este sea tu disco más personal? Normalmente cuando escribes una canción, en las letras quedan reflejadas diferentes historias. La mayoría de las veces suelen ser historias o vivencias ajenas, en este último disco he pensado un poco más en mí que en otras ocasiones en la mayoría de los temas. Al componer estas canciones, te ha servido como terapia. Seguro que si, Escribir, cantar, pintar, etc es siempre una terapia para quien lo realiza. “Quizá no alcancé nada de lo que soñé” es un trozo de la letra “A mi paso” ¿Cual es ese sueño? Bueno, cuando abordas cualquier proyecto que te apasione siempre sueñas con que algo pase. En mi caso sería que nuestra música llegara a todos los rincones. “Canalla” es la canción que da título a este nuevo trabajo. ¿Por qué seleccionar esta canción para dar título al disco? La canción nos divertía mucho y nos pareció un título muy sugerente y llamativo. ¿Cómo crees que ha afectado esta pandemia al mundo de la cultura? Sin duda, para bien y para mal. Para mal porque ha dejado a mucha gente en el camino, tanto física como económicamente y para bien porque también ha habido otro sector que con tanto tiempo libre y con tanta carga emocional le ha servido de palanca para desarrollar su creatividad.

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En la era del single y el videoclip es difícil encontrar artistas que apuesten por discos y más difícil que apuesten por discos conceptuales. Yo soy un apasionado de esos discos de los 70`s en el cual tras las letras, portadas, fotografías se encontraban frases, objetos que estaban relacionados con esas obras de arte llamadas discos. Tristemente el consumo tan rápido de la música hizo que desapareciera todo eso y encontrarme con un artista en pleno 2021 y ser un apasionado como yo de esos trabajos ha despertado el dragón que hay dentro de mi, para luchar porque regrese esa forma de hacer arte. Así que paso a paso vamos a desvelaros “Where All Begins” el primer Ep de Undying Sun. ¿Por qué hacer un disco conceptual? Porque a mí me gusta que las canciones no estén vacías, quiero contar una historia con ellas, aportar algo a quien las escuche. Considero que se puede transmitir mejor unas ideas a través de una historia completa y que sean mucho más interesantes para todos. ¿Qué tiene de conceptual “Where All Begins”? Cuenta una historia que se va desarrollando a lo largo de las canciones en la cual el protagonista se hunde en la oscuridad e intenta luchar para salir de ella, reencontrarse con su verdadero ser y poder alcanzar sus sueños. El personaje no tiene un género definido para poder representar a cualquier persona, y debido a ello todos los problemas que le surgen tampoco están definidos. En la vida suele haber dos caminos, el fácil y rápido, el cual solo sirve a corto plazo y es como una trampa hacia la propia vida, o el difícil pero verdadero, en el cuál tienes que ser tú el que luche por conseguir las cosas, pero siempre va a estar la oscuridad acechando para intentar manipularnos en cuanto bajamos la guardia. La oscuridad es

todo ese cúmulo de malas energías, emociones, sentimientos, sensaciones… El disco arranca con el instrumental “Where All Begins” tema que da título al disco. ¿Seguro que este tema no está puesto ahí por casualidad? Esta es la intro de “Where All Begins” y curiosamente iba a formar parte de la siguiente canción del disco, pero al final decidí que era mejor separarla y desarrollarla más y decidí darle el mismo título que tenía el disco debido a que es su introducción. El motivo de desarrollarla más es para empezar a sumergirnos en esta historia y prepararnos para lo que viene a continuación. Esta parte de la historia es el comienzo y el personaje aún no tiene problemas, porque cuando nosotros llegamos al mundo en condiciones normales, solemos estar libres de preocupaciones, miedos y cualquier otro tipo de emoción negativa, pero a medida que vas creciendo las cosas pueden complicarse. “Ascending Deception” arranca casi como si fuera la continuación del instrumental y pausado, aunque después coge bastante fuerza. ¿Qué nos cuentas en esta canción? En esta canción el personaje ya empieza a tener problemas y dificultades y es entonces cuando la oscuridad aparece y le ofrece una aparente solución a sus problemas, pero que en realidad es un engaño y lo que consigue hacer es que el personaje empiece a hundirse más y más en esa oscuridad. La música va conectada a la historia y por ese motivo empieza suave como si fuera una balada, pero según el personaje va cayendo la canción empieza a coger fuerza como si se tratase del mismo engaño que va ascendiendo según suena la canción y de ahí su título. El disco ha sido producido por el gran Jesus Yanes. La siguiente canción “The Dark The Decay” fue el single del cual se rodó un videoclip que en la actualidad lleva más de 2.125.308 de visualizaciones. ¿Qué tiene este tema para que fuera el single? Principalmente potencia y velocidad, un buen tema sin duda para servir de presentación. Cuando yo estaba componiendo las canciones en mi casa tenía en mente que el single fuera “Signs of Joy” que es la siguiente canción, pero fue Jesús Yanes quien tuvo clarísimo que “The Dark Decay” debía ser el single. Lógicamente seguí su consejo. ¿Y qué piensas de esa cifra de 2.125.308 de visualizaciones? La verdad es que estoy gratamente sorprendido de que el videoclip haya sido capaz de alcanzar una cifra tan increíble como esta y también agradecido a todas las personas que han colaborado, a Rubén Yanes y su equipo por el magnífico trabajo realizado y por su puesto a Jesús Yanes por haber hecho todo esto posible. ¿Qué nos quieres contar en esta canción? Este es el momento de la historia donde el personaje está sumido en la más profunda oscuridad, sin esperanza, consumido por el dolor y la desesperación y como dice el estribillo de la canción, el personaje se siente completamente perdido y sin cielo, todo es negro y no ve ni la más mínima oportunidad de cambiar eso, que es justo como se siente la gente cuando está sumida

