MEW Magazine - SEP 2019 - Noelia Franco

MW

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Nuevos comienzos. Nuevos apoyos.

Nuevas historias que ofrecer. El inicio del todo. Y es que los sueños no merecen una oportunidad, merecen infinitas.

Merecen llamar a la puerta mil veces, caerte y volver a golpear. Tropezar y volver a levantar. Luchar con cabezonería. Pelear por lo que se desea aunque nos invada la utopía. ¿Qué haríamos sino? Tirar la toalla solo reconcomería la memoria. Porque solo se vive una vez y no hay nada como saber que se ha intentado con todas las fuerzas. Hasta cuando desaparecen del todo y tienes que buscar a tu alrededor, encontrar una mano amiga y volver a alzarte. Pero eso es la vida. Un ir y venir constante hasta que, sin darte cuenta, llega este momento que tanto estabas deseando y todo esfuerzo recibe su recompensa.

Y qué mejor manera de llegar a ese punto con personas que puedan llegar a llamarse "familia".

septiembre 2019

CONTENIDOS

música... 6

Pablo López Amaia Romero Dani Fernández

libro vs película... 30 It

cine... 34

Rocketman La mujer en el cine 15 años tiene mi amor

lugares de película... 44 Nueva Zelanda

portada... 58

Noelia Franco TV... 72

el personaje... 76 Polo ('Élite')

recapitulamos... 88 Merlí

viajando y comiendo... 90 Ojalá

el destino del mes... 94

Estambul

fashion... 96

Las tendencias de Otoño

ccme 2019... 102

Paula Usero y Carol Rovira

de tí aprendí... 118

Brie Larson

Pablo FOTOGRAFÍA ANA

López MÁRKEZ / CRÓNICA P. GUERGUÉ

"un lenguaje espe

ecial inalcanzable" MEW - 7

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A veces todo es tan sencillo como una voz y un piano. Las manos rasgando cada una de las teclas. El silencio roto por aplausos. O por voces que quieren cantar contigo al unísono. Y de pronto, el pasado toma la decisión de darse una vuelta por tus recuerdos.

Y estás ahí, ante más de diez mil personas que te confirman que no es un sueño. Que aquello que antes parecía imposible ya no es así. Y las lágrimas afloran y la carcajada acecha. Así pudimos ver a un Pablo López sobrecogido en lo que ha sido, hasta la fecha, su mejor y más especial concierto. Así lo pronunció en los minutos finales.

El Palacio de Vistalegre se vistió de gala. Era una noche especial. Llegaba Pablo López para ofrecer un concierto diferente, quizá más suyo que nunca. Todo comenzó a carburar tranquilamente. Las puertas se abrían, el público iba entrando, las sillas se iban ocupando y podíamos ver, desde la distancia, un escenario cuidado al milímetro. El piano como protagonista indiscutible. Una máquina de lanzar música con el número 47. Unas sillas y unas mesas del típico bar melómano. Unos sofás desgastados. Y la sensación perpetua de estar rozando una noche única. Porque fueron 360º de música en directo.

Pablo caminó entre el público, rodeó el escenario y aplaudió como cerciorándose de que estábamos todos los que teníamos que estar y se sentó. Comenzó a teclear su piano como solo el sabe hacerlo. Con esa caricia y rabia equilibrada. Pongamos que hablo de Madrid dijo...y el público entró al bolsillo. Porque quería contarnos una historia. Quería contarnos un cuento. Quería narrar su vida. Que fuésemos ese amigo fiel al que le cuentas de donde vienes y a donde vas. Y te dejas la piel en hacerlo porque es realmente importante ganarte esa confianza. Y nos fue narrando sus melodías, de donde venían, hasta donde habían llegado, los errores por el camino y los aciertos que a veces dudamos que sean hasta propios. Todo tenía conexión. Por eso, en más de una ocasión, nos pidió que prestáramos atención, porque la música puede tener una misma base y ser tan diferente al mismo tiempo.

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Fuimos caminando hasta grandes éxitos de buenos amigos. Amigos que aparecieron por arte de la tecnología vía videollamada. Porque era importante para Pablo. Para su música. Para todo lo que esa noche estaba creando a voz y a piano. ¿Acaso se necesita algo más cuando eres músico? ¿Qué hay más bello y perfecto que una voz y un instrumento?

Sin artilugios, sin mezclas erróneas ni voces transformadas.

Y fue uniendo las melodías forjando algo impredecible y tan elocuente al mismo tiempo. Mostró que lo que fuimos es lo que seguramente volveremos a ser. Que no hay nada por inventar. Que todos nacemos de las mismas notas, de las mismas bases y que está en nosotros darle la vuelta que así necesitemos y cuando lo necesitemos. Podemos crear desde el mismo punto y ser tan diferentes entre nosotros mismos que es algo maravilloso. Y no somos conscientes.

Pablo López tiene algo que lo diferencia. No depender. No depender de un buen técnico de sonido que solape nuestras miserias. O una banda que arregle mi destartalado acierto. Porque suena en silencio. Y puede echarse un piano a las espaldas o un solo de guitarra y que su voz siga fluyendo, como quien firma un acuerdo eterno. Y eso lo hace inigualable. A día de hoy podemos contar con los dedos de una mano artistas que puedan sonar completamente desnudos sobre un escenario. Y el público lo agradece. Porque cuando Pablo pidió silencio absolu-

to y solo sonó su voz, en mitad de una noche de tormenta, nadie quería romper esa magia. Hubiésemos seguido ahí perpetuos, sentados, mirando como un artista ofrecía todo de él.

Y si una lección hay que llevarse de todo lo que Pablo López nos contó esa noche, lo tengo claro.

Cuando te digan que no, haz oídos sordos, y sigue luchando.

Se puede. Siempre se puede.

Hasta cuando lo veas negro, no te preocupes, porque se puede. Porque cuando más negro está todo, cuando más complicado lo ves, es que estás a punto de tocar con tus manos todo lo que quieres ser.

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FOTOGRAFÍA ANA

MÁRKEZ ENTREVISTA P. GUERGUÉ

AMAIA

MW | MÚSICA

O LO QUE ES LO MISMO, caminar contracorriente Amaia decidió escoger el camino más difícil. Ese que te encamina hacia la crítica más cruel y despiadada de aquellos que adoran el azote de canciones machistas, sexuales y sin sentido alguno. Pero es la mejor elección posible.

Porque hacer lo que hace Vicente, seguir a la gente, es el verdadero camino a la desaparición cuando la industria decida apostar sus cuartos, al 100%, en K-Pop, por ejemplo, o en un primo lejano de Rodolfo Chikilicuatre.

es de digestión rápida y sencilla. Cada bocado debe llevar su tiempo. Y seguro que algún que otro tema se atraganta pero dale una doble vuelta. Escucha su melodía. Y puede que ahí encuentres las respuestas. Lo más probable es que Amaia termine siendo, en tu musicoteca, esa artista que no quieres que te roben nunca. Tiene un don tan eterno como su voz. Y toda una vida por delante. Con una inquietud musical tan extrema que seguro no se quedará quieta. Si te quedas a su lado vivirás una montaña rusa de sensaciones "Pero no pasa nada" es el comienzo de alguien que nun- que creías olvidadas. Pero, ojo, te advertimos que como ca se puso por bandera ser compositora de diez. Se nota persona, también cometerá cagadas y puede que monuque sus letras son de alguien que está comenzando a com- mentales pero lo bueno es que ella ama tanto o más que tú poner. Y es interesante descubrir como nace una artista, la música. Y el respeto con la que la acaricia, lo salva todo. ser testigo del crecimiento. Analizar que, quizá, no es tan sencillo sentarse y escribir. Que para ser un Sabina o una 20 años. Primer disco. 10 canciones. Pop-Rock del pasado.

Natalia Lafourcade nos hacen falta muchas noches de in- Y un amor adolescente. Dice leer a Emmanuel Carrère. somnio, años de experiencia y una plaga de sin sabores a Degusta el cine de Billy Wilder. Si fuera Youtuber, tendría nuestras espaldas. Pero a pesar de todo ello, Amaia hace un canal sobre teorías del Universo. Su último videoclip una buena primera parada. Y es honesta. Con una voz que tiene claras referencias artísticas a Caravaggio. "Pero no aplasta el corazón. Y eso nos provoca una confianza ciega pasa nada" es un apasionado homenaje a los 90. Y eso se en ella y en el futuro. lo debemos a su libertad, que ha pedido y llorado a gritos, y a su majestuosa cultura musical. Sea lo que sea que el Ella se sienta en el Pop-Rock clásico, ese mismo que antes destino le tenga diseñado, bailará alrededor de cada una era mucho más fácil encontrar en cualquier lado. El que de las notas musicales. no necesitaba de cifras ni de defensores a ultranza. El que nos ofrecía joyas eternas. El mismo que hemos ido per- Amaia Romero siempre fue todo lo contrario a una cladiendo por nuestra escasa capacidad de discernid entre la ra ganadora de un formato como Operación Triunfo, que buena música y aquella que nos inyectan en vena a base de busca el artista sencillo y simplón a quien vaciar y deshonmultimillonarios acuerdos entre unos ricos y unas radio rar. Y por eso tuvo que ganar. Porque debería ser ilegal fórmulas vendidas al mejor postor. Con base de guitarra, 'comprar' la música y su mercado. Porque como bien dijo bajo y batería, Amaia nos ayuda a no perder la esperanza. en su momento Alejandro Sanz, la música no se toca.

A que a pesar de intentar dejarnos sordos, siempre tendremos una isla desierta donde escondernos y descubrir que Porque esta será nuestra "Última Vez", "Quedará aun hay músicos, músicos de verdad, aquellos que saben en nuestra mente" "El Relámpago" de aquel "Nuede que va el DO y el RE y un Fa sostenido mayor, apostan- vo verano" donde "Nadie podría hacerlo" y por do por lo que otros vomitan. eso siempre "Quiero que vengas", "Porque apareciste" caminando "Todos estos años" en "Un día Si te gusta analizar la música. Si te gusta sentir. Si vas más perdido" y quiero hacer lo mismo "Cuando estés allá de una letra, este es tu lugar. "Pero no pasa nada" no triste".

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MW | MÚSICA | ENTREVISTA

Dani Fernández "No mido el éxito, mido la cantidad de trabajo que tengo."

FOTOGRAFÍA ANA

MÁRKEZ /

ENTREVISTA P.

GUERGUÉ

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Tres años de silencio tuvimos que esperar para que Dani Fernández tomase la decisión de lanzar su primer trabajo discográfico en solitario. Tres años que le sirvieron para crecer y madurar. Encontrar el camino, el sonido, las letras y todas aquellas historias que quería contar. “Incendios” es el Dani que quería enseñar en el momento preciso que debía hacerlo.

MEW Magazine (MW): ¿Qué Dani Fernández has descubierto creando “Incendios”?

Dani Fernández (D.F.): Soy una persona mucho más paciente. Cuando era más joven, hablando musicalmente sobre todo, tenía menos paciencia y quería que llegara todo más rápido. Y es cierto que ahora se que con calma, con paciencia y con trabajo sé que se pueden conseguir las cosas. He conseguido encontrar esa mezcla entre tener ilusión y ganas y tener paciencia.

MW: ¿Cómo ha sido de intensa la producción de este disco?

D.F.: Han sido muchos años de trabajo. De producción han sido casi dos con lo cual hemos estado trabajando muy duro Tato LaTorre, con el que he tenido la suerte de trabajar, y yo. Sabiendo muy bien lo que queríamos hacer, sabiendo y estudiando por donde queríamos ir, probando

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mucho... Creo que un primer trabajo no tienes que lanzarte a la aventura, tienes que saber lo que haces. Por eso hemos tardado tanto. Para hacer que todas las piezas estén perfectas. A la larga te viene muy bien.

MW: ¿Fue fácil elegir los temas que iban a ir incluidos en este disco?

D.F.: Fueron naturales. Compuse muchos temas pero es cierto que lo que yo iba viendo, que se iba engranando mejor, con respecto a lo que es un disco, fueron los que fuimos eligiendo. Además tengo también la suerte de contar con tres canciones de personas a las que admiro mucho, entonces eso sumó a que pudiera hacer una criba más grande y poder quedarme con canciones que creo que están más completas. Hay canciones que no es el momento y que a veces las tienes que redescubrir y seguir trabajando para incluso algún día meter en algún álbum.

MW: Relacionado con esto, ¿hay algún descarte que haya dolido dejar fuera?

D.F.: Pues la verdad es que sí. Hay un descarte que es la última canción que compuse que la sigo haciendo, incluso, en mi repertorio pero creo que se merece mucho más. La he compuesto con una persona que admiro muchísimo y que hablándolo creíamos que era lo mejor, esperar.

MW: ¿Hay algún tema que durante esa producción te diese más de lo que te esperabas?

D.F.: La verdad es que sí e incluso al contrario. Es como que hay canciones que desnudas, no te llegan tanto y con esa producción se vienen más arriba... otras veces, ha pasado con “No te pido que vuelvas”, es una canción que intentamos producir Tato y yo y luego nos dimos cuenta que cuantos menos elementos era mucho mejor. También es positivo porque redescubres los temas y le das una vuelta de cara al directo.

MW: ¿Cuánto de perfeccionista eres cuando estás dentro de la producción?

D.F.: Bastante. Soy muy perfeccionista, tanto en la producción como en la melodía o la letra. Hemos ido cambiando muchísimas cosas. Además, agradezco a Tato LaTorre que haya tenido la paciencia de poder soportarme. La labor de un productor es muy, muy importante. Hemos conseguido mezclar tanto los gustos de Tato como los míos. Es muy importante que tu productor te entienda y tú entenderle.

Estoy muy feliz.

MW: Para tener un buen proyecto entre manos, ¿hasta que grado de importancia tiene el equipo que rodea?

D.F.: De diez, nivel diez. A nivel de saber corregirte las cosas, de saber por donde tienes que ir. Por ejemplo, la palabra representante te lo dice todo. Es la persona que cuando tú no estás son ellos los que tienen que estar. Y 22 - www.mewmagazine.es

el productor exactamente lo mismo. Pone Dani Ferández en la portada pero luego todo el mundo puede ver que el disco está producido por Tato LaTorre. Es muy importante que todos estemos satisfechos, que todos trabajemos al máximo y que estemos contentos con el resultado que es lo más bonito.

MW: ¿Cómo mides el éxito?

D.F.: No lo he medido nunca. Ni estando con el grupo me puse a ello. Simplemente mido la cantidad de trabajo que tengo. Me siento afortunado de poder trabajar de lo que me gusta. Para mí el éxito es decir que dentro de cincuenta años sigo trabajando en esto.

MW: ¿El camino de la música es un camino lleno de paciencia?

D.F.: Hay de todo. En el mío me he dado cuenta que si. Más que nada para que todo esté bien encajado. En Auryn por ejemplo todo fue mucho más rápido y paciencia no había ninguna. Éramos cinco viviendo la vida al límite. Ahora es otra historia. Depende de la edad de cada uno.

MW: ¿“Incendios” es el verdadero Dani que estabas esperando?

D.F.: Estoy convencido de que aunque soy muy autocrítico y me corrijo constantemente creo que hemos llegado al nivel que nos pusimos. Es cierto que siempre se puede mejorar y en ello estoy. Yo me marque el no salir hasta estar cien por cien seguro y ahora si lo estoy.

MW: A día de hoy, ¿qué te hace sonreír por las mañanas?

D.F.: Saber que sigo teniendo trabajo, que sigo haciendo lo que me gusta, que sigo teniendo a la gente que quiero. Es lo mejor que podemos pedir.

MW: ¿Qué te da la música que nada más lo hace?

D.F.: La música me hace evadirme de todo. Me hace de terapia. Me ha hecho estar triste cuando tengo que estar triste. Me hace estar contento cuando tengo que estar contento. La música es muy importante.

“Creo que un primer trabajo no tienes que lanzarte a la aventura, tienes que saber lo que haces.�

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'I WANT TO BREAK FREE'

una polémica olvidada y una canción imprescindible por Judith Torquemada

'I Want to Break Free' es una de las canciones más recordadas y queridas de Queen.

Repasamos su letra, trayectoria, polémica y significado.

Febrero de 1984: Queen lanzaba al mercado ‘The Works‘, su undécimo álbum. De entre todas las canciones contenidas en este disco de una banda británica que ya no necesitaba presentación, dos han permanecido en la memoria popular como grandes clásicos, como canciones inolvidables, como temas que marcan una época: ‘Radio Ga Ga‘ y ‘I Want to Break Free‘. Es esta última, la que fuera el segundo sencillo del disco, la que protagoniza estas líneas.

compuso el tema, aunque de eso hablaremos más adelante.

ESTILO Y TRAYECTORIA

Moviéndose entre el pop y el rock, ‘I Want to Break Free’ es un tema rítmico, con repeticiones musicales constantes que hacen fácilmente memorizable la esencia de la canción. Freddie Mercury, con una de las voces más reconocibles y fantásticas de la historia, la ejecuta con su fuerza habitual y eleva lo que en Una canción que con el paso del manos de otros podrían haber sido tiempo ha dejado atrás la polémica una canción sencilla. que arrastró en su día y se ha consolidado como uno de los más gran- ‘I Want to Break Free’ tuvo una buedes éxitos de Freddie Mercury, Brian na recepción en la mayor parte del May, Roger Taylor y John Deacon. mundo, llegando a ocupar el top 10 Fue precisamente este último quien de listas de éxitos en varios países y

alcanzando lo más alto del ránking en Austria o Bélgica, por mencionar algunos. En Estados Unidos, sin embargo, no logró superar el puesto 45, y fue en este lugar donde nació y creció la polémica que acompañaría durante años a este tema.

POLÉMICA

‘I Want to Break Free’ no fue bien acogida en Estados Unidos. En diversos informes que aluden a la época, se recoge cómo se consideraba que el videoclip del tema era una reivindicación del travestismo y la bisexualidad, dos ideas que estaban muy lejos de la idea de sociedad tradicional. Seguramente seáis capaces de rememorar imágenes del vídeo en cuestión: los cuatro miembros de la banda caracterizados según una imagen típicamente femenina, aunque sin perder rasgos considerados masculinos como el siempre presente bigote de Freddie Mercury. Durante aquellos años, esto fue tomado como una provocación. La propia MTV rechazó compartir el videoclip en sus canales de Estados Unidos, y la canción fue abucheada en conciertos tan memorables como el celebrado en Río de Janeiro.

la libertad, a la necesidad de liberación, de romper cadenas, normas y prohibiciones, un canto a ser uno mismo y a hacer las cosas según las sintamos. Desde el comienzo estuvo relacionada con la figura de Freddie Mercury, precisamente por todo lo ya comentado, y también se ha usado en otros contextos completamente diferentes, como la lucha de Nelson Mandela y su partido en Sudáfrica en estos turbulentos años, cuando aún estaba en la cárcel.

