LH Magazin - Karla Holt

lhm agazin.com 2001 - 2021

Año XX - Nº 143 ejemplar gratuito

KARLA HOLT “Seduce en la música y ahora en el cine”

MARILLION NO KONFORME TANGERINE FLAVOUR AUTOMATICA CARLOS MACÍAS VICTOR FRAILE ANNIHILATOR...

GINESTÁ

“La nueva sensación del pop en Cataluña”

KAOTIKO

“Un disco sin ningún tipo de prejuicios”

VIKB

“Alto voltaje para amantes del funk”

BEN MARCUS

LOS SEX

“Rock and roll “Música hecha desde mporal, lejos ate el corazón” de modas” lhmagazin.com 1

n ó i c u b distri TIENDAS DE INSTRUMENTOS UME Union Musical:

Madrid Ume Arenal c/ Arenal 18, Ume Cedaceros C/ de Cedaceros 3, Ume Carranza C/ Carranza 16 Ume Hermosilla C/ Hermosilla 75 Barcelona Ume Muntaner C/ Muntaner 324 Ume Sants C/ Sants 304 bis Ume Baricentro Centro Comercial Baricentro L-164 Barberà del Vallès Girona Ume Girona C/ Francesc Eiximenis 18 Pamplona Ume Pamplona C/ Asunción 4-6 Sevilla Ume Sevilla C/ Rico Cejudo - Edif. Hispal Local 8 Valencia Ume La Paz C/ La Paz 22 Ume Guillem de Castro C/ Guillem de Castro 34 Ume Nuevo Centro Centro Comercial Nuevo Centro 46009 Valencia, ES-V Zaragoza Ume Zaragoza C/ Maestro Serrano 3-5

Leturiaga:

Leturiaga C/ Cristobal Bordiu 22

Ritmo & Compás, 39 Rojo, Carabox, El Obsevatorio, Hardrum, Matilda, Rock Palace, Rock & Pop, Rock Soul, Tablada 25, Underground, El Poligono (Valladolid), Rusound (Daganzo), Olmostudio (Vallecas), FACTOR Q (Murcia) y Locales de ensayo Metro Usera (Madrid)...

SALAS Y BARES

1903, El Piratas, Alfredo`s, Caracol, Clamores, Costello Club, El Sol, Galileo Galilei, Gruta 77, Silikona, Siroco, Sala Gamma, Sala Musik, Sala 12 y Medio, Sala Stereo, Discos Comix y Discos Trafico, La Azotea (Murcia), Dekonya Cool Pub (S.S. de los Reyes), La Mina Rock (Alcobendas), Punteos Rock (Coslada) Albergue Riglos (Huesca), El Escudo y Pocoloco (Ávila), Gabanna (Lanzarote), Sala Estacion, Imagina, Atico y Dqvass (Alcazar de San Juan), Al Lado y El Moli (Campo de Criptana) Candela, El Duende, 500 Noches (Archena), Sala Strato Caster y 37 Grados (Córdoba), Mi Pequeño Mundo y Pensión “El Rafa” (Fernán-Nuñez), La Marquesita (San Martín de Oscos), Sala Mirror, Alcatraz Rock Bar, Wah Wah (Valencia), La Casa Pintada (Ceuti), Restaurante El Meson (Puebla de Almoradiel), Restaurante S.M. el Rey de la Coca (Piles Playa), EL Paso (Cudillero), Sala Hangar (Burgos), Rock & Play (Boadilla del Monte), Velvet Club (Malaga), Garfield (Torremolinos), Yasta (Campo de Criptana),Sala Sausan/New Rock y Hotel Juype (El Provencio), Chamán (Illlana), Bar La Esquina (Mula), La Cripta y La Gasolinera (Bullas), Video Club Geminis (Cehegin) y Siglo XX(Blanca). Casa de Cultura y Guardamar Music, Restaurante Galicia ,Hotel Montemar y Restsurante El Gallego(La Marina), La Posada (Elche), Sala Ambigú (Cordoba),Savoy (Gijon), , Biribay (Logroño), Cuarenta y Tres (Zamora), Erreté (Barcelona),Hotel El Quesar de Gamoneo (Cangas de Onís-Asturias) Cafe del Infante (Villaviciosa de Odón), Stars50 (Talamanca del Jarama/Guadalajara) y Ruta 20 y Arbonaida. Hotel Restaurante Las Truchas (Monasterio de Piedra) Trifon Restaurante (Madrid), Boulangerie Patisserie Santa Eulalia (Madrid) y Instituto Cervantes (Lisboa)

Madrid Comics, C/ de Silva, 17, Generación X Madrid (Puebla, 15)-(Elfo, 98) Alcalá Cómics - Avenida de Guadalajara, 9.

Alcalá de Henares (Madrid).

Telon de Acero, C/Emilio Gastesi Fernández, 14 Libreria SINS ENTIDO, C/ Válgame Dios, 6

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DIRECCIÓN

c/ Travesia del Poeta BLas de Otero 5, lc. 2. - 28017 MADRID Tel.: 91 355 65 75 - 666 36 45 28 E-mail: lhmagazin@lhmagazin.com

DIRECTOR Juan Rodríguez

DISEÑO Y MAQUETACIÓN

Sire 2000 Tel.: 91 355 65 75 - 666 36 45 28

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ESTUDIOS DE GRABACIÓN Y LOCALES DE ENSAYO

TIENDAS DE CÓMICS

Distribución Gratuita: 40.000 ejemplares

RADIOS

Onda3 Radio (Puerto Lumbreras/ Lorca) Onda Regional y SER (Murcia), Onda Marina (Fernan-Núñez), Onda Cero/Europa FM (Alcazar de San Juan), Radio Safor (Bellreguard), Sol Radio (El Bonillo), El Ultimo Este y “La Caja de Pandora “ (Cabezo de Torres/Murcia), Rock FM, Radio 4G...

Alicia López Tel.: 91 355 65 75 - 687 93 73 43 alicia@lhmagazin.com

REDACCIÓN Alicia López

COLABORADORES y CORRESPONSABLES

Jorge Vilella, Edu Salas, José Glez., Rafa, Mª Mar, Pilar, Rolo, Jose Luis Espinosa, Soraya Machin, Mariano Muniesa, Yolanda Perez Marin (El Club del Escenario), Amado Storni, Roberto Villandiego, Olegario Sánchez (Alcazar de San Juan), Patxi “La Caña” Valen (Plasencia), Alberto Cean (Asturias), Mar Monje Abiol, Juan Carlos Calderon, Jose Abellán, Luis Pulgar (Sevilla y Murcia)

FOTOGRAFÍA

Domingo J. Casas (Jefe), Paco Lainez, Eduardo Mendez, Mario Larrode , Bill Zygmant, Ricardo Rubio, Carlos Miiña, Liberto Peiró (Valencia), Xavier Mercadé (Barcelona), J.M. Rodríguez (Galicia), José M. Bueno (Asturias), Julio Perez Sotillo (Elche), Kiko Asunción (Murcia), Tony Ventura (Las Palmas).

AGENCIAS www.whitepress.es,KOPress

FOTOMECANICA / IMPRENTA SIRE 2000 Esta revista la hace mucha gente, el papel lo ponemos nosotros, las opiniones son de ellos.

DE LUNES A VIERNES

MIERCOLES:

- 10.00 a 12.00h LH A TODO RITMO con Juan Rodríguez

- 19.00 a 20.00h El Closet con Carlo Pari - 22.00 a 23.30h La Noche del Cazador con Pablo Martín, Raúl Ballesteros, Dani Pach y sus invitados.

LUNES: - 19.00 a 21.00h Radio The Sentinel con Santi Fernandez

JUEVES:

- 22.00 a 23.00h La Casa de Eddie con Mauro (el flaco) y Juan Carlos

- 22.00 a 23.00h 4Earth.

Para La Nueva Era con Sergio Carro

VIERNES:

MARTES:

- 10.00 a 11.00 Hoy Me Voy Al Cine con Felipe Jimenez

- 19.00 a 20.00h Ruta al Rock con Oscar de Vega

- 18.00 a 20.00h A la Vuelta de la Esquina con Maru Bonilla, El Chico del 17 y Jelu

- 22.00 a 24.00h La Cabaña del Tio Rock con José Mora y Ángel Gómez

- 24.00 a 01.00 Solos en la Madrugada Francisco Miguel Pérez (RNE) y Miguel Vigil (Academica Palanca, La que se Avecina)

LH KIDS

SÁBADOS 12.00h Torres Hits

Un magazine realizado por los alumnos del CEIP Torres Quevedo en la extraescolar de radio martes y jueves

SÁBADOS 13.00h Radio Kids

Un magazine realizado por los alumnos del CEIP EE.UU de América de Huarte de San Juan en la extraescolar de radio lunes

Travesía del Poeta Blas de Otero 5, Local 2 - 2017 Madrid Tel.: 91 355 65 75 / 666 36 45 28

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l a i r o t i ed Cafe - Bar

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Nos dedicamos a promocionar Artistas, Actores, escritores, eventos etc... en los medios de Comunicación

@cmarrabal 616 03 05 18 carlos@bereleased.com

Aquellos que me venís siguiendo asiduamente sabéis que desde hace un tiempo aquí, estoy un poco enfadado. Os cuento, al cabo del año por nuestra radio y por nuestras páginas pasan cientos de grupos, que para tener visibilidad suben su música, su trabajo a las plataformas digitales.

Spotify paga por cada reproducción generalmente entre 0,003 y 0.005 dólares, lo que significa que por 250 escuchas el grupo podrá ganar 1 dolar. Puestos en situación, muchos de los grupos que pasan por LH Magazin a final de año sus regalías son casi inexistentes, eso sí, artistas que detrás tienen un gran apoyo por multinacionales, estos, al tener mas promocion y formas de llegar a un público más masivo, estos consiguen tener más visibilidad, más nombre, y tienen mas reproducciones, con lo cual pueden percibir unas buenas regalías, incluso que sean millonarias. Pero este no es el caso de la mayoría de los grupos que encuentras en Spotify, la mayoría regalan su trabajo a esta plataforma porque “es lo que hay que hacer”.

Si Spotify ha llegado a donde ha llegado, ha sido por estos pequeños o medianos grupos que han dado visibilidad a esta plataforma al subir estos su música, y recomendar que sea escuchada en dicha plataforma. Este es un problema que siempre me ha preocupado, pero la gota que colmó el vaso fue cuando vi la noticia de que Spotify patrocinará al Club de Fútbol Barcelona durante tres temporadas, y además el campo de fútbol recogerá el nombre de esta empresa. Empresa que por supuesto puede patrocinar a quien quiera, faltaria mas. Pero con la que está cayendo en la cultura, debido a la pandemia, que todavía estamos viviendo, con músicos que suben su música a esta plataforma y que tiene que buscarse la vida como pueden, como de repartidor por ejemplo, salas que han cerrado definitivamente y otras que van sobreviviendo como pueden, incluso a los medios de comunicación como este, que lo estamos pasando francamente mal ,que estamos con la soga al cuello… pues no, a lo de siempre el fútbol, una plataforma digital que apuesta por la innovación, patrocina el fútbol.

Esa millonada de dinero señores de Spotify, que se van a gastar debía haber servido para dar más dinero por reproducción a estos grupos menos conocidos, ayudar a patrocinar conciertos, eventos, medios de comunicación que dan visibilidad a estos grupos. Pero lo que más me duele es ver la nula reacción que ha habido en redes sociales a este patrocinio por estos grupos de lo que tanto hablamos y defendemos. ¿Miedo? ¿a que? Solo vi un comentario que decía que se daba de baja porque su dinero no iba a patrocinar al Barcelona, claro, si hubiera sido el equipo de sus amores no le hubiera importado.

Este sector, el de la cultura, cada vez se va desprofesionalizado más y no sé a qué estamos esperando para alzar la voz, ¿Hasta dónde estamos dispuestos a aguantar? ¿seguirás pagando Spotify?

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d e l 1 a l 1 5 d e m a r zo d e 2 0 2 2 ( 1 8 : 0 0 h )

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Ginestá son un dúo compuesto por los hermanos Julia y Pau Serrasolsas, dicen de ellos que son la nueva sensación del pop en Cataluña, cantado en catalán.

Este año sacarán su tercer disco “Suposo que l’amor és això”, del cual ya se han adelantado tres singles.

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GINESTÁ Dicen de vosotros que sois la nueva sensación de la música pop en Cataluña. ¿Cómo se siente uno cuando dicen esto de ellos?

Nuestra sensación es que ahora empezamos a asomar la cabeza en el panorama musical catalán. Con este disco es cierto que hay expectación. Lo que realmente nos preocupa es que los fans lo disfruten tanto como nosotros haciéndolo.

Siempre pensamos que el rock, el rap… Son estilos musicales que tienen un carácter más contestatario con los problemas sociales. más que el pop. Pero este no es vuestro caso. ¿Cuánto es de importante para vosotros las letras de vuestras canciones?

Las letras para nosotros lo son casi todo.

Para este disco hemos elegido un productor que ha endulzado las canciones. Al ser un disco de amor se trata de un contenido político menos explícito, pero de todas formas es político, por la forma en que tratamos este tema.

He podido leer que Pau estudió música de pequeño y después vino el fútbol y con 18 años volvió a retomarlo por la necesidad de cantar debido a un desamor. ¿Cómo se llega del amor a cantar los problemas que tienen los chicos de vuestras edades?

El amor es una de las cosas que ocupan

más tiempo en la vida de los jóvenes de nuestra edad. Pero no lo es sólo para los jóvenes. Es un tema tan universal que hace que todo el mundo se pueda sentir identificado. Esa es nuestra intención ¿Cómo surgió la necesidad de cantar en ti, Julia?

Yo, al igual que Pau, estudié música de pequeña y estuve cantando en un coro infantil hasta los 13 años. Después empecé un proyecto musical con Maio, mi hermana gemela, que se llama Akelarre. Siempre había cantado y un día Pau y yo decidimos juntarnos para hacer un concierto de versiones acústicas en Vic, vimos que nos entendíamos mucho en el escenario y decidimos seguir y hacer un proyecto juntos.

Els Pets o Lax’n’Busto son grupos referentes vuestros. Para este nuevo trabajo ¿siguen siendo estos grupos vuestros referentes?

Evidentemente, hemos crecido escuchando estos grupos y aún forman parte de la banda sonora de nuestra vida. Este año, además, hemos tenido la suerte de desvirtualizar a Els Pets y cantar con ellos en un concierto!

Nos podéis adelantar que nos vamos a encontrar en “Suposo que l’amor és això”. ¿Es un disco conceptual?

Sí, es un disco de amor que narra con 10 canciones diferentes situaciones relacionadas con el amor. Hemos usado este “Suposo” (Supongo) para no dar nada por hecho, pues todo el mundo vive el amor a su manera.

“Somni” hasta la fecha es vuestro último single. Una producción muy de los ochenta. ¿Son los 80`s una de vuestras décadas favoritas?

Los 80’s nos gustan porque suenan frescos, y en catalán se ha hecho poca música con esta sonoridad. De los 80’s nos gusta más la estética que la música.

Durante la pandemia se aplazaron o suspendieron muchos conciertos, no es vuestro caso y quizás seáis uno de los grupos en Cataluña que más conciertos disteis durante el COVID19. ¿Cómo creéis que se está tratando a la cultura debido al COVID19?

La cultura es de los sectores que más han sufrido durante la época pandémica más dura, es cierto que hicimos muchos conciertos, pero también suspendimos bastantes. Somos un sector precarizado al que

se ha cuidado poco.

Durante el 2020 y el 2021 disteis más de 80 conciertos, ahora cara a este 2022 ya tenéis cerrados en verano festivales muy importantes como son Cruïlla, Canet Rock, Acampada Jove, Strenes, etc… . ¿Creéis que estamos viviendo una recuperación o es lo que nos venden los medios de comunicación mandados por el gobierno?

Estamos viviendo un recuperación y esperamos que pronto podamos volver a vivir los conciertos y los festivales como antes.

He podido leer que os quejáis de los pocos espacio que hay para mostrar vuestra música, de la precariedad en los trabajos, la vivienda… ¿Debe ser la música un conducto para intentar cambiar esto?

La música tiene una potencialidad a la hora de contar cosas, ya sea explícitamente de lucha o contando vivencias de precariedad. Nosotros siempre nos hemos posicionado políticamente, este disco es un disco de amor pero a la vez es un disco político, porque todo es político.

Al cantar en catalán ¿se os ponen más barreras o es necesario para tener mayor exposición en Cataluña?

Cantar en catalán en Catalunya, tal y como están las cosas, es una decisión

política. Es nuestra lengua y la amamos.

Evidentemente es más difícil abrirse camino hacia el panorama español, pero es uno de nuestros retos: cantar en catalán y llegar a todos los rincones de España.

