MEW Magazine - Junio 2023 - Ludwika Paleta

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Mustang / Koahari / Celia B

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Carta de la directora

Junio es ese mes en el que de pronto pueden llegar fuertes vientos, un sol intenso y una tormenta tropical. Al mismo tiempo que las mariposas tiñen el horizonte, vivimos y nos recreamos en tiempos de encuentros y risas, brisas intensas y eternas, junto a abrazos de vuelta a casa, a la raíz, al hogar. Nuestro mundo se tiñe de otro color. Un color un poco más cálido y armonioso. Donde las oportunidades nos visitan desde otra perspectiva y el futuro no nos amenaza tanto.

Junio a ratos se comporta como septiembre para los estudiantes,

un nuevo punto de partida. Quizá porque los días se vuelven infinitos y la luz nos enseña que tras un túnel un poco complejo siempre está ahí para nosotros, esperando nuestra mano.

Es tiempo de sonreír un poco más de la cuenta por eso de protagonizar una nueva temporada donde la esperanza nos inunde un buen rato.

26 · Ludwika Paleta Toda una historia. 6 · Moda Paradiso Sunset.

9 · Opinión Un precio demasiado alto.

44 · Teatro Una pieza genial.

48 · A bocados Mítiko

‘PARADISO SUNSET’ la nueva colección de Celia B que te transportará a un verano infinito

Colores y estampados que se presentan en una amplia variedad de estilos y patrones, desde trajes de chaqueta, caftanes veraniegos, faldas, bikinis o sus ya icónicos vestidos de volantes.

por REDACCIÓN / fotografías Fabra Comunicación

Con la llegada del verano, también lo hacen las nuevas colecciones que nos adentran de lleno en un universo infinito de colores, alegría, diversión y mucha fantasía. Mundos que nos evocan esos paraísos lejanos pero con los que no dejamos de soñar, especialmente en vacaciones. Prendas que sirven como método de transporte y vía de escape en los días de verano en los que esperamos, pacientemente, a que llegue ese ansiado descanso.

Entre estas nuevas colecciones encontramos una que es pura alegría y color, la de la asturiana Celia B que presenta bajo el nombre “Paradiso Sunset”. Una colección que como su propio nombre indica, te transportará a un paraíso de colores, tejidos y patrones, algo muy habitual en la esencia de la firma. Tal y como la propia diseñadora indica, el enriquecimiento del viajar, las vivencias y los recuerdos siempre han sido una fuente de inspiración y algo instrumental para la firma. Por eso, teniéndolo en cuenta, han querido hacer un guiño a esta pasión con los nombres de las prendas de esta colección: islas paradisíacas, algunas más cercanas, como Mallorca, o las naturales de Grecia, Santorini o Zante, y algunas otras más lejanas como Santa Lucía o Bora Bora.

Una colección cargada de colores inéditos, diferentes y especiales que continúan como foco principal y seña de identidad de la firma. Ahora con “Paradiso Sunset” lo hacen con una versión más veraniega y fresca

con tonos flúor en lima, naranja o rosa. Además, esa apuesta de colores tan característica de la firma se complementa por el print principal de la misma: las flores. Amapolas y margaritas son las encargadas de llenar de luz y alegría la nueva colección de Celia B.

Colores y estampados que se presentan en una amplia variedad de estilos y patrones, desde trajes de chaqueta, caftanes veraniegos, faldas, bikinis o sus ya icónicos vestidos de volantes. Celia B ha creado esta colección pensando en mujeres todoterreno ya que cuenta con prendas para la oficina, para un brunch con amigas e incluso para el momento ‘BBC’ (bodas, bautizos y comuniones). También tiene diseños para fiestas, pool parties y hasta sesiones de spinning.

Destacan especialmente nuevos diseños como el vestido Bali, un mini vestido asimétrico con un maxi volante cruzado, y otros ya característicos como el Bora Bora, dándole un aire fresco con nuevos colores en tonos pastel como el rosa, y con motivos florales que son propios de la colección.

Otra de las nuevas formas de Celia B es el vestido Fiji, un diseño mini, ancho y fresquito en color verde flúor, rosa o lima que es perfecto para las tardes veraniegas para vestir en tu día a día. También destaca en esta nueva colección Boracay Cape, una divertida capa con tejido de toalla perfecta para las tardes de playa.

“Una colección que como su propio nombre indica, te transportará a un paraíso de colores, tejidos y patrones, algo muy habitual en la esencia de la firma”

UN PRECIO DEMASIADO ALTO

por P. GUERGUÉ

Hay profesiones que tienen un precio demasiado elevado o, al menos a mí, me lo parece. Oficios tan públicos como el de un actor o un cantante, a ratos, puede complicarte un poco la vida. Y es que quizá no estamos preparados aun para entender que la vida privada es un derecho fundamental que nadie debería tocar, incluso ni rozar. Hace unos días me llegó una historia de un par de chicas, en Tailandia, conocidas por participar en el mayor certamen de belleza del país, donde han conseguido un gran apoyo general por la química que han mostrado ante ambas. Mucho tirón por una posible relación conjunta, pero mucho ‘hate’ si esa relación se diese en algún momento. Por un lado, un abanico muy amplio de obsesivos porque su pareja se haga real y por otro lado amenazas de muerte por si se les ocurre iniciar una relación. Un cóctel al que se le empiezan a sumar ingredientes como ansiedad o ataques de pánico. Tal vez, es hora de dar una vuelta de tuerca a las redes sociales y ver de qué forma podemos ‘controlar’ el odio que se desparrama cual tormenta tropical. Puede que si las redes sociales no fueran tan anónimas la gente controlaría más su ira, envidia y demás de malas sensaciones.

Está claro que ser un personaje público puede traerte muchas cosas positivas, pero quizá las negativas pesen mucho más. Más en estos momentos donde cualquiera de nosotros podemos sacar nuestro móvil y enfocar hacia un conocido y sacar fotos y videos sin ningún

tipo de problema, colgarlo en la red y difundir lo que nos dé la gana. Hay valores como el respeto que los estamos dejando de lado. La empatía es un acto que casi nunca priorizamos.

Nos enfocamos en la salud mental cuando alguien pierde su vida por ‘no aguantar la presión’, pero nuestro enfoque dura exactamente 24 horas. A las 48 horas volvemos a señalar porque, normalmente, tenemos tanta mierda dentro de nosotros mismos que tenemos que escupírselo al de enfrente. Nos estamos desorientando. El foco de las redes sociales está deslumbrando nuestros pensamientos y nos estamos perdiendo por el camino.

Hay algo que antes se hacía muy bien… en tu casa podías poner a caldo a alguien, pero al salir por las calles de tu barrio, sonreías y dejabas tus ideas a un lado… eso tus abuelas te lo explicaban muy bien. Lo que ahora te identificarían como falsedad, porque es mejor no tener filtro y decir lo primero que se te pasa por la cabeza. No estaría nada mal volver a esa falsedad porque una sonrisa de esas no hace daño, pero una palabra desafortunada en un momento poco indicado puede terminar con la palabra ‘adiós’ como única salvación.

El calzado que garantiza la talla correcta de tu zapato

En Glent, gracias a su tecnología 3D, desarrollan previamente un informe personalizado para poder recomendar al cliente tanto los materiales del zapato como la horma y la talla para ajustarse lo mejor posible a tus necesidades con más de 300 combinaciones posibles.

por REDACCIÓN / fotografías Fabra Comunicación

La firma española cuenta con los mejores profesionales, así como un gran expertise para que cada persona lleve el calzado que mejor se ajuste a su pie.

Escoger un buen calzado no es una tontería y es que del pie dependen muchos factores de nuestra salud ya que son los que soportan el peso del cuerpo día tras día. A ellos les debemos a su vez una buena postura corporal, así como la ausencia de dolores de espalda, por ejemplo. Por tanto, es muy importante cuidar de ellos día tras día y eso empieza en el calzado por las horas que pasan los pies dentro de los zapatos. Elegir un buen calzado involucra también diferentes partes como son la forma del zapato, los materiales con los que ha sido fabricado, las plantillas del mismo o la horma, entre otros.

