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arte CApAz DE ExpRESAR hASTA LO iNEfAbLE, EL ARTE REvELA uNA mANERA DE vER y ENTENDER EL muNDO, ES vEhÍCuLO DE EmOCiONES y pENSAmiENTOS, y mATERiA pARA LAS iDEAS y LA CREACióN. uN NúmERO pARA CONTEmpLAR CON EL ALmA, COmO TODA ObRA DE ARTE.

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Estimado cliente: Bienvenido a una nueva edición de Select. En esta oportunidad, con un número dedicado íntegramente al arte, aquel ámbito de creación e innovación que se expresa mediante la pintura, la fotografía, la escultura, la literatura, el diseño y tantas formas más.

Página tras página, descubriremos la mirada del mundo que tienen diferentes artistas; conoceremos las últimas tendencias que, en muchos casos, modifican la experiencia de contemplación y obligan a redefinir el concepto de arte; y nos sumergiremos en la vida cotidiana de reconocidos artistas para encontrar en qué se inspiraron para construir su legado.

En Santander Río, creemos en el arte en sus diferentes manifestaciones: teatro, conciertos, diseñadores emergentes e, incluso, gastronomía. En lo que va del 2017, ofrecimos preventa y descuentos exclusivos en espectáculos como Lollapalooza y el ciclo Mozarteum del Teatro Colón; y firmamos un acuerdo con los complejos teatrales Paseo La Plaza y Metropolitan Sura con beneficios en la compra de entradas para todas las funciones y acceso a espacios reservados. En los próximos meses, recibiremos a Coldplay, Gregory Porter y James Blunt. Esto se suma a los descuentos en cine, invitaciones a eventos y todo lo que día a día te acercamos.

Desde Santander Río Select, renovamos nuestro compromiso de poner a tu alcance las mejores experiencias y de acompañarte en cada paso, en cada decisión.

Con el cariño de siempre.

Luis Miguel García Morales GERENTE PRINCIPAL DE LA BANCA COMERCIAL

SELECT | 11

Año 4 Número 13

Select es una publicación de Santander Río S. A., editada por The Media Group SRL

Staff Dirección

Gonzalo Río y Ruy Salas

Edición

Maricruz Barcia COORDINACIÓN

María Luz Armando Diseño

Gilda Goglino Colaboraron en este número

Mariano Castagneto, Manuel Castelo Araldi, Guillermo González Taboada, Gabriela Poggi, Pilar Santillán, Viviana Vallejos y Laura Ventura foto de Tapa

Martha Cooper Publicidad

The Media Group Paraná 539 piso 9 (CABA) Teléfonos: 5236 -7065/ 7066 www.themediagroup.com.ar

Sumario 14 París, fuente de inspiración

50 Al aire libre

24 Imaginación sin límites

60 Trazos al compás

volar

Una invitación para conocer la capital francesa de la mano de los artistas que la vivieron y encontraron en sus calles materia para sus creaciones. h acer

Con objetos cotidianos como cintas métricas y reglas de madera, Pedro Tyler desarrolla un universo artístico, que escapa a cualquier etiqueta.

28 Vivan las historias pensar

h allar

Epicentro de la movida cultural en Miami, el barrio de Wynwood despliega vistosos murales de autores de todas partes del mundo.

Representante del “Arte Generativo”, Eduardo Mac Entyre se expresa a través de la curva y del juego de colores.

68 Museos tecno innovar

Guardianes del arte, los museos incorporan las nuevas tecnologías para ofrecer una experiencia que trasciende la visita.

34 Murales bajo tierra

76 Aquí vivieron

Un paseo por las obras de reconocidos artistas que atesora el subte porteño a lo largo de sus seis líneas.

narrar

Espiamos por dentro las casas de Monet, Kahlo, Dalí y Neruda para conocer aquel mundo íntimo donde produjeron su legado.

44 Las series, nuevas protagonistas 86 Tras los pasos de Carrá desc u brir

Con tramas ágiles y atrapantes, las series revolucionan el mercado audiovisual y redefinen el concepto de arte.

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Impresión

Grupo Maori

conocer

Una entrevista al escritor Juan Villoro, amante del relato en todas sus formas y artífice de un cuerpo literario que atraviesa todos los géneros. recorrer

Gonzalo Rio: 15 5497-6679 grio@themediagroup.com.ar Ruy Salas: 15 4022-2453 rsalas@themediagroup.com.ar

admirar

En Meudon, al sur de la capital francesa, encontramos las mejores obras “pop” del argentino Carmelo Carrá.

Gerente de Marketing

Gabriela Balestrieri

Gerente de Comunicaciones Masivas

Adriana Alesina

Banco Santander Río S.A. es una sociedad anónima según la Ley Argentina registrada en la Inspección General de Justicia bajo el número correlativo 800678. Ningún accionista mayoritario de capital extranjero responde por las operaciones del banco, en exceso de su integración accionaria (ley 25.738).

CUIT: 30-50000845-4. Bartolomé Mitre 480, C.A.B.A. La publicación de opiniones personales vertidas por colaboradores y entrevistados no implica que sean necesariamente compartidas por Santander Río S. A. o por The Media Group SRL. Tampoco se asume responsabilidad alguna por los contenidos de las notas y los bienes y servicios que los anunciantes publiquen en sus páginas. Todos los derechos reservados. Prohibida su reproducción total o parcial.

Songquan Deng/bigstock

[ volar ]

París, siempre

una fiesta París es uno de los destinos más magnéticos del mundo. Quizás por eso artistas de todas las épocas buscaron la inspiración en sus calles. Seguir sus pasos por la ciudad es una propuesta diferente para conocer la Ville Lumière.

Por Gabriela Poggi

[ volar ]

“P

galerías que pueden transformar al más neófito en

Hepburn en Sabrina, una de sus películas más recor-

un entendido del buen arte. Y qué decir si se conside-

dadas. Y algo de razón debía de tener, ya que esta

ran los tesoros arquitectónicos que esperan a la

ciudad se sigue consolidando año a año como uno de

vuelta de cada esquina o el sinnúmero de espectácu-

los destinos del mundo más visitados. De hecho, solo

los musicales y teatrales que ofrece la ciudad.

en 2016 recibió a más de 18 millones de extranjeros.

Pero otra manera interesante de descubrir París

Es que no importa cuán bien uno crea que conoce

es recorrerla desde la experiencia de los artistas que

París, siempre hay algo nuevo por descubrir. Los

vivieron sus calles y encontraron la inspiración en

barrios van mutando: los más antiguos se reciclan y

una ciudad que sigue enamorando. Esta mirada más

surgen nuevas áreas de interés. Y detrás de sus seño-

íntima permite adueñarse de sus rincones desde otra

riales palacios y bulevares, París vuelve a conquistar

perspectiva. Los íconos parisinos dejan de ser meras

con la intimidad de sus jardines ocultos y barcitos

atracciones para transformarse en espacios con tex-

escondidos en los recovecos más ignotos.

tura, con recuerdos, con vida.

Para el viajero con sensibilidad artística, la capital francesa obnubila con sus múltiples opciones. El

Los años locos

imponente Louvre, el Musée d’Orsay, el controver-

No es necesario leer demasiado para imaginar

tido Pompidou y el Grand Palais son solo algunos de

cómo era París en los años locos, cuando Ernest

los imperdibles de una vasta lista de museos y

Hemingway y su generación perdida de artistas

Pierre-Olivier/bigstock

Hemingway solía recorrer los famosos bouquinistes, que se encuentran a la orilla del Sena, en busca de libros usados.

arís es siempre una buena idea”, aseguraba Audrey

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wjarek/bigstock

expatriados tomaron la ciudad por sorpresa. Casi todos los lugares que frecuentaban todavía existen, así como las librerías en las que se reunían y los cafés en los que pasaban largas tardes y eternas noches.

En París era una fiesta, Hemingway retrata en

Otra manera interesante de descubrir París es recorrerla desde la experiencia de los artistas que vivieron sus calles y encontraron la inspiración en una ciudad que sigue enamorando.

forma póstuma su estadía en esta ciudad junto a su primera esposa Hadley Richardson; una época en la que fueron “muy pobres, pero muy felices”. Vivían en

esposa en su primera noche en París, allá por diciem-

un pequeño departamento sin ascensor en el 74 de

bre de 1921. El hotel tiene una ubicación estratégica

rue du Cardinal Lemoine del Barrio Latino, una zona

en el encantador barrio de Saint-Germain-des-Pres,

que ha sabido inspirar a los intelectuales de todos

a unos minutos de caminata del Louvre, la basílica

los tiempos. Sus otros departamentos, ubicados en

de Notre Dame o los jardines de Luxemburgo.

6 rue Férou y 113 rue Notre Dames des Champs,

Muy cerquita también se encuentran los famosos

también siguen en pie y desafían el olvido con placas

bouquinistes, esos puestos que se multiplican con su

conmemorativas.

color verde a ambas orillas del Sena. Hemingway

Los más fanáticos de Hemingway pueden, incluso,

pasaba horas allí, buscando libros usados. Hoy se

alojarse en la habitación 14 del Hôtel d’Angleterre,

puede revivir esa experiencia y, con un poco de

que en aquel momento se llamaba Hôtel Jacob. Se

suerte, hasta encontrar alguna primera edición para

trata del dormitorio utilizado por el escritor y su

llevarse de recuerdo.

Para disfrutar de los sabores franceses, nada mejor que visitar el mercado de la rue Mouffetard en el Barrio Latino, al que Hemingway describía como “fantástico, angosto y lleno de gente”.

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KovalenkovPetr/bigstock

Montparnesse aún conserva esa atmósfera de los años 20, cuando escritores y artistas como Gertrude Stein, F. Scott Fitzgerald, Joan Miró y Pablo Picasso solían pasar largas horas en sus cafés.

El marché Mouffetard del Barrio Latino todavía

Primera Guerra Mundial y estaban dispuestos a apro-

conserva esa frescura desorganizada de los merca-

vechar intensamente cada segundo, como si hubie-

dos callejeros. Hemingway lo describía en sus memo-

ran sabido que esos años de felicidad serían escasos

rias como “fantástico, angosto y lleno de gente”. Abre

y que aún se avecinaba lo peor. Ese estado anímico,

de martes a domingo y es una interesante oportuni-

mezcla de euforia y nostalgia, fue acertadamente

dad para comprar fruta, quesos o fiambres al mejor

reflejado en Medianoche en París, una de las películas

estilo parisino.

más exitosas de Woody Allen de los últimos años.

Con todas las letras

cer poco más que una estación de subte, un bulevar

En sus comienzos, Montparnasse tenía para ofreTambién en el Barrio Latino se encontraba el local

y un cementerio. Pero hacia fines de la década del

original de la librería Shakespeare and Company, en

20, Henry Miller se refería a este barrio como “el

donde Hemingway hizo destrozos luego de recibir

ombligo del mundo”. La Closerie des Lilas, Le Dome

una mala crítica de uno de sus libros. Ahí se editó y

y La Coupole son algunos de los cafés que mejor

retipeó el Ulises de James Joyce, y las malas len-

conservan el ambiente de la época. Al sentarse en

guas cuentan que Henry Miller tomaba prestados

el piano bar de La Closerie, uno puede reconstruir

libros que luego nunca devolvía. La nueva ubicación

cómo eran esas noches de acaloradas discusiones y

de la librería en 37 rue de la Bûcherie sigue siendo el

muchas copas de más.

punto de encuentro de los escritores extranjeros en París y sus altísimas estanterías atesoran los libros –y los recuerdos– de una generación inolvidable.

Tras los pasos de Coco

París también es sinónimo de moda y Coco Chanel,

Hemingway decía convencido que París acompaña

una de sus principales exponentes. Su legado definió

a todos aquellos que la hayan vivido durante el resto

una nueva concepción de la mujer, lejos del corsé y

de la vida. Y qué mejor promesa que esta para aden-

mucho más protagonista. Con su audacia y su mirada

trarse en las calles del barrio de Montparnasse, zona

vanguardista, revolucionó para siempre los estánda-

que nucleaba a Gertrude Stein, a F. Scott Fitzgerald y

res de la elegancia.

su inolvidable Zelda, a Joan Miró y Pablo Picasso.