en este tipo de situaciones. “Signs of Joy” es la mitad del disco, mitad de la historia. ¿Por dónde anda el protagonista y que nos relata esta canción? Cuenta como el personaje encuentra unos escritos de un viejo sabio que tratan de enseñar que debemos ser nosotros mismos y disfrutar de la vida. Parar de intentar destruirlo todo y mirar el lado bueno de las cosas. A veces en la vida se necesita un empujón que nos haga abrir los ojos y nos genere esa motivación para romper las cadenas y luchar por lo imposible y esta canción es justo ese empujón. Llegamos al momento del disco en el cual las melodías, los arreglos..., se juntan para dar vida a una preciosa balada que lleva por título “Untended Light”. Es un momento de meditar, pensar. ¿El protagonista también pasa por esta etapa? Justamente ese es el momento de la historia, el momento en el que, tras recibir ese empujón y darse cuenta de que la vida no consiste en pasarse el tiempo hundido en un pozo, empieza a conectar con lo que lleva dentro y se da cuenta de que aún queda esperanza y que puede seguir luchando. La canción nos va llevando a través de ese viaje que el personaje hace dentro de su interior para intentar reconectar con lo que realmente es. “Rise up” es un tema que arranca lento, para convertirse en un tema enérgico. Por donde navega en esta historia nuestro protagonista. Como el título indica este es el momento en el que el personaje decide levantarse de ese hoyo oscuro, el momento en el que decide luchar por cambiar su destino y cuando por fin, después de tanto sufrimiento, empieza a acercarse a su meta. “The Promised Dawn” es el tema que cierra el disco e imagino que el final del recorrido de nuestro protagonista. ¿Termina aquí la historia o hay una puerta abierta a la continuidad en un próximo trabajo de Undying Sun Como bien dices está es la última canción y el final de la historia, en la que el personaje, después de soportar una noche eterna, por fin ve la posibilidad de alcanzar ese amanecer prometido, la vida que siempre ha deseado, sus más profundos sueños y su verdadero ser, porque mientras nosotros portemos emociones como la envidia, ira odio o miedo, entre otros, jamás seremos capaces de ser nosotros mismos, eso solo nos nubla el juicio y nos separa de los demás y de nosotros mismos. No tengo intenciones de crear una continuidad a esta historia, pero ya tengo ideas en mente para la historia del próximo disco. Este Ep es un disco de Power Metal ¿como ves este género en la actualidad en este país? La verdad es que siento que necesita una mayor representación, al menos esta vertiente concreta del Power Metal. Actualmente hay otros estilos musicales que captan toda la atención y eso impide que otros estilos puedan llegar a la gente. Pero yo creo que es posible permitir que la gente pueda tener diferentes estilos entre los que elegir y que les permita encontrar algo que conecte con ellos. FOTO: Domingo J Casas

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Diez años y seis discos de estudio a sus espaldas, cantando a los problemas sociales de nuestro día a día. ¿Qué es lo que pasa por la cabeza de uno cuando pasan los años y seguimos en la lucha porque poco o nada ha cambiado? Es a lo que estamos acostumbrados… El sistema absorbe todo lo que era revolucionario y lo transforma en algo suyo… Ya sea la música, los slogans, la estética incluso la manera de manifestarse. Está claro que no hay que dejar de hacerlo. Pero cada vez está más claro que nada o poco va a cambiar. Ahora sí que no hay futuro. Saliendo de una pandemia en la cual a la cultura en este país no se la ha tratado bien. ¿por qué pensáis que en otros países si ha habido ayudas a la cultura y en este país nada de nada? Tampoco nos sorprende. Ya sabíamos que iba a ser así y que los últimos en empezar a funcionar iban a ser bandas como la nuestra. Cuando todo se desmoronó ya sabíamos quiénes iban a ser dentro del sector l@s más putead@s. y peor que las bandas lo han pasado las crews. De este país solo podemos esperar lo peor. No sólo en cultura. Ya habéis podido dar unos cuantos conciertos sin restricciones. Mientras que en el fútbol ya había público, los últimos en poder abrir han sido las salas de conciertos. ¿Qué os ha parecido este hecho? Pues lamentablemente, en cuanto vimos que el fútbol tiraba, sabíamos que estábamos más cerca… Aunque sinceramente, todavía no lo damos por terminado…. Más mala ostia no nos cabe dentro… Estamos a 100% en eso también. El disco casi estaba terminado en noviembre del 2020. ¿Por qué esperar hasta este mes de octubre para publicar “Tengan cuidado ahí fuera”? No pensábamos ni grabar un disco nuevo. No pudimos terminar la gira de ‘Santa Calavera” Se nos quedaron más de 40 fechas cerradas en marzo que no pudimos hacer y hubiesen entrado bastantes más. Este disco es el resultado de ese desastre. Teníamos por suerte en la recámara el directo grabado en nuestro X aniversario, pero con todo el tiempo que íbamos a tener por delante empezamos a componer, y lo grabamos en noviembre. Sabíamos que sin tocar, era un suicidio musical editarlo. Y al hablar con Kasba se nos propuso lanzarlo en octubre y nos pareció bien. El disco se ha grabado en los estudios Higain Estudios por Haritz Harreguy, como vuestro disco anterior de estudio “Santa Calavera” ¿por qué volver a estos estudios? Haritz, aparte de un viejo amigo, es un puto fenómeno. Sabe muy bien lo que somos y como sonamos, y sabe crear el ambiente que necesitamos para sacar el

proyecto adelante. En este disco hay más rabia, más brutalidad y eso se nota en el sonido del disco. ¿Es el momento aún mas de endurecer vuestra música debido a lo vivido en los dos últimos años? No sé contestarte a eso. Está claro que es lógico que con los años haya una evolución… Pero lo que no evoluciona es la actitud, la rabia y la mala ostia. Esos han sido siempre nuestros pilares. Por encima de la música y del mensaje. Nos alegra que pienses que en este disco es mayor. ¿Cómo surge la idea de poner de título al disco “Tengan cuidado ahí fuera” un aviso a modo de ironía expropiado al sargento Esterhaus de Canción triste de Hill Street? Claro. Cualquiera que sea de nuestra generación sabe que coño quiere decir esa frase más allá de las palabras. Sólo había 2 canales y emitían esa serie de maderos los domingos a la hora de cenar. Casi todo Cristo veía esa mierda. Y esa frase era lo que le decía el sargento a todas las patrullas antes de salir a las calles. Nos costó encontrar el título, a diferencia de discos anteriores. Pero nuestro amigo Litronita, guitarra de Sucio Sistema, siempre da en el clavo. En la portada han trabajado el ilustrador Gaboni (Núcleo Terco, Non Servium, La Polla Records, Mago De Oz...) y el “grafighter” de la banda: Carlos Undergroove ‘Dabunker’. ¿Por qué proponer a Gaboni que se encargará de la portada? Porque seguimos su trabajo desde hace tiempo, y él el nuestro. Ya coincidimos en Madrid en alguna ocasión anteriormente y tuvimos nuestras charlas etílicas. Pero sobre todo fue por que lo que teníamos en mente, sabíamos que él lo podría hacer. De hecho, le dijimos que le íbamos a pedir algo que se sale de su habitual, pero sabíamos que encontraría la manera. Y así fue. Vuestro anterior disco “X Años de Sangre y Moscas” un disco doble en directo salió publicado en vinilo. ¿Pensáis que el vinilo ha venido por fin para quedarse y saldrá