El propio Freddie Mercury hablaba del significado de la canción durante la celebración de Rock in Rio en Brasil. Tras negar que estuviera relacionada con la comunidad LGTB+, dijo lo siguiente: «es sobre alguien que tiene una vida dura y que desea liberarse de todos esos problemas que tiene».

Fue John Deacon, y no Freddie, quien escribió la canción. Y parece que lo hizo pensando en el movimiento feminista de la época, visto desde una perspectiva masculina.

Es decir: sí habla de libertad, por supuesto que habla de libertad. Y aunque ha sido entendida y empleada de maneras diferentes durante todos estos años, la esencia es la libertad y todas las interpretaciones personales a partir de ésta pueden ser válidas.

No fue abucheada en Estados UniUna polémica que afortunadamen- dos, pues Queen decidió excluir te ha quedado en el olvido, porque ese país de su gira promocional del los años han pasado y se ha ido disco, a tenor del recibimiento que normalizando lo que en realidad y tuvo uno de sus temas más queriCon respecto al videoclip, no era por supuesto siempre ha sido nor- dos. más que una parodia de la serie mal, pero es inevitable mencionar SIGNIFICADO británica ‘Coronation Street’, así lo que provocó en su día, porque fue entendido en Reino Unido y así es otra manera de entender la trayectoria de este grupo inolvidable ¿Y cuál es su verdadero significa- lo defendieron siempre los miemy las muchas normas que estuvie- do? ‘I Want to Break Free’ siempre bros de la banda. ha sido tomada como un canto a ron dispuestos a romper.

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Grandes Clásicos, ‘IT’: UN CLÁSICO QUE NO PASA DE MODA

H

revisionado que he querido repetir ahora, coincidiendo a vuelto a colarse en la actualidad por su remake, con el estreno de ‘It: Capítulo 2’ y en el que ‘Eso’ ha vuelto pero en realidad ‘It’, la adaptación cinematográ- a atraparme como lo hizo la primera vez. fica de la novela de Stephen King, nunca pasó Esta película original, dirigida por Tommy Lee Wallace, de moda. fue estrenada en el año 1990, cuando yo ni siquiera era un Hace un par de años llegó el boom. De repente, ‘It’ volvió plan. Pero el amor por el cine, que floreció en mí cuando a situarse en boca de todos, no había prácticamente na- sólo era una niña, me llevó hasta ella años atrás. Entondie en el planeta que no quisiera ver el remake dirigido ces, la historia, completamente desconocida para mí, me por Andy Muschietti y comentarlo hasta el más mínimo atrapó. Pese a que en esos momentos no era una cinéfila detalle. Una conversación que creció en el momento en demasiado cultivada y me horrorizaban los malos efectos el que se confirmó una segunda parte y que, además, lle- especiales, Pennywise despertó en mí una curiosidad que vó a muchos a vivir un regreso al pasado. Incluso algunas no se ha apagado en ningún momento. Y creo que eso es cadenas de televisión apostaron por volver a emitir la pe- exactamente lo que ha ocurrido con todos aquellos que lícula original, que inicialmente fue concebida como una antes o después conocieron al payaso. mini-serie -probablemente por su larga duración-. Un

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Igual que ocurre con él en la película, se mantuvo dormido durante unos años, pero el remake hizo que reviviera con más fuerza que nunca. ¿Qué tiene la película original para, pese a todo el tiempo que ha pasado, seguir formando parte de la lista de imprescindibles de muchos? Muchos la consideran película de culto, y no me extraña. A estas alturas y mucho tiempo después de haberla visto por primera vez, tengo la certeza de que es una de esas cintas que todo el mundo debería ver al menos una vez en la vida.

nectan directamente con la infancia y la adolescencia de muchos espectadores. Y por eso se produce una especie de efecto imán, entre quien ve la película y la misma.

CUANDO LA FALTA DE TERROR NO ES NEGATIVA

‘It’ se encuadra dentro del género de terror y no hace falta preguntarse por qué. Sin embargo, es cierto que en pocos momentos de la película llegamos LA MAGIA DE STEPHEN a pasar verdadero miedo. Una parte de la culpa la tiene el paso del tiempo; KING ahora estamos acostumbrados a films con efectos especiales sobrecogedores, Más que probablemente, el culpable capaces de jugar con nuestra mente. Y del éxito de ‘It’ sea su creador, Stephen la falta de ellos resta cierta credibilidad King. Ya la novela fue todo un boom a según qué películas clásicas. y continúa siéndolo, por lo que de su adaptación televisiva y/o cinematográPero más allá de estos malos efectos esfica no se podía esperar menos. peciales, que no lo eran tanto para la época, esta falta de terror absoluto va El escritor es uno de esos prodigios caunida a la historia, forma parte de su paces de generar magia con su mente esencia. Incluso en el remake de 2017, y con su palabra. El clima de misterio en el que Pennywise es mucho más teque crea en Derry, un pueblo que por rrorífico y nos provoca algún que otro momentos creemos que tiene entidad grito contenido, no llegamos a sentir propia, el terror que provoca ese paesa angustia que muchas veces acomyaso que se alimenta del miedo y esa paña a las películas de este género. Paunión tan maravillosa y tan real que se samos miedo, sí, pero también nos reícrea entre los protagonistas son tres de mos con las ocurrencias de los chicos, los principales motivos por los que ‘It’ nos asqueamos con las situaciones de es casi hipnótica. No importa que sealgunos, como la de Bev, y nos emociopamos que la sangre es demasiado falnamos con los lazos que existen entre sa, ni que el payaso de la cinta original ellos. sea más bien cómico por momentos, la historia es la que verdaderamente atra‘It’ no busca el susto por el susto, no pa. No son necesarios los artificios. busca que nos pasemos tres cuartas partes de su duración con los ojos taGeneralmente, nos suele costar conecpados. Al contrario, juega con nuestro tar con las películas de terror, sobre miedo de manera inteligente, sin llegar todo si sus efectos especiales no están a sobrepasar la línea y manteniendo un muy logrados, porque lo que vemos equilibrio que muchos otros ni siquieen la pantalla es demasiado surrealisra se han preocupado en encontrar. ta, es algo que no podemos imaginar en nuestras vidas. Evidentemente, ‘It’ EL MITO también tiene esa parte ciertamente inverosímil, pero la amistad de esos Casi 30 años después de su estreno, ‘It’ niños, su día a día y el ambiente que se ha convertido en película de culto, existe en la escuela y en el pueblo co- en todo un mito dentro del ámbito ci-

nematográfico. Uno de esos títulos que todos deberíamos ver al menos en una ocasión, para ampliar nuestro conocimiento del séptimo arte y, por supuesto, para disfrutar de esta historia y de cómo nos la contaron en su día. Pero… ¿Por qué? ¿Qué ha hecho que esta película y no otras alcanzase el codiciadísimo título de ‘película de culto’? ¿Qué tiene de especial esta adaptación de la obra de Stephen King?

Lo cierto es que a esta última pregunta se podría contestar con una larga y aburrida lista de virtudes que todos los que hemos visto el largometraje con atención podríamos extraer. Pero en realidad voy a ir a lo más sencillo, a la base de todo, al verdadero impulso que generó el boom: el impacto que causó en el público. Hay cintas con una calidad sorprendente e indudable y que han terminado colándose en el selecto club de las películas de culto, pero que sin embargo no terminan de conectar con el público general. Y hay otras en las que es precisamente lo mucho que han conectado con los espectadores lo que provoca que nazca el mito.

‘It’ atrapó a millones de personas en su día y continúa haciéndolo año tras año, llegando a implantar elementos en nuestra cultura pop. El mejor ejemplo: Pennywise. El payaso se ha convertido en un elemento reconocido por todos, que aparece de vez en cuando y que está considerado por muchos como la personificación del terror. Ha sido utilizado, con otros nombres y de otras maneras, en numerosas ocasiones y forma parte de nuestra cultura, de nuestro imaginario.

Esto no hace otra cosa que probar el impacto que verdaderamente causó en la sociedad en su momento y que terminó encumbrando a ‘It’ como a un mito, situándola en lo más alto del género de terror. Y sin excesivos sustos.

Una prueba más de que lo que produce verdadero miedo es jugar con nuestra mente.

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libro VS película

'It': Muchas diferencias y muchos aplausos para una por Rosa Suria Llevar a la pantalla una obra de Stephen King no es tarea fácil, pero Andy Muschietti y su equipo han firmado un trabajo más que aceptable. ¡CUIDADO, SPOILERS! Aunque muchas veces está infravalorado, probablemente por el desconocimiento, el género de terror es de los más complejos, tanto en el ámbito narrativo como 30 - www.mewmagazine.es

en el audiovisual. Buscar la emoción del lector o del espectador no es demasiado difícil, sólo hay que tirar de empatía. Y con la risa ocurre algo similar, debemos buscar situaciones cómicas por norma general, y de esas hay muchas. Pero provocar terror, sabiendo que lo que estamos viendo o leyendo no es real y probablemente jamás podría ocurrir, es algo de lo que sólo pueden presumir maestros. Y entre ellos destaca Stephen King.

Probablemente -casi seguro al 100%- no haya existido ni vaya a existir un autor que domine el género de terror como lo hace el estadounidense, capaz de jugar con nuestra mente y provocar verdadero pánico con sus palabras, mientras también instala en nuestro cerebro diferentes reflexiones que van mucho más allá de monstruos. Stephen King habla del verdadero mal y del verdadero miedo en sus novelas, y lo hace valiéndose de muchas

herramientas. Cualquiera de sus títulos nos podría servir de ejemplo, pero en esta ocasión, porque está en boca de todos, quiero hablarte de ‘It’ -en castellano ‘Eso’-.

Su bibliografía es kilométrica, una auténtica barbaridad teniendo en cuenta que no ha vivido ni una vida entera, y en ella destacan algunos títulos que han logrado una fama superior al resto, en parte por su salto a la gran o a la pequeña pantalla. Ese es el caso de

buena adaptación ‘It’, que ya fue adaptado en formato mini-serie en 1990 y que ha vivido una segunda juventud gracias a las películas dirigidas por Andy Muschietti y estrenadas en 2017 y 2019.

Un remake que ha sido aplaudido y que ha permitido a muchos jóvenes conectar con una historia que desconocían y que ha demostrado no tener fecha de caducidad.

A día de hoy, estamos acostumbrados a booms que duran un suspiro.

Series que están de moda hoy y que mañana nadie recuerda o películas que arrasan en taquilla para después caer en el olvido y no protagonizar ni una sola conversación. Sin embargo, ‘It’ no envejece. Todo lo que ha teni MEW - 31

do que ver con esta historia, desde el lanzamiento del libro hasta el reciente estreno de ‘It: Capítulo 2’, ha estado rodeado de una expectación enorme, alcanzando ya la categoría de mito.

Son muchos los que habían leído el libro años atrás, después disfrutaron de la mini-serie y ahora han hecho lo propio con el remake. Pero también son muchos los que, por edad o por cualquier motivo, han aterrizado ahora en el fenómeno, viendo primero las películas y después leyendo la novela. El camino inverso, pero no por ello el camino menos natural. Todo está interconectado y, de hecho, recomiendo que si eres de los que sólo ha visto las películas modernas le des una oportunidad a la mini-serie y, por supuesto, a la obra de Stephen King.

Y hablando de la obra en sí, llego a la pregunta eterna cuando se trata de adaptaciones cinematográficas: ¿es mejor el libro o la película? Una pregunta que siempre va acompañada de otras muchas: ¿hay mu-

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chos ‘fallos’? ¿Qué falta? ¿Qué sobra?

saltos en el tiempo, entremezclando las dos líneas temporales, la infancia y la madurez de los protagoMUCHAS DIFERENCIAS nistas, mientras que en las películas de Andy Muschietti están algo más Después de leer a Stephen King y diferenciadas -aunque aparecen ver las dos películas modernas -en pinceladas de esta técnica narrativa las que me centraré para esta com- en la segunda cinta-. paración-, lo primero que ha llamado mi atención son las muchas Otra gran diferencia que todos los diferencias que he encontrado. lectores habrán notado es la época Desde el comienzo, con un Georgie en la que se ambientan los largoque en el cine no es hallado y cuyo metrajes. Mientras que en la obra cadáver aparece en las primeras de King la infancia de los protagopáginas de la novela, hasta la ma- nistas tiene lugar durante finales de nera de narrar la historia. El autor los 50, en la película lo hace en los estadounidense emplea continuos años 80. Un cambio que está justifi-

cado, ya que permite que los espectadores conecten con los niños como lo hicieron los lectores en su momento, a través de referencias a la cultura pop que les llevan directamente a su propia infancia y adolescencia.

rre en la historia original, en la que los protagonistas sí olvidan todo lo que acontece en su regreso al pueblo y, por tanto, también sus amistades. Un final amargo que se quisieron ahorrar en el film, en el que la unión entre los protagonistas es aún más importante que Los propios personajes también han en la novela. sufrido algún que otro cambio, especialmente en casos como el de Mike, UNA BUENA ADAPTACIÓN cuya historia es completamente diferente. Son cambios que, en reali- Pese a todo esto, y a las otras muchas dad, no restan ni chirrían, pero que diferencias que me dejo en el tintero son fácilmente detectables. Como los para evitar que este artículo se haga enfrentamientos finales con Pennywi- demasiado largo y pesado, estamos se, que son bastante diferentes, o las ante una buena adaptación, que ha saapariciones de este monstruo, que en bido captar la esencia de la novela y lleel libro suele adoptar la imagen de los varla a la gran pantalla. Quizá su mayor mayores miedos de los protagonistas, bondad es la recreación de ese terrorílo que ocurre en menor medida en las fico y aparentemente tranquilo Derry, películas. así como del ambiente del pueblo. Sin olvidarme, por supuesto, del terrorífico CAMBIOS EN LA HISTORIA payaso Pennywise, que ha ganado en horror si lo comparamos con su predeMás allá de estas diferencias, en las cesor de los 90. Un monstruo que ha cintas también se ha alterado la histo- sufrido algún que otro cambio, pero ria en ciertos puntos. Por ejemplo, uno que cumple a la perfección con su code los pasajes más polémicos del libro metido. ni siquiera aparece en la adaptación cinematográfica. Cuando nuestros pro- La diferencias con respecto al libro tagonistas son niños y acaban de de- existen, son innegables y en ocasiones rrotar por primera vez a ‘Eso’, tras ese son profundas, pero confieso que no pacto de sangre por el que prometen me han decepcionado. De hecho, alguregresar si el monstruo hace lo pro- nos de los cambios que se han produpio, Beverly hace un sacrificio y man- cido, como los que han sufrido los pertiene relaciones sexuales con todos los sonajes principales, han enriquecido la miembros del grupo de los Perdedo- obra y han permitido que conectemos res, para ser así su primer contacto con incluso más con ella. el sexo. Como era de esperar, Andy Muschietti y su equipo optaron por no Si hay algo más complicado que crear incluir la escena, que podría haber ge- una adaptación cinematográfica fiel a nerado una enorme polémica así como la obra original es atreverse a transfornumerosas críticas. marla con respeto y pensando siempre en sumar. Y eso es lo que han hecho El final de ‘It: Capítulo 2’, es decir, el fi- Andy Muschietti y compañía. Pueden nal de la historia, también es diferente. estar muy orgullosos del resultado.

En la película vemos como, pese a las dolorosas muertes de Stan y Eddie, los protagonistas regresan a sus vidas con cierta tranquilidad y recuperan la normalidad, esta vez sin olvidar nada de lo ocurrido en Derry y, por tanto, manteniendo intactos los lazos que existen entre ellos. Al contrario de lo que ocu-

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ESTAMOS ANTE UNA BUENA ADAPTACIÓN, QUE HA SABIDO CAPTAR LA ESENCIA DE LA NOVELA Y LLEVARLA A LA GRAN PANTALLA"

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la inolvidable joya del cine espaĂąol 34 - www.mewmagazine.es

por Judith Torquemada

H

an pasado quince años desde que se estrenó 'Mar adentro'. Yo era muy pequeña cuando la joya inolvidable del cine español llegó a las pantallas, pero tengo un cierto recuerdo, muy difuso, del estreno en cuestión y de lo que generó esta obra de Alejandro Amenábar. Lo completé años más tarde, cuando tuve edad suficiente para verla y entenderla. Hace poco volví a verla, y resulta que en estos quince años no he encontrado todavía la manera adecuada de hablar de ella, porque es uno de esos casos en los que la realidad y la ficción van de la mano, y la primera es demasiado compleja como para hablar de la segunda a la ligera.

'Mar adentro' es la película más premiada de la historia de los Premios Goya, los más importantes de nuestro cine. Se llevó a casa 14 reconocimientos: película, dirección (Amenábar), actor protagonista (Javier Bardem), actriz protagonista (Lola Dueñas), actor de reparto (Celso Bugallo), actriz de reparto (Mabel Rivera), actor revelación (Tamar Novas), actriz revelación (Belén Rueda), guion original (Mateo Gil y Alejandro Amenábar), música original (Alejando Amenábar), fotografía (Javier Aguirresarobe), sonido (Ricardo Steinberg, Alfonso Raposo, Juan Ferro y María Steinberg), maquillaje y peluquería (Jo Allen y Ana López Puigcerver), y dirección de producción (Emiliano Otegui). Y creo necesario que todos estos nombres queden por escrito. También triunfó en los Premios Oscar: fue reconocida como la mejor película de habla no inglesa del año, tal y como sucedió en los Globos de Oro y en diversos festivales de cine. Supongo que habrá quien no termine de conectar con la cinta, pero en general existe una sensación de unánime devoción con ella.

'Mar adentro' nos cuenta la historia de Ramón Sampedro (Javier Bardem), un marinero y escritor gallego que lleva postrado en cama casi treinta años. Tras un accidente en su juventud, en el mar que tanta vida le ofreció, queda tetrapléjico, al cuidado de su familia. Con una entereza y una seguridad abrumadoras, Ramón pide a la justicia española que le ayude a morir con dignidad. Ramón Sampedro desea morir, y pide ayuda para ello. Durante años ha encontrado en su familia, en sus amigos, en algunas pasiones que ha podido conservar, una rutina que en realidad no considera una vida digna. En esta película asistimos a su lucha, contra la ley, contra opiniones contrarias a la suya, contra sí mismo en ocasiones.

