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DMG - JAVIER SOLO LA VELA PUERCA - LAUREL CANYON KEPLER- LA LEY DE MANTUA STAFAS - MATANDO GRATIX TACO SAL - MARÍA MOSS ALON WAISMAN & ODELIA DAHAN

Año XX - Nº 143 ejemplar gratuito

“el grupo del que todos hablan y poco se sabe”

BOURBON KINGS

JERE

TOPO

TRUE ENEMY

DIECI6CUERDAS

nza para testa hacia esos “Hay espera “El rock sigue siendo “La pro ito bon o esté un tod no ica” ern que “Gu “buitres” que “El rap metal más vivo un fenómeno de o” res o” reg did su a per par o disc nos rodean” que nunca” lhmagazin.com 1 masas...”

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Se veía venir, se terminarían las restricciones causadas por la pandemia y los festivales darían su pistoletazo de salida. Algunos ya han llamado a este fenómeno “La Burbuja de Festivales” y es que en cualquier pueblo, ciudad, nace un festival en ocasiones con unos carteles tan espectaculares como increíbles. A esto hay que sumar las grandes estrellas de nuestro panorama nacional que han comenzado sus giras, así como las grandes estrellas internacionales que nos visitarán en los próximos años. La carrera ya ha comenzado y muchos festivales importantes y grandes conciertos cuelgan el cartel de todo vendido.

Más difícil lo tienen como simpre esos festivales que se nutren de grupos menos consagrados o emergentes y un cabeza de cartel algo más grande, para intentar hacer el festival o concierto más atractivo, estos se ven obligados a aplazar por falta de ventas en las entradas, ya sea por el excesivo número de festivales y conciertos grandes o quizás también por la situación económica que atraviesa el país que parece que nos da miedo hablar de ello.

Me da mucha tristeza y me viene sucediendo desde hace alguna década ya, que se paguen unas cifras astronómicas para ver a las estrellas y que nos quejemos por pagar en una sala de conciertos para ver a los grupos nuevos, grupos que luchan por hacerse un hueco dentro de esta escena musical y mostrar su música a cuanto más público mejor.

Dato curioso, cuando tocan en este país una de esas estrellas grandes internacionales desde que empieza el show hasta pasados unos días las redes se inundan con fotos de su espectáculo. Siento que si no asistes a este macroshow estás fuera de lugar. ¿Se acude a estos eventos y se pagan esas cifras sólo para decir ¡eh! yo estuve allí? ¿Tan importante es mostrar a los demás que he estado allí?

Seremos los bichos raros de la escena musical, seremos los artesanos de la música, seguiremos apostando por esas bandas que se patean nuestro país mostrando su ilusión de subirse a un escenario, de mostrar su música, de bajarse del escenario y hablar con el público, firmar discos... y a la semana que viene alquilar una furgo y echarse de nuevo a la carretera.

Desde hace veinte años suelo terminar la editorial del verano deseando a todos los artistas que nos venís siguiendo y que os movéis por las carreteras de este país más que nunca en estas fechas para dar un concierto en las fiestas de un pueblo, en un festival, en una sala de conciertos… y por supuesto a nuestros lectores, precaución amigo conductor, nos vemos a la vuelta. Feliz verano a todos.

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ucho tiempo ha pasado desde aquella primera entrevista en las oficinas de Warner cuando descubrí a Jere. Por aquel entonces publicaba su primer disco “Improperios” (2007) con el cual se hizo un hueco dentro de la escena musical. Un año más tarde ese disco se volvió a reeditar con las colaboraciones de Rulo y Dani del grupo Despistaos. “Nassaukade” (2010) sería su segundo disco, después

un Ep “…mientras llega la luz” con temas que se quedaron fuera de su segundo disco. Le perdí la pista con su tercer trabajo de larga duración “Los Colores de la luz” (2013) un disco que cuenta con las colaboraciones de Kutxi Romero (Marea) y Maribel “La canija” (D’Callaos). Más discos, más proyectos, durante dos temporadas colaboró en el programa de radio “Levántate y Cárdenas” en Europa FM durante el 2015 y 2016.

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Este año publica su cuarto trabajo “Guernica”. Recuerdo la primera vez que hablamos, en la radio ya sonaban artistas como Poncho K, Albertucho, Iratxo, Orozco… ¿Qué recuerdos tienes de esos días?

Recuerdo el día que salió mi primer CD “Improperios” y salí corriendo al MediaMarkt para ver si estaba en las estanterías. Efectivamente, cogí uno, me acerqué a la caja y lo compré. Ese momento lo recordaré siempre. Era la culminación de mucho esfuerzo e ilusiones y a su vez era el principio de una forma de vida que a día de hoy me sigue emocionando como aquel día.

Has trabajado con una multinacional como Warner, con la que publicaste tus primeros trabajos. Para publicar “Los Colores de la luz” (2012) hiciste un crowdfunding. Has conocido las dos caras de la moneda trabajando con una multinacional y desde la autoproducción ¿qué cara de la moneda te gusta más?

Trabajar con Warner fue un regalo.

El trato, el cariño con el que me trataban… Me acuerdo mucho de ellos, Andrea, Miguel, Nacho … El primer día que entré por la puerta de sus oficinas pasando bajo el logo del conejo me sentí un jodido RockStar. Ellos se encargaban de todo, salía el disco y España entera se enteraba.

De la autoproducción me quedo con el cariño de la gente y la respuesta a la llamada de: -Hey, vamos a autogestionar el próximo CD ¿me ayudáis?. Y lo hicieron, estaban ahí. Aquel gesto es, ¡ostra!, de las cosas que guardaré para siempre Por esos años ya se hablaba de crisis en el sector musical. ¿Era imaginable llegar a la situación que se ha llegado con el CD casi desaparecido, las plataformas digitales de reproducción pagando tan poco a los artistas, apenas hay ventas de discos y la música se escucha en youtube…?

Ese era un tema que en realidad se veía venir. Yo salí en 2007 y recuerdo comentarlo en Warner. Un departamento para todo esto que está saliendo de internet … En fin, la transformación del sector era inevitable y claro, entre las nuevas tecnologías y la brutal crisis económica la transición fue muy dura para proyectos como el mío que acababan de nacer y apenas comenzaban a encontrar su hueco. ¿Hay algo que no volverías hacer, si volvieras a empezar de nuevo?

Claro, pero gran parte de eso no te lo puedo contar en esta entrevista (risas).

Hablemos de este nuevo disco “Guernica”. Siempre te has rodeado de amigos como Kutxi, La Canija, Rulo, Davis Otero… y en este disco cuentas con la participación de Adrià Salas de La Pegatina en el tema “Urgente”. Es la

canción más rumbera. ¿Cómo surgió la idea de hacer esta colaboración?

En un concierto de mi querido Arco.

Conocí personalmente a Adrià y conectamos. Días después terminó de coger forma dicha canción y pensé que quién mejor para compartir un tema con sabor a rumba catalana que un vecino como Adrià. Se lo propuse, le gustó el tema y sin más. Las cosas que nacen de manera orgánica son maravillosas. Una vez más tenía la suerte de compartir música con un grande. ¿Qué buscaba Jere en este cuarto disco?

Encontrarme de nuevo. Fueron 7 años de silencio como JERE por diversos motivos, personales y circunstanciales. Ahora sale Guernica con 7 canciones, paralelismo en la que acabo de caer, por cierto.

He jugado con nuevas formas de hacer, probado sonidos nuevos, melodías… siempre manteniendo la esencia y si, el “experimento” está siendo más satisfactorio de lo esperado. Vuelven a funcionar las máquinas al 200% ahora a seguir haciendo ruido. ¿Cómo afectó esta pandemia del COVID 19 a Jere y como ha afectado en la composición de este nuevo disco?

Sentó como una patada en los bemoles. Justo arrancamos con el primer single “Ojitos Gigantes” cuando a los pocos meses comenzaba esta locura del COVID. No me lo podía creer. La historia se repetía. Salí en 2007 y en 2008 comenzaron a sonar las campanas de la crisis económica mundial y al final todo se derrumbó. Volvemos a la carga en 2020 y a principios del 21 Pandemia…la situación ha sido surrealista. Afectar a la composición no ha afectado mucho porque ya estaban los temas escritos prácticamente, sí que dio tiempo a reajustar cositas. ¿Por qué llamar al disco “Guernica”?

Lejos de frivolizar con lo que fue aquella catástrofe me quedé con el concepto de destrucción y sobre todo con el de reconstrucción a pesar de todo.

En estos 7 años de transición toqué fondo en cierta manera, pero al final logré comenzar la reconstrucción de mi persona, a coger fuerzas para volver a ser lo que siempre he sentido que tenía que ser, lo que soy, que a su vez es lo que hago y aquí tengo que darle las gracias a mi hermanito Tony Martínez, principal culpable de esta vuelta al ruedo.

Barcelona. La cultura en los últimos años no ha vivido sus mejores momentos, salas que han cerrado, músicos que han tenido que buscar otro trabajo, montadores de escenarios, transportistas, técnicos de sonido, de luces, medios de comunicación que han cerrado… eso por un lado. Por otro lado, lo poco que cobra un grupo de regalías de esta empresa. ¿Cómo ves este patrocinio?

Necesario para el FCB. Imagino que a cambio usarán el estadio para futuros festivales que Spotify pretenda organizar. Poco más, en realidad esas son cosas que se me escapan, como lo que nos pagan a los músicos por difundir nuestra música en su plataforma. Actualmente es una guerra en la que no puedo participar, estoy, junto con mis tropas, en otros frentes.

Este verano realizas la gira junto al grupo argentino Pericos. ¿Qué podemos decir a nuestros lectores para que se animen y pasen por los conciertos?

Que llevamos 2 años encerrados, que salgan a escuchar música en directo, si no me conocen no importa, si nunca me han escuchado mejor así tendrán la opción de sorprenderse.

La cultura anduvo en redes haciendo el encierro más ameno tanto para el espectador como para el intérprete, ahora “volvemos a la normalidad”, disfrutemos de ella que a la vista está lo inesperada que es la vida. ¡Desgastémosla!

¿Quién se ha encargado de la producción y donde se ha grabado el disco?

En la producción he tenido el lujo de poder trabajarla con Micky Forteza, productor del queridísimo y admirado Pau (Jarabe de Palo) y se ha llevado a cabo en su estudio de Barcelona.

Spotify va a patrocinar al Fútbol Club

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Con su anterior disco “Performance” ya pasaron por nuestras páginas y por la radio. Ahora vuelven a ser noticia porque la banda de Navarra de Rap Metal acaban de publicar un nuevo disco “XXX” con el sello discográfico El Dromedario Records.

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Escuchando “XXX” he notado que las guitarras están un poco más al fondo y las voces más presentes. ¿Qué es lo que buscáis en este disco?

En cuanto a sonido buscábamos seguir evolucionando, acercarnos a ese sonido de Metal americano tan potente que todos estamos acostumbrados a escuchar. La grabación y el tratamiento tanto de las voces como de las guitarras ha sido diferente en este trabajo, y el resultado general puede que sea un sonido más actualizado. La batería también se ha grabado en otro estudio, Mecca Recording Studio de Oyarzun, siempre bajo la producción de Iker Piedrafita.

Cuando hablamos de rap metal quizás tenemos que hablar de bandas como Kannon, NdNo, Def Con Dos, Narco, Limp Bizkit, Linkin Park, Papa Roach… ¿Son estos vuestros pilares?

Desde luego que son bandas muy grandes que todos hemos escuchado una y otra vez, y con las que hemos crecido y soñado, pero nuestras influencias no se quedan en el Rap Metal. Obviamente te fijas en las cosas que te gustan o destacan de cada grupo, pero Bourbon Kings nace de influencias Rock´n´Roll, Hip Hop, Metal, Jazz… cada uno somos de una madre y aunque el amor al Rap Metal lo compartimos, nuestros gustos son muy variados.

“Jumpdafuckup” es un reconocimiento a todas estas bandas que empezaron en este género, unas siguen y otras desgraciadamente han desaparecido. ¿Cuál es la situación actual que vive el rap metal?

Todos sabemos que la gente lleva mucho tiempo diciendo que este género lleva décadas en decadencia o que directamente está muerto, pero solo hay que echar un vistazo a la parte alta de los carteles de los festivales importantes y ahí siguen nombres

como Korn, Deftones… y siguen petándola como hace 20 años… hace 20 años el rap metal estaba “de moda” y todo el mundo lo escuchaba. Ahora no puedes escucharlo en la radio, pero desde luego es un género que se sigue consumiendo.

Habéis vuelto a contar con Iker Piedrafita para este disco, como en vuestros dos anteriores discos. ¿Qué aporta Iker al grupo?

De todo. Participa en la preproducción y en la producción del disco, demostrando ser uno más. Nos ayuda mucho y confiamos siempre en su criterio. Para nosotros Iker es el mejor: está puesto al día en el sonido de las bandas que son nuestros referentes, y eso es importantísimo. El sonido de esta banda es ‘culpa’ suya en gran parte y a la hora de grabar sabe estrujarnos y sacar lo mejor de cada uno de nosotros.

Además teníamos muchas ganas de grabar una canción con él y por fin en este disco lo hemos hecho.

He podido leer que este disco es el que más vueltas habéis dado a vuestras canciones y el que mejor llevasteis preparado para entrar en el estudio. ¿El tiempo que hemos tenido de parón durante la pandemia ha influenciado en esto?

La verdad que no mucho. Como parecía que se volvía a la normalidad más rápido de lo que después fue, en verano de 2020 se acabó la grabación del disco. Lo que realmente nos ha trastocado un poco ha sido la época de conciertos con público sentado, aforos reducidos etc… no nos imaginábamos un concierto de Bourbon Kings con el público sentado, con mascarillas, sin poder moverse… así que decidimos guardarlo una temporada hasta que empezó a verse el final del túnel.

En este disco nos encontramos colaboraciones de Iker Piedrafita, Treze Monos,

Endikah. Habéis querido acercar vuestra música un poco a estos grupos para que ellos se sintieran más cómodos, saliendo un poco de la zona de confort del grupo y por este motivo habéis recibido alguna que otra crítica. ¿Qué pensáis de los talibanes musicales? (risas) como dice Endikah en su letra “nos la suda”. La verdad que tener la suerte de contar con esos tres pedazos de artistas que comentas puede convertirse en un reto para la banda pero no ha sido el caso. Han sido tres temas diferentes, lo teníamos claro desde el principio pero en cada uno tanto Iker como Dany como Endikah han dejado su sello personal, y eso era lo que queríamos. Es inevitable que una canción en la que Iker saque toda su voz no suene a Dikers, y en un género como este es imposible no recibir críticas, pero nos las tomamos a bien todas, las buenas y las malas. ¿De dónde viene el título del disco “XXX”?

Hace unos cien años los contrabandistas de la zona de los Apalaches, llamados también ‘moonrakers’, producían y distribuían durante la noche el whisky que estaba prohibido durante la Ley Seca. Marcaban las botellas con ‘X’ dependiendo de cuántas veces hubiera pasado por el alambique.

Así que lo que nos indica es que el sonido de BOURBON KINGS ha pasado ya tres veces por el alambique, y poco a poco va dejando de ser matarratas, (risas).

Hablemos del tema “Y qué vas a hacer tú”, ¿Habéis encontrado ese lugar donde encontraros en paz?

A decir verdad, el pasado 13 de Mayo en el concierto de presentación en nuestra casa con la gente que vino nos hizo encontrarnos muy bien. Así que queremos más de esto.

Realmente nuestro lugar donde encontrarnos en paz y donde nada nos tenga que preocupar es sin duda encima de un escenario sacando todo lo que tenemos dentro ¿Quién hace los coros en esta canción?

En esta canción colaboran los niños de la Escuela de Música Sol sostenido. La verdad, que siempre es una experiencia muy bonita llevar a los chavales a un estudio profesional y ver como flipan con todo.

En la primera semana del lanzamiento del disco estuvisteis entre los 100 discos más vendidos delante de bandas como Saxon o Korn ¿Qué supone esto para un grupo como Bourbon Kings?

De momento no lo sabemos pero fue una grata sorpresa que nadie esperaba pero que tiene su doble lectura. Una es que estamos haciendo las cosas bien en una época que es muy difícil vender discos y estar ahí es un premio, lo cogimos con una ilusión tremenda, pero que nosotros entremos en esa lista revela en qué lugar se mueven las ventas hoy día.

“Sigamos” habla de esas falsas apariencias adornadas de risas en redes sociales, la aceptación del sistema por una mayoría… ¿Cómo quitar la maldita venda de los ojos a esta sociedad? ¿Se puede? Yo creo que la venda se ha unido a la piel ya. Y aparte, ya parece que ni nos molesta no ver la realidad. También sobre esto habla la canción. Estamos ciegos todos ya…

“Tú no te preocupes, cuando fracases, lo importante es haberlo intentado…” texto extraído de la canción “Aprendiendo a fracasar”. ¿Alguna vez ha sentido Bourbon Kings el fracaso en su piel?

