LH Magazin Music María Villarroya nº129

www.lhmagazin.com Año XVII Nº 129 ejemplar gratuito

MARÍA

VILLARROYA

“Porque lo he vivido... lo canto”

ATUITO

AR GR

EJEMPL

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Imprescindibles 2018 vol. vii - krysalIs - mar de fondo IANNE - PARACHOKES - FLOR - SIN IN THE FLESH A VALLS MARIÁ VILLARROYA M CATTLE CO. - PAUL EL CANYON - CHISU ES TOMACCOS - LAUR AT - THE WILD HORS ENBE CRED THE LORENZO AZCONA - PEEPSHOW D ROA - ELENA BELLA MISTER JOTA - DAVI ELECTRIKO THE MORENOS - TORO

ecoband - fran cortes - el beso del escorpion ... y mucho mas

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n ó i c u b i distr TIENDAS DE INSTRUMENTOS UME Union Musical:

Madrid Ume Arenal c/ Arenal 18, Ume Cedaceros C/ de Cedaceros 3, Ume Carranza C/ Carranza 16 Ume Hermosilla C/ Hermosilla 75 Barcelona Ume Sepúlveda C/ Sepúlveda 102 Ume Muntaner C/ Muntaner 324 Ume Sants C/ Sants 304 bis Ume Baricentro Centro Comercial Baricentro L-164 Ume Sabadell C/ Sant Pere 7 Girona Ume Girona C/ Francesc Eiximenis 18 Pamplona Ume Pamplona C/ Asunción 4-6 Sevilla Ume Sevilla C/ Rico Cejudo - Edif. Hispal Local 8 Valencia Ume La Paz C/ La Paz 22 Ume Guillem de Castro C/ Guillem de Castro 34 Ume Nuevo Centro Centro Comercial Nuevo Centro Zaragoza Ume Zaragoza C/ Fernando el Católico 19 Portugal Uniao Lisboa Av. Antonio Augusto de Aguiar 142

Leturiaga:

Leturiaga C/ Cristobal Bordiu 22 Leturiaga C/ Corredera Baja 23

ESTUDIOS DE GRABACIÓN Y LOCALES DE ENSAYO

Ritmo & Compás, TAF, 39 Rojo, Carabox, El Obsevatorio, Hardrum, Matilda, Rock Palace, Rock&Pop, Rock Soul, Tablada 25, Underground y El Poligono(Valladolid), Rusound (Daganzo), Olmostudio(vallekas), FACTOR Q (Murcia) y Locales de ensayo Metro Usera (Madrid)...

SALAS Y BARES

Rock-Ola, Madrid Me Mata, Prima Portia, 1903, El Piratas, Cadillac Solitario, Suéltate el Pelo, Alfredo`s, Sala Arena, Caracol, Clamores, Costello Club, El Sol, Galileo Galilei, Gruta 77, Hebe, Jimmy Jazz, La Cara B, La Sala Live, Silikona, Siroco, Sala Lemon, Sala Gamma, Sala Musik, Sala 12 y Medio, Sala Stereo, Discos Comix y Discos Trafico, La Azotea (Murcia), Dekonya Cool Pub (S.S. de los Reyes), La Mina Rock (Alcobendas), Punteos Rock (Coslada) Albergue Riglos (Huesca), El Escudo y Pocoloco (Ávila), Gabanna (Lanzarote), Sala Estacion, Imagina, Atico y Dqvass (Alcazar de San Juan), Al Lado y El Moli (Campo de Criptana) Candela, El Duende, 500 Noches (Archena), Sala Strato Caster y 37 Grados (Córdoba), Mi Pequeño Mundo y Pensión “El Rafa” (Fernán-Nuñez), La Marquesita (San Martín de Oscos), Sala Mirror, Alcatraz Rock Bar, Wah Wah (Valencia), La Casa Pintada (Ceuti), Restaurante El Meson (Puebla de Almoradiel), Restaurante S.M. el Rey de la Coca (Piles Playa), EL Paso (Cudillero), Sala Hangar (Burgos), Rock & Play (Boadilla del Monte), Velvet Club (Malaga), Garfield (Torremolinos), Yasta (Campo de Criptana),Sala Sausan/New Rock y Hotel Juype (El Provencio), Chamán (Illlana), Bar La Esquina (Mula), La Cripta y La Gasolinera (Bullas), Video Club Geminis (Cehegin) y Siglo XX(Blanca). Casa de Cultura y Guardamar Music, Restaurante Galicia ,Hotel Montemar y Restsurante El Gallego(La Marina), La Posada (Elche), Sala Ambigú (Cordoba),Savoy (Gijon), , Biribay (Logroño), Cuarenta y Tres (Zamora), Erreté (Barcelona),Hotel El Quesar de Gamoneo (Cangas de Onís-Asturias) Cafe del Infante (Villaviciosa de Odón), Stars50 (Talamanca del Jarama/Guadalajara) y Ruta 20 y Arbonaida. Hotel Restaurante Las Truchas (Monasterio de Piedra) Trifon Restaurante (Madrid), Boulangerie Patisserie Santa Eulalia (Madrid) y Instituto Cervantes (Lisboa)

TIENDAS DE CÓMICS

Madrid Comics, C/ de Silva, 17, Generación X Madrid (Puebla, 15)-(Elfo, 98) Alcalá Cómics - Avenida de Guadalajara, 9.

Alcalá de Henares (Madrid).

Telon de Acero, C/Emilio Gastesi Fernández, 14 Libreria SINS ENTIDO, C/ Válgame Dios, 6

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RADIOS

Onda3 Radio (Puerto Lumbreras/ Lorca) Onda Regional y SER (Murcia), Onda Marina (Fernan-Núñez), Onda Cero/Europa FM (Alcazar de San Juan), Radio Safor (Bellreguard), Sol Radio (El Bonillo),El Ultimo Este y “La Caja de Pandora “ (Cabezo de Torres/Murcia), Rock FM

Distribución Gratuita: 20.000 ejemplares DIRECCIÓN

c/ Travesia de José Luís Arrese 5, lc. 2.

28017 MADRID Tel.: 910 85 89 62 - 666 36 45 28 E-mail: lhmagazin@lhmagazin.com

DIRECTOR Juan Rodríguez

DISEÑO Y MAQUETACIÓN

Sire 2000 Tel.: 91 355 65 75 - 666 36 45 28

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Alicia López Tel.: 910 85 89 62 - 687 93 73 43 alicia@lhmagazin.com

REDACCIÓN Alicia López

COLABORADORES y CORRESPONSABLES

Jorge Vilella, Edu Salas, Justo Santos ( Extremadura), José Glez., Rafa, Mª Mar, Pilar, Rolo, Jose Luis Espinosa, Soraya Machin, Mariano Muniesa, Yolanda Perez Marin (El Club del Escenario), Amado Storni, Roberto Villandiego, Olegario Sánchez (Alcazar de San Juan), Patxi “La Caña” Valen (Plasencia), Alberto Cean (Asturias), Mar Monje Abiol, Juan Carlos Calderon, Jose Abellán, Luis Pulgar (Sevilla y Murcia)

FOTOGRAFIA

Domingo J. Casas (Jefe), Paco Lainez, Eduardo Mendez, Mario Larrode , Bill Zygmant, Ricardo Rubio, Liberto Peiró (Valencia), Xavier Mercadé (Barcelona), J.M. Rodríguez (Galicia), José M. Bueno (Asturias), Julio Perez Sotillo (Elche), Kiko Asunción (Murcia), Tony Ventura (Las Palmas) Angel de Francisco/ADFFOTO (Avila).

AGENCIAS www.whitepress.es,KOPress

FOTOMECANICA / IMPRENTA EXCE Comunicación

Esta revista la hace mucha gente, el papel lo ponemos nosotros, las opiniones son de ellos.

Contar con tu confianza en cada envĂ­o es lo que nos hace ser mejores cada dĂ­a

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l a i r o edit Diecisiete años ¿muchos o pocos?

Siempre miramos el lado negativo de las cosas y es que publicar una revista gratuita es una lucha diaria que en ocasiones anima a tirar la toalla y mas cuando no hay un respaldo muy grande como el de una editorial. Pero nuestro amor por la música puede mucho más, aunque tengamos que renunciar a muchas cosas que para muchos son imprescindibles. Hace unos días conocía a una escritora que vino a un programa de radio de LH Magazin Music, Natalia Sanchidrian y me preguntó ¿Cuánto tiempo lleváis publicando la revista? Diecisiete años cumplimos en octubre. Me contestó, algo tendréis que estar haciendo muy bien porqué durar tantos años no es lo normal. Y me hizo verlo de una forma distinta. Siempre he pensado la pregunta al revés ¿qué estamos haciendo mal? Es difícil con la situación que nos ha tocado vivir, soy consciente de ello.

Es difícil que las empresas, incluso de este sector de la cultura, gasten dinero en publicidad en papel, en plena era digital, todo es un mundo virtual lleno de fantasmas y “me gustas” falsos, verdaderos...

Parece que lo único importante son los “me gustas” de las publicaciones, los seguidores, las reproducciones… si ya sabemos que se pueden conseguir los que tu quieras pagando, haciendo perfiles falsos, robots… ¿por qué seguimos creyendo en ese MATRIX y no apostamos por lo tangible?, por lo visible en nuestro día a día, por lo humano, quizás pasamos demasiadas horas ante el ordenador. Pero nosotros seguimos apostando por el papel porque cada número que distribuimos vuela y siempre nos llega el agradecimiento de muchos de vosotros que valoráis nuestro trabajo, alentándonos a seguir apostando por ello. Es hora en esta editorial de dar las gracias a todos los músicos, locales nocturnos,comercios, sellos discográficos… que con vuestra ayuda podemos seguir saliendo a la calle con el coste que tiene hacer una revista con la calidad de esta que tienes entre tus manos, y podemos seguir realizando radio, dando oportunidades a muchos músicos, escritores, actores... que sino fuera por vosotros no tendrían donde mostrar sus trabajos, gracias a todos. Este mes un amigo me propuso distribuir unos ejemplares en su taxi. A la semana me contestó, es increíble, la gente la lee, pregunta… parece mentira que sea gratuita. Sí, LH Magazin Music nació con ese carácter gratuito hace diecisiete años para informar de lo que se estaba cociendo en la música, en los locales de ensayo, en la calle… y ahí seguimos al pie del cañón y como podrás observar este mes como viene siendo habitual en los últimos siete años con un CD de regalo “Imprescindibles VII 2018”. Sé que con un poquito de vuestra ayuda, de todos vosotros, podremos seguir en la calle y cumplir esa ilusión de llegar a más puntos de distribución, más páginas y difundir vuestra música a un mayor público, así como vuestras empresas, para que tengan una mayor visibilidad. Brindo por muchos años mas, larga vida a la música y que nosotros os lo podamos contar. Gracias a todos por dejarnos cumplir este sueño durante estos diecisiete años.

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SALA

VIERNES

26.10.2018

21:OOH

SILIKONA

presntaciรณn de su disco

MADRID

@TheCredenBeat

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Carabanchel ENTRE DARTS ROCK Avd de Oporto 40

Carabanchel CLUB DE ROCK TEXOLA Avd de Oporto 38

Carabanchel PIAZ`ZOLA

Avd de Oporto 40

Carabanchel OSCARMER COPIAS c/ Condes de Bacelona, 5

Usera FUNKY EXPRESS c/ Sebastian Gomez, 5

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c/ Emilio Gastesi Fernandez 14 - Madrid Metro: Pueblo Nuevo / Quintana Tel.: 680 38 45 18 lhmagazin.com

Torrelodones PICCOLO ESTUDIO c/ Ángel Yagüe, 1 local 8

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D E C O P A S

C O M E R C I O S

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Quién es? Many Moure ¿Quién eres, cómo te llamas y a qué te dedicas?

Me llamo Many Moure, fundador, compositor y bajista en los Toreros Muertos. Me dedico a la música (composición, producción, arreglo y ejecutante), hostelería (unos 17 locales de copas y música en directo por nombrar el Casi Casi, el Ya’sta, el Alboratorio, Socotroco, etc). ¿Cuándo empezaste en la música?

A los 7 años, en la banda de música de mi pueblo de la selva negra de Alemania. Qué tiempos. ¿Cuántos discos has sacado en solitario?

Pues la verdad que unos pocos, a parte de con los Toreros Muertos. El primero fue “Electroshock 32” (Moviplay), que gane con el primer premio de la diputación de Madrid del 82; Luego el de “Ya’sta la Trup” (Triquinoise), sinintheflesh.com / @sinintheflesh en el año 92; Otros 10 años más tarde “La Verdad no se ensaya”, en el 2002; “Many Moure canta a Nicolas Guillen Poesía bailable” en el 2017, un librodisco ilustrado, editado por “Ya lo dijo casimiro parker”, con colaboraciones de Jerry Gonzalez, Daniel Melingo y Mercedes Ferrer; presentado en el Café Berlin hace pocas fechas. ¿Qué ha supuesto para ti los Toreros Muertos?

Una inspiración divina que permi-

tió culminar el sueño que proyectaba ya desde los 12 años. Pude dar rienda suelta a toda la creatividad que llevaba dentro y subirme a un escenario y salir de gira con mis amigos. Y lo sigo haciendo. ¿Con qué grupos has colaborado tocando y grabando ?

Con Silvio Iluzbel, Palmera, Ruby y los Casinos, y con mis adorados Los Rodríguez, entre otros. ¿Qué grupos te han impactado? ¿Y defraudado?

Con Los Beatles, Jimmy Hendrix, Talking Heads, para acabar en Tom Waits. La música no te debe de defraudar y en si nunca debería tener ninguna connotación de ese tipo, la música es curativa y positiva sea en el formato que sea, aunque no nos guste. ¿Con quién te gustaría compartir un escenario?

Con Janis Joplin (risas). ¿Cómo ves el panorama actual de la música?

El panorama sobretodo visto desde una perspectiva de tantos años solo es posible un planteamiento, que sea todo por la causa.

Y en cuánto a Internet y la Piratería que opinas?

Que el arte en si es una expresión de libertad, y como tal no se le debería poner nunca un precio más allá de

lo que corresponde a esa expresión como cualquier otro currante, por lo cual, deberíamos de volver al antiguo trueque de yo te canto una canción y tu dame pan.

Y entonces, cuál crees que es el motivo por el que no se compran discos y libros…

Pues muy sencillo, si te lo dan gratis (Internet), ¿para qué se van a gastar el dinero?

Retrocedamos unos años ¿qué fue para ti la movida madrileña y cómo la recuerdas?

La movida madrileña se escribió con V de Vigo que a la vez es mi ciudad natal – La gente desconoce el hecho que surgió en las idas y venidas de los fines de semana que aparecían los músicos de Vigo con la bolsa llena de “farinha” el viernes por la noche en el tren Rias Baixas y alborotaban todo el fin de semana a todos los demás músicos de la supuesta Movida Madrileña hasta que llegaban confluyendo todos a la Bobia del Rastro y remataban lo que quedaba de la bolsa. Asi de sencillo y de claro fue la cosa. ¿Y cómo te ves a ti y a la música dentro de 25 años?

Texto y Fotos:Domingo J.Casas

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SIN IN THE FLESH Este es el nuevo proyecto de Samuel García Ortiga, Sin, que con ese nombre publicó un disco que consiguió hacerse un hueco tanto en medios, como entre el público, gracias a un videoclip del tema “Hoochie Koochie Woman”, cargado de erotismo y desatando todo tipo de opiniones extremas. Ahora es el turno de Sin In The Flesh que además Regresas junto a una banda, ¿nos puedes decir cuales son el resto de músicos que te acompañarán en este proyecto?

Está David al bajo y al asesoramiento espiritual y Renato nos acompañará a la batería en esta gira. Puede quedarse cuanto quiera, aunque tendría que alejarse de su Perú natal. De todas formas, lo importante no es cómo se llamen ni de dónde vengan, sino lo que hagan. No somos la construcción social alrededor de nuestra persona, sino mucho más lejos.

Y más cerca a la vez. Lo que somos está dentro, no fuera. ¿Nos podéis decir cuántos temas tendrá el disco, dónde se ha grabado y quién se ha encargado de la producción?.

Producido por Samu Ortiga y grabado por él y Gorka Menchaca en sus respectivos estudios. Pero eso da igual. Lo importante es cambiar el mundo.

Este nuevo trabajo verá la luz en estos días, ¿qué nos puedes adelantar sobre este disco “Sheer Acoustic”?

Que es claro y conciso, ningún tema sobra y ¡nos gusta! Nos va a servir de transición para empezar un nuevo camino con el nuevo nombre. ¿Por qué llamar al disco Sheer Acoustic?

Porque suena bruto y crudo. Es puramente unos tíos tocando temas con saña

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en breve publicarán un disco que llevará por título “Sheer Acoustic”.

Como adelanto de este disco hemos podido escuchar en exclusiva “Beaver”, que además está en este Imprescindibles de LH Magazin Music.

valiéndose de guitarras acústicas.

Sin duda es un disco mucho más acústico comparándolo con tu disco homónimo.

De hecho es 100% acústico, man. Te van a salir las Takamine por las orejas. ¿Qué os gusta contar en vuestras letras?

Nos gusta despertar a la gente. Decirles que todos los seres humanos somos lo mismo y que pueden llegar a donde quieran. De hecho tú, el que estás leyendo esto, eres un hermano nuestro y te queremos. Llegarás tan lejos como entiendas que solo tú puedes decidir tu destino y no debes menospreciar neciamente a aquellos que encuentres a tu alrededor porque son tus iguales. Ese es el camino.

También como todo hijo de vecino, hemos tenido la etapa de letras cuyo significado máximo es “oh sí, fóllame por favor, con saña. Oh sí, me inspiras mucho, voy a escribir una canción para ti como quien compra acciones del Banco Santander”.

Y las seguimos tocando y abrazando porque la Humanidad al final tenemos eso también, pero ahora estamos dándole una oportunidad al infinito mundo de todo lo demás.

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Este verano os estrenasteis actuando en el festival Hot Castle Rock 2018 de Manilva, Málaga. ¿Cómo fue la experiencia?

La verdad, la leche. La gente vibrando con nosotros y nosotros con ellos. Todos siendo uno, disfrutando del momento presente. No podría haber sido mejor. ¡Y sonó muy bien!

El disco saldrá publicado con el sello discográfico Crazy Sandwich. ¿Qué significa para Sin In The Flesh contar con la ayuda de este sello?

Significa que detrás de él hay una persona que hace todo lo que puede por ayudarnos y le queremos.

Abrir los conciertos del grupo sueco Spiders en España es una gran oportunidad. ¿Cómo surgió y qué esperáis de estos conciertos?