publicado en ese formato? El vinilo nunca debió desaparecer. Afortunadamente ha vuelto para quedarse. Yo lo que compro es únicamente vinilo. Y podemos decir que desde el merchan de la banda vendemos más vinilo que CD. Sí. Sale en vinilo a la vez que en CD. ¿Es un buen momento para el punk rock en este país comparándolo con los 80`s y los 90`s? Comparándolo con esos años ni de lejos!!!! Pero todavía queda guerra que dar. Hubo unos años que parecía que era el fin. Pero resurgió, afortunadamente. Nosotros seguiremos pase lo que pase. ¿Qué música suena en la furgo cuando vais de bolo? Pues de todo… depende del momento. Mucha tralla, cuando algun@ levanta el dedo pidiendo tiempo muerto ponemos tralla más moderada, como la Excavadora y cuando nos venimos arriba hasta Georgie Dann. Como adelanto del disco se extrajo la canción “En la cámara de gas” del cual se ha realizado un videoclip ¿Por queélanzar esta canción como adelanto del disco? Es un disco diferente. Encontramos varios temas a medio tiempo, algo inusual en los discos anteriores. Queríamos presentarlo con uno de estos temas. Y ‘En La Cámara De Gas” es un buen ejemplo. En el video podemos ver el cartel del concierto que disteis abriendo para el grupo The Misfits en el verano del 2009 ¿Qué recuerdos tenéis de ese concierto? Fue el primer concierto que dio la banda. Nos surgió así,aunque aún no estábamos para salir a tocar. Pinky se tiñió y se cortó el pelo a lo Rafaela Carrá y fue una noche acojonante. Para terminar, ¿hay alguna remota idea de hacer alguna vez una balada? ¿Por qué no? Nuestras canciones más lentas son muy bien recibidas, incluyendo la acústica en el recopilatorio “vol2”. Nunca digas “esta droga no probaré”…

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LAUREL CANYON El título del disco “Obsolescencia programada” está inspirado en ese fenómeno mediante el cual, determinadas cosas se fabrican con una vida útil preestablecida. La bombilla fue el primer artículo que se sometió a esa obsolescencia programada. Las empresas que las elaboraban, en un momento dado, optaron por confeccionarlas , no para que duraran mucho, si no con una fecha de caducidad, y con ello, que la gente se viese en

la necesidad de tener que adquirir una nueva. Hoy en día la historia de esa bombilla, esa irrazonable obsolescencia programada se traslada a cualquier cosa: una impresora, unos zapatos, un automóvil, unas semillas, el planeta Tierra, el Universo,…incluso un amor de verano. Por este motivo en el disco también aparece la frase “si se te rompe el disco, pues cómprate otro”. Ahí te espera, en www. laurelcanyon.es.

Hoy desgranamos “Obsolescencia programada”

La primera de ellas “Solo hay” una canción que se posicionó como una de las mejores canciones de este verano en LH Magazin. Una canción que habla de cuando estuvimos encerrados en casa debido a la pandemia. ¿Cómo surge esta canción? Pues fue de los últimos que compuse, y evidentemente, se gestó en esa pandemia, y cualquiera que la escuche, a buen seguro que se ve reflejado en algún momento de su letra. Una de sus frases del estribillo: “Días que pasan,k cosas que tienes que contar”, se la escuché a un paisano un día

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en un magazine de televisión, y la apunté para que encajara alguna vez en una de mis canciones, y...ahí quedó. Le sigue la canción que da título al disco “Obsolescencia programada”. ¿Tanto se tarda en hacer una canción siete años? Pues tenía la música, y parte del estribillo, pero ya ves, las musas a veces se toman su tiempo. Pero mira, acabó con el premio de denominar finalmente el trabajo discográfico en cuestión. “Faro, gente, noche, radio, palo carta, brazo, playa” una canción dedicada al

Alzheimer. En tu anterior entrevista nos contabas que de este tema se iba hacer un cortometraje - videoclip. ¿Cómo va ese proyecto? ¿Y por qué cantar a esta devastadora enfermedad? Pues sí, ahí estamos. Con Eduardo Pérez Carpena, que es la persona que hace los audiovisuales de Laurel Canyon. Pero un cortometraje y, a su vez videoclip, son palabras mayores y requieren algo que es indispensable y escaso, esa variable que se llama “Tiempo”. Sin duda, en base a lo que tenemos Eduardo y yo ideado, será una película dulce. Amarga y dura, pero ya te digo, a su vez entrañable. En cuanto a la historia del tema, mucho tuvieron que ver indirectamente, Isabel Borroeta y Elena Galea, dos expertas en la enfermedad del Alzheimer, que a modo de entrevista, se cruzaron en mi vida y me mostraron más particularidades de dicho problema. El título hace referencia a parte de un test de diagnóstico del Alzheimer, y fue en verdad la última canción que se hizo para este disco. “Hay que vivir” es una canción de Joan Baptista Humet que se volvió a cruzar en tu camino. ¿Cómo fue ese cruce y que significa para ti la figura de Joan Baptista Humet? Se coló por casualidad en este disco. Había pensado en hacer una versión de “Lullaby love” de Roo Panes. Había hecho la adaptación al español, había contactado con su manager en Londres, con su editorial, y demás, pero los derechos no venían, el tiempo se me echaba encima, tenía fechas para entrar al estudio de grabación, y sonó en la radio un día ese “Hay que vivir” de Joan Baptista Humnet, recordé después

de no sé cuánto tiempo esa maravillosa canción, y me dije....en estos tiempos que corren, nos queda plantearnos eso como premisa en la vida; “Hay que vivir”. “Lastre” arranca con la frase “Arranqué sus fotos y quemé sus cartas” ¿Se escriben las mejores canciones cuando se está sufriendo? Las más desgarradoras pienso que si. Lastre habla de todo eso que por mucho que duela hay que dejar atrás. Ahora bien, te diré que su ritmo recuerda esa clásica batería de los Beach Boys, con lo que aunque la letra tiene su aquel de sentimientos encontrados, su cadencia lo hace un tema muy fresco. “Qué solo está” en ocasiones me ha recordado esta canción a Lou Reed. ¿Te gusta Lou Reed y hay algún artista en especial que te haya inspirado esta canción? Pues me gusta mucho el “Poeta Eléctrico”, aunque en verdad, para esta canción me inspiré en ese “She’s a mistery girl” de Roy Orbison. La canción habla de ese yo interno que llevamos dentro, que realmente es nuestro verdadero yo. ¿Quiénes son las marionetas “De carne y hueso”? Está claro, todas esas personas que manejan los “Reality shows” televisivos, en especial esos concursos musicales en busca del cantante ideal...y ahí lo dejo. Qué recuerdos me trae esta canción de ese primer beso, ese primer amor que se frustra y lo que se sufre, parece que no hay un mañana (risas). “Un sueño que no se cumplió” en esta canción es Sara la que sufre al ver que su sueño no se cumple. ¿Es