Apoyado en recursos cinematográficos tan envolventes como una música en ocasiones casi ensordecedora, justo como debe ser, Alejandro Amenábar nos relata la historia de Ramón con sensibilidad, sirviéndose de la emoción que nace de la propia historia y también de aquella que sabe que despertará en el espectador. El cineasta siempre ha sabido bien cómo hacer las cosas, por eso no solo nos habla de una distancia física provocada por la inmovilidad de Ramón, también nos la muestra; por eso nos habla de volar y volamos con él. Y es muy consciente de la fuerza emocional de las palabras que pone en boca del personaje, de la persona, y de la mirada, la voz, los pequeños gestos de un Javier Bardem que nunca defrauda. Está bien acompañado: desde Belén Rueda hasta Lola Dueñas, todo el reparto está a la

altura de lo que requiere una historia que quiere emocionarnos y también plantar el debate.

Por supuesto, 'Mar adentro' invita, casi obliga, a la reflexión. Reflexionas sobre lo más evidente: sobre la eutanasia, sobre la vida digna, sobre la libertad de cada persona de elegir cuándo y cómo desea morir en una situación como la que aquí se presenta. Y también reflexionas sobre otras cosas, quizá menos evidentes pero igualmente presentes: cómo entregamos nuestra vida a los demás, cómo ésta puede cambiar de un día para otro, sin aviso, sin una mínima sospecha de que será así.

No sé hasta qué punto puede hablarse de disfrute con una película que trata un tema tan delicado. No me sale decirlo sin más. No puede disfrutarse de algo que infligió tanto sufrimiento a una persona, así que me limitaré a esto: 'Mar adentro' es una de las películas con las que más emociones he experimentado. Y me gusta escuchar a Ramón Sampedro, me gusta escucharlo a través de Javier Bardem, y me gusta pensar que todo lo que tenía que decirle al mundo llegó a nosotros de una manera tan directa y tan efectiva, a través de un medio de comunicación tan poderoso como es el cine.

Creo que todo el mundo debería adentrarse en este mar, al menos una vez en la vida. Asentir con vehemencia ante algunas cuestiones planteadas, morderse las uñas al comprender la forma en que el ser humano trata de controlar, con buenas o malas intenciones, a los demás. Y al final, quedarte con algo de todo lo que 36 - www.mewmagazine.es

te han contado. En mi caso, no se me olvida la discusión que mantuvo Ramón con un sacerdote tetrapléjico que acudió a visitarlo, esperando que cambiara de opinión con respecto a su deseo de morir. «Una libertad que quita la vida no es libertad», le espetó el sacerdote, escaleras abajo. «Una vida que quita la libertad no es vida», le responde Ramón, desde su cama.

RO

OCKETMAN todas las fantasĂ­as tienen dos caras por Rosa Suria

La vida de Elton John siempre ha ido acompañada de mucho color y espectáculo, como también lo hace su biopic: ‘Rocketman’. ¿Es tarde para hablar de ‘Rocketman’? Hay quien diría que sí. Pero en algunos cines siguen manteniéndola en su cartelera, pese a que, para el momento en el que escribo este artículo, la versión digital ya está disponible en Estados Unidos y no tardará demasiado en estarlo en España. Así que, al igual que esas salas, yo voy a tomarme la licencia de hablar acerca de una de las películas de lo que llevamos de año, un biopic que no ha tenido miedo de mirar a la cara B de la fantasía y narrar la vida de una estrella desde la sinceridad más absoluta.

Así se nos definía la película incluso antes de su estreno, como una fantasía basada en hechos reales. Y es que la vida de Elton John bien podría definirse con esta palabra, tan abstracta y cargada de significado a la vez. El pequeño Reginald Dwight no habría creído jamás que su versión adulta acabaría actuando delante de miles de personas vestida de pollo multicolor. Pero lo hizo. Fue quien quiso ser sobre el escenario, aunque esto no le otorgara la felicidad que, en un principio, se supone que debería acompañar a toda fantasía.

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‘Rocketman’, protagonizada por Taron Egerton, Jamie Bell y Richard Madden, nos introduce en un interesante viaje en el tiempo, que comienza en la niñez de Reginald y finaliza en el momento en el que Elton John reconcilia al ídolo con la persona. Un viaje en el que la música es la gran protagonista, la conductora de todo, pero también lo son los prejuicios, los miedos, el amor en todas sus formas, los fantasmas del pasado, la soledad, los sueños…

Así, fans y no fans, conocemos la vida de uno de los cantantes más importantes de la música moderna, una figura que ha ido más allá del mundo artístico y ha terminado siendo también un icono

dentro de la comunidad LGTB, a la que siempre ha tenido presente a través de todo tipo de actividades y proyectos. Al igual que otros muchos, sir Elton John ha hecho uso de su posición y de su fama para dar voz a una comunidad perseguida, a la que ayuda y apoya desde hace muchos años, algo que también aparece reflejado en la película.

Un recorrido sincero Así podríamos definir ese repaso a la vida de Elton John que hace ‘Rocketman’. En él no sólo se nos muestran algunos de los episodios más duros que el cantante ha tenido que vivir dentro y fuera de los escenarios, sino

que no se dulcifica ni mitifica su imagen. Conocemos a la persona que hay detrás el ídolo, con sus virtudes y sus defectos, con los muros que él mismo se construyó y con sus miedos, así como con sus muchas contradicciones.

Pese a que el propio Elton John está detrás de la película, como produc-

Interpretaciones exquisitas

tor, no ha buscado lavar su imagen. Simplemente ha querido repasar su existencia, atreviéndose a mostrarnos episodios de la misma que no habían salido nunca a la luz y que le hacen mucho más humano, aunque sea quizá en el peor sentido de la palabra.

Porque estamos acostumbrados a idealizar

a los artistas, a creer que son seres perfectos, cuyas vidas también lo son y que no conocen la tristeza, la oscuridad o la desgracia. ‘Rocketman’ nos enfrenta a una realidad que hemos elegido ignorar durante mucho tiempo, igualándonos a los mitos, representados en la figura de Elton John, a quien miramos directamente a los ojos.

Más allá de la sinceridad de la película, lo que la hace mucho mas creíble y auténtica son las interpretaciones de sus protagonistas, empezando por Taron Egerton. El británico no tenía una tarea sencilla. La línea entre la interpretación y la imitación, en un caso como el de Elton John, es muy fina, pero este joven actor ha sabido mantenerse en el límite, rozando la perfección. Por momentos, creemos estar viendo al cantante, sobre todo a través de ciertos gestos que Egerton incorporó con maestría, de una manera muy natural y que en ningún momento parecían forzados, lo cual habría restado credibili-

dad a su trabajo.

Además, el también protagonista de ‘Kingsman’ pone voz a las canciones que escuchamos en la película, con un gusto exquisito que hace que, una vez finalizado el visionado, nos planteemos si no estará pensando en dar comienzo a una carrera musical. Los más cinéfilos, que ya le habían echado el ojo, sabían que cantaba y que no lo hacía nada mal, pero pese a ello ha logrado sorprender a todos.

Mención especial merece también la delicada interpretación de Jamie Bell, que da vida a Bernie Taupin, la otra mitad del mito, aunque para muchos sea un desconocido.

Las letras que llevamos años escuchando en la

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voz de Elton John son suyas y él siempre ha sido una parte fundamental de la vida del cantante y de la persona. Algo que vemos perfectamente reflejado en la pantalla, no sólo a través de la propia historia, sino también de la conexión que Bell y Egerton han sabido crear.

Brillo en los ojos, emoción contenida y un cariño que es palpable, por complicado que parezca.

Ambos rebosan sensibilidad y dan un toque otra de humanidad a un biopic que no cae en el sentimentalismo, pero sabe jugar con nuestras emociones a través de las de sus protagonistas.

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Visibilización y oscuridad Más allá de emociones, ‘Rocketman’ visibiliza la realidad de muchas personas, famosas o anónimas, que se ven engullidas por la oscuridad. En la película vemos cómo Elton John cae en las terribles redes de la droga, así como en las manos de una profunda depresión que le lleva de vuelta a estas sustancias (y a otras adicciones, véase comida, sexo…).

Un bucle autodestructivo que en ningún momento se edulcora. Se muestra tal y como es, con explicaciones incluidas que nos hablan de soledad y de rechazo. Una parte que pocos conocían.

Y es que tendemos a pensar en las personas drogodependientes como juerguistas, disfrutones que sólo quieren llevar su placer a un nivel más alto. Sin embargo, detrás de una gran mayoría se encuentra una cara oscura, dominada por un dolor que es precisamente el que les lleva a consumir.

‘Rocketman’ nos muestra esta realidad y nos invita a pensar en ella, como también lo hace con otra faceta del propio Elton John. El cantante llegó incluso a luchar contra sí mismo y contra su orientación sexual, manteniendo relaciones con mujeres y llegando a casarse con una, en un acto egoísta que él mismo critica en ‘Rocketman’.

Hasta que, finalmente, optó por quererse y aceptarse, cambiando su vida y luchando por cambiar las de resto a través de diferentes iniciativas que él mismo ha llevado a cabo desde entonces.

Esto también aparece reflejado en la cinta, sin buscar el morbo o la lágrima fácil, simplemente plasmando la realidad de una comunidad que se ha visto y se ve oprimida continuamente. Con escena de sexo -repito, sin morbo- incluida, la de Dexter Fletcher es una película valiente y con un realismo que merece continuas menciones y aplausos.

Más que un biopic musical Con todo lo anteriormente mencionado, queda bastante claro que estamos ante algo mucho más profundo que un simple biopic musical. ‘Rocketman’ es la historia de Elton John y de su música, sí, pero también es la historia de otras muchas personas que se sentirán identificadas con él en ciertos momentos de su vida. Una película que emociona y divierte, pero que también deja un importante poso en el espectador, al que invita a reflexionar acerca de las cloacas de la industria musical, la soledad y el ser humano y los muchos prejuicios que siguen destrozando vidas.

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LUGARES DE PELÍCULA

la Nueva Z 'El Señor de por Judith Torquemada

Zelanda de e los Anillos' MEW - 45

Recorremos Nueva Zelanda de la mano de Peter Jackson y el equipo de 'El Señor de los Anillos', que eligió este bello país para dar vida cinematográfica a la obra de

Tolkien.

'El Señor de los Anillos' cobró vida de forma definitiva en Nueva Zelanda. La gran obra escrita por J.R.R. Tolkien fue suficientemente poderosa en papel como para atrapar a millones de personas, pero da la sensación de que cuando Peter Jackson la abrazó y se la llevó a su tierra fue cuando el imaginario del escritor tomó un sentido completo para el público. Ya no teníamos que imaginarnos a la Compañía por las montañas escabrosas descritas por Tolkien: las estábamos viendo. En Nueva Zelanda se grabó la trilogía de 'El Señor de los Anillos', y también la trilogía de 'El Hobbit'; Amazon Studios ha vuelto a apostar por el país en la ficción que ya se encuentra preparando en estas tierras.

Nueva Zelanda es un país de ensueño para los amantes de la naturaleza. Costas que invitan al paseo eterno, llanuras interminables, montes y montañas de todas las formas y tamaños, volcanes, bosques subtropicales, ríos de agua cristalina, hasta glaciares. ¿Cómo no iba a tomar forma cinematográfica en este país una obra que confía buena parte de su poder de atracción en los escenarios mágicos? Peter Jackson se la recorrió de norte a sur en busca de estos escenarios, y eso es lo que vamos a hacer nosotros.

Comenzando por Isla Norte. Parece que el equipo de la próxima serie de Amazon se ha asentado en estos primeros pasos de producción en Aukland, como ya sucedió en su día. Se trata de una de las principales

ciudades de Nueva Zelanda y desde ella podemos visitar el primero de los escenarios imprescindibles: Hobbiton. En las verdes, ondulantes y acogedoras colinas de Matamata se extiende un parque temático donde podemos pasear entre las casas de los hobbits, tomarnos una pinta en la posada The Green Dragon o recorrer varios senderos que nos transportan directamente al hogar de Frodo, Sam y compañía.

Siguiendo nuestro camino al sur, tendemos que detenernos largo y tendido en Tongariro National Park, el parque nacional más antiguo de Nueva Zelanda, con casi 80.000 hectáreas. Rodea los volcanes de Tongariro, Ngauruhoe y Ruapehu; el segundo, con su forma cónica, se usó para representar el Monte del Destino, la Montaña de Fuego, y el tercero se tomó para dar imagen a las Emyn Muil, «las colinas del espanto».

Visitando este parque nacional, con sus tres volcanes situados a más 2000 metros de altitud, estaremos visitando Mordor. Es una zona de contrastes, donde la niebla es habitual y donde se atraviesan ríos de lava.

Los tres volcanes están activos.

Aterrizamos ahora en un parque regional: Kaitoke Regional Park, a una hora de Wellington. En este precioso parque se recrearon varias de las escenas que tienen lugar en Rivendel (aunque no hay que olvidar que muchos escenarios nacen del ordenador), y se entiende con la primera exploración: bosques impresionantes, ríos de agua cristalina, árboles antiguos, luz natural constante... Y esa clase de serenidad mágica que desprenden y buscamos en los elfos. Tiene 2500 hectáreas, una fauna y una flora muy interesantes, y además se pueden practicar diversas actividades, desde el lado en los lugares indicados para ello hasta una aventura en kayak por los bosques. Hay que tener cuidado con los rápidos, eso sí, o la escena de los barriles en 'La desolación de Smaug' nos parecerá una broma.

A las afueras de Wellington, otra de las grandes ciudades del país, mencionada líneas más arriba, encontraremos el Monte Victoria, cuyas áreas de bosque de montaña vimos en 'La comunidad del anillo': por ellas corrieron los hobbits huyendo de los Nazgûl.

Del sur de la Isla Norte pasamos a la Isla Sur. Y de un monte pasamos a otro monte: el Monte Sunday, que en nuestra trilogía de 'El Señor de los

Anillos' es Edoras, la principal ciudad del pueblo de Rohan. En esta región se montó un escenario para la ocasión, y del universo de Tolkien? Varias escenas en Ithilien, Isengard se empleó este impresionante paisaje neozelandés para capturar la esencia de uno de y Lothlorien. los pueblos más apreciados por los seguidores También cerca de Queenstown nos encontraremos todo de la obra de Tolkien. lo cerca que podemos estar de los Argonath, las colosales La gran batalla de los Campos del Pelennor fue estatuas de Isildur y Anárion, conocidas como «los Pilares de los Reyes». El cañón del Río Kawarau sirvió como escerodada en Twizel, aprovechando los infinitos nario natural para estos Pilares, añadidos posteriormente campos verdes, que llegan hasta las faldas de por ordenador. las montañas que rodean las llanuras. Algunas de las localizaciones que encontramos en esta zona son propiedad privada, pero pueden visitarse gracias a los tours que se encuentran por todo el país.

Por último, los lagos Mavora. Mavora Norte y Mavora Sur. Naturaleza en estado puro, de nuevo. En este lugar, que invita a la tranquilidad y también a otro paseo eterno, se Cerca de Queenstown, siguiendo nuestro rodaron varias escenas, aprovechando las orillas de los recorrido hacia el sur, encontramos cumbres propios lagos y también los bosques de la zona. Así, remenevadas y montañas escarpadas. Son las Remarkables, una cadena montañosa que confor- moramos junto a sus aguas la despedida de la Compañía ma uno de los lugares más bellos y remarcables de Galadriel y los elfos de Lothlorien, y también el bosque del planeta. Está situada en la costa sureste del de Fangorn, el bosque de los Ent. Lago Wakatipu, en cuyas aguas se reflejan la nieve de las montañas. ¿Qué encontramos aquí Parece que solo en Nueva Zelanda podría haber sido posible.

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MÚSICA CINÉFILO ,

MÚSICA , CINÉFILO por Jud

ith Torq

uemada

'Bella's Lullaby' - Carter Burwell

No estoy aquí para de-

fender ningún team de la

Saga Crepúsculo porque

no quiero crear discrepan-

cia entre nuestros lectores

(incluso aunque los que sois team Jacob no tengáis muy buen gusto), estoy aquí para realzar el poder del único team que ha conseguido

que todos nos pongamos de

acuerdo: la banda sonora.

Qué buena es la banda sonora de esta saga.

Empezaré por poner de manifiesto que gracias a Crepúsculo fueron millones las personas que de repente podían reconocer ese 'Clair de Lune', una preciosa obra de Claude Debussy compuesta a finales del siglo XIX. Quizá no lo hayáis pensado nunca, pero es increíble que esto sucediera. Me sigue asombrando que de la noche a la mañana adolescentes que no tenían ni la menor idea de quién era Debussy (me incluyo) reconocieran ese Claro de Luna con una sola nota. Y

eso, desde luego, fue culpa de 'Crepúsculo'. Es la primera canción que asocio a Bella y Edward.

La segunda es 'River Flows In You', de Yiruma.

Deteneos aquí y tomaos tres minutos para volver a escuchar su preciosa melodía, quizá muchos años después de lo que lo hicisteis por primera vez.

Escucharla ahora, para mí, significa retroceder diez años en el tiempo y conectar de nuevo, por completo, con esta historia propuesta por Stephenie Meyer que tanto hizo soñar a tantas personas.

Me confieso muy fan de 'Crepúsculo'. Lo fui siempre y lo sigo siendo a día de hoy.

que pensé que estaban sintiendo la primera vez que leí los libros y lo hubiera convertido en canción. Esta es, debería ser, la canción oficial de esta saga, porque en ella está bien resumido todo. «I've loved you for a thousand years, I'll love you for a thousand more». Siento hasta escalofríos.

Y si no habéis sentido vosotros escalofríos escuchando 'Possibility', de Lykke Li, mientras recordabais cómo Bella veía pasar las estaciones sin Edward, entonces es que a lo mejor no tenéis corazón.

Me gustó tanto en su día que fue mi tono de despertador durante meses, hasta que comprendí que si seguía usándola para despertarme a las siete de la mañana perdería todo el encanto que tiene esta canción. Es un tema precioso, que también convierte con mucho acierto esta historia de amor en canción.