Surgió porque el que la sigue la consigue. No esperamos nada más que lo que vaya a pasar, que seguro que es increíble.

Lo hacemos por puro amor y por tocar música. Llevamos años siendo fans de Spiders así que nos hace mucha ilusión.

Esta banda se formó en 1988 en la ciudad de Sevilla, fue el primer grupo en grabar un LP en 1990 con una multinacional (PolyGram), con una media de edad inferior a los 15 años. Su tema “Que coraje da” sonaba en todas las radios, programas de TV… en 1992 grabaron Ha llovido mucho desde que grabasteis vuestro primer disco “Parachokes” en el cual se encontraba ese mítico tema “Qué coraje da”. ¿Qué recuerdos tenéis de esa época?

Que coraje da, estaba en nuestro álbum debut de 1990. La verdad que tenemos recuerdos de ser unos críos salvajes, gamberros y con ganas de comernos el mundo.

Muy buenos recuerdos…

Vuestro primer disco salió publicado con PolyGram y el segundo con EMI-Hispavox.

Parecía que todo marchaba bien. ¿Qué sucedió para que el grupo se deshiciera?

La verdad que Parachokes jamás se separó. Simplemente aparcamos el proyecto cuando la madre de David y Hugo (Cantante y bajo) enfermó gravemente y se decidió aparcar el proyecto. Pasaron años hasta que volvimos a retomarlo y todo había cambiado tanto que decidimos que no era el momento… hasta 26 años después...

Ahora regresais con un nuevo tema “Maldito dinero”. Este mundillo de la música ha cambiado mucho desde que dejasteis el grupo. ¿Qué es lo que más os ha sorprendido de este cambio?

Las nuevas tecnologías y el multicanal nos hace más libres. Ahora decide el público quien está arriba y quien no. Solo tienes

un segundo disco “Provocar”, bajo la producción de Paco Trinidad (Productor de Luz Casal, Los Ronaldos, Duncan Dhu) entre otros, con el sello EMI-Hispavox. En 1994, aparcan el proyecto por motivos personales. Ahora regresan con un nuevo single “Maldito dinero”.

que subir un video en Youtube y esperar el “veredicto” del público.

Cuando comenzasteis erais unos chavalillos, ahora a uno ya le han caído unos años, que son la experiencia. ¿Se afronta de distinta forma esta vuelta a cuando comenzasteis?

Obviamente, somos los mismos crios con ganas de mucho Rock, pero con toda la experiencia necesaria para volver a la carretera…

“Maldito dinero” es el nuevo single que lo ha producido Paco Trinidad, que en su día os produjo “Provocar” vuestro segundo disco. ¿Por qué Paco Trinidad y qué os dijo de vuestra vuelta?

Paco sabe bien cuál es nuestro sonido, nos conoce desde que teníamos 16 años.

Está encantado con nuestro retorno y nosotros que él quiera participar en este nuevo proyecto.

De este single se ha rodado un videoclip. ¿Es ahora el videoclip como el single en los 50`s?

Actualmente en el mundo en que vivimos es todo muy visual y multimedia y sin videoclip no puedes competir en este mercado.

Además este single “Maldito dinero” se encuentra en este Imprescindibles de LH

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Magazin Music. ¿Siguen siendo The Rolling Stones, Bod Dylan, Otis Redding, Ray Charles, Muddy Waters, Eric Clapton… vuestras bandas cabeceras?

Por supuesto, los grandes maestros siguen siendo nuestras fuentes de inspiración. ¿Tenéis en mente dentro de poco grabar un disco o nos vais a ir sorprendiendo cada cierto tiempo con un nuevo single?

Claro! Estamos trabajando en nuestro nuevo álbum que verá la luz a principios de 2019, pero si iremos adelantando nuevos temas cada cierto tiempo. Volvemos para quedarnos y lo hacemos por placer…

Tenéis pensado una gira por España lo que queda de año y el próximo año salir de gira por Argentina. ¿Pensais que alli hay mas cultura de rock que en España donde el reggaeton, el trap… invaden las radios comerciales?

Si queremos hacer una gira por España, necesitamos volver a reencontrarnos con nuestro público. La aventura de Argentina, la idea es realizarla después de la gira por España. Y la verdad que es un país con una rica cultura rockera. El rock está en alza, y no compite con el Reggaeton. El público del rock, además de ser más inteligente, es fiel…

FOTO: Ricardo Rubio

parachokes.com / @ParachokesRockBand

PARACHOKES

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Hace unos días conocimos a Florianne, nacida en México DF y afincada en nuestro país desde hace cinco años, cantante, actriz, productora musical, escritora, directora teatral, una mujer polifacética y ¿Cuánto tiempo hace que estás en el mundo de la música y cómo comenzó todo?

Desde siempre, soy la única en la familia que se ha dedicado a esto, empecé jugando hasta que me di cuenta que me apasionaba, mis papás me llevaban al teatro y les dije que quería hacer teatro, empecé con canto y baile y nunca lo dejé hasta que terminé el bachiller y empecé hacer comerciales en tv con marcas importantes y ahí fue cuando me di cuenta que era lo que quería hacer y siempre tuve el apoyo de mi familia.

Después de eso comencé con la carrera de Producción Musical y ahí empezó todo, aprendí tanto producción como actuación, creo que un artista debe saber todo lo que hay detrás del escenario y sobre todo que sepa hacerlo el mismo. Pero lo que más me gustaba era subirme en el escenario y actuar. Yo ahí ya tenía mis bandas de música y íbamos por todas partes actuar y cuando me gradúo en la Universidad es cuando decido montar mi propia Compañía Teatral que se llama V Music. ¿Qué obras has producido?

Estrené en México varios shows, entre ellos una obra que se llamaba “Para la Libertad” Título de la canción de Serrat y por eso conecté en España, mi intención era traer alguna de mis producciones aquí.

Serrat vino de gira a México y fui a conocerle, le hablé de mi obra y le gustó mucho, conocí a su equipo y conecté con ellos bastante bien. ¿Compones música y escribes teatro?

Si, a la vez que estaba componiendo canciones, me gustaba mucho escribir teatro y la verdad es que no sabía que se me iba a dar tan bien. No había estudiado Arte Dramático pero es como pasa con los músicos que se ponen a tocar y hacen una canción, yo empezaba a escribir y de repente tenía una historia que contar. ¿Cuándo empezaste a dedicarte más en serio a la música?

Comencé a producir unas canciones en México con Iván López Torres, un amigo músico que siempre creyó en mí, yo las escribía y él hacía la música y así fue como empezó mi carrera de cantante. ¿Y en teatro?

Conocí a mucha gente al llegar a España entre ellos a Miguel Tubía, el es profesor en la RESAD (Real Escuela de Arte Dramático) le enseñé mis proyectos y le encantó el de Serrat ya que trata del movimiento estudiantil en el 68 en México, fue un año donde se marcó nuestra vivencia y los jóvenes salieron a las calles a decir no a la represión y eso lo tenía que plasmar y lo hice con este musical, “Para la Libertad”. Todas las canciones son de Serrat con poemas de Federico García Lorca y de Machado. Miguel me dijo que quería la obra para la RESAD y durante dos años estuvimos haciendo una

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adaptación especial para España y se estrenó en abril del 2018 al que vino Serrat y le encantó ya que le recuerda a sus ideales, nos dedicó unas palabras diciendo, “Como dice Florianne es importante aunque duela recordar que hubo jóvenes hace 50 años que salieron a las calles a luchar y es triste que 50 años después los malos sigan siendo malos y la sociedad siga como está”. Hoy en día los jóvenes no somos conscientes de la realidad con las redes sociales y nadie hace nada para cambiar todo lo que está pasando, ya no hay líderes como antes. ¿Estás trabajando en algún otro proyecto teatral?

Si, ahora estoy en otro proyecto con Fredi Marugán, guitarrista y compositor muy conocido en México, hemos creado un monólogo musical sobre la vida de la gran Frida Kahlo, para mí es un ejemplo como mujer y plasmar tanta tristeza y tantas vivencias en sus pinturas me inspiró a enseñar a los jóvenes que hay personas que aún viviendo cosas horribles han hecho maravillas con sus obras olvidándose de todo lo malo que se les ha puesto por delante. La obra se titula “Frida, Yo”, en la que he compuesto todas las canciones y Fredi ha hecho los arreglos, me basé en las 15 pinturas de Frida que mas representaban su vida, mi sueño es ver ese musical algún día en la Gran Vía de Madrid. La música tiene tintes poperos pero en realidad son boleros mexicanos, en breve estará acabada y podremos estrenarla.

También estoy haciendo Micro Teatro con una obra llamada “La Columna Rota” que

vmusicmx.com/ @florianneval

FLORIANNE lhmagazin.com

sobre todo que mira mucho al pasado y que quiere plasmar la historia de su país en todo lo que hace.

es un cuadro de Frida, dura sólo 18 minutos pero cuento su historia y la historia de ese cuadro de forma resumida.

Cuéntanos algo sobre tu disco Creo que todo llega, podría haberlo sacado hace tiempo pero no hubiera sido este, habrían sido otras canciones y otra historia, pero yo sabía que iba a llegar un punto en mi vida en que lo tenía que hacer y hacerlo bien, el productor es David Palau, guitarrista de muchos artistas importantes y aunque mi estilo es pop rock, soy más rockera y es lo que quería transmitir, yo le llamo sweet rock a lo que hago y David ha sabido hacer mías esas canciones, se ha grabado en el estudio de José Luis Crespo y luego está Oscar Gallardo, apoyando todo el proyecto desde el principio, él es técnico de Sabina y Serrat, los tres han hecho posible este sueño de grabar mi disco y en el momento justo. ¿Cuándo sale a la venta?

El disco se titula “Florianne” tiene 11 canciones, muchas de ellas son baladas y un Bonus Track, el single es “Sólo Tú” que es mucho más movido que el resto de las canciones del cual ya tenemos el videoclip grabado, sale a finales de octubre y estará en to- das las plataformas digitales. Es un disco que te gusta de principio a fin, muy juvenil, muy comercial y estoy muy contenta de poder presentarlo ya.

TEXTO: Mar Monje Abiol FOTOS: Domingo J. Casas

Este es el segundo disco de esta banda “Toledo, OH.” con el cual nos han vuelto a sorprender. Ya en su primer disco “Easyhill, TN.” nos sorprendieron con su música inspirada en el swing y el charlestón. En este grupo nos encontramos a Edu Molina III , cantante y guitarrista de los siempre corrosivos SCR. Su rock influenciado por Jack White y ¿De dónde te viene esta pasión por el swing y el charleston?

Siempre ha estado dentro. Quizás por mi parte comenzó por la parte francesa, con mi familia escuchando Aznavour, Georges Brassens y más. Los cuatro hemos tenido unas potentes influencias del jazz y blues, era inevitable al llegar los años ‘20 iniciar carrera en el charleston! ¿Cuando compones para Tomaccos dónde buscas la inspiración en artistas de esa época?

Intentamos devorar discos incombustiblemente, tanto de aquella época como actuales. Tanto entonces como ahora, la escena swing es enorme y encuentras verdaderas joyas, pero siempre tratamos de encontrar ritmos interesantes o melodías especiales que parezca que has oído antes, aunque no sea así. ¿Intentas mantener la esencia de esa época o prefieres actualizarla?

No hemos inventado la rueda, muchos han hecho lo que hemos hecho nosotros antes. La esencia es algo que va inherente a la música que hacemos, el alma y objetivo es hacer canciones que digan mucho con poco, como se hacía antes. Aquellos años en los que no hacía falta tanto muro de sonido para hacer saltar una lágrima. Sin embargo, en cuanto a sonido, el mundo ha avanzado y nosotros nos aprovechamos de eso. Música de antes, con las herramientas de ahora. ¿Para la grabación del disco se han utilizado instrumentos musicales de esa época o amplificadores, micrófonos retro..?

Led Zeppelin es siempre la mejor carta de presentación de un Eduardo amante de meterse en mil líos musicales. Guitarrista también en Idealipsticks o El Kanka y productor de KITAI y Playa Cuberris demuestra que es de esos jóvenes con inquietudes y una calidad que está al alcance de muy pocos artistas.

Ha habido de todo. El planteamiento es tocar todos a la vez y buscar esa actitud y atmósfera de cuando no existían los multipista. Y eso se oye en el disco. Hemos grabado con microfonía antigua, pero también moderna. Sin embargo, en todo el disco no hay ni un sólo amplificador. Todo es enteramente acústico y grabado por personas!

Desde el llanto de un bebé, hasta un piano desafinado de un bar! Ha sido una producción larga pero muy, muy divertida.

Los setenta y los ochenta fueron años de tribus urbanas, ahora el trap, el reggaeton… ¿no se pueden eliminar las etiquetas en la música?

Desde que apareció el fonógrafo, las cintas y discos han ido marcados con sus estilos. Un adolescente blanco en el año ‘24 no le podía pedir a su papá música afroamericana. A partir del ‘33 los hermanos Lomax cambiaron la etiqueta para vender canciones de Leadbelly a aquellos adolescentes sedientos de blues. Desde que existe la música, existen las etiquetas y no podemos huir de ellas. Lo que si podemos hacer es darle ese punto especial a cualquier cosa que hagamos y no dejarnos llevar por modas o corrientes!

En este segundo disco “Toledo Oh” hay más guiños a la música de los balcanes. ¿Te has sumergido para este disco mas en la música de los países del este?

Ese punto especial que hay que añadir en un estilo es todas las influencias de las que uno bebe. En nuestro caso hemos tocado de todo, música irlandesa, swing, blues, rock

incluso. La música balcánica nos encanta.

Desde los viajes en los que pudimos descubrir desde Bulgaria, Rumanía e incluso Turquía, intentamos incorporar esos sonidos en nuestro swing. En este disco, Arbet (trabajo en Yiddish) es un homenaje a toda la música judía, bastante abandonada hoy en día. ¿Qué te gustar contar en las letras de Tomaccos? ¿Hacen referencia a esa época?

Por supuesto. Contamos problemas que ocurrían entonces y que siguen vigentes hoy, por desgracia. Como Prohibition Swing, que habla de la Ley Seca y de cómo los presidentes construían muros contra la libertad del pueblo. Aunque esto quizás os suene, y no de hace un siglo... Sin embargo, todo lo que contamos lo hacemos con el lenguaje más potente que conocemos: El humor. Todas nuestras letras son cómicas y disfrutables, incluso por los más pequeños.

Humor y música, la lengua perfecta.

En este Imprescindibles de LH Magazin nos encontramos el tema “The Amazing Washboard Machine”. ¿Recuerdas dónde y cómo nació esta canción?

Efectivamente! Cuando nació la tabla de lavar que usamos para hacer percusión en la banda, decidimos hacer una canción que explicara su proceso de creación. A la orilla del río, cantando canciones mientras lavábamos las prendas... Si la escuchas puedes oler el jabón! Va contando cómo añadí unas latas de zarzaparrilla en un lado para hacer un sonajero, cómo le clavé un viejo timbre de hotel... Es un instrumento peculiar que no podéis perderos!

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LAUREL CANYON “8 minutos” es el título del disco que Laurel Canyon, un trabajo que hace una clara alusión al tiempo que tarda en llegar la luz del sol a la tierra, y que es un proyecto realizado en colaboración con el Fondo de Ayuda para Iniciativas Culturales de la ONCE. Este es el primer Laurel Canyon es el nombre de un barrio de Los Ángeles ¿Por qué llamar así a este proyecto?

Porque era un nombre con cierta etimología. Con un “algo” especial, que nos retrotrae al lugar en el que muchos artistas en los años 60 se refugiaron para dar rienda suelta a su imaginación. Indudablemente, nos hubiese gustado tener nuestro local de ensayo en el garaje de cualquier casa situada allí, pero de momento nos resignaremos a ensayar en Yecla, el lugar en el que se fraguó esta historia.

Tras Laurel Canyon se encuentran los músicos Susi Belda (al chelo) y Greg Marles (guitarra y voz). ¿Dónde os conocisteis y cuáles fueron los primeros pasos de Laurel Canyon?

Nos conocimos a través de una amiga común. Yo estaba preparando unos recitales y se me ocurrió que la idea de un chelo acompañándome resultaba atractivo, envolvente y cambiaba el matiz, el color, el cuerpo de los temas. La unión funcionó, gustó al público y decidimos darle continuidad como Laurel Canyon. Actualmente, al igual que sucede en el cuento de los músicos de Bremen, el formato para el directo lo hacemos algo menos intimista, y nos servimos del apoyo de de una guitarra eléctrica, bajo y batería, llevando las canciones a un sonido que se acerca más a lo que se escucha en el disco. Por no hablar de Rocío Pinar, una buenísima chelista, que sustituye a Susi, cuando ésta no puede acudir a algún evento del grupo.

Para la grabación del disco se ha contado con otros músicos. ¿Cómo se fueron incorporando a la grabación?

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álbum de Laurel Canyon que ha sido producido por Vicente Sabater y que, además, ha buscado su inspiración en la película “Interstelar” de Christopher Nolan.

Los músicos vinieron de la mano de Vicente Sabater, y su gran experiencia y talento hizo que estas personas encajaran en cada canción como si hubieran estado ahí, en esta música, desde el principio. Fue todo un privilegio disponer de la guitarra y los efectos de Iván López, el bajo de Nacho Tamarit, y la batería de Edu Olmedo. De otra parte, Edu Piqueras, es un guitarrista y amigo, con el que ya había grabado anteriormente, el cual no dudó en poner su guitarra española al servicio de diversas canciones, como el fue el caso de “Rodilla a tierra”.

“8 minutos” es un tema del disco y la canción que nos vamos a encontrar en este Imprescindibles. ¿Por qué llamar al disco 8 minutos?

Era un título sugerente, además, el tema en cuestión dio pie a la portada del disco, inspirada en la película que se menciona. Ya ves, y en referencia a la carátula del disco, Manolo Santa, el fotógrafo que la ideó, estuvo trabajando un montón de tiempo en ella, y finalmente se eligió una prueba que hizo en unos segundos sobre la portada por la que se había optado;... el azar tiene esas cosas. Luego ya, vino el toque artístico de maquetación del álbum del desaparecido Toni Luz de Los Pequeniques, que falleció días después de de terminarla, y a buen seguro fue uno de sus últimos trabajos.

El disco consta de diez canciones, dos de ellas son versiones “Han caído los dos”

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de Radio Futura y el tema de Morrissey “EverydayislikeSunday”. ¿Qué significan para vosotros estos dos temas para incluirlos en vuestro primer disco?