Todas estas características son las que harán que tengas, o no, problemas de salud a corto y largo plazo. A la hora de comprar un zapato son pocas las firmas que gozan de un gran conocimiento y personal cualificado como para aconsejar correctamente la talla correcta del zapato. Glent es una de esas pocas y es que va más allá de la histórica técnica de comprobar manualmente cómo queda la talla del zapato. De hecho, combina una innovadora tecnología 3D con la riqueza de la elaboración artesanal para dar lugar a unos zapatos hechos a medida, elegantes y personalizados.

Bajo el nombre de Perfect Fit, en Glent cuentan con un

software inteligente, así como una tecnología 3D avanzada para determinar la talla correcta de calzado al tomar las medidas de largo, ancho y altura de empeine de cada pie de forma individualizada. Así ya no tendrás que preocuparte por saber si has escogido o no la talla correcta de tus nuevos zapatos. Pero, además, para todas las personas que no tienen esa posibilidad, Glent Wear es la colección disponible para comprar al momento y que se trata de una selección de zapatos fabricados en hasta tres anchos y medias tallas para poder elegir tu talla perfecta gracias a los asesores expertos de la tienda que te aconsejarán en todo momento. Modelos que a su vez facilitan la integración de plantillas acomodativas diseñadas en exclusiva por Glent o la recomendada por tu podólogo.

Uno de los principales problemas a la hora de elegir el calzado es la talla del mismo ya que, el desconocimiento y la falta de ayuda profesional, hace que no estemos utilizando el modelo que deberíamos para nuestro pie, lo que afecta significativamente a nuestra salud. En Glent son muy conscientes de ello, por eso, gracias a su tecnología 3D, desarrollan previamente un informe personalizado para poder recomendar al cliente tanto los materiales del zapato como la horma y la talla para ajustarse lo mejor posible a tus necesidades con más de 300 combinaciones posibles.

En Glent cuentan además con un equipo de podólogos que estudia previamente cada caso en particular y así corroborar que el zapato sea el correcto para la persona que lo va a llevar, así como para recomendar, si fuese necesario, el uso de una plantilla acomodativa para conseguir una mayor estabilidad, sujeción al pie, adaptabilidad al terreno y retraso de la fatiga plantar.

Su nueva colección de verano es además todo lo que necesitas para disfrutar de unas vacaciones sin que nadie te pare los pies.

La autenticidad, el secreto del éxito de Carmela Osorio

Definir el concepto de éxito para cada uno de nosotros es fundamental para enfocarse en conseguirlo a medio y largo plazo.

por REDACCIÓN / fotografías cedidas por Fabra Comunicación

La definición de éxito está claro que no es la misma para todo el mundo, el éxito se podría definir como alcanzar los objetivos de cada persona en la vida. Mientras que para unos es montar una empresa de éxito, para otros puede ser tener una familia feliz. Por eso es importante matizar bien el concepto y a partir de la definición única y personal, responder a la pregunta de si se ha conseguido dicho éxito.

Por eso para Carmela Osorio, empresaria creativa, “el éxito no es algo que se pueda definir con una sola palabra o concepto. No creo en el éxito como algo tangible y absoluto, sino más bien como un camino que se recorre a lo largo de la vida”, explica. Además, también cuenta que si hay algo que le ha enseñado la vida es que el éxito es estar feliz contigo misma, hacer lo que te apasiona, encontrar tu propósito, construir una marca de moda sostenible de la que te sientas orgullosa y rodearte de una comunidad creativa que te inspire como PA’LANTE, su nuevo workshop creativo donde aprender a desarrollarte, moverte en el mundo profesional, diferenciarse y encontrar tu hueco en el sector.

Aunque Carmela explica que no cree que haya llegado al éxito en su forma más clásica, admite estar contenta y extremadamente con lo que ha logrado hasta ahora. “He encontrado mi pasión en el mundo creativo y he construido cosas que me hacen sentir orgullosa, como mi marca de moda sostenible o la comunidad creativa que he creado. También he tenido la suerte de aprender de gente que admiro y tener mentores que me han inspirado a lo largo de mi carrera. Como decía mi mentor André León Talley: ‘Take my story with me wherever I go. The past is always in the present’.”

El éxito de Carmela Osorio es realmente otra cosa: la autenticidad. Y es que para ella el éxito radica en descubrir y expresar tu verdadera identidad y mensaje a través de tu trabajo, incluyendo tus raíces y cultura con orgullo sin importar a dónde vayas.

Tanto Osorio como su socia Inés, han dado un gran paso al construir su empresa. Para ellas eso representa un gran logro hacia su futuro y hacia ese éxito del que tanto se habla y que ha sido, en realidad, la acumulación de objetivos que ella misma se ha ido trazando a lo largo de su vida. “Quiero que las empresas que estamos creando sean una herramienta para apoyar a otros creativos a lograr sus objetivos y ser parte de esa comunidad creativa con la que siempre hemos soñado”, explica la empresaria creativa.

El éxito es algo personal y subjetivo, y eso es algo que Carmela ha mantenido siempre. Se trata de encontrar lo que te hace feliz y sentirte orgullosa de lo que has logrado y, por supuesto, también de lo que falta por lograr. El camino hacia el éxito puede ser largo y difícil, pero es importante disfrutar de cada experiencia y sacarle el máximo provecho.

Trueno regresa con “Dubai” junto a Beny Jr

Liderando el movimiento del hiphop latino, el argentino regresa tras un tiempo de ausencia y ya se prepara para su gira por España en julio y agosto.

por REDACCIÓN / fotografías cedidas por UMO Agency

Embarcándose en una misión para demostrar el impacto duradero que ha tenido el hip-hop sobre la juventud de hoy y con mucho que decir, el prodigio del rap latino Trueno marca el comienzo de una nueva era con el lanzamiento de “DUBAI”. Con esta fusión de reggaetón clásico y hábiles juegos de palabras, Trueno presenta un proyecto experimental, único y fiel a su esencia, que demuestra lo versátil que es realmente la maravilla del rap, esta vez uniendo esta vez uniendo fuerzas con el rapero marroquí-español Beny Jr. “DUBAI” ya está disponible en todas las plataformas digitales.

Dándole un nuevo giro a las melodías sensuales y cautivadoras del reggaeton, “DUBAI” muestra la innegable capacidad de Trueno para transformarse y prosperar dentro de cualquier género, siempre manteniendo vivo su característico sonido. En el tema, el pionero argentino se adentra en el romanticismo y presenta una profunda sensación de asertividad, mezclada con inquietantes sintetizadores y pronunciados elementos de percusión. Diseñado para resaltar los rasgos contundentes de ambos artistas, este single crea el equilibrio perfecto entre la destreza lirical de Trueno y la vocalización dinámica de Beny Jr.

El estreno de “DUBAI” inicia un momento fundamental en la creciente carrera de Trueno, que concluye el capítulo final de BIEN O MAL, después de un año revolucionario e histórico para el fenómeno del rap. El tema llega tras una exitosa e inolvidable gira por México, haciendo historia con explosivas presentaciones en dos de los festivales más grandes y prestigiosos de México: Tecate Pal’ Norte y Festival Ceremonia. Sumándose a su extensa lista de logros, la estrella del hip-hop fue reconocida con una nominación a los Premios Latin GRAMMY® 2022 por primera vez en la categoría “Mejor Canción Rap/Hip-Hop” por su éxito “DANCE CRIP”.

Siguiendo marcando hitos en su

carrera, Trueno se sentó con Rolling Stone para una mirada en profundidad dentro de su sonido y proceso creativo para Musicians on Musicians 2022. Septiembre también marcó un momento revolucionario para el joven exponente del hip-hop con el estreno de su anticipado Tiny Desk (Home) Concert. En su actuación para la renombrada Tiny Desk, Trueno aprovechó el momento para presentar a Argentina ante el mundo entero, mostrando cómo la intimidad de la vida de los conventillos modificó a las sociedades latinas en su conjunto.

Más recientemente, la estrella argentina tomó el trono como el máximo ganador en los Premios Gardel 2023 en Buenos Aires, llevándose cuatro premios, entre ellos el codiciado “Gardel de Oro” por su aclamado álbum BIEN O MAL. Trueno fue reconocido en las siguientes categorías: “Álbum del Año” y “Mejor Álbum de Música Urbana” por su exitoso álbum, BIEN O MAL; “Grabación del Año” por “ARGENTINA” junto a Nathy Peluso; y “Mejor Colaboración de Música Urbana” por su colaboración con Dante Spinetta, “Sudaka”.

