LH Magazin - Doble esfera

www.lhmagazin.com Año XVIII - Nº 138 ejemplar gratuito

“El futuro del rock ya esta aquí” Entrevistas: Frank Suz, Maruja Limón, Rodrigo Ramos, Las Madres, Cromatica Pistona, Moon Cresta, Nasanov, New Model Army, Katatonia, Dewolff 1 lhmagazin.com

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Alicia López Tel.: 910 85 89 62 - 687 93 73 43 alicia@lhmagazin.com

REDACCIÓN Alicia López

COLABORADORES y CORRESPONSABLES

Jorge Vilella, Edu Salas, Justo Santos ( Extremadura), José Glez., Rafa, Mª Mar, Pilar, Rolo, Jose Luis Espinosa, Soraya Machin, Mariano Muniesa, Yolanda Perez Marin (El Club del Escenario), Amado Storni, Roberto Villandiego, Olegario Sánchez (Alcazar de San Juan), Patxi “La Caña” Valen (Plasencia), Alberto Cean (Asturias), Mar Monje Abiol, Juan Carlos Calderon, Jose Abellán, Luis Pulgar (Sevilla y Murcia)

FOTOGRAFÍA

Domingo J. Casas (Jefe), Paco Lainez, Eduardo Mendez, Mario Larrode , Bill Zygmant, Ricardo Rubio, Carlos Miiña, Liberto Peiró (Valencia), Xavier Mercadé (Barcelona), J.M. Rodríguez (Galicia), José M. Bueno (Asturias), Julio Perez Sotillo (Elche), Kiko Asunción (Murcia), Tony Ventura (Las Palmas).

AGENCIAS www.whitepress.es,KOPress

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Esta revista la hace mucha gente, el papel lo ponemos nosotros, las opiniones son de ellos.

FEBRERO 2019

CASTILLA LA MANCHA Y MADRID CASTILLA LA MANCHA

PÍCARO, TOLEDO 13/02/2020 FINO OYONARTE 14/02/2020 MOURN

ASTURIAS, EUSKADI, GALICIA Y NAVARRA

AVALON CAFÉ, ZAMORA 13/02/2020 JAVIER ALCÁNTARA

ASTURIAS

C.T AVALON GREEN, SORIA 07/02/2020 MISSISSIPPI QUEEN & THE WET DOGS

EUSKADI

MADRID

CLAMORES, MADRID 29/02/2020 JAVIER ALCÁNTARA EL SOL, MADRID 20/02/2020 BRONQUIO

LA LATA DE ZINC, OVIEDO 28/02/2020 FÔNAL SANTANA 27, BILBAO 07/02/2020 MACHETE EN BOCA

GALICIA LA FÁBRICA DE CHOCOLATE, VIGO 25/02/2020 LORENA ÁLVAREZ

NAVARRA

KAFÉ ZENTRAL, PAMPLONA 08/02/2020 MACHETE EN BOCA

CATALUÑA, ARAGÓN Y COM. VALENCIANA CATALUÑA

APOLO, BARCELONA 12/02/2020 BRONQUIO SIDECAR, BARCELONA 27/02/2020 JOSÉ DOMINGO 30/02/2020 ZULU ZULU SALAMANDRA, L’HOSPITALET 21/02/2020 MACHETE ENBOCA

LÓPEZ, ZARAGOZA 08/02/2020 MARUJA LIMÓN GENIUS, HUESCA 07/02/2020 MARUJA LIMÓN

COMUNIDAD VALENCIANA TEATRE DEL RAVAL, GANDÍA 15/02/2020 FINO OYONARTE

ARAGÓN

CREEDENCE, ZARAGOZA 28/02/2020 JOSÉ DOMINGO logo_nuevo_trazado.pdf

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l a i r o t i ed

Difícil escribir la editorial de este mes y enfrentarte a este papel en blanco, cuando los sentimientos con los que vivo son como una montaña rusa con tantos fallecidos, contagiados, inimaginable esto que está sucediendo unas semanas atrás, lo primero es sumarme al dolor de tantas familias que han tenido la pérdida de algún ser querido.

Gran parte de los que nos dedicamos al mundo de la cultura somos autónomos o empleados, como en nuestro caso que somos autónomos. Durante dieciocho años hemos ido sobreviviendo y digo bien sobreviviendo renunciando a muchos bienes que para la mayoría son habituales como las vacaciones, el cine, restaurantes… porque esto es lo que amamos y quizás sea lo único que sabemos hacer, hablar y dar la oportunidad a todas esas bandas que a lo largo de estos años han pasado por LH Magazin. Alguna vez hemos tenido la suerte de tener un patrocinador y el camino se hacía un poco más llevadero. A principios de año nos quedamos sin patrocinador, sabíamos que venían tiempos difíciles pero no de esta índole. Ya teníamos casi resuelta la continuidad de LH Magazin, habíamos cerrado algunos acuerdos con algunos sellos discográficos, que ya son amigos y en cuanto se enteraron de la situación ahí estuvieron para echarnos una mano, aunque la venta de discos en este país tampoco es muy grande.

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Habíamos cerrado un acuerdo con una promotora de conciertos y algunos amigos con los que llevamos trabajando años con ellos y se dedican a la promoción de artistas.

Pero cuando piensas que ya lo tienes salvado, que puedes mirar al futuro, llega el covid 19, el estado de alarma y todo se apaga, y llega la incertidumbre.

Durante mucho tiempo hemos buscado empresas para que se publicitaran en nuestro medio externas al mundo de la cultura, más allá de las palabras de halago, por el buen trabajo realizado, nunca llegabamos a un acuerdo, siempre nos encontrábamos con la misma respuesta, ¡los grupos de los habláis nos son desconocidos!.

Podríamos haber cambiado, dar más cobertura a esos artistas archiconocidos que se le abre cualquier puerta para desarrollar su campaña de promoción y olvidarnos de lo que más nos gusta, ayudar a los artistas a dar sus primeros pasos. Pero es que LH Magazin nació con el carácter de ayudar a difundir todas esas bandas que arrancan y lo tienen dificil de encontrar un espacio que hablen de ellos, difícil como nosotros.

Debido a la situación que nos ha tocado vivir sin conciertos, sin lanzamientos, con todo el mundo de la cultura parado… y con previsiones de que esto tarde en arrancar o nos ayudamos entre todos o puede que muchos nos veamos obligados a estar escribiendo en estos días nuestras últimas palabras.

Lucharemos como siempre, porque LH Magazin siga más viva que nunca y sé que con vuestra ayuda y solidaridad será posible.

En los próximos días vamos a sacar unos bonos solidarios para que cada uno en su medida nos pueda ayudar para que podamos seguir hablando de esas bandas que necesitan de nuestra ayuda, apelo a vuestro sentido solidario, aún sabedor de que no son buenos tiempos para nadie, os pido que permanezcais atentos a nuestras redes sociales. Gracias de antemano por estos 18 años. Un abrazo para todos!!!

Tras este nombre Terrorists Of Romance se encuentra Vanessa Salvi compositora e intérprete con una mezcla de raíces italianas y noruegas. Si te parece empecemos por vuestra música. ¿Qué haya muchos medios que no sepan donde etiquetaros eso es una ventaja o un problema?

A veces es un problema, ya que es más difícil ser descubierto por posibles fans en las plataformas digitales, pero a mí no me suelen gustar las etiquetas…sobre todo las de la ropa.

Yo veo que bebéis de muchas influencias ¿Cuáles son vuestras bandas referentes?

Creo que no hay unos referentes en particular sino que es más bien lo que uno va escuchando durante lo largo de su vida. Lo que me han hecho sentir algunas canciones que se han quedado en el alma son las que luego añaden algún toque de influencias dependiendo de lo que quiero transmitir.

Tras el nombre de Terrorists Of Romance hay una historia de atentados… ¿No lo puedes contar?

Esta parte no la cuento casi nunca. Yo estuve viviendo en Estados Unidos cuando pasó el 9/11 y a posteriori me encontré viviendo escenas de supuestos atentados que me traumatizaron la existencia. En una de ellas me quedé encerrada en el metro de Nueva York con lo que parecía ser un terrorista a punto de hacernos saltar por los aires. Hicieron evacuar a todo el mundo menos a nosotros que estábamos en el vagón con este hombre que al final resultó ser un chiflado y nada más.

Tus letras salen de tus experiencias vividas, de libros… ¿Qué te gusta expresar en ellas y una terapia para ti es escribir?

Cuando era pequeña veía a mi madre escribir cada noche antes de dormir, me decía que eran los deberes que le mandaba el médico; que le hacía sentir mejor como una medicina. Me decía que escribía sobre lo que le hacía enfadar, llo-

rar, reír y disfrutar para poder entenderse a si misma y a su entorno. No hay mucha diferencia ahora que lo hago yo la verdad, menos que por suerte a mí no me lo “recetó” el médico.

Este disco está dedicado a la memoria de tu padre ¿Qué supuso tu padre para ti?

Mi padre no era un hombre del montón, de hecho ojalá lo hubiera sido. Ojalá fuera más fácil encontrar una persona así, pero nunca he conocido a nadie que haya logrado traer el sol a una habitación en un día gris tal como lo hacía él. Eso es lo que te diría cualquiera que lo llegó a conocer. ¿Qué conocías de Manuel Colmenero (Vetusta Morla, Eladio y los Seres Queridos, Nena Daconte, entre otros) para que se encargará de la producción?

Había escuchado un poco de todo.

Manuel sabe lo que hace y logra sacar lo mejor de un artista, no importa el estilo.

En un principio las canciones nacieron muy folk ¿Por qué darlas ese giro y de dónde te viene ese gusto por el folk?

Las canciones me salen casi siempre folk por default al principio, será mi manera de componer y de cantar flojito no sé, luego se les da un subidón de bpm, unos buenos sintes y desde el otro lado de la pecera se me manda levantar la voz y cabrearme con el micro…y ya está, disco hecho. ¿Por qué llamar al disco After You Left?

Muchas veces cuando escribo las letras de canciones siento que le estoy contando a mi padre cosas como solía hacer. After you left quiere decir “después de que te fuiste” y es como si las canciones del álbum fueran cartas para él en las que cuento lo que estuve viviendo a partir del día en el que llegó a faltar.

Yo descubría la música a través de la radio, pero tu lo haces a través de Spotify y después compras sus discos ¿Cómo ves el estado de salud de la música actual y qué

piensas de la radio?

Hay muchísima oferta e incluso saturación como en todo. Con la llegada de las plataformas digitales el mundo de la música se ha revolucionado, todo va más rápido. Por un lado es como un vórtex que te exprime hasta la última gota de creatividad amenazándote con el olvido gradual del público y por otro te abre un mundo de posibilidades. La radio es algo que siempre gusta porque acompaña con cariño, es como la fotografía analógica: real.

Entre los casi 19.000 votos que recibimos en Los 50 de LH Magazin del 2019 “After You Left” se coló en el puesto 3.

El disco salió publicado a finales del año pasado. ¿Te está sorprendiendo la buena acogida que está teniendo el disco entre los medios de comunicación y el público?

Más que sorprenderme me halaga, pero aun así hay un largo terreno delante que hay que “cavar con pico y pala” como dice Manuel Colmenero.

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Hablamos con Juanma Cantos coordinador de Girando Por Salas para saber cómo ha afectado esta pandemia del Covid19 a Girando Por Salas en su décima edición, y cómo afectará a la próxima edición de Girando por Salas

¿Cómo ha afectado este coronavirus a la décima edición de Girando Por Salas?

Aún es pronto para saber la verdadera magnitud de esta crisis sanitaria y si tendrá o no un gran impacto directo en Girando Por Salas, pero lo que sí está claro es que va a afectar gravemente a todo el sector cultural, no solo al de la música. En lo que respecta en concreto a Girando Por Salas, nuestra reacción fue muy rápida y, en cuanto se comenzó a conocer la problemática en torno a la dificultad (y posterior imposibilidad) de hacer conciertos, días antes del inicio del confinamiento, nos movimos rápidamente para intentar minimizar el impacto que el aplazamiento de los conciertos pudiera tener en las salas y tratar que todo ello supusiera el mínimo perjuicio para las bandas y sus agencias de management, intentando facilitar al máximo que los conciertos se pudieran reubicar en otro momento del año y que no hubiera que cancelar ninguno de ellos. El apoyo del INAEM a ese respecto ha sido máximo desde el principio; comprendieron inmediatamente la necesidad de actuar con rapidez, también con serenidad y determinación, por lo que les estamos muy agradecidos.

Extendemos ese agradecimiento a las salas de conciertos, agencias de management y bandas por su gran profesionalidad y su predisposición para encontrar alternativas para nuevas fechas, lo cual está facilitando mucho las cosas.

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Muchos de los conciertos que estaban previstos en estas fechas se han pospuesto. ¿Ha sido difícil buscar esos huecos?

Lo pondría en presente: Más que “ha sido difícil” se podría decir que “está siendo difícil”, pues es un proceso aún abierto que implica a numerosas agencias de management, 26 bandas, 212 salas de conciertos… durante un plazo de tiempo muy largo (el año completo), para más de un centenar de conciertos distintos a reubicar por todo el Estado, y que conlleva un volumen bastante grande de

documentación que preparar (no lo llamaría “burocracia”, pero sí un amplio cuerpo documental, como es de rigor en una iniciativa financiada con dinero público): acuerdos de colaboración, anexos para el cambio de fecha, altas de músicos, facturación de las ayudas, contabilidades, auditorías, etc., etc. En el primer momento en que se vio necesario aplazar los conciertos, delegamos en las agencias la acción inicial, en coordinación con las salas, para reservar y reconfirmar nuevas fechas en los próximos meses, pues iba a ser mucho más eficaz solucionar una a una y en paralelo las giras de cada una de las bandas que intervenir nosotros directamente a la vez en las 26 giras, lo cual ha posibilitado que entre las salas y las agencias se haya encontrado alternativas muy adecuadas en cuanto a fechas en la inmensa mayoría de los casos, salvo en algunos conciertos concretos que aún están pendientes de reubicar y en los que se está trabajando actualmente.

Muchos conciertos y festivales se han pospuesto a los meses de octubre y noviembre. ¿Pensais que puede haber una sobre saturación de tantos conciertos?

Por desgracia, muchos de los conciertos programados para estas fechas (aunque afortunadamente no prevemos que sean muchos de los que cuentan con ayudas de Girando Por Salas)

no van a poder ser reubicados, lo cual es una auténtica lástima, pues suponen trabajo para los músicos, ingresos para las salas, diversidad de propuestas para el público… Incluso numerosos festivales y giras de artistas nacionales e internacionales ya han anunciado su cancelación. Veremos, ya digo, las repercusiones reales que esta crisis va a traer al sector. Por nuestra parte, intentaremos seguir aportando lo que esté en nuestra mano para que ese previsible daño sea el mínimo posible. ¿Cómo afecta el aplazar estos conciertos a la edición número once de Girando Por Salas?

En principio, no va a afectar a la próxima edición de GPS. Los conciertos de la presente edición #GPS10 terminarán en diciembre, mientras que los de la próxima edición #GPS11 comenzarán -previsiblemente y si se cumplen los plazos propuestos- en enero. De esta manera, mantendremos nuestro apoyo a la música en directo por todo el país a lo largo de los próximos meses, durante al menos un año natural desde ahora, lo que creo que puede suponer un muy buen apoyo tanto a las salas (que han de recomponerse de la ausencia de conciertos durante la cuarentena), como a las bandas (que no lo van tener nada fácil en los próximos meses para tener la capacidad económica de salir a girar). Esperamos que Girando Por Salas suponga un cimiento fuerte en el que se puedan sustentar salas, músicos, bandas y agencias para poder remontar una vez pase la crisis sanitaria. Pueden contar con nuestra ayuda y apoyo, tanto en lo personal y como en lo profesional.

Cómo pensáis que ha sido la respuesta desde las instituciones al mundo de la cultura.

A día de hoy, cuando escribo estas respuestas, es aún pronto para saberlo, pues no dispongo de datos concretos, pero estoy seguro de que se articularán planes para apoyar al sector cuando ello sea posible. Supongo (es lo que trasciende al leer la prensa) que las instituciones y administraciones estarán ahora completamente volcadas en la salud pública y posteriormente irán definiendo acciones concretas en apoyo a la cultura. Lo que sí está claro, como comentaba anteriormente, es que el INAEM ha puesto todas las facilidades para poder reubicar los conciertos y nos ha apoyado en ello, con lo que, nuevamente, agradecemos su predisposición y comprensión. ¿Habrá una pronta recuperación como nos dicen desde las instituciones? ¿Hay motivos para el optimismo?

No me gustaría aventurar nada sin poder estudiarlo previamente. Aparte, no soy experto en temas sanitarios. Eso sí, me gustaría y quiero creer (soy optimista por naturaleza) que saldremos de esta crisis sanitaria lo antes posible, pero hay que actuar según lo que los especialistas en salud y las autoridades sanitarias marquen al respecto. Lo que sí está claro es que la recuperación (no solo en el sector cultural, sino en muchos ámbitos) va a ser compleja, pues la crisis está afectando a prácticamente todos los sectores de la sociedad. Vivimos en un país que cuenta con excelentes profesionales en la industria musical, maravillosos músicos, grandes salas de conciertos (incluso, por supuesto, las pequeñas en tamaño), un público que ama la música en directo, medios de comunicación especializados que apoyan incesantemente a las bandas… Todo ello va a hacer que el proceso de recuperación se haga más factible, más rápido, más fuerte en su resultado final y menos lesivo para los afectados.

Vosotros tenéis un enlace directo con los músicos. ¿Qué inquietudes, preocupaciones… os comunican con respecto a la situación que estamos viviendo?

Pues las mismas inquietudes y preocupaciones que tenemos todos y que, por supuesto, tienen las personas que trabajan para ellos, como son managers, bookers, responsables de prensa… o las que tienen encargados de salas, programadores, técnicos de sonido… es decir, lo que preocupa a cualquiera en estos momentos: El “no saber qué va a pasar”, la intranquilidad de no tener un plazo claro en el que se pueda asegurar que nuestros médicos, científicos y demás profesionales venzan al virus y retomemos nuestro día a día. El ver la enorme tragedia que supone las muertes; el no poder abrazar a tus amigos y familiares; el miedo a no poder trabajar… Temores humanos que trascienden a lo musical. Los artistas suelen ser personas con una sensibilidad especial, muy amplia, por lo que estos temores seguro que están presentes de una manera muy consciente y profunda en ellos.

La nueva revelación del pop latino

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Desde que se decretó el estado de Alarma se han pospuesto muchos conciertos, se han cerrado las salas… nos ponemos al habla con Javier Olmedo director de La Noche En Vivo ¿Cómo ha afectado el estado de alarma a los dueños de las salas de conciertos?

El estado de alarma ha supuesto el cese total de nuestra actividad y por lo tanto los dueños de las Salas de conciertos se han encontrado con un escenario muy complicado. Por una parte la inviabilidad para mantenerse debido a los gastos que siguen soportando por tener cerrados sus espacios y, por otro, de desprotección ante la tardanza de recibir eficaces medidas protectoras. ¿Ha habido algún tipo de ayuda a las salas de conciertos desde las instituciones?

Debido a la magnitud de la crisis sanitaria, a día de hoy únicamente contamos con el apoyo moral y la comprensión de las administraciones. Hemos trasladado nuestras necesidades y estamos a la espera de la publicación y puesta en marcha de posibles ayudas de manera específica. ¿Qué clase de ayudas necesitan ahora mismo las salas de conciertos?

Las ayudas más necesarias son las que suponen la disminución de los gastos que mantenemos al estar cerrados como por ejemplo las destinadas para hacer frente al pago de los alquileres o la falta de liquidez para hacer frente a las declaraciones tributarias de impuestos o tasas en este periodo.

Somos pequeñas pymes o autónomos y por tanto necesitamos también que se

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materialicen las ayudas para soportar las cuotas de autónomos y se flexibilicen los ERTES que se han producido en el periodo de alarma. ¿Cuánto tiempo se puede aguantar esta situación sin abrir puertas?

Es muy difícil valorarlo. Sin ayudas urgentes, posiblemente muy poco tiempo y dependerá de cada caso particular.

Nos preocupa enormemente que en las noticias aparecidas de las posibles reaperturas, nuestro sector va a ser uno de los últimos en recuperar su actividad. Estar muchos meses cerrados puede derivar en la terrible disminución de un importante número de salas que puedan abrir si no son atendidas urgentemente nuestras necesidades.

Habéis tenido reuniones con las instituciones para contarles vuestro problema. ¿Hay motivo para el optimismo o todo lo contrario?

Desde el primer momento hemos contactado con las tres administraciones para trasladarlas la alarma y la precariedad de nuestra situación. De manera particular, a nivel autonómico y municipal tenemos buena comunicación con sus responsables culturales que si nos apoyan y comprenden. Nos han trasladado su intención de no dejarnos caer y aprobar medidas específicas que esperamos se concreten en breve. A nivel nacional la interlocución la estamos realizando de manera conjunta a través de plataformas culturales y empresariales. Está siendo mucho más difícil y lento el proceso ya que son necesarias medidas transversales que necesitan la participación de varios ministerios.

En otros países se han creado ayudas para el mundo de la cultura, pensáis que debería haber una acción a nivel de Europa para proteger las salas, los sellos discográficos, los músicos… en definitiva la cultura.

Es imprescindible que todo el sector musical y la cultura en general tengan un grado protección habitual y constante desde Europa. Esta crisis debe servir para evidenciar la importancia de la cultura en nuestras vidas, para dotarla desde todos los estamentos de la necesaria atención para conservarla y para su desarrollo.

Tenéis una estimación de cuántos puestos de trabajo directos e indirectos están afectados por este estado de alarma en vuestro sector.

Hablamos de miles de familias que ven en peligro su supervivencia. En Madrid, son cientos de puestos de trabajo directos afectados en el sector de las salas de conciertos desde técnicos de sonido o de luces a camareros, desde programadores a responsables de comunicación. De manera indirecta los números se multiplican de manera considerable. Y, sobre todo no preocupa la situación de los artistas que cada noche actúan en nuestros escenarios.