más fácil cantar al desamor que al amor? En mi caso lo dejaré al 50%. Llega el tema “Love song” un tema del grupo The Cure y que ha acompañado desde sus inicios a Laurel Canyon. ¿Que tiene esta canción para vosotros que es tan especial? Mi disco de The Cure, en verdad es “The head on the door”, pero esta canción del estimable Rober Smith, incluida en su disco “Desintegration”, la volví a escuchar con el tiempo con el aire que le dio la cantante Adele, y era en verdad la estructura que le dio ella, la que realmente interpretábamos en nuestros conciertos, pero una vez en el estudio de grabación, con el productor Vicente Sabater, se combinó acertadamente, visto el final de la versión, ser fieles a su creador; pedazo de tema. El disco lo cierra la canción “Quise tocar el cielo” favorita de tus hijos y mía también. Un broche de oro para cerrar este bello disco. ¿a quién le cantas en esta canción? Pues la frase con la que comienza de “Quise tocar el cielo”, me vino en un concierto de Amaral, en la que Eva, antes de comenzar a darle a su guitarra, gritó: “Vamos a tocar el cielo”, Y ya ahí, le empecé a dar a la cabeza, en torno a esa frase. La canción habla de esos artistas que regresan con una nueva obra después de un tiempo y sienten la incertidumbre, de si todavía alguien les recordará y estará esperándole. Pero ya ves, esta canción, a pesar de estar terminada en mi anterior trabajo “8 Minutos”, aguardó su momento para ser incluida al final aquí.

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SOBRE ESTE DISCO LAUREL CANYON NOS CUENTA Estimo que es un buen trabajo;…qué voy a decir yo. Tuve mis dudas a la hora de embarcarme en él, dados los tiempos que corrían en ese momento, pero me dije que había que tirar para adelante y apostar por estas canciones. Pienso que están cargadas de optimismo y buenas vibraciones. La portada es obra de Manolo Santa, que es el fotógrafo y diseñador al que encomiendo siempre el diseño de mis trabajos. Fue planteada en tonos verdes por eso mismo que comenté, por ese “verde esperanza” que quería que trasmitiera su contenido. Acompañado de un globo terráqueo con forma de bombilla, que como he comentado, fue el primer objeto víctima de esa obsolescencia. De hecho, Manolo, tuvo mucho que ver en ese título “Obsolescencia programada”, ya que cuando estábamos dándole vueltas a la idea de la carátula, le planteé varias sugerencias para denominar el álbum, y creo recordar que no le llegué a mencionar una segunda posibilidad de título y fue rotundo;…se va a titular “obsolescencia programada”. Y luego está la historia de la foto de la contra. Estábamos en pleno estado de confinamiento, íbamos con todo a contrarreloj, y no había manera de ir a una playa para realizar las fotos que teníamos pensadas, con lo que le envíamos unos bocetos a una buena amiga mía, Arantxa Beitia, que vive justo en la idílica playa de Deba, en Guipúzcoa, y finalmente el escollo se libró de un modo inmejorable. Como tantas veces, la improvisación resulta ser la mejor salida.

Evidentemente todo este proyecto fue posible gracias a la gente de Bell Music; Carlos Somero y Ricardo De la Morena, y el Fonde de Ayudas para Iniciativas Culturales de la ONCE. Y su resultado es el trabajo y complicidad de Mireia López Beltrán, al chello; Natxo Tamarit, al bajo; Iván López, a las guitarras y voce;, Edu Olmedo, a las baterías; y la producción de Vicente Sabater. Y esque, cuando llegas a un estudio de grabación con unas canciones en maqueta, que se han, en cierto modo esculpir, hasta obtener de ellas todo lo que llevas en la cabeza, no siempre es fácil que la gente que te acompaña lo llegue a entender, pero en lo que es mi caso las ideas fluían y se captaban nunca mejor dicho, al unísono. Y ahora nada, esperaremos que escampe la tormenta que comenzó aquél día en el que un murciélago le mordió a un pangolín, y el pangolín se lo comió un humano, y vino la que vino; una fábula que no se cree nadie a estas alturas, y nos dispondremos a subir poco a poco a esos escenarios. De momento al de un salón de actos en la calle Prim, 3 de Madrid el próximo 12 de noviembre; allí te espero. Y bueno, eso sí, a mostrarte ese cortometraje dirigido por Eduardo Pérez Carpena. Ese “Faro, gente, noche, radio, palo, carta, brazo, playa”, que a buen seguro te envolverá en un halo de nostalgia. El resto de detalles, ya sabes, através de www. laurelcanyon.es. Incluso la adquisición de esa Obsolescencia Programada en CD.

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“La ciudad de hierro” (RockCD Records) es el nuevo trabajo de esta banda de Bilbao que se formó en el 2014, año en el que publicaron “Hoy empieza todo”, mientras que en el 2017 publicaban “Round 2” (ambos bajo el sello The Borderline Music). Dos discos que consiguieron cosechar muy buenas críticas. La canción que abre el disco da título a este nuevo trabajo, una canción que habla de los tiempos vividos ¿Cualquier tiempo pasado fue mejor? En absoluto! Tendemos a idealizar el pasado, recordando solo los buenos momentos y tapando o “reelaborando” los malos. Y, precisamente, de eso habla La Ciudad de Hierro, de lo duros que fueron los años de nuestra adolescencia en Bilbao. Que tuvieron cosas estupendas, por supuesto, como una escena cultural efervescente… pero conviviendo con temas como la heroína, tasas gigantes de paro, calles violentas… Leyendo reseñas del disco al lado de vuestro nombre aparecen grupos como Bad Religion, The Cars, Social Distortion, Barricada… ¿Son estas vuestras referencias y os parece que os comparen con estas bandas? Son algunas de nuestras referencias, sí, particularmente Social Distortion o Bad Religion. Pero The Cars o Barricada fueron parte de la banda sonora de nuestra adoles-

cencia, así que encantados de que nos comparen con todos ellos. También es cierto que nuestras influencias son muy amplias y habría que mencionar otras bandas como Foo Fighters, Weezer, Ramones o Dinosaur Jr… y algunas más cercanas geográficamente como Dover (en sus discos guitarreros). En estos días he escuchado vuestros dos discos anteriores, sois un grupo que cuidáis mucho las letras, las melodías… Me sorprende que vuestros discos sean muy cortitos de 7 y 8 canciones. ¿Es por algo en especial? Sí, podría decirse que es nuestra seña de identidad desde el principio: guitarras potentes y sección rítmica cañera, combinadas con melodías y letras cuidadas, supongo que tenemos algo de poetas, (risas). Un titular de una conocida revista musical nos definía a la perfección en el disco anterior: “furia melódica”. En cuanto a la duración de los discos, siempre hemos pensado que es mejor que la gente se quede con ganas de más en lugar de saturados. También somos muy exigentes con los temas que incluimos, descartamos muchas composiciones, para que sean, como dicen los anglosajones, “all killers, no fillers”. “Estrellas del rock” quien se dedica a este mundo de la música siempre ha soñado alguna vez con ser una estrella del rock. ¿Cuál ha sido para vosotros ese momento en el que os habéis sentido estrellas del rock? Esa canción habla de lo dura que puede ser la vida, incluso la cotidiana, sin que tengan que suceder desgracias extraordinarias, pero que la música, el rock, nos la hace mucho más llevadera. Para nosotros es suficiente con subirnos a un escenario, en cualquier parte, y dar un buen concierto disfrutando y haciendo que la gente se lo pase bien, para sentirnos “estrellas del rock”, en ese sentido de felicidad y