Muchas, más de las que nos gustaría pero sabemos que la vida es así y que nadie consigue nada sin intentarlo una y otra vez.

Tampoco queremos ponernos metas muy altas imposibles de cumplir. Sabemos que no siempre por mucho que luches consigues aquello que deseas, como también dice la canción.

Spotify va a patrocinar al Fútbol Club Barcelona. La cultura en los últimos años no ha vivido sus mejores momentos, salas que han cerrado, músicos que han tenido que buscar otro trabajo, montadores de escenarios, transportistas, técnicos de sonido, de luces, medios de comunicación que han cerrado… Eso por un lado. Por otro lado, lo poco que cobra un grupo de regalías de esta empresa. ¿Cómo ves este patrocinio?

Bastante mal la verdad, desconocemos realmente qué implica este patrocinio, pero creemos que para el FC Barcelona supondrá una inyección de dinero generado por músicos, vamos, un puto sinsentido. Como bien decís los grupos vemos muy poquito dinero de las escuchas que tiene nuestra música, parece que con las ganancias que tienen les sobra para dar limosna a uno de los mejores equipos de fútbol del mundo.

Apaga y vámonos.

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“Seres inflamables” hasta la fecha es el último disco de La Ley De Mantua que salió publicado en el 2019 tras dos discos “El Origen de Todas las Tormentas” (2014), “Calma” (2016) y un ep “En directo” (2018). Ahora han publicado dos singles “Dramático” y “Adolescentes”, adelantos de lo que será su próximo disco.

El primer single en salir fue “Dramático” para el cual habéis vuelto a contar en la producción con Íker Arranz ¿Es Iker un miembro más de La Ley De Mantua y que aporta para que volváis a contar con él en la producción?

Hola muy buenas. Pues la verdad es que a Iker se le puede considerar uno más, sí.

Aunque no salga en las fotos, jaja. Desde que le conocimos, hemos desarrollado un entendimiento que nos lleva siempre a mejorar. Es un productor crítico con nosotros, y eso es sano y necesario si quieres avanzar. A parte, desde hace mucho nos une una gran amistad.

“Dramático” habla de los errores, las pérdidas… ¿Es difícil afrontar los errores, las pérdidas sin salir corriendo?

Huir de según qué errores, cuando son difíciles de afrontar por su carga emocional, puede ser la opción más apetecible. A veces es difícil superar algunas heridas.

Hablando de pérdidas, esta pandemia, que espero que esté ya finalizando, nos ha dejado muchas pérdidas por el covid 19 o por otras enfermedades. ¿Creéis que hemos

aprendido a valorar la vida de otra forma?

No estoy muy seguro de que como sociedad, hayamos aprendido a valorar lo importante. Creo que sólo los que han estado cerca del dolor han tomado buena nota.

En general el ser humano es olvidadizo, salvo algunas personas que cuentan con una empatía muy grande. ¿Qué ha sido lo más dramático en todos estos años para “La Ley De Mantua”?

Ha habido momentos en los que el desánimo parecía apoderarse del color, que las cuestas parecían demasiado altas y que lo que hacíamos no importaba. Por suerte, sin pedirlo ni esperarlo, los mensajes de aceptación y de enhorabuena por el trabajo llegaron para darnos un aire que necesitábamos. Un oxígeno vital en forma de cariño.

El siguiente single en salir ha sido “Adolescente”. ¿Ayudó la música a sobrellevar mejor esa adolescencia?

La música fue la clave. No recordamos la adolescencia sin música...Salíamos del instituto e íbamos derechos al local de ensayo o al half, era nuestro divertimento y nuestro refugio. Escribir letras en un cuaderno era práctica habitual antes, durante y después de las clases. Aún conservo letras de aquella época. ¿Qué echáis de menos de esa etapa?

Los veranos. Cuando se supone que debes pasar a la vida adulta, los veranos saben diferente. Juntarse con los amigos y no parar de un lado a otro.

Nosotros pasamos el mayor tiempo de nuestra adolescencia en la calle, entre amigos, discos, conciertos, un balón… aprendiendo la ley de la calle. Recientemente leí un artículo que dice que nuestros adolescentes pasan al día 4 horas delante de una pantalla. ¿Se puede empatizar con el resto de la humanidad pasando tantas horas delante de una pantalla?

No sé si empatizar, pero al no tener tanto contacto con la calle, se pierde un aprendizaje primordial. Se nos forja el carácter en la adolescencia y lo que es más importante, nuestra sensibilidad, nuestras emociones...soy quien soy y compongo como compongo, por cómo viví y lo que me

pasó en el instituto.

En nuestra adolescencia la forma de consumir música era distinta, a nosotros un disco nos podía durar varios meses, nos daba tiempo a dar más oportunidades a las canciones, ahora va todo tan rápido que es imposible darles ese tiempo o una segunda oportunidad. Si en los primeros segundos no nos gusta la canción, la pasamos, hay miles de ellas en internet. ¿Cómo veis la forma de consumir música en la actualidad?

Demasiado rápido. Como artistas, vemos cómo un disco que hemos construido en dos años con esfuerzo y cariño, puede ser fagocitado y desechado en cuestión de un mes. Sin que dé tiempo a saborearlo. ¿Tenéis pensado cuando saldrá el disco y ya sabéis el título del disco?

Tenemos el título, pero aún es algo que queremos guardarnos. Somos muy de compartir todo y nos quedamos sin sorpresas que dar...(risas). Durante el confinamiento salieron muchas ideas y nos ha costado mucho llegar a un setlist concreto. Ha resultado ser muy variado en cuanto a estilo, por lo que esperamos que para noviembre podamos lanzarlo al mundo y ver si está a la altura.

Spotify va a patrocinar al Fútbol Club Barcelona. La cultura en los últimos años no ha vivido sus mejores momentos, salas que han cerrado, músicos que han tenido que buscar otro trabajo, montadores de escenarios, transportistas, técnicos de sonido, de luces, medios de comunicación que han cerrado… eso por un lado. Por otro lado, lo poco que cobra un grupo de regalías de esta empresa. ¿Cómo ves este patrocinio?

No es ningún secreto que lo que recibe un músico de Spotify es absurdamente poco. Como empresa, evidentemente que hagan lo que quieran, pero yo particularmente estoy muy regañado con el fútbol; con el ambiente que genera alrededor y con la manera de paralizar cualquier otra actividad. Parece haber un mundo paralelo, en el que el fútbol es lo único que importa y lo demás no existe. No lo entiendo y no me gusta.

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Este es el primer disco de larga duración de Kepler “Hasta que duelan los pies” ya que en el 2019 vio la luz su primer Ep de cinco temas, solo un año que llevaba la banda formada. Daniel Casado, Jorge García, Javier López y Jorge Rivas dan vida a esta banda de punk rock nacional. Un punk rock melódico influenciado por bandas de los noventa como Green Day, Bad Religion, The Offspring, Rancid…

“Hasta que duelan los pies” es el título del primer larga duración de Kepler. ¿Y cuando duelan los pies que sucederá?

Que sacaremos otro disco para seguir caminando, es lo que hay que hacer. No mirar atrás, y si lo haces que sea con cariño.

Este disco se ha grabado en los California Studios por Víctor Saiz. ¿Qué visteis o que escuchasteis que había hecho Víctor para decantaros por él?

Algunos conocíamos de antes a Víctor, y hemos podido apreciar su trayectoria y como han ido aumentando la calidad de sus producciones a medida que crecía su estudio. Todas las bandas que ha producido tienen un sonido muy conseguido y profesional.

¿Cómo es la playlist de Kepler?

Intentamos que haya variedad, unas más cañeras, otras más punkis, otras más relajadas, otras más rockeras, es lo que creemos que puede hacer al disco menos monótono y más divertido. ¿Una canción puede ayudar a pasar la página de una experiencia vivida como en “Te echo de menos (Pero estoy bien)”?

Si se entiende el mensaje o al menos se interpreta de una manera positiva, por supuesto. Y si dejas que la música te lleve a cerrar una puerta para abrir otra ni te cuento. Es la razón de ser y el principal incentivo para escribir este tipo de temas.

“Sobre el mar del olvido” es un tema que se sale un poco del concepto de Kepler, una canción con muchos cortes, una parte en el que el bajo es el protagonista… un tema que en directo debe ser divertido tocar y difícil de llevarlo al directo por estos cortes. ¿Cómo es esta canción en directo y cómo surgió?

La canción surgió como muchas otras, a partir de un riff improvisado en el ensayo entre calentamientos y pruebas de afinación. Nos pareció que sonaba como algunas canciones de Foo fighters y decidimos convertirlo en el punto de partida del tema y desarrollarlo. No nos resulta especialmente difícil de tocar en directo, ya que Jorge (batería) sabe señalar el tempo de manera sutil para que nadie se pierda al comienzo del interludio, que sería la parte crítica a nivel de cortes.

“El eco de tu voz” es una canción que bebe de la influencias de esas power ballads de los 80`s y 90`s. ¿Tenéis alguna favorita?

Cada uno tiene las suyas, no es que ninguna en concreto nos influenciara en la composición de este tema, pero podemos decir que algunas de las baladas que más nos gustan en general son Planet caravan (Black Sabbath), Unforgiven II (Metallica), Carrie (Europe), Dead as yesterday (Zakk Wylde),

Antojo de un Dios (Avalanch), Angel (Dickers), entre otras muchas.

Esos temas de conversación que tenéis en el local de ensayo, tomando una cerveza… ¿Son las letras que aparecen en este disco?

No realmente, aunque el tema puede salir de manera esporádica durante una conversación, en los ensayos es más común el humor escatológico y los temas de actualidad musical. Aunque sí se llega a abordar el enfoque de las líricas, dejamos que el cantante se estruje los sesos en casa y decida un poco él por donde ir según lo que la parte instrumental le inspira. ¿Cual es vuestro mayor sueño por cumplir?

Que nuestra música llegue a cada vez más oídos y que lleguemos a transmitir en el público el mismo tipo de sentimiento de disfrute y emocionalidad al que a nosotros nos inducen nuestras composiciones.

Es difícil, porque también somos asiduos oyentes de todo tipo de música y sabemos lo complicado, selectivo y subjetivo que resulta que una canción nos erice la piel, nos provoque una emoción intensa o incluso nos sumerja en un estado alterado de conciencia.

Spotify va a patrocinar al Fútbol Club Barcelona. La cultura en los últimos años no ha vivido sus mejores momentos, salas que han cerrado, músicos que han tenido que buscar otro trabajo, montadores de escenarios, transportistas, técnicos de sonido, de luces, medios de comunicación que han cerrado… eso por un lado. Por otro lado, lo poco que cobra un grupo de regalías de esta empresa. ¿Cómo ves este patrocinio?

Nos parece que la música al fin y al cabo es un negocio más, más allá de como cada uno lo quiera vivir o proyectar en su vida cotidiana. Tampoco nos calentamos mucho la cabeza ni le damos tanta importancia a lo que una plataforma como Spotify, como empresa, o el FCB como club hagan lo que le parezca conveniente para promocionarse.

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¿Qué tienen en común tus canciones además de la presencia de la mujer?

He escrito todas las canciones del LP a partir de vivencias que me han ayudado a aprender y a ser más fuerte. Los temas van desde rupturas amorosas hasta el amor propio pasando por el empoderamiento personal, la energía positiva, el ‘carpe diem’ de vivir la vida sin remordimientos, el estar abierto a nuevas formas de pensar, etc. Todas las canciones pretenden empoderar al oyente y llenarlo de energía positiva. Creo que todas las canciones del LP tienen un elemento musical en común: la sorpresa. Siempre intento combinar algún elemento como un acorde, un instrumento, una frase o algo que suponga un cambio.

Con esos elementos pretendo que el oyente tenga una sorpresa placentera creando una conexión emocional. Me gusta mucho explorar componiendo e introducir mezclas de estilos, influencias hispanas y latinas en mi música. A la hora de componer estas canciones, quería que fueran diferentes entre sí, que no sonaran igual. De ahí que el LP tenga una mezcla de estilos tan singular.

Desde siempre he estado muy influenciada por la música anglosajona e hispana y las voces poderosas de artistas como Mónica Naranjo, Christina Aguilera, Pink, Alicia Keys y Whitney Houston. Creo que eso se plasma en este proyecto también. ¿Piensas que las artistas jóvenes como tú tienen la autoestima más alta que en generaciones pasadas?

No. Creo que los jóvenes en las nuevas generaciones sufren más estrés, ansiedad y otros trastornos en comparación con las generaciones anteriores. Pero también veo que cada vez hay menos estigma y que los jóvenes se atreven a decir que están mal y a ser honestos con su realidad y sus sentimientos. Creo que internet es uno de los factores que ha hecho que mi generación tenga la autoestima más baja. Si a esto le sumamos otros factores como las crisis políticas y sociales, hace que muchas personas basen su satisfacción con la vida según el número de likes y lo que han hecho en comparación con el vecino. Los jóvenes se comparan más con los demás, necesitan reafirmación y palabras de ánimo y están más acostumbrados a una gratificación instantánea.

También se enfrentan a sus propias expectativas y a los valores de la sociedad.

Ser artista no es nada fácil pero es muy gratificante. Los artistas estamos expuestos constantemente al rechazo, a la comparación con otros artistas, a la mirada crítica del público que muchas veces no valora la cantidad de horas y de dinero que se ha invertido en un proyecto, a las estafas, etc. Nosotros hacemos esto porque damos

nuestra vida por la música, nos encanta expresarnos mediante esta y conectar con nuestro público. Con mi música, quiero crear un impacto y hacer que la gente se sienta bien. También trabajo la inteligencia emocional y la aceptación personal.

Creo que es muy importante aceptarse, respetarse y amarse a uno mismo. Siempre busco ser mejor como persona y artista, pero tengo un enfoque en la gratificación.

Estoy muy feliz con lo que tengo e intento mejorar cada día. De ahí que varias de mis canciones como ‘Gold’ hablen de ello.

El escritor Juan Tallón comentó una vez “Siempre ha habido literatura para dejar de pensar, pero quizá necesitamos lo contrario”, ¿pasa lo mismo con la música?

Creo que hay momentos para todo. En unos, nos ponemos música para dejar de pensar y simplemente dejar nuestra mente volar. Escuchamos los ritmos, los sonidos, la voz de la canción e incluso la bailamos sin realmente darnos cuenta de qué dice la letra. Hay veces que necesitamos escucharla a otro nivel. Prestamos atención para entender la letra, preguntarnos qué quería decir el artista, pensar en su historia y establecer otro tipo de conexión. Nos hace darnos cuenta de que todos somos humanos y compartimos tipos de vivencias y emociones. Como artista, expreso mis sentimientos a través de la música. Pongo mucha atención tanto a la letra, como a que los acordes e instrumentos tengan un sentido.

Como artista emergente, ¿hay que conocer los entresijos de la música para sentirla cerca?

Yo creo que no. Siempre intento olvidar todos los entresijos cuando compongo.

Quiero componer canciones sin tener en cuenta qué es lo que se lleva en ese momento y de qué temas hablan los artistas.

Me gusta hacer ejercicios de improvisación y composición donde la canción es la protagonista total en todos los niveles.

Los talent shows venden el camino rápido hacia la fama, pero hay muchos artistas que piensan que son como la comida de un burguer (fast-food) ¿tú qué opinas?

Este tema es muy complicado y harían falta muchas páginas para realmente hacer un análisis exhaustivo de lo que suponen los talent shows. Si yo ahora me presento a un talent show, ¿sería también fast-food cuando llevo más de 10 años en la industria musical?. Como concursante, tienes que presentarte a estos talent shows sabiendo que lo que buscan es el entretenimiento, los máximos beneficios y las ganancias publicitarias. Me parece inquietante la experiencia de los concursantes. Después de haber gozado de unos meses de ‘fama’, muchos salen del programa sin hacer mucho ruido,

otros lo dejan y unos pocos consiguen labrarse una carrera musical y crecen como artistas manteniendo su fama, muchos de ellos con contratos abusivos.

Pienso que cantar y bailar debería ser una asignatura obligatoria en los colegios. Al menos la gente sería más feliz ¿qué opinas? ¡Totalmente! Creo que ayudaría mucho a desarrollar la creatividad, la coordinación y la confianza en uno mismo. Me hubiera encantado tenerlas como asignaturas obligatorias en mi colegio. Yo bailo y canto desde pequeñita, pero no empecé a hacer clases de música, canto, teatro y danza hasta que fui adolescente. Empecé cantando jazz antes de meterme de lleno en la técnica vocal. Empecé bailando hip-hop y más tarde danza del vientre, contemporáneo, ballet, comercial y jazz.

