lobo suelto 15 mayo 2011 by Lobo Suelto

LOBO SUELTO

Mayo 2011 - Nº 15

INDIE:

La invasion de los indies

LAYNEY STALEY: EL ULTIMO GRUNGE

5 DESTACADOS: GLAM

RESUMEN DEL MES

SHOWS: DIVIDIDOS SLASH THE CULT IRON MAIDEN ROCK EN SAN FRANCISCO

JOEY RAMONE: “EL PUNK NO HA MUERTO,

SIGUE TAN ENFERMO COMO SIEMPRE”

LOBO SUELTO

INDICE

Dirección Gereral, Diseño Gráfico y Diagramación: Victoria Clementi Redacción: Victoria Clementi Marina Miguel Melina Galli Lila Martínez Ariel Britos Guido Cambareri Tavo Ledesma Rocío Marruco Eugenia Ceballos Roberto Beluzzo Manuel Montali

Fotografía: Lila Martínez

STAFF

Noticias

Joey Ramone

Layne Staley

5 Destacados Glam

Invasion indie

Divididos

Slash

44 48

The Cult

Iron Maiden U 2 -En Argentina

Editorial Dos veces con la misma red… una bengala a simple vista parece un elemento inofensivo, incluso puede llenarnos de muchas emociones y adrenalina en ciertos casos, pero ese tubito de cartón en manos irresponsables no es la primera vez que mata. Miguel Ramirez, uno de “los mismos de siempre” falleció el pasado 9 de mayo, después de nueve días de internación. Una maldita e inoportuna bengala había impactado en su cuello en un recital de La Renga en La Plata ¿No bastaron 194 vidas arrebatadas hace 6 años en Cromañón?, parece que no. Todos nos indignamos ante la

falta de responsabilidad en la organización de los shows, pero la responsabilidad y la conciencia, primero pasan por uno mismo, no se trata de echar culpas sino de respetar la vida, entender que se puede ir a disfrutar de un recital sin hacer nada estúpido que le termine cagando la vida a otros. Sabemos que una bengala en un recital o en la cancha, es una llama de alegría que adorna ese momento glorioso de melodías y pasión, pero no nos olvidemos que esos momentos mágicos que puede generar pueden llegar a accidentes como los que ya conocemos, pero parece que no aprendimos nada.

Es injusta la situación nefasta como la que hoy le toca vivir a una familia entera, la misma que vivieron cientos de familias en el 2004. Otra página negra en la historia del rock del país, que de una vez por todas, tomemos conciencia de la gravedad del asunto y podamos divertirnos en paz.

“Ni una bengala, ni el rocanrol a esos pibes lo mató la corrupción” Lobo Suelto

DESTACADO

Que Paso Este Mes? Se hizo “Justicia” por el caso Cromañon El pasado 20 de abril se dio la sentencia final por el caso de Cromañón que terminó con la vida de 194 personas el 30 de diciembre del 2004. Luego de la revisión de la sentencia del 2009 donde se había absuelto al grupo, la Cámara de Casación Penal resolvió condenar a los integrantes del grupo Callejeros por delito de incendio culposo, seguido de muerte y cohecho activo. Al mismo tiempo también, se ordenó liberar la calle Bartolomé Mitre donde se encuentra el santuario que los familiares montaron para homenajear a las víctimas de la tragedia. Hasta ese momento ninguno había tenido limitada su sentencia finalmente. Recién el 2 de mayo se decidió condenar a Patricio Fontanet y Omar Chaban, a las penas de cinco y ocho años de prisión, respectivamente. Lo dispuso el Tribunal Oral en lo Criminal 24 (TOC 24) tras el fallo de la Cámara de Casación, y al imponer las penas para los 14 imputados, aunque ninguno de ellos irá a prisión sino hasta tanto dicha sentencia quede firme.

El guitarrista pionero de Judas Priest abandonó la banda El mes pasado el guitarrista de Judas Priest, K.K Downing, dejó un comunicado anunciando su partida de la legendaria banda que él mismo formó y de la cual era parte hace más de 40 años. A través de su web oficial emitió sus propias palabras sobre el egreso. Aquí desmintió que padeciera algún problema de salud y aclaró que las principales razones para retirarse fueron los roces constantes con los demás integrantes de Judas y su manager, por lo que explicó: “Por eso, he decidido abandonar en vez de salir de gira con sentimientos negativos porque pensé que hacer algo así sería una decepción para todos ustedes, nuestros apreciados seguidores”. Así mismo apoyó la próxima gira de la banda, diciendo que los Priest son un show para no perderse. Downing se vio presionado por la discográfica, sus compañeros y manager por el rendimiento económico y físico que supondrá el “Epitaph Tour” y el último disco. Judas Priest ha sido una formación que ha ido a su ritmo, sin presiones, por lo que es normal que el guitarrista haya decidido cortar por lo sano.

NUEVOS DISCOS EN EL ASADOR Red Hot Chilli Peppers La noticia de un nuevo disco de los Red Hot entre la salida de John Frusciante, la decisión del grupo de descansar por un muy buen tiempo y los proyectos alternos y discos solistas, hace un tiempo hubiera parecido una mentira pero ahora se confirma. El mismísimo Chad Smith lo reafirmo en una entrevista hace unas semanas y hasta dijo que sería publicado este agosto. También dijo que Josh Klinghoffer (reemplazo de Frusciante), es un buen compañero y que hicieron química rápidamente. Además agregó que todavía le falta a la banda elegir los temas que finalmente formarán parte del álbum y elegir un título para el mismo.

Kiss A principio de año ya se había adelantado la noticia de que “la banda más caliente del mundo” estaba en planes de grabar un nuevo disco sucesor de “Sonic Boom”. Hace varios dias, el vocalista y guitarrista, Paul Stanley, subió un breve video a YouTube en el que informaba sobre la actualidad de Kiss, anunciando que ya está en el estudio trabajando en el nuevo álbum, donde decía: “Estamos en el estudio de nuevo grabando nuevo disco. Hoy es nuestro primer día en el estudio. Haremos historia de nuevo. Este disco, les aviso, pulveriza a “Sonic Boom”. Aunque todavía no se han mencionado fechas de publicación, lo más probable es que, el disco estará grabado para el verano norteamericano.