Habitualmente, cuando tocamos en directo, nuestro repertorio se compone de canciones propias y otras que son versiones. Esas dos canciones nos han acompañado desde el principio y era una deuda que teníamos con ellas, al margen de que son muy buenas en su origen.

Es un disco de folk, pero también hay blues, y rock… un disco difícil de encasillar. ¿Huyendo de las etiquetas?

No, cada canción tiene su momento; en cierta ocasión, un periodista acerca de mis discos dijo que resultaban eclécticos. Quizá tendrá que ver con que escucho todo tipo de música, de James Rodes, al que aspiro ver pronto en directo, a Radio Head.

En el disco ha colaborado el Fondo de Ayuda para Iniciativas Culturales de la ONCE. ¿Cómo ha sido su ayuda?

Cada año la ONCE destina un dinero para sufragar proyectos culturales, yo presenté el mío, resultó seleccionado y este disco se debe a ellos. Indudablemente, sin su respaldo todo hubiese sido más difícil.

Y luego están, claro está, Ricardo de la Morena y Carlos Romero, la gente de Bell Music, que es la discográfica que ha lanzado el disco, que en cierto modo, se han involucrado y confiado en el proyecto, para que éste alcanzara una mayor difusión.

CHISUM CATTLE CO. Cuando estés leyendo esta entrevista ya estará en la calle el segundo disco de esta banda de Trucking Country que llevará por título “Each Mile & Every Mile”. Han pasado por estas páginas unas cuantas Vuestro primer single de vuestro segundo trabajo se llama “No Brakes” y que aparece en este Imprescindibles Vol. VII de LH Magazin Music. ¿Qué tiene esta canción de especial?

Hemos querido rendir un homenaje a nuestro admiradísimo Jerry Reed. En concreto a dos de sus canciones que aparecen en la película “Smokey and the Bandit”; una inspiró la letra, y la otra la música.

Cuenta una historia en la que un camionero se juega la vida para salvar a otro. En el videoclip hemos querido continuar con los homenajes a figuras emblemáticas de la Country Music, como Kenny Rogers o Waylon Jennings.

Vuestro primer disco “90 Miles” lo grabasteis tocando toda la banda a la vez.

Para este nuevo trabajo se ha repetido la fórmula. ¿Por qué volver a grabar a la vez?

Para mantener la frescura del directo.

Queremos que nuestro sonido grabado se asemeje lo mas posible al que ofrecemos en directo. El toque que tiene que los músicos toquen a la vez, se transmite en el resultado, esa complicidad. Con los mismos músicos con los que nos subimos al escenario actualmente, nos conocemos, y eso se nota.

Sorprende la gran evolución que hay en el sonido. ¿Dónde se ha grabado y quién se ha encargado de la producción?

Estamos muy, pero que muy contentos. Hemos tenido la suerte de grabarlo

veces y es que si en Texas saben apreciar la calidad que tiene esta banda en España poco a poco están consiguiendo hacerse un hueco importante dentro de la escena de la música americana.

en PeerSound Studios y contar con su masterización. Su técnico de sonido, Juan Carlos Fuguet ha realizado un trabajo increíble, sobre todo con lo de grabar a la vez, pues no es algo habitual en el estudio. Su profesionalidad nos ha dado una gran confianza. Y la mezcla se ha realizado en DrumChord, quien conoce muy bien nuestro sonido, y ha conseguido que cada instrumento esté perfecto, en su sitio. La guitarra rítmica tiene mucho más protagonismo en esta ocasión, clave de nuestro sonido.

Todas las canciones están compuesta por Chisum, pero en esta ocasión Robin Drake ha creado un tema The Barn que es un homenaje al “El Establo” un singular local de country en Mejorada. ¿Qué significa para vosotros este sitio?

Es nuestro pequeño cachito de Texas en Madrid. Home away from home.

Antonio Gómez Bautista ha creado la Asociación Cultural Western Vagon, cuya sede es “El Establo”, y es algo increíble lo que ha conseguido. Un lugar en el que los socios pueden disfrutar de música en directo todos los domingos, festivales y diversas actividades culturales. Además la estética que ha creado, con su vagón del año 55, herramientas y fotos antiguas… es un lugar mágico.

Este disco sale con el sello discográfico TWH Records el sello especializado en música americana de España. ¿Qué ha supuesto para vosotros formar parte del catálogo de este sello discográfico?

Un verdadero honor. Iniciativas como esta, de Rafa Eagle Eye, son las que te hacen creer que la música de raíz puede y debe llegar a donde le corresponde.

Está apostando por unir distintos estilos que tienen un denominador común, la americana music. Estamos conociendo y creando amistad con bandas y músicos increíbles, que tienen la misma pasión que nosotros. Y que gracias a estar arropados bajo el nombre de este sello, podemos llegar mucho mas lejos.

Despues del concierto que planes más inmediatos tenéis.

Salir a la carretera a rodar nuestro “Each Mile & Every Mile”. Ya estamos cerrando fechas, queremos ir por toda España, e incluso Europa y USA. Queda mucho trabajo por delante de promo y management. Y seguir colaborando con el sello TWH Records y sus artistas para llevar la música americana de raíz al lugar que creemos le corresponde.

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Esta jovencísima talentosa artista nos visitaba en nuestros estudios para presentarnos su primer disco de larga duración “I AM” y desde ese día nada fue igual, nos regaló un precioso acústico y su música no hay día que no suene en nuestra oficina, radio… y es que tiene Solo tienes 19 años y muchas veces pensamos que nuestros jóvenes solo escuchan reggaeton. ¿Cómo llega a ti la música negra?

Siempre hemos escuchado todo tipo de música en casa, mis padres me han educado así. Creo que la música que más me ha marcado és la más orgánica y sincera y creo que la música negra bebe de esto. ¿Cuáles son los artistas que te han influenciado a la hora de preparar este disco?

Una influencia básica del disco és el músico y productor Joe Henry. He aprendido mucho escuchando su música y discos en los que ha trabajado. También hay otros nombres como Over the Rihine, Norah Jones, Solomon Burke, Amos Lee, John Mayer, Andy Shauf… Aun así, todo lo que escucho me ha marcado de una manera u otra para saber donde quiero ir. ¿De escuela o autodidacta?

Me gusta descubrir música pero también he tenido el mejor maestro del mundo, mi padre. A menudo nos pasamos discos que nos gustan y él me ha enseñado a amar y valorar todos los proyectos.

En el CD que acompaña a la revista VII Imprescindibles de LH Magazin Music aparece la canción “I`m sorry”. ¿Qué significa para ti esta canción?

“I’m sorry” es una ruptura sentimental.

Como todas las canciones del disco, necesitaba sanarme, escribir y componer es mi

una aureola de simpatía que haya donde va deja positividad. En su adn está la música negra (soul,blues y jazz), pero además el folk más americano.

manera de sacarlo. Lloré mucho escribiendo este tema.

Has elegido expresarte en inglés. ¿Piensas que este idioma se adecúa más al género musical que has elegido?

No he elegido en qué idioma compongo las canciones, simplemente dejo que fluya. Seguramente escribo en inglés por mis influencias pero creo que la lengua es solo una herramienta. Escribo con inglés porque estos temas me han salido así sin buscarlo. ¿Qué te gusta contar en tus letras?

Todo. Necesito explicar como me siento, que me rompe, que me parece bien y que me parece mal, que me hace llorar, que me hace feliz, mis dudas y preguntas… me gusta ser sincera en mis canciones.

También hay un tema en catalán dedicado a tu abuelo “Cançó de bressol”. Es un disco en cuanto a las letras que mira mucho en tu interior. ¿Ha habido algún sentimiento o emoción que haya costado más contar?

No, en general es un disco que lo he llorado mucho, es muy muy sincero. Todas las canciones lo son.

“Que tinguem sort” también está cantado en catalán y es una canción en forma de regalo a toda esa gente que te apoyado en

estos años ¿Quienes son?

Es un regalo para aquellos que han creído en el proyecto desde el primer dia, para mi equipo, para todos aquellos que escuchan mi música, para todos aquellos que vienen a mis conciertos, es un regalo para todos aquellos que les gusta la musica.

El disco ha sido producido por David Soler. ¿qué ha aportado David Soler a la música de Paula Valls?

Ha aportado muchísimo, sin duda. El me ha ayudado a arreglar los temas, me ha descubierto algunos discos muy interesantes y me ha dado herramientas para llegar donde yo quería ir. Hacemos un equipo muy bonito y ha sido muy fácil trabajar juntos porque nos hemos entendido muy bien (a nivel de gustos y manera de trabajar).

Durante todo el verano no has parado de actuar por España en festivales. ¿Contenta con la respuesta del público y qué nos espera próximamente?

Muy contenta. Nunca pensé que mi música llegaría donde está llegando y aún menos pensé que viajaría por mi trabajo. Todo lo que me está pasando me está dando mucha energía para seguir adelante haciendo lo que más me gusta.

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LORENZO AZCONA Este es un músico clásico de la escena de la música de este país, ha acompañado a grupos como Burning, Manolo Tena, Javier Krahe, Joaquín Sabina, Hilario Camacho o La Unión, así como a formaciones del Senegal y Sierra Leona o brasileños como Urubú o BatáYa ha pasado un tiempo desde que se publicó “Soplo de vida” te está sorprendiendo la gran aceptación que está teniendo entre el público y los medios de comunicación.

La verdad es que sí. Esta vez, desde el primer momento, los medios han respondido con reseñas fantásticas de “Soplo de vida”, incluso la prensa extranjera.

Y también en esta gira el público está llenando los lugares donde vamos a tocar y disfrutando como nunca de nuestros conciertos.

En este Imprescindibles nos encontramos el tema “Tiempo Sanador” que tiene de especial esta canción para ti.

Cuando os pusisteis en contacto conmigo para que eligiera un tema del disco le dí muchas vueltas, no es fácil encontrar una composición representativa de todo un disco. Finalmente me decidí por “Tiempo sanador” porque es el tema más caleidoscópico del disco, con muchos ambientes y colores diferentes, con mucha carga emocional.

En “Soplo de vida” hay muchas influencias de distintos géneros musicales como el folk, jazz, funk, bolero, samba… ¿Ha sido difícil encontrar que todo tenga una homogeneidad?

Lo cierto es que no, al principio pensé que iba a ser difícil juntar tantos estilos, pero conseguimos una sonoridad en el estudio, gracias a Antonio López de Tonyson, que entendió el concepto nada más sentarse delante de la mesa de mezclas y a que el tratamiento en la interpretación de todas las composiciones es el mismo, tocarlos desde el alma. Al juntar esas dos cosas fue todo muy fácil, el resultado es un disco crudo y orgánico, pero sin aristas. ¿Qué música escuchas habitualmente y esta te influye a la hora de componer?

Kum-Tum. Ahora nos presenta su tercer trabajo como solista “Soplo de vida” con el cual ya consiguió entrar entre los 50 mejores discos del 2017 en LH Magazin Music.

¿Tenemos tiempo? Intento escuchar siempre todo tipo de música, empiezo por lo que se hace aquí y después me fijo en lo “fuera”. Y te influye todo lo que escuchas, te guste o no.

En este disco nos encontramos una versión del tema clásico de Triana “El Lago”. ¿Qué significa para ti este grupo y esta cancion?

La historia de esa versión es curiosa, hicimos unos conciertos didácticos en SGAE sobre la fusión en España en la segunda mitad del siglo XX y este tema debía entrar, claro, Triana ha sido un de los grupos más influyentes de esa época y desapareció cuando todavía estaba en lo más alto.

El caso es que ese concierto se grabó en la sala Manuel de Falla, dos pistas en estéreo.

Nosotros ni pensamos en que se grababa.

Al seleccionar los temas que iba a incluir en “Soplo de vida” hice una escucha de ese concierto para descansar y me gustó tanto la versión del “En el lago” que decidí incluirla.

Eres músico autodidacta y en este disco has tocado saxos, flauta, clarinete bajo, percusión y teclados. ¿Cuando uno lleva tanto tiempo en este mundillo musical, en algún momento se deja de estudiar o practicar?

Jamás se deja de estudiar y practicar, siempre hay algo que no has hecho, y cuantas más cosas aprendes, más cosas sabes que te faltan por descubrir.

Es un disco instrumental, nunca te planteaste un disco en el cual te acompañarán vocalistas.

De momento no, aunque no descarto nada.

En este disco han participado quince músi-

cos. ¿Ha sido laborioso coordinar a tantos músicos?

Siempre es difícil en un proyecto como este conseguir que el músico que va a grabar coincida con el técnico del estudio y conmigo, pero después de unos meses lo logramos. A nuestro favor han jugado las nuevas tecnologías. Muchos de los que han grabado tenían estudio en casa y eso ha facilitado bastante las cosas, pero lo mejor de todo ha sido la actitud y el trabajo de todos los que han participado en este disco, que se han volcado en él y han dado lo mejor de sí mismos. ¿Cómo ves la escena del jazz en nuestro país?

Veo que cada vez hay más músicos y más bandas con un nivel que ya quisiéramos haber tenido nosotros cuando empezamos.

Eso hace que el panorama del jazz se mueva, teniendo en cuenta que sigue siendo música instrumental, aunque a veces le llega algo de espuma en las olas de las modas. ¿Cuáles son tus próximos proyectos?

De momento seguir con la gira de este disco, requiere mucho esfuerzo y mucho tiempo mover este proyecto, no tenemos mánager ni nada de eso, así que estoy volcado totalmente en ello. Quizás grabar un disco en directo. Y ya sabes que siempre ando metido en un montón de cosas de muy diferentes estilos, así que siempre va a surgir algún proyecto nuevo. Lo último ha sido la gira de Hevia, con el que sigo colaborando, pero intento no parar, no dejar que hacer cosas nuevas.

FOTO: Domingo J. Casas

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MARÍA VILLARROYA Asistir al teatro y presenciar en directo esta magnífica obra musical fue uno de los mejores acontecimientos vividos de mi vida, y ya son muchos años, y mucho camino recorrido en este mundo de la música. Su show hizo que me llevara por el lado de la risa, pero también a veces por el lado más amargo de la vida, hizo que al escuchar su historia se convirtiera a la vez en mía, porque todos hemos pasado

en algún momento por algún pasaje de esta bella interpretación que hace Maria Villarroya de su vida. De manera teatral y abrazando todo tipo de estilos, como el rock, el bolero, el teatro musical, el tango, jazz, pop, rancheras, cabaret…, consigue remover tus sentimientos, invitándote a entrar en su particular oficina de objetos perdidos para viajar con ella y encontrar tal vez los tuyos.

¿De donde nace la necesidad de contar tu vida?

Llevo toda la vida escribiendo y cantando vida. Y ahora, ya entrada en mis 50, he decidido reordenar todo y crear mi propio proyecto haciendo lo que mejor sé hacer, que es cantar, escribir y componer.

De ahí nació Silencios Cantados, el diario de mi Vida. Contarlo y cantarlo es mi misión, porque de esta vida he destilado cada experiencia para extraer el conocimiento que vivía en ellas y su néctar nutritivo, y ahora son paisajes y colores que constituyen el lienzo de mi vida, los hilos de mi existencia. Compartir este conocimiento con los demás es un placer terapéutico para mí. ¿Cómo podría dejar todo esto olvidado en el cajón de los recuerdos?

No, imposible. Esta es mi Obra, mi lucha conmigo misma, y Silencios Cantados me da la oportunidad de desnudar mi Alma, y cuando lo hago, se para el mundo, yo soy yo misma y ahí recupero la esencia de mi verdad. ¿Por qué un espectáculo musical y no una biografía escrita en un libro?

Mi biografía es el libro de Silencios Cantados. Cualquiera que lea atentamente, verá mi experiencia al detalle, todos sus secretos y todo su aprendizaje. Yo siempre digo que quien me escuche desde el corazón..., me encontrará seguro.

De este libro con cientos de temas, nació el espectáculo Silencios Cantados. Pero no podía incluir toda una vida en un espectáculo de 100 minutos. Así que tuve que crear un guión, que entrelazara mis momentos clave de vida, mis “darme cuenta”. Cada canción se convirtió en la pieza de un puzzle donde todo encaja a la perfección. ¡El primer guion duraba tres horas y me-

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dia! Recortar fue el desafío para destilar lo esencial. Tras más de un año con decenas de borradores y la férrea dirección de Jaroslaw Bielski, lo convertimos en casi dos horas. Tras su estreno, lo pudimos convertir en el espectáculo que es hoy. 100 intensos minutos sin descanso en escena.

“Silencios Cantados” está compuesto por un magnífico libro de poesía, cuidado al detalle. Primero se publicó el libro, ¿tenías claro que después vendría el disco y el espectáculo musical?

El libro Silencios Cantados está compuesto de poesías, pero también de canciones y de prosa. Son 736 páginas que constituyen una total recapitulación de mi vida, ordenada de una manera muy particular. ¡Algunos lectores me dicen que el libro puede muy bien ser utilizado como un oráculo...! Además es un libro con una maquetación muy especial. Cada capítulo tiene su propio color. Es un libro muy mimado... ¡ja, ja! ¡Nos pasamos más de un año solo maquetando! Cada página es también un pequeño lienzo con su propio significado. Mis dos hijos dibujaron las portadas de cada capítulo..., y entonces eran muy pequeños... Y yo misma todas las grafías escritas.

Efectivamente el libro apareció antes que el espectáculo y el disco. Yo no lo elegí, mi intención era la de hacer un disco, pero el destino hizo que primero tuviera que “dar a luz” el libro y de ahí crear el resto del proyecto.

El disco se grabó en directo en el Teatro Replika. ¿Qué costó más trabajo, escribir las letras o musicalizar dichas letras?

El proceso creativo de Silencios Cantados es muy singular. Nada costó

esfuerzo, vino por si solo, porque lo que “es”, fluye. No es un ejercicio de composición, es la expresión de todo lo que late dentro de mí y que estoy obligada a sacar.

En algunos casos primero viene la letra, en otros la música y en otros todo a la vez, como si me dictaran... a veces ni yo misma sé... Respecto al guion del espectáculo, como te dije, la dificultad mayor fue la de recortar..., cada recorte me dolía como si me arrebataran un hijo...

En el disco nos encontramos con géneros como el tango, el rock, pop, habaneras, jazz, rancheras… ¿existe algún genero en el cual te encuentres más cómoda o te guste más?

Para mí cada tema es como un estado anímico que me pide un estilo. Todos me encantan. No me identifico con ninguno, pero me apasiona el jazz, el teatro musical, pero como todas son mis composiciones, es como confeccionar un vestido a mi medida y lo paso en grande. ¡Ah!, también los boleros... siempre quise hacer un disco de boleros...