Internet ha abierto la puerta a miles de artistas increíbles hasta entonces escondidos (muchos de ellos en la intimidad de sus habitaciones) y han creado una competencia voraz ¿Ves esto como algo bueno o malo?

Creo que la existencia de Internet es positiva para el artista. Ahora es posible publicar tu música sin la ayuda de una discográfica, utilizar plataformas y redes sociales para difundir tus trabajos, crear comunidades de fans y llegar a miles de personas gracias a herramientas que eran impensables hace unos años. Es verdad que las discográficas siguen teniendo mucho poder y que hay una competencia increíble, pero creo que los avances han sido positivos. ¿Cómo de difícil es hablar del empoderamiento femenino y de confianza en una misma cuando en la música urbana, que es la que está más de moda, solo se habla de drogarse, relaciones sexuales... y en ocasiones menosprecian a la mujer de una forma sorprendentemente bien acogida?

Quiero pensar que mucha gente escucha este tipo de canciones dejándose llevar por los ritmos y las melodías sin realmente pararse a pensar en la letra. No estoy de acuerdo con canciones que denigren o cosifiquen ningún género. Yo intento que mi música genere cultura, emociones y valores.

Te iba a preguntar por Cher, pero seguro que ya lo han hecho muchas veces antes…

Me encantó trabajar con Cher. Empecé trabajando como vocal coach de pronunciación ayudándola a cantar ‘Chiquitita’ en Español, pero acabé componiendo para ella y grabando algunos coros de la canción.

Mark Taylor (productor y compositor de artistas como Enrique Iglesias y Nelly Furtado), Cher y yo nos llevamos muy bien y la experiencia fue increíble. Los dos son grandes profesionales, muy trabajadores, humildes y amables.

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MARÍA MOSS lhmagazin.com

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TOPO SÍGUENOS EN: @TopoOficial

Este es el décimo disco de esta mítica banda de rock urbano que nació a finales de los setenta. En la actualidad son una de las bandas de esa época que mejor defiende su directo. Su último disco se llama “Duros y dulces años” y es que el mundo de la música es duro, pero te proporciona felicidad, así que además de ser el título de una canción del disco, es el título perfecto para llamar así al décimo disco de Topo.

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Cuando empezaba Topo presagiabais un futuro como éste en el mundo de la música o os lo imaginabais vosotros de otra forma.

Cuando Topo arrancó en el 78 todos éramos unos chavales. La ilusión, el nuevo sonido y todas esas canciones nuevas y el momento musical y político que recorría el país fue todo un cocktail perfecto que hacía que fuéramos a ensayar todos los días con muchas ganas de crear y crear. El futuro no nos importaba, teníamos gran confianza en nosotros, no hubo ningún presagio, sólo la música nos impulsaba.

Son tiempos duros para la música rock, no hay tanto público que la consuma como en los 80`s. Ahora se escucha reggaeton, trap… ¿Cómo veis la situación del rock en la actualidad?

El rock tal como yo lo veo actualmente, sigue siendo un fenómeno de masas, pero sólo para algunos nombres que logran mover “Fito” “Robe”, Marea, Manolo García y algún otro logran meter más de 5.000 pax. Todo lo demás son salas pequeñas que hay aquí o allá y que su aforo no llega a 250 pax, o sea, “garitos”

y es ahí donde el rock brilla más. También en los locales de ensayo donde se afanan los nuevos roqueros a crear nueva música y seguramente los mejores temas nacen y mueren allí. Los festivales también ayudan a mantener el ambiente y son un balón de oxígeno, pero claro, esto no es comparable con aquellos años. Hay una frase que define nuestra actitud en un tema que compuse en 1994 “Quijotes eléctricos”, dice: “Aunque sólo tú o tú quisieras escucharme, valdría la pena seguir”. De todas formas, existe el concepto muy extendido en el país, de que el rock & roll es solo lo “heavy”, nada más lejos, hay 1000 formas de expresarlo y cada cual elige la suya. ¿Qué es la felicidad cuando uno se dedica a la música?

Los momentos más felices se viven en el escenario, cuando hay un público que te sigue y canta tus canciones. Es cuando los planetas se alinean y surge la magia.

A raíz de lo que hablamos, en el disco nos encontramos una canción “Mi barrio ya no es mi barrio”. ¿Qué es lo que más añorais de ese viejo barrio y que es lo que

os hace sentir extraños en el barrio?

“Mi barrio ya no es mi barrio” es un tema que se me ocurrió dándome una vuelta por el barrio en que yo nací “El cerrillo de San Blas”, cerca de Atocha, al lado del Retiro y vi como todo estaba muy parecido pero absolutamente distinto. El barrio lo hace la gente y el momento en el que se vive y sentí que ya no pertenecía a mi antiguo barrio.

Qué significa para vosotros que digan que tenéis tres discos imprescindibles en vuestra carrera como son vuestro primer álbum de 1979, Marea negra (1982) y Ciudad de músicos (1986) que se ha vuelto a reeditar. ¿Qué ya habeis dicho todo en la música? ¿Qué no se da la oportunidad de escuchar las nuevas canciones?

Los 3 son buenos discos, cada uno en su momento, pero tanto Lele como yo somos creadores natos, hemos compuesto cientos de temas conjuntamente o por separado y así seguiremos, el que esos discos sean imprescindibles mola mucho. No se puede parar, aunque en el juego no lleves triunfos ¿quién sabe?. Quizás dentro de unos años alguien redescubra nuestra obra y alucine ¿por qué no?.

Que en un concurso musical de TV no sepan que lo que está sonando es un tema emblemático vuestro dice y mucho de la falta cultural musical que hay en este país, ya le pasó también a Guzman y su “Señor azul”. ¿Cuál es vuestra opinión de este hecho?

No me extraña. Vivimos tiempos en los que nada es nada si no sales en televisión.

Todos son conceptos típicos y tópicos. Lo importante sería que los seres humanos tuviéramos todos y cada uno un criterio, una forma de parecer, un estilo propio, pero eso es ciencia ficción, así que es más fácil dejarse llevar por la “Santa Televisión” y ahora por Internet y las redes sociales.

Canciones que significaron mucho hace 40 años hoy no significan nada para casi nadie.

La falta de cultura en general y musical en particular de este país es muy preocupante y la televisión manipula y embrutece cada vez más.

Cuando uno sigue escribiendo al dinero, la polución… qué siente, ¿queda todavía

mucho por hacer?

Son temas clásicos de nuestro tiempo, todo el mundo habla de ellos, pero nadie hace nada, cuesta mucho dinero y las medidas son impopulares, así que “nos dejamos llevar” Recientemente estamos viviendo en directo la invasión de Rusia a Ucrania, una guerra en toda regla. En el tema “Pinta en espadas” un trozo de la letra dice: “Algunos locos, iluminados, que hasta aquí nos han llevado…” Venimos de una pandemia, una guerra… no aprendemos. ¿Hay alguna forma de quitar a esos locos iluminados el poder?

La guerra de Ucrania va a pasar a la historia como la “Guerra del Hijoputin”.

Cómo no se dieron cuenta de lo perverso, calculador, manipulador, violento, fascista y un largo etc. que este hombre ha demostrado ser y con más de 5.000 bombas atómicas que en cualquier momento puede lanzar. Parece que estamos viviendo en un comic donde el malvado “Hijoputin” va a someter al mundo, con la diferencia de que esto no es un comic, es real. El problema se solucionaría si el pueblo ruso se alzara y lo crujiera, pero eso no va a ocurrir, así que el futuro dirá…. Pinta en espadas era un comic hecho canción que exactamente cuenta algo parecido a lo que está pasando.

No es la primera vez que nuestros textos coinciden con lo que va a pasar en el futuro.

Estos locos como el “Hijoputin” son el fruto prohibido de la sociedad, pero parece que a una parte de la misma le gustan los frutos prohibidos y contra más fascistas y reaccionarios, mejor.

Cuando estés leyendo estas líneas Topo habrán participado en el homenaje a esos 40 años del Rock & Rios de Miguel Rios. ¿Qué significó para vosotros ese disco y la figura de Miguel Ríos, el participó en la producción de vuestro disco “Marea Negra” junto a Carlos Narea?

Topo y Miguel Ríos nos conocimos en el 79, en un festival en la antigua Ciudad Deportiva del Real Madrid. Le gustó mucho nuestro primer álbum y luego coincidimos en muchas actuaciones y en 1981 en Torrejón de Ardoz, en un festival anti-bases

americanas. Nos pidió a Lele y a mi que compusiéramos para él y así lo hicimos.

“A tumba abierta” y “”Hola y adiós”. Lo incluyó en “Extraños en el escaparate” y luego nos produjo junto con Carlos Narea el “Marea Negra”. Nos lo pasamos genial en la grabación en Madrid y Amsterdam y conseguimos un gran disco. El reencuentro ha sido genial, viejos amigos recordando aquellos tiempos. Miguel es un auténtico viejo roquero, incombustible, al que respetamos mucho.

El disco se cierra con “Ulises y Robinson (en la isla de plástico)” que me ha recordado a esos años del “Días de escuela”, “Vallecas 1996”, “Rocinante”... un tema que casi dura los ocho minutos. ¿Crees que ahora tendrían hueco esas canciones en la radio fórmula?

Ulises y Robinson en la Isla de Plástico es un típico tema Laina & Jiménez que curiosamente está construido como componíamos en los 70’s, sin haberlo propuesto, juntando distintas partes en un solo tema que lo une a la historia que cuentas. Nos encantó como iba tomando forma. Al principio duraba 12 minutos. Las radio fórmulas viven de los anuncios que ponen y lógicamente sólo caben temas ya machacados y de no más de 3 minutos. Este tema solo podría aparecer en ráfagas. Os recomiendo que lo oigáis de principio a fin, a nosotros nos flipó crearlo.

“Batalla naval” es una canción dedicada, imagino, a las fiestas de Vallecas y su batalla naval. ¿Qué es para vosotros Vallecas?

Efectivamente es un homenaje al barrio que nos vio nacer como Topo, ya que ensayábamos en una sub.casa baja por Palomeras e hicimos muchos amigos allí. Además, Lele, Terry y Víctor vivían en allí. Entre estos amigos, estaba Juanjo del “Hebe”, la sala roquera de Vallecas que fue uno de los inventores de esta “Fiesta del Agua” que todos los veranos tiene lugar en Vallecas.

Nuestro recuerdo para Juanjo y sus hermanos. “Juanjo le moja a Lele, Lele me moja a mí, el Pulga nos moja a todos, Almo le moja a Luis”, es el estribillo.

FOTOS: Javier Del Palacio

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¿Que tiene Metallica de especial comparándolas con el resto de grupos para crear una banda que les rinda tributo?

DANI (Cantante): A nivel personal creo que lo tiene todo. Es un grupo con un repertorio tan grande de “himnos”, que solo tocando lo más imprescindible posiblemente te vas a un setlist de más de dos horas de duración. Además que es una banda que ha experimentado mucho dentro del terreno del rock, desde lo más agresivo y rápido del trash metal hasta rock experimental, pasando por baladas como es el caso de “Nothing Else Matters” Sencillamente, no veo otro grupo al que rendirle tributo sin llegar a aburrir sus canciones. Siempre he creído que Metallica tiene algo especial, distinto a la mayoría de bandas Fuisteis la primera banda en hacer un tributo a Metallica en este país, de esto hace ya más de veinte años. ¿Dónde surgió la idea de hacer este tributo?

RICARD (Batería y miembro original): La idea la tuvo una amigo mío que se llama Carlos Mauri. Él lo montó con Gregory, que era Bajista y después de montar las bases fueron buscando el resto de músicos hasta que se consiguió la formación adecuada para poder empezar.

Cuando uno revisa el material de Metallica para elegir su repertorio. ¿Se les admira más o todo lo contrario?

FRANK (Guitarra solista): En mi caso te puede decir que los admiro y respeto aún más de lo que ya lo hacía, ya que cuando te sumerges en los temas para reproducirlos

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en directo, debes tener el oído mucho más alerta a los pequeños detalles, esos que a escucha normal pasan desapercibidos y que al darte cuenta dices “qué cabrones, qué buena idea”,(risas). Al final puedes ver que hay muchos más matices de los que pensabas y eso enriquece aún más el valor de sus composiciones. ¿Qué es lo que más ha costado plasmar de la música de Metallica en vuestro tributo?

DANI (Cantante y guitarra): Creo que forzar ciertas actitudes o rasgos no es positivo para un tributo, desnaturaliza la puesta en escena. Lo que quiero decir , es que un buen tributo tiene que transmitir algo parecido a lo que transmite la banda original, creo que nosotros nos ocurre de forma natural, orgánica. Aunque es una percepción personal, al final el público será quien decida si es así o no Podría decir que nuestra mayor preocupación y esfuerzo reside en los aspectos técnicos y la puesta en escena (sonido de guitarras, efectos en vivo, transiciones... etc.) acabar de revestir el show para que sea lo más parecido a un show de Metallica de cara al espectador ¿Tenéis algún disco o etapa favorita de Metallica?

IAN (Bajista): Mi etapa favorita es sin duda en la que estaba Jason Neweted al bajo. Ese sonido particular suyo, tocando el bajo con la púa, dándole un sonido más metálico y con sus inconfundibles coros agresivos… en su momento fue criticado, pero para mí, los directos con él tenían mucha fuerza y contundencia

¿Os gusta cuidar en vuestro directos la imagen del grupo para que sea lo más parecida a Metallica?

FRANK (Guitarra solista): En realidad no nos hemos propuesto tanto el hecho de ser una banda clónica que incluso usamos su vestimenta, si que es cierto que Dani tiene una puesta en escena muy parecida a él, y el chaleco y las muñequeras si que las lleva.

Intentamos no desentonar pero vuelvo a decir que no es algo en lo que nos hayamos centrado mucho la verdad, al menos por el momento.

En el 2021 volvió DMG a retomar el tributo de Metallica. ¿Qué sucedió para que dejarais de hacer el tributo y que causó el regreso?

RICARD (Batería y miembro original: Dejamos el proyecto por el alejamiento de los trabajos. Carlos probó suerte en las islas Canarias y Gregory en Francia ya que es de allí y al final costaba mucho la logística del grupo. Hubo ideas para seguir con otros músicos pero habíamos creado algo tan unidos que solo habían 2 opciones, o dejarlo o seguir con otros músicos y así dejamos el proyecto en “pausa”. ¿Cual es el mejor momento que ha vivido DMG? FRANK (Guitarra solista): Creo que ese momento ahora mismo está por llegar, al menos en esta nueva etapa. De momento ya hemos podido estrenarnos y ver que somos capaces de mover a más de 100 personas y hacerlas disfrutar en nuestro primer

concierto el pasado mes de Marzo en la sala Rec on Fire de Igualada. En lo que es la primera etapa, Ricard nos explica a veces batallitas, y la que más me impactó fue en un concierto en Benicasim donde tocaron delante de miles de personas. Podemos decir que hasta la fecha ese ha sido el mejor momento de DMG. ¿Con qué momento os quedaríais de Metallica?

IAN:Sin ir muy lejos y aún con todos los años y acontecimientos que han pasado, me quedo con uno de lo más reciente.

El pasado 12 de mayo de éste año, James Hetfield sufrió un ataque de pánico y se abrió y explicó a su público que se sentía viejo y que le daba miedo salir a tocar. Lo bueno, que en ningún momento se sintió solo, porque todos los integrantes lo apoyan y acompañan. Un grupo de musica es como tu segunda familia. ¿Qué planes tiene en un futuro el grupo?

DANI (Cantante): Sinceramente, nunca hablamos de un futuro muy lejano o incluso a medio plazo. Intentamos mirar siempre el siguiente paso y dedicar nuestro esfuerzo a hacer las cosas de la mejor manera que creemos. Como cualquier tributo, la intención es colocar tu marca lo más arriba posible y que relacionen tu grupo con el original de forma instintiva. Si otro tributo niega esto, seguramente estará mintiendo.

Aunque más allá de hasta donde podamos llegar, personalmente espero seguir disfrutando de la experiencia y disfrutar de cada

concierto que haga con estos tíos. No perder nunca eso de vista ¿Qué pensáis de las personas que piensan que no ven con buenos ojos los tributos de bandas que están en activo?

RICARD (Batería y miembro original): Cada uno es libre de pensar como quiera, pero la realidad es qué no hay muchas opciones en este país con la música y una de las maneras de poder disfrutar de la música es poder versionar a tus héroes y poder llegar al público con sus canciones manteniendo viva su música. Sobre todo lo hacemos para disfrutar y pasarlo bien,

al final para mi es eso, hacerlo pasar bien y pasármelo bien manteniendo siempre la esencia de esta gran banda cómo es Metallica. Aprovecho para agradecer a los músicos con los que tengo el privilegio de poder tocar que son fantásticos como músicos y como personas.