Metallica

Ya está confirm que la idea de un nuevo trabaj discográfico es en las cabezas guitarrista y can James Hetfield el baterista Lars productor que d Él es histórico p con Metallica en su anterior plac tradicional de h Sobre la creació el bajista Rober muy entusiasma canciones. Hay creo que se va En tanto, la ban parte a Brasil en Río’ y en octubr India.

mado

jo stá del ntante y s Ullrich. Rick Rubin será el dirija este nuevo proyecto. productor de Slayer y trabajó n “Death Magnetic” (2008), ca que les devolvió su sonido heavy metal. ón del próximo disco, rt Trujillo dijo: “Estamos ados con escribir nuevas y un montón de melodías y a poner mejor.” nda de heavy metal irá por su n septiembre par el ‘Rock in re llegará por primera vez a

“AC/DC Live at River Plate” a la venta El 10 de mayo fue la fecha pactada para la venta del tan esperado “AC/DC Live at River Plate”, grabado en Buenos Aires en el 2009 cuando la banda australiana se presentó en nuestro país los 2, 4 y 6 de diciembre. Una primera aproximación al material se dio en el Teatro de Colegiales, organizado por el programa de Pergolini, Cual es? Donde cientos de fans se dieron cita para disfrutar de una exclusiva Avant Premiere. Como se sabe, el DVD documenta el masivo “Black Ice World Tour”, que marcó el regreso de AC/DC a Buenos Aires luego de 13 años, donde fueron bienvenidos por 200 mil fans que los acompañaron en tres shows con entradas agotadas. El DVD, fue dirigido por David Mallet y producido por Rocky Oldham. Contiene 19 canciones (110 minutos) y material “detrás de escena” sobre la producción del mismo, como el bonus-track titulado “The Fan, The Roadie, The Guitar Tech & The Meat”, que contiene entrevistas con AC/DC, su equipo, el entusiasmo de los fans por los shows y la Ciudad de Buenos Aires. Ya nos habían adelantado unos fragmentos de este apasionante show con los clásicos, “Shoot to Thrill” y “Highway to hell”, pero te vas a quedar sólo con eso?

Las bandas internacionales que se vienen Motley Crue+Alice Cooper + Pearl Jam + Eric Clapton + Whitesnake + judas priest + Aerosmith… Siguen las visitas internacionales! El año pasado fue una etapa arrolladora de bandas que pisaban suelo argento, ya casi el dinero no nos alcanza para tantas. El próximo 19 y 20 de mayo, se presentarán Motley Crue en el Estadio Malvinas Argentinas. Pero eso no es todo para este mes porque el 28 de mayo el genial Alice Cooper hará su show en el mismo lugar donde podremos gritar la afamada frase de Wayne’s World: “No somos dignos, no somos dignos!”. Desde T4F confirmaron el mes pasado que en la segunda parte del año se presentarían en Argentina nada menos que, Pearl Jam, Eric Clapton y Aerosmith. Eric Clapton, vuelve a tocar después de 10 años en nuestro país el 14 de octubre en River Plate pero la trae Pop Art, sumándose también a la gira sudamericana Montevideo y Río de Janeiro. Aerosmith, la banda que nos visitó en varias oportunidades, pero que canceló el año pasado la fecha que tenía pautada en el Hipódromo de San Isidro, por los problemas que tuvo Steven Tayler y este año se realizaría finalmente el show. Por último, la banda de Eddie Vedder realizará una gira por Sudamérica que por el momento tiene confirmadas fechas en Chile y Brasil, pero teóricamente cruzarían los andes para llegar a Buenos Aires. Al cierre de esta edición se sumaron a esta ecatombe de bandas Whitesnake y Judas Priest para sepriembre en una presentación doble en el Estadio de Racing.

PROXIMAS PELICULAS ROCKERAS Rock of Ages Así es el nombre de la obra de Broadway, que se realiza con gran éxito y cuenta la historia de una banda Glam de los 80’. Por este éxito se vio la posibilidad de llevar la historia a la pantalla grande. El proyecto ya está en marcha y cuenta con un panel de actores muy importantes, se confirmó para

el papel principal de Jaxx Stacee a Tom Cruise, que para preparar su voz y acting contrató a Axl Rose. También se sumaron más recientemente Rusell Brand y Catherine Zeta Jones.

American Idiot El disco “American Idiot” de Green Day, ya es un musical en Broadway y se prepara para ser plasmada en cinta cinematográfica. Tom Hanks, nada más ni nada menos, será el productor, ya el reconocido actor había sido destacado por películas rockeras

El director será Michael Mayer que trabajará junto a los músicos y Tom Hanks se encargará de la adaptación del disco. Además, por lo que anunció la agencia de noticias Reuters, el cantante de Green Day, Billie Joe, encarnará el papel de St. Jimmy.

UN GRANDE

Joey Ramone:

“El punk no ha muerto. Sigue tan enfermo co Nota: Melina Galli

hoy estamos acostumbrados a presenciar en los escenarios. Sin embargo, su presencia era, pese a su desgarbo, histórica torpeza, rasgos escondidos tras dos cortinas de pelo negro y enmarañado; algo atrayente, impactante, único. Imposible apartar los ojos de él.

Quien no sintió que su vida cambiaba, la primera vez que escucho el “1-2-3-4!” o el inmortal “Hey, ho, let´s go” con esa intensidad que reverberaba en el pecho y en la sangre. Los pioneros del punk rock, los rebeldes por naturaleza, los que trajeron de regreso a un género musical que agonizaba, la música que tanto amábamos. Ellos son más que una banda, son una inspiración para generaciones enteras, y lo seguirán siendo por los siglos de los siglos.

os Ramones. La manía punk. La música sin fronteras. La historia, la gloria y en medio de todo ello, un flaco largirucho, con más flequillo del que cabría imaginarse, y una campera de cuerpo como

uniforme. No fue quien firmaba las letras mas conocidas, tampoco quien componía los acordes cuadrados que las acompañarían, y ciertamente no la estrella de rock carismática Vocalista de una de las bandas y el típico showman al que más brillantes de la historia

omo siempre” de la música, bastaba escuchar sus canciones con un poco de atención para entender el basto universo de conocimiento histórico y social que se escondía detrás de esas letras de apariencia estúpida, de un máximo de tres minutos de duración. Su música chata, cuadrada y monocorde (como muchos la han tildado), salvó al rock de la ejecución grandilocuente de algunas bandas que lo elevaban a la elite musical a la que no cualquiera podía acceder.

Su nombre de pila era Jeffrey Ross Hyman, nacido en el año 1951, en New York. Hijo de una artista ecléctica, quien lo influenciaba musicalmente, escucho desde temprana edad alguna de las bandas que conformarían su acervo musical, tales como The Who o The Stooges. Además se empapó en cuestiones sociales y políticas que nunca lo abandonarían y se verían reflejadas en muchas de las decisiones que tomaría más adelante. Su música y su vida eran un claro reflejo de esta ideología. Joey era un contestatario, un revolucionario que estaba en desacuerdo con el sistema, con el entorno: “El país está espantoso. Cuando veo CNN en los hoteles de otros países, me pregunto: ¿para qué mierda volver? Todos estos crímenes sin sentido. Después

hablan de los neonazis en Alemania, pero hay más skinheads y KKK en Estados Unidos que en Berlín. Hay que tener la mente abierta. La actitud machista que hay ahora es insoportable. La gente tiene miedo de exponer sus sensibilidades, y la gente que no puede conectarse con otros está perdida.”