De orígenes muy humildes, Gabrielle “Coco” Chanel

Estos espíritus rebeldes habían sobrevivido a la

aprendió a coser desde chica en el convento de

Apogeo literario en la Ville Lumière Ese ambiente único de los años locos en París quedó para siempre retratado en las novelas de algunos de los escritores de la generación perdida, un prolífico grupo de artistas expatriados que hicieron de Montparnasse el ombligo del mundillo literario:

Ernest Hemingway Fiesta (1926) y París era una fiesta (1964, obra póstuma)

Gertrude Stein

George Orwell

henry miller

Autobiografía de Alice B. Toklas (1933)

Sin blanca en París y Londres (1934)

Trópico de Cáncer (1934) y Días tranquilos en Clichy (1956)

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Brian K./bigstock

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Cada mañana, Chanel salía por la puerta trasera del Ritz, rumbo a su maison. El mito cuenta que el portero del hotel avisaba a los empleados para que aromatizaran las escaleras de la tienda con Chanel No. 5 antes de su llegada. Coco decoró sus 188 m2 personalmente, reflejando su amor por las lacas asiáticas, los espejos con madera dorada y la combinación del blanco y el negro. Hoy es posible dormir en su cama por unos 18.000 dólares la noche. Créase o no, está casi siempre ocupada así que hay que planificar con tiempo para darse el gusto.

En 31 rue Cambon, sigue estando la casa central de Chanel y mantiene la organización original definida por la fundadora. La tienda está en la planta Arriba: La belleza de los jardines de Luxemburgo siempre fue un imán para los artistas de todas las épocas.

Abajo: Desde su habitación en el hotel Ritz, Coco Chanel tenía una vista privilegiada de Place Vendôme.

monjas donde creció. Llegó a París en 1919 y comenzó

baja, sobre la calle. En el primer piso, funciona el ate-

armando sombreros. Sus diseños, hechos en paja y

lier de haute couture. Los comunican la famosa

decorados con moños y hebillas, llamaron la atención

escalera espejada, desde donde Coco se sentaba a

de la aristocracia por su simplicidad y estilo. Abrió su

espiar las caras de los espectadores de sus desfiles.

maison en el 31 de rue Cambon y, desde allí, cons-

En el segundo piso, se encuentra el departamento

truyó su imperio.

que Coco utilizaba para realizar fiestas y recibir a sus

Place Vendôme fue el epicentro de la vida de Coco en París, y muchos dicen que su forma octogonal

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amigos, entre los que figuraban Elizabeth Taylor, Salvador Dalí, Pablo Picasso y Marlene Dietrich.

fue la inspiración para diseñar la botella del mítico

A unas pocas cuadras, sobre rue de Rivoli, espera

Chanel No. 5. De hecho, Chanel comenzaba sus días

la histórica confitería Angelina. Era habitual encon-

con una vista única de Place Vendôme desde la suite

trar a Coco ahí, tomando un respiro de sus días de

del lujosísimo hotel Ritz, que fue su hogar por más

intenso trabajo. También cuentan que tenía debilidad

de 30 años.

por los macaroons de Ladurée.

teatro. Ayudó financieramente a su amigo, el composi-

KovalenkovPetr/bigstock

Chanel era amante de las artes y le encantaba el tor Igor Stravinsky, para que pudiera montar un espectáculo en el Théâtre des Champs-Élysées, ubicado en Avenue Montagne. También diseñó el vestuario del ballet Le Train Bleu que se estrenó en esa misma sala.

Dueña de una vida intensa, plagada de trabajo y grandes pasiones, Chanel falleció en París el 10 de enero de 1971. Su funeral se realizó en la iglesia de la Madeleine, donde cubrieron su ataúd con camelias blancas, sus flores preferidas.

La vie bohème

Montmartre es el punto más alto de París. Con sus 131 metros y una increíble vista de la ciudad, la cima está coronada por la blanquísima basílica del Sacré Coeur. Allí arriba uno se siente más cerca del cielo.

Tal vez por eso será que los antiguos cristianos eligieron este monte como lugar de peregrinación.

Pero, probablemente, Montmartre sea reconocida por razones menos espirituales. A finales del siglo XIX, los artistas buscaron inspiración –y alquileres baratos– en este rincón del norte de París. Aspirantes a pintores, rodeados por poetas y bailarinas de cancán, dieron origen allí al movimiento impresionista.

El legendario cabaret Moulin Rouge sigue en funcionamiento en el Pigalle, a los pies de Montmartre.

Para escándalo de la época, ese submundo fue inmortalizado por las pinturas de Henri de ToulouseLautrec. También era frecuentado por Pablo Picasso, que años más tarde pintaría Las señoritas de Avignon en Bateau Lavoir, ubicado en place Émile Goudeau.

Pierre-Auguste Renoir vivió en el número 12 de rue Cortot, así como Maurice Utrillo y Raoul Dufy. Se AlexKozlov/bigstock

conserva el edificio del siglo XVII, devenido en el Museo de Montmartre. Renoir y sus amigos eran habitués del cabaret Au Lapin Agile en el 22 de rue des Saules y se divertían en el Moulin de la Galette, hoy restaurante y uno de los dos molinos que aún sobreviven en París. También en esta zona se puede encontrar Le Clos Montmartre, el último viñedo dentro de los límites urbanos de París.

Arriba: La vida nocturna de Moulin Rouge quedó retratada en las obras de Toulouse-Lautrec.

Abajo: Entre las callecitas de Montmartre, se gestó el movimiento impresionista.

Ese ambiente de creatividad desbordada y pasión por la expresión fue retratado por el director australiano Baz Luhrmann en la película Moulin Rouge. El musical narra la vida de los artistas en los estudios, cafés, cabarets y burdeles repartidos en la zona más pecaminosa de la ciudad.

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[ volar ]

Netfalls/bigstock

Place de la Concorde marca el inicio de la avenida Champs-Élysées.

La vida en París fue fuente de inspiración para artistas como Monet, Renoir y Pissarro.

Santander Río Select te acerca más recomendaciones sobre este destino: › Dónde alojarse Los miembros de Quintessentially cuentan con beneficios especiales en los mejores hoteles de la ciudad. Solicitanos tu reserva en Plaza Athenée, Le Bristol, Ritz, Península, George V, Le Meurice, Le Shangri o en Mandarin Oriental y podrás acceder al desayuno sin cargo, un early check in o un upgrade de habitación. › Dónde comer Nuestro equipo de Concierge podrá asesorarte y poner a tu disposición algunas de las mejores opciones gastronómicas de la ciudad, como:

La ciudad de la luz

Pero los impresionistas también fueron testigos de la transformación de la otra París. De la mano del Barón Haussmann, funcionario público que llevó adelante la renovación de la capital francesa a mediados del siglo XIX, esa maraña de edificios superpoblados y descuidados se convirtió en una ciudad luminosa de grandes bulevares, lujosos palacetes y parques verdes que despertaría la envidia del resto de Europa.

La renovada belleza de la ciudad fue un motivo recurrente de los lienzos impresionistas. En sus obras, los

LOULOU. 107 rue de Rivoli, 75001 París (en el museo de Arte Decorativo) Tel. +33 1 42 60 41 96 www.loulou-paris.com/welcome

grandes edificios pierden protagonismo para reflejar

MONSIEUR BLEU. 20 avenue de New York, 75116 París Tel. +33 1 47 20 90 47 www.monsieurbleu.com

bulevar des Capucines y la rue de Saint-Denis. Renoir

RALPH’ S. 173 boulevard Saint Germain, 75006 París Tel. +33 1 44 77 76 00 www.ralphlaurenstgermain.com/en

la vida de su gente. Claude Monet pintó las Tuileries, el también retrató estas multitudes en movimiento por Champs-Élysées, en el Pont des Arts o en el roman-

ALLARD. 1 rue de l’Eperon, 75006 París Tel. +33 1 58 00 23 46 www.restaurant-allard.fr/en

tiquísimo Pont Neuf. Camille Pissarro, por su parte,

HUGUETTE - BISTROT DE LA MER. 81 rue de Seine, 75006 París Tel. +33 1 43 25 00 28 www.huguette-bistro.com

Degas dio protagonismo a quienes paseaban por la

MAISON BLANCHE. 15 avenue Montaigne, 75008 París Tel. +33 1 47 23 55 99 www.maison-blanche.fr/en LA TOUR D’ARGENT (* Michelin). 15 quai de la Tournelle, 75005 París Tel. +33 1 43 54 23 31 www.tourdargent.com ANGELINA. 226 rue de Rivoli, 75001 París Tel +33 1 42 60 82 00 www.angelina-paris.fr/en

mostró a los parisinos en bulevar des Italiens, y Edgar Place de la Concorde.

Gran parte de estas obras se encuentran en el Museè d’Orsay, una de las principales atracciones de la ciudad. El museo, que reutiliza las instalaciones de una magnífica estación de tren, ofrece la mayor colección de obras impresionistas del mundo y cuesta encontrar excusas para no visitarlo. •

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[ hacer ] 6 am (2009).

Ensamblaje en reglas de madera y bajorrelieve (120 x 150 x 2 cm).

No hay medida

para los sueños Para un artista cuya materia son las cintas métricas, el universo podría suponerse limitado. Sin embargo, el imaginario de Pedro Tyler fluye hace varios años con una riqueza admirable, desde que el inmensurable dolor relacionado con una muerte cercana disparó un cuerpo de obra que hoy tiene el reconocimiento del coleccionismo en varios países.

Por Guillermo González Taboada, editor de Art Democracy y director de la feria privada Aparte Moderna y Contemporánea.

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Pandora (2009), Machetes de reglas de acero y acrĂ­lico (110 x 110 x 3 cm).

SELECT | 25

[ hacer ]

P

edro Tyler nació en Uruguay (1975), pero se radicó

sacándolos de su contexto.

en Chile a fines de los 90. Sus lazos en ambos países

Con cintas métricas, reglas de

lo mantienen viajando año tras año, pero es en

madera o de acero, se puede

Santiago donde obtuvo la licenciatura en Artes –con

medir algo lineal como el cuerpo,

distinción máxima y mención en Escultura– de la

pero no se pueden medir los sentimien-

Universidad Finis Terrae, lo que desmiente esa creen-

tos dentro de ese cuerpo. Medir lo que no se

cia popular de que los buenos artistas son ilumina-

puede medir. La medida del dolor relacionada con

dos, autodidactas o se forman únicamente en el

una muerte cercana disparó una serie de obras que

taller de otros artistas.

nacen de una inquietud personal; cómo analizar y

Conocimos la obra de Pedro en la Galería del

Es un lugar común reconocer a una escultura

Este uruguayo. En esa muestra, se destacaba

cuando el material responde al patrón clásico: hie-

Pandora, la perspectiva de una caja montada sobre

rro, bronce, mármol, piedra, madera. La tradición

la pared, formada por una serie de cuchillas cuyos

también induce a pensar que debe estar apoyada

filos estaban realizados con cintas métricas de

sobre un pedestal. Cuando un cuerpo escultórico

acero. El impacto de esa obra era previsible y, detrás

cuelga de una pared o está realizado en acrílico

de ella, descubrimos al artista, un tipo demasiado

y apoya sobre cualquier superficie –dos variables

joven –nos pareció en ese momento– para sostener

bastante frecuentes en el trabajo de Pedro Tyler–,

un discurso tan particular sobre su creación: “Me

muchos la catalogan como una instalación.

gusta alterar las cosas porque sé que no son definiti-

Como sea que se defina, lo trascendente del trabajo

vas. En esa búsqueda, empleo objetos cotidianos,

de Pedro es la profundidad de su búsqueda a partir

Páginas sueltas (2013). Bajorrelieve sobre madera y bisagras de acero (cada retrato 33 x 25 x 1 cm).

26 | SELECT

razonar sobre los sentimientos”.

Paseo que dirige Silvia Arrocés, en Manantiales, en el

Una cosa que piensa (2010).

Reglas de acrílico y tornillo (40 x 30 x 30 cm).

“Me gusta alterar las cosas porque sé que no son definitivas. En esa búsqueda, empleo objetos cotidianos, sacándolos de su contexto” (Pedro Tyler). de esas reglas y cintas métricas que emplea para materializar lo que su imaginación le sugiere. Desde que comenzó a trabajar con ellas, la diversidad ha sido tal que, cuando uno visualiza el cuerpo completo de su obra, reconoce inmediatamente la capacidad del artista para no repetirse.