Y recordar que el próximo 23 de Julio daremos un concierto en la sala Oxid de Reus con un repertorio muy trabajado de más de 2 horas en las que lo vamos a dar todo y estamos seguro que el que venga lo va a disfrutar, además de llevarse una camiseta y consumición incluida con la entrada.

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LA VELA PUERCA Desde Uruguay, 27 años en este mundillo musical, diez discos a sus espaldas, La Vela Puerca publica su disco “Discopático”. Un disco grabado en el local de ensayo donde montaron su estudio de grabación y que cuenta con las colaboraciones de Arquero, Andrea Echeverri (Aterciopelados) y Tito (Molotov). De la producción se ha encargado el argentino Alejandro Vásquez, cosa que no hacían desde el 2011.

Vuestro anterior disco “Destilar” salió publicado en el 2018 y ese disco tuvo una corta vida en directo, ya que poco después llegó la pandemia y nos mandó a todos para casa. ¿Cómo vivisteis ese momento?

La pandemia fue algo que nos afectó, obviamente, a todos y nosotros no fuimos la excepción, sino todo lo contrario, tuvimos que dejar nuestro trabajo, dejar de tocar…

Y lamentablemente hacía un año y poco

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que habíamos sacado el disco y tuvimos que cortarlo, fueron momentos difíciles en los que nos dedicamos a ensayar y hacer algunos show en streaming. Y en el 2020-21 los enfocamos en trabajar en este nuevo disco, sabiendo que ya no íbamos a poder tocar y aprovechamos ese tiempo en el que no podíamos salir de gira para trabajar en el disco y nos permitió hacerlo de una manera más distendida y con más tiempo que en otras ocasiones, así que por ese lado fue positivo. La parte negativa ya sabemos todos lo que ha sido.

Han sido unos años muy duros para el mundo de la cultura. En España ha habido muchos músicos que han tenido que buscar otro trabajo, como por ejemplo de repartidor, salas que han cerrado, medios de comunicación que han cerrado… Ahora parece que poco a poco se vuelve a ver la luz. ¿Cómo se trató a la cultura en Uruguay?

Como sucedió en gran parte del mundo, la cultura tuvo una paralización bastante importante, en el caso nuestro estuvimos casi dos años sin poder tocar. En nuestro país la cultura se manejó de una forma… se le dió muy poco apoyo a la cultura y a la gente que se dedica a ella, todo lo que se relaciona a través de ella, shows en vivo, teatro, todo, todo…. fue muy difícil manejarlo. No fue muy colaborador, el estado, con la cultura. Obviamente,hubo muchos sectores que necesitaron ayuda y la cultura quedó un poquito relegada, lo que nos creó dificultades a todos los que trabajamos en ella que es una parte muy importante de gente. Así que hubo que sobrevivir y buscar la manera para salir adelante de la mejor forma posible.

Imagino que cuando nos mandaron para

casa ya habría alguna idea o canciones para un nuevo trabajo. ¿El estar tanto tiempo encerrado ha servido para dar más vueltas de lo habitual a las nuevas canciones?

Como te comentaba antes, el hecho de estar más tiempo parados nos permitió dedicarle mucho más trabajo a las canciones por esa razón y quedamos muy contentos con el resultado, en un disco que hemos disfrutado mucho haciéndolo y del que estamos muy orgullosos. Esperamos que a la gente le guste y que lo puedan disfrutar tanto como nosotros lo disfrutamos haciéndolo. Y lo disfruten escuchándolo y viéndolo en vivo.

“Discopático” se ha grabado en una casa que comprasteis y en el sótano montasteis vuestro local de ensayo, y en el cual poco a poco montasteis un estudio de grabación. ¿Cómo fue la experiencia y lo volveríais a repetir?

Sí, realmente fue un sacrificio de muchos años, el tener nuestra propia sala. Adquirimos una casa con un sótano muy grande, el cual adaptamos e hicimos una inversión en infraestructura porque estaba casi abandonado y había que renovarlo todo, fue bastante tiempo de trabajo pero el resultado fue muy lindo para nosotros. Quedábamos para ensayar y vimos que sonaba bien y nos pareció un lugar adecuado para grabar el disco,así que lo equipamos mejor con todo lo necesario para un estudio de grabación y nos metimos a grabar ahí. Empezamos con los demos, vimos que tenía buena acústica y grabamos el disco. Así que muy contentos con ello también, lo aprovechamos al máximo, porque teniendo nuestro lugar te permite tener más tiempo para trabajar, es otra cosa, estás en tu casa, en tu espacio,

te sentís cómodo y eso genera mejores energías y salen mejores las cosas. Lograr nuestra propia sala de ensayo, luego nuestro estudio de grabación fue un gran salto para nosotros. ¿Por qué elegir al productor Alejandro Vásquez para este disco? no lo hacéis desde que publicasteis el disco “Piel y Hueso” (2011).

Fue un placer enorme trabajar con Alejandro Vásquez. No nos conocíamos personalmente, teníamos referencias muy buenas de él y de su trabajo. Fue una experiencia nueva, trabajar con un productor nuevo, en esta ocasión decidimos que era necesario incorpora a una persona que viniera de fuera del grupo de alguien que tuviera una visión diferente y que pudiera organizar un poco las ideas, manejar un poco a las personas ya que somos una banda de nueve personas y la parte creativa y de composición siempre hay discusiones, sanas discusiones musicales de arreglos etc. que siempre es bueno que haya una persona que pueda organizar toda esa parte y Alejandro lo logró a la perfección. Y al final además del disco terminamos teniendo un nuevo amigo de la banda, nos podemos ir contentos con su trabajo, sin duda, pero como persona fue un placer y algo muy positivo para nosotros.

Durante la pandemia nos dijeron en muchas ocasiones que el streaming era el futuro, de hecho La Vela Puerca ofreció desde esta sala dónde grabasteis el disco dos conciertos en streaming, uno para Colombia y otro para el festival Pilsen Rock de Uruguay. ¿Es lo mismo streaming que concierto?

No realmente, no tiene ningún tipo de comparación. Fue una herramienta que utilizamos en ese momento para mantener el contacto con nuestro público, porque no teníamos la posibilidad de tocar en vivo.

Pero indudablemente no tiene comparación con subirse a un escenario y tocar en vivo para el público. Es una sensación totalmente diferente.

Tengo la sensación que durante esta época nos han querido vender que lo digital es el presente, es necesario, el pequeño comercio tiene que estar en internet para vender y sobrevivir a las grandes superficies… pero viendo la situación de la música en la cual todos los músicos suben su música a las plataformas digitales, tienen redes sociales, sus páginas webs… Pero hay más música, que músicos puedan vivir de ella. ¿Qué pensáis de esta reflexión?

El mundo digital es un mundo en el que nosotros no podemos estar por fuera porque es un mundo donde hoy por hoy la música se difunde, la gente escucha la música en las plataformas digitales y es a día de hoy la forma más rápida de escuchar música.

Y nosotros nos amoldamos a esa situación de la misma forma que empezamos con las redes sociales hace unos años. Creo que es necesario que los músicos tengan un lugar donde puedan mostrar su música. Es importante tener esas herramientas para difundirla.

Como primer single del disco se extrajo “La Pastilla” una canción en la cual colabora Arquero el mayor exponente de Hip Hop de vuestro país. Ya Sebastian Teysera colaboró con él en una canción de Arquero “Dolores Lindos”. La Vela Puerca es una banda que se inspira en muchos estilos musicales. ¿Cómo surgieron estás colaboraciones?

La colaboración con Arquero surgió porque Sebastian también colaboró en una canción de su disco, hicimos muy buena onda muy buena relación y nos pareció una linda idea incorporarlo a una de las canciones del disco, estamos muy contentos también con el video en el que tuvo una actuación excelente, potenció muchísimo

la canción, muy buena colaboración tanto como la colaboración de Andrea Echeverri en la canción de “Tormenta” el solo de guitarra Tito Fuentes. No son muchas colaboraciones pero creemos que son de altísima calidad, que han dado a las canciones en las que participaron un plus muy positivo. ¿Qué tenía esta canción de “La Pastilla” para que saliera como primer single?

Elegimos La Pastilla después de varias reuniones e intercambios de opiniones con respecto a cuál podría ser el primer single, parecía que era una canción que tenía lo necesario para mostrar lo que es el disco.

Tiene el sonido que estábamos buscando intercalados con sonidos que se usaban antes en la época de la música disco. Utilizamos un poco esas herramientas musicales y creemos que esa canción es representativa de lo que es el disco.

Para terminar no sé si sois amantes del fútbol pero os tengo que hacer esta pregunta. Spotify va a patrocinar al Fútbol Club Barcelona. La cultura en los últimos años no ha vivido sus mejores momentos, salas que han cerrado, músicos que han tenido que buscar otro trabajo, montadores de escenarios, transportistas, técnicos de sonido, de luces, medios de comunicación que han cerrado… eso por un lado. Por otro lado, lo poco que cobra un grupo de regalías de esta empresa. ¿Cómo ves este patrocinio?

No tenía conocimiento al respecto y me parece un poco extraño que se patrocine a través de un equipo de fútbol, pero bueno, lo que manda es el mercado mundial. La cultura debía tener de colaboración por ese lado, esas plataformas que abarcan muchísimo y genera muchísimo… me queda un poco raro que se patrocine en las camisetas del Barcelona.

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o es nuevo el mantener el anonimato de un grupo, ya lo han hecho grupos como Daft Punk, Gorillaz, Spliknot, Teddy Bears o los míticos Kiss.

Ahora Chicle son la banda que de momento quieren preservar su identidad,

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una banda compuesta por grandes músicos de la escena musical de este país.

Hace tres meses el grupo publicaba un Ep llamado “Ángel”, ahora es el turno de “Envenenado” otro Ep. La intención del grupo es publicar un total de 60 canciones e ir publicando estas canciones

en Ep`s con una periodicidad de tres meses entre Ep y Ep. Estas canciones han sido grabadas entre el 2019 y el 2022 por el el propio grupo. En el proyecto están involucrados OneRpm, Doctor Music, Altafidelidad y ThePWR.

La primera pregunta es obvia ¿Cómo surge la idea de preservar vuestra identidad?

Por la idea de no condicionar nada la música. Al final, quién seas o cómo seas acaba condicionando en algo las opiniones sobre tu música y, de entrada, queremos que las canciones sean las que abran camino, sin nada más que adorne. ¿Cuando pensasteis en esta opción qué grupos os venían a la cabeza?

No lo hemos hecho por imitación ni por una estrategia para llamar la atención.

No es algo que vayamos a mantener en el tiempo. Cuando se sepa quienes somos, pensamos que la gente le encontrará todo el sentido a lo que hemos hecho.

Ocultar la identidad da más posibilidades de desarrollar una parte artística que quizás de otra forma no se podría desarrollar o es más por llamar la atención de los medios de comunicación?

Pensamos que el desarrollo de un artista con su música va de dentro hacia fuera y no al revés. De verdad que no es ninguna estrategia, no queremos que se interprete de esta manera. Lo único que pretendemos es que la gente pueda escuchar las canciones sin estar condicionado por absolutamente nada. Tampoco queremos generar ningún misterio ni nada similar. Cuando llegue el momento de tocar en directo, saldremos, sin artificios, ni máscaras, ni nada parecido y seguiremos sin dar la mayor importancia. Solo importa la música.

Hay 60 canciones grabadas, una pandemia por medio… ¿Fue el COVID19 responsable de que tomarais la decisión de grabar las canciones e ir sacándolas en Ep`s?

Le dimos muchas vueltas a la forma de presentarnos. Hay tanto material que un disco se nos quedaba corto, la verdad.

Llevamos trabajando en este proyecto más

de ocho años, dando forma al sonido de la banda y, hace más o menos tres años, ya tuvimos claro cuál era nuestra forma de expresarnos y nuestro sonido. A partir de ahí fuimos maquetando canciones y, cuando escribimos estas líneas, hay más de 270 canciones terminadas en maqueta. Hay tanto material que decidimos hacer esta pequeña y osada locura de sacar 10 EPs con un intervalo de tres meses entre cada uno de los mismos. Creemos firmemente que no va a descender la calidad de las canciones en los próximos EPs y así también podemos mostrar las diferentes caras de la banda dentro de su sonido. Le tocará a los oyentes y a vosotros juzgar esta afirmación a medida que vayan viendo la luz.

Cuando a uno le dicen que en tan poco tiempo habéis compuesto 60 canciones tiene la sensación que las canciones salen como los churros, pero escuchando vuestro dos Ep`s “Ángel” y “Envenenado” uno se da cuenta de que hay grandes canciones. ¿El componer tan rápido este material es signo del buen rollo que hay entre vosotros?

Aquí no hay secretos. Para tener tanto material que piensas que puedes mostrar porque te emociona, hay que pasar muchas horas en la faceta creativa. Nos encanta esta parte y somos muy prolíficos. Quizá hemos sido demasiado ambiciosos, el tiempo y el público dictará sentencia, pero no estamos atados a nada ni a nadie en cuanto a contratos ni demás. Somos absolutamente libres de hacer lo que sintamos y eso es una bendición.

Es el momento del single a single ¿Por qué decantaros vosotros por publicar esos 10 Ep`s en un año y medio?

Hemos crecido cuando los discos tenían sentido como trabajo global y que

representaban una etapa de una banda.

Cuando estaban más de un año preparando o grabando ese disco. Cuando el arte de la portada tenía un papel crucial y hasta el orden de las canciones. Cuando había adhesión hacia las bandas que te gustaban.

Cuando te quedabas prendado de algunos discos durante un buen periodo de tiempo.

Esa época es la que nos gusta más. Queremos ser ese tipo de banda, nos encantaría serlo. Entendemos que es casi imposible en los tiempos que corren por cómo se consume la música. Es muy complicado que se genere un boca a boca en la calle con una banda como se producía antes, hay demasiada oferta y todo pasa muy rápido.

Quizá estos 10 EPS en poco tiempo es una forma de decir que llevamos muchos años trabajando para poder ofrecer esto. No buscamos inmediatez, hemos llegado para quedarnos. Si fuera posible.

En la década de los 70 bandas como Wings, Frank Zappa, Yes, The Clash… publicaron discos triples. Ahora eso es impensable. ¿Qué férmula os gusta mas de consumir la música ahora o antes en la cual se le prestaba, yo creo, mucha más atención, ahora todo es demasiado rápido y no damos vida a las canciones?

Justo es lo que hemos respondido antes.

Siempre quedarán artistas que resistan a la forma de consumir actual. Son los que nos gustan, los que siguen pensando en un disco que quede vigente, uno que escuches después de 20 años y sigas orgulloso de haberlo hecho o haberlo comprado.

Queremos seguir este camino y no el de buscar un hit para tocar en los festivales de verano. ¿Cómo se hace la selección de esas 60 canciones para que den forma a un Ep? Hay mucho material, quizá demasiado.

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Hacemos una primera criba con una selección de las diez favoritas de cada miembro y, a partir de ahí, vamos definiendo cada repertorio. No es fácil lidiar con el aspecto temporal. El ser humano tiene tendencia natural a buscar la novedad y aborrecer lo que ya ha masticado. Debemos hacer un ejercicio de objetividad sobre nuestra propia subjetividad, algo casi imposible de conseguir. Por eso también buscamos opiniones externas de oídos vírgenes con nuestras canciones para que nos den una versión diferente. Y siempre hay alguna sorpresa.

Fran Ferdinand, Sôber, Matt Bellamy, Muse… son algunas bandas que podemos encontrar en vuestra música. ¿Cómo sería una playlist de Chicle?

Muse, Biffy Clyro, Foo Fighters, Billy Talent, Strokes, Chili Peppers, Weezer, Smashing Pumpkins, Black Sabbath...Bebemos de muchas fuentes de diferentes épocas. Al final, el hecho de cantar en español te lleva a lugares diferentes de cualquier referencia

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que puedas tener. ¿Por qué dejar la formación en un trío?

Empezamos los tres y seguiremos siendo tres. Con alguna excepción, las canciones están concebidas para tocarlas solo tres personas en directo.

Para la grabación se ha contado con uno de los grandes Dani Alcover (Dover, La Cabra Mecánica, Corizonas, Muchachito Bombo Infierno, PigNoise, La Musicalité, Sugarless, Habeas Corpus, Heroes del Silencio…). ¿Qué disco o motivo fue lo que os hizo decantaros por Dani?

En realidad la producción y grabación las realizamos nosotros mismos. Estuvimos tantos años depurando nuestro sonido que teníamos cristalina nuestra producción.