partir de un mutuo fanatismo por los Stooges. Con Joey fue distinto, ya que al comienzo sus caminos parecían ser diametralmente opuestos: “Joey se hacía llamar Jeff Starship en aquellos días”, cuentan sus compañeros, “y se juntaba con gente rara. Era un hippie consumado. Andaba descalzo y se había ido a San Francisco, y tenía muchos amigos Comenzó siendo baterista, pero hippies. Por eso Johnny ni quería luego, tras la insistencia de Tommy hablarle: odiaba a los hippies”. Ramone, paso a ser la voz de la banda. Fue llamado el corazón Pero pronto encontraron puntos y el alma de los Ramones, por ser en común desde los cuales de su autoría la mayoría de las comenzar a tejer una amistad que canciones que hablaban de amor, perduraría muchos años y seria tales como “She’s a Sensation”. el puntapié inicial de la banda Para sus compañeros, era el que más adelante los llevaría al “hippie del grupo”. Dee Dee, reconocimiento mundial: el alcohol Tommy, Johnny y Joey Ramone y las drogas. Se pasaban horas vivían en la misma cuadra cuando enteras tomando Whisky y usando eran adolescentes, Johnny y Dee todo tipo de drogas, aunque Dee se hicieron amigos primero, a luego Joey confesaría: “Nunca

me enganché con las bolsitas de papel. Lo hacía de vez en cuando, pero nunca como los chicos. Nunca pude manejar las drogas demasiado bien”. A los 21 años, su madre lo echo de su casa, porque no hacía nada con su vida más que sentarse en una esquina con Dee Dee a emborracharse e insultar a la gente. Joey pasó además una etapa de intensa experimentación artística, y todos atribuían sus rarezas al tiempo que había pasado internado en un psiquiátrico. No tuvo, como la mayoría de los genios musicales, una vida fácil: “Cuando era adolescente tuve que atravesar un montón de mierda. Encontré mi salvación en la radio. Me acuerdo de la primera vez que escuché a los Beach Boys con “Surfing USA” y me impactó. Pero los Beatles

fueron los que me convirtieron en un fan. Y más tarde los Stooges, que fueron una banda que me ayudó mucho en mis períodos oscuros. Me ayudaban a sacar afuera la agresión. Nadie andaba armado en aquellos años, ningún chico llevaba armas a la escuela. Lo que hacías era poner música fuerte que te hacía sentir bien. Fue a comienzos del año 1974 cuando forman la banda que cimentaría las bases de todo un género musical, que sacudiría al mundo entero, un cohete que llegaría más allá de Rusia. Con ese sonido rápido y directo, con el minimalismo como premisa fundamental y sus letras simples, llegaron a liderar la primera ola de punk en los Estados Unidos. Se disolvieron luego de una larga trayectoria, en 1996.

Joey Ramone murió un domingo de Pascua en un hospital neoyorquino. Lo acompañaban familiares y amigos, justo antes de morir, Joey escuchaba In a little while del último disco de U2. Tenía 49 años. Muy pocos sabían que estaba tan enfermo. Sintió que no se los había reconocido como era debido, su sueño era que los Ramones entraran en el Hall of Fame del rock. Cuando esto sucedió, en el año 2002, Joey ya había muerto. Nunca vio su sueño cumplido. El 30 de noviembre de 2003, se le puso el nombre de Joey Ramone Place a una calle de la Ciudad de Nueva York. Está en la misma manzana donde The Ramones dio sus primeros pasos por este mundo, en el famoso club CBGB. Su cumpleaños se celebra en muchos clubs de rock, su memoria

se mantiene intacta. Su paso por este mundo dejo una huella imborrable, dueño de un Nota: Lila Martinez inmenso respeto y admiración, planto las semillas de algo que nunca morirá, la música punk que tantos amamos. 

POP KING

RECUERDO

Layne Staley era una persona demasiado atormentada y no pudo escapar al destino trágico que tuvieron otros colegas suyos de la generación X como Cobain, Andrew Wood o Shannon Hoon. Su muerte marcó el final definitivo del movimiento más sombrío y autodestructivo de la historia de la música.

Layne Staley: EL ULTIMO GRUNGE Nota: Ariel Britos

uando la policía entró al departamento de Layne el 20 de abril de 2002 y descubrió su cuerpo ya descompuesto rodeado de jeringas, nadie en el mundo del rock se sorprendió. Staley llevaba mas de 10 años de adicciones duras y casi 2 años sin trabajo, era una persona difícil que pasó todo tipo de situaciones extremas, entre ellas una infancia complicada por crecer en el seno de una familia violenta y la muerte de su novia por una dosis letal de heroína que él mismo le suministró. Según dicen a partir de este episodio

ocurrido en 1996 la vida del vocalista de voz áspera se terminó de desbarrancar. Algunas muestras de esta situación que estaba atravesando, se reflejaba en aquel recital que grabó Alice in Chains el 10 de abril de ese año para la serie de conciertos Unplugged que realizaba la cadena MTV. En este recital, Layne se veía completamente demacrado, escondido tras unas gafas oscuras cantando con la voz tan rasgada que parecía un lamento y con un comportamiento errático que lo llevaba a olvidarse constantemente de las letras. Fue

el último disco de Alice in Chains, después de esto se separaron y el vocalista entró en un camino sin retorno. Precisamente esas letras, eran la vía de escape a los demonios de Layne. “Facelift” el disco debut de AIC realizado en 1990, era en homenaje al vocalista de Mother love Bone, otra de esas bandas que estaban naciendo junto con la década en la lluviosa y oscura Seattle. Su placa Sucesora “Dirt” de 1992 estaba rodeada de un aura demasiado oscura y densa en el que todos los integrantes de la banda abusaban de las drogas y las 12 canciones que

Nota: Eugenia Ceballos

conformaban el disco eran una referencia constante a los excesos y los sufrimientos propios de estar “allá abajo, en un agujero” sobreviviendo como se podía. Aun así el disco fue una obra maestra impecable, quizás el disco temático mas bello y complejo mínimamente de la década. Esta obra trascendió la coyuntura de la época para transformarse en uno de los grandes clásicos del rock, todo un reflejo de lo que se vivía en esa Seattle cuna de yonkis convertidas en súper estrellas que no sabían como manejar los hilos de sus propias vidas. Los últimos años de Layne fueron de mucha desesperación y sufrimiento. La última vez que participó en un proyecto musical fue en 1999 aportándole sus últimos hilos de voz a una banda que también integraba Tom

Morello, el guitarrista de Rage Against the Machine. Esta banda denominada simplemente “Class of 99” solo duró unos meses y sirvió de banda de sonido de películas no muy exitosas. Su última canción fue una remake de “Another brick in the wall” aquel clásico de Pink Floyd. Durante 2001 salió a la venta un álbum recopilatorio de los grandes éxitos de la banda. Debido a este nuevo lanzamiento, el resto de los integrantes dieron numerosas entrevistas. Ante la consulta de los periodistas sobre si tenían pensado volver a reunirse a grabar nuevo material, todas las respuestas eran negativas porque nadie sabía nada de Layne, o sabían que estaba muy mal y que no atendía a llamados ni visitas y vivía aislado. Excepto Jerry Cantrell su guitarrista y Mark