Más allá de algunas obras aisladas que suelen aparecer en arteBA o en Aparte, la feria boutique, aguardamos que una muestra individual de Pedro Tyler en Buenos Aires nos permita admirar lo mejor de su producción de los últimos años. •

* Guillermo González Taboada, autor de esta nota, es el iniciador de Art Democracy, un emprendimiento en las redes sociales que ya superó los 320.000 seguidores en todo el mundo y que en Buenos Aires edita la revista del mismo nombre bajo el lema “una mirada desprejuiciada sobre el arte contemporáneo” SELECT | 27

[ pensar ]

Juan Villoro, un artista del relato Es uno de los escritores más destacados de la literatura latinoamericana actual. Amante del fútbol y viajero empedernido, ha logrado articular una brillante labor académica como docente junto con una destacada trayectoria en el mundo de las letras y el periodismo.

Por Mariano Castagneto · Fotos: gentileza Juan Villoro

E

scribió novelas, cuentos, ensayos, crónicas periodís-

y los que más se equivocan al juzgarlos son los pro-

ticas, textos de literatura infantil, obras de teatro,

pios autores.

guiones radiofónicos y cinematográficos. Amante de

¿Por qué leer nos regala tiempo?

toda forma de relato, el mexicano Juan Villoro

Hay libros que parecen darte el tiempo para ser

escribe desde que tiene 15 años, cuando se despertó

leídos. Es sorprendente que algunos de los libros

su vocación por contar. En 1991 publicó su primera

que tienen más éxito en este tiempo en el que apa-

novela, El disparo de Argón, y en 2004 ganó el Premio

rentemente no podemos hacer nada por los muchos

Herralde, uno de los premios más prestigiosos del

distractores que tenemos son libros muy extensos.

mundo literario actual, por su obra El testigo.

Yo creo que ese es uno de los grandes secretos de la

Profesor de Literatura en universidades como la

literatura: la capacidad de atrapar a alguien de tal

Autónoma de México, Yale, Boston, Pompeu Fabra y

forma que el libro no te está quitando el tiempo, sino

Princeton, no ha dejado un solo día de vivir inmerso

que te lo está regalando. Es muy común la pregunta

en letras y libros. Su arte está allí, en el don de trans-

sobre qué obra te llevarías a una isla desierta. Pues

mitir conocimientos a través de la palabra, mientras

bien: hay libros que son su propia isla desierta, que

viaja de una esquina a otra del mundo con sus confe-

uno naufraga en ellos, se queda en ellos durante

rencias y clases magistrales.

mucho tiempo y no quiere salir de ahí.

En Palmeras de la brisa rápida: un viaje a

¿Quién define un libro como arte?

Yucatán, contás las costumbres y la idiosincra-

Eso no lo decide el autor, sino los lectores. Una

cia de la tierra de tus abuelos. Vivir la realidad

obra clásica, por ejemplo, es un libro que sigue

implica, por supuesto, viajar. ¿Qué aportes le han

diciendo cosas a través del tiempo y que sigue siendo

dado los viajes a tu literatura?

defendido por la gente.

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La literatura es un viaje. No es casual que una de

¿Un escritor es rehén de lo que escribe?

las primeras grandes historias sea Odisea: la historia

La escritura es una pasión, pero también una con-

de un hombre que pasa por mil aventuras tratando

dena. Hay momentos de gran disfrute, pero también

de volver a casa. Los viajes despejan la mente y per-

otros en los que escribes porque eso se te impone

miten ver tu realidad de otra manera. La gran sor-

y no puedes hacer otra cosa. Los libros salen de una

presa de lo que conoces al desplazarte eres tú

curiosa mezcla de logros, frustraciones y derrotas,

mismo. De pronto, te descubres diferente en otras

[ pensar ]

coreografía y ballet. Además, los partidos se desarrollan como un relato que puede deparar sorpresas e, incluso, volverse desconcertante, como una narración experimental. Cuando los jugadores se entienden, “riman” entre sí, como si estuvieran escribiendo un poema. Cuando la defensa se cierra, practica una prosa muy dura.

Viendo fútbol descubriste tu vocación…

Por ese entonces, no sabía que eso me llevaría a escribir, pero ya se me daba una vocación narrativa.

Escuchaba a los grandes locutores de la radio que reinventaban los partidos y convertían el juego más aburrido en la Guerra de Troya. La realidad contada era mucho más intensa que la realidad vivida.

Eternamente joven

Juan Villoro es un niño adulto. No ha perdido nunca el alma joven. La edad es solo una anécdota en alguien que vive con su infancia siempre presente y no abandona la sencillez de esa dulce etapa de la vida.

También escribís relatos para los más chicos.

“La escritura es una pasión, pero también una condena. Hay momentos de gran disfrute, pero también otros en los que escribes porque eso se te impone y no puedes hacer otra cosa”.

Hay un niño que permanece en vos…

Disfruto enormemente escribir para niños, es un gran desafío. Se trata de lectores sumamente inteligentes, que tienen una amplitud enorme respecto a los temas y aceptan sin problemas una imaginación desaforada, pero a condición de que todo eso sea muy lógico. El mecanismo narrativo para cautivar a

circunstancias. Esto ayuda a recuperar tu barrio, tu

los niños es altamente complejo, y yo me divierto

país o tu ciudad de otra manera. Algunos de los

mucho haciéndolo. Por desgracia, mucha gente trata

mejores libros que evocan sitios muy concretos se

de olvidarse del niño que fue o del joven que fue.

han escrito a la distancia o, incluso, desde el exilio: atesoramos mejor aquello que perdemos.

Mencionás con frecuencia que hoy te sentís más joven que cuando tenías muchos menos años…

La edad es una categoría psicológica. Bob Dylan

Amor por la pelota

años. Y yo siempre estuve muy cerca de la contra-

fútbol. Y es hincha fanático del Barcelona de Messi,

cultura, escribí los guiones de un programa de rock

sobre todo porque fue su padre quien nació en aque-

que se llamaba “El lado oscuro de la luna”. Me sen-

lla ciudad. Jugó en las divisiones inferiores del

tía como alguien que solo podía ser joven y que, si

Pumas, en México, pero al poco tiempo dejó la acti-

envejecía, iba a cometer un pecado mortal.

vidad. Su reciente obra Balón dividido es la cabal

Efectivamente, al cumplir 30 años, me vi al espejo y

expresión de un fanatismo por la pelota que lo

me dije: “¡Bob Dylan tenía razón! ¡No puedo confiar

acompaña desde niño. O desde siempre.

ni en mí mismo!”. Psicológicamente, ha sido el

Siempre decís que el fútbol es arte. ¿En qué sentido?

El fútbol tiene muchos elementos estéticos, como la plasticidad de los pases. Hay mucho de 30 | SELECT

decía que no había que confiar en nadie mayor de 30

Villoro ha sido cronista en varios mundiales de

momento en el que he sido más viejo. Ahora ya tengo el doble de esa edad, acabo de cumplir 60. Tal vez por una cierta irresponsabilidad, me siento un poco más joven que cuando cumplí 30. •

SELECT | 31

select

una bienal distinta a todas Hasta diciembre, tendrá lugar la Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de América del Sur (Bienalsur) en distintos puntos del país y del mundo. Su director, Aníbal Jozami, cuenta las singularidades de esta propuesta que busca derribar las fronteras.

Por Victoria Pérez Zabala · Fotos: Gentileza Bienalsur

U

nas manos gigantes sobre el Centro Cultural Recoleta. Una viga naranja en las escalinatas de la Facultad de Derecho. Algo está

cambiando en Buenos Aires. Si hasta la histórica fachada del Palais de Glace ahora parece renacer bajo rayas azules, verdes y rosas. El arte se derrama sobre los espacios públicos. Y el responsable es Aníbal Jozami, director de la Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de América del Sur (Bienalsur) y rector de la Universidad Nacional de Tres de Febrero (Untref), institución promotora de la iniciativa.

El fenómeno cultural no se limita a las calles porteñas. Bienalsur conecta en simultáneo a más de 32 ciudades de 16 países del

Sí, absolutamente. Esta es una bienal pensada para atraer a nue-

mundo. De Buenos Aires a París, de La Paz a Montevideo, de Río de

vos públicos al arte y democratizarlo. Estamos logrando que mucha

Janeiro a Tokio, esta bienal –que cuenta con el auspicio de Santander

más gente participe de las actividades porque hay una gran canti-

Río– promueve un diálogo entre distintos puntos del mapa y elimina

dad de obras en el espacio público. También involucramos a secto-

fronteras con la ayuda de la tecnología. A través de pantallas, el

res que normalmente no participan de este mundo. Por ejemplo, en

espectador puede participar en simultáneo de las diferentes mues-

la villa 21-24, en Barracas, donde el famoso fotógrafo iraní Reza

tras y no quedarse afuera de lo que se ha convertido en uno de los

Deghati dio un taller para chicas y chicos de entre 14 y 18 años.

acontecimientos artísticos del año.

Esas fotos se pueden ver en la Plaza San Martín. Algunas son de

¿En qué se diferencia esta bienal de las demás?

gran calidad. Podrían estar en cualquier exposición internacional.

Es una bienal inédita. No solo por la cantidad de países en la que

Logramos que esas familias y sus allegados participen de un

se presenta en simultáneo, sino por la cantidad de artistas que par-

mundo hasta ahora cerrado para ellos.

ticipan y por la forma en que se hizo la selección. Al no haberse

¿Cuál sería otro de los objetivos?

fijado un tema previo, se planteó un llamado abierto al que respon-

Queremos que el arte de los países del Sur se sitúe de otra

dieron 2.543 artistas y curadores de 78 países distintos. El único

manera. El concepto Sur, en este caso, no es solo geográfico. Tiene

criterio que se tuvo en cuenta fue el de la calidad de los proyectos.

más que ver con lo económico, cultural y político. Así como se sabe

Muchos de los participantes dicen que nunca habían tenido tal nivel

poco del arte sudamericano en el resto mundo, tampoco se conoce

de libertad para crear.

demasiado del japonés, más allá de dos o tres artistas muy famo-

Según la artista brasilera Regina Silveira, “el arte en espacios

sos. Hay un monopolio de la difusión cultural de parte de sectores

públicos está más cerca de su verdadera función: cambiar la percep-

de Europa y los Estados Unidos. Se trata de establecer un diálogo y

ción de las personas y hacer circular poéticas”. ¿Está de acuerdo?

un circuito cultural que, hasta ahora, no existía.

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Galería

subterránea En Buenos Aires, existe un mundo bajo tierra que solemos frecuentar en el afán de movernos rápido por la ciudad. Allí mismo, donde reinan la prisa, el abrir y cerrar de puertas de vagones y el tumulto de la hora pico, obras de arte de figuras reconocidas y noveles decoran las estaciones y cuentan historias a quienes se detengan a ver y oír antes de seguir viaje.

Por Pilar Santillán · Gentileza SBASE (Subterráneos de Buenos Aires Sociedad del Estado)

H

ace apenas unos años, en 2013, el subte de Buenos Aires –el primero de América Latina– celebraba su centenario, en honor a la inauguración de la línea A. Desde ese entonces, el

subte porteño constituye un transporte ícono para los habitantes de la ciudad.

La personalidad de cada una de sus seis líneas –con un color característico e identificadas con una letra del abecedario–, se define no solo por los barrios que atraviesa o los nombres de sus estaciones, sino por el arte que podemos descubrir en sus paredes. Así, en la línea A, encontramos intervenciones en homenaje al centenario y al bicentenario de la patria, con representaciones de los pueblos originarios y de los procesos inmigratorios, y símbolos de la tradición porteña, como el tango y el arte urbano. En la B, el concepto que predomina es el arte urbano y los pintores argentinos. La línea C, bautizada como “la línea de los españoles”, invita a realizar un viaje a través de la Península Ibérica sin salir de Buenos Aires.

Por su parte, en la D, el muralismo aborda temáticas referentes a paisajes y costumbres de nuestro país. La E combina obras históricas con intervenciones de artistas contemporáneos, que plasmaron escenas de la vida cotidiana, imágenes de la naturaleza como bosques y acuarios, y el dinamismo del subte bajo la ciudad. Y, por último, la línea H, la más nueva de todas, es un auténtico reconocimiento a cantantes, músicos y compositores del 2x4, por lo que fue declarada como “Paseo turístico-cultural subterráneo del tango”.