FOTOS: Joan Martínez Urango

SÍGUENOS EN: @ginestagrup @ginesta_oficial

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KAOTIKO “Sin filtro” es el nuevo trabajo de Kaotiko, el noveno disco de estudio que se publicó el 18 de febrero a través del sello discográfico Maldito Records. El disco ha sido grabado por Paxkal Etxepare en sus estudios de Francia. Con este nuevo trabajo llega una gira que les llevará por todo el país junto al grupo Puraposse.

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Este 2022 nos trae nuevo disco de Kaotiko y gira junto a Puraposse. ¿Hay ganas de pasar página ya y dejar atrás estos últimos años? ¡Por supuesto! En Kaotiko nos alimentamos de la carretera, conciertos, ensayos…

Este tiempo muerto se nos ha hecho muy largo, hemos estado mucho tiempo sin todo aquello que nos gusta, pero también ha hecho que tengamos más ganas todavía.

Estamos deseando empezar esta nueva gira. ¿Por qué elegisteis a Paxkal Etxepare para que se encargará de la grabación del disco ?

Paxkal ya hace tiempo que forma parte de la familia. Es nuestro técnico en los directos y siempre hemos confiado plenamente en él. Ir a su estudio estaba en nuestros planes, sabemos como trabaja... ¡Es una bestia!

En la época de los filtros para instagram, el big data que hace de filtro en cuanto a las noticias que te hacen llegar, la música que has de escuchar…Kaotiko publica un disco llamado “Sin filtro”. ¿Por qué llamar al

disco así?

Es algo que nos define, nunca hemos tenido miedo a hacer lo que nos ha dado la gana y siempre hemos ido de frente.

Pongamos que siempre hemos actuado “Sin Filtro”.

El disco se abre con el tema “Plan B” un tema que habla de cómo nuestros dirigentes no han sabido y no saben dar solución a la pandemia que estamos viviendo y a la situación tan degradante en la que se encuentra el planeta. Hay un trozo de la letra que dice “No hay futuro para esta especie” ¿Tan mal lo veis?

La ciencia nos avala, (risas)… Quizás tengan que pasar muchos años, tal vez miles, pero los dinosaurios estuvieron aquí mucho más tiempo portándose mejor que nosotros y acabaron extinguiéndose. Los seres humanos calculamos mal las probabilidades que tenemos de que algo nos ocurra.

Vendrán seguro mejores generaciones pero la casa ya se la habremos dejado hecha una mierda.

¿Cuál sería el sitio ideal para montar ese edén y como sería vuestro plan B? Pues como dice la canción… lejos de inconscientes decadentes. Rodeados de buena gente y si hay playa y buen tiempo mejor!

“Adicto” es el tema que se ha adelantado del disco. Echando la vista atrás qué fue lo que visteis en el rock `n` roll para que fuera vuestra adicción.

En nuestro caso era algo genético, inevitable, si o si íbamos a acabar enganchados y nos encanta.

En este disco me han sorprendido y para bien temas como “Evolution” o “Gatillazo” dos canciones que tienen electrónica, y muy cercanos al rock industrial. ¿Es un paso más en la música de Kaotiko?

Suena bonito lo de rock industrial, llegamos a ello casi sin darnos cuenta, en el local nos dejamos llevar y salen resultados como este. Intentamos siempre, dentro de nuestros márgenes, dar una vuelta de tuerca.

Esto hace que sea todo más divertido.

“Mi inspiración” tiene una letra de esas

que te ponen el vello de punta. ¿está dedicada a alguien en especial?

Lo bueno de las canciones es que mucha gente puede sentirse identificada, quien no ha perdido a alguien cercano en estos tiempos…Con ella queríamos tener presente a gente que ya no está con nosotros y nos dejó huella.

Otro temazo “Red”. Habla del postureo, de la falsedad, de vender tu vida… en las redes sociales. Esto está haciendo mucho daño a nuestra sociedad, pero sobre todo a los adolescentes, pendientes de una pantalla y no de la amistad, la calle…. ¿Cómo veis vosotros la “Red”?

Peligrosa y más si tu cerebro aún no está preparado para todo lo que te puedes encontrar, aunque bien utilizada puede ser una buena herramienta. El postureo ya es otro tema, esa necesidad de mostrar todo lo que hacemos y vivimos es enfermiza, dejamos de disfrutar solo por mostrar, es más importante lo que se ve que lo que se siente al vivirlo. Acojonante que alguien se mate

por hacerse el mejor selfie… después de esto que más se puede decir. ¿Cuál es vuestro viejo bar favorito y cuales son esos recuerdos que vivisteis en esa barra?

El de debajo de casa, el que siempre está abierto, aquél en el que hay un buen psicólogo detrás de la barra que además sabe tirar buena cerveza. aquél en el que se pasan las horas entre amigos arreglando el mundo.

“La del tonto” ¿sólo hay un tonto o hay muchos tontos por desgracia?

Por desgracia hay más de uno, de dos y de tres… y lo peor de todo es que parece que se pega. Jodidos y, entre comillas, agradecidos, ya que nos dan para escribir muchas canciones.

SÍGUENOS EN: @KAOTIKO @kaotikooficial

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BREVES

Steve Vai

Joe Satriani

Eric Krasno

Outlanders

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El esperado tributo al fallecido guitarrista Leslie West, estará disponible a través del sello Mascot Records el próximo 25 de Marzo y llevará por título “Legacy: A Tribute to Leslie West” y contará con músicos contrastados del mundo del Rock como Dee Snider, Slash, Zakk Wylde, Randy and Tal Bachman, Martin Barre, Joe Lynn Turner, Charlie Starr, Elliot Easton, Robby Krieger, George Lynch, Marty Friedman, Steve Morse, Eddie Ojeda, Marc Labelle, Mike Portnoy, Bobby Rondinelli y Rev Jones.

El ganador del premio Grammy Eric Krasno, ha reclutado a Jazz Mafia para grabar la pista funky “Lost Myself”. La idea de “perderse en uno mismo” puede parecer negativa, pero para este artista tiene un significado más profundo; “se trata de perder el ego cuando encuentras a alguien que trabaja para ti”, explica. Esta canción forma parte de “Always”, el nuevo álbum en solitario de este destacado artista, un trabajo que consagra, elogia y celebra el sentido y las bondades de formar una familia.

Outlanders es el nuevo proyecto artístico de Tarja Turunen y el ingeniero de sonido Torsten Stenzel. Para este trabajo debut, han contado con la inestimable colaboración de artistas como Trevor Rabin, Al Di Meola, Joe Satriani, Walter Giardino, Vernon Reid, Bumblefoot, Mike Oldfield, Jennifer Batten, Marty Friedman y Steve Rothery.

En este trabajo Tarja muestra una faceta diferente a la que nos tiene acostumbrados, tamizando las nuevas composiciones con sonidos sintetizados y ambientales.

Los metaleros franceses Stengah, anuncia su nuevo álbum “Soma Sema”, un trabajo con el que recuperan la esencia de la estimulante nueva música, la cual se ha vuelto más importante que nunca. El quinteto ha pasado los últimos años en un estado de evolución permanente, armándose de riffs y estribillos viscerales y progresivos dispuestos para ser presentados. Stengah tiene el sonido, la inteligencia y la ambición de impulsar su estilo musical hacia el futuro a través de la musculatura crujiente del postdjent y el drama post metal.

Joe Satriani, el indiscutible rey de la guitarra, anuncia el lanzamiento de “The Elephants Of Mars”, su trabajo de estudio número 19. La fecha elegida es el próximo 8 de Abril. Saldrá de la mano de su recién estrenado sello discográfico earMUSIC y tras haber presentado el primer single “Sahara” (grabado y editado por su hijo ZZ), este es el impactante resultado musical de un genio con tiempo libre durante la pandemia. Según comenta “Quiero mostrarle a la gente que un álbum de guitarra instrumental puede contener elementos mucho más creativos y entretenidos de los que la gente está usando en este momento”.

Y hablando de guitarristas de fantasía, Steve Vai y la marca de instrumentos Ibanez, presentan “The Hydra”, el instrumento híbrido resultante de la creatividad y el trabajo de ambas partes. Después de 5 años de desarrollo e investigación se anuncia el nacimiento de esta bestia de tres mástiles, cuerdas de arpa, mástiles sin trastes, midi, puentes físicos y flotantes y hasta un conector ethernet. Este sensacional instrumento protagoniza la portada del nuevo disco de Vai titulado “Inviolate” y muestra toda su versatilidad y virtudes en “Teeth Of The Hydra”, la composición que abre este inmaculado trabajo.

El pasado 25 de Febrero la sensacional cantante Beth Hart publicó “A Tribute To Led Zeppelin”, un álbum de nueve pistas que destaca el increíble espectro musical en el que operaba esta legendaria banda.

Producido por Rob Cavallo (Green Day, Linkin Park, My Chemical Romance) y Doug McKean (Goo Goo Dolls, Adam Lambert), cuenta Beth que este trabajo se resistió a pesar de llevar varios años pensando en grabarlo. “trabajé muchos años por calmar mi rabia y para hacer un álbum de Led Zeppelin tienes que estar realmente cabreada… luego llegó la pandemia y todo se desmoronó, así que me encontré lo suficientemente molesta como para grabarlo. Llamé a mi manager y le dije que ya estaba lista para hacerlo”.

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LORENZO SANZ El pasado mes de diciembre se cumplieron diecinueve años desde que Lorenzo Sanz emprendiese su proyecto integral para músicos bajo el nombre de Top Artist Promotion. En todo este tiempo, ha trabajado para algunas de las distribuidoras y sellos discográficos más importantes del panorama internacional, ha asesorado a más de un centenar de bandas y artistas, ha publicado cerca de cuarenta referencias discográficas a través de su propio sello Crazy Sandwich Records, ha rodado una película musical con varias nominaciones en festivales internacionales, ha dado conferencias sobre música en España y Estados Unidos y ahora está a punto de sacar a la venta “Método TAP para la gestión de proyectos musicales”, un libro de auto gestión total para músicos emprendedores. ¿De qué trata este libro?

En este libro he tratado de recopilar todos mis conocimientos relativos a los aspectos esenciales que se han de tener en cuenta para el desarrollo autodidacta de un proyecto musical. Los paradigmas del negocio cambian muy rápidamente y como profesional de la industria me siento en la obligación de aportar mi granito de arena al desarrollo de la escena ayudando a los músicos a cumplir sus sueños profesionales en esta industria tan cambiante. Todo artista emprendedor encontrará en este libro información de valor que le va a ayudar a impulsar su trabajo más allá de los pobres resultados a los que generalmente estamos acostumbrados y que se suelen dar por culpa de malas planificaciones y peores hábitos de gestión. Es un libro que aporta gran parte de la información que todo músico debería conocer. ¿Cuándo decidiste escribirlo?

Llevo bastante tiempo pensando en hacerlo porque he visto a muchísimas bandas y artistas con un potencial enorme que sin embargo han acabado desmoralizados y tirando la toalla presos de la impotencia por la falta de resultados. Esto sucede en un alto porcentaje de ocasiones por su propio desconocimiento del desempeño. Es indudable que todo músico necesita retroalimentarse de su propio éxito. La cuestión es que si no pasan cosas, es muy complicado conservar la ilusión. Hay que saber desenvolverse

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en el tiempo actual, ya sea en esta, o en cualquier otra industria. La competitividad va estar siempre ahí. En los últimos meses, además de atender mi agencia Top Artist Promotion, he estado rodando una película con mi productora audiovisual Baiden Producciones y también he reactivando algunas líneas de negocio paralizadas durante la pandemia, pero el parón navideño ha sido el tiempo perfecto para poder ponerme con ello. ¿Qué crees que te legitima para escribir un libro así?

Tengo cincuenta años y llevo casi veinte dedicado al negocio de la música de forma profesional. Vivo de ella y pago mis impuestos y mis facturas gracias al que considero el trabajo más alucinante del mundo. Es algo que llevo en la sangre y siempre procuro actuar desde el corazón y el aval interior de la motivación extrema.

También soy alguien que trata de contagiar mi pasión. Soy lo que se suele llamar un “motivado” y me siento muy orgulloso de ello. Siendo menor de edad ya empecé a tocar en bandas y organizaba mis propias giras con todo lo que eso conllevaba a todos los niveles. Siempre me ha gustado el orden jerárquico y tomar la iniciativa para todo. He trabajado como periodista, músico profesional, promotor, publicista, productor audiovisual, gestor de patrocinios, gestor logístico, desarrollador de marcas, A&R, conferenciante, sello discográfico y seguramente en alguna cosa más que ahora

mismo no recuerdo. Tengo gran experiencia acumulada en la industria, pero además soy una persona inquieta y curiosa que sigue aprendiendo, que se recicla y que seguramente sepa más por la fórmula del ensayo y error que por la propia formación en sí misma, aunque reconozco que seguir estudiando y aprendiendo es un desafío fabuloso, sobre todo teniendo en cuenta lo rápido que cambia la industria y sus oportunidades de sostenibilidad. Tampoco sería capaz de ayudar a otros sin llenarme de conocimientos, por eso mi mesita de noche está enterrada debajo de cientos de libros de gestión empresarial y musical. Es bueno conocer las mejores prácticas y las más productivas y también cómo funciona el negocio en otros países donde la industria prospera mejor ya que eso ayuda a copiar modelos de gestión que funcionan. ¿Cómo imaginas el perfil de comprador de este libro?

Sin duda, este libro va dirigido a cualquier músico o artista entusiasta con iniciativa y ganas de hacer de su pasión su modo de vida, o al menos que desee sentirse orgulloso de lo lejos que pueda llegar con independencia de si lo hace por dinero, ego o cualquier otro tipo de motivación. En el fondo es lo que yo he logrado durante todos estos años a pesar de que la música profesional siempre ha sido percibida por muchos como algo marginal o de productividad y ganancias limitadas. Si esa gente ignorante supiera las cifras que se mueven en la industria cada año, cambiarían radicalmente su manera de pensar. Obviamente si tu criterio para entender el negocio lo basas en las listas de ventas de Cd´s, lo verás todo de manera desastrosa, pero es que esa métrica hace mucho tiempo que no aplica.

También es un libro que en ningún caso va dirigido a gente complaciente, conformista y con una mentalidad arcaica o holgazana a la hora de abordar su proyecto. Esas personas no necesitan comprar un libro que los saque de su indolencia, sino echarse a un lado junto a sus ideas limitantes y dejar prosperar al resto. ¿Cuáles son los casos de éxito más importantes que has conseguido con artistas emergentes?

banda a enfocar su emprendimiento de forma productiva y profesional. Parece algo insignificante, pero en realidad es la base de todo. ¿Cómo has visto la industria musical en los últimos años?, en tu opinión ¿ha evolucionado o ha involucionado?

Ha cambiado, pero no necesariamente a peor. Lo digo en serio. Lo que pasa es que lo ha hecho muy rápida y drásticamente y a la gente le cuesta mucho adaptarse a las cosas nuevas que no entienden porque les produce rechazo y miedo. Hay países en los que esos cambios se asimilan con más naturalidad y de una forma más abierta, por eso sigue habiendo industria y nuevos talentos que irrumpen en la escena con propuestas frescas y solventes. Pero es que todo cambia con el paso de la vida. Nosotros también cambiamos. Nada permanece en el mismo sitio, con lo cual es absurdo renunciar a moverse con los tiempos y a mirar el presente y el futuro con optimismo. Es más; yo diría que cualquier músico que quiera tener una carrera feliz está obligado a anticiparse y en este sentido, mi libro puede que juegue un papel importante. También creo que en el pasado la gestión artística estaba dirigida por los propios músicos y esta, muchas veces, era bastante deficiente por una cuestión de desconocimiento de los procesos. También había mucho intrusista y “espabilao” listo para aprovecharse de ellos, lo que pasa es que eso ahora se detecta antes y se puede evitar mejor. Ahora hay equipos de profesionales preparados y formados para ofrecer múltiples soluciones para los problemas más habituales.

También me gusta ver triunfar a todos los emprendedores y profesionales de la industria que se han dejado la piel desde el corazón y que contribuyen a su crecimiento.

Por suerte cada día hay más. ¿Dónde se puede encontrar el libro?

A partir de marzo de este 2022 estará disponible en Amazon tanto en físico como en digital, pero ya se puede pre-reservar a través de la web de mi agencia www.topartistpromotion.com a un precio reducido o pidiéndolo por email a info@topartistpromotion.com. Al igual que mi libro anterior, saldrá con la editorial Impulso Literario, la cual también coge pedidos anticipados: info@impulsoliterario.com. Finalmente haré algunas presentaciones en distintas ciudades de España y Centro América donde se podrá comprar físicamente y en las que agradeceré a los asistentes su presencia con una masterclass que resuma mi método de gestión integral.

¿Hay alguna banda o artista en especial al que te hubiera gustado ver triunfar?

Claro. Me hubiera gustado ver triunfar a todos los artistas con los que me he cruzado y con los que he compartido objetivos, sueños y esfuerzos. Me siento honrado porque son y han sido muchos. Algunos cumplieron sus objetivos y otros se quedaron por el camino, pero esto es algo que pasa en cualquier sector profesional. Sólo puedo decirte que a los que trabajan bien, les va bien.