Lanegan (ex Screaming Trees) nadie se preocupaba demasiado por la existencia del vocalista. La última vez que se supo algo de Layne fue en una lastimosa entrevista que le concedió a Adriana Rubio, una periodista argentina fan de la banda, en enero de 2002. En esta entrevista pudo verse a un Staley de aspecto tenebroso, sumamente dejado y sin dientes, contando lo que habían sido sus últimos años. “Necesito esa jodida droga como un diabético necesita insulina, no es como la gente cree que me recluyo solo para volarme la cabeza con esa mezcla, hoy ya no me da placer, pero la necesito para vivir aunque muera pronto” contaba. Cuando se le consultó sobre la posibilidad de volver a juntarse

con AIC, la respuesta fue terminante “Ellos no son mis amigos y no saben por el infierno que estoy pasando”. Su adicción era tan incontrolable que hasta confesó que no retenía sus esfínteres. El final estaba escrito, una dosis letal de Speedball (una combinación de heroína y cocaína) acabó definitivamente con sus 34 años de vida. Resulta llamativo que el cuerpo de Layne haya sido encontrado recién 15 días después de su muerte. De esta manera, uno de los músicos mas brillantes del grunge moría solo, en silencio y sufriendo un final tan horrible que ni en su lírica mas oscura y pesimista habría podido presagiar. 

Del Horror la inVAsion de los indies

Nota: Melina Galli

Diferentes sonidos, la originalidad como premisa, lo distinto, lo único, aquello que viene a romper el molde, el hazlo tu mismo como lema y la necesidad de crear algo que trascienda todo lo conocido hasta el momento, conforman un movimiento de vanguardia musical que tiene como fin quebrar con el canon de lo establecido, y renovar el ambiente musical.

l termino es acuñado alrededor de los años 80, en los Estados Unidos, y abarca diversos géneros, la única condición sine qua non es que sea producto de la originalidad. Originariamente ligado a la condición de producción y circulación de la obra, (el termino Indie deriva de independent) hoy en día ha sido redefinido y abarca una multiplicidad de producciones, ya que no es un genero propiamente dicho, si no un conjunto de condiciones.

Charly García

Uno de los componentes que contribuyeron más y mejor al movimiento, es el uso de Internet como plataforma de lanzamiento de muchos grupos y artistas, que los libera de las tiranías de una discográfica y de un mercado devorador. Es a partir de la existencia de estos software de música que se multiplican las oportunidades para las nuevas bandas, de dar rienda suelta a su imaginación y a sus sonidos, sin limitaciones ni restric-

ciones mercantiles. Hoy la fiebre Indie crece y se multiplica por todas partes, asistimos al nacimiento de miles de bandas autoproclamadas independientes, en sus muchas manifestaciones: Indie rock, Indie pop, entre alguna de sus variantes más conocidas, que nos regalan sonidos nuevos que son como una correntada de aire fresco frente a tanta música clonada.

Entre todo este floreciente mercado que se propaga más rápido que la pólvora, encontramos varias bandas que vale la pena destacar...

THE CORAL: Bandna banda inglesa que se forma a finales de los 90, en Liverpool. Su música es una conjunción de country, folk, Indie pop, rock y psicodélica, que los transforma en una de los grupos más interesantes y eclécticos a nivel de sonido, de los últimos años. Está formada por: James Skelly - guitarra, voz , Ian Skelly – batería, Nick Power - órgano, voz, Lee Southall guitarra, voz , Paul Duffy - bajo, saxofón y John Duffy - percusiones . Alguno de sus mejores discos son Magic & Medicine (2003) y The Invisible Invasion (2005). En sus canciones encontramos melodías cristalinas, psicodélicas pero sin llegar a ser densas, son un claro ejemplo de cómo llevar el legado afterpunk británico a su siguiente nivel. Si bien hace poco que se ha formado, esta banda es un ejemplo de buena música y sonidos electrizantes, una mezcla de Indie rock, música electrónica y alternativa, altamente recomendada.

El grupo se formó en el año 2005, e glaterra, tienen en sus canciones u pausado y algo peligroso. Una de reinan en la oscuridad, con voces s instrumentos atípicos, que suman a cargadas de misterio. Luz verde pa supo hacerse un lugar en la escena Indie con unos discos sencillos per cargados de emoción, que no podr sacarte de la cabeza.

he XX:

en Londres, Inun sonido íntimo, esas bandas que susurrantes e a crear atmósferas ara este grupo que a ro rás

Arcade Fire: Son oriundos de Canadá y se posicionan dentro de una lista que incluye las mejores bandas Indie de los últimos tiempos. Sus letras son profundas y llenas de contenido, y las acompañan con un sinfín de instrumentos, tales como violines, violas, violonchelos, pianos, mandolinas, ukeleles, acordeones, xilófonos y hasta cuentan con un instrumento medieval que es la zanfona, lo que le otorga mucha versatilidad a su música. Otro elemento que los hace únicos, son sus presentaciones en vivo, cargadas de fuerza y de mucha energía, lo que resulta cautivador. Arcade Fire supo plantar bandera y conquistar a un gran espectro de audiencia, con arreglos encantadores, una buena masa instrumental y voces evocadoras.

Hay ciertas bandas cuyo amor por la música y gusto por la exploración, así como por su deseo de ponerle un alto al aparato de marketing que domina el mercado, se han dado a conocer, tratando de que la gente llegue a una melodía, a una música y hasta a un mensaje diferente. Son bandas que nacen con el sentimiento puro de la música por la música en sí, es la invasión de los indies, que nos acecha en cada esquina y que nos trae la promesa de llegar siempre un poco más allá. 