Hay algún sentimiento de los que cantas en tu obra, alguna historia… que al nacer ya estaba identificada con un determinado género musical.

Algunos temas nacieron con su propio estilo desde el primer momento, otros

al revés. Por ejemplo siempre supe que “De Eso” era una Habanera pero “Toque de Corazón” era una Balada que acabó siendo un Corrido...

Para adornar esta interpretación te has rodeado de grandes músicos que te acompañan en el escenario. ¿Cómo ha sido la selección para acompañarte?

Siempre hemos buscado a los mejores, tanto para los arreglos como para los músicos en escenario. El principal responsable de la elección y selección de los músicos ha sido Josué Santos que es nuestro Director Musical, que ha estado implicado en el proyecto desde el primer momento. Todo un privilegio para mí para poder dar forma musical al espectáculo. ¿Ha habido algún sentimiento que haya costado más contar que otros?

No es fácil hablar de uno mismo y desnudarte emocionalmente ante el público, especialmente en aquellas cosas que nos incomodan de nosotros y que no nos apetece dar rienda suelta y confesar.

No obstante, ahora, para mí es un acto liberador porque por fin, puedo tomarme con humor lo que viví. Ya no me tomo en serio..., ¡¡me tomo en risa!!

Cuando asistí al musical me impresionó la cantidad de texto, es un monólogo de una duración casi de dos horas, apenas hay silencios, cantas, interpretas, haces participar al público… ¿Cuánto de improvisación hay en “Silencios Cantados”?

Es verdad que me llevó mucho tiempo memorizar el guion y hacerlo mío. Con mis años memorizar es un gran reto. Por otro lado, cada función es distinta, como en la vida. Todo lo que me pasa en la vida trato de llevármelo al espectáculo, para que entre en mi oficina de objetos perdidos... Silencios Cantados es un espectáculo vivo. No esperes ir a ver lo mismo cada día. Por ejemplo, este último año he perdido a varios amigos... Esas funciones fueron diferentes. Y los textos también se adaptaron al momento profundo que vivía. También el público de cada día despierta nuevos desafíos, porque el espectáculo es intenso y muy interactivo.

Y así pasa en cada función. Siempre hay una parte improvisada.

En tu vida ha habido momentos divertidos, difíciles… En España trabajaste con importantes directores como Pepe Cibrián en el Musical Drácula, interpretando a Mina… Luego, hay un momento en tu obra que cuentas cómo marchas a Inglaterra a trabajar en el teatro musical y como regresas a España. Cuéntanos sobre esta gran experiencia. ¿Ha sido uno de los momentos más duros de tu carrera musical?

Sí, sin duda ha habido momentos de todo tipo. Pero todos estos movimientos, incluso el de estudiar un tiempo en Estados Unidos, no han sucedido exactamente como digo en el espectáculo.

Primero trabajé con Flotats que fue el primero en reconocerme, no solo como cantante, sino como actriz. Aunque yo había estudiado muchos años con Nancy Tuñón en Barcelona, la gente me conocía más como cantautora con ya dos discos en el mercado. Por eso, que Flotats me eligiera para su elenco fue un privilegio.

La experiencia posterior con Pepe Cibrian fueron a palabras mayores. ¡Hizo un casting de más de 3000 personas durante 18 días! Imagínatelo. Grandioso. Ser Mina en una superproducción como esta que fue un grandísimo éxito en Buenos Aires y que aterrizaba por primera vez en España fue un sueño hecho realidad. Un momento irrepetible en mi vida y “un antes y un después” en mi vida profesional.

Después decidí ampliar horizontes. La experiencia de trabajar con los grandes como Paul Sabey en Londres y David Sabella-Mills en EE.UU, fue maravilloso, una aventura increíble. Si creía que sabía algo, me di cuenta al conocerlos, que no sabía nada… ¡qué ilusa!, así que empecé de cero, y fue la gran oportunidad de conocer muy profundamente la técnica de cantar musical.

Mi inglés no era muy bueno y no me dejaron cantar hasta que la fonética estuviera bien colocada y asentada, no me pasaban ni una… era su obligación y siendo extranjera todavía más. Un proceso lento que requería de mí todo el esfuerzo. Cada canción que aprendía con ellos, era un reto, una experiencia que destilaba un conocimiento exhaustivo de todo. Valió la pena el esfuerzo porque lo compensó con creces. Me fui a Londres para tres meses y me quedé 4 años…

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¡menuda experiencia! Todavía recuerdo estas clases como un tesoro. Me acompañan allí donde voy.

En todo este tiempo Carlos y yo, que por entonces ya estábamos casados, decidimos tener familia porque si comenzaba mi carrera profesional a dar frutos, luego sería mucho más difícil parar. Así que elegí hijos y volvimos a España.

Visto con perspectiva, una de las decisiones más lúcidas de mi vida. Mis dos hijos han sido y son fuente de inspiración, de sobriedad y de aprendizaje únicos. Un verdadero regalo del Universo.

Años más tarde hice muchas audiciones en Madrid, que no salieron. Y tuve mi momento devastador, mi “noche oscura”, porque perdí la voz. ¡No podía ni hablar!

Imagínate una cantante sin voz... ¡demoledor! Así que desde esa desesperación, decidí coger el toro por los cuernos y volver a mi origen. Ahí nació Silencios Cantados, desde el Silencio de dos años sin voz.

Volví a crear y decidí recapitular mi vida y ordenarla. Y así, nació el libro, y mientras recapitulaba mi vida, mi voz fue renaciendo conmigo. Por eso el libro se coló antes del disco...

Empezaste muy jovencita en la buhardilla de tu casa, con doce añitos. Comentas que llevabas gafas, que los chicos te llamaban culo de botella… ¿Te sirvió la música como escape?

Sí. Lo que no me atrevía a decir hablando, lo decía cantando. Empecé cantando jotas, rancheras y habaneras. Tenía 12 años, ilusión y mucho coraje. Como te decía, mi guitarra y mi voz me permitieron expresar lo que no me atrevía a decir hablando. Mi primera canción, “Enyorança” (Añoranza) me dio el impulso para escribir mi propia vida, para extraer de mí lo que pulsaba por salir.

Cuando abrazaba la copa de los árboles desde el balcón de mi buhardilla, mi pequeño castillo en una casa que construyó mi padre en una montaña, donde yo componía, me di cuenta que en aquel espacio sagrado sin tiempo, la música me trasladaba a otros lugares y regresaba de ellos con canciones en mi pecho, que paría ante mi familia alrededor de una chimenea. Esa buhardilla me habló de un camino solitario, de un reencuentro conmigo misma. Qué feliz me sentía de expresar todo el mundo que llevaba dentro.

Ha llovido algunos años desde que sucedió eso, ¿qué piensas cuando ves en las noticias que se habla de acoso escolar, bullying…?

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Pocos saben que hice la carrera de magisterio y ejercí durante unos años.

Como profesora siempre intenté infundir el máximo respeto entre los alumnos y potenciar el talento de cada uno de ellos.

Siendo muy jovencita publicaste dos discos en catalán (Carícies d’ Aigua y Via Lliure), por aquel entonces tu nombre artístico era el de María-Josep Villarroya. ¿Qué recuerdos tienes de esos años?

Tenía 22 años y entré en la discográfica porque gané un concurso que se llamaba “Pasarela al éxito”. El premio era grabar.

Para mí fue una etapa donde me di a conocer y descubrí cómo era este trabajo, las giras y la promoción, tanto en radio, prensa como en la televisión. Trabajé con Tulio Tonelli en el primer disco, más melódico, y con Pep Sala del grupo SAU en el segundo, ya más rockero. Fue un gran reto para mí, con un montón de experiencias y aprendizajes.

Unos discos en el que había rock, pop… muy acorde a su tiempo hablamos de finales de los ochenta. Tu venias del clásico, ¿cómo decides dar este paso a la música popular?

Sí, efectivamente hice toda mi carrera de canto en el Liceo de Barcelona. Pero lo que verdaderamente me atraía era la música popular de calidad, por eso con 20 años grabé una maqueta con canciones de Barbra Streisand, que incluía el Yentl y el Memory del musical Cats. Así que cuando apareció la discográfica yo lo que quería era grabar canciones de mi ídolo, y también Boleros, pero por entonces me tacharon de loca y que eso era muy caro y no era comercial. Así que hubo que seguir las directrices de la discográfica. Al poco tiempo, se pusieron de moda los boleros... no estaba tan loca... ¡Qué bueno es seguir la intuición!

Estoy muy contenta de ambos trabajos.

Qué alegría me da cuando los escucho y conservan todavía la frescura. ¡Después de 30 años! ¿Cómo ves actualmente el mundo de la música comparándola con tus comienzos?

Yo creo que hay que ser auténtico y tener experiencias de verdad para contarlas. La preparación es importantísima. Yo sigo tomando clases. Siempre podemos mejorar. Y luego el perseverar y confiar en lo que uno cree de verdad. La música es intemporal y la hay para todos los gustos.

A mí solo me interesa lo que me mueve, el arte y la belleza, sea o no comercial. Luego cómo encajas en el mercado, eso es otro cantar. Nos tenemos que adaptar y yo, con Silencios Cantados me he tenido que reinventar para cuadrar en la industria. Pero sin calidad nada saldría.

Todo este trabajo de “Silencios Cantados” el libro y el Cd sale con tu sello discográfico y editorial “Si sostenido”. ¿actualmente la autogestión es el camino?

Efectivamente. Para poder editar el libro como a nosotros nos gustaba tuvimos que crear una editorial, ya que lo hicimos con la máxima calidad. Cuando tuvimos que lanzar el disco, creamos nuestro propio sello discográfico para poder hacerlo como nosotros queríamos: de nuevo, con la máxima calidad. Cuando creamos el espectáculo tuvimos que hacer una Compañía de Teatro para producir y distribuir, y una compañía Audiovisual para poder crear, montar y dirigir las grabaciones del espectáculo a nuestro modo: con la máxima calidad. Como teníamos tantos impedimentos, decidimos llamar a estas empresas “Sí Sostenido”... que no es más que un “Sí sostenido a la vida”.

En mi caso la autogestión ha sido el camino...

Con el espectáculo “Silencios Cantados” viajasteis a Buenos Aires y además cumpliste uno de tus sueños. Cuéntanos cómo fue ese viaje.

Fue una aventura fantástica porque llevamos una versión de piano y voz de Silencios Cantados al emblemático Café Tortoni de Buenos Aires. Fuimos a abrir una brecha que nos permitiera poner la semilla de Silencios Cantados en el futuro.

Me trataron de maravilla y ahora están esperando la vuelta. ¿Tenéis pensado volver próximamente por latinoamérica?

Por supuesto. Silencios Cantados va a estar en los principales escenarios de Sudamérica. Estamos trabajando para que así sea con ya un equipo de profesionales en varios países.

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ARÍA ARROYA

“Porque lo he vivido... ...lo canto”

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De este gran espectaculo los criticos han dicho: ...Está en la saga de las grandes maestras del género, Liza Minelli, Nacha Guevara, incluso Edith Piaf... ...Nos hipnotiza con su amplio registro vocal y su arte de matizar, de oscilar entre lo dramático y lo lírico, con su voz potente, que a veces evoca la de Milva o la de Liza Minelli. ...Es la Ute Lemper española... ... es la Barbra Streisand española... ...es la Dama de la Escena..., como un día lo fue María Dolores Pradera.

Y volví de mi Silencio con canciones en mi pecho... desperté todas mis notas que avivaron el “Talento”.

Y canté con toda el Alma, y abrí puertas y ventanas... y abracé todo mi cuerpo, con la fuerza de mis alas… cual varita enamorada, que late en cada “Mujer”. ¿Estás Mejor?

Sí... ¡Estoy Mujer!

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THE CREDENBEAT Estamos ante la banda que mejor representa la música de la banda liderada por los hermanos Fogerty en Europa. Lejos de encasillarse dentro de una banda tributo se han puesto a componer sus propias

canciones y han dado vida a un magnífico Ep de cinco canciones dando continuidad a esas grandes composiciones de los hermanos Fogerty y su grupo Creedence Clearwater Revival.

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¿Qué significa para vosotros Creedence Clearwater Revival?

El principio de nuestras inquietudes musicales cuando algunos teníamos 17 años. ¿Por qué deciros a dar el paso de componer vuestras propias canciones?

Como tu bien dices para no encasillarnos dentro de los propios tributos con todos nuestros respetos porque The CredenBeat fue lo primero que hizo con la C.C.R., pero sabedores que detrás de cada tributo se encuentran grandes músicos.

Intentamos ir un poco mas allá y en nuestros conciertos incluir varios temas de nuestra cosecha propia, en algunos caso temas como Lucy la historia de un hámster, que podría formar parte perfectamente del repertorio de la CCR. Muchas bandas están volviendo a grabar en directo en el estudio, como se hacía antaño para recuperar la esencia del directo. ¿Cómo ha sido la grabación de este disco?

Exactamente eso, porque de esta manera los temas suenan con frescura y así se empezó en los setenta con los sonidos de “garaje”.

En este imprescindibles de LH Magazin

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nos encontramos con el tema “Pingüinos en la Carretera” ¿Recuerdas dónde y cómo nació?

Partiendo que en la banda nos encontramos dos moteros, fue una idea en origen influenciado en mi caso por el sonido de los Status Quo y pensando en la posibilidad de hacer un tema para todos los moteros y en especial para esa gente de Turismoto que son los Pingüinos, hemos intentado hacer una especie de himno para todas las concentraciones moteras.

El tema arranca con el sonido de una moto. ¿Sois amantes de las motos?

Claro como te decía, yo he sido algunos años motero y Keny uno de los guitarras lo es actualmente y asiste a algunas concentraciones, como la de los Pingüinos en Valladolid que se hace a principios de Enero y atrae a miles de moteros, incluso de fuera de nuestras fronteras.

“Verano del 97” es una canción que habla del amor de un verano, una balada que anda camino entre el medio tiempo y que tiene un solo de saxo precioso. ¿Pensáis que la llamada americana music está cogiendo más auge gracias a festivales como el “Huercasa Country Festival”?

Si claro, sin duda estos festivales son un apoyo incondicional a este tipo de música, la nuestra, algunos críticos musicales la encasillan como Rock Sureño.

“Sin rumbo” es la canción más folk del disco, un tema que tiene una cuidada armonía de voces. Yo soy un apasionado de este juego de voces. ¿Por qué pensáis que estas voces no se encuentran en la música mainstream actualmente?

Bueno, la verdad que la música actual no está trabajada con muchas voces y así es la tendencia, nosotros influenciados de los años 70, con bandas como fueron los Beatles, Bad Finger, Eagles, etc., a la hora de componer y teniendo en la banda componentes con voz, hemos pensado que es imprescindible e intentar rescatar arreglos con voces en las canciones, que sin duda ninguna las enriquecen.

El próximo 26 de octubre en la sala Silikona es vuestro concierto de presentación de este nuevo trabajo. ¿Qué podemos decir a nuestros lectores para que se animen a pasar por este concierto?

Pues que seguro que no los vamos a defraudar tanto a los amantes de la CCR como incluso a los escépticos de tributo a la CCR. Haremos varios temas nuestros de este EP y contaremos con invitados y sorpresas que seguro que convertirán el concierto en un auténtico espectáculo y lo daremos todo como no podía ser de otra manera a la gente que paga una entrada por asistir a un concierto.

Qué planes más inmediatos tenéis en mente.

Estamos negociando con una discográfica editar aparte de estos 4 temas del EP otros 6 temas que fueron los que grabamos y producidos por Angel Maga y de esos seis van incluidos dos temazos de la CCR como son el blus Long I Can See The Light y Sweet Hitch Hiker, sin duda para no perder la esencia de la CCR y no defraudar a nuestros seguidores.

En Diciembre grabaremos en las costa asturianas nuestro próximo videoclip del temas celta “Sin Rumbo” y estamos pendientes de cerrar para primeros de Enero con el Club Pingüinos de Valladolid, nuestro concierto en la Concentración Internacional de Pingüinos 2019, donde serán miles de moteros los que asistirán y podrán conocer en directo nuestro tema “PINGÜINOS EN LA CARRETERA”

THE WILD HORSES Sin ninguna duda son uno de los puntales de un género musical que se está poniendo de moda, la “Americana Music”, y en su caso particular, un cruce de Rock Americano de raíces y Country (y a veces hasta Tex-Mex). A principio de año publicaban The Wild Horses & “Loving Country Night” es la canción que aparece en este Imprescindibles de LH Magazin Music en su séptima edición y tema en el que colabora Chisum del grupo Chisum Catlle Co. al banjo, y Dany Rock Daniels de la Folsom Prisonband a la armónica y coautoría (con Johnny the Kid y Rafa Eagle Eye). Además este fue el primer single que se ha extraído del disco. ¿Qué tiene esta canción para ser elegida como primer single?

Es comercial y creo que llega a un público más amplio, sin dejar de mostrar nuestra esencia, que es la americana y el country. Y hasta tiene su coreografía en Line-Dance, así que ha dado (y da) mucho juego ¡! ¿Tenías claro antes de empezar la grabación que este disco estaría repleto de grandes colaboraciones y grandes artistas?

No, fue algo dado por las circunstancias y no premeditado. Nos habíamos quedado sin cantante principal, pero yo no quería dar por finiquitada la historia Horses, así que entre alguno que me cantaba yo (como en los demás discos) y los invitados que colaboraron, creo que se resolvió bien, y ha quedado un disco con invitados y temas de lujo, que ahora, a raíz precisamente de la presentación de ese disco The Wild Horses & Friends con la vuelta de Wild Paul (Pablo Martín) se abre una nueva y prometedora etapa de Wild Horses.

El disco sale con vuestro propio sello discográfico TWH cuyo nacimiento nace con la intención de aglutinar a todos los artistas y grupos de la Americana Music.

Según esta la industria discográfica ¿cómo se os ocurre la idea de crear un sello discográfico?

Friends un disco que cuenta con muchas colaboraciones como las de Javier Andreu, Dany Rock Daniels, Paula Rojo, Nat Simons, All4Gospel Choir, Chisum, Oliver Green… más que colaboraciones, amigos que están dentro de esta etiqueta. Este es el tercer disco del grupo.

Precisamente por cubrir un hueco que está abandonado por la “gran” industria.

No somos pretenciosos, no queremos comernos el mundo. Tenemos los pies en la tierra, pero si vamos a trabajar duro, y con cariño, artistas que de otra manera no tendrían salida, o lo tendrían que hacer por sus medios. Creo que desde la humildad, podemos hacer un buen trabajo,... Y el tiempo dirá.