No creo que tenga sentido otorgarme el mérito de lo que hago a diario con bandas y artistas conocidos como Johnny Depp, Kevin Costner, Alice Cooper, Deep Purple o Christopher Cross, porque es evidente que aun siendo su publisher en España, yo no soy el responsable de su éxito. Si acaso, contribuyo a mantenerlo, pero nada más.

Por eso los logros que más satisfacción me han producido son los que tienen que ver con la gestión de derechos editoriales y monetización de proyectos emergentes. En este caso si me siento responsable de sus logros de sostenibilidad, porque como digo en el libro, un proyecto artístico que no logra cierta solvencia económica, acaba siendo una empresa en quiebra. Definitivamente mis mayores éxitos han sido los que se han visto reflejados en todas esas ocasiones en las que he enseñado a un artista o a una

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NO KONFORME

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Han pasado cuatro años de su anterior disco, y ahora publican su nuevo disco “De cada idea un huracán” un disco que ha sido producido por el grandísimo Tony López con el cual se han abierto más en el plano musical, doce canciones en las cuales el grupo con sus letras han conseguido dar voz a los sin voz.

Empecemos por el principio, cuatro años sin publicar nuevo disco ¿ha tenido que ver el COVID19?

Si, por supuesto. Todo este retraso ha sido en parte por la maldita pandemia. Ten en cuenta que empezamos la grabación del disco en febrero de 2020 y la idea era sacarlo antes del verano de ese año. El resto ya conocemos todos la historia.....

Qué os ha impulsado a que sea Tony López (Ska-P, Orujo de Brujas, Sin Papeles, The Locos…) el productor de este disco.

Después de tres discos trabajando codo con codo con Kosta Boikot nos apetecía un cambio en la producción, probar cosas nuevas. Yo estuve haciendo un día coros invitado por una banda al estudio de Tony y ahí forjamos un primer contacto que luego se plasmó en su elección como productor del nuevo disco.

“De cada idea un huracán” es un disco más abierto en lo musical. Conociendo a Tony desde hace muchos años, conozco sus gustos musicales y su forma de trabajar, ¿qué ha aportado Tony López a este disco?

Tony ha aportado muchas cosas ya que hemos podido trabajar las canciones desde distintos niveles, haciendo varias versiones de una misma canción , cambios de tonalidades, probar con distintos instrumentos etc., podemos decir que ha sido un trabajo muy minucioso y que le hemos dedicado mucho tiempo.

El disco se abre con “La llama está viva”.

No Konforme nace en el 2006, y durante este tiempo venis cantando a los problemas cotidianos de nuestro dia a dia. ¿No se desilusiona uno de cantar a los problemas sociales en sus discos y ver que no

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se solucionan las cosas? ¿es el momento, ahora más que nunca, de mantener esa llama viva?

Si, la verdad es que es un poco frustrante porque yo creo que ya desde los años 80 donde La Polla Records o Barricada denunciaban problemáticas sociales pocas cosas han mejorado desde entonces. No obstante lo que dices es muy necesario, seguir en la lucha y mantener la llama más viva que nunca.

Los pelos de punta se le ponen a uno cuando escucha “Semillas de revolución” tanto por como ha quedado musicalmente, por su letra, que nace de un poema de Luis Cernuda y por la colaboración de El Drogas.

Cuando uno escribe sobre temas como es este de los asesinados en los cementerios, los muertos de las cunetas… durante la dictadura. ¿Es difícil aislarse de la rabia, las lágrimas…?

La canción nace de la rabia, de la indignación pero sobretodo busca ser ese altavoz que siga emitiendo de manera constante una reivindicación para la memoria histórica y para la dignidad de tantas personas que dieron su vida por la libertad en este país. ¿Cómo le propusisteis a El Drogas que participará en esta canción, que además, es uno de los temas de los que más le gusta hablar?

Drogas probablemente es el culpable de que hiciéramos la canción. El disco de La tierra está sorda de Barricada es uno de nuestros discos de cabecera y nos abrió los ojos . Cuando estaba escribiendo la canción pensé en Enrique y acabó cantando en el tema. Digamos que es una de las cosas más maravillosas que te puede ocurrir en

el mundo de la música que un artista de su talla te influencie a la hora de escribir y denunciar una temática concreta y que acabe partícipe de ello.

Siento que con esto de la pandemia la palabra libertad se ha confundido, la libertad no consiste en tomar botellines o poder quitarte la mascarilla… ¿Cómo lo veis vosotros?

Se ha confundido libertad con libertinaje e ignorancia. Que la extrema derecha rancia utilice el concepto de libertad como slogan de su campaña pone en evidencia el manejo sobre la desinformación y el borreguismo reinante. La historia no podría ser más macabra sobretodo porque si hay un exponente político que se ha encargado de censurar libertades, de maniatarlas y de encerrar y acabar con todo pensamiento libertario han sido ellos. Pero parece que el rebaño ha entrado por el aro y ahí están de adalides de la democracia y la libertad...

Espectacular la colaboración de Xabi Arakama en el tema RRV con la trikititxa. ¿Cómo se os ocurrió introducir la trikititxa en este tema?

Queríamos rendir un homenaje a todas las bandas que crearon un movimiento tan contestatario como el que hubo en Euskal Herria en los 80. La canción ya cogía aire vasco de por sí pero pensamos que meter una triki podría ser la guinda al pastel y encima con el gran Xabi Arakama... ¿Qué más se puede pedir?

El disco se cierra con otro temazo “Viento de la habana” en el cual colabora Kosta Vazquez de Boikot, que además fue productor de algunos de vuestros discos. ¡Hasta la victoria, siempre! ¿Cuál sería la victoria para No Konforme?

La victoria sería que desaparecieran las injusticias, que no hubiera opresores ni oprimidos. La victoria sería que el fascismo y el racismo desaparecieran de nuestras vidas. La victoria en definitiva hay que seguir peleándola día a día para conseguir un mundo mejor. ¡Venderemos muy cara la derrota!

Un ep “Attitude” (Rock Estatal Records, 2017), después llegaría su primer disco de larga duración Happy Pill (Rock Estatal Records, 2018) y ahora es el turno de su segundo disco “Mambo”. El grupo compuesto por Daniel Agudo (voz), Daniel Bautista (guitarras), Sergi Hernández Ventura (bajo) y Pedro Fuentes (batería) han conseguido con este trabajo un disco en el cual han sabido dar una vuelta de tuerca a su rock and roll.

Lo primero, ¿Por qué decantaros en este disco por cantar en castellano?

Ha sido una idea que siempre nos rondaba la cabeza, pero no nos atrevíamos a dar el paso. Creo que con el rock en castellano hay que ser muy exigente y no encasillarte en lo típico, decidimos darle muchas vueltas para generar el estilo que a nosotros nos gusta: gamberro, fresco, duro, especial... pero sin entrar en patrones fáciles y ya muy machacados. Con “Mambo” creemos que hemos alcanzado ese nivel de exigencia y esa autenticidad, por eso se lo presentamos al mundo.

Habéis vuelto a contar en la producción con Alex Cappa (Hamlet, Vita Imana, Dawn Of The Maya) en los Metropol Studios de Madrid. ¿Por qué contar de nuevo en este disco con Alex Cappa?

Alex nos aporta al sonido la pegada necesaria para que nuestras canciones tengan ese ambiente de directo: sonido alto, potente... Además de que es un hermano y es una risa trabajar con él. Nos entiende a la perfección y no dudaremos en contar con él para futuros trabajos.

Este disco se ha grabado en directo en el estudio, como se hacía antes. ¿Por qué elegir esta forma de grabar el disco?

Nuestros temas van enfocados a esa sensación de concierto. Lo que escuches en el disco te lo vas a encontrar en un bolo, no hay trampa ni cartón. Grabarlo en directo obviamente hacía que se acercase aún más a esa realidad del directo (risas).. ¿Es el rock and roll una mala influencia para los adolescentes o la mala influencia es el reggaeton o eso que llaman música urbana?

Prefiero que el rock and roll se quede con el término: mala influencia. Quien entiende lo que es el rock and roll no lo compara con la música de masas de temporada. El rock and roll es un sentimiento mundial que quedará registrado en la historia para siempre, no muere. Ser los renegados de la música es lo mejor del rock and roll. Es la actitud. ¿Creéis que para llegar a ese público de adolescentes hay que conectar con ellos a través de la música, de lo que se cuenta en las letras?

La gente joven quiere escuchar cosas que le ocurran en su día a día, cosas que comprendan. Nosotros hablamos de lo que nos pasa a diario, de situaciones, lugares y cosas que conocemos y entendemos...

Somos jóvenes y nos expresamos como tal,

por lo tanto, entiendo que otros jóvenes (o quien tenga una actitud joven) (risas) comprenderá lo que decimos.

“Está bien” habla de fomentar la cultura. Ahora la situación del rock and roll en Madrid es muy buena y de una gran calidad, con bandas como Desvariados, Los Gallos, Calibre 91, Reciclaje..., por supuesto vosotros. ¿Qué creeis que sucede para no conectar con un público mayoritario?

Creo que es cuestión de trabajo y de hacerse notar. Ahora, como bien dices, están surgiendo esta gran cantidad de grupos de una calidad tremenda y que además estamos haciendo piña entre todos; hay muy buen rollo. Si seguimos trabajando y creciendo, como lo estamos haciendo, surgirán más grupos y más público que querrán unirse a esta “nueva movida del rock and roll madrileño” Después de ese bellisimo instrumental llamado “708” nos encontramos con “Auténtico” ¿Ser auténtico es estar fuera de lo normal?

Para empezar, no creo que haya un manual que indique: cómo ser normal. La normalidad no existe. Auténtico es ser tú mismo, sacar tus propias conclusiones y no las de otros. Auténtico te está diciendo que no merece la pena ser la copia de otros. ¿Qué grupos tienen cabida en la playlist de Los Sex? LOS SEX somos una familia, caben desde ABBA hasta Hardcore Superstar, no nos cerramos a un estilo concreto.

“F.R.I.E.N.D.S” es una canción del disco. ¿Es vuestra serie favorita?

La verdad es que es una serie que siempre hemos visto y de la que guardamos buenos recuerdos, bromas y situaciones.

Pedro es muy Chandler, Sergi tiene algo de Joey, Dani Bautista mitad Joey mitad Ross, yo soy Mónica y todos queremos ser Rachel.

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Conocido por proyectos como “The Sea Sons” en el que participó con tan solo 16 años y que publicaron un disco de influencias funk y disco.

Después vendrían algunos singles y un Ep digital llamado “No estoy” el cual contenía cuatro temas de Hip Hop, con el título “CAMBIOS (give it all away)” un Ep visual en el que fusiona sus dos facetas la música con el video. Ahora es el momento de su nuevo single “Tengo la cabeza en otro lao’” adelanto de lo que será su próximo disco que llevará por título “Personalidad Múltiple”.

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En tu ADN musical encontramos funk, disco, hip hop… ¿Cómo llega la música a tu vida?

En gran parte gracias a mi padre. Él fue DJ en sus tiempos mozos y me pegó la pasión por la música. Fué cuando, estando en el instituto, empecé a imitar las canciones de músicos consagrados a través de sus películas biográficas como Johnny Cash en Walk the Line, interpretada por Joaquin Phoenix, o Ray Charles en Ray por Jamie Foxx. A partir de ese momento y viendo que no lo hacía del todo mal, me apunté a clases de canto y fundé un grupo, The Sea Sons. También mi hermano me ha influido muchísimo y me ha introducido siempre al mundo del Rap en español y a la escena nacional “underground”.

“The Sea Sons” fue tu primera banda con la cual durante dos años estuvisteis dando conciertos por las salas de Madrid. ¿Qué recuerdos tienes de esa época?

La época de The Sea Sons fué un choque con la realidad y una disrupción con la idea romántica de la estrella de la música; con la idea brillante y casi paradisíaca de aquel que vive de lo que le gusta para encontrarme con la realidad de la industria y lo mucho que hay que trabajar para que una carrera musical de frutos. ¿Qué fue lo que te condujo a iniciar tu carrera en solitario y dejar “The Sea Sons”?

Fueron muchos motivos. La inexperiencia, la presión, la prisa, discusiones dentro de la banda, diferencias creativas…,

pero sobre todo el motivo principal fue la diferencia de aspiraciones. Supongo que al querer tomarlo de una manera tan seria no iba de la mano con todos los que formábamos parte de la banda. Además, éramos niños que estaban jugando a ser estrellas del Rock. No teníamos ni idea. ¿Qué significa para ti el Ep” No estoy”?

El EP “No estoy” habla de la búsqueda personal y del caos que supone el estar yendo detrás de todo lo que eres. Unos dirían que las personas somos demasiado complejas como para tener claro en todo momento todas las facetas de nuestra personalidad y de lo que sentimos. Supongo que este disco refleja todo aquello a lo que miramos cuando no nos queremos ver a nosotros mismos de una manera sencilla. Un delirio en forma de entretenimiento. ¿Qué grupos tendrían cabida en la playlist de VIKB? Si tiramos por los clásicos encontrarías Bill Withers, Earth Wind and Fire, Queen o George Michael, entre otros y pasando por una etapa más actual puedes encontrar a Jamie Cullum, Natalia Lacunza, Joji, Frank Ocean, Labyrinth, Silk Sonic, Hard GZ, Kase.O o The Weekend.

Entre tu Ep “No estoy” y este nuevo single, creo que hay un salto muy grande, tanto en lo musical, como en la letra. ¿Qué es lo que buscabas con este nuevo single?

Busco un sonido para recrearse, pasarlo bien y, por qué no decirlo, hacerme un hueco en la escena. El Funk es uno de los

alta mar”. Como concepto, el embalse es al agua lo que una canción a un sentimiento o idea. Me explico: Un embalse es un gran depósito de agua creado de manera artificial para cubrir varios tipos de necesidades como crear energía, abastecer poblaciones…

Al tener la cabeza en otro lado te encuentras solo en tus pensamientos, no estás a lo que estás, algo que normalmente suele ser involuntario. Es curioso por qué el artista o compositor encapsula en una canción un sentimiento o estado de ánimo para cubrir una necesidad a aquel que la escuche. Esto no es muy distinto a almacenar el agua en un embalse para su posterior uso.

“Mis letras son obras de arte que mirar para inspirarte, color en la oscuridad, ya no mires a otra parte.” ¿Uno escribe como inspiración a otros o como autoayuda para superar problemas?

Depende mucho del enfoque que le quieras dar a la canción y el mensaje que quieras mandar. Si mañana quiero inspirar a todo aquel que esté pasando por cualquier tipo de problema que me toque de cerca si será para inspirarle a ser mejor, o al menos un intento. Con The Sea Sons si que utilizaba más este enfoque. Hoy en día prefiero que el enfoque sea más personal, algo que da mucho más pie a que los oyentes se sientan identificados con lo que digo o al menos que hagan un amago de entender como me siento. No busco pescar feligreses para mi “iglesia”, sino hacer algo que me represente, sea lo que sea.

Tu próximo disco “Personalidad Múltiple”

tengo entendido, que en lo musical, va a ser un disco con un abanico amplio, de ahí su título. ¿Qué piensas del encasillamiento musical y del big data, que te ofrece grupos de música en función al estilo que estás escuchando?

Me parece algo perjudicial tanto para la cultura músical, como para el crecimiento cultural interior de las personas. Si a lo largo de tu vida solo tienes contacto con un tipo de música, no desarrollas un criterio real. Obviamente si desarrollas un criterio en cuanto a ese estilo de música concreto que siempre estás escuchando, pero no más allá. En cuanto al encasillamiento musical, me parece algo necesario teniendo en cuenta como funciona la industria, el mercado y el mundo en general. Esas etiquetas están para diferenciar un estilo de otro. Hay muchos artistas a los que les viene muy bien este tipo de fórmulas ya que se dedican exclusivamente a un estilo en concreto. En mi caso, creo que puedo llegar a dar más de lo que una etiqueta puede decir de mí. ¿Tenemos prevista la fecha de salida del disco?

Está todavía en proceso y no puedo decir fecha concreta pero sí puedo decir que saldrá este año. Tendrá canciones tanto en Inglés como en español y todo tipo de estilos. Una falta de respeto a lo predecible para todo aquel que quiera pasar un buen rato.

En este disco busco el entretenimiento del oyente porque me ha pasado varias veces que he escuchado un disco y quitarlo a la mitad por la homogeneidad de las canciones que lo componen.

estilos que más disfruto y me encanta experimentar y ver que puede llegar a salir utilizando el español. Además, me gustaría ofrecer algo nuevo sin romper del todo con lo que sonaba antes de que yo naciera. Uno de los músicos que más está apostando por este sonido, que yo sepa, es R de Rumba y Kase.O, dos artistas que me encantan.