Pero basta de ponernos melancólicos. Hablemos de 'Decode', de Paramore, esa banda de rock alternativo que también fue protagonista de aquellos años. Y sobre todo hablemos de 'Supermassive Black Hole', de la 'A Thousand Years' fue el adrenalina que se sigue tema principal de 'Ama- experimentando al esnecer Parte II', y es tan cuchar esta canción. Sus Creo que 'A Thousand bonita, ¡tanto!, que ha he- primeras notas te activan, Years' es la canción que cho que nos olvidemos un y a mí me hacen sonreír. mejor podría explicar poco de 'Turning Page', He revisionado muchas que esto sea así, porque de Sleeping At Last, que veces 'Crepúsculo' desde Christina Perri le canta formó parte de la primera 2008, y la escena a la que de forma perfecta al amor parte de la adaptación de pone música esta canción de Bella y Edward. Como 'Amanecer'. Yo no me ol- -por supuesto, la escena si hubiera cogido todo lo vido, ni mucho ni un poco. del partido de béisbol- es MEW - 49

una de las que más espero, una de las que más disfruto, una de las que me recuerdan por qué estuve tan dentro de este fenómeno. Y el poder de la música es aquí muy evidente: siempre que pienso en ella, la voz de Matt Bellamy me acompaña de manera inevitable.

Además, otras canciones que no se popularizaron tanto, que las siento más como un recuerdo personal y que son fantásticas: 'Leave Out All The Rest', de Linkin Park, 'I Didn't Mean It', de The Belle Brigade, o 'From Now On', de The Features, que puso música a los idílicos días que Edward y Bella pasaron en Isla Esme antes de... bueno, ya sabéis, antes de todo lo que vino luego.

Otras grandes personalidades musicales pasaron por la banda sonora de la saga: desde Bruno Mars con su preciosa 'It Will Rain' (suena un poquito cuando, en 'Amanecer', Edward y Bella se despiden para irse de luna de miel) o Florence + The Machine con 'Heavy In Your Arms'. Este último dato siempre me ha puesto muy contenta, no sé bien por qué.

Y no, no me he olvidado de 'Bella's Lullaby', la nana de Bella, de Carter Burwell. Quería nombrarla en último lugar, para que lo siguiente que hagáis tras terminar de leer estas líneas sea escucharla. Y pensar en Edward tocando el piano para Bella, en los primeros compases de una historia que, guste o no, es universal e inolvidable.

' Supermassive Black Hole' - Muse

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LA MUJER EN EL CINE

Alice Waddington

TEXTO Y ENTREVISTA: JUDITH TORQUEMADA

Alice Waddington, con su 'Paradise Hills' de la mano, es la protagonista perfecta para inaugurar esta sección que busca visibilizar el trabajo de las mujeres delante y detras las cámaras. Queremos hablar de películas dirigidas por mujeres, escritas por mujeres, producidas por mujeres, protagonizadas por mujeres. Queremos hablar del trabajo de la mujer en el cine. Queremos hablar de obstáculos e injusticias, pero sobre todo queremos hablar de trabajos bien hechos, de grandes ideas y de proyectos que nos entusiasman. Por eso 'Paradise Hills' es la película perfecta para empezar; por eso Alice Waddington es la protagonista perfecta para empezar.

'Paradise Hills', que verá la luz en los próximos meses en EspaÑa, tiene como escenario un internado de lujo al que familias acomodadas mandan a sus hijas para que sean educadas, entrenadas y corregidas para ser mujeres perfectas. Es ciencia ficción y es adolescencia, es entretenimiento y aprendizaje, y de ella hemos charlado con su directora. De este primer gran proyecto, de los que están por venir y del presente de la mujer en el cine. Y del pasado, y del futuro. De lo que nos preocupa y de lo que nos ilusiona. Y ha sido una gran conversación.

MEW Magazine (M.W.): En 'Paradise Hills' viviremos en un internado de lujo al que varias familias acomodadas mandan a sus hijas para que sean entrenadas y educadas para ser mujeres perfectas. ¿De dónde nace esta idea y que es eso de una mu-

A.W.: Las películas son cápsulas del tiempo que reflejan las personas que éramos cuando las hicimos. Antes de que Paradise Hills tuviera luz verde, con 25, yo estaba combinando tres trabajos. Uno en publicidad, otro como fotógrafa a ratos de stock o moda, y otro en tiendas o mercados mayoristas de ropa y comida, según surgiera. Mi madre fue la primera mujer de su familia en acudir a la universidad, vino del campo donde la familia de mis tíos paternos aún trabaja. Y yo nunca pude estudiar en una escuela de cine. Siempre me busqué la vida.

jer perfecta?

Alice Waddington (A.W.): ¡Eso mismo me pregunto yo! En el sentido de que la mujer u hombre perfectos no existen.

Pero si nos fiásemos de la presión de las redes sociales basadas en la imagen, parecería mentira ¿verdad?

A las y los adolescentes, para quien es esta peli, les hemos puesto en la mano una ventana al mundo que les dice que nunca van a ser lo bastante guapos o populares. Que sus cuerpos deben ser contraídos, recortados o rellenados, según el interlocutor y la zona. Que la pareja o los amigos son una forma de hacer negocio cuando la imagen lo es todo.

Pues bien, ‘Paradise Hills’ viene a decirles que no deben cambiar por otras personas, sino encontrar a quienes les aprecien por existir exactamente como les apetezca.

(M.W.): Es tu primer proyecto grande en el mundo del cine, ¿cómo lo abordaste y cómo te sientes ahora, tiempo después, cuando ves concluida tu obra?

miento visual. Es un lugar al que cuando llegamos todo parece ideal, pero que no tarda en revelarse como mucho más oscuro. Igual que los barrios residenciales más bellos de día, son a veces los que parecen estar escondiendo los secretos más terribles de noche.

M.W.: Como cineasta, ¿qué buscas, qué persigues, a la hora de dar vida a una historia y unos personajes concretos?

A.W.: Que, poco a poco y según avance dirigiendo, los personajes se vayan sintiendo cada vez más reales. El conseguir mostrar en pantalla emociones o Así que cuando vi Paradise Hills ter- sensaciones que pensásemos eran sólo minada con seiscientas personas en en nuestras y que por ellos nos avergonfestival de Sundance… que va a sonar zaban. a cliché tremendo, pero con el bullying que me hacían en el cole por friki ade- Para nuestra película, en Emma Roberts encontré la valentía y el arromás… jo que necesita toda protagonista de Era todo tan improbable, que no podía aventuras. En Eiza González, la pasión de un personaje romántico. En Milla parar de llorar.

Jovovich, el placer de interpretar de Porque aunque no sea una pelícu- forma desatada. En Awkwafina, el mala perfecta, es el resultado de muchos ravilloso potencial para el drama de años de cabezonería y amor por el cine alguien que hasta entonces sólo había de ciencia ficción y fantasía. ‘El Abo- rodado comedia. En Danielle McDominable Doctor Phibes’, ‘La Fuga de nald, las habilidades camaleónicas desLogan’, ‘El Prisionero’, ‘Noches Rojas’ o de para la comedia ligera -nunca a su ‘Dentro del Laberinto’ son influencias costa- hasta las secuencias de acción. que otras personas pueden considerar En fin, que cada una llegó de casa con muy juveniles, pero que a mí me salva- su don bajo el brazo. ron la vida.

M.W.: Tras 'Paradise Hills', ¿te encuenM.W.: Sin revelar demasiado, ¿qué has tras trabajando en otro proyecto? ¿Dónquerido contar al espectador y que en- de vamos a poder verte próximamente? contraremos de ese paraíso que anuncia A.W.: Estoy trabajando con la guionisel título? ta Kristen SaBerre en ‘Scarlet’, película A.W.: ‘Paradise Hills’ es una residencia “queer” histórica producida por Mia la que familias acomodadas de todo chael Costigan (‘Inocencia Interrumel mundo mandan a sus hijas para re- pida’, ‘Stoker’, ‘A Bigger Splash’) y Roxie formarlas según ese ideal del que ha- Rodríguez (‘Before Midnight’) para blábamos: para algunas es físico, para Aggregate Films. otras mental, para otras sexual… la residencia promete resultados ideales Y también en una serie de fantasía de en corto tiempo, pero nadie sabe cómo una autora femenina estadounidense lo consiguen. Y las protagonistas van a ¡cuyo nombre aún no puedo anunciar! rebelarse contra esa idea.

En ambos proyectos deseo colaboLa película es pura evasión y entreteni- rar con jefes de equipo españoles. Sin

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ir más lejos, el trabajo de Alberto Valcárcel y Laia Colet en diseño de vestuario y de arte en ‘Paradise Hills’, respectivamente; es maravilloso, inspirados por desde ‘Picnic en Hanging Rock’ hasta los videojuegos de la saga ‘Final Fantasy’.

senta por ciento de las decisiones de consumo de cine: démosles algo por lo que interesarse y en que se vean reflejadas.

M.W.: ¿Cómo, cuándo, se podrá alcanzar esta igualdad detrás de las cámaras? ¿Dónde ves a la mujer cineasM.W.: No es sencillo encontrar muje- ta en 10 años? res detrás de las cámaras en el mundo del cine, ya no hablemos en ceremo- A.W.: Espero que trabajando en tonias de premios. Desde fuera, cuando dos los géneros cinematográficos uno comprende esto, siente impoten- por igual— ya sean estos las antes cia, rabia y algo de desconcierto. Me mencionadas fantasía, horror, terror, sale preguntarte dónde comienza el ciencia ficción… o las narrativas problema. ¿Por qué hay tan pocas dramáticas que queramos realizar. mujeres? ¿Dónde encuentras tú el Que veamos más películas de por problema? ejemplo acción o superhéroes dirigidas, escritas o producidas por mujeA.W.: Es una mezcla entre desdén es- res— en colaboración con hombres, tructural contra el empuje del punto ya que los equipos de cine integran a de vista creativo femenino y cierto cientos de personas. desarrollo educativo del complejo de impostora. Recuerdo cómo de niña La belleza del asunto es que realmenescribía unos poemas llenos de ra- te hay espacio para todo el mundo, y bia, y al leérselos a mis padres o ami- podemos trabajar mano a mano. gos, decía que eran de otra persona por vergüenza de haber creado algo M.W.: Por último, ¿nos recomiendas un poco disruptivo. alguna película dirigida por una mujer que te apasione?

Este es un sentimiento que, sin examinar, existe toda la vida. Yo puedo A.W.: Por supuesto: ‘El piano’ (1993), hablar del cine de terror y ciencia la Palma de Oro neozelandesa escrificción: el deseo de expresión de las ta y dirigida por Jane Campion sobre sensaciones más intensas que acom- una relación madre-hija mediada pañan a la tristeza, la rabia, el due- por el arte y la opresión. ‘The Love lo… es algo que no tiene género. El Witch’ (2016), de Anna Biller, draobstáculo es institucional y social; media -aparentemente- ambientada sobre la visión de la autora femenina en los 60 sobre una bruja que quiere como ajena a la posibilidad del genio encontrar el amor, pero de la manera trascendente e incuestionable. lo más complicada posible. Y ‘Belle’ (2014) de Ama Asante, la historia de M.W.: ¿Cómo debe abordarse la una mujer negra en el mundo blanco desigualdad detrás de las cámaras? del siglo XVIII en Inglaterra. ¿Cómo debemos hablar de ello para que se convierta en algo a lo que prestar atención real?

A.W.: Es tan sencillo y a la vez duro como hablar desde el punto de vista capitalista, desde el lenguaje de quienes manejan la financiación. A veces, es la única manera de ser escuchado/ as. Y es que las mujeres toman el se54 - www.mewmagazine.es

© The Wrap

MW | PORTADA

Noelia Franco FOTOGRAFÍAS | ANA MÁRKEZ ENTREVISTA Y TEXTO | P. GUERGUÉ

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“Nada más salió “En Ruinas” me puse a llorar” Cuando se sale de un formato televisivo tan potente como ha sido y es OT, la responsabilidad que generamos a sus protagonistas llega a cortar el aliento. La perfección a la que están sometidos sería algo inviable para el resto de mortales.

Eso sí, no somos conscientes, aunque no nos hace impunes. Por ese motivo deberíamos bajar el acelerador y degustar lentamente cada propuesta musical que quieren ofrecernos. Porque el comienzo de una historia no es el inicio del todo.

Porque los pasos que se van dando deben irse ajustando. Y la empatía debería ser nuestra bandera por excelencia.

Hace escasas horas hemos tenido la oportunidad de pasar unos cuantos minutos con Noelia Franco. Es perfeccionista, hasta la extenuación. Siempre pendiente de poder ofrecer lo mejor de sí misma.

Adora la música y es consciente de que esto es solo el primer paso de todos aquellos que se deben dar. Y que la paciencia debe ser su mejor aliada. Y la confianza en sí misma. “En Ruinas” es su primer single en solitario. Un tema que de primeras no era el claro ganador pero que ha degustado como en una buena cata de vino, mimándolo, acariciándolo, hasta fusionarse completamente.

MEW Magazine (MW):¿Cómo están siendo tus sensaciones después de lanzar tu primer single?

Noelia (N.): Muy buena, la verdad es que me están llegando muchas cosas positivas. Y mucho cariño de 60 - www.mewmagazine.es

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la gente.

MW: ¿Cómo ha sido vivir el proceso de crecimiento de “En Ruinas”?

N.: Fue intenso porque no solo solamente hicimos “En Ruinas” sino que también hicimos un montón de temas más. Cuando lo hicimos lo presentamos con el resto de temas. Y me dijeron, yo veo bien que saques este. Y entonces fue como volver a reconstruirlo porque me lo llevé a mi terreno y fue como venga ahora voy a escribir yo la historia desde mi perspectiva. Y ahí empecé a escribirla entera otra vez. Fue un poco como de introspección. Fue intenso.

MW: ¿Tú también creías que “En Ruinas” tenía que ser el single?

N.: No (Risas). Realmente no sabía cuál tenía que ser el single. Estaba...no tenía ni idea. Teníamos tantos y me parecían buenos...teníamos unos más soul, otros más estilo Destiny's Child, otros más movidos... Y de repente cogemos el que es más at tempo, más pop. Pero luego como la historia es una historia bastante personal y que me atraía mucho contar, dije, vale, está bien.

MW: ¿Es complicado descartar?

N.: Sí. Es complicado. Yo lo comparo mucho como tener que elegir entre mamá o papá. Es que tú eres igual de bueno que este, ¿por qué no puedo...? (Risas). Fue un poco extraño. Pero qué remedio, tocó elegir una. De hecho le escribo mucho a los productores con los que trabajé porque creamos una amistad y les escribo mucho diciéndoles, oye que este tema no lo tires que vamos a desarrollarlo. Por favor no lo vayas a descartar de ninguna parte (Risas). De hecho ayer le escribí a uno de ellos.

MW: ¿Cuánto de perfeccionista ha sido con “En Ruinas”? ¿Te han tenido que arrastrar del estudio hasta fuera para decirte “ya está Noelia”?

N.: (Risas). Un montón. Jacobo Calderón acabo de mí hasta aquí. Una vez entramos al estudio a las once de la mañana y el me dijo a las ocho de la tarde estamos fuera y yo fue como, bueno... Y eran las diez y media o once de la noche y el estaba ya haciendo la producción y estaba como en plan, “Noelia termina ya, callate ya” (Risas). Yo me angustio un montón. Era como el giro no me gusta, quiero repetirlo otra vez, este sonido quítalo y ponme el otro... Y él estaba todo el rato “vamonos ya, se acabó”... Y cuando ya estaba el tema completo, me lo iba enviando, y yo siempre le de-

“la historia es una historia bastante personal y que me atraía mucho contar.”

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cía “¿Esto qué es? Esto no me gusta” y el “pero si está bien”. Estaba todo el rato buscando lo más mínimo.

MW: Y cuando por fin tienes el tema tal y como va a salir al público, ¿qué sentiste?

N.: Estaba sola en mi casa y ya no sabía cómo contar las horas para que saliera el single. Y nada mas que salió me puse a llorar, como un niño chico. Pero de alegría. Era una cosa muy rara. Y yo, será lo que se siente como cuando se da a luz... Y estaba todo el rato llorando. Estaba completamente sola porque no estaba ni mi perro. Súper emocionante.

MW: Cuando se viene de un formato de televisión con tanta potencia cara a público, ¿se siente una más responsable cuando tiene que sacar un single a ese público que te ha seguido desde el primer minuto?

N.: Sí, yo creo que sí porque claro yo, por ejemplo, en la academia decía me encanta el Gospel, me encanta el Soul... es real porque es lo que escucho, que escucho de todo porque soy melómana, pero luego o te arriesgas con ser lo que tu misma has dicho que eres o te arriesgas por otra parte... A mí es que no me nacía hacer otra cosa. Me nacía salir con un tema que fuese mas o menos Soul. Este tema pues ha sido un poco más tirando al pop pero por lo menos suena a fuera y fue lo que me llamó. Pero es verdad que es complicado. Más que nada también por decepcionarme a mí misma.

MW: Y cuando llega el momento de preparar el videoclip, ¿sabías como querías plantearlo?

N.: Sí, bueno, eso fue una bomba. Te juro que mi mente...yo no se que me pasa. Porque cuando escuché el single, yo nunca suelo soñar nada, o por lo menos no me acuerdo. Y de repente fue escuchar como estaba el single terminado y no paraba de soñar con imágenes griegas. Todo el rato. Y yo decía qué me pasa si yo no he soñado esto en mi vida. Era estrambótico a más no poder.

MW: ¿Cómo se asimila la primera actuación en directo con tu primer single?

N.: Yo no lo asimilaba. Lo canté en el Canal Fiesta, fue la última vez que lo he cantado y la primera y estaba allí antes de cantar, que encima abría el show, y estaba atacada y le decía a mis compañeros, “voy a llorar ya”. Y cuando salí todo el mundo se sabía la canción, pero de pe a pa. Miraba a la cara de la gente que había un niño en primera fila llorando que me daban ganas de saltar y darle un abrazo. Se la sabía entera. Era sobrecogedor. Me daban ganas de callarme y decir,

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por favor, cantármela ustedes a mí. Me hubiera encantado hacer eso.

MW: ¿La música es una carrera de paciencia?

N.: Sí, yo creo que sí, es de paciencia porque considero que es una carrera a largo plazo. Es una carrera de fondo. Y si no tienes paciencia...tienes carrera de quién llega antes. Yo quiero vivir de esto, si tengo suerte, hasta que me muera por lo menos.

MW: ¿Qué te da la música que nada más lo hace?

N.: La música te da y te quita muchas cosas. Creo que es una de las profesiones más complicadas que puede haber. Te da mucho, te da muchísimo. Te da mucha felicidad. Te da muchas emociones. Te llena mucho a nivel emocional pero también nivel de crecimiento personal.