Escuchando este disco uno puede comprobar el buen estado de salud del que goza este género en España. Pensáis que gracias a festivales como el Huercasa Country Festival o Toma Uno el programa radiofónico de Manolo Fernández se está consiguiendo dar voz a este género y darlo a conocer a más público.

Sin duda alguna ¡! Ojalá cunda el ejemplo y se den más estos Festivales, porque cierto es que cada vez más público se acerca e interesa por la Americana.

Una de las canciones que más me ha sorprendido “Carried Away” con Paula Rojo al frente. Escuchando este tema perfectamente uno podría decir que se factura buena música tanto como la que nos viene de fuera. ¿Estamos a la altura de artistas americanos?

Creo que sí, y en el caso de Paula, especialmente, es muy versátil, absolutamente bilingüe, tanto para cantar como para escribir, y claro que hay muy buena gente que está al nivel de otros de fuera, pero no tiene el apoyo que se necesita, y también es cierto que es duro competir con los propios Americanos en lo que es SU género

musical, y que llevan decenas de años haciéndolo. La batalla de antemano está perdida …, pero alguno se podría “colar” con los medios necesarios.

Otra colaboración que me ha sorprendido es la del coro All4Gospel Choir en “Pink House” tema de John Mellencamp. ¿Cómo surge esta colaboración?

La idea la tuvimos ya desde la primera formación donde estaban Carlitos y Kacho de Burning, pero ahora es cuando se dio la oportunidad puesto que estaba en el estudio grabando el All4Gospel Choir, se lo propusimos y les encantó la idea …., quedó bien, ¿no?

Perfecto! Que os gusta más buscar en la raíz de la música o fusionarla, modernizarla...

Todo ello. Y como prueba, si escuchas cualquiera de los tres discos verás que hay de todo, escucharás country clásico, Country moderno, Americana de Raíces, Tex Mex, Rock … Le damos a todos los palos sin mucho miedo ni complejos.

“Bad Moon Rising” es un tema escrito por John Fogerty e interpretada por Creedence Clearwater Revival. ¿Que significa para vosotros una banda como Creedence Clearwater Revival?

Un referente esencial. Tanto sus temas, su voz, la forma de ejecución con absoluta sencillez pero rotundidad. Son de lo más grande que ha dado la Americana, el maestro Fogerty y sus CCR.

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Estamos ante el segundo disco de este grupo madrileño en el cual se encuentra un gran músico, Jerónimo Velasco, que ha pasado por varios grupos como Bumba Rumba, junto a Manuel Malou, con quién tocó por toda España y parte de Francia, o UNO, una banda de Dream Rock con quien tuvo el privilegio de tocar hasta en el misEn vuestro primer disco contasteis con colaboraciones como Ara Malikian, Manuel Malou, José Luis Montón, Lys Pardo, Manolo Benítez (Los Porretas), Chema “Animal” Pérez (Los Enemigos), Jorge Tejerina (Carmen París), Danny Gómez, JPelirrojo…

Ahora en “Historias ajenas” han colaborado Pablo Perea (La Trampa), Manuel Malou, Nacho Felipe Cabeza, Carlos Casado, Manuel del Río, David Muñoz (DM X Proyect), Alberto Ruíz… ¿Por qué contar con tantas colaboraciones en vuestros discos?

El tema de las colaboraciones es puro capricho, nos encanta ver como otros artistas hacen su magia en nuestras canciones, y poder compartir esos momentos juntos es maravilloso, una de las razones por las que nos gusta nuestro trabajo.

Uno que ha repetido es Manuel Malou (Los Golfos, Bumba Rumba…) ¿Qué significa para ti este artista?

Aunque vengamos de mundos diferentes, Manuel Malou me dio la oportunidad de estar junto a él en un proyecto llamado “Bumba Rumba”, donde aprendí muchas cosas dentro y fuera de los escenarios y el estudio de grabación. El tiempo pasa pero nuestra amistad continúa, y siempre será un placer poder contar con su presencia en mis proyectos.

“Historias ajenas” es el corte dos del disco. ¿Por qué llamar al disco como esta canción?

En el disco hay canciones de todo tipo, historias de unos y de otros, como la vida misma, por eso decidimos llamarlo “Historias ajenas”, dedicado a todas aquellas personas que viven gracias a dichas “His-

mísimo “Whiskey a Go Go” de Los Ángeles (California). Técnico de sonido en Mixa Cooltura, recibió el “Premio al mejor álbum de las nuevas músicas” por el disco “De la felicidad”, con Ara Malikian y José Luis Montón.

torias ajenas”, como un artista del tatuaje, tatuando las historias de cada cliente, o el cartero, repartiendo las cartas de otros…

Son muchas las historias que contar, y siempre habrá alguien que quiera escucharlas.

Este disco se ha grabado en Mister Jota Studio de Jerónimo Velasco, compositor, voz, guitarra del grupo y que además se ha encargado de la producción y de la masterización. ¿Participar uno en todo no puede llegar a ser un lío y no saber cuando parar?

Exacto, hay momentos en los que ya no sabes si lo que estás haciendo está bien o no, por eso curramos en equipo. Tanto Oscar Lupión (Bajo), como Jordi Gutiérrez (Teclados), Didacos o Esther Berbería (Coros), aportan su parte en todo ésto, algo muy valioso que me da una visión más amplia de lo que tengo entre manos. Y por otro lado, tenemos la suerte de contar con profesionales del sector que nos ayudan con su visión y experiencia al respecto.

En este Imprescindibles de LH Magazin nos encontramos el tema “Hoy he vuelto a ser yo”.¿Recuerdas cómo y dónde nació esta canción? ¡Perfectamente! Encima de una Harley, con el sol en contra y el viento de cara, el horizonte borroso por el calor del asfalto y una sensación de libertad personal abrumadora. Ya sé que la canción no va de ésto, pero fue ahí donde surgió la idea, después pensé en otros momentos de libertad vividos y salió “Hoy he vuelto a ser yo”.

Imagino que muchos de tus sueños como músico se han cumplido al lado de Manuel

Malou, Ara Malikian, Pablo Perea… con UNO tocando en el mítico “Whiskey a Go Go” en Los Ángeles (California). ¿Qué buscas con Mister Jota?

Mister Jota soy yo, es mi vida, mis historias y las de quien me rodea. Mister Jota es una canción en busca de su dueño, porque sé que ahí fuera hay alguien que necesita una de nuestras canciones. Y con ésto, lo que quiero decir, es que lo único que quiero es disfrutar de la música, y más importante aún, hacer disfrutar a los demás con nuestra música. Por suerte o por desgracia he podido ver una parte de la industria musical de este país desde dentro, y la verdad es que no es muy alentadora, (risas)…

No podemos terminar esta entrevista sin hablar de la colaboración de Pablo Perea (La Trampa), para mi, uno de los mejores compositores y vocalistas de este país, que participa en el tema “El tiempo necesario”. ¿Cómo surgió esta colaboración y qué ha supuesto para ti?

Cada colaboración del disco ha sido especial, y en el caso de Pablo Perea, no podía ser de otra manera. Todos sabemos como compone, como canta, como se lo monta en directo, pero poder compartir una experiencia como ésta con la persona que hay detrás del artista, es un privilegio. Pablo ha hecho suya la canción, y lo que sentimos el día de la grabación lo recordaré toda mi vida. El resto de la historia es muy sencillo, nos pusimos en contacto con él, le contamos nuestro proyecto, le mandamos varias opciones y él mismo eligió el tema. Vino al estudio y listo, así de sencillo, así de humano.

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DAVID ROA Músico/compositor de música electrónica instrumental. Creador de algunas sintonías del canal de TV AXN, como “Insert Coin” y “Sony Inside”, autor de “Lounge Times”: Ganador del primer certamen “La Roca” de música chill out. Ha creado varios trabajos que han sido publicados en tiendas digitales (iTunes, Amazon, Spotify…) tales Me declaro un fan incondicional de artistas como Vangelis, OMD, Jean-Michel Jarre, Kraftwerk… esos primeros grupos que en los 80`s llevaron la música electrónica a lo más alto. ¿Son estos artistas los que te han influenciado en tu música?

Desde luego... A la edad de 12 años, empecé a interesarme por músicos como Mike Oldfield y Jean-Michel Jarre y descubrí que muchas de sus melodías ya formaban parte de mi memoria y de mi gusto musical, aún desconociendo hasta el momento quiénes eran los que estaban detrás de aquellos álbumes. Luego llegaron otros muchos como Vangelis, Orbital, Enigma, Depeche Mode...

Tus discos suelen ser conceptuales y tienes otro de Chill Out. Tu último disco Insideral es un pequeño giro en la manera de concebir la música. ¿Te gusta moverte por distintos estilos musicales?

Es una premisa que tengo muy presente a la hora de afrontar un nuevo proyecto. Me gusta que cada álbum tenga un leitmotiv y siempre intento que cada nuevo disco suene diferente al anterior pero procurando mantener mi sello personal en todos los temas. INSIDERAL es, probablemente, mi trabajo mas personal.

En este séptimo Imprescindibles de LH Magazin Music ha entrado la canción “ISDR” tema que cierra el disco “Insideral”. ¿Qué significa para ti esta cancion?

ISDR es el último tema del álbum porque representa, en cierta manera, un

como: Intimatum (EP), Agnus Dei, Carnival y Beach Sun Grooves (singles), Ochonoches y Sunland (albums chill out), Seamphonik (29 de Febrero de 2016) e INSIDERAL: Un viaje musical a través del espacio exterior e interior mediante composiciones de corte eléctronico/ experimental y con el cual le conocimos.

renacer. Es el tema mas new wave, con una melodía muy marcada, una percusión potente, que marca diferencias estilísticas con respecto a las anteriores pistas y que anuncia, de alguna forma, el nuevo sendero que va a tomar mi música de aquí en adelante. Para mí, es un tema muy especial.

Empezaba el verano y publicaste un nuevo single “Deivissa”, un tema con un toque más actual. ¿Es este un guiño a la música electrónica más actual?

Sí, aunque no es el primer tema de corte trance que produzco. Forma parte del nuevo álbum y pretende ser mas interactivo, mas visual. Por eso, decidí componer un tema enérgico acompañado de un videoclip bastante dinámico que sirva como carta de presentación del nuevo proyecto.

En España cuando uno habla de música electrónica a la mayoría del público lo primero que le viene a la cabeza es David Guetta. ¿Es David Guetta el referente actual en la música electrónica?

Sinceramente, para mí no, (risas).

David Guetta forma parte de la música electrónica mas comercial y muy alejada en cuestión de calidad de lo que hacían los verdaderos pioneros en los 70 como Kraftwerk, Jarre, Tomita o Tangerine

Dream.

Pero que Guetta sea el cabeza visible de algo tan amplio como la música electrónica, no es mas que un mero reflejo de cómo la mercadotecnia adultera la cultura (música, cine, literatura...). ¿Goza de buena salud y prestigio actualmente la música electrónica en España?

Si te refieres a que si hay gente que tiene un enorme nivel y lanza buenísimos trabajos de este estilo, te diría que sí, sin duda alguna. Sin embargo, en la otra cara de la moneda, se encuentra la escasa cultura musical de cierta parte de la población que desecha músicas alternativas o de vanguardia para centrarse únicamente en lo que ofrecen a golpe de talonario las radiofórmulas.

“Insideral” ha sido este año el disco más votado consiguiendo el tercer puesto de música electrónica en los Premios de la Música Independiente MIN. ¿Pensabas que “Insideral” volaría tan alto?

Nunca sabes el impacto que va a tener tu obra una vez que sale a la luz y mucho menos siendo un estilo de música tan minoritario. La gente se volcó en las votaciones, dio a conocer el álbum de forma general y, para un creador, es algo realmente emocionante.

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ELENA BELLA

Esta artista que nació en Almagro, que ha pasado programas de televisión como Veo, Veo, Ciudad Real Suena, Jóvenes Talentos, Mejor Voz Mi Trampolín y A tu Vera “ y ha cantado con estrellas de la talla de Tiziano Ferro, Rosario Flores y Coti ahora nos presenta Es imposible olvidarnos de tu paso por nuestro programa de radio nos conquistaste con tu voz y con tu sonrisa. En este Imprescindibles de LH Magazin Music nos encontramos con el tema “Fuiste tú”, un tema que nos encanto. ¿qué significa para ti esta cancion?

Esta canción para mí es un auténtico descubrimiento. Fue la última que grabamos y un poco por casualidad, no estábamos convencidos de hacerla pero al final apostamos por ella y la verdad que puedo decir que mereció la pena porque quedó una auténtica maravilla. Siempre digo que mi EP habla de historias que nos pasan a todos si o si una vez en la vida, y esta en concreto es de cuándo llega alguien inesperado que te hace increíblemente feliz.

Todos los medios de comunicación están alabando este disco “Después de ti”, así como el público, en el dia de su estreno, el videoclip de ese tema ya dispone hoy de más de 120.000 visitas en su videoclip.. ¿Te está sorprendiendo la buena acogida que está teniendo el disco?

Sí, a día de hoy me sigue sorprendiendo que tenga tan buena acogida. Realmente estoy feliz y muy agradecida porque jamás lo hubiera imaginado.

Para hacer este Ep te has rodeado de grandes músicos como Javier Catalá (Alejandro Sanz, Miguel Bosé, Andy y Lucas...) que se ha encargado de la producción o David Santiesteban el famoso compositor musical, que ha escrito para cantantes tan importantes como David Bustamante, Malú o David Bisbal… ¿Qué ha supuesto para ti trabajar con ellos?

Un auténtico lujo y un placer. Poder trabajar con gente tan profesional y con dicha trayectoria es fabuloso. Con Javier Catalá con el que he trabajado muy mano a mano hemos conectado muy bien y eso se agradece a la hora de trabajar en algo tan íntimo y especial, es maravilloso como profesional y como persona aún más. Creo que conectar con una parte tan importante de este trabajo como es el productor es lo indispensable y con él así fue. ¿Qué ha supuesto para ti ganar el concurso musical “Mejor Voz Mi Trampolín V”?

Ha supuesto muchas cosas, entre ellas una de las más importantes como fue grabar mi primer single y videoclip, pero la más importante fue conocer a Jorge y a Bárbara porque sin ellos no habría conseguido muchas cosas y hoy en día siguen apoyándome y AYUDÁNDOME en este mundo tan difícil de la música.

Cantar con estrellas como Tiziano Ferro, Rosario Flores y Coti imagino que es un sueño cumplido. ¿Cuál es el sueño que deseas en el mundo de la música?

Siempre digo que mi sueño sería cantar en un estadio lleno de gente que cantara

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su Ep “Después de ti”. Y es que su paso por el programa de radio LH a Todo Ritmo que se emite a diario en lhmagaizn.com no dejo indiferente a nadie.

IMPRESCINDIBLES 2018 y se emocionara con mis canciones. El ver que alguien se sabe tus canciones creo que es muy emocionante. A su vez me encantaría poder compartir escenario algún día con Pablo Alborán. Tengo muchos sueños, no acabaría de contarte (risas). ¿Cuáles son tus artistas referentes?

Tengo muchos y de estilos muy diferentes. Algunos como Pablo Alborán, Beyoncé, Whitney Houston, Pastora Soler...

El sonido esta muy cuidado, las melodías, las letras… que opinion tienes del reggaeton, el trap, la música urbana… que en muchas de sus letras se denigra la imagen de la mujer.

Respeto que cada uno pueda hacer el tipo de música que quiera, pero no lo comparto. Creo realmente que es una vergüenza hoy en día que existan canciones así en las que se denigra a la mujer. La música es compartir, es disfrutar no es “humillar”. ¿Te gustaría algún día componer tus propias canciones?

Me encantaría. Es un reto pendiente pero estoy segura que algún día podré presentar algún trabajo íntegramente mío. Con tiempo y paciencia todo llega.

Nos encanta el timbre de tu voz, cuando uno alcanza este nivel ¿Deja de estudiar o de estudiar nunca se termina?

Nunca se acaba de aprender, por lo tanto nunca se deja de estudiar.

Es como si eres deportista y dejas de hacer deporte, pierdes lo que has logrado hasta ahora, la voz es igual. Hay siempre que mantenerla y seguir estudiando mucho. Es primordial.

En tu facebook nos anuncias que septiembre llega cargado de nuevos proyectos. ¿Cuáles son?

Por el momento puedo desvelarte que estrenaremos un nuevo videoclip dentro de poco, también vamos a completar el disco y vamos a comenzar a grabar más canciones. Ahí lo dejo que ya he desvelado mucho.

PEEPSHOW Desde Valencia nos llega esta banda que en cada entrega y esta es la tercera, no para de sorprendernos. Ahora mucho más directos en su textos, hablando de lo que está sucediendo actualmente en nuestra Con respecto a vuestro anterior disco “Supralumínico” ha habido algún que otro cambio en la formación. ¿Quiénes son los nuevo miembros del grupo y qué han aportado a este nuevo trabajo?

Se han incorporado a la formación Germán García a la batería y Miguel Ángel Andreu a los teclados. Estas incorporaciones se producen justo después de la grabación del nuevo álbum puesto que a Carsten, el anterior batería, le es imposible atender los cada vez más numerosos compromisos de la banda. Germán está aportando mucha cohesión e intensidad al sonido y Miguel Ángel nos da una flexibilidad extra en el directo que lo transforma en algo mucho más vívido.

Decíamos que las letras de las canciones ahora son más directas y se han abierto más a lo que estamos viviendo socialmente. ¿Es el momento de no callarse?

Yo creo que cada artista debería ser libre de elegir si debe o no debe comprometerse socialmente. Pero después de todos acontecimientos tanto sociales como políticos por el que estamos pasando a mi me resulta difícil que no me acabe afectando a tu propio estado de ánimo y por tanto a lo que escribes. No es álbum protesta pero si pretende llamar a la reflexión.

Para la composición de este disco has salido de tu estudio y has viajado por Ávila, Lérida o Granada, y por supuesto Valencia. ¿Por qué viajar por estas ciudades para componer las canciones?

También incluyo Teruel y Andorra. Es una forma de romper con la monotonía de trabajar siempre en una misma ubicación.

Viajar es muy inspirador y te permite desconectar del ruido intrínseco de tu entorno.

Las destinos eran elegidos completamente al azar.

El tema que abre el disco “1999” es un tema que habla de las redes sociales,

sociedad, la política… eso sí, sin olvidarse de sus enriquecedoras atmósferas que nos envuelven y nos introducen en este maravilloso mundo de PEEPSHOW.

internet… ¿Ha sido todo un engaño eso de la globalización, la libertad, el respeto por los demás…? ¿Cada vez estamos más solos? ¿Nos han dividido y han vencido?