5 destacados d Según: Ariel Britos

Los 80s fueron una década muy particular en la historia de la música. La década que surgieron un sinfín de nuevos géneros, nuevas bandas y nuevos artistas que no solo dieron que hablar por su música sino también por las modas extravagantes que adoptaron tanto para sus presentaciones en vivo, como para su look diario.

os Ángeles fue la cuna del glamour en el rock. La tierra prometida y fértil para el nacimiento y crecimiento de numerosos artistas durante la década. Ciudad testigo de los excesos y los desbandes de un ambiente que con sus make-ups, lentejuelas, purpurinas y demás adornos revolucionaron la historia musical y marcaron un antes y un después entre la relación entre la moda y el rock. Mis 5 artistas más destacados del Glam rock son...

del glam rock Ann & Nancy Wilson:

Las hermanas mas sexys del hard rock. Oriundas de Seattle iniciaron su camino en el mundo de la música a mediados de los 70s cuando formaron Heart, una banda con un sonido muy folk con claras influencias de Led Zeppelin, la banda favorita de las hermanitas. De hecho han realizado varios covers de sus ídolos a lo largo de su carrera con una imagen puramente hippie. Ya en 1983 comienza el período a mi entender más importante de la historia de la banda donde ingresan al estudio ese año para grabar “Passionworks” con dos nuevos integrantes: el baterista Denny Carmassi y el bajista Mark Andes, sumado al guitarrista Howard Leese que ya venía de la formación inicial. Este “Dream-team” de músicos hace endurecer el sonido de Heart a punto de convertirlo en un hard rock potente que le da mucha mas importancia a las guitarras y a las power ballads que las hicieron conocidos en todo el mundo. A “Passionworks” le siguieron “Heart” de 1985 donde se destacan numerosos hits como “These dreams”,”What about love” o “Never”. Su punto de mayor éxito se realiza en 1987 con “Bad animals”, un disco perfecto de principio a fin que llegó al número 1 de todas las listas y logró el punto más alto de ventas gracias a canciones como “Alone” o “There´s the girl”. Una imagen cada vez mas llamativa se mostraba de las hermanitas, exhibiéndose más sexys en los videoclips. “Brigade” de 1990 fue otro disco excelente, pero salió a la luz cuando el Glam empezaba a perder fuerza, aún así muchos de sus singles fueron un éxito.

Nikki Sixx: Un bajista, ¿Quizás uno de los músicos más destacados del Glam? Sí, es que fue uno de los miembros fundadores y principal compositor de Motley Crue, la banda más Glam de todas, aquella que en un concierto en Canadá, en la aduana quisieron confiscarle todos sus maquillajes y elementos femeninos tras confundirlos con travestis. Más allá de la facha, Nikki es el bajista que trascendió el género y el instrumento que manipulaba para convertirse en una leyenda viva de la historia de la música. Nikki personificó todos los excesos habidos y por haber del rock. Estuvo muerto dos veces en 1987, el primer incidente fue el 14 de febrero de ese año cuando quedó inconciente tras una sobredosis en casa de su dealer, quien al creerlo muerto, echó su cuerpo a un tacho de basura, lo encontraron horas después y lo revivieron en un hospital de Londres. El 23 de diciembre a causa de otra sobredosis, fue declarado muerto en la ambulancia que lo trasladaba a un centro médico en el que cuando ingresó hicieron un último intento por revivirlo con dos inyecciones de adrenalina que afortunadamente hicieron volver a latir su corazón. Con el tiempo se limpió y hoy es un cincuentón saludable que lleva 30 años girando con Motley Crue, que en unos días regresa ala Argentina después de 2 años. También tiene una banda paralela fundada por el mismo llamada Sixx AM que ya va por su segundo disco.

Del

Bret Michaels: Si Decíamos que Motley era la banda más Glam de todas, Poison no se quedaba atrás. Motley-Poison era el superclásico, el RiverBoca del Sunset Strip. Otro sobreviviente del estilo de vida de Los Ángeles, aunque fuera de Pennsylvania, Bret se mudó ala ciudad del glamour junto a su amigo Rikki Rockett en 1984 para formar Poison. Por la audición de guitarristas para formar la banda pasó hasta el mismísimo Slash, quien no fue tenido en cuenta por usar mocasines, jean y remera. Obviamente apenas vieron a CC Neville con una campera de cuero blanca, pelo platinado y botas texanas no hizo falta mucho más para que fuera el elegido, más allá de que era un muy buen guitarrista. La formación se completó con Bobby Dall en el bajo y su disco debut fue “Look cat what the dragged in” de 1986. En 1988 tuvieron su pico de mayor éxito con “Open up and say…ahh! De donde salió ese himno de los corazones rotos que fue “Every rose has its thorn”: El éxito siguió con “Flesh & blood” de 1990, hasta que en esa gira los problemas con las drogas de todos los integrantes le jugó en contra a la banda y CC fue expulsado después de tomarse a golpes de puño con Bret. Mientras el grunge sonaba por todos lados, le dieron un giro brusco a su sonido en “Native tongue” de 1993 mezclando su clásico hard rock con elementos gospel, blues y soul, el disco no pegó y la banda luego estuvo inactiva por años. En los últimos tiempos Bret se dedicó al cine, a hacer exitosos reality shows con sus grupies, a jugar de jurado de concursos musicales, discos solistas, en fin: siempre se mantuvo activo y se ganó una nueva legión de jóvenes fans. El año pasado sufrió una hemorragia cerebral que lo dejó al borde de la muerte, pero como todo buen rockstar que tiene 7 vidas, zafó y sigue de gira deleitando a sus seguidores.

Joey Tempest:

Líder y emblema de Europe, la banda más lejana a Los Ángeles, pero que fue la pionera de los numerosos grupos glammies suecos que surgieron con el tiempo. Arrancaron a comienzos de los 80s cuando la por entonces novia de Tempest los anotó en un concurso de bandas en Suecia. Ellos fueron los elegidos por sobre otras 4000 agrupaciones y grabaron su disco debut homónimo en 1983, le siguió “Wings of tomorrow” un año después y ya en 1986 batieron todos los récords con una canción que hasta sonaba como himno deportivo, “The final Countdown”, con el que se hicieron famosos en todo el mundo. Mantuvieron el éxito en 1988 con “Out of this World”, pero entrando a la década infame para el Glam metal, se les ocurrió sacar un disco en 1991, el año “boom” del grunge. Obviamente “Prisoners in paradise” fue un fracaso total y la banda se separó. Joey y sus compañeros de banda se dedicaron a álbumes solistas y se volvieron a reunir en 2003. Con el productor de “The final Countdown”, entraron al estudio para grabar “Start from the dark”, disco que vio la luz en 2004 y tuvo buena aceptación. El año pasado, la gira de “Last look of Eden”, editado en 2009 los trajo de visita a nuestro país. Europe sigue vivo y le queda mucho hilo en el carretel.

