In the vibrant heart of Milan, the undisputed capital of design, Londonart is preparing to hold a unique meeting, where visual, sensory and emotional experiences intertwine in a symphony of diversity. In this issue, the story is enriched by the Bon Voyage collection, Alex Turco’s unique surfaces and the new Exclusive Wallpaper collection, which capture the essence of contemporary beauty and invite us to observe the world with new eyes. The central theme of this issue is the strength of the collective, the return to shared experiences: from the journey to the encounter between souls and thoughts. Travelling, today, is not only discovering new places, but an opportunity to rediscover the sense of community that often seems to elude us. The art of travel is also a path of growth and reflection, where beauty lies not only in the arrival, but above all in the path we choose to take. This issue does not limit itself to collecting images, but narrates the story of art as a universal and powerful language, capable of transmitting emotions and stimulating reflections, as in the exclusive interview with Ugo Nespolo, who reveals his artistic philosophy. Fabio Daglio then leads us to reflect on how increasing digitisation is transforming the design of Retail spaces, pushing us to explore new approaches that meet the needs of an increasingly integrated customer between online and offline. Fashion is still the protagonist, bold and sophisticated and becomes a manifesto revealing itself as a total form of expression in the women’s trends selected for us by Philippe Trentin. And then, the new Boho Rich spirit, a reinterpretation of the iconic boho-chic style that blends the elegance of luxury with a bohemian aesthetic, without forgetting the deep commitment to sustainability. In these pages, we also explore the purity of the ingredients, with natural yeast becoming a symbol of dedication and love for tradition. A special chapter is dedicated to the Tableware Londonart project, which celebrates the art of travel and conviviality through a refined collection of handcrafted porcelain dishes, decorated with the evocative landscapes of Bon Voyage. In this issue, the journey with Londonart is not just an invitation to slow down, but an opportunity to reflect and connect with what really matters. In a world that runs non-stop, this search for shared beauty reminds us that life is made up of encounters of thoughts and moments, an act of care and respect that knows no boundaries. Art will probably not save the world, but it is undoubtedly the only powerful weapon we have to affirm our voice, denounce injustices and leave our mark. In an age when everything seems to slip away, art remains the only language capable of expressing what would otherwise, remain silent.
Happy travels and happy reading
Valentina Pepe
EDITORIALE
Nel cuore vibrante di Milano, capitale indiscussa del design, Londonart si prepara a celebrare un incontro unico, dove esperienze visive, sensoriali ed emotive si intrecciano in una sinfonia di diversità. In questo numero, il racconto si arricchisce della collezione Bon Voyage, delle superfici uniche di Alex Turco e della nuova collezione Exclusive Wallpaper, che catturano l’essenza della bellezza contemporanea e ci invitano a osservare il mondo con occhi nuovi. Il tema centrale di questo numero è la forza del collettivo, il ritorno a esperienze condivise: dal viaggio all’incontro tra anime e pensieri. Viaggiare, oggi, non è solo scoprire nuovi luoghi, ma un’opportunità per riscoprire il senso di comunità che spesso sembra sfuggirci. L’arte del viaggio è anche un percorso di crescita e riflessione, dove la bellezza risiede non solo nell’arrivo, ma soprattutto nel cammino che scegliamo di intraprendere. Questo numero non si limita a raccogliere immagini, ma racconta l’arte come linguaggio universale e potente, capace di trasmettere emozioni e stimolare riflessioni, come nell’intervista esclusiva ad Ugo Nespolo, che ci svela la sua filosofia artistica. Fabio Daglio ci porta poi a riflettere su come la digitalizzazione crescente stia trasformando la progettazione degli spazi Retail, spingendo a esplorare nuovi approcci che rispondano alle esigenze di un cliente sempre più integrato tra l’online e l’offline. La moda è ancora protagonista, audace, sofisticata e diventa un manifesto rivelandosi come una forma totale di espressione nelle tendenze donna selezionate per noi da Philippe Trentin. E poi, il un nuovo spirito Boho Rich, una reinterpretazione dell’iconico stile boho-chic che fonde l’eleganza del lusso con un’estetica bohemienne, senza tralasciare un impegno profondo verso la sostenibilità. In queste pagine, esploriamo anche la purezza degli ingredienti, con il lievito madre che diventa simbolo di dedizione e amore per la tradizione. Un capitolo speciale è dedicato al progetto Tableware Londonart, che celebra l’arte del viaggio e della convivialità attraverso una raffinata collezione di piatti in porcellana artigianale, decorati con i paesaggi evocativi di Bon Voyage. In questo numero, il viaggio con Londonart non è solo un invito a rallentare, ma un’opportunità per riflettere e connettersi con ciò che davvero conta. In un mondo che corre senza sosta, questa ricerca di bellezza condivisa ci ricorda che la vita è fatta di incontri di pensieri e momenti, un atto di cura e rispetto che non conosce confini. Probabilmente, l’arte non salverà il mondo, ma senza dubbio è l’unica potente arma che abbiamo per affermare la nostra voce, denunciare le ingiustizie e lasciare il nostro segno. In un’epoca in cui tutto sembra sfuggire, l’arte rimane l’unico linguaggio capace di esprimere ciò che altrimenti, resterebbe in silenzio.
CONTENT / 08 #LONDONART EXCLUSIVEWALLPAPER25 / 12 # FASHION WHEN ELEGANCE REVEALS ITSELF! / 20 #LONDONART TALE BOOKS BON VOYAGE / 24 #CLOSEUPTALK REJECTING LABELS, EMBRACING FREEDOM: UGO NESPOLO’S PHILOSOPHY OF ART / 30 #LONDONART TABLEWARE: THE DESIGN THAT DECORATES THE TABLE / 34 #TREND BOHO RICH: THE SUSTAINABLE LUXURY OF ETHNO-CHIC / 42 # LONDONART ARTISTIC SURFACES BY ALEX TURCO THE COLLECTION THAT TURNS SURFACES INTO ART / 48 #TRAVEL THE REBIRTH OF COMMUNITY TOURISM AND THE NEW FRONTIER OF COLLECTIVE AND TRANSFORMATIVE EXPERIENCES / 54 #LONDONART PARAVENTO: TRADITION AND INNOVATION IN CONTEMPORARY DESIGN / 60 #FOOD SOURDOUGH STARTER: THE REBIRTH OF AN ANCIENT INGREDIENT, BETWEEN TRADITION AND INNOVATION. / 66 #LONDONART UNLIMITED: INNOVATION AND DESIGN FOR CONTEMPORARY SPACES / 72 #DESIGN & ARCHITECTURE RETAIL UNIVERSE: RESILIENCE AND NEW APPROACHES TO THE CUSTOMER
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THE NEW COLLECTION BY LONDONART IS A PERFECT FUSION OF ART AND DESIGN, WHERE EACH SURFACE BECOMES A VISUAL NARRATIVE CAPABLE OF TRANSFORMING SPACES. UNDER THE ARTISTIC DIRECTION OF NICOLA BOTTEGAL, WITH CONTRIBUTIONS FROM THE LONDONART CREATIVE TEAM - RICCARDO ZULATO, VALERIA ZALTRON, AND JOEL RUBIN - AND A SPECIAL COLLABORATION WITH GIOPAGANI, THE COLLECTION OFFERS A DIVERSE RANGE OF WALLPAPERS. FROM BOLD GEOMETRIC PATTERNS TO EVOCATIVE PHOTOGRAPHIC COMPOSITIONS AND DELICATE ARTISTIC DECORATIONS, EACH DESIGN IS CRAFTED TO BRING CHARACTER, ORIGINALITY, AND AESTHETIC IMPACT TO BOTH RESIDENTIAL AND COMMERCIAL SPACES.
La collezione Exclusive Wallpaper 25 di LONDONART è un incontro perfetto tra arte e design, dove ogni superficie diventa un racconto visivo capace di trasformare gli spazi. Sotto la direzione artistica di Nicola Bottegal e il contributo del team creativo
Londonart, composto da Riccardo Zulato, Valeria Zaltron e Joel Rubin, con la partecipazione speciale di GioPagani, la collezione propone una varietà di carte da parati che spaziano dalle geometrie audaci alle composizioni fotografiche evocative, fino a delicate
decorazioni artistiche. Ogni elemento è pensato per adattarsi con versatilità a ogni ambiente, valorizzando con eleganza sia gli spazi residenziali che quelli commerciali, conferendo loro carattere, originalità e impatto estetico.
WHEN ELEGANCE REVEALS ITSELF!
WOMEN’S SPRING / SUMMER 2025 TRENDS
AUTHOR: PHILIPPE TRENTIN
WINTE R IS FINALLY OVER AND W E ARE LOOKING FORWARD TO DISCOVERING THE TRENDS FOR THE COMING SPRING-SUMMER. EROTICISM HAS INFLUENCED MANY OF ITS SILHOUETTES. STARTING WITH THOSE OF BALENCIAGA, WHERE LINGERIE PLAYED WITH TROMPE-L’ŒIL EFFECTS, UP TO VALENTINO’S FIRST DÉFILÉ UNDER THE DIRECTION OF ALESSANDRO MICHELE, WITH UNDERWEAR ROOTED IN A CHARMING IDEA OF BOUDOIR. THIS SEASON, WE GET DRESSED AGAIN, BUT IT IS ALSO IMPORTANT THAT WE FEEL GOOD IN OUR BODY: SPORTSWEAR FINDS NEW SPACES, BROUGHT BY A BALLET AESTHETIC.
Lingerie, always among the main trends
Mini-shorts are paired Like lingerie, minishorts continue to be a seductive piece of clothing. The trend is simple: the shorter the better. Next summer, it will be worn in combination with a matching shirt. At Miu
Come la lingerie, il minishorts continua a sedurre. La tendenza è semplice: più è corto, meglio è. Per la prossima estate, si indossa in abbinamento con una maglia coordinata.
Miu, it creates BCBG look with a polo shirt. Gucci revisits the sixties, dyed in lemon green, while Chanel points to the striped sweater for a casual touch.
Among the spring-summer 2025 trends: lingerie and underwear continue to reveal themselves. In particular, Balenciaga focuses on trompe-l’œil tracksuits. Dolce & Gabbana reinterprets the dusty rose Madonna-style
Tra le tendenze primaveraestate 2025: la lingerie e gli indumenti intimi continuano a svelarsi. In particolare, Balenciaga punta su tute trompel’œil. Dolce & Gabbana reinterpreta il corsetto rosa polveroso in stile
corset, bringing a retro and bold touch. More essential, the corset transforms into a Schiaparelli polo shirt, while Lemaire transforms high socks into tights. Finally, lace tights and stockings stand out as seductive accessories by Valentino, under the direction of Alessandro Michele. A boudoir aesthetic that plays with the contrast between what is hidden and what is revealed. Sensuality is clearly present!
Madonna, portando un tocco rétro e audace. Più essenziale, il corsetto si trasforma in polo da Schiaparelli, mentre Lemaire trasforma le calze alte in veri e propri collant. Infine, i collant e le calze in pizzo si impongono
Da Miu Miu, adotta un look BCBG con una polo. Gucci rivisita gli anni Sessanta, tinti di verde limone, mentre Chanel punta sulla maglia a righe per un tocco casual.
come accessori seducenti da Valentino, sotto la direzione di Alessandro Michele. Un’estetica da boudoir che gioca con il contrasto tra ciò che è nascosto e ciò che viene rivelato. La sensualità è chiaramente presente!
QUANDO L’ELEGANZA
SI SVELA!
Tendenze Donna Primavera Estate 2025
L’inverno è finalmente finito e con impazienza scopriamo le tendenze per la prossima primavera-estate.
L’erotismo ha influenzato molte silhouette. A cominciare da quelle di Balenciaga, dove la lingerie giocava con effetti trompe-l’œil, fino al primo défilé di Valentino sotto la direzione di Alessandro Michele, con l’intimo radicato in una deliziosa idea di boudoir. In questa stagione, ci vestiamo nuovamente, ma è anche importante sentirsi bene nel proprio corpo: lo sportswear guadagna nuovi spazi, portato da un’estetica da balletto.
The “balletcore” trend inspires fashion designers. From Dior, Simone Rocha and of course Miu Miu, the looks inspired by classic ballerinas renew the sportswear style with grace and delicacy. Let’s not forget the great return of ballerinas, in sneaker version, by Miu Miu and Loewe, adorable! When sport and wellbeing dictate our daily lives... The body takes on couture accents, with effects of overlaps and cuts, starting a new fashion ballet.
La tendenza “balletcore” ispira i designer di moda. Da Dior, Simone Rocha e naturalmente Miu Miu, i look ispirati dalle ballerine classiche rinnovano lo stile sportswear con grazia e delicatezza. E, senza dimenticare il grande ritorno delle ballerine, in versione sneaker, adorabili da Miu Miu e Loewe! Quando lo sport e il benessere dettano il nostro quotidiano… Il body assume accenti couture, con effetti di sovrapposizioni e tagli, dando il via a un nuovo balletto della moda.