Trueno, que cuenta con más de 7 millones de oyentes mensuales en Spotify, confirmó recientemente su esperado regreso a España para su gira de verano, que comenzará en Barcelona en el Primavera Sound el próximo 2 de junio. Trueno también hará paradas en Granada, Sevilla, Madrid, Málaga y Santiago de Compostela a lo largo del mes de junio. El 15 de julio, Trueno seguirá celebrando los 50 años del hip-hop con una actuación en Central Park de Nueva York para el Latin American Alternative Music Conference (LAMC).

Valenzuela y su emotivo video de “¿Dónde Se Llora Cuando Se Llora?”

CON IMÁGENES QUE INVITAN A LA REFLEXIÓN, EL VIDEO PLANTEA PREGUNTAS SOBRE LA VULNERABILIDAD ADULTA Y OFRECE UNA REFLEXIÓN CONMOVEDORA SOBRE LA IMPORTANCIA DE ABRAZAR Y PROCESAR EL DOLOR. por REDACCIÓN / fotografía ©Pao Velasquez

El video musical explora el contraste entre la fachada pública y el ámbito privado, donde se desatan las emociones verdaderas. Se desarrolla en el entorno cotidiano de un estacionamiento y en el espacio íntimo de un automóvil, mostrando el viaje de la ruptura emocional y la catarsis. Valenzuela, reconocida por su habilidad en el piano, entrelaza hermosas tomas cinematográficas con auténticas expresiones de emoción cruda, creando una atmósfera poética y ligeramente surrealista.

Con imágenes que invitan a la reflexión, el video plantea preguntas sobre la vulnerabilidad adulta y ofrece una reflexión conmovedora sobre la importancia de abrazar y procesar el dolor. Grabado en Santiago, Chile, muestra el crecimiento artístico de Valenzuela y su capacidad para conectar con su audiencia a un nivel profundo.

“Quería hacer un video que capturara verdaderamente el momento de derrumbarse y derramar lágrimas”, expresó apasionadamente Francisca Valenzuela. “Se adentra en ese espacio íntimo y privado donde confrontamos nuestra tristeza más profunda y nos permitimos ser completamente destrozados. El video busca responder a la pregunta de dónde encuentran los adultos consuelo en su vulnerabilidad y cuándo podemos revelar auténticamente nuestras verdaderas emociones. Es una representación visual de esa experiencia intensa y catártica de sollozar y quedar devastados. A través de una combinación de estética cinematográfica, interpretaciones de piano y expresiones genuinas, este video ofrece un viaje poético y surrealista a las profundidades de la emoción humana”.

Francisca Valenzuela compartió hoy el emotivo y visceral video musical de su último sencillo, “¿Dónde Se Llora Cuando Se Llora?”. Dirigido por Alba Gaviraghi, el impresionante video captura los momentos crudos y vulnerables que siguen a una dolorosa ruptura. La canción es una adelanto de lo que será el sexto álbum de Valenzuela, fechado para el segundo semestre de 2023.

“¿Dónde Se Llora Cuando Se Llora?” es una pieza confesional y catártica que promete dejar una impresión duradera en quien la escuche. Escrita y producida por la propia Valenzuela junto al músico y productor chileno, Francisco Victoria, el estreno no sólo da muestra de la identificable vulnerabilidad y fortaleza que posee la artista, también de sus sensibilidades, sutilezas y prismas que envuelven a un álbum de quiebre amoroso.

Francisca Valenzuela es una destacada cantautora, poeta, intérprete y activista chilena. Su impresionante carrera se destaca por numerosos logros, incluyendo su papel como entrenadora en The Voice Chile, donde comparte su perspectiva única y amplia experiencia en la industria musical para apoyar y amplificar a cantantes emergentes. Valenzuela se ha establecido como uno de los nombres más prominentes de América Latina, con su reciente álbum Vida Tan Bonita recibiendo aclamación de la crítica y obteniendo un lugar en la lista de Mejores Álbumes de 2022 de Rolling Stone. Ha colaborado con artistas reconocidos como U2, Miguel Bosé, Pablo Alborán, Mon Laferte, Natalia Lafourcade y Pedro Aznar. La música de Valenzuela resuena en audiencias de todo el mundo, reflejando su identificable vulnerabilidad, fortaleza y sensibilidad artística.

por REDACCIÓN fotografías de Universal Pictures

ASTEROID cITY: UN EXAMEN REFLEXIVO Y PERSONAL

una historia mucho más grande

ASTEROID CITY es un diminuto pueblo en medio del desierto en el suroeste estadounidense. Es el año 1955. La mayor y más famosa atracción del pueblo es un cráter gigantesco y el cercano observatorio astronómico. Este fin de semana, el ejército y los astrónomos darán la bienvenida a cinco jóvenes científicos para que muestren sus descubrimientos. No muy lejos de allí, por encima de las colinas, se divisan nubes en forma de hongo procedentes de unos ensayos nucleares.

Este es el escenario de la última película de Wes Anderson, una juguetona y brillante comedia, rebosante de imágenes para llenar la vista, pero también con la carga emocional tan propia de sus obras anteriores.

La jornada festiva en honor a los logros de los jóvenes astrónomos se ve interrumpida por una visita inesperada: un alienígena. Asteroid City es cerrada a cal y canto, y el ejército se inventa una historia para tapar la realidad, pero los precoces genios, que nos recuerdan a los niños y adolescentes de los clásicos de Spielberg, tienen un plan para dar la noticia al mundo.

Pero como siempre ocurre con el inimitable Wes Anderson, la historia es mucho más grande. En la Costa Este de Estados Unidos, los personajes de Asteroid City están en el escenario preparando una obra titulada “Asteroid City”. Y aquí nos adentramos entre bambalinas para acercarnos a las vidas de estos actores de 1955. Actores de teatro que adquieren experiencia y están a punto de convertirse en estrellas.

Tan divertida como cualquiera de las películas de Wes Anderson, desde luego, pero más cósmica, la cinta es un examen reflexivo y personal de unas complejas relaciones familiares y de nuevos romances, padres e hijos, secretos, descu-

brimientos y unos niños que demuestran ser más astutos que los adultos, además del Oeste estadounidense de horizontes abiertos y la grisácea Costa Este. Y todo con el perfecto equilibrio que Wes Anderson sabe imprimir mejor que nadie.

Como si fuera un sueño, la película es una mezcla de ideas y de lugares. Arranca en blanco y negro en un estudio de televisión que recuerda a los programas de la edad dorada de la pequeña pantalla como “Playhouse 90”, en otras palabras, Broadway en televisión, con obras dirigidas por John Frankenheimer y Sidney Lumet retransmitidas en directo, con estrellas de la talla de Lee Cobb y

James Dean. En la época no había una escuela de teatro más famosa que el Actors Studio, donde estudiaban futuras leyendas como James Dean, Marlon Brando, Julie Harris, Sidney Poitier y Rod Steiger con profesores de la talla de Elia Kazan y Lee Strasberg. Para muchos de los actores de esa generación, y también para futuros directores y guionistas, el salto de los escenarios a la gran pantalla incluía una parada en los dramas televisados.

“Cuando empecé a querer hacer cine, este periodo era el corazón de todo”, explica Wes Anderson. “Veíamos El padrino, Taxi Driver, a Brian De Palma. Y quizá más a Marlon Brando y James Dean,

Montgomery Clift y Elia Kazan. Eran películas que tenían una relación con los escenarios. Este grupo de películas a las que me refiero probablemente se forjó con Un tranvía llamado deseo. Tennessee Williams es una de las voces importantes de ese periodo y la herida abierta de esos personajes”.

El teatro está incrustado en la narrativa de Wes Anderson. El trabajo en común, los decorados, la coreografía visual, todo forma parte del escenario donde debe resolverse lo irresoluble. Eso ya se ve en la primera película de Wes Anderson, Bottle Rocket (Ladrón que roba a ladrón), en torno a un par de incipientes ladrones con una fuerte inclinación por los golpes teatrales, o también en Max Fischer de Academia Rushmore, y Margot Tenenbaum de Los Tenembaums, una familia de genios. El teatro es un aparato que sirve para procesar dramas interiores. Antes de sumirnos en Life Aquatic, la historia arranca en un escenario.