“Tengo la cabeza en otro lao’” habla de aquel que no “está a lo que está”, no porque no lo sepa, sino por buscar que hay más allá de lo que está establecido. ¿Alguna vez te has encontrado en la situación de estar en un sitio, en el cual pensabas que ese no era tu lugar?

Me suele pasar bastante a menudo. Sobre todo a la hora de salir de fiesta con grupos grandes. Me gustan las personalidades fuertes y debatir, entender a la otra persona y por lo general en ambientes de fiesta hay poco espacio para la conversación.

Este single cuenta con un videoclip que ha sido realizado por Time Travel Productions en la que está Javier Richi que también estaba en tiempos de “The Sea Sons” y que ha participado en cortometrajes, y videos musicales. Pablo Molina (Corvos) es el encargado de las imágenes de Dron. ¿Hubo algún motivo en especial de grabar en el embalse de Valmayor?

Escoger el embalse de Valmayor fue como matar dos pájaros de un tiro ya que, aparte de contar con un precioso paisaje natural, el sitio hace referencia a la canción en partes como “Con el cielo encima vivo en

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KARLA HOLT

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Desde los cuatro años tocas el piano y luego comienzas con la guitarra ¿por qué? ¿el piano pesaba mucho?(risas) (risas) Pues sí,no se puede transportar tan fácil. La verdad, me encanta el piano al igual que la guitarra, no me puede considerar ni pianista, ni guitarrista, pero me gustan para acompañarme, me defiendo.

Pués fue como mi primera introducción a la música, porque yo comenzé a cantar un poquito más grande, como a los 15 años,con clases de canto y esa onda, antes estaba mucho más con instrumentos, pero bueno probando un poquito de todo y al final mira en qué terminamos.

Sé que fue por tu padre el que te influyó para que entraras en este mundo de la música. ¿Qué música escuchabas en casa?

Fue justo por mi padre que me empecé a introducir en el mundo de la música porque él y toda mi familia paterna como que siempre estuvo muy ligada con artistas como Los Virus, The Rolling Stones,Pink Floyd, Aerosmith…. escuché mucho rock clásico que en realidad ha sido como mi influencia, aunque no tenga nada que ver con lo mío, porque yo soy más popera, pero si tengo muchas influencias y hasta la fecha sigue siendo mi música favorita.

Un primo también tiene la culpa…

Sí, ese es el más culpable de todos (risas). Porque siempre hemos estado muy unidos, él también es cantante y un gran músico. Y yo de estar tan unida a él y acompañarlo, desde ver como estudiaba la carrera, ensayaba, acompañarlo cuando tocaba en algún lugar, de pronto componiendo canciones en mi casa, porque yo tenía el piano y él venía a componer allí.Y desde la primera vez que fui a verlo a tocar en vivo, dije: “ me encanta, esto es lo mío. Yo quiero lo mismo”. Y ahí me clavé.

Karla Holt ¿nunca ha tenido una banda?

Nunca he tenido una banda como tal.

Cuando era chiquita decía: “yo voy a ser rockera y voy a tener mi banda” Pero cuando empecé a cantar me clavé más en el pop que es algo que disfruto muchísimo, pero no estoy cerrada a probar nuevas cosas. ”Qué quede claro” ¿fue tu primer single?

Exactamente, ese fue mi primer single en mayo de 2019, que fue cuando me lancé.

Este fue un single pop urbano, porque en realidad no sabía, quería que fuera pop, pero no sabía por donde llevarlo, porque rama del pop me quería ir. Y fue una canción que salió muy sin querer, yéndose a lo urbano, estaba tratando de hacer otro tipo de pop, pero al final conocí a Mariano Castejón, ahora gran amigo y compositor con el que ahora trabajo mucho. En realidad iba a grabar sólo una canción con él, osea unas voces y eso me dijo que era compositor y que podríamos en algún momento componer algo juntos y yo feliz. En eso me dijo si quieres hacemos una canción ahorita, así rápido solamente para que veas que es lo que me gusta hacer y así si te gusta hacemos algo. Y la verdad es que no tardamos ni una hora en componerla y dije este es mi primer sencillo, me la quedo…(risas) Y ya seguimos un poco en esa línea y me fui por lo urbano.

Piensas que en la fusión es donde está la novedad, hacia donde va la música.

Sí, totalmente. Y ahora no lo puedo decir

solamente de lo urbano, si es verdad que hubo un momento que lo urbano era lo que estaba rompiendo, incluso muchos artistas de los mas conocidos mexicanos poperos empezaron hacer cosas con artistas urbanos y se empezaron a meter mucho en esa onda.

Pero comenzaron a salir colaboraciones de bandas con urbano, así muchas fusiones muy locas pero muy cool. Y es algo que me encanta. las colaboraciones son increíbles porque los otros artistas te aportan muchísimo,al igual que tu a ellos, se complementa bastante bien y empiezan a salir ideas que igual a ti sola no se te hubieran ocurrido y viceversa.

Cuando compones, lo haces con otros artistas, pero tus letras hablan mucho de ti. ¿No tienes miedo a sentirte desnuda?

Sí, creo que soy bastante directa. Hasta ahorita todas mis canciones van muy relacionadas con mis experiencias, con historias mías con gente cercana,con cosillas de mi vida. Aunque escriba con otros compositores si me interesa que vayan con algo mío porque es la manera que lo pueda interpretar, al final hay veces que aunque haya canciones que no las escribas tu, pero

te identificas con la letra con el ritmo, con todo y encuentras esa manera de poderla transmitir, pero creo no hay mejor cosa que alguna historia que sea propia y lo puedas proyectar tal cual con tu gente. ¿Piensas que la gente joven ahora es más abierta a escuchar musicalmente de todo?

Sí, totalmente. Siempre he pensado que no hay razón alguna para criticar cualquier tipo de género musical, cada uno tendrá sus gustos y me parece que cada género tiene su magia. Personalmente estoy muy abierta a escuchar todo tipo de música, desde música clásica,que me encanta, hasta lo más popero, rockero… creo que empaparse de todo lo que hay está increíble y escuchar artistas fuera de los mas reconocidos, de pronto hay un talento impresionante escondido y está súper cool encontrar ese tipo de cosas.

Ahora que estamos hablando de estilos de música, navegando en tu biografía me he encontrado con una versión que hiciste de Luis Miguel “Hasta que te olvide” una de tus canciones favoritas.

Sí, la sacamos justo cuando estaba el boom de la serie de su biografía, pensamos que estaba bueno sacar un cover de esta

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estilo, más balada, salirme también un poco de lo urbano y poder investigar mi voz para diferentes estilos.

El cuerpo de Karla está lleno de tatuajes, pero hay uno al que tienes un cariño especial y es una frase que te escribió tu madre en la mano. ¿Cual es la frase?

“Te amo por siempre” con su letra.

Viene porque mis padres son anti tatuajes, además que fui súper rápido, una vez que me tatué el primero seguidamente vinieron todos los demás y por ello estaba teniendo muchísimos problemas con mi padre y en algún momento como que mi mamá llegó y me dijo: ” no me voy a pelar contigo, te acepto, si ati te gusta está bien y es tu cuerpo”. Y bueno aprovechando que me aceptas (risas) necesito que me escribas una frase con tu letra porque la quiero tener tatuada, me acompañó y la tengo tatuada.

Veo que te atreves a innovar con los villancicos.

Sí, siempre trato de buscar alguna canción que nadie conozca, antiguas o que no sean las más comunes, me gusta ir un poco más allá.

Me quedo sorprendido con la cantidad de registros de voz que tienes. Eres una artista sumamente completa.

Muchas gracias. Realmente mi voz cantada en español o cantada en inglés suena completamente diferente, no sé por qué, no me lo preguntes (risas). Al principio estaba muy acostumbrada a cantar en inglés y al comenzar a cantar en español me escuchaba

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muy rara.

Ahora estás rodando una película en España. ¿Habías hecho algo de interpretación antes?

Algo tan grande como en este momento no. He tenido oportunidad de hacer casting y algo en publicidad,algo de teatro, musicales pero algo como una película no. Salió esta oportunidad y feliz de la vida. Aunque la música es mi pasión, poder ampliar está habilidad de actriz pues estoy encantada.

Desearás: Una historia de amor… de caucho. Es el título de la película ¿Qué me puedes contar de ella?

Es una peli de drama/ficción. Desde el día que leí el guión me encantó, se mimetiza mucho mi papel a como yo soy.

Y agradecida a Lorenzo Sanz que me haya dado la oportunidad de hacerme el casting y de aceptarme.

Con la canción Me enamoré tienes una colaboración con Domino Saints. Esta canción te ha dado muchísimo.

Sí, para mí fue algo impresionante porque acababa de sacar mi primer sencillo y no tenía más que enseñarles. Los conocí a través de una amiga y les mandamos el video del sencillo y dijeron ok. Salió repentino, estaba justo de gira en República y cuando dijeron que sí armamos rápidamente el viaje a Miami en septiembre de 2020. Armamos literalmente la canción por sesiones de skype y allá hicimos todo, la grabación, el video. Además ellos tenían que actuar en febrero del 2020 en la Superbowl Live, en Miami, y me dijeron que si quería

ir con ellos y cantar” Me enamoré”, fue increíble.

Fueron a México conmigo y estuvimos un mes de gira por allá, hicimos una amistad increíble y aprendí muchísimo de ellos.

En la Superbowl Live había 40.000 personas ¿Qué se siente cuando vas subiendo las escaleras del escenario?

Pues nosotros tocábamos a las 20h y esa tarde empèzó a llover súper fuerte y los primeros artistas que estuvieron, la verdad que estaba súper vacío, un parque abierto, el evento era gratuito y cabían como 60.000 personas y en ese momento sólo había unas 1000 ó 2000 personas pero en un lugar tan grande se veía vacío y ya pensábamos que no se ib a armar por la lluvia, pero paró y cuando salieron ellos y me llamaron para que saliera a cantar la canción y vi que ya era una ola negra, todo lleno…fue increíble.

Puede ser este unos de los mejores momentos que has vivido en tu carrera.

Sí, totalmente. Para superarlo ¿qué tendría que pasar?

Pues repetirlo (risas) y que esta vez fuera un show mío.

Una de las cosas que más te gustan es el trabajar en colaboración con otros artistas ¿Cúal sería tu sueño cumplido?

Yéndome a lo grande, me encantaría trabajar con Dua Lipa. Pero creo que cualquier colaboración que se presente es algo que aprovecharía al 100%, porque es algo que disfruto y aprendo muchísimo.

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Su último disco hasta la fecha publicado se llama “No Hard Feelings” un disco que ha conseguido hacerse un hueco tanto entre el público, como en la prensa musical. Ahora son máxima actualidad por muchos motivos, pero uno de ellos, es que con la que está cayendo tienen una gira de conciertos por delante que muy pocas bandas pueden decir que los tienen con estos días inciertos que vivimos en la cultura, como son los aplazamientos, suspensiones, cierres de salas…

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Para poder conseguir una gira así, hay mucho trabajo detrás y que el grupo también ya está cogiendo un nombre dentro de la escena musical. ¿Os ha sorprendido la cantidad de conciertos que tenéis cerrados para este 2022?

Estamos muy agradecidos por la respuesta y por el apoyo de promotores, programadores y salas. Repetimos en muchos lugares donde pudimos ir en anteriores giras y ampliamos a otros nuevos que se han atrevido a apostar por nosotros. Eso es innegable. Pero realmente era lo que buscábamos. Probablemente sería mucho más fácil y más rentable hacer una gira diferente, más acotada, pero no es nuestro estilo. En momentos como el actual hay que atreverse, arriesgarse, volverse un poco loco si es necesario. Si la mayoría de las bandas hacen giras pequeñas, nosotros las haremos grandes. Si las promotoras cancelan conciertos por bajas ventas, nosotros cerramos otras treinta, en ciudades grandes y pueblos pequeños, y tocaremos para dos personas si es necesario. Creo que la gente se merece que vayas allá donde estén, que las bandas traten de acercarse a cuanta más gente mejor después de tanto tiempo de desconexión.

Somos una banda, necesitamos salir a tocar, es lo que sabemos hacer. ¿Hay alguno en especial al cual tengáis más ganas de que llegue?

Esta es la típica pregunta en la que se supone que no te tienes que mojar, ¿verdad? Pero, ciertamente, hay uno que creo tiene un simbolismo especial, por decirlo de alguna manera. Volvemos a O Barco de Valdeorras, en Orense, y allí tocamos por última vez antes de la pandemia, justo antes

de que todo se pusiese feo. Volver allí será una forma de tratar de retomar el camino allí donde lo dejamos.

Donde disfruta más Tangerine Flavour en una sala de conciertos o en un escenario grande.

Nos hemos curtido en salas, es nuestro territorio, pero para qué elegir si puedes tenerlo todo. ¿Creéis que esta gira repleta de conciertos en parte es porque está creciendo la escena americana?

No sé qué pensar respecto a esto. Hace unos años parecía que surgía una especie de escena que se sustentaba en toda la amalgama de la música tradicional norteamericana y nos sentíamos parte de ella. Ahora veo a cada vez más bandas alejándose de aquello en lo que creían y me parece que se están equivocando. No se trata de ser un pureta.

Pero no hay camino rápido para grupos como nosotros, sólo promesas que te llevan a callejones sin salida.

Hay un concierto en el que compartís escenario junto a Triángulo de Amor Bizarro.

Su música es más electrónica… Ya sabes que yo soy amante de mezclar estilos en los conciertos ¿pero piensas que el público lo entiende? ¿se adapta el concierto para ese público ese día… ?

Nuestra misión ese día es que el público lo entienda, que salgan de allí siendo fans de Tangerine Flavour. Creo que a cualquier persona le puede gustar lo que hacemos, no hace falta tener un poster de The Band en la habitación para conectar con nuestras canciones. Ese día en Sevilla es un reto, vamos a salir con todo y a ponérselo un poco difícil a los Triángulo. Va a ser una gran noche a

su lado.

Ya vuestro disco “No Hard Feelings” va teniendo un tiempecito. Con el disco reposado ¿Qué opinión tenéis de él?

“No Hard Feelings” cambió el devenir de esta banda. Lo hemos dicho muchas veces, pero cada vez lo tenemos más presente.

Alfonso Ferrer, Juli ‘El Lento’ y toda la escena toledana nos marcó el camino. Ahora lo haríamos mejor, es posible, pero lo que ese disco significó es innegable. Cuando lo escuchamos ahora vemos la evolución que hemos tenido, sabemos que lo siguiente es mejor, pero es el mejor cimiento que podemos imaginarnos. Estamos orgullosos de él y la mayor parte de esas canciones nos seguirán acompañando en todos nuestros conciertos. Creo que es un disco que envejecerá bien, ¡probablemente mejor que nosotros!

Sé que estáis metidos de lleno en un nuevo disco ¿Ya está terminado? ¿Cuándo tenéis pensado publicar el disco?

El nuevo disco está terminando. La idea inicial era haberlo tenido listo para esta gira, pero hay veces en la vida que hay que esperar un poco, aunque tu cuerpo te pida la contrario, para no dar un paso en falso.

Esperamos lanzar el primer single muy pronto y con la contundencia y los medios

que creemos que se merece. En cualquier caso, muchas de las nuevas canciones estarán en los repertorios de la gira, no habrá que esperar al disco para escuchar los temas por primera vez. ¿Será una continuidad de vuestro anterior trabajo o habéis buscado algo nuevo?

El nuevo disco es ambas cosas. La base es la misma, pero las miras son más amplias. No va a ser un disco lineal. Hemos tratado de explorar todos los estilos que amamos, desde el country más clásico hasta el soul. Tratamos de escuchar a las canciones y que ellas nos guíen. No somos una banda de estilo, somos una banda de canciones y nos debemos solamente a ellas y a nosotros mismos. Quizá sea un álbum más ecléctico, con un sonido diferente, pero con la misma idea de hacer música. ¿Dónde se ha grabado y quien se ha encargado de la producción del disco?

El nuevo disco se grabó en Audiomatic, en Madrid, el estudio de Rosillo, dentro del Observatorio, que a raíz de eso se convirtió en nuestro centro de operaciones. Hacía tiempo que queríamos trabajar mano a mano con Josu García y por fin, a pesar de la pandemia, pudimos empezar con el nuevo material bajo su supervisión. Además, contamos con la maestría de Mark Janipka

y de Toni Brunet que nos ayudaron en todo momento con su talento y que son parte imprescindible en todo esto.

Para terminar, qué podemos decir a nuestros lectores para que se animen a asistir a uno de vuestros conciertos.

Les necesitamos. Queremos estar junto a ellos, sentirles cerca. Para nosotros estar alejados de la carretera ha sido un suplicio, llevamos esperando este momento meses y meses. Probablemente sea la gira que con más ganas encaramos y eso se va a notar, se lo garantizo. Por lo demás, la esencia de Tangerine Flavour, buen rollo, sudor, armonías, bailes mezclados con medios tiempos, botas de cowboy... Es difícil de explicar sin un micro y una guitarra cerca, lo mejor es que se pasen a ver de lo que hablo.