“Indie Sleaze” fringes
and dresses
Asymmetrical suits and jackets
Iconic silhouette of the Saint Laurent fashion show, as a tribute to the founder of the maison, the men’s suit is one of the main spring-summer 2025 trends. Extending spring-summer 2024, resolutely boyish by Dior
Silhouette iconica della sfilata Saint Laurent, in omaggio al fondatore della maison, il completo maschile si impone come una delle principali tendenze primavera-estate 2025. Prolungando la primavera-estate 2024,
Also this season: fringes move everywhere, revealing legs in a subtle way. They come in very different styles for equally different effects, but remain relatively easy to wear both for a daytime and nighttime look. As a natural
Anche questa stagione: le frange si muovono ovunque, rivelando le gambe in modo sottile. Si declinano in stili molto variati per effetti altrettanto diversi, ma rimangono relativamente facili da indossare sia di giorno che di sera.
consequence of the fringe trend, sleek indie dresses are making a comeback. We are inevitably reminded of Kate Moss, Sienna Miller or Alexa Chung in the 2000s. Bohemian, rock and sexy, sleaze indie dresses stand out for
Come naturale conseguenza della tendenza delle frange, gli abiti indie sleaze fanno il loro ritorno. Pensiamo inevitabilmente a Kate Moss, Sienna Miller o Alexa Chung negli anni 2000. Bohémien, rock e sexy, gli abiti indie sleaze
their sexy baby doll shapes, pastel colours and romantic lace details. A style that makes its great return among the springsummer 2025 trends: seen by Miu Miu, Fendi, Chloé...
si distinguono per le loro forme baby doll sexy, i colori pastello e i dettagli in pizzo romantico. Uno stile che fa il suo grande ritorno tra le tendenze primavera-estate 2025: visti da Miu Miu, Fendi, Chloé…
and Stella McCartney, dares eccentricity in burgundy tones by Gucci and Bottega Veneta. And to stand out, nothing better than a new cut, like trousers with asymmetrical legs. The asymmetry is technical,
risolutamente boyish da Dior e Stella McCartney, osa l’eccentricità in tonalità bordeaux da Gucci e Bottega Veneta. E per distinguersi, niente di meglio che un nuovo taglio, come i pantaloni con gambe asimmetriche.
especially this season, when it imposes itself on the trousers. The trousers go off the beaten path and focus on hybridisation and the unexpected. The silhouettes of Bottega Veneta, Coperni, Victoria Beckham and Louis
L’asimmetria è tecnica, soprattutto questa stagione, quando si impone sui pantaloni. Il pantalone esce dai sentieri battuti e punta sull’ibridazione e l’inatteso. Le silhouette di Bottega Veneta, Coperni,
Vuitton bring elegance and boldness. Jackets will be the real highlight of the spring-summer 2025 collections. Between bold silhouettes and vintage influences, the maisons redefine the codes of style with bold
Victoria Beckham e Louis Vuitton portano eleganza e audacia.
Le giacche saranno il vero pezzo forte delle collezioni primavera-estate 2025. Tra silhouette audaci e influenze vintage, le maison ridefiniscono
and versatile proposals. Prada and Miu Miu focus on essential cuts and innovative materials, while Loewe, Saint Laurent and Bottega Veneta explore decidedly sculptural volumes: it is the large jacket
i codici dello stile con proposte audaci e versatili. Prada e Miu Miu puntano su tagli essenziali e materiali innovativi, mentre Loewe, Saint Laurent e Bottega Veneta esplorano volumi decisamente scultorei: è la
with straight, almost rectangular shoulders, sometimes immense. It recounts this return to the formal and the suit after years dominated by streetwear. In a period of uncertainty, it allows us to affirm our identity!
giacca grande con spalle dritte, quasi rettangolari, a volte immensa. Racconta questo ritorno al formale e al tailleur dopo anni dominati dallo streetwear. In un periodo di incertezze, permette di affermare la propria identità!
L’Âme Amazonienne BNV03-A
Le Cœur Méditerranéen BNV08-A
Les Plaines Sauvages BNV01-D
20 EVERY CORNER OF THE WORLD TELLS A STORY, INVITING US TO DISCOVER AND MARVEL. TALE BOOKS CONTINUES ITS NARRATIVE WITH BON VOYAGE, AN EXQUISITE JOURNEY THROUGH SOME OF THE MOST FASCINATING AND EVOCATIVE PLACES ON EARTH. CURATED BY NICOLA BOTTEGAL, THIS COLLECTION CELEBRATES THE BEAUTY OF EXTRAORDINARY LANDSCAPES BY BLENDING THE ART OF DESIGN WITH THE MASTERY OF PAINTING. EVERY PIECE TELLS A TALE; EVERY DETAIL OPENS A DOORWAY TO A NEW HORIZON.
These wallpapers are genuine works of art, showcasing captivating landscapes that conjure the unique atmospheres of faraway lands. The collection draws inspiration from diverse places and cultures: the mystique of India and Brazil, the timeless serenity of Tuscany, the enchanting allure of Iceland and the African savannah, the grandeur of mountain peaks, and the shimmering magic of the Venetian lagoon. Each design pays homage to the natural beauty and evocative power of our planet. Imagine yourself standing amidst the vastness of sequoia forests or soaring above the crystal-clear waters of hidden paradises.
Every subject in the collection is a celebration of nature, envisioning ideal cities and dreamlike landscapes where humanity and the environment exist in perfect harmony. This project stems from the vision of an unbounded world waiting to be explored. It’s an invitation to embrace travel as a transformative experience. Whether inspired by far-off lands or poetic imaginings, each design has been meticulously crafted to transport viewers into a realm of emotions, colours, and stories waiting to unfold.
With Tale Books: Bon Voyage, every wall becomes a canvas of beauty and discovery, bringing distant worlds into your space.
Ready to embark on the journey? The adventure begins now.
Ogni angolo del mondo custodisce una storia da raccontare, invitando alla scoperta e alla meraviglia. Tale Books continua il suo racconto con il primo capitolo di Bon Voyage, un viaggio senza tempo attraverso alcuni dei luoghi più affascinanti e suggestivi del nostro pianeta. Curata da Nicola Bottegal, la collezione nasce dal desiderio di celebrare la bellezza dei paesaggi più straordinari, unendo l’arte del design alla maestria della pittura. Ogni soggetto racconta una storia, ogni dettaglio è una porta aperta su un nuovo orizzonte.
Queste carte da parati sono vere e proprie opere d’arte, con paesaggi preziosi e suggestivi che evocano l’atmosfera unica di terre lontane. I soggetti della collezione si ispirano a luoghi e culture, come le distese misteriose dell’India e del Brasile, la serenità senza tempo della Toscana, le terre affascinanti dell’Islanda e della savana africana, le vette maestose delle montagne e la magia liquida della laguna di Venezia. Ogni paesaggio è un tributo alla bellezza naturale e alla potenza evocativa della terra. Immaginatevi immersi nella vastità delle foreste di sequoie, o sorvolando le acque cristalline di paradisi nascosti.
Ogni soggetto della collezione è un inno alla natura, ma anche alla ricerca di città ideali e paesaggi immaginari, dove l’uomo e l’ambiente si incontrano in perfetta armonia. Questo progetto prende vita dalla visione di un mondo da esplorare senza limiti. È un invito a vivere il viaggio come esperienza trasformativa. Che si tratti di paesaggi lontani o di visioni poetiche, ogni design è stato pensato per trasportare chi lo guarda in un mondo ricco di emozioni, sfumature e racconti da vivere.
Con Tale Books: Bon Voyage, ogni parete si trasforma in una narrazione di bellezza e scoperta, dando forma a mondi lontani che sembrano entrare direttamente negli ambienti. Pronti per partire? Il viaggio inizia ora.
Le Jardin Éternel
BNV09-A
REJECTING LABELS, EMBRACING FREEDOM: UGO NESPOLO’S PHILOSOPHY OF ART
AUTHOR: VALENTINA PEPE
Ugo Nespolo, born in 1941, is one of the most important figures on the Italian art scene, with a career that ranges from painting to cinema, from literature to philosophy, from music to television and advertising. His works, characterised by lively plays and a sense of experimentation, are part of an innovative context that also embraces the world of film and the visual arts. Nespolo has travelled the world, participating in exhibitions and recitals, collaborating with major publishing houses and leaving an indelible mark in every sector in which he has ventured. His production, vast and varied, includes paintings, sculptures, films, advertising posters, theatrical sets and costumes. His artistic approach, in constant evolution, is distinguished by the use of unconventional techniques and materials, giving testimony of an eclecticism that has gained critical recognition. His creative spirit is like a river in constant movement, always ready to set new courses and to renew itself. Nespolo uses all the means of expression at its disposal, creating a stylistic evolution that, although changing over time, preserves a deep coherence and a balance between the everyday and the spiritual dimension. His approach, steeped in research and experimentation, rejects ephemeral fashions, keeping its intrinsic value intact. We met him in his studio in Turin for an exclusive interview, during which he told us about his vision of art, underlining his relentless search for new styles. As he himself said: “Art is the attempt to translate the invisible into the visible, to shape the shapeless, to create a bridge between intuition and reality.”
Valentina Pepe: How would you describe your approach to art and how has it evolved over the years?
Ugo Nespolo: I have always been an artist, and I consider mine as a journey that adapts to the circumstances of the moment. I tried to keep up with the times, constantly evolving. An example that comes to mind is Picasso, whose work has changed profoundly over the course of his career, demonstrating the importance of constantly renewing and adapting. Art, for me, is an ever-changing process.
V: What were the main masters or influences that marked your artistic training?
U: It is difficult to identify a single master or a specific figure. Rather, it was the currents of thought and avantgarde movements that exerted a strong influence on me. In particular, Futurism fascinated me with its innovative vision of art, understood not only as a manual gesture, but as a cultural and intellectual expression. The ability to think and make art in radically new ways has had a significant impact on my training.
V: Throughout your career, you have explored different styles, from Pop Art to Conceptual Art. How do you decide which direction to take for each new project?
U: I was lucky enough to work for many years, starting and living the first periods of my career in the United States, during the birth of Pop Art. At that time, there was a strong push towards innovation and experimentation. Over time, however, things have changed and new cultural currents have emerged. Today, I believe that we live in an age of disenchantment, a period in which there does not seem to be a precise direction, neither in the philosophical nor in the artistic field. For this reason, in choosing each new project, I try to interpret and reflect on the context in which I find myself, following an impulse that is both personal and contemporary.
V: What role does experimentation play in your artistic work?
U: Experimentation is a fundamental element. It’s not necessarily essential for all artists, but for me, it’s always been a key component. I have always preferred an eclectic approach, which allows me to avoid getting stuck in one direction, as often happens due to market pressures.
V: So you don’t like labels or artistic trends, do you?
U: That’s right. I have collaborated with many artists, of various orientations, but I never wanted to be confined to a predefined category. I have always tried to keep my freedom, and this has given me a chance to explore and do things that others may not feel free to do.
V: In your work, bright colours and geometric shapes are recurring elements. How do you choose the colour palette for each of your works?
U: The choice of colour is always functional to the work. For me, colour is a fundamental tool in visual communication. I have used it since the beginning of my career, because it helps me tell what I want to express directly and effectively. It is the means by which I convey feelings and concepts, making the message visible and immediate.
V: Does art still have a role today, or has it dissolved into social issues, losing its original strength?
U: We can’t just think that beauty is simply a promise of happiness. We have to ask ourselves what beauty really is and what its meaning is. This is the real work to be carried out today, and I believe that art still plays an important role in prompting these reflections. If art didn’t help us ask these questions, then yes, it would really be over.
V: What is the meaning of play in your art, which appears frequently in your works and installations?
U: In the end, I think the role of art is to play. From an early age, children express themselves through creation, and it is precisely this creative aspect that I consider essential in art. After all, playing is a fundamental form of expression, and the act of combining objects or transforming them is also a kind of game that enriches the artistic and cultural experience.
V: What are the recurring themes in your works?
U: The main themes that emerge in my works are form and colour, which I consider central elements. Another theme that I focus on is that of the museum as a “container”, a concept that I explore through different installations and interventions.
V: What is your relationship with museums?
U: When I was young, being exposed in a museum for an artist almost always meant being at the end of their career, if not even after death. Today, however, museums, especially those inspired by the American and Anglo-Saxon model, have become real places of promotion, that offer visibility to working artists.
V: How much market is there in the art world?
U: It’s all a market! As the old saying goes: what it costs, it’s worth! In a historical period when everything seems allowed, almost anyone can be considered an artist. The market selects some works, promotes them with important exhibitions and ennobles them. But behind that visible tip of the iceberg, there’s a sea of forgotten artists. I would like to write a book entitled “The Forgotten Ones”, precisely to explore this reality.
V: How did your creative process come about? Is it spontaneous or the result of a very precise study and reasoning?
U: It usually starts from a very specific point of view, although sometimes the market imposes a certain attitude on the artist. Personally, I think I am the Italian artist who has had the most exhibitions in international museums: 4,900 exhibitions. I have worked with gallerists and vendors, but I have always preferred to maintain my independence.
V: Is there a work you would never sell?
U: One I would never sell is the grey one over there, which I did for an exhibition in New York.
V: Oh, so you wouldn’t sell it for any amount of money?
U: (Laughs ed.) Let’s not exaggerate! But there are works that I keep because I really like them, and those have no price.
V: Does art have a marginal role today?