El cineasta empezó a escribir obras para un solo actor a los 9 años; conoció a Owen Wilson años después en un seminario de escritores de teatro y le dio un papel en una obra universitaria llena de humor sobre Sam Shepard titulada “A Night in Tunisia”. “Me encanta Sam Shepard, siempre he adorado a Sam Shepard”, reconoce. “Owen y yo teníamos una auténtica fijación por Shepard antes de rodar nuestra primera película juntos. En la época, formaba parte de nuestra vida. Recuerdo leer algo donde hablaba de los soldados que regresaron de la II Guerra Mundial y que nunca volvieron a ser los mismos, sino que se convirtieron en padres violentos y perturbados. Él creció con esto”.

La fascinación por Sam Shepard fue la inspiración para el personaje de Augie Steenbeck. Augie también ha estado en el campo de batalla, aunque no como soldado, sino como fotógrafo. Stanley, el suegro de Augie, a pesar de ser un hombre ocioso, lleva un arma, la culata siempre sobresale por encima de su cinturón. En una entrevista con el periodista Matt Zoller Seitz, el cineasta sugiere que a Stanley,

como a muchos hombres de su generación, la costumbre le viene de la II Guerra Mundial y al reintegrarse a la vida civil, la conservó. Estos son los detalles que Wes Anderson incluye siempre en sus trabajos. Aunque no llamen la atención ni se ofrezca explicación alguna, nos lo dicen todo de un personaje en un segundo sin necesidad de elaborar una larga explicación.

En 1995, la guerra sigue estando muy presente entre los veteranos, sus familias e hijos. En palabras de Wes Anderson: “Algo ocurre, la América media ha salido del país y conocido el mundo, han vuelto dañados. Heridos, desesperados, perdidos, no encajan con la superficie estilo club de campo que el país desea tener y proteger. Son las dos caras de la moneda”. Aunque sin cargas explosivas, e interpretada con delicadeza por los actores Tom Hanks y Jason Schwartzman, esta sensación es palpable entre Augie y Stanley, que nunca pensó que su yerno fuera lo bastante bueno para su hija. Sin embargo, y como muchos melodramas hollywoodianos de la época, no hay una gran tragedia, y debido a su entrega a los cuatro niños, siguen siendo una familia.

Wes Anderson y Roman Coppola sabían desde el principio que Jason Schwartzman, un colaborador habitual, debía ser el centro de la película. “Escribimos el guion para Jason”, corrobora el cineasta. “Es un personaje que Jason no había interpretado antes, pero sabíamos qué facetas podíamos pedirle a Jason y lo que sería capaz de hacer; construimos la película a partir de eso”. En ocasiones, el actor participó en el proceso de escritura, y recuerda el momento en que Wes Anderson se lo propuso por primera vez: “Vino a decirme que tenía una idea, pero que quería trabajar con Roman porque me veía

en esa idea y sería mejor que los dos la escribiesen y la preparasen para que yo pudiera leerla cuando ya estuviera más construida”.

El actor no dudó en apuntarse al proyecto. “Era el principio de la pandemia, un momento de caos, incertidumbre y confusión”, dice. “Pero tener la posibilidad de hacer algo con Wes era como una especie de faro en medio de la niebla. No tenía ni idea de qué iba, pero era mi faro. No sé más. Me ayudó mucho y le estoy muy agradecido”.

Los personajes de Augie Steenbeck y de Jonas Hall, el actor que le interpreta en la película, ambos encarnados por Jason Schwartzman, empezaron a cobrar forma. Según reveló el actor en una entrevista reciente, escuchó numerosas grabaciones de Stanley Kubrick en su intento de lograr hablar entre dientes y hasta se hizo instalar una sala de proyecciones en su casa. Algunas referencias visuales saltan a la vista, como cuando se ve a Jones con el suéter tapándole la barbilla, un guiño a la legendaria serie de fotografías que Roy Schatt le hizo a James Dean titulada “Torn Sweater” (Suéter desgarrado).

RUBY: AVENTURAS DE UNA KRAKEN ADOLESCENTE

RUBY: AVENTURAS DE UNA KRAKEN ADOLESCENTE está entre una comedia basada en personajes y temas más amplios e impactantes, como la identidad, la responsabilidad familiar, el amor y la aceptación

por REDACCIÓN / fotografías ©Universal Pictures

El océano es un mundo misterioso que los habitantes de tierra firme apenas pueden empezar a imaginar. Ese mundo, así como los fantásticos seres que habitan en sus profundidades, siempre ha inspirado a Kirk DeMicco, nominado por la Academia. Con RUBY:

AVENTURAS DE UNA KRAKEN

ADOLESCENTE, su cuarta película, el cineasta se basa en el folclore y en los mitos para contar la historia cercana de una adolescente algo fuera de lo común que, al descubrir el linaje de su familia y quién es en realidad, decide sacar a la luz a su heroína interior.

“Como director siempre me ha interesado trastocar las expectativas al contar una historia”, explica Kirk DeMicco. “En RUBY: AVENTURAS DE UNA KRAKEN ADOLESCENTE me atraía sobre todo la posibilidad de trabajar con la mitología de los kraken y de las sirenas.

Tradicionalmente, el kraken es un ser monstruoso, temible, al que es mejor evitar. Pero en este caso, nos apetecía explorar la idea de que los kraken fueran los poderosos y bondadosos protectores de los mares. Y, del mismo modo, quisimos dar la vuelta a la tradicional imagen de la sirena, convirtiéndola en un ser mítico más complicado y matizado, contradiciendo las expectativas del público”.

El resultado es una historia acuática deslumbrante, divertida y con resonancias muy próximas acerca de una adolescente que busca su lugar en el mundo y acaba aprendiendo cosas que jamás había imaginado. “DreamWorks Animation tiene una larga tradición cómica modificando el recorrido del héroe: puede ser un ogro que salva a una princesa, un panda que se convierte en guerrero, o un adolescente vikingo con ideas progresistas y su dragón herido que cambian el destino de su comunidad”, comenta Margie Cohn,

presidenta de DreamWorks Animation. “Ruby Gillman abre un nuevo capítulo en la tradición: una adolescente con poderes tan extraordinarios como inesperados”.

El viaje de Ruby hasta llegar a la gran pantalla empezó hace más de tres años. Los primeros guiones se centraban en toda la familia Gillman, pero los productores y el director lo enfocaron poco a poco en la joven heroína y decidieron que sería la protagonista perfecta para una aventura inspirada en la mitología. Ruby es una incomprendida kraken y quiere desbaratar los planes de Chelsea, la superpopular recién llegada al instituto Oceanside, que personifica a las vanidosas y egoístas sirenas. “Si se trabaja con seres mitológicos, no existen las habituales limitaciones del mundo real”, dice el director. “Es posible dar rienda suelta a la imaginación y crear seres únicos. Pero es posible que sea aún más importante el hecho de que los seres míticos nos permiten explorar ver-

dades fundamentales de la experiencia humana. Tanto si se trata del temor a lo desconocido, como de la lucha por encontrar un lugar en el mundo, estos seres pueden ayudarnos a explorar temas de esa índole de forma memorable”.

La productora Kelly Cooney Cilella, que se unió al proyecto cuando aún estaba en fase de desarrollo en 2019, reconoce que le conquistó la inteligente visión de la película, basada en un mito muy antiguo y en poderosas relaciones familiares. “Me gustó la idea de formar parte de una película tan original y tener la oportunidad de reunir a un equipo que entregara algo especial”, recuerda. “El concepto cómico de la historia me atrajo inmediatamente: invierte lo que el público espera de una kraken y de una sirena. Y además, me gustó que hubiera un instituto de telón de fondo. Pero lo que me convenció del todo fue la relación madre-hija-abuela y cómo evoluciona en la historia. Digamos que me enganché por la comedia y me prendí de las emociones”.