H Estac i óN

Venezuela A rt i sta

Carlos Nine La bella dama de flequillo y labios pintados, en forma y contraforma con la boca de subte, es una de las obras que el ilustrador, guionista y amante del tango dejó como legado en la línea H. Vida mía es una pieza que recrea visualmente la canción de la dupla artística formada por Osvaldo y Emilio Fresedo, compuesta en 1933.

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A Estac i ó N

Acoyte A rt i sta

Claudio Gallina

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Debido a la cercanía de la estación con las escuelas públicas, se eligieron motivos escolares con la idea de que el pasajero recree un viaje en el tiempo y se encuentre con sus propios recuerdos de la infancia.

D Estac i ó N

Palermo A rt i sta

Milo Lockett

El famoso artista chaqueño desarrolló una intervención en columnas y en el andén central, donde se aprecian sus diseños coloridos y alegres, con la intención de que los usuarios hagan un viaje hacia su niñez y revivan recuerdos gratos.

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A

Estac i ó N

Plaza Miserere A rt i stas

Georgina Ciotti, Nazza, Run don´t walk, Stenciland y Martín Ron 38 | SELECT

La heterogeneidad de los usuarios que circulan por esta estación inspiró a estos artistas a crear 31 obras con imágenes representativas del street art. Con técnicas propias del muralismo y el arte urbano, los diseños son claras evocaciones al artista inglés Banksy.

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B

Estac i ó N

Ángel Gallardo A rti sta

Nazza

B

Estac i ó N

Carlos Gardel A rti sta

Carlos Páez Vilaró 40 | SELECT

La obra es un homenaje a los pueblos originarios, realizada con la técnica de stencil, que contiene pasajes del escritor uruguayo Eduardo Galeano.

En Mi Buenos Aires querido, Gardel aparece de perfil derecho junto a una escuela, un carro tirado por caballos, una hilera de ropa secándose en una soga, una riña de gallos y la luna con una estrella. El reconocido artista uruguayo manifiesta, así, la juventud del cantor, entre las horas del día en la escuela y sus primeras salidas nocturnas.

D

Estac i ó N

Con su obra, el artista invita a sumergirse en un sinfín de

A rt i sta

remiten a Miró. Así, busca generar diferentes sensaciones

Agüero Diego Gómez Pola

historias y personajes que navegan en colores planos y que que pueden experimentarse durante el viaje en subte.

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A Estac i ó N

Carabobo A rt i stas

Parbo, Tec, Defi, Chu, PMP, Nazza, Larva, Gualicho, Pum Pum, Sonni y Zumi En esta estación, los artistas urbanos realizaron murales con técnicas propias del arte callejero como los tags, stencil y character art.

Estas obras nos animan a pensar una ciudad que se renueva día a día.

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C Estac i ó N

Independencia A rt i stas

Martín Noel y Manuel Escasany La Línea C fue construida con capitales españoles, en un contexto general de revalorización de los vínculos históricos y culturales de nuestro país. Este mural propone un viaje por las principales ciudades de Andalucía. En la imagen, se destaca la vista de la Alhambra.

Fuente: Arte en el subte de Buenos Aires, SBASE, 2015.

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Tramas complejas con gran calidad, personajes épicos, producciones colosales que atrapan a millones de espectadores semana a semana. Las series están transformando no solo la forma de consumir historias audiovisuales, sino también la manera de escribir literatura. Ahora: ¿Game of Thrones o Breaking Bad pueden ser consideradas piezas de arte?

Por Laura Ventura

H

abía una vez un escritor llamado

monótono devenir de un culebrón del horario central,

Victor Hugo. El autor diseñó un uni-

sino a relatos construidos sobre planos y andamios

verso no muy lejano al de su tiempo

sólidos que dan a luz relatos de calidad. Según un

para acompañar la caída y redención

estudio de FX Media Research, en 2016 se han emitido,

de Jean Valjean. En cada página y en cada renglón, el

a nivel mundial, un total de 455 series, cifra que duplica

inspector Javert le pisaba los talones a Valjean, uno

la cantidad de ficciones que se emitían en 2010.

de los héroes más interesantes de la literatura del

Hay, en esta excesiva oferta, algunas que se desta-

siglo XIX. Cientos de miles de lectores franceses, tes-

can por su originalidad, ritmo vertiginoso y trama adic-

tigos de esta obsesiva persecución, esperaban ansio-

tiva. Estas historias se cuelan con naturalidad en los

sos la nueva entrega de este relato, hoy un clásico de

encuentros de amigos, en la sobremesa familiar, en

la literatura universal ofrecida en un solo tomo. Victor

las aulas y en las redes sociales. El enigma que se

Hugo, coherente con el mensaje de piedad que quería

resuelve o la sorpresa vertiginosa de cada capítulo

transmitir en su ficción, sabía que marginaría al

generan una red de especulaciones de un público

público más humilde si editaba completa una novela

ávido y atento al que no se puede convencer con sen-

de semejante peso, así que decidió estructurar el

cillas explicaciones, del estilo de una resolución en

texto en diferentes tramas. Cada una de estas líneas,

clave fantástica donde todo se trataba, finalmente, de

centradas en un personaje diferente, permitiría seg-

un sueño. El destino incierto de Jon Snow en el final

mentar la novela y, en simultáneo, catalizar la ten-

de la quinta temporada de Game of Thrones o los

sión. En otras palabras, Victor Hugo apostó por una

estragos de los zombies (aunque los humanos resul-

ficción seriada. Nadie duda que Los miserables es

ten más dañinos que estas criaturas) en The Walking

literatura y, por lo tanto, una obra de arte. ¿Qué ocu-

Dead, solo por nombrar algunos ejemplos, construyen

rre dos siglos después con historias de emisión

un foro internacional y políglota de exigentes especta-

semanal que generan atención y devoción a escala

dores. Pero, si su acción es mucho más activa que

planetaria, relatos complejos construidos con un

contemplar imágenes que se suceden, ¿pueden estos

mosaico de tramas y personajes? ¿Pueden Breaking

últimos ser considerados lectores?

Bad, Game of Thrones o Mad Men ser consideradas piezas de arte?

Las series –llamarlas “programas de TV” sería anticuado, ya que existe una multiplicidad de dispositivos a través de los cuales se emiten estas historias– son un tópico recurrente en toda conversación, en las grandes capitales y en los parajes más remotos.

Hablar de series no es equivalente a repasar el monótono devenir de un culebrón del horario central, sino a relatos construidos sobre planos y andamios sólidos que dan a luz relatos de calidad.

Hablar de series no es equivalente a repasar el SELECT | 45

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Miradas enfrentadas

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El brillante académico estadounidense Harold

presagios se corresponde con la práctica, pero sí es

Bloom, un purista de la lectura, dispara contra la

cierto que existe un nuevo escenario aún por explo-

posibilidad de que se equiparen las producciones

rar, donde aparecen sagas y relatos, y se cincelan los

audiovisuales con literatura, incluso cuando se trata

personajes de la cultura popular, pero que también

de adaptaciones. Para el profesor de Yale, la televi-

salpican a la académica. El protagonista de la pri-

sión e Internet, con sus bombardeos incesantes de

mera temporada de True Detective, interpretado por

imágenes y estímulos visuales, amenazan una

Matthew McConaughey, encarna al individuo nihi-

capacidad humana que solo brinda la lectura: imagi-

lista contemporáneo con una voz y acción nítidas.

nar. Este procedimiento cognitivo y creativo que

Mucho se ha disertado en las universidades de

contribuye a desarrollar la inteligencia humana se

Filosofía sobre su actitud vital, pero quien más atrac-

suspende cuando se le ofrece a un espectador una

ción aún ha suscitado (en escuelas de teatro, en

usina de imágenes, cuando, en lugar de un texto, el

mesas de Psicología o, incluso, en clases de

relato posee una sustancia audiovisual. La lectura

Economía) es Walter White. El héroe/antihéroe de

permite, además, formar la propia personalidad del

Breaking Bad ha dejado de ser un personaje para

lector –en lugar de imitar tics y modelos de la TV–, y

convertirse en un ícono de la degradación moral,

no solo entretenerlo.

acompañada por una inteligencia suprema.

En el extremo opuesto a Bloom, se encuentra

En una posición intermedia, ni tan apocalíptica

Kathleen Fitzpatrick (The Anxiety of Obsolescence:

como la de Bloom ni tan orgánica como la de

The American Novel in the Age of Television), quien

Fitzpatrick, autores de gran prestigio no pueden igno-

asegura que la literatura y la televisión conviven con

rar –como críticos y testigos de su tiempo que se pre-

naturalidad. La ficción en la TV es aquello que genera

cian de ser– este escenario. El escritor británico

la ansiedad a la que alude Fitzpatrick en el título y

Salman Rushdie asegura que las series son una

este estado obedece a tres motivos: los profetas que

nueva forma de TV, y que hablar de guionistas para

anuncian la inminente muerte de la novela tradicio-

referirse a historias como The Wire, The Sopranos o

nal, la amenaza de las nuevas tecnologías y el caos

The West Wing es subestimar una labor que rebasa el

que trae la Posmodernidad. Ninguno de estos tres

concepto de autor tradicional.

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Mucho más que un guionista

En muchas ocasiones, estos escritores toman decisiones vinculadas a factores que antes escandalizaban a muchos artistas. Estas cuestiones obedecen a una lógica de mercado –series, un concepto que nace de la segmentación–, donde la narración se ajusta a una lógica diferente a la de una película, no solo por su extensión (temporadas), sino por la multiplicidad de tramas y personajes que pueden añadirse. Así, The Handmaid´s Tale, la novela de Margaret Atwood publicada en 1985, fue adaptada para TV y, ante las brillantes críticas, se anunció una segunda temporada. Atwood supervisará el guion, pero no lo escribirá.

Lo mismo ocurrió con Game of Thrones, la saga de George R.R. Martin, adaptada para HBO por D.B. Weiss y Daniel Benioff en una cadencia anual desde 2011, pero, dado que el ritmo de la serie superó al de las novelas, el dúo de creadores, con la autorización del escritor pero sin su pluma, escribió el desenlace de una intriga sin precedentes entre las masas.

Entonces, ¿surge un nuevo tipo de literatura? O bien, ¿surge un nuevo tipo de artista multidisciplinario?

Mezcla de guionista, director y productor, cada vez suena con más fluidez la figura de showrunner, así

Las series son un modo de expresión parecido –pero diferente– al cine, que beben del virtuosismo de la literatura, pero que no encuentran dentro de sus géneros una categoría que le dé la bienvenida sin prejuicios.

como Matthew Weiner lo fue de Mad Men o David Chase para Los Sopranos.

Las series son un modo de expresión parecido – pero diferente– al cine, que beben del virtuosismo de la literatura, pero que no encuentran dentro de sus géneros una categoría que le dé la bienvenida sin prejuicios. Estas excelentes piezas narrativas son solo el punto de partida de grandes despliegues interpretativos y visuales. Para Jordi Carrion en

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No se debería, como si de una ecuación se tratase,

Teleshakespeare, las series en serio, ocupan en el

pensar que una serie es arte porque se trata de una

siglo XXI el lugar que el cine de Hollywood monopo-

mera adaptación, es decir, porque es la expresión

lizaba en la primera mitad del siglo XX. Negar su

audiovisual de una novela. Es cierto que hay escrito-

influencia en la cultura popular, sus ecos y retroali-

res prestigiosos cuyas novelas fueron traducidas a la

mentación con otras artes sería ignorar un fenómeno

fisonomía de una serie, como The Night Manager, de

de traspasa toda frontera e ingresa en los hogares

John Le Carré; The Leftovers, de Tom Perrotta; o bien

con fuerza analgésica y lúdica. ¿Llegará el día en el

La reina del sur y El capitán Alatriste, ambas de

que las series dejen de ser consideradas una expre-

Arturo Pérez-Reverte. Más allá de estos casos, las

sión bastarda y se les permita ingresar en el Olimpo

series crean un nuevo tipo de escritor que abandona

de las artes? El futuro, aunque prometedor, es

su solitario y ermitaño escritorio para construir la

incierto y no existe por el momento spoiler alguno

trama en equipo.

que devele la incógnita. •

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ARTE BAJO EL

CIELO

De zona industrial abandonada, el barrio de Wynwood se convirtió en los últimos años en punto de referencia de la movida cultural de Miami: coloridos murales en la calle, galerías de arte, diseñadores emergentes, restaurantes de autor y tiendas de antigüedades confluyen en esta área para ofrecer al visitante una propuesta creativa que estimula los sentidos.