plenitud… no nos referimos a temas de fama o dinero, que siempre se asocian a ese concepto. Hoy en día la música, al menos el rock, es un negocio ruinoso para casi todos! ¿Por qué hace ilusión cuando la banda «principal» del día os felicita en público, durante su propio show, eso os ha pasado con Revólver y con Supersubmarina? Sí, un halago siempre hace ilusión (no somos de piedra!), pero si es un halago público, y encima te lo dedica la banda principal del cartel para la que acabas de abrir el show, pues doblemente. Pero además es más importante aún si te sucede cuando estás dando los primeros pasos de una nueva banda, y ése fue el caso con Revolver (apenas unos meses después de lanzar nuestro primer disco), y encima un artista tan consagrado como él. Con Supersubmarina (gente majísima, por cierto) también nos pasó, y fue algún tiempo antes de que Superalfa! estuviera realmente formado, era un “estado embrionario” anterior. “Esto es lo que somos, lo que ves es lo que hay” texto extraído de la canción “Hermanos para siempre”. ¿Ha habido o hay mucho postureo en la música? Buaaah… demasiado!! En el mundo de la música hay postureo por todas partes, siempre me acuerdo de aquella letra de Platero y Tú que decía “…siempre te ha gustado más el cuero que el rocanrol, y salir a vacilar que escribir una canción…” Es así. Ególatras, especialitos/as… Por supuesto, también hay gente encantadora y auténtica (mención especial a Juancar, de los Bonzos, que ha colaborado en este disco) pero supongo que la vanidad causa demasiados estragos entre las bandas, y también en todo lo que rodea al “show business”. Demasiada fachada y demasiada tontería. Es sólo música, no flipemos.

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TECHY FATULE La artista y actriz de Republica Dominicana Techi Fatule publica un nuevo trabajo “Sie7e”. Un disco con el cual hay un antes y un después en su carrera discográfica. Un disco en el que se atreve a hacer cosas nuevas, experimentar con sonidos, escribir con más personas, grabar a través de Zoom y hablar de temas de fuera del amor y el desamor. Para este disco Techy Fatule se ha rodeado de un gran equipo Claudia Brant, Josh Cumbee su equipo y su discográfica La Oreja Media Group.

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Creo que siempre se canta al desamor y pocas veces a dedicar esa canción a tu pareja cuando todo está bien…. Si, creo que nos sale el drama natural cuando estamos en desamor o estamos dolidos por algo. Sin embargo, luego de tres álbumes de canciones de desamor, decidimos hacer esta canción inspirada en mi relación con mi pareja, no sólo de el amor que siento hacia él, sino lo importante que uno se siente cuando uno es correspondido, cuando a uno lo aman y lo cuidan, exactamente como uno es, sin medida y sin condición y por eso la canción se llama “Tu me quieres más” Este tema va a estar incluido en este álbum “Sie7e”. Parece que este disco es mas arriesgado que te atreves a contar cosas y también que te has vuelto un poco mas “picarona”... Este disco, que ya está en todas las plataformas digitales, pasó después de un año muy difícil por la pandemia, pero en mi caso fue un año donde yo aprendí a vivir. Perdí a mi abuelo y creo que tuve tan cerca a la muerte, que creo que aprendí a apreciar la vida, a tener menos miedo, a ser más arriesgada. Y entonces fue cuando nació “Sie7e” y no sólo por picardía, sino por ritmos, antes era más melódica y en este disco tengo cosas m´ss percusivas. Y me di libertad, gracias a mi equipo que me inspiró y me hizo sentir segura para ello. ¿Empezaste a componer desde los tres años? Empecé a componer aún sin saber escribir, mis padres dicen que desde siempre estaba cantando mis propias canciones, de desamor, aún sin saber lo que era el amor. Así que no me pude escapar de ese plan que la vida, el universo, que Dios tenía para mí. Tu familia pertenece al mundo de la cultura, imagino que en casa la música estaría muy presente. ¿Qué artistas sonaban de pequeña en tu casa? Por parte de mi madre sonaban mucho las baladas de los 80 como Donna Summer o Diana Ross y mi papá me ponía mucho Chicago, Queen… Había mucha mezcla… Cuando dices que te vas a estudiar a Berklee en Boston. ¿Qué dijeron en casa? Bueno todo el mundo feliz, porque recuerdo que cuando cumplí quince años me regalaron una pegatina de la universidad y la puse en la pared y pensé que algún día lo haría, pero es una universidad bastante difícil de entrar, muy prestigiosa y no sabía si iba a tener la oportunidad y fue después de entrar a estudiar administración y lo deje al cumplir veintidós años y decidí ir a lograr mi sueño, me fuí a estudiar allá¿Qué recuerdo tienes de esa etapa? En Berklee se respira música las veinticuatro horas, es tanto que a veces le decía mis amigos, cuando salíamos, “no hablemos de música, vamos a ser personas normales” (risas) Has hecho radio, cine, televisión… pero en una entrevista dices que una cosa que quizás no repetirías sería trabajar en televisión.. Ahora nos venden que hay que ser influencer...pero no todo el mundo vale para ponerse delante de una cámara.