Dani mezcla y masteriza. Siempre nos ha gustado mucho su trabajo. Las canciones suenan nítidas y contundentes. Actuales pero con aroma a banda de las de antes.

Pensamos que está haciendo un trabajo excelente con las mezclas.

Hasta la fecha tenemos dos Ep`s “Ángel” y “Envenenado” que son las canciones que abren cada uno de los Ep`s. ¿Va a ser esta la tónica a seguir y porque dan título estas canciones a los Ep`s?

Era una forma coherente de ordenar los EPs, que cada uno llevara el nombre del single.

Como músicos ya curtidos de la escena musical ¿Os habéis encontrado muchos impostores en este mundillo de la música?

Entendemos que la música es una forma de expresión. Una herramienta que cada uno utiliza a su manera. No creemos que haya ningún impostor, únicamente personas que la utilizan de diferente manera.

Tenéis un tema que se llama “Cansado” del Ep “Envenenado”. ¿Alguna vez os habéis sentido cansados porque tardaba vuestro momento en la música?

De la música no te cansas. Te acompaña durante el viaje de tu vida, hay canciones y discos que corresponden y te llevan

a un momento vital determinado, eso es imbatible. Como músico no puedes pensar que tu momento debe o puede llegar. Debes expresarte, si así lo deseas, y si lo que ofreces es capaz de emocionar a unas cuantas personas sería un fin perfecto. Pero eso nunca sabes si va a suceder.

“Huracán” se encuentra en vuestro primer Ep “Ángel” es una canción que se sale un poco del resto de las canciones de Chicle, pero también es de mis favoritas. Cuando la escuché por primera vez me vino a la cabeza The Police, o la guitarra de John Waite en su tema “Missing You” sobre todo en su comienzo. ¿En que os inspirasteis para componer esta canción?

Todo empezó con el arpegio sobre el que reposa la estrofa. A partir de ese arreglo vino la melodía y más tarde el estribillo.

Hay más canciones de esta índole por ver la luz, incluso alguna que coquetea aún más con el pop. No importa, lo que importa es que nos emocione.

Soy muy fan de la Pantera Rosa en ella salía el inspector Jacques Clouseau con su lupa. ¿Nos podíais dar una pista para descubriros?

No queremos que sea el aspecto a incidir.

Solo queremos que nuestras canciones trasciendan. Llegará el momento de mostrarnos y se hará con naturalidad.

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LAUREL CANYON 26

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“Obsolescencia programada” es su último disco, un disco que nos viene acompañando tanto en estas páginas, como en la radio de LH Magazin, de hecho la canción que abre el disco “Solo hay” es la canción que más tiempo lleva dentro del Top 50 de LH Magazin. Además desde principios de abril a esta canción le acompaña un videoclip.

Sin duda es una sorpresa y satisfacción, saber que “Solo hay” se mantenga todavía en ese Top 50. Entiendo que hay vida al otro lado de las ondas de LH Magazin. Igual todo tiene que ver con la historia que cuenta esa canción, pues tiene que ver con ese minúsculo ser que ha irrumpido y alterado nuestras vidas; ese COVID 19. Y sí, supongo que el hecho de que acompañáramos el tema de un videoclip, le ha dado más fuerza.

No deja de ser una pequeña película en la que cualquiera que la vea, pueda sentirse seguramente reflejado en ella.

“Solo hay” es una canción que gusta mucho a nuestros oyentes y que la mantienen en nuestro top 50. Lleva ya más de 17 semanas. ¿A qué se podría alegar ese hecho?

Quizá, a que es el trabajo de mucha gente. Detrás de Laurel Canyon están unos músicos: Mireia López, Edu Olmedo, Iván López, Natxo Tamarit, Iván López y, la producción de Vicente Sabater; la aportación artística de de Manolo Santa con sus instantáneas; Eduardo Pérez Carpena con sus clips; la gente de iniciativas culturales de La ONCE, Mª José Sánchez y Ángel Luis Gómez;…y bueno,…Ricardo de la Morena y Carlos Romero de Bell Music, que son los que me “sufren” más de cerca. Todo un “totum revolutum” que hacen que estemos ahí. ¿Dónde se rodó el videoclip?

Para ese videoclip, junto a Eduardo Pérez, que acabo de citar, que es quien siempre trabaja con Laurel Canyon los audiovisuales, buscamos sobretodo entornos vacíos. Lugares que fueran realmente castigados por la pandemia, como podían ser bares y teatros, desde donde plasmar el mensaje de lo que era nuestra cotidianeidad, antes de que nos viéramos inmersos en esta especie de novela de ciencia ficción en la

que nos encontrábamos; bueno y, casi mejor dicho, en la que aún nos hayamos. Ahora que no me escucha nadie, habré de confesar, que cuando lo rodamos habían todavía ciertas restricciones de movilidad, nos las tuvimos que ingeniar para grabar algún que otro plano.

Actualmente estás trabajando en un cortometraje que está inspirado en una canción del disco “Faro, gente, noche, radio, palo, carta, brazo, playa”. ¿Cómo nace la idea de hacer esta película?

Antes que nada, confesaré, que ese “Faro, gente, noche, radio, palo, carta, brazo, playa”, cuando las canciones de Obsolescencia Programada salieron del estudio de grabación, fue la otra opción de primer single del álbum, por parte de Ricardo de la Morena y Carlos Romero, de Bell Music.

Incluso, Vicente Sabater, el productor, también tenía cierta predilección por la canción. Pero no sé, digamos que yo tal vez preferí guardarla para el postre…un as bajo la manga. Trata un tema un tanto especial y duro, como es el mal de Alzheimer. De ahí ese peculiar título, que hace referencia a un test de diagnóstico de esa enfermedad. ¿Y que nos puedes adelantar de el mismo?

La historia nos lleva a esos primeros momentos de una persona, en los que se conjugan sus el tiempo y sus recuerdos, con ciertas dudas. Pero lo más importante, los personajes y los escenarios de rodaje, ya están seleccionados, con lo que solo falta que Eduardo coja la claqueta, y diga eso de… ¡“Acción”!

Juguemos a un juego. Te voy a decir unas palabras y quiero que me digas lo primero que se te venga a la cabeza.

Faro: Guitarra.

Gente: Canciones.

Noche: Sueños.

Radio: Compañera.

Palo: Dolor.

Carta: Mensaje.

Brazo: Oportunidad..

Playa: Reseteo. ¿Cuándo podremos disfrutar de este cortometraje al completo?

A Eduardo le gusta mucho ir deshojando

poco a poco la margarita, con lo que primero seguro habrá, un tráiler que despierte la curiosidad de la gente que lo vea. En cualquier caso he de decir, que del cortometraje se extraerá también un videoclip del tema.

Vaya por delante, que para nosotros es una película muy entrañable o, al menos, eso es de momento lo que hay en el interior de la cámara de Edu; ahora solo falta que todas esas ideas salgan de ella como se han pensado. En nuestro anterior trabajo cinematográfico, “Aún no puedo respirar”, que por cierto, alcanzó tres finales de certámenes de cine internacionales, en un principio, íbamos a “matar” a la chica y, acabamos “matando” al chico….

“Obsolescencia programada” ya lleva un tiempo en la calle. Ahora un poco en la distancia de la publicación de este disco ¿Cómo ves tú este disco?

Igual me tendría que llamar Modesto, pero para mí es uno de los mejores trabajos que han salido en este último año,…qué voy a decir yo. Pienso que a veces las musas están de tu parte y, en este caso, pienso que así fue. Pero claro, luego está la otra parte, que es, como suelo decir, lograr “Romper la barrera del sonido”, captar la atención y hacerte un lado en esa maquinaria industrial en la que se ha convertido lamentablemente la música, en la que hacer buenas canciones no es incomprensiblemente lo esencial.

Como digo en “Quise tocar el cielo”, la canción que cierra el disco, “La suerte no es más que una cuestión de tiempo, de momento, y de lugar”. Cualquier músico que escuche esa canción y no entienda el por qué sus canciones no van más allá, se verá reflejado en ella. ¿Cuáles son los planes más inmediatos que tiene en marcha Laurel Canyon?

De entrada volcarme en el proyecto del cortometraje y los conciertos que vayan surgiendo. Y luego claro, atender a las musas, que esas siempre están ahí. Que no me pase como a Serrat, en “No hago otra cosa que pensar en ti”, y tenga que decir eso de “Hoy las musas han pasado de mí”.

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DIECI6ÉIS CUERDAS IGNOTUS terminó sus días y comienza la nueva era de Dieci6éis Cuerdas, el nuevo proyecto del compositor y guitarrista Iván Pastor de la banda de Madrid de punk, en este nuevo viaje le acompañan Juanma y Fortu, a los que se les unió más tarde Javier Soler (Mr. Chifly) de Habeas Corpus y Río Propaganda.

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¿Por qué dar por finalizada la etapa de “IGNOTUS? Buenas. Aunque sale de las cenizas de Ignotus. Realmente no damos por terminada la etapa de Ignotus. Sí es cierto que el ritmo va a ser más tranquilo y seremos muy selectivos con los conciertos que demos con Ignotus. No pasa lo mismo con 16 cuerdas, la idea es tocar todo lo que podamos.

Cuando uno empieza un nuevo proyecto como Dieci6éis Cuerdas que es lo que busca, dar una continuidad a lo anterior o buscar una nueva fórmula para intentar llegar un poco más lejos.

Buscamos pasarlo bien y disfrutar de lo que más nos gusta hacer, que es tocar. No te voy a negar que nos encantaría llegar a mucha gente pero no es una expectativa, el objetivo es pasarlo bien. ¿Qué ha aportado Asier Dominguez de Porco Bravo a este disco?

Asier le ha dado el color que tiene el disco, le ha dado calidad al resultado y estamos encantados con su trabajo. A parte ha cantado en una canción y ha metido unos coros imposibles. ¡Un verdadero crack!

Mr. Chifly se ha encargado de la grabación y de las mezclas. Cuando un miembro del grupo forma parte de la grabación y de la mezcla ¿no se corre el riesgo de no saber cuando parar?

Con Mr Chifly eso no pasa, tiene muy claro lo que quiere y de forma muy práctica sabe cuando parar, sacando el mayor partido.

“Olvidé quién era”, “Me acuerdo”... son canciones que hablan de una lucha con el interior de uno. ¿Sirve la música como terapia personal?

Totalmente!! Uno tiene que dejarse llevar por este mundo podrido o debe luchar

por cambiarlo y es más, hay esperanza para que no esté todo “Perdido”. Cómo has dicho antes, esto va más de una lucha interior y esa sí es una lucha que puedes ganar, si gana esa lucha hay esperanza para que no todo esté perdido. ¿Qué grupos nos podemos encontrar en vuestra playlist?

Barricada, Parabellum, Rip… “Perdido” se ha publicado a través del sello discográfico Potencial Hardcore y ha visto la luz en formato vinilo, pera mi el mejor soporte de reproducción y además, parece que hay un regreso a este formato. ¿Qué es para vosotros el vinilo?

Para mi es un soporte que está a la altura de todo el trabajo y esfuerzo que hay detrás de una grabación. ¿Por qué de entre todas las grandes canciones de Barricada elegisteis “Alambre de espino” para cerrar el disco?

Nos parece una pedazo de canción pero podríamos haber elegido cualquiera de los primeros 5 discos la verdad. Sin desmerecer los que vienen después…

Spotify va a patrocinar al Fútbol Club Barcelona. La cultura en los últimos años no ha vivido sus mejores momentos, salas que han cerrado, músicos que han tenido que buscar otro trabajo, montadores de escenarios, transportistas, técnicos de sonido, de luces, medios de comunicación que han cerrado… eso por un lado.

Por otro lado, lo poco que cobra un grupo de regalías de esta empresa. ¿Cómo ves este patrocinio?

Bueno ya lo has dicho todo con el enunciado de la pregunta, pero no me sorprende, al final el objetivo de las empresas es ganar dinero, no nos engañemos y pensemos que hacen las cosas por fomentar la cultura musical.

ALON WAISMAN & ODELIA DAHAN ¿Qué significa para vosotros el grupo Gipsy Kings?

Odelia: Tanto Alon como yo , nacimos en 1973.. Gipsy Kings para nosotros es una parte significativa del “Soundtrack” de nuestra juventud. ¿Cómo aparece en vuestras vidas Mika Shuruk (manager de Gipsy Kings)?

Alon: He conocido a Mika Shuruk en Facebook. Vio mis materiales y se conectó con la música. Desde entonces hemos trabajado juntos. Hace un año y medio recurrió al increíble Andre Reyes y me ofreció hacer una canción con ellos, y aquí está el resultado...

Antes de “De mirarte no puedo dejar” ¿Ya habíais trabajado juntos Alon y Odelia?

Odelia: No.. Alon me escuchó cantar una canción de Mercedes Sosa en Facebook , y me ofreció una colaboración… al principio desconfié un poco … me dije.. un piloto que también es músico… no se, algo aquí no me parece, ¡claro que me equivoqué! ¿Cómo fue el proceso de grabación de esta canción?

Alon: ¡Fue un proceso increíble! Estaba a la altura del pico corona y era imposible volar y encontrarse para grabar juntos.

Entonces escribí el arreglo en mi estudio en casa, grabé todos los instrumentos en mi casa, y ellos grabaron en Francia, y me enviaron los canales de guitarra y voz en archivos en línea. Lo mismo sucedió en la filmación del clip. Filmamos en Israel y enviamos un equipo desde París para fotografiar a Andre en Arles, donde vive, y así fue como se creó. ¡Fue una experiencia increíble!

Sois de Israel ¿Es la rumba un género de música que se escuche en vuestra tierra?

Odelia: ¡Sí! Sorprendente, pero la rumba española es bastante parecida a unos géneros de música oriental, que se escuchan en Israel. Además, los israelíes a-do-ran cada día más, la música española y latinoamericana en general. ¿Qué canciones contendría una playlist vuestra?

Alon: Escucho y disfruto escuchando muchos estilos musicales. Me gusta mucho ELO, Billy Joel, Supertramp, Stevie Wonder, Boston, Kansas, Paul Simon, así como diferentes estilos de jazz, disfruto mucho escuchando a Richard Bona, Pat Metheny y, por supuesto, el folklore. En español, disfruto mucho escuchar a Rosana, Mercedes Sosa, también me gusta mucho escuchar música brasileña, Jobim, Purim, Rosa. ¡Odelia conoce mucha música interesante y me presentó muchas cosas nuevas!

Alon Waisman & Odelia Dahan teneis pensado seguir grabando más canciones juntos.

Odelia: ¡Claro que sí! El dúo con Andre Reyes fue el primer tiro. Ya hemos grabado un proyecto entero, y… contiene algunas sorpresas más para el público español.

Alon Waisman es un cantante y productor.

Empezaste en el grupo Ofra Haza tocando la batería. ¿Qué recuerdos tienes de esos años?

Alon: Conocí al hijo del productor de Ofra Haza, Bezalel Aloni, cuando estudiaba música en Rimon Jazz School. Me uní a su banda como baterista. Más tarde su padre

me escuchó y me invitó a trabajar con ella. ¡Fue un tiempo increíble! ¡La oportunidad que tuve fue increíble! Aprendí mucho de eso. Ofra era una cantante internacional de gran éxito. ¡Y eso me dio un impulso para seguir adelante! Tan triste que falleció... era una cantante increíble y tan humilde... ¿Qué significa para Alon colaborar con un artista como Daniel Salomon, uno de los cantantes más famosos de Israel?

Alon: ¡El trabajo con Daniel Salomon fue increíble! ¡Él es un gran artista! Me encantan sus materiales tanto! Está realmente conectado con mi alma... sus increíbles textos y sus movimientos armónicos... hay algo diferente y especial en él. ¡Fue un gran honor trabajar con él y actuar con él! Llevó mis canciones a su mundo artístico, ¡y salió muy especial! ¡Gran experiencia!

Odelia Dahan es presentadora de televisión, periodista y locutora de radio. ¿Cómo ha sido dar el paso para cantar?

Odelia: Siempre he combinado los dos.

Son parte de mi. Hoy día trabajo como locutora de radio, junto al trabajo musical con Alon.

En el video de la canción también te podemos ver bailando. ¿Es el baile otra de tus pasiones?

Odelia: No soy bailarina y en esta canción solo canto, aunque me gusta mucho bailar. Hay una escena flamenca muy interesante en Jerusalén,donde vivo: Gente de todos los ámbitos de la vida, todos tipos de la población, cantan y bailan juntos, y es muy bello.