El 80 % de los artistas actúan únicamente en nuestras salas, no lo hacen en Festivales o en otros espacios de más capacidad.

Más de 30.000 artistas tocan en las salas de La Noche en Vivo anualmente y muchos de sus ingresos dependen de su actividad del directo. Son muchos de ellos amigos y compañeros a los que estamos ayudando también en estos momentos para que sus propias reivindicaciones sean escuchadas y atendidas.

Cuando termine el estado de alarma ¿Cómo pensáis que debería ser esa vuelta a la normalidad para vuestro sector?

Lo primero que hay que lanzar es una idea de optimismo y de esperanza. Esta crisis la vamos a superar, es un momento muy difícil y debemos estar más unidos que nunca. La vuelta a la normalidad debe ser cuando consideren los responsables sanitarios que es el momento adecuado para tener el control higiénico sanitario y ofrecer la seguridad imprescindible para nuestros trabajadores, para los artistas y para el público. Deseamos que las reaperturas se hagan lo antes posible pero comprendemos que serán lejanas al día de hoy. Lo que hay que conseguir es que puedan llevarse a cabo y por ello son necesarias las ayudas institucionales. Si podemos ofrecer ideas y colaboración para las reaperturas. Hay modelos que ya se están probando en otros países que nos aventajan por sus plazos epidemiológicos.

Deseamos que todo vuelva a la normalidad.

Nos reencontraremos con los artistas y confiamos en que el público nos apoyará cuando abramos las puertas de nuevo.

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- 12.00 a 13.00h TAXI 3.0 con Pablo Romay y Mister Virus - 20.00 a 23.00h Jazz Time con Jorge Grimaldos

LUNES: - 12.00 a 14.00h Si Me Llamas Quedamos con Mister Pina - 20.00 a 22.00h Radio The Sentinel con Santi Fernandez

VIERNES: - 12.00 a 13.00h Despacito y a Compás con Rocío Díaz y María Larroca - 15.00 a 17.00h Mister Viruscon Raúl García - 18.00 a 20.00h A la Vuelta de la Esquina con Maru Bonilla, El Chico del 17 y Jelu

MARTES: - 12.00 a 13.00h TAXI 3.0 con Pablo Romay y Mister Virus - 22.00 a 24.00h La Cabaña del Tio Rock con José Mora y Ángel Gómez MIERCOLES: - 19.00 a 20.00h El Closet con Carlo Pari - 23.30 a 24.30h En la Frontera con Bayo Gris

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De la producción del disco se ha encargado Carlos Calderón (Cycle), ¿Qué conocías de Carlos Calderón para que se encargará de la producción?

A Carlos lo conocí en 2007 a través de Juanjo Reig, otro miembro de Cycle amigo mío. Tengo una gran amistad con Carlos y para este proyecto era el productor perfecto. Ya que entiende el rock and roll como yo, algo que debe evolucionar y no quedarse estancado en el ¨tequileo¨. Las bandas de rock and roll anglosajonas entienden este concepto mejor que las nacionales. Él es muy amante de las baterías muy presentes, la electrónica… ¿Buscabais que le diera ese rollo industrial?

Así es, es totalmente provocado y buscado este sonido, esa es la clave de Inferno, una pre producción mano a mano artista vs productor.

Si Alice Cooper es una influencia fuerte, sus directos eran muy teatrales y de mucho vestuario ¿Son vuestros directos en esa onda?

El directo tiene que evolucionar ya que la banda es joven en cuanto shows se refiere pero obviamente este tipo de música requiere de caracterización y puesta en escena y sí, los directos de Frank Suz deben ir en esa onda.

Entre los casi 19.000 votos que recibimos en Los 50 de LH Magazin del 2019 “Inferno” se coló en el puesto 13, menudo numero (risas). El disco salió publicado a finales del año pasado. ¿Te está sorprendiendo la buena acogida que está teniendo el disco entre los medios de comunicación y el público? ¡Anda! Desconocía el resultado! Me gusta ese número! (risas) Pues sí me está sorprendiendo, sobre todo la acogida por el público más alejado de mí que no está influenciado por amiguismos.

Teclista de bandas como Doctor Voltaje y Babylon Rockets entre otros. ¿Por qué decidir dar el paso de hacer tu primer disco en solitario?

Para poder por fin tener el cien por cien del control artístico y conseguir el sonido deseado.

Un disco conceptual que tiene la temática de terror, de cine de cara b… ¿Cómo surge la idea de hacer un disco como este?

Cuando compré el sintetizador analógico Arturia Minibrute y empecé a experimentar con los bajos, ese sonido me llevó a componer la música y escribir las letras en este sentido.

En sus letras también tienen un componente social como en la canción “No es país para viejos”. ¿Debe ser la música un camino para denunciar los problemas sociales que vivimos?

Debe y no debe, cada persona puede usar la música para lo que bien le venga en gana. Creo que la música es un catalizador muy potente y la vertiente social es una de las que bien se pueden explotar. Mi opinión personal es que la música debe ser visceral y que te remueva por dentro sensaciones como la rabia, la felicidad, la tristeza, etc…

Cuando escuché por primera vez el disco me vino a la cabeza Alice Cooper. ¿Es un

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referente para ti este artista?

Un gran referente, junto a mis queridos The Doors. La mezcla del cabaret, el rock and roll y el industrial son los ingredientes para obtener el sonido Frank Suz. ¿Ha sido distinto la forma de trabajar la composición de las canciones que en tu anterior grupo Doctor Voltaje?

Totalmente distinto, cuando tomas el control completo y no tienes que esperar el visto bueno ni la opinión de nadie todo fluye mucho mejor.

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FR SU FRANK SUZ

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MARUJA LIMÒN “Ante mi” es el segundo disco de Maruja Limón, si con su primer trabajo “Más de ti” ya consiguieron hacer ruido y que medios y público alabaran ese gran Navegando por internet he podido leer una crítica de vuestro disco, en el cual se dice, que con vuestro segundo trabajo habéis conseguido tener estilo propio. ¿Cómo lo veis vosotras?

Este segundo disco contiene un trabajo más reflexivo. En el hemos podido aportar las sonoridades de cada una de una manera más consciente, y el resultado es un sonido bien empacado con el que nos sentimos identificadas.

No sé si por vuestras cabezas pasaban las imágenes que habéis vivido en estos últimos años, imagino que en sueños sí, pero que sucediera realmente... ¿Cómo estáis viviendo todo lo que os está sucediendo en los últimos años?

Lo vivimos con mucha alegría y agradecidas. Llevamos muchos, pero muchos años trabajando duro y hay gente muy buena en el sector, así que es un privilegio poder vivir este momento tan dulce que nos brinda lo música.

Para publicar este segundo disco lo tenéis que haber compuesto durante la gira del primero ¿De dónde sacasteis el tiempo para componer?

La verdad que el año pasado fue muy loco, algunos temas ya estaban en el tintero antes de hacer el disco y otros se fueron haciendo entre viajes, furgonetas, aviónes, hoteles y de más. Sacamos el tiempo de debajo de las piedras y cada vez que nos poníamos más ganas de seguir, fue un gustazo porque todas nos implicamos mucho en el proceso.

Aunque también habéis rescatado algún tema como “Rosario dinamitera” que ya estaba compuesto. ¿Qué tenía esta canción para incluirla en este segundo disco?

Este segundo disco giraba entorno al concepto invisibilidad, que nos propuso nuestra diseñadora Blanca Pia. Consideramos que tanto Rosario como los poemas de Miguel Hernandez deberian tener una presencia más latente en el imaginario colectivo. ¿Buscabais para este segundo disco algo especial en cuanto al sonido, o canciones?

Buscábamos hacer un trabajo más profundo. Con el concepto de invisibilidad como eje para empezar a investigar se fueron sucediendo diferentes temáticas que nos resonaban. La construcción de cada tema gira entorno a esas temáticas, que confluyen entre los, colectivos sociales, las emociones y la propia conciencia de una frente a la realidad. A nivel sonoro además de experimentar con otras melodías y rítmicas, hemos incorporado el sonido del bajo, aumentando el espectro y dando más riqueza.

En vuestro primer disco la producción corrió a cargo de vosotras, en este, ha corrido a cargo de Carlos Manzanares. ¿Ha sido más cómodo trabajar con Carlos

disco, ahora han dado una vuelta de tuerca importante tanto a sus canciones como a su sonido.

que cuando producisteis vosotras vuestro primer disco?

La verdad que Carlos nos ha aportado mucho, tiene mucha calidad musical y ha sabido incorporar los elementos para que los temas crecieran pero sin dejar de lado la esencia del grupo. El ha sido la mirada objetiva y externa, es muy importante poder tener esa visión, porque facilita y agiliza el trabajo. Nosotras siempre llevamos a consenso las propuestas y a veces falta objetividad a la hora de incorporar o quitar elementos, la figura de Carlos paliaba esas situaciones.

Detrás del título del disco “Ante mí”, además de ser una canción del disco, hay mucho más que un título de un disco. ¿Qué quereis decir con este título?

Hace referencia a una metáfora... como si tu, yo o cualquiera de nosotros se atreviera a parar en seco, de golpe y pudiera ver objetivamente como todo a su alrededor sigue y sigue, rápido, a gran velocidad.

Es ahí cuando te planteas ¿De qué va todo esto? ¿Es esto lo que realmente queremos?

Quizás sí o quizás no. Te invitamos a que lo reflexiones.

Hay otra canción que me ha gustado mucho “La noche” que habla un poco de esos comienzos en “El Raval” ¿Qué es lo que queda de esos días?

Pues del Raval queda mucho, nuestra esencia, la frescura de esos días aún sigue con nosotras y cuando podemos seguimos yendo a los bares que nos vieron nacer como grupo, y con la gente con la que empezó todo. Como dice la canción, “ No olvidamos de dónde venimos”.

Habéis salido fuera de España ¿Cómo fue la experiencia?

Si hemos estado en muchos sitios, Marruecos, Francia, en Hungría en el sziget Festival, en Las Azores en el festival “Mare de Agosto”, el último el Eurosonic de Holanda. La experiencia fuera ha sido muy heavy, el público ha sido la caña y nos ha dado mucho calor, tanto que este año vamos a salir bastante mas, ya iremos diciendo.

“Fuerza” es una de las canciones del disco que más me han gustado, y creo que va dedicado a vuestras madres, de hecho salen ellas al comienzo de la canción. ¿Cómo conseguisteis grabar sus voces, además, algunas sin saberlo ellas?

Bueno es una canción dedicada a ellas y a todas las mujeres, muchas pueden sentirse identificadas. La grabación de sus voces se hizo de escondidas, cada una grabó a su madre haciéndole preguntas sin que se dieran cuenta y luego cojimos un trocito de cada una para poner al principio del tema. Cuando oyeron la canción por primera vez…. fué muy emocionante… Con ellas abrimos el espectáculo.

Poquito a poco se van cumpliendo vues-

tros sueños ¿Suerte, trabajo, estar en el sitio y en el momento correcto…?

Es un cúmulo de todos esos factores y más. Hace 9 años que nos conocemos, hemos tocado juntas mezclandolos en diferentes formaciones y siempre hemos tenido un feeling especial entre nosotras, somos amigas de antes de formar el grupo y nos queremos,eso ha facilitado el resto de cosas. Y sobre si hemos estado en el sitio o momento correcto…? Si ha sido así nos ha cojido con muchos conciertos a las espaldas y trabajando sin descanso, porque la compañía era la mejor.

Pasasteis por Girando Por Salas, ahora estáis dentro del circuito de Artistas en Ruta. ¿Qué significa para un grupo como el vuestro estas ayudas?

Pues significa mucho, porque los músicos tenemos que invertir mucho para poder llegar a todos los públicos y territorios.

Este tipo de ayudas facilitan el acceso de los grupos y también acercan al público otras alternativas musicales, que no sean generadas por la gran industria musical.

Es inevitable preguntaros cuál es vuestro punto de vista al aluvión de críticas que le están cayendo a Rosalía. ¿Qué pensáis vosotras?

Nosotras conocemos a Rosalía, hacíamos clases de baile flamenco juntas.

Es una curranta nata y apasionada de la música y del flamenco, no para quieta, se entrega en cuerpo y alma. Tiene buen gusto musical y una técnica vocal increíble, ha sabido unir sus pasiones, el flamenco y la música actual, y les ha dado su forma.

Se ha arriesgado y ha aportado nuevas perspectivas. Habrá gente que no le guste, habrá gente que la envidie, habrá gente que la vea como una diosa. Nosotras nos alegramos que pueda vivir este momento, porque se lo merece y porque en realidad ese reconocimiento esconde muchos sacrificios por parte de ella.

Qué significa para vosotras estar nominadas a los premios MIN en la categoría de mejor álbum de músicas del mundo y fusión, junto a Amparo Sanchez, Javi Ruibal...

Pues es un subidón, y mas con esos pedazo de artistas que nos encantan. Bueno que te nominen a un premio en realidad da valor al trabajo que has estado llevando a cabo durante mucho tiempo, es un reconocimiento. Estamos deseando ir a la gala y ver el desenlace…

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RODRIGO RAMOS “Sol de invierno” es tu segundo disco tras publicar “Mirabas almas” tu primer disco en solitario, después de tu etapa con el grupo “Barrio Rojo”. ¿Qué es lo que buscabas en este nuevo disco?

Buscaba un sonido más personal, encontrar un sonido propio, aunque se puede encontrar una gran variedad de estilos dentro de mis dos discos, creo que voy encontrando mi camino poco a poco y eso es lo más importante para un artista.

La canción “Sol de invierno” nació de un tirón justo antes de una entrevista. ¿Hay más canciones en este disco que han salido de un tirón o fue una excepción?

Fue una excepción ya que normalmente aunque salga rápido la melodía la letra me puede llevar tiempo o viceversa,pero con esta canción fue todo muy fácil y creo que se nota esa falta de pretensión ya que tanto la música como la letra son muy puras y muy reales. ¿Qué tiene esta canción para dar título al disco?

Más que nada el significado que tiene la letra de la canción resume perfectamente el mensaje del disco, es un resumen bastante efectivo de las letras del disco y de lo que quiero transmitir en general.

Te has rodeado grandes músicos para este disco. ¿Tiene que ver mucho cómo eliges a los músicos en función de las canciones y la producción?

Absolutamente, he intentado buscar músicos que sean afines al estilo del disco.

En términos futbolísticos, si necesitas un delantero que meta goles y fichas a un defensa central no vas a tener lo que buscabas y el resultado va a ser pésimo.

La música necesita también mucho corazón y que te guste lo que estás tocando, que lo entiendas,que lo disfrutes y que exista conexión entre el músico y la canción.

Este disco ha sido producido por Pancho Suárez, ya lo fue en tu anterior disco ¿Por qué volver a contar con él en la producción?

Pancho me aporta cosas más allá de lo musical por lo tanto estoy muy a gusto trabajando con él. He trabajado con más gente a lo largo de mi carrera y nunca he tenido la sensación de estar en la misma onda tanto a nivel musical como personal como en este caso. Creo que en la vida lo importante es estar a gusto y contento con la gente que te rodea, además de que el resultado del trabajo sea satisfactorio.

En este nuevo trabajo también se ha notado una gran evolución en la voz y está más presente. ¿Cómo lo ves tu?

Creo que he cantado con más soltura ya que toda la grabación del disco fue un proceso muy agradable, nos divertimos mucho y eso se nota en la voz. En el anterior no se hicieron las cosas con tanta calma. Para este disco grabamos las voces muy bien en la maqueta y cuando llegó la hora de la grabación final tenía muy claro todo lo que tenía que hacer.

También en este disco hay más presencia de teclados, de Hammond. ¿Por qué darles más visibilidad sonora?

Simplemente encajaban perfectamente en la esencia del disco y tenían que estar ahí. Es un instrumento que aporta equilibrio y una épica especial en las canciones, pero no es algo forzado, simplemente quedaba bien y nos encajaba en cuanto al sonido que se buscaba.

Tienes una forma muy especial de escribir, tus letras se pueden interpretar de distintas formas… ¿Pero que te gusta contar en ellas?

Me voy dejando llevar por las circunstancias de la vida, es la forma de encontrar lo que quieres y tienes que decir, no voy con un discurso programado de antemano, porque se notaría forzado. Veo artistas que son comidos por su propio personaje en cuanto a letras, yo intento dejar que la cosa fluya y sea natural,puedo decir lo que me dé la gana y eso es lo que hago.

Imagino que para escribir de esta forma debes leer mucho. ¿Cuáles son tus escritores favoritos?

Leo menos que antes ya que tengo menos tiempo, pero si que leo.

Ahora mismo estoy leyendo a Lois Pereiro, Xosé neira Vilas y a Manuel Rivas. son todos gallegos y los leo en gallego, pero ahora mismo es lo que me apetece.

Sé que Bob Dylan, Bruce Springsteen son artistas que te gustan mucho. ¿A qué otros artistas escuchas?

Ahora mismo estoy escuchando mucho a Garbage, Portishead,P.J Harvey,Morcheeba… Pero mi grupo favorito de toda la vida es Nirvana.

Como se presenta este año cara bolos, festivales…

Vamos a ver lo que pasa con el coronavirus, por ahora lo he tenido que cancelar todo.

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“El caballo del malo” es el nuevo disco de Las Madres su segundo larga duración, aunque también tienen un Ep editado.

Este nuevo disco se ha fraguado a fuego lento tres años. ¿Por qué todo este tiempo para publicar este nuevo trabajo?

Grabamos cada instrumento por separado y tomamos todo el tiempo necesario para repetir tomas hasta estar totalmente satisfechos. Luego vienen las colaboraciones, la mezcla, el máster,…Para el diseño, portada,… contamos con el gran artista y amigo Coloque nos hizo un trabajo fantástico. Estuvimos 2 meses viendo bocetos, aportando ideas hasta conseguir el resultado final. Luego lo mandas todo a fabricar, registras las canciones,…Con todo eso te quiero decir que no hemos parado, han sido 3 años de mucho curro hasta por fin tener el disco entre las manos.

De la producción se ha encargado Pablo “Caraloko” batería del grupo. Se dice que cuando el grupo se encarga de la producción que muchas veces no se sabe cuando parar. ¿Ha sido este vuestro caso y repetiríais?

Efectivamente, Pablo Diaz e Ivan Pozas se encargaron de la grabación y producción. Teníamos bastante claro como queríamos que sonara el disco. Nos hemos tomado el tiempo de sacar lo mejor

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de cada uno con su instrumento pero sin volvernos locos tampoco. Es verdad que hemos tenido momentos de tensión y que nos hemos mandado a tomar viento más de una vez por tener una visión a veces muy discrepante sobre todo en la producción. Dónde hay confianza ya sabes… (risas). Pero siempre ha sido constructivo y estamos muy orgullosos del resultado final. A tu pregunta de si repetiríamos…

Bueno, ¡no! (risas). Creo que el primero que no repetiría es el mismo Pablo, ten en cuenta que aparte de tocar y grabar las baterías, ha grabado las guitarras, bajo, voces, ha mezclado,...se ha pegado más horas que cualquiera del resto de la banda. ¡Una burrada!

El disco lo habéis grabado en vuestro local de ensayo acondicionándolo para la ocasión. ¿Habéis quedado contentos con el resultado?

Decidimos por unanimidad encargarnos nosotros de todo el proceso de grabación.

Al igual que hicimos con el Ep. anterior (“Lo mejor de cada casa”) Pablo Díaz (el batería) se encargó de la grabación y mezcla además de ejercer de productor.

Remodelamos el local de ensayos a modo de estudio de grabación, con resonadores, difusores e isolación acústica. Lo bueno de hacerlo así es que hemos tenido un estudio de grabación a nuestra disposición durante todo el tiempo que lo hemos necesitado. ¿Quién se puede reservar un estudio de grabación por 3 años? Es inviable a nivel económico. Además, contamos con buenos micros, buenos instrumentos y ganas de hacerlo bien. Ahora y para ser honesto, el tener un estudio por un tiempo limitado te obliga a ir con las canciones súper preparadas y plasmarlo todo sin poder pararte a pensarlo mucho. La urgencia te genera una presión que a veces creo que es bueno, sobre todo si tocas Rock o Heavy.

En vuestra música hay mucho rock sureño, fronterizo, country rock… ¿Cuánto de importante es esta música para vosotros, escucháis otros géneros? ¡Interesante pregunta! Verás,en esta banda cada uno somos de una generación diferente. Vamos de los 30 hasta los 60 tacos. Así que imaginate la paleta de influencias y gustos musicales que abarcamos.

LAS MADRES

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El rock americano e inglés es por supuesto una fuente de inspiración para los 4, luego Amón (voz) es muy fan de grandes letrista como son Serrat, Krahe, Sabina,… No canta como Coverdale pero escribe mucho mejor (risas). Eso dicho, cualquiera que haya escuchado el disco te dirá que hay bastante variedad de estilos entre tema y tema aunque en general son bastante “guitarreros” por definirlo de alguna forma. Y sabes, una canción refleja mucho un estado de ánimo, a la hora de componer o de escribir letras tu estado anímico te lleva por un camino u otro, no siempre estás para tirar cohetes ni por tirarte por una ventana tampoco…así que es como el diario de la banda.

“Duelo a muerte” tiene ese aire fronterizo, desierto, es uno de mis favoritos.

Tengo entendido que esta canción sirvió de origen al concepto del disco. ¿Qué fue lo que visteis en ella para que diera forma al concepto del disco?

Me alegro de que te guste esta canción, es un tema que nos encanta tocar en directo, tiene muchos matices y ambientes.

El concepto vino en parte por “nuestro” ilustrador Colo. Entre los posibles títulos que teníamos pensado para este disco, estaba “El caballo del malo” y también “Con ánimo de lucro” si recuerdo bien. Colo lo tuvo clarísimo con el primero, pensamos que la canción “Duelo a muerte” podía

dar pié a un concepto para todo el diseño encajando perfectamente con el título y así lo hicimos. ¡Fue un acierto, sin duda!

En vuestras letras se tratan mucho los problemas sociales, como por ejemplo en “Duelo a muerte” los desahucios... ¿Debe ser la música un canal para dar voz a estos problemas?

No, para nada. Creo que la música no “debe ser” nada en concreto. Cada banda enfoca su rollo como lo quiere y lo entiende. De hecho, nosotros desde un principio nunca nos habíamos planteado hacer canciones “protesta” o denunciar lo que nos fastidia a diario. Las vivencias cotidianas y el estado de ánimo (de nuevo) hizo que este disco fuera algo más serio quizás que los anteriores. Pero te digo, somos mas de reir y pasarlo bien que de ¡cagarnos en todo!

Abristeis el concierto de Los Barones en Madrid. ¿Son una de vuestras bandas favoritas? ¡Sí! Te voy a contar una anécdota. Mira, mi primo Silver me llevó a ver a Baron Rojo, yo con 14 años. El primer concierto de mi vida. En el 84, Tivoli de Málaga, gira de Metalmorfósis. Mira, cuando ví a esos 4 melenudos aparecer en el escenario, suben las luces, aparece el telón enorme detrás con la portada del disco, las guitarras empiezan a rugir y suena “Los rockeros van al infierno” ¡Cambió mi vida tío! De verdad, si estoy en esto es en gran parte gracias a ellos (y a mi primo, risas). El abrir para Los Barones ¡fue increíble! Se me quedará grabado para siempre, sobre todo porque hubo un buen rollo de la hostia desde el principio con ellos. Se preocuparon de que no nos faltara de nada en los camerinos, nos felicitaron al acabar nuestro show, ¡unos caballeros de los piés a la cabeza!

Hace aún más grande la leyenda que son.

Luego dieron un concierto impresionante, igual que nosotros.

Pensais que dentro del rock debe haber un relevo generacional.

Es inevitable, aunque creo que algunas bandas ya se podían ir a descansar. Te voy a citar algunas… Ozzy Osborne ya no está para salir de gira y eso que su último álbum me encanta (Ordinary man), Metallica ya se podían dar un respiro también, eh Whitesnake más de lo mismo, y Motorhead, ah no, ¡esos ya no perdón!… Paro aquí que ya tengo suficientes enemigos

Ahora también te digo que hay grupos actuales fantásticos también, al menos en el Rock. Y tampoco me gusta llamarlo “relevo”, una banda no reemplaza a otra banda.

En el tema “Te jodes” colabora Juan Abarca de los Mamá Ladilla. ¿Cómo surge esta colaboración y nos podemos encontrar alguna más ?

A Juan le conocimos hace ya unos años y nos pareció que el tema “Te jodes” iba bastante en su línea, al menos en la forma de contar la historia.

“Banquero Dios” es un tema que habla de los abusos de la iglesia, en los niños. ¿Qué fue lo que viste o leiste para hacer un tema que trate de esto?

No fue nada premeditado, es un tema que habla del engaño de una empresa que se dice religiosa, cito la iglesia; y sus predicadores. “Dinero dinero, cambio fé por dinero” dice la letra. Que conste que somos totalmente y aconfesionales, no creemos en la existencia de Dios. Es más, es un invento del ser humano, no lo contrario.

Ahora, el tema de los abusos es para cogerles y ahorcarlos con sus propias tripas.

Ahora que lleva un tiempo el disco en la calle como lo veis vosotros desde la distancia.

Vemos que tiene muy buena acogida y que la peña repite los conciertos. Yo suelo preguntar en los bolo quien nos ve por primera vez y cada vez veo mas manos levantadas, es buena señal. Además tengo que decir que ahora que nos lleva la comunicación el señor Nano Ruiz del sello Lengua Armada ha crecido el público que sigue a Las Madres, es una carrera de fondo y estamos en esto porque lo flipamos y creo que la gente lo percibe cuando comparte con nosotros una velada de Rock!

Agradecerte esta charla, y decir a todos los que quieran saber más sobre Las Madres que nos sigan en Facebook/lasmadresrock dónde pueden encargar el disco y se lo enviamos a casa por 10€,

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DOBLE ESFERA Tras publicar “Mi universo” (LP, 2012), “El baile de los necios” (EP, 2015) y “Rock Duro del S. XXI” (EP, 2016). ¿Qué buscabais en este nuevo disco?

Pues buscábamos dar un paso adelante en todos los sentidos: en el musical, en la producción, en los directos y en el posicionamiento del grupo en la escena rock.

Al sonido de Doble Esfera en este nuevo disco “Futuro” se le han añadido teclados y electrónica. ¿Querías dar un sonido más actual a vuestra música?

Sí, por un lado queríamos actualizar el sonido, adaptarlo a los nuevos tiempos. Aunque algunos de los sonidos de teclados y sintetizadores que utilizamos tienen un sabor bastante clásico también. Queríamos ofrecer

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algo distinto, esa mezcla de rock clásico con electrónica nos parece atractiva.

tico nos da mucho juego, je,je. La humanidad no deja de hacer oposiciones a que el futuro sea apocalíptico!

“Futuro” es el segundo corte del disco y es el tema que da nombre a este disco ¿Por qué elegir este tema para dar nombre al disco?

Pues nos gusta la temática de ciencia-ficción y creo que todas las personas nos preguntamos alguna vez qué nos va a deparar el futuro. Y además queríamos reflejar nuestro avance musical, así que pensamos que era un nombre ideal.

“La cuarta esfera” está dedicado a Rutger Hauer ¿Es Blade Runner vuestra película favorita?

Nuestra película favorita no, pero sí que nos gusta mucho. Y la parte dos, Blade Runner 2049, también es bastante buena.

Banderas de plástico y símbolos vacíos, doctrinas muertas... ¿Es apocalíptico el futuro que nos espera, como bien se representa en la portada?

Pues puede serlo sí… además pensar en un futuro distópico o apocalíp-

¿Qué tiene de especial Rutger Hauer para dedicarle una canción?

Pues la actuación que hizo en Blade Runner dando vida al replicante Roy Batty fue memorable y da la casualidad que en los días en los que estaba haciendo la letra Rutger Hauer falleció, así que le dedicamos la canción a su memoria con todo nuestro cariño.

En esta canción la electrónica está muy presente, imagino que la temática de la canción lo pide. ¿En algún momento dudaste o llegasteis a pensar lo que podían opinar de incluir esos sonidos a vuestra música?

A ver… claro que lo hablamos en el local, qué va a pensar la gente, los seguidores de corte más clásico del grupo…, pero teníamos claro el camino y estábamos convencidos de ello. Nos encanta innovar y explorar nuevos caminos y creo que a la mayoría de nuestros seguidores también, porque ya del primer disco a los dos EP`s hubo un cambio considerable. Además creo que se nos abre un mundo más amplio para poder expandir nuestra música.

Llegados a este punto me surge la duda, se puede considerar “Futuro”

un disco conceptual.

No, no es un disco conceptual, aunque varios de los temas y la portada están relacionados con la ciencia ficción, pero no es un disco conceptual como tal.

Nos encontramos un texto de Amy Winehouse que acompaña a la canción “Con nocturnidad y alevosía”. ¿Por qué ese texto y qué opinas de esta artista?

Pues la canción habla sobre las noches salvajes, de alguien que va buscando su destino en noches sin final. Y bueno, Amy Winhouse, además de ser un pedazo de artista, era una experta en noches salvajes también, jajaja. Esa cita suya, sobre el consumo desmedido de alcohol, venía de perlas a la canción. Y sobre ella como artista me parecía fantástica, una gran voz,

una gran personalidad para cantar y en el escenario… una mujer increíble.

Es difícil trabajar y luchar para poder alcanzar el destino, imagino que para Doble Esfera será el poder vivir de su arte. ¿Cómo veis la situación del rock actualmente?

No nos planteamos ni por un segundo que podamos llegar a vivir de la música de Doble Esfera. Lo hacemos totalmente por amor al arte… esto es como una droga, jajajajaja. La situación del rock es muy delicada.

La industria sólo apoya a los grupos de rock antiguos y ha olvidado al rock emergente, prefieren invertir en otros estilos… Muy difícil, pero nadie nos dijo que fuera fácil!

La canción que cierra el disco ”Juicio Final” es una canción homenaje a

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Barricada, Leño, Asfalto y Barón Rojo… ¿qué pensáis del relevo generacional?

Que está complicado… grupos hay, pero hay que darles la oportunidad.

Hoy día todo lo tenemos que trabajar las bandas: discos, giras, promociones… lo bueno es que hacemos lo que queremos, pero se hace muy cuesta arriba. No sabemos qué va a pasar cuando desaparezcan las grandes bandas clásicas… de eso va Juicio Final.

Cé

Acompaña una frase a esta canción de Gene Simmons “El rock no murió por vejez, fue asesinado”. ¿Por qué crees que se le ha asesinado?

Bueno, creo, como decía antes, que la industria ha abandonado al rock emergente, no están interesados, y eso hace que la gente joven opte por otros estilos musicales. Hay todavía un importante público potencial, pero mayor de 30 años. Tenemos que adaptarnos a la situación. Al rock le está pasando lo que al blues o al jazz en otras épocas. Esperemos que la fuerza del rock haga que siga siendo influyente.

Me ha llamado mucho en lo musical la atención “Three Sisters” que tiene un aire fronterizo pero muy moderno.

Además la letra está en inglés y castellano. La historia sucede en México. ¿Cómo surge la idea de esta canción y tenéis previsto cruzar el charco con este disco?

Bueno, realmente la historia sucede en Canadá, en las montañas Wapta Falls, que son las Three Sisters, jajaja. Lo que ocurre que en la canción hablamos de mexicanas y puede ser confuso. La canción es de Pablo Villena, tiene un sabor a rock americano fantástico y que el estribillo sea en inglés le da un aire especial por la temática y el estilo de la canción.

En cuanto a lo de cruzar el charco creo que vamos a esperar un poco más para ir como debemos ir. Quizá intentemos la aventura europea antes, que está más cerca, aunque cantemos en castellano.

“La reserva” es una canción dedicada a todos los músicos, humoristas y artistas que están siendo censurados.

César Strawberry hace unos días fue absuelto, no tenéis la sensación que cuando se le culpó fue noticia en todos los medios, pero su absolución solo ha salido en algunos. ¿Qué opinión tenéis vosotros de todo esto?

Pues en primer lugar nos alegramos muchísimo de su absolución, ya que la condena era algo surrealista y un auténtico disparate. Precisamente una de las personas en quien pensaba mientras escribía esa letra era en

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César Strawberry. Tenemos que luchar por la libertad de expresión, que es algo sagrado y nos la estamos cargando. Y sí, creo que a la absolución no se le ha dado tanto bombo como a la condena. ¿Hay más miedo ahora a la hora de escribir que la de hace algunos años atrás?

Sí, por supuesto. Es que ha habido condenas de cárcel… algo muy fuerte.

Y además está luego el mundo de los ofendiditos, que por cualquier cosa ponen el grito en el cielo y te hacen una campaña en contra. Está complicado, pero hay que sobreponerse.

“429-2” es otra canción. ¿a qué hacen referencia estos números?

Es la habitación de un hospital.

En este tema la voz principal es de Pablo Villena, además es un tema compuesto por él. ¿Por qué dejar a Pablo que tome las riendas de esta canción?

Es un tema suyo, muy emotivo y estaba claro que tenía que cantarla él.

Además lo hace de lujo.

El sonido del disco es espectacular y se ha encargado Pedro “El Loko” y Antonio Elzaurdia, guitarrista del grupo. ¿Cuándo se participa activamente en la producción del disco no se corre el riesgo de no saber cuándo parar?

En primer lugar muchas gracias por la parte que me toca, y sí, tienes toda la razón. Yo me he implicado en la producción hasta un punto que me estaba volviendo loco, ja,ja,ja. Mucho estrés, muchas comidas de cabeza… pero al final el resultado hace que merezca la pena. Luego Pedro Martínez ha hecho un gran trabajo, y con la ayuda también de Manuel Torroglosa, creo que hemos conseguido un sonido de lujo.

Para terminar pero no menos importante, es de alabar el gran trabajo que hay en el diseño desde la portada, contraportada, libreto… ¿Cómo surge el concepto y quien se ha encargado del diseño?

Muchas gracias de nuevo. El concepto y la idea original parte de mí.

Quería reflejar una ciudad de Murcia derruida en un futuro post apocalíptico y una “Reserva de salvajes” que sobrevive. Sergio García, de 2112 Producciones, pilló bien el concepto y ha hecho un trabajo brutal. Es la misma productora que nos hace los vídeos, que también cuenta con el gran Emilio Parrilla. Unos auténticos cracks!!!

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Descubre Madrid a través del Taxi

Este mes: JUAN JOSE MARTIN GARCIA ¿Cuándo te sacaste del Permiso Municipal de Conductor de Auto taxi?

En mayo de 1992. ¿Por qué empezaste a trabajar en el taxi?

Por casualidad, yo trabajaba en una gasolinera en Alcobendas y por circunstancias de la vida me quedé en paro. Unos meses antes me había sacado el permiso municipal de conductor de Auto Taxi simplemente por tenerlo, por si algún día lo podía necesitar. ¿Qué significa para ti el taxi?

El taxi lo es todo, es mi vida, no en vano llevo trabajando en ello 28 años, nadie trabaja tantos años en un mismo oficio si de verdad no te gusta. Yo no me veo trabajando en una oficina 8 horas al día frente a un ordenador. Me gusta la libertad que da el taxi, poderte mover por toda la ciudad, respirar, ver el ambiente de las calles de Madrid, y aprender, porque en este trabajo siempre se aprende algo nuevo cada día que pasa. En definitiva, el taxi para mi es “libertad”.

Tu disco favorito.

Mi gusto musical es muy variado, pero tengo predilección por el PopRock nacional de los ‘80 y ‘90, así que elegir sólo un disco sería muy complicado. Me quedo con cualquiera de la discografía de Los Secretos.

Un Libro.

“El Clan del Oso Cavernario” de la

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autora Jean M. Auel .

Una película.

Sin duda “La Lista de Schindler” y su dramática historia, dirigida por Steven Spielberg. En mi opinión es una impresionante película que todo el mundo debería ver y que sirve para recordarnos las atrocidades que el ser humano es capaz de hacer a sus semejantes.

“Me gusta cómo Madrid acoge a todos los que venimos de fuera y como decía y dice el maestro Joaquín Sabina, “Madrid es como una puta que a todo el mundo acoge.” ¿A qué dedicas los días de libranza?

Yo libro los martes y creo que como casi todos los compañeros, el día de libranza de entre semana sirve para ir al taller, para reparar cualquier desperfecto del taxi o realizar el papeleo relacionado con el taxi (gremial, administraciones públicas, etc…). Y el día de libranza que corresponde con el fin de semana lo paso con la familia, pues me gusta tomarme el aperitivo con mi familia en los bares del barrio y de vez

en cuando hacerme una escapada de fin de semana con mi mujer para visitar otras ciudades o pueblos de nuestro hermoso país. ¿Qué es lo que más te gusta de Madrid?

Me gusta cómo Madrid acoge a todos los que venimos de fuera y como decía y dice el maestro Joaquín Sabina, “Madrid es como una puta que a todo el mundo acoge”. A los pocos días de estar en esta ciudad y recorrer sus calles te sientes como si toda la vida hubieras vivido aquí, es luz, es diversidad, es cultura, Madrid lo es todo. ¿Y lo que menos?

Supongo que como a casi todos el tráfico y la contaminación que respiramos. ¿Cuál es tu rincón favorito de Madrid?

Me gusta mucho perderme con mi mujer por los barrios de la Latina y Chueca, tomarme unos vinitos por allí o comer en cualquiera de sus restaurantes, es un auténtico placer. ¿Eres de parada o de trillar?

Indudablemente de trillar, me gusta moverme por toda la ciudad. Estar en las paradas me acaba aburriendo, aunque también las uso para descansar. ¿Cómo estás viviendo la situación actual con las restricciones de trabajo provocadas por el coronavirus?

Lo llevo mal, creo que como casi todo el mundo. Estoy sin trabajar

desde el 15 de marzo y acostumbrado a estar en las calles todo el día me siento como un león enjaulado. Esta crisis es un drama para todos, con miles de personas fallecidas, cientos de miles de personas contagiadas, la ruina económica de tantísimas familias en nuestro país y para nuestra desgracia los políticos de España lo único que hacen es agredirse verbalmente unos a los otros y no solucionar los problemas creados por el coronavirus. ¿Que opinión tienes de los servicios ofrecidos por los taxistas solidarios durante esta crisis sanitaria?

Cuando empezamos con el confinamiento, la aplicación FREE NOW daba la posibilidad de apuntarse en una lista para poder llevar tanto al personal sanitario como a enfermos hacia los hospitales, y así recogerlos de forma prácticamente altruista (pagaban 60 euros por jornada, que daba para al menos pagar el combustible).

Yo inicialmente me ofrecí para realizar esas tareas, pero cuando me llamaron para comenzar con los servicios, no me proporcionaban ningún tipo de protección, ni mascarillas, ni guantes, ni productos para desinfectar el vehículo.

Ni tampoco la Comunidad de Madrid te facilitaba ningún medio para poder realizar tu trabajo sin peligro, mas cuando haces de manera desinteresada este tipo de servicio.

Una anécdota relacionada con el taxi que haya ayudado en el ejercicio de tu profesión.

Hace ya unos 15 años, en la Calle

Gran Vía se montó una chica joven y extranjera, que debía de ser de algún país del este. Llevaba un niño de unos 7 años que jugando con un cuchillo se hizo un buen corte en la mano izquierda y la verdad que sangraba mucho.

Era como a medio día, un viernes, con un atasco impresionante. La chica iba llorando y muy nerviosa, y en ese momento vi dos motoristas de la policía municipal que iban en dirección contraria. No dudé en bajarme del taxi y salir corriendo para cruzar al otro lado y pararlos. Y cuando les explique lo que pasaba, enseguida se dieron la vuelta con las sirenas puestas y nos fueron abriendo camino hasta el Hospital Clínico de Madrid. Fueron muy amables y serviciales.

no debes perderte

¿Cambiarias la forma que tenemos de librar los fines de semana?

No lo cambiaria, creo que librar un día en cada fin de semana está bien y la verdad es, que cuando he necesitado irme algún fin de semana, hago unas horas más todos los días hasta que lo recupero sin mayores problemas. Es una de las pocas ventajas que tiene el ser autónomo.

Plaza de Chueca

El barrio de Chueca se ha convertido en los últimos años en una de las zonas de moda de Madrid. Es enorme su actividad de comercios, bares y oferta cultural. Pero si destaca por algo para el visitante es por el bullicio de gente que transita sus calles.

Dejanos una pregunta para que conteste el próximo taxista que protagonice esta sección en nuestro próximo número. ¿Crees que el Estado o la Comunidad de Madrid compensarán de alguna manera a los taxistas madrileños por las pérdidas económicas que se generen durante la crisis del Covid-19?

PUERTA DE TOLEDO

La Latina

El barrio de La Latina es de los más antiguos y carismáticos de Madrid.

Sus calles conservan el trazado que ya tuvieron hace siglos, como puede verse en el plano de la Villa de 1656.

Algunos de sus nombres (puerta de Moros, plaza de la Cebada, calle de la Morería, la propia Latina) nos trasladan a un tiempo en que esta zona era el verdadero centro de la vida en la ciudad.

LA CABA BAJA

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“El Hoyo” / “The Platform” (Dir: Galder Gaztelu-Urrutia) Y aunque no es estreno, veo por primera vez uno de los éxitos del año pasado del cine español, “El hoyo”, la cual, a pesar de las ganas, se me escapó en la gran pantalla. La tenéis en NETFLIX desde hace unas semanas y ya se ha convertido en “trending topic” mundial del gigante americano del vídeo bajo demanda. Me gusta más. Es una imperfecta pero notable película de ciencia ficción con un interesante, aunque OBVIO (un término de gran importancia en la trama), discurso social / político.

Habla de una plataforma, el hoyo del título, con muchos niveles, en la cual tendrán que sobrevivir sus habitantes. Una vez al día bajará comida, en una especie de ascensor habilitado para ello, que tendrán que coger sus “integrantes” para poder alimentarse. El problema: los “inquilinos” sólo podrán adquirir los alimentos que les dejen los de lo niveles superiores y, así mismo, los de abajo sólo comerán los que ellos les dejen tras su comida. Es inquietante, además de entretenida, interesante y diferente. Su guión es inteligente y tiene diálogos jugosos, a los cuáles le extraen lo mejor sus actores, todos perfectos, especialmente su protagonista, Iván Massagüé, quien demuestra que no es sólo un rostro para la comedia, sino un buen actor de método. Recomendable, por distinta y original (aunque recuerda mucho a “Cube”, película de “sci-fi” que os recomiendo fervorosamente si no la habéis visto). En definitiva, una experiencia claustrofóbica pero estimulante, perturbadora pero gratificante que, además, está perfectamente ambientada con pocos recursos, pero muy bien utilizados (tanto la producción artística, como la fotografía como la música están perfectamente elegidos).

De series infantiles “Lost in Space”, tiene dos temporadas (nos la hemos “cascado” las dos) y es de corte familiar.

Cuenta las andanzas de una familia, los Robinson (otro guiño a la supervivencia), que intenta sobrevivir en el espacio. Vivirán todo tipo de aventuras (dinosaurios, meteoritos, alienígenas, …), al estilo del mejor Julio Verne, fuera de la órbita terrestre, con el único objetivo de mantenerse con vida. La recomiendo para los que tengáis peques en la casa. No es que sea el “no va más” de la ciencia ficción, pero es entretenida y tiene siempre múltiples giros de guión que te mantienen continuamente con la necesidad de saber qué va a pasar en el siguiente. Hay personajes entrañables (también los hay detestables) y la ambientación no está nada mal. Además, bebe de mil referencias cinéfilas, desde “ET” a “Alien”, “Jurassic Park” a “Encuentros en la tercera fase”, … lo cual siempre es un aliciente. Recomendable, insisto. Un buen entretenimiento para estos días “intra-muros”. Ideal para ver en familia.

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“Hogar”. (Dir: Hermanos Pastor) Estrenos veo sólo uno: “Hogar”, de los hermanos Pastor, en NETFLIX. La estrenaron el día 25 de marzo, si no recuerdo mal, directamente en la plataforma de VOD (lo iban a hacer igualmente de la misma manera antes de que cerraran los cines) y fue como volver a la rutina de estrenos.

“Hogar” es un thriller protagonizado por Javier Gutiérrez y Mario Casas sobre un hombre que entra en declive, pierde trabajo, casa y estatus social y tras irse a vivir al extrarradio, empieza a obsesionarse con la aparentemente exitosa pareja que ha pasado a vivir en su antigua morada. Nos encontramos, pues, ante un filme de suspense con personajes de carácter psicótico que recuerda mucho a las películas ochenteras y noventeras muy del pelo de “Atracción Fatal “o “La mano que mece la cuna”.

El resultado: más bien flojo. Se ve sin pestañear, de eso no hay duda, y su último tercio te atrapa por su devenir inquietante y un tanto turbio, pero, en general, es bastante previsible y está lleno de los clichés del género, a lo cual no ayuda una estética bastante fría y gris. Lo mejor: que se pasa el rato y su trío protagonista. Bruna Cusí vuelve a demostrar que se debería prodigar más en pantalla; Mario Casas que va por el buen camino para convertirse en algo más que un montón de músculos para ser enseñados y Javier Gutiérrez que es uno de los mejores actores que tenemos en nuestro país (perfecto en su personaje de tío oscuro y perturbado: lo mejor, sin duda, de la cinta).

“TIEMPO AL TIEMPO” El urban flamenco de nuestros tiempos.

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Vuestro anterior disco Casta Brava se publicó en el 2015 y en el 2017 decidiste hacer un pequeño parón indefinido. ¿Qué fue lo que hizo que volvierais de nuevo a trabajar en un nuevo disco y salir a la carretera?

Después de publicar “Casta Brava” hicimos muchos bolos, pero luego como comentas en 2017 paramos para poder hacer cosas que no eran compatibles con el día a día de la banda, como irnos de viaje una temporada, dedicar más tiempo a otras cosas, etcétera. Decidimos retomar el proyecto porque nos apetecía sacar algunas canciones que se habían quedado ahí un poco en el limbo, las teníamos compuestas y medio arregladas hacía tiempo pero no acababan de salir. Actualmente, aunque sigamos presentando el disco, estamos ya planeando grabar nuevo material muy pronto para dar continuidad a “Rabiosa Actualidad”.

En este nuevo disco hay una vuelta de tuerca en vuestro sonido. ¿Qué buscabais en este “Rabiosa Actualidad”?

Creemos que el disco consolida el sonido y enfoque de la banda, con las letras enteramente en castellano y más contenido social o político. En lo musical nos parece que es un disco un poco más festivo, aunque siga siendo bastante variado estilísticamente. Además, hemos incluido definitivamente el piano en la instrumentación, algo que nos apetecía mucho hacía tiempo, y también la percusión.

En este disco hay jazz, sonidos latinos, swing, bolero... ¿Hay algún estilo musical que sea incompatible con Cromática Pistona?

Es un poco tópico pero no nos preocupan mucho las etiquetas, sino hacer música divertida que sea “nuestra”, en el sentido de no repetir esquemas de otra gente sino inventar nuestro propio rollo, aunque por supuesto estemos influenciados por muchos grupos y estilos que nos gustan. ¿Por qué grabar este disco en los estudios ESMUVA? Estuvimos viendo varias opciones y Esmuva se ajustaba a lo que buscábamos, que era poder grabar todos juntos en directo, aunque luego añadieramos recordings y detalles de distintos instrumentos. Es la primera vez que hemos grabado de esta manera y estamos contentos con el resultado y con el trabajo que hizo Ale Fergar, que se ocupó de grabarnos y mezclar el disco.

En el primer tema que abre el disco “La esquina crápula” colabora Tonino Carotone y del cual hace poco se ha realizado un videoclip. ¿Cómo surge esta colaboración y qué significa para vosotros Tonino?

Tonino es amigo hace tiempo y es un gran “clásico” de Lavapiés, nuestro barrio, donde varios hemos vivido muchos años, donde tuvimos una temporada el local de ensayo y por donde habitualmente nos seguimos moviendo. La canción habla del barrio y en concreto de una esquina, la de calle Salitre con Fe, que es un rincón donde se solían reunir vecinos muy castizos a charlar, tomar una litrona, fumar un porro, sacar a los perros, etcétera. Nos pareció apropiado grabarla con Tonino, que es un tío estupendo con una carrera musical y un estilo muy particular que nos encanta.

Desde que grabamos la canción sentimos que teníamos que hacer un videoclip. De esto se ha encargado Jaime Palomo Cousido, un realizador que durante años estuvo en Cromática tocando la guitarra y que

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ha ideado y rodado un videoclip maravilloso, totalmente de rabiosa actualidad, que habla de la gentrificación hipster, el ascenso de la ultraderecha, los desmanes del capitalismo sin freno y en general de la lamentable pérdida de identidad del barrio, algo que los vecinos de Lavapiés conocen perfectamente y sufren, igual que pasa en otros barrios céntricos de otras grandes ciudades de los que se expulsa a los vecinos y a los comerciantes locales y se los sustituye por turistas con dinero y grandes empresas que transforman estas zonas llenas de vida y autenticidad en decorados artificiosos. Es un tema complejo que nos

preocupa mucho, y que en el videoclip de “La Esquina Crápula” creemos que está tratado con muchísimo humor pero también con la rabia que sentimos ante este fenómeno.

Vuestras canciones invitan al baile, pero a su vez también tienen un lado crítico social en algunas canciones. ¿Pensáis que es bueno con la música denunciar estos problemas sociales?

Más que bueno diría que en nuestro caso se ha vuelto inevitable. En los anteriores discos no habíamos explorado la crítica social, o a lo mejor lo habíamos hecho muy sutilmente, pero en cierto momento

algunas cosas que vemos en nuestro día a día empezaron a aparecer en las canciones, y nos pareció que estaba bien que fuese así. La música y las canciones pueden ser muchas cosas, pueden servir para evadirte, para viajar a otro lugar… pero también deben reflejar lo que somos y lo que nos preocupa. Así es como lo vemos en este momento. ¿Como veis la oferta cultural de nuestra ciudad? ¿Pensais que tiene el mismo tratamiento la música que otras ofertas culturales?

Es difícil de decir, aunque nos dedicamos a la música no sé si nuestra visión en lo suficientemente amplia como para valorar eso. Desde una visión sesgada, pues aunque hay salas estupendas y grupos buenísimos de todos los estilos, no tenemos la sensación de que Madrid sea un ciudad que esté muy volcada con la música en directo, ni desde las instituciones ni desde el público en general. En cuanto a la parte institucional, por ejemplo, ahora mismo estamos viendo cómo el ayuntamiento del PP está tratando de expulsar a los músicos que tocan en la calle, o al menos de ponerles las cosas mucho más complicadas, por si acaso tocar en la calle no era ya lo suficientemente difícil. Esto ya da la pista de la consideración que tienen por la música y la cultura.

En Madrid hablando en general como te digo hay algunos espacios y hay una escena muy viva y mucha gente queriendo hacer cosas, y también alguna gente que las valora, pero está también la sensación, algo que hemos hablado muchas veces con músicos de distintos estilos, de que cuesta ir a ver grupos nuevos, descubrir cosas, particularmente cuando se trata de música original.

En LH Magazin hablamos de todos los estilos musicales, Cromática Pistona bebe de muchos estilos musicales. ¿Pensais que ahora el público es más abierto a escuchar de todo que hace algunos años atrás?

Es indudable que gracias a Internet toda la música del mundo y de todas las épocas está al alcance de todos, pero a la vez la música que llega a eso que se suele llamar “gran público” sigue estando muy sujeta a modas dirigidas, a lo que pone la televisión, lo que promocionan los grandes medios… La cosa ha cambiado muchísimo para los melómanos, pero quizás no tanto para ese “gran público”.

CROMATICA PISTONA

Es importante para Cromatica Pistona entrar en la dinámica de festivales, como se plantea este 2020.

Nos pondremos a preparar el lanzamiento del nuevo material y ya veremos cómo organizamos la agenda en verano.

Hay algunas cosas pero las iremos anunciando más adelante. ¡Muchísimas gracias por la entrevista!

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MOON CRESTA “Civil Fuzz Brigade” es vuestro cuarto disco, lleváis ya veinte años en el mundo de la música . ¿Qué es lo que buscabais en este nuevo disco?

Con “Civil Fuzz Brigade” lo que intentamos fue reflejar el estado actual de la banda. Después de 20 años nos hemos consolidado como una banda de directo, de acción, concebida para disfrutar y ser disfrutada sobre las tablas. Lo difícil es que esa energía del vivo se pueda volcar en el plástico del disco. Para ello hicimos una colección de canciones directas y enérgicas que pudiera trasladar al oyente al clima sonoro más parecido posible a uno de nuestros conciertos. Por esta razón hicimos un disco fundamentalmente guitarrero a base de canciones contundentes y rotundas de 3 minutos que son las que articulan este larga duración en 11 cortes que nos parece todo un regalo para aquellos que siguen considerándose amantes de los discos.

En vuestra música hay mucha influencia de los setenta. ¿Es esta vuestra década favorita?

La de los 70 del siglo pasado es una década sin duda muy interesante a nivel creativo en el rock. Incluso los años finales de la década anterior ofrece propuestas de artistas y discos que nos han marcado profundamente. Mucha de nuestra inventiva e inspiración viene de ahí, pero no dejamos de reconocer que nuestra adolescencia y primera juventud nos llevan a otra década también atrayente como son los 90’s, donde encontramos referencias tanto sonoras como de actitud y de mensajes que impregnan claramente nuestro rock.

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Hay partes del disco que me han recordado al grupo Kannon, banda de comienzos del 2.000 y que eran de Vigo, de vuestra tierra. Pablo Iglesias les produjo algún disco, que a su vez, también es el productor de este disco. ¿Qué buscabais en Pablo Iglesias?

Con Pablo habíamos trabajado en nuestro anterior álbum, “Moonary” (2016), ya que con él grabamos uno de los 10 cortes que completaban un disco grabado en estudios de toda Galicia con 9 productores distintos. Aquel proyecto se convirtió en una especie de cata y degustación de los distintos profesionales con los que nos apetecía grabar en nuestra zona. En esa breve primera experiencia con él, su forma de trabajar, y el resultado de su producción fueron definitivas para tomar la decisión de elegir un productor para nuestro próximo disco.

Aunque hay mucha influencia de los setenta el sonido del disco es muy actual. ¿Buscabais un sonido más moderno acorde a nuestro tiempo?

Lo que creo es que vivimos un momento en el que disponemos de toda la tecnología que se ha venido desarrollando desde los comienzos del rock (más de medio siglo) hasta el presente. Entre todo ese abanico de aderezos sonoros hay recursos que, siendo auténticos clásicos (que en décadas precedentes quizá hayan quedado en desuso) a día de hoy pueden resultar de lo más contemporáneo y sorprendentes si eres capaz de integrarlos con originalidad en tu propuesta. También intentamos combinar elementos más clásicos con otros “trucos” sonoros más actuales o novedosos. Esa

fusión nos da un punto de conexión con el rock de las grandes décadas al que hacías referencia, pero nos aleja del revivalismo.

En el la parte principal se ha grabado tocando todos a la vez en el estudio. ¿Por qué elegir este sistema de grabación?

La intención que antes comentábamos de querer reflejar en el disco la intensidad del directo hace necesario un punto de partida del proceso de grabación en el que exista esa unión de 4 músicos tocando a la vez. Luego se superpusieron más capas de guitarras y voces pero el germen de todo es tocar la toma inicial de las canciones juntos para retroalimentarnos mutuamente.

Si un componente importante es el sonido del grupo, la parte musical, no se quedan atrás las letras que hablan de problemas sociales, de la ecología.... ¿debe ser la música un canal para denunciar la situación actual que vivimos?

No nos atreveríamos a decir si ha de ser algo “obligado”. Podemos entender que haya letras puramente festivas, hedonistas o incluso frívolas o carentes de aspiraciones intelectuales o con poco compromiso.

Es una opción, y alguna de las nuestras en algún otro disco han sido así. En este álbum, sin embargo, hemos querido tomar partido, posicionarnos y expresar nuestro sentir sobre cuestiones que nos rodean y preocupan. Cosas como asistir a coloquios; lecturas; experiencias vitales; conocer ciertos perfiles de profesionales criticables dentro de la industria musical; la reflexión o replanteamiento de estereotipos de conductas de modelos de masculinidad, etc… han sido punto de partida de la práctica totalidad de las letras, lo cual les dan un

punto de conexión sincero con el presente.

A eso hemos unido un abordaje de estas temáticas desde un punto de vista personal y con cierta carga ideológica.

En el disco hay una preciosa balada “Misfortune Always Comes Again”. ¿Cuáles son tus baladas favoritas?

Difícil responder… Yo personalmente como teclista y cantante, vuelvo con bastante recurrencia a una canción de “Ben Folds Five” titulada “Missing the war”.

También suelo ponerme bastante en bucle periódicamente otro tema de una banda cuyo núcleo son dos hermanos post-adolescentes llamada “The Lemon Twigs” que lleva por título “How lucky am I?”.

Habéis publicado varios singles con su respectivos videos. ¿Es el videoclip hoy en dia como fueron los singles en la década de los 50`s?

Tiene bastante sentido hacer esa analogía. Ambos son formatos que podríamos decir que se inclinan hacia lo singular, la dosis pequeña, breve, el impulso concentrado, la inmediatez. Quizá defiendan o promuevan un modelo de ocio y entretenimiento que encaja mejor con el tipo de consumo imperante hoy en día. Nos gusta hacer videoclips, y hemos producido bastantes y es un innegable e inevitable recurso de promoción. No sabemos si además de a la “estrella de la radio”, el vídeo matará también al LP… En el disco hay varias colaboraciones ¿Quiénes son y cómo han ido surgiendo?

Las colaboraciones musicales del disco son básicamente a nivel vocal. Se trata de las voces femeninas que intervienen en “Someone has put a spell on you” y “Don’t play the silly teaser”. Las tres cantantes ya habían colaborado anteriormente con nosotros tanto en directo como en algún single “Sweet innocence”. Se trata de Diana Tarín, cantante de origen cubano asentada en Galicia; Lara Rodríguez, líder de la banda amiga Broken Peach, grupo vigués con 4 voces femeninas al frente; y por último un jovencísimo talento de 14 años con experiencia en una banda adolescente llamada “Whitebirds” que también comienza a actuar ya en solitario bajo el nombre de Caro Lemos. Sin apenas ensayo se ensamblaron para grabar ese par de temas con una naturalidad y un empaste que solo se explica por la calidad musical que atesoran.

Este es un disco que bien es cierto, como

decíais antes, grabado en gran parte en directo, pero también es un disco con muchos detalles, para ir descubriendo en cada escucha. El disco se publicó en noviembre, ahora que ya ha pasado los nervios de la salida y que está un poco más reposado ¿Cómo lo veis vosotros?

Efectivamente es un disco con detalles, pero sin llegar a un nivel de enrevesamiento que haga inviable llevarlo al directo y echar en falta elementos o arreglos.

Ese punto justo de aparente sencillez, de trabajo cuidado pero sin alarde gratuito, nos ha exigido como intérpretes a la hora de preparar el show de la gira, con el fin de que los seguidores de oídos atentos que han apreciado ese detallismo que referías, se encuentren con un directo que hace justicia a lo que escuchan en el disco.

El disco salió con el sello discográfico The Fish Factory ¿Qué significa para un grupo como el vuestro que esté detrás un sello discográfico como es el caso de The Fish Factory?

Para nosotros sobre todo supone cercanía, buen trato, buena disposición y ganas de apoyar el proyecto. Hemos podido comprobar además que en cualquier medio de comunicación al que nos dirijamos diciendo que vamos de la mano del equipo de The Fish Factory somos recibidos con los brazos abiertos. La trayectoria de un sello como este es una garantía de compromiso con la industria discográfica y con las bandas de rock del estado. Saber que nosotros formamos parte de ello es muy gratificante.

Me comentó José, director del sello, que era un gran disco, pero fijate yo creo que se quedó corto (risas). Para nosotros está dentro de los mejores discos de los 50 de LH Magazin del 2019 y entre casi 19.000 votos que recibimos el disco se quedó en el puesto 19. ¿Sentís que el público está reaccionando bien al disco?

Pues si a eso añadimos que fue un disco con poco más de un mes de recorrido en el año 2019 (ya que salió a finales de noviembre), más orgullo nos genera!!

Ahora que tiene un poco más de “vida” y difusión, por una parte creo que nos sentimos satisfechos de que el viraje consciente que hemos querido hacer hacia un sonido más netamente rock a través de un álbum enérgico, contundente, guitarrero y con textos comprometidos, haya sido efectivamente reconocido por el público y crítica. Pero por otro lado también nos

gusta ese componente impredecible de que el disco cobre “vida propia”. Nos referimos al hecho de descubrir que canciones no concebidas como temas más sobresalientes del álbum se acaben convirtiendo en hits o favoritas de parte de nuestros oyentes y seguidores. Esto hace que el proceso creativo se vuelva muy impredecible y a la vez estimulante.

Hay veces que se habla de un relevo generacional dentro del rock ¿queé pensais de esto?

Ese supuesto relevo imagino que para ser reconocido por público y medios va a tener que suplir a toda un pléyade de figuras del rock (prácticamente mitos para muchos) cuyo “desbancamiento” tendrá que pasar por encima de comparaciones, cifras de ventas, de seguidores, espectacularidad de sus shows, etc… que autorice o verifique que realmente una savia nueva está sustituyendo a los grandes del rock…

Todo ello en estos días es muy complicado que se produzca, porque esas “macro - cifras”, macro-esfuerzos y macroinversiones se generan más bien en otros estilos o tendencias. Quizá lo más parecido a un relevo generacional que puede estar produciéndose es la consagración de unos nuevos “clásicos” del rock (bandas ya veteranas, con entre 20-30 años de carrera).

Sin embargo considero que el público en general con los “nuevos jóvenes talentos” es muy crítico y no acaban de darle la oportunidad de despuntar.

Actualmente estais inmersos en una gira por el país. ¿Cómo se presenta este año cara a conciertos y festivales?

Pues hemos conseguido hacer una agenda bastante completa que nos llevará además de Galicia a diferentes puntos del estado (Madrid, Bilbao, Extremadura…) La gira comenzó el pasado enero del 2020 y ya estamos cerrando citas para el próximo otoño. Asimismo estamos a punto de anunciar fechas de festivales veraniegos.

Esperamos que la crisis del coronavirus cause el menor daño posible en nuestro calendario por lo cual estamos viviendo una complicada mezcla optimismo e incertidumbre.

Gracias por vuestro tiempo, si hay algo más que querais añadir estáis en vuestra casa.

Muchas gracias por darnos voz y difusión. Sois un puntal esencial en el sector musical.

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NASANOV Primero publicasteis un Ep en el 2016 y esas canciones salen en este disco junto a siete canciones más ¿Por qué volver a remasterizar las canciones de ese Ep e incluirlas en este nuevo trabajo?

Este álbum de 12 temas iba a estar compuesto por un primer trabajo de 5 temas que lanzamos, como bien indicas, en 2016, y otro trabajo de 7 temas que nos habría gustado lanzar poco después. Lo que sucedió es que hubo una serie de cambios estructurales de la banda y además Carles tuvo que ser operado de las cuerdas vocales, teniendo una larga recuperación por delante… y lanzar el trabajo sin ser capaces de afrontar una gira continuada para presentarlo no nos parecía buena idea. Por eso esperamos hasta estar seguros de que íbamos a poder estar al 999% en todos los aspectos y 2020 es el año de Nasanov.

Sois un grupo que huis de los tópicos del

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amor, el desamor en vuestras canciones… ¿De qué os gusta hablar en vuestras canciones?

Somos conscientes de que la música tiene una fuerza particular a la hora de transmitir mensajes. Nosotros creemos que tenemos muchas cosas que decir, de las que reflexionar y aprender, entre otras cosas, por eso usamos este medio para dar voz a problemas reales, comprometidos con la realidad. Hablamos sobre el medio ambiente, el cambio climático, la manipulación,... pero con la “chispa Nasanov” que creemos que nos caracteriza e, incluso, nos diferencia.

“Isla de plástico” es una canción cuya temática está a día de hoy muy presente. ¿Cómo surge hacer una canción que hable de este problema el plástico?

Un buen día Sergio trajo un riff que nos evocaba a la playa. Estuvimos meditando

sobre cómo podíamos enfocar la canción (este momento es crítico porque es donde la magia puede aparecer o estancarse).

Sergio consume documentales como un gorrino engulle bellotas, y esos días había estado informándose acerca de la contaminación que supone desechos plásticos, entonces centramos todo esto en la idea de una isla de basura formada por microplásticos y la magia había aparecido: habíamos parido “Isla de plástico”.

Pero también tenéis canciones con mucho ironía como “Hipócrita consecuente” y en la que colabora Varry Brava. ¿Es esa ironía vuestro sello de identidad?

Por supuesto, nos caracteriza a los 3 por igual. Somos irónicos y con mucho humor, forma parte de lo que somos como grupo e individualmente. La ironía nos gusta para hablar de temas “antipáticos”. Es otra forma de contarlo, con un toque algo más

personal, que hace más accesible las temáticas de nuestras canciones, pero sin perder el foco en lo que nos interesa, que es transmitir un mensaje claro pero positivo. ¿Cómo surge la colaboración con Varry Brava en esta canción?

La canción estaba grabada, el videoclip llevaba un par de meses ya montado y estábamos buscando fecha para lanzar el tema. Se lo mostramos a Jordi Vidal, un buen amigo de la banda, y nos propuso que hiciésemos una colaboración con Óscar Ferrer, porque pensaba que podía encajar su estilo en la canción. Nosotros lo vimos claro de inmediato (tontos no somos), y Jordi nos puso en contacto con Óscar. Le enseñamos la canción y se lo propusimos.

Al parecer le gustó la canción y nos dejó una colaboración muy bonita y muy importante para nosotros. Cabe destacar que estamos realmente agradecidos a Óscar por haber accedido, son oportunidades que no siempre se dan y él fue muy atento con nosotros. Si lees esto: ¡muchas gracias, Óscar!

De la producción se ha encargado Mark Dasousa en Atomic Studios. ¿Por qué él?

En esta segunda parte del trabajo Mark ha sido nuestro productor. Nuestro quinto beatle. Mark se interesó por nuestro trabajo y nosotros nos interesamos por Mark hace un tiempo, y comenzamos a trabajar conjuntamente. Tuvimos y tenemos el placer de tenerlo en nuestras filas, en la retaguardia, principalmente porque entiende a Nasanov y lo ha visto crecer.

Además, su trayectoria es brutal y, aunque suene redundante, nos volvemos a sentir afortunados de que Mark sea parte de Nasanov. Como con Óscar, si lees esto, Mark: ¡un abrazo nasanoviano y nos vemos muy pronto por Atomic!

Este disco se puede descargar gratuitamente desde vuestra página web ¿Qué os ha impulsado a hacer esta acción?

Queremos ser accesibles, y se nos ocurrió poner el disco en forma de descarga gratuita en nuestra web (nasanov.com) para que todas las personas tengan la oportunidad de escucharnos. Pese a ello, hemos lanzado también una edición en físico con un diseño precioso de Cristina Bonora y Laura Avivar, con el que hemos

reducido el uso de plásticos (el disco va envuelto en un póster de papel con ilustraciones impresas con tintas ecológicas en ambas caras), que está también disponible en la tienda de nuestra web.

El pasado 7 de febrero presentasteis el disco en Madrid en la sala Café La Palma. ¿Qué recuerdo tenéis de esa noche?

Fue una velada espectacular, vino mucha gente y sentimos una acogida muy cálida. Es muy bonito ver a personas disfrutar con lo que haces, y verlas bailar contigo. Nos sentimos muy afortunados de haber vivido esa noche, que será una de las muchas que vendrán, y de haber sido descubiertos por muchas personas que no nos conocían.

Cuando estuvisteis de visita en nuestro programa de radio nos hablasteis de la bonita historia que hay detrás de “Igual que ayer” uno de mis temas favoritos. Se la podéis contar a nuestros lectores.

Carles: Es una canción que surge tras la pérdida de un ser querido, mi abuela. Fué el desahogo y a su vez mi forma de inmortalizar su recuerdo, de alguna manera refleja como la vida sigue siendo la misma todos los días y somos nosotros los que vamos cambiando a consecuencia de estas cosas que nos pasan y nos hacen fuertes o nos debilitan.

Cuales son los planes que tiene Nasanov mas inmediatos.

Nuestra gira por salas va a durar todo este año. Visitaremos Barcelona, Murcia, Alicante y otras muchas ciudades. De momento hemos pasado por Valencia, Madrid, Alicante y Albacete, y tenemos muchísimas ganas de seguir girando.

Es seguro que también nos metamos en el estudio a grabar, porque no nos podemos estar quietos, pero nuestro plan más inmediato y que va a perdurar en el tiempo es en el de hacer crecer Nasanov y crecer con Nasanov.

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Te conocimos con tu anterior single “Regazzo” ahora es el turno de “No te quiero ver”. ¿Qué es lo que buscabas en esta nueva producción?

Busco que la gente se la pase bien con mis trabajos, poder sorprenderle cada vez que traiga algo nuevo y pueda innovar cada vez más. ¿Dónde surge la idea de hacer esta canción?

Nos reunimos con el sello discográfico y decidimos cambiar el género musical y poder darle una vuelta a lo que antiguamente hacía para poder insertarnos de lleno en la industria musical.

Nuevo single y nuevo videoclip, con una estética más urbana, dirigido por David Colina. ¿Por qué contar con David Colina para este videoclip?

David colina ( Nagazaky) es un conocidísimo director de videoclip con una carrera indescriptible, que mejor él que pudiera darle el nuevo cambio a este sencillo.

El videoclip lleva más de 65.000 reproducciones ¿Eres de mirar las visualizaciones que llevan tus videos?

Como cada artista no es que suela hacerlo habitualmente, pero como cada trabajo e ilusión es importante saber cómo va la repercusión, si está gustando y si la gente comparte tu trabajo.

Con este nuevo single estás creciendo mucho en Spotify. ¿Qué supone para un artista como Javy Martin este hecho?

Spotify es una de las plataformas más fiables ahora mismo en el mercado musical, crecer ahí supone un alivio a tantas horas de trabajo y a tantas noches sin dormir. Todo lo que sea sumar en redes y en la vida misma es maravilloso.

Eres un artista muy visible en Instagram

¿Qué piensas de las redes sociales?

Instagram es una de las redes sociales que más manejo y la verdad que me siento cómodo en ella, me gusta compartir cosas diarias y cotidianas sobre todo de trabajo y más estando tan lejos de mí familia que allí también todos mis amigos más cercanos pueden ver un poco el seguimiento de lo que hago.

Tú participaste en la primera edición de ¡Fama a Bailar!, hace ya de esto algunos años. Recientemente participaste en la final del programa de baile “Vive tu baile” de Tv y también has estado en el programa como jurado. ¿Qué recuerdos tienes de ¡Fama a Bailar!? ¿Y como ves la salud del baile en España?

Una experiencia como otra. La pasé bien y aprendí mucho una vez salí. Las cosas en España en el tema del baile cada vez son mejores, o por lo menos veo con positividad nuevos cambios. No es un país culturalmente hablando potente pero poco a poco haremos todo lo posible porque lleguen nuevas corrientes desde fuera.

Este single sale con el sello Piros Digital ¿Qué aporta un sello como este a un artista como es Javy Martin?

Piros Digital ha sido la familia que ha confiado en mí, en mi música y en mi forma de hacer las cosas plenamente, no solo han invertido en este proyecto sino que me han dado la libertad de hacerlo como quiera, sin perder nunca mi esencia.

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L E D O M NEW Y M R A

Hay algunas reseñas de prensa de vuestro último disco “From Here”, que os reconocen como una banda ambiciosa que se niega a anclarse en el pasado. ¿Cuál es la relación que tenéis actualmente con la música a este respecto?

Siempre hemos tratado de no repetirnos. Realmente no tenemos ningún interés en el pasado, por eso este año es nuestro 40 aniversario y aunque todos se empeñan en hablar de eso, es un poco extraño para nosotros.

Nunca habéis sido una banda completamente exitosa, pero vuestros admiradores siempre os han querido mucho. ¿Es esta la forma más agradable de tener una carrera musical? ¿Éxito? ¿Qué es eso? En realidad, tengo una respuesta simple ... cuando éramos músicos jóvenes con dificultades, solíamos hablar de “lograrlo” y lo que queríamos decir con eso, era ganarse la vida con la música. Sin más. Cruzamos esa línea en 1984 y no hemos vuelto a mirar hacia atrás. ¿Dónde estamos en las listas? No nos importa, porque la última vez que miré en mi nevera, había comida ;-). Eso es suficiente. Como banda, somos libres de hacer lo que queramos de la manera que queramos cuando queramos. Eso es lo mejor que puede pasarle a un artista.

Algunas personas os consideran una banda de culto, ¿crees que esto es bueno, o malo?

Ah, todas las cosas que dice la gente...

Simplemente pensamos; “lo que sea” ...

Vuestra música es bastante atmosférica y oscura en esta última etapa. También más acústica. ¿A qué crees que se debe esto?

En los últimos años, nos hemos intere-

sado en hacer albums auténticos. La gente suele decir que el formato de álbum está muerto y que hoy en día solo se busca un éxito de 30 segundos en Youtube. No creemos que esto sea cierto porque si miras lo que la gente ve, a menudo les gustan las series largas que tienen una atmósfera particular, donde conoces a los personajes, donde la historia es compleja y no completamente predecible. Ese es más nuestro enfoque de la música. Es cierto que “From Here” tenía muchas guitarras acústicas y telecasters limpias. ¡Esta fue una elección deliberada para dejar el espacio en el área de graves, bajos medios y altos de la música, para nuestro gran ruido de graves y tambores!

Continuais recorriendo Europa y dentro de poco aterrizáis en España. ¿Qué tipo de espectáculo ofreceréis esta vez? ¿Más en la línea de tus últimos álbumes o yendo a lo seguro con los clásicos de la banda?

Como Jyvaskyla y Helsinki serán sets dobles y los primeros shows en celebrar los 40 años, habrá al menos una o dos canciones de cada uno de nuestros 17 álbumes.

Será una mezcla de todo, por supuesto ... ¿Sigues comprando vinilo o escuchando música en reproductores de discos, o te has rendido definitivamente a Spotify o Apple Music?

Personalmente, me gusta la radio más que nada. Siempre trato de encontrar cosas nuevas para enamorarme y la radio funciona mejor porque prefiero escuchar música elegida por personas en lugar de algoritmos. En particular, me encanta FIP, que es una estación francesa (disponible en Internet) que reproduce música de cualquier género, de cualquier época,

24 horas al día, 7 días a la semana, sin anuncios y casi sin hablar… pero también uso Spotify.

Por cierto, siempre has sido un artista cuyas letras reivindicativas han sido admiradas por muchas personas. ¿Alguna vez has pensado en escribir sobre el Brexit u otros temas sociales que actualmente agitan a la sociedad?

En nuestras canciones, hay todo tipo de referencias al Brexit y muchas otras cosas más importantes que suceden en el mundo, pero trato de analizar las implicaciones, el contexto, la evolución y sobre todo, las historias narrativas detrás de los “problemas” cuando escribo. ¿Cómo vives como músico la situación del Brexit? ¿Qué cosas crees que cambiarán para New Model Army en esta nueva etapa socio-política?

Todavía no ha sucedido nada. Lo tememos, pero la vida (y, por supuesto, la música) continuará.

Justin, ¿esperas disfrutar muchos años más de New Model Army? ¡Eso espero!

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KATATONIA Anders, ¿todavía os gusta a Jonas y a ti que te llaman Lord Seth y Blakkheim, o esto definitivamente ya pertenece a una vida pasada?

Bueno, no creo que Jonas se haya afiliado a ese antiguo nombre suyo durante las últimas dos décadas, pero por otro lado, yo nunca me deshice de él. Me quedó grabado en otros proyectos y supongo que ese nombre siempre será parte de mi modesto legado en la escena del metal. ¿Qué recuerdas de esa grabación de Gorysound de 1992 en la que Jonas todavía tocaba la batería y tú el bajo?

Estábamos a punto de dedicar toda nuestra vida adulta a la música. Esos tiempos fueron mágicos; todo era nuevo y emocionante, un nuevo mundo nos abría sus puertas donde vivíamos y respiramos metal extremo sin parar. Estábamos decididos a hacernos un nombre en el underground local. Teníamos una visión clara y fuerte y la suficiente ambición para ir a cazarla. Había tanta pasión que casi se podía tocar.

Han pasado casi 30 años de todo aquello. ¿Crees que espiritualmente tienes las mis-

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mas motivaciones de cuando eras joven?

De alguna manera lo hacemos, pero el clima ha cambiado mucho. En aquel entonces todavía éramos jóvenes, inexpertos, no teníamos muchas responsabilidades y teníamos mucho tiempo libre. Estábamos ansiosos por aprovechar cada oportunidad para escapar de la sociedad y simplemente coexistir en nuestro propio mundo. Hubo muchas ilusiones durante esos días, mucha fantasía involucrada en cada paso del camino. Todo era muy diferente en aquel entonces. La industria discográfica todavía estaba en pleno apogeo bajo el viejo modelo, donde los álbumes físicos realmente se vendían bien y las tiendas de discos aún importaban. Las revistas impresas fueron la principal fuente de noticias y también el “boca a boca”. No había streamings, ya que a Internet todavía le quedaban algunos años hasta su llegada. Hasta entonces, toda la comunidad y la escena estaban respirando música en la “calle”, por así decirlo.

En el año 2007, vuestro discoDance Of December Souls fue reeditado con las canciones del demo que grabasteis con el nombre de Jhva Elohim Meth. Se comenta

que esta maqueta fue muy popular en su momento, ¿es verdad?

Bueno, definitivamente no pasó desapercibida. ¿Quizás incluso jugó un papel bastante significativo al poner el Melodic Death Metal, Black y Doom en el mapa de estilos musicales del momento. Salió justo entre el brutal pico del Death Metal y la nueva ola de Black Metal y sonó muy diferente a todas las otras bandas en ambos lados de esas cercas. Nuestro argumento era simplemente recrear las mejores partes de Bathory, Paradise Lost y Tiamat como nuestra influencia musical más obvia, mientras vislumbramos Darkthrone para las imágenes visuales. De ahí salió ese crisol que le dio el nombre a la banda.

Vuestro nuevo álbum “City Burials” es una obra maestra. Es difícil entender cómo habéis creado algo tan hermoso y oscuro al mismo tiempo ... una vez más. ¿Vuestro descanso como banda y las conclusiones que sacasteis del mismo influyeron en este resultado?

Creo que los álbumes de Katatonia se escriben ellos mismos, el álbum hará cualquier cosa para volverse “hermoso y oscuro”, con o sin nosotros.

En tu opinión, ¿hasta qué punto están las influencias de Bathory o Paradise Lost en este nuevo álbum? obviamente no me estoy refiriendo a la parte musical ...

Hace mucho, ambas bandas fueron grandes influencias en nuestros años de formación y tuvieron un papel importante al enviarnos a nuestro propio viaje.

Siempre apreciaremos a muchas bandas antiguas por sus contribuciones esenciales a la historia del metal. Creo que Bathory sigue inspirando generación tras generación, incluso hoy. En realidad, todos esos primeros álbumes son tan relevantes hoy como lo eran en aquel entonces, sin duda llegaron al “salón de la fama” de los clásicos atemporales.

Lo mejor de este álbum, además de vuestro sello personal, es el dinamismo de sus canciones. Es un álbum que te rodea y te mantiene pendiente por saber que es lo próximo que sucederá. ¿Pensáis conscientemente en crear este tipo de sensaciones cuando componéis?

Siempre buscamos llevar al oyente a un viaje, sin saber completamente qué estará esperando detrás de las esquinas dentro de cada canción. Sin embargo, no solemos volvernos locos con la experimentación, ya que eso mataría los ganchos de las canciones y las convertiría en una experiencia difícil. Una vez más, se trata del equilibrio y tratar de “lamer las curvas” en el camino establecido delante de ti.

En este nuevo álbum habéis mejorado como músicos, aunque creo que es la combinación de emociones y arreglos sorprendentes lo que más me sorprende ¿opinas igual?

Para nosotros, la musicalidad es la piedra angular, pero al final del día se trata de hacer canciones y ver lo que realmente necesitan. A veces, tenemos la intención deliberada de desmantelar las cosas para darles un enfoque directo de “menos es más”. En otras ocasiones, nos enfocamos en lo opuesto y trazamos una gama completa de dinámicas donde ponemos el peso para encontrarnos con un impacto complejo. El resultado ideal es cuando ambos estilos se mezclan en un patrón fluido.

¿Necesitasteis un estado de ánimo o un lugar específico para componer este álbum? Entiendo que algo tan intenso no es algo que se pueda crear en cualquier sitio…

Obviamente, necesitas estar inspirado y motivado para componer, pero también encontrarte en un ambiente tranquilo, silencioso y sin estrés. Esto generalmente funciona si estás dentro de las paredes de tu propio santuario, como tu casa, o lugar de ensayo. Hacerlo en el backstage de una sala, o en un autobús de gira, es realmente complicado. No escribimos canciones en gira.

Varios de vuestros lanzamientos anteriores fueron reeditados en diferentes ediciones, algunos conmemorando un aniversario o una gira específica. ¿Era algo que queríais hacer o fue tu idea del sello?

Las reediciones han sido idea del sello como parte de su agenda de gestión. En realidad, pueden hacer lo que quieran con nuestros lanzamientos, incluso sin nuestro aporte, por lo que prefiero involucrarme y asegurarme de que cada lanzamiento continúe representando nuestra discografía de acuerdo con los estándares que establecemos. Las ediciones de aniversario y las giras posteriores han sido principalmente nuestra idea, ya que descubrimos que celebrar un álbum antiguo al tocarlo en su totalidad ha sido un desafío y una experiencia muy especial. Lo hemos hecho con ‘Last Fair Deal Gone Down’, ‘Viva Emptiness’, ‘The Great Cold Distance’ y ‘Night Is The New Day’ hasta ahora. También hay posibilidades de que esto ocurra con los “Dead End Kings” en dos años, ¡pero todavía no lo des por sentado!.

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¿Cómo surge este reto? Nuestro amor y compromiso por Calcuta es inmenso. Somos conscientes de que muchas familias lo están pasando mal en España, pero las consecuencias en India prometen ser devastadoras, en un país donde hay un médico cada 10.000 habitantes.

Conocemos Calcuta de primera mano, Santagrahi, el slum situado en Howrah el “barrio de la alegría” es donde tenemos nuestra escuela y donde realizamos todos los proyectos. Por eso este reto va dirigido a ayudar a las 86 familias de las niñas y niños que acuden a la escuela School of Principit@s.

Estamos convencidos de que “mucha gente pequeña, en lugares pequeños, haciendo cosas pequeñas pueden cambiar el mundo”.

Necesitamos 1500 x 2 para darles cestas de supervivencia a las familias de la escuela. Hemos calculado que con 1500 tenemos para un mes y con 3000 para dos meses por eso lo del 1500x2 -Dotar a cada familia de una cesta de supervivencia mensual compuesta por: 5 kilos de arroz, 2 kilos de dal (lenteja india), 2 kilos de harina, 4 botellas de agua reutilizables, 2 jabones hidroalcohólicos y un tríptico explicativo de medidas de higiene básicas del Covid 19.

-Ampliar esta cesta con 5 litros de leche extra en el segundo mes.

-Permitir que las familias se queden en casa y no corran el riesgo de salir para trabajar y conseguir dinero.

-Conseguir que todas y todos vosotras/ os participéis en el reto que os hace también protagonistas dando visibilidad y voz a estas niñas y niños.

Es un crowdfunding abierto a través de la plataforma goteo.org El enlace es este: https://www.goteo.org/project/uneteal-reto-1500

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El mundo parece estar loco y siempre amenaza con grandes desequilibrios políticos y sociales. Todo parece bastante inquietante. ¿Crees que esto os afecta como banda de Rock?

Creo que los grandes desequilibrios políticos y sociales afectan a todos en el mundo. Pero por suerte, esto no se refleja en la música convencional. Una de las razones podría ser que la música no se considera una obra de arte hoy en día; en cambio, parece ser visto como un producto de consumo que debería estar disponible para todos de forma gratuita. ¿Conoces un producto de consumo al que se deba prestar atención de forma activa y que requiera que el “usuario” mire más profundamente dentro de sí mismo para “trabajar”? No, porque se espera que un producto de consumo funcione sin importar qué, y la función de la música hoy en día es puramente de entretenimiento. Oye, también nos encanta el entretenimiento, pero creemos que la música, como todo arte, solo tiene valor si hay algo más que un empaque atractivo. Ya sea su artesanía musical, ideas sociales o políticas, poesía o simplemente una buena historia de amor, no importa. Pero cuando escucho la radio no escucho nada. Hay algunas excepciones como Michael Kiwanuka y muchos otros jóvenes artistas negros. Pero eso es prin-

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cipalmente música hiphop y creo que en ese sentido tenemos mucho que aprender de los artistas hiphop. Reflexionan sobre lo que está sucediendo hoy en el mundo en su música. Es un testimonio de estos tiempos, al igual que “Almost Cut My Hair” fue un testimonio de finales de los años 60. pero también se podría decir que la música es una de las pocas cosas con las que la gente puede conectar hoy en día. Entonces, en lugar de escribir una canción anti-Trump y, por lo tanto, excluir a los votantes de Trump de su música, también podría escribir una hermosa canción de amor. Quizás Trumpers y anti-Trumpers llegarán al mismo concierto y se respetarán y entenderán más porque aparentemente tienen algo en común: la música. No sé, pienso mucho en estas cosas. Creo que tratamos de hacer ambas cosas, pero sobre todo escribimos sobre lo que tenemos el libro “Rage & Fury” sobre Trump, escribí una canción muy política. Cuando extraño a mi esposa en la gira, soy más propenso a escribir una canción sobre desamor.

Hay quién dice que incluso los coleccionistas de discos han dejado de coleccionar. Ante tal escenario, ¿cómo es posible seguir haciendo buena música y no perder la esperanza de que alguien te escuche?

En realidad, no vemos mucho de eso aquí en los Países Bajos. La gente parece

estar recolectando tanta o incluso más música que hace 5 años. Creo que el deseo de hacer buena música tiene que venir de dentro. ¡Incluso si nadie escuchara nuestra música, todavía estaría escribiendo tanta música como lo hago ahora! Quiero decir, te inspiras para escribir más si sabes que mucha gente va a escuchar tu música, pero esa no debería ser la razón principal. Tengo muchos amigos de mi edad o incluso más jóvenes que hacen música todos los días, escriben canciones geniales, escuchan música hermosa (nueva y antigua) y la música juega un papel tan importante en sus vidas ... me da fe en el futuro de la música. Siempre hay personas en algún lugar que descubren y respetan toda la buena música del pasado y se inspiran para crear cosas nuevas y hermosas. Volviendo a tu pregunta: creo que la música rock está muriendo, sí. Pero tal vez el rock comenzó a ser irrelevante en algún momento entre los años 90 y hoy, así que de alguna manera, muchas bandas de rock no logran hacer esa conexión con un público más joven. Tratamos de hacerlo, pero los jóvenes históricamente nunca escucharon la música que escucharon sus padres, por lo que debes hacer cosas que también sean emocionantes para ellos. Por eso es el momento perfecto para los jóvenes héroes de la guitarra.

Hay músicos que consiguen grandes logros a través de sus redes sociales ... y muchos de ellos lo hacen involuntariamente. ¿Cuál crees que es la mejor estrategia de redes sociales para una banda como Dewolff?

Con el video disponible en todas partes, creo que la música, sin más, no es suficiente para mucha gente hoy en día.

Todavía hay personas que compran un LP y se sientan frente a su tocadiscos con los ojos cerrados para disfrutar de la experiencia, pero eso es una pequeña minoría.

Entonces, como banda, puedes quejarte todo lo que quieras, pero también puedes convertirlo en algo positivo y tratar de encontrar nuevas formas de enganchar a la gente con tu música. Para nosotros, el humor es muy importante, así que se nos ocurren todos estos conceptos estúpidos y pequeños como nuestro nuevo video “Tascam Tapes Hotline”. ¡Y funciona! La gente ve esto, piensan que es divertido y luego chequean la música y crece en ellos.

Y también nos gusta, porque finalmente podemos hacer algo con todos esos chistes estúpidos que siempre estamos haciendo ;-) Creo que en un mundo ideal, una banda refleja la individualidad y la creatividad de los músicos / personas en la banda. Entonces, cada banda debería ser única, pero ese

no es el caso. Muchas bandas ven que otra banda tiene éxito y tratan de copiar eso.

Lo que hacemos es tomar todo lo que nos inspira; películas, libros, series de Netflix, música antigua, música nueva, teoría de la música, humor, experiencias personales y dejar que fluya en la música que hacemos. Por lo tanto, DeWolff es realmente la mejor manera de expresarnos: nada de eso es falso. ¿No crees que esa falta de popularidad del rock puede ser debida a que ya no hay relevos generacionales formaciones clásicas como Black Sabbath, Deep Purple o Status Quo? Creo que el rock definitivamente está perdiendo popularidad, pero tengo fe en el futuro de la música. Aquí en Holanda tenemos muchas bandas geniales en este momento. Es solo cuestión de tiempo de que más y más personas los descubran. En este momento en Holanda hay una banda de rock real (Navarone) en la televisión, en la Voz de Holanda. No necesariamente haríamos eso, pero estoy muy contento de que lo hayan hecho porque son la primera banda de rock en la televisión en años y creo que abrieron la puerta a otras bandas de rock y a las mentes de la audiencia.

Quién sabe, podrían haber inspirado a los niños pequeños a querer tocar una guitarra. Tal vez Ed Sheeran inspire a los niños de 10 años a tomar una guitarra y luego no pasará mucho tiempo hasta que descubran a Jimi Hendrix, Led Zeppelin, etc. ¡Quién sabe! Las bandas de rock solo tienen que encontrar una manera de hacerse más relevantes ahora, tratar de conectarse con la gente. En realidad, puede ser divertido si amas lo que estás haciendo: ¡difundir el evangelio!

Muchos festivales apuestan por el mestizaje de bandas. Parece que hoy, no tener una “etiqueta definida” es una virtud. ¿Estas de acuerdo?

No lo sé ... durante muchos años fuimos ignorados porque no somos típicamente Rock clásico: somos demasiado blandos para el metal, demasiado ruidosos para la Americana, demasiado complicados para el pop, demasiado rock para el Soul ... A veces parece que cuando te juntas como una banda y dices: “vamos a copiar a Iron Maiden y llamarnos una banda de Hard Rock”, eso funciona muy bien y te reservan para todos los festivales de Hard Rock.

Sin embargo, me parece un poco cojo.

Creo que tener una etiqueta muy definida es una virtud si quieres tener éxito. Pero si quieres hacer lo que realmente amas, emprende una aventura musical que no te aburrirá ni en 50 años, ¡no creo que tener una etiqueta muy definida sea una virtud!

Cuando publicas un álbum tan bueno como este “Tascam Tapes”, ¿no te marea pensar que tendrás que tener una idea genial que supere esto en un próximo álbum? ¡Oh no, para nada! ¡Hacer y concebir este álbum fue muy fácil! Fue solo esta pequeña idea y la seguimos. Desde que lo grabamos escribí unas 10 canciones nuevas. “Tascam Tapes” me hacen pensar en cuál será la próxima “historia” para el próximo disco de DeWolff. ¿Lo vamos a

grabar en un lugar especial? ¿Lo vamos a grabar en un estudio “normal”? No lo sé.

El lapso de tiempo entre la creación y el lanzamiento de un álbum (¡Tascam Tapes ha terminado después de casi un año!)

Realmente funciona en nuestra ventaja. Porque cuando la gente se pregunta cuándo vamos a lanzar un nuevo álbum, ¡probablemente ya lo hayamos terminado!

En España siempre habéis gustado mucho.

Tenéis una forma muy auténtica de conectarte con el público. ¿Os pasa en otros países? ¡Si! La música que hacemos y cómo la hacemos es súper personal para nosotros, por lo que la presentación también es muy personal. Mucha gente piensa que tenemos una presentación muy divertida que no es típica para las bandas de rock, pero bueno, aparentemente no somos una banda de rock típica, así que para mí tiene sentido.

Aún así, aunque la mayoría de las personas hablan inglés, nuestra lengua materna es el holandés, por supuesto. Entonces, cuando tocamos en Holanda, puedo seguir hablando y bromeando porque puedo decir todo lo que tengo en mente y todos lo entienden. En otros países, tengo que cambiar del holandés al inglés y la audiencia tiene que cambiar del inglés a su propio idioma, por lo que es un poco más difícil.

Por otro lado, el inglés es el idioma del rock and roll, por lo que es más fácil hablar inglés en el escenario que hablar holandés.

No lo sé jaja.

Hoy en día no es suficiente tener un álbum de alto nivel, es como si a las personas les resultara difícil mirar las cosas buenas, incluso cuando las tienen frente a ellas. ¿Crees que internet nos hace más selectivos o más despistados?

Internet ha hecho muchas cosas buenas, pero creo que también arruinó muchas cosas. Le quita mucha magia. Y la magia es importante cuando se trata de música. Cuando era joven (Dios mío, ahora sueno viejo), podía comprar solo un CD cada mes. Solía escuchar cuidadosamente 2 o 3 CD´s en la tienda de música para llevarte uno a casa. La idea era: “He puesto todo mi dinero en este CD, ¡así que será mejor que sea bueno!”. Así que lo escuchabas todo el día y después de la tercera vez comenzabas a apreciarlo cada vez más.

Muchos de estos álbumes me han formado musicalmente e incluso como persona.

Hoy en día ya nadie hace esto, porque toda la música del mundo está disponible para todos en cualquier momento y gratis.

Las personas se saltan una canción si no sucede nada instantáneamente interesante en los primeros 30 segundos. No sé si esa es la manera de aprender a apreciar y comprender completamente la música. Por otro lado, ¡la gente descubre tanta música gracias a Internet! Puedo compartir cosas que descubrí con mis amigos en Internet, la gente escucha música que de otra manera nunca hubieran escuchado, por lo que también es genial. Pero sigo descubriendo música de boca en boca o simplemente viendo la portada de un álbum interesante y comprando el vinilo. Pero esa no es necesariamente la mejor manera para todos; así que como todas las cosas: no sé ;-)

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EDITORS

WiZink Center Madrid 17-02-2020

El post punk teñido de un arcoíris incandescente volvió para calentar Madrid en medio un Febrero lánguido de conciertos. Hace mucho años que Editors estaban llamados a ocupar el olimpo de la música de la mano de algunos de los mejores himnos de los últimos tiempos, “And end has a start’ o “Bones” son un claro ejemplo de ello.

Herederos directos de la estela dejada por Joy Division o Echo & the Bunnymen, a veces parecen que se quedaron varados en algún área de servicio y se rindieron en arriesgar e innovar con más frecuencia. Venían a presentar Black Gold un “Grandes éxitos” y ese fue su repertorio un tanto subjetivo, nos parece. Pero no estábamos ante una noche cualquiera. Quizás el cuarto oscuro de la música les tenía reservado un sitio entre los dioses, cosa que a ellos parece darles igual. Quizás ese atormentado discurso y esa esquizofrenia frenética y caudalosa nos haya dejado recitar sus temas como poemas cantados al ritmo de una noche madrileña huérfana de magia en las últimas semanas. Editors pasearon su música como por casualidad mientras el mundo nos preparaba para una catástrofe inesperada. Unas 5000 almas de incondicionales a la música bailábamos como si el mundo se fuera a acabar mañana. Y vaya si lo hizo. Y vaya si lo ha hecho. Es lo que toca ahora acordarnos de los últimos conciertos que disfrutamos y pensar en los próximos, cuando las circunstancias lo permitan. Estos son un buen grupo que siempre deja el listón alto y hacen lo que les viene en gana. Mejor verlos a ellos solos que en los festivales, donde su propuesta parece que se diluye más. ¡Hasta pronto! Os iremos a ver seguro.

Texto y Fotos: Ricardo Rubio

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LOS REBELDES 22 de Febrero de 2020 ANIVERSARIO 40 AÑOS (JOY ESLAVA – MADRID)

Joy Eslava es la sala mítica de la noche madrileña desde que recuerdo y fue la elegida por Los Rebeldes para celebrar su concierto 40 aniversario y a principios del año pasado presentaron su último trabajo llamado “Rock Ola Blues” dentro su álbum conmemorativo “Corazón de Rock and Roll”. Y llegó el día, el día en que Los Rebeldes hacían homenaje a esos 40 años, comenzaron el concierto con “Chico de la Guitarra”, de éste último disco donde Carlos Segarra cuenta sus experiencias cuando comenzó con 16 años a tocar en salas de Barcelona allá por los años 70. Al escenario se subieron con Carlos algunos miembros fundadores de la banda como Moisés Sorolla que estuvo tocando con ellos la batería hasta el año 1997 y pudimos escucharle tocar en esta ocasión “Immabell”, también Daniel Ne-lo saxofonista que estuvo con ellos desde el año 85 al 97 y que prácticamente estuvo subido al escenario toda la noche para unirse más tarde el ex componente de la Orquesta Mondragón, Jaime Stinus a tocar su guitarra, Y que en los años 90 comenzó a producir temas a Los Rebeldes al igual que hizo unos tiempo después con Loquillo banda de la que formó parte durante unos cuantos años. Y como no, Loquillo también tenía que estar en un día tan especial, Carlos con “Feo, fuerte y formal” comenzó a cantar y el Loco como sus amigos le llaman le siguió hasta enlazar sus voces, pero esa no fue la única que cantó, después vino “Esto no es Hawai” tema que compusieron ambos en el primer álbum de Loquillo “Algo está cambiando” pero éste antes de interpretarla contó la anécdota de cómo se conocieron en Barcelona. En esta gira le acompañan grandes músicos, Miguel Escorcia a la guitarra, Lucky Martínez en la batería, Celso García al bajo eléctrico y contrabajo y Cuti Vericad en los teclados, todos ellos estuvieron espectaculares como cabía esperar.

Los Rebeldes, gran grupo del que tengo demasiados recuerdos y que no dejó ningún gran éxito sin tocar, “Mediterráneo”, “Recuerda” o “Chicas de Rockabilly” fueron otros de los temas que pudimos escuchar. Con un Sold Out total, fue un concierto inolvidable en el que el público lo dio todo desde el primer minuto y que creo que todos los que allí estuvimos tendremos siempre en el recuerdo. Como siempre digo en todas mis crónicas, aún queda mucho por dar y estos conciertos demuestran que el Rock está muy vivo y en este caso el Rockabilly hizo que siga pensando que nada va a acabar nunca con la música. Enhorabuena por este gran concierto, espero que nos veamos pronto de nuevo en los escenarios……

Salud y mucho Rock and Roll!!!

Texto : Mar Monje Abiol(No Solo Música) FOTOS: Ricardo Rubio y Domingo J. Casas

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DANCETERIA Sala Gamma (Murcia) Sábado 07-03-2020

Concierto especial y emotivo. Fue el último al que asistimos antes del confinamiento y ahora al recordarlo para hacer la crónica y editar las fotos nos ha tocado un poco (bastante) la fibra sensible. Estuvo unos días de visita en casa mi querido compañero Roberto Azorín y si a esto añadimos que el manager del grupo es Manuel Notario, pues hacia la Sala Gamma que nos fuimos. Trato exquisito siempre en esta sala, vamos, como estar en casa. Teníamos curiosidad por ver a dos grupos que nos molan por separado: Miss Cafeína y Varry Brava, y que ahora tocan juntos y mezclados. Si hombre como ya hacían Extremoduro con los Platero de Fito Cabrales a principios de los 90s con casi 4 horas de concierto, a veces. Mezclar repertorio y músicos y salir airosos no es fácil. Aquí se consiguió. El buen rollo reinante en los camerinos se trasladó tal cual al escenario. Todo respeto, nada de egos, todo medido, … equipazo de producción.

Hablamos de “Dancetería”, esa coctelera donde todo vale y todo funciona. A veces nos recordaban a New Order y otras veces a Suede, e incluso a los primeros Depeche Mode, pero sobre todo sonaban a ellos mismos con un show espectacular.

Alternaron canciones de Miss Cafeína y de Varry Brava como si fueran el mismo grupo, cantadas indistintamente. Salieron los Varry Brava con “Oh Sana”, tema de Miss Caffeina, luego sus propias canciones como “Sonia y Selena” o “El Sitio perfecto”. Después Miss Caffeina hizo “Chicas”, para devolver el favor y luego “Fiesta Nacional”, “Venimos y Reina”. Y así toda la noche, el trasiego de artistas y subidas y bajadas del escenario duró todo el concierto en perfecta armonía. Dejaron para el final con ambos grupos sobre el escenario, 10 personas, para cantar el tema compuesto para esta gira conjunta, ambas formaciones subían al escenario, cantando y bailando ellos y el público fiel “Nadie sabe tu nombre”. Ya habían hecho una versión antes todos juntos (“Será porque te amo”), pero el interés era por ver esta nueva. Hacía mucho que no veía un público tan entregado y en perfecta armonía con lo que estaba sucediendo sobre el escenario. Por haber hubo hasta un “after show” en la propia sala. Bebimos, comimos y brindamos sin saber que el maldito coronavirus ya planeaba sobre nosotros.

Me presentaron a ambos grupos y lo que allí sucedió a partir de ahí, …, pues eso que se queda grabado a fuego y con lágrimas en nuestra retina al recordarlo.

Espero ver a todos muy pronto. Un saludo Texto y Fotos: Domingo J. Casas

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A veces perdemos la cara, nuestra imagen deja de ser. A veces nos conocemos por ese gesto, ese sonido, esa interferencia que te hace cerrar los ojos y volver a sentir donde las melodías te lleven. Me pasó con Peter Gabriel hace algunos años. Y repetí con Jethro Tull en el Palacio de Congresos de Madrid. Aunque su chaleco y perilla le delaten, Ian Anderson no es el mismo. Eso si, sus posturas tocando la travesera y sus sonidos de un rockero del medievo te hacen catapultarte a ese más allá en el que fuimos felices tantas noches de sol. Su visita esta vez está dentro del tour The Prog Years Tour y por esa misma razón el repertorio fueron todos sus hits clásicos y míticos de los 70s. No faltaron por supuesto Aqualung, Thick As a Brick, Locomotive Breath, Bourée o Living in the Past, apoteósico.

Ian Anderson sigue dentro de ese cuerpo. Doy fe.

Sus interpretaciones hizo levantarse al más pintado en un palacio de congresos, donde la corrección de los asientos no invita al baile. Pero ¿quién le puede prohibir algo a esta banda? Siempre innovando y aunque en este siglo XXI sus últimas aventuras o propuestas musicales no han calado muy hondo , pero siguen siendo válidas y atemporales todo lo anterior,que han envejecido muy bien como los buenos vinos.

Las noches de rock alternativo o clásico o sinfonico(ahora prog) nos inundaron en el pasado reciente. Ojalá vuelvan pronto porque la melena sigue creciendo, pero necesitamos agitarla ya que si no moriremos de ausencia cual león en la sabana. Esperamos sinceramente que podamos a volver a disfrutar de los conciertos muy pronto.

Texto y Fotos: Ricardo Rubio

JETHRO TULL 28-02-2020 Palacio Municipal de Congresos (IFEMA/Madrid)

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SERRAT + SABINA

20 y 21 Enero de 2020 11 y 12 Febrero de 2020 WiZink Center Madrid (Madrid) Ver juntos a Joan Manuel y a Joaquín, juntos y revueltos, siempre es un placer. Esa perfecta simbiosis haciendo el repertorio ajeno propio y el propio ajeno y/o a dúo es muy difícil y estos pedazos de artistas lo han vuelto a hacer y en cuatro fechas en Madrid y con nota. El cancionero que manejan por separado es ya todo un lujo de auténticos himnos atemporales, si además se juntan ambos el cóctel es de mucho octanaje. Musicalmente es perfecto un auténtico espectáculo de luces, proyecciones y sonido a la altura de cualquier grande foráneo, sin peros ni fisuras. Por otro lado, pongamos que hablo o escribo de Joaquín Sabina en o con su Madrid. Ahora lo que le ocurre a Joaquín Sabina con Madrid es de hacérselo mirar, mira que tiene mala suerte con algunas actuaciones en solitario o acompañado en la capital. En su cuarta fecha de actuación, en esta última gira, incluso llegó a caerse del escenario.

Amigo Sabina tenga usted mucho más cuidado si cabe, no queremos perderle antes de tiempo. De sus dos anteriores desgracias no voy ni a entrar.

Conozco muy bien cómo funcionan los conciertos y el negocio de la música.

Toca cuidarse y tomarse las cosas con calma; bueno, con mucha más calma, obligatoriamente por el confinamiento.

Volviendo a hablar del concierto en sí, con casi idéntico set list en las 4 fechas, es para disfrutar, bailar, cantar y tomarse unas copas mientras que

dos traviesos pajarracos o sus avatares reconvertidos en cuervos se lo pasan igual de bien sobre el escenario como el resto de los mortales debajo de él. Escuchar “Esta noche contigo”, ”Aves de paso”, ”Yerba”, ”Princesa”, ”Mediterráneo”, “Señora” o una grandísima “Yo me bajo en Atocha” y terminar con “Fiesta”. El último día , el del “Hostión” como lo define el propio Sabina, el público le cantó “Cumpleaños feliz” mientras Serrat

se lo llevaba en silla de ruedas.

Desde aquí mandar un fuerte abrazo a la familia de Luis Eduardo Aute, que se nos fue hace muy poco (DEP) y para todos los demás mortales confinados, para que pronto salgamos de esta.

Texto: Domingo J. Casas Fotos: Alberto Simón/Domingo J. Casas

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PERRO GRIS “Alas blancas” es el nuevo disco de Perro Gris, tras este nombre se encuentro Rafa de la Rubia un gran atleta, que cuando el atletismo le deja tiempo se dedica a la música y a publicar discos. Este es el quinto disco de Perro Gris y en el que se ha puesto todo el alma.

E

n la canción de Alas Blancas colabora Javier Losada un innovador dentro de la música, colaboró entre otros con Tino Casal, fue el que tocó los teclados en “Embrujada” ¿Cómo le conociste, has trabajado en más ocasiones con él?

Le conocí a través de Salva Ruano que es el productor de todos los discos de Perro Gris, la amistad que existe entre ambos fue la que inició este camino.

Atleta, músico y has atravesado el atlántico en velero. Tu resides en Aranjuez. ¿De dónde te surge la pasión por la navegación?

Yo creo que de donde sale todas las pasiones, de desear lo que no se tiene.

Seguramente hay más fans del mar en tierra adentro que en la propia costa. (risas) El mar está muy presente en este disco. ¿Has compuesto alguna canción en ese viaje?

En este caso todas, fue durante unas semanas de impasse en Saint Martin mientras llegaba el momento de cruzar el atlántico de vuelta.

Campeón de España en más de 30 ocasiones, subcampeón del mundo y ocho récords de España… ¿que fue primero la

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música, el atletismo, la vela?

Pues la afición por el atletismo y la música vienen desde la infancia posiblemente de forma simultánea, la vela en cambio llegó mas tarde seguro que por las pocas posibilidades que ofrecía en ese momento.

El mundo de la música es un camino difícil, ¿Cómo es el camino del atletismo?

Bueno, el atletismo es un deporte fácil de practicar por la simpleza de los medios que necesitas. Sí hablamos del atletismo de competición ya entramos en la dificultad que conlleva la intensidad por mantener el nivel, la de ser un deporte individual y la de no estar pagado.

En fin, un escenario muy parecido al del músico. (risas) Eres el presidente de Club de Atletismo de Aranjuez ¿Cómo es de importante el atletismo o la música en los chavales?

Pues verás, tenemos un club que ya ha celebrado su 40 aniversario con una escuela que viene desde entonces. En todos estos años ves pasar niños con diferentes enfoques, la mayoría de ellos consideran el atletismo como una actividad más a su edad y unos pocos son los que se quedan hasta una edad universitaria.

En la música prácticamente todos son consumidores pero muy pocos los que la

ven como una profesión. Evidentemente ambas circunstancias por las pocas perspectivas de futuro.

Ya el disco tiene un año. ¿Ahora que ha pasado un tiempecito de su lanzamiento, como lo ves tú?

Bueno, hasta ahora está siendo el disco con mas recorrido, por lo que estamos encantados. De hecho estamos pensando retrasar la salida del próximo disco que ya lo tenemos grabado hasta que se diluya un poco mas la cola de este.

Estas presentando el disco por todo el país. ¿Cuándo uno llega a Bilbao al Cotton Club y lo ves lleno que se siente?

Uff, es un pequeño subidón, ir viendo aunque sea en salas pequeñas que la sala está llena de caras que no conoces piensas que algo bien estás haciendo.

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Quién es? RICARDO RUBIO

¿Quién eres, cómo te llamas y a qué te dedicas?

Soy un apasionado de la vida que sigue buscando una mirada distinta de las cosas de manera permanente.

Mi nombre es Ricardo Rubio y soy fotógrafo. Siempre me he sentido un Freelance. Ahora colaboro para Europa Press, entre otras revistas y editoriales. ¿Cómo empezaste?.

Hace muchos años en fotografía de viajes. Mi primera cámara una Chinon que me regaló mi novia de entonces y se dejó el sueldo de varios meses. A ella le debo el comienzo de esta pasión por esta bendita profesión. Una vez te pica ya no la puedes dejar. ¿En cuántos libros hay fotos tuyas?

En unos cuantos. Que recuerde ahora mismo en “La Mala Fama” de German Pose, en Cuadernos Efe Eme “Tequila: La Revolución del Rock Español” de varios autores y algunos que van a salir muy pronto, si la dramática situación que vivimos mejora. ¿En cuántos discos hay fotos tuyas?

En muchos menos de los que quisiera. Pero algunos hay como el de Jose Andrea y Los Uruboros (Bienvenidos al Medievo), David Muñiz(13-69), Los Pantoja, Bajo Presión (La Máquina de Sueños), Sediburn (Evil or Divine), Playa Cuberris (Algo Especial)…. Y en el nuevo disco en directo grabado en la Joy Eslava de Los Rebeldes 40 Aniversario, que saldrá cuando las circunstancias lo permitan. Fué el último concierto que hice y lo recuerdo con mucho cariño. ¿Te gustaría saber tocar algún instrumento musical?

Toco la guitarra. Siempre me gustó. Me habría encantado tocar el piano y no descarto todavía ponerme a ello. Aunque mi cámara de fotos cuando la disparas en ráfaga es ya una partitura en si misma. ¿Qué fue para ti la movida madrileña?

La movida me pilló en Usera. En mi movida sonaba Leño, Barón Rojo, Led Zepellin y Deep Purple. La Polla Records, Kortatu o los Sex Pistols entre otros. Eso sonaba en el sitio de mi recreo. La movida fueron también huelgas, Marcha a Torrejón, Otan NO e Insumisión al servicio militar. Y por las noches botellines en la bodega del barrio con mis amigos de toda la vida y cantautores de guitarra española a la luz de la farolas. Como veis nada de lo que cuentan los grandes libros.

Hubo muchas movidas en Madrid y no solo la que nos cuenta la oficialidad. Y todas son igual de respetables.

En qué andas metido últimamente y explícanos lo de #teprestomisojos . #teprestomisojos es una iniciativa que surge cuando el presidente del gobierno anuncia el estado de alarma y pienso que es un momento histórico en la vida de todos. Hay que documentarlo todo de la mejor manera posible. Las fotografías hablan por si solas y las palabras retroalimentan a las imágenes. La revista local PozueloIN (https:// pozueloin.es/noticias/generales/teprestomisojos/) recoge el testigo y decide publicar este diario del estado de alarma en su revista.

¿Qué tipo de música te gusta?

Rock Rock always Rock. Escucho de todo pero me tiran las guitarras vengan de donde vengan, mejor eléctricas y con distorsión. Asisto a muchos conciertos por lo tanto veo y escucho música de todos los estilos. Valoro la creación venga del rock o de cualquier otro estilo. Escuchar a Camarón o a Richie Blackmore ha producido en mi sensaciones parecidas siendo estilos tan diferentes. La música es una manera de evadirte de todo. En estos tiempos es una pieza fundamental en mi vida.

A quién te gustaría retratar?

Bob Dylan. Clint Eastwood. Assange, Drake, Ricky Rubio como no (risas)… no sé, muchos. El retrato es algo especial. Necesitas una sintonía entre el personaje y tu, algo se trasmite en ese instante. Y esa comunión es única, queda para siempre impresa en una sola imagen.

Es otra de las emociones de esta profesión. ¿ Te queda alguno que no lo haya hecho?

Me quedan muchos. Cada dia surgen nuevos. Nunca hay que dejar de retratar. Ni de pensar en a quién vas a retratar ni a qué concierto vas a ir a hacer fotos y que artistas vendrán de gira. Ahora mismo no hay conciertos, pero los habrá y allí estaremos otra vez dándolo todo. ¿Cómo ves internet para difundir tu obra gráfica?

Pues no veo otra manera ahora mismo de difundir tu obra que no sea con tu propia web y darte a conocer por medio de las redes sociales. Es un trabajo al que hay que dedicarle un poco de tiempo cada día. ¿Qué músicos o grupos o simplemente personas admiras?

Admiro a mi familia como primer pensamiento de personas admirables. Mi madre, mi padre que ya no está. Como músicos aquellos que me hacen vibrar con las tres primeras notas de una canción ( Damien Rice, Paolo Nuttini ,unos cuantos.. ). Escritores que con una frase me hagan soñar. Científicos que dan su vida por cuidar de todos. Admiro a las personas que deciden emprender un camino diferente y son un espejo donde mirarme. Admiro a mis compañeros de profesión porque de todos y cada uno aprendo a colocar la cámara en la siguiente fotografía. Admiro también a la gente que dice que me quiere porque soy una persona difícil y complicada cuando me conocen. ¿Sigo? (risas)… . ¿Cómo te ves dentro de 25 años?

No me veo. Y si consigo verme que sea porque estoy en el reflejo de alguna fotografía. ¿Algo que añadir?

Vivimos tiempos convulsos. Vivimos tiempos duros para los que tanto amamos la música en directo. Desde aquí aprovechar para mandar mucho ánimos para mis compañeros de fosos: ¡os echo de menos!

Se que no vamos a vernos pronto, pero cuidaros ahí fuera hagáis lo que hagáis. ¡Nos vemos en el foso! ¡Ánimo!

Foto : David Mudarra Texto: Domingo J. Casas

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.“MOMIAS”

VARIOS AUTORES DIÁBOLO EDICIONES Cuarto tomo ya de la Biblioteca de Cómics de Terror de los años 50 recuperada y editada gracias a Diábolo Ediciones. En este caso dedicado a otro de esos monstruos verdaderamente clásicos que le vienen a la mente a cualquier aficionado al género de terror. Porque, seamos sinceros, ¿quién no recuerda al papel al que dio vida el legendario Boris Karloff en los mejores años de la productora de cine Universal? Una vez más precedido de un exuberante prólogo a cargo de Steve Banes y una introducción de Steve Thompson, se incluye muchísima información junto a una cuidada y espectacular selección de portadas de cómics de la época.

En cuanto a la selección de relatos, esta antología incluye historias cortas de Bob Powell, Howard Nostrand, Don Perlin y muchos otros míticos autores de la época, quienes se dedicaron a inventar y dibujar dibujaron miles de vendas para retratar las originales historias de momias contenidas en este volumen.

Una vez más destacamos la labor editorial en cuanto al cuidado con que se edita aquí este material norteamericano: la tapa dura con parte de la ilustración satinada, el agradecido gramaje de los libros de Diábolo. En resumen: toda una joya en contenido y forma.

“JAZZ MAYNARD”

RAULE & ROGER DIÁBOLO EDICIONES Esta es una de esas series por las que merece la pena esperar meses y años.

Aunque leído esta séptima entrega, de título “Live in Barcelona”, teóricamente la última, la sensación es agridulce porque cualquier aficionado a las correctas y siempre bien hiladas historias de Raule junto al impresionante arte del dibujante Roger Ibáñez, siempre quedará con ganas de más. En este libro, el relato nos trae de vuelta al personaje de Jazz Maynard y su amigo Teo de vuelta en El Raval, donde retoman el contacto con sus círculos de amigos y familia. Al fin parece que todo será normal y que incluso Jazz, retirado de la vida delictiva, será capaz incluso de editar un disco como trompetista. Lamentablemente que cambien los personajes no evita que el escenario, El Raval, fiel a esa realidad punzante que hemos leído en cada capítulo de esta saga, acabe salpicando el argumento hacia un giro tan inesperado como sorprendente: el asesinato del tío Raimundo, reúne a Jazz y a Teo con otro personaje como Judas, llevándoles a todos en una espiral de acontecimientos a lo Tarantino donde no cabe la vuelta atrás. Si realmente este es el final, disfrútalo porque ritmo, relato y dibujo mantienen la calidad de toda una serie imprescindible.

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“BALAS PERDIDAS. ASESINOS”

DAVID LAPHAM. EDICIONES LA CÚPULA “Balas perdidas” es el muy personal proyecto de David y su mujer, Maria Lapham, quien puso en marcha la editorial indie “El Capitan Books” que en 1995 editó el primer número de la serie. Apenas un año después David obtuvo un Eisner gracias a su trabajo. Y así siguió hasta 2005, año en que, después de haber escrito verdaderamente algunas de las mejores páginas de género negro del mundo del cómic, creyeron oportuno cerrar la serie. Por suerte para el mundo y, como ellos mismos recuerdan comparándose con una banda de Rock, su reunión debía ser por algo bueno. Y vaya si lo es. Porque la sucesión de personajes e historias cruzadas de “Asesinos” igualan e incluso superan en todo lo imaginable a cualquiera de las entregas anteriores. Lapham se confiesa en los extras que incluye como glorioso epílogo esta edición: desde que dejó “Balas perdidas” hasta su vuelta, como todo buen autor aprendió mucho más sobre los trucos del guión, aparte de haber seguido progresando como dibujante. El resultado es completamente redondo.

Maestro. Deja sin aliento.

“CREDO” PETER BAGGE. EDICIONES LA CÚPULA Quizás la mayor sorpresa de este libro es comprobar cómo el talento narrativo de un autor alternativo y gamberro como Peter Bagge, inevitablemente ligado a esas grandes obras que son “Odio” y “Mundo idiota”, es capaz de crear esta recomendable obra. Y es que Bagge recopiló con absoluta seriedad la biografía de una fascinante pionera del siglo XX como la escritora, feminista, corresponsal de guerra y libertaria Rose Wilder Lane. El resultado es una obra fascinante basada en un personaje real tan memorable como la brillante Lane, fundadora del movimiento libertario estadounidense, una de las escritoras mejor pagadas de su tiempo, y con toda probabilidad coautora junto a su madre, Laura Ingalls Wilder, del clásico “La casa de la pradera”. Una vez más, el mundo de las viñetas demuestra su valía y posibilidades narrativas a la hora de enseñar y reivindicar, sin por ello dejar de entretener.

“EL HIJO DEL DIABLO”

HIDESHI HINO. EDICIONES LA CÚPULA Ediciones La Cúpula vuelve a deleitarnos con otro título recuperado de la extensa obra de un autor japonés venerado por su visión única a la hora de escribir historias de terror. Y si paladear sus relatos e historias cortas resulta especialmente estremecedor, no lo es menos esta extensa obra, “El hijo del diablo”, donde Hino nos conduce por tortuosas páginas a través de la historia de Daio. Hijo del eminente cirujano Rasetsu Emma, la familia vive en una aislada mansión conocida como Castillo Inferno, a la que acaba llegando la tragedia por un fatídico accidente que cambiará la vida de la familia pero sobre todo la naturaleza de Daio, con el que su propio padre tendrá que experimentar sus conocimientos obteniendo un resultado que nos lleva a uno de los personajes más monstruosos creados por Hino en un viaje incierto y angustioso magníficamente narrado con su habitual moraleja en que te hace dudar sobre quiénes son los monstruos en realidad.

“300 MILLONES” ÁNGEL MOSQUITO/FEDERICO REGGIANI EDICIONES LA CÚPULA Una de las mayores sorpresas de los últimos meses llega, una vez más, de la mano de dos autores argentinos tan versátiles como creativos. Federico Reggiani llegó a firmar una novela de ciencia ficción con el ocurrente seudónimo de Ian Giger, mientras que Ángel Mosquito, criado profesionalmente en el movimiento de cómic independiente de los años 90, ya había firmado junto a Reggiani títulos como “Los visitantes del agujero del comedor”. De ambos nos llega un trepidante relato que te atrapa desde la primera página en una experiencia que se inicia como psicotrópica, para convertirse en un relato de los mejor hilados que leí jamás sobre viajes en el tiempo, de esos en los que, incluso buscándole olvidos en una segunda lectura, se mantiene íntegro y apasionante. Y es que imagina viajar lejos del glamour de sabor yanqui para salir en la época de la dictadura en Argentina y aún así ser capaz de sacar partido y una historia increíble.

“LOS FABULOSOS FREAK BROTHERS. INTEGRAL TOMO 2”

GILBER SHELTON. EDICIONES LA CÚPULA Ha tardado en llegar, pero al fin podemos disfrutar del segundo volumen de las más bien desventuras del irrepetible trío formado por Fat Freddy, Freewheelin’ Franklin y Phineas Freakers, los fabulosos Freak Brothers. Creado por el incombustible Gilbert Shelton, creador también del personaje de “Superserdo”, con el que entró a formar parte de la siempre recordada revista de Robert Crumb “Zap Comix”, leer las historias protagonizadas por tan estrafalarios personajes es un viaje al vigente mundo del cómic underground más auténtico. Los guiones de Shelton son, a cada página, un más difícil todavía donde la epopeya alucinógena en clave de humor es, a su vez, un canto a la libertad de una década como fueron los 60 donde incluso en el mundo real casi toda locura imaginable podía hacerse realidad. Así que bienvenido a un viaje histórico donde, eso sí, las carcajadas están especialmente aseguradas.

EL RINCÓN DE LOS GRANDES INTEGRALES Y TOMOS DE LUJO LH MAGAZIN | CÓMICS

“THORGAL INTEGRAL 1”

J. VAN HAMME/G. ROSINSKI. NORMA EDITORIAL Resulta difícil pensar que alguien que sea aficionado al comic francobelga no conozca el nombre de Thorgal, uno de esos personajes que llevan poblando estanterías en tiendas de tebeos y recuerdos entre los aficionados más de 40 años. Para ellos y para las nuevas generaciones, desconocedores de las aventuras de uno de los más populares vikingos de papel, este volumen integral editado por Norma es la entrada ideal a un universo único que lleva deleitándonos con sus aventuras desde hace más de 29 álbumes. También para quienes conocen al personaje desde que se editó su primera aventura, a finales de la década de los 70, este integral, como la mayoría de los editados por Norma, es una forma única de recuperar y releer en un solo libro una forma diferente de saborear aventuras. Este primer tomo integral incluye en cuidada edición los cuatro primeros álbumes de la colección: “La maga traicionada”, “La isla de los mares helados”, “Los tres ancianos del país de Arán” y “La galera negra”. Realizados y publicados originalmente entre 1977 y 1981.

“ABE SAPIEN. INTEGRAL VOLUMEN 1” VARIOS AUTORES. NORMA EDITORIAL Universo infinito, el mundo creado en torno a Hellboy, personaje creado por Mike Mignola, ha dado pie a que secundarios como este Abe Sapien (el primero que tuvo un spin-off a partir de la serie original en que siempre estuvo) lograsen idéntico éxito gracias a la sabia elección de sus historias y equipos creativos. De ahí que Abe Sapien cuente ya con su primer Integral en formato de verdadero lujo, con tapas duras sobrecubiertas de tela en un formato manejable y espectacular a la vez. Disfruta pues como nunca de la historia de Abe Sapien y su transformación durante los hechos de “El infierno en la Tierra” narrada por su creador original, Mike Mignola, junto a Scott Allie, con ayuda de John Arcudi, y con espectacular arte de los hermanos Fiumara. Este tomo incluye las oscuras e inquietantes historias “Oscuro y terrible”, “La nueva raza del hombre”, “Lugares sagrados” y “La forma de lo que ha de llegar”. Una oportunidad única de asistir a la madurez y plenitud de una creación tan genial como su autor.

“EL INTEGRAL DE LO NUEVO DE TANK GIRL” ALAN MARTIN/JAMIE HEWLETT Y OTROS NORMA EDITORIAL Después de haber podido disfrutar igualmente gracias a Norma de la etapa clásica de un personaje tan destroyer como Tank Girl de la mano de sus creadores, Alan Martin y Jamie Hewlett en “El integral de Tank Girl”, ahora tienes la suerte de poder hacerte con otro tomo integral repleto de locura, tanques y situaciones caóticas. Fenómeno de los 90, Tank Girl renovó cómic y cultura pop gracias a la irreverencia de sus creadores originales con personajes igual de míticos que la brutal heroína como Jet Girl, Sub Girl, Booga y Camp Koala. De hecho, sólo por la versión del clásico “La Odisea” llevado al universo de Tank Girl por el genial guionista Peter Milligan, junto a Jamie Hewlett y Nathan Eyring ya merecería la pena este libro. Pero además se incluyen “Apocalipsis”, firmado por el mismísimo Alan Grant junto a Andy Pritchett, Philip Bond, Phil Gascoine y Steve Whitake; además de “El regalo” de Alan Martin, Ashley Wood y Rufus Dayglo. Más de 300 páginas de risas y exageración en viñetas cargadas además de extras.

“SKY DOLL” BARBUCCI / CANEPA. NORMA EDITORIAL Con guión de ambos autores, dibujo del virtuoso Alessandro Barbucci y color de Barbara Canepa, “Sky Doll” revolucionó y dejó una marca indeleble en la forma de hacer cómics en Europa. Habiendo trabajado ambos autores para Disney en Italia, juntos dieron rienda suelta a una obra única de estilo gráfico propio que reunió lo mejor de todo lo existente con las corrientes y tendencias internacionales del momento. Tal fue el éxito de las aventuras de Noa, una muñeca sintética que se rebela a su presunto destino, que sucesivas reimpresiones han llevado a reeditar en excelente versión Integral una serie que sigue siendo de culto, justo cuando el tándem creativo se encuentra en plena creación del que será el futuro tomo 5. Impecable, con una sobrecubierta que es una ilustración inédita de gran tamaño, esta excepcional edición reagrupa los cuatro álbumes de la icónica serie. Una oportunidad única de leer al completo una obra de ciencia ficción comparable a “El Incal” con infinidad de otros elementos de la cultura Pop.

“EL BUSCÓN EN LAS INDIAS”

ALAIN AYROLES/JUANJO GUARNIDO NORMA EDITORIAL Juanjo Guarnido y Alain Ayroles se embarcan en la empresa más ambiciosa del cómic de los últimos años, ‘El Buscón en las Indias’, la segunda parte de las aventuras del célebre sinvergüenza que Quevedo proyectó, pero nunca llegó a escribir. Con un despliegue de recursos fuera de lo común en el mundo de la viñeta, Juanjo Guarnido (Premio Na­cional de Cómic por “Blacksad”) y Alain Ayroles (“De capa y colmillos”) se atreven a culminar, cuatro siglos después, aquella segunda parte de El Buscón que Francisco de Quevedo proyectó, pero nunca llegó a escribir, a través del personaje don Pablos, natural de Segovia. Sin traicionar la fidelidad al modelo original, y sobre la base de una escrupulosa documentación histórica, Ayroles firma un texto que rebosa talento, libertad e imaginación, tanto en la sabrosa recreación del habla del Siglo de Oro como en el desarrollo de la peripecia de Pablos. Un guión intrincado, lleno de un maravilloso juego de confesiones, embustes, fantasías, simulaciones y giros insospechados para que el lector no pestañee entre página y página.

Y cómo no descubrirse ante un dibujo que nos lleva de la mano por todos los paraísos e infiernos imaginables del Nuevo y del Viejo Mun­do: desde la Corte de Madrid a los palenques de los esclavos libertos, de las naves que cruzaban el océano a las nevadas cumbres andinas, Guarnido dobla la apuesta y vuelve a demostrar por qué es quizá el dibujante español con mayor proyección internacional. Su capacidad para dibujar escenarios con todo detalle solo tiene parangón con su arte para poblarlos de personajes memorables, los genuinos hijos de aquel tiempo de miseria, temeridad y sueños de grandeza. Una verdadera obra de arte mayúscula realizada para disfrutar con los cinco sentidos.

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CULTURA POPULAR PARA TODOS LOS GUSTOS Y EDADES “DESTINO CAMELOT” FRANCISCO JAVIER MILLÁN. DIÁBOLO EDICIONES El autor de dos libros tan entretenidos y didácticos también editados por Diábolo como son “Generación Goonies” y “Galaxia Lucas. Más allá de la fuerza”, nos devuelve una vez más a infinidad de buenos recuerdos con “Destino Camelot. Reinos fantásticos del cine y la televisión”. Dividido en diferentes temáticas siempre dentro del cine fantástico, recupera, analiza y nos cuenta infinidad de curiosidades sobre clásicos conocidos como “La historia interminable”, “Cristal Oscuro” o “Excalibur” junto a otras que a todos nos marcaron en nuestra juventud menos recordadas como “Krull”, “Los señores del acero”, “Legend”, “Ator el poderoso” o series y videojuegos como “Dragon’s lair” que nos marcaron a toda una generación que tuvimos la suerte de vivir la época dorada del fantástico, aún vigente.

“INFORME MADELMAN” JON DIES DE ULZURRUN. DIÁBOLO EDICIONES Los Madelmanes fueron durante su intensa vida un referente en el mundo de los muñecos articulados, y el sueño de miles de niños que jugábamos con ellos. Este libro recopila la información referente a los Madelman fabricados entre 1968 y 1976, el comienzo de su historia. Ideal para coleccionistas, se pueden contemplar los modelos comercializados, sus variaciones, su evolución, conocer detalles del diseño, documentos de todo tipo y la publicidad de la época. Sin duda uno de los juguetes que más nostalgia despierta en varias generaciones, para quienes los conocieron, este libro es un viaje nostálgico y dulce al pasado, mientras que quienes recién conozcan este universo, se sorprenderán por su riqueza de detalles y su calidad.

“LA GUERRA DE LAS GALAXIAS MADE IN SPAIN. VOLUMEN III (1997-1998)” JOSE GRACIA. DIÁBOLO EDICIONES El señor con barba y camisa a cuadros que se fue haciendo cada vez más famoso con sus películas del espacio, decidió un día, que quería que su trilogía fuera como él la había pensado, y así, la retocó completamente. Consiguió que el nuevo estreno en los cines de sus tres películas fuera todo un acontecimiento. Y que sus incondicionales fans volvieran a caer rendidos a sus pies, además de encandilar a las nuevas generaciones. Este tercer volumen de “La Guerra de las Galaxias made in Spain”, cuenta como con este relanzamiento de su ópera espacial, logró que todos saliéramos a la calle a dejar supermercados, jugueterías y tiendas de cómics vacías de merchandising.

“DESENFUNDA FORASTERO” ALFONSO BUENO LÓPEZ. DIÁBOLO EDICIONES El wéstern, uno de los más populares y longevos géneros cinematográficos, es el protagonista de “¡Desenfunda, forastero!”

Alfonso Bueno López, quien ya diseccionara el cine musical en “Más allá del arcoíris”, se interna en el celuloide más inhóspito, rescatando una galería de obras insólitas del Wild West, protagonizadas por cowboys, pistoleras, tahúres, guerreros, buscadores de oro, samuráis y hasta astronautas. En este libro se repasa más de un siglo de películas de vaqueros, analizando cincuenta de los mejores y menos conocidos largometrajes del Oeste. Un recorrido apasionante, lleno de anécdotas y curiosidades, por los más extraordinarios wésterns, realizados por los mejores narradores de las leyendas de la frontera, de John Ford a Quentin Tarantino.

“EN BUSCA DE TOTORO” SEBASTIÁN HIRR. DIÁBOLO EDICIONES Muy de vez en cuando se cruza en nuestras vidas una película que no es parecida a ninguna otra. Una película que no solamente pone ante nosotros un mundo que no conocíamos sino que tiene, además, la capacidad de influenciar la forma en que vemos al mundo una vez que atravesamos la experiencia de mirarla. Su visionado no nos aleja de la realidad: la reconfigura. Porque el efecto que consigue “Mi vecino Totoro” sobre nosotros es el mismo que tiene el propio Totoro sobre los personajes de Mei y Satsuki: nuestra realidad queda desplazada durante el tiempo que esos factores acaparen nuestra atención. Obra cumbre del genio Miyazaki cuyo personaje es tan vital en su filmografía que éste pasaría a ser el reconocible emblema de la productora Ghibli.

“SUMMER MUSE 2” GUILLEM MARCH. DIÁBOLO EDICIONES Guillem March es sobradamente conocido en especial por su trabajo para la gigante DC Comics, en series como “Batman”, “Catwoman” o “Harley Quinn”, así como por diversos álbumes para el mercado francés. Dibujante versátil como pocos, bien es cierto que en todas sus aportaciones destaca en especial su forma de dibujar mujeres. Algo que vuelve a desatar a lo grande en esta segunda entrega de “Summer Muse”, donde el autor recopila sugerentes cómics e infinidad de retratos e ilustraciones dibujados in situ en la costa mallorquina, con modelos que han posado especial y directamente para este innovador proyecto. Lo mejor es que el autor ofrece todo tipo de detalles sobre su forma de trabajar, incluyendo fotografías y bocetos a modo de making of.

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“LA ESPADA DE SAN EUFRASIO” PEPE REY / MIGUEL FERNÁNDEZ / MANOLO LÓPEZ POY. DIÁBOLO EDICIONES Tercer tomo ya de una aventura que se va convirtiendo en enorme saga. Mientras en el Reino de Castilla en 1495 se suceden las intrigas por la sucesión de Enrique IV, en Galicia la guerra entre los señores feudales se torna más cruel. El Obispo de Lugo, el Arzobispo de Santiago y los condes de Lemos y Benavente pelean encarnizadamente por el control del territorio. Mientras, Rosendo y su familia, campesinos obligados a convertirse en bandoleros, luchan por sobrevivir, atrapados en una guerra total en la que irrumpen con fuerza el mercenario Don Nuño y su escolta, el moro Mahmid.

“EL GATO DEL RABINO 7. LA TORRE DE BAB-EL-OUED” JOANN SFAR. NORMA EDITORIAL Serie iniciada en 2002 por este gran autor francés, abanderado desde hace décadas de una forma nueva y única de entender el cómic o Bande Dessinée, “El gato del rabino” ha sido en todas sus entregas una excusa más para el diálogo y reflexiones de Sfar sobre las religiones: desde sus orígenes judíos a la influencia de todas las demás creencias. Disfrazado su pensamiento a través de la relación entre un rabino titular y su inteligente gato, Sfar ha sido capaz de crear en las últimas casi dos décadas una galería de personajes entrañables, como en la mayoría de sus obras. Obra ganadora de tres premios en el Salón de Angoulême de 2003 y muchos otros galardones.

“THE OCTOBER FACTION” STEVE NILES / DAMIEN WORM. NORMA EDITORIAL Ha llovido mucho desde “30 días de noche”, pero el legado y originalidad del guionista Steve Niles se mantienen impecables en esta nueva llamada al terror con nueva serie original, que además promete ser un nuevo éxito de uno de los nuevos canales de series por excelencia. Acompañado de un tenebroso dibujante bien efectivo para este género como Damien Worm, Niles nos cuenta aquí la historia del matrimonio formado por Fred y Deloris Allen, dedicados a la caza de toda clase de monstruos hasta que Fred cambia las estacas para impartir clases de criptozoología en la universidad y criar a sus hijos Geoff y Vivian en casa. Acostumbrado ya a una vida tranquila, pacífica y aburrida, su pasado le reclama cuando su antiguo socio Lucas le visita para hacerle una revelación y proponerle volver a la caza mayor de monstruos diversos, afición familiar en la que sus hijos adolescentes también querrían participar. A partir de ahí, todo es posible.

“PONE. EL ARTE DE POSUKA DEMIZU” POSUKA DEMIZU. NORMA EDITORIAL Conocida sobre todo por su desbordante y original hacer gráfico en “The Promised Neverland”, uno de los shônen del momento, la ilustradora Posuka Demizu tiene una larga carrera a sus espaldas, motivo suficiente para que sus seguidores disfruten de todo lo que Posuka ha sido capaz de crear para todo tipo de medios, desde videojuegos a colaboraciones especiales. Impresionante recorrido y despliegue repleto de color e imaginación de esta artista original de Tokyo de 31 años. Una joya visual editada en un formato especial pero con una calidad única, acorde a la visión especial que Posuka es capaz de impregnar en cada una de sus creaciones y personajes.

“FAVOLE” VICTORA FRANCÉS. NORMA EDITORIAL Merecida reedición del ya clásico que, en 2004, catapultó a la ilustradora valenciana Victoria Francés al firmamento de artistas internacionales. Con apenas 20 años entonces, y sin apenas experiencia previa, esta autora se atrevió a enviar a Norma un correo electrónico con muestras de lo que dejó después a medio mundo con la boca abierta, dada la madurez y perfección de su trazo. Así nació “Favole”, concebido originalmente como un álbum de ilustraciones, disfruta de nuevo del relato ilustrado que propició el lanzamiento de dos secuelas sucesivas, conformando una hermosa trilogía que ahora Norma vuelve a presentar en una nueva edición integral enriquecida con multitud de bocetos añadidos. Sin duda todavía hoy una de las historias de amor vampíricas más evocadoras y bien realizadas.

.“THE SHAO-

LIN COWBOY 1. ABRIENDO CAMINO”/ “THE SHAOLIN COWBOY 2. BUFÉ DE EXTRAS”

GEOF DARROW NORMA EDITORIAL Con el primero de estos dos libros el portentoso, detallista y brillante Geof Darrow (autor también de “Big Guy y Rusty el chico robot” y la legendaria obra “Hardboiled”) obtuvo el Premio Eisner al mejor autor completo. Por eso siempre es de agradecer que editoriales como Norma no olviden a autores completos como Darrow y recuperen en ediciones tan vistosas como ésta las aventuras del vaquero shaolin más salvaje a cualquier lado de la realidad. Siempre espectacular hasta el punto de que puedes quedarte mirando cualquier viñeta de Darrow horas sin acabar de abarcar todos los detalles, ambas libros son un derroche de imaginación, humor negro y acción desatada en estado puro donde el impasible Shaolin cowboy pasa de enfrentarse a cientos de enemigo de carne y hueso en varias viñetas impagables a afrontar el reto de hacerlo contras poderes capaces de desatar en ambos tomos el Infierno en la tierra y lanzar contra él la mayor horda de muertos vivientes jamás dibujada en un cómic.

Espectacular.

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“EL LIBRO DE LA SELVA” RYDYARD KIPLING/JULIEN CHOY/ CRYSTAL S. CHAN. NORMA EDITORIAL Todos lo que ayude a acercarse a los más jóvenes a la lectura y a descubrir los grandes clásicos de la Literatura Universal debería ser recomendado incluso en los colegios. Por eso destacamos el buen hacer una vez más del guionista Crystal S. Chan, de quien Norma ha editado también adaptaciones en versión Manga de títulos como “Tom Sawyer” o “El Conde de Montecristo”. Junto al buen hacer de línea clara del dibujante Julien Choy, el resultado es una muy entretenida versión del clásico universal de Kipling, basada en cuatro de las siete historias incluidas en el libro original. Por supuesto, todas ellas las relativas al personaje de Mowgli, pero contando además con la adaptación gráfica de varios poemas contenidos también en las páginas de Kipling.

“MAESTROS”

STEVE SKROCE / DAVE STEWART / FONOGRAFIKS NORMA EDITORIAL Imposible evitar que semejante portada te haga coger este cómic.

De hecho en mi caso no olvidaré que un adelanto de bastantes páginas de “Maestros” formó parte del último Día del Cómic Gratis, y os aseguro que ya entonces quedé con ganas de disfrutar al completo de lo que podría considerarse una versión adulta de la magia de Harry Potter aderezada de muchísima más imaginación y, eso también, muchas más vísceras y sangre. Lo que no deja ser verdad es que el guionista y portentoso dibujante canadiense Steve Skroce (cocreador de “We Stand On Guard” y “Doc Frankenstein”, guionista y dibujante de “Lobezno” y dibujante de “Amazing Spider-Man” y “Youngblood” de Alan Moore), firma una obra que ni deja indiferente ni puede olvidarse o dejar de releerse y disfrutarse varias veces. Precisamente su detallista dibujo a lo Geof Darrow, con el añadido del que considero mejor colorista posible, el multipremiado Dave Stewart, hacen de “Maestros” una obra de culto instantánea.

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NOVEDADES

DOBLE ESFERA “Futuro” Autoeditado (2020) dobleesfera.com Hacía mucho tiempo que un disco de este estilo que se podía encasillar dentro del género metal o heavy metal no me emocionaba. Yo como bien sabéis no entiendo mucho de etiquetas, ni quiero, solo opino de las canciones, que al fin y al cabo son las que te emocionan o no, y es que este nuevo trabajo de Doble Esfera tiene diez canciones buenísimas de esas que emocionan. Han sabido dotar a su sonido de una modernidad que como bien indica el título del disco es futuro. Tienen publicados “Mi universo” (LP, 2012), “El baile de los necios” (EP, 2015) y “Rock Duro del S. XXI” (EP, 2016). Pero qué distingue este nuevo trabajo del resto de discos publicados, pues que en este han incorporado un teclista y además la electrónica ha cogido más presencia dándole ese toque de modernidad al género y por supuesto sin tener perjuicios al qué dirán. Pedro “El Loko” y Antonio Elzaurdia, guitarrista del grupo junto a Pedro Martínez el cual a hecho un gran trabajo, y con la ayuda también de Manuel Torroglosa han sabido dar esa sonoridad tan especial al disco y que tanto nos gusta. Pero no solo el sonido, sino que han sabido trabajar todo el concepto del disco las letras, la imagen, por eso hace a este “Futuro” un gran disco. Las letras te puedes encontrar temas que hablan de temas que les encantan como son las películas de ciencia ficción, la imagen apocalíptica, también hay un recuerdo para una de sus películas favoritas Blade Runner… todas las letras del disco en el libreto tienen un porque, y en el libreto te lo cuentan. En “Con nocturnidad y alevosía” hablan de esas noches desenfrenadas y en la que aparece el nombre de una de las mejores artistas de los últimos tiempos Amy Winehouse, esto me gusta mucho mas, el que no tengan complejos de escribir el nombre de una artista que nada tiene que ver con la música que hacen. En un momento el cual se habla de relevo generacional ellos tampoco tienen miedo a dedicar un tema “Juicio Final” a los grupos con los que crecieron Barón Rojo, Leño Asfalto, Barricada... Como os digo un disco cuidado al detalle y que te sorprende como por ejemplo en temas como “Three Sisters” con una aire fronterizo totalmente novedoso. O en el tema “La cuarta esfera” donde la electrónica está más presente, disco del mes, quizás se quede corto porque yo creo que este disco de los murcianos va estar peleando por la categoría de mejor disco de este 2020. Solo estoy esperando a que esta maldita pesadilla termine pronto y poder disfrutar de su música en directo.

JETHRO TULL´S IAN ANDERSON “Thick As A Brick Live In Iceland” earMusic Este lanzamiento se distribuyó originalmente por el sello Eagle en el año 2012, si bien lo repesca earMusic en este 2020 para seguir con su explotación comercial. Su grabación tuvo lugar en Reikiavik

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(Islandia) y formaba parte de una gira que la banda hizo por Europa y Estados Unidos entre el año 2012 y 2013. Los momentos de mayor brillantez escénica se encuentran en la parte centrada en “Thick As A Brick”. Dentro de los extras, encontramos una entrevista a Ian Anderson para un medio de comunicación islandés, la interpretación de ‘Banker Bets, Banker Wins’ en el Montreux Jazz Festival del 2012 y un entrañable recordatorio del ya desparecido armonicista suizo y fundador del Montreux Jazz Festival, Claude Nobs a modo de una jam muy extensa de ‘Some Day The Sun Won’t Shine For You’. De obligatoria tenencia para los fans de la banda y de las capacidades creativas del propio Ian Anderson, un artista con una vitalidad y entusiasmo encomiables.

NASANOV “VOL.II” Autoeditado nasanov.com/ Ellos son de Valencia y se formaron en el 2015 es ahora cuando después de haber lanzado algunas canciones es el momento de lanzar este “Vol II” que lo puedes escuchar y descargar al completo en su web. Un disco muy cuidado tanto en el sonido como en las letras, que hablan de esos problemas con los cuales convivimos a diarios. El disco se abre con el tema “Hipócrita consecuente” en el cual colabora el grupo Varry Brava. Diez temas son los que componen este disco para amantes de grupos Muse, Bloc Party, Incubus, Vetusta, RHCP, Foo Fighters, Dinero, Izal, Placebo, Lori Meyers…

Pero más allá de comparaciones que son odiosas, Nasanov tienen su sello de identidad como se puede escuchar en temas como “Patinete perdido”, “Isla de plástico” que habla de la contaminacion del plástico en los océanos, mares… pero mi favorita sin ninguna duda por lo que transmite “Igual que ayer”.

Nasanov son una de esas bandas que no debes perder la pista.

BLACK TV “El extraño mundo de los seres humanos” Lengua Armada @ blacktvbanda Si su primer disco “Lady Fingers” ya nos dejó una agradable sensación esa forma tan particular de impregnar su rock con la música funk. En esta segunda entrega lo han vuelto a conseguir. A destacar el sonido del disco del cual se ha encargado la grabación y la mezcla

el cantante y guitarrista del grupo.

Es quizás uno de los discos que se Fernando Guil Vázquez, pero tengo la sensación que en este nuevo trabajo han buscado un sonido mucho más directo, más crudo y lo han conseguido. De las masterización se ha encargado Iker Piedrafita y han contado con las colaboraciones en los coros y sintetizadores de Eva, también Raúl que aportado sintetizadores y percusiones como por ejemplo en el tema “Diez Puñales” que desde que empieza el tema no dejas de moverte y que además ha pasado a formar parte del grupo.

VANDENBERG “Vandenberg 2020” Mascot Records vandenbergband.com Antecedido y avalado por una discografía que hizo las delicias de los Hard Rockeros más exigentes durante los años 80´s, regresa Adrian Vandenberg, el que fue el guitarrista de los legendarios Whitesnake en su época más comercial, un logro este, que disparó su popularidad por aquel entonces.

Ahora y uniendo fuerzas con Ronnie Romero, el cantante de Richie Blackmore´s Rainbow en su última reencarnación, la banda publica un disco que si bien no está exento de calidad, parece quedarse en tierra de nadie por el estilo que practican, quizá demasiado moderno para los fans más antiguos y demasiado antiguo para el público actual. La voz de Ronnie es soberbia y la magia de la guitarra de Adrian sigue ahí, pero personalmente, esperaba canciones más redondas.

BUENAS NOTICIAS “No se acaba el mundo” Maldito Digital Rock es la propuesta de estos malagueños que sus inicios hay que buscarlos en el 2009, su primer disco apareció en el 2012 y llevaba el mismo nombre que el del grupo, tuvimos que esperar hasta el 2015 cuando publicaron su Ep “La Mano”. Han participado en varios concursos consiguiendo en algunos de ellos buenos resultados. Con su último disco han conseguido el premio internacional “Talento Latino”, enmarcado en los Premios Latino y otorgado por la Fundación Gala. Diez canciones son las que nos vamos a encontrar en este disco donde cabe destacar la gran labor de sus letras que se podrían encasillar dentro del rock urbano.

A mi hay un tema que me parece espectacular “Me falta disciplina” una de esas canciones que salen de vez en cuando y que son redondas por su melodía, su letra…

Hay nuevas incorporaciones en el grupo Juanfran Araujo a la batería y Chema Sánchez a la guitarra que se han sumado a los veteranos Alfredo Ramiro y Ricardo Checa -guitarra y voz y bajo, respectivamente.

RODRIGO RAMOS “Sol de invierno” LRock Estatal Records rodrigoramosmusic.com Este es su segundo trabajo “Sol de invierno”, le conocimos con su anterior disco “Mirabas almas” un disco que te recomiendo que escuches. Pero este segundo trabajo para mi es uno de los mejores

discos que he escuchado en mucho tiempo y mira que escucho discos.

Es muy difícil hablar de un tema o de otro porque para mi las diez canciones que componen este disco, cada una de ellas, tiene algo especial, pero en líneas generales este disco es más sutil que su anterior disco y está buscado con intención, donde el piano cobra más presencia pero sin renunciar a la guitarras.

Para la producción del disco ha vuelto a contar con Pancho Suárez el cual ha sabido definir cada instrumento en su espacio perfectamente. Si además os contamos que en cuanto a las letras y la forma de componer Rodrigo está viviendo uno de sus mejores momentos, por eso y otros motivos, os decimos que uno de los mejores discos que hemos escuchado en mucho tiempo.

JONATHAN JULTÉN “Chants From Another Place” Kscope www.jonathanhulten.com Guitarrista de la banda sueca Tribulation, con la que ha dado durante años rienda suelta a todo un arsenal de canciones Heavy Metal, Doom, Black y Psychedelic, poco o nada hacía esperar que su nuevo trabajo en solitario pudiera ser tan antagónico y a su vez capaz de mostrar una personalidad tan flexible y llena de rangos estilísticos.

De esta forma, tenemos delante un disco acústico en el que este artista defiende muy bien sus ideas con exageradas armonías vocales que sin embargo son capaces de crear atmósferas hipnóticas y contundentes que se aderezan con ligeros arreglos de librería y que solo son comparables con su estrafalaria y diferencial puesta en escena. Escucha ideal en momentos de reflexión y relax. Muy recomendable.

AIALA “Nothing Less Than Art” New Beats nasanov.com/ Cuando alguien me dice que le recomiende un disco es el primero que me viene a la cabeza. Y es que esta jovencísima de 23 años ha conseguido con este primer disco hacerse un hueco dentro de la escena musical. En su música hay influencias de esa música negra de raiz como son el soul o el funk pero le ha sabido dar un toque muy actual.

El disco cuenta con colaboraciones de Matah, Celia del Barco, Clara Peya, Rubio y Sister Castro que le dan al disco un toque de variedad y riqueza. Además se ha rodeado de grandes de este género como es Chalart50 (batería de La Kinky Beat), y Isaïes Albert, un compañero de su anterior proyecto un grupo de versiones. Nina Simone, Aretha Franklin o Amy Winehouse son su base y es que con una base de tanta clase es normal que este disco sea mucho más que recomendable.

También en sus letras le gusta contar lo que sufre en sus carnes, esos problemas que ve en la sociedad actual y los problemas que vive una chica de 23 años.

KATATONIA “City Burials” Peaceville www.katatonia.com

queda ya toda su vocación Doom, de la que tan solo resiste la concepción estilística de melancolía y oscuridad siempre presentes en las mentes de sus principales creadores Anders Nyström y Jonas Renkse, pero cada vez más adornada por sonidos progresivos y electrónicos. Prueba de todo esto es su primer single “Lacquer”, que es una descomunal pieza, dotada de una enorme sensibilidad y que te podrá recordar a artistas hermanos de su sello discográfico como Anathema, The Pinneaple Thief o Porcupine Tree.

ECOBAND “X” La Cúpula Música @ecobandmusic Ellos vienen desde Valencia y este es su primer trabajo de larga duración tras publicar anteriormente algunos Ep’s. Un disco que cuenta con varias curiosidades desde el nombre del disco “X” con el cual celebran sus diez años de carrera y también para que sea más redondo todavía está compuesto por diez temas. Como dato curioso en el disco han participado tres productores David Sanchís, David Kano o Juan Sueiro de lo mejorcito del panorama musical y que han conseguido un disco que tiene el sello de cada uno de ellos, pero sin abandonar la esencia del grupo. La música de Ecoband se mueve a ritmos de pista de baile donde están muy presentes los sintetizadores. De la portada tan llamativa se ha encargado el estudio de diseño The Fly Factory. Con este disco el grupo está consiguiendo encontrar un sitio preferente dentro de la escena musical de este país, y es algunas de sus canciones son verdaderos hits de festivales o pista de baile.

La meteórica evolución de esta impresionante banda, parece no tener techo. Si hace apenas tres años, hicieron un parón del cual podrían no haber vuelto, ahora se reivindican con el que puede ser su mejor trabajo hasta la fecha. Muy lejos

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