MEW Magazine - ABRIL 2021 - Iván Sánchez by MEWMAG

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Magazine MADRID · BARCELONA (ESPAÑA) mewmagazine@mewmagazine.es www.mewmagazine.es P. GUERGUÉ DIRECTORA mewmagazine@mewmagazine.es DIRECTORA DE FOTOGRAFÍA & DISEÑO Ana Márkez amarkez@mewmagazine.es

COMUNICACIÓN & MARKETING Itziar Monge imonge@mewmagazine.es

REDACCIÓN Rosa Suria & Judith Torquemada

PUBLICIDAD & SPONSOR Javier Amaro jamaro@mewmagazine.es

MODA Y CREATIVIDAD Jairo Villada / Lorena Pacheco

Redacción: Yurena Guerra / Paloma Escudero / Álex Delgado / María Rodríguez / Nuria Arévalo / María P. Pinto / Mikel Montero / Vannia Alvarado / Sergio Guillén

AGRADECIMIENTOS Get Agencia / Delphoss Actores / Lucía del Río Management / Única Representaciones Alter Ego Talent House / Gran Vía Comunicación / Mesala / Century Talent / Ruth Franco Tandem Talent / Getin / Warner Music / Be The One / SONY Music Spain / Movistar + / Netflix HBO / Bulgari / Sra. D (Lara Padilla) / TeMeCé / Trium Jewelry / Girati / Levi’s / BrandGroup Matsu / Puro Ego / Camper / Acus / Garcia Madrid / Bere Casillas / Holy Guns / Magrit Mod Wave Movement / Fuentecapala / Dustin / Ce-Dos-Ce / Lottusse / Hugo Boss / Calvin Klein DEPÓSITO LEGAL MEW Magazine pone en su conocimiento que los artículos que se publican en la revista, así como la imagen, sea de índole personal y/o mercantil, que se reproduce en la misma, queda protegida jurídicamente frente a terceros en aplicación de la normativa sobre propiedad industrial e intelectual. En este sentido, se informa específicamente acerca de la prohibición de reproducción parcial o total del contenido, para su posterior difusión pública y/o explotación propia. mewmagazine.es 5

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Carta de la directora

Abril llega con la misma revolución que llega la primavera. Con ese aliento extra y ese chute de oxígeno necesario para dejar atrás el invierno y las sombras y reconducir el verano. Ese momento del año donde todo lo malo parece mucho mejor gracias a los rayos del sol. Y casi igual han llegado los artistas que nos acompañan a lo largo de esta nueva editorial. Dispuestos a hacernos disfrutar y dejarse llevar por la sinceridad del camino realizado y aquellos sueños que han ido apareciendo con trabajo y perseverancia. Y con algo de suerte, que de esto último pocas veces se habla, pero es uno de esos ingredientes que te envían a un lado o al otro. Al camino de las oportunidades o al olvido. Y sin la necesidad de que llegue metida en un saco. Con unas pinceladas suele ser más que suficiente.

han ido descubriendo quiénes eran con el paso del tiempo. Aquellos que llegaron de forma inesperada y los que lo hicieron conscientes de sus deseos. Pero todos ellos desde la estabilidad que les da el camino bien trazado. Aunque haya caídas y errores y haya que volver a empezar. Porque la vida es el mejor resumen de cualquier tipo de arte.

Abril nos carga de aprendizaje rodeados de profesiones, arte y artistas que

Abril siempre nos abre nuevas puertas. ¡No nos perdáis la pista!

Punto y aparte. Así comenzamos desde MEW Magazine esta nueva estación del año. Con un puñado de lecciones en nuestra mochila y con la creencia, siempre, de que no hay nada más interesante que una buena conversación, un buen libro, una serie electrizante, una película escalofriante o una obra de teatro que te golpee el estómago. Porque la cultura nos hace más fuertes, más independientes y más de entraña.

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78 · Rayden

Aprender a ganar.

32 · Kali Uchis

Viene pisando sin miedo.

42 · Taylor Swift Su nueva era.

52 · Spotify

Descubriendo un nuevo mundo

64 · C. Tangana

“Puchito, ¿cuál e’ la maña?”

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110 · David Victori Con identidad propia.

88 · Oscar 2021

Una guía para no perderse.

90 · Marta Larralde Luz al final del túnel.

100 · Pantera Negra

La libertad de un pueblo.

108 · Mario Casas

Sus películas olvidadas.

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164 · Carlos Scholz

La sonrisa de la perseverancia.

118 · The Mauritanian 122 · Sofía Oria y Jason 14 años en Guantánamo. Fernández

146 · Esmeralda Pimentel La energía vital del oficio.

162 · Los hombres de Paco La vuelta más esperada.

De libertad y silencios.

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206 · Iván Sánchez El camino bien trazado.

184 · Yany Prado Energía positiva.

196 · Jaime Olías Adicto al trabajo.

220 · Teatro

236 · Naturaleza

Atraco, paliza y muerte en el CDN. En su momento.

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Columna de opinión

LAS PELÍCULAS SOBREVALORADAS por JUDITH TORQUEMADA

ablemos de mi palabra menos favorita en el mundo: la palabra sobrevalorada. Se escucha mucho en estos días de premios. Alguien no está de acuerdo con este o aquel reconocimiento hacia esta o aquella película, y entonces suelta que está sobrevalorada. Pensemos en ello. Pensemos en su significado. Según la RAE, sobrevalorar: «otorgar a alguien o algo mayor valor del que realmente tiene». Me gustaría que todas las personas que utilizan esta palabra de manera habitual en sus juicios se detengan unos segundos a pensar en esta definición. Otorgar a alguien o algo mayor valor del que realmente tiene. ¿Ya? Bien. ¿Cuál es el valor de una película, o de una serie, o de un libro? ¿Cuál es el valor de un proyecto creativo? ¿Cómo se mide? ¿Se calcula haciendo una media entre todos los elementos que lo componen? Y, sobre todo, ¿quién decide todo esto? ¿Quién decide cómo se hace? ¿Quién establece esos parámetros a partir de los que se calcula la media? ¿Una institución superior, al estilo Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas? Ah, no, porque deciden que una película es mejor que otra y resulta que opinas que en realidad esa película escogida está sobrevalorada. No respetas a esa institución superior. Entonces, ¿quién decide? ¿Tú? ¿Eres tú quién decide el valor real de una película?

Quizá me esté poniendo muy tiquismiquis, muy pedante, pero hace tiempo que vengo guardando mucho rencor por esta palabra tan injusta. No tanto por la manera en la que la emplea la persona que la emplea, seguramente sin querer faltar, más bien por lo que significa. Etiquetando a una película como sobrevalorada estás diciéndole al resto que está valorando mal, que está queriendo demasiado, que el trabajo de las personas que han hecho esa película en realidad no vale tanto. Es, si lo pensáis, una palabra bastante vacía. Solo señala que esa película te ha gustado menos de lo que le ha gustado a un grupo de personas, y en realidad lo señala mal, porque atendiendo a su significado no debería señalar “gusto” sino “valor”. Es también, como digo, una palabra injusta, porque, en realidad, nadie tiene las herramientas para decidir el valor real de una película. Nadie puede decir: este es el valor real, a partir de ahí juzgáis, si lo hacéis por encima entonces estáis sobrevalorando, que viene a significar que os estáis equivocando. Nadie se está equivocando cuando dice que le gusta una película. Y tampoco nadie puede decidir su valor real. Sólo Dios podría, y no creo que a Taika Waititi le apetezca meterse en estas historias.