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Si, creo que hay que ser responsables con lo que estamos haciendo, tenemos una responsabilidad con el público y por el tama de internet parece que cualquiera puede hacer cualquier cosa, mientras el público no confunda una cosa con la otra porque una persona que hable bonito no tiene porque ser locutor, sino alguien que lo ha estudiado, que conoce la profesión y que lleva años trabajandolo. Yo no puedo hacer un edificio porque no soy ingeniera. Siempre he pensado que los artistas deben tener esa parte social, ya que desde su música puede despertar conciencias.Creo que la música es un altavoz. Tu hablas de la violencia de género. En el disco tengo una canción inspirada en como se siente una mujer cuando está siendo víctima de género o simplemente de una relación tóxica. A veces somos muy ligeras en juzgar y decir, si te trata mal por qué no lo dejas. Y no entendemos que hay mucha dependencia o mucho problema de salud mental, dependencia económica...Creo que es muy importante tener un poco de empatía con esas mujeres. Y quisimos hacer una canción desde la perspectiva de una mujer que se pregunta ¿por qué sigo aquí? ¿Qué piensa de la excesiva sexualización de la imagen de la mujer en ciertos estilos de música? Como en el trap, reggaeton… Pienso que si la mujer le da la gana sexualizar su imagen, está en todo su derecho como lo está de no enseñar su cuerpo, mientras no sea victimizada, estereotipada o señalizada por eso. Creo que con el cuerpo de la mujer siempre hay un pero… si se viste demasiado o muy poco… en eso los hombres tienen mas libertad, un cantante puede cantar sin camisa en un concierto que nadie lo ve mal y una mujer se pone un bikini y un pantalón corto y es súper, hiper sexual… Tenemos que ser conscientes de que etiquetamos demasiado a las mujeres. Pero quizás ese tipo de música que debería ser para adultos lo cierto es que lo reciben a edades muy tempranas. Sí es verdad, además que a través de internet están muy expuestos. Pero yo como madre veo que muchas veces queremos dejar la educación de nuestros hijos a los artistas, políticos, lideres religiosos... cuando es nuestra responsabilidad como padres darles las herramientas para que van hacer en un mundo con tanta exposición no sólamente sexual, de información, etc… ¿Por qué ponerle “Sie7e” al álbum? Son siete canciones y mi número preferido…. tiene mucho significado a nivel personal. También es un número místico ,muy simbólico y que el día que nació mi hijo yo lo honre a través del disco. ¿Cómo es trabajar con Fernando Osorio? Con Fernando fue la primera persona con la que compuse para este álbum. Es una persona que he admirado toda la vida. Cuando nos pusimos a componer en memos de dos horas teníamos una canción lista y estábamos tan orgullosos que teníamos una reunión con amigos y se la cantamos. En Marzo del 2022 te veremos en directo. Claro que sí, os espero a todos.

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Girando Por Salas es el Circuito Estatal de Músicas actuales promovido y patrocinado por el Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM) del Ministerio de Cultura y Deporte que gestiona la federación coordinadora que forman las asociaciones del sector de la música ACCES, APM, ARC, A.R.T.E., MUSICAT, PROMUSICAE y UFI. Desde 2010, el programa lleva trabajando en el impulso de la música en directo en todo el país y en la consolidación de un circuito estable de salas. Una apuesta por bandas emergentes que redunda en poder llevar la música en directo a ciudades y pueblos de toda nuestra geografía (uno de sus objetivos prioritarios) y que, a pesar de la actual situación del sector de la música en directo, sigue dando muy buenos resultados. Como destaca su coordinador, Juanma Cantos, “por Girando Por Salas han pasado ya un total de 375 bandas y solistas a los que se ha apoyado económica, organizativa y promocionalmente hacia su profesionalización, justo en ese periodo de crecimiento en el que nuestra intervención puede servir para la consolidación de sus proyectos”. Así, Girando Por Salas ha apoyado en sus diez ediciones a bandas de

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todos los estilos (pop, rock, jazz, electrónica, hip-hop, flamenco, músicas del mundo…) que en la actualidad copan los carteles de festivales, tales como Rufus T. Firefly, El Kanka, León Benavente, Morgan, Sidecars, Rayden, Pájaro, Freedonia, Neuman, Miss Caffeina, Izal, Georgina, Havalina, Funambulista, Carlos Sadness y un larguísimo etcétera. En espera de una nueva convocatoria, la continuidad del circuito es de por sí una muy grata noticia, ya que Girando Por Salas, ahora más que nunca, es un programa absolutamente necesario para reactivar el circuito de música en directo. Está cercana una nueva edición que, en palabras de Juanma Cantos, “afrontaremos con más ganas que nunca, deseosos de aportar nuestras ayudas y nuestra colaboración personal y profesional como acicate para la recuperación del circuito de salas y como apoyo, lo más eficaz posible, a la escena emergente de nuestro país y, cómo no, a las agencias de management, discográficas y demás profesionales de la música que trabajan por la profesionalización de las bandas emergentes y por llevar la música a todos los rincones del Estado”. TEXTO: Juanma Cantos

Hablamos con Juanma Cantos coordinador de GPS sobre estos 11 años de Girando Por Salas y una pandemia de por medio. La pandemia nos trajo los cierres de las salas, después, aforos reducidos, todos sentados… ahora se necesita más que nunca a Girando Por Salas ¿Habrá pronto nueva edición de Girando Por Salas? Ya por fin podemos anunciarte que al cumplirse las condiciones socio-sanitarias y relacionadas con normativas en espectáculos se puede llevar a cabo esta nueva convocatoria. Como condiciones extraordinarias y excepcionales para la presente convocatoria, se seleccionarán 50 artistas (bandas y/o solistas) de entre todas aquellas solicitudes recibidas que cumplan los requisitos. Se ofrece a las bandas y solistas seleccionados, la opción de la grabación de un video en directo en una sala aprobada en esta edición, con la posibilidad, si las circunstancias lo permiten, de que dicha grabación se realice durante un concierto con público. La décima edición llevarla a cabo fue difícil. ¿Qué balance hacéis de ella? Pues, al igual que ha ocurrido en el resto del sector de la música en directo, la décima edición de Girando Por Salas ha sido, con mucho, la edición más complicada, no solo en lo profesional, pues hemos tenido que ir ajustando las acciones y actividades a los condicionantes de cada momento, sino también en lo personal, ya que han sido unos meses muy complicados para los músicos/as y otros/as profesionales con los/as que trabajamos día a día y para el resto del sector, pues hemos podido conocer muy de primera mano las dificultades (tanto profesionales como humanas) que se han vivido en nuestro entorno. Pese a ello, y ciñéndonos solo en lo que compete a Girando Por Salas, hacemos un buen balance, pues, a pesar de las grandes dificultades, creo que hemos sabido adaptarnos bien a la situación, con imaginación y tesón, para poder llevar a cabo todo lo que estaba en nuestras manos. Imagino que con muchas ganas e ilusión puestas en esta nueva edición, la undécima. ¿Cómo os estáis encontrando el sector de las salas en directo? Tenemos todas las ganas del mundo de retomar una cierta normalidad, de volver a apoyar con fuerza a las bandas emergentes y a las salas de conciertos, todo ello para que la música en directo en salas de conciertos se ponga nuevamente a disposición de la gente. Y más en una época como la que nos ha tocado vivir, en medio de una pandemia que ha debilitado el tejido de salas, provocando el cierre de muchas de ellas, dañando asimismo a muchísimas bandas ante la imposibilidad de realizar giras con normalidad y que -y esto es muy importante- ha supuesto una tragedia para numerosísimos/as profesionales del sector de la música, que han visto imposibilitado poder realizar su trabajo, con todas las derivadas personales, familiares, laborales, etc., que eso conlleva. Momentos muy duros. Es ahora más que nunca, creemos, cuando nuestras ayudas pueden colaborar a restablecer el sector y ser un