Te da la oportunidad de viajar un montón, de conocer a mucha gente pero también te quita que te separa mucho de tu tierra, de la gente que tú quieres, de tu familia... Uno por otro, es lo que hay.

MW: Y para terminar, ¿qué te gustaría a ti darle a la música?

N.: Me gustaría darle lo mismo que me da a mí, mucha vida.

Y que remueva siempre algo en alguien. Lo importante es que la gente se emocione.

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“Me daban ganas de callarme y decir, por favor, cantármela ustedes a mí .” í.

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Paula Usero & CAROL ROVIRA FOTOGRAFÍA ANA

MÁRKEZ /

ENTREVISTA P.

GUERGUÉ

“No se puede entender que haya gente que viva con miedo de contar lo que es.”

Nueva temporada de “Amar es para siempre”. Nuevos personajes, nuevas tramas, nueva época. Pero lo que no cambiará será la necesidad de ver y seguir descubriendo la historia de amor entre Luisita y Amelia. Ambos personajes han conquistado a gran parte del público que sigue esta serie diaria. Y ha llamado la atención de otro que, desde hace años, se siente olvidada y apartada.

Y es que la historia de amor de Luisita y Amelia ha abierto la caja de pandora. La necesidad que existe en una parte concreta del colectivo LGTBI de no ser invisibles. La necesidad que existe entre las mujeres lesbianas de tener una visibilidad natural y respetuosa en lo que la ficción se refiere. Porque como bien dijo Natasha Negovanlis (actriz canadiense) a este respecto, si no contamos historias de mujeres que se aman, indirectamente te están diciendo que eso está mal, que no existe y que no debería existir.

Hemos podido hablar de esto y de lo que viene, en esta nueva temporada, con Paula Usero y Carol Rovira.

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cortesía de Antena 3

MEW Magazine (MW): ¿Con qué nos vais a sorprender en esta nueva temporada?

Paula Usero (P.U.): En esta nueva temporada los personajes se debaten entre si conseguir su sueños o mantener unida a la pareja por encima de todo. Vamos a empezar a contar la historia desde un lugar que no es la Plaza de los Frutos y eso también les va a provocar como un debate interno.

Carol Rovira (C.R.): El contexto donde empezamos es esencial para desarrollar la trama después.

Ellas están juntas pero luego se debaten entre realizarse a nivel profesional y permanecer juntas a costa de no poder cumplir sus sueños.

P.U.: Desde el principio pasan cosas muy fuertes.

C.R.: Mucha lágrima, mucha lágrima.

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P.U.: Sí, eso también.

nada que de repente tanta gente se pusiese de nuestro lado. Y que nos animasen tanto y nos quisiesen como lo hacen.

C.R.: Pero bueno será muy real. Al final no todo es bonito, de color rosa, y esta relación pues tampoco.

C.R.: Es una pasada. Es una pasada Vamos a intentar huir de tópicos que haya traspasado fronteras y y de la típica historia de amor de el apoyo que sientes de la gente. todo bonito porque no es así.

Porque se identifican al final. Es un acto de identificación. Dices yo P.U.: Y mucho menos para ellas también he vivido, estoy viviendo por la relación homosexual en el o sé que, en algún momento, me 77. tocará vivir eso. Y eso es maravilloso poder encarnar. Y para nada MW: Cuando os llega la trama teníamos pensado que esto podría de Luisita y Amelia, ¿teniais en pasar. Creo que la clave ha sido mente que esta historia iba a tratarlo como algo normal. Es algo crecer tanto como está creciencomo muy básico pero es que es do? verdad. A nosotras nos dieron una P.U.: Ni de coña. No. pincelada de va a pasar eso pero no lo avancéis porque lo quereMW: ¿Y como se vive eso? mos tratar como algo muy natuP.U.: Cuando creamos la historia, cuando creamos a Luisita y Amelia ral. Muy poco a poco. A su ritmo.

Lógico y como sería otra pareja. juntas, lo creamos desde el resSiendo amigas y poco a poco se peto y desde intentar visibilizar el colectivo y las parejas homosexua- van enamorando. Ahí fue la clave. les. Y yo no me esperaba para

P.U.: Que no nos precipitamos.

Y que no quisimos ir al turrón.

(Risas).

lo que hay que hacer es tratarlo con normalidad. Querer a la gente tal y como es.

MW: ¿Os ha impactado la necesidad que hay de visibilización entre las mujeres lesbianas?

P.U.: Sí, de hecho es que se me acaban de poner los pelos de punta.

C.R.: Nos sorprende cada día, cada mensaje que recibimos. Es como hasta vergonzoso, ¿no? Que todavía pase eso. Yo siempre digo que no tendría que haber tema.

Tendría que algo tan...me gusta el chocolate, me gusta la pizza, pues me gustan los hombres o me gustan las mujeres. ¿Qué importancia tiene? Y la falta de confianza de la gente pues hace que tengas que apuntar al de al lado. Es así para mí. Porque no tiene ninguna explicación.

C.R.: Sí, a mí también.

P.U.: Es que no se puede entender. No se puede entender que haya gente que viva con miedo de contar lo que es. Y, peor aún, que haya gente que las juzgue por ser como son y ser quienes son. O sea, me parece que tenemos todavía un camino muy largo por hacer como sociedad y como país. Creo que es necesario que en una serie diaria, que la ven un millon y medio de personas al día, en diferido dos millones, nos enseñen y nos cuenten que eso es normal. Y que

P.U.: Bueno, ignorancia en realidad.

P.U.: Yo creo que Amelia es el amor de su vida. Es la persona que le ha hecho darse cuenta de que el amor está por encima de todo, de hombres y de mujeres. Que simplemente hay que querer a las personas. Creo que ha despertado a una Luisita mucho más madura y mucho más de verdad.

C.R.: Luisita para Amelia, aparte de ser la mujer de su vida, que lo siente y la ama, le ha despertado la parte más alegre. Amelia viene de una familia muy desestructurada, muy oscura. Yo siempre me imaginaba su casa como muy fúnebre.

Y, en cambio, Luisita es pura luz. Le ha ayudado a cumplir sus sueños, a seguir adelante y tener fuerza.

Confiar en ella misma.

MW: Y para terminar, si Luisita tuviese que describir lo que ha significado Amelia para ella en una frase, ¿cómo la describiría?

Y viceversa...

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El personaje!!

Polo El gran tapado de 'Elite' por Rosa Suria Tras el estreno de la segunda temporada de ‘Élite’, Polo se ha terminado de confirmar como uno de los personajes más interesantes de la serie.

Era complicado fijarse en él durante la primera temporada.

Las Encinas, colegio en el que se centra la mayor parte de la acción en ‘Élite’, está habitado por personajes tan variopintos y extravagantes que el chico bueno termina pasando desapercibido. Por eso, nadie pensó en Polo como asesino de Marina, ni siquiera se nos pasó por la cabeza que ese joven de grandes e inocentes ojos azules fuera capaz de hacer daño a algún ser vivo.

Capítulo a capítulo, fuimos descubriendo algo más de él, pero sin entrar en demasiado detalle.

Algún que otro episodio de celos, un poquito de inseguridad y para de contar. Pero ahora, ya después de haber visto la segunda temporada de la serie, sabemos que detrás de la imagen se esconde mucho más.

La sorpresa fue mayúscula cuando le vimos, o al menos cuando le vi, atacar a Marina trofeo en mano, una sorpresa que no ha dejado de repetirse durante esta segunda temporada, en la que las capas de la cebolla se han ido extrayendo una a una, hasta 76 - www.mewmagazine.es

descubrirnos un interior radicalmente opuesto a lo que hemos visto siempre. Ya en los últimos compases de la anterior entrega comprendí que toda la extrava-

con pocas palabras. El personaje interpretado por Álvaro Rico tiene más de una cara, es camaleónico y consigue hacerse incluso con el espectador. Sin saber bien cómo, muchos nos encontramos apreciando a ese personaje y creyendo lo que escuchamos de él, todo después de haber asesinado a Marina. Pero esto tiene una explicación.

El manipulado ahora es manipulador

gancia que le rodeaba me impidió identificar desde un comienzo al personaje más interesante de la serie, probablemente el mejor, algo que he terminado de reconfirmar tras el visionado de los nuevos episodios.

He estudiado a fondo a Polo, atendiendo a todos y cada uno de los detalles de sus escenas, analizando su expresión en diferentes situaciones de estrés, y he llegado a la conclusión de que es prácticamente imposible definirle

Durante la primera temporada, vimos cómo Carla hacía exactamente lo que quería con Polo.

Lo que desde fuera parecía una relación perfecta, idílica, en la que sólo había amor, se terminó confirmando como una de las más tóxicas de la serie. En parte porque los dos personajes se encontraban en puntos diferentes.

Mientras que Polo estaba perdidamente enamorado de Carla y, además, demasiado acostumbrado a tenerla en su vida, ésta buscaba dar un giro y escapar de la monotonía, algo que llegó de la mano de Christian.

“es prácticamente imposible definirle con pocas palabras”

En un principio, parece un situación bastante común, pero el espectador no tarda en darse cuenta de que existe un factor que quizá no esperaba: la manipulación. En todo momento, Carla utiliza a Polo por su bien, especialmente cuando desaparece el dichoso reloj. Juega con él, conociendo sus sentimientos y utilizándolos en su propio beneficio. Es esta manipulación, unida a la certeza de que está perdiendo al que considera el amor de su vida, lo que termina empujándole a una situación límite que termina con el asesinato de Marina.

Ahora, una temporada más tarde, es él mismo el que está haciendo uso de esa manipulación que tanto daño le hizo. El mejor ejemplo lo encontraos en su relación con Cayetana. En un principio, cuando conoce su realidad, creemos que su interés es real, que está sintiendo algo por ella. Pero en el momento en el que todo se desmorona, cuando está a punto de ser detenido y ésta le ofrece su ayuda, algo hace click dentro de él. Los pocos resquicios del Polo bueno e inocente que creímos conocer se esfuman en el instante en el que comprende que puede utilizar a esa chica, que efectivamente siente muchas cosas con él. Y, sin pensarlo dos veces, lo hace.

El manipulado ha pasado a ser manipulador y a colocar en una situación extrema a Cayetana, que ahora tiene en su haber la única prueba del crimen: el arma homicida.

rompiendo moldes Más allá de esta transformación que ha sufrido el personaje, analizándolo desde el inicio de ‘Élite’, también he llegado a la

conclusión de que Polo rompe moldes y prejuicios. Estamos ante un chico de 16 años que no tiene miedo a explorar su sexualidad y que no duda a la hora de admitir su bisexualidad, sin llegar a plantearse en ningún momento que esto pueda ser negativo -un conflicto que sí solemos ver en las series-. Ahora sabemos que él ya era consciente de su bisexualidad desde hacía años, pero no había hablado de ello porque no lo consideraba necesario, no porque tuviera algún tipo de miedo. Primera ruptura de cliché.

El personaje ya está concebido como eso, como un choque contra lo que estamos acostumbrados. Chico joven, rico y guapísimo, pero que no se cree superior en ningún momento. Chico joven, rico y guapísimo, con dos madres, probablemente de las primeras parejas de mujeres en serlo en nuestro país. Chico joven, rico y guapísimo que, al contrario de lo que estamos acostumbrados, no es el chulo del instituto. Y chico joven, rico y guapísimo con tantos fantasmas que nos haría falta una papiro interminable para mencio-

narlos todos.

Desde un primer momento, esa ruptura e moldes le aporta un encanto extra al personaje, sobre todo de cara a los más seriéfilos, que quizá no esperaban encontrarse una perla así dentro de ‘Élite’. Y lo que comienza como ese encanto termina siendo una especie de imán cuando comprendemos todo lo que hay detrás de la fachada, que es mucho.

mil y una caras Como ya he mencionado anteriormente, Polo no solo tiene una cara. De hecho, estoy convencida de que aún no las conocemos todas. A lo largo de la serie hemos conocido a un Polo que lo tiene absolutamente todo controlado, frío y con una capacidad camaleónica que pone los pelos de punta, pero también hemos conocido al Polo que se ve sobrepasado por la ansiedad y que no es capaz de mantener su vida en pie. Junto a ellos, también hemos podido conocer al Polo dulce, generoso y amigo de sus amigos, que aparece cuando menos lo esperas. Y a un Polo violento, que pierde el control sin saberlo y que ni siquiera él mismo sabe de dónde sale.

Lo curioso es que pocas veces sabemos qué Polo estamos viendo.

Durante esta segunda temporada, son varias las veces que

creemos que se va a desmoronar y que, sin embargo, continúa hierático. Y al contrario. El personaje sigue sorprendiendo capítulo a capítulo y sigue siendo un enigma, pese a que ya todos estamos pendientes de él.

Mención aparte merece la interpretación de Álvaro Rico, probablemente la mejor de todo el elenco de ‘Élite’. El actor ha conseguido darle ese tono hermético al personaje cuando es necesario, pero también romperse por completo en algunos de los momentos más angustiosos para el espectador. Este joven, al que conocimos gracias a esta serie de Netflix, ha sabido aportarle un plus al personaje y elevarlo hasta el primer puesto del podio.

demonios y fantasmas Detrás de esas mil caras y de la propia fachada que él mismo ha creado, hay un mundo muy oscuro, repleto de demonios y fantasmas. El propio Polo confiesa en la segunda temporada que lleva toda la vida acudiendo a terapia y que la ansiedad ha sido su fiel -y cruel- compañera desde la niñez.

Sólo quienes saben lo que es convivir con ella o, mejor dicho, sobrevivir a ella, conocen el infierno que recorre el interior de este personaje. En la primera temporada sólo tuvimos una muestra clara de lo que sucedía dentro de él, cuando pierde los nervios y asesina a Marina. Pero en esta nueva entrega han sido muchos los momentos en los que hemos visto cómo sus diques no soportaban más peso y cómo se desmoronaba.

Esta lucha contra la ansiedad, que es una realidad muy cercana y muy ignorada, ha sido uno de los puntos fuertes de la temporada y nos ha permitido cercanos algo más al lado humano de este personaje. Por sorprendente que parezca, a través de estos momentos en los que no sabemos si vemos arrepentimiento o miedo, se crea una empatía única que sólo logran crear los grandes villanos.

Porque, después de mucho pensar y analizar, he llegado a la conclusión de que eso es lo que es Polo. Un gran villano, quizá de los mejores que hemos visto dentro de las series de ‘género’ adolescente. Un villano con mucho que contar, con mucho por descubrir y con un imán en su mirada, que se ha convertido en una de las grandes protagonistas de ‘Élite’.

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¿QUÉ PASARÁ EN L A DÉCIMA TEMPORADA DE 'THE WALKING DEAD'? por Judith Torquemada Tras una buena novena temporada, teorizamos sobre lo que pasará en la décima temporada de 'The Walking Dead', que se estrena el próximo 6 de octubre.

La novena temporada de ‘The Walking Dead‘ fue una temporada repleta de emoción, algo que parecía complicado después del rumbo que estaba tomando la ficción de AMC.

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Sin embargo, tanto el comienzo como su desarrollo, así como su apasionante desenlace, nos mantuvo pegados a la pantalla.

Y este año, más que en otras ocasiones, tenemos ganas de teorizar sobre lo que puede suceder en los próximos compases de esta historia que gira en torno a los zombies, sí, pero sobre todo gira en torno a los seres humanos.

pudimos escuchar por la radio que Eugene está arreglando?

Todo apunta a que se trata de una mujer, por lo que podemos descartar la teoría ampliamente extendida de que esto serviría como excusa para el retorno de Rick Grimes (Andrew Lincoln), algo de lo que hablaremos más adelante.

Esta voz podría pertenecer a Maggie (Lauren Cohan), que LA MISTERIOSA VOZ abandonó las comunidades en La pasada temporada concluyó la temporada pasada (sin hacon un misterio: ¿a quién per- cer mucho ruido) para unirse tenece la misteriosa voz que a Georgie y su gente. Tanto la

TEORIZANDO

actriz que da vida al personaje como el equipo de la ficción han asegurado en los últimos meses que el personaje no ha concluido su etapa en ‘The Walking Dead’, así que sería una buena manera de retomar su historia.

Por otro lado, se habla de Stephanie, un personaje que todavía no hemos conocido, pero que aparecerá en algún momento próximo. Stephanie pertenece a la Commonwealth (¿a la que también pertenece Georgie?), una comunidad tremendamente avanzada y autosuficiente que cuenta con miles de personas organizadas y repartidas en diferentes puntos. En los cómics, de hecho, Eugene consigue contactar con ella a través de la radio. Sabemos que la Commonwealth tendrá un papel fundamental más adelante, cuando la amenaza de los Susurradores no sea el conflicto principal, así que quizá es demasiado pronto para que hagan acto de presencia.

Por último: Alicia Clark, el personaje de ‘Fear The Walking Dead’ a quien da vida Alycia Debnam-Carey. Como sabemos

que ambas ficciones quedarán conectadas en algún momento, los rumores sobre que finalmente establecerán este punto de unión en la décima temporada son numerosos. Teniendo en cuenta, sin embargo, que ambos mundos (que son uno, en realidad) están separados todavía por unos cuantos años, parece improbable que se trate de este personaje.

En cualquier caso, se trata de la teoría más extendida y que más emociona al público.

¿Y QUÉ PASA CON RICK? Como decimos, numerosos rumores apuntan a su presencia en esta décima temporada, algo que en realidad se ha desmentido. Rick Grimes abandonó la ficción en el quinto episodio de la pasada entrega, y lo hizo en un principio para no volver. Contará con películas independientes en las que se seguirá su historia, pero desvinculada de los acontecimientos de ‘The Walking Dead’. Sin embargo…

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varle a Rick su cabeza de premio, pagando de esta manera su libertad y completando esa redención ya señalada. Por lo visto en el primer tráiler compartido, parece que le queda un largo camino hasta llegar a este punto, pues los conflictos con personajes como Daryl (Norman Reedus) no han concluido. Sí podemos señalar, en cualquier caso, que ya hemos visto a Negan fuera de su celda.

LAS LUCHAS DE PODER

Es cierto que sería un buen momento para que apareciera de nuevo, al menos de algún modo. Sabemos que para Michonne (Danai Gurira) esta será su última temporada, y quizá opten por darle un nuevo camino en lugar de una muerte, más teniendo en cuenta el descontento del público con las últimas acaecidas (Tara, Jesus, Carl). Si Michonne tuviera alguna pista del paradero de Rick, su gran amor en ‘The Walking Dead’, se lanzaría en su búsqueda, aunque para ello tuviera que dejarlo todo. Así podrían rescatar su personaje para la serie de películas y sería un final limpio, que encajaría bien con una marcha ya anunciada.