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Columna de opinión

MARVEL MIRA A LA CALLE por ROSA SURIA

l estreno de ‘Black Panther’ fue emocionante y significativo para la comunidad afroamericana, al tratarse de una cinta que celebra la negritud y la cultura y la historia africanas, pero en la que también hay espacio para la crítica social, especialmente a través del personaje de Killmonger. El estreno de ‘Shang-Chi and the Legend of the Ten Rings’, por las mismas razones, será igualmente emocionante para la comunidad asiática. Y el de Capitana Marvel tuvo un valor significativo para mujeres y niñas, que por fin se vieron representadas en la pantalla con una heroína poderosa y protagonista. Pero siento que ha sido en ‘Falcon y el Soldado de Invierno’ cuando Marvel ha mirado verdaderamente a la calle. Tres capítulos de la serie han servido para que más de uno -sobre todo los desconocedores de los cómics- se haya quedado con la boca abierta. La entrada en escena de Isaiah Bradley, el verdadero primer Capitán América, un hombre afroamericano con el que el Gobierno experimentó para luego darle la espalda, es un ataque directo contra la sociedad. Especialmente contra la estadounidense. Ya en su aparición en los cómics, hace unos años, lo fue. Pero la manera en la que aterriza aquí, con un Bucky que no es consciente de lo que significa que se ocultara

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su existencia hasta que Falcon se lo recuerda, y la potente escena posterior, en la que intentan detener a Sam basándose únicamente en su color de piel, multiplican por 10 el impacto de este descubrimiento. Entre bromas y la tensión no resuelta que une a Bucky y a Sam, los espectadores reciben constantes mensajes de alarma que hablan de racismo, de discriminación, de segregación y de una realidad que, aparentemente, sólo ve quien la sufre. Con la virtud de que están siendo enviados a través de unos mensajeros inmejorables, como son los superhéroes a los que hemos admirado toda la vida, a los que respetamos y, de alguna manera, queremos. La pregunta surge sola: ¿está Marvel siendo oportunista y sumándose a una ola de ficciones que, al fin, recogen la lucha por la liberación de la comunidad afroamericana? Es posible. Pero lo está haciendo, y lo importante es que mensajes como el que manda la conversación de Sam con el niño que le llama Black Falcon van a llegar a mayores y, sobre todo, a jóvenes. Y todo suma para el cambio.

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MODA

LOOKS PARA UN ABRIL CON CAMBIOS

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por YURENA GUERRA

es verdad que la primavera ya ha llegado,

y también es verdad eso que se dice de “en abril, aguas mil”. y es que, ya los prime-

ros días de este mes primaveral han venido

acompañados de muchísima lluvia y algo de

frío, pero no podemos relajarnos y solamente tener en nuestro armario looks abriga-

dos, para nada. la temperatura en primavera es muy cambiante y es por eso por lo que

hemos hecho una selección de looks que nos valen para casi cualquier clima. pantalones, vestidos, camisas, gabardinas, chaquetas,

gorros, todo vale en esta temporada, eso si, vamos a intentar que los colores sean lo

más “vibrantes” posible, así que…

¿listas?

LOOK 1

Como siempre, una de las personas que no pueden faltar en el artículo sobre los 7 looks que podrás llevar este mes es Rocío Camacho. Siempre positiva, contenta y con ganas de disfrutar de un buen paseo o una buena cerveza al sol, la influencer siempre busca que sus looks o combinaciones de ropa sean lo más alegres posibles. Es por eso por lo que opta por este ajustado y precioso vestido de entretiempo de color naranja vibrante de Zara. Puedes combinarlo perfectamente con una gabardina color camel y unas botas estilo cowboy. Podrás estar tan ideal como lo está ella misma. ¡Y no te olvides de la mascarilla!

LOOK 2

El segundo conjunto o combinación que proponemos quizá sea un poco más abrigada, pero como ya hemos dicho, nunca viene mal, teniendo en cuenta que en abril nunca se sabe como va a ser la temperatura en nuestra ciudad. Viene de la mano de Andrea Rueda, otra influencer que siempre acierta con sus looks, sea la temporada que sea. Esta combinación quizá es algo más arriesgada, pero desde luego no puede ser más ideal. Combina un pantalón estilo palazzo de polipiel con un tank top, todo en color negro, pero el toque de color lo pone, sin duda, la chaqueta de punto de tonos rojos y rosados. Unos pantalones de este estilo podemos encontrarlos en Bershka, al igual que el top y la chaqueta la encontramos en ASOS.

LOOK 3

Y de Andrea Rueda pasamos a Vero, la influencer que se esconde detrás de la cuenta de Instagram ‘Moda Just Coco’. Esta mujer es un claro ejemplo de como ir arreglada pero informal. Tanto para hacerse unas cuantas fotos, como para ir a buscar a sus hijos al cole, Verónica siempre viste ideal. Por eso la hemos elegido a ella en este tercer estilo. A veces queremos ir un poco más arregladas, pero sin

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que parezca que nos vamos de boda y ahora con este “entretiempo” podemos jugar mucho con los trajes de falda o pantalón, ya que son muy versátiles. Este de color camel lo combina con un top maravilloso y con unas botas metalizadas de Zara espectaculares. Es verdad que este tipo de looks son muy fáciles de recrear ya que estos trajes ahora mismo podemos encontrarlos en cualquier tienda.

LOOK 4

Este cuarto look es un look de chándal, pero algo más especial. No podemos fijarnos mucho en las tiendas de ropa en las que compra nuestra siguiente influencer, Chiara Ferragni, ya que suelen ser marcas de ropa muy poco asequibles, pero tenemos la suerte de que siempre las tiendas low cost sacan versiones muy parecidas. A veces nos apetece ir más cómodas, sobretodo desde que comenzó todo esto de la pandemia, por eso mismo no podía faltar un look de chándal. Esta vez hemos elegido uno sencillo de color beige tanto en la parte de la sudadera como en la parte del pantalón, combinado con un bolso blanco, que en su caso es el icónico bolso de Chanel, y el toque especial lo dan unas deportivas de la marca de la influencer. Si queréis una versión algo más “barata”, podéis encontrar un chándal muy parecido en H&M, las deportivas Nike Air en cualquiera de sus colores más vibrantes e incluso algún bolso acolchado en Zara.

LOOK 5

Como siempre, no podía faltar en nuestra colección Mery Turiel. La valenciana siempre, pero siempre, acierta con sus looks. Es una persona que lleva innato eso de vestir bien para cualquier ocasión y por eso mismo siempre está presente en nuestra revista. Esta vez va muy acorde con la temporada. Unos buenos vaqueros, sean del corte que sean, no pueden faltar en nuestro armario. Son versátiles y se pueden utilizar para muchísimos eventos y de muchísimas maneras. Una de ellas es con unas Vans Sk8 Hi de cuadros blancos y negros con plataforma, un top de color beige de la marca Zara y una sobrecamisa o gabardina de un tono blanco crudo. Precioso, fresco, informal e ideal para irte de comida romántica improvisada o para tomar algo con amigas.