U: It used to be very different. When Duccio di Buoninsegna painted the Majesty in Siena, that work was received with overwhelming enthusiasm by the people. Today, there is a certain melancholy in seeing that, if you ask around, art no longer has the same absolute value; it has become almost a marginal element, something decorative.
V: So, isn’t beauty going to save the world? Isn’t that the answer?
U: Absolutely not. Art has the task of reporting us, of denouncing. To be a true artist, you need to have courage and a strong heart, a faith in art that, personally, I think I still have. Today, art has become an object, a kind of commodity. Even the media talks about it, maybe only at three in the morning, but it is no longer as meaningful as it once was.
V: Maybe because the values have become empty?
U: Exactly. We live in an “intellectual silence” that envelops us, a kind of prudence that prevents us from saying really relevant things. There is no longer a class of intellectuals who speak out for deep reflection.
V: How do you reconcile your art with technology?
U: I’m not a big fan of technology, but I don’t demonise it. However, I use it as a tool at the service of my art, without allowing it to become the centre of my expression.
V: How do you react to criticism? Do you see it as a springboard for growth or more of a challenge to your vision?
U: Today, criticism is practically absent. Rather than expressing criticism, one often prefers to remain silent. I would very much like to be criticised, to have another point of view.
V: What do you think is the biggest challenge for an artist today? And what advice would you give to a young person looking to pursue a career in art?
U: First of all, we must get out of our minds the idea that the artist must be an dissolute genius. Art must be the result of reason and a well-defined idea. Today, being an artist is one of the most difficult roads to follow, and the percentage of those who really succeed is very low. My advice is to have a clear vision and be ready to work hard, because the path is complex and full of obstacles.
V: Could you tell us about your collaboration with the Michele Chiarlo winery?
U: My approach to art applied to the productive world is based on the idea of enhancing the dialogue between creativity and construction activities. I have had several experiences in this field, and I am very fond of the Chiarlo family, which I have known for a long time. I had the privilege of collaborating first with Michele and then with his children. Our relationship has always been fluid and uncomplicated. The first collaboration dates back to the creation of the door of Art Park La Court. When we started, the project was an innovative idea; now, there are more and more projects that merge art, communication and wine. This path allowed me to take art out of its traditional self-referential contexts, creating an authentic and dynamic connection between the world of art and production.
V: Personally, I recently had the opportunity to participate in the inauguration of the Cannubi path, conceived as a museum among the rows of the oldest cru in Italy. In this work, I noticed that you chose a less lively colour palette than the colours you usually use. How did this project come about?
U: The Cannubi Path project was born from the idea of creating an experience that allowed to be immersed in the natural and cultural context of the place, which is unique in its kind. When working in an environment such as vineyards, where the landscape and history are so deeply intertwined, it is essential to respect the atmosphere that characterises them. I chose a more sober colour palette in tune with the surrounding landscape, so as not to overpower, but rather to be a part of it. The colours I used are designed to harmonise with the earth, the sky, the changing light and the vegetation, creating a natural fusion that makes the path a visual and sensory experience in tune with the territory. The Cannubi Path represents a reflection on the union between art, nature and culture.
Ugo Nespolo is a multifaceted artist born in Mosso (Biella), who graduated from the Accademia Albertina di Belle Arti in Turin and earned a degree in Modern Literature. Active since the 1960s, he began his artistic journey in connection with Pop Art and the avant-garde movements, developing a personal and ironic style. Nespolo has also explored cinema, creating experimental films with artists such as Lucio Fontana and Michelangelo Pistoletto. His work spans painting, sculpture, cinema, design, and set design. In the 1970s, Nespolo gained recognition with works like Il Museo, a large painting that marked the beginning of his research into the reinterpretation
Ugo Nespolo è un artista poliedrico nato a Mosso (Biella), diplomato all’Accademia Albertina di Belle Arti di Torino e laureato in Lettere Moderne. Attivo sin dagli anni ‘60, ha iniziato il suo percorso artistico in connessione con la Pop Art e le avanguardie, sviluppando uno stile personale e ironico. Nespolo ha anche esplorato il cinema, realizzando film sperimentali con artisti come Lucio Fontana e Michelangelo Pistoletto. La sua opera include pittura, scultura, cinema, design e scenografia. Negli anni ‘70, Nespolo si è distinto per opere come Il Museo, un grande quadro che segna l’inizio della sua ricerca sulla rilettura e reinvenzione dell’arte. Ha
and reinvention of art. He also experimented with unusual materials, creating objects such as L’albero dei cappelli (The Tree of Hats). In the 1980s, he experienced an “American phase,” drawing inspiration from the streets and shop windows of New York, and produced numerous applied art projects, including posters, stage designs, and advertising collaborations. During the 1990s and 2000s, Nespolo achieved international recognition with exhibitions in Europe, Japan, and Latin America. He collaborated with major institutions and created public monuments, including the Monument to Work in San Benedetto del Tronto. He also worked as artistic director for RichardGinori and designed artistic
anche sperimentato con materiali insoliti, creando oggetti come L’albero dei cappelli. Negli anni ‘80, ha vissuto una fase “americana”, ispirata dalle strade e vetrine di New York, e ha realizzato numerosi lavori di arte applicata, tra cui manifesti, scenografie e collaborazioni pubblicitarie. Nel corso degli anni ‘90 e 2000, Nespolo ha ottenuto riconoscimenti internazionali con mostre in Europa, Giappone, e America Latina. Ha collaborato con importanti istituzioni e ha creato monumenti pubblici, tra cui il Monumento al lavoroa San Benedetto del Tronto. Ha anche lavorato come direttore artistico per la Richard-Ginori e creato installazioni artistiche per eventi significativi come
installations for significant events such as Expo 2015 and the Turin 2006 Winter Olympics. His works have been exhibited in museums worldwide, including the Centre Pompidou in Paris, the Museum of Modern Art in New York, and the National Cinema Museum in Turin, where he served as president from 2011. Among his recent projects, he designed the 2018 Carabinieri calendar and collaborated with Swatch on an exhibition about numbers. Recognized for his innovative spirit and ability to integrate art into everyday life, Nespolo continues to explore new artistic languages, from cinema to animation, and participates in international exhibitions.
2015 e le
Le sue
state esposte in
di
il mondo, tra cui il Centre Pompidou di Parigi, il Museum of Modern Art di New York, e il Museo Nazionale del Cinema di Torino, di cui è stato presidente dal 2011. Tra i suoi ultimi progetti, ha disegnato il calendario 2018 dei Carabinieri e collaborato con Swatch per una mostra sui numeri. Riconosciuto per il suo spirito innovativo e per la sua capacità di integrare l’arte nella vita quotidiana, Nespolo continua a esplorare nuovi linguaggi artistici, dal cinema all’animazione, e a partecipare a mostre internazionali.
Expo
Olimpiadi Invernali di Torino 2006.
opere sono
musei
tutto
Ugo Nespolo, classe 1941, è una delle personalità più rilevanti del panorama artistico italiano, con una carriera che spazia dalla pittura al cinema, dalla letteratura alla filosofia, dalla musica alla televisione e alla pubblicità. Le sue opere, caratterizzate da un gioco vivace e da un senso di sperimentazione, si inseriscono in un contesto innovativo che abbraccia anche il mondo del film e delle arti visive. Nespolo ha percorso il mondo, partecipando a mostre e recital, collaborando con importanti case editrici e lasciando un’impronta indelebile in ogni settore in cui si è cimentato. La sua produzione, vasta e variegata, include dipinti, sculture, film, manifesti pubblicitari, scenografie teatrali e costumi. Il suo approccio artistico, in costante evoluzione, si distingue per l’uso di tecniche e materiali non convenzionali, testimoniando un eclettismo che ha guadagnato il riconoscimento della critica. Il suo spirito creativo è come un fiume in continuo movimento, sempre pronto a tracciare nuovi percorsi e a rinnovarsi. Nespolo utilizza tutti i mezzi espressivi a sua disposizione, creando un’evoluzione stilistica che, pur cambiando nel tempo, conserva una coerenza profonda e un equilibrio tra il quotidiano e la dimensione spirituale. Il suo approccio, intriso di ricerca e sperimentazione, rifiuta le mode effimere, mantenendo intatto il suo valore intrinseco. Lo abbiamo incontrato nel suo studio di Torino per un’intervista esclusiva, durante la quale ci ha raccontato la sua visione dell’arte, sottolineando la sua incessante ricerca di nuovi linguaggi. Come ha detto lui stesso: “L’arte è il tentativo di tradurre l’invisibile in visibile, di dare forma all’informe, di creare un ponte tra l’intuizione e la realtà.”
Valentina Pepe: Come descriverebbe il suo approccio all’arte e in che modo si è evoluto nel corso degli anni?
Ugo Nespolo: Sono sempre stato un artista, e considero il mio percorso come un viaggio che si adatta alle circostanze del momento. Ho cercato di rimanere sempre al passo con i tempi, evolvendo continuamente. Un esempio che mi viene in mente è Picasso, il cui lavoro è cambiato profondamente nel corso della sua carriera, dimostrando l’importanza di rinnovarsi e di adattarsi costantemente. L’arte, per me, è un processo in continua trasformazione.
artistico. Per questo, nella scelta di ogni nuovo progetto, cerco di interpretare e riflettere sul contesto in cui mi trovo, seguendo un impulso che è al contempo personale e contemporaneo.
V: Quali sono stati i principali maestri o influenze che hanno segnato la sua formazione artistica?
U: È difficile individuare un singolo maestro o una figura specifica. Piuttosto, sono state le correnti di pensiero e le avanguardie a esercitare una forte influenza su di me. In particolare, il futurismo mi ha affascinato per la sua visione innovativa dell’arte, intesa non solo come un gesto manuale, ma come un’espressione culturale e intellettuale. La capacità di pensare e fare arte in modo radicalmente nuovo ha avuto un impatto significativo sulla mia formazione.
V: Nel corso della sua carriera ha esplorato diversi linguaggi, dal Pop Art all’arte concettuale. Come decide quale direzione prendere per ogni nuovo progetto?
U: Ho avuto la fortuna di lavorare per molti anni, iniziando e vivendo i primi periodi della mia carriera negli Stati Uniti, durante la nascita della Pop Art. In quel periodo, c’era una forte spinta verso l’innovazione e la sperimentazione. Col tempo, però, le cose sono cambiate e sono emerse nuove correnti culturali. Oggi, credo che viviamo in un’epoca di disincanto, un periodo in cui non sembra esserci una direzione precisa, né in ambito filosofico né
V: Che ruolo ha la sperimentazione nel suo lavoro artistico?
U: La sperimentazione è un elemento fondamentale. Non è necessariamente essenziale per tutti gli artisti, ma per me è sempre stata una componente chiave. Ho sempre preferito un approccio eclettico, che mi consente di evitare di fossilizzarmi su un’unica direzione, come spesso accade a causa delle pressioni del mercato.
V: Quindi non ama le etichette né le correnti artistiche, giusto?
U: Esatto. Ho collaborato con molti artisti, di vari orientamenti, ma non ho mai voluto essere confinato in una categoria predefinita. Ho sempre cercato di mantenere la mia libertà, e questo mi ha dato la possibilità di esplorare e fare cose che altri potrebbero non sentirsi liberi di fare.
V: Nel suo lavoro, i colori vivaci e le forme geometriche sono elementi ricorrenti. Come sceglie la palette cromatica per ogni sua opera?
U: La scelta del colore è sempre funzionale all’opera. Per me, il colore è uno strumento fondamentale nella comunicazione visiva. L’ho utilizzato fin dall’inizio della
mia carriera perché mi aiuta a raccontare ciò che voglio esprimere in modo diretto ed efficace. È il mezzo con cui trasmetto sensazioni e concetti, rendendo il messaggio visibile e immediato.
V: L’arte ha ancora un ruolo oggi, o si è dissolta nel sociale, perdendo la sua forza originale?
U: Non possiamo limitarci a pensare che la bellezza sia solo una promessa di felicità. Dobbiamo interrogarci su cosa sia davvero la bellezza e su quale sia il suo significato. Questo è il vero lavoro da fare oggi, e credo che l’arte abbia ancora un ruolo importante nel suscitare queste riflessioni. Se l’arte non ci aiutasse a porci queste domande, allora sì, sarebbe davvero finita.
V: Qual è il significato del gioco nella sua arte, che appare frequentemente nelle sue opere e installazioni?
U: Alla fine, credo che il ruolo dell’arte sia proprio quello di giocare. Fin da piccoli, i bambini si esprimono attraverso la creazione, ed è proprio questo aspetto creativo che considero essenziale nell’arte. Il gioco, in fondo, è una forma di espressione fondamentale, e anche l’atto di combinare oggetti o di trasformarli è una sorta di gioco che arricchisce l’esperienza artistica e culturale.
V: Quali sono i temi ricorrenti nelle sue opere?
U: I temi principali che emergono nelle mie opere sono la forma e il colore, che
considero elementi centrali. Un altro tema che mi interessa molto è quello del museo come “contenitore”, un concetto che esploro attraverso diverse installazioni e interventi.
V: Che rapporto ha con i musei?
U: Quando ero giovane, per un’artista arrivare in un museo significava quasi sempre essere alla fine della sua carriera, se non addirittura dopo la morte. Oggi, invece, i musei, soprattutto quelli ispirati al modello americano e anglosassone, sono diventati veri e propri luoghi di promozione, che offrono visibilità agli artisti in attività.