La canción no pretende transmitir que toda esta revolución es un fracaso. Solo resalta problemas derivados y que depende de nosotros que se conviertan en algo mas o menos generalizado. Pero el tema de las redes es un argumento, llamémoslo, ‘anecdótico’ y está como telón de fondo en la canción. El tema trata más de ahondar en el problema de la codicia, de la frivolidad , el egoísmo y de lo imbéciles que podemos llegar a ser. Es que el tema de la globalización parece solo afectar a los mercados. Parece más un término de marketing. Hasta que la igualdad y la justicia no sea global este será un concepto sesgado. Yo no pienso que estemos más solos. Siempre se dice que los verdaderos amigos se pueden contar con los dedos de una mano, pero las redes podrían crear falsas expectativas respecto a lo que significa la amistad de verdad. No sé muy bien si pretenden dividirnos, yo diría que pretenden idiotizarnos para tratarnos como borregos. Pero no nos han vencido. ¿Pensáis que esto se puede revertir?

Supongo que con la educación y la formación adecuada. Por ejemplo, nadie tiene claro donde están los límites de su privacidad, y si lo sabe, debe ser una persona muy preparada.

En cuanto en el plano musical nos habéis vuelto a sorprender y hay un gran salto respecto a vuestro anterior disco tanto en el sonido como en las composiciones de las canciones. ¿Qué buscabais para este nuevo

trabajo?

Buscábamos un sonido más esencial pero sin perder nuestro adn y la capacidad de crear ambientes evocadores que fueran el escenario para unas letras menos crípticas y más directas pero en las que me sintiera cómodo con mi forma de escribir. ¿Por qué llamar al disco como el tema “Cómo hacer una bomba atómica”?

Fue una decisión impulsiva porque encontrar un nombre para este álbum era complicado. Los chicos lo propusieron primero por decir algo y al final se quedó.

Refleja bastante bien el espíritu de este álbum.

Además este tema se encuentra dentro de este Imprescindibles de LH Magazin. ¿Recuerdas dónde y cómo nació esta canción?

Yo creo que es de las canciones aparentemente más sencillas del disco pero a la vez tienes que estar muy en situación para interpretarla. Surgió a partir de un ritmo bastante tribal. La letra habla de la química entre dos personas, de cómo pueden llegar a comportarse y lo que pueden lograr cuando están juntas.

El disco saldrá publicado por el sello discográfico Polar Records. ¿Qué supone para Peepshow el apoyo de un sello?

Para nosotros es un apoyo muy importante porque se les nota una implicación.

Hay que tener en cuenta que, afortunadamente, estamos teniendo cada vez más trascendencia y se hace complicado llevar la gestión del grupo nosotros solos. Lo importante de tener un buen apoyo es que puedes crecer juntos y fortalecer la relación para crear un buen equipo.

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Ellos son de Madrid y son músicos que han pasado por grupos como Sulivan, Bukake, Sin Cityt Six. Nabor Moreno, Miguel Gris, Angel Ramos, Arierl Ruiz y Victor son los componentes de The Morenos.

En vuestra música nos encontramos temas de electrónica puros como la canción que abre el disco “Días de lluvia” otros son puro pop rock, balada, blues, americana music, punk como “Policía”. ¿Pensais que en la música hay demasiadas etiquetas?

En la música siempre han habido etiquetas, lo que si se puede observar es que últimamante se diversifican más. Hay veces que una banda o estilos de música tiene varias etiquetas, como intentando abarcar lo mas posible... y muchas veces de tantas etiquetas ya no sabe uno lo que está escuchando. También hay algo que está pasando mucho, que son las comparaciones....” los nuevos...”. Soy de los que piensa que cuando a alguien le dicen “los nuevos....”. Directamente lo están sentenciando. Posiblemente todo esto indique un cierto punto de falta de personalidad en la música....hablo de lo que está pasando con la música en general.

Pensais que el público de hoy es mucho más abierto en lo musical que el público de los 80`s Estamos hablando de dos periodos históricos musicales diferentes. Uno que viene (los 80) de un periodo de apertura cultural y musical, donde se absorbe todo con mucha intensidad, mucha libertad en todo... todo era más fresco. Actualmente con la evolución tecnológica actual que tenemos, ha cambiado todo y principalmente la forma de ver la industria musical.

Internet ha cambiado nuestras vidas y la de la música más. Los proyectos musicales y los procesos culturales son más efímeros.

La vida de un disco ahora mismo no llega ni a los meses. Todo va más rápido. De

Grupo en el que dicen adiós a las etiquetas y te puedes encontrar temas de electrónica, como temas más garageros, su primer disco lleva por nombre “El Angel Rojo”.

todas formas si tengo la sensación de que a mayor evolución más borregos nos estamos haciendo. Y me refiero a la vida en general.

Sois músicos que habéis pasado por bandas que han tenido una cierta repercusión. ¿que esperáis con The Morenos?

Nos estamos tomando este proyecto con mucha paciencia. Sin ningún tipo de pretensiones. Lo que venga, vendrá. ¿Será que ya nos hemos hecho mayores? (risas). O será que tenemos demasiada experiencia... no se que es peor... larga vida al rock n roll.

Es un disco auto producido. Sois músicos como decíamos que ya tenéis un nombre dentro de la escena musical. Es mas facil o dificil encontrar un sello discográfico, una distribución...

La distribución en los tiempos que corren es muy fácil, si hablamos de distribución digital, más todavía...lo difícil es conectar con el público y que tu producto guste. Después está la posibilidad de tener un buen cheque bancario para tener mayor presencia en redes etc... En cuanto al sello discográfico. ¿Todavía existen?

Que ha habido un cambio en la música en los últimos años es innegable, tanto la forma de consumirla, como las ventas, los conciertos.... Para vosotros ¿ha sido este cambio para peor o para mejor?

La industria musical ha cambiado en los últimos 15 años, muchísimo. Y cada vez son más rápidos los cambios. Internet ha revolucionado todo. Los avances tecnológicos más. Ya cualquiera se puede grabar un disco en casa ( lo hemos hecho nosotros).

Hemos pasado de la dictadura de las discográficas, a la dictadura de las redes sociales e internet. Vemos que la oferta de

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@nabor.moreno

música es cada vez mayor. La competencia es cada vez más grande. Pero es todo más libre. Cada uno graba lo que quiere, y escucha lo que quiere... lo demás es tener un poco de suerte.

Este primer trabajo lleva por título “El Ángel Rojo” ¿Por qué llamar al disco así?

Es un homenaje a Melchor Rodríguez, último alcalde anarquista de Madrid. Y una persona que antepuso los derechos humanos a sus ideales políticos, muchas veces.

Nueve temas son los que componen este primer disco. Me llama la atención como venimos diciendo durante la entrevista es un disco muy ecléctico y toca todos los palos. ¿Se ha cuidado que no haya dos temas que sean del mismo género?

Somos una banda formada por músicos que venimos de proyectos de estilos diferentes y esa mezcla tal vez se haya proyectado en el disco. Y si a eso le unes que no nos casamos con nadie ni se nos caen los anillos. Que nos gusta la música en sus diferentes versiones, siempre que se haga con corazón... pues te tocamos un tema punkcock, como un tema elctro pop y no pasa nada.

El disco se cierra con el tema “Churrastero Churrascón” una versión del tema del grupo The Clash con la letra cantada en castellano y de libre adaptación (risas). ¿Por qué los Clash?

Son una de esas bandas que forman parte de la banda sonora de tu vida. A eso añadimos que somos seguidores, y buenos estamos hablando de una de las bandas más irreverentes de la música de cuando se hacía música con principios. Que no quiere decir que no se haga actualmente.

TORO ELECTRIKO Anteriormente conocidos como Toro, el proyecto de Sergio Toro, grupo que llega de Valencia ahora nos presentan esta propuesta Toro Electriko y su primer disco “Contradicción”. Un grupo que bebe de Este disco ha sido compuesto y producido por Sergio Toro. ¿Por qué entonces el cambio en el nombre de Toro a Toro Electriko?

Si bien en el antiguo proyecto también fui el compositor de las canciones, la producción y arreglos fue compartida, por lo que el estilo tomó otro camino, bueno y de calidad en lo profesional, pero insatisfecho en lo que respecta a mi gusto personal.

En este nuevo proyecto “Toro Electriko” me propuse no negociar el carácter de las canciones y defender la energía inicial en lo que respecta a los detalles de cada arreglo plasmado en la pieza, eso combinado con la energía y personalidad de cada músico y encontrar un equipo de trabajo que vaya en la misma dirección es el resultado, por eso la elección de darle una vuelta al nombre sin perder el sello.

En este séptimo Imprescindibles de LH Magazin Music nos encontramos el tema “Privados”. ¿Qué significa para vosotros este tema?

A la hora de componer primero trabajó en la música y luego me inspiro en la letra, buscaba un tema crudo y guitarrero y como peco de ser intenso en las letras, me cuesta mucho frivolizar y este tipo de piezas son las que más me cuesta escribir. En este caso recurrí a la metáfora de lo opuesto y jugué con él volver a empezar y la inconformidad del ser humano de quererlo

influencias como brit, funk, pop y garage. Este cuarteto nos ha llamado la atención por sus trabajadas melodías y sus canciones.

todo, pero es de las letras que menos tiene sentido, más que nada busqué impacto y rima en la sonoridad de las palabras.

Comentábamos que nos habían sorprendido las melodías de las canciones, así como la buena producción del disco. ¿Por qué grabar el disco en los estudios Cut Records?

La elección del estudio fue una casualidad, Bruno(bajista) era conocido de Rafa (técnico del estudio), los trabajos que nos enseñaron nos gustaron en sonoridad, el presupuesto fue accesible y la mesa del estudio es una SSL :-) ,lo más importante era que las baterías ,la 1 voz, bajo y las guitarras principales sean grabadas y mezcladas en un estudio pro, luego la producción de teclados, parte de los coros y segundas guitarras se grabaron en mi Home. ¿Sois un grupo que dais muchas vueltas a las canciones para conseguir estas doce magníficas canciones?

No, ya parten de una idea concreta.

Vuestra música bebe de influencias del rock, pop, funk, brit... ¿Qué grupos han influenciado en vuestra música?

Lo más difícil es encontrar un sonido hoy que ya está todo hecho, quizás te nombre muchos grupos, pero no se sigue

una línea a copiar, al menos yo busco la libertad en lo musical. En mi caso soy bastante clásico, los que más me influencian son, Rolling Stones, Beatles, Queen, U2, Pearl Jam, Pink Floyd, Lennon, Bowie, Stone Temple Pilots, Oasis, Foo Fighters , Lenny Kravitz, Gustavo Cerati, Seru Giran, Fito Paez, Bunbury, Calamaro.

“Contradicción” es el tema que cierra el disco. ¿Por qué elegir esta canción para dar título al disco?

La palabra tiene fuerza y la canción en resultado sonoro y lírico es de las que más disfrutamos.

Habéis rodado un bonito videoclip del tema “Veneno”. ¿Es el videoclip en la actualidad como el single en los 50`s y 60`s?

Si, creemos que esta placa igualmente tiene más de un single. ¿Cómo veis el panorama actual musical en cuanto a propuestas musicales, calidad…?

Hay mucha buena música y buenas bandas, la pena es que siempre suenen las mismas, que claro no siempre son las mejores. Con respecto a las modas esta época es muy triste, no me quiero imaginar la música que van a escuchar los hijos de los que hoy tienen entre 18 y 25 años.

IMPRESCINDIBLES 2018

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ECOBAND Esta banda de Valencia ya ha pasado por nuestro programa de radio, y es hora de que pasen por estas páginas para que nos hablen de su cuarto trabajo un Ep que lleva por título “Un buen sencillo”. De este Lo primero, ¿por qué Juan Sueiro para hacer la remezcla de “Un buen sencillo”?

Bueno, más allá de un gran curriculum, Juan me parece un productor que sabe adaptarse a los más diversos estilos , y eso me gusta, creo que es muy importante que un productor no se encasille. Por otro lado , y no menos importante , hemos conectado a nivel personal, es lo que se llama un buen tipo. ¿Os ha sorprendido la gran aceptación que ha tenido esta remezcla?

Algún detractor habrá, pero es un remix bastante logrado, y al fin y al cabo a todo el mundo le gusta divertirse, no? Y creo que llevar a la pista de baile uno de nuestras temas siempre lo es.

Debido a la gran aceptación que ha tenido este tema teneis pensado en vuestro próximo Ep, porque imagino que será un Ep, últimamente siempre ha sido así, dar un giro en vuestra música, más cercanos a la electrónica, a las pistas de baile.

Hombre, no te voy a decir que no tengamos un precio, pero no, no es la intención. Si que es verdad que nos gusta la electrónica, y probablemente va a tener algo más de protagonismo, pero no nos llamarán “las putas del indie” por el próximo single, pero ya falta poco.

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tema que da título al disco Juan Sueiro ha realizado una remezcla del tema que ha tenido bastante éxito. Este nuevo trabajo está más cercano al garaje con una mezcla de riffs y melodías muy directas.

Vuestro Ep “Un buen sencillo” consta de cuatro temas y ya tiene un recorrido. Contentos de cómo ha ido desde su publicación hasta ahora.

Todo trabajo hasta la fecha ha significado un paso delante de alguna manera, y mientras siga siendo así, seguiremos componiendo y tocando donde nos quieran oír.

Os han comparado con artistas como León Benavente os molesta o sacais pecho de esto.

Como nos va a molestar, estaríamos atontados.

El próximo 27 de octubre os podremos ver en directo en la sala Siroco de Madrid junto a nuestro amigo Dani Red. ¿Que podemos contar a nuestros lectores para que se animen y pasen por ese gran concierto?

Yo animo a cualquiera que le guste descubrir nueva música a que se acerque a conocernos . No somos un grupo coñazo, creo que pasarán un rato divertido.

Ya en su dia, cuando pasasteis por nuestros micrófonos, hablamos del significado del tema “Un buen sencillo”, cuya letra divertida reivindica la simpleza de la música. ¿Es difícil hacer un buen sencillo?

Cuando lo hagamos te lo diré.

En el reggaeton se repite hasta la saciedad un trozo de letra, se repite la misma base musical… ¿es para vosotros este género esa simpleza en la música de la que hablais?

Yo prefiero una colonoscopia, la verdad, pero bueno, en parte si. No es necesario complicarse mucho la vida para conectar con la gente, y desde luego el reggaeton lo ha conseguido.

Durante este verano no habéis parado de dar conciertos por la península. ¿Pensais que el panorama musical en este país va mejorando despacio?

En cuanto cobremos más de 6 ceros así lo pensaré, De momento, no lo creo.

Qué proyectos tenéis próximamente y qué nos podáis adelantar.

Estamos ya trabajando en un nuevo single y repetimos con Juan Sueiro.

Va a ser movido, va a ser divertido y quizás sea un buen sencillo.

MAR DE FONDO Tras este grupo de A Coruña se encuentra Jesús Suárez un compositor que estamos seguro que va a dar mucho que hablar. Cuentan con dos discos a sus espaldas, “Destellos de Oscuridad’ (2015) fue el primero, pero ha sido su segundo disco “Pulsaciones” el que les ha hecho hacerse un hueco dentro de la escena del rock de este país. Lo que más me ha sorprendido del grupo es el viaje que proponen en su música dentro del rock, pero pueden escucharse influencias de Marea, y de repente comienzan a sonar a Led Zeppelin a Sôber, Heroes del Silencio…

¿Cuáles son vuestras influencias musicales?

Pues la verdad es que es una buena pregunta, nuestras influencias musicales creo que pueden albergar un gran número de bandas tanto del panorama nacional como internacional. En mi caso desde que era bien pequeño he bebido de las fuentes de Heavy Metal, bandas como Iron Maiden, Judas Priest, Gamma Ray fuera de nuestras fronteras o bandas de la importancia de Warcry, Avalanch, Tierra Santa, Baron Rojo y muchos más han sido la banda sonora de mi juventud, a partir de ahí vas abriendo el abanico y aparecen nuevos sonidos como Soundgarden, Audioslave y el mágico Chris Cronell, Velvet Revolver y muchos más que de una forma u otra inspiran tus ideas. Además tengo la suerte de contar en Mar de fondo con unos músicos excepcionales que beben de multitud de fuentes como la música clásica, rock alternativo, progresivo, etc … que hacen que seguramente sea difícil de encajar en un estilo concreto.

El beber de tantas influencias de grupos de rock tan dispares, que resulta difícil encasillaros dentro de una etiqueta… ¿Perjudica o beneficia?

Pues si te soy sincero no lo tengo muy claro, si te doy mi punto de vista creo que es algo enriquecedor, un grupo que cada uno de sus temas suenan diferente creo que puede resultar atractivo para el oyente y de hecho este proyecto nació con esa idea, no ceñirnos a un patrón determinado sino que debíamos de crear música sin encasillarnos dentro de un estilo concreto, hacer lo que nos gusta y como nos gusta dejando rienda suelta a la creatividad de cada uno y sinceramente creo que ese es uno de nuestros puntos fuertes. Como diría mi madre, en la variedad está el gusto.

Una de vuestras canciones “1906” ha sido elegida como himno no oficial del R.C. Deportivo de la Coruña. ¿Qué ha supuesto esto para vosotros?

Sinceramente ha sido un sueño hecho realidad y nos dio la oportunidad de ser conocidos en nuestra ciudad, una canción que en menos de 48h supera las 80.000 visitas en youtube de un grupo aparecido de la nada, nos sorprendió y sobre todo nos dio las fuerzas necesarias para apuntalar este proyecto y hacer que Mar de Fondo se convirtiese en una realidad.

La verdad es que no puedo explicar muy bien con palabras lo que significa para mi 1906, es una parte de mi muy grande y una canción a la cual le debo casi todo. Escuchar como niños y mayores cantan, silban o tararean la canción es algo mágico.

@mardefondoJS

Escuchando vuestro primer disco “Destellos de Oscuridad” y comparándolo con este disco “Pulsaciones” hay un salto muy grande en el

sonido y en la composición de los temas. ¿Qué es lo que buscabais con este disco?

Realmente tal y como dices con nuestro segundo trabajo de estudio Pulsaciones queríamos dar un paso más allá y que todos aquellos que ya nos escuchaban o aquellos que se han aproximado a la banda viesen tanto un cambio de sonido como un cambio en las composiciones. Pulsaciones queríamos que fuese un disco oscuro, pesado y que no dejase a nadie distante, cuenta historias conocidas por todos con las cuales nos podemos sentir identificados, pero para ello necesitábamos envolver el caramelo con un ambiente perturbador y creo que lo hemos conseguido y todos estamos orgullosos del trabajo y del resultado final Son muchos los medios que se deshacen en halagos con este disco ¿Os ha sorprendido la gran aceptación que está teniendo este nuevo disco?