LOOK 6

Este penúltimo look no viene de la mano de una influencer, si no de la mano de la cantante canaria Nia Correia. La triunfita siempre acierta con sus looks y esta vez no iba a ser menos. Un top a modo bikini de color negro y encima una camisa blanca abierta y una americana negra. IDEAL. Todas estas prendas podemos encontrarlas en Zara y, además, conjuntadas con un pantalón vaquero de corte rector y unas deportivas blancas le dan un toque súper informal y moderno. ¿El punto clave? El pañuelo en la cabeza atado a modo “pirata”. Se llevan muchísimo esta temporada y le dan un toque súper moderno a cualquiera de los conjuntos que elijas ponerte.

LOOK 7

Y, como colofón, para finalizar nuestra ronda de looks o conjuntos para este abril de tiempo tan cambiante traemos a la alemana Leonie Hanne. Sorprende mucho ver como crea los looks esta mujer que vive en Hamburgo ya que suelen ser muy arriesgados para el frío que hace en el país germano, pero la verdad es que s nosotros nos encanta. Los tonos pastel están muy de moda en todas las colecciones de primavera/ verano de este año y es por eso por lo que nos flipa que conjunte un top, el bolso y unas sandalias tipo mule de tacón acolchadas en estés tono amarillo pastel con una americana de color beige y unos shorts también de traje de un color algo más marrón grisáceo. Es verdad que las prendas utilizadas son menos asequibles, pero todas estas prendas puedes encontrarlas en Pull&Bear, H&M, Bershka, Zara y Mango. ¡Ideales todos los looks para este entretiempo! Nos vemos en mayo.

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MODA

LA GABARDINA, PRENDA PERFECTA PARA EL ENTRETIEMPO veremos muchas por las tiendas, nos hartaremos de vérselas a las influencers y otras celebrities y

oiremos hablar de ellas sin parar. las gabardinas han vuelto para quedarse y aquí te contamos un poco mas sobre su historia.

por YURENA GUERRA La primavera ha llegado de manera oficial y con ello también las temidas prendas de entretiempo. Es verdad que es bastante complicado vestir con la temperatura que hay en esta época del año, por lo menos en Madrid, ya que por la mañana puedes salir de casa y estar a 8 grados y a media mañana a 20, además de hacerse realidad eso que dicen tanto las madres de “llévate una chaqueta por si luego refresca” y es que, efectivamente, por la tarde vuelve a hacer bastante fresco. Es por eso que las prendas que más vamos a ver durante esta temporada van a ser chaquetas, trenchs, sobrecamisas pero, sobre todo, gabardinas. Y, como todo, las modas siempre vuelven. Las gabardinas se llevan utilizando desde hace más de un siglo y todavía no se sabe bien cuando hicieron su primera aparición. Algunas teorías dicen que surgieron cuando las tropas de Garibaldi las empezaron a utilizar durante la unificación de Italia, de hecho, de ahí proviene su actual nombre, de “garibaldina”, aunque lo que más se ha popularizado es que fueron utilizadas tanto en la Primera como en la Segunda Guerra Mundial gracias a su forma, su ligereza y su comodidad. Se empezaron a añadir botones, bolsillos y anillas para llevar las granadas, pistolas y cinturones con demás utensilios que bien les venían en las luchas encarnizadas, además de añadir un punto positivo, eran impermeables. Thomas Burberry, cuando conoció las “garibaldinas” pensó que sería muy interesante hacerlas de un tejido que protegiera de la lluvia y del frío británico, creando

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así lo que luego se conocería como trench coat o “gabardina impermeable”, que no es más que un algodón que repele el agua pero que no es pesado, por lo que no había necesidad de llevar grandes abrigos que pudieran resultar incomodos a la hora de moverse. Tras las dos Guerras Mundiales y el auge que supuso de la gabardina cuando Burberry decidió hacerla impermeable, esta prenda se volvió un imprescindible en el armario, ya no solo en el de los hombres, que eran prácticamente los únicos que las utilizaban, si no también en el de las mujeres, aunque de esto hablaremos más adelante. Tanto es así que incluso la reina Isabel de Inglaterra decidió que Burberry fuera nombrado proveedor y creador oficial de la gabardina tal y como la conocemos hoy en día. Es verdad que la prenda que conocemos ahora no tiene mucho que ver con las primeras “garibaldinas”, pero, en el fondo, buscamos en la gabardina lo mismo que se buscaba entonces. Una prenda que no sea pesada, que sea muy versátil, pero que a la vez sea elegante y cómoda. En cuanto a la gabardina femenina, fue el cine él que empezó a introducirlas y lo que las hizo tan populares, no solamente para el público masculino, que también las interiorizó mucho más gracias a los filmes sobre espías. Películas como ‘Desayuno con Diamantes’, ‘Rebeca’, ‘Cortina Rasgada’, ‘Crimen Perfecto’ o ‘Kramer contra Kramer’ fueron algunas películas en las cuales

sus protagonistas femeninas llevaban esta icónica prenda. Audrey Hepburn, Julie Andrews o Meryl Streep han sido solo algunas de las actrices que han tenido la suerte de lucir la icónica prenda de Burberry en la gran pantalla y que han propiciado que nosotras deseemos tenerla en nuestro armario. Gracias a la gran popularidad de la prenda, las marcas low cost decidieron sacar sus propias versiones desde hace años y ya no tenemos que gastarnos un dineral en un trench de la icónica marca británica. Podemos encontrarlas actualmente en Mango, en Zara, en Pull&Bear e incluso en Bershka, con alguna versión más moderna o innovadora. Es una prenda que se puede considerar fondo de armario sin ningún tipo de problema y que se puede combinar con una falda o unos shorts, una camisa y unas botas o se puede poner encima de un traje pantalón y unos taconazos. No tardes en hacerte con una, la que más se adapte a tu estilo y del color que más te favorezca. Además, como ya hemos dicho antes, ya está visto que las modas siempre vuelven y la gabardina lleva siendo tendencia desde 1880 aproximadamente, así que no hay excusa.

FOTO ©Mango

IG ©Andrea Rueda

IG ©rocio Osorno

IG ©Gracy Villareal mewmagazine.es 29

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MÚSICA

KALI UCHIS VIENE PISANDO SIN MIEDO Después de publicar su ultimo trabajo Sin Miedo (del amor y otros demonios) y ganar un Grammy, Kali Uchis ha demostrado que tiene el mundo a sus pies.

por MARÍA RODRIGUEZ

e hace complicado ahora mismo navegar por internet y no escuchar los versos “quien lo diría que se podía hacer el amor por telepatía la luna esta llena mi cama vacía”. Y es que Kali Uchis está en boca de todo el mundo desde que telepatía encabeza todas las listas de éxitos a nivel internacional. Pero, este nombre no es nuevo, de echo la voz de Kali Uchis lleva sonando ya des de hace tiempo en el panorama Indie de Estados Unidos.