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ucho tiempo ha pasado desde que saliera publicado “Hotel Esperanza” corría el año 2014 y desde entonces, no hemos tenido un disco con nuevas canciones, hasta ahora, aunque por medio nos encontramos su disco en directo “La vida no mata ni engorda” que salió publicado en el 2017. Ya había ganas de escuchar nuevo material de Stafas y más si es como este último trabajo con el cual ha dado una vuelta de tuerca importante a su música.

Ha pasado un tiempecito para poder disfrutar de nuevas canciones de Stafas. ¿Quién marca el tiempo, las musas o la situación de la industria de la música?

Stafas siempre ha sido una banda que no ha mirado el calendario a la hora de editar un nuevo trabajo. Cuando tenemos canciones que creemos que tienen la calidad, como para formar parte de un trabajo, entonces es cuando nos planteamos grabar.

A partir de ahora tendremos que adaptarnos a los tiempos e iremos editando temas sueltos en formato digital, realmente el concepto de disco se ha perdido.

El disco se abre con el tema “Escribe con el corazón” un tema en el que colaboran Ramoncín y Topo. El estribillo dice “Escribe con el corazón, canta con el alma”. ¿Hay más canciones ahora sin corazón y cantadas sin alma que cuando empezaban

Ramoncín, Topo…?

Realmente lo que hay es menos canciones. Menos talento. Las compañías discográficas potentes que quedan están dirigidas por gente que, evidentemente, no les gusta la música. Son tipos que manejan una empresa, sin más, al final presentan unas cuentas y fuera.

Cuando uno dice “creo que este disco es el más personal y propio de nuestra ya dilatada historia” ¿Que tiene “Melodías para un mundo de locos” que no tengan los anteriores trabajos?

No creo que esa frase sea mía. Siempre me he alejado de esos tópicos “…es el disco más rockero, es el disco más íntimo, más personal…” Cada canción es única y no tiene nada que ver con las que lleva al lado, salvo el periodo de tiempo en que ha sido compuesta. Si en ese periodo estoy menos cañero, pues salen un tipo de canciones y si estoy con un rollo más mío, pues otras.

Pero nunca he tenido un concepto general de disco.

Este disco está siendo uno de los discos que mejor acogida está teniendo de Stafas sobre todo en escuchas digitales… ¿Puede un grupo como Stafas vivir de las reproducciones digitales?

Evidentemente no, pero los que se encargan de gestionar los derechos de los autores tienen que seguir trabajando duro para que la forma de repartir esa tarta, no esté tan descompensada. Lo que sí es evidente es que el tema de las escuchas digitales si es un referente claro de cómo está la banda en estos momentos.

A propósito de esto quisiera saber cuál es vuestra opinión de que Spotify patrocine al FC Barcelona por 280 millones de euros, para las próximas tres temporadas, desde julio de 2022 hasta el 31 de junio de 2025.

La cultura ha quedado muy tocada con la pandemia, nos hablan de la digitalización, pero al final el dinero va para lo de siempre, el fútbol.

Porque son como los de las compañías discográficas, a estos les importa la música “una mierda”, es un negocio y si en lugar de canciones fueran madalenas, pues trabajarían de la misma forma. Ya podían gastarse el 10% de eso, en ayudas a los músicos, en festivales. Pero tranquilos que no ocurrirá.

“No tengas miedo” en los últimos años, una pandemia, el volcán de La Palma, ahora la guerra en Ucrania… ¿Es difícil no tener miedo?

En el anterior disco de estudio hablábamos de “Esperanza”, en este de “Un mundo de locos” somos una especie que camina con paso firme hacia su extinción, creo que es evidente.

En este disco nos encontramos temas muy Stafas, pero también creo que hay una búsqueda, una evolución en lo musical. ¿Cuándo uno lleva tanto tiempo en la música que es lo que busca en un nuevo disco?

Realmente no busco nada más que melodías, Riffs. No busco conceptos. Pero si es cierto que llega un momento en el que te cansas de caminar por la vereda y decides dar un salto hacia otros terrenos, otros tiempos en las canciones, otros giros en las melodías. Al fin y al cabo, se trata de

“jugar” y no me canso de hacerlo, a veces cambiando las reglas.

Estáis preparando una gira por España, pero en noviembre tenéis pensado saltar el charco hacia México. ¿Qué significa para vosotros México?

México siempre ha sido un país que nos ha tratado con un cariño tremendo. Tenemos nuestra gente que nos sigue y con la que intentamos encontrarnos al menos cada cuatro o cinco años. En esta ocasión pasaremos por DF, Puebla, Guadalajara y estamos viendo alguna otra posibilidad. Lo cierto es que México y su gente nos dan la vida.

Miguel Rios llenó dos veces el Wizink, las entradas de The Rolling Stones seguro que se agotan en un tiempo récord. ¿Hay público para el rock?

Está claro que sí. El problema, es que tengo la sensación de que cada vez se ve menos gente joven en los conciertos. Y eso se termina pagando.

“Una canción que olvidar” es el tema más tranquilo del disco. ¿Existe alguna canción que quieras olvidar?

Ese tema, es una de las canciones que ha compuesto Jimy (en este disco por primera vez en Stafas, Jimy ha compuesto dos canciones, esta de la que hablamos y “Pienso en ti”). Yo y tú, y todos los que leen esto.

Hay canciones malísimas que nos gustaría olvidar, que nos gustaría no haber escuchado en nuestra vida !!!! (Risas). En Stafas solo hay una y no es “olvidar”, es que no nos hubiera gustado tener que hacer nunca y es el tema “138.252 €” tema dedicado a las víctimas del 11M. Para ir terminando dime ¿Por qué llamar a este disco “Melodías para un mundo de locos”?

Pandemia, crispación política, la sociedad cada vez más dividida. No sé si es un mundo de locos, pero si un mundo muy desequilibrado. Eran un puñado de canciones para no sabíamos muy bien quien.

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TACO SAL Vienen de Canarias y ya con su primer single “Abril” lograron que medios y público mirarán hacia las islas para descubrir a Taco Sal. Ahora presentan nuevo single “Noviembre” segundo single de lo es su primer Ep que lleva por título “Adicción natural”.

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Aunque este sea vuestro primer ep lleváis más de 15 años en este maravilloso mundo de la música. ¿Qué ha sido lo que os ha animado dar el paso de por fin grabar vuestro primer ep?

Tuvimos un parón de conciertos y ensayos en el año 2020 propiciado por la pandemia entre otros, lo que nos llevó a replantearnos nuestro futuro. Comenzamos a sacar viejas ideas del baúl de los recuerdos, empezar a trabajar sobre ellas desde casa y decidimos grabarlas dando lugar a “Adicción Natural”.

“Adicción natural” ha sido producido por Sergio Sancho. ¿Qué es lo que os llamó la atención de Sergio para que se encargará de la producción?

Su profesionalidad, seriedad en el trabajo, el gusto que tiene por hacer las cosas y sobre todo su gran sentido del humor.

Vuestro primer single se llamó “Abril” y el segundo “Noviembre”. ¿Qué sois más de primavera o de otoño?

Aquí en Canarias somos de verano todo el año.

“Abril” vino acompañado de un videoclip en el cual se liaba una buena en un pub… ¿Os habéis visto alguna vez en una de estas?

La verdad que nosotros somos gente de paz y no nos ha pasado nada de esto. Que apareciera la pelea en el video fue una sorpresa incluso para nosotros.

En vuestras redes sociales para agradecer la buena acogida que está teniendo “Noviembre” ofrecisteis un video cortito en blanco y negro sobre “Noviembre” ¿Habra pronto videoclip de esta canción?

Seguro, pero en Noviembre. ¿Qué grupos podemos escuchar en vuestra

playlist?

Tenemos muchos grupos en nuestra playlist pero podemos nombrar a “The Black Keys”, “Muse”, “Pearl Jam”y “Audioslave” que pueden ser un poco la inspiración para “Adicción Natural”.

Cinco son las canciones que componen “Adicción natural”. ¿Por qué llamar al ep así?

Porque para nosotros grabar estos temas que teníamos aparcados en nuestro baúl particular ha sido como una Adicción Natural durante estos dos últimos años.

Si ya hemos hablado de “Abril” y “Noviembre” ya hemos podido descubrir “Todo puede pasar” toda una joyita. Un dibujo de bajo espectacular, unos arreglos de guitarra muy buenos, una melodía alucinante y una parte durita. Un medio tiempo espectacular. ¿Qué es lo que puede o os gustaría que pasara a partir de ahora?

Nosotros no nos ponemos límites, todo dependerá de cómo le guste al público nuestra música. Para nosotros poder girar por la península compartiendo nuestras canciones sería el regalo perfecto.

“Debo entender” que termina con unas melodías arábigas que sorprenden. Creo que para entender hay que saber escuchar y esta sociedad lo de escuchar lo lleva fatal. ¿Qué es aquello que está sucediendo ahora que no os gusta y os gustaría entender?

Creo que ahora mismo falta exactamente eso, el escuchar a los demás; la empatía.

Parece que estamos en un momento en el que únicamente importa el “Yo” por encima de todo, sin pensar, ni escuchar a los demás. Es algo que no entendemos y que no entenderemos jamás.

Desde Albacete True Enemy han conseguido un disco en el cual el metal, el rock más clásico, hasta llegar al sonido más extremo han dado vida a ocho canciones que componen este nuevo disco llamado “Vultures” título que hace muy buena referencia a lo que nos cuentan en sus letras que no es nada más y nada menos lo que estamos viviendo en estos días.

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En este nuevo trabajo nos encontramos un nuevo miembro en el grupo el guitarrista Alejandro Egido. ¿Qué ha aportado a las nuevas canciones Alejandro?

Alejandro siempre ha estado con nosotros de una forma u otra,aportando ideas y dándonos sus puntos de vista.Además consideramos que es un gran músico y nos ha hecho crecer como banda con sus conocimientos.

En este nuevo trabajo las afinaciones han sido una parte importante para dar vida a un nuevo sonido del grupo. ¿Hubo alguna banda que os inspiró a llevar este cambio o como surgió la idea de hacerlo?

La idea de cambiar el sonido del grupo a un tono más grave fué por que le queríamos dar a este disco un aire más potente y más oscuro además creemos que conbina mejor con las voces al ser registros graves.

Este nuevo trabajo ha sido grabado en los estudios Baboon Records por Juanan López. ¿Por qué elegir a Juanan?

Por su profesionalidad y por que sabe exactamente como queremos sonar,nos conocemos desde hace muchos años y ha vivido toda la evolución de la banda,siempre que vamos con ideas a su estudio salimos más que contentos con el resultado.

“Vultures” (Buitres) es un reflejo de lo que tenemos a nuestro alrededor en el día a día en nuestra sociedad. ¿Cómo se os ocurrió la idea de llamar al disco así?

Fué por el conjunto relativamente conceptual que tienen las letras del álbum,todas tienen en común la protesta hacia esos “buitres” que nos rodean.

“Vultures” ha salido publicado en formato vinilo, la portada es alucinante, una obra de arte y en vinilo cobra otra dimensión. ¿Teníais claro desde un principio que saldría en formato de vinilo o fue al ver la portada?

Tanto nosotros como nuestro sello “El Hombre Music” decidimos que saldría en formato vinilo como algo más “exclusivo” y al ver la portada de Xavi Forné de Error!

Design no tuvimos ninguna duda de que

quedaría espectacular.

En vuestra playlist pueden tener cabida bandas como Metallica, Glassjaw, Queen Of The Stone Age, Stone Sour, Foo Fighters… ¿Son Foo Fighters la banda en común de todos vosotros?

Una de ellas si,tenemos muchas bandas en común pero luego cada uno tiene sus estilos predilectos,se puede decir que Foo Fighters es un punto intermedio entre nosotros si.

Dando una vuelta por internet he visto una versión de Johnny Cash del tema “Folsom Prison Blues” que os lo habéis llevado a vuestro terreno perfectamente. ¿Qué significa para vosotros la figura de Johnny Cash?

Un gran artista y una figura clave en el folklore de Estados Unidos, elegimos esa versión por que nos pareció muy divertido coger una canción tan vintage y transformarla en True Enemy.

Hablando de versiones, el disco se cierra con una versión del grupo Orange Goblin del tema “The Wolf Bites Back”. Una joyita lo que habéis hecho con esta canción. ¿Por qué esta canción?

Desde que salió el álbum de Orange Goblin esta canción es una de las que no puede faltar cuando uno de nosotros coge las riendas de un reproductor,la escuchábamos sin parar una y otra vez así que decidimos versionarla por disfrute personal,después se nos ocurrió ponernos en contacto con la banda original para ver si la podíamos incluir en nuestro propio álbum y les pareció buena idea.

En la canción “On The Verge” colabora Guillermo Izquierdo del grupo Angelus Apatrida. ¿Cómo surgió esta colaboración?

Vivimos en la misma ciudad y tenemos una muy buena amistad con ellos,se nos ocurrió que quedaría genial la voz de Guillermo en “On The Verge” se lo propusimos y aceptó encantado y no sólo eso,si no que también le pareció divertido grabar el video con nosotros y el resultado nos encanta.

TRUE ENEMY

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MATANDO GRATIX Hay pocas bandas en el panorama nacional que puedan decir que llevan más de treinta años en este mundillo de la música. Este último disco de la banda de punk rock de Madrid, titulado “Kon la muerte en la espalda” estaba pensado en un principio que saliera publicado en 2020 pero debido a la pandemia, su salida se fue aplazando hasta finales del año pasado 2021, coincidiendo este con su 30 aniversario. Nueve trallazos de esos que te dan una bofetada de baño de realidad en toda la cara.

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¿Cómo ha sido el balance de estos más de treinta años en la música?

Es a principios del año 1991 en el barrio de La Elipa, cuando Niño malo y Oscar ambos guitarristas se juntan en sus casas para montar las primeras canciones, de lo que a posteriori sería MATANDO GRATIX ,nombre que surge, de la famosa frase del amigo elipeño Manolo D.E.P El curraba en tanatorios y cementerios y siempre decía cariñosamente “te mataba gratix y no te ponía ni cruz” así que los más jóvenes del barrio la flipabamos con la burrada de frasecita (risas) y así estuvimos unos meses, hasta que entro al bajo el Wafis, del barrio de vikalvaro, en aquella época él tenía un bar en vikal el BAR-BAS que hasta algunos primeros ensayos se llegaron hacer dentro del garito, ya con el vallekano bolinga a la batería y Niño Malo y Oscar a las voces solistas, poco después se incorporó Trapa a la voz .Y es así como en junio del 1991 tocamos por primera vez en el 2º palomeras rock de VK donde nos apadrinan los Tijuana in blue, y es aquí donde nos propone Fernando del sello Potencial Hardcore el grabar un disco, para fliparla pues no llevábamos juntos los 5 ni 20 días. Así que nos toca ponernos las pilas pillar local de ensayo y montar 12 temas para estudio y en agosto del 92 grabamos “NO TE HAGAS LIOS” y pal 94 sale “LA MUERTE TIENE UN PRECIO” y así empiezan los conciertos en okupas, festivales, salas, fiestas de barrios y sobre todo el conocer a un montón de peña, de grupos, ciudades y un largo etc.… por el camino grabamos 2 trabajos más “EN LA CARRETERA”98 y “LIKANTROPIA”2001.

En el 98 grabamos una canción “JA JA JA ” en el CD homenaje a Pepe Risi BURNING,

Una noche sin ti y en el 2000 una canción tributo a ESKORBUTO “ADIOS REINA MIA”.

Después de varios cambios de guitarras y bateras volvemos a juntarnos los componentes antiguos para hacer una mini gira y en el bolo de Madrid se graba “MATANDO GRATIX EN DIRECTO 2008.Nos pica el gusanillo seguimos de bolos y volvemos al estudio a grabar una trilogía de EP LLAMADA 666 “20 AÑOS DE MUERTE”2012, ”PIDIENDOTE DE SALIR”2013 y es después de esta grabación del 2013 donde Trapa (voz) abandona la banda y nos tenemos que volver a poner las pilas, así que entra Niño Malo a la voz principal y Wafis como 2ª voz y terminamos como cuarteto la trilogía con “AKI NO DUERME NI DIOX”2015. La formación se consolida como cuarteto. Nos metemos en el local a trabajar en un nuevo trabajo que debido a pandemias, filomenas y demás no podemos grabar hasta los meses de diciembre 2020 enero y febrero 2021, tenemos varios problemas con la tardanza del vinilo y un fallo con la imprenta del CD pero por fin sale en septiembre. ”KON LA MUERTE EN LA ESPALDA” 2021.

Total na ¡valla chapa!. Así que referente a la pregunta y después de ver la balanza estamos convencidos de que el balance ha sido positivo en estos primeros ya 31 años (risas).

Había que sacar un disco para celebrar los treinta años, ¿no valía con irse de cañitas?