Por María Luz Armando · Fotos: gentileza Wynwood BID y Wynwood Walls

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Wynwood B ID/Mary Beth Koeth

Al caminar por las calles del Wynwood Art District, enseguida una atmósfera distinta atrapa al visitante, que se convierte en testigo del renacimiento de un barrio olvidado durante varios años. Los viejos almacenes y fábricas son hoy espacios en los que habita el arte: hay más de 50 galerías para recorrer, además de locales de moda y diseño.

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Wynwood B ID/Mary Beth Koeth

Fue el desarrollador inmobiliario Tony Goldman quien descubrió el potencial del barrio como epicentro artístico.

Aquellas extensas paredes sin ventanas serían lienzos al aire libre para artistas de todas partes del mundo. Así, en 2009, inauguró el paseo Wynwood Walls como una forma de reivindicar el arte en grafiti.

Desde ese momento, 50 artistas de 16 países han dejado su marca en alguno de los muros, mostrando el espíritu universal del proyecto.

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Uno de los eventos destacados es el Paseo del Arte (Art Walk) que se realiza el segundo sábado de cada mes. A partir de las 18, la calle se puebla de food trucks y las galerías abren sus puertas a los miles de visitantes que se acercan en busca de un buen momento. Músicos callejeros, artistas trabajando en los murales y buenos tragos arman una verdadera fiesta del arte.

Wynwood B ID/Mary Beth Koeth

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Wynwood Walls es una de las mayores muestras de arte callejero del mundo.

El inmenso póster de Shepard Fairey, reconocido artista norteamericano, famoso por el cartel “Esperanza” que elaboró para la campaña presidencial 2008 de Obama, da la bienvenida. El mural tiene como mensaje “celebrar e inspirar”, en palabras del autor. Allí, se puede apreciar la figura del Dalai Lama, Martin Luther King y David Bowie, entre otros. En el centro, un

Wynwood B ID/Mary Beth Koeth

homenaje a Tony Goldman, artífice del proyecto, fallecido en 2012.

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Catch the wind (Atrapar el viento) es obra del artista irlandĂŠs Fin DAC. Una red prĂĄcticamente invisible sostiene mariposas flotantes que revolotean con el viento.

Martha Cooper

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En 2016, 12 nuevos artistas se sumaron a Wynwood Walls para la exhibición “Fear Less” (Sin miedo). Entre ellos, se encuentran el chileno Dasic Fernández, con un trabajo que plasma la desintegración de los colores y los sueños, y el italiano Pixel Pancho, cuya obra plantea un mundo distópico.

Martha Cooper

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Martha Cooper

Referente del pop surrealista español, Okuda San Miguel también está presente en Wynwwod.

Para aquellos que desean dar un paseo guiado, existen tours para descubrir el barrio de la mano de expertos. Se puede disfrutar, así, de un recorrido por las calles y sus murales, y degustar una gran variedad de sabores en los bares y restaurantes que conforman el circuito.

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Le magicien du compas

Innovador y único, Mac Entyre fue invitado a París a principios de los 70 para exponer en el Museé de la Ville y allí alguien lo definió como “el mago del compás”.

Figura del “Arte Generativo” en los 60, antes de fin de año recibirá en Buenos Aires un merecido homenaje.

Por Guillermo González Taboada, editor de Art Democracy y director de la feria privada Aparte Moderna y Contemporánea.

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C 62 | SELECT

Arriba: Sin título (2013). Acrílicos montados sobre madera (100 x 100 cm).

En la página anterior: Dinámicas opuestas (1983). Acrílico sobre tela (150 x 150 cm).

orrían los 60 y Eduardo Mac Entyre solía reunirse

Así, ese movimiento que desde Buenos Aires

con Miguel Ángel Vidal, su amigo y gran artista, y con

intentaba empujar la frontera de la geometría

Ignacio Pirovano, crítico y coleccionista de vanguar-

comen- zó a difundirse en Latinoamérica, en particu-

dia, a quien el Museo de Arte Moderno de Buenos

lar en Venezuela, donde ya brillaban Soto y Cruz Diez.

Aires debe parte de su patrimonio.

Allí Mac Entyre fue descubierto por los Cisneros,

Admirador del trabajo de los dos amigos, Pirovano

dueños del grupo de multimedios, que apoyaron su

propuso bautizar “Arte Generativo” al movimiento.

trabajo y establecieron con él una relación amistosa

Pirovano, que tenía un gran conocimiento y enorme

que lo llevó en varias oportunidades a visitar Caracas

sentido estético, había apoyado previamente a otros

junto a su familia.

artistas como Maldonado, Iommi y Hlito, y decidió

La admiración y el interés llegaron a Europa y a los

incorporar al incipiente movimiento a Carlos Silva y

Estados Unidos. Luego de una gran exposición del

Ary Brizzi.

grupo en Buenos Aires, curada por Billy Whitelow,

La línea era el elemento sobre el que pivotaba el

Jacques Lesaigne invita a Mac Entyre a exponer en el

grupo. Vidal se expresaba a través de la línea recta y

Museo de Arte Moderno en París. Allí, su trabajo recibe

Mac Entyre, a través de la curva, que trazaba con el

muchos elogios. Sin embargo –según Camilo Racana,

manejo admirable de su compás. La idea con Vidal

un reconocido operador cultural argentino que reside

era dinamizar la pintura geométrica que, hasta ese

en París desde los 70– Mac Entyre no logra hacer pie

momento, se consideraba muy rígida.

en la ciudad donde otros artistas argentinos se

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La línea era el elemento sobre el que pivotaba el grupo. Vidal se expresaba a través de la línea recta y Mac Entyre, a través de la curva, que trazaba con el manejo admirable de su compás. mueven con gran habilidad. Resulta llamativo que la calidad de obra de Mac Entyre no haya entrado, entonces, en la mira de la legendaria galerista Denise René.

Mientras tanto, del otro lado del Atlántico, en Washington, Mac Entyre recibía una gran satisfacción. Invitado a exponer en el Museo de Arte de la OEA, lleva treinta obras, pero los organizadores, entusiasmados, le ceden más espacio y agregan otras diez. De allí, por gestión del galerista Bonino, continúa a Nueva York donde el Op Art estaba en pleno auge y su obra encuentra gran aceptación.

Luego de esos hitos, Mac Entyre siguió trabajando en Buenos Aires, fiel a su búsqueda y alejado del ruido mediático. Pero para algunos observadores del exterior, Mac Entyre era un referente. En tanto, la euforia por el Op Art y la abstracción geométrica Formas dentro de un círculo (1971). Acrílico sobre tela (30 x 30 cm).

Colección Patricia Phelps de Cisneros.

estaban disminuyendo y se adormecería casi definitivamente durante los 80 y los 90. En la última década, se inicia una revalorización y en algunos remates en Nueva York y París aparecen espléndidas obras suyas de aquella época.

La desaparición de Mac Entyre, hace un par de años, generó en la Argentina una gran cantidad de notas periodísticas que lo recordaron como lo que fue, una gran persona y un enorme artista.

Antes de que finalice el año, Mac Entyre será homenajeado con una extraordinaria retrospectiva en el museo MACBA de Buenos Aires y la presentación de un libro sobre su obra. •

Formas en profundidad (1972/2005).

Montaje en acrílico y vidrio (63 x 63 x 6 cm).

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* Guillermo González Taboada, autor de esta nota, es el iniciador de Art Democracy, un emprendimiento en las redes sociales que ya superó los 320.000 seguidores en todo el mundo y que en Buenos Aires edita la revista del mismo nombre bajo el lema “una mirada desprejuiciada sobre el arte contemporáneo”.

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¿De qué hablamos cuando hablamos de amor?

Conversamos con el actor Diego Peretti, quien protagoniza Los vecinos de arriba en el Teatro Metropolitan Sura, de miércoles a domingo. Con tus tarjetas Santander Río, disfrutá de beneficios exclusivos en espectáculos.

Por Victoria Pérez Zabala

E

s martes al mediodía y la lluvia repiquetea sobre la calle Báez

también muchos secretos. El terapeuta que los trate tiene que ser

del barrio Las Cañitas. Los que van sin paraguas apuran el

un premio Nobel. Ellos no van a poder resolverlo por sí solos.

paso empujados por el viento. A Diego Peretti el agua no le

Tanto en la psiquiatría como en la actuación hay una atenta

preocupa. Llega en bicicleta, su medio de transporte predilecto,

observación del ser humano. ¿Es algo que te atrae

con el pelo mojado y una sonrisa relajada. Es el único día de la

especialmente?

semana en el que no se sumerge en vidas y circunstancias ajenas.

Hoy, Peretti es Peretti todo el día.

Sí. Ambas tienen que ver con observar a las personas y con observarme. No sé si es egocentrismo, pero estoy todo el tiempo

Adentro del café de mesas de madera y medialunas a la vista, el

observándome. Al deportista también le pasa esto con la técnica.

actor analiza a su personaje en Los vecinos de arriba. Allí compone

Está todo el tiempo escanéandose para ver si tiene la energía justa.

a Julio, un profesor de música tan enojado con la vida y con su

Es una observación externa e interna muy grande. Me apasionaba

mujer, que un mínimo detalle –como una alfombra nueva– puede

mucho la psiquiatría. Pero no hay una verdadera cura, por lo menos

llevarlo al borde. La obra dirigida por Javier Daulte muestra en

hasta ahora, de las enfermedades más graves. Y me gusta mucho

primer plano a un matrimonio en crisis. Por el desgaste, por la con-

más el arte que la ciencia.

vivencia, por los secretos que tanto tiempo han guardado, Julio y

El actor James Gandolfini contó alguna vez que para construir

Ana (Muriel Santa Ana) caminan sobre un campo minado y están a

a Tony Soprano se ponía piedras en los zapatos. Tu personaje está

punto de explotar. La visita de los alegres y apasionados vecinos,

siempre irritado, siempre al borde. ¿Cómo llegás a ese estado?

Salva (Rafael Ferro) y Laura (Julieta Vallina) no puede ser más

Eso es más para cine o serie, porque en teatro no resistís todas

inoportuna. Al tratarse de Peretti, que es psiquiatra además de

las noches con piedras en los zapatos (risas). Para armar este per-

actor, la conversación fluye como el jazz que suena de fondo y

sonaje, me ayudó el director (Javier Daulte). Me dijo que piense en

avanza sobre terrenos íntimos y profundos.

una pareja que está a punto de explotar. Entonces, ya entro a escena pensando que no quiero gritar. Viste cuando estás con tu

¿Cómo analizarías a la pareja de Los vecinos de arriba?

pareja, a mí me pasó más de una vez, y pensás: “Nos vamos a eno-

No tiene futuro. No es que sea una pareja muerta. No están

jar esta noche. Y no quiero, no quiero”. Y desde la mañana ya lo

resignados ni cómodos: están enojados. Y esa bomba hace eclo-

sabés. Es un espanto porque sabés que a la noche te espera un

sión cuando tocan el timbre los vecinos con esa felicidad, esa liber-

enojo. Entonces, agarro eso técnicamente cuando salgo a escena.

tad y amor que se tienen. El contraste provoca irritación en la

A partir de ahí, el personaje va solo. Estoy exaltado, podrido, con

pareja y risa en el público. En esta pareja hay mucho desgaste.

unos vecinos que no paran de hacer ruido, que alteran nuestro

¿El desgaste es falta de amor?

sueño y el de nuestra hija. Esta es una obra efectiva que tiene dra-

Upa… (cierra los ojos y junta las manos). Cuando se habla de

matismo y un ritmo de sitcom.

amor, yo no sé de qué se habla. Porque si hablamos del senti-

¿Cómo es trabajar con Daulte?

miento más elevado del ser humano, las personas no se matarían,

Es muy disciplinado, cero caótico. Te dice, por ejemplo, mañana

ni se cortarían la oreja para demostrarlo. ¿Qué es el amor? No sé.

vamos a ensayar de la página cero a la cuatro. Él se identifica con

Creo que esta pareja tiene mucho afecto, mucha historia, pero

el pulso de los actores. A mí me encanta. A las obras llego con la

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“Creo que esta pareja tiene mucho afecto, mucha historia, pero también muchos secretos”. la isla de la que venís y, si Dios quiere, falta mucho para llegar a destino. Estás en el medio del mar y tenés que empezar a nadar.