A Karly Marina Loaiza, bautizada cariñosamente como Kali Uchis por su padre, le bastó con un micro de 50 dólares y su ordenador para regalar al mundo su primer mixtape; Drunken Bubble. Este trabajo donde muestra por primera vez su universo donde va alternando bases melódicas con letras rapeadas, llamó la atención de Chris Braide, coproductor del Born to Die de Lana del rey. Pero no fue el único al que el talento de la colombiana. Esos ritmos nostálgicos de los sesenta y setenta con influencias tropicales del R&B, el Reggae i el Hip-hop llamaron también la atención de grandes nombres de la indus-

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tria del rap como Snopp Dog o Tyler,The Creator. Fue precisamente Tyler, The Creator, junto al ganador del Grammy KAYTRANADA i Dj Diplo, quienes ayudaron a Kali Uchis a grabar su primer EP debut en 2015. “Por vida”. Un álbum de pop nostálgico i melodías color pastel, categorizado como NeoSoul i R&B alternativo. Monetariamente el EP no le dio muchos ingresos, ya que fue publicado de manera gratuita en su página web, pero gracias a él logró la visibilidad necesaria por parte de diversos medios como Vogue o Nylon y la situó por primera vez en las listas de Bilboard poniéndola en el punto de mira de la industria musical. Gracias a la repercusión del disco, Kali Uchis firmó con Interscope Records, sello que comparte con cantantes como Billie Eilish i que le permitió sacar su primer álbum “Isolation” lanzado en 2018. Son muchos los artistas que se acercaron a Kali para colaborar en este álbum reconociendo su talento. Una de ellas fue Jorja Smith, junto a la que canta la canción Tyrant, que cuenta con mas de 67 millones de reproducciones en Spotify. Y a la que la cantan-

te le hizo varios remixes, entre los cuales se encuentra Tirano, su versión en español que grabó junto a Fuego. Si algo distingue la música de Kali Uchis es la mezcla de géneros, como los adopta todos haciéndolos suyos y dando esa aurea chill que tanto la caracteriza. La música de Kali Uchis habla sobre el amor y sobre relaciones con connotaciones autobiográficas que hacen referencia a su carrera artística i que te tocan de cerca i que te hacen volar junto a ella. En eso se basa su último trabajo de larga duración; Sin miedo (del Amor y otros Demonios. Su primer álbum en español bebe de sus raíces colombianas adoptando ritmos latinos como el reggaetón. Canciones que canta a la luna y a las penas del corazón que han rendido a la critica musical a sus pies. El álbum que se publico en diciembre de 2020 entro de lleno en la lista de los 20 mejores discos del año de IndieHoy. Una oda a vivir tu propia sensualidad y que cuenta con colaboraciones con THEPARTYNEXTDOOR y Jhay Cortez. Las divergencias estilísticas de su música se ven perfectamente reflejadas en su estética. A la colombiana la envuelve un aire de ensueño californiano, los coches clásicos y todas esas reminiscencias de la moda de los sesenta i setenta que mezcla perfectamente con una estética Latin Ghetto llena de colores pastel. Un reclamo de un lujo muy recargado, pero a bajo presupuesto. Ella misma es la encargada de aportar todo este imaginario tan característico a sus videos, ya que le encanta el cine y uno de sus sueños de la infancia era llegar algún día a hacer películas, manejar la cámara y por supuesto componer música. Todas estas mezclas que forman parte de su imaginario artístico y musical se remiten a la mezcla de culturas que Kali vivió durante su infancia. De padre colombiano y madre americana, vivió parte de su

infancia en Pereira, Colombia. Lugar al que ha regresado para darle vida a través de un videoclip a Telepatia. Canción que se virilizó gracias a Tik Tok. Un videoclip muy poco producido, haciendo alusión a la naturalidad con la que creó la canción y que te lleva junto a ella de paseo por las calles que la vieron crecer. Una vuelta a sus raíces que pretende representar esa comunidad latina a la que se siente tan atada de la mejor manera posible. Los reconocimientos no han tardado en llegarle, actualmente Kali Uchis supera los 27 millones de oyentes mensuales en Spotify convirtiéndola en una de las 100 artistas más escuchadas en la plataforma a nivel internacional. Acumula 3 discos de platino para Get You y 2 para See You Again con Tyler, The Creator. La crítica también ha premiado su trabajo, dándole el Grammy a la mejor canción dance por 10%, que forma parte del álbum Bubba de KAYTRANADA. La carrera de Kali Uchis es relativamente corta, ya que lleva activa des de 2012. Tiempo suficiente para demostrar a todo el mundo el gran talento que tiene y que de bien seguro le ayudará a cosechar muchísimos éxitos más.

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REPORTAJE

´ A L VA R O

D E LU N A fotografía ANA MÁRKEZ texto y entrevista P. GUERGUÉ estilismo JAIRO VILLADA muah PATRICIA BARRANCO

compositor de inspiración Álvaro de Luna es de esos músicos que parecen haber nacido con estrella. De los que viven con la música y no solo de ella. Casi como si cada día fuese un videoclip en primera persona. Es un líder nato, un animal de escenario, una voz vibrante que emociona desde el primer verso. Canta y compone como necesidad vital desde niño, con una pasión desmedida que le ha llevado a conectar en muy poco tiempo con una legión de fans, a girar por toda España y a sonar en las principales radios del país. Como primer adelanto de su primer álbum de estudio lanzó ‘Juramento eterno de sal’. Una historia de amor vitalicia muy personal, un viaje, una promesa entre dos personas que juran volver una y otra vez al refugio del alma donde se detiene el tiempo. Con una melodía fresca, pegadiza y brillante. Tras el éxito cosechado, hace varias semanas lanzó su segundo single ‘Quiero’. Mucho más profunda. Mucho más sentimental. Hablamos con Álvaro de Luna del oficio, de la música, de su día a día y de como la vida nos vuelve más auto exigentes con el paso del tiempo. 34 ABRIL 2021 · MW

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REPORTAJE

Cazadora, de Mod Wave Movement. Camiseta y deportivas, de Karl Legerfeld. Pantalones, de Levi’s. Accesorios, de Trium Jewelry.

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Camiseta, de Garhés Studio. Pantalón, de Bershka. Zapatillas, de Converse. Accesorios, de Trium Jewelry.