Jon Bon Jovi: Oriundo él y su banda de Nueva Jersey fue un referente del movimiento angelino, de hecho apadrinó y produjo varias bandas que tuvieron éxito gracias a la bendición del dios Jon, entre ellas se encontraban Skid Row, la banda liderada por Sebastian Bach y Cinderella con Tom Keifer a la cabeza. Jon fue el líder de la primer banda Glam masiva que copó estadios y convocó multitudes en los festivales facturando millones. Vivió toda la década de los 80s de gira por ediciones de discos exitosísimos cada 2 años. Cerraron la década del glamour junto a las bandas más importantes del género en el Moscow Peace Festival en agosto de 1989. El cierre perfecto para una década perfecta, un festival a puro Glam. La virtud de Bon Jovi, fue que si bien mantuvo sus raíces musicales supo adaptarse perfectamente al contexto musical de cada época y todavía sigue llevando la música de su banda por cada rincón del planeta. 

t k c a B

w o h S o the

DIVIDIDOS

"Las Disquerias Se Van A Poner Un Puesto De Panchos"" Nota: Eugenia Ceballos Nota: Melina Galli A casi exactamente un año de su anterior visita a la docta el

sábado 16 de abril Divididos pisó nuevamente suelo cordobés y se presentó en el Orfeo Superdomo para brindarle a su publico uno de los mejores recitales en su haber.

a noche del sábado 16 de Abril se presentó bastante fría en las puertas del Orfeo Superdomo, mientras miles de jóvenes hacían cola para entrar, esperando, casi sintiendo el calor con el que los recibiría el power trío de Hurlingham. La cita fue planeada a las 21.30 hs y no pasaron muchos minutos más

antes de que la banda comenzara a tocar, casi coincidiendo con la moda puntual con la que se caracterizan los recitales últimamente (para satisfacción del público), antes, el rock en general se hacía rogar un poco más. Aunque muchos nos jugábamos la cabeza por que arrancarían con “Amapola del 66”, de los amplificadores comenzaron a salir

con mucha potencia los primeros acordes de “Elefantes en Europa”, continuaron con “Buscando un angel”, “Capo-Capon”, “Tanto Anteojo”, “Cosas de Baboon”, “Nene de Antes” y “Mantecoso”, como para comenzar con una primera etapa bien rockera. Aunque en los primeros temas el sonido falló un poco, dejando al bajo con algunos decibeles menos de lo habitual, para ese entonces la masa de gente ya se había encontrado, saltando, por fin con el calor humano. Me costó varios saltos lograr descifrar la inscripción diagonal que llevaba impresa la remera de Ricardo Mollo, la misma decía:

“Todos somos, todos fuimos, todos podemos ser”, tomemos conciencia. Slogan de la campaña con la cual se intenta concientizar sobre el alcohol y el volante y en la que participa también Luis Alberto Spinetta entre otros, pero ese no iba a ser el único mensaje de la noche, el compromiso social fue siempre un rasgo que caracterizó a Divididos y en especial a Mollo. El show continuaba recorriendo entera la discografía de la banda y a esa hora se traía un bloque para nostálgicos altamente cantable aún para los menos fanáticos: “El Arriero”, “Pepe Lui”, “Spaguetti del Rock”, y “Par Mil”. Sin desperdicios, para guardar en la retina y los oídos para siempre. El trío ya nos tiene bastante acostumbrados a volver a nuestras raíces, y aunque esta vez hubo mucho menos folclore que en

anteriores, fue igualmente notable. Mollo recordó su primera vez en el festival de Cosquín en el año 2008. Fuimos con un cagazo bárbaro... pero sentimos que fuimos bien recibidos reconoció antes de presentar al Dúo Coplanacu para tocar una gran versión de “La flor azul”, canción de autoría de Mario Arnedo, padre de Diego Arnedo, el hombre que hace magia con el bajo. Un clima cálido y terrestre se apoderó del escenario y al salir Los copla llegó el tema que muchos de los presentes esperábamos: “Cristófolo Cacarnú”. A continuación hizo presente Rubén Patagonia, comenzó a sonar la base de “Indio dejá el Mezcal”, y por encima el músico sureño entonaba en voz tehuelche los versos de “Talenke Yten”, completando una atmósfera de colores azules “Jujuy” puso la

a las disqueras, apoyando el pensamiento que muchos músicos (por suerte) comenzaron a tener piel de gallina a mas de uno. con respecto a esa forma arcaica Habían pasado ya más de una de producción y distribución de hora de espectáculo, el público la música. “Las disqueras se van realmente lo estaba disfrutando y a poner un puesto de panchos” cuando se podía pedir poco más dijo el músico que con 53 años, de lo que nos habían ofrecido se este año cumple 40 tocando la vino lo mejor. guitarra. Al fin y al cabo, que la Antes de tocar “Senderos” Ricardo música se difunda por Internet hizo referencia a la provincia de de una manera más horizontal Córdoba y a la explotación minera, a los únicos que perjudican es a creando un poco de conciencia los negocios que entretejen las “para que no nos sigan robando”. disqueras. Punto para Divididos. El repertorio siguió con “Perro Cada vez más en ascenso Funk” y antes de tocar el tema siguieron “Hombre en U”, “Sucio que le da nombre a su último y Desprolijo”, en homenaje al trabajo, “Amapola del `66” (8 años Carpo, Paraguay, Rasputin, El después de su último disco) Mollo hizo una crítica certera y eficaz

38, infaltable para avivar el pogo, “Ala Delta”, “Crua-Chan” recordando épocas de Sumo y tras el una mas del público volvieron para rematar con “Paisano de Hurligham” y “Sobrio a las Piñas/ Quien se ha tomado todo el vino”. Es verdad, muchos grandes del rock nacional ya se fueron, pero las casi 7.000 personas que presenciamos el recital el 16 de Abril estamos en condiciones de afirmar que Divididos sigue aplanando más que nunca y que en el país todavía hay tela para cortar. 

SLASH Paso Por Cordoba Nota: Victoria Clementi

El pasado 12 de abril, tuvimos una visita inesperada en Córdoba, estamos hablando del guitarrista Slash, que se presentó en el Orfeo Superdomo ante 5.000 personas brindando un show de más de dos horas que enamoró a algunos y a otros no tanto.

Sólo dos semanas antes se

pudieron arreglar los detalles para que el ex Guns N Roses pisara suelo cordobés. Además de esta presentación y la oficial el 10 de abril en el Estadio Malvinas Argentinas; se sumó una más íntima otra el 11 de ese mes en el Teatro de Colegiales.

El día del show las inmediaciones del Orfeo, se veía abarrotada de remeras de los Guns y algunas del guitarrista. El ingreso se realizó sin problemas, adentro el show no mostró demasiada sorpresa ni novedad. Un escenario prácticamente pelado con sólo una bandera de

fondo rezando la tapa del “Slash and Friends” y sin ni siquiera una pantalla grande para los que estaban más lejos, esperaba la ansiada salida del violero de la galera. Había demasiada expectativa, todos esperábamos una gran salida y grandes canciones y melodías. La banda liderada por Slash, formada por Myles Kennedy (voz), Bobby Schneck (guitarra), Todd Kerns (bajo) y Brent Fitz (batería),

salió puntual a encontrarse con el público que ovacionó el momento. Comenzaron los primeros riffs de Hudson y principalmente la gente que se encontraba en el (nuevo robo) “campo VIP” y el campo “popular” saltaba con emoción. El público fue mayoritariamente adolescente, que se suman a la nueva moda del “Me gustan los Guns” y otra parte del mismo estuvo formado por veitiañeros largos y algo más. Como era obvio el repertorio llevó consigo una larga lista de temas de la banda liderada por Axl Rose. Cabe destacar que cada una de estas canciones eran los puntos más álgidos de todo el recital, ya que en los temas del propio Slash, la mayoría se quedaba expectante por otro clásico de la banda de los 90’. Así es que se escucharon, casi todas las canciones del