V: Quanto mercato c’è nel mondo dell’arte?
U: È tutto un mercato! C’è un vecchio saggio che dice: ciò che costa, vale!
In un periodo storico in cui tutto sembra essere lecito, quasi chiunque può essere considerato un artista. Il mercato seleziona alcune opere, le promuove con mostre importanti e le nobilita. Ma dietro quella punta di iceberg visibile, c’è un mare d i artisti dimenticati.
Mi piacerebbe scrivere un libro dal titolo “I Dimenticati”, proprio per esplorare questa realtà.
V: Come nasce il suo processo creativo? È spontaneo o il frutto di uno studio e di un ragionamento ben preciso?
U: Di solito parte da uno spunto ben preciso, anche se a volte il mercato impone un certo atteggiamento nell’artista. Personalmente, credo di essere l’artista italiano che
ha fatto più mostre nei musei internazionali: ben 4900 mostre. Ho lavorato con galleristi e mercanti, ma ho sempre preferito mantenere la mia indipendenza.
V: C’è un’opera che non venderebbe mai?
U: Una che non venderei mai è quella grigia lì in fondo, che ho fatto per un’esposizione a New York.
V: Ah, quindi non la venderebbe per nessuna cifra?
U: (Ride ndr.) Non esageriamo! Però ci sono opere che tengo perché mi piacciono davvero, e per quelle non c’è prezzo.
V: L’arte ha forse un ruolo marginale oggi?
U: Una volta era molto diversa. Quando Duccio di Buoninsegna dipingeva la Maestà a Siena, quell’opera veniva ricevuta con un entusiasmo travolgente dal popolo. Oggi, c’è una certa malinconia nel constatare che, se chiedi in giro, l’arte non ha più lo stesso valore assoluto; è diventata quasi un elemento marginale, qualcosa di decorativo.
V: Quindi, la bellezza non salverà il mondo? Non è questa la risposta?
U: Assolutamente no. L’arte ha il compito di segnalarci, di denunciare. Per essere un vero artista, bisogna avere coraggio e un cuore forte, una fede nell’arte che, personalmente, credo di averne ancora. Oggi l’arte è diventata un oggetto, una sorta di merce. Perfino i media ne parlano,
magari solo alle tre di notte, ma non c’è più quella carica di significato che una volta aveva.
V: Forse perché i valori si sono svuotati?
U: Esattamente. Viviamo in un “silenzio intellettuale” che ci avvolge, una sorta di prudenza che ci impedisce di dire cose davvero rilevanti. Non c’è più una classe di intellettuali che si faccia portavoce di una riflessione profonda.
V: Come si concilia la sua arte con la tecnologia?
U: Non sono un grande fan della tecnologia, ma non la demonizzo. La utilizzo, però, come strumento al servizio della mia arte, senza permettere che diventi il centro della mia espressione.
V: Come reagisce alle critiche? Le considera uno spunto per la crescita o più una sfida alla sua visione?
U: Oggi la critica è praticamente assente. Piuttosto che esprimere una critica, spesso si preferisce rimanere in silenzio. Mi piacerebbe molto essere criticato, pere ricevere una visione altra.
V: Qual è, a suo avviso, la più grande sfida per un artista oggi? E quali consigli darebbe a un giovane che desidera intraprendere una carriera artistica?
U: Prima di tutto, bisogna eliminare dalla mente l’idea che l’artista debba essere un genio sregolato. L’arte deve essere frutto di ragione e di
un’idea ben definita. Oggi, fare l’artista è una delle strade più difficili, e la percentuale di chi riesce davvero è molto bassa. Il mio consiglio è di avere una visione chiara e di essere pronti a lavorare duramente, perché il percorso è complesso e pieno di ostacoli.
V: Potrebbe raccontarci della sua collaborazione con la cantina Michele Chiarlo?
U: Il mio approccio all’arte applicata al mondo produttivo si fonda sull’idea di valorizzare il dialogo tra la creatività e le attività costruttive. Ho avuto diverse esperienze in questo campo, e con la famiglia Chiarlo, che conosco da tempo, mi lega un rapporto di grande affetto. Ho avuto il privilegio di collaborare prima con Michele e poi con i suoi figli. Il nostro rapporto è sempre stato fluido e senza complicazioni. La prima collaborazione risale alla creazione della porta dell’Art Park La Court. Quando abbiamo iniziato, il progetto era un’idea innovativa, ora i progetti che fondono arte, comunicazione e vino sono sempre più numerosi. Questo percorso mi ha permesso di portare l’arte fuori dai suoi tradizionali contesti autoreferenziali, creando una connessione autentica e dinamica tra il mondo dell’arte e quello produttivo. V: Personalmente ho avuto modo di partecipare recentemente all’inaugurazione del Cannubi path è concepito come un museo tra i filari del cru più antico d’Italia. In questa sua opera ho notato che ha scelto una palette cromatica meno vivace rispetto ai colori
che solitamente utilizza. Come è nato questo progetto?
U: Il progetto del Cannubi Path è nato proprio dall’idea di creare un’esperienza che fosse immersiva nel contesto naturale e culturale del luogo, che è unico nel suo genere. Quando si lavora in un ambiente come quello dei vigneti, dove il paesaggio e la storia sono così profondamente intrecciati, è fondamentale rispettare l’atmosfera che li caratterizza. Ho scelto una palette cromatica più sobria e intonata al paesaggio circostante per non sovrastare, ma piuttosto per integrarmi con esso. I colori che ho utilizzato sono pensati per armonizzarsi con la terra, il cielo, la luce che cambia e la vegetazione, creando una fusione naturale che rende il percorso un’esperienza visiva e sensoriale in sintonia con il territorio. Il Cannubi Path rappresenta una riflessione sul connubio tra arte, natura e cultura.
THE DESIGN THAT DECORATES THE TABLE
LONDONART RECENTLY PRESENTED “TABLEWARE”, AN EXCLUSIVE COLLECTION OF HANDCRAFTED PORCELAIN PLATES THAT TRANSFORMS EVERY MOMENT ENJOYED AT THE TABLE INTO A UNIQUE SENSORY EXPERIENCE. THIS COLLECTION IS NOT SIMPLY AN ACCESSORY FOR THE HOME, BUT A REAL VISUAL TALE THAT BLENDS THE ART OF DESIGN WITH CONVIVIALITY, CREATING A SOPHISTICATED AND REFINED ATMOSPHERE. EACH TABLEWARE PLATE IS THE RESULT OF METICULOUS CRAFTSMANSHIP, WITH NEW GRAPHICS FROM BON VOYAGE’S
NEW “TALE BOOKS” COLLECTION. THESE DESIGNS EVOKE EXOTIC LANDSCAPES, MODERN ARCHITECTURE AND AN INTERNATIONAL DESIGN TRADITION THAT CELEBRATES TIMELESS ELEGANCE. THE RESULT IS A COMBINATION OF COSMOPOLITAN STYLES THAT LEAD THE TRAVELLER TO EXPLORE NEW DIMENSIONS, EVEN AT THE TABLE. WITH TABLEWARE, LONDONART NOT ONLY OFFERS DISHES, BUT INVITES ITS CUSTOMERS ON A SENSORY JOURNEY THAT TRANSFORMS EVERY LUNCH OR DINNER INTO A CELEBRATION OF BEAUTY, CULTURE AND CREATIVITY. A DESIGN IDEA THAT MAKES EACH TABLE A VISUAL STORY AND A TRIBUTE TO THE ART OF CONVIVIALITY AND SHARING.
Londonart ha recentemente presentato “Tableware”, una collezione esclusiva di piatti in porcellana artigianale che trasforma ogni momento a tavola in un’esperienza sensoriale unica. Questa collezione non è semplicemente un accessorio per la casa, ma un vero e proprio racconto visivo che fonde l’arte del design con la convivialità, creando un’atmosfera sofisticata e raffinata. Ogni piatto di Tableware è frutto di una cura artigianale meticolosa, con grafiche inedite dalla nuova collezione “Tale Books” di Bon Voyage. Questi disegni evocano paesaggi esotici, architetture moderne e una tradizione
del design internazionale che celebra l’eleganza senza tempo. Il risultato è una combinazione di stili cosmopoliti che portano il viaggiatore a esplorare nuove dimensioni, anche da tavola. Con Tableware, Londonart non offre solo piatti, ma invita a un viaggio sensoriale che trasforma ogni pranzo o cena in una celebrazione della bellezza, della cultura e della creatività. Un’idea di design che rende ogni tavola un racconto visivo e un omaggio all’arte della convivialità.
Far from being limited to light and floating fabrics, Boho Rich makes use of a synthesis between nature and luxury. Soft leathers, silk, cashmere, and ecofriendly materials such as organic cotton and handmade linen are used wisely, creating garments that tell stories of tradition and innovation. Embroidered leather jackets, alpaca ponchos, hand-carved leather shoes become the protagonists of a wardrobe that combines aesthetics and responsibility.
Boho Rich is never too sober. On the contrary, it is a dance of bold contrasts, where finely embroidered lace borders are mixed with silk fringes and golden brocade. There is no shortage of semi-precious stones, gold-plated accessories and incredible vintage jewellery, which become protagonists in a mix of opulence and bohemian spirit. The flowing robes are enriched with sequins, fringes and jacquard fabrics, while the colours remain earthy and natural, such as burnt brown, olive green, antique gold and sandy beige.
What really sets Boho Rich apart is the ability to blend luxury with comfort. No longer an idea of formal and rigid elegance, but an interpretation of luxury that leaves ample room for comfort. Maxi dresses, wide skirts, fluffy blouses, cut in such a way as to flow without constraints. The idea is to have a sophisticated, but never forced, look that is as comfortable as a simple t-shirt and jeans.
Accessories are the beating heart of this trend, with a particular attention to details that tell stories of travel, cultures and passions. Handmade leather bags, gladiator-style shoes with gold straps and wide-brimmed hats are the meeting point between glamour and functionality. But it is in ethnic jewellery that Boho
Rich finds its true essence: finely crafted silver earrings, coral necklaces, amulets, pearls and woven flowers that evoke the idea of an inner journey and a connection with the earth.
There is no Boho Rich without a commitment to sustainability. Many of the designers who embrace this trend focus on ethical production, using recycled materials or fair trade practices. The focus is on “slow fashion”: garments that last over time, both from an aesthetic point of view and from their intrinsic quality. A luxury that does not wear out quickly, but that turns into an investment of value for the wearer.
FASHION CONTINUES TO EXPLORE NEW DIMENSIONS OF LUXURY AND PERSONALITY, AND ONE OF THE MOST FASCINATING TRENDS OF RECENT TIMES
RiCH BOHO
Boho Rich has found true ambassadors in fashion icons and celebrities such as Sienna Miller, Vanessa Paradis and Kate Moss, who have interpreted this style with elegance and ease. Their ability to mix luxurious and vintage garments with a casual look has made Boho Rich one of the most popular trends for those looking for more authentic and distinctive fashion. At the base of Boho Rich is not just a look, but a real philosophy of life that celebrates individuality, creativity and the beauty of the natural world. It is a fashion that invites you to slow down, to appreciate the beauty of small details, to wear uniqueness proudly without following ephemeral fashions. A trend that tastes of “luxury with a soul”, where each garment has a story and each accessory has a meaning.
IS UNDOUBTEDLY BOHO RICH, A REINTERPRETATION OF THE ICONIC BOHO-CHIC THAT COMBINES THE ELEGANCE OF LUXURY WITH A BOHEMIAN AESTHETIC AND A STRONG COMMITMENT TO SUSTAINABILITY. WHILE TRADITIONAL BOHO-CHIC DRAWS INSPIRATION FROM HIPPIE AND NOMADIC INFLUENCES, BOHO RICH TURNS AWAY FROM CASUAL SIMPLICITY TO EMBRACE A MORE REFINED AND SOPHISTICATED VISION, WITHOUT LOSING ITS FREE AND SPONTANEOUS ESSENCE. THIS EVOLUTION IS DISTINGUISHED BY THE USE OF FINE MATERIALS, HANDCRAFTED DETAILS AND A SPECIAL ATTENTION TO A MORE CONSCIOUS ETHICS.
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LA MODA CONTINUA A ESPLORARE NUOVE DIMENSIONI DI LUSSO E PERSONALITÀ, E UNA DELLE TENDENZE PIÙ AFFASCINANTI DEGLI ULTIMI TEMPI È SENZA DUBBIO IL BOHO RICH, UNA RIVISITAZIONE DELL’ICONICO BOHO-CHIC CHE CONIUGA L’ELEGANZA DEL LUSSO CON UN’ESTETICA BOHEMIENNE E UN FORTE IMPEGNO VERSO LA SOSTENIBILITÀ. MENTRE IL BOHO-CHIC TRADIZIONALE TRAE ISPIRAZIONE DALLE INFLUENZE HIPPIE E NOMADI, IL BOHO RICH ABBANDONA LA SEMPLICITÀ CASUAL PER ABBRACCIARE UNA VISIONE PIÙ RAFFINATA E SOFISTICATA, SENZA PERDERE LA SUA ESSENZA LIBERA E SPONTANEA. QUESTA EVOLUZIONE SI DISTINGUE PER L’USO DI MATERIALI PREGIATI, DETTAGLI ARTIGIANALI E UN’ATTENZIONE PARTICOLARE A UN’ETICA PIÙ CONSAPEVOLE.