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REPORTAJE MEW Magazine (MW): ¿La música lo elige a uno o uno elige a la música? Álvaro de Luna: Creo que ambas cosas. Al final, todo el mundo vive con música, todo el rato. Pero dar el paso de hacerla, profesionalmente, es un poco elección personal. MW: Cuando uno está dentro de esta profesión, ¿encuentra un mundo más complejo de lo que imaginaba? Álvaro de Luna: No es más complejo, lo complejo es dar el paso para dedicarte a esto. Y sacrificar todo lo que haya que sacrificar. Estar dentro requiere mucho trabajo y mucha disciplina. Estar centrado y amar todo lo que haces. Lo más complicado es decir “voy a por todas y que pase lo que tenga que pasar”. MW: ¿Crees que como público somos conscientes de todo el trabajo que hay detrás de un músico? Álvaro de Luna: Generalmente, no. Y hay mucho trabajo detrás. Un gran equipo de trabajo de fondo. Mucha coordinación, ensayos para que todo salga perfecto, muchas horas de composición… MW: ¿Hay que tener mucha paciencia para dedicarse a esto? Álvaro de Luna: Paciencia y entrega, sobre todo. Porque solo cuando te dan premios es cuando en general se dan cuenta que estás trabajando, pero no saben el tiempo real que llevas dedicándote a ello. Y todo para que al final acabe siendo tu profesión. MW: ‘Quiero’ es tu último lanzamiento, pero ¿qué te tiene que transmitir un tema para que le des prioridad de lanzamiento? Álvaro de Luna: Realmente no es algo que medite con tiempo. De hecho, esta ha sido la primera vez que he puesto fecha y me he puesto a organizar. Porque también es un poco en función de lo que me va pidiendo el cuerpo. En este caso creí que era mejor que fuera un poco más trascendente. Que todo fuera mucho más significativo a nivel sentimental. MW: ¿Cuánto trabajo hay detrás de ese primer álbum? Álvaro de Luna: Realmente, ha venido muy rápido. Durante el tiempo de cuarentena todo el mundo tuvo muchísimo tiempo, en mi caso, fueron saliendo canción a canción. El disco en sí cuenta una historia personal. Va a ser importante escucharlo por orden para que se entienda la transición. Lo que cuenta y la historia que hay detrás. MW: ¿Hubo algún bloqueo creativo durante ese tiempo de cuarentena? Álvaro de Luna: Sinceramente, no. Los primeros días me entró muchísima ansiedad. Pero, al final, esa ansiedad y ese agobio se convirtió en temas que fueron saliendo progresivamente. MW: ¿Te notas cada vez más auto exigente con tus composiciones? Álvaro de Luna: Sí, con todo mi trabajo. Ya no solo en la composición, también a nivel videoclips, a nivel salidas o entregas de single. Para este primer álbum ha sido la primera vez que he estado encima de todos los videoclips. El tiempo de encierro me ha venido bien porque me ha hecho

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centrarme mucho más. MW: ¿Cuánto de complicado es delegar aun sabiendo que hay que delegar? Álvaro de Luna: Es complicado porque, incluso, delegando, esperando que te quiten trabajo, a veces, el no estar demasiado encima te da más trabajo del que se piensa. Si me exijo mucho, exijo a los demás al mismo nivel. MW: ¿Cuántas veces te han tenido que insistir para que dejases de dar vueltas a temas ya terminados? Álvaro de Luna: Pues eso me ha pasado con un tema que tengo previsto que salga en agosto. Y con el siguiente single también. Porque estaba como súper claro hecho y tras un periodo de dos meses me di cuenta que no era así como lo quería hacer. Porque en el momento en el que fueron escritas y producidas mi estado era totalmente diferente y creo que es importante que la canción transmita el mensaje que tú quieres lanzar. Y es lo que me ha pasado con alguna que otra canción del disco. He tenido que darle como tres o cuatro vueltas. MW: ¿Tienes alguna manía cuando un tema está cien por cien terminado? Álvaro de Luna: Cuando para mí está el tema terminado, mandárselo a mi madre. Es la persona más crítica con la que me he topado. MW: ¿Es más sencillo componer en solitario o en conjunto? Álvaro de Luna: Para mí, ahora mismo, en solitario. También es algo a lo que estoy acostumbrado desde hace muchos años. Sentarme con otros compañeros para componer para otros artistas, al principio, me costaba mucho. Al final es acostumbrarse. Lo que sí es cierto es que nunca he compuesto en equipo para mi mismo. En ese sentido considero que mi manera de componer es bastante personal y el tipo de mensaje o las expresiones no suelen ser las mismas. MW: ¿Hay alguna emoción que te bloquee? Álvaro de Luna: Demasiada felicidad me bloquea. Porque cuando se está bien, se está muy bien. Además, la felicidad va en pequeñas dosis y por poquito tiempo. Y me siento a componer y no sale nada productivo. MW: ¿Sacas todos los días un espacio para componer? Álvaro de Luna: No. Porque cuando lo digo o lo hago por sistema, no sale nada. Prefiero que sea la inspiración la que venga. MW: ¿Qué te da la música que nada más lo hace? Álvaro de Luna: Todo. Me da todo tipo de sentimientos. Viajo con todas las canciones. Hay una canción para cada momento de tu vida y de tu día.

· · · La música le ha servido a Álvaro de Luna para viajar por cada una de sus emociones. Seguro que su primer álbum en solitario no nos deja indiferentes.

Sudadera, de Karl Legerfeld. Pantalón, de Levi’s. Zapatillas, de Tommy Hilfiger. Accesorios, de Girati.

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REPORTAJE

Sudadera, de Karl Legerfeld. Camiseta, de Abanderado. Pantalón, de Levi’s. Zapatillas, de Converse.

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MÚSICA

La nueva era de Taylor Swift TAYLOR SWIFT COMIENZA UNA NUEVA ETAPA EN AL QUE REEDITARÁ SUS ÁLBUMES DE ESTUDIO. por PALOMA ESCUDERO / fotografías ©Beth Garrabrant

Después de 12 años en el mundo de la música y con seis discos entre sus manos, Taylor Swift le ha dado la vuelta por completo a su imagen. 2020 ha marcado un antes y un después en su carrera musical. No ha sido un año fácil para muchos pero a ella parece que le ha sonreído en muchos sentidos. La artista ha demostrado que no hace falta estar todo el tiempo en todas partes para seguir estando en boca de todos. Taylor Swift ha seguido cosechando éxitos en un año en el que apenas ha hecho apariciones públicas. Y es que está claro que no lo necesita porque solo con su música basta.

Sus fans han continuado admirándola, más aún si cabe, e incluso ha traído a un público mayor con sus nuevas canciones. Tras unos años alejándose de un estilo country para acercarse más al pop, son pocos los que no han disfrutado escuchando a Taylor Swift. La cantante irrumpió de la nada en el panorama musical pero su talento ha hecho que se mantenga en la cima durante muchos años. Pero en los últimos meses Taylor Swift ha empezado una nueva era en la que ha vuelto a sus inicios. En 2018, después de todos estos

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años al servicio de la discográfica Big Machine Records, Taylor Swift fichó por Universal. Casi un año después Scooter Braun compró esta discográfica independencia. Entonces Taylor Swift quiso comprar los derechos de todos sus discos, pero las condiciones no eran nada justas para ella. En una gran estrategia por parte de Taylor Swift, anunció que en abril de este año publicará una regrabación de ‘Fearless’, su segundo álbum. “Cuando me acuerdo del álbum ‘Fearless’ y pienso en todo lo que se ha convertido, gracias a vosotros, me aparece una sonrisa completamente

involuntaria”. De esta forma Taylor Swift comienza una nueva etapa en la que pretende reeditar todos sus discos para que sean completamente suyos. Una jugada maestra para demostrar que nadie está por encima de Taylor Swift y que ella es quien controla su música. La música de Taylor Swift solo le pertenece a ella y por eso puede hacer lo que quiera. Un motivo de orgullo para todos los fans que llevan tanto tiempo apoyándola. Taylor Swift da un paso al frente en la industria musical para reivindicar el sitio que tanto le ha costado lograr y mantener. No ha sido fácil llegar hasta aquí pero se lo ha ganado a pulso y ahora nada ni nadie se lo pueden arrebatas. Pero Taylor Swift no solo se queda aquí en una simple y sencilla reedición de sus anteriores discos. De momento en ‘Fearless’ podremos escuchar algunas canciones nuevas. Y otras que ya conocíamos sonarán de

manera diferente para darles un toque único y muy especial. Siguiendo la esencia de sus inicios y volviendo a sus orígenes, Taylor Swift afronta sin miedo esta nueva etapa para reivindicar su música. Además, en 2020 Taylor Swift tenía guardados dos ases bajo la manga. Dos discos que lanzó totalmente por sorpresa y que impactaron muy fuerte en la industria musical. En verano publicó de forma inesperada ‘Folklore’, donde volvía a alejarse del pop para acercarse a un estilo más indie folk. El éxito de este nuevo disco fue rotundo, algo a lo que ya nos tiene más que acostumbrados. Taylor Swift está imparable y su talento no conoce límites, ni si quiera en estos momentos. ‘Folklore’ llegó como un soplo de aire fresco para todos los fans que ansiaban escucharla de nuevo. Un estilo muy suyo, con canciones profundas y letras preciosas. ‘Folklore’ fue un disco sorpresa que se convirtió en todo un regalo para los fans.