apoyo para lograr que adquiera más fuerza y solidez. Mientras que ya vemos que en ciertas partes de Europa se va eliminando la mascarilla, los conciertos empiezan a ser de pie… ¿Cuánto nos queda en España para ver esto, es casi inentendible que sigan estas medidas estrictas aquí en España? Pues no sabría decirlo, y no quiero entrar a valorarlo, porque no soy conocedor -y ni mucho menos experto- en temas socio-sanitarios. La salud y la vida son lo primero, por supuesto, pero hay que considerar en favor de la reapertura urgente de las salas en condiciones pre-pandemia que los y las profesionales del sector de la música en directo han sido un ejemplo para el resto de la sociedad en su gestión de las normativas sanitarias derivadas de la pandemia, en aspectos como la manera en que se ha organizado el aforo de las salas, los minuciosos controles de afluencia de público, la reestructuración de espacios para cumplir con las medidas de distanciamiento social en los conciertos, etc., etc., lo que ha llevado, recordémoslo porque es muy destacable, a que prácticamente no se hayan producido contagios en conciertos. Qué se siente al ver que bandas como Rufus T. Firefly, El Kanka, León Benavente, Morgan, Sidecars, Rayden, Pájaro, Freedonia, Neuman, Miss Caffeina, Izal, Georgina, Havalina, Funambulista, Carlos Sadness… que pasaron en su día por Girando Por Salas ahora están en los festivales más importantes de este país. Pues la sensación del trabajo bien

hecho. Una «recompensa» al duro esfuerzo de estos años que demuestra que el apoyo a las bandas en su fase de profesionalización, nuestro afán en ayudarles económica y organizativamente a que puedan realizar sus giras, repercute en la mejora del sector de la música en directo, con lo que se propicia la creación musical, la diversidad de propuestas, la puesta a disposición del público de una mayor oferta de música en directo, aspectos todos que son, recordémoslo, derechos contemplados por la propia UNESCO.

Por fin pudimos ver a Roni Di Capo presentar su disco con toda su banda y contando además con alguna colaboración importante como la de Virginia Maestro o David Gwynn En jornada matinal abrían el concierto Black Toska y al escucharles me vinieron a la cabeza bandas como Black Rebel Motorcycle Club y Wovenhand y ese sonido de Denver llamado The Southern Gothic, pero creo que el sonido de Black Toska es menos atmosférico y más directo, digamos más rock and roll. Su música es esa mezcla de rock con esos sonidos oscuros, siniestros de una forma directa. La banda hizo un buen concierto, calentaron motores para lo que venía después, y se nos quedó esa curiosidad de ver a Black Toska en un concierto suyo y empezar a seguirlos, porque nos parece una banda muy interesante. Después de unos minutos de espera salía a escena Roni Di Capo y que podemos decir, gran voz y muy buena puesta en escena, grandes músicos son los que forman su banda y colaboraciones también de lujo, ¿que puede salir mal?. El concierto fue esa mezcla de estilos que forma su sonido y es que Roni Di Capo puede hacerte bailar con potente rock and roll, swing, rockabilly y ritmos country cómo abrir las entrañas de tu alma con su voz en una balada. Ella es un animal escénico que domina el escenario a la perfección con momentos salvajes, sensualidad donde dispara su música con elegancia y contundencia, así que el concierto es un cúmulo de sensaciones donde podemos encontrar todos los estados de ánimo que se pueden alcanzar con su música. Como colofón el concierto contó con la colaboración de Virginia Maestro donde vimos la compenetración de ambas en el escenario y que destilan ese buen rollo que mezcla talento y amistad, también el gran guitarrista David Gwynn que colabora en su disco y que siempre deja huella con su exquisita forma de tocar. Ya estamos contando las horas para volver a ver a Roni Di Capo en directo. TEXTO Y FOTOS: Oscar de Vega

RONI DI CAPO 23-10-21 SALA MOBY DICK

s a n a s e t r A s a z e v r e C ¿Qué comer con cerveza artesana LH 20 Aniversario? Crujientes de morcilla y manzana ·Hojas de pasta brick o masa filo ·1 puerro ·1 morcilla de cebolla ·50 g de manzana asada ·pimienta negra molida ·sal ·aceite de oliva virgen extra Comenzamos lavando y picando el puerro. Pela la morcilla y pícala. Debe quedar todo muy picado muy fino. En una sartén antiadherente poner a pochar en un poco de AOVE el puerro. Cuando esté pochado añadir la morcilla y mezclarlo bien. Seguidamente incorporar la manzana a la sartén, salpimenta al gusto y remuevelo todo. Dejar cocinar todo junto unos 15 min. hasta que reduzca. Retirar del fuego y dejar reposar el relleno. Saca la pasta brick unos minutos antes de usarla para que no se rompan las hojas. Pon dos hojas de pasta brick y córtalas al tamaño que quieras hacer los rollitos, rellena con el relleno anterior, dobla los bordes y sellamos con un poco de huevo batido para que no se salga el relleno. Coloca los crujientes sobre una bandeja de horno forrada con papel de hornear y hornea durante 20 min. aproximadamente. Cuando los veas dorados y crujientes estarán listos.

La cerveza LH 20 aniversario

Cerveza de tipo Pilsen. Lager rubia y fácil de beber. Sencilla y refinada, de sabor y aroma tradicionales. 20 años ofreciendo la mejor información musical, a través de la revista, radio, web, redes sociales… ha llegado el momento de brindar por otros 20 años a vuestro lado. Nace la edición especial de LH Magazin. A la vez que disfrutas de su gran sabor, ayudas a que el mundo de la cultura siga latiendo.

DETALLES – FICHA DE DATOS Origen: Madrid Familia: Pilsen % Alcohol: 4,7 Color: Rubio pajizo Envase: Botella 33 cl. Para su mejor conservación siempre dejarlas de pie. PVP: 2,50€ unidad, Pedido mínimo 6 botellas.

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LUBACK

26-10-21 SALA GALILEO GALILEI

Luback tocaban en Madrid y no nos lo podíamos perder, una de esas bandas de rock que tienen ese talento especial de absorber múltiples influencias del rock y crear su propio sonido reconocible y una personalidad arrolladora.

Pues el Martes se podría decir que igual no era el día adecuado para un concierto pero claro se trata de Luback, y cuando los grupos son buenos y atesoran esas tablas la gente va verlos, un martes, o cuando toquen y así fue, una sala Galileo llena acogía con ansia de buena música al grupo.

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El concierto era especial al tratarse de un local donde el público está sentado, no por las normas COVID, por qué es una sala que siempre fue así, y el grupo supo conjugar muy bien su repertorio lanzando sus canciones con medios tiempos, que igual en otro tipo de sala no encajan, pero a la vez disparaban sus canciones de rock con intensidad de forma que el show nunca decayera y que el concierto fuera en crescendo de forma que acabará con una explosión final que el público agradeció con una gran ovación. Luback nos llevaron de la mano a visitar numerosos estilos y matices de la música rock norteamericana donde encontramos además de su contundente rock, momentos country, blues, folk y americana, destilan ese rock con aroma sureño, con el especial toque oscuro característico del grupo que nos hizo saborear música de muchos quilates y nos dejó con ganas de volver a verlos.