No se arrepentirán.

Gracias Pablo si hay algo más que quieras añadir ya sabes estás en casa… Un abrazo.

Gracias a ti Juan y a todo el equipo de LH que siempre ha estado ahí. La vida de una banda emergente, como se dice ahora, sería mucho más difícil sin gente como vosotros.

Dais alas a que podamos continuar con nuestro sueño. No hay nada más gratificante que encontrarse con gente que ama la música tanto como tú.

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AUTOMATICA Pernada era una banda de rock alternativo, que vivió su gran momento allá por el cambio de siglo. En ésta militaba F. Javier Esteban, destacando en este caso, su arte con las cuatro cuerdas. En el recientemente publicado segundo disco de Automatica “Music For A Real Dystopia” descubrimos, con especial agrado, que el bajo eléctrico está bastante presente.

Un disco conceptual en una era en la que lo que se lleva es ir sacando single a single para que, quizás después, llegue el disco.

Hoy vamos a sumergirnos en este disco, descubriendo cada una de las piezas que lo componen. ¿Cómo surge la idea de hacer un álbum conceptual?

No me olvido del encanto que tenía la experiencia de coger un nuevo disco y escucharlo entero con atención. En la mayoría de ocasiones, en esos grandes álbumes, se podía percibir una cuidada confección a través del orden de los tracks, e incluso en el cierre de la cara A y el comienzo de la cara B. “Music For A Real Dystopia” está concebido así y, además, es un álbum de concepto que procura hacer una visión sobre los nuevos tiempos, y que vamos a ir desgranando, como sugieres, con cada uno de los tracks.

El disco se abre con “From The Jungle” en el cual se pueden escuchar los sonidos de la jungla. ¿Es en la jungla donde empieza esta historia?

En efecto, en la jungla es donde comienza, pero también es de donde venimos. Y me explico. Quise dejar abierto el álbum anterior en su final. Como os recuerdo, “Brazil” es la pieza que lo cerró, donde también se vive un ambiente selvático. Para mí, la jungla, en esta historia, representa lo real, lo puro. Refiriéndome a lo que no ha sido aún alterado por la mano del hombre moderno.

Un disco que ha nacido pausadamente para conseguir tener tu propio sonido. “To The City” es el segundo corte. En este tema se escuchan voces, lluvia… Algunos sonidos del disco los has grabado tú mismo. ¿Cómo

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lo haces? ¿Qué podemos descubrir en este tema?

Bueno, yendo por partes, es cierto que una de las premisas con este, ya segundo disco, era la de encontrar mi sonido, el sonido Automatica. Y, puedes felicitarme por ello, porque estoy completamente convencido de que lo hemos logrado. Algo de ello, desde luego, viene por la atmósfera que conseguimos crear con esos sonidos grabados mediante tecnología binaural, y como se logran fusionar con la música.

Aunque algunos los he obtenido por otras fuentes y grabados con una cabeza dummy, muchos de estos sonidos los he captado yo con mi propio sistema de grabación, que consiste en unos micrófonos “in-ear”, colocados en cada uno de mis propios oídos.

“From The Jungle” y “To The City” podríamos considerarlos, juntos, como la introducción del álbum. Comenzamos en la jungla, “lo real”, y vamos hacia la ciudad, o a esa “matrix” o mundo simulado que nosotros mismos hemos creado, y que he querido exponer mostrando algunas pinceladas del mundanal ruido.

En “The Benefactor” las baterías están muy presentes. ¿Es por algo en especial? ¿Quién es el Benefactor?

Claro, digamos que con “The Benefactor”, comienza la “chicha” y la verdadera filosofía del álbum. Buscando ese ambiente distópico, ya en base a un rock electrónico y con aires progresivos, que he querido reforzar con una batería con un sonido bastante orgánico y pesado, como bien apuntas.

El Benefactor es ese “ente” supranacional que, se supone, que nos protege, que nos enseña en qué consiste la seguridad y la

felicidad, para luego acabar encadenándonos a ellas. Tomado el concepto de una de las principales novelas anti utópicas como es Nosotros, escrita en 1920, antes incluso, que Huxley y Orwell escribiesen sus respectivas.

En “Kronos” es como si entráramos en una habitación repleta de relojes. ¿Qué es lo que podemos ver en esa habitación?

Hablábamos de conceptos que nos encadenan y, sin duda, uno de los que más salud y libertad nos ha restado ha sido el maldito reloj. Atrapándonos, dando paso a vidas controladas y semi automatizadas, totalmente sujetas a éste y al antinatural despertador. Cronos podría venir de varias y distintas tradiciones, al margen de la relación con el tiempo. Algunas algo más oscuras y siniestras, y que no dejarían de tener cabida en esa habitación a la que haces referencia. Invito a la investigación.

Siempre hay sorpresas.

Con el bajo eléctrico arranca el siguiente corte “The Diary Of The Rose”. Es el más largo del disco, superando los cinco minutos. Quizás también sea el que más partes tenga. ¿Qué sucede en este tema?

Es una oda a mantener un espíritu crítico ante la manipulación del pensamiento.

Leyendo algunos resúmenes de la obra de la escritora Usula K. Leguin, cuya temática pude relacionar con el concepto del álbum, obtuve la inspiración para dar título a dos de mis tracks. Uno fue éste y el otro “The Dispossessed”. En este caso, con la música intenté ilustrar, en diferentes pasajes, esa espiritualidad y libre albedrío que nos viene dado de forma innata.

“Fourth State” es uno de los dos temas

más cortos del disco. En este tema se ve muy claro el guiño a Mike Oldfield. ¿A dónde nos lleva este tema? Éste es uno de los tracks cortos de transición. El título es el reflejo del “cuarto estado” o “cuarto poder”, que son los grandes medios de comunicación. En este álbum, otra de las premisas que me impuse era realizar pequeños “guiños-homenaje” a los artistas que, de alguna manera, más podían estar influyéndome en la música que hoy hago. Algunos de estos guiños son claramente perceptibles, y otros, quizá necesiten ser señalados por mí. En este tema aparece uno de los que más evidente se muestra y, ¿cómo no?, diste con la clave “tubular” del maestro.

“Memento Mori / Analemma”, andamos por la mitad del disco más o menos. ¿Coincide con la mitad de la historia?

Te comentaba cómo estaba ideado este álbum, y es que, justo aquí, está el final de lo que sería la primera parte del disco o, si quieres, la “cara A”. Memento mori -recuerda que morirás- es una de las principales expresiones y concepto del estoicismo.

Tener presente esta frase, aun pareciendo lo contrario, impulsa a las ganas por vivir el presente, valorar lo realmente importante y relativizar los problemas. Le sigue una pequeña pieza acústica, con un arpegio que hace referencia al tema que hace de intro del disco, y que es la división que da paso a la segunda parte.

“The Black Swan” es uno de los tracks más enérgicos del disco. ¿Qué es lo que nos viene a sugerir?

Fue colocado en este punto para romper un poco con la dinámica, ya que, considero, es el track más diferente del álbum. Esa energía, a la cual haces referencia, también lo convirtió en el single indiscutible prelanzamiento, en forma de videoclip. Hace referencia a la teoría filosófica del “cisne negro” que popularizó el célebre Nassim Taleb en su libro de igual título, junto a la descripción “el impacto de lo altamente improbable”. También para investigar y poner en tela de juicio muchos de los acontecimientos que acaban condicionando los aspectos de nuestras vidas.

En “Civil Resurrection” se vuelven a oír ruidos, voces... y hacia el final, nuevamente, sonidos de la naturaleza… ¿Es el comienzo de la resurrección? Explica qué quieres enseñar aquí.

Con el uso de instrumentos tradicionales junto a un bajo eléctrico muy natural, sin apenas síntesis y, mezclado con esos sonidos ambientales, se viene a mostrar esa sociedad del siglo pasado, que hace una transición desde lo orgánico o, si cabe, desde lo rural, hacia un escenario más industrial. Una sociedad que fue perdiendo poco a poco la vida, que inició la chispa de lo que es el mundo de hoy, y que precisa, sin más remedio, deshacer el camino hacia su resurrección.

Sabemos que tu banda sonora favorita es la que Vangelis compuso para Blade Runner, y llega el momento de hablar de “The Matrix Illusion”. ¿Qué vínculo tiene con esa otra gran obra del cine como es Matrix?

Pues aquí venimos al mundo de hoy, al

siglo XXI. Al mundo electrónico y digital y que, como ya he comentado en varios momentos, nos muestra la ilusión de la “matrix”. El camino hacia el metaverso, la realidad virtual, un mundo cada vez más robotizado e inteligencias con algoritmos que están aprendiendo de nosotros a cada momento, modelando nuestras mentes y deshumanizándonos, no puede dejar de hacer referencia a una de mis películas favoritas como es Matrix. También haces mención a Blade Runner que, no cabe duda, podría encajar de igual manera por temática. Pero, en este caso, la inspiración vino de la mano de su magistral banda sonora. Y es que, con “Music For A Real Dystopia”, quise ilustrar en forma de música, todo el sentimiento interior y el análisis, de carácter más social, que me ha ido produciendo esta nueva situación que todos hemos vivido.

Ese fue el “motor” y, podríamos decir que he construido mi propia banda sonora de esta “distopía real” en este impactante momento de la historia.

“The Dispossessed” ¿Quiénes son los desposeídos?

Irónicamente, somos todos aquellos que, en el camino hacía una “utopía” llena de ambigüedades, acabamos perdiendo la capacidad que tenemos de crear y de compartir, para acabar midiéndonos por la capacidad de tener y acaparar en lo individual.

“The Glass Fortress”, otro track corto de transición. Ese título también corresponde a un cortometraje de ciencia ficción. ¿Tiene algo que ver con el tema?

Sí, el título lo tomé prestado de ese corto que, a su vez, es una libre adaptación de la novela antes citada, Nosotros.

Esta pieza muestra una luminosa y destellante melodía que se va perdiendo como si, en bucle, sonase hasta el infinito.

Estamos llegando al final del disco y nos encontramos con “The Resistance”. En tu análisis del escenario distópico ¿hay que resistir?

Desde luego, hay que resistir. En un mundo donde se condena el pensar distinto y el poner a prueba los paradigmas establecidos, a través de una clara ingeniería social, pienso que debemos tomar las riendas de nuestro propio destino, sin dejar de investigar y sin dejar de aprovechar la oportunidad de cambio que tenemos en este momento. En toda historia distópica existe una resistencia y, en esta, también la hay.

Con esta pieza quiero homenajear, en forma de himno, a todos los que resisten.

Terminamos esta historia con “The Hope” ¿Hay esperanza?

Como avanzaba, existe una muy buena oportunidad de cambio. Aquí se refleja muy bien “la calma tras la tormenta” con un inicio, claramente “ambient”, que va creciendo, evolucionando y mostrando las luces de un nuevo despertar. Efectivamente, es un broche final al viaje, en forma de esperanza... ...esperanza de que se produzca ese “glitch”, ese fallo en la “matrix”... y que, ¿cómo no?, nos vuelve a dejar un final abierto... ...para que nosotros mismos acabemos la historia, para que nosotros mismos seamos el cambio.

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CARLOS MACÍAS Fuiste considerado por el maestro Armando Manzanero y por el poeta Martín Urieta como el mejor cantautor de tu generación.

Este es un gran elogio, pero también una gran responsabilidad ¿cómo aceptas este tipo de cumplidos?

Como tu dices, siempre con una gran responsabilidad sobre todo por las personas de quien viene ese gran cumplido. Creo que la autoridad a nivel musical y cultural de estos dos grandes maestros, avalan cualquier pensamiento que digan. Y por eso sé que no puedo fallarles. Siempre recuerdo con cariño todos los consejos y hasta los regaños que mi gran amigo el maestro Manzanero me decía. Me llamaba para regañarme por las tonterías que a veces hacía. Y solo podía decirle “Si maestro, tiene razón” porque además ¡Tenía toda la razón!. Y que te puedo decir de mi maestro Martin Urieta, director ahora de la SACM... son verdaderos, no únicamente en lo profesional, son maestros de vida.

Acabas de recibir la medalla Agustín Lara por la Embajada de México en Madrid. Este es un gran reconocimiento a tu carrera artística ¿qué significa para ti esta medalla?

Significa el reconocimiento a más de 20 años de ser compositor de canciones. Mi vida siempre ha estado enfocada a crear poesía para los oídos. Y son muchos los que gracias a Dios, han querido interpretar mis canciones. Para mí, recibir este premio es como si el propio maestro Agustín Lara, me dijera...”Buen trabajo, muchacho” Eres ganador de un Grammy y estuviste nominado a otros tantos Grammy latinos.

Este galardón es el más cotizado al que se puede aspirar en el mundo de la música ¿Qué sientes cuando se te nomina a este tipo de premios?, ¿trabajas con la ilusión de seguir recibiendo nominaciones y premios o sólo esperas que se den sin preocuparte demasiado por ellos y poniendo más atención en hacer grandes canciones?

No baso mi vida ni mis canciones en eso. Los Grammy son premios o reconocimientos que otorga una academia, a mí lo que me mueve es el reconocimiento de mi público, cuando los veo llorar o reír con mis canciones, cuando las hacen suyas, cuando las cantan, etc. Ellos son el verdadero motor de mi carrera y es por ellos que lucho por ser mejor día a día, cueste lo que cueste.

Además de un excelente compositor, eres un excelente cantante y multi instrumentista. ¿Cual es la faceta que más te seduce, componer o interpretar?

Para mí no hay una mejor que la otra o que me llene más. Ambas van de la mano, se complementan. De lo que si estoy con-

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vencido y si es muy seductor, es que nadie va a interpretar mejor una canción que su propio autor y eso, es el privilegio que yo tengo.

Eres un artista de orígenes humildes. ¿Qué recuerdas de tus inicios en la música y qué te motivó para no tirar nunca la toalla?

Recuerdo acompañar a mi mama vendiendo tamales y pensar que yo quería algo mejor para mi. Yo era un chiquillo muy inquieto. Recuerdo que a veces pasaba por una escuela de canto y baile y me quedaba horas escuchando la música. Recuerdo mi primera guitarra rota. Saber siempre de donde vienes te hace mas fuerte y hace que tengas mas ganas de luchar por tus sueños.

El éxito debe saber mucho mejor cuando vienes desde abajo. ¿Hay alguien a quién le brindes tu éxito de forma especial?, ¿quizá algún familiar que te apoyó cuando nadie creía en tí?

Por supuesto a mi familia, a mi madre, pero principalmente a mi Abuelita Luvia quien falleció hace poco. Ella era un gran pilar para mí y recuerdo mucho tantas y tantas noches Chiapanecas junto a ella cantando. Aunque muy de acuerdo no estaba en mi decisión de ser cantante, yo era su nieto predilecto y pues.... digamos que me guiñaba el ojo (risas) Cristian Castro colaboró en una de las canciones de tu último disco y tengo entendido que también has hecho algo con Luis Miguel. Hablamos de dos artistas internacionales de aceptación masiva ¿Cómo surgen este tipo de colaboraciones?

El caso de Christian Castro fue a través de su mamá la actriz Verónica Castro que venía seguido a verme cantar cuando yo actuaba en Acapulco. Coincidió que la abuelita de Christian, es decir la mamá de Verónica falleció casi a la par que la mía, y en ese momento, me llamo Christian y me pidió que le compusiera una canción a su abuelita. Así nace una bella canción y a los pocos días Christian me llama y me dice, “Quiero que grabemos esa canción juntos, porque la vamos a sentir como nadie”.

Y con Luis Miguel ha sido un trabajo de 8 años persiguiendo a su equipo, hablando con uno, con otro, yéndolo a ver a sus conciertos...en fin, es muy largo porque yo jamás quite el dedo del renglón y sabía que algún día Luis Miguel sabría quien es Carlos Macias. Y así fue que gracias a un amigo en común que tenemos, el empresario Mexicano Carlos Bremen que cuando escucho una de las canciones me dijo. “Yo personalmente haré que escuche y grane esta canción Luis Miguel” ... y aquí estamos, esperando escucharla con su gran voz (risas)

En México eres un artista muy conocido que además lleva la bandera del pueblo mexicano allende sus fronteras. ¿Te consideras responsable compartir con el mundo la riqueza cultural de tu país a través de tus canciones?

Responsable no, pero orgulloso de llevar sangre Chiapaneca por mis venas, eso sí. Y creo que si de algo sirve el ser popular, es precisamente para mostrar mi tierra y mis raíces por donde quiera que vaya porque, sin ellas, jamás sería quien soy ahora.

La balada y el bolero es un género musical muy importante en España gracias a artistas como Raphael y toda la corriente de artistas franceses y fundamentalmente italianos que coparon Europa gracias a la música de Charles Aznavour o el italiano Domenico Modugno. ¿Cuáles son tus influencias más notables y qué crees que compartes con la corriente de balada y bolero europea? ¡Es que seguro me voy a dejar muchos!