Depende del estilo que tengas para nadar. Sos vos y nada más que vos. Yo me casé, porque amaba a mi mujer y porque ella se quería letra sabida para poder jugar. La letra siempre es un ancla. Si no la

casar. Luego, me separé. Ahora, a la distancia, me doy cuenta de

sabés, estás pensando en eso y no en el personaje. Te quita verdad

que era algo que tenía que hacer en la vida. La gente se casa. Está

y espontaneidad. No estás creando. Para que los pájaros vuelen,

en los libros, en las canciones, en las películas. Es una aventura,

tiene que haber estructura y reglas de juego. Ahí te podés relajar y

pero está predeterminada. Y una vez que tuviste tus hijos y tuviste

sale lo natural, la reacción viva y lo presente.

toda la experiencia familiar, con la casa y el perro, te enfrentás al

Según Cesc Gay, el autor de la obra, “una de las aventuras más grandes y ambiciosas que cualquiera de nosotros puede llegar a experimentar en esta vida es la de vivir en pareja”. ¿Estás de acuerdo?

presente. Sos vos y la actualidad. ¿Qué se siente?

Se siente toda la angustia que te da la libertad. Te da alegría, pero también te chocás con vos mismo. ¿Esto era lo que iba a ser?

Creo que, si nuestro molde no fuera conseguir un amor y formar

Ya está, ya elegiste. Ya podés sospechar cuál es tu techo. Eso hay

una familia, si nuestro molde no estuviera tan culturalmente

que digerirlo (risas). A mí sucedió desde los 45 hasta ahora (54).

sellado, sería una aventura. Porque sería algo nuevo. Para mi gene-

Tengo una hija que está creciendo bien, por suerte. No tengo mayo-

ración, a los 20 años, a los 30, tenías que armar una familia. El

res ambiciones. Ahora me dedico a trabajar y a viajar.

molde de formar una familia está presente. Quizás, después de eso, empieza la vida que no te han dicho cómo es. Ya estás lejos de

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[ i n n o va r ]

MUSEOS 2.0

De espacios con objetos sagrados, espectadores cautelosos y recorridos suspendidos en el tiempo… a códigos QR, realidad aumentada, audioguías y multitudes de visitantes que suben fotos de las obras a las redes sociales. Los museos han cambiado su dinámica, su relación con la tecnología y, por qué no, también su razón de ser.

Por VIVIANA Vallejos Fotos: gentileza Malba, y MBA-MAC de Bahía Blanca

L

os museos siempre fueron espacios sacralizados, y sus obras, objetos sagrados. Voz baja, paso lento,

Christian Díaz es el jefe de Comunicación y

atención plena, introspección: las reglas de oro de

Contenidos digitales del Museo de Bellas Artes y

todo buen visitante durante cientos de años. Con el

del Museo de Arte Contemporáno (MBA-MAC) de

correr de los siglos, muchas de estas prácticas

Bahía Blanca. Ambas instituciones, que funcionan

mutaron. Hoy, en sus puertas, un puñado de turistas

de manera integrada en una casona antigua del cen-

espera bajo la lluvia (o bajo el sol) para ingresar,

tro de esa ciudad, fueron pioneras en el país en el

mientras adentro otra caravana recorre sus salas: un

desarrollo de una app para el visitante. “No pode-

fenómeno impensable para los públicos que cono-

mos negar el uso de las herramientas digitales en la

cieron el Louvre en 1793, recién inaugurado como

vida cotidiana. Un museo que no las incorpora es un

pinacoteca nacional, o visitaron la colección del

museo que atrasa, porque como institución debe

Museo del Prado cuando solo podían acceder los

estar en el medio de la transformación”, sostiene

amigos de los cortesanos.

Díaz. El MBA-MAC participa de diversas acciones

En la actualidad, los museos son faros de atracción

internacionales de comunicación y difusión, como el

turística, espacios clave de la cultura de masas y el

#AskACurator, una reunión anual celebrada en

consumo, adaptados a las necesidades de un sujeto

Twitter –que ya sumó a 50 países y más de 1.300

atravesado por los lenguajes tecnológicos contem-

espacios de exposición– en el que personas de todos

poráneos. Códigos QR, aplicaciones informáticas,

lados se congregan para preguntar y responder

audioguías para dispositivos móviles, videoguías de

sobre arte. “Este tipo de herramientas busca gene-

realidad aumentada: los museos incorporaron a su

rar un ida y vuelta con los visitantes”, agrega.

vida la perspectiva multimedia e interactiva de las nuevas tecnologías.

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Ida y vuelta

En la metrópoli porteña, la búsqueda de un perfil multimedia es similar: “Las redes sociales nos ayudan

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[ i n n o va r ]

En Malba, promueven el uso de la tecnología como parte de la experiencia de visita.

a fortalecer el vínculo con actuales y potenciales visi-

físico, de la mano de una tecnología de realidad

tantes; son un gran instrumento de difusión rápida,

aumentada. “En la aplicación, los espectadores se

permanente y simultánea”, sostienen Josefina Insausti

encontrarán con los curadores y, en algunos casos,

y Víctor López Zumelzu, del departamento de Prensa

con los mismos artistas, a los que, en esta realidad

de la Fundación Proa. “Además tenemos un canal en

aumentada, podrá ver y escuchar mientras le brindan

You Tube, donde pueden verse entrevistas exclusivas

información de privilegio sobre la pieza que tienen

con los artistas y curadores; un podcast que toca pro-

enfrente”, cuenta. Esta tecnología se implementará

blemáticas vinculadas a las exhibiciones en curso; y

recién en 2018, en las salas del Museo Taller

las audioguías, que proponen un recorrido virtual

Ferrowhite, de Bahía Blanca, y el Museo Nacional de

obra por obra y pueden descargarse gratis desde

Bellas Artes porteño, donde ya se realizan las prue-

cualquier dispositivo móvil”.

bas del prototipo.

Según una encuesta elaborada para los museos de

Los comunicadores de Proa coinciden en que el

Bahía Blanca, 7 de cada 10 ingresantes al museo

uso de tablets, celulares y redes sociales modificó las

usan smartphones. Eso explica el énfasis de la insti-

prácticas durante la visita: “Las experiencias dejan de

tución en este aspecto: a través de estos dispositivos

ser meramente contemplativas y lineales, y permiten

móviles, busca ampliarse la información de las

al espectador armar su propio recorrido: apropiarse y

muestras que ofrecen. “Nuestra app tiene un lector

registrar lo vivido de forma más personalizada”.

de códigos QR. A partir de la lectura de los códigos dispuestos en las salas, puede accederse a conteni-

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Hacia una experiencia completa

dos específicos sobre las obras y las muestras que

Guadalupe Requena es la coordinadora de

solo allí están disponibles”, relata Díaz. En la actuali-

Comunicación de Malba y sostiene que los sitios de

dad, trabaja en el desarrollo de una app que le per-

exhibición artística deben ofrecer diferentes instan-

mita al visitante realizar el recorrido del espacio

cias de participación real o virtual con los contenidos

que proponen: “En los últimos años, las nuevas tecno-

enriquece. Muchas veces, se piensa que recargar a los

logías han potenciado este proceso. Cambió la política

visitantes con datos va a mejorar la experiencia, pero

en cuanto al registro de la visita: no sólo se permite

no creo que sea necesariamente así”, insiste. Y agrega:

tomar fotografías —sin flash— en sala, algo imposible

“El museo es un espacio distinto, donde los objetos

hace algunos años, sino que desde el mismo museo

están mostrados de una manera diferente. No es tu

estimulamos el uso de estas tecnologías porque com-

casa, ni el cine o la calle. Es un sitio con una codifica-

plementan la experiencia total de la visita”.

ción muy particular”.

Según Requena, el contenido ya no se produce uni-

Wechsler sostiene que es muy posible que haya

direccionalmente desde el museo, sino que se cons-

un cambio en las experiencias de visita, y que esa

truye en forma colaborativa con los visitantes, que

compulsión actual a fotografiar todo instale un modo

muchas veces son coautores de los contenidos a tra-

de ver “mediado” por el dispositivo electrónico. Así, se

vés de las redes sociales. “El museo funciona hoy

establece el principio de “retener” la imagen más que

como un disparador de experiencias que se realizan a

el de “vivir” la experiencia. “Las experiencias son sin-

través de una red muy compleja de relaciones reales

gulares, vividas a partir del propio capital subjetivo,

y virtuales, canalizadas a través de las tecnologías.

emocional, intelectual. Por eso, creo que la tecnolo-

Las exhibiciones ya no se limitan al espacio físico del

gía es un buen anzuelo para atraer a los públicos a

museo, se trasladan y se expanden al mundo virtual,

los sitios en donde llevar a cabo una experiencia

con múltiples iniciativas, como las transmisiones en

estética. Sin embargo, existen claves que son

vivo vía streaming, los recorridos virtuales o la puesta

intransferibles en esa relación entre artista, obra y

online de las colecciones”, agrega.

espectador”.

Vivir o no vivir

Si bien es cierto que hay un cambio de expectativas en el público contemporáneo, ¿es posible que la experiencia del visitante enfrente un proceso de transformación? ¿Se trata de una metamorfosis real o de una mera estrategia de marketing? Para la historiadora del Arte Diana Wechsler, investigadora del Conicet y subdirectora del Museo de la Universidad Nacional de Tres de Febrero (Muntref), estos nuevos medios y soportes otorgan la posibilidad de desidealizar las imágenes y apropiarse de ellas con otros fines. Permiten compartir el mundo “encerrado” en el museo con los “otros mundos” y así funcionar como un puente entre diferentes realidades. “Creo que todos estos dispositivos son valiosos en términos de difusión. Pero el hecho de que, por ejemplo, un instagramer publique en su cuenta su propia experiencia dentro del museo no hace más que difundirla: no permite que quien la recibe, la viva”, replica.

La directora de la Asociación Argentina de Críticos de Arte y del Museo de Arte de Tigre, María José Herrera, cree que las herramientas digitales son complementos muy útiles que aprenderemos a utilizar cada vez con mayor eficacia. “Te preparan para el recorrido y, si bien es cierto que la información que te ofrecen tiene un rol relevante, no toda se aprovecha o te SELECT | 71

[ i n n o va r ]

Un día en el museo

En aquella primera oportunidad, aquel grupo mos-

Dave Krugman vive en Brooklyn. Es fotógrafo y

tró su mirada sobre el patrimonio del museo, miles

tiene más de 200.000 seguidores en Instagram. En

de seguidores lo compartieron y otros tantos repli-

una visita al Museo Metropolitano de Arte de Nueva

caron a estos últimos, según la lógica viral de la red.

York (Met), notó la poca atención que los visitantes

Con ese registro, lograron más de lo que esperaban:

ponían en las obras: “No podían sacar los ojos de

no solo creció la cantidad de seguidores del Met en

encima de sus teléfonos celulares”, dice. Primero,

Instagram, Facebook y Twitter, sino que además fue-

algo apocalíptico, pensó que la gente había perdido

ron tapa del suplemento cultural de The New York

interés en el arte. Después, afiló la mirada y vio que el

Times. Y ganaron el Webby Award como mejor cam-

público estaba involucrado, aunque de una forma

paña virtual de marketing en el campo cultural.

totalmente nueva. Interactuaban de una forma crea-

“Estos nuevos medios de comunicación masiva rom-

tiva, usaban sus cámaras. Ahí nomás, habló con

pen las barreras físicas que impedían el acceso de

Taylor Newby, social manager de la institución neo-

todos aquellos que nunca visitaron el edificio. A ellos

yorquina, y juntos impulsaron el proyecto #emptymet

les abrimos una ventana”, cuenta Krugman.

a partir de una idea muy simple: un grupo de

Como las ideas circulan rápido, Malba e Instagram

instagramers ingresan al Met mientras está cerrado

tomaron la posta del evento implementado por

al público y narran el suceso a través de las imáge-

Krugman y organizaron #emptymalba. “Al estar en

nes que suben a sus cuentas.

un museo vacío, te cambia la mirada ante la obra y el espacio”, dice Lucila Godoy, fotógrafa e instagramer

El deseo de los públicos por ver exposiciones e ir en busca de acontecimientos culturales se intensifica al mismo ritmo que la intervención de las tecnologías en la vida cotidiana.

con más de 35.000 seguidores, que formó parte de la convocatoria. Lucas Warat, cerebro detrás de Huntgram, una plataforma para iPhone integrada con Instagram –que ayuda a encontrar el mejor contenido de esta red alrededor del globo–, también recorrió el espacio de esta manera y coincide con Godoy en el cambio de óptica. Como desarrollador

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[ i n n o va r ]

A través de una app, el teléfono celular se vuelve una herramienta para el visitante de los museos de Bahía Blanca.

con diferentes hashtags, potenciando su difusión online y ampliando la convocatoria del museo a nuevas audiencias.