LOS SUSURRADORES, SU EFECTO Y EL PAPEL DE NEGAN

que significó para el devenir de la serie.

La propia Angela Kang, showrunner de la ficción, ha comentado que uno de los aspectos fundamentales de esta décima temporada será el efecto que esta crueldad demostrada por los Susurradores tendrá en los protagonistas. Exploraremos el trauma y la paranoia en muchos de ellos, dos estados que por supuesto darán lugar a conflictos, cuyo arco beberá directamente de los cómics.

No sabemos si de los cómics se rescatará también el arco de rendición definitivo de Negan, del que empezamos a disfrutar en la temporada pasada. El gran villano de la ficción hasta el momento, con permiso de estas bestias ya mencionadas, ha comenzado su camino hacia la aceptación y el perdón. Salvando a Judith en los compases finales de la temporada 9, demostró que quiere integrarse en la comunidad y que al menos por la pequeña siente un cariño especial.

Una de las escenas más recordadas de la historia de la serie cuando ésta acabe, sin importar que haya perdido el tirón que tuvo un día, será esa fila de picas que resultó interminable porque en cada una de ellas estaba clavada la cabeza de un personaje de las comunidades. En los cómics, Negan decide infilPor el impacto que tuvo, por la bru- trarse en los Susurradores para así talidad del acto y también por lo acabar con la vida de Alpha y lle82 - www.mewmagazine.es

Aunque ‘The Walking Dead’ nunca se ha entretenido demasiado con las luchas de poder entre sus diferentes protagonistas, ninguna temporada ha estado libre de conflictos por este motivo. En esta ocasión, partimos de esta base: el Reino ha caído. Sus habitantes tienen que mudarse a Hilltop, que tras el fallecimiento de Jesus (Tom Payne) y Tara (Alanna Masterson), y la anterior marcha de Maggie, se encuentra sin líder. No sabemos si Ezekiel (Khary Payton) pujará por este puesto (por cierto, ¡en el tráiler le vemos besándose con Michonne!), pero ya nos han informado que este vacío de poder en la gran comunidad será un conflicto importante. Michonne propuso a Daryl como nuevo líder, por motivos que no necesitamos explicar, y sabemos que entre Daryl y Ezekiel hubo problemas en la temporada pasada.

Por otro lado, ‘The Walking Dead’ también es especialista en tomar un personaje aparentemente secundario y darle una importancia mayor en determinados capítulos, así que no podemos descartar que una de las últimas incorporaciones (el bueno de Luke, tal vez la interesante Magna) escalen hasta el poder. Sea como fuere, este asunto será importante en los capítulos venideros.

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Enredados

LA MALDICIÓN DE HILL HOUSE’: LOS HERMANOS CRAIN, EL AMOR Y EL PERDÓN ‘

por Judith Torquemada

‘La maldición de Hill House’ se sustenta y se desarrolla, en gran parte, en torno a la relación de los hermanos Crain, marcada por el amor, la desconfianza y el perdón.

E

l género de terror es uno de los más admirados y despreciados a partes iguales. Por eso, es especialmente complicado crear una ficción dentro de este género que sea capaz de poner de acuerdo al público y a la crítica, algo que consiguió ‘La maldición de Hill House’ con su primera temporada. Pocos esperaban que la serie de Netflix se convirtiera en una de las revelaciones del año, pero el fenómeno no tardó en surgir, así como tampoco lo hicieron las buenas críticas, que hablaban de un terror inteligente, que sobrepasaba la barrera de los sustos a los que todos estamos ya tan acostumbrados.

el tratamiento de la muerte lo que la hace especial? ¿O la construcción de una verdadera mansión de los horrores? ¿O la continua duda que genera en el espectador? Si esto fuera un examen tipo test, marcaría un ‘sí’ detrás de otro.

Junto a estos aspectos de la serie, por llamarlos de alguna manera, no podían faltar los personajes. La familia Crain es, quizá, uno de los puntos más destacados de ‘La maldición de Hill House’ en todas las críticas que se han emitido desde medios especializados. Mike Flanagan nos presenta a la perfección a todos y cada uno de los miembros de esta familia, permitiéndoPersonalmente, me resulta una ta- nos que les conozcamos a fondo, rea imposible escoger un solo as- con sus similitudes y sus diferenpecto que haya hecho de esta serie cias, sus miedos, sus traumas y sus un imprescindible. Son tantas las deseos. De esta manera, el público capas que la componen que sería termina siendo uno más entre ellos, injusto quedarse con una sola. ¿Es teniendo la sensación de que les ha

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visto crecer y tomar los diferentes caminos que les han conducido al presente que ahora presenciamos.

tegerse mutuamente. Porque, tal y como se dice en su último capítulo, «el amor es la ausencia de toda lóEl principal y el fundamental. Pese gica». Y digamos que la lógica nuna que la vida les ha llevado a dife- ca ha formado parte de la ecuación rentes lugares y, en ocasiones, les cuando hablamos de la vida de los ha enfrentado de manera cruda, Crain o de esta serie. los hermanos Crain siguen queriéndose con todo su corazón. Ni Estos cinco hermanos se quieren y siquiera el libro escrito por Steve, es el amor lo que les mantiene unien el que habla de todo lo ocurrido dos pese a todo y lo que, en últien Hill House y que para algunos, ma estancia, les acaba salvando. Un como Shirley, es un libro mancha- amor absoluto que, para mí, viene do de sangre, ha sido capaz de se- personificado en la figura de Nepararles. Es evidente que la relación llie. La más pequeña de todos, inentre estos dos personajes no está cluso más que su hermano mellizo, atravesando su mejor momento, aunque tan solo por unos minutos, pero sigue existiendo un profundo pero la que ejerce como verdadero amor entre ellos. nexo de unión. En un principio, es

El amor

Junto a ellos, aparecen una serie de lazos dignos de análisis, especialmente en lo que a los cinco hermanos se refiere. Criados como una familia enormemente unida, los sucesos que tuvieron lugar en Hill House durante su infancia les marcan y marcan también las relaciones que existen entre ellos.

He vuelto a disfrutar -porque es el verbo que mejor casa con esta serie- de la primera temporada de ‘La maldición de Hill House’, prestando especial atención a la unión entre estos hermanos y rescatando una serie de pilares que conforman los lazos que se han ido creando Durante toda la serie, somos testigos mudos de momentos doloroentre todos. sos, en los que unos hieren a los otros, pero también vemos cómo no pueden dejar de quererse y pro-

su muerte la que les une de manera física -y también en el dolor y en la culpabilidad-, pero finalmente es su amor el que les protege en su regreso a la casa, unido al amor de un padre que nunca fue compren-

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dido.

Nellie, que jamás recriminó a sus hermanos que no creyeran nada de lo que ella confesó haber visto en su infancia y en los años posteriores, que pidió ayuda a gritos y terminó siendo presa de Hill House, es quien finalmente abre los ojos de todos y trae el perdón a sus vidas. Un perdón que, en ese final abierto a interpretaciones, les permite volver a avanzar sin una pesada carga que habían llevado encima durante mucho tiempo.

La desconfianza No todos los lazos que unen a los hermanos Crain son positivos. Tal y como vamos viendo a partir del primer episodio, a lo largo de sus vidas han ido apareciendo algunos conflictos que les han distanciado: el libro de Steve, la adicción de Luke, el hermetismo de Theo… Pero todo ello nos lleva a un mismo punto: lo ocurrido en Hill House.

desesperación. Y también genera los muros que Theo se construye en torno a sí misma, negándose a sentir, pese Mientras que Nellie y Luke siempre a que en el fondo sabe que han creído el uno en el otro, pro- todo lo que contaron sus herbablemente basándose en su pro- manos pequeños y su padre pia experiencia, la desconfianza del podría ser cierto. En definitiresto de hermanos ha generado va, ella tiene un don especial una brecha que en cierto momento que pocos conocen. creemos insalvable. Una desconfianza que aparece representada Todos ellos, salvo los dos con especial intensidad en la figu- pequeños, necesitan ver sus ra de Steve. Pese a que es él quien propios fantasmas, necesitan escribe el libro acerca de la casa, experimentar en primera pernunca creyó nada de lo que con- sona el horror de los mellizos, taron sus hermanos y su padre. Por para comenzar a confiar. Y es el contrario, el mayor de los cinco precisamente esa confianza cree que todos ellos llevan en sus que ganan los unos en los genes la enfermedad mental que otros la que les llevará a la acabó con la vida de su madre. salvación.

Esta falta de confianza provoca que la soledad se apodere de Luke y Nellie, hasta el punto de llevarles a uno a la adicción y a la otra a la 86 - www.mewmagazine.es

tan sentirse cerca y tenerse; de lo contrario se encontrarían bastante solas. Las dos han construido un importante muro en torno a sí mismas, para alejar a todo el que pretenda acercarse, para evitar así su propio sufrimiento, así como el de la otra persona.

El caso menos claro, pensarás, es el de Steve. Vive su vida, escribe sus libros y juzga constantemente a sus hermanos. Sin embargo, en ‘La maldición de Hill House’ también somos testigos de su dependencia.

Cuando escribe la novela que habla de los extraños sucesos que marcaron su infancia y la de sus hermanos, pide en varias ocasiones su aceptación, la busca, casi la ruega.

Porque para él son cuatro pilares básicos sin los que el éxito no tiene sentido. De hecho, parándonos a pensarlo, ¿le vemos disfrutar de su fama en algún momento?

El perdón La dependencia En cierta manera, todos los hermanos Crain dependen del resto. Los casos más claros, una vez más, son los de Luke y Nellie. En el caso del primero, siempre ha necesitado la ayuda de sus hermanos para intentar sobrevivir a su adicción, y también para volver a caer en ella. Y, por su parte, Nellie ha necesitado su atención y su apoyo para salir adelante en los momentos más complicados, especialmente cuando regresa la señora del cuello torcido.

Finalmente, el último pilar que marca su relación es el perdón, al que les cuesta bastante llegar. Es en la habitación roja, con un Luke cercano a la muerte y el fantasma -que no es otra cosa que un deseode Nellie, cuando todos consiguen deshacerse de su desconfianza, de sus reproches y de todo lo negativo que ha existido entre ellos a lo largo de los años.

Un perdón que da paso al amor más absoluto y a la supuesta salvación. Un perdón que les conduce hacia una tranquilidad y una felicidad que les permiten continuar con sus vidas, esta vez de verdad, avanzando y dejando atrás a los Pero Theo y Shirley también fantasmas del pasado, nunca mejor dependen la una de la otra. dicho.

Por eso la primera decide vivir en la casa de invitados de su hermana, y por eso ésta lo acepta. Porque ambas necesi

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Recapitulamos > LA REVOLUCIÓN SEXUAL Y ‘EPICURO’

Merlí

POR ROSA SURIA

E

picuro’, el noveno capítulo de la primera temporada de ‘Merlí’, es uno de los más especiales de la serie. Repasamos lo importancia de este episodio.

‘Merlí’ es una de esas series que la gran mayoría -de los que la vimos algo tarde y no íbamos al ritmo de la emisión en TV3- nos bebimos sin respiro, casi como si estuviéramos protagonizando un concurso en el que gana el que más rápido se termina una serie.

Y así supimos disfrutarla, aprendiendo quizá más que en muchas clases de Filosofía, empatizando con personajes que creíamos muy diferentes a nosotros y abriendo los ojos ante muchas realidades que, por desconocidas, creíamos inexistentes.

Pero con el tiempo he comprendido que esta ficción -que es más realidad que otra cosa- merece un revisionado calmado, sin la prisa que tenía por saber cómo terminaría el romance entre Pol y Bruno o el desenlace del infierno de Joan. Y en pleno revisionado de la primera temporada, he recordado por qué su noveno capítulo me hizo llorar como si estuviera viendo el drama más duro de la historia. Un llanto en el que la emoción, en el mejor de los sentidos, esta88 - www.mewmagazine.es

ba presente, así como también la ban -y estábamos- esperando: la esperanza y la nostalgia cuya pre- dichosa revolución sexual. sencia va aumentando según voy cumpliendo años.

‘Epicuro’ nos traslada a uno de los momentos más cruciales de la adolescencia de una mayoría: esa fiesta, esa noche en la que sabes que tienes la oportunidad, que crees única, para confesar tu amor a esa persona que te vuelve loco.

Los alumnos del Àngel Guimerà organizan una fiesta al más puro estilo Hollywood adolescente en casa de Mónica, con la excusa de celebrar la mayoría de edad de Pol. El alcohol, la música, la emoción y el ambiente que se respira facilitan que llegue lo que todos esta-

La revolución sexual Los muchos prejuicios aún presentes en nuestra sociedad provocan que, en muchos casos, los jóvenes no terminen de explorar su sexualidad. Crecer y desarro-

llarse de manera reprimida no es, lógicamente, nada sano, pero es una realidad presente en tantos casos que asusta. ¿Cuánta gente descubre o, más bien, acepta su bisexualidad, por poner un ejemplo, en su etapa adulta? Son tantos los casos que, individualmente, vamos conociendo en nuestras vidas que estoy convencida de que todos podríamos hacer una lista bastante extensa.

Por eso, es emocionante ver en la pantalla, en una serie que ha tenido tanta difusión y que va dirigida especialmente a los jóvenes, esa realidad tan bien representada. Es importante que los jóvenes vean que no existe nada malo en sentirse atraído por el mismo sexo o por ambos, como tampoco hay nada de malo en explorar nuestra propia sexualidad. Y esta es una de las cosas que nos muestra ‘Epicuro’.

Si prestamos atención al personaje de Pol, veremos su lucha interna, veremos la confusión que se apodera de él al comprender que, de repente, se siente atraído por Bruno. Y también la liberación que supone el escuchar a Marc una frase tan sencilla y tan quemada ya como «hay que probar de todo». Son estas cinco palabras las que le sirven de detonante para dejarse llevar por sus sentimientos y las que terminan provocando su primer encuentro sexual con el que hasta ahora sólo había sido su compañero de clase. Y, a partir de ahí, comienza un

camino que le convertirá en uno de los personajes más interesantes de la serie, si no el que más.

La revolución personal.

La sexual no es la única revolución que está presente en este episodio. Junto a ella llega una incluso más importante, representada en el personaje de Joan. Para ese momento, lo poco que sabemos de él es que es un joven muy estudioso, con una muy mala relación con su padre, al que no dejan prácticamente ni un ápice de libertad. Una realidad que había aceptado medianamente hasta que algo o quizá alguien le hizo despertar y desear la vida que tenían sus compañeros.

Y el primer paso para conseguirla era acudir a esa fiesta, en la que se consolidó una importante parte de su revolución personal. Por sus circunstancias, se puede llegar a comprender que Joan se siente diferente y en parte inferior al resto de compañeros. Por eso nunca se había atrevido a querer algo más con una chica, incluso aunque ésta le llamara la atención.

No hasta que conoció a Mónica.

Para sorpresa de todos, o al menos mía, un alcoholizado Joan le confiesa su amor a Mónica en una de las escenas más emotivas de la primera temporada de ‘Merlí’.

Con lágrimas en los ojos, este personaje deja de ser el estudioso, el retraído y el raro para convertirse en sí mismo, un joven al que no le han dejado ser quien es durante mucho tiempo. Por primera vez, se quiere a sí mismo, aunque sea provocado por los efectos del alcohol, lo suficiente como para abrirse y mostrar su gran secreto, ese que ha convertido el curso en el mejor de su vida.

Una revelación de la que muchas veces huimos, por miedo a un ridículo que en realidad nunca se produce o a un rechazo que forma parte de la vida y que tenemos que aceptar. Y una revelación sana, que todos necesitamos y que muchas veces nos prohibimos a nosotros mismos, por ese miedo del que hablo y por un conformismo que es cuanto menos peligroso.

Ataraxia Tal y como explica el propio Merlí al comienzo del episodio, Epicuro y sus ‘seguidores’ buscaban la ataraxia, que es la ausencia de toda perturbación. Este filósofo creía que no se necesitaban grandes lujos para ser feliz, tan solo había que eliminar las perturbaciones y contar con buenos amigos con los que compartir la vida. Ese debería ser el objetivo de todo ser humano para tener una vida plena.

Sin saberlo, los protagonistas de la serie están buscando eso, la ataraxia. Y el primer paso para lograrlo es aceptarse a uno mismo, una de las principales lecciones que nos transmite ‘Merlí’. Cuando no nos queremos, cuando nos juzgamos y cuando incluso llegamos a despreciarnos, esto genera una gran perturbación en nosotros.

Es imposible dejar que los demás nos quieran si nosotros mismos no somos capaces de hacerlo. Y, por supuesto, es imposible disfrutar de una vida plena si no nos aceptamos, si no nos valoramos.

Por lo tanto, es imprescindible que vivamos nuestra propia revolución, sexual, personal o cómo sea, para que nos acerquemos a la ataraxia de Epicuro. Olvidándonos de los prejuicios que inundan nuestra sociedad y apostando por nosotros mismos.

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Viajando y comiendo L O S D E S A Y U N O S D E L O J A L Á , un oásis en pleno Malasaña por Rosa Suria

El Ojalá se ha convertido en uno de los restaurantes más populares de Malasaña, y sus desayunos tienen gran parte de la culpa.

Dicen que el desayuno es la comida más importante del día y yo confieso, además, que es mi favorita. Hace años era incapaz de ingerir más de una galleta por las mañanas, hasta que descubrí que esa aburrida ingesta de alimentos, que generalmente se basaba en cereales con leche o tostadas, podía ser un verdadero festín y un festival de sabores.

Nos empeñamos en que no lo sea, en encerrarnos en un mismo menú un día tras otro, pero el universo del desayuno es amplio e inexplorado para muchos.

Siempre me pregunto por qué solemos quedar con amigos y familiares para comer o cenar, pero no se nos pasa por la cabeza hacerlo para desayunar. Una tradición que, personalmente, he adquirido a raíz de mis viajes. Cuando estamos fuera de casa y no hemos tenido en cuenta el desayuno a la hora de reservar nuestro alojamiento, nos vemos obligados a realizar esta comida en restaurantes o cafeterías. Así fue como descubrí que me gusta desayunar salado y dulce, que el apetito también puede ser voraz a las 8 de la mañana y que no hay mayor placer que disfrutar de un copioso desayuno sin prisas, sin pausas y con mucha originalidad.

Pero no hace falta irse muy lejos para hacerlo. Después de muchos viajes, decidí establecer la tradición del desayuno en exteriores, por llamarlo de alguna manera, y comenzar a probar los que ofrecen diferentes restaurantes y cafeterías de mi ciudad: Madrid. Tradicionales, ecológicos, muy dulces, 100% salados, saludables… Es lo que tiene la capital, la oferta es enorme, en ocasiones muy superior a la demanda, pero cuando se trata de gastronomía es imposible quejarsenecesidad.

Y así fue como me topé con el Restaurante Ojalá, en el corazón de Malasaña. El que se ha convertido ya en mi lugar favorito de Madrid para disfrutar de mi comida favorita

del día. Un local con un encanto especial -y con playa subterránea- en el que hay espacio para todos, con una luminosidad increíble y una terraza que en primavera y verano es de las más concurridas del barrio más popular de Madrid. Su decoración está tan cuidada como su carta, en la que solo encontrarás delicias para todos los gustos.

DULCES CLÁSICOS Y NO TANTO En un buen desayuno no puede faltar lo dulce. Y eso lo saben en el Ojalá, donde encontramos unas riquísimas tartas caseras -con especial mención a la de zanahoria-, tortitas, croissants, cookies y bizcochos, perfectos para que comencemos el día con una sonrisa.

Lo bueno de la oferta dulce de esta restaurante es que no empalaga, no deja al comensal con la sensación de haberse pasado de la raya e incluso con malestar, como muchas veces ocurre con este tipo de alimentos. Han sabido apostar por platos dulces, sí, pero equilibrados y que no abusan del azúcar, lo cual nos deja con una muy buena impresión que suele empujarnos al retorno.

AMANTES DE LAS TOSTADAS Como ya he mencionado al comienzo de este artículo, las tostadas son uno de los grandes clásicos dentro del desayuno. Pero eso no significa que tengan que ser aburridas. Así piensan en el Restaurante Ojalá, en cuya carta encontramos cinco tipos de panes ecológicos con numerosos acompañamientos -y sus numerosas combinacionesposibles.

Aquellos que no sean fans de lo diferente y de las apuestas arriesgadas, pueden ir a lo seguro con la mantequilla y la mermelada, la Nutella o el tomate triturado y el jamón. Pero también hay espacio para propuestas algo más novedosas, como el afamado aguacate, que está más de moda que nunca, o el hummus. Son tantas las opciones que cuesta decidirse y terminas con la seguridad de que regresarás, para probar las 10 que has tenido que dejar apartadas por descarte.

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¡QUE VIVAN LOS HUEVOS! Uno de los imprescindibles del Restaurante Ojalá y sus desayunos son sus huevos. Se nos ofrecen en cuatro recetas diferentes: benedictinos (a baja temperatura, con jamón de york, pan de ocho cereales y salsa holandesa), catalanes (revueltos, con tomate triturado, jamón serrano y pan de trigo), parisinos (a baja temperatura, con salmón, pan de centeno y salsa holandesa) y rancheros (fritos, con tortilla de maíz, guacamole, frijoles y salsa de tomate con jalapeños).

Como ves, cuatro opciones completamente diferentes, que responden a los gustos de todos los comensales. Incluso han pensado en aquellos que sean más clásicos, ofreciendo una quinta modalidad que seguro conoces: una riquísima tortilla de patatas individual, servida con pan rústico.

Los huevos siempre son un imprescindible en un desayuno completo, por las proteínas que aportan, pero por encima de todo por el sabor. ¿Quién puede resistirse a ellos?

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NO NOS OLVIDAMOS DE LA BEBIDA Y con toda esta comida, siempre tiene que haber un buen jugo.

Cafés, tés, zumos naturales y batidos y smoothies, todos ellos combinables con dulce y salado, perfectos para regar ese desayuno que te dejará saciado, feliz y preparadísimo para comenzar el día con energía. Sobre todo si lo acompañas de buenas amistades y muchas risas, que nunca faltan en ese ambiente inmejorable del Ojalá. ¿Y si dejas los cereales y las caras largas para otro día?

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El destino del mes: la multicultural Estambul por Judith Torquemada

En un momento en el que todavía nos cuesta un poco asumir que el verano se ha acabado, sigue apeteciendo descubrir destinos cálidos. Y Estambul es una de las ciudades más cálidas del planeta, con sus bazares, sus colores y sus olores. Es tan cálida, tan acogedora aunque caótica, que en ella se puede disfrutar de la compañía de perros y gatos en los paseos por sus calles.

En la capital turca, estos animales son de todos, porque en realidad no son de nadie. Viven en la calle, alimentados y cuidados.

Es una de las cosas que más llamará la atención del turista en sus primeros días en esta ciudad multicultural que puede conquistar a cualquiera.

Estambul es el centro histórico, cultural y económico de un país de grandes riquezas, y hay que recorrerla con los cinco sentidos puestos. Solo así se podrá uno contagiar de ese encantador caos al que nos referimos, de los griteríos 94 - www.mewmagazine.es

de sus gentes, la vida del Gran Bazar o los sabores de sus platos. De las diferencias entre las culturas que la pueblan, con sus pasados y sus presentes, todos ellos merecedores de nuestro interés. La mejor manera de conocer Estambul, de conocerla a fondo, es querer hacerlo. De esa manera preguntaremos, observaremos con más atención, andaremos un poquito más aun cuando el cansancio quiera vencernos y nos empaparemos de una ciudad que guarda sorpresas en todos sus rincones.

En el propio aire de la ciudad. Es a través de éste por donde circula la llamada a la oración islámica, que escucharemos cinco veces al día sin importar el lugar en el que nos encontremos.

Las mezquitas, claro, son imprescindibles en nuestro recorrido. La Mezquita de Santa Sofía, sobradamente conocida por su relevancia histórica y reconvertida en museo, y la Mezquita Azul, situada a tan solo unos pa-

sos de la primera y con una importancia similar, son las mezquitas principales. Aunque pueda pensarse que la llegada masiva de turistas ha quitado peso a la segunda

como casa de oración, lo cierto es que los turcos tienen claras sus prioridades. Así, incluso la entrada y las salidas de ésta, como sucede también en otras importantes mezquitas como la Mezquita de Süleymaniye, están organizadas siguiendo estas prioridades: primero templo de oración, después atracción turística. Cerca de ambas mezquitas se encuentra la Plaza Sultanahmet, una pre-

Boris Stroujko

ciosa plaza, antiguo hipódromo de Constantinopla, que muchos catalogan como el corazón de Estambul.

También los bazares son característicos de la vida en la ciudad.

El Gran Bazar es el más grande, el más turístico y el más importante; acercándonos a él nos acercaremos a la rutina diaria de los habitantes de Estambul, quizá no tanto por el propio bazar

como por las diferentes calles que le rodean, repletas de tiendas y de vida.

También el antiguo Bazar de las Especias, menos turístico, muy auténtico, merece la pena.

Por seguir mencionando lugares turísticos de Estambul, aunque esta ciudad existe para recorrerse entera, sin mapas ni horarios: la Torre de Gálata, símbolo de la ciudad desde cuyas alturas podemos disfrutar de unas vistas incomparables, un edificio histórico repleto de pequeñas historias con las que maravillarnos y que conservar siempre. También la Cisterna Basílica, una de las múltiples cisternas que hay en Estambul, conocida con este poderoso nombre: el Palacio Sumergido.

Al contrario de lo que suele pensarse, no tiene agua, aunque fue construida en el siglo VI con esta intención: la de conservar agua en el que caso de que la ciudad fuera atacada. El Palacio de Topkapi, un precioso palacio de grandes dimensiones y bien conservado, en cuyo interior encontramos reliquias históricas de todo tipo. Es el lugar que nos recuerda el poder que alcanzó Constantinopla como capital del Imperio Otomano.

Y nadie puede marcharse de Estambul sin disfrutar de un largo paseo, también en barco, por el Bósforo, el estrecho que separa la parte europea de la parte asiática. El ambiente es fantástico, y además se puede disfrutar de un típico y riquísimo bocadillo de pescado.

ESTAS SON LAS TENDENCIAS QUE VAN A A R R A S A R ESTE

OTOÑO TEXTO ROSA

SURIA

Como cada año, el fin del verano llega acompañado de numerosas nuevas tendencias de cara a la siguiente estación. ¿Cuál es tu favorita?

Cuando llega septiembre sabemos que se acaba el verano y que comienza un nuevo curso, ya sea docente o laboral. Es una especie de nuevo pistoletazo de salida, en el que podemos volver a plantearnos propósitos, como en año nuevo, y en el que tenemos la oportunidad de hacer borrón y comenzar un nuevo libro. Algo que también ocurre con la moda.

Con el final del verano aterriza una nueva temporada: otoño/invierno. Los amantes de los jerséis, los abrigos y los gorros esperan ansiosos a que llegue ese frío que tanto han echado de menos en los últimos meses, ese frío que les volverá a permitir disfrutar de sus prendas favoritas. Y llegan también los tonos marrones y anaranjados que bañan los parques en los meses de octubre y noviembre, seguidos de la blanca nieve que los más afortunados podrán ver y pisar cuando el invierno llame a nuestra puerta.

Junto a todo esto, aparecen nuevas tendencias en el ámbito de la moda y se recuperan otras. Porque, como bien sabrás, en la moda todo vuelve, todo se recicla y se reinventa, adaptándonos a los nuevos tiempos y haciendo uso de los muchos imputs que tenemos en nuestro camino. De ahí que se recuperen la campana, las hombreras y las botas de cowboy, todas ellas tendencia en los próximos meses.

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LOS COLORES DEL OTOÑO Como siempre, las tonalidades tierra, el beige y distintos tipos de marrón estarán a la orden del día.

Siempre son tendencia en los meses de otoño e invierno, son los colores de estas estaciones y están presentes año tras año. Pero en esta ocasión van a estar acompañados de otros tres colores que no suelen estar invitados a la fiesta.

El blanco, que generalmente suele ser protagonista en verano, también lo será este otoño, especialmente en looks completos, ya sea en vestidos o en dos piezas. Un blanco impoluto que contrastará con esos tonos tierra de los que hablábamos y que no estamos tan acostumbrados a ver en esta época del año.

Stradivarius

Además, también veremos mucho rosa y azul. Aunque estos colores, tanto en tonos chillones como en tonos pastel, suelen ser más típicos de otras épocas del año, en este otoño (y también en invierno) se harán un hueco en tu armario, para darle un toque más potente a tus looks y empujarte a que apuestes por algo más atrevido.

RECUPERANDO LA HOMBRERA Como lees, la hombrera vuelve a estar de moda.

Retrocedemos a los años ochenta y rescatamos ese elemento que tanta controversia ha generado siempre. Este otoño -y, de nuevo, también en invierno- veremos chaquetas con hombrera, vestidos con hombrera, jerséis con hombrera… En definitiva, se va a incorporar a todas las prendas en las que sea posible incluirla, convirtiéndose desde ya en una de las tendencias que más diversidad de opiniones está generando.

Junto a ella, llegan también las mangas abullonadas.

Ya en la primavera pasada pudimos ver alguna que otra muestra del retorno de esta moda, que terminará de asentarse en los próximos meses. Fíjate bien cuando vayas de compras, porque la gran mayoría de las blusas y camisas que verás tendrán las mangas abullonadas y, muy probablemente, incluirán esas adoradas y odiadas (a partes iguales) hombreras.

LAS TRANSPARENCIAS Y EL LEOPARDO SE MANTIENEN Como cada año, hay muchos cambios: incorporaciones y también alguna que otra despedida que unos esperaban y otros lloran. Pero también hay tendencias que permanecen con el tiempo y que se establecen como un must. En esta ocasión, serán las transparencias y el animal print, especialmente el de leopardo, las que permanecerán durante otoño e invierno, marcando la gran mayoría de nuestros

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H&M

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Stradivarius

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outfits.

En el caso de las transparencias, apostaremos por ellas más de cara a eventos o fiestas, incluyendo también el estampado de lunares. Por otro lado, el animal print tendrá bastante protagonismo en nuestro día a día, siendo un elemento inmejorable para darle un toque diferente a nuestros street looks. ¿Y EN LOS PIES? Aquí ocurre como con las hombreras, hay mucha diversidad de opiniones. En este otoño de 2019, las botas cowboy serán protagonistas. Como también ocurría con otras tendencias, hemos visto alguna muestra de su aterrizaje en estos últimos compases del verano, en los que las más atrevidas ya las han combinado con faldas y vestidos cortos.

Serán un must durante esta etapa de frío, pero para los looks más elegantes y formales la apuesta estará en los zapatos con suela cuadrada -sí, la puntera también-.

Puede que a simple vista nos sorprendan e incluso nos contraríen, pero aportan un plus de originalidad a los outfits y suponen ese cambio en el calzado que pedíamos a gritos.

Pull & Brear

OTRAS TENDENCIAS Junto a todas estas, aparecerán y se mantendrán otras tendencias que también marcarán la moda de este próximo otoño. El cuero volverá a ser uno de los tejidos más reclamados y utilizados y el total denim regresará a escena. Por mucho que nos duela a quienes nunca hemos estado acostumbrados, el vaquero con vaquero vuelve a llevarse. Eso sí, esta es una de las tendencias más complejas de la temporada: hay que saber combinar bien los tonos para que no chirríe el look.

También veremos trajes, cinturones de cadena y muchos, pero que muchos lazos en blusas, jerséis y vestidos. Junto a ellos, no te sorprendas si te encuentras estampado floral a estas alturas, en esta ocasión las flores no se secan en verano y siguen con nosotros cuando llega el frío.

Pull & Brear

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COCA COLA MUSIC EXPERIENCE 2019 FOTOGRAFÍAS ANA MÁRKEZ / TEXTO ROSA SURIA

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a d o t y a c i s ú m a

DÍA 1 h c u m , ia v u l l a Poc La primera jornada de CCME, que tuvo lugar este viernes 13 de septiembre, transcurrió sin incidentes y con un ambiente inmejorable.

Se esperaba lluvia, incluso había quien temía la cancelación, pero la meteorología respetó una de las citas más importantes del año para los amantes de la música. O, al menos, parcialmente. Este viernes 13 de septiembre se celebró la primera jornada del festival Coca-Cola Music Experience (CCME), que este año se ha trasladado hasta IFEMA (Madrid) y ha dado un paso de gigante cambiando a un cartel de dos días.

Y, contra todo pronóstico, porque por naturaleza tendemos a ser negativos, los principiantes acertaron en prácticamente todo. De hecho, la única pega que podríamos poner es un pequeño retraso en la apertura de puertas que, finalmente, no se vio reflejado en el horario de actuaciones, lo cual parecía imposible.

Más allá de este detalle, que en el momento se sintió 104 - www.mewmagazine.es

muy grande pero ahora ya ha quedado olvidado, la jornada transcurrió con total normalidad y el público no pudo disfrutar más de una tarde-noche de música en directo. Todo estaba preparado: noria, coches de choque, tirolina, zona de maquillaje y tatuajes, puntos instagrameables, restauración… A pesar de que esta es su primera vez como festival grande, Coca-Cola Music Experience ha sabido apostar por lo que gusta y lo ha bordado.

La organización, por el momento, merece un aplauso que muchas veces solemos obviar pero que no podemos pasar por alto. Y, junto a ellos, también lo merecen los artistas que fueron subiéndose al escenario, algunos cuando aún no había demasiada afluencia de público, y se hicieron con todos nosotros a través de su propia música y de versiones que pocos esperaban. Pese a que las grandes estrellas llegaban tarde, a partir de las 20:30, aproximadamente, la gran masa que se concentraba en torno al escenario principal no dejó de saltar y cantar desde que a eso de las 15:30 salieran a escena New Hope Club.

Artistas nuevos y artistas consolidados equilibraron a la perfección la balanza, no dejando espacio algu-

n ó i c o m la e no al aburrimiento o incluso al tiempo libre. Por momentos, parecía imposible despegarse del escenario principal o dejar de bailar. La variedad del cartel, que había a quien echaba algo para atrás, se confirmó como uno de los principales aciertos del día.

Grandes sorpresas Todos sabíamos lo que íbamos a ver en actuaciones como las de Clean Bandit, Anne-Marie o Liam Payne, y las disfrutamos como niños. Pero el público también se llevó grandes sorpresas de la mano de artistas a los que quizá no conocían o habían escuchado poco, y que les hicieron saltar sin descanso.

Uno de los ejemplos que me vienen a la mente es el de New Hope Club. La banda británica es una gran desconocida para muchos y tuvo que enfrentarse al reto de abrir el escenario principal. Un reto más que superado. Intercalando sus propias canciones con versiones -incluido el mítico ‘I Wanna Hold Your Hand’ de los Beatles-,

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se hicieron con un público que terminó sorprendido, aplaudiendo y apuntando su nombre. Su música en directo y sus voces, más que afinadas y más que correctas, dejaron a más de uno con la boca abierta.

Otro de los ejemplos que no puedo no mencionar es el de Nil Moliner. Este joven catalán se ha confirmado como uno de los bombazos del año. Pese a que lleva más de una década dedicándose a la música, es ahora cuando sus canciones han comenzado a sonar a nivel nacional y a colarse en todas nuestras mentes. Y este viernes logró meterse entre el público, hacerlo vibrar, saltar e incluso emocionarlo. Todos acabaron entregados a su buen rollo, bailando y disfrutando de una de las grandes sorpresas del día.

OTManía Los ex-concursantes de ‘Operación Triunfo’ también tuvieron su espacio en el CCME. Y, como era de esperar, fueron de los que más euforia provocaron en el público.

Desde Miki, que presentó ‘Amuza’ en directo por primera vez y compartió algunas de las canciones más especiales del disco con los allí presentes, hasta una Alba Reche que supo sobreponerse a los problemas técnicos y cerró su actuación con la presentación en exclusiva de su primer single, que no habíamos podido escuchar hasta el momento.

Carlos Right y Roi Méndez también se subieron al escenario para cantar varias canciones de sus discos, y también hicieron vibrar a todos los allí presentes, que no dudaron a la hora de cantar sus temas a pleno pulmón. En el caso de Carlos Right, se me hace impo-

sible no mencionar su emoción, palpable hasta las últimas filas del público, la cual aportó un extra muy especial a su actuación.

Pero si hubo alguien que supo elegir bien el repertorio, que lo dio absolutamente todo en el escenario y que acabó haciéndose con todo el público, ese fue Famous.

