LH Magazin - La Sra. Tomasa

www.lhmagazin.com Año XIX - Nº 141 ejemplar gratuito

O C E U H N U N A Í C SE MERE RTE A O M I T P É S L E DENTRO D

A S A M O T .

A R S LA

LONAUTAS Z SALVADOR CIC LAUREL CANYON OLAT “El rock tiene relevo “Un disco para “Sorprende con su segundo disco”

perderse y soñar”

asegurado”

SÔBER

“E-L-E-G-I-A otra muesca en su carrera”

lpless crobio - American Ghost - To TheCaHenyo Barracüda - Malditeria - Still Illlas- Mi n... el - Laurel md Ra n ido Ma s lga Pu Ma as arr nk Pu Gisela Hidalgo

CHICA SOBRESALTO

“Número 1 de ventas en España”

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Leturiaga:

Leturiaga C/ Cristobal Bordiu 22

Ritmo & Compás, 39 Rojo, Carabox, El Obsevatorio, Hardrum, Matilda, Rock Palace, Rock & Pop, Rock Soul, Tablada 25, Underground, El Poligono (Valladolid), Rusound (Daganzo), Olmostudio (Vallecas), FACTOR Q (Murcia) y Locales de ensayo Metro Usera (Madrid)...

SALAS Y BARES

1903, El Piratas, Alfredo`s, Caracol, Clamores, Costello Club, El Sol, Galileo Galilei, Gruta 77, Silikona, Siroco, Sala Gamma, Sala Musik, Sala 12 y Medio, Sala Stereo, Discos Comix y Discos Trafico, La Azotea (Murcia), Dekonya Cool Pub (S.S. de los Reyes), La Mina Rock (Alcobendas), Punteos Rock (Coslada) Albergue Riglos (Huesca), El Escudo y Pocoloco (Ávila), Gabanna (Lanzarote), Sala Estacion, Imagina, Atico y Dqvass (Alcazar de San Juan), Al Lado y El Moli (Campo de Criptana) Candela, El Duende, 500 Noches (Archena), Sala Strato Caster y 37 Grados (Córdoba), Mi Pequeño Mundo y Pensión “El Rafa” (Fernán-Nuñez), La Marquesita (San Martín de Oscos), Sala Mirror, Alcatraz Rock Bar, Wah Wah (Valencia), La Casa Pintada (Ceuti), Restaurante El Meson (Puebla de Almoradiel), Restaurante S.M. el Rey de la Coca (Piles Playa), EL Paso (Cudillero), Sala Hangar (Burgos), Rock & Play (Boadilla del Monte), Velvet Club (Malaga), Garfield (Torremolinos), Yasta (Campo de Criptana),Sala Sausan/New Rock y Hotel Juype (El Provencio), Chamán (Illlana), Bar La Esquina (Mula), La Cripta y La Gasolinera (Bullas), Video Club Geminis (Cehegin) y Siglo XX(Blanca). Casa de Cultura y Guardamar Music, Restaurante Galicia ,Hotel Montemar y Restsurante El Gallego(La Marina), La Posada (Elche), Sala Ambigú (Cordoba),Savoy (Gijon), , Biribay (Logroño), Cuarenta y Tres (Zamora), Erreté (Barcelona),Hotel El Quesar de Gamoneo (Cangas de Onís-Asturias) Cafe del Infante (Villaviciosa de Odón), Stars50 (Talamanca del Jarama/Guadalajara) y Ruta 20 y Arbonaida. Hotel Restaurante Las Truchas (Monasterio de Piedra) Trifon Restaurante (Madrid), Boulangerie Patisserie Santa Eulalia (Madrid) y Instituto Cervantes (Lisboa)

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Onda3 Radio (Puerto Lumbreras/ Lorca) Onda Regional y SER (Murcia), Onda Marina (Fernan-Núñez), Onda Cero/Europa FM (Alcazar de San Juan), Radio Safor (Bellreguard), Sol Radio (El Bonillo), El Ultimo Este y “La Caja de Pandora “ (Cabezo de Torres/Murcia), Rock FM, Radio 4G...

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REDACCIÓN Alicia López

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Jorge Vilella, Edu Salas, José Glez., Rafa, Mª Mar, Pilar, Rolo, Jose Luis Espinosa, Soraya Machin, Mariano Muniesa, Yolanda Perez Marin (El Club del Escenario), Amado Storni, Roberto Villandiego, Olegario Sánchez (Alcazar de San Juan), Patxi “La Caña” Valen (Plasencia), Alberto Cean (Asturias), Mar Monje Abiol, Juan Carlos Calderon, Jose Abellán, Luis Pulgar (Sevilla y Murcia)

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AGENCIAS www.whitepress.es,KOPress

FOTOMECANICA / IMPRENTA SIRE 2000 Esta revista la hace mucha gente, el papel lo ponemos nosotros, las opiniones son de ellos.

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Con el calor llega el verano, y nos toca volver a vivir la cancelación de grandes festivales, la pesadilla se vuelve a repetir tristemente este 2021. Las salas pequeñas empiezan a programar más bien por sobrevivir que por conseguir beneficios, los grupos empiezan a dar pequeños conciertos en los cuales el público es reducido y benéficos pocos o ninguno, muchos siguen trabajando en otros oficios para poder sobrevivir.

La historia se repite en este 2021. Se aplazan lanzamientos, salen singles adelantos de lo que vendra despues… ¿despues? ¿cuando? Recuerdo el año pasado en verano diciendo que en septiembre la cosa empezaria a normalizarse, nada de nada, será después de las navidades, nada de nada, será este verano, nada de nada. ¿Ilusión? la verdad es que no nos falta, y es que el próximo octubre cumplimos 20 años haciendo LH Magazin y aunque lo estemos pasando muy mal, como todos los que nos dedicamos al mundo de la cultura, continuamos luchando y apostando por trabajar en algo que nos apasiona aunque esto no nos permita irnos de vacaciones ¿vacaciones? ¿qué es eso? pero poder acercaros tanto en estas páginas como en el programa de radio a estos artistas, con esta calidad, merece la pena seguir luchando porque algún día alguno alcance su sueño. Tocar en un gran festival, en una determinada sala, que se vendan sus discos… poder vivir de lo que aman, la música.

Nuestro medio solo es un conductor para acercaros estos grupos que a nosotros nos remueven los sentimientos, que nos hacen movernos al ritmo de sus canciones… solo queremos poder trabajar como antes de la pandemia, que ya no era fácil y es que la cultura por desgracia en este país y ha quedado demostrado con esta pandemia no es un bien necesario, ni un bien secundario, somos el ruido de fondo y eso ha dolido. Pero si bien es cierto hemos podido sentir el calor, vuestro apoyo, que eso vale más que cualquier palabra de las que hemos oído en TV y radio a los políticos.

Gracias a todos por estar ahí, cerca de nosotros. Feliz verano a todos!!!

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Hablamos con Javier “Txo” Pintor, bajista de Ciclonautas, sobre el gran disco, tercero del grupo que han publicado y que lleva por nombre “Camping del hastío”. Estaba esta mañana dando una vuelta para ver las críticas que tenía este nuevo disco y lo primero que observé es que ninguna coincidía en las bandas con las que os comparan. ¿Esto es bueno o no?

Las comparaciones siempre van a estar ahí. Que te comparen con artistas de primer nivel siempre es un placer. Yo creo que en este disco hemos conseguido sacar nuestro sonido, nos hemos partido la camisa.

Es un discazo. Este disco cuenta con una sorprendente colaboración la de Maialen de Chica Sobresalto que nada tiene que ver lo que hace ella con vuestra música y participa en dos canciones “El deseo” y en “Souvenir” tiene una voz increible.

Cierto, tiene un timbre de voz muy dulce. Yo pienso que acertamos, a ver si se anima en algún bolo y nos acompaña.

También hay que alabar el gran trabajo que ha realizado Carlos Colina con los sintes y los pianos…

Le ha dado al disco un color especial. Ya Mariano nos comentó que para este disco quería probar sintes, pianos, steel guitars… todo realizado por Carlos Colina un gran músico y un gran amigo. Queríamos probarlo, nos gustó dar una vuelta de tuerca al sonido, a las afinaciones y creo que hemos conseguido un sonido muy bueno.

Este disco tiene un poco de todo, medios tiempos, un tema western como es “Eterno aprendiz”, hay rock and roll como “Dale al play”, “Souvenir” que casi roza el pop… Esto todo encasillado dentro del rock. Yo me preguntaba ¿Cómo sería la playlist de Ciclonautas? (risas) Somos tres pájaros diferentes, aunque coincidimos en gustos. A mi me gusta mucho el punk y el funk metal, me gusta mucho todo lo que es fusión. Yo no rechazo nunca nada te hablo de clásicos al reggaeton, si está bien hecho yo lo alabo siempre, hay muchas horas detrás de una canción.

(Risas) No me has dicho ninguna banda, pero me voy a tirar yo a la piscina. La primera vez que te vi en directo pensé que tenían que gustarte Living Colour, Red Hot Chili Peppers…

De estos últimos me gustan mucho sus discos antiguos, y los de ahora también son buenos, pero me gusta mucho su primera etapa, cada vez que sacan un disco me lo compro. Pero sí, Living Colour es una de mis bandas favoritas. Me gusta mucho la música negra.

Estas canciones están compuestas por Mariano durante el 2017 y el 2019 y las revisasteis en Argentina en enero y febrero del 2020.

Alén terminaba la gira con Marea, le dijimos que descansara un poco, pero nada nos marchamos para Argentina. Date cuenta que nosotros veníamos de una gira de aproximadamente 150 bolos, Mariano se marchó a

Argentina por seis meses y estuvo año y medio, yo seguí haciendo mis cosas, Alén las suyas. Cuando Mariano vio que tenía un bloque de ideas potentes nos dio un toque y decidimos marcharnos un par de meses, justo antes de la pandemia, casi no pudimos entrar en España, hicimos maravillas para poder ensayar y poderlo grabar… le dimos forma y lo trajimos para España, como ves un disco boomerang (risas).

El folclore argentino está muy arraigado al rock. ¿Hay algo de ese folclore en este disco?

Este disco es el que menos tiene de ese folclore que bien dices, lo queríamos más roquero. Pero si hay algo en este disco es el riff de guitarra de “Souvenir” un riff muy folclórico pero que a la vez Mariano le da ese toque rock.

Este “Camping del hastío” se ha cuidado al detalle el formato físico del cd con un libreto espectacular con unos dibujos increíbles y también ha visto la luz en formato de vinilo. ¿Piensas que para que se pudiera valorar de nuevo la música se tendrían que volver a formatos como la cassette o el vinilo?

Ojalá que eso fuera posible. Pero seguro que te saldrá un friki y eso lo convertirá en digital (risas). A mi me encanta ese sonido del roce de la aguja.

CICLONAUTAS SÍGUENOS EN:

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Cafe - Bar

Travesía del Poeta Blas de Otero, 1 Telf.: 913 56 46 46 www.barlanchas.com 6

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Situado en el barrio madrileño de La Elipa, barrio conocido por ser los comienzos de un grupo mítico de la historia de la música de este país, como son el grupo de rock Burning, se encuentra uno de los bares que más tiempo lleva en este barrio, Bar Lanchas.

A espaldas del famoso Dragón, uno de los símbolos de este barrio, se encuentra este bar que lleva treinta y tres años. Al frente del mismo se encuentran Jesús y María Ángeles, dos personas que hacen que te encuentres como en casa cuando atraviesas sus puertas.

Jesús vino de Salamanca y se instaló en el barrio de La Elipa en el año 1985. Empezó trabajando en un pub. Siendo unos críos decidieron abrir su propio negocio, un lugar familiar en el cual el producto estrella fuera algo que él bien conocía, de ahí este bar es conocido en Madrid y en sus alrededores por su especialidad en embutido, pero en el Bar Lanchas no vas a degustar un embutido cualquiera. Ellos se encargan de tener un embutido de lo más natural, sin apenas conservantes, tanto el chorizo, como el salchichón o el jamón, todo es ibérico.

Por eso no es de sorprender por las tardes noches, ver como salen sus tablas especiales de embutidos, que son muy

demandadas por su clientela.

Pero no solo de embutidos vive el hombre, otras de sus especialidades son las patatas ali-oli y los calamares a la Andaluza, que son platos que también salen mucho de su cocina. Aunque para mi, entre sus platos estrella se encuentra por las mañanas su tortilla de patata, quien la prueba repite, y como no, el cazón en adobo uno de mis platos favoritos y que como en el Bar Lanchas hay pocos sitios que lo preparen, para rechupetearse los dedos.

Debido al COVID19 como toda o casi toda la hostelería han pasado dificultades, ellos tienen una barra pequeña, un bar familiar y dos empleadas Janina y Carmen, no tenían terraza, así que han pasado momentos muy difíciles, pero gracias a la concesión de la terraza y sobre todo a sus fuerzas e ilusión conservada después de tantos años han conseguido salir adelante.

Ahora en pleno verano han conseguido crear un rincón donde las noches calurosas veraniegas serán mejor llevadas gracias a su terraza y gracias a su trato tan exquisito se convierte en una de las terrazas indispensables que deberías conocer de este Madrid.

Un rincón donde perderte en un ambiente de amigos.