disco debut de Guns N Roses: “Appetite for destruction”, como “My Michelle”, “Night Train”, “Paradise City”, “Patience”, “Rocket Queen”, “Civil War” y por supuesto “Sweet Child O’ Mine” entre otras. Además desarrollaron temas de la banda posterior que tuvo Slash luego de los Guns y su grupo más contemporaneo, Velvet Revolver. Principalmente la presentación no dejó demasiado para alagar, fue realmente un show más que entretuvo un rutinario martes por la noche. Slash no muestra ninguna novedad en vivo luego de más de 15 años de la separación de la banda que lo puso en el pedestal en el que está, su manera de tocar y personalidad escénica no resaltaron más que su galera. Debo aclarar que indudablemente es un guitarrista que marcó una época, que además forjó a otros

guitarristas pero que no fue más allá de lo que siempre supo. Cosa que demostró en las extensas improvisaciones que no aburrían por lo largas sino por lo carentes de originalidad. Slash como artista virtuoso quedó en los 90’ y lo que vemos ahora es sólo una figurita repetida de ese momento. La pasada de este violero por Córdoba marcó algunas vidas y quedo tatuado en cuerpos y mentes, pero realmente pienso que a este show no le falto rock & roll sino más pasión. 

The Cult

El Show Nota: Ariel Britos

De entrada, era una incógnita saber con que nos íbamos a encontrar todos los que asistiríamos al show de una de las bandas más prolíficas de los 80s si tenemos en cuenta que por entonces sacaban un disco año de por medio. La primera mitad de aquella década con un sonido oscuro junto a tintes góticos y la segunda definitivamente virando hacia el hard rock. Las puertas de la Vieja Usina se abrieron un rato más tarde de

En Cordoba:

w De Las Sorpresas lo estipulado y los asistentes llegaron a dos mil, una cifra bastante inferior a las cinco mil que tiene de capacidad el lugar. Para matizar la espera salió a escena en primer lugar Black Dog, una banda tributo a Led Zeppelin que hizo arrancar los primeros gritos de rock n roll a la gente que iba llegando, posteriormente fue el turno de los efectivos Hammer, la banda de heavy metal cordobesa, más reconocida internacionalmente, que también comenzó a agitar el espíritu

rockero con los primeros pogos de la noche. Luego de un largo bache de alrededor de una hora, donde la gente comenzó a impacientarse y a exigir la salida a escena de la banda de Brístol, se empezaron a develar las primeras incógnitas: Se vio un Ian Astbury muy diferente al que solíamos ver en las últimas fotos promocionales de la banda o sus últimas actuaciones. Se observó un Astbury barbado, desprolijo y excedido de peso, pero con la estampa rocker de

siempre y lo más importante, su voz intacta. El show arrancó con un clásico de todos los tiempos de la banda, “Rain” que hizo emocionar y saltar a todos los presentes mas allá de ser una balada. Una de las mayores virtudes de The Cult en su paso por Córdoba fue la interacción con el público, por momentos el recital se asemejaba a los de tantos artistas under que tocaban en el viejo Capitan Blue, donde los tenías a todos al alcance de las manos porque los músicos eran tus amigos, eso pasó en la Usina. El cantante interactuaba y hablaba con el público constantemente, contaba anécdotas de toda la historia de The Cult, jugaba con los regalos que la gente le tiraba hacia el escenario, y cubría los amplificadores con remeras, banderas y demás accesorios.

Uno de los momentos más excitantes de la noche fue cuando arrojó su pandereta hacia la gente. Un showman total. El bajista Chris Wyse, fue otro de los miembros de la banda que hizo delirar al público no solo por su presencia escénica sino por hacerle sentir a la gente que estaba ahí por ellos, les estiraba sus manos, mostraba sus pulgares arriba y apuntaba a los más delirados con su bajo. Billy Duffy, el guitarrista principal y miembro fundador de la banda fue quizás el más sobrio de todos, por no decir el que sólo se remitió a lo suyo y nada más, pero por supuesto cumplió con creces su tarea. El recital terminó bien arriba con “Break on through” el clásico de The Doors. Dio la sensación de que faltaron algunos clásicos como “Edie

(ciao baby)” y “Firewoman”, pero también sorprendió gratamente la inclusión en el setlist de canciones como “Saints are down” o “White”. Temas para emocionar a cualquiera. En definitiva, The Cult hizo rockear duro a unos pocos privilegiados que seguramente no se olvidarán de esa noche en la Usina. Fue un show que colmó las expectativas sobre todo porque varios no sabían con qué se iban a encontrar, ya que la banda estaba en silencio hace rato, en Córdoba lo rompieron y demostraron a puro rock que siempre están, aunque no los veamos. 

IRON MAIDEN

La Oscuridad Que No Da Miedo

Nota: Marina Miguel

Por sexta vez Iron Maiden visitó nuestro país el 8 de Abril, presentando su último disco The Final Frontier. Brindaron un concierto para más de 40 mil personas desparramadas por toda la cancha, que se dieron el lujo de ver a la bestia del metal en vivo.

Las expectativas hasta ese

momento eran miles, pero las ganas de escuchar Aces High, Run to the Hills y Wasted Years, quedaron guardadas en el cajón, o mejor dicho, en el DVD Flight 666, porque no los hicieron… ¡¡Y cómo no van a tocar esos temas!! Es lo primero que se escuchó entre muchos de los pibes que presenciaron el evento. Era sabido, tocarían la mayoría de sus temas nuevos y un par de éxitos. “Si querías un show de clásicos tendrías que haber ido al que

hicieron en el 2009, ahora jodete”. Por toda la ciudad de Buenos Aires se veían remeras negras de Iron Maiden. Desde muy temprano la congregación metalera se anticipaba a lo que iba a darse esa noche. Una gran celebración. Los británicos pisaron suelo argentino una semana después del 2 de abril, pero no importa, ahí sabemos que no tienen nada que ver los Estados, esa pelea entre países, con la música. Todos en ese momento estaban decididos a escuchar a una de las mejores

bandas del Heavy Metal. Final Frontier Tour, ese es el título del recital que vinieron a hacer a la Argentina, y que desde junio del 2010 viene pisando suelo de 22 países en el mundo, y concluirá en junio de este año. Y por Buenos Aires el show se vio con un escenario no muy deslumbrante como el que llevaban en otras giras, más que unos paneles gigantes que mostraban imágenes, luces y decoraciones acordes con su último disco, la salida de un Eddie que tocaba la viola, una calavera gigante con ojos rojos y una boca monstruosa que se abría y se cerraba casi al final del show. Llegamos tarde para acomodarnos, lo vimos de lejos… era tanta la gente que hacer un paso para adelante era imposible. Negro, negro, negro por todos lados, cero espacios, ni hacer puntitas de pie te permitía ver