Los museos del futuro

Podríamos imaginar y conjeturar sobre el lugar que ocupará el museo dentro de 50 años o más, pero no lo sabemos con exactitud. ¿Algunas de estas transformaciones podrían llegar a otorgarle un nuevo rol, con públicos verdaderamente masivos e hipertecnologizados? Para Herrera, la directora de la Asociación Argentina de Críticos de Arte, la noción de museo está en proceso de reformulación: “Los museos del futuro tendrán menos colección, más exposiciones y comunicación multimedial, aunque no desaparecerán los espacios tradicionales. Y si antes se definían por ser instituciones con un acervo, ahora ya existen aquellas que prácticamente no cuen-

Códigos QR, aplicaciones informáticas, audioguías para dispositivos móviles, videoguías de realidad aumentada: los museos incorporaron a su vida la perspectiva multimedia e interactiva de las nuevas tecnologías.

tan con un patrimonio. En muchos casos, no tienen objetos –originales, reales o la pieza en sí no ocupa el centro de la atención–, sino que construyen un relato con esta ausencia”.

Se refiere a la proliferación de espacios museísticos sobre fútbol, moda y otros tantos tópicos, además de los de arte, que en muchos casos son grandísimos complejos en donde, además de las

de aplicaciones para móviles y herramientas para

salas de exposición, hay bibliotecas, archivos, libre-

mejorar el mundo de las redes sociales, Warat cree

rías, cafés y tiendas. Diversos sitios donde la enorme

que este tipo de eventos en los museos democrati-

cantidad de personas que concurren, estimuladas

zan su acceso: “La tecnología y las redes aumentan

por el turismo cultural, pueden circular y consumir a

la experiencia que ofrecen estos lugares, porque pro-

piacere. Aquí Herrera enciende una luz de alerta:

ponen un vínculo más constante con los públicos

“Debemos tener cuidado de no crear grandes cen-

interesados en las expresiones artísticas”.

tros de entretenimiento en los que el arte quede al

“Con la acción #emptymalba, buscamos estimular

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margen y ocupe un lugar minimizado”.

la producción de imágenes creativas y de nuevas

“La gran convocatoria de diversos públicos se incre-

miradas sobre el museo, y acercarnos al público

mentará en el futuro”, observa Wechsler, “aunque la

joven”, dice Guadalupe Requena, del Malba. “También

relación entre los visitantes y las nuevas tecnologías

buscamos afianzar la relación con Instagram, red

en los museos todavía está siendo experimentada”.

social en la que el museo tiene una comunidad de

Mientras tanto, el deseo de los públicos por ver expo-

más de 170.000 seguidores, que crece y se fortalece

siciones e ir en busca de acontecimientos culturales

a diario como un canal de comunicación con los visi-

se intensifica al mismo ritmo que la intervención de

tantes reales y virtuales en todo el mundo”.

las tecnologías en la vida cotidiana. Resta ver a dónde

Exposiciones como las de Yayoi Kusama y la de

conducen estos reajustes y de qué manera impactan

Rogelio Polesello se viralizaron gracias a la produc-

en esa fuente poderosa de placer y conocimiento que

ción de miles de imágenes que el público compartía

es la experiencia estética. •

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[ narrar ]

Testigos del

arte

Ingresar en el mundo privado de un artista, aquel hábitat cotidiano en el que transcurrió sus días, permite aproximarse a su obra de un modo distinto. Aquellos espacios inertes, poblados por objetos personales, cobran vida y revelan la magia del proceso de creación.

Un recorrido por las casas de Monet, Kahlo, Dalí y Neruda, hoy convertidas en museos abiertos al público.

Texto: María Luz Armando · Fotos: gentileza museos

[ narrar ]

Sinfonía de colores Son solo 75 kilómetros los que separan a la capital francesa de la pequeña localidad de Giverny, pero la vida cosmopolita pronto da lugar a un paisaje sereno, ubicado a orillas de la ribera occidental del río Sena, donde viven tan solo 500 habitantes.

El pueblo no ha cambiado su esencia desde que, en 1883, Claude Monet lo eligió para vivir. La belleza de los verdes prados, con sus casonas rurales y sus jardines convertidos en huertas, conquistaron enseguida al artista que buscaba, por ese entonces, un sitio donde instalarse con su segunda mujer y los hijos de ambos.

Hacia el final de la calle principal de Giverny, hoy rue Claude Monet, se encuentra la emblemática casa con paredes rosadas y postigos verdes que cobijó al artista y a los suyos durante 43 años, hasta su fallecimiento en 1926. Atravesar el portón verde es sumergirse en la atmósfera de aquellos años impresionistas y ser testigos privilegiados de aquel jardín de ensueño que Monet diseñó y fue materia de sus obras.

“Aparte de la pintura y de la jardinería, no soy bueno para nada”, solía decir. Y su pasión por el paisajismo se revela al dar los primeros pasos por el sendero principal que conduce hacia la puerta de entrada de la peculiar residencia. Enseguida proliferan las distintas variedades de flores y arbustos que dispuso de manera tal que generan una amalgama de colores, tonos y texturas diversos. Abundan las peonías, las amapolas, los agapantos, las dalias, los iris y las rosas, entre cientos de especies más, que crecen libre y alternadamente, mezclándose como los tonos en una paleta.

Cruzando la ruta, se encuentra el famoso jardín de agua de inspiración japonesa, con su puente enmarcado por una tupida glicina. Fue allí donde Monet pintó, a lo largo de 30 años, una de sus obras más majestuosas: Los Nenúfares, una serie de 300 pinturas, 40 de ellas en enormes paneles que hoy se encuentran en el Musée del l´Orangerie en París.

Si el parque permite adentrarse en la imaginación y en la creatividad del artista, la casa no se queda atrás.

Amante del color, Monet supervisó la decoración de cada ambiente. Así, en el interior, predominan el amarillo y el azul.

Fotos: Fondation Claude Monet, Giverny – copyrights

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[ narrar ]

Un pedazo de cielo La Casa Azul se erige en el barrio de Coyoacán, uno de los más antiguos de las Ciudad de México, como un testigo silencioso de la vida de Frida Khalo. Fue en esa casona de comienzos del siglo XX donde la artista nació y murió. Cada espacio, cada ambiente contiene su alma y retazos de su historia, una historia marcada, sobre todo, por el sufrimiento.

Frida se disponía a estudiar Medicina cuando un accidente de tránsito le cambió el rumbo a sus sueños. A sus 18 años, postrada en una cama, su madre instaló en el techo de su habitación un espejo para que pudiera retratarse. Así nació la Frida artista, como una manera de transformar el dolor, un dolor que la acompañó durante toda su vida.

Poblada de sus objetos personales, como las muletas, los corsés y las medicinas, libretas con dibujos y anotaciones, sus vestidos y joyas, la casa museo actúa como una biografía que permite penetrar en el universo más íntimo de la artista. Además, acoge algunas de sus obras más importantes: Viva la Vida (1954), Frida y la cesárea (1931) y Retrato de mi padre Wilhem (1952).

El color azul y la decoración, que hace alusión al arte popular mexicano, fueron elección de Frida y Diego Rivera, su esposo, con quien mantuvo una relación tormentosa.

Mientras vivió Frida, el patio central se pobló de monos, loros, perros y gatos, que fueron su compañía y quedaron plasmados en varios de sus autorretratos.

Protagonista también de la Historia, la Casa Azul supo recibir a huéspedes como León Trotsky, a quien Frida y Diego dieron asilo durante el exilio del político en México.

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[ narrar ]

vida, le correspondía una nueva célula, una habitación”.

Como una extensión de su imaginación, la casa es, en sí misma, una obra de arte. Es el marco donde encuentra la inyección para crear, pero también el resultado de su peculiar forma de ver el mundo. Así, los espacios se encadenan como un laberinto a través de estrechos pasillos, con desniveles y sin salida. El punto de inicio es el “recibidor del oso” y, a medida que se recorren las habitaciones, se pueden apreciar los tesoros de los dueños de casa: libros,

Excéntrica como pocas

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obras del pintor, diversos objetos y animales disecados que le regalaban, como el oso que custodia la entrada. En los

Desde su casa en Portlligat, a los pies del Mediterráneo,

techos, se destacan las gigantescas cabezas blancas de

Salvador Dalí decía ser el primer español en ver el sol cada

Cástor y Pólux, hermanos gemelos hijos de Zeus, realiza-

mañana. Llegó hasta ese pequeño pueblo de pescadores,

das por Dalí y que, tal vez, simbolicen la unión con su mujer.

ubicado a pocos kilómetros de Cadaqués, impulsado por el

El taller, donde pasaba largas horas cumpliendo una

anhelo de un hogar propio. El paisaje, la luz y el aisla-

rutina estricta, aún conserva los caballetes, paletas y pince-

miento actuaron como un imán, según documenta la

les con los que dio vida a obras como La persistencia de la

Fundación Gala Dalí.

memoria (también conocida como Los relojes blandos). Allí,

Se trataba de una sencilla barraca de pescadores, que

el paisaje se cuela por la ventana y se convierte en fuente

se encontraba en bastante mal estado y que el artista,

de inspiración: la bahía de Portlligat será una referencia

junto a su mujer Gala, fueron transformando y ampliando

constante en la obra de artista. “No puedo separarme de

durante los 40 años que residieron ahí. Tal como apunta

este cielo, de este mar, de estas rocas; estoy atado por

Dalí en su autobiografía, la casa era “como una verdadera

siempre a Portlligat, donde he definido todas mis verdades

estructura biológica [...]. A cada nuevo impulso de nuestra

más sinceras y mis raíces”, apuntó.

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[ narrar ]

Un barco en tierra “Encontré una casa de piedra frente al océano, en un lugar desconocido para todo el mundo, llamado Isla Negra”, escribió Pablo Neruda en Confieso que he vivido. Era 1937, había regresado de Europa y se disponía a escribir su Canto general, empresa que le requería hallar un sitio tranquilo donde instalarse.

Las Gaviotas, que él rebautizó como Isla Negra, era tan solo una cabaña de piedra cuando logró adquirirla en 1938. Rodeada por una costa rocosa, la playa y el mar bramando con sus olas en las ventanas, se convirtió en refugio del poeta y en uno de sus legados más preciados: escribió allí gran parte de su obra, además de atesorar la mayoría de sus libros y objetos de colección.

Con los años, la construcción inicial se fue ampliando. Siempre se trató de una casa viva, en constante expansión. “Luego la casa fue creciendo, como la gente, como los árboles”, apuntó en sus memorias.

Algo especial unía a Neruda con el mar y ese vínculo se aprecia no solo en sus poesías, sino también en la arquitectura y en la decoración de la casa: siguiendo el estilo de un barco, con techos bajos y pisos de madera, está poblada por mascarones de proa, réplicas de veleros y caracoles. En el jardín, destacan varios objetos, entre ellos, un velero y una locomotora que Neruda adquirió en un aserradero que frecuentaba en busca de maderas para las obras de refacción.

“Compañeros, enterradme en Isla Negra/ Frente al mar que conozco (…)”. Pablo Neruda falleció en 1973, pero recién en 1992 sus deseos fueron cumplidos. Hoy descansa junto a Matilde Urrutia, su tercera esposa, en el ingreso a lo que supo ser su guarida. • Fotos: Fundación Pablo Neruda

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[ admirar ]

Al rescate de

Carrá Tras ganar el premio Braque en Buenos Aires en 1968, Carmelo Carrá partió con esa beca a París y jamás regresó. Allí le dio forma a un cuerpo de obra sorprendente que en la Argentina solo algunos referentes conocen. Decidimos investigar y nos topamos con lo mejor del trabajo de Carrá en Meudon.

Por Guillermo González Taboada, editor de Art Democracy y director de la feria privada Aparte Moderna y Contemporánea.

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Carmelo Carrá, Sin título (1968).

[ admirar ]

A

Carmelo Carrá, Le rapt (1971).