Cuando buscaban a un compañero artístico que les ayudara a dar forma a la narrativa y al impactante estilo visual de la película, el director y la productora hablaron con Faryn Pearl para que ocupara el puesto de codirectora, a pesar de haberse unido al proyecto como encargada de la historia. “Pensé inmediatamente que Faryn tenía mucho que ver con Ruby”, dice Kelly Cooney Cilella. “Tiene una tremenda vena cómica, pero también una gran sensibilidad que encaja a la perfección con el tono de la película”. Kirk DeMicco añade: “Faryn aportó una vertiente emocional que dio alas a la historia. Además, es muy graciosa, algo esencial para contar una historia atractiva e interesante”.

Faryn Pearl no duda en decir que tuvo mucha suerte de trabajar con Kirk DeMicco en su primera experiencia como codirectora. “Siempre me han encantado sus películas, ha sido un guía maravilloso”, reconoce. “Su estilo de dirección es muy abierto, cuenta con los demás, pero cuando debe tomarse una decisión difícil, sabe

qué hacer. Además, es un pozo de conocimientos, nunca he estado con alguien que haya visto tanto cine”.

RUBY: AVENTURAS DE UNA KRAKEN ADOLESCENTE está entre una comedia basada en personajes y temas más amplios e impactantes, como la identidad, la responsabilidad familiar, el amor y la aceptación. Al comienzo de la película, Ruby es una encantadora y algo torpe dieciséisañera que lo pasa bien con sus amigos y da clases de matemáticas a Connor, del que está enamorada. Se muere por invitarle al baile de fin de curso – aunque están en un colegio bastante patriarcal –, pero Agatha, su madre, le prohíbe ir. El baile se celebra en un barco, y Agatha nunca le ha permitido a Ruby acercarse al agua. No tendría la menor importancia si no viviesen en Oceanside, una pequeña ciudad costera, como indica su nombre, donde todo el mundo queda en el muelle.

Incluso así, Ruby, que prefiere evitar cualquier tipo de enfrentamiento, siempre ha obedecido a su madre, hasta que un inesperado incidente hace que se tire al mar para rescatar a Connor. La adolescente se queda petrificada cuando se transforma en una gigantesca kraken debajo de la superficie. Se da cuenta de que su madre no le ha contado toda la verdad acerca de su familia y decide enterarse de quién es realmente. En su afán por descubrir su identidad, traba amistad

con el enemigo, la popular Chelsea, que tiene planes muy concretos, y se aproxima mucho a su abuela, la reina de los kraken, que está deseando que Ruby la suceda en el trono. Pero antes de que esto ocurra, a Ruby le queda mucho por aprender. Deberá descubrir la forma de superar sus dudas, quererse y aceptarse tal como es. Tan solo entonces podrá seguir su destino y convertirse en una auténtica heroína.

“La película es una historia intergeneracional que conecta con el ambiente cultural que rodea el empoderamiento adolescente”, dice Margie Cohn. “Creemos que RUBY: AVENTURAS DE UNA KRAKEN ADOLESCENTE tiene el potencial de convertirse en la película del poder femenino de este verano y esperamos que también sea una piedra de toque para futuras generaciones”.

" RUBY GILLMAN ABRE UN NUEVO CAPÍTULO EN LA TRADICIÓN:

Vestido, de Celia B

Ludwika

PALETA

fotografía ANA MÁRKEZ / texto y entrevista P. GUERGUÉ estilismo YURENA GUERRA / muah LETICIA PERILLÁN localización HOTEL COOLROOM PALACIO DE ATOCHA

Hay oficios que llegan a la vida de las personas de forma inesperada y personas que nacen, que llegan destinados a estar dentro de una profesión porque es su lugar, el predeterminado, el definido, donde mejor se hallan o se encuentran. Ese espacio donde pueden descubrir quiénes son y hacia dónde quieren ir. Ludwika Paleta creció en un oficio donde la paciencia es clave para el camino a desarrollar y donde los pies nunca deben volar demasiado alto, por eso de las grandes caídas que nos pueden esperar. Y es que alzar el vuelo es fundamental teniendo claro cuál es tu punto de partida, tú raíz.

Ella viaja segura en un camino cargado de personajes que le han ayudado a ser y bailamos junto a sus historias de ayer, de hoy y de siempre.

MEW Magazine (MW): ¿Qué parte de ti has descubierto gracias a tu oficio?

Ludwika Paleta: Muchas cosas, muchísimas. Ahora mismo no las tengo frescas y no sé decirte, pero son cosas que voy descubriendo o he ido descubriendo a lo largo de mi vida. Sobre todo, en el teatro, ¿sabes? Porque el teatro me parece un lugar donde puedes explorar muchísimas cosas sobre ti, construyendo un personaje. Sobre todo, en la mesa donde se trabaja y se construye un personaje. Donde se descubre la obra y se habla de un montón de situaciones que podrían pasar. Y te descubres porque tú traes tus propias cosas. En el momento en el que descubres un personaje te das cuenta de las cosas qué harías, qué cosas no harías o qué cosas harías diferente o cómo reaccionarías tú. Te confrontas con muchísimas cosas.

De pronto, a mí me ha pasado estar en una función, en la veinte o en la cien, y darme cuenta de algo que no había identificado antes. Es casi como ir a terapia.

MW: Como espectador podemos quedarnos con la mala idea de que hacer teatro es repetir siempre el mismo texto, pero para los actores un día no tiene nada que ver con el siguiente, porque siguen descubriendo cosas…

Ludwika Paleta: Sí, sí, total, sigues descubriendo cosas. Es así. Por eso es que el teatro tan mágico y tan potente. A pesar de que a veces se vuelve un poco tedioso, si tú entras realmente en esta dinámica de aprender y de tratar de estar presente y de realmente sentir lo que estás diciendo, sigues descubriendo.

MW: Hay una actriz en España que me comentó que a pesar del desgaste que se sufre en una obra de teatro, el audiovisual le generaba una mayor descarga de dicha energía, sobre todo en esas escenas donde el director corta varias veces teniendo que volver al punto de partida de la emoción…

Ludwika Paleta: Es cierto, sí. No lo había pensado así. Lo bueno es que se compensa porque en el cine lo haces una vez o dos, tres o cuatro. En el teatro es cada vez. Y a mí que me encantan los dramas escojo historias en donde, realmente, dejo ahí muchas cosas, muchas emociones. Entonces, hacerlo una, diez, cien, implica mucha energía. Sí que es cierto que, de pronto, estás en una escena, frente de las cámaras y lo das todo y te cortan la emoción, pero los directores ya saben…he tenido la suerte de trabajar con directores con los que tienes esa comunicación y saben que una escena es difícil y que no puedes dar más tomas porque se desgasta la emoción.

MW: ¿Este oficio es un oficio donde una de las partes fundamentales es tener paciencia?

Ludwika Paleta: Sí, yo diría que sí, paciencia, pero también tener los pies sobre la tierra. Porque esta profesión, de pronto, se confunde con otra cosa: eres famosa o eres más guapa que que famosa o eres más famosa que buena actriz. Si no tienes claro lo que eres y lo que quieres ser puedes llevarte muchas malas pasadas. Te confundes…y las redes sociales tienen que ver con eso. Si crees que mientras más seguidores tengas en tus redes

sociales te conviertes en algo mejor, ahí ya te confundiste. Porque eso no te convierte ni en mejor actor, ni en mejor actriz, ni en mejor cantante.

Empecé mi carrera cuando no existían las cosas digitales, las redes sociales, ser famoso era para aquellos que trabajaban en televisión, en cine, en trabajos que salían hacia otros lugares. Era diferente lidiar con ese tipo de fama a lidiar con las cosas que lidiamos a día de hoy.

Todos tienen una cámara en el móvil, todos, entonces…casi que cualquiera puede ser famoso, uno está más expuesto y ahora se puede decir cualquier cosa de ti.

MW: Debe ser complicado ir ahora mismo por la calle y saber que cualquier persona en cualquier momento puede sacar su móvil y dejar constancia de dónde estás…

Ludwika Paleta: Tengo una personalidad donde, de pronto, las personas pueden pensar que soy como solitaria, que tengo modos extraños, no soy muy extrovertida, pero hay gente que sí, que es muy divertida, que le gusta grabarse en todos lados y que las estén viendo y que no les pesa. Pero uno que no lo escogió… A mí me encanta ser actriz, pero si me sacan de ahí, de pronto, me da vergüenza, me siento incómoda. No quiero una cámara que me esté grabando o tomando fotos todo el tiempo.

MW: Retomando la construcción de personajes… ¿es fácil empatizar y no juzgar al personaje?

Ludwika Paleta: No y creo que eso está en las manos del director, convencerte de ciertas cosas. Por eso te digo que en el teatro descubres muchas más cosas porque tienes mucho más tiempo de hacer un trabajo de mesa. Un texto es un texto inamovible. Tenemos una mente muy sesgada a lo que vemos y podemos ver y cuando alguien te dice, “pero mira, ¿no has visto esto?” y te pone del otro lado, te das cuenta de cosas que no habías visto. El trabajo del director es ese, poder ver una obra de manera integral.

Sí creo que hay muchas veces en las que no estás de acuerdo con lo que hace el personaje o con lo que dice, pero no eres tú. También es cierto que hay actores muy mañosos que cuando un director se deja manipular podemos hacer lo que sea y por eso muchas veces pasa que ver a un mismo actor haciendo el mismo personaje en proyectos diferentes.

MW: Hay algo en ti, como actriz, que también he podido encontrar en Laia Costa, por ejemplo (actriz española), y es la facilidad que tienes en generar química con cualquier compañero/a en escena… ¿es algo que se puede trabajar?

Ludwika Paleta: Sin duda es más fácil cuando está, cuando viene, pero hay que trabajarla. Acabo de hacer una película con mi hijo Nicolás que es actor e hicimos los personajes de madre e hijo y he visto imágenes y claramente hay algo que…hay una cosa que hemos construido durante 23 años que de otra forma no hubiéramos podido construir. Hay una química inigualable.

“

El trabajo del director es ese, poder ver una obra de manera integral”

Vestido, de Koahari

Hay gente más fácil que otra. De entrada, hay gente con la que te llevas mejor que con otra, con la que te entiendes. He trabajado con personas con las que no encontraba el camino, pero se logra. Y tal vez el resultado no sea tan bueno…

Ahora en los castings hay una prueba que se llama la prueba de química. Y cuando sabes que un personaje es un actor determinado, lo pruebas con los demás personajes. Y si no hacen de entrada química vas a sacrificar al otro actor por tú actor que más te gusta.

MW: ¿Te parece buena idea esta nueva prueba de química?

Ludwika Paleta: Sí, sí me parece buena idea, aunque te voy a decir que, de pronto, pesan más que eso. Por ejemplo, los seguidores y el nombre. Los seguidores, sobre todo.

MW: ¿Qué es más fácil dar la bienvenida a un personaje o soltar?

Ludwika Paleta: Soltar no me cuesta trabajo, ninguno. Porque sé que hay otros personajes y me encanta hacer personajes diferentes. Incluso hay unos que quiero soltar y no se dejan.

MW: ¿Te ha pasado?

Ludwika Paleta: Bueno, no es que no se dejen, es que cuando haces una temporada y otra temporada y otra temporada, cuando son muchos años con el mismo personaje… Al final, tienes ganas de vestirte diferente, de explorar cosas diferentes

MW: A la hora de construir un personaje, ¿sigues algún tipo de rutina?

Ludwika Paleta: Fíjate que para mí los zapatos me resultan…no es una rutina, pero Diana Bracho, una ac-

triz muy querida, me decía que ella le ponía diferentes perfumes a sus personajes y alguna vez lo intenté y me pareció pésima idea, no pude con eso, aunque haya gente que le funciona. Pero sí siento que, al ponerme unos zapatos, me pongo en los zapatos de alguien. Los zapatos me resultan súper importantes.

Estoy en una obra de teatro y cuando empezamos con el montaje, pido, en la medida de lo posible, a las personas de vestuario que si saben qué zapatos voy a usar para encontrar la manera de caminar, de moverse, de pararse. Los zapatos me parecen esenciales.

MW: Las cosas importantes… ¿llegan mejor al público a través de la comedia o a través de un drama?

Ludwika Paleta: Buena pregunta…y además tú la tienes clara. Yo creo que una comedia. Una comedia bien hecha. Entra más ligero. Los dramas, fíjate, me encantan, pero los dramas son difíciles de ver. Incluso yo como espectadora cuando voy a ponerme un drama me lo pienso dos veces.

MW: ¿Ha sido más fácil en ‘Madre solo hay dos’ lanzar los mensajes que se han lanzado desde su base de comedia?

Ludwika Paleta: Claro, uno se la pasa bien, se ríe, no se lo toma demasiado en serio y te entra mucho más liviano, más fácil. Es que cuesta mucho trabajo enfrentarnos a las cosas que nos molestan. Es lo que nos choca, lo que nos enfrenta, lo que nos confronta, lo que no queremos ver.

Me gustó mucho que trataba la maternidad desde dos puntos de vista. Yo he sido mamá, he tenido maternidades, en dos épocas de mi vida completamente diferentes. Como esos dos personajes. Una mujer en sus veinte y otra mujer en sus cuarenta. Son dos momentos completamente diferentes, casi una pers-

ANA VALIENTE

DE MANERA CÓMICA Y DE MANERA MUY LIGERA A LAS PERSONAS QUE VIERON LA SERIE SE LES PUSO SOBRE LA MESA LA POSIBILIDAD DE QUE TODO SE PUEDE

pectiva opuesta.

El tema gay no estaba tan claro en la primera temporada Creo que a lo largo de los episodios fueron viendo que había un interés sobre ver a estos personajes, qué pasaba entre ellas. Me pareció súper acertado que hayan explorado la relación de estas dos mujeres y que además le hayan dado, no sé si por primera vez, una posibilidad de visibilidad hacia las familias diferentes.

De manera cómica y de manera muy ligera a las personas que vieron la serie se les puso sobre la mesa la posibilidad de que todo se puede.

MW: Si echas la mirada atrás a qué momento de tu vida viajarías ahora mismo para darte a ti misma un abrazo…

Ludwika Paleta: Voy a contar una anécdota y te voy a contestar a esa pregunta. El otro día fueron los Bafta 2023 y Kate Winslet apareció con su hija que hizo una película con ella y gano el premio y lo compartió con la hija y me dio mucho gusto y alegría ver pasar a esas dos mujeres por la alfombra roja y que de lo que se hablara fuera de lo bonistas que se veían y de lo empoderadas. Por ejemplo, decían que la hija tenía la misma belleza que su madre y que habían pasado brillando por la alfombra roja. En ningún momento se habló de si les quedaba bien el vestido o si estaban pasadas o bajas de peso…cualquier cosa que se te pueda ocurrir. Si a mí cuando tenía veinte años me hubieran dicho que eso no importa o si yo hubiera podido abrazarme y decir que no importa cómo te veas, con peso o sin peso, con mucho o poco pelo, tus piernas, creo que tendría una perspectiva de la vida completamente diferente.

Desafortunadamente crecí en un momento y en un medio donde lo físico era algo de lo que se hablaba abiertamente. Ahora mismo hablar de una persona por cómo se ve ya no está bien visto. Y hace veinte años era lo que se hacía y nadie decía “oye, ¿cómo te atreves a decirle a una persona que está demasiado flaca? O vieja o joven”. Y esas cosas se solían decir de mí. Recuerdo pasar por alguna alfombra y que en las fotos de la alfombra de alguna revista decir, “se le veía gorda”. ¿Cómo cree la gente que escribe eso que se siente una niña de 16, 17 o 20 años?

Volvería a esa edad, a unos 14 o 15 años, donde empecé a desarrollarme más pronto que mis amigas y me sentía incómoda. Si la gente se hubiera abstenido de hacer comentarios nadie nos hubiéramos dado cuenta de cómo estábamos. Es importante no hacer comentarios sobre cómo se ven las niñas y los niños para crecer de una manera libre.

La vida tendría que basarse siempre en el fondo y nunca en la forma y todos deberíamos trabajar conjuntamente en ello. Mucho más ante pequeñas personas vulnerables a las que la vida les puede resultar una mala jugada del destino. Es bueno ser buscando en el interior y no fijando nuestra mirada en todo lo exterior.

El Patio de Atocha, la terraza secreta con más encanto del Barrio de Las Letras, permite disfrutar de una cocina viajera y con alma al aire libre y a los pies de su magnífica piscina

Situado en pleno corazón del barrio de Las Letras de Madrid, el CoolRooms Palacio de Atocha es un nuevo concepto de hotel de lujo con 34 amplísimas habitaciones y todos los detalles y servicios para una experiencia de puro hedonismo. Y es que este particular oasis es el restaurante del hotel, El Palacio de Atocha, bautizado así en alusión al singular espacio que lo alberga.

En invierno, el restaurante se encuentra aislado por una elegante

estructura de cristal mientras que con la llegada del buen tiempo sus mesas salen al exterior rodeando una piscina que contribuye a dar sensación de frescor. Un gran toldo y varios ventiladores hacen el resto creando una atmósfera serena y relajante durante toda la jornada. Por la noche, la estampa es aun más mágica si cabe gracias a las luminarias que imitan las de la época de construcción del palacio en el siglo XIX.

Cocina tradicional y de producto con un toque viajero

En lo gastronómico, el chef Eduardo Gutiérrez ofrece en El Patio de Atocha una cocina fresca, versátil, divertida y con mucha personalidad, basada en recetas tradicionales pero con influencia de otras culturas, con especial atención a la cocina latinoamericana. “Busco la originalidad para sorprender al comensal”, explica, eligiendo para ello platos típicos de la gastronomía madrileña y española, dotándolos de un innovador toque viajero y respetando en todo momento la autenticidad del sabor y las cualidades de un producto de primera que adquiere diariamente en los mercados próximos al hotel.

Entre los entrantes de la carta destacan el torrezno nikkei con causa limeña, una corteza crujiente con causa limeña y marinado asiático; ensaladilla de txangurro con mayonesa huancaína y polvo de aceituna negra; o bimi y trigueros a la parrilla con yogur de cilantro y salsa tikka masala. Entre los principales, pueden encontrarse magníficos arroces y fideuás, como la fideuá negra de calamar en su tinta con chipirón a la parrilla; lubina salvaje en beurre blanc de vermú seco y tirabeques y la carrillera ibérica al mole de Pedro Ximénez, además de los nuevos platos de primavera/verano a base de pescado como el pulpo anticuchero a la parrilla con crema de maíz dulce, el rodaballo con cremoso de apio y bilbaína asiática, el ceviche de vieira en leche de tigre de mango y el tartar de atún rojo con guacamole y alga wakame.

Completan la oferta una gran variedad de originalísimos postres caseros y una bodega con 60 referencias eminentemente nacionales y con representación de distintas DOs, algunas de ellas por copas.

Picoteo, cócteles y brunch alrededor de la piscina Además de la carta del restaurante, disponible a mediodía y para cenar, la terraza de El Patio de Atocha ofrece una carta de snacks y coctelería que puede disfrutarse también en las tumbonas junto a la piscina a cualquier hora del día. Para picar hay, por ejemplo, ensaladas, croquetas, jamón ibérico, guacamole casero, tacos, una crema del día, sándwiches y un par de pastas y entre los cócteles encontramos desde clásicos como la Caipiriña, el Daiquiri, el Mojito, la Margarita, el Bloody Mary o el Moscow Mule hasta propuestas de propio cuño como el Gin Isidro o el Patio Spritz.

Todos los días, además, se sirven desayunos a la carta (de 7:30 a 12:00 h entre semana y hasta las 12:30 h los fines de semana) y los domingos (de 12:30 a 14:00 h), un sustancioso brunch que se ha convertido ya en uno de los imprescindibles de la capital.

‘FALSESTUFF LA MUERTE DE LAS MUSAS’: UNA PIEZA ORIGINAL Y BRILLANTE QUE HUYE DE LO TRADICIONAL

La idea de ‘Falsestuff la muerte de las musas’ surgió en un momento en el que Nao y Marcel no dejaban de ver todo el tiempo las mismas ideas en escena. Como la posibilidad de que detrás de esas supuestas repeticiones fuera un complot de los propios artistas para reírse de los espectadores les satisfacía más que la trise realidad, pensaron en la historia detrás de esta obra.

por PALOMA ESCUDERO

Nao Albet y Marcel Borràs, una de las duplas creativas de referencia en el panorama teatral, vuelven al CDN en el Teatro Valle Inclán con ‘Falsestuff la muerte de las musas’; escrita y dirigida por ellos. En el reparto, junto a los propios Nao y Marcel, encontramos a Naby Dakhli, Thomas Kasebacher, Joe Manjón, Johnny Melville, Diana Sakalauskaité, Laura Weissmahr, Sau-Ching Wong y Pedro Azara.

André Fêikiêvich es un falsificador de arte que está empeñado en captar a la perfección la esencia de las obras que copia y falsifica. Tiene una gran capacidad para ello que poco a poco se irá convirtiendo en toda una obsesión. Esto le llevará a explorar esta práctica de falsificaciones hasta límites insospechables.

ENTRE LA COPIA Y LA ORIGINALIDAD

Los actos fraudulentos que ha estado cometiendo André, despiertan la furia de Boris Kaczynski, un reputado y peligroso connoisseur de arte, que en el intento de atraparlo se dará cuenta de que las pistas también han sido falsificadas. Todo ha sido un engaño, hasta el punto que le resultará prácticamente imposible poder distinguir lo que es real de lo que es falso.

La idea de ‘Falsestuff la muerte de las musas’ surgió en un momento en el que Nao y Marcel no dejaban de ver todo el tiempo las mismas ideas en escena. Como la posibilidad de que detrás de esas supuestas repeticiones fuera un complot de los propios artistas para reírse de los espectadores les satisfacía más que la trise realidad, pensaron en la historia detrás de esta

Y es que huir de lo tradicional, de lo clásico y de lo establecido como “normal” es precisamente lo que diferencia a estos dramaturgos. Siguen demostrando que se puede hacer un teatro de calidad y entretenido el cual merece la pena. Porque ‘Falsestuff la muerte de las musas’ no es una obra de teatro más ya que va mucho más allá. ¿Es ficción? ¿Es realidad? ¿Qué hay detrás de todo lo que están viendo los espectadores?

Ese juego es lo que hace que ‘Falsestuff la muerte de las musas’ sea tan original y llamativa. Una obra de teatro que explora las falsificaciones artísticas desde una perspectiva diferencial en la que destaca que durante las tres horas que dura la obra se hablan más de doce idiomas (con sobretítulos en castellano).

Nao Albet y Marcel Borràs regresan a los escenarios con una obra de esas que hacen que te explote la cabeza por todo lo que pasa en escena. ‘Falsestuff la muerte de las musas’ parte de una idea muy buena e interesante que no hace más que ir in crescendo a lo largo de la representación. Una ejecución brillante con un divertido humor muy característico suyo.

Junto a los propios autores de la obra, en el reparto encontramos a Naby Dakhli, Thomas Kasebacher, Joe Manjón, Johnny Melville, Diana Sakalauskaité, Laura Weissmahr, Sau-Ching Wong y Pedro Azara. Este elenco tan coral y distinto es el que hace que ‘Falsestuff la muerte de las musas’ sea una obra tan destacada. Además de la sorprendente escenografía de Adrià Pinar en el Teatro Valle Inclán.

obra.

Los medinfluencers, nuevos reyes de las redes sociales

tampoco lo sabe todo”.

Con la llegada de la pandemia, consultar información sobre la salud en las redes sociales se convirtió en una práctica común. Y esa tendencia se mantiene en la actualidad: según el IV Estudio Salud y Vida de la aseguradora AEGON, casi el 44 % de los españoles busca información en la web cuando tiene algún síntoma. La gran demanda de información sanitaria es una de las razones del éxito de los medinfluencers, profesionales del ámbito de la salud que usan sus redes para compartir contenidos de valor y ahora son referentes para la comunidad virtual. Pero no la única.

Como explica Silvia Martínez, directora del máster universitario de Social Media: Gestión y Estrategia y profesora de los Estudios de Ciencias de la Información y de la Comunicación de la UOC, las redes sociales han dejado de ser solo ventanas de entretenimiento y lugares de socialización para convertirse además en un entorno donde los usuarios buscan información, y la relacionada con la salud es una de las más demandadas. “Al ser una vía habitual

con fin utilitarista o informativo, no es de extrañar que con la pandemia también recurriéramos a ellas para encontrar recomendaciones, consejos o testimonios relacionados con la COVID”, dice la profesora de la UOC. “Pero este comportamiento, que ya existía, se ha podido incrementar por la situación concreta que estábamos viviendo en la pandemia, y ello ha podido hacer que ciertos perfiles se hayan popularizado más”, observa.

En opinión de los expertos, el valor de los medinfluencers reside en que no son prescriptores de producto, sino que basan su actividad en aportar conocimiento, luchar contra la desinformación y desmontar falsos mitos o creencias. Como explica Neus Soler, profesora colaboradora de los Estudios de Economía y Empresa de la UOC, en países como Estados Unidos, los influenciadores sanitarios no solo no prescriben productos, sino que se esfuerzan por concienciar a la población sobre la dudosa veracidad de algunas recomendaciones y consejos “que provienen de celebridades e influencers no expertos, además de por explicar lo que es un verdadero experto y que cada experto domina un campo, una especialidad y, por lo tanto,

Pero el hecho de que su principal labor sea divulgar contenidos de calidad y no prescribir productos no significa que sean invisibles para las marcas. “Es una oportunidad de marketing para las empresas porque la opinión del medinfluencer tiene mucha más credibilidad que la comunicación que realiza la propia la marca. Y aunque no sean prescriptores de productos, sí pueden usar otras estrategias, por ejemplo, comparar un producto frente a otros, o explicar su experiencia como usuario”, explica Ana Jiménez-Zarco, directora del máster universitario de Marketing Digital, profesora de los Estudios de Economía y Empresa de la UOC e investigadora del grupo i2TIC del IN3. “No es la típica comunicación, sino que como medinfluencer hablas de tu experiencia como usuario, o lo comparas con otro, pero siempre desde la objetividad, porque eso es lo importante de ellos: son influenciadores por sus conocimientos y actividad profesional, una objetividad que no les vincula a la marca”.

Otra forma en la que las empresas pueden aprovechar el éxito de un medinfluencer en su área es promocionar ellas mismas los productos, siempre que no se trate de medicamentos con prescripción médica, cuya publicidad está regulada por la Ley 29/2006, pero relacionándolos con comentarios o consejos que haya podido dar un influencer en las redes.

Por último, la marca puede escuchar las recomendaciones del medinfluencer y de esa forma ganar prestigio. En opinión de Ana Jiménez-Zarco, si el público objetivo de la empresa es seguidor de ese influenciador, le interesa seguir sus recomendaciones “y que el propio seguidor

A pesar de que los medinfluencers pueden desarrollar una gran labor educativa y su rol puede ser fundamental para atajar la desinformación, su papel no está exento de posibles conflictos.

por REDACCIÓN / fotografías de Freepick

conozca que mi marca se posiciona, escucha y lleva a cabo las recomendaciones de esa persona siempre que nuestra marca se adecúe a lo que el influenciador recomienda. No tendría sentido alinearte con tendencias que vayan en contra de lo que representas tradicionalmente”.

POSIBLES CONFLICTOS

A pesar de que los medinfluencers pueden desarrollar una gran labor educativa y su rol puede ser fundamental para atajar la desinformación, su papel no está exento de posibles conflictos. En opinión de Silvia Martínez, el principal problema es que bajo la denominación de medinfluencer se mezclan perfiles que sí tienen una formación vinculada a este ámbito, como médicos, enfermeros, odontólogos, farmacéuticos o podólogos, y otros que simplemente abordan estos temas sin tener conocimientos que avalen la credibilidad de sus consejos, pero que, a pesar de ello, tienen influencia o popularidad.

Además, en cuanto a las menciones de marcas, aunque sean recomendaciones objetivas, pueden llevar en algunos casos a la pérdida de credibilidad del propio influenciador. Como explica Ana Jiménez-Zarco, el influenciador influye en el comportamiento de sus seguidores “porque piensan que es una persona que conoce el ámbito, va a hacer buenas recomendaciones y no se casa con nadie, no está directamente vinculado a una marca comercial o si lo hace, lo hace con una razón de ser”. De ahí que una mención en positivo a una marca solo tenga sentido si esta y el medinfluencer “comparten valores, de forma que mi cliente vea muy normal la vinculación con esa marca o el seguidor de ese influenciador vea con sentido que hable de esas marcas”.

A lo anterior se suma otro posible conflicto, en opinión de Neus Soler, y es que “las recomendaciones, aun proviniendo de expertos, sean genéricas, porque medicamentos o terapias que pueden parecer beneficiosos en general, en realidad pueden no serlo para muchísima gente”.

‘MÍTIKO’:

UN SORPRENDENTE REINTERPRETACIÓN DE LA GASTRONOMÍA DEL SUDESTE ASIÁTICO

Este restaurante presenta una mezcla perfecta entre la tradición gastronómica con la innovación gracias a toques contemporáneos con nuevos sabores y formas de cocinar..

por PALOMA ESCUDERO / fotografía MITIKO

Mítiko es un restaurante en la Calle Sor Ángela de la Cruz en el que las historias fabulosas continúan. Aquí encontrarás un concepto novedoso y sorprendente que está inspirado en el sudeste asiático. En Mítiko podrás degustar una carta que combina los mejores sabores e ingredientes de la cocina cantonesa y japonesa. La gastronomía asiática es la gran protagonista.

Este restaurante presenta una mezcla perfecta entre la tradición gastronómica con la innovación gracias a toques contemporáneos con nuevos sabores y formas de cocinar. Una reinterpretación de los platos más característicos de este tipo de cocina. En Mítiko disfrutarás de una experiencia

gastronómica única gracias a unos platos muy variados con sabores de lo más potentes.

Si te gusta la gastronomía asiática Mítiko es un restaurante ideal por muchos puntos fuertes que tiene. El restaurante es un local tranquilo, agradable y muy acogedor con varias zonas diferenciadas. Al entrar los comensales se adentrarán en Japón con las típicas sombrillas. A También encontraremos un impresionante jardín vertical. A continuación, atravesaremos un pasillo que nos llevará directamente a un gran salón con lámparas inspiradas en las vaporeras cantonesas y una barra de sushi.

El buen ambiente de Mítiko y su buena comida hará que quieras repetir. En la carta encontramos entrantes como los Mitikoyaki, taquitos de algas nori con pez mantequilla flambeada con salsa de nikiri y trufa, puerro, pomodori y emulsión de tomate. Para homenajear a Japón encontramos una gran variedad de sushi: Langostinos al Panko, queso Philadelphia, cubierto con salmón flambeado, mayonesa, eneldo y cebolla caramelizada, Roll tempurizado con salmón y coronado con tartar de salmón, tobiko, sichimi y tabasco.

Por otro lado, también hay diferentes Usuzukuris como el de lubina con base de zumos de cítricos naturales, cebolla morada, cilantro, tobiko de yuzu, ito togarashi y aceite de sésamo. Riquísimos nigiris entre los que destaca el de picaña o pez mantequilla. En una carta como esta, no podían faltar tampoco los dim sum y uno muy sabroso son los saquitos de cerdo ibérico con setas de cardo y bañadas en salsa de sésamo blanco con chili black vean.

Además, después de degustar todos estos platos, en Mítiko hay también platos principales con muchos colores y sabores. No dudes en probar el salteado de tallarines con base de fumet de mariscos infusionado en curry rojo y verde, leche de coco, verduras de temporada, gambón y acabado con un toque de mojo verde. Y, para terminar, los amantes del chocolate disfrutarán de un exquisito volcán de chocolate. Y para el resto de golosos, por qué no una tarta cremosa de queso o semilíquida de dulce de leche. Todo con ingredientes japoneses.

“NO DUDES EN PROBAR EL SALTEADO DE TALLARINES CON BASE DE FUMET DE MARISCOS INFUSIONADO EN CURRY ROJO Y VERDE, LECHE DE COCO, VERDURAS DE TEMPORADA, GAMBÓN Y ACABADO CON UN TOQUE DE MOJO VERDE.”

La atención en Mítiko es muy cuidada para hacer que todo el mundo disfrute al máximo de esta estupenda experiencia gastronómica. Un restaurante que busca convertirse en todo un referente de la comida asiática. Un auténtico viaje gastronómico con deliciosas propuestas para todos los paladares, entre lo más tradicional y lo más exótico.