El repertorio del concierto se basó en su último disco “The Measure of the Step” y no faltaron trallazos como “Need” “Heat, Flames and Fire” medios tiempos “Shaped by You” o la reflexiva “Belware” con aires de country folk, no se olvidaron de las joyas del pasado “Lucky Man” o la arrolladora “My Ghost” y alguna versiones elegidas con sabiduría cómo “Starting Over” de Chris Stapleton o “Over The Hills And Far Away” de Led Zeppelin Luback es una banda inspirada en la tradición y clásicos del rock, pero con sonido propio muy reconocible, se basan en el pasado para mirar hacia adelante y sonar frescos, actuales, una máquina rítmica perfectamente engrasada que además nos ofrece una gran amalgama musical llena de detalles y matices, en nuestra opinión nos parece que España se les quedará pequeña pronto y lo tienen todo para conquistar territorios musicales fuera de nuestras fronteras. TEXTO Y FOTOS: Oscar de Vega

“El buen patrón” y el mejor cine español El cine español está en racha. Apenas hemos empezado la temporada de otoño y cuatro grandes obras han copado nuestra cartelera, colmándose las cuatro de magníficos comentarios y críticas, y llenando las salas de espectadores deseosos de ver el mejor cine posible de nuestra magnífica cinematografía. Sí. Ya hemos recomendado fervientemente ese maravilloso canto al perdón que es el “Maixabel” de Icíar Bollaín, poderoso drama de los que te golpean el cerebro (genera un gran y espinoso debate) y te machacan el corazón, interpretado con gran fuerza por esos actorazos llamados Blanca Portillo y Luis Tosar. También hemos ensalzado enormemente, no es para menos, la nueva película del gran Almodóvar, otro drama interesantísimo e intenso, sobre maternidades imperfectas y pasados por resolver, por acabar de cerrar, con ese trío de actrices soberbias, Penélope a la cabeza, como esplendorosa gran reina de la función, que pasean todo su buen hacer interpretativo por esa pantalla que tanto las ama. Pues añadan otras dos: la satírica comedia, que representará a España en los OSCAR, la muy redonda “El buen patrón”, y el bonito y nostálgico canto a la amistad y el primer amor al que asistimos en “Las leyes de la frontera”. Un consejo. No se las pierdan. Pero ninguna de las cuatro. Fantásticas. Háganme caso y vayan a verlas, su alma y espíritu se lo agradecerá. Diverso y maravilloso cine español.

Vuelve FHLIM Feria Hispano Lusa De La Industria Musical en el recinto ferial de IFEZA (Zamora) Este año del 2021 se celebraba la primera edición de FHLIM con alguna que otra medida de restricción debido a la COVID19. Aun así fue todo un éxito, y tuvo una gran aceptación por el sector musical. Allí estuvimos como medio oficial colaborador llevando nuestro estudio de radio al stand que montamos en la feria, por el cual se pasaron artistas, amigos, lectores, oyentes… además todos los visitantes de la feria tuvieron un ejemplar de la revista LH Magazin de nuestro número especial que distribuimos en FHLIM. Tenemos muy buenas noticias. FHLIM celebrará en el 2022 su segunda edición del jueves 24 de marzo al domingo 27 de marzo y allí estaremos de nuevo, con nuestro estudio de radio, con un número especial que distribuiremos en la feria que contará con el plano de la feria, horarios de los showcases, conferencias, conciertos… y alguna que otra sorpresa en la que estamos trabajando en estos días y que anunciaremos en breve. Nos vemos en la segunda edición de FHLIM

Texto extraído del blog: Hoy Me Voy Al Cine Felipe Jimenez

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Vino, cultura y naturaleza siguiendo el cauce del río Duero Texto: Enrique Sancho Fotos: Carmen Cespedosa

l Duero ha tenido y tiene un papel fundamental en la historia de España. Hace siglos marcó la línea fronteriza en la Reconquista, de ahí que parte de sus conjuntos históricos artísticos, incluida la construcción de un buen número de castillos y grandes monasterios, haya condicionado el devenir de los pueblos que lo abrazan. En tiempos más recientes sus riberas han acogido decenas de bodegas y una docena de denominaciones de origen que en conjunto, suponen las más importantes del país y de Europa. Compartido con Portugal, el 80% de su trazado transcurre en Castilla y León, y recorre cinco provincias: Soria, Burgos, Valladolid, Zamora y Salamanca. Su recorrido permite al viajero atravesar espacios naturales creados por la acción natural de su curso y convertidos en reservas medioambientales de gran importancia. Al mismo tiempo, el Duero riega los viñedos de las comarcas vitivinícolas más afamadas del sur de Europa y es el marco idóneo para las actividades del turismo acuático con cruceros por el río y práctica de deportes en los numerosos embalses construidos a lo largo de su cauce. El 14 de diciembre de 2001, la región vitícola del Alto Duero, que cubre gran parte de su recorrido por Portugal, y donde se cultivan las cepas del vino de Oporto, fue catalogada Patrimonio de la Humanidad por la Unesco, en la categoría de paisaje cultural. Aunque desde siempre en sus orillas ha crecido el cereal, sin duda lo que es hoy su principal riqueza es la elaboración del vino

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y la proliferación de viñedos, bodegas y todo lo que el enoturismo promueve -sólo la D.O. Ribera del Ruedo acoge a más de 300 bodegas-. La Junta de Castilla y León acaba de organizar la segunda edición del Congreso internacional Duero Wine Fest 2021 que ha tenido lugar en Valladolid y un recorrido por algunas de las bodegas que tienen al Duero como protagonista. Aunque bordeando el Duero se encuentran algunas de las bodegas más prestigiosas del país como Vega Sicilia, Pesquera, Arzuaga, Protos, Emilio Moro, Javier Sanz, Emina, Yllera, Pagos del Rey, Eguren... y en las ciudades de Soria, Burgos, Valladolid, Zamora y Salamanca hay un patrimonio cultural y artístico impresionante y en sus cercanías paisajes y naturaleza desbordante, en esta ocasión nos centraremos en viñas y bodegas meritorias aunque no con tanto renombre y lugares que vale pena visitar y disfrutar. Son seis bodegas y otros tantos lugares de interés que justifican con creces el viaje.

Ya está a la venta el nuevo trabajo de Techy Fatule. Un disco que marca una etapa importante en su vida. En este nuevo disco Techy Fatule ha soltado sus miedos e inseguridades para hacer un álbum mas completo y que refleja todos sus colores. YA DISPONIBLE EN PLATAFORMAS DIGITALES Y TIENDAS FISICAS