Mucha influencia. Yo crecí con la música de Juan Carlos Calderón, Alejandro Jaen, Joan Manuel Serrat, Sabina, Manuel Alejandro, Armando Manzanero, Agustin Lara...hay un sin fin de poetas y locos mi querido Juan que han formado mi carrera y que siempre respetaré, admiraré y si Dios me da vida, cantaré con ellos como es el caso de Rudy Pérez, excelente productor y compositor con quien cante uno de sus grandes éxitos “Me has echado al olvido” En España la serie “Amor Bravío” se estrenó en el canal NOVA con una media de 650.000 televidentes. En ella, tú contribuiste con el tema “Divina Tú” que se convirtió en su banda sonora. ¿Qué significa para ti esta serie y qué crees que la debes en tu éxito global?

Sin duda ahí fue un antes y un después para mi y mi carrera. Lo más curioso es que en un principio, “Divina tú” estaba en la novela, pero la iba a cantar otro artista y fue Carlos Moreno, el productor, quien se peleó con Televisa para que fuera yo quien la cantara ya que él sabía que nadie la pondría interpretar mejor que su autor.

“Raíces” ha sido tu último trabajo discográfico para Fonarte Latino hasta la fecha ¿para cuando el salto a una multinacional dado tu éxito comercial?, ¿o eres un artista que prefiere la autogestión y prefieres mantener tu independencia?.

En México tenemos un dicho ... «según el sapo es la pedrada», (risas) Mira hasta ahora he trabajado muy a gusto como independiente, pero nunca cierro la puerta.... estoy dispuesto a escuchar siempre

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BEN MARCUS Su gran pasión es la música, de hecho, fue su primer amor. Con una amplia colección de discos a sus espaldas, de grupos de los 90, Ben Marcus empezó haciendo versiones de Bruce Springsteen, del cual se considera un fiel seguidor. Sus primeros pasos dentro de la música hay que buscarlos en la banda de grunge She’s Crazy de Girona. Ahora es el momento de viajar en solitario, publicó el año pasado en mayo un Ep llamado “Reflexión” y dentro de poco verá la luz lo que es su primer disco de larga duración.

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Para conseguir un sueño, como es el dedicarte al mundo de la música, tuviste que trabajar duro en una fábrica de vidrio de Montblanc (Tarragona) donde se hacían botellas de cava. ¿Qué recuerdos tienes de esos días?

La posibilidad de incorporarme como operario de planta en esta fábrica, me permitió sin duda independizarme y arrancar mis proyectos personales. Cuando recibí la llamada de un gran amigo y me ofreció esta posibilidad, la respuesta fue rápida e inmediata. Tenía que dejar atrás la ciudad donde me había criado y todavía no había empezado mis estudios universitarios, pero lo tenía claro, mi corazón me decía que tenía que coger esa oportunidad. Durante varios años estuve trabajando en el turno de noche y los fines de semana, y estudiaba durante el día. ¿Duro? Fue durísimo. Pero cuando haces las cosas poniendo toda tu ilusión y ganas, la sensación de cansancio pasa de largo. Esta decisión, junto con otras importantes que he tomado en mi vida, están presentes en mis canciones. Guardo un inmenso cariño a aquella época. Aunque tanto yo como mi novia arrancamos con “lo puesto”, dejarlo todo e iniciar una nueva vida en otra ciudad, “salir de la casa de los padres”, trabajando en una empresa situada en una localidad que tuve que buscar en el mapa porque no sabía dónde estaba (jejeje), conocer gente excelente, nuevos rincones, moverme en la incertidumbre…es algo fantástico: te sientes vivo, el corazón late fuerte, sales de la zona de confort (qué tan poco me gusta) y sobre todo, te demuestras a ti mismo que todo,

absolutamente todo, depende del enfoque que uno mismo le quiera dar.

“Todo sale bien si uno quiere”. ¡No hay excusas! La ilusión y las ganas de aprovechar cada segundo de este viaje, hizo, hace y hará que nuestra adaptación a todos los cambios que hagamos sea una tarea muy sencilla. Conservo grandes amigos(hermanos) en Tarragona y sin duda es una de mis casas. Nuestro espíritu nómada nos ha hecho vivir en diferentes sitios, y entre ellos, Madrid, ciudad que amo y que llevo en el corazón. Perderse por Malasaña no tiene precio.

Naciste en Alcoy (Alicante), pasaste por Reus (Tarragona), donde además de trabajar en la embotelladora, estudiaste Ingeniería Informática en la Universitat Rovira i Virgili. Uno de tus referentes es Bruce Springsteen. ¿Cómo acabaste haciendo grunge con el grupo She’s Crazy de Girona, con los que grabaste un EP? Soy una persona a la que le gusta experimentar, probar cosas nuevas…siempre desde una perspectiva de “si se puede, ¿por qué no?”. La casualidad hizo que el grupo estuviera buscando un integrante que cubriera la parte vocal. La verdad es que fue una experiencia muy gratificante para mí, puesto que aprendí muchas cosas. Además, me sirvió para darme cuenta de que ese no era mi sitio, y mi corazón latía hacia otros estilos. ¿Qué fue lo que te animó a dar el paso para comenzar tu carrera en solitario?

Llevo escribiendo canciones desde hace mucho tiempo, tengo muchísimo material

y era cuestión de tiempo que arrancara este proyecto. Ya lo tenía presente desde hace mucho tiempo y, como he dicho antes, no hay excusas para intentar hacer lo que realmente te hace feliz. Siempre he pensado en contar historias a través de mis canciones, desnudar mi alma a través de versos, expresar lo que pienso, compartir mi punto de vista, experiencias vividas, decisiones tomadas, en definitiva, transmitir mis sentimientos y hacer sentir al oyente a través de la magia de la música. En definitiva, tengo una necesidad urgente de expresión.

Siempre he pensado en contar historias a través de mis canciones, desnudar mi alma a través de versos, expresar lo que pienso, compartir mi punto de vista, experiencias vividas, decisiones tomadas, en definitiva, transmitir mis sentimientos y hacer sentir al oyente a través de la magia de la música.

Siento una necesidad urgente de expresión.

En plena pandemia publicas tu primer Ep “Reflexión” con tres temas. Con un estilo muy distinto al grunge ¿Qué artistas te influenciaron a la hora de componer este Ep? Fue la antesala del disco de estudio que vamos a publicar en breve. ¿Influencias?

Cuido muchísimo las letras de mis canciones y la estructura del mensaje a transmitir.

Tengo muchísimas cosas escritas y no todas me valen. Les doy miles de vueltas hasta que consigo que me hagan sentir lo que yo quiero transmitir. Mi objetivo es ser yo, con mi personalidad, una propuesta propia, por lo que diría que la principal influencia para Ben Marcus es el mismo Ben Marcus.

El oyente puede pensar que alguna de mis estrofas puede ser una hermosa poesía o simplemente un montón de chorradas. Lo que sí puedo confirmar, es que todo está escrito y compuesto con un sentido. Cómo consumidor de música que soy, escucho gran cantidad de artistas (nacionales e internacionales) de diferentes estilos. Aunque tengo que reconocer que los últimos años me he centrado mucho en el indie-pop/ rock español (actual y no tan actual): Los Piratas, Vetusta Morla, Izal, Leiva, Bunbury, Amaral, Leon Benavente, Sidonie, Rulo y la Contrabanda, Fito, Love of Lesbian, Los Zigarros, Zahara, etc… El Ep arranca con el tema “No voy a volver”. ¿Dónde no volvería Ben Marcus?

El sentido de esta canción supone el resultado a una reflexión que hice hace mucho tiempo y que sin duda ha sido otra de las grandes decisiones que he tomado en esta vida. Fue un punto de inflexión.

Sabía que tenía que dedicarle una canción a esta reflexión y “No voy a volver” es el punto de partida de este proyecto a nivel musical y de “todo” en mi vida, un cambio radical pero muy saludable. ¿Dónde no me encontrarás? No voy a volver a un montón de lugares que NO valgan la pena, No me encontrarás en la zona de confort o en alguna situación que limite mi desarrollo o la pérdida de tiempo y oportunidades. Hace mucho tiempo que tracé un círculo alrededor de mi persona y no dejo entrar a alguien tóxico que pueda contaminar mi atmósfera.

No voy a volver a ningún estado donde los miedos paralicen la imaginación y la creatividad, y, por lo tanto, la oportunidad de evolucionar. donde no me valoren, donde la hipocresía sea un don, donde me obliguen

a perder mi identidad. Me encontrarás allí donde haya algo interesante por lo que apostar y riesgos que asumir. Quedarme quieto supone vivir una sola vida. Quiero vivir mil vidas en cada canción. Espero que mi espíritu errante me permita vivir tantas como el tiempo me deje.

Hay una frase en esta canción que me ha impactado mucho “escucha, porque canto lo que siento”. ¿Piensas que en la actualidad no se canta lo que se siente?, ¿vivimos en la era del postureo?

Es innegable que hemos tenido, (en este país sin ir más lejos) grandes intérpretes en la música. y su música perdurará para siempre en el tiempo. Pero hoy en día la industria discográfica se centra en buscar otro tipo de intérpretes, (m´ss vendibles, digámoslo así), lo cual me da un poco de añoranza. parece que primero tengas que triunfar en el reino de las redes sociales, y sólo entonces podrás hacerte un lugar en la industria musical. Lo cual deja fuera a muchos músicos e intérpretes y con ello a grandes profesionales de la música que no quieran entrar en ese juego. Sin duda el mundo del postureo está cada vez más aceptado en esta sociedad, y nos está llevando a un nivel de inseguridad y falta de confianza que deberíamos de plantearnos cambiar. Pero a parte de todo esto, todo lo que se haga por y para la música, siempre con amor y respeto, para mi siempre será bien aceptado.

Este Ep lleva por título “Reflexión”. En un tiempo en el que vivimos tan rápido, ¿es necesario parar y hacer una “Reflexión”?

Por supuesto. Creo que es vital vivir el momento. Quizás suena muy tópico, pero es la ¡jodida realidad! Creo que hay que hay que rodearse de cosas útiles y deshacerse de todo aquello inservible (incluyendo los miedos), compartir el viaje de la vida con personas que aporten cosas positivas, aprender de cada paso que damos, cada segundo es una vida llena de cosas bonitas, reflexionar sobre nuestros valores y pensar si estamos donde queremos estar, puesto que no es lo mismo vivir que estar vivo.Hay una diferencia abismal a la hora de elegir el foco de actuación ante un objetivo que quieras lograr. La primera opción es centrarte en lo que quieras que te pase, y la segunda centrarte en lo que quieras que no te pase.

Dependiendo del enfoque, estarás tomando una decisión desde el amor o desde el miedo. Hay que elegir el amor, siempre el amor.

Siento debilidad por la gente que actúa más y habla menos.

En tus letras exploras las heridas colectivas de la humanidad y señalan al oyente los peligros a los que se enfrenta nuestra sociedad. ¿Cuál es el mayor peligro al que nos enfrentamos como sociedad?

Buscar la rutina es una ambición más razonable que enfrentarte al riesgo. Sin embargo, superar ese miedo al riesgo puede llevarte a encontrar una rutina mucho mas saludable, mas serena, que te lleve a la felicidad. Porque al fin y al cabo la felicidad no es mas que un estado de paz mental contigo mismo, que solo encuentras cuando sabes que has hecho todo lo posible por llegar hasta ahí. Pocas aspiraciones resultan más difíciles de alcanzar que el equilibrio y la salud mental, de la que tanto se habla

en la actualidad. Nuestra confianza hacia el futuro es la que nos ayuda a encontrar esa tranquilidad de saber que hemos perdido el miedo a caer. El futuro pertenece a aquellos que no temen a nada ni a nadie.

Dentro de poco podremos escuchar tu nuevo trabajo, como primer single saldrá “Mentiroso”. ¿Cuándo lo podremos escuchar y que nos vamos a encontrar en este nuevo disco de Ben Marcus?

“Mentiroso” es el primer sencillo que se publicará a principio de marzo. Está dedicada a todas aquellas personas que tienen la mentira como recurso inmediato e indispensable para utilizarlo en beneficio propio.

El disco se titula “REFLEXION”. Son canciones escritas a conciencia. Parte de un proceso creativo inspirado en sentimientos e inquietudes ante la necesidad urgente de expresión. Es un proceso de renovación que transforma en notas musicales lo que no puedes guardar en silencio. Un proceso similar a la del águila real. Esta ave llega a vivir hasta 70 años; sin embargo, al llegar a los 40 sus plumas comienzan a ser tan pesadas que se le complica volar, su pico es tan encorvado que se lastiman y sus uñas son tan largas que ya no puede sujetar a sus presas. Es justo en ese momento en el que deben tomar una difícil decisión: pasar por un proceso de 150 días de dolorosa renovación, o morir. ¿Un acto o un sentimiento? .

La Reflexión, en definitiva, la columna vertebral bajo las letras de cada canción, compuestas creando especial atención al detalle. Al oyente le pediría que desgrane el significado de las canciones y las interprete bajo su propia reflexión. Seguro que les sacaréis el máximo partido. En definitiva, que cada uno las haga suyas. …es el momento de la REFLEXION. ¿Nos puedes decir donde se ha grabado, quien ha sido el productor, y los músicos que han participado en el disco?

Este proyecto es una gran apuesta donde se ha puesto muchísima pasión, cariño y un tremendo compromiso. El proyecto va en serio y para hacerlo realidad con las exigencias que se merece hemos preparado un equipo de Champions para trabajar. El disco se ha grabado en el Estudio de grabación La Vall en Barcelona, y a los mandos de la producción hemos tenido al gran Marc Martin, a quien agradezco enormemente su confianza en este proyecto. De hecho, su opinión tras presentarle algunas canciones en su estudio con mi guitarra acústica, fue el punto de inflexión para lanzarme definitivamente. El resto de la gran familia que hemos creado para este proyecto: Toni Mateos (Batería), Ramón Montardit (Bajo), Jimmy Vidal (Guitarra), Nacho Fisac (Arreglista), Juanjo Muñoz (Mastering) y Santi Maspons (Ingeniero de sonido). ¡Cuánto talento junto! Por último, agradecer a Gloria Limontes, en la dirección de Arte y Fotografía. Gloria tiene la habilidad de construir una estética especial y específica a partir de una necesidad, presentando un minucioso contenido con el que generar una experiencia de comunicación visual. ¡Solo tengo palabras de agradecimiento para todos!

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VICTOR FRAILE “Diarios de un instante” es el nuevo disco de Víctor Fraile, para muchos conocido de la escena musical por ser el guitarrista del grupo Whisky Caravan y porque a sus espaldas tiene una larga trayectoria den-

En una época en la cual todo está polarizado, la política, la música no iba a ser menos, en parte por culpa a eso que llaman el big data. ¿No tenías miedo de hacer un disco en el cual nos encontramos distintos estilos de música como son la canción de autor, la “chanson”, el pop más intimista… es como ir un poco a contracorriente?

Cuando uno empieza en esto de la música siempre busca encajar en un estilo o corriente, como bien dices, es lo que se “supone” que debes hacer, posicionarte y etiquetarte. A título personal hace tiempo que dejé de creer en eso. Creo en la buena música, en la sincera, en la que transmite y trasciende. Ese es el disco que he tratado de hacer.

Por otro lado, aunque el disco sea muy variado en lo musical, tiene una línea de concordancia. ¿Ha sido difícil conseguir que tenga esa concordancia?

No, para nada. Aunque las canciones se mueven por diferentes estilos, hay varios denominadores comunes que lo hacen homogéneo y con un hilo argumental claro.

Mi voz, la musicalidad, el estilo en los textos...creo que todo eso le da al disco ese sentido global. Al fin y al cabo no dejan de ser los “diarios” de una misma persona.

Víctor Fraile cuida con todo detalle lo que quiere contar en sus letras, letras que salen del corazón, de momentos vividos, de amor, desamor, dolor, nostalgia, soledad… ¿Es el escribir para ti una terapia?

Totalmente. Más que una terapia, yo diría que es una necesidad vital. Si todos esos sentimientos que trato de reflejar siguieran dentro de mí, no soportaría el peso emocional. Transformarlos en música es lo que me hace poder lidiar con todo esto que llamamos vida. Además, los textos son una parte fundamental de mi forma de componer, les doy un valor muy importante y trato de cuidarlos con el respeto que se merecen.

Tanto es así que hay veces que considero que estoy haciendo poemas musicalizados más que canciones como tal.

La canción de autor vivió sus años dorados en los 80 y el resurgimiento a finales de los

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tro de la música. Este es su primer disco en solitario, un disco formado por doce canciones en el que se acerca sin miedo a estilos musicales tan dispares y alejados a lo que no nos tenía acostumbrados.

noventa. ¿Se cuidan ahora los textos en las canciones que llegan a un público mainstream?

Hay gente que llega al gran público que escriben realmente bien, auténtica poesía.