ños atrás, en un remate, me llamó la atención un dibujo en blanco y negro de un tal Carmelo Carrá, fechado en 1968. Eran tres personajes superpuestos, plasmados de manera muy original y con la inconfundible impronta “pop” de la época. Habían pasado más de cuarenta años de la creación de aquella obra y, sin embargo, mantenía su aire contemporáneo.

Afortunadamente, logré comprarla sin competidor a la vista y, desde entonces, no ha habido persona que la haya visto que no me haya preguntado con curiosidad por el autor de ese espléndido dibujo.

La misma inquietud me había despertado a mí, ya que jamás había oído nombrar, hasta ese entonces, a Carmelo Carrá.

Al primero que consulté sobre Carrá fue a Enrique Scheinsohn que, a su condición de galerista referente, hábil rematador e hincha de Chacarita, suma la virtud de conocer como pocos a los protagonistas y los entretelones del arte moderno y contemporáneo argentino.

Enrique lo tenía bien presente: “Carrá era una joven promesa, anduvo rondando el Di Tella, pero cuando ganó con sus dibujos el Braque –el prestigioso premio otorgado por el gobierno francés– se fue a París y se quedó allí. Participó de alguna que otra exposición en Santiago de Chile y en Buenos Aires, trabajaba con mucho color y, durante un periodo, hizo un “pop” muy distinto a todo, muy conceptual”.

Para mi sorpresa, encontré otros referentes que lo recordaban bien, como Ricardo Esteves, María Torres, Rodrigo Alonso, Gabriel Levinas, Jaques Bedel y Teresa Anchorena, quien siempre mantuvo contacto con el artista.

Mi interés por Carrá fue en aumento cuando, de casualidad, descubrí en Meudon, en las afueras de París, algunas obras de aquel periodo al que hacía referencia Enrique Scheinsohn. Allí, la simpática galerista Maria de Beyrie atesoraba desde los años 70 varias obras de Carrá, entre ellas, una interesantísima pintura alusiva al “Mayo francés”.

Del mismo período, decididamente el más intereCarmelo Carrá, La Revolution Mai 68 (1971).

Seleccionada para “200 años de pintura argentina”, Ricardo Esteves / BHA. 88 | SELECT

sante de este argentino prácticamente desconocido entre nosotros, pude ver también en Francia una

SELECT | 89

[ admirar ]

Arriba: Carmelo Carrá en su atelier en París (circa 1975).

Derecha: Carmelo Carrá, L homme avec le chien (1971).

En Meudon, la simpática galerista Maria de Beyrie atesoraba desde los años 70 varias obras de Carrá, entre ellas una pintura alusiva al “Mayo francés”.

serie de pinturas que el marchand Laurent Schwarz conservaba en su departamento parisino.

Algunas de esas obras viajaron a la Argentina para la extraordinaria muestra “Pop en el MAR”, curada por Rodrigo Alonso –quizá la mejor muestra sobre los años de oro del pop en la Argentina–, con la que se inauguró en 2013 el Museo de Arte Contemporáneo de Mar del Plata.

Lo cierto es que por razones personales Carrá abandonó la pintura hace mucho tiempo y sigue viviendo en París, probablemente no muy conectado con el arte argentino salvo encuentros ocasionales con otros artistas y amigos, como el que tuvo hace algunos años con Rómulo Macció.

Mientras tanto, aquí su obra descansa en los depósitos de algunos museos –como el Moderno de Buenos Aires– y en el de unos pocos coleccionistas que lo han seguido puntualmente.

Es de esperar que la obra singular de este argentino salga a la luz y podamos admirar en una retrospectiva ese singular “pop” que sorprende por su intensidad y, en especial, por el imaginario de su autor. •

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* Guillermo González Taboada, autor de esta nota, es el iniciador de Art Democracy, un emprendimiento en las redes sociales que ya superó los 320.000 seguidores en todo el mundo y que en Buenos Aires edita la revista del mismo nombre bajo el lema “una mirada desprejuiciada sobre el arte contemporáneo”.

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select

La distinción del sabor Santander Río Select te acerca beneficios exclusivos para que disfrutes de una velada inolvidable en los restaurantes del Palacio Duhau.

D

eleitarse con exquisitos sabores y con una vista privilegiada de

Ubicado en la planta baja del Palacio, se accede a él a través de la

un profundo jardín en pleno corazón porteño es la propuesta de

Vinoteca, espacio que ofrece una extensa selección de vinos argen-

Duhau Restaurante & Vinoteca y de Gioia Restaurante Terrazas,

tinos e internacionales. Decorada con una mesa alta de mármol, los

ambos en el Palacio Duhau – Park Hyatt Buenos Aires. Desde

huéspedes pueden disfrutar de una copa de vino o un cocktail prepa-

Santander Río Select, ponemos a tu alcance la posibilidad de disfru-

rado por el sommelier. Cuenta también con su propio Cheese Room,

tar de un momento único en este emblemático lugar de la ciudad.

con los mejores quesos artesanales argentinos, especialmente

Para aquellos que buscan una atmósfera íntima y cálida, el

seleccionados y servidos por el Maître Fromager. Los quesos pue-

Duhau Restaurante & Vinoteca es la mejor opción, con sus techos

den degustarse acompañados de una selección de frutos secos,

abovedados, sus grandes ventanales con vista al jardín, sus pisos

panes y mermeladas caseras.

de mármol travertino, sus paredes de piedra París y sus lámparas de cristal de murano.

En el restaurante Duhau, la cocina argentina es la protagonista.

Con el acento puesto en los productos locales frescos de estación, rinde homenaje a las clásicas y tradicionales recetas argentinas con preparaciones al grill. ¿Nuestros recomendados? Aconsejamos una selección de mar o de carnes argentinas, milanesa napolitana de costilla con hueso, merluza negra y provoleta de queso de cabra.

Por su parte, Gioia Restaurante & Terrazas es la alternativa más contemporánea, casual y, al mismo tiempo, elegante del hotel.

Ofrece una cocina italiana moderna y, allí, se puede disfrutar del servicio de desayuno, almuerzos –con un amplio buffet de antipasta–, snacks, aperitivos y cena. Los domingos el restaurante brinda el tradicional brunch en la terraza.

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[ informar ]

HYT

el arte de los relojes hídricos

La marca suiza llega a la Argentina para revolucionar la industria. ¿Su

U

n reloj de pulsera que funcione a base de fluidos y libere espacio para fomentar la expresión artística. Esa fue la idea

que llevó al físico nuclear y empresario suizo Lucien Vouillamoz a fundar HYT, una línea de relojería de lujo.

En lugar de tres agujas, estos ejemplares presentan un capilar que rodea el fondo y se conecta con dos reservorios hídricos –o pistones–: uno lo abastece de un líquido coloreado y el otro, de uno transparente. La fuerza de repulsión entre las moléculas de ambos fluidos evita que se mezclen y delimita un punto de unión, conocido como menisco, que indica la hora exacta. Además, existe un tercer líquido que actúa como regulador térmico y previene alteraciones en la precisión por cambios de temperatura.

HYT propone, así, un mecanismo novedoso. Al igual que el sistema tradicional –de 0 a 12–, se ordena en ciclos de 12 horas. No obstante, comienza a las 6:00, cuando el capilar está totalmente transparente, y culmina a las 18:00, cuando el capilar está todo coloreado. Un minuto después, al llegar a las 18:01, regresa a su posición original y reinicia el ciclo. “Los diseñadores querían empe-

propuesta? Reemplazar las agujas por

zar con las 12 (como es habitual), pero a mí no me parecía bien

líquido para que funcionalidad y diseño

porque los únicos instantes en los que el sol nos indica un momento

se combinen de una manera única.

Por Manuel Castelo Araldi

94 | SELECT

exacto es al amanecer y al atardecer”, justifica su creador.

El objetivo es revolucionar la industria desde otro ángulo: “La primera tecnología que usó el hombre para medir el tiempo fue el

agua, y eso me pareció una idea disruptiva que superaba el concepto vintage”. Mientras la mayoría de las marcas pretenden innovar en la forma de sus relojes, HYT cambió el funcionamiento clásico de las agujas para permitirse “jugar con mayor libertad”, señala Lucien Vouillamoz.

“La primera tecnología que usó el hombre para medir el tiempo fue el agua, y eso me pareció una idea disruptiva que superaba el concepto vintage”.

Diseño de avanzada

Reinventar el reloj hídrico de los antiguos egipcios y adaptarlo a una muñeca fue el mayor desafío. “Una clepsidra es abierta, usa la gravedad para extraer el líquido del tanque y debe ser estática, pero

o cállate’; y lo hice”. En 2009 patentó el invento, en 2012 fabricó el

un reloj de pulsera, además de ser cerrado, es portátil y no puede

primer prototipo y, en 2013, incursionó en el mercado.

usar la gravedad”, explica. Estos equipos no solo mantienen la

Hasta el momento, HYT ha presentado varias colecciones: H1, H2,

mecánica de un reloj a cuerda –sin pilas–, sino que también sugieren

H3, H4, Skull y H0. Las diferencias pueden notarse en pequeños

un diseño artístico de vanguardia.

cambios de posición de los pistones, la forma del capilar y la longi-

Vouillamoz, que se encuentra trabajando en esta tecnología desde

tud de los ciclos. Sin embargo, Vouillamoz admite que aún les queda

el 2006, lleva invertidos más de 50 millones de dólares. “Al principio,

mucho por delante y el próximo objetivo es ampliar su público:

me decían que estaba totalmente loco porque no era un relojero. Y

“Estamos trabajando en reducir el tamaño de la maquinaria para

casi abandono por lo difícil que era, pero un día mi hija me dijo: ‘Hazlo

sumar al público femenino”.

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[ informar ]

alcanzar la armonía Una increíble serie de cosechas nos permitió explorar nuevos parámetros de madurez de la uva en Champagne y crear Dom Pérignon Blanc Vintage 2009.

L

a creación de Dom Pérignon se centra en su absoluta dedica-

Mantiene su promesa original, pero expresa una nueva interpreta-

ción a los vinos de añada. Sus vinos son exclusivamente de un

ción de los códigos clásicos.

año y solo un año, un verdadero reto para la interpretación de las estaciones y para la reinvención.

Aparentemente, aún en la oscuridad de las bodegas, en el largo

Cada evolución contribuye a la hermosa singularidad de Dom Pérignon. A estos privilegiados momentos de sucesión los llamamos Plenitudes, momentos donde el vino habla más alto y más

camino de su maduración, el vino adquiere paradójicamente una

claro. De una Plenitud a la siguiente, el Poder de la creación de

decisiva dinámica. Pasa a través de una metamorfosis, se magnifica.

Dom Pérignon se reafirma con discreta perfección, donde la intrigante dramaturgia de cada añada crece en secreto en el interior de las bodegas.

La Primera Plenitud se revela después de al menos ocho años de elaboración, en función de la cosecha. El vino encarna entonces el ideal de equilibrio perfecto de Dom Pérignon, su mayor promesa. Es Dom Pérignon Vintage, la Plenitud de la armonía.

Durante cada una de las Plenitudes del vino, ciertos rasgos de Dom Pérignon se distinguen en mayoría sin renegar de otros. Así, el vino se revela cada vez tan diferente y tan próximo. Este proceso es la expresión de una verdadera visión del vino y el gran trabajo sobre su arquitectura, donde el chef de Cave es el maestro.

Exquisita delicadeza

Dom Pérignon Blanc Vintage 2009 es el resultado de dos movimientos, uno guiado por la naturaleza y el otro, por la ambición creativa de Dom Pérignon. Esta sinergia concluye en una cosecha con un sabor de frutas más maduras y ricas, uvas extremas y paradójicas, que dan indicio de la frescura y energía del futuro vino.

Dom Pérignon Blanc Vintage 2009 es exótico. Su sensación en boca es sorprendente. Su espesor, sus curvas, su profundidad de sabor y su impresionante persistencia aromática son absolutamente únicos.

Fue necesaria la experiencia de cada cosecha anterior para encontrar el coraje para producir Dom Pérignon Blanc Vintage 2009 y atrevernos a crear la madurez que establece un nuevo estándar.

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[ despedirse ]

“

Las

obras de arte

nacen siempre de quien ha

afrontado el

p e l i g r o, de quien

ha ido hasta el

extremo de la experiencia, hasta el punto que ningún

humano puede rebasar.

Cuanto más se ve, más propia, más personal,

“

m á s ú ni ca se hace una vida

.

Rainer María Rilke

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