hacia el escenario. Volver hacia atrás de la columna de sonido. Pantalla gigante salvadora. No es lo mismo, el escenario no se ve en su totalidad, sólo se ven cabezas y muchachitos muy chiquitos. La realidad es que no hay oportunidad para avanzar. En fin. El sentido de un recital es escuchar la música. Y tres guitarras magistrales es más que emocionante. Tres guitarras, con estilos diferentes, que coordinaban la una con la otra en los punteos, en los acordes, en todo, y no eran tres guitarras comunes y corrientes, eran las guitarras de ellos: Murray, Gers y Smith. Harris con sus amados cata clan cata clan cata clanes; McBrain destrozando la batería. Y por supuesto, Dickinson, demostrando que su voz no envejeció, cantando de una manera impecable, comiéndose el escenario, aunque

con cara de ojete cuando un “pasional” fan prendió una bengala y se tuvo que comer todo el humo. Las composiciones a esta altura no son las mismas, y cuesta digerir un disco nuevo, pero hubo que escuchar, cuando hubo que escuchar, y saltar cuando hubo que saltar. Entre clásicos y temas nuevos, empezaron con Satellite 15… The Final Frontier, y El Dorado. Y ese monstruoso sonido se instalaba en toda la cancha, todo el público empezaba a descontrolarse, el show no podía ser mejor, y menos si el objetivo era grabar el próximo DVD de la banda, que eligió al público argentino y al chileno para mostrar, y desde el escenario se le pedía mucha más pasión a la gente para que quede registrado en esas cámaras (aunque el sonido, dicen, iba a ser sacado

desde el recital de Brasil). Para inyectarle más energía al público, apareció 2 minutes to midnight. Continuaron con su disco nuevo, tocando The Talisman, el nostálgico Coming Home, Dance of Death, y un Clásico más: The Trooper. Acto seguido hicieron The Wicker man del disco Brave New World, continuaron mezclando las canciones con sus nuevos temas, y aplastaron las cabezas de la gente con The evil that men do (con el que más de uno lloraba), y no pararon de hacer lo que todos querían: escuchar clásicos. Fear of the dark, Iron Maiden, se encendieron bengalas, The Number of the beast, Hallowed be thy name, termina el show con Running Free, piden más, no va más. Todo termina ahí. Salir de la cancha se hace difícil. Desde el campo las miles de

personas hacen cola y se aprietan entre sí para poder volver a casa. A lo lejos se escucha “claro, los de Vélez no están preparados para tanta gente, si no viene nadie a la cancha”, risas entre todos los que escucharon ese comentario. “Paren loco no se empujen, vayan con cuidado”, “salgan por acá”, temor a no salir accidentados. “Estuvo buenísimo, no lo puedo

creer”. Olores-todos. Cerveza, remeras de Maiden, calcomanías. Negro, negro, negro. Y parece mentira, se hace muy larga la espera hasta que llega el día del show, que dura dos horas y pico, y a esta altura pareciera que duraría lo mismo que dura un petardo en explotar. 

SAN FRANCISCO

En El Interior Se Llenan El Mate De Roc Nota: Manuel Montali

Infantes de no más de 60

centímetros de alto, recreando algunas de las muecas y poses clásicas del rock, enfrentando un escenario cual modernos Quijotes cabalgando sobre una guitarra de juguete, frente a jóvenes, adultos y ancianos que matean en el ocaso de una tarde de domingo, cuya modorra se ve

sin embargo ahuyentada por los sones rockeros de la banda de fondo, tal es una de las postales clásicas de los fines de semana en San Francisco, ciudad devenida en polo de atracción para los rockeros del interior provincial. Desde que el año pasado la municipalidad de esta localidad del este cordobés ideó el festival “Llenate el mate de rock”, con el

propósito de dar cobijo a todas las bandas que durante años habían nacido y muerto sin norte en una ciudad que se creía cuartetera, más de 80 agrupaciones locales y de la región ya pisaron el escenario de la Plazoleta Villafañe, demostrando que el rock diurno, sin sexo, alcohol ni drogas, con un público familiero que se deleita a base de facturas y amargos, sigue

siendo rock. En este evento digno de ser destacado cualquiera sea el color político, los conjuntos rockeros se encuentran ya servida la mesa con el escenario, sonido, luces, dispensers de agua, yerba, baños químicos y hasta el público fiel, debiendo tan sólo preocuparse por respetar la grilla diseñada para cada domingo (donde se presentan entre 3 y 5 bandas desde las 16 y hasta las 20 horas) y dar en poco más de 45 minutos lo mejor de su repertorio, que a su vez es transmitido en vivo y en directo por medios locales. El evento, actualmente en su tercer ciclo (luego de dos exitosos desarrollos durante 2010), consiguió dar un importante impulso a músicos de la ciudad, incluso pre-púberes que recién

están cambiando la voz, afinando sus primeras cuerdas o perturbando a los vecinos con la génesis de una percusión. Muchas bandas se formaron con el propósito de tener su bautismo de fuego en este escenario, mientras que otras de ya larga data, rockeros de patillas canosas y cabelleras que van raleando sobre el bocho, volvieron a los ensayos para formar parte de este espacio inédito de reunión entre personas de ambos sexos y múltiples edades. La recuperada Plazoleta que hasta entonces servía sólo de refugio de alimañas, borrachos de ocasión, amantes furtivos y vocacionales autores de vandalismo para con el busto del ex intendente que da nombre al espacio, se ha convertido asimismo en un espacio de expresión para

muralistas, diseñadores de graffities o esténciles, junto a artistas circenses que mientras unos tocan, otros pintan y el resto escucha, se dedican a practicar sus malabares. Entre los géneros, el criterio es igual de amplio, ya que han desfilado agrupaciones con estilo rollinga, alternativo, punk, indie, metalero, progresivo, rapcore, gótico, blues y reggae, con perversiones bastardas propias del rejunto de varios hijos del mismo rock. Bandas locales como las eternas Britannia o La mama blues, Templo del Rey, los respectivos referentes del punk e indie, Flipper y The Rhombuses, junto a la prometedora Malos Tratos, a las que se sumaron algunas de recorrido regional como Río Sagrado y cierres de lujo con las ya consagradas Sur Oculto

y Carajo, han hecho de estos domingos una fiesta ecléctica. Entre ciclo y ciclo, además, ha ido fogueándose un público propio al rock local, con un espacio personal (como el sueño del pibe por tener la pieza propia, con televisor incluido y control remoto), algo de cuya dificultad pueden dar testimonio los empresarios de la noche que fracasaron la mayor parte de las veces que intentaron dar continuidad a un local de estas características. Con rédito político o no, lo cierto es que las personas del este provincial -un porcentaje importante sin edad para votar-, pueden estar agradecidas de contar, mientras dure la voluntad política, de un escenario para domingo a domingo llenarse el mate de rock. 

LOBO SUELTO

MAYO 2011