Lungi dal limitarsi a tessuti leggeri e fluttuanti, il Boho Rich si avvale di sintesi tra natura e lusso. Pelli morbide, seta, cashmere, e materiali eco-friendly come cotone organico e lino lavorato a mano sono utilizzati in modo sapiente, creando capi che raccontano storie di tradizione e innovazione. Le giacche in pelle ricamate, i poncho in alpaca, le scarpe di cuoio intagliato a mano diventano protagonisti di un guardaroba che unisce estetica e responsabilità. Il Boho Rich non è mai troppo sobrio.
Al contrario, è una danza di contrasti audaci, dove bordature in pizzo finemente ricamato si mescolano a frange di seta e broccato dorato. Non mancano le pietre semipreziose, gli accessori placcati in oro e gli incredibili gioielli vintage, che diventano protagonisti in un mix di opulenza e spirito bohemien. Le veste fluide si arricchiscono di paillettes, frange e tessuti jacquard, mentre i colori rimangono terrosi e naturali, come il marrone bruciato, il verde oliva, l’oro antico e il beige sabbia.
Ciò che distingue davvero il Boho Rich è l’abilità di fondere il lusso con il comfort. Non più un’idea di eleganza formale e rigida, ma un’interpretazione del lusso che lascia ampio spazio alla comodità. Abiti maxi, gonne ampie, bluse vaporose, tutte tagliate in modo tale da fluire senza costrizioni. L’idea è quella di avere un look sofisticato, ma mai forzato, che consenta di muoversi con la stessa facilità di chi indossa una semplice t-shirt e jeans.
Gli accessori sono il cuore pulsante di questa tendenza, con un’attenzione particolare per i dettagli che raccontano storie di viaggi, culture e passioni. Le borse in cuoio lavorato
a mano, le scarpe in stile gladiatore con cinturini dorati e i cappelli a tesa larga, sono il punto di incontro tra il glamour e la funzionalità. Ma è nei gioielli etnici che il Boho Rich trova la sua vera essenza: orecchini in argento finemente lavorato, collane di coralli, amuleti, perle e fiori intrecciati che evocano l’idea di un viaggio interiore e una connessione con la terra.
Non c’è Boho Rich senza un impegno nei confronti della sostenibilità. Molti dei designer che abbracciano questa tendenza si concentrano sulla produzione etica, utilizzando materiali riciclati o pratiche di
commercio equo e solidale. Il focus è sul “slow fashion”: capi che durano nel tempo, sia dal punto di vista estetico che dalla loro qualità intrinseca. Un lusso che non si consuma rapidamente, ma che si trasforma in un investimento di valore per chi lo indossa.
Il Boho Rich ha trovato dei veri e propri ambasciatori in icone della moda e celebrità come Sienna Miller, Vanessa Paradis e Kate Moss, che hanno interpretato questo stile con eleganza e disinvoltura. La loro capacità di mescolare capi lussuosi e vintage con un look disinvolto ha reso il Boho Rich una delle tendenze più apprezzate per chi cerca una moda più autentica e distintiva.
Alla base del Boho Rich non c’è solo un look, ma una vera e propria filosofia di vita che celebra l’individualità, la creatività e la bellezza del mondo naturale. È una moda che invita a rallentare, ad apprezzare la bellezza dei piccoli dettagli, a indossare con fierezza l’unicità senza seguire le mode effimere. Una tendenza che sa di “luxury with a soul”, dove ogni capo ha una storia e ogni accessorio ha un significato.
THE COLLECTION THAT TURNS SURFACES INTO ART
IN THE CONTEMPORARY DESIGN LANDSCAPE, SURFACES ARE ASSUMING AN INCREASINGLY CENTRAL ROLE, NOT ONLY AS FUNCTIONAL ELEMENTS, BUT AS REAL EXPRESSIVE CANVASES. THIS CONCEPT BECOMES PARTICULARLY FASCINATING IN ALEX TURCO’S ARTISTIC SURFACES COLLECTION FOR LONDONART, WHERE THE BOUNDARY BETWEEN ART AND DESIGN DISSOLVES, CREATING UNIQUE AND EVOCATIVE SPACES. ALEX TURCO, AN ITALIAN ARTIST KNOWN FOR HIS INNOVATIVE PICTORIAL APPROACH AND HIS ABILITY TO TRANSFORM THE CONCEPT OF SURFACE INTO A COMPLEX VISUAL EXPERIENCE, HAS COLLABORATED WITH LONDONART TO CREATE A LINE OF WALL COVERINGS THAT NOT ONLY DECORATE, BUT TELL STORIES. HIS WORKS, FULL OF CHROMATIC VIBRATIONS AND DYNAMISM, BECOME NOT ONLY AN AESTHETIC ENHANCEMENT, BUT ALSO A WAY TO TRANSFORM THE SURROUNDING ENVIRONMENT. EACH PIECE OF THE ARTISTIC SURFACES COLLECTION STANDS OUT FOR A DESIGN THAT BLENDS GEOMETRY, ABSTRACTION AND TEXTURE, THROUGH THE USE OF INNOVATIVE MATERIALS THAT CREATE WALLS THAT ARE NOT ONLY BEAUTIFUL TO LOOK AT, BUT ALSO TACTILE, VIBRANT, ALIVE. THE RESULT? SURFACES THAT CHANGE WITH LIGHT, THAT EVOLVE ACCORDING TO POINTS OF VIEW, LIKE REAL OBJECTS OF ART. IN A WORLD INCREASINGLY DOMINATED BY MINIMALISM AND OF MONOCHROMATIC TRENDS, ALEX TURCO’S COLLECTION OFFERS A REFLECTION ON THE POWER OF COLOUR AND SHAPES. HIS WORKS DETACH FROM THE FLAT AND STATIC SURFACE TO EVOLVE INTO REAL VISUAL LANDSCAPES, WHERE TEXTURE AND COLOUR PLAY A FUNDAMENTAL ROLE. WITH A PALETTE THAT RANGES FROM THE WARMEST AND MOST ENVELOPING TONES TO COLD AND MEDITATIVE ONES, THE ARTIST EXPLORES THE PERCEPTION OF DEPTH AND MOVEMENT. EACH COVERING SEEMS TO BREATHE AND CHANGE WITH THE SURROUNDING ENVIRONMENT, INVITING THE VIEWER TO INTERACT WITH THE WALL, TO DISCOVER NEW NUANCES AT EVERY ANGLE. THIS TYPE OF DESIGN HIGHLIGHTS THE IMPORTANCE OF DYNAMISM AND FLOW IN SPACE, A CONCEPT THAT GOES BEYOND SIMPLE AESTHETICS AND CHALLENGES THE VERY PERCEPTION OF THE ENVIRONMENT. INCORPORATING THESE ARTISTIC SURFACES INTO EVERYDAY ENVIRONMENTS MEANS MAKING A STATEMENT OF STYLE AND EMOTION, CREATING ATMOSPHERES THAT GO BEYOND DECORATION, TRANSFORMING EACH ROOM INTO A SENSORY GALLERY.
Nel panorama del design contemporaneo, le superfici stanno assumendo un ruolo sempre più centrale, non solo come elementi funzionali, ma come vere e proprie tele espressive. Questo concetto si concretizza in maniera particolarmente affascinante nella collezione Artistic Surfaces di Alex Turco per Londonart, dove il confine tra arte e design si dissolve, dando vita a spazi unici e suggestivi. Alex Turco, artista italiano conosciuto per il suo approccio pittorico innovativo e la sua capacità di trasformare il concetto di superficie in un’esperienza visiva complessa, ha collaborato con Londonart per
NICOLA BOTTEGAL CEO & ART DIRECTOR | LONDONARTWALLPAPER
creare una linea di rivestimenti murali che non si limitano a decorare, ma raccontano storie. Le sue opere, cariche di vibrazioni cromatiche e dinamismo, diventano così non solo un arricchimento estetico, ma anche un modo per trasformare l’ambiente circostante. Ogni pezzo della collezione Artistic Surfaces si distingue per un design che fonde geometria, astrattismo e texture, attraverso l’uso di materiali innovativi che permettono di creare pareti che non sono solo belle da vedere, ma anche tattili, vibranti, vive. Il risultato? Superfici che mutano con la luce, che evolvono a seconda dei punti
di vista, come veri e propri oggetti d’arte. In un mondo sempre più dominato dal minimalismo e dall’uso di tendenze monocromatiche, la collezione di Alex Turco offre una riflessione sulla potenza del colore e delle forme. Le sue opere si distaccano dalla superficie piatta e statica per evolversi in veri e propri paesaggi visivi, dove la texture e il colore giocano un ruolo fondamentale. Con una palette che spazia dalle tinte più calde e avvolgenti ai toni freddi e meditativi, l’artista esplora la percezione di profondità e movimento. Ogni rivestimento sembra respirare e cambiare insieme all’ambiente
circostante, invitando lo spettatore a interagire con la parete, a scoprire nuove sfumature a ogni angolazione. Questo tipo di progettazione mette in risalto l’importanza del dinamismo e del flusso nello spazio, un concetto che va oltre la semplice estetica e sfida la percezione stessa dell’ambiente. Incorporare queste superfici artistiche all’interno degli ambienti quotidiani significa fare una dichiarazione di stile e di emozione, creando atmosfere che vanno oltre la decorazione, trasformando ogni stanza in una galleria sensoriale.
BRUSH STROKES, MATTE
SUMIR
AS811 | BRUSH STROKES + BUBBLES, GLOSSY
THE REBIRTH OF COMMUNITY
TOURISM AND THE NEW FRONTIER OF COLLECTIVE AND TRANSFORMATIVE EXPERIENCES
AUTHOR: VALENTINA PEPE
TOURISM THAT UNITES, GROWS AND TRANSFORMS! 2025 MARKS A TURNING POINT IN THE TOURISM LANDSCAPE, WITH A GROWING DEMAND FOR COLLECTIVE EXPERIENCES THAT GO BEYOND SIMPLY VISITING FARAWAY PLACES. TRAVELLERS ARE NO LONGER JUST LOOKING FOR BEAUTY AND ADVENTURE, BUT FOR OPPORTUNITIES TO IMMERSE THEMSELVES IN SHARED ACTIVITIES, EVENTS THAT FOSTER SOCIAL CONNECTION, AND MOMENTS THAT ENRICH BOTH BODY AND SPIRIT. IN THIS NEW OUTLOOK, TOURISM BECOMES A JOURNEY TOWARDS THE COMMUNITY, THE SENSE OF BELONGING AND ACTIVE PARTICIPATION, IN WHICH THE VISITOR IS NOT ONLY AN OBSERVER, BUT AN ACTOR WHO CONTRIBUTES TO THE MUTUAL DISCOVERY AND ENHANCEMENT OF LOCAL TRADITIONS. 2025 WILL THEREFORE SEE A REBIRTH OF AUTHENTIC AND INTERACTIVE EXPERIENCES, WHERE INCLUSION, PERSONAL GROWTH AND CONNECTION WITH OTHERS WILL BE THE CENTRAL ELEMENTS, TRANSFORMING EVERY TRIP INTO A JOURNEY OF AWARENESS, EXCHANGE AND UNION.
This year, group trips will experience a real comeback, but with a new perspective: the emphasis is no longer only on visiting iconic places together, but on participating in immersive events that combine a cultural experience with the connection between the participants. From music and art festivals to creative retreats or culinary workshops that invite travellers to share their passions with people from around the world, these experiences are not only spectacular to experience, but also create lasting bonds between participants. Many tour operators are already adapting to this growing demand, designing packages that not only include visits to places of interest, but also collective experiences such as cooking classes, eco-sustainable initiatives and traditional festivals that celebrate the cultural roots of the places. The aim is to stimulate a sense of community and collaboration, by promoting activities that encourage participants to interact, collaborate and learn from each other.
Community tourism: discovering local cultures through direct interaction
Community tourism is one of the emerging trends that is growing rapidly. Travellers are increasingly interested in visiting destinations that allow them to come into direct contact with local communities, to discover traditions in an authentic way and to contribute positively to the well-being of the people who live in those places. It is not just a matter of visiting a village or a city, but about actively participating in the daily life of the community. Travellers can choose to stay in agritourisms or home-stays, where they will be also involved in local activities such as harvesting, preparing typical dishes or crafts. In addition, supporting communities through responsible tourism becomes a priority, with experiences that encourage respect for traditions, the environment and social wellbeing. These experiences, which go beyond a simple tourist visit, constitute a type of touristic experience that represents not only visiting a place, but a real discovery of local life and traditions.
Transformational travels: retreats and personal growth experiences
The concept of transformational travel is set to grow, with travellers seeking experiences that go beyond traditional tourism. Many are looking for retreats and holidays that will help them grow personally, gain new skills, or overcome emotional and psychological obstacles. These trips are not simply a relaxing opportunity, but offer opportunities for reflection and personal development. Imagine a yoga retreat in the Himalayan mountains or a mindfulness workshop in a remote corner of Jamaica: experiences that allow travellers to reconnect with themselves, but also to get in touch with other people who share the same growth goals. Within these collective experiences, participants not only dedicate themselves to physical and mental well-being, but create deep bonds that go beyond the journey, transforming these events into real catalysts for change.