La verdad es que siempre te sorprende que algo que realizas con tanto cariño la gente lo aprecie y pueda ver en esas historias todo lo que has querido transmitir y sinceramente llegar a ese objetivo no es fácil.

Para nosotros Destellos de Oscuridad fue la aproximación a nuestro sonido, a intentar buscar el lugar en el cual nos encontrábamos cómodos y la canción Mar de Fondo nos situó en el camino a perseguir en Pulsaciones, en ese disco recibimos alguna crítica pero nada en comparación con lo que hemos conseguido en este segundo trabajo. Es muy gratificante leer e ir viendo como ya aun después de que hayan pasado ya más de 5 meses de la salida del disco sigan apareciendo reseñas y eso nos reafirma en que debemos de seguir este camino y que estamos dando los pasos correctos.

El disco se ha grabado en los estudios Drum and Roll Studios por Iago Blanco. ¿qué ha aportado Iago Blanco a este disco?

La verdad es que Iago es una parte fundamental de este disco y una de las piedras filosofales del proyecto junto con Miguel Thomas. Iago aparte de ser el productor del disco es también el batería de la banda y sobre todo y lo más importante un buen amigo.

Tengo mucha suerte de poder contar con Iago, su experiencia profesional, sus ideas, la búsqueda de los sonidos más adecuados junto con Miguel y sobre todo su apoyo constante son esenciales para que la banda siga el camino correcto. Tanto Iago como Miguel confiaron en mí en un momento en el cual nadie sabia quien era Jesus Suarez como musico y me dieron la oportunidad de hacer mi sueño realidad y me dieron la oportunidad de subirme a muchos de los escenarios más importantes de mi ciudad y hacer lo que siempre soñe, contar historias.hacer lo que siemrpe soñe, contar historias.

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KRYSALIS Este es el primer disco Krysalis banda compuesta por músicos que ya tienen un nombre por su paso por otras bandas que consiguieron cierta repercusión. El grupo está compuesto por Gema Vau a la voz, Maya a la batería, Jordi Pinyol a la guitarra y Javier Giner “Kodi ¿Cómo surge la idea de formar Krysalis, un proyecto totalmente distinto a lo que venías haciendo habitualmente?

Siempre he estado componiendo música al margen del metal progresivo. Me gustan estilos muy variados, y Krysalis surgió un poco como una amalgama de todo ello.

Hice muchas pruebas hasta que di con este resultado, nunca me convencía al cien por cien lo que componía como para darle salida discográfica, hasta que un día me deshice de todo tipo de prejuicios que pudiera tener y decidí incorporar a mis canciones todo aquello que realmente me gustaba y que yo quería oír. El tipo de melodías, de estructuras, de arreglos, la sonoridad… Como me pasa en Biosfear, nada está sujeto al azar, no soy de improvisar las cosas, todo lo que hago lo busco a conciencia. Al ser bastante inconformista me llevo un tiempo encontrar lo adecuado, pero una vez di con la fórmula todo fue fluido y rápido. ¿Te ha gustado tanto el resultado para dejar aparcado el metal?

El resultado obtenido ha superado mis expectativas y estoy realmente satisfecho, tanto por la música como por los músicos con los que se han involucrado. Pero Biosfear continua, aunque dadas las circunstancias será un proceso más lento. No dejo aparcado el metal, pero indudablemente krysalis ahora a tomado mucho protagonismo en mi vida.

Todos los temas son tuyos, ¿Has dejado que los músicos que te acompañan aporten su granito de arena en las canciones?

Los temas estaban ya muy cerrados a la hora de entrar en estudio. Aun así todos tuvieron su aportación, como no podía ser de otra manera, que ayudó a enriquecer el resultado final. Jordi se encargó lógicamente de todos los solos de guitarra, se encargó también de algunos arreglos de guitarra y me ayudo con los sonidos de

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al bajo. Un disco que navega entre el rock melódico el AOR, el pop británico de los ochenta. Este es el proyecto personal de Juan Manuel Maya batería con más de veinte años de experiencia y componente de la banda de metal progresivo Biosfear.

teclado y programaciones. Aparte también se encargó de las armonías de los coros junto a Gema. Tengo que decir que sus conocimientos musicales y su capacidad de trabajo, han sido determinantes en el resultado final. Gema aportó arreglos vocales y coros junto a Jordi. Aunque yo compuse las líneas de voz, no soy cantante, y hay muchos recursos que a mí se me escapan y para los cuales Gema está totalmente capacitada. La voz es muy importante para que el resultado final sea realmente el que se quiere transmitir, y Gema captó perfectamente el concepto de cada canción, y de cómo música y voz debían estar alineadas para que transmitieran lo mismo. Es una profesional extraordinaria. También me ayudó con la traducción de las letras, ella y una amiga suya llamada Paulette a la cual estoy muy agradecido. El bajo lo grabó Dani Criado, un amigo mío de toda la vida. El fichó por Lords of black y esto le imposibilitó continuar con nosotros. A raíz de ello entró Kodi, un amigo de Jordi con una larga trayectoria. Aparte de ser una persona encantadora es un bajista formidable que no ha tenido ningún problema en interpretar fielmente el bajo que se grabó en el disco. Dani también aportó algún arreglo a las líneas de bajo que yo cree, aunque en general fue muy fiel a la composición original.

Que Gema Vau es una de las grandes voces de este país no lo vamos a descubrir ahora. Ya os conocéis de la etapa de Biosfear. ¿Tenías claro que debería ser ella la que pusiera la voz a este nuevo proyecto?

Empecé a trabajar con otra cantante a la que conocí a través de internet y surgió la ocasión para hacer algo juntos. También quería hacer algo al margen completamente de Biosfear en todos los sentidos, y Gema era la cantante de Biosfear. Pero ya metidos en estudio surgieron diferencias con esta cantante y enseguida me di cuenta

de que iba a ser complicado sacar adelante el proyecto con ella. El destino tiene estas cosas, y a los pocos días Gema ya estaba con nosotros. Hablamos y decidimos unir fuerzas. Sabíamos que al ser la cantante y el batería de Biosfear la gente esperaría otra cosa a la que hemos hecho, pero nos gustaba la idea de comprobar la reacción de los que nos conocían al escuchar algo tan opuesto. Gema ha demostrado en muchas ocasiones su capacidad de adaptación y mimetización allá donde se mete, y en este caso no ha sido una excepción. Como decía antes, captó enseguida la esencia del proyecto. ¿Por qué elegir el tema “My ally” para dar título al disco?

Nos parecía un título fácil de recordar, con pegada, y con un bonito significado también. El disco tanto musical como líricamente tiene un fondo muy positivo, incluso en los momentos de mayor pesar puedes darle la vuelta a las cosas y sacar el lado bueno. Todos tenemos un “aliado” que nos ayuda a crecer y a ser mejores en todo lo que nos propongamos.

Soy un amante del AOR y siempre he pensado que este género en España no funciona, no hay público. ¿Cómo lo veis vosotros, es un proyecto que ha nacido con más vistas al extranjero que aquí?

Indudablemente. Somos conscientes de que en España funcionan muy bien determinados estilos en los cuales no encajamos. Es posible que fuera, América sobre todo, sea más receptiva a lo que hacemos.

Pero bueno, esto es un camino de largo recorrido y estamos abiertos a todo lo que pueda surgir. Lo más importante es que pensamos que tenemos un buen producto entre las manos y creemos en el.

krysalisofficial.com / @KrysalisOfficial

Estamos ante el tercer trabajo de esta banda de pop rock que lleva por título “Mundo Paralelos”, ellos son de Madrid. Con este disco han dado un salto muy grande tanto en el sonidazo, como en sus composiciones. En su música puedes encontrar bandas como La Este es vuestro tercer disco. ¿qué buscabais con este trabajo una continuidad o romper con lo anterior?

No buscábamos nada concreto. Compusimos muchas canciones y les dimos muchas vueltas. Ha sido un camino de casi dos años entre que empiezan los primeros acordes hasta que tuvimos el producto en las manos. Sorprendentemente, el resultado final sonaba a lo mejor de nuestros dos primeros discos. El sonido de banda de rock de “Los días entre el sol y la luna” con los toques pop electrónicos de “Libéralo”. ¿Cómo se os ocurre llevar este tercer trabajo a una baraja de cartas?

A día de hoy empiezan a venderse ordenadores y coches sin lector de CD. Estábamos algo indecisos con la idea de seguir esa tendencia de fabricar bonitos posavasos de plástico porque sí. La idea de pasarse a USB la teníamos, pero no veíamos la forma de aportar valor a ese otro “plástico”. En ese momento Koi Samsa, la artista con la que trabajamos el diseño y el concepto, nos propuso arriesgar un poco. Decidimos dejar la decisión a una simple encuesta a nuestros fans por redes sociales y el USB ganó por goleada. No podíamos haber acertado más. ¿Podemos decir que es un disco conceptual?

Quizás nos hubiera gustado hacerlo así desde un principio. Una vez empezamos a trabajar en el concepto, cuando ya tienes las canciones montadas, es cierto que puedes encontrar un hilo argumental claro, pero es posible que no llegue a ese punto

Oreja de Van Gogh, El sueño de Morfeo, Mecano, Amaral... Pero ellos han dado con su propia fórmula para presentar once canciones que te harán bailar, emocionarte… pasar por varios estados de ánimo.

tan trabajado como antiguamente se hacía.

Este disco se puede conseguir en vuestra web mundosparalelos.elbesodelescorpion. com en varios packs. Es la solución a la falta de tiendas de ventas de discos o es que debido a este formato no se puede colocar el disco en las tiendas.

En nuestro segundo disco hicimos todo lo que estuvo en nuestra mano para que pudiera colocarse en tiendas y realmente las tiendas ya estaban huyendo de todo tipo de distribución. Más aún si eres un artista sin sello. Con este sabíamos que no queríamos intentar entrar en tiendas pequeñas ni grandes superficies. Cuando tienes claro eso desde un principio puedes trabajar en un producto mucho más personalizado y atractivo para la gente que te sigue. ¿Y si regalamos una canción con tu nombre con X edición? ¿Y si con la pulsera puedes entrar a un concierto gratis? ¿Y una aplicación móvil donde descargar contenido adicional cada cierto tiempo? Todo eso es inviable en una distribución convencional o con un sello. ¿Lleva más trabajo? Por supuesto, pero nos lo pasamos en grande.

“Pude escribir una novela” tiene un aire swing, hay temas cercanos al rock y otros al pop… ¿Pensais que la música actual está demasiado encasillada?

Existe mucha mercadotecnia detrás.

Nadie quiere arriesgar lo más mínimo musicalmente hablando y se va a un producto que prácticamente sabes que va a “funcionar”. Eso hace que si despacito ha reventado las listas de éxitos, salgan grandes artistas con discos llenos de temas

con cierto aire electrolatino, porque sí. Eso es algo que no tiene ningún sentido para un artista.

Vuestro segundo álbum “¡Libéralo!” se publicó en el 2013 contó con colaboraciones como las de María Villalón (ganadora de Factor X España), JPelirrojo, Curricé y Rush Smith. En este disco nos encontramos a Chusita Fashion Fever en el tema “Daré contigo”. ¿Por qué no más colaboraciones?

Quisimos añadir una colaboración más que finalmente no salió, pero más allá de eso nuestra intención era intentar armar un repertorio que luego pudiera defenderse mejor en directo. Es raro tocar canciones con colaboraciones y que luego no estén en el concierto. Con “Daré contigo” lo vimos clarísimo. Por la letra, el sonido, etc. Supimos que ese tema tenía que cantarlo Chusita y ella alucinó, así que todos contentos :) Con vuestro primer disco ‘Los días entre el sol y la luna’ que se publicó en el 2010 conseguisteis debido a su éxito ser el primer grupo español en tener un canal partner (por Google) de YouTube. ¿que supuso para vosotros este logro?

En aquel momento nos orientó mucho hacia la plataforma. Hasta entonces hacíamos vídeos simplemente por querer aprender a producir canciones, perfeccionar nuestra forma de interpretar y adquirir ideas nuevas. Grabarse es un ejercicio muy bueno para mejorar como músico y la oportunidad de publicarlo y que te vean es una ventaja que te anima a hacerlo más.

elbesodelescorpion.com / @BesoEscorpion

EL BESO DEL ESCORPION lhmagazin.com

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FRAN CORTES Tras acompañar a artistas de la talla como El Marchena, Alicia Gil, El Canijo De Jerez, Juanito Makandé, El Arrebato, Pepe El Marismeño, Chiquetete, Junior Miguez o Haze, y tras publicar su primer disco el año pasado que llevaba por título “Cambio de planes” Fran Cortés hijo de Antonio Cortés -Chiquetete- nos presenta su primer single ”Si no soy quien creías” anticipo de lo que será su segundo disco. @francortesguitar

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Escuchando el nuevo single se puede apreciar un paso de gigantes en la producción. ¿Quién se ha encargado de ella y qué buscabas en este nuevo trabajo?

La producción igual que en el disco anterior, ”Cambio de Planes” la hemos llevado a cabo entre un gran músico y colega, como es Jesús Chávez y un servidor. Hemos buscado, igual que siempre, el transmitir, que todo aquel que la escuche, intentar removerlo por dentro. ¿Qué tenía ”Si no soy quien creías” para salir como adelanto de tu nuevo trabajo?

Creo que tiene ese punto muy realista. Y puede que más de uno, cuando la escuche, se sienta identificado con la historia que cuenta.

El disco se llamará 24h. ¿Cuándo está prevista que salga a la venta?

A mí me gustaría que 24h saliera para Octubre o Noviembre del año que viene.

Porque quiero tener bastante trabajo hecho, bastantes canciones para después hacer una buena criba e intentar hacer un trabajo lo mejor posible.

En tu anterior disco pudiste contar con las colaboraciones de artistas como Andreas Lutz, Juanito Makandé, Las Niñas del Turruñuelo y Chiquetete. ¿Nos vamos a encontrar en este disco alguna?

En el disco anterior he tenido la suerte de tener unas colaboraciones de lujo, de champion league, diría yo (risas). Y para este seguramente que habrá alguna, en mi mente, ya tengo varias y bueno hay que plantearlas a ver que pasa.

En “Cambio de planes” todos los temas los compusiste tu excepto el tema “Esta cobardía”. Tienes pensado incluir en tu próximo disco alguna que otra canción que no sea tuya.

En principio no creo, serán todas las canciones compuestas por mí y aunque bueno, tu sabes, que la historia puede dar muchas vueltas, pero en principio serán canciones mías.

En tu música hay mucha fusión y con un toque muy original. ¿Cuál es la música que te apasiona?

Yo soy un tío que me gustan todas las músicas, a todas las intento sacar el punto guapo. Me encanta el funky, me encanta el soul, el R&B, pero bueno si tuviera que quedarme con algo pues el jazz es una de mis músicas favoritas, pero el flamenco es donde yo muero. ¿Qué te gusta contar en tus letras?

Me gusta contar historias verídicas, de la vida, de la calle que le pueden pasar a cualquiera. ¿Piensas que en España el flamenco está bien posicionado o se le trata mejor fuera de nuestras fronteras?

No pienso que el flamenco esté mal posicionado en España, hay muchos circuitos, bienales, subvenciones… cosas para el flamenco. Sí que a lo mejor, quizás, fuera se le trate mejor.

Este es el primer disco Krysalis banda compuesta por músicos que ya tienen un nombre por su paso por otras bandas que consiguieron cierta repercusión. El grupo está compuesto por Gema Vau a la voz, Maya a la batería, Jordi Pinyol a la guitarra y Javier Giner “Kodi “A Manacor” sale a la venta el próximo 5 de octubre. ¿Qué nos podemos esperar de este disco, una continuidad o algo distinto a “Música seria” tu anterior trabajo?

La verdad es que las canciones tienen más o menos el mismo espíritu que las del anterior, podría ser su cara C. Hemos intentado hacer canciones sencillas (que no simplonas) y que nos parecieran frescas y lo más trasladables al directo posible, sin muchas florituras.

Algunas de estas canciones son recuperadas de los primeros casetes auto editados de Jorra Santiago. ¿Por qué grabar esos temas en casetes y no con el móvil?

Fue una idea que tuve en 2015, un poco ya harto de tanta tecnología. El sonido analógico, del 4 pistas de cassette, es bastante imperfecto pero tiene un encanto inexplicable. Quería sencillamente tocar y grabar, sin tener tantísimas opciones como tienes en digital, sin tener que sacarme los ojos con la pantalla y sin distraerme con el Facebook. Pulsar el rec, tocar y ale! Hecho. Lo pasé muy bien y aún me siento orgulloso de esas grabaciones. ¿Qué tienen esas canciones para ti para que debieran estar en este nuevo disco?

Sobretodo pienso que a medida que las tocábamos en directo crecieron mucho (yo las había grabado en casa solo, con todas las limitaciones que eso comporta), mejoraron considerablemente con las aportaciones de la banda. Y me pareció buena idea regrabar algunas de esas canciones nuevas, esta vez mejor producidas, y añadirle algunas nuevas que teníamos. De ahí sale el nuevo EP.

al bajo. Un disco que navega entre el rock melódico el AOR, el pop británico de los ochenta. Este es el proyecto personal de Juan Manuel Maya batería con más de veinte años de experiencia y componente de la banda de metal progresivo Biosfear.

Si grabas tus canciones en v, imagino que serás un amante de lo analógico. ¿Que opinión tienes de la vuelta del vinilo?

El vinilo me parece un objeto precioso, pero (seamos honestos), normalmente consumo la música en línea. Soy como cualquier otro milenial, ja, ja!

Todo el mundo destaca el gran humor de Jorra Santiago. ¿Se puede apreciar éste en tus letras, de qué te gusta hablar en ellas?

No sé si tenemos un gran sentido del humor, pero la verdad es que en este grupo siempre estamos riéndonos y haciendo bromas. No porque no nos tomemos la música en serio, de hecho es lo único que realmente nos importa. El humor para mí es una forma de intentar lidiar con este mundo y este tiempo tan complicado (a veces) que nos ha tocado vivir. Si nos tomáramos muy en serio seguramente sería mucho más difícil aguantarnos.