Pues en principio no lo habíamos pensado así, pero con tanto tiempo que tuvimos con pandemias y demás retrasos, estaba claro que el LP/CD iba a coincidir con el 30 aniversario. De hecho, lo que habíamos hablado con el dibujante barcelonés Manolito Rastaman, era que se currara la portada,

pero nos llamó un día para decirnos que tenía tiempo de sobra para hacer la portada, contraportada, libreto interior completo, nos dibujó un sello XXX ANIVERSARIO el cual se añadió a la portada original que ya tenía hecha y hasta nos actualizó el muñeco (logo) de la banda. Es decir que estábamos toda la peña confinad@s en todo el planeta.

Hablando de cañitas me parece que la palabra “Libertad” se ha malinterpretado, y es una de las palabras más bonitas de nuestro diccionario. ¿Qué es para vosotros la palabra libertad?

Pues desgraciadamente hay mucho borrego suelto. Como tú dices es jodido y muy triste pensar que la libertad consiste en salir de bares a tomar cañas y no como un derecho humano de poder actuar con voluntad propia. Nos vienen a la cabeza, frases de algún tema nuestro como en “BATAS BLANCAS”2015: “La libertad de expresión, de pensamiento, de opinión, de sentimiento…”

Vaya farsa de país, igual que su democracia, muchos años de mentiras dictadura camuflada. O como “MARTIRES DE CHICAGO”2021: “Mártires de chicago en la memoria siempre están, por vuestra lucha hoy tenemos más libertad” Desde aquí un sentido homenaje para todas esas personas que perdieron y siguen perdiendo la vida para que tod@s, tengamos más derechos y más libertades.

En este disco ha colaborado Fernando Madina de Reincidentes en la canción “Mineros en lutxa”. ¿Cómo surge esta colaboración y por qué cantar a esta problemática de la mina?

La canción surge de tantos años visitando a familiares muy cercanos a la banda por la zona de Fabero del bierzo y alrededores. El escuchar de primera mano tantas historias, vivencias, calamidades, enfermedades y por supuesto la sangre derramada dentro y fuera de las minas. Ellos fueron y son unos máquinas en reivindicar salarios, reducción de jornadas laborales, medidas de seguridad, conservar los puestos de trabajo, la readmisión de los despedidos que habían participado en huelgas y un largo etc. Para nosotros era evidente que era un tema que tendríamos que hacer tarde o temprano, siempre estuvo en el tintero. La amistad con Fernando Madina es ya de muchos años, a principios de los 90 ya tocamos juntos en la okupa de burgos y de eso ya ha llovido

bastante. A lo largo del camino nos hemos encontrado algunas pocas veces por escenarios y saraos de todo tipo (risas). De hecho Fernando nos hizo la producción entre Sevilla y Madrid de nuestro CD- “LIKANTROPIA”. Hablando con él nos dijo que le buscáramos un hueco en algún tema y así fue como la banda decidió que estaría genial en el tema de mineros en lutxa. Esta canción es un merecido homenaje a los mineros de todo el mundo.

En “Kancer” nos encontramos unas palmaditas, un aire flamenco e incluso termina en forma de rumba el tema… ¿Es este el disco más amplio en lo musical de Matando gratix?

Tras recibir el mazazo de una pérdida muy cercana a la banda, es Alberto Delgado (fiti) quien nos pasa la poesía, aunque parezca extraño es en versión rumba como nace el tema, es después de darle la caña, rabia y velocidad adecuada, cuando decidimos acabar la canción como nació en un principio, también se decidió meter las voces rumberas y las palmas en los estribillos. Decir que fue un lujo contar con la colaboración y el arte de Juan Andrés Moreno Martínez voz y la guitarra de Alfonso Sánchez Brea. Nos quedamos flipados en el estudio con el resultado y así es como nació nuestra primera canción Tano-Punk.

Solidaridad y nuestro máximo apoyo a tod@s los afectados por esta lacra de enfermedad Puto Kancer. No sabemos si es el disco más amplio de la banda en lo musical, pero sí sabemos que es un trabajo muy personal y currado con mucho esfuerzo.

Habéis dedicado una canción a vuestro sello discográfico “Potencial Hardcore”. Yo creo que debéis ser el único grupo de este país que haya dedicado un tema a su sello. ¿Qué es para vosotros Potencial Hardcore?

Si porque no, además en su 35 aniversario una canción y un videoclip en su tienda. Fernando es colega de toda la vida y llevamos más de 30 años trabajando juntos.

Empezó en radios, vendiendo en el puesto del rastro, montando el bar Lieja (ya desaparecido) y la tienda punkarra en vallekas y hasta un sello discográfico, “un crack” eso está claro. Fuimos los nº 13 en con el poder grabar y ahora va por 300. Así que merecido tiene este homenaje.

Que tiene de especial la canción “Kon la muerte en la espalda” para que dé título al disco.

Esta canción es nuestra manera de hacer

un homenaje a los españoles, la mayoría Republicanos que combatieron en la 9ª compañía parte de la 2ª División Blindada de la Francia Libre, más conocida como LA NUEVE. Fueron olvidados durante muchos años y se les tardó en dar el reconocimiento merecido, ellos fueron los primeros en entrar a liberar la capital Francesa. Muchos de ellos dieron sus vidas por la liberación de París y en la lucha contra el fascismo. Al unísono nos cuadró que fuera la portada y el título del CD. También en este disco hay un hueco para la Amazonia y su devastación “Amazonia el pulmón del mundo” ¿Estamos poniendo fecha de caducidad al planeta? ¿Por qué pensáis que no se quiere actuar?

En nuestra opinión, está clarísimo que si, estamos poniendo fecha de caducidad al planeta, ya que actualmente los recursos naturales de nuestro planeta y las zonas de este, en las que el ser humano no ha intervenido sin escrúpulos y basándose únicamente en los intereses económicos, son muy limitadas. Y poco a poco esta degradación continuada de nuestro planeta, va a suponer la destrucción de él. Es evidente que no se quiere actuar, porque esto supondría acabar la especulación que tienen bien montada.

9 “Falsa libertad” es un tema que habla de los muertos en el estrecho. Cuando uno ve en la noticias una y otra vez la misma noticia, cuando hay cientos, por no decir miles de canciones que tratan este tema. ¿Cómo se siente uno al tener que escribir sobre las muertes en el estrecho?

Con mucha tristeza, rabia e impotencia, tratando de recrear lo mejor posible el infierno que estas personas están sufriendo.

Es increíble la realidad de como la parte privilegiada del mundo mira sin inmutarse para otro lado.

El disco se ha grabado en los Estudios Fonorraptor bajo la supervisión de Antonio Astray técnico de sonido mezclas y máster. ¿Qué recuerdos tenéis de la grabación de ese primer disco “No te hagas líos”? ¿Ha cambiado mucho la película?

Si Antonio es un makina de los aparatos, a parte de buen guitarrista y también le controlábamos de la sala GRUTA 77 pues nos había hecho de técnico varias veces.

Decidimos grabar y hacer el máster con él en fonorraptor que aunque no sea un súper estudio, estuvimos muy a gusto, incluso se hicieron algunos cambios de instrumentos

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y de voces que ya estaban grabadas. No se limitó a grabarnos, si no que echó un cable en todo momento para la mejora del trabajo.

Son muchos los recuerdos de esa formación y de esa primera grabación en los estudios de la calle Bailen con Tores Crespo y Miguel Ángel Lobato, allá por el 92, estábamos flipado y a la vez aprendiendo con cada instrumento que se grababa y de cómo se iba formando nuestro ya clásico primer trabajo. Éramos novatos y muy gamberros, ósea que más o menos seguimos igual (risas).

Si claro las nuevas tecnologías a principios

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de los 90 (las primeras computadoras y ordenadores) lo revolucionaron todo a nivel de grabaciones, esto hace que la película haya cambiado para bien y se pueda trabajar mucho mejor en el estudio, solo recordar aquellos magnetófonos de bobina, uffff.

Donde va a parar.

Vosotros que habéis vivido esa época de ir de radio en radio, hablando con fanzines, mostrando vuestra música a los colegas… ¿es mejor esa época o está de Internet, el hashtag, big data…?

La verdad es que en otras épocas, había que mover mucho mas el culo para el asun-

to de la promoción que ahora, (por ejemplo hacer entrevistas o hasta conciertos en plena pandemia a través de video llamadas), te facilita el poder estar en cualquier parte del planeta sin moverte del local, por supuesto que estas modernidades te ayudan a mover el trabajo mas cómodamente. Aquella época en la que pisábamos unas horas antes las radios de la ciudad donde íbamos a tocar o las que también se hacían con teléfono fijo, corta, corta … que mayores somos (risas).

No obstante nosotros seguiremos moviendo el cuerpo para acercarnos a emisoras de radio o cualquier medio de comunicación que se atreva a llamarnos (risas). Ahora mismo es una pasada como puedes tener acceso a la música y todo el arte en general, solo con mover unas teclas, y aunque sí es cierto que ya no se venden discos como antes, (al menos un grupo como el nuestro) también es cierto que a través de las plataformas digitales llegas a un público más amplio y el personal lo tiene mucho más fácil para escuchar música de todos los tipos y géneros más cómodamente aunque no sea el tipo de música que se escucha siempre y de ahí a por el trabajo en físico pa la colección.

Este disco salió publicado en formato de vinilo. ¿Qué pensáis de la vuelta del vinilo?

El vinilo siempre ha estado ahí, aunque se lo intentaron cargar, sigue muy presente y ha vuelto con mucha fuerza, de hecho hasta la cinta de casete también está dando guerra en el siglo XXI. Hacía ya unos cuantos años que no sacábamos el formato vinilo, pero una ocasión como este aniversario pedía a voces que saliera en doble formato CD y en LP. Este ultimo incluyendo una tirada de color morado y otra en negro. L@s que somos coleccionistas y amantes del vinilo, (millones de personas) sabemos lo que es tener el vinilo en la mano y saborearlo entre las manos y los oídos. Increíblemente, a día de hoy, funciona muy bien la venta del vinilo.

Cuáles son los planes más inmediatos que tenéis próximamente.

Nuestros planes más inmediatos son seguir dando guerra en lo musical y en lo personal (risas). Lo cierto es que hasta 3 veces hemos estado a punto de cruzar el charco, pero por unas o por otras nunca han llegado a buen puerto las negociaciones. A ver si hay suerte y por fin lo conseguimos, eso sí, antes de que reviente el planeta del todo. Otra cosa que estamos barajando es hacer un videoclip, pero con alguna canción nueva grabándola en estudio, que no esté incluida en ninguno de nuestros trabajos.

Aunque no somos un grupo que vivamos íntegramente del grupo (si no estaríamos más delgados, risas) y tampoco somos de hacer muchos conciertos al año, si es cierto que vamos hacer algunos bolillos para dejar de hacer un poco el vago. A espera de confirmar algunas fechas aquí os dejamos algunas: El sábado día 18 de junio en Madrid en gruta 77.

El 6 julio estaremos en Murcia en el 240 BRUTAL METAL FESTIVAL.

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SABÍAS que...

En su primer año la actividad de extraescolar de radio realizada por LH Magazin en los colegios de primaria de Madrid ha sido todo un éxito. Entre risas los alumnos han aprendido a confeccionar noticias, realizar entrevistas y manejar la mesa de sonido.

Si quieres que en tu centro se realice esta EXTRAESCOLAR RADIO pide información en actividadradio@lhmagazin.com @PipoPaginaOficial

@pipo_travelinband

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PREMIO A LA MEJOR EXTRAESCOLAR CONCEDIDO POR EL AYUNTAMIENTO DE COSLADA A LH MAGAZIN RADIO

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WHISKY CRAVAN El rock está más vivo que nunca y es que gracias a bandas como Whisky Caravan el rock está más presente y de máxima actualidad.

Ellos empezaron a dar sus primeros pasos en el 2010 y dos años más tarde publican su ep “Nadie tiene corazón”. su primer disco de larga duración llevaba por nombre “Donde ella duerme” que vio la luz en el 2014, dos años más tarde y con el sello discográfico Rock Estatal publican el disco “Lo que nunca encontraré” con el cual visitan la ciudad de México, un disco que fue producido por Iker Piedrafita. En el 2018 publican “La guerra contra el resto” y antes de la pandemia su disco 5 de noviembre 2022 Sala MON (Madrid) 11 de noviembre 2022 Sala Máser (Vigo) 12 de noviembre 2022 Sala Mardi Gras (A Coruña) 19 de noviembre 2022 Sala AZKENA (Bilbao) 20 de enero 2023 Sala LA CASA DEL LOCO (Zaragoza) 21 de enero 2023 Sala WOLF (Barcelona) 10 de febrero 2023 SALA PORTA CAELI (Valladolid) 18 de febrero 2023 GARAGE BEAT CLUB (Murcia)

en directo grabado en la Joy Eslava “No sueñan fantasmas” (2020).

Ahora es el turno de esperar al nuevo disco de Whisky Caravan, de momento podemos contaros que se han publicado dos singles “Imaginaciones” y “Enemigos”. El disco ha sido grabado en los estudios Neo Music Box por José Caballero y verá la luz en otoño de este año.

La banda estará actuando este verano en festivales tan importantes como el Festival Almazán Vive el 16 de julio en Almazán. El 11 de agosto en el Sonorama en Aranda de Duero. Y os dejamos las fechas de su gira que llevará por nombre “Los últimos en pie”:

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Empecemos por el tema “Fanático” un tema que se encontraba dentro del disco “Rastafari Mamao” (2.000) y al cual se le ha dado un sonido más actual. Dentro de poco os veo perreando (risas).

(Risas) Nos han dicho de todo, siempre hay prejuicios, porque nosotros básicamente somos un grupo de rock metal. Con esta canción hemos tenido nuestros roces en el local porque este ritmo como bien dices es el del reggaeton, de hecho el tema “Más volumen” también lo tiene. Queríamos romper con los prejuicios ¿porque no podemos hacer un tema metalero en un ritmo como este?

Yo pienso lo mismo que tú ¿Por qué no?

Hay bandas como Kiss, Van Halen… que en pleno éxito de la música disco ellos hicieron un tema de pista de baile.

Cada día los clichés están más marcados y si te sales de ahí a la gente la descolocas.

Nosotros venimos de una época a principios de los noventa donde el funk metal era rompedor, rompía todo el esquema clásico de bandas como, Motörhead, Aerosmith… ahí se nos abrió la mente. Dejamos de hacer la típica canción con estructura pop y empezamos a hacer cosas así, unas más acertadas y otras menos. Prejuicios a la música cuantos menos mejor.

También quería hablarte de “Fanáticos” en relación a la noticia de que Spotify va a patrocinar el FC Barcelona. Después de la que ha caído con el COVID19, ya podía patrocinar a una sala de conciertos, un festival, ampliar las regalías en las escuchas… una empresa que se jarta de tecnológica que quitó del medio el CD apuesta por lo de siempre el fútbol.

Es paradójico que tengan dinero para el fútbol y no tengan dinero para su plataforma que son los músicos. Ya saben lo que hacen y nosotros también lo sabemos.

“Fanatico” viene de cuando yo era chiquillo.

Los domingos a la tarde iba a mi pueblo y veía a los abuelos con la radio y el mítico Jose Maria Garcia estaba radiando los partidos. Esto a mi me tiraba para atrás, yo lo veía como una tortura, es que estaban

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todos enganchados incluso mis amigos de mi quinta. De repente sonaba anís El Mono, luego el fútbol y cuando crecí me di cuenta de que era todo una contradicción. Por una lado me anuncias alcohol, por otro lado deportes… y de ahí salió esta canción. Ahora el fútbol está todos los días, antes era solo los domingos, es un atonta cabezas y un aparta temas de temas más interesantes que el fútbol.

Imagino que al revisar las canciones antiguas para darles este nuevo enfoque habría canciones que no se prestaran a ello.

Sí, ha pasado eso. El segundo disco “Stop miseria” (1.994) tiene canciones muy complicadas que tienen ocho o diez partes, era el típico rollo de que quiero meter todo lo que se hacer en un tema. De unos años a esta parte lo que pretendemos es que una cosa tiene que sonar a la primera. No es culpa del bajo, la guitarra, es de que está mal construido por la razón que sea, que buscar esa razón es una tontería. Si funciona, funciona, y si no funciona, no funciona.

Ha habido canciones que hacíamos los arreglos pertinentes que se nos ocurrían y no funcionaban. También hemos buscado esas canciones que a la gente les ha tirado más, que suelen ser las que funcionaban mejor en el directo. La pretensión máxima de todo esto es pasarlo bien, que es por lo que nos juntamos cuando teníamos dieciocho años.

Estos 30 años ¿son pocos o son muchos?