El ganador de ‘OT 2018’ hizo una especie de popurrí con algunas de las canciones más populares que interpretó en la Academia y cerró su brillante paso por el CCME con ‘Bulla’, su primer single, que todos terminaron cantando y bailando.

Apuestas seguras que no fallaron La jornada del viernes llegó a su clímax con el tercer bloque principal, formado por Clean Bandit, Austin Mahone, Anne-Marie, Don Patricio y Liam Payne. Cinco nombres que son, ante todo, cinco apuestas seguras que no defraudaron a nadie. Más de dos horas de éxitos mundiales, uno detrás de otro, que no dieron tregua a un público que estuvo entregado hasta el último compás.

Quizá la actuación más especial fue la de Liam Payne, puesto que contaba con una carga emocional extra. Todo lo que tenga que ver con One Direction la tiene, especialmente si además se juntan dos ex miembros de la banda en el mismo espacio y uno de ellos decide cantar algunos de los temas más reconocidos de la banda.

Ese fue el caso este viernes. Louis Tomlinson, que actúa en Coca-Cola Music Experience este sábado, quiso estar presente en la actuación de su antiguo compañero.

Y Liam le hizo un guiño a la banda, cantando cumpleaños feliz a Niall Horan e interpretando ‘Little Things’ y ‘Drag Me Down’.

El británico, acostumbrado a grandes espacios con mucho, pero que

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mucho público, dominó la situación en todo momento, ofreció un repertorio variado y fue el mejor cierre que podría haber tenido la primera jornada de festival.

El resto de ‘cabezas de cartel’, calentaron el ambiente de la mejor manera posible, con buena música y actuaciones que rozaron lo brillante. Los chicos de Clean Bandit hicieron uso de su gran repertorio de éxitos, al igual que una Anne-Marie que se mostró entregadísima al público, y Austin Mahone hizo lo propio con una muy buena e inesperada compañía: Abraham Mateo.

Y no, no me olvido de Don Patricio. Lo dejo para el final, como se hace con lo bueno. Porque el canario fue de lo mejor que se vio este viernes en el escenario del CCME. Primero, durante la tarde, actuó con su grupo, Locoplaya, y después, por la noche, lo hizo en solitario. Ya nos tenía ganados a todos de antemano, gracias a temas como ‘Contando lunares’ o ‘Enchochado de ti’, y Don Pa no defraudó, ofreciendo un espectáculo tan auténtico como él y logrando que el público formara parte del mismo.

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"EL CANARIO (DON PATRICIO)

FUE DE LO MEJOR QUE SE VIO ESTE VIERNES EN EL ESCENARIO

DEL CCME"

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u l l a l a a l l a t na la ba

DÍA 2 a g a c i s La mú

La suerte que marcó el viernes de Coca-Cola Music Experience (CCME) no estuvo tan presente en la segunda jornada de festival.

Como era de esperar, la lluvia fue una protagonista más de la tarde-noche del sábado, en la que el público se enfundó sus chubasqueros y respondió de la mejor manera posible a los contratiempos, nunca mejor dicho. Pese a que hubo momentos en los que la lluvia era bastante fuerte y venía acompañada de un viento nada agradable, los espectadores se mantuvieron firmes frente al escenario, cantando y saltando junto a los artistas que en ningún momento sacrificaron su show por culpa de la meteorología.

Ellos también se mojaron, y unidos disfrutamos de buena música y mucho espectáculo.

Hasta que la lluvia desapareció y las nubes se abrieron, coincidiendo con el comienzo del bloque grande de la noche. Louis Tomlinson, Natalia Lacunza, Lola Indigo, Lalo Ebratt y Morat no sólo se encontraron un público completamente entregado, sino también 110 - www.mewmagazine.es

una meteorología favorable que parecía imposible de imaginar unas horas antes. Fue duro aguantar bajo la lluvia, pero mereció la pena cuando llegó esta perfecta guinda para el pastel, el fin de fiesta que merecía este festival.

De nuevo, el buen ambiente reinó en todos los rincones del recinto, las sonrisas y las lágrimas de emoción fueron protagonistas de toda la jornada y la música fue el nexo de unión. Niños, adolescentes, jóvenes y mayores disfrutaron de un sábado único, escuchando algunos de los éxitos más importantes del año y descubriendo nuevos artistas que también cumplieron un sueño este sábado.

Una jornada casi perfecta, si obviamos la parte de la lluvia, y que nos ha dejado a todos con ganas de una nueva edición por todo lo alto del CCME. La cuenta atrás ya ha comenzado, pero antes…

Los primeros y los más esperados Agoney y Raoul fueron de los primeros artistas en ser confirmados como parte del cartel de este CCME, y

uvia sólo hicieron falta sus nombres para que muchos se decidieran a comprar sus entradas. De hecho, dos de los principales fandoms que acudieron a IFEMA este fin de semana fueron los de los dos ex concursante de ‘OT 2017’. Algo que se notó en ambas actuaciones, en las que vimos al público entregado al 100% y, en cierta manera, formando parte del propio espectáculo que tenían preparado.

El primero en aparecer en escena fue el canario, coincidiendo mágicamente con un momento en el que el cielo se abrió y llegó incluso a salir el sol. Agoney volvió a demostrar sobre el escenario que posee una voz prodigiosa, con la que puede hacer lo que le plazca. En temas como ‘Eloise’ o ‘Purple Rain’ se lució como pocas veces lo ha hecho, firmando un directo de 10 en el que ‘Black’ fue la joya que más brilló. Acompañado de un coro gospel, interpretó en vivo este nuevo single por primera vez, delante de miles de personas con las que se generó una complicidad única. Una actuación redonda, que fue de las más aplaudidas de esta segunda jornada y

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que sorprendió a muchos.

Por su parte, Raoul también disfrutó de un respiro del mal tiempo. Parece que la lluvia se puso de acuerdo para desaparecer en estos dos importantes momentos del sábado. El catalán presentó un repertorio muy variado, con homenaje a la desaparecida Amy Winehouse incluido. Pero las dos grandes triunfadoras de su actuación fueron ‘Tus monstruos’ y, por supuesto, ‘Estaré ahí’. Hace aproximadamente un año, el cantante presentaba este single en exclusiva en el CCME. En torno a 365 días después, volvió a subirse al escenario del festival y a interpretarlo con la misma garra y con una perfección vocal que provocó la ovación del público. Una actuación brillante eíntima, pese a la enorme afluencia de espectadores que asistió al CCME.

Mucho más OT, cada día más grandes Al igual que ocurrió el viernes, los ex concursantes de ‘Operación Triunfo’ tuvieron una importante presencia en la segunda jornada de festival. Además de Agoney y Raoul, Alfred García, Natalia Lacunza y Lola Indigo también se subieron al escenario de CCME. El primero en hacerlo fue el catalán, que volvió a emocionarnos con canciones como ‘Londres’ o ‘Wonder’ y también nos hizo vibrar con su forma de vivir, entender e interpretar la música. Verle sobre un escenario es algo único y, nada más terminar la actuación, comprendí que Alfred debería formar parte del cartel de todos los festivales de nuestro país.

Ya en el bloque final, Natalia Lacunza presentó su música ante la atenta y entregada mirada de las miles de personas allí presentes.

La finalista de la última edición del

talent show presentó las canciones de su primer trabajo de estudio, y el público no puedo responder mejor. Quizá, el momento cumbre de la actuación fue esa ‘Tarántula’ en la que todos los espectadores se unieron a la artista y cantaron hasta quedarse sin voz, en un final perfecto para su paso por el CCME. No me olvido de una Lola Indigo que llegó al escenario acompañada del trono que merece. El suyo fue uno de los shows más espectaculares que se vieron en todo el festival, la unión perfecta de música y baile, con temas que todos los allí presentes conocíamos y que nos hicieron saltar, cantar, bailar y enloquecer. Sin duda, la gran sorpresa de ‘OT 2017’ y uno de los principales aciertos del festival.

Actuaciones que nos hicieron olvidar la lluvia Parecía imposible, pero hubo momentos en los que el público se olvidó de la lluvia. Todo ello gracias a la entrega de los artistas, que se mojaron sobre el escenario y levantaron hasta a aquellos que estaban algo afectados por el mal tiempo. Actuaciones como las de Bombai, Lérica o Ana Mena son los mejores ejemplos de esto.

Los tres lograron que la lluvia no importara y pusieron al público a saltar y a bailar con sus temas más conocidos. Firmaron actuaciones impecables, en el caso de Ana Mena con una complicadísima coreografía que no se vio sacrificada por la lluvia, y se hicieron con los espectadores, que las han colocado entre las mejores del fin de semana.

Un esperado regreso Después de la emocional y aplau-

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dida actuación de Liam Payne el viernes, en la segunda jornada de festival llegó el momento de un regreso que todos estábamos esperando. El primer show importante de Louis Tomlinson desde que lanzara su carrera en solitario. El ex One Direction no ha tenido unos (segundos) comienzos sencillos, especialmente en el ámbito personal, en el que ha tenido que sobreponerse al fallecimiento de su madre y de una de sus hermanas. Por eso, el instante en el que pisó el escenario del CCME fue incluso más especial de lo que muchos podrían haber imaginado.

La gran mayoría de los asistentes, algunos de los cuales habían viajado desde la otra punta de Europa, acudieron al festival por él y por su compañero Liam. Una presión que Louis supo manejar a la perfección. Y es que le vimos feliz, disfrutando en el escenario como hacía tiempo que no disfrutaba, emocionado por presentar en directo varias de sus nuevas canciones, hasta el momento nunca escuchadas. Una actuación que provocó lágrimas, sonrisas y que, como el propio Tony Aguilar mencionó, fue todo un sueño hecho realidad.

La guinda perfecta para el pastel perfecto La noche y el festival se cerraron con un concierto inmejorable. Los chicos de Morat escogieron el CCME para poner punto y final a su gira por España, y no podían haber elegido mejor. Pese a que el cansancio ya hacía mella, el público se entregó a los colombianos, que nos regalaron sus temas más conocidos en un directo impecable.

Como siempre, estos amantes de la música nos presentaron eso, verdadera música en directo.

Voces e instrumentos que casaron a la perfección y que se unieron a las voces de los espectadores, que se convirtieron en miembros de la banda durante la actuación. Un cierre magnífico, especial, mágico que también es el comienzo de algo: la nueva cuenta atrás. Un día menos para la siguiente edición de CCME. ¿Qué nos tendrán preparado en esta ocasión?

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"UN CIERRE

MAGNÍFICO,

ESPECIAL, MÁGICO"

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"LA COMPETICIÓN ENTRE NOSOTRAS NUNCA DEBIÓ EXISTIR" por Rosa Suria

BRIE LARSON,

í de ti aprenLAdIMPORTANCIA Y LA FUERZA DE LA SORORIDAD Ganó el Oscar con 26 años y desde entonces se ha convertido en una de las actrices mejor valoradas de Hollywood, además de una de las más reivindicativas.

De pequeña, vivía en un apartamento cochambroso con una sola habitación, el cual compartía con su hermana y su estricta madre. Cada una de ellas tenía unas tres prendas de ropa que iban intercambiando en los diferentes días de la semana. Se alimentaba a base de sopa de sobre. Y soñaba con convertirse en una estrella de la actuación, para lo que se preparaba desde los 6 años. Y el pasado año 2016, cuando Brie Larson recogió el Premio Oscar a Mejor Actriz por su trabajo en ‘La habitación’, todo cobró sentido. Los años en ese apartamento en el que la 118 - www.mewmagazine.es

cama salía de la pared, la época en la que tuvo que hacer de DJ en fiestas de Los Ángeles para conseguir dinero para comer, los muchos castings en los que la rechazaron por no encajar y hasta su enorme fracaso musical.

Todos los obstáculos en el camino, que tantas veces le hicieron plantearse el abandono de ese sueño que se convirtió en su motor desde niña, la llevaron hasta ese instante mágico en el que su talento, su esfuerzo y su sensibilidad fueron premiados con el mayor reconocimiento que existe en el ámbito cinematográfico.

A partir de ese momento, Brie Larson ha pasado de ser una de las muchas actrices ignoradas por Hollywood a convertirse en una de las mejor valoradas, en ese rostro que todos quie-

ren tener en sus proyectos y en esa voz que todos quieren escuchar. Su vida ha dado un giro de 360 grados, y lejos de acomodarse en la posición privilegiada que ahora mismo ocupa, esta joven actriz, directora, guionista y cantante ha querido utilizarla para un bien común. Lejos de observar y callar, para no ser molesta, para no ser criticada, ha querido alzar la voz y hablar de la profunda desigualdad que existe entre hombres y mujeres, siendo además una de las principales promotoras del movimiento #MeToo. La película que la encumbró, ‘La habitación’, acercó a Brie Larson a la realidad de las mujeres que han sido y son abusadas sexualmente, y también a las que son maltratadas. Desde entonces, ha sido su altavoz, hablando

sin tapujos de esta incómoda realidad que inunda todos los ámbitos de la sociedad, entre ellos el cinematográfico. Pese a que la imagen sigue siendo lo que más cuenta para estos rostros públicos, que sufren un continuo juicio por parte de medios y espectadores, la protagonista de ‘Capitana Marvel’ no ha dudado a la hora de protagonizar ‘anécdotas’ que bien podrían haber tenido consecuencias negativas en su carrera. ¿Un ejemplo? Cuando le entregó el Oscar a Mejor Actor a Casey Affleck, acusado de haber acosado sexualmente a dos mujeres en el pasado, la expresión de Brie era similar a la que pondríamos cualquiera si pisásemos un excremento de perro de camino al trabajo.

SER MUJER ES MARAVILLOSO

A estas alturas, creo firmemente que todas las mujeres de más de 16 años han pensado alguna vez que su vida sería mucho más sencilla si fueran hombres. Sin tener miedo al volver a casa por la noche, sin soportar ciertos comentarios ofensivos a raíz de sus relaciones amorosas o sexuales, sin tener que aguantar piropos hasta en ambientes laborales o docentes…

Sin embargo, voces como las de Brie Larson, que hablan alto y claro de todos estos problemas y muchos más, también nos invitan a estar orgullosas de ser mujeres. Porque ser mujer significa ser lo que quieras ser, un mensaje que siempre ha transmitido la actriz y que nos llega con especial Pero su lucha no sólo ha llegado en fuerza en ‘Capitana Marvel’. forma de anécdotas. En todas y cada una de las entrevistas que ha reali- Con permiso de ‘La habitación’, que es zado en los últimos años, la actriz sin duda la cinta que ha marcado la ha aprovechado para hablar de la im- carrera de la estadounidense, la pelíportancia de acabar con las desigual- cula centrada en Carol Danvers puede dades existentes entre hombres y ser una de las más especiales de su mujeres, así como para acabar con la filmografía. Por lo que ha significado competición entre nosotras mismas. para ella, empoderándola aún más, y Lejos de esa lucha que siempre ha por el impacto que ha tenido en el creado y fomentado nuestra sociedad, público, desde niñas a mayores. Tal y Brie nos habla de la diferencia que como siempre ha señalado, al coger se puede marcar estando las unas este papel adquirió una importante al lado de las otras, olvidándonos de responsabilidad que se ha tomado críticas que nunca han tenido sentido muy en serio. Siempre ha sido consy haciendo piña. Nos habla de la so- ciente de que este personaje significa roridad y de la fuerza de esta. un mundo para niñas y mujeres, y ha puesto su alma entera en él, para que

represente al mayor número de mujeres posible.

Pero su implicación ha ido más lejos.

Además de interpretar a Carol Danvers con pasión y con conocimiento, ha querido trasladar ese empoderamiento incluso a la etapa de promoción. Antes del estreno de la película, y tras observar que las ruedas de prensa y demás eventos solían estar repletos de hombres y escasos de mujeres, pidió que equilibrara a balanza, incluyendo a más mujeres, más mujeres de color y más jóvenes de cara al futuro. Y, como siempre, las críticas le llovieron, pero es algo que nunca le ha importado a Brie Larson, sobre todo si llegan por luchar por un bien común.

SER QUIEN ERES ES ESTÁ BIEN Han sido muchas las veces en las que la actriz ha tenido que disfrazarse, fingir que es una persona diferente, sólo para encajar. Y han sido también muchas las veces en las que le han dicho que no podía ser la popular, ni la amiga tímida, ni la malota… No encajaba, simplemente no daba el perfil de joven estrella de Hollywood. Algo que ocurre cada día a millones de chicas que se sienten fuera de lugar, que tratan de convertirse en otra persona, en esa que está de moda, para no ser rechazadas por el entorno y

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por la sociedad. Hasta que un día todo cambia.

La propia Brie Larson vivió esa revelación cuando fue invitada en 2014 a la glamourosa Gala MET. Lejos de enfundarse un vestido y unos tacones que no fueran con ella y que volvieran a hacerla sentir como en una fiesta de disfraces, la actriz, que entonces tenía 24 años, diseñó junto a la firma Prada su propio outfit. Y desfiló en la alfombra luciendo un extravagante traje de dos piezas en el que por fin se sentía ella misma.

Desde entonces, Brie no ha dejado de ser quien es y mostrarse orgullosa de ello. En sus redes sociales podemos ver escenas de su vida cotidiana, fotografías en pijama y todo lo que te puedas imaginar. No se esconde ni se molesta en dar una imagen perfecta que no corresponde con la realidad. Y siempre que tiene ocasión nos recuerda que ser quienes somos está bien, que nadie es inferior al resto por el simple hecho de ser diferente y que precisamente esas diferencias son las que nos hacen ricos, interesantes. Un mensaje que puede parecer absurdo, pero que cala, sobre todo cuando ves que la persona que está recogiendo el Oscar a la Mejor Actriz abraza sus propias diferencias y rompe con todos los moldes.

DE TI APRENDÍ Brie Larson, de ti aprendí que LA COMPETICIÓN ENTRE NOSOTRAS NUNCA DEBIÓ EXISTIR, QUE JUNTAS TENEMOS MÁS FUERZA QUE CUALQUIER DISCRIMINACIÓN O MACHISMO, QUE SER MUJER ES BELLO Y TENEMOS QUE ESTAR ORGULLOSAS DE SERLO. Aprendí que por muchos obstáculos que nos pongan -y, a veces, nos pongamosen el camino, podemos ser lo que queramos ser y que las diferencias no son malas. De ti aprendí que puede haber una buena alma entre tanta superficialidad, y que los jóvenes tenemos que luchar por los jóvenes, aunque personalmente nos encontremos en una buena situación.

Y quiero seguir aprendiendo, a través de tu cine y de lo que compartes con todos nosotros.