Manolo García o Miguel Rivera de Maga por ponerte algún ejemplo, y otra que lo hace tan jodidamente mal que creo que no es necesario dar nombres. Creo que a todos los niveles hay gente muy buena y muy mala.

Lo que sí es cierto es que da la sensación de que cada vez se le da menos valor al lenguaje, a jugar con las palabras, a valorar lo que decimos y cómo lo decimos. Pero eso ya no sólo a nivel musical, en la forma de relacionarnos incluso.

Hablamos que en el disco nos vamos a encontrar distintos estilos de música. ¿Cuándo nacen las letras, o la música, ya sabes hacia qué estilo va ir la canción o es después?

Sí. La canción, independientemente de si hago primero la letra, la música o simultáneamente, suele aparecerme con un concepto en cuanto a estilo bastante claro.

Puede variar en pequeños detalles, pero siempre nace con una personalidad definida. Luego es sólo cuestión de vestirla, o mejor dicho, arreglarla de la manera que considero más acorde.

El disco se ha grabado en los estudios Santa Rosa en Alcalá de Henares y ha contado con Santi Fernández de Los Secretos en la producción y tú mismo. ¿Qué fue lo que te hizo que te decantaras en la producción por Santi?

Decidí hacerlo en su estudio por varias razones. La primera de ellas es que su trayectoria musical no sólo como batería de los Secretos, si no como productor, me hacía saber que entendería a la perfección el concepto de disco que tenía en mente y que además lo haría crecer. También influyó haber trabajado con él en anteriores proyectos. La dinámica y la forma de hacer las cosas se adaptan perfectamente a lo que creo que tiene que ser la grabación de un disco, es decir, poner el alma y mucho cariño en absolutamente todos los detalles.

Y por último, Santi es una gran persona y un buen amigo. Pasar tiempo con gente que te suma siempre es un regalo. Así que ya tenía tres razones...

Al participar uno en la producción también del disco, ¿sabe cuándo hay que poner el punto y final?

Bueno, a veces me es muy complicado dar un tema por cerrado. Por eso quise coproducirlo. Trabajar con otra persona hace que no se te vaya mucho la cabeza. Poner en claro hasta donde queríamos llevar cada canción, incluso negociarlo. Pero siempre con respeto y teniendo claro que era la canción la que tenía que terminar llevando la razón. Por eso considero tan importante con quién trabajar en un estudio y no hablo sólo de la producción. Uno pasa muchas horas ahí dentro. El ambiente tiene que ser el propicio para que las ideas fluyan y no haya miedo ni disputas al proponer algo.

Hay mucha gente que a la hora de elegir estudio se fija en cuantos amplificadores o guitarras tiene y lo bien que van a quedar las fotos de “¡estamos grabando!” Y se olvidan de que el factor humano es fundamental. Para mí es un gran error.

Una vez dijiste que tu disco tenía que ser como esos discos que uno escucha cuando necesita encontrarse a sí mismo. Uno de esos clásicos atemporales. ¿Lo has conseguido?

No quiero pecar de pretencioso al decir que sí. Lo que sí puedo decirte es que me ha ayudado a encontrarme a mí mismo. Lo que soy y el camino que quiero seguir. Espero que eso, de alguna manera se transmita a la gente que lo escucha. Me gusta pensar que en algún lugar hay alguien disfrutando de él con una luz tenue y tomándose una copa de vino mientras piensa. “Estoy jodido, mucho, pero saldré de esta”. Considero que es un disco que te hace pensar, valorar tu vida emocionalmente hablando y que cada canción abarca un sentimiento.

No sólo el amor o el desamor, también la pérdida de un ser querido, la pasividad en estos tiempos ante el dolor ajeno...

En el tema “El tiempo fuera de lugar” colabora con su voz Tizslow, una balada preciosa con un juego de voces espectacular. Su primer disco lo grabó también en los estudios Santa Rosa con Santi Fernández. ¿Fue Santi quien os presentó o ya la conocías de antes?

Así es. Fue Santi quién nos presentó.

Quería una voz femenina para esa canción que tuviera un timbre muy determinado.

El tema trata de una pareja que mirándose a la cara se dice todo lo que no se atrevieron a decir en años, cuando ya es tarde.

Conozco a varias cantantes femeninas pero no era lo que buscaba. Un día en el estudio con la canción terminada Santi me dijo que Natalia podría ser la persona adecuada y no se equivocó. Tiene el timbre y la cadencia perfecta para la canción. De hecho, cuando terminó de grabarla supe que sería una de las canciones más especiales y que más gustarían del disco y así está siendo.

Algunos medios ven en tu música influencias de Héroes del Silencio, Quique González, Xoel López, Morgan… ¿Qué grupos nos podemos encontrar en la playlist de Víctor Fraile?

Pufff, la lista es interminable. Escucho mucha música de los 60 y 70, algo de los 80 especialmente gótico, rock alternativo, britpop de los 90, algo de metal, canción de autor, folk, música clásica...vamos, de todo.

Con respecto a los nombres que has mencionado, me encanta Héroes del Silencio, es una de mis bandas favoritas y Xoel Lopez me parece un artistazo y admiro la sinceridad y valentía con la que está llevando su carrera. Quique González y Morgan son grandes músicos, tienen grandísimas canciones, incluso alguna vez he cantado algún tema suyo. Pero no podría decir que son referentes.

El próximo 11 de marzo Víctor Fraile estará presentando este disco en la sala Clamores de Madrid. ¿Qué podemos decir a nuestros lectores para que se animen a ir a este concierto?

Pues que va a ser muy especial.

Sobre todo porque llevaré la banda al completo y no puedo estar más orgullosos de ellos. Santi Fernández de los Secretos a la batería, Jorge Escudero de Kinnia a la guitarra eléctrica, Josete Blanco, compañero mío en Whisky Caravan o Soulift al bajo, y Dani Murillo que es uno de los mejores pianistas de flamenco a nivel nacional.

Vamos, que va a ser una pasada y una oportunidad única de escuchar las canciones a lo grande. Encima en una sala tan mítica como la Clamores… ¿qué más motivos se pueden tener?

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Según tengo entendido, lo has pasado bastante mal con el tema del Covid. Cuéntanos ¿qué te pasó?

Lo creas o no, he estado cerca de seis meses realmente aterrorizado. Es la primera vez que he tenido miedo de morirme. Tal cual. No sé cómo contraje el virus, pero en casa acabamos enfermando todos, desde mi mujer, hasta mis hijos. Obviamente todos ellos son más jóvenes que yo (tengo 55) y además de ser ex fumador, bebí durante más de tres décadas, además no he hecho ejercicio en mucho tiempo y no he seguido las típicas reglas que se supone que sirven para estar más saludable, como beber agua o dejar de comer toda esa comida basura.

Recuerdo que durante las dos primeras semanas tuve la sensación de que un elefante estaba sentado encima mío, además tuve mucha fiebre y sentía que me iba a explotar la cabeza. Tengo asma y el doctor me recomendó que dejara de tomar los medicamentos que uso habitualmente porque podría hacer que todo empeorara. Lo cierto es que mi nivel de oxígeno era preocupante. El doctor me dijo que estaba muy cerca de tener que ingresar en el hospital. Eso era algo que realmente me aterraba viendo todo lo que estaba pasando a mi alrededor.

Mi esposa estuvo día y noche controlando mi nivel de oxígeno para asegurarse de que estaba bien. Obviamente estábamos aislados. Hubo un momento en el que en El Reino Unido todos estábamos acojonados con lo que estaba pasando. Muchos tampoco sabíamos cómo actuar o reaccionar, lo que hacía que todo fuera doblemente incómodo. Al principio pensé que todo eso era un montón de mierda política, pero acabé descubriendo que era algo real. Tardé en sentirme bien algo más de seis meses.

Bueno, ahora todo eso ya pasó y nuevos tiempos, nuevos retos…

Si, así es. Firmamos con earMusic la reedición de casi todo el catálogo de Annihilator y el inicio de colaboración no puede ser más favorable.

La muerte de Alexi Laiho de Children Of Bodom fue una noticia fatídica para toda la comunidad del metal mundial. ¿Cómo te enteraste de su muerte?

Me enteré por su esposa. Ha sido una

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gran pérdida. Nos conocimos en el año 2003 y rápidamente congeniamos. Incluso nos gustaban los mismos guitarristas. Recuerdo que desde el primer día me preguntó cosas relacionadas con cuánto bebía, cómo dejé el alcohol o cómo llevé la abstinencia. Realmente tenía un problema. Necesitaba ayuda.

He conocido a mucha gente que bebe en exceso pero que sabían que tenían que parar.

Alexi era una de esas personas. La adicción es una putada y la negación es un factor enorme. También me pasó con los chicos de Pantera cuando estuve en Vancouver con ellos en 1992. Me preguntaron por qué no me unía a ellos para beber y les dije que lo había dejado. Se rieron de mí, pero uno de ellos se acercó después a preguntarme cómo lo hice. Cuando cuento la manera en la que dejé el alcohol, la gente se queda sorprendida. Un día empecé a notar como una polilla dentro de mi camiseta. En realidad era mi corazón que literalmente se me estaba saliendo del pecho. Me tomé el pulso y tenía una frecuencia cardiaca en reposo de 180 pulsaciones. Cuando llamé al 911 pensaron que se trataba de una sobredosis de drogas… y yo no tomaba drogas. Estaba al borde del ataque cardíaco. Me encanta la vida así que me plantee no volver a beber nunca.

Cambiando de tema; poca gente lo sabe pero Annihilator es una banda canadiense y curiosamente la que más ha vendido en su país. ¿Cómo has visto la transformación de la escena allí durante los últimos años?

La escena siempre fue bastante buena.

Tenemos una población pequeña, pero un país enorme. Osea, somos más grandes que los EEUU, pero allí solo hay 30 millones de personas. Creo que las bandas que vienen de Canadá son únicas porque tienen influencia directa de Estados Unidos, pero también de Europa y Reino Unido, así que estamos en el medio. De allí son bandas como Rush o Triumph, Brian Adams o VoiVod. Recuerdo que cuando comencé a sacar mis primeras maquetas, ya había bandas geniales allí como Razor, Anvil o Exciter. Sus primeros discos fueron legendarios. De todas formas nosotros no recibimos apoyo de Canadá. Tuvimos que firmar un contrato con Roadrunner Records fuera de Holanda

y Nueva York. Gracias a eso conseguimos tener nuestros primeros éxitos. Es curioso pero las discográficas canadienses no están interesadas en que tengas éxito fuera de Canadá. Es como si fueran celosas de que una banda local pueda triunfar en Estados Unidos o Europa. Afortunadamente el éxito de la banda ha llegado a otros continentes como Europa, Asia, Japón y Sudamérica. Ha sido genial.

Es complicado ser un músico exitoso haciendo thrash metal, pero tú pareces haberlo conseguido. ¿Sueles echar mucho la vista atrás para entender cómo han sido las cosas?

No mucho. Fundé la banda a finales del año 84. Yo era un adolescente. Me gustaba mucho toda esa estética de Rocky Horror Picture Show y el estilo de Alice Cooper… ya sabes, canto y cosas teatrales. En esa época conocí a bandas como Venom con su fuego y cruces invertidas y comencé a escuchar los primeros álbumes de Metallica, Slayer, Exodus o Anthrax. También me apasionaban Exciter y Anvil. Yo siempre fijé el foco en hacer canciones, mejorar con mi guitarra y grabar maquetas con buenas canciones…

Los músicos de mi generación estaban más interesados en llevar el cabello largo y caminar por los garitos como si fueran estrellas del rock. Yo pasé de todo eso y me recluía horas y horas en el sótano de mis padres escribiendo canciones y tratando de mejorar mi técnica. A veces solo miro atrás para recordar las cosas geniales y para sentir el honor de haber podido trabajar con muchos muchachos que fueron únicos en lo que estaban haciendo.

Volviendo al nuevo disco “Metal II”, incluye “Romeo Delight”, una versión de Van Halen, reconocido por ti como una de tus grandes influencias. ¿Qué me puedes contar sobre esta canción?

“Romeo Delight” es la canción más heavy que hicieron Van Halen. ¡Lo digo yo y también Kerry King (Slayer)!. Las fotos de portada y contraportada del álbum “Women and Children First” fueron impactantes; una cubierta verde con la banda posando…

Eddie Van Halen fue como un segundo padre para mí. Posiblemente millones de personas tengan este mismo sentimiento y podrán entender lo que digo. Su forma de tocar, componer, interpretar y sonreír, eran únicos. Fue un innovador de la guitarra solista y genio del ritmo. Tuvo la posibilidad de hacer algo diferente y no dudó en asumir el riesgo. Hizo lo suyo y le funcionó, por eso muchos músicos le estaremos eternamente agradecidos.

“An Hour Before It´s Dark” es un título impresionante. Este álbum habla de aspectos sociales actuales como el cambio climático y también acerca de la proximidad del día de la muerte. como personas y no como músicos, ¿es esto algo que os empieza a preocupar?

Bueno... Ya no somos tan jóvenes como solíamos ser. Tengo un amigo en la Ciudad de México al que le salieron varios tumores en la espalda y tuvo que someterse a 18 meses de quimioterapia. Con cada sesión, me iba enviando una foto por WhatsApp e hice un poco el viaje con él. Me llevó a considerar la verdad de que nadie sabe cuánto tiempo le queda. Esto es deprimente, pero también de alguna manera, un pensamiento liberador. Todos deberíamos tratar de vivir con gratitud porque todavía somos recompensados ​​con cada nuevo día y hay que asegúrese de disfrutarlo.

Aunque el título pueda parecer una especie de cuenta atrás para algo negativo, las canciones suenan a todo lo contrario. Es como si hubieras sabido llevar luz a ese irremediable lugar donde todo es desconocido. ¿Eres consciente de ello?

Si. Es quizás el disco más optimista que hemos hecho en mucho tiempo. Aunque es un disco sombrío líricamente, la música es innegablemente una celebración y tal vez ese sea el punto en el que el espíritu humano puede encontrar la belleza, algo para disfrutar (y reírse) en estos tiempos difíciles.

En tu opinión, ¿cómo debe comportarse la gente para no vivir a contrarreloj y con menos referencias vitales distorsionadas?

En mi opinión, tenemos que liberarnos del deseo y la obsesión por el lujo y la apariencia. Nunca serás feliz viviendo de esta manera, y envenenaremos el planeta y nos mataremos. Ya estamos haciendo eso, por

eso tenemos que cambiar nuestra idea sobre el éxito cuanto antes.

Siempre habéis sido una banda comprometida con aspectos sociales o políticos y es posible que tú como letrista tengas mucha culpa de esto. ¿Cómo toca tu fibra sensible todos estos temas y cuándo decides valorarlos?

Me he hecho viejo y me he dado cuenta de que no basta con escribir canciones sobre el amor y el desamor. Me encuentro en una posición en la que abro la boca y muchas personas alrededor del mundo escuchan.

Considero una obligación intentar proyectar un efecto positivo en ellos, pero no como un predicador, sino como alguien que tiende una mano abierta al diálogo y la reflexión.

Me gusta hacer preguntas como ¿es esto correcto?, ¿qué piensas de esto?, ¿alguna vez has pensado sobre las consecuencias de aquello?. Esto puede ser algo personal, social o global, pero creo que vale la pena gritar bien alto sobre la falta de justicia en el mundo.

El álbum suena épico, positivo y conciliador. Debo decir que para mi es el mejor disco que has grabado en los últimos años, no sé si estás de acuerdo…

Ciertamente está recibiendo muchas respuestas positivas. Simplemente hicimos el mejor álbum que pudimos, como siempre hacemos. Queríamos algo que al menos igualara a “F.E.A.R.”. Es un gran alivio escuchar a la gente diciendo que lo hemos conseguido.

Aunque las canciones de este álbum son largas en general, el álbum se me hace corto. ¿Grabasteis más canciones que no incluisteis en el álbum?

Si. Tenemos dos o tres composiciones realmente potentes que sin embargo no se veían bien con el resto. Son canciones geniales que seguramente aparecerán en

algún momento.

Como viene siendo costumbre, habéis creado un nuevo disco atemporal. ¿Qué significa para ti construir un legado musical tan importante?

Sinceramente estoy orgulloso de la música que hemos hecho. Hay tantas canciones fascinantes para elegir y canalizadas en tantas direcciones que espero que sirvan para que el fan revise nuestro catálogo en distintas etapas de su vida y siempre signifique algo para él.

Habéis grabado en los Real World Studios de Peter Gabriel, donde Mark Kelly grabó su disco en solitario hace poco. Es un lugar con un ambiente muy especial, me imagino que también muy inspirador. ¿Por qué decidisteis grabar allí?

Es un lugar fantástico. Una catedral de la tecnología con un maravilloso (y costoso) equipo, y el espacio acústico tiene el mejor sonido en el que he grabado. Igualmente importante es el hecho de que todos podemos incluirnos y hacer vida allí durante un tiempo, desconectar del mundo y concentrarnos 24/7 en la música. Tenemos el hábito de escribir y desarrollar nuestras ideas en The Racket Club (nuestro propio estudio) hasta un punto en el que podemos “darnos un gusto” con el mundo real, irnos y congelar nuestras ideas para ponerle la guinda al pastel.