Según se mire (risas). Mi madre, la gente que es más mayor te dice: la vida es un suspiro. Y es cierto. Son muchos años y según vas subiendo la escalera el tiempo parece como mas corto, es la edad. Es lo que hay.

Uno de los peores momentos vividos como grupo fue la salida de Iñaki.

Por aquel entonces no existían tutoriales de youtube e Iñaki trabajaba la voz a full y cuando publicamos nuestro cuarto disco “La Vida Ke Kotxina Es” (1.998) pasamos unos años fatales, porque tenía unas afonías gigantescas. Íbamos a un concierto y a la quinta canción igual la teníamos que dejar. Sabíamos que lo teníamos que dejar o buscar a otro vocalista y tiramos para adelante. Y eso fue lo que hicimos aun a

FLITTER

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sabiendas que eso ya no iba a ser lo mismo.

Ahora en la distancia uno puede decir que tenemos dos épocas la de Inaki y la de Miguel.

Con el tema “Ke Hace Aki” que aparece en el disco “Ciudadano Masokista” (1.996) tuvisteis problemas con la justicia y lo habéis vuelto a meter en este “30 aniversario”. Cuando yo era crío escuchaba en las cadenas de radio más importantes del país a Siniestro Total “ Es que me pica un huevo” Las Vulpes “Me gusta ser una zorra”... ¿Había antes más libertad que ahora para decir ciertas cosas?

Sí eso es como lo que ha pasado en EE.UU. tú puedes comprarte un rifle siendo menor de 18 años, pero no puedes beber alcohol, ni fumar. Es esa hipocresía institucional. A nosotros con esta canción, que nos paso en el 97, pusieron la canción en Radio 3 a las 7.30 de la mañana y había cuatro ertzaintza en la comisaría de Irún y escucharon la canción y se escandalizaron, llamaron a Radio 3 diciendo que éramos proetarra y se lió parda. El gobierno vasco nos pedía inhabilitación para trabajar en los ayuntamientos, por ejemplo en mi pueblo yo no podía trabajar de barrendero, una multa de diez millones de pesetas… salió en todos los medios del país, nos quedamos flipados, nos intentaron amedrentar. Comercialmente a nosotros nos vino de perlas.

Y todo vino por la palabra cipayos que para quien no lo sepa eran los indios que se vendían a los ingleses para denunciar a los propios indios que se portaban mal, cuando la India estaba colonizada por Inglaterra y nosotros llevamos la historia por ahí, el juez se partía el culo. Nosotros reflejamos una realidad.

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1984 vio nacer a Parabellum treinta y ocho años, veinticuatro años desde que se publicara su último disco “Kae la puerta” (1.998) de estudio, cinco discos, dos directos, dos recopilatorios… Su último disco en directo “La locura continúa” se publicó en el año 2019.

Yo les conocí con una casete pirata que compré en el rastro de Madrid de su primer disco “No hay opción” siendo un adolescente. La portada era una fotocopia y el papel en color rosa y el nombre del grupo hizo que la deseara y que formará parte de mi bagaje musical.

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Vosotros no sois como The Rolling Stones que tienen una extensa discografía, muchos años pero pocos discos. (risas) Somos una banda un poco tortuguilla, vamos poco a poco. No teníamos pensado que desde el último trabajo de estudio a este pasaran veinticuatro años. Han sido un cúmulo de obstáculos, circunstancias que ha hecho que tardáramos en sacar este disco. Porque este disco y la idea la teníamos hace muchos años.

Y esos problemas cuáles han sido ¿el covid?

Quizás ese sea el que menos, ese solo nos ha retrasado un par de añitos.

Creo recordar que en el 2014 o el 2015 teníais pensado publicar un nuevo disco.

Sí. Incluso antes. Lo que pasó es que Juan Carlos uno de nuestros guitarras en un concierto sufrió un infarto y estuvo ingresado. Nosotros amoldamos el trabajo del grupo a él. Siempre que queríamos hacer algún concierto, canciones nuevas en el local pues a él le daba un achuchón, y así hemos estado mucho tiempo. Cuando falleció estuvimos una temporada que no podíamos ni ensayar, fue un momento muy duro date cuenta que nos conocíamos desde los 12 años. Después de un tiempo volvió la chispilla, llegaron conciertos, encontramos a Iñaki Setién y empezamos a terminar lo que casi ya teníamos programado en nuestras cabezas.

Hablemos de este nuevo disco “El grito del hambre” que además es una canción que aparece en el disco. ¿Por qué elegir esta canción para dar título a este disco?

Es una frase que me lleva rondando por la cabeza de Josu desde hace tiempo.

No entiendo que estemos investigando si

hay agua en Marte y no solucionemos los problemas que tenemos aquí que gente por falta de dinero su salud se vaya al mierda, porque no haya dinero para investigar o no merezca la pena investigar enfermedades de minorías. Que en pleno siglo XXI haya gente que pase hambre, que es lo más primario, junto con la vivienda, me parece inconcebible. Que cada uno con su dinero haga lo que le dé la gana pero me parece que no es ético, ni moral y yo tengo que decirlo. Creo que hay muchas más cosas importantes que darte una vuelta por el espacio. Por eso la frase de “El grito del hambre, no conoce la ley” y ahí está resumido todo. Cuando uno tiene hambre, no hay ley que valga, las leyes dejan de ser justas. Si mis hijos, mi gente, mis amigos tienen hambre yo tengo todo el derecho del mundo a saltarme la ley cuando me dé la gana. Si la gente tiene que morir que muera pero con el estómago lleno. Hay muchos tipos de gritos de dolor, de rabia, de amor, de placer, miedo… Lo que hemos pretendido en este disco es que cada canción fuera un tipo de grito diferente.

En un tema vuestro “La vela se apaga” (1984) colaboró Mamen Rodrigo (Vulpes) yo por aquel entonces estudiaba en un colegio de curas. Recuerdo esa mañana de sábado en el programa de TVE “Caja de ritmos” que fue donde apareció la canción “Me gusta ser una zorra”, que el lunes cuando llegue al colegio no hubo ni clase de matemáticas, ni lengua… fue un ataque feroz contra Vulpes así como mucha prensa de la época. ¿Pensáis que ahora en TVE podría sonar el tema de Las Vulpes “Me gusta ser una zorra”?

Ni ese, ni muchos más suaves entre

comillas. Cualquier canción de Eskorbuto, Cicatriz, las nuestras de antes, de muchísimos grupos creo que no tendrían ningún tipo de difusión. Libertad de expresión pero no voy a dejarte expresarte. Hay artistas que están en la cárcel por decir no cosas inventadas, son reales, cosas que pasan. Sin embargo el culpable de que se haga esa letra, está paseando tranquilamente por aquí y comiendo su bocadillo de calamares. Para los grandes medios la música tiene que ser culos y tetas, que la gente esté a su fiesta y lo demás no importa. No puedo entender cómo podemos ir hacia atrás en la libertad de expresión.

Muchos ya sois papás, algunos de vuestros hijos ya son mayores, otros no tanto…. ¿A la hora de escribir se cuida de otra forma el vocabulario?

Intentamos no hacerlo, lo que pasa es que a veces te dicen aita esto igual… pero no pasa nada, lo que tienes que hacer es explicárselo, digo esto, porque tu como chica lo que tienes que hacer es hacerte respetar. Mientras que te hagas respetar, tu puedes escuchar trap, reggaeton… porque también hay letras de estos géneros que son radicales, contrarias al sistema y a lo que es atacar la figura de la mujer.

En el tema “Demonios en el jardín” hay voces de críos ¿Quienes son?

Candela es la hija de Josu, la hija de Uoho, la hija de Lino y los hijos de unos colegas nuestros.

Uoho se ha encargado de la producción del disco. ¿Qué es lo que buscabais de él para este disco?

Le conocemos de toda la vida, sabemos de qué va, hemos tocado mucho juntos en la época de Platero, Iñaki ha compartido con el escenario y disco en Extremoduro… El sabe como sonamos, sabe lo que nos gusta, hubo la oportunidad y fue todo muy rodado.

Lo más importante es que se ha acoplado él a nosotros. Nos ha llevado por donde él quería, pero sin imponer. Ha aportado otra visión diferente a las canciones.

Para mi es un disco muy orgánico, con unas guitarras paneadas que me han vuelto descubrir que el stereo son dos altavoces (risas)...

Cuando le dijimos que buscábamos algo más antiguo, él pensó enseguida esto es lo mio. Además es un grandísimo músico y está pendiente de todo, si una nota se desvía un poquito, si se ha ido un poco fuera de tiempo… y luego cómo compone el plano sonoro es impresionante.

El otro día leí un post en las redes sociales que me dejó pensativo. Era referente al concierto de Fito y de Uoho. Decía que Uoho si es rock and roll y lo de Fito no. La conclusión que saco de este post es que Fito no es rock and roll porque metió 46.000 almas en su concierto de San Mamés en Bilbao.

Pero esta sería la opinión de este individuo. Porque Fito dio un espectáculo de rock and roll y se le veía cantando las canciones de Platero con la misma energía y disfrutando que en esa época. ambos lo que tienen se lo han sudado, despacito y se lo han ganado merecidamente.

A mi lo que me duele, es que se siga pensando que si un grupo de rock llena un estadio ya son unos vendidos, esto era muy típico de los 80`s cuando un grupo conseguía que su canción sonara en 40

principales.

Pero a eso se le llama envidia, a nosotros nos decían muchas veces de que éramos unos vendidos, que íbamos de estrellitas, tu fijate porque vendíamos x discos y éramos comerciales y resulta que la persona que me lo estaba diciendo tenía una maqueta de su grupo que la había puesto en cincuenta bares de Bilbao y a la semana siguiente iba a buscarlas y quería que las cincuenta se hubieran vendido, eso también es comercial. Tu haces un trabajo, si te ponen una radio genial, si venimos aquí genial… no somos estrellas ni más ni menos por venir o no venir.

En 1992 fuisteis sintonía del programa Metrópolis de TVE. Claro, cuando empezábamos nuestra mayor ilusión era quizás un día tocar en un concierto, y ese día llegó y tocamos.

También teníamos ilusión de grabar una maqueta o un disco y entramos a grabar.

Nosotros vamos a divertirnos, lo demás no depende de nosotros, la industria, el marketing, la publicidad, que caigas bien a la gente, que no, que tu disco llegue o no llegue esto es una cosa ajena al grupo. ¿“Ya nada es igual”?

Es una bonita canción (risas). Mira ese es un grito de ausencia. Ese tema está grabado hace un montón de tiempo, por lo menos veinte años, era una maqueta que hicimos algunos miembros del grupo de otro proyecto en paralelo a Parabellum. Está un poco cambiada.

Para mi esta es la canción del disco, una joyita. Un tema en el cual hay arreglos de cuerdas. Es una canción como nos decíais antes que ya tiene su tiempo. ¿Hubiera tenido hueco esta canción así como ha quedado en algún disco de Parabellum hace veinte años?

Siempre hemos ido a nuestro royo.

Siempre que hacíamos un disco esperábamos que nos pusieran a caldo, pero luego, sí pero no. En dos días estaba asumido, hay que avanzar. Hay que hacer lo que te pide el cuerpo en cada momento.

El vinilo está de moda, y se nota que vais a vuestro rollo porque habéis publicado el disco en cassette.

Y más punk hubiera sido si hubiéramos podido meter el bolígrafo para rebobinar (risas).

Hace poquito hicisteis un homenaje a Boni de Barricada en un disco tributo de muchas bandas que se ha publicado. ¿Qué significa para vosotros Barricada?

Calor, ese calor de hogar, de colegas, recuerdos bonitos. Barricada es una referencia y Boni en particular una persona increíble, maravillosa…la esencia pura del rock.

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“LA VERDADERA HISTORIA DEL SOLDADO DESCONOCIDO” TARDI. NORMA EDITORIAL

Norma es una editorial fiel a sus autores de toda la vida tanto como completista en la obra de los mismos. Gracias a esos principios llega al fin a nuestras manos una obra del gran Tardi que permanecía inédita en España. Algo que, disfrutando de sus páginas, resulta difícil de creer. Editado en formato de álbum europeo, con todo lujo de dimensiones, formato, papel y tinta, este tomo recoge dos relatos de juventud de Jacques Tardi, creador de las deliciosas aventuras de Adèle Blanc-Sec o las peores miserias humanas retratadas en sus relatos sobre la I Guerra Mundial. El propio Tardi presenta ambos relatos a modo autobiográfico, recordando las alocadas circunstancias en que, abandonada la época de los fanzines y alcanzados sus primeros éxitos como artista, todavía les quedaban ganas a él y “KLIMT” JEAN-LUC CORNETTE / MARC-RENIER NORMA EDITORIAL Lanzarse a narrar en viñetas un episodio en la vida de uno de los pintores modernistas más importantes del siglo XX debió ser tan natural para el acertado dibujante Marc-Renier como para el guionista Jean-Luc Cornette. Así, la impecbale y espectacular edición de Norma, con tapas duras tan doradas y cuidadas como la bien conocida obra del pintor Gustav Klimt, hacen de este libro otra de las muchas joyas del catálogo de esta editorial que acostumbra a deleitarnos con episodios de artistas universales. En este caso, Cornette se centra en uno de los cuadros del autor austriaco, alrededor del cual construye una historia en la que Renier debió disfrutar dando vida a la Viena de principios del siglo XX, junto a las musas y modelos de Klimt, su estudio, el mítico pabellón de exposiciones de la Secesión vienesa, los edificios, los habitantes de aquella ciudad efervescente de arte. Las páginas de este libro hacen que cueste poco imaginar y seguir los pasos de la obra y vida de Klimt. Gran relato magistralmente ilustrado.

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otros autores de ir más allá en sus historias y en sus dibujos. Así, en “La verdadera historia del soldado desconodico”, Tardi recuerda: “allí están, sin ningún orden, casi todos los temas que retomaré en otras obras: científicos locos, delirios a lo Julio Verne, dinosaurios y la época de 1914 a 1918”. ¿Quién se resistiría a semejante tentación? Y es que esos apuntes apenas son un prólogo a los increiblemente bien dibujados excesos visuales de ambos relatos. En caida libre de ideas enlazadas según creaba las viñetas, Tardi se muestra además extensamente irónico y erótico. Teniendo en cuenta que las historias fueron editadas en 1974 y 1976 se entiende, como explica Tardi, que estas obras fuesen retenidas en su intento de cruzar a Alemania por supuestamente “pornográficas”. Aunque en realida los retorcidos giros de guión de Tardi recuerdan más al más surrealismo o a los viajes interiores de Moebius. Dos joyas que todo admirador de Tardi debe descubrir y que releerá con seguridad muchas veces.

“APOCALYPTIGIRL” ANDREW MACLEAN NORMA EDITORIAL Sorprendente descubrimiento el de Andrew MacLean, completo autor norteamericano conocido por la original serie de Image Comics “Head Looper”, ganadora del premio Diamond Gem, pero que ya entre 2015 y 2020 fue capaz de romper moldes con esta “ApocalyptiGirl: un Aria para el finde los tiempos”, novela gráfica post-apocalíptica y repleta a raudales de novedosa ciencia ficción, donde el autor reinventa tópicos clásicos como los robots o los alienigenas con un estilo gráfico tan dinámico como adictivo. Recopilado en tapa dura y con todos los extras de su edición original, MacLean crea a una protagonista sólida y arquetípica con la que resulta imposible no empatizar desde la primera viñeta. Apabullante en el trazo, en el uso del color y en su apasionada forma de mostrar el movimiento, “Apocalyptigirl” es una obra de la que podremos seguir hablando cuando su autor haya llegado tan lejos como sus buenas ideas prometen. Imposible dejar de leer una vez has pasas a formar parte de la historia de Aria. Una vez entras, querrás saber hasta dónde lleva.

“PEQUEÑOS BILL Y BOLITA” LAURENCE GUILLOT / JOSÉ LUIS MUNUERA NUEVO NUEVE Recuperados recientemente en formato integral para deleite de quienes crecimos con ellos en tiras y páginas mensuales de perdidas y maravillosas publicaciones hoy impensables, los “Bill y Bolita” de Roba forman parte de los recuerdos de muchos. De ahí que leyendo este homenaje del guionista Laurence Guillot junto al respetuoso dibujo del siempre infalible Munuera, sea posible volver a aquellas tardes pegado a un tebeo de hace tanto tiempo.

Como entonces, Guillot resume en numerosas historias cortas divertidos episodios de las travesuras de estos personajes inseparables, siendo aquí aún más pequeños, más traviesos, más impredecibles. Este es uno de esos libros para que nuevas generaciones descubran grandes personajes, mientras el padre que lo regale a sus hijos disfrutará entrelíneas de sus propios buenos recuerdos con nuevas historias y un dibujo verdaderamente excepcional.

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