El grupo es de Mallorca y Jorra Santiago ha colaborado con grupos como Miquel Serra, Roig!, Saïm, Pujà Fasuà, o Lost Fills. ¿Que supone para Jorra i Gomorra estar dentro del circuito de AIEnRUta? Supone abrirse: conocer otros lugares, otras personas, escuchar otras músicas. Para mí es casi lo más importante, aprender, a parte de que es una oportunidad excelente para presentar nuestra música en sitios a los que no estamos acostumbrados a ir.

Vuestro anterior disco “Música seria” ya se grabó en Estudis Favela, con la producción de Pep Toni Ferrer. ¿Por qué volver a repetir estudio y productor?

Volvimos a grabar en Favela porque nos sentimos muy unidos tanto musical como personalmente a Pep Toni Ferrer y también a Michael Mesquida, su compañero de estudio. Creo que tenemos una visión muy similar de cómo queremos que suene el grupo y confiamos mucho en ellos. También hubo muy buen rollo en las sesiones y creo que se nota.

Ahora el reggaeton, el trap… con algunas de sus letras que denigran la figura de la mujer, es lo que suena en todas las radios. ¿Consideráis esta música, música seria?

Me parece como mínimo de mal gusto que una letra sea denigrante para cualquier persona. Si una sociedad es machista, lo más normal es que sus manifestaciones artísticas también lo sean, desgraciadamente. Se está avanzando mucho en ese sentido: se visibiliza y denuncia públicamente el machismo, por lo que creo que de cada vez tendremos que soportar menos letras de esa calaña.

Qué podemos decir a nuestros lectores para que se animen y se pasen por algunos de estos conciertos que vais a realizar próximamente en Madrid, Zaragoza, Barcelona, San Sebastián, Valencia...?

Pues que van a ver a un grupo de amigos presentando unas canciones con mucha ilusión y intentando entretener y divertir al personal. Sin más.

jorraigomorra.com / @jorraigomorra

JORRA I GOMORRA

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El mítico guitarrista mexicano Carlos Santana nos deleitó en Alicante con un concierto que será difícil de olvidar para todos los que allí estuvimos, un concierto familiar lleno de emoción, en el que hubo un sonido afro-latino con una banda de ocho músicos extraordinarios pero que parecían uno sólo con la gran fusión que formaban alrededor del maestro Carlos Santana nos trasladaron al primer Woodstock el del año 1969. Comenzaron con una gran batucada protagonizada por su mujer Cindy Blackman a la batería y la percusionista que la acompañaba, al mismo tiempo comenzaron a cantar dos de sus vocalistas Ray Greene y Andy Vargas al ritmo de las maracas y panderetas, suena “Soul Sacrifice”, aparece Santana en el escenario y el público enloquece con el sonido inconfundible de su guitarra.

Casi a la la mitad del concierto en el tema 8 de repente y por sorpresa ya que no estaba anunciado en el cartel, Santana invitó a tocar con él a su amigo Javier Vargas, guitarrista madrileño y con el que lleva tocando desde el año 96. Como el propio Santana dijo “Un musicazo de aquí, de España, que tiene esa luz y es universal”. Javier lleva años compartiendo escenario con Santana en sus giras mundiales . Esta vez hizo lo propio desde este escenario en Alicante comenzando por “Total Destruccion to your mind” del último álbum que lanzó el año pasado junto a los “Isley Brothers” para continuar con “Love Power”/”Mona lisa” y un riff de “Satisfaction” de los Stones.

Santana estuvo espectacular, sigue siendo el mejor entre los mejores, fue un concierto con dedicatorias ya que hizo un parón para homenajear a Paco de Lucía, Django Reingardt y Manitas de Plata pero todo el concierto lo fue, tocó temas de los Stones, Fleetwood Mac, Los Panchos, Maná(“Corazón Esponado), The Police y hasta de Hendrix entre otros, hubo mezclas de blues, jazz, rock, salsa, samba y música africana, todo un espectáculo para los que allí estábamos. Incluso tuvo tiempo para dirigirse a su público y con cariño decir.. “ Todos y todas las gitanas y gitanos que hacen lo que hacen con pura sangre y pasión, devoción, dulzura y luz”, algo que entusiasmó a todos sus fans y al.público en general. Nos gustaron mucho “Europe”,”Black Magic Woman”(de Peter Green) fusionada con “GipsyQueen” y “María, maría”.

SANTANA 7 DE AGOSTO 2018 Plaza de Toros de Alicante

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Dos horas de concierto y 5000 personas fueron testigos de que Carlos Santana a sus 71 años sigue joven y tiene todavía mucho que dar, como siempre digo, los viejos rockeros nunca mueren y en este caso aunque su música es una fusión de sonidos del mundo, Carlos seguirá entre nosotros por mucho tiempo deleitándonos con eso que sabe hacer tan bien, tocar la guitarra como nadie…venía de tocar en Londres con Eric Clapton y se notó.

Texto: Mar Monje Abiol Fotos: Domingo J. Casas

U2

Madrid 20/21 de Septiembre de 2018

Con sendos sold out los irlandeses U2 volvieron a la capital de Estado. Hacia 13 años de su mítico concierto en el Vicente Calderón, última vez que nos dejaron fotografiarles desde un foso cercano y de verdad. A partir de entonces ya la cosa cambió.

Ver a U2 siempre es un acontecimiento.

Esta gira ya la vimos en Barcelona en su primer tramo y la del 30 Aniversario de Joshua Tree también. De hecho siempre que U2 ha venido a este país les hemos visto desde su apoteósico concierto de 1987 en el Estadio del Bernabeu, y en incontables ocasiones fuera de la piel de toro. Ver por segunda vez Innocence + Experience Tour en 2018, defrauda un poco. En la primera ocasión impacta esa gran pantalla gigante colgando, es en sí un espectáculo. Pero, ¿realmente esto es hacia dónde va la música en directo? ¿Dónde está la esencia de esos primigenios U2 salidos del post-punk? ¿Qué fue de aquella banda de rock? Originaria de Dublín (Irlanda), formada en 1976 no olvidemos por Larry Mullen Jr., que más tarde llamó a Bono (voz), The Edge (guitarra, teclados y voz), Adam Clayton (bajo). Todo es como demasiado ostentoso, su teatro ya no nos lo tragamos.

Sus últimos discos con la prepotencia de regalar uno de ellos por iTunes, dan una idea de lo confundidos que parecen ahora. Les faltan CANCIONES que no

cancionero o repertorio. Eso los mantiene vivos… Never ending tour como dice Bob Dylan.

U2 suenan bien, tocan bien, comunican bien, pero algo se ha perdido en el camino. La esencia. Su acierto es tocar temas menos conocidos y rebuscados, pero es como verlos en varias grandes pantallas de video con las últimas tecnologías.

La próxima vez tocaran sin moverse de su mansión y lo retrasmitirán, sino tiempo al tiempo. Siempre y cuando, el bueno de Bono no pierda la voz definitivamente, que le hace unos extraños a veces…, de otro diríamos que “desafina” o no llega a los tonos de antes. ¿Ley de vida? Cuídese la voz Mr. Bono Vox, es su herramienta de trabajo. Nos gustaron la nueva “The Blackout” y “I will follow”, mucho menos “Beautiful Day” por las cuerdas vocales de Bono Vox. Menos mal que nuestro amigo(en los 90s nos íbamos de fiesta con él) The Edge está cantando muy bien, que no es lo mismo que hacer las voces o los coros, amén de su gran trabajo a las 6 cuerdas, alumno aventajado y siempre agradecido del gran David Gilmour (Pink Floyd). Nos atrajo a ritmo de comic la no habitual de los 90s “Hold Me, Thrill Me, Kiss Me, Kill Me”, el himno “Sunday bloody Sunday”, y como no “Pride (In The Name of Love)”, “Even Better Than The Real Thing”, “Until The End of The World “, y claro “One” (nos

recordó la versión del malogrado Joe Cocker). Y mucha charla y mucho discurso, y muchos trucos de magia. Tocaron también “Elevation” o “Vertigo”, una “Acrobat” de Acthung Baby. Finalizaron con “13 There is a Light”.

En fin, mezclar lo grandilocuente o el gigantismo escénico con actuaciones casi acústicas, cercanas a los espectadores parece que ha funcionado otra vez. Ya veremos hasta cuando.

Es curioso observar como a medida de que los músicos se van haciendo mayores nos alejan a los fotógrafos cada vez más de ellos. Primera barricada, segunda barricada, mesa de sonido y hasta detrás de la mesa de sonido, como Sir Paul Mc Cartney. En el caso de fotógrafos profesionales no nos supone ningún perjuicio ya que con llevar teleobjetivos de mayor distancia focal (carísimos) se soluciona.

Pero las fotos no tienen profundidad ni personalidad. Parecen pegatinas pegadas en un cuaderno escolar. Por no hablar de la cantidad de problemas que ponen a los medios para acreditarnos en algunos conciertos. En el caso concreto de U2, el mantenernos alejados parece coincidir con la salida de su emblemático manager de toda la vida en 2014, Paul McGuinness. Como siempre, haremos las mejores fotos posibles con los medios que nos den.

Texto y Fotos: Domingo J. Casas

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bunbury 25 de Septiembre 2018 Plaza de Toros de Alicante Noche de calor en Alicante pero a pesar de eso la plaza se llenó y el público estaba esperando la gran salida del Señor Bunbury y desde luego lo hizo a lo grande, con su traje blanco dio todo lo que se esperaba y más.

Con más de 30 años de carrera sobre los escenarios nadie proyecta ese entusiasmo como lo hace él, nos contagia de esa energía que sólo él tiene como si de una obra magistral se tratara. Bunbury se mueve como nadie sobre el escenario recorriendolo de un lado a otro y llevando a sus fans al éxtasis con cada movimiento y carrerita.,,,,, como Mick Jagger de Los Stones .

Cantó todos sus grandes éxitos, sin olvidarse de algunas canciones de su último trabajo, lo que hizo que fuera un concierto perfecto. Algo que se esperaba desde el principio, incluso se vio alguna lágrima que otra entre alguna de sus fans y que después de hablar con ellas nos contaron que llevaban esperando años para verle y por eso se emocionaron tanto.

Después de un rato de concierto, Enrique no pudo con el calor. Terminó hasta quitándose la chaqueta y bajando del escenario con su himno de otros tiempos con su banda Héroes del Silencio “Maldito duende”,….”Amanece tan pronto y yo estoy tan solo….y no me arrepiento de lo de ayer” .Estaba dentro del foso y subido a las vallas de protección.

Parecía que las fans iban a enloquecer cuando de repente se dejó caer encima de todas ellas y eso ya las llevó a la locura y al éxtasis total-.

Enrique Bunbury ha sido, es y será un icono en la música de este país y como pudimos vivir en Alicante, la gente le quiere y estará en cada concierto con el siempre..

Nos volveremos a ver pronto …. si señor .

Texto: Soraya Machin | Fotos: Domingo J. Casas MARIA VILLARROYA

SLASH

ROSENDO

OZZY OSBORNE

- 13 de noviembre y 11 de diciembre en el Teatro Lara

- 27 octubre ONDA(Castellón) - 2 noviembre Granada - 9 noviembre CUEVAS DE ALMANZORA(Almeria) - 10 noviembre MANISES(Valencia) - 23 de noviembre Palencia - 1 diciembre SANTA CRUZ de Tenerife - 14 diciembre A Coruña - 15 diciembre Bilbao - 20 diciembre Madrid - 22 y 23 Barcelona

- 12 de marzo de 2019 Barcelona - 13 de marzo de 2019 Madrid

- 3 de marzo Barcolona

ELTON JOHN

- 26 de Junio de 2019 WiZink (Madrid)

LUZ CASAL

- 22 noviembre Donosti - 23 noviembre Zaragoza - 1 diciembre Barcelona - 7 diciembre Murcia - 16 diciembre Madrid

TEXTO: Mar Monje Abiol FOTOS: Pedro Hernandez

DANI MARTÍN

- Jueves 11 de octubre de 2018, Pabellón Príncipe Felipe – Zaragoza.

- Sábado 20 de octubre de 2018, Bizkaia Arena BEC! – Bilbao - Sábado 27 de octubre de 2018, Coliseum – A Coruña.

- 16 y 17 de noviembre de 2018, Wizink Center – Madrid (concierto fin de gira)

JETHRO TULL

- 3 de Noviembre Madrid

CHRISTOPHER CROSS - 5 de noviembre Madrid(Nuevo Teatro Alcalá)

GRAHAM BONET

- 25 de Noviembre Murcia(REM)

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MIGUEL RIOS

- Sábado 20 de octubre de 2018, Polideportivo Pisuerga de Valladolid.

- Sábado 24 de noviembre de 2018, Auditorio FIBES de Sevilla.

- Sábado 01 de diciembre de 2018, Arena Bilbao.

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Novedades GABY & LOS SALVAJES “Vientos de libertad” The fish factory @GabyGatosSalvajes

DISCO DEL MES

EL CHELISTA VOL I

daniacebes.com @elcellistaoficial

Este es el nuevo proyecto de Daniel Acebes en el cual el chelo cobra una importancia relevante en este disco de pop rock. Viene de una formación clásica, pero oyente de bandas legendarias como ELO… pero también Los Rodriguez, Pereza... ha sabido dotar a este primer Vol I , y que espero que tenga continuidad, una personalidad brillante a los seis temas que componen este disco del cual la producción ha corrido a cargo de Candy Caramelo, el cual ha impregnado al sonido su parte rockera. Un disco que en ocasiones te recuerdan a ELO, en otras los magníficos Rolling Stones, pero sin olvidar las grandes melodías y arreglos de los Beatles. Daniel se ha encargado de la música, la letra, violonchelo y por su puesto su voz.

Del bajo, guitarra, coros, teclados, y percusiones Candy Caramelo y de la batería José Bruno tres grandes mosqueteros que con un nuevo instrumento han dado una vuelta de tuerca al rock and roll que siempre ha sido protagonizado por la guitarra.

La primera vez que escuche el tema que abre el disco “Cuando pienses en mí” me vino a la cabeza la ELO y la perfecta producción de Candy que para nada tiene que envidiar al maestro Jeff Lynne, se que son palabras mayores pero es tan cierto como te lo cuento. Daniel saboreó el néctar de la fama tras vencer en dos ediciones del concurso televisivo ‘Tú Sí Que Vales’. Incluso, participó en un concierto que llenó el Palacio de los Deportes de Madrid junto a Estopa, Pereza, Hombres G o Los Secretos. Prosiguió su carrera formando Chelo Submarine, un proyecto de versiones con violonchelos, que le llevó a re inaugurar la emblemática sala Rockola. Formado en el lado clásico en europa, este gran músico multiinstrumentista palentino ha podido tocar en todos los continentes con diferentes orquestas en las mejores salas y teatros.

“La bolsa y la vida” es una declaración de intenciones y es la más pop del disco. “Creía” un tema con mucha fuerza que invita a mover las caderas. “Susana” un medio tiempo precioso, con unos arreglos dignos del tema. “El perdedor” es el tema más lento del disco donde el violonchelo llora y es que la canción invita aunque tenga su letra una luz de esperanza. “El mismo tren” es el tema que cierra el disco y es que puedes sentir ese tren desde que arranca, así como su viaje que te habla de esa gente que te canta cosas bonitas a tus oídos sabiendo que es lo que quieres escuchar.

Un disco que te invito a que descubras porque estoy seguro que te sorprenderá

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Siendo un canijo era un fan de Los Salvajes, claro, era la banda más rockera de finales de los sesenta, los descubrí en una tienda de discos, de esas que apenas quedan y en las que pasaba las tardes ojeando discos, solo tenía 12 años, así que te puedes imaginar lo que significa este disco para mí.

Su tema “Soy asi” martilleaba mi cabeza todos los días. Ahora regresan con el nombre de Gaby & Los Salvajes con este disco que recoge sus grandes canciones que se han vuelto a reinterpretar y dotandolas de un sonido mucho más actual pero respetando sus melodías originales. Quiero dar las gracias al sello discográfico The Fish Factory por publicar esta joya que me ha hecho ser feliz y recordar mi infancia. Los Salvajes eran también conocidos por los covers que hacen de bandas como The Rolling Stones en castellano como “Todo negro”, “La casa del sol naciente” del grupo The Animals. Pero también lo hacían en inglés como la versión “Gimme Some Loving” del grupo The Spencer Davis Group. No quiero dejar de comentaros lo bien que ha quedado el tema “Plastic Lady” tema que fue coescrito entre Gaby Alegret y el gran Tino Casal.

ALCATRAZZ “Live in Japan 1984” earMusic vuelo505.com

Un lujo tener el concierto completo en un formato de doble CD y totalmente remasterizado de uno de los grupos que en los 80`s con Graham Bonnet (ex Raibow y The Michael Schenker Group) a la ca-

beza y con un jovencísimo e innovador en este género a la guitarra Yngwie J. Malmsteen y acompañados de Gary Shea en el bajo, Jan Livena en la batería y Jimmy Waldo en los teclados hacen un repaso a sus temas emblemáticos, justo cuando la banda estaba viviendo su mejor momento. El concierto se celebró el el 28 de enero de 1984 en la plaza de Nakano (Tokio) en su día salió en Japón como un video casero. La casualidad quiso que buscando minuciosamente se encontrara milagrosamente la multipista del audio original de 24 canales y que ahora podamos disfrutar de temas tan emblemáticos como “Too Young To Die”, “Too Drunk To Live”, “Island In The Sun” e “Hiroshima Mon Amour” del primer disco del grupo “No Parole From Rock’ n ‘Roll” pasando por repertorio de Bonnet de los días del Rainbow, incluyendo “All Night Long”, “Since You Been Gone” y “Lost In Hollywood”, además de “Desert Song” de The Michael Schenker Group y los éxitos en solitario de Graham “Night Games”.

DISTRITO ROJO “Cara o cruz”

Produlam Records distritorojorock.com

Siempre que hablo de esta banda que viene de Vila-seca (Tarragona) digo lo mismo, no tengo ninguna duda, esta es la banda llamada a ser la banda que lidere ese relevo en el rock. “Cara o cruz” es el segundo disco del grupo y en el que podemos observar a simple vista que han vuelto a crear diez temazos de esos imprescindibles para los amantes del buen rock.

“Los ojos de tu ciudad” estoy seguro que estará entre las mejores canciones de este 2018. Pero no se quedan atrás temas como “Mar de dudas” o el blues en forma de balada “Sálvame”, “Bien y el Mal” uno de mis favoritos. El disco se ha grabado en Vila-seca en el estudio del grupo por su vocalista y guitarra Xavi Moreno y cuenta como en su anterior disco con la mano en la producción de Javi San Martín (La fuga, Tierra Santa, Fito y Fitipaldis…) dotando al disco de una calidad y un brillo muy especial.

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