Los sonidos que marcaron canciones como ‘Safe & Sound’ o ‘Everything has changed’ son los que ha querido explorar de nuevo en ‘Folklore’. Una producción sencilla con ecos electrónicos, sonidos más independientes y que favorecen muchísimo a la artista. Su tono de voz es perfecto para este tipo de canciones menos comerciales. Con letras sacadas directamente de su corazón, ‘Folklore’ llega en el momento adecuado. Estas sorpresas no habían hecho más que empezar ya que tan solo unos meses después Taylor Swift publicó ‘Evermore’. Otro disco que rápidamente se posicionó entre los más escuchados y sus canciones fueron de las más populares en todas las listas. Taylor Swift logró así dos de dos en un momento en el que todo parecía imposible. Según explicó la cantante las canciones de ‘Evermore’ surgieron prácticamente nada más terminar ‘Folklore’. Taylor Swift se encontraba en un buen momento creativo y así ha quedado reflejado. De esta manera Taylor Swift aportó su pequeño granito de arena para que el 2020 no fuera tan trágico como ha sido. Y como no podía ser de otra forma, la artista ha sido alabada por la crítica y por los Premios Grammy, donde se fue con las manos llenas.

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fotografía ANA MÁRKEZ / texto y entrevista P. GUERGUÉ / estilismo JAIRO VILLADA / muah VLADA NIGMANOVA

J AV Y R A M Í R E Z

REPORTAJE

Javy Ramírez pertenece a esa clase de personas que para decir las cosas necesitan cantarlas. El joven artista sólo precisa de un cuaderno y una guitarrita para conducirnos a ese terreno personal, pero al mismo tiempo lleno de claves universales, que son sus canciones. Sus temas son así, secretos en forma versos y música, experiencias íntimas reunidas en Lo que nunca te pude contar, su álbum de debut, ya disponible en todas las plataformas. El título de este primer trabajo no puede ser más revelador. ‘Lo que nunca te pude contar’ es un disco de secretos personales, de historias con las que todos pueden identificarse. Es pura ansia de libertad, es necesidad de perder el miedo a sentir y a expresarlo sin temor a las consecuencias. En este nuevo album ‘Que sabrá Neruda’, ‘La frase’, ‘Quién robó tu luz’ o ‘Tu nombre’, su último single, comparten protagonismo con otras siete nuevas canciones, en su mayoría bajo la producción de Vicent Martínez y otras con el sello del productor Pablo Cebrián, completando así un variado abanico de estilos. “Son temas todos muy de mi tipo, pero los escuchas con atención y encuentras una diversidad enriquecedora, como si se complementaran unos con otros”, anticipa el artista. Entre esas novedades se encuentra ‘El naufragio’, el tema más representativo del disco, un dúo excepcional con Julia Medina llamado a convertirse en un nuevo éxito con el que alcanzan una intensidad interpretativa única. ‘Lo que nunca te pude contar’ es, en definitiva, un trabajo que confirma a Javy Ramírez como un compositor sensacional y un intérprete único; un artista honesto y cargado de verdad que, canción a canción, ha ahuyentado sus fantasmas para revelarse con una pasión al alcance de muy pocos.

Cazadora, de Fred Perry. Camiseta, de Calvin Klein.

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rumba y le dije a Vicen para sacarla de ahí y tener un sonido más hacia el álbum. Y cuando la escuché me sorprendió bastante.

MEW Magazine (MW): Tu primer álbum ya está en la calle. ¿Qué se siente? ¿Qué sentiste cuando lo tuviste cien por cien creado? Javy Ramírez: Pues es raro. Porque uno siempre ha soñado con hacer un disco. Verlo físico, en tus manos, es muy bonito. MW: En esos momentos, ¿se echa la mirada atrás? Javy Ramírez: Sí, claro que sí. Me acuerdo cuando escribía una canción como ‘Qué sabra Neruda’, yo solo en mi cuarto, enfrente de una pared, como casi todas las canciones, sin pretensión ninguna, solo para desahogarme. Y ahora verla en un disco es muy bonito. MW: ¿Cuánto de sencillo o cuánto de complejo ha sido la creación del álbum? Javy Ramírez: Sencillo en la parte que yo tenía muy claro el sonido que quería. Cuando escribo me imagino las canciones casi producidas. Y luego hay que buscar el equilibrio entre lo que ve el productor y veo yo para que la canción luzca lo mejor posible. MW: ¿Ha habido algún tema que te haya sorprendido más de la cuenta? Javy Ramírez: Sí, por ejemplo, la de ‘Las mil alarmas’. Era una

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MW: Cuando uno crea, ¿es fácil delegar en esa parte de producción? Javy Ramírez: Es fácil y, al mismo tiempo, no. He tenido la suerte de que he trabajado con unos productores de nivel grandísimo. Siempre he estado muy tranquilo y he confiado mucho en ellos. Y en mucho de los temas he dicho “haz lo que tú quieras”. MW: ¿Y algún tema que te haya dado más trabajo a la hora de componerlo? Javy Ramírez: ‘El Naufragio’. Es un tema que por su historia me toca mucho por dentro. Y he escrito cien veces en canciones distintas. Y casi siempre las he desechado. Y ya necesitaba escribir esa canción porque tenía que estar en el álbum. Escribí la estrofa y llamé a Gonzalo Hermida. Que tenía muchas ganas de escribir con él. Necesitaba que me ordenase las ideas. MW: ¿Los temas que están en el álbum son los que tenían que estar? ¿Ha habido algún descarte? Javy Ramírez: Ha habido descartes y descartes importantes. De temas que a lo mejor canté dentro de la academia de ‘Operación Triunfo’ y mucha gente me reclamaba en el álbum. Pero no están para ser honesto con lo que habla el álbum, conmigo mismo y con la gente. MW: ¿Cuántas veces has escuchado tus temas? Javy Ramírez: Unas cuantas (Risas). Sobre todo, en el proceso

Sobre camisa, de Zara. Jersey, de Mango. Pantalón, de H&M. Calzado, de Converse. Accesorios, de Trium Jewelry.

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Sobre camisa, de Zara. Camiseta, de Calvin Klein. Pantalón, de H&M. Calzado, de Misako. Accesorios, de Trium Jewelry. Anillo, de Girati.