Sois pioneros en vuestra relación con el fan y siempre estáis buscando hacer cosas diferentes que luego crean tendencia. ¿Cuáles son vuestros próximos planes?

Si desvelara nuestros secretos, ya no serían tales y todos los demás harían lo mismo, ¿no crees?. Actualmente estamos de vuelta en The Racket Club tratando de encontrar la mejor manera de tocar esta nueva música en vivo. ¡Está sonando muy bien!.

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SABÍAS que...

PIPO & TRAVELIN`BAND

Pipo es un músico Alicantino. Influenciado por la música Rock, Blues, Soul… Junto a su Travelin’Band defienden con actitud un directo cargado de energía y rock canalla.

En 2013 lanzó su primer LP (Actitud de Rock and Roll) con el que se dió a conocer tocando por muchas ciudades del país.

2015 culminó con (Puñales) un EP del que formaron parte en la grabación músicos de renombre como: Adri Ribes y Natxo Tamarit (Los Zigarros), Luis Prado y Ángel Vela. El resultado de este nuevo trabajo se completó con una gira de más de 25 conciertos por todo el panorama nacional.

En 2018/19 lanzó dos singles (Enrédame / Tarde en Las Vegas) mientras preparaba su próximo LP. Octubre 2021 Lanzan su segundo LP, “No quiero ser como tú”. Grabado en El Sótano Estudios ( Castalla-Alicante). Un álbum de 10 canciones cargadas de Rock con identidad propia. Para la grabación volvió a contar con Natxo y Adri ( Los Zigarros) para las bases rítmicas, producido por Mario Bravo @PipoPaginaOficial

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@pipo_travelinband

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Dieci6éis Cuerdas “PERDIDO” Beatclap / Potencial Hardcore

LE FLAM “Ahora” Auto producido

KEPLER “Hasta que duelan los pies” Beatclap / Lengua Armada

IGNOTUS terminó sus días y comienza la nueva era de Dieci6éis Cuerdas, el nuevo proyecto del compositor y guitarrista Iván Pastor de la banda de Madrid de punk, en esta ocasión le acompañan en el viaje Juanma y Fortu, a los que se les unió más tarde Javier Soler (Mr. Chifly) de Habeas Corpus y Río Propaganda. El disco compuesto por once temas cuenta en la producción artística con asier Dominguez de Porco Bravo, ha sido grabado y mezclado por el mismo Mr. Chifly en Corleone Estudio y masterizado por Victor García en Ultramnarinos Mastering. El disco también ha salido publicado en su formato de vinilo donde la portada se convierte en una obra de arte realizada por Noise Armada.

En cuanto a lo que nos vamos a encontrar en lo musical es un disco guitarrero que tiene unas letras y melodías pegadizas que invitan a ser tarareadas en pocas escuchas. Como single se extrajo “Que se va” una canción que navega en el medio de lo que nos vamos a encontrar en el disco. El disco se abre con “Qué importa” un tema cañero que poco tiene que ver con “Me acuerdo” una canción un poco más sosegada, o “Lejos de ti” un tema donde el juego de las guitarras y el bajo me parece magnífico. Y eso es lo que me gusta de este primer disco de Dieci6éis Cuerdas que es un disco que navega por el lado del rock pero sin prejuicios, lo que hace que el disco sea escuchado una y otra vez. Y como broche de oro para cerrar el disco el mítico tema de Barricada “Alambre de espino”, un merecido homenaje que ha quedado perfecto.

Será su primer disco, pero este trío está formado por tres grandes músicos, que a sus espaldas llevan ya unos cuantos años en esto de la música y lanzando discos. Juan Sanchez (ex-guitarrista de Dinero, Automotive…), Francis Garcia (ex-Poncho K) y Gonzalo Ramos(ex-The Rebels) han dado con la tecla para componer doce grandes canciones grabadas en riguroso directo en Estudio Uno. De la producción se ha encargado el grupo y Matellán que han sabido dar un sonido espectacular al disco y con un sello de identidad, aunque influenciados por la música de los 70 donde las melodías están muy presentes, pero también hay espacio para el desarrollo instrumental en las canciones, han conseguido un equilibrio perfecto. Ya nos habían adelantado antes de la publicación del disco “Stratosfera”, “Del revés”, “Creces” y “Canción de amor” que ya nos habían dejado con las ganas de escuchar el resto del disco. “Ahora” que por fin está en mis manos y he podido disfrutar del disco hay canciones como “Perdición” que tanto la letra como en lo musical me parece fascinante, pero es que el tema que le sigue “Nuevos vientos” sigue removiendo mis sentimientos y se ha convertido en una de mis favoritas del disco. “Sin red” donde la electrónica y su ritmo te invita a reventar la pista de baile. Y no quiero terminar esta reseña del disco sin hablar del precioso tema “En un instante” esa balada que tanto la letra como su música te desgarran. Este es un disco de esos que son para disfrutar desde que suena la primera nota hasta el cierre.

Hasta la publicación de este primer disco de larga duración la banda de Madrid Kepler que se formó en el 2018 con Daniel Casado, Jorge García, Javier López, y Jorge Rivas en su camino ya tienen publicado un Ep de cinco temas que vio la luz en el 2019 y con él dieron conciertos en los escenarios de la escena punk rock nacional. Su música está influenciada de ese punk rock melódico de los noventa como Green Day, Bad Religion, The Offspring, Rancid... Este nuevo trabajo ha sido grabado al igual que el Ep en los estudios California estudios por Victor Saiz. Doce canciones son las que componen el disco con un sonido potente, enérgico y en el que se ha cuidado con todo detalle que haya un abanico amplio en lo musical dentro de lo que el grupo quiere mostrar en su música. Con unas letras muy cuidadas, y melodías muy pegadizas. “Te echo de menos (Pero estoy bien)” es sin ninguna duda una de esas canciones que beben de esas influencias mencionadas anteriormente y una de mis favoritas. Me gusta y mucho el tema “Sobre el mar de olvido” que rompe con todo lo que Kepler nos venía mostrando en el disco y es un huracán de aire fresco en el disco, un tema para respirar y seguir en la escucha y darte de bruces con esa joyita que guarda el disco “El eco de tu voz”. Pero enseguida la fuerza, la rabia llega con “Aunque el tiempo pase”. Otro broche de oro es el cierre del disco que tiene sorpresa arranca en un balada y termina con el sonido Kepler “Adios”.

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¡VOLVEMOS!

Vuelve la segunda edición de FHLIM que se celebrará en Zamora del 24 al 27 de marzo en el recinto ferial IFEZA. Como el año pasado estamos preparando un numero especial el cual será distribuido de forma gratuita en la feria.

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Ya esta a la venta en Potencial Hardcore y en todas plataformas digitales el nuevo trabajo de Matando Gratix “Kon la muerte en la espalda” con la colaboración de Fernando Medina (Reincidentes) en “Mineros en lutxa” matandogratix1991

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Levi’s® celebrará el año que viene el 150 aniversario de su icono más global y carismático, aquel que ha permanecido siempre a lo largo de la historia. Con su cierre de botones y su fit recto, el jean 501® ha ido reinventándose, a partir del 501® Original, para encajar en la cultura y tendencias de cada momento.

Este año, nos inspiramos en los años noventa y presentamos el 501® ‘90s jean para mujer. Con un fit más relajado, esta nueva versión del 501® captura perfectamente el estilo noventero looser de aquella época.

Para celebrar el pasado, presente y futuro de este icono global, y para presentar su última reinterpretación, el 501® ‘90s, Levi’s® reúne a siete talentos cuyas historias encajan perfectamente con el espíritu del 501® Original y que ofrecen una perspectiva única en cuanto a crecimiento y evolución personal. En la campaña aparecen: el rapero , actor y productor Kid Cudi; el artista, diseñador y crítico cultural Tremaine Emory; el músico y miembro fundador de la legendaria banda Beastie Boys, Mike D; la fashion icon Nathan Westling; la modelo, directora creativa Gia Seo; la estilista, creadora de tendencias y primera mujer negra en hacer el estilismo de una portada de Vogue Gabriella Karefa-Johnson; la modelo, artista y miembro de la banda punk The Paranoyds, Staz Lindes.

Kid Cudi

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El jean 501® Original ha sido un verdadero icono durante los últimos 150 años. Es una pieza fundamental en el armario de cualquier persona y un elemento clave sobre el que construir el estilo personal. Para esta campaña, nos enorgullece colaborar con siete visionarios conocidos por desafiar las normas y vivir sus vidas de manera auténtica con creatividad y originalidad.

Representan todo el espíritu aspiracional del famoso Levi’s® 501®.’’

Tremaine Emory

En mayo de 1873, Levi Strauss & Co. patentó oficialmente los remaches de cobre en sus monos de trabajo denim. Poco tiempo después, el jean Levi’s® 501® adquirió el conocido número de lote y nació la leyenda. Lo que empezó siendo una prenda muy duradera de trabajo, a mediados del siglo veinte se convirtió en una prenda icónica.

El jean 501® representa la rebeldía juvenil, el estilo casual y un lienzo en blanco para la autoexpresión. Pero, sobre todo, ha supuesto una revolución que ha cambiado la manera en la que nos vestimos. Hemos entendido que un solo item puede ser la seña de identidad de una persona. Ya sea customizado, más estrecho, más desgastado, holgado o de cualquier otra forma, el Levi’s® 501® trasciende toda tendencia y consigue mantener su presencia a través de distintas generaciones Gabriella Karefa-Johnson Staz Lindes

Gia Seo

Nathan Westling

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La comodidad y el estilo son elementos que favorecen la nostalgia cuando pensamos en nuestros jeans.

Que todo el mundo tenga sus jeans favoritos es lo que pretendemos conseguir con el nuevo 501® ‘90s jean para mujer. Tiene un look vintage, pero fabricado hoy en día, e inspirado en cómo la gente llevaba nuestros 501® a finales de los años noventa. Un poco más relajados, de cintura alta, con la holgura perfecta en la pierna y con un estilo muy cool’’ – Karyn Hillman, Chief Product Officer, Levi Strauss & Co.

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Nuestros cafés de origen provienen de pequeños productores de cultivo ecológico y residuo cero

Cafés de origen Café India

Este café de la India se caracteriza por tener un aroma que recuerda al chocolate y frutos secos.

Café Brasil

Un café con aroma a nueces, avellanas.. y una ligera nota a caramelo.

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Nos recuerda a las almendras tostadas, chocolate con leche y una ligera nota herbal similar a la hoja del naranjo.

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Aromas a chocolate con leche, caramelo claro, nueces, y un ligero toque herbal.

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BAR LANCHAS Salimos de cañas y queremos encontrar un sitio donde pasar un rato agradable y tomarnos esas tapas típicas de nuestra gastronomía.

El Lanchas es otro de los sitios donde mejor tiran la cerveza de Madrid, justo en el mismo barrio del que acabamos de hablar, La Elipa en la Travesía Poeta Blas de Otero 1. Ahora, además, puedes disfrutar de sus tapas en una agradable terraza, donde puedes compartir esos excelentes embutidos de Salamanca, y desde luego no te olvides de probar la inigualable tortilla de patata, sus fantásticas patatas ali-oli o los calamares, entre otras tapas.

CERVECERIA J Y J Por mucho garito moderno que se nos ponga por delante, en Madrid nos siguen encantando los clásicos, y uno de esos clásicos es la cervecería JJ en el barrio de la Elipa, más exactamente en la C/ Ricardo Ortiz 118, en su inmejorable terraza al lado del querido “Dragón de la Elipa”, si ese que salía en la cabecera de “Barrio Sésamo”.

En esta cervecería en la que salir de cañas es un placer para los amantes de las tapas, ya que junto a esa caña te ponen un aperitivo más que abundante, en la que los domingos de cañas se alargan y te subes comido para casa.

Entre esas tapas te puedes encontrar las clásicas patatas bravas, sandwich mixto, oreja a la plancha, un queso delicioso, delicias de pollo, albóndigas de ternera….

No dudes en pasarte por allí y disfrutar con amigos.

“Estudio de grabación especializado en producción, grabación y mezcla de Rock y Metal. Numerosas referencias discográficas nos avalan”

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Abrir los huevos de codorniz cortando con cuidado la parte de arriba de la cáscara y en una sartén antiadherente poner un poco de AOVE y freír los huevos.

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“TALES FROM THE CRYPT VOLUMEN 2” VARIOS AUTORES DIÁBOLO EDICIONES

Tras el éxito arrasador del primer volumen de la mítica serie “Tales from the crypt” de la igualmente legendaria editorial norteamericana EC, Diábolo mantiene muy alto el listón y nos ofrece otro tomo de verdadero lujo tanto por la cuidada edición como por los nombres mayúsculos que llenan de terror sus páginas: Johnny Craig, Al Feldstein, Wally Wood, Harvey Kurtzman, Graham Ingels, Al Williamson, Reed Crandall, Bernard Krigstein y un largo etcétera. Todos ellos son nombres míticos en la historia del cómic y por fin podemos disfrutarlos en castellano en una edición a la altura de los míticos cómics de EC, la editorial norteamericana que no solo marcó una época, sino que supuso un antes y un después en el discurrir del noveno arte y de su influencia en otros medios. Este volumen contiene los números 23-28 de “Tales from the Crypt”, publicados originalmente entre abril de 1951 y marzo de 1952. Incluye además un prólogo del conocido director de cine Joe Dante, quien reconoce cómo a él le marcaron estas historias que ahora, a todo color, podemos disfrutar como hasta ahora no habíamos podido. Una joya para todo fan del cómic clásico y de terror.

“KARATE KID & COBRA KAI. DAR CERA, PULIR CERA” FRANCISCO JAVIER MILLÁN DIÁBOLO EDICIONES Llamadnos ochenteros o nostálgicos, pero hay historias que sobrepasan a quienes las construyen. Y el caso del Daniel Larusso y su maestro Miyagi es una de esas historias que lleva acompañándonos desde nuestros queridos ochenta a varias generaciones. Lo mejor: que las nuevas generaciones se han rendido a las historias de antes y a la digna y superior herencia de esta historia que una cadena de pago ha convertido en éxito, algo que, curiosamente YouTube no logró cuando fueron ellos quienes estrenaron originalmente la serie de “Cobra Kai”. En cualquier caso y, terminada la cuarta temporada en pantalla pequeña, llega este completísimo libro, ideal para todo aficionado a una saga que sigue enganchando. Su autor, Francisco Javier Millán, ya tocó nuestra fibra sensible con sus precedentes “Generación Goonies” y “Los Goonies nunca dicen muerto!”. Y del mismo modo que hizo con esos también recomendables libros, nos ofrece ahora toda la información, datos, anécdotas y curiosidades que siempre quisimos descubrir de esta saga. Obra imprescindible tanto para los seguidores espirituales del Miyagi-Do como para los que disfrutan de la rígida disciplina del Cobra Kai. En sus páginas descubrimos cómo se gestó la película original, sus continuaciones, el remake y la reciente serie de televisión. Incluye además dos extensas y reveladoras entrevistas exclusivas con el guionista de la trilogía, Robert Mark Kamen, y el mítico compositor Bill Conti.

Completo de la primera a la última página.

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“NOCHES OSCURAS. DEATH METAL”

SCOTT SNYDER/GREG CAPULLO. ECC EDICIONES Aunque esta serie lleva circualndo un tiempo por librerías especializadas, cualquier momento es bueno para recordar una colección que a nosotros nos resulta especialmente cercana. Y es que el mundo del cómic ha vuelto, con esta serie, a acercarse al mundo de la música. Además a lo grande. “Noches Oscuras: Death Metal”, es la esperada secuela de un evento del universo DC que dio muchas alegrías de ventas y público a la editorial: “Noches Oscuras: Metal”.

Y aunque las bandas seleccionadas para aparecer en viñetas y en estas espectaculares portadas siguen siendo más Metal a secas que Death, cualquier excusa es buena para una apuesta que los fans de todas estas bandas todavía pueden disfrutar, incluso en alguna que otra edición limitada que recopila toda esta apasionantes serie. Con la firma del conocido Scott Snyder al guión y Greg Capullo al dibujo, cada uno de los siete números de esta miniserie se publicaron en formato grapa pero también en espectaculares “Band Edition” en rústica y cartoné, cada una con una portada especial que mezcla la iconografía de la estrella invitada con el Metalverso de la saga, además de otros contenidos exclusivos como una introducción y una entrevista. Fíjaos sino en la primera entrega, dedicada a Megadeth, con portada realizada nada menos que por el increíble dibujante de “Blacksad” Juanjo Guarnido. Pero no te pierdas las bandas que siguieron: Lacuna Coil, Sepultura, Dream Theater, Opeth, Ozzy... No encontrarás viñetas más heavies.

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“Tengo la cabeza en otro lao” vikboficial

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