Group trips and immersive events
Themed tours: from cuisine to sustainability
Another trend that is catching on is themed tourism, where travellers choose to explore destinations not only for their beauty, but for a specific shared interest. This can include food tours, which allow to discover local cuisine through cooking classes, visits to markets and dinners with local chefs, or trips focused on issues such as sustainability, eco-tourism and environmental conservation.Travellers engaged in the sustainable tourism sector are looking for experiences that not only respect the environment but also encourage participation in preservation and sustainability projects. For example, tours that involve tree planting activities, or visits to nature reserves to support local wildlife, have become increasingly in demand by those who want to actively contribute to the protection of the planet, living experiences that have a positive impact.
Micro-Adventures and Proximity Travel: Exploring the Close to Rediscover the Far
While international tourism is recovering, a growing emphasis is also being placed on micro-adventures and proximity travel. Wishing to reduce environmental impact and the need for a less complicated travel experience, more and more travellers are choosing closer destinations, preferring short trips, weekends away, and local explorations. This does not mean less adventure, but rather an opportunity to discover hidden corners and local realities that often escape the frenzy of mass tourism.Micro-adventures are journeys that focus on authenticity, direct contact with nature and living an intense but short experience, often in the name of collective sharing. Whether hiking in a national park or sailing on a local river, these experiences encourage proximity tourism, which integrates seamlessly with the growing desire for sharing and participation.
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IL TURISMO CHE UNISCE, CRESCE E TRASFORMA! IL 2025 SEGNA UN PUNTO DI SVOLTA NEL PANORAMA DEL TURISMO, CON UNA CRESCENTE DOMANDA DI ESPERIENZE COLLETTIVE CHE VANNO
OLTRE LA SEMPLICE VISITA DI LUOGHI LONTANI. I VIAGGIATORI NON CERCANO PIÙ SOLO BELLEZZA E AVVENTURA, MA OCCASIONI PER IMMERGERSI IN ATTIVITÀ CONDIVISE, EVENTI CHE FAVORISCONO LA CONNESSIONE SOCIALE E MOMENTI CHE ARRICCHISCONO SIA IL CORPO CHE LO SPIRITO. IN QUESTO NUOVO ORIZZONTE, IL TURISMO DIVENTA UN VIAGGIO VERSO LA COMUNITÀ, IL SENSO DI APPARTENENZA E LA PARTECIPAZIONE ATTIVA, IN CUI IL VISITATORE NON È SOLO UN OSSERVATORE, MA UN ATTORE CHE CONTRIBUISCE ALLA SCOPERTA RECIPROCA E ALLA VALORIZZAZIONE DELLE TRADIZIONI LOCALI. IL 2025 VEDRÀ DUNQUE UNA RINASCITA DI ESPERIENZE AUTENTICHE E INTERATTIVE, DOVE L’INCLUSIONE, LA CRESCITA PERSONALE E LA CONNESSIONE CON GLI ALTRI SARANNO AL CENTRO, TRASFORMANDO OGNI VIAGGIO IN UN CAMMINO DI CONSAPEVOLEZZA, SCAMBIO E UNIONE.
Viaggi di gruppo e eventi immersivi
Quest’anno i viaggi di gruppo vivranno una vera e propria rivincita, ma con una nuova prospettiva: l’enfasi non è più solo sul visitare insieme luoghi iconici, ma sulla partecipazione a eventi immersivi che uniscono l’esperienza culturale alla connessione tra i partecipanti. Dai festival di musica e arte ai ritiri creativi o ai workshop culinari che invitano i viaggiatori a condividere le proprie passioni con persone di tutto il mondo, queste esperienze non sono solo spettacolari da vivere, ma creano anche legami duraturi tra i partecipanti. Molti tour operator si stanno già adattando a questa richiesta crescente, progettando pacchetti che non solo comprendono le visite ai siti di interesse, ma anche esperienze collettive come corsi di cucina, iniziative eco-sostenibili e festival tradizionali che celebrano le radici culturali dei luoghi visitati. L’obiettivo è stimolare un senso di comunità e di collaborazione, promuovendo attività che incoraggiano i partecipanti a interagire, collaborare e apprendere gli uni dagli altri.
Turismo comunitario: scoprire le culture locali attraverso l’interazione diretta
Il turismo comunitario è una delle tendenze emergenti che sta crescendo rapidamente. I viaggiatori sono sempre più interessati a visitare destinazioni che permettano loro di entrare in contatto diretto con le comunità locali, di scoprire le tradizioni in modo autentico e di contribuire positivamente al benessere delle persone che vivono in quei luoghi. Non si tratta solo di visitare un villaggio o una città, ma di partecipare attivamente alla vita quotidiana della comunità. I viaggiatori possono scegliere di alloggiare in agriturismi o home-stay, dove vengono anche coinvolti in attività locali come il raccolto, la preparazione di piatti tipici o l’artigianato. Inoltre, il supporto delle comunità attraverso il turismo responsabile diventa una priorità, con esperienze che incoraggiano il rispetto per le tradizioni, l’ambiente e il benessere sociale. Queste esperienze, che vanno al di là della semplice visita turistica, permettono di vivere un turismo che rappresenta non solo un viaggio nei luoghi, ma una vera e propria scoperta della vita e delle tradizioni locali.
Viaggi trasformativi: ritiri ed esperienze di crescita personale
Il concetto di viaggio trasformativo è destinato a crescere con viaggiatori che cercano esperienze che vadano oltre il turismo tradizionale. Molti sono alla ricerca di ritiri e vacanze che li aiuteranno a crescere personalmente, ad acquisire nuove competenze o a superare ostacoli emotivi e psicologici. Questi viaggi non riguardano semplicemente il fattore relax, ma offrono opportunità di riflessione e di sviluppo personale. Immaginate un ritiro di yoga nelle montagne dell’Himalaya o un workshop di mindfulness in un angolo remoto della Giamaica: esperienze che permettono ai viaggiatori di riconnettersi con se stessi, ma anche di entrare in contatto con altre persone che condividono gli stessi obiettivi di crescita. All’interno di queste esperienze collettive, i partecipanti non solo si dedicano al benessere fisico e mentale, ma creano legami profondi che vanno oltre il viaggio, trasformando questi eventi in veri e propri catalizzatori di cambiamento.
Viaggi a tema: dalla cucina alla sostenibilità
Un’altra tendenza che sta prendendo piede è il turismo a tema, dove i viaggiatori scelgono di esplorare destinazioni non solo per la loro bellezza, ma per un interesse specifico che li accomuna. Questo può includere tour gastronomici, che permettono di scoprire la cucina locale attraverso corsi di cucina, visite a mercati e cene con cuochi locali, o viaggi focalizzati su tematiche come la sostenibilità, l’eco-turismo e la conservazione ambientale. Viaggiatori impegnati nel settore del turismo sostenibile stanno cercando esperienze che non solo rispettano l’ambiente ma incoraggiano anche la partecipazione a progetti di conservazione e sostenibilità. Ad esempio, tour che prevedono attività di piantumazione degli alberi, o visite a riserve naturali per supportare la fauna locale, sono diventati sempre più richiesti da chi desidera contribuire attivamente alla salvaguardia del pianeta, vivendo esperienze che creano un impatto positivo.
Micro-avventure e viaggi di prossimità: esplorare il vicino per riscoprire il lontano
Mentre il turismo internazionale sta recuperando, una crescente enfasi si sta ponendo anche sulle micro-avventure e i viaggi di prossimità. Con il desiderio di ridurre l’impatto ambientale e la necessità di un’esperienza di viaggio meno complicata, sempre più viaggiatori scelgono destinazioni più vicine, preferendo viaggi brevi, weekend fuori porta e esplorazioni locali. Questo non significa meno avventura, ma piuttosto un’opportunità per scoprire angoli nascosti e realtà locali che spesso sfuggono alla frenesia del turismo di massa.
Le micro-avventure sono viaggi che si concentrano sull’autenticità, sul contatto diretto con la natura e sul vivere un’esperienza intensa ma breve, spesso all’insegna della condivisione collettiva. Che si tratti di una camminata in un parco nazionale o di una navigazione in un fiume locale, queste esperienze incoraggiano il turismo di prossimità, che si integra perfettamente con la crescente voglia di condivisione e partecipazione.
PARAVENTO TRADITION
AND INNOVATION IN CONTEMPORARY DESIGN
The screen, a symbol of elegance and functionality, is a design element that crosses centuries and cultures; from a simple practical tool, it became a decorative icon of great value. Born in the East as a solution to separate spaces and protect from draughts, today the screen combines tradition and innovation, adapting perfectly to the aesthetic and functional needs of modern spaces. The origins of the screen date back to China of the Han Dynasty (206 BC - 220 AD), where it was used to separate rooms and protect from draughts. Made of wood and decorated with sophisticated inlays and paintings, these early screens had a practical function, but their beauty soon made them objects of status and refinement. In Japan, the screen took on even more delicate forms, with the traditional byōbu, made of rice paper and bamboo, decorated with paintings that expressed the wabi-sabi aesthetic philosophy. The screen arrived in Europe in the seventeenth century, where it became a luxury item riserved for the nobility. During the 18th and 19th centuries, it was decorated with pastoral scenes, floral motifs and
landscapes, thus becoming a real collector’s item. Today, screens are no longer just functional tools, but design objects that furnish and define spaces. Brands like Londonart have managed to reinterpret this traditional element with modern lines and highquality materials, keeping its cultural essence intact, but adapting it to the needs of contemporary design. The great innovation of Londonart screens is their customisation. Each customer can choose from a wide range of designs and finishes, inspired by the brand’s wallpaper collections, to create a screen that perfectly fits their furniture. The designs range from geometric motifs to floral themes and abstract landscapes, offering creative freedom that responds to different tastes and styles. The bi-facial panels are designed to stand the test of time, while the lightweight but sturdy MDF frames are available in modern metallic finishes such as black metal, for an industrial effect, or bronze, for a warmer and more sophisticated atmosphere. The small metal hinges, elegant and functional, allow to easily shape the structure, adding a touch of technical refinement.
Il paravento, simbolo di eleganza e funzionalità, è un elemento di design che attraversa secoli e culture, evolvendosi da semplice strumento pratico a icona decorativa di grande valore. Nato in Oriente come soluzione per separare gli spazi e proteggere dagli spifferi, oggi il paravento è diventato un oggetto che unisce tradizione e innovazione, adattandosi perfettamente alle esigenze estetiche e funzionali degli spazi moderni. Le origini del paravento risalgono alla Cina della dinastia Han (206 a.C. - 220 d.C.), dove veniva utilizzato per separare gli ambienti e proteggere dalle correnti d’aria. Realizzati in legno e decorati con intarsi e pitture sofisticate, questi primi paraventi avevano una funzione pratica, ma la loro bellezza estetica ne fece presto oggetti di status e raffinatezza. In Giappone, il paravento assunse forme ancora più delicate, con la tradizionale byōbu, realizzata in carta di riso e bambù, decorata con pitture che esprimevano la filosofia estetica wabi-sabi. Il paravento giunse in Europa nel XVII secolo, dove divenne un elemento di lusso per la nobiltà. Durante il XVIII e XIX secolo, venne decorato con scene pastorali, motivi floreali e paesaggi, diventando veri e propri pezzi da collezione. Oggi, i paraventi non sono più solo strumenti funzionali, ma veri e propri oggetti di design che arredano e definiscono gli spazi. Marchi come Londonart sono riusciti a reinterpretare questo elemento tradizionale con linee moderne e materiali di alta qualità, mantenendo intatta la sua essenza culturale, ma adattandolo alle esigenze del design contemporaneo. La grande innovazione dei paraventi Londonart è la possibilità di personalizzazione. Ogni cliente può scegliere tra una vasta gamma di grafiche e finiture, ispirate alle collezioni di carte da parati del marchio, per creare un paravento che si adatti perfettamente all’arredamento. I design spaziano da motivi geometrici a temi floreali e paesaggi astratti, offrendo una libertà creativa che risponde a gusti e stili diversi. I pannelli bi-facciali sono progettati per resistere nel tempo, mentre i telai in MDF, leggeri ma robusti, sono disponibili in finiture metalliche moderne come il metallo nero, per un effetto industriale, o il bronzo, per un’atmosfera più calda e sofisticata. Le piccole cerniere in metallo, eleganti e funzionali, permettono di modellare facilmente la struttura, aggiungendo un tocco di raffinatezza tecnica.
SOURDOUGH STARTER:
THE REBIRTH OF AN ANCIENT INGREDIENT, BETWEEN TRADITION AND INNOVATION.
AUTHOR: VALENTINA PEPE
Once a jealously guarded secret, today sourdough starter is ready to conquer more and more hearts and palates, offering a healthy, tasty and sustainable alternative in the contemporary food scene. Sourdough starter is no longer simply a passing trend, but is becoming a real global trend that combines a passion for tradition with the needs of the modern consumer.
As the world adapts to new dynamics, sourdough starter is no longer just a passion shared at home, but has become a real gastronomic trend, which is slowly conquering everyone.