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REPORTAJE de producción. Porque te van mandando cosas, tú vas escuchando. Vas diciendo esto sí, esto hay que cambiarlo. Ahí me he escuchado, cada tema, cien veces. Y los quemo. MW: ¿Antes del lanzamiento había vértigo o estabas tranquilo a la espera del feedback? Javy Ramírez: Estaba tranquilo. No te voy a negar que uno siempre tiene los nervios del estreno, pero estaba tranquilo, sobre todo, porque yo estaba satisfecho. Te podía gustar más o menos una canción, pero no te iba a dejar indiferente. MW: ¿Cómo vive uno un feedback tan positivo? Javy Ramírez: Flipando con la gente. No he tenido comentarios negativos hacia una cancion. Es cierto que siempre te puede gustar una más que otra. MW: ¿Uno tiene que trabajarse, todos los días, el cariño del público? Javy Ramírez: Sí, la verdad es que sí. Si ellos te dan todo lo que pueden y más, tú también tienes que aportarles a ellos. MW: Hace poco te hemos podido ver en directo y me gustaría saber cómo es ese momento en el que uno salta al escenario y ve al público con el cincuenta por ciento de su cara tapada… Javy Ramírez: Te sorprendería lo que son capaces de expresar con los ojos. Es verdad que se nota muchísimo. Pero lo reflejan todo. Fue muy bonito dentro de las limitaciones que había. MW: ¿Y cómo se equilibra le energía cuando acaba el concierto? Javy Ramírez: No se equilibra (Risas).

"QUIERO HACER LA MÚSICA CON CORAZÓN"

MW: ¿Qué quieres que el público encuentre en tu música? Javy Ramírez: Te diría que experiencias… escribo para mí, pero me gusta que me digan que esa historia los lleva a recuerdos. Quiero hacer la música con corazón.

· · · Sí, música con corazón…de esa nos hace falta mucho. Porque a veces tenemos la manía de infravalorar las emociones y dejarlas a un lado cuando el más valiente siempre suele ser el que más llora y nunca al revés.

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Cazadora, de Primark. Camiseta, de Calvin Klein. Pantalón, de H&M. Calzado, de Adidas. Accesorios, de Trium Jewelry. Anillo, de Girati.

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MÚSICA

SPOTIFY: DESCUBRIENDO UN MUNDO NUEVO por ÁLEX DELGADO / fotografías ©Pixabay 52 ABRIL 2021 · MW

En los últimos meses se ha observado un cambio en la tendencia interna de funcionamiento de Spotify. Los cambios que están realizando desde la plataforma han permitido que los artistas tengan una mayor repercusión social con sus temas. Los nuevos parámetros en sus algoritmos han hecho que las listas de recomendaciones sean más personalizadas.

©The Granger Collection

a música nos ha salvado en los peores momentos. No hay duda de que en los últimos años la cultura ha vuelto a ofrecer a la población un conducto de huida y desconexión ante la inmediatez de un mundo cambiante. Bajo estas premisas la música ha permitido a la sociedad pensar en otros aspectos que han marcado nuestro día a día. Las plataformas de reproducción de audios o música, tales como Spotify, iTunes o derivadas, han visto en los últimos meses un crecimiento significativo en su número de usuarios. Según el informe “Global Music Report 2021” a nivel mundial se llegó a ingresar 21.600 millones de dólares gracias a la venta de música, que supone un 7.4% de incremento en comparación con 2019. Gran parte de este incremento se debe a los ingresos derivados por el consumo de música en streaming, que creció casi un 20% en comparación a 2019, generando 13.400 millones de dólares. Con un total de 345 millones de suscriptores en Spotify, el gigante americano ha visto como la confianza de los usuarios les ha permitido salvar un año que parecía prácticamente desastroso desde la aparición del coronavirus. Hablar de Spotify es hablar de un servicio de música en streaming que ha revolucionado el mercado. Prácticamente cualquier grupo musical o artista tiene su propio espacio en esta plataforma. No es de extrañar que muchos artistas hayan realizado algunos de sus lanzamientos por ella, pero todavía es una incógnita uno de sus muchos sistemas ocultos de distribución y reproducción de música. En muchas ocasiones los usuarios de esta plataforma se han encontrado con la situación siguiente: se termina una lista de reproducción, ya sea recomen-

“ SPOTIFY PIENSA EN EL USUARIO Y NO SERÍA DE EXTRAÑAR QUE LANCEN NOVEDADES EN LOS PRÓXIMOS MESES ” mewmagazine.es 53

MÚSICA

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©Ana Márkez

dada o propia, y automáticamente se reproduce una canción desconocida, pero que te resulta familiar. El motivo es simple, los algoritmos de Spotify funcionan a la perfección y te ofrece un tipo de contenido relativamente nuevo que no sueles escuchar. El mecanismo interno de Spotify es un tanto secreto, pero su algoritmo de recomendación de música y canciones se basa en tres premisas. La primera se basa en la recomendación de música conocido como “Filtrado colaborativo”. Este se basa en la sugerencia de canciones que escuchan un perfil similar de usuario. Para completar este tipo de modelo de recomendación nos encontramos con el PNL o comúnmente conocido como “Procesamiento del Lenguaje Natural”. En líneas generales es un algoritmo que se basa en las palabras buscadas, estableciendo un vínculo entre el artista en cuestión y la palabra buscada. Es decir, se podría considerar que es un sistema bastante similar al clásico. A todo ello, también tiene en cuenta los artistas que aparecen en la misma página que la palabra buscada. El tercer modo de recomendación que tiene en cuenta Spotify se basa en el audio sin

procesar, es decir, en la pista en bruto. En este modelo se basa en analizar el tiempo de la canción, el modo, el tempo y el volumen entre otros aspectos. Estos datos son procesados por una red neuronal, más conocida como “Convolutional neuronal network”. Se trata de un sistema similar al que se utiliza en reconocimiento facial. Con estos datos se crean las listas de descubrimiento semanal, que se basa en recomendaciones del historial de reproducción previa. Por su parte, en radar de novedades nos encontramos con recomendaciones de artistas que escuchamos frecuentemente o bien de cantantes con un estilo similar. Spotify piensa en el usuario y no sería de extrañar que lancen novedades en los próximos meses en su servicio, por lo que podrían incorporar o recomendar canciones según el estado de ánimo del usuario. Este tipo de humor o carácter puede ser registrado por el micrófono y la IA automáticamente generaría una lista para ese momento. La experiencia del usuario es fundamental en este tipo de plataformas y los podcast pueden ofrecer un producto mucho más completo en todos los sentidos

UN ESPACIO HECHO PARA LOS NUEVOS Las plataformas de música vía streaming han ofrecido a los nuevos artistas un hueco en el mercado que no encontraban en el pasado. Una de las novedades que se lanzará en los próximos meses – a modo de prueba-, será un algoritmo pensado en las discográficas y artistas, en el que ellos indicarán que tipo de música es similar a la suya, ofreciendo información adicional a Spotify y a sus recomendaciones.

©Ana Márkez mewmagazine.es 55

Total look, de Mod Wave Movement.