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A D Ü C A R BAR SÍGUENOS EN: @barracudarock2017

Buscando información vuestra, me ha sorprendido, encontrarme que vuestro nombre viene del tema “Barracuda” del grupo Heart del año 1977.

Nada tiene que ver la música de Heart con vuestra propuesta. Vosotros además sois muy jovencitos, me surgen varias preguntas, la primera ¿Cómo descubristeis a Heart?

Años antes de la creación del grupo, Millán (bajista y vocalista) descubrió a Heart en la radio y se hizo seguidor de la banda. ¿Por qué este tema concretamente para dar nombre al grupo?

Porque cuando se estaba debatiendo el nombre de la banda estaba sonando la canción de fondo y decidimos llamarnos así haciendo homenaje a dicho tema. ¿Sois una banda ecléctica a la hora de escuchar música?

Individualmente tenemos preferencias distintas en cuanto a los grupos que escuchamos, pero nos abrimos a todo tipo de música a la hora de componer nuestras canciones.

El próximo 3 de julio presentaréis vuestro segundo Ep “En la calle” en la hora del vermut en la sala Moby Dick. ¿Qué podemos decir a nuestros lectores para que se animen a pasarse por allí?

Lo único que podemos garantizar es que vamos a darlo todo encima del

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/

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escenario y que descargaremos un directo muy potente y que no dejará indiferente a nadie. Os animamos a que vengáis a pasar un gran rato.

Sois una banda que habla de los problemas que nos inundan en nuestro día a día, como la España vaciada, los desahucios, la falta de libertad de expresión… ¿Debe ser la música un altavoz de rebeldía ante las injusticias del día a día?

Sí. Creemos que también la música puede servir de micrófono para dar voz a todos estos problemas que sufrimos en nuestra vida diaria y nosotros, desde el escenario, intentamos aportar nuestro granito de arena para poder cambiar las cosas.

Este nuevo disco se abre con el tema dedicado a Lorenzo Orsetti que lleva su mismo nombre. Lorenzo falleció luchando contra el último bastión del Estado Islamico en Siria, además era un chef espectacular. ¿Por qué hacer una canción a Orso?

Porque a raíz de conocer su historia a través de la carta que dejó antes de morir decidimos rendirle homenaje por su lucha social y su defensa incondicional a sus ideales.

El disco se ha grabado en los estudios Bulletproof Estudios en Alcorcón. ¿Qué buscabais en este segundo Ep? Buscábamos una evolución notoria en el sonido de la banda y dar un paso

a un sonido más profesional. Siguiendo las recomendaciones de Chus Ortiz (700monos producción es), nos pusimos en manos de Daniel Patiño, productor musical de los estudios, y creemos que el objetivo fue alcanzado.

Los meses de grabación fueron muy amenos y se nos hizo bastante cómodo el trabajo, ya que estábamos rodeados de unos grandes profesionales.

Os voy a decir un nombre y me decis lo primero que se os venga a la cabeza DESASTRE. Nuestros padres (musicalmente hablando).

Vuestro videoclip “Desahuciado” empieza con un informativo. ¿Cuál sería la noticia que os gustaría poder escuchar un día en un telediario?

Que las injusticias, diferencias y discriminaciones sociales, así como las guerras, se difuminaran.

Para todos los lectores de LH Magazin que nos quieran buscar, es imprescindible poner “Barracüda” con diéresis en la “ü”.

Además, para quien quiera adquirir nuestros discos, así como otros elementos de nuestro merchandising, pueden contactar con nosotros a través de redes sociales y del correo electrónico: barracudarockpunk@gmail.com

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MALDITERIA SÍGUENOS EN: @malditeriarock @malditeria

“Zozobra” es el primer trabajo de esta banda de rock & roll de Ibi (Alicante).

Una banda joven con un sonido retro que bebe del rock & roll de todos los tiempos. ¿Cómo se da forma a Malditeria? ¿Teníais otros proyectos anteriormente?

Malditeria nace de la pasión por el género del Rock & Roll. Arturo, Raúl y Vila tocaban juntos en un grupo de ska-punk llamado Skakeados y Nando formaba parte de Pellikana, Ubangi Stomp y The Killing Calacas. A los cuatro nos gustaba el rock and roll, nos conocíamos y siempre habíamos querido compartir un proyecto musical, aunque nunca se nos había presentado la ocasión. Fue para ayudar a unos amigos que estudiaban sonido y necesitaban músicos para un trabajo de clase cuando nos juntamos los cuatro por primera vez. Gracias a ese trabajo que consistía en grabar y masterizar una canción Raúl, nuestro guitarrista, compuso

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un rock and roll llamó al resto de la banda y grabamos una versión prehistórica de “Cuando caiga la noche”. Nos gustó tanto el sonido macarra que sacamos que decidimos consolidar el proyecto y apostar con todo lo que teníamos por él.

Once son las canciones que dan forma al disco que ha sido producido por Agustín Amat y Raúl Egido ¿Por qué contar con ellos en la producción del disco?

Raúl ya había trabajado anteriormente con Agustín en el estudio y para él es un referente en cuanto a la grabación y producción. Lleva muchos años en la industria y muchos discos a sus espaldas, es por esto que Raúl propuso desde el primer momento trabajar con él. En cuanto a la figura de Raúl, al ser miembro del grupo y compositor de muchas de las canciones, sabía qué tipo de sonido había en su cabeza y qué era lo que quería plasmar. ¿Cuándo un miembro del grupo forma

parte de la producción del disco es difícil saber cuándo se da por terminada?

En cualquier producción, es muy difícil saber cuándo queda terminada, forme parte un miembro de la banda o no. Siempre se pueden cambiar o añadir elementos, es un trabajo muy subjetivo y nunca sabes cuándo está finalizado del todo. Es cierto que para nosotros llegó un punto en el que vimos que nuestro mensaje, nuestra esencia y nuestra personalidad, quedaba plasmada y esto unido a un tratamiento correcto en las mezclas, puso la guinda final a este álbum.

“Zozobra” se graba en el 2019 ¿Cómo afecta el Covid19 al grupo y al disco?

Pues fue una hostia con la mano abierta en toda la cara. Como dices: durante el 2019 grabamos el álbum, en diciembre salieron los dos primeros adelantos y en marzo del 2020 salía el disco acompañado de los primeros directos. Llegó la

pandemia, la cancelación de conciertos y nos quedamos con un disco guardado en el cajón esperando a que se calmaran las cosas. Si estrenar un disco en esas condiciones ya era difícil, imagínate si es el primero y no puedes salir de casa para darte a conocer. Pero bueno, nosotros no estuvimos quietos, dimos un concierto online con grandes artistas, creamos las “Covid Sessions”, estrenamos dos adelantos más y al final todo eso hizo que la gente tuviera ganas y curiosidad por escuchar “Zozobra”. Además, aprovechamos ese tiempo para pulir pequeños detalles que hacen un proyecto grande. Ha sido duro, pero aquí seguimos.

En vuestra playlist podrían estar Leño, Platero y tú, Ilegales, Barricada, The Who, The Rolling Stones, AC/DC... ¿Cómo fueron esos primeros días en el local de ensayo para dar forma a vuestras canciones con una playlist tan abierta?

Para nosotros que la “Playlist” sea tan abierta es genial. Nos encanta mezclar las distintas influencias que aporta cada miembro del grupo, gracias a esto, se consigue una mezcla interesante y al no tener ningún parámetro o patrón en nuestras mentes, pues le damos forma a nuestra manera. Nos encantan esos días de local en los que nos dedicamos a moldear los temas.

Fuisteis entregando vuestro disco a través de videoclips, por cierto, muy cuidados. ¿Pensáis que este formato llega a más público o se hizo debido a la pandemia?

Sí, sin duda. Ofrecer un tema acompañado de una historia visual siempre llega a más público que hacerlo a través de una imagen fija. A nosotros nos gusta mucho cuidar todos los aspectos relacionados con la banda: diseños, fotografías, directos, videoclips, etc. Ese mimo al final se nota y también llega a más gente. Sí que es verdad que nuestra idea inicial era sólo estrenar dos videoclips, que saliera el disco y darlo a conocer a través de los conciertos. Como llegó la pandemia no nos quedó otra opción que seguir creando material para que la gente no se olvidara de nosotros.

Definís vuestro estilo como Rock Maldito ¿Maldito por algo en especial?

Siempre nos hemos sentido identificados con esta palabra. Maldito es sinónimo de malvado y “Malditeria” es una palabra valenciana que se utiliza en nuestro pueblo como maldad o gamberrada, de pequeños siempre nos han dicho “no feu malditeries” que viene a ser algo como “no hagáis maldades”. Aunque viendo la situación en la que ha crecido la banda, empezamos a pensar que nuestro rock and roll ha sido maldecido, (risas).

Durante el 2020 debido a que no había conciertos sacasteis “Las Covid Sessions”en la cual hacéis versiones de grupos como Misfits, Carlos Tarque, Nu Niles, Antonio Flores, Heroes del Silencio… que se pueden ver en youtube. ¿Que tienen estas canciones de especial para que entraran en estas sesiones?

Son canciones que fuimos proponiendo cada uno de nosotros y que de una forma u otra han marcado nuestras vidas o simplemente nos gustan y nos parecen interesantes.

La curiosidad ha podido conmigo. ¿Por qué llamar al disco “Zozobra”?

“Zozobra” en realidad iba a ser el nombre de la banda. Es una palabra que utilizamos mucho, sobre todo para definir cómo acaban las noches en las que salimos a hacer “malditeries”. Esas noches en las que sabes cómo sales de casa, pero no cómo vas a volver y acabas por ahí intentando mantenerte a flote. Para sorpresa nuestra, descubrimos que ya existía una banda estadounidense llamada “Zozobra” y decidimos que lo mejor era buscar un nombre que fuera único.

Quisimos mantener “Zozobra” para el disco a modo de homenaje y la pandemia hizo que el nombre del LP encajase a la perfección y cobrará mucho más sentido, al igual que “rock maldito”.

Respecto a las letras he podido leer por ahí que en ellas contáis lo que vivís, lo que os pasa, lo que sentís… ¿Pensáis que la música, el rock and roll, tiene todavía una posibilidad de cambiar hacia dónde vamos?

Pensamos que es importante contar lo que vivimos y sentimos en nuestras letras.

No sabemos hasta qué punto impactan en el oyente, pero bueno para nosotros, hacer las letras basadas en vivencias es necesario para liberarnos. En cuanto lo de cambiar el rumbo de nuestra existencia no lo sé, lo que si pensamos es que hacer letras llenas y música cuidada, puede influir en hacer una sociedad más consciente o más libre.

También habéis cambiado de bajista y batería en el grupo. ¿Presentarnos a los nuevos miembros y de qué otros proyectos vienen?

En realidad, sólo tenemos que presentaros al nuevo batería, Joan, puesto que el nuevo bajista es Nando, nuestro antiguo batería.

Por motivos laborales, Vila tuvo que dejar la banda y Nando que hasta ahora estaba dando palos se pasó a primera línea para acompañar a Arturo y a Raúl. Nando es el hombre orquesta, toca cualquier instrumento que le dejes y aunque con nosotros estaba en la batería, su instrumento de toda la vida ha sido el bajo así que no dudó a la hora de saltar a la fila de delante.

Solucionado el tema del bajo, teníamos que buscar un batería. Conocíamos a Joan porque ensayaba al lado de nuestro local, es un pulpo, muy, muy bueno y siempre fue nuestra primera opción. Joan viene del metal, tocaba en una banda de metal alternativo llamada Bostok. Le presentamos lo que era el “Rock & Roll Maldito”, aceptó, le quitamos el doble bombo y en menos de un mes ya estaba más que integrado.

Pienso que actualmente se están viviendo en la música uno de los mejores momentos, grandes musicales, buenas producciones, independientemente de géneros musicales. ¿Cómo veis vosotros la situación de rock & roll en este país?

Creemos que la situación musical en España es precaria en general y lo hemos podido comprobar con esta pandemia, pero lejos de lloros o quejas, creemos que aún hay Rock and Roll para rato y que ahí estaremos para reivindicarlo. Damiselas y caballeros ¡Hemos venido para quedarnos!

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DE LUNES A VIERNES

JUEVES:

- 10.00 a 11.30h LH A TODO RITMO con Juan Rodríguez

- 20.00 a 23.00h Jazz Time con Jorge Grimaldos VIERNES:

LUNES:

- 10.00 a 11.00 Hoy Me Voy Al Cine con Felipe Jimenez

- 19.00 a 21.00h Radio The Sentinel con Santi Fernandez - 22.00 a 23.00h La Casa de Eddie con Mauro (el flaco) y Juan Carlos MARTES: - 22.00 a 24.00h La Cabaña del Tio Rock con José Mora y Ángel Gómez MIERCOLES:

- 18.00 a 20.00h A la Vuelta de la Esquina con Maru Bonilla, El Chico del 17 y Jelu - 24.00 a 01.00 Solos en la Madrugada Francisco Miguel Pérez (RNE) y Miguel Vigil (Academica Palanca, La que se Avecina)

- 19.00 a 20.00h El Closet con Carlo Pari - 22.00 a 23.30h La Noche del Cazador con Pablo Martín, Raúl Ballesteros, Dani Pach y sus invitados.

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STILL ILL Durante el parón que sufrió uno de nuestros grupos favoritos Lágrimas De Sangre sus Mc ‘s aprovecharon para sacar sus proyectos en solitario. Still Ill fue uno de ellos publicando su disco “Allò que mai no mor” con Guspira Records el pasado año a finales del verano.

“Estudio de grabación especializado en producción, grabación y mezcla de Rock y Metal. Numerosas referencias discográficas nos avalan”

newlifestudios@hotmail.com 679441592 / 651321026

¿Cómo surge la necesidad de hacer un disco en solitario?

Desde que empezamos a rapear con 16 años siempre hemos hecho cosas en solitario, ya hacíamos canciones y maquetas antes de formar LDS como tal, así que simplemente ha sido volver a activar esos mecanismos que ya existían, pero no se llevaban a cabo porqué LDS requería toda nuestra energía. ¿Qué tienen de especial estas canciones para que no se encuentren en Lágrimas de Sangre y si en tu disco en solitario?

Más que lo que tienen es lo que les falta, les falta que los demás componentes hayan participado. Son canciones pensadas y desarrolladas individualmente y no por el grupo.

Aunque la producción cuenta en su gran parte con los productores de Lágrimas de Sangre ¿qué buscabas tú personalmente para esta producción?

Pues buscaba que la música transmitiera lo que quería transmitir en la letra, esto ha sido fácil porque al ser los mismos de siempre ya nos conocemos y nos hemos entendido muy bien a la hora de hacer las producciones, aunque fuera a distancia.

El título del disco “Allò que mai no mor” en castellano “Aquello que nunca muere” ¿qué es lo que nunca muere?

Para mí este título es una breve definición de lo que es la música, algo que permanece, aunque el autor muera, algo que se podría aplicar a todo el arte en general.

En este disco también hay un hueco para el experimento como en la canción “Ara torno” con un arranque muy latino. ¿Te gusta explorar con estilos musicales, fusionar… crees que la riqueza musical está ahí?

Me gusta probar cosas si, esto es pura influencia de LDS; ya que me considero una persona poco versátil musicalmente, siempre me he dedicado a hacer letras y rapearlas sobre ritmos de rap, pero estar en un grupo como LDS, que rompe los moldes de la música constantemente, me

ha influenciado y me ha nutrido en este aspecto.

Hablando de exploración en lo musical, esta canción cuenta un poco todo lo contrario. Nos encontramos muchos grupos haciendo lo mismo para llegar a sonar en ciertos medios de comunicación. ¿Cómo ves tú ese panorama musical?

Lo veo desde la superioridad moral que me otorga el no ser uno de ellos. Nosotros hacemos rap y estamos orgullosos de nuestra música, y de que esta no suene en sus cadenas de mierda. Todo lo que hemos conseguido ha sido desde la autogestión y sin copiar a nadie.

Vivimos en la era de las etiquetas y el big data… Quizás esto de que la música, así como nuestros gustos estén dentro de ciertas etiquetas, no nos va a permitir conocer otras cosas fuera de ellas, debido a la tecnología. ¿Es esto un problema o tu no lo ves así?

Puede ser, ahora existe la dictadura del algoritmo, que es como la antigua dictadura de las discográficas. Aun así, creo que si quieres siempre puedes encontrar la música que te guste, aunque no suene en la radio fórmula.

Un disco que cuenta con más que colaboraciones, con amigos que participan en las canciones, ya que los conoces de siempre. ¿Qué significa para ti que estén estos amigos en tus canciones?

Es un síntoma de que la amistad goza de buena salud. Si en algún disco no aparecen mis compis de LDS, EAM o Blancs Wutan es que algo estaré haciendo mal.

Recientemente se publicaba un nuevo single que está fuera del disco “Segona Onada”. ¿P or qué hacer una canción a esta segunda ola del covid 19?

Realmente es una canción personal, introspectiva, sobre movidas personales que me ha tocado vivir al mismo tiempo que se daba la segunda ola y que lo hacía todo más difícil. Así utilizo la música, para expresarme y entenderme también a mí mismo.

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MICROBIO Terminaba el 2020 y Microbio otro Mc de nuestro grupo favorito Lágrimas de Sangre al igual que sus compañeros, aprovecha el parón del grupo para que viera luz su disco “Oficio y terapia”.

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¿Cuánto hay de oficio y cuanto de terapia a la hora de escribir una canción?

Pues te diría que 50-50, al menos en las canciones que yo escribo. Yo intento que las rimas molen, y que los estribillos sean pegadizos, que la canción funcione. Pero al mismo tiempo intento decir algo, usar la música como herramienta de comunicación y de transformación. Me bajonea las canciones vacías o que directamente reproducen malos mensajes, mensajes que al convertirse en actos, consideramos reprochables. Así que para escribir canciones que me gusten tengo que mantenerme sincero y hurgar en mis reflexiones internas, mis heridas, etc.

Un disco con diecisiete canciones en las que nos encontramos un tema como “Oficio” que cierra el disco que dura más de once minutos o “Gente que no” que solo dura dos minutos y unos pocos segundos. ¿Prima más lo que hay que contar que las bases de la canción en este disco?

Bueno, yo soy letrista y vocalista, es posible que a mí me prime más, pero Acid Lemon; que ha compuesto casi todo el disco, imagino que te diría que en absoluto. De hecho, creo que hemos trabajado la producción con bastante mimo y que en general hemos continuado con la mentalidad de LDS de hacer canciones ricas musicalmente, más allá de 16 barras, estribillo de una frase, 16 barras y scratch.

Con motivo del parón de Lágrimas de Sangre los Mc’s del grupo aprovechasteis para sacar vuestro disco en solitario. ¿Te ha sorprendido la gran aceptación que han tenido estos discos entre el público?

A ver, es que ha tenido más o menos la aceptación que podíamos prever, funcionando menos que cualquier disco de Lágrimas de Sangre, pero mucho más que el primer trabajo de un artista, porque nosotros tenemos nuestra pequeña plataforma. Aun así, queda mucho camino para consolidar nuestros nombres como artistas en solitario, y es bonito poder crecer y explorar nuevas cosas. Tanto mi compañero Still ill, que ha publicado un trabajo completamente en catalán “Alló que mai no mor”, como yo que he podido explotar mucho más el contenido de mis letras en “Oficio y terapia” estamos muy contentos de abrir estas nuevas vías sin dejar de lado nuestro compromiso con el público de Lágrimas de Sangre, y nos consta que el trabajo que está preparando Neidos va a ser un álbum conceptual que tampoco habría cabido en el proyecto común. Lo único que nos da penilla es que debido a la situación de pandemia no se han podido hacer hasta ahora presentaciones de estos trabajos más íntimos, aunque esperamos hacerles justicia en breve.

Sharif, Acid Lemon, Hazhe, MXRGXN, los compañeros de Lágrimas de Sangre… amigos, que se siente cuando escuchas estas colaboraciones en tus canciones.

Pues siempre es un placer y un orgullo contar con artistas de tantísimo talento, que le suman muchísimo al trabajo individual. En el caso en particular de Sharif, tiene además el componente romántico de que yo he sido muy fan de Fuck Tha Posse y de Tr3s Monos, entonces es bonito sentirse validado por un ídolo. Del mismo modo,

desde este romanticismo me hace mucha ilusión contar en el disco con Sample Corp y Berta Thomas, que son jóvenes talentos de mi pueblo, que recomiendo 100% y que me gusta alentar.

Este disco, es un disco que invita mucho a la reflexión. Quiero que me hagas una reflexión de lo que nos ha tocado vivir con el Covid19. Pensaste en algún momento cuando esto empezaba que quizás esta pandemia nos uniría más, que se tomarían soluciones a nivel global, que no veríamos las imágenes que estamos viendo de India… o tu tenías claro que el ser humano no tiene solución, ni que estando en las últimas reman todos al unísono.

Veo mucha desinformación y seguidismo, y cierta tendencia a no querer aceptar que el mundo está continuamente en proceso de cambio y asumir cualquier “noticia” con extremo pánico. Ahora hemos visto que de repente en todas las cadenas el tema central es la variante India, que se ilustra con imágenes de piras. ¿Es la variante del virus lo que les obliga a quemar cadáveres al aire libre? ¿O tal vez eso tiene más que ver con la situación de pobreza y desigualdad de la que los medios pretenden olvidarse? ¿O realmente los periodistas son tan idiotas que no han pensado en ello?

Creo que los medios de comunicación no quieren asumir su papel como educadores de la sociedad y se dedican a propagar el miedo más burdo, siempre al servicio del capital. No les veo meter miedo con que la policía esté matando indiscriminadamente manifestantes en Colombia, y eso que aquí también hay policía. Ni les veo meter miedo sobre los bombardeos en Palestina, y eso que aquí también hay aviones bombarderos. La verdad es que me gustaría que la gente dejara de una vez de sorprenderse o decepcionarse continuamente por cosas previsibles. Por ejemplo, respecto a las masas de jóvenes saliendo la primera noche tras el estado de alarma y todos los medios clamando al cielo porque no se lo esperaban y están decepcionados… Dejad de criminalizar a la ciudadanía. Si alimentan día tras día el individualismo, que no finjan luego sorpresa cuando la gente actúa desde el individualismo. ¿Nos quieren informados o aturdidos? No creo que el ser humano no tenga solución, pero desde luego la humanidad tiene uno o dos problemas…

Sé que escribir te gusta muchísimo…

Ahora que las redes sociales invitan solo a quedarnos con los titulares, y que se hacen titulares para que haya más clics. ¿Cómo ves el futuro de libros, prensa… al final se impondrá una imagen vale más que mil palabras?

Bueno, esto lleva mucho tiempo impuesto, no sé. Siempre va a haber gente idiota, pero ser idiota es una opción. La inmensa mayoría de la gente que es idiota lo es por voluntad propia, por el esfuerzo que ponen en ser idiotas. También te digo, que a mí me gusta muchísimo escribir, pero no tanto leer, así que no me gustaría llevar a error a la gente que lea esto. No es que yo creo que la gente es más idiota por no leer. Me refiero a que igualmente se puede ver una imagen o mirar activamente una imagen.

Lo que cada uno aprenda de la cultura que consume es decisión suya.

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Hablamos con Dani Calavera de American Ghost. Con un EP a sus espaldas “Ciao” que salió publicado en el mes de octubre del 2020 ahora regresan con un nuevo single “Dramas In A Bottle”. Vuestro primer Ep lo grabasteis en enero del 2020 y teníais pensado publicarlo en el mes de abril de ese año. Por todos es sabido lo que sucedió ese año en el mes de marzo. ¿Cómo vivisteis ese momento en el que nos mandaron a todos para casa y se olvidaron de la cultura?

Desde luego que ese punto de inflexión de la no vuelta atrás a nuestras vidas fue algo duro. La parte que se llevó la cultura obviamente fue bastante mala y la situación no daba alas a sacar trabajos descontextualizados con lo que entonces estábamos viviendo, al menos no a nosotros. Por eso quizá nuestro EP Ciao no vio la luz hasta unos meses después de lo planeado, por el propio ánimo general pensábamos que iba a pasar desapercibido. Finalmente nos encerramos en nosotros mismos como proyecto después de sacar “Ciao” para hacer algo que vibrase con la situación actual, eso fue “Dramas In a Bottle” y el resto de las canciones que están en proceso de grabación.

Un EP que se grabó en directo. ¿Por qué escoger esta forma de grabar?

Queríamos un disco íntimo, de sonidos muy orgánicos y muy fieles a cuando sonamos en un formato que tira más a lo acústico. Nos encerramos dos días seguidos en los estudios Westline y ese fue el resultado. Estamos contentos con el resultado, pero dista con el que planteamos el próximo LP en cuestiones de producción.

He visto en vuestras redes que este EP se puede conseguir en el formato de cassette.

Para que haya artistas de renombre que cobren regalías de plataformas como Spotify,

hay miles de grupos que regalan su música a estas plataformas ¿Es necesario volver a esos formatos como la cassette o el vinilo?

Todo es combinable. Las plataformas musicales reconocidas son un buen canal para la divulgación musical pero una fuente casi inexistente de ingresos. Por ello creo que a la hora de emerger como grupo hay que apostar por formatos físicos, que ante toda esta era digital creemos que tienen algo muy personal y mágico. ¿Qué grupos entrarían en esa recopilación de canciones para grabar en una cassette?

Pues un montón. Aunque yo lo asocio mucho a mi infancia y a los grupos que recuerdo más escuchar en ese formato. Dover, Linkin Park, Lenny Kravitz, Sôber, SFDK, Barry White, The Beatles, Camarón, Estopa, Los Chunguitos, Los Chichos y hasta los míticos boleros que escuchaba mi madre.

Creo que lo que más puedo recordar son recopilatorios de Nu Metal y de los Beatles.

En este primer EP nos encontramos con el tema “Bella ciao” canción popular italiana que fue adaptada como un himno de la resistencia antifacista. ¿Por qué incluirla en el EP? Creo que dentro del género de música sureña o americana me parece una declaración de intenciones para que se sepa a quién rezamos. Creemos que no hay que andar con medias tintas y tampoco deseamos que llegue público indeseado en ese aspecto, así que, aparte de que es un himno que nos encanta. Además gracias a él estamos pensando en cantar más en castellano.

Hablemos de vuestro último single “Dramas In A Bottle”. ¿Para este nuevo single habéis cambiado la forma de grabar en directo?

A necesidad del tema quisimos producir-

lo a lo rock/rap y con una potencia que un directo grabado obviamente no nos podría brindar fácilmente. Gracias a Álvaro del Toro (Delti) dimos con la fórmula perfecta.

Empezó siendo un tema acústico, como suele pasar en nuestro proceso compositivo, pero después le echamos un caldo grueso con el que estamos encantados.

Sobre esta canción, me gusta y muchísimo, la fusión que hacéis de la música americana y fusionarla con el rap, la electrónica y en la que colabora Ángel Mejía de The Outsider. ¿Os gusta experimentar, no sois de etiquetas, hashtag, big datas…?

Desde luego que ninguno de nosotros nos hemos encajonado en un estilo. Venimos de mundos diferentes en recorrido, como el heavy metal, el punk, el rap, el funk, rock 70’s y durante ese camino todos hemos sido curiosos y le hemos dado prácticamente a todo. Toda mezcla es bienvenida si está bien hecha y tiene gusto, como un buen cóctel. #Loquenosnazca En el videoclip de esta canción podemos ver locales cerrados, mascarillas, vosotros tocando en una sala… ¿Cómo pensáis que se ha tratado la cultura en esta pandemia?

Pues se ha maltratado más que otra cosa y eso es más que visible sobre todo en la parte de producción musical, divulgativa…

Sobre todo si estabas en camino de vivir de tu arte. Creo que ha sido un gran palo y espero que las mentes artísticas de este mundo hayan salido lo menos dañadas posibles para poder seguir brindándonos su chispa, necesaria para vivir. Creo que por parte de las administraciones habría que incentivar la recuperación de todo el sector, me parece de un peso vital.

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TO THE HELPLESS “A futile guide to modern living” es el título del próximo disco de esta banda, que nos lo van descubriendo mes a mes. Un disco basado en textos de Oscar Wilde. ¿Por qué Oscar Wilde y qué hay de él en este disco?

Oscar Wilde porque era un tío que no dejaba indiferente a nadie, que iba a contracorriente, que decía verdades de una manera muy ingeniosa, y que era bastante políticamente incorrecto. Lees sus textos hoy y siguen siendo contemporáneos e inspiradores. Cada una de las canciones está inspirada en una frase suya.

Cada mes vamos conociendo un single nuevo que se encuentra dentro del disco. ¿Por qué elegir esta forma de publicarlo?

Porque el concepto del disco habla de la modernidad, y en los tiempos que corren se sacan las canciones así. Además, en un año en el que no íbamos a poder dar conciertos nos parecía que tenía más sentido ir sacándolo en forma de píldoras.

En esta era que nos ha tocado vivir la de todo rápido, single… “A futile guide to modern living” es un disco conceptual. ¿Hay público para un disco conceptual?

A ver, si nadie te dice que este disco es conceptual funciona igual de bien. Tampoco es que seamos Pink Floyd, no deja de ser un disco de punk, rock alternativo y hardcore.

Si uno quiere adentrarse más en el concepto del disco puede también. Todo depende del tiempo que le quieras dedicar. Pero son 24 minutos de nada el disco, se te pasa volando, o eso hemos querido. ¿Es distinta la forma de componer y de trabajar a la hora de plantearse un disco conceptual?

Para mi personalmente es mucho más fácil componer desde un concepto. Es como una brújula, se lo que tengo que hacer y sobre los temas que tengo que escribir. Me da un orden y me deja muchas menos cosas al azar.

Comparando los temas que hemos podido escuchar de este nuevo trabajo con vuestro anterior disco “Catharsis” este nuevo tra-

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bajo suena fenomenal. ¿Habéis trabajado en este disco más en el sonido?

Eso es todo mérito de Álvaro Escri y de Diego Serrano. Los productores. En el tema sonido sobre todo mérito de Escri. Siempre trabajamos con él y en los últimos 3 años ha dado un salto cualitativo gigante. Además, grabar en La Chulona, su estudio, siempre es una experiencia increíble. Hace que todo fluya, tiene ideas buenísimas y le presta muchísima atención a los detalles, sobre todo a la hora de buscar sonidos, tonos etc…

Luego trabajar con Diego también se nota muchísimo. Sobre todo con la parte de arreglos, armonización e incluso estructuras hace que las canciones ganen muchísimo.

La diferencia de este disco con el anterior es que lo hemos grabado canción a canción.

Debemos llevar ya unas 12 sesiones de estudio y todavía no hemos terminado de grabar el disco. Nos ha permitido cuidar los detalles muchísimo más.

También hay una diferencia entre las canciones que hemos podido escuchar adelanto del nuevo disco ¿Es un disco más variado, más enriquecido por otros estilos musicales?

Definitivamente es un disco mucho más variado. Sigue siendo un disco enérgico, pero tocamos más palos. Queríamos ensancharnos más desde el plano compositivo y desde el sonido, las texturas etc… también.

En el single “New Punk Rock” colabora en los teclados Sergio Valdehita (Ivan Ferreiro, Sidecars…) ¿Vamos a encontrar más colaboraciones en el disco?

Pues sí. En principio los Sugus van a cantar con nosotros la sexta del disco. Y en la última vamos a meter arreglos de cuerdas y vendrá una violinista, alguien que toque el celo y alguien que toque la viola. Y ¿quién sabe? Igual cae alguna otra colaboración más.

En este tema “New Punk Rock” se hablan de cosas que incomodan a la gente. ¿Se ha normalizado lo que es el punk en nuestros días?

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Más que normalizado creo que se ha colectivizado. Cada vez es más un pensamiento único, y cada vez me parece más un espejo de las narrativas más extendidas y mainstream que un ataque a las mismas.

“Messed in the head” es hasta la fecha el último single publicado. He podido leer que esta canción es quizás una de vuestras composiciones más raras. ¿Esto significa que os gusta experimentar?

Si es de las más raras, pero porqué con nuestra música intentamos plasmar la emoción que hay detrás de las letras. En este caso es una canción que habla de la salud y la fragilidad mental y queríamos que la música fuese un poco locura. Más que experimentar, diría que lo que no nos gusta es decir que “no” a las ideas que surgen sin ningún otro motivo que el prejuicio o el miedo. ¿Qué grupos tendrían cabida en vuestra playlist?

Buah de todo, en este grupo se escucha de todo. Desde Dua Lipa hasta Cradle of Filth. En nuestra página de Spotify hay una playlist que se llama “starred” que es la mía personal. En ella se ven bastante bien reflejadas mis influencias. Y esa playlist al mismo tiempo seguro que no tiene absolutamente nada que ver con las playlist de los del resto del grupo. Todos escuchamos cosas distintas.

Entre los singles publicados hay un tema cantado en castellano “Si quieres, puedes” un pequeño homenaje al hardcore de los 80. ¿Fue esa década vuestra favorita?

No diría que es nuestra década favorita.

Pero si que echamos de menos ese positivismo, ese afán de superación, de valerse por uno mismo y de salir adelante que había en las letras del hardcore ochentero. Sinceramente creo que hay un poco de exceso de victimismo en las letras de hoy… Lo curioso es que la humanidad está progresando continuamente. Nadie puede decir que el mundo y la humanidad estaban mejor en los 80 que ahora.

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Estas sesiones llamadas “Live Session” nacen como de casualidad, cuando invitáis a Ahyvin Bruno a reinterpretar el tema “Ella” en directo como regalo de navidad para vuestros seguidores. ¿Qué fue lo que os llamó tanto la atención para apostar por estas “live sessions”?

Nos llamó la atención, en primer lugar, la sensación que se nos quedó al tocarlo con este equipo de músicos increíbles. Al ver el resultado, estuvimos muy contentos de romper el molde del que venía-

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mos, y el empujón final claramente es que el resultado gustó muchísimo entre el público, despertando la curiosidad de otros contextos musicales en los que no estábamos orbitando. Y teniendo en cuenta que estamos a punto de presentarlo en los cines a nivel nacional... es natural mirar hacia atrás y valorar las cosas que nacen de las decisiones más pequeñas Vendrían más después, más videos en este formato, más colaboraciones de artistas

en los videos… Cuando se decide grabar el concierto de Lleialtat Santsenca los días 29 y 30 de noviembre del 2019.

Pues la idea se gestó sin forma creo que a las 24 horas de acabar el del hangar en 2018. Pero, formalizarse como tal, fue en julio de 2019. Decidimos que la historia no podía quedarse así, sobre todo porque en la anterior edición, sin ser muy conscientes de lo que nos iba a salir, cometimos el garrafal error de no grabarlo por falta de presupuesto e imprevistos vitales varios.

gos Txarango, Stay Homas, Ahyvin Bruno, Niño Maldito, Sr. Wilson y otros muchos más. ¿Qué han aportado todos estos artistas a las canciones de La Sra. Tomasa?

Su sabor, su locura, su arte, dulzura y mala leche y después de atravesar esta fase, su amistad, generosidad y convivencia. ¿Ha tenido el sonido un trato especial para poder llevar “La historia se repite: Live Sessions Show” a la pantalla grande?

Pues la verdad es que no. El único trato especial es el saber hacer y el arte de ordenar en el espacio y planos todo aquel pitoste de la mano de Manuel Larrosa a la mezcla. No hay cortes, ni edición. Las impurezas son la parte que hace más auténtico ese momento, y que así sea realmente único e irrepetible. Es una obra de arte de Manu, un trabajo del que le estamos muy agradecidos y orgullosos de él.

Estas live sessions tienen de especial que el público abriga, rodea al grupo. ¿Por qué de hacerlo de esta forma y cómo lo sentisteis? Os gusta más esta forma de directo más que la convencional, con el público al frente, encima de un escenario.

No es comparable. Es otra historia. Lo convencional nos hace añorar estos proyectos. Y la complicación, esfuerzo y horas de no sueño nos hace añorar la convencionalidad. La respuesta sería algo así como: Nos gusta mucho más las dos.

De ver este formato en vuestras cabezas a llevarlo al directo imagino que han tenido que salir inconvenientes que habéis ido solucionando según llegaban esos problemas. ¿Ha habido algo en especial que haya costado llevarlo al directo?

Siempre surgen problemas, pero al no haberlo hecho nunca y que el equipo técnico es impecable. Jugamos con lo que teníamos, espacio, sonido luces y atrezzo.

Cuando la gente es tan profesional, las ideas se amoldan al espacio, y no al revés. ¿Durante cuánto tiempo se preparó el concierto?

Pues la verdad, fueron en total 5 ensayos (banda, colectivo y cantantes) evidentemente con todo el directo producido y con arreglos. Aunque siempre, el factor de la magia de cuando se toca hace que todo agarre sentido. Sincronizar la vida de casi 20 personas con vidas muy dispares y ocupadas debido a que son artistazos es difícil, y lo más fácil fue lo sencillo que nos lo pusieron a base de ganas e implicación Por ello decidimos volverlo a hacer, y grabarlo con la intención de tener un recuerdo más allá del que se retiene a través de los oídos y retina.

ciudades… y probando suerte, con la impecable seriedad de Guspira Management, la propuesta llegó a Cine Yelmo, que al ver el resultado aceptó hacer esta “cosa distinta”.

Cuando visteis el material grabado ¿qué pensasteis en un primer momento hacer con el?

Aunque eso de proyectarlo en los cines a nivel nacional no era más que una locura más (como otras que al final acabamos haciendo). Luego surgió la idea de otras

¿Qué significa este hecho para La Sra. Tomasa? Verse en pantalla grande.

Pues el fin de un sueño un día no tenía forma, y el inicio de otros que aún no la tienen.

Una Live Sessions repleto de grandes ami-

Una vez pasada en el cine “La historia se repite: Live Sessions Show”, ¿habéis pensado en publicarlo de alguna forma, DVD, Youtube…?

Evidentemente es la idea es que acabe siendo vuestro. Pero creemos que el resultado merecía que las primeras proyecciones fueran así.

Debido al Covid 19 y la suspensión de la música en directo el mundo de la cultura ha estado hibernando, músicos...

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...reinventándose, salas que han cerrado, medios de comunicación que han desaparecido… ¿Cómo ha llevado esta pandemia La Sra. Tomasa?

Como todo el mundo, con el mayor optimismo que podemos. Es verdad que íbamos con un proyecto muy serio y un disco que iba fuerte con casi una cuarentena de fechas cerradas y muy contentos, pero a pesar del golpe que supone, estamos tranquilos. No es una nube que nos llueva a nosotros solos y sólo podemos responder a la adversidad de esta manera, haciendo cosas pensadas y no a lo loco. ¿Cómo veis que se ha tratado la cultura en este país?

Pues se podrían decir un montón de cosas y ninguna bonita. Pero esencialmente, se ha tratado sin conciencia alguna. Sin capacidad de prospectiva y poniendo en peligro algo que es de todos y forma parte de nuestras vidas. Está herida de muerte.

Pero, por otro lado, hay que ser justo y esta injusticia no nos salpica a nosotros solos. La gestión global ha sido vergonzosa, empezando por el trato y desgaste del personal sanitario, siguiendo por lo herida que está la hostelería, la irresponsabilidad en cuanto la aplicación de medidas en algunos sectores en comparación a los transportes públicos y privados, en fin, la eterna historia de este país.

Sabéis que para mí sois un grupo puntero de este país, que vuestros discos me tienen enganchados. Pero escuchando y viendo estáis live sessions he redescubierto una nueva La Sra. Tomasa. ¿Habéis sentido vosotros esta misma sensación?

Totalmente. Nos encanta, y a la par nos abruma esa sensación. Pero el sentir que acabaremos haciendo lo que nos da la gana alienta mucho.

E R G N A S E D S A LAGRIMARRASA MADRID” “

Un teatro, una matinal… ¿Es este un buen sitio para disfrutar del mejor grupo de Hip Hop nacional?

Toda una sorpresa. Lleno hasta la bandera, con un público muy joven entregado desde el principio para disfrutar de la propuesta musical de estos seis grandes artistas que se entregaron como si no hubiera un mañana.

Habéis estado por toda Europa en multitudinarios festivales como el Sziget Festival (Hungría), Low Lands (Holanda), Pole Pole (Bélgica), Mare de Agosto (Portugal) entre otros. ¿Pensáis llevar este formato de directo fuera de España?

Ojalá. Nos iríamos persiguiendo el horizonte con este equipo. Pero no es tan fácil y brillante el mundo de las “producciones propias sin marcas ni empresas que apoyen” Sois una banda que viaja mucho por Europa, ¿es esta faceta la que actualmente estáis echando más de menos?

Echamos de menos el cansancio del que pretendíamos huir. Eso lo puedes extrapolar a cualquier caso.

Durante esta pandemia los conciertos han sido inexistentes, sobre todo festivales y multitudinarios, algunos se han podido ver en alguna sala pequeña con aforo reducido.

Imagino que ganitas de directo hay en el grupo, son muchos los seguidores que les gustaría veros por latinoamérica, cuando esto empiece a mejorar ¿habría posibilidades de disfrutar de vuestra música en latinoamérica?

Habéis desvelado nuestro sueño. A ver si proyectando algunos más que nosotros mismos podemos cumplirlo.

Con un sonido espectacular, una puesta en escena que hizo las delicias de los allí presentes.

viviendo primero me hacía feliz y me sentía seguro, todo el mundo respetaba las normas, sólo deseo, que esto pase lo más pronto posible y pronto volvamos a esa normalidad que teníamos antes de esta maldita pandemia.

Una a una fueron cayendo los temas más emblemáticos del grupo de sus tres discos, a LSD por suerte los conozco muy bien y desde hace muchos años, me hubiera gustado que vieran las caras de admiración con la que el público estaba viviendo el show, como sus letras se las convierten en herramientas para llevar mejor su día a día que por desgracia no es fácil para muchos..., ya sabéis trabajo, viviendo, sueldos precarios… nuestra juventud está sufriendo y esto es una forma de desahogarse, de ser un poco más felices.

Gracias LSD por ser como sois, buena gente, grandes artistas…

Al final puede hablar con algunos asistentes, sus palabras eran elogios hacia el grupo, lo que más decían, ha sido increíble, somos una familia.

En un momento que el grupo comentó como habían vivido esta pandemia y que comentaron que todavía teníamos que tener cuidado, que viviéramos a tope del show, pero sin levantarnos de nuestros asientos y con las mascarillas puestas, me pregunté por qué nos habían encerrado al mundo de la cultura, si lo que allí estaba

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Corría el 2018 cuando Chica Sobresalto se pasó por nuestros estudios para presentarnos su disco “Sobresalto”. Antes había ganado los Encuentros de Arte Joven de Navarra organizados por el Instituto Navarro de Deporte y Juventud. Participó en la edición de Operación Triunfo 2020 y hace unos días publicaba su nuevo trabajo “Sipnosis” con el sello discográfico El Dromedario Records.

La primera pregunta casi es obligada. Son muchos los artistas que han pasado por Operación Triunfo y a su salida siempre se les ha relacionado con ese concurso, y en ocasiones no ha servido de gran ayuda a lanzar sus carreras. Pero en tu caso es distinto, todos los medios quieren saber de ti, de tu música… ¿Por qué crees que está sucediendo esto con Chica Sobresalto?

Supongo que cada proyecto es distinto, con unas necesidades distintas y me gusta pensar que lo estamos enfocando bien, intentamos que todo sea coherente y trabajamos en que todo tenga la mejor calidad posible, creo que esto no tiene nada que ver con haber pasado o no por un programa de televisión. De todas formas a mis compis también les está yendo muy bien y hay proyectos muy pero que muy preciosos. Ojalá nos dure mucho tiempo.

Nos repiten tantas veces que por el hecho de haber ido a OT, nadie se acordará de nosotras en un año, que es difícil a veces no caer en una bajona. ¿Qué ha significado para ti el paso de Operación Triunfo y con qué te quedas de este concurso?

Romper un techo de cristal que me estaba costando romper, un escaparate en el que poder mostrar lo que hago y que cada cual pueda elegir si quiere acompañarme o no. Y por supuesto conocer gente increíble, ponerme en situación de incomodidad para aprender etc.

Uno de los discos que más me gustan de lo último que he escuchado este año es el disco de Ciclonautas “Camping del hastío” un disco de rock sin complejos y en el cual has colaborado en dos temas. ¿Tienes alguna preferencia por algún estilo musical?

No, voy haciendo un poco lo que siento y lo que me apetece, ha sido muy guay colaborar con Ciclonautas, y a su vez con Veintiuno, haciendo cosas que en un principio pueden ser contrarias, pero se unen en que son gente increíble, haciendo música de corazón.

Diez canciones son las que componen este nuevo disco. He podido leer que has intentado buscar una relación entre los temas de este disco. ¿Lo has conseguido? ¿Se puede decir que es un disco conceptual?

Bueno, es conceptual en el sentido de que hay un hilo conductor y una etapa de mi vida que las marca, pero también puede que te encanten dos temas del disco y no te gusten nada otras canciones. Hay un poco de todo, a la vez que un concepto que las une, y sobre todo mi banda y yo, que somos un poco la esencia siempre.

La edición física del disco viene con 10 láminas con un dibujo para cada letra ¿Quien se ha encargado de esos dibujos preciosos y qué representan?

Los culpables de esta maravilla son Ibai Sanz y Álvaro García, guitarrista y amigo de la banda respectivamente. Lo han hecho con tanto mimo y cariño que creo que se siente cuando abres el disco.

Algunas letras de este disco han salido del confinamiento. ¿Cómo ha afectado este confinamiento al disco?

En mi caso fue un momento de locura, me acabé rindiendo al caos y acabó siendo un momento muy introspectivo, de rebeldía, un de aprender a valorar lo realmente importante.

Muchas de estas letras cuentan historias muy personales, como la nana que le escribiste a tu abuelo cuando estaba en el hospital en sus últimos días de vida, de sexualidad, de tu prima Laura… ¿Es una terapia el escribir para ti?

Siempre he creído que era una terapia para mí y que quizás por eso no necesitaba terapia, pero recientemente me he dado cuenta de que me equivocaba. Sí que es necesario para mi bienestar, me sirve de autoconocimiento, pero en mi caso, necesito a mi psicóloga. Ella me ayuda a gestionar todo esto que experimento con las canciones.

El disco ha sido producido por Santos & Flauren. Se que los descubristes a través del disco de Love Of Lesbian “1999”. Hubo un antes y un después para ti. ¿Qué fue lo que cambió este disco en ti y cómo ha sido trabajar con ellos?

Love Of Lesbian me enseñó como una canción puede ser un universo dentro de un mundo muy propio que ya es la banda en sí.

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¿Te imaginas cómo debería sonar una banda Punk Rock HC que tiene influencias con el Jazz, Rock and Roll, swing a lo Little Richard y Brian Setzer en nuestro idioma? Y que además en esa banda esté el gran guitarrista Eduardo Zamora Ex integrante de Tierra Santa y Sátira. Ellos son SIN OFICIO escucha su último single ¡Hoy Si!

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SÔBER Ya está a la venta el nuevo trabajo de Sôber, decimoquinto disco del grupo que lleva por nombre ‘ELEGÍA’. ¿Cuando uno lleva tantos discos a sus espaldas, qué busca a la hora de hacer un nuevo disco?

“Pues realmente no vas buscando nada.

Simplemente lo que quieres encontrar es que las canciones te motiven, que se te sigan poniendo el vello de punta, y disfrutando con lo que haces. Respetando, por supuesto, la esencia del grupo, pero hay que ser sincero con uno mismo. De ahí viene que en unos discos tardes más que en otros. Desde ‘Vulcano’ hasta este ‘ELEGÍA’ han pasado casi cinco años, y ese ha sido el tiempo necesario para encontrar los mejores temas y que nos llegaran al corazón”.

“Mi heroína” fue el primer single que se extrajo de este nuevo disco. Una canción dedicada a la figura de las madres. He podido leer, un comentario de un fans vuestro, el COVID se llevó a su madre hace poco y dice: “que ahora es el momento de sacar los dientes por todo lo que ella quería que lograra…” ¿Qué siente uno al leer o escuchar esto de sus fans?

“Mi Heroína” es una canción dedicada a las madres y un homenaje a la fertilidad.

Si ves el diseño del álbum, junto a la letra aparece el dibujo de la Venus de Willendorf y, de alguna manera, es un reconocimiento, un homenaje. Y leer que uno de los fans que ha perdido a su madre por la Covid se siente identificado con la canción y que, de alguna manera, le ha dado fuerzas para tirar hacia delante es todo un orgullo como compositor. Esa canción al final ya no es ni mía, ni de Sôber, sino de todo el público que la escucha y se siente identificado con ella”.

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Debido a la pandemia muchas salas de conciertos han cerrado, músicos trabajando en Amazon, así como técnicos de sonido, encargados de luces… medios especializados en música cerrados… ¿Cómo veis vosotros que se ha tratado a la cultura en este país por nuestros gobernantes?

Pues la verdad es que es muy triste y hemos vivido una época muy dolorosa. Ver que a un músico, que lleva muchísimos años dedicándose a lo que se dedica, se le prohíbe (de alguna manera) poder hacer su trabajo sin darle ninguna otra alternativa, es doloroso. Nos hemos sentido todos muy damnificados y muy excluidos. Durante el confinamiento se ha consumido mucha cultura, música y cine, sin embargo, nuestros gobernantes no han apoyado a los creadores, a los artistas en nada, porque para una triste ayuda que había de autónomos... resulta que tenías que cumplir una gran cantidad de requisitos. La mitad de los músicos a los que nos pilló componiendo no los cumplíamos, con lo cual, no hemos tenido ningún tipo de apoyo. Se nos ha dejado de la mano de Dios e indefensos.

Eso hace que te sientas rechazado, como excluido de parte de la sociedad, cuando, al fin y al cabo, eres parte primordial de la vida de la gente, como se demostró cuando no podíamos ni salir de casa”.

“E-L-E-G-Í-A” así escrito ¿tiene algún significado especial?

No, en realidad fue algo sólo estético.

Buscábamos que el título también tuviese ese punto que siempre nos diferencia, dar una vueltecita de tuerca... pero, en realidad, ‘ELEGÍA’ el significado que tiene es el de la propia palabra.

Vuestro primer disco salió en 1996 “Torcidos”, éramos unos adolescentes, mu-

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chos ya somos papás, de hecho, la portada del disco, está creada por Dianna Escobedo hija de Carlos Escobedo. Aun se me pone la carne de gallina cuando recuerdo la primera vez que os vi en ese MetroRock en el metro de Madrid, repleto de adolescentes demandando rock, cambió, interés por descubrir nuevas bandas… ¿Creéis que el rock ha envejecido bien? ¿Hay un público adolescente? ¿Ansía el público descubrir nuevas bandas?

Bueno, yo creo que el rock no ha envejecido, los que envejecemos somos nosotros, con lo cual la música rock sigue estando muy viva. Quizás las nuevas generaciones tiran más hacia el trap o el reguetón, pero yo creo que sí que hay un público al que le gusta el rock, que lo ha mamado en casa o que se lo ha puesto su hermano mayor y le ha enganchado. De hecho, el público de Sôber de las primeras filas es bastante joven, y luego un poco más atrás, está la gente de nuestra edad, los que nos siguen desde hace tiempo. En cualquier caso, creemos que sí que hay un cambio generacional en el rock y tratamos y luchamos porque nuestras producciones sigan estando a nivel bastante actual para que la gente joven se pueda enganchar a una banda como Sôber, con una larga trayectoria detrás.

El siguiente single fue “Verona” del cual se realizó un videoclip. Leyendo los cientos de comentarios de este video me encuentro con uno que dice: “Que lástima que un grupo tan bueno no sea famosísimo, por favor sigan haciendo música son demasiado buenos.”¿Habéis pensado alguna vez qué hubiera pasado si Sôber se hubiera formado en EE.UU.? ¿Hubiera sido otra la película?

No lo creo. Creo que un grupo como Sôber en EEUU hubiese pasado también un poco desapercibido porque había muchas bandas haciendo lo que Sôber estaba haciendo. Considero que uno de los alicientes fuertes fue que aquí en España nuestro estilo no era algo que estuviera muy generalizado. Teníamos ese rock urbano, por parte de Barricada; una parte mucho más cañera, con Soziedad Alkoholika; y, digamos, que en la parte del rock más clásico que existía en España, ya estaban Barón Rojo o Obús. Entonces salía un grupo como nosotros, y era un poco difícil ubicarlo. Yo creo que, a día de hoy, nos sentimos muy orgullosos. Hay gente que dice eso de que Sôber es un grupo que no ha sido muy valorado, pero no lo veo así. Echo la vista atrás y veo casi 400.000 discos vendidos, centenares de conciertos dados, y el hecho de que, después de 25 años sigamos dedicándonos a la música cien por cien, para mí ya es un reconocimiento más que grande. Y el séquito de fans, con la autenticidad que tienen nuestros fans, es el mejor regalo que pueda tener un artista.

‘ELEGÍA’ sale publicado en vinilo con una edición deluxe en formato libro de tapa dura junto la versión en CD y el código de descarga digital y el formato CD también de tapa dura. ¿Tenéis vosotros alguna predilección de formato para escuchar música?

Yo personalmente sí. Creo que de ahí viene un poco el empeño que hemos puesto en el vinilo. Somos de tenerlo en la mano, de poder acariciarlo, tocarlo, olerlo, de poder leer las letras a un tamaño que, a nuestra edad, lo podamos ver... Nosotros apostamos por el vinilo como formato, aunque otra cosa es que luego, diariamente, tú escuches la música de una manera más sencilla, en plataformas digitales, porque ya ni los coches llevan lector de CDs. Al final una cosa es donde tú escuchas la música, y otra el formato donde compras la música.

Hace unos meses me llegaron las regalías que recibía Britney Spears en Spotify con su primer single, eran millones de dólares… Me vino a la cabeza la cantidad de grupos que publican su música en esta plataforma y que sus regalías son pocas o nada, pero que son necesarios para que la maquinaria de Spotify viva. ¿Una banda como Sôber puede vivir del mundo digital?

Creo que la parte digital, a un grupo como Sôber, no le aporta mucho. A la compañía sí le está aportando un poco más, quizás por eso se siguen sacando discos, se siguen haciendo producciones... pero, realmente, un grupo de rock, si no es por los conciertos, no puede mantenerse. Ahí lo más importante es que la gente siga apostando por ir a ver conciertos y disfrutar la música. El 90 por ciento de los ingresos que puedan llegar a tener unos artistas como nosotros son los conciertos.

El tercer y último single antes del lanzamiento del disco fue “Eclipse”.

Siempre habéis estado a la vanguardia de la innovación. En este caso en el videoclip se mezclan imágenes reales con animaciones en 3D. Recientemente se ha creado una empresa para ver conciertos en 3D. ¿Pensáis que esta herramienta sustituye a los conciertos? ¡Qué va, qué va! Yo creo que un concierto es una experiencia que hay que vivirla, y jamás vas a poder hacerlo si no estás allí. Por mucho que las nuevas tecnologías (el 3D, el sonido surround...) avancen, al final creo que un directo tiene una magia especial. Es irrepetible. Lo que te ofrece la tecnología puede curarte un poquito ese gusanillo, pero por mucho que trates de captar la esencia nunca será igual. Los conciertos en streaming (o alternativas parecidas) nunca van a sustituir a un concierto en vivo y en directo y no creo que lo haga jamás.

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Durante meses ha sido una de las artistas más votadas en el programa de radio de LH a Todo Ritmo, programa de radio que se hace en LH Magazin Radio.

Y es que su segundo disco “AHO UHAL” es un disco en el que perderse, un disco repleto de matices, sentimientos, y con el que pasar buenos ratos. Un disco que ha nacido en la oscuridad de la noche. ¿Es la noche el momento álgido de Olatz Salvador?

Diría que sí. La noche me inspira mucho y, paradójicamente, también despierta cosas en mí. Hay menos estímulos y es un buen momento para encontrarme conmigo misma. La oscuridad ha representado para mí, a parte de lo evidente, un lugar donde no nos gusta acceder y donde podemos encontrar cosas de nosotras mismas que no son tan fáciles de gestionar.

Este es un disco que mira más para adentro que tu anterior disco ¿Te ha servido como terapia? ¿Se pueden poner barreras a la hora de escribir para intentar contar lo menos posible y no sentirse uno desnudo?

La verdad es que sí que me ha servido como terapia, aunque también estoy en un proceso terapéutico con una psicóloga en el que me estoy conociendo más y aprendiendo mucho. Claro que se pueden poner barreras, todas las que cada cual quiera o necesite, pero a mí no me sirven. Si voy a crear algo, necesito desnudarme y contar la verdad, o al menos, mi verdad. Eso implica la exposición que puede suponer publicar mis canciones, pero luego veo que mucha gente se siente identificada con ellas y siento que merece la pena colectivizar esos sentimientos. ¿Crees que estamos viviendo un momento en el que la tristeza, llorar… no está bien visto, todos los días en las redes sociales vemos caras felices, buenos momentos, viajes…?

Nunca ha estado bien visto estar triste. No nos han enseñado a mostrar otras caras de nuestra personalidad o nuestro estado de ánimo y a la gente le incomoda el hecho de que alguien llore en presencia de más gente, por ejemplo. Creo que hay que romper con esa hipocresía de mostrar realidades que no se corresponden con una misma y, como bien planteas, las redes sociales no ayudan.

Se está demostrando que generan mucha ansiedad, sobre todo, en las personas adolescentes. Veo muy necesario, y más ahora, que seamos fieles a lo que sentimos y no tengamos miedo de mostrarnos vulnerables.

La mayoría de las canciones han nacido durante el confinamiento. ¿Cómo viviste ese momento y cómo ha afectado a la hora de escribir las canciones de este disco?

Lo viví en una etapa de transición de mi vida, en la que, casualmente, había vuelto a casa de mi madre. Dentro del shock y todas las preocupaciones que tenía, como toda la sociedad, me tocó un entorno donde me sentí muy cuidada y agradezco mucho a mi madre y a su pareja por acogerme con tanto cariño.

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También tuve espacio para crear, aunque sentía que estaba también un tanto seca, sin muchas ideas para componer. Luego fueron saliendo cosas que partían de letras que no había escrito yo o basadas en poemas, como la canción ‘Eskuekin’, que escribí basándome en el poema ‘Con las manos’ de Gatta Cattana.

A parte de tu proyecto en solitario, tocas el teclado en un grupo llamado Skakeitan. ¿Cómo ha afectado este covid19 al grupo?

Pues nos pilló en el peor momento posible. Habíamos hecho una gran inversión de energía, tiempo y dinero en un disco con una producción súper cuidada y mezclado por Eliot James, un productor muy consagrado de Londres. Teníamos ya el año repleto de bolos, algunos de ellos en Mongolia, Corea y Japón. Ha sido un golpe muy duro y hemos atravesado una situación muy dura para el grupo.

Un disco que ha sido producido por el gran Pablo Novoa (Nacho Mastretta, Josele Santiago, Iván Ferreiro, Los Enemigos, Los Ronaldos, Julieta Venegas…) ¿Qué escuchaste de Pablo que te hizo pensar que fuera el productor del disco?

Si te digo la verdad, no fue idea mía, sino de mi manager, Ñako, que siempre está a un paso más que yo en todo. Tiene muchas ideas y mucha ambición y fue él quien me lo presentó y me animó a que colaborara en el disco, tanto en la producción, como tocando la guitarra.

Pablo se implicó a tope desde el minuto uno y la verdad es que ha sido un gran descubrimiento.

Cuentas con la colaboración en un tema de Rozalen “Ahots Hari” en el cual Rozalen canta por primera vez en euskera. ¿Cómo la conoces y cómo le planteas hacer un tema en euskera?

La conocí en la zona de artistas del festival Viña Rock, aunque ella probablemente no se acuerde, porque cada minuto estaba con alguien distinto que se acercaba a conocerla. Yo le dije que me haría mucha ilusión que ella tuviera un disco mío, aunque no entendiera nada, porque estaba en euskera y ella me dijo que le haría mucha ilusión cantar en euskera alguna vez. Meses más tarde, al acordarme de esa conversación, pensé que, aún siendo poco probable, teníamos que intentarlo. Ha sido un gran acto de generosidad por su parte.

Pero también están Ivan Ferreiro, Idoia Asurmendi… ¿Cómo fueron surgiendo estas colaboraciones y les propusiste tú las canciones o eligieron ellos?

Fui yo quien les lanzó la propuesta de colaboración, aunque no directamente, ya que, por ejemplo, en el caso de Ivan, es Pablo quien tiene una relación con él y, por tanto, ha hecho de intermediario para que Ivan colaborara. En su caso, creo que no es la canción en la que él querría colaborar, porque la tiene muy trillada y creo que él sintió que quería hacer algo diferente, por lo que apostó por meter muchos efectos y crear algo más innovador. En el caso de Idoia, era una artista que ya apuntaba maneras desde su comienzo y yo la descubrí can-

tando una cover que me gustó mucho, así que pensamos que sería bonito intercalar gente de gran renombre con gente que estaba en sus comienzos. ¿Qué significa para ti “Promesas que no valen nada” de Ivan Ferreiro?

Es una canción que escuché muchísimo durante mi adolescencia y por eso me hacía mucha ilusión incluirla en este disco. La letra me atraviesa de alguna manera y además no pierde el sentido para mí. Una amiga me escribió una frase de esa canción en una servilleta y la guardé durante mucho tiempo, tenía mucho sentido para mi. Tengo muchas ganas de reencontrarme con ella, porque llevamos años sin vernos, y decirle: mira lo que he hecho.

Entre los grupos que te gustan podríamos encontrarnos a Berri Txarrak o Nina Simone. ¿Cómo sería tu playlist?

Mi playlist abarca un espectro bastante amplio por la variedad de música que escucho. Mi familia ha sido muy jazzera y he mamado mucho esto, aunque no sea lo que más escuche. Dependiendo de la etapa vital en la que me encontraba, las canciones iban variando, aunque es cierto que el pop-rock siempre ha estado ahí. También escucho bastante música con bases electrónicas y me gusta mucho la combinación de baterías electrónicas y sintes con instrumentos orgánicos como la guitarra, el bajo y la voz, tal y como se puede apreciar en mi disco. Por otra parte, he escuchado bastante música popular, que puede abarcar desde una Mercedes Sosa a un Silvio Rodriguez. En mi playlist podríamos encontrar desde la balada más intensa hasta la cumbia más absurda. Me gusta esa combinación, porque la vida también es así. ¿Cuáles son tus sueños utópicos y crees que con la música se puede cambiar el mundo?

Qué pregunta más difícil. Mis sueños utópicos podrían ser bastante tópicos, como la justicia social y la paz en el mundo, pero, al estar tan lejos, sí que intento aportar mi granito de arena para que las cosas que no me gustan cambien. Estudié psicología para ello y he trabajado en el ámbito social, porque me aporta mucho sentir que estoy haciendo algo para mejorar la vida de otras personas. Ahora, en mi pequeña escala, puedo llegar a sentirlo mediante las canciones, por el tipo de feedback que he recibido. Me he dado cuenta de que mis canciones han estado en todas las etapas de la vida humana, y eso es algo grande.

Darme cuenta de que estoy acompañando a alguien, incluso sin llegar a saberlo, en una etapa importante de su vida, me hace creer que esto puede enriquecer a personas. Yo siento que hay canciones que me han salvado y ojalá alguna canción mía pueda salvar a alguien, o sacarle una sonrisa, o darle un poco de oxígeno en un momento duro. Leí en alguna parte que la música puede cambiar a las personas que pueden cambiar el mundo, así que, aunque me parezca un tanto optimista, me quedaré con esa idea.

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Es un enorme placer volver a saludarte Gisela y hablar de tu nuevo single con el cual me has vuelto a sorprender a mi, y a los oyentes de mi programa. “Así nos queremos” ha entrado directo al número uno…

Nuevo single que habla del miedo de estos primeros pasos que se tienen cuando una relación de amistad quieres que se convierta en algo más. Es una composición de Belen Moreno ¿Has sentido esto alguna vez?

Creo que con este tema no solo me siento identificada yo, sino todas las personas que lo escuchen independientemente de su edad.

Recuerdo siendo adolescente que una frase que me decían mis amigas era “Somos buenos amigos”. Eso cuando uno quería algo más, era doloroso, se te cortaba la respiración… ¿Qué tiene esta canción para que sea el primer adelanto de tu segundo disco?

Es una canción que agarra de la mano a los temas restantes de “Dieciocho”; además de ser muy movido y fresquito. ¿Qué sentiste cuando leíste esta letra de Belen Moreno?

Como con todos los temas que tengo en el mercado, he sentido esa conexión directa y especial que hace que escoja los temas; para mi es muy importante tener una conexión con cada una de las canciones que me hacen y que hago.

De este single se ha rodado un videoclip que cuenta muy bien la historia que narra la canción. ¿Te gustan más estas letras que tienen un principio y fin, que esas letras, que dejan a la libre interpretación del oyente?

Me gusta y creo que es necesario que cada oyente interprete las letras a su forma de sentir y vivir.

“No” fue tu primer videoclip, de esto ya han pasado unos añitos. ¿Cómo te ves ahora como actriz en este nuevo video “Así nos queremos”?

Estoy muy orgullosa de mi evolución, hace 3 años no me hubiera imaginado ser capaz de hacer lo que a día de hoy estoy

haciendo, personalmente y artísticamente veo una evolución muy positiva hacia mi persona. ¿Dónde disfruta más Gisela Hidalgo rodando un videoclip o en el estudio de grabación?

Son dos sectores totalmente distintos, pero en el rodaje del videoclip suelo tener más anécdotas graciosas.

Para grabar este nuevo trabajo has contado con Fernando Caro y la colaboración de Jesús Chávez de Estudios Pelícano en la producción . ¿Cómo ha sido la experiencia?

Trabajar con grandísimos profesionales facilita mucho el trabajo, además de que el resultado es insuperable; me siento afortunada de poder trabajar con personas tan importantes en el mundo de la música, ha sido una experiencia que repetiría una y mil veces más.

Recuerdo que en una anterior entrevista me decías que tu próximo disco llevará por título “18” la edad que tienes. ¿Sigue en pie este título y se van a ir entregando poco a poco las canciones?

Sigue en pie ya que el número “Dieciocho” es muy importante y especial para mi, en los próximos meses iremos anunciando adelantos y sorpresas por redes sociales.

Si “Mi paz” me pareció un gran disco, siento que con este single hay una madurez increíble en todos los aspectos, voz, música, producción… ¿Qué buscas en este nuevo trabajo?

Hemos querido marcar ese paso de la “mayoría de edad” intentando buscar una madurez y sonidos más nuevos sin olvidar la esencia de Gisela Hidalgo. ¿Tiene que ver la evolución de la que estamos hablando con la música que estás escuchando actualmente?

No lo creo, pienso que esta evolución viene a raíz de la experiencia y el trabajo, siempre me gusta recordar esta frase “ una persona deja de crecer, cuando deja de aprender” y creo que esta frase encaja mucho conmigo y con esta pregunta.

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S A R R A K N PU S A G L U P S A MAL Desde el pueblo de Andorra (Teruel) llegan Punkarras a presentarnos su segundo disco “Pánico a vivir”. Un disco con un aire festivo, pero que cuenta en sus letras los problemas con los que nos encontramos en nuestro día a día. ¿Se puede hacer música festiva y hablar de problemas tan serios como la eutanasia, el drama de las pateras…?

Tratamos punto de todo tipo, social, económico, político, de lo rural, sobre todo porque estamos en una zona de ámbito rural y todos pertenecemos a ese mundo rural y son mensajes que queremos transmitir y son mensajes que tienen que llegar a la gente y que no se olviden de que existen este tipo de provincias, Teruel, Soria, Cuenca... que están vaciándose poco a poco, pero que existen grandes grupos que están sacando letras que pueden llegar a diferentes partes del territorio e incluso del mundo.

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Respecto a eso vosotros tenéis un tema “Salgo a Caminar” en el que habláis de vuestro pueblo, de lo que era y en lo que se ha convertido…

Es un tema que habla del auge de la economía, de como vinieron y nos explotaron, sacaron toda la producción de carbón que había en la zona, instalaron empresa pues que daban mucha vidilla al pueblo, era muy bonito ver el pueblo lleno de gente y ahora lamentablemente tenemos que ir a estudiar fuera, tenemos que ir a trabajar fuera, tenemos que ir a buscar cierto recursos fuera, dejando de lado donde hemos nacido, donde nos hemos criado y sobre todo a nuestros familiares.

El disco contiene 14 trallazos tarareables, pero hay otra canción que me ha tocado mucho y en el cual colabora Fernando de Reincidentes “Horizonte Criminal”. Una letra que habla de los muertos en el estrecho. Este tema lo escribisteis hace tiempo

¿Qué sentís cuando se tiene este tipo de letras guardadas y ves que pasado el tiempo están de plena actualidad?

Pues pena, ver que la situación sigue igual, tanto en nuestro Estado como en Europa, ver que todos miran para otro lado, de miles de vidas que se están quedando en el mar, en busca de un futuro, en busca de un paraíso, en busca de un mundo mejor.

De la producción del disco se ha encargado Iker Piedrafita. ¿Qué fue lo que visteis en Iker para que se encargará de la producción del disco?

Fue a través de Alternativa Management que lleva también a otros grupos como Isabel Marco, Zancada… El año pasado nos reunimos y vimos la forma de trabajar juntos y nos dijeron que por qué no íbamos a grabar al Sotana, que era el estudio de Iker y nada me costó un ensayo convencer a los integrantes de la banda (risas) y subirnos a grabar allí. La verdad es que buscábamos un sonido más melódico, más potente en cuanto a batería, que las estructuras estuvieran bien trabajadas, ya que es un trabajo de dos años bastante exhaustivo, un trabajo invisible que no se ve. Para mi la sensación que me dio

trabajar con Iker y estar con él grabando es como si comparando, fuera Messi para el Barcelona. Es increíble como maneja el programa, como maneja los sonidos… para nosotros fue uno mas de la familia.

Un disco que cuenta con importantes colaboraciones como las de Fernando Medina (Reincidentes), Podri (Rat-zinger), Gabri (Dakidarria), Fran (Ni Zorra) y Mena (Manita). En dos de vuestras canciones suena un instrumento que no identifico ¿Cuál es?

Es una Dulzaina Aragonesa es un instrumento parecido al clarinete con la cañita más fina y en la que se ejerce más presión en el labio y tiene un sonido mucho más agudo que el clarinete y queda muy bien en las canciones..

Tenéis también canciones más festivas como puede ser “El Bar!”. ¿Qué significa el bar en tu pueblo?

El bar ese el sitio social donde te encuentras con los amigos, donde disfrutas la música, donde sólo se discute para ver quien paga la cerveza y donde los fines de semana nos reunimos para contarnos nuestra vida, donde pasar las horas, al final es el sitio donde haces vida el fin de semana.

El disco lo habéis llamado “Pánico a vivir” ¿Hay pánico al vivir?

Pues surgió un poco con el tema de la pandemia, el tener un poco de miedo a saber lo que iba a venir después… A que como bien representa la portada, es un pájaro que está encerrado en una jaula y que tiene la puerta abierta y no sale. Es como decir ‘ostras” si salgo de mi ámbito, si salgo de mi comodidad ¿qué es lo que me va a esperar? ¿qué es lo que tengo a mi alrededor?. Si, creo que si hay un poquito de miedo a ver lo que pueda venir. Porque al final las circunstancias sociales y políticas que nos están obligando, nos llevan a pensar que nos están manipulando como títeres y la mayoría de la culpa la tiene la televisión. ¿Qué sueño queréis ver cumplido con este disco?

Que siga para delante, que llegue a la mayor gente posible y que haya un tercero. ¡Ojala! vuelva a ser todo como antes,que vuelvan los conciertos como eran antes y que todos los que pertenecemos a la música podamos seguir adelante. Porque es necesario que la música y la cultura estén presentes en el día a día de la gente.

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Maidon fue creado a finales del 2017 en Londres por el compositor y vocalista español Aldan Torres. ¿Aldan hubo antes algún otro proyecto aquí en Madrid?

Sí que hubo alguna que otra incursión, pero me encontré con una industria y unos medios de comunicación muy cerrados a todo lo que no fueran productos televisivos. ¿Cuál es el motivo por el que te vas a Londres?

Después de un parón en el tema musical me salió una oportunidad para ser profesor en Reino Unido y no me lo pensé.

La cultura y la música británica en particular siempre ha sido una influencia muy importante para mi. ¿Cómo fueron esos primeros pasos en Londres para montar la banda?

La verdad es que no fui con ninguna idea de montar una banda o iniciar un proyecto musical aquí, pero dio la casualidad de que una clase adyacente a la mía era una de las de música y dónde guardaban guitarras, pianos y demás instrumentos. No pude resistir la tentación de ir allí cada vez que tenía un rato libre y al poco tiempo me di cuenta de que me estaban saliendo cosas muy interesantes. A partir de ahí tuve claro que tenía que poner todas esas melodías a disposición de quien las quisiera escuchar.

En un principio los singles que se iban publicando eran en inglés y cuentan en spotify con más de 2,5 millones de reproducciones haciéndose eco de este hecho los medios independientes del Reino Unido. ¿Cómo es el apoyo de los medios de comunicación en Reino Unido con las bandas emergentes?

En el Reino Unido la música es una de sus señas de identidad, la promueven, la divulgan y la tratan con mucho mimo. Por

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otro lado, hay mucha gente tocando y creando música, por lo que los medios.

Fue en el 2020 cuando decides escribir de nuevo en castellano. ¿Si tan bien funcionaban esos singles cantados en el idioma de Shakespeare, por qué cambiarlos por el de Cervantes?

Fue una cuestión de ampliar el radio de acción, de sumar donde se podía sumar.

En España vi que el tener letras en inglés pudiendo hacerlo en español provocaba cierto rechazo e indiferencia por parte del público y de la industria musical. Lo que entiendo perfectamente es que alguien prefiera entender lo que está escuchando, ya que la escucha puede ser doblemente placentera.

El primer single cantado en castellano fue “Di no” un tema que habla del acoso escolar y cualquier otra forma de violencia. Parecía que este problema era solo de España. ¿Qué estamos haciendo mal, para que esto suceda en todas las partes del planeta y qué medios se están poniendo en el Reino Unido?

Me temo que ningún país está libre de estos problemas. En Reino Unido la concienciación sobre el “bullying” está muy presente en las escuelas, pero en general yo creo que la clave está en una buena educación desde pequeños y en la transmisión de valores desde todos los ámbitos de la sociedad.

Vivir en la cuna de los Beatles, ¿es imposible que las canciones se contagien de ese aire que se respira?

Pues alguna vez me he llegado a preguntar que si toda la inspiración de los últimos años se debe al “aire” que se respira por aquí. En una crítica que me hicieron no hace mucho en España, el autor decía que parecía que me había apoderado de toda esa “magia” que suele caracterizar a la música británica. La verdad, no lo sé, lo que sí que es cierto es que siempre ha sido

mi mayor fuente de inspiración.

“Vuelo interestelar” es un homenaje a la figura de David Bowie. ¿Qué supuso para ti este artista?

Bowie fue un pionero e innovador en la música contemporánea y como tal ha influenciado a infinidad de artistas de todo el mundo. Es imposible no fijarse y admirar su obra.

En esta canción sale un coro de voces de niños ¿Dónde lo grabaste y quienes son?

El coro infantil que aparece al final de la canción es para mí, su momento cumbre, tanto en la versión inglesa como en español. El coro se grabó en la iglesia de San Leonardo Abad, en Soria, y los niños son todos allí. Fue un escenario ideal porque la acústica del templo es magnífica.

En España, cada single que has ido publicando, Julio Ruiz con su programa en Radio 3 “Disco grande”, los ha pinchado.

Recientemente él, en sus redes sociales, anunciaba su jubilación. ¿Qué ha significado para ti este programa radiofónico?

Pues sí, ha sido una triste noticia para mi conocer que Julio tenía que jubilarse forzosamente. Su apoyo a este proyecto ha sido muy importante y siempre le estaré muy agradecido. Aunque ya no sea en Radio 3, ojalá pueda seguir difundiendo música desde otros medios.

Ahora estrenas tu nuevo single “Esta ciudad”, un homenaje a los lugares más emblemáticos de Madrid. Yo que viví los ochenta, la movida, esa ciudad que nunca dormía, que estaba ansiosa de conciertos, cine, exposiciones, libros, fanzines, radio… ¿cómo ves tú hoy la ciudad que nunca duerme?

Pues creo que por desgracia está muy lejos de ser ese centro de creatividad desmedida y actividad cultural a raudales que fue en los años ochenta. Sin embargo, tras el duro golpe que nos ha asestado esta pandemia estaría bien que se produjera y promoviera una nueva movida, y “Esta Ciudad” lo pide claramente.

¿Dónde sueles grabar y quién se encarga de la producción?

Hasta ahora he grabado todos los temas de este proyecto en Santa Rosa Studio, en Alcalá de Henares y el productor ha sido Santi Fernández, que además es el batería de Los Secretos. Nos conocemos desde hace tiempo y nos entendemos muy bien a la hora de sacar el máximo partido a las composiciones. ¿Van a salir estos singles recopilados en un CD? Pues sí que me gustaría recopilar todos estos sencillos en formato físico, y además de CD quisiera que se editara en vinilo. ¿Cuáles son los proyectos más cercanos que tienes?

Aunque se acaba de publicar el último tema, este verano vamos a grabar nuevos temas y para el otoño espero que salgan adelante otros proyectos que se están cociendo en estos momentos. ¿Cuando podremos disfrutar de Maidon en directo?

Considerando las circunstancias actuales en conjunto, pondremos todos los esfuerzos para que de cara al año que viene podamos hacer una gira como se merece.

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L E D AM

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¿Cómo surge la idea de hacer este documental película?

La idea surge de Lorenzo Sanz al descubrir al personaje y todo lo que viene arrastrando en el mundo artístico desde su inicio. ¿Qué supuso para ti encontrarte en el camino a Lorenzo Sanz de Top Artist Promotion?

Bueno principalmente el ver el mundo de la música actual desde otra perspectiva distinta a como yo lo estaba viendo y dar un sentido y un orden al proyecto Ramdel. ¿Por qué acompañar a este gran documento audiovisual contando lo que sucedía socialmente en cada etapa de Ramón?

Muestra todo lo concerniente a la cultura, el arte y la música y desde el punto de vista político, ha estado lleno de acontecimientos que ha cambiado nuestra historia y yo lo he querido contar desde mi punto de vista, desde la época de la dictadura hasta la actualidad.

Pude asistir al estreno de la película “Ramdel, memorias de un músico invisible” y fue como revivir todo de nuevo, el final de Franco, la etapa cultural de Tierno Galvan…

Fueron años intensos. ¿Fueron tiempos pasados mejores que estos?

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Ramdel es el nuevo proyecto de Ramón Delgado Arévalo, los que ya llevamos un tiempo en esto de la música le conocemos por su gran talento cantando o detrás de su instrumento musical la guitarra; de otros proyectos más que interesantes y de acompañar a cientos de artistas. Pero por desgracia para muchos todavía es un músico invisible.

Fueron tiempos distintos, quizás en los 70 nacieron las bandas que sentaron las bases musicales para todo lo que se ha hecho después, grupos como los Beatles han pasado a ser clásicos que seguramente nuestros tataranietos lo estudiaran en las escuelas.

De esa banda de versiones de 1973 a este nuevo proyecto de Ramdel… ha cambiado y mucho la forma de promocionar una banda, un proyecto. vivimos en plena era digital. ¿Adaptarse a ella o morir? ¿Te has adaptado bien a esta era digital?

Me ha costado mucho cambiar el chip, pero esta era digital y la facilidad de darte a conocer a través de las redes sociales, ha permitido a muchos artistas con talento, saltarse a las multinacionales y poder dar a conocer sus proyectos con un público mayoritariamente objetivo. Estoy totalmente adaptado y encantado con la era digital que estamos viviendo y que nos brinda una oportunidad a todos.

Has acompañado a artistas de renombre como Julio Iglesias, Gloria Stefan, Alejandro Sanz, Marc Anthony, Sergio Dalma, Luis Miguel… ¿Qué recuerdos tienes de esa etapa?

Pues no te lo vas a creer pero al recopilar tanto material para poder hacer la película,

yo mismo me he sorprendido de muchas actuaciones que he tenido con los mas grandes y menos grandes, que ya ni me acordaba. esa etapa de mi vida me dio la oportunidad de abrirme muchas puertas, aunque yo muchas veces no le di importancia y no quise entrar. ¿Hay algún artista en especial que te hubiera hecho mucha ilusión acompañarle o este sueño ya se cumplió?

Pues no, no se ha cumplido y dejaré este mundo seguramente sin haber podido compartir un escenario con Paul Macartney o con John Fogerty.

Cómo disfruta mas Ramón ¿Acompañando a artistas de renombre o componiendo sus propias canciones?

Sin duda componiendo mis propias canciones y disfrutando del estudio de grabación que me encanta y del trabajo de mi buen amigo y productor Ángel Maga al que le tengo mucho cariño y siempre ha estado a mi lado desde que comencé con el proyecto de The Credenbeat.

En la época de los 70’s, los 80’s, la tv fue importante para divulgar la música y a la vez dar puestos de trabajo a esos músicos invisibles que acompañaban a esas estrellas de la música. ¿El fin de los programas

musicales en tv cómo te afectó a ti?

Pues fue un antes y un después, en la década de los 70 y a pesar de solo poder disfrutar de dos canales de televisión, había en la parrilla de tve muchos programas musicales y es que se apoyaba y se apostaba por la música.

En esas décadas era muy típico que sellos discográficos fichasen artistas para llevarles su carrera musical, diciéndoles el estilo de música que tenían que hacer, su look e incluso los nombres de los artistas. ¿Has sufrido esto en tus carnes? ¿Vale cualquier cosa por conseguir el éxito?

Yo siempre he tomado mis propias decisiones para bien o para mal, porque siempre he creído que tenía las ideas bastante claras, esto quiere decir que cuando dependes de terceros en esta industria haya habido ocasiones que te hayas tenido que salir del guión.

Al ir contando tu carrera musical en esta película y después verla ¿Qué has sentido cuando la viste por primera vez al completo?

Pues me he dado cuenta que con todo el trabajo y esfuerzo económico salir de la invisibilidad y hacerte un artista visible es muy duro y complicado y sobre todo luchar una y otra vez con los molinos de viento que son los que manejan la industria musical y seguir pensando todos los días que hay que estar ahí y que habrá algún momento en que te llegue la recompensa a toda una vida y encuentres tu sitio y el reconocimiento del público.

Hablemos del disco que acompaña a este documental película. The Credenbeat era tu anterior proyecto, que nació haciendo versiones de la Creedence, e incluso sois la mejor banda tributo de Europa. Ramdel no tiene nada que ver con ese grupazo, es mucho más moderno. ¿Ha costado adaptarse a los nuevos tiempos?

Claro, como ya te he comentado antes la adaptación ha sido fundamental y he estado estos dos últimos años empapándome de todas las tendencias actuales del rock incluso del indie, hasta tener claro que había llegado el momento de encerrarnos en el estudio y sacar este maravilloso álbum

“ Siempre en el Ring” cuyo título es el significado de tantas luchas vividas.

“Siempre en el Ring” cuenta con la producción de nuestro gran amigo Maga y con el cual ya vienes trabajando con él desde hace tiempo. ¿Cómo ha sido trabajar con Maga en esta nueva etapa?

“Maga es así” título de una canción que compuse para él y que cuenta un poco como es Maga. Los dos hemos formado un fantástico equipo y Maga le ha dado a mi trabajo el sonido y el estilo que actualmente es Ramdel y seguro que dará de que hablar.

Leyendo reseñas de otros medios sobre el disco salen nombres de artistas como Bowie, Miguel Ríos, U2, Foreigner, Bad Company, Rolling Stones… me surge una duda... Tu para hacer este disco escuchaste artistas que no tienen nada que ver con esto, pero se siguen hablando de clásicos. ¿Está todo inventado en la música ya?

Todos a la hora de componer tenemos influencias de nuestros ídolos, yo empecé tocando Beatles, Rolling, Purple o Zepelin.

Ahora en muchos medios dicen que por ejemplo el primer tema que hemos sacado y único cantado en inglés que ya está en youtube y portales digitales “November Maybe December” tiene un rollo U2, Oasis o Cold Play, para mi es un orgullo dentro de mi humilde modestia que hagan este tipo de comparaciones, porque hablamos de gente muy muy grande y siempre hemos tratado, Maga y yo sobre todo ,el sonido de las guitarras con un rollo anglosajón duro y contundente, intentando que Ramdel pueda ser una banda que se pueda oír fuera de nuestras fronteras. ¿Cuál es el sueño que te queda por cumplir en la música llevando 50 años ya en ella?

Mi principal objetivo y lo sabe la gente que me rodea no es el económico, lo único que quiero para Ramdel es después de tantos años de lucha en el ring, es tocar con cierta dignidad en escenarios grandes con miles de watios y arrastrar a la gente que nos sigue y que esperemos cada día sean muchos mas los que se apunten a nuestro proyecto, que se aprendan nuestras canciones y compartir grandes escenarios cantando con ellos.

Este documental película y el disco se pueden comprar en un digipack que se puede adquirir en vuestra web ramdelband. com ¿Qué planes mas inmediatos hay a este nuevo proyecto?

Bueno hay mucho interés por parte de los organizadores a que asistamos a un par de festivales internacionales como el Quimera Fest en México y está Lorenzo Sanz a través del booking en Asia preparándonos una gira de una semana en Tailandia y otra semana en Japón donde adoran el rock y te voy a dar una primicia porque eres el primero que lo vas a saber y es que estamos preparando nuestra presentación de la banda y del álbum en Madrid para el mes de noviembre en una sala mítica donde estaréis invitados los medios y en la que estamos muy ilusionados, esperando no defraudar a nadie y donde daremos el 200 por cien de cada uno de nosotros. Ya lo iremos poco a poco comentándolo en nuestras redes @ramdelband y en nuestra web ramdelband.com Y para terminar ¿Moriremos con las botas puestas? ¡Los viejos rockeros nunca mueren!

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En este disco “Obsolescencia programada” hay una dedicatoria a Adolfo …

Está inspirado en esa historia. La bombilla fue el primer artículo que se sometió a esa obsolescencia programada y como se habla en el disco, las empresas en un momento dado optaron por hacer las cosas, no para que duraran mucho si no con una fecha de caducidad y las cosas se rompieran y acabaramos comprando otra nueva. Por eso digo en el disco que si se te rompe el disco, pues te compres otro (risas) ¿Crees que el Rock and Roll tiene caducidad?

No, yo pienso que el rock and roll es un clásico, y los clásicos da igual donde se encuentren porque siempre estarán de moda. ¿Qué buscabas en este nuevo trabajo? El sonido es brutal, sé que lo habéis grabado en el mismo sitio, con los mismos músicos… pero las canciones han salido redondas, me invitan a cantarlas...

Se han trabajado muchísimo las letras.

Yo le paso a Vicente Sabater, que es quien produce el disco, una serie de canciones para que él disponga de las posibilidades de cada canción, porque luego Vicente las

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depura hasta el infinito, es una persona súper meticulosa trabajando y luego se ponen ahí a los músicos, como fue el caso de Iván López, con las guitarras, o Nacho Tamariz, Edu Olmedo o la nueva chelista Mireia López Beltrán y ya se da forma en el estudio, pero se le da forma sobre una idea en concreto, pòr ejemplo en este primer single, esa entrada estuvimos dándole vueltas para saber si por ejemplo el guitarra entendía lo que yo quería que sonara ahí, y al final lo entendIó y ha quedado un tema redondo, es un tema potente e incluso podíamos haber hecho una medio balada, porque es un tema que habla de la pandemia y cualquiera que escuche la letra de este tema en un momento dado se verá reflejado en ella, pero bueno salió un tema con fuerza porque de esta tenemos que salir, ¡qué vamos a salir! y necesitamos optimismo y ganas de tirar para adelante. Porque parece que estamos en esa novela “Soy Leyenda” de Richard Matheson, no nos lo hubiésemos imaginado nadie hace un par de años.

Esta pandemia tu la has vivido de primera mano….

Yo trabajo en un hospital, y no lo he vivido tan de lleno como lo

han podido vivir compañeros míos, por ponerte un ejemplo hace como un mes falleció un chaval un año más joven que yo, Javier, luchó hasta el último momento y al final murió, Habido mucha gente mucho más expuesta que yo, al fin y al cabo es una lotería, te toca y hay que esquivar al bicho como se pueda.

Esto que habéis vivido tu y tus compañeros ¿va a quedar como un poso que va a ser difícil mirar hacia delante?

No, yo pienso que esto nos va hacer valorar un montón de cosas que hasta ahora pasaban como niniedades y no les prestábamos atención, como puede ser al saludarnos darnos un abrazo o un beso….

En el tema “Solo Hay” la letra dice: “Y a estas alturas de la película, digo yo, ¿quién se cree la fábula del murciélago que le mordió a un pangolín que después se comió un humano..?” ¿Tú te lo crees?

Yo no me lo creo, evidentemente pienso que el bicho en un momento dado salió de alguna manera de un laboratorio, que vale que se estuviera investigando cualquier otra cosa, y bueno acabó donde ha acabado. Mucha gente, a lo mejor, pensará que somos conspiranoicos…. pero los malos que salen en las películas existen en la realidad, pero nos pensamos que es una película, pero creo que aquí hay un montón de intereses creados y gente que le trae al pairo la

gente que pueda caer en el camino. ¿Y por qué crees que se ha tratado a la cultura de la manera que se la ha tratado?

Al final se tiende a prescindir de lo que menos interesa, es decir, cuanto más ignorante sea la gente, hablo de la cultura en general, más le conviene a los que de alguna manera manejan los hilos.

En este disco hay dos canciones que no son tuyas.

Si está “Love Song” de The Cure que es un tema que nos ha acompañado a Laurel Canyon desde nuestros inicios, a la horta de hacer un concierto siempre estaba ahí esta versión y luego de Joan Baptista Humet “Hay que Vivir”

En este disco ha colaborado la ONCE. Si, este disco se ha hecho en colaboración con la ONCE con un fondo de ayudas para actividades culturales. Presenté el proyecto antes de que empezara la pandemia y cuando surgió, pensamos en hacerlo o no y al final tiramos para adelante y aquí estamos.

El nuevo proyecto que tienes en mente ¿Cuál es?

Ahora mismo nos estamos poniendo ya con “Faro, gente, noche, radio, palo, carta, brazo, playa” que es un test de memoria para el Alzheimer que es el corte tres de este disco, que vamos hacer un cortometraje, video clip de esa canción y que habla sobre el mundo del Alzheimer. Tengo que decir que esa canción me tuve que pelear con Carlos Romero para que no fuese el single, porque tanto Vicente Sabater, el productor como Carlos se inclinaban mucho por este tema que tiene un algo especial.

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