Sourdough starter has
become the companion of many cooking and baking enthusiasts, giving life to loaves, focaccia and homemade pizzas, often shared on social media with pride. The art of preparing one’s own yeast, with its natural and slow fermentation process, has allowed people to rediscover the beauty of tradition and genuine food.
Today, this trend is no longer confined to home kitchens, but is also becoming popular in large supermarket chains and specialty shops, where sourdough starter is finding its place in ready-to-eat products. In the United States, for example, sourdough starter is also entering the scene
in innovative ways: not only as an ingredient for bread and focaccia, but also in less conventional products, such as brownies, crackers, chocolate and even savoury snacks. Pizza and focaccia mixers have become tools available to anyone who wants to try their hand at creating these products, with the advantage of making the baking process easier and faster.
Technological innovations have made the preparation of sourdough accessible to everyone, and today, ready-to-use kits, starters for sourdough and prefermented mixes are available, which simplify the process and also
allow bakery beginners to make high-quality artisanal products. The result is a return to the origins, but with a touch of modernity that makes sourdough a versatile ingredient, perfect for creating a wide range of recipes.
In Italy, an iconic brand like Bauli has recently unveiled its new strategy, which puts sourdough at the centre of its production. This company, historically known for its confectionery products and panettone, has decided to use sourdough as the main ingredient in some of its product lines. This move is no coincidence, but it responds to a growing demand for more natural, genuine and sustainable
foods. Using sourdough not only enhances the artisanal aspect of a product, but also improves its flavour and digestibility, two aspects that are increasingly important for modern consumers.
The company has also chosen to focus on a preservative-free formulation, in an attempt to respond to the growing public awareness, which is more and more attentive to the use of less processed ingredients. This strategy is not only aimed at bread and traditional desserts, but also innovative products such as biscuits, focaccia, and even lines of savoury snacks based on sourdough starter. This constitutes
a combination of an ancient gastronomic tradition with industrial innovation that allows to adapt to market trends, without sacrificing the quality and goodness that have always distinguished it.
At a time when industrial food is increasingly challenged, the return to natural and less processed ingredients such as sourdough responds to a need for authenticity and sustainability. Its diffusion in supermarkets is not only a response to a culinary trend, but also a sign of how the food industry is evolving to respond to an audience that is increasingly attentive to quality and health.
Se un tempo era un segreto custodito gelosamente, oggi il lievito madre è pronto a conquistare sempre più cuori e palati, proponendo un’alternativa sana, gustosa e sostenibile nel panorama alimentare
contemporaneo. Il lievito madre non è più solo una moda passeggera, ma sta diventando un vero e proprio trend globale che unisce la passione per la tradizione con le esigenze del consumatore moderno. Mentre il mondo si adatta
a nuove dinamiche, il lievito madre non è più solo una passione domestica, ma è diventato una vera e propria tendenza gastronomica, che sta lentamente conquistando tutti.
Il lievito madre è diventato il compagno di tanti appassionati di cucina e panificazione, dando vita a pagnotte, focacce e pizze fatte in casa, spesso condivise sui social con orgoglio. L’arte di preparare il proprio lievito, con il suo processo di fermentazione naturale e lenta, ha permesso alle persone di riscoprire la bellezza della tradizione e del cibo genuino.
Oggi, questo trend non è più confinato nelle cucine di casa, ma sta prendendo
piede anche nelle grandi catene di supermercati e negozi specializzati, dove il lievito madre sta trovando nuovi spazi tra i prodotti già pronti per l’uso. Negli Stati Uniti, per esempio, il lievito madre sta facendo il suo ingresso anche in modalità innovativa: non solo come ingrediente per pane e focacce, ma anche in prodotti meno convenzionali, come brownies, cracker, cioccolato e persino snack salati. Le impastatrici per pizza e macchine per la focaccia sono diventate strumenti alla portata di chiunque voglia cimentarsi nella creazione di questi prodotti, con il vantaggio di rendere il processo di panificazione più semplice e veloce.
Le innovazioni tecnologiche hanno reso la preparazione del lievito madre accessibile a tutti, e oggi esistono kit pronti all’uso, starter per lievito madre e mix pre-fermentati, che semplificano il processo e permettono anche ai neofiti della panificazione di realizzare prodotti artigianali di alta qualità. Il risultato è un ritorno alle origini, ma con un tocco di modernità che rende il lievito madre un ingrediente versatile, perfetto per creare una vasta gamma di ricette. In Italia, un marchio
cibi più naturali, genuini e sostenibili. L’adozione del lievito madre non solo valorizza l’aspetto artigianale del prodotto, ma ne migliora anche il sapore e la digeribilità, due aspetti sempre più apprezzati dai consumatori moderni.
L’azienda ha anche scelto di puntare su una formulazione senza conservanti, cercando di rispondere alla crescente attenzione del pubblico verso l’uso di ingredienti meno processati. Questa strategia non riguarda solo il pane e i dolci tradizionali, ma anche prodotti innovativi come biscotti, focacce, e persino linee di snack salati a base di lievito madre. La combinazione di una tradizione gastronomica antica con l’innovazione industriale che permette di adattarsi alle tendenze del mercato, senza rinunciare alla qualità e alla bontà che da sempre lo contraddistinguono.
iconico come Bauli ha recentemente svelato la sua nuova strategia, che mette proprio il lievito madre al centro della propria produzione. L’azienda, storicamente conosciuta per i suoi dolci e panettoni, ha deciso di adottare il lievito madre come ingrediente principale in alcune delle sue linee di prodotti. Questa mossa non è casuale, ma risponde a una crescente domanda di
In un’epoca in cui il cibo industriale è sempre più messo in discussione, il ritorno a ingredienti naturali e meno trattati come il lievito madre risponde a un bisogno di autenticità e sostenibilità. La sua diffusione nei supermercati non è solo una risposta a una moda culinaria, ma anche un segnale di come l’industria alimentare stia evolvendo per rispondere a un pubblico sempre più attento alla qualità e alla salute.
Unlimited is a cutting-edge collection that combines aesthetics, functionality and sustainability, responding to the requests of designers looking for highly versatile and sophisticated solutions. Made with thirteen technical materials, each characterised by an exclusive embossing, a refined colour palette and specific supports, this collection is designed to embellish residential, commercial and high-traffic environments with elegant and modern solutions.
The true beating heart of Unlimited is its ability to transform any surface into a sensory masterpiece. The textures, while remaining in the monochrome register, stand out for their extraordinary depth, the result of in-depth research on material embossing. Each wall thus becomes a play of light and shadow that adds three-dimensionality and dynamism to the spaces, creating an enveloping and unique atmosphere. The surfaces evoke natural materials such as silk, linen and raw textures, offering a sophisticated tactile sensation that makes every environment more welcoming and full of personality.
What makes Unlimited particularly interesting is its extraordinary versatility. While maintaining an elegant and understated colour palette, each shade – from the warmest to the coldest shades –is designed to interact with light in a fascinating way, creating ever-new visual effects depending on the time of day. The colour range, at once timeless and contemporary, allows materials to be mixed and matched harmoniously, offering designers unparalleled creative freedom.
In addition to the aesthetic component, Unlimited is designed to meet the practical and functional
INNOVATION AND DESIGN FOR CONTEMPORARY SPACES
needs of a market that is increasingly attentive to durability and sustainability. The high-quality technical materials used to create the collection are designed to stand the test of time, even in hightraffic environments such as offices, hotels, shops and other commercial facilities.
The combination of design and technical innovation offers a wallpaper that not only visually enriches the spaces, but also responds to the need for practicality and resistance without compromising aesthetics.
Unlimited is not simply a collection of wallpapers, but a real design tool. Each material is designed to integrate perfectly in different contexts, offering tailor-made solutions for every type of project. From the design of commercial spaces to the customisation of residential environments, Unlimited is the ideal choice for those looking for a perfect balance between sophisticated design, functionality and sustainability.
DUB116
DUBLIN
VEN118
VENICE
Unlimited è una collezione all’avanguardia che unisce estetica, funzionalità e sostenibilità, rispondendo alle richieste di progettisti e designer che cercano soluzioni altamente versatili e sofisticate. Composta da tredici materiali tecnici, ognuno caratterizzato da una goffratura esclusiva, una palette di colori raffinati e supporti specifici, la collezione è pensata per arricchire ambienti residenziali, commerciali e ad alto traffico con soluzioni eleganti e moderne.
Il vero cuore pulsante di Unlimited è la sua capacità di trasformare qualsiasi superficie in un’opera sensoriale. Le texture, pur rimanendo nel registro monocromatico, si distinguono per una profondità straordinaria, frutto di una ricerca approfondita sulle goffrature materiche. Ogni parete diventa così un gioco di luci e ombre che aggiunge tridimensionalità e dinamismo agli spazi, creando un’atmosfera avvolgente e unica. Le superfici evocano materiali naturali come seta, lino e trame grezze, offrendo una sensazione tattile sofisticata che rende ogni ambiente più accogliente e ricco di personalità.
Ciò che rende Unlimited particolarmente interessante è la sua straordinaria versatilità. Pur mantenendo una palette di colori elegante e sobria, ogni tono – dalle sfumature più calde a quelle più fredde –è progettato per interagire con la luce in modo affascinante, creando effetti visivi sempre nuovi a seconda dell’ora del giorno.
La gamma cromatica, al tempo stesso intramontabile e contemporanea, consente di mescolare e abbinare i materiali in modo armonioso, offrendo ai progettisti una libertà creativa senza pari.
Oltre alla componente estetica, Unlimited è pensata per rispondere alle esigenze pratiche e funzionali di un mercato sempre più attento alla durabilità e alla sostenibilità. I materiali tecnici di alta qualità utilizzati per la realizzazione della collezione sono studiati per resistere nel tempo, anche in ambienti ad alto traffico come uffici, hotel, negozi e altre strutture commerciali.
La combinazione di design e innovazione tecnica offre una carta da parati che non solo arricchisce visivamente gli spazi, ma risponde anche a necessità di praticità e resistenza senza compromettere l’estetica.
Unlimited non è semplicemente una collezione di carte da parati, ma un vero e proprio strumento progettuale. Ogni materiale è pensato per integrarsi perfettamente in contesti diversi, offrendo soluzioni su misura per ogni tipo di progetto. Dalla progettazione di spazi commerciali alla personalizzazione di ambienti residenziali, Unlimited è la scelta ideale per chi cerca un equilibrio perfetto tra design sofisticato, funzionalità e sostenibilità.
RETAIL UNIVERSE: RESILIENCE AND NEW APPROACHES TO THE CUSTOMER
AUTHOR: FABIO DAGLIO
AT A HISTORICAL MOMENT IN WHICH DIGITISATION IS ALL-ENCOMPASSING, DOES IT STILL MAKE SENSE TO TALK ABOUT MATTER AND MATERIALS IN THE DESIGN OF RETAIL SPACES? CONSIDERING TWO
NOW PARALLEL
UNIVERSES, THE ON-LINE AND THE ON-SITE, WE TAKE STOCK AND TRY TO UNDERSTAND HOW THEY INFLUENCE THEIR DESIGN.
IMMERSIVE SPACES BETWEEN TECHNOLOGY AND PROJECTIONS
SPAZI IMMERSIVI TRA TECNOLOGIA E PROIEZIONI
The development of technology has pushed the Retail sector towards formats that invest in digital and augmented reality, in the omnichannel dimension and digital signage, giving the sector a highly virtual and increasingly technological guise. The latest generation software is implemented by Artificial Intelligence, which means being able to analyse an enormous quantity of data, thereby
Lo sviluppo della tecnologia ha spinto il settore Retail su format che investono sul digitale e la realtà aumentata, sull’omnicanalità e il digital signage, attribuendo al settore una veste altamente virtuale e sempre più tecnologica. I software di ultima generazione sono implementati dall’Intelligenza Artificiale, la quale permette di analizzare un’enorme quantità di
producing predictive models on which to base marketing strategies and, synergistically, spatial layouts.
Thanks to In-Store Tracking, customers are tracked within the space and their behaviours are examined. All this makes the experience between the various digital and physical touchpoints more consistent, thus improving the customer experience.
Today you no longer
dati, restituendo modelli predittivi sui quali basare le strategie di marketing e, in modo sinergico, i layout spaziali. Grazie all’l’In-Store Tracking i clienti vengono tracciati all’interno dello spazio e ne vengono esaminati i comportamenti. Il tutto rende più coerente l’esperienza tra i vari touchpoint digitali e fisici, migliorando quindi la customer experience. Oggi non si entra più in un negozio
walk into a store simply to buy something. You cross the threshold of an immersive universe, an “On-Life” space where you live increasingly engaging and personalised shopping experiences, where product testing must be able to stimulate the customer to buy. “Seeing is believing, you have to make sure that people first try the product” (Lei Jun, Xiaomi).
semplicemente per comprare qualcosa. Si varca la soglia di un universo immersivo, uno spazio “On-Life” in cui si vivono esperienze di acquisto sempre più coinvolgenti e personalizzate, dove il testing del prodotto deve poter stimolare il cliente all’acquisto. “Vedere è credere, bisogna fare in modo che per prima cosa le persone provino il prodotto” (Lei Jun, Xiaomi).
Random Studio, a Certified B Corporation® experiential design company based in Amsterdam and Paris, is adept at bridging the physical and digital worlds in unexpected ways. For the space that Nike has chosen to fit out in one of the largest buildings on the Champs-Élysées, the studio has created several set-ups over the last year and a half, creating a basic display inventory, using the same framework for each installation. Each new campaign has been built on these foundations, constantly innovating and creating a kind of “site-specific interaction”, which learns from consumers their habits and stimulates them to return. HOI-House Of Innovation Paris represents Nike’s challenge to revolutionise the concept of Retail, where the physical space merges with the digital one, creating points of sale in which the consumer experience is placed at the centre of the concept.
Random Studio, realtà di progettazione esperienziale Certified B Corporation® con sede ad Amsterdam e Parigi, è abile nell’unire il mondo fisico e quello digitale in modi inaspettati. Per lo spazio che Nike ha scelto di allestire in uno degli edifici più grandi sugli Champs-Élysées, lo studio ha creato nell’ultimo anno e mezzo diversi allestimenti, creando un inventario di display di base, utilizzando lo stesso framework per ogni installazione. Ogni nuova campagna è stata costruita su queste fondamenta, innovandosi costantemente e dando origine a una sorta di “interazione site specific”, che. apprende dai consumatori le loro abitudini e li stimola a tornare. HOI-House Of Innovation Parigi rappresenta la sfida di Nike a rivoluzionare il concetto di Retail, dove lo spazio fisico si fonde con quello digitale, dando vita a punti vendita nei quali l’esperienza del consumatore viene posta al centro del concept.
In this third design operation, Random Studio designs an immersive space dominated by a tunnel of pink elastic fabric, called “Breath Lab”, which clearly represents the soft materiality of the brand’s new products. Made with elastic fabric panels, the pink sphere that houses the “Breath Lab” is located at the end of the tunnel and, pulsing gently with a light that ranges from cold to hot, comes to life, stimulated by the presence of visitors. With their breath they contribute to digital animation that, at the end of the day, will be influenced by all the gradients of those who have lived the experience.
Random Studio in questa terza operazione progettuale disegna uno spazio immersivo dominato da un tunnel di tessuto elastico rosa, denominato “Breath Lab” che ben rappresenta la morbida materialità dei nuovi prodotti del brand. Realizzata con pannelli di tessuto elastico, la sfera rosata che ospita il “Breath Lab” si trova alla fine del tunnel e, pulsando delicatamente con una luce che passa dal freddo al caldo, prende vita grazie alla presenza dei visitatori. Con il loro respiro contribuiscono all’animazione digitale che, a fine giornata, sarà influenzata da tutti i gradienti di coloro che hanno vissuto l’esperienza.
SPATIAL DESIGN AND INTERACTIVE SET DESIGN FOR JACQUEMUS IN LONDON
On the occasion of the Le Bleu collection, the Jacquemus brand entrusts Random Studio with the creation of a multi-sensory experience in and around Selfridges in London, flooding the space with a nostalgic feeling for the hot summers of the south of France, far from the grey skies of London. By combining spatial design and interactive scenography with smell, the designers offer visitors a memorable minibreak away from everyday life. The experience is not only visual: drawing on the universal aromas of these objects, the studio collaborated with in’n’out fragrances to create three “trompe-nez” that interact with the various spaces. Soap, which is based on the herbal blend of the iconic Savon de Marseille, Paracetamol, which plays on citrus and medicinal notes and Toothpaste, a familiar fresh and menthol scent.
In occasione della collezione Le Bleu, il brand Jacquemus affida a Random Studio la creazione di un’esperienza multisensoriale all’interno e intorno a Selfridges a Londra, inondando lo spazio di un sentimento nostalgico per le calde estati del sud della Francia, lontano dai cieli grigi di Londra. Grazie all’unione di un design spaziale e una scenografia interattiva con l’olfatto, i progettisti offrono ai visitatori una vacanza memorabile lontano dalla quotidianità. L’esperienza non è solo visiva: attingendo agli aromi universali di questi oggetti, lo studio ha collaborato con in’n’out fragrances per creare tre “trompe-nez” che interagiscono con i diversi spazi. Soap, che prende come base la miscela di erbe dell’iconico Savon de Marseille, Paracetamol, che gioca su note agrumate e medicinali e Toothpaste, un familiare profumo fresco e mentolato.
NIKE HOUSE OF INNOVATION “Own the Floor”
The “Own the Floor” campaign by Random Studio celebrates the first Nike collection dedicated to dance by presenting a medley of three styles: breakbeat, vogue and afrobeat. As in a dance school, the installation is made of glass, flanked by a wall of double-sided mirrors with screens concealed behind them. The visitor enters and the space responds with a choreography of sounds and coloured lights, powered by their movement and energy.
La campagna “Own the Floor” ad opera di Random Studio celebra la prima collezione Nike dedicata alla danza presentandone un medley di tre stili: breakbeat, vogue e afrobeat. Come in una scuola di danza, l’installazione è realizzata in vetro, fiancheggiata da una parete di specchi bifacciali con schermi nascosti dietro di essi. Il visitatore entra e lo spazio gli risponde con una coreografia di suoni e luci colorate, alimentata dal suo movimento e dalla sua energia.
NIKE HOUSE OF INNOVATION
NIKE HOUSE OF INNOVATION “Holistic Fitness – Breath Lab”
Although technology is an effective means of catapulting the consumer into different worlds in a truly minimal unit of time, we still live in a real world, made of material things that we can and want to touch. Physical space is therefore still central to making the “experience” live for the consumer. The sensations conveyed by the physicality of the material, the emotions aroused by the colour and the memories evoked by a fragrance are irreplaceable and fundamental to ensure that the user of the space is projected into the world into which the brand wishes to lead them.Once away, the customer must be able to relive the sensations experienced with their memory and look for them in the purchase of a certain product, taking a part of that experience with them. “People don’t buy products and services, they buy relationships, stories and magic” Seth Godin
Sebbene la tecnologia sia un mezzo efficace per catapultare il consumatore in mondi diversi in un’unità di tempo davvero minima, viviamo comunque in un mondo reale, fatto di cose materiali che possiamo e desideriamo toccare. Lo spazio fisico è quindi ancora oggi centrale per far vivere l’”esperienza” al consumatore. Le sensazioni che trasmette la fisicità della materia, le emozioni che suscita il colore, i ricordi che evoca una fragranza sono insostituibili e fondamentali per fare in modo che il fruitore dello spazio venga proiettato nel mondo in cui il brand desidera condurlo. Una volta lontano, il cliente deve poter rivivere con la memoria le sensazioni provate e ricercarle nell’acquisto di un determinato prodotto, portando via con sè una parte di quell’esperienza. “Le persone non comprano prodotti e servizi, ma relazioni, storie e magia” Seth Godin
V-ZUG, a leading Swiss company in the production of kitchen appliances, inaugurated during the last Salone Del Mobile 2024, V-ZUG Studio Milano, within the Brera Design District. An intimate and extremely hospitable space, with a domestic flavour in which Frigo 2000-High Performance Kitchen Spaorganises V-ZUG Experiences in which the brand’s products, as true “technological allies”, become an active part of the conviviality. An essential, pure place, characterised by neutral colours and clean lines, in which the designer Elisa Ossino has expertly orchestrated shapes, geometries and a choice of materials that in their purity instil calm throughout the space, often the scene of social events. The partnership with Henry Timi has elevated the brand’s products to totemic elements that emerge from the space, integrating as part of it.
V-ZUG, azienda svizzera leader nella produzione di elettrodomestici per la cucina, ha inaugurato durante lo scorso Salone Del Mobile 2024, V-ZUG Studio Milano, all’interno del Brera Design District. Uno spazio intimo ed estremamente ospitale, dal sapore domestico in cui Frigo 2000-High Performance Kitchen Spa, organizza delle V-ZUG Experience nelle quali i prodotti del brand, come dei veri “alleati tecnologici”, diventano parte attiva del convivio. Un luogo essenziale, puro, contraddistinto da colori neutri e da linee nette, in cui la designer Elisa Ossino ha sapientemente orchestrato forme, geometrie e una scelta di materiali che nella loro purezza infondono calma all’intero spazio, spesso scenario di eventi conviviali. La collaborazione con Henry Timi ha elevato i prodotti del brand a elementi totemici che emergono dallo spazio, integrandosi come parte di esso.
CANALI BOUTIQUE MILAN
Influence, material contrasts and refinement: an interior design conceived to convey the brand’s values. Park Associati oversaw redefinition of the historic Milanese space of the Canali brand, 350 square meters over two levels in the heart of the fashion district. The project concept stems from analysis of the brand and of the values that distinguish it: product transversality , sober elegance and fluidity A large hall, surmounted by an elegant plaster ceiling, welcomes the customer who in a few moments passes from the urban space to a more intimate area, seamlessly. Here they are welcomed by a site-specific contemporary work of art by Linda Carrara which, together with the items of clothing, promotes a constant dialogue between art and fashion. The interior design uses expertly crafted materials; the hardness of the marble and the softer feel of wooden surfaces create a sophisticated set of contrasts that dialogue optimally with the lighting system. A refined elegance that through a solid materiality welcomes the customer into the world of Canali.
Contaminazione, contrasti materici e ricercatezza: un progetto di interior pensato per trasmettere i valori del brand. Park Associati si è occupato della ridefinizione dello storico spazio milanese del brand Canali, 350 mq su due livelli nel cuore del quadrilatero della moda. Il concept di progetto scaturisce dall’analisi del marchio e dei valori che lo contraddistinguono: trasversalità dei prodotti, sobria eleganza e fluidità. Una grande hall, sovrastata da un elegante soffitto in gesso, accoglie il cliente che in pochi istanti passa dallo spazio urbano a un’area più intima, senza soluzione di continuità. Qui viene accolto da un’opera d’arte contemporanea site specific di Linda Carrara che, insieme ai capi d’abbigliamento, favorisce un costante dialogo tra arte e moda. Il progetto di interior vede l’impiego di materiali di sapiente lavorazione artigianale; la durezza del marmo e la più morbida sensazione di superfici lignee creano un sofisticato insieme di contrasti che dialoga in modo ottimale con il sistema di illuminazione. Un’eleganza raffinata che attraverso una solida matericità accoglie il cliente nel mondo Canali.
Moitié Studio creates the new concept for the “Times” multi-brand store. The interiors designed by Moitiè Studio for the Lignano Sabbiadoro store create a new concept of elegance transmitted by the expressive force of natural materials, which radiate calm and pleasant sensations, allowing the customer to enjoy a stress-free shopping experience. The walls and ceilings are covered in sandcoloured lime and the microcement floor, continuing the same shade, creates a “box” effect. Birch wood, with its veins, combines with opaque mocha lacquers, balancing warmth and modernity.Raw linen fabrics used for curtains and chairs emphasise materiality, while minimalist details characterise the environment.
DELVAUX FLAGSHIP STORE
Delvaux, the oldest luxury leather goods house, has opened its flagship store in Beijing, designed by the Milanese studio Vudafieri-Saverino Partners. The project celebrates Belgian tradition and Chinese culture, creating a sophisticated dialogue between the two. Vudaferi-Saverino Partners meets the Delvaux material concept, orchestrating pale gold, bronzed brass, Calacatta Oro marble, velvets and Alcantara. Warm white marble and caramel suede on the wall for the Foyer, red and glass totem for the Vic Room (Very Important Costumer) and a brass and Calacatta Oro marble counter for the Delvaux Bar. A “tailoring” operation that creates a sensory mix to successfully convey the brand’s strong craftsmanship and timeless elegance.
Delvaux, la più antica casa di pelletteria di lusso, ha inaugurato il suo flagship store a Pechino, ideato dallo studio milanese Vudafieri-Saverino Partners. Il progetto celebra la tradizione belga e la cultura cinese, creando un sofisticato dialogo tra le due. Vudafieri-Saverino Partners sposa il concept materico Delvaux, orchestrando l’oro pallido, l’ottone bronzato, il marmo Calacatta Oro, velluti e Alcantara. Marmorino bianco caldo e suede color caramello a parete per il Foyer, colore rosso e totem in vetro per la Vic Room (Very Important Costumer) e un bancone in ottone e marmo Calacatta Oro per il Delvaux Bar. Un’operazione “sartoriale” che crea un mix sensoriale in grado di trasmettere la forte indole artigianale del brand e un’eleganza senza tempo.
Moitié Studio crea il nuovo concept per il multibrand store “Times”. Gli interni pensati da Moitiè Studio per lo store di Lignano Sabbiadoro danno vita ad un nuovo concetto di eleganza trasmesso dalla forza espressiva dei materiali naturali, i quali conferiscono calma e piacevoli sensazioni, facendo vivere al cliente un’esperienza d’acquisto stress-free. Pareti e soffitto sono rivestiti in calce color sabbia e il pavimento in microcemento, riprendendo la stessa tonalità, crea un effetto “scatola”. Il legno di betulla, con le sue venature, si combina con laccature opache color moka, bilanciando calore e modernità. Tessuti di lino grezzo utilizzati per tende e sedute enfatizzano la matericità, mentre dettagli minimalisti caratterizzano l’ambiente.