REPORTAJE

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ANDRA GROOVE

fotografía ANA MÁRKEZ / texto y entrevista P. GUERGUÉ estilismo JAIRO VILLADA / muah LETICIA PERILLÁN

Sandra Groove llegó a la música a través de Amy Winehouse. A través de la música negra. Porque a veces es imposible saber en qué momento nos activarán el botón de aquello que será nuestra pasión y nuestro oficio. Y, a partir de ahí, solo queda espacio para el trabajo y la perseverancia.

Uno de sus últimos temas ha sido ‘Descaro’. Que habla de una relación tóxica en la que se decide decir basta representándolo mediante el baile. Una de las frases más relevantes del tema es “tus graffitis

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REPORTAJE

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no sirven pa´ na” en la que la cantante expresa que una persona trata de llamar su atención mediante dibujos por las calles. Todo esto tiene mucho que ver con el espacio donde se ha rodado el videoclip, ya que se ha realizado en un espacio abandonado totalmente graffiteado, haciendo referencia a la indiferencia de la que habla el tema. Porque para Sandra, como bien descubriréis a continuación, resulta fundamental toda la parte audiovisual de sus temas. Una forma directa de llegar al público. De mostrar sensaciones. ··· MEW Magazine (MW): ¿La música te encontró a ti? ¿O tu encontraste a la música? Sandra Groove: La música me encontró. Empecé a cantar con catorce años porque empecé a escuchar a Amy Winehouse y empecé a interesarme mucho por la música negra. Realmente te diría que Amy Winehouse me encontró a mí y a partir de ahí ya pues todo lo que ha pasado.

Sí o sí tienes que tenerlas porque son tu curriculum para enseñarte. Pero igual que me enseño yo, se enseñan otros quinientos mil. Así que también tienes que competir con eso. Tener las mejores redes. Tener el mejor feed. MW: ¿A qué se aferra una cuando tiene días más complicados? Sandra Groove: Pues a la música, realmente. A la música. Y a la gente de alrededor que tienes. MW: ¿Cuánto tiene que trabajar una misma consigo misma a nivel emocional? Sandra Groove: Mogollón. Porque estás expuesta, públicamente, a muchas cosas. De hecho ahora estamos hacienda Ariadna, una compañera de OT, y yo un tema sobre el ‘cyberbullying’. Porque al estar expuesto en redes puedes recibir miles de mensajes muy bonitos y no tan bonitos que como te pille en un mal día, es que te han jodido el día y la autoestima se puede quedar muy tocada.

“Estamos condenados a las redes sociales”

MW: ¿Está siendo fácil? Sandra Groove: No, definitivamente, no. Pienso en dejarlo todos los días, no te voy a mentir. Es muy bonito y muy gratificante, sobre todo la parte de componer o de los directos, pero sí que es cierto que la industria musical tiene muchas ‘cositas’ que dejan mucho que desear. MW: Entonces, ¿lo más complejo del oficio puede ser la industria en sí? Sandra Groove: Totalmente. Un cantante como tal, que quiere lanzar un proyecto personal, ahí es lo complicado. Porque tiene que haber mucho curro, mucha gente alrededor y mucho dinero. MW: Las redes sociales y las plataformas ayudan a darse a conocer, pero también generan mucha más competencia que antes. Sandra Groove: Estamos condenados a las redes sociales.

MW: Como público siempre nos quedamos con el resultado final pero no solemos ser conscientes de todo lo que hay detrás. ¿Cuánto trabajo hay en todo ese proceso? Sandra Groove: Pues en el proceso de composición depende. Hay temas que yo puedo hacer en dos horas como ‘Síndrome de Estocolmo’, porque estaba motivadísima. Y luego hay temas que me cuestan hacerlos dos meses. Luego la parte de producción es cierto que suele tener unos tiempos más estables. Para mí lo más difícil es siempre la parte de composición. MW: ¿Te sueles marcas tiempos para componer? Sandra Groove: No. ¡Qué va! No, porque la inspiración va y viene. A veces no me llega la inspiración en un mes. Y luego en un día me sale un temazo. Es muy random. MW: ¿Ha habido algún tema con el que te has bloqueado más de la cuenta? Sandra Groove: Alguno que no he llegado ni a sacar. MW: ¿Qué te resulta más sencillo, componer en soledad o con alguien más? Sandra Groove: Componer con alguien más. Empe-

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Top, de Champion. Pantalones, de Mod Wave Movement.

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Camisa, de Pull&Bear. Pantalones, de Mod Wave Movement. Accesorios, de Trium Jewelry.

REPORTAJE

Cazadora, de Mod Wave Movement. Body, de Champion. Botas, de Fresia. Accesorios, de Trium Jewelry.

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cé componiendo sola hasta que un día hice un tema con Sandra Merino y me entendí tan bien con ella que, desde ese momento, hago todo con ella. Porque, al final, nos cerebros piensan más que uno (Risas). MW: ¿Sobre qué te cuesta componer? Sandra Groove: Sobre cosas bonitas. Porque soy como muy rencorosa. Me siento y compongo sobre personas que me hicieron daño. Qué mal porque sería bonito dedicarle a alguien una canción bonita (Risas). Pero me cuesta muchísimo. MW: A lo mejor hay que lanzar la rabia por algún lado… Sandra Groove: Sí, sí, es mi forma de canalizarla. Además, que las producciones me gustan como muy cañeras, muy grandes. Y como que ahí te sale más la chulería. MW: ¿Cuántas vueltas le das a un tema? Sandra Groove: Todas las que se puedan dar (Risas). Sobre todo, en la producción. Porque la puedes producir de tantas maneras… La producción perfecta es la producción que suene a ti. MW: ¿Cómo se equilibra la energía después de un concierto? Sandra Groove: La verdad es que nunca me lo he planteado. Cabo los conciertos súper arriba e imagino que hasta que no me acuesto no se va.

conciertos que he estado haciendo han sido más tipo acústico. Piano y guitarra. Pero ahora la idea es lanzar un EP. Y empezar con banda en directo. Sí que me gustaría que sonara parecido a como lo hemos producido. Lo que sí que quiero es que el tema que sea cañero sea el doble de cañero. Y donde haya una balada que sea muy desnudita. MW: ¿Cada vez es más importante el videoclip y hay que prestarle más atención? Sandra Groove: Sí. Es mejor sacar algo sencillo a no sacar nada. MW: ¿Cómo se maneja la paciencia en este mundo? Sandra Groove: No sé (Risas). Yo es algo que no tengo la verdad. Lo llevo muy mal. Es un proceso lento. Tienes un tema y lo sacar a los cuatro meses. MW: ¿Qué te la música que nada más lo hace? Sandra Groove: Para mí es terapia total. En todos los sentidos. Siempre hay una canción que te cura o que te entiende.

· · · Sangra Groove se come la vida a bocados y a descaro. Y eso es lo que nos lanza a nivel musical en cada nuevo lanzamiento.

MW: ¿Es importante que los temas, en los directos, suenen de otra forma? Sandra Groove: La verdad es que los

“Siempre hay una canción que te cura o que te entiende”

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MÚSICA

“Puchito, ¿cuál e’ la maña?” por

La música, eso que consigue hacernos viajar con tan solo cerrar los ojos. Letras y notas que transmiten mucho más que una simple melodía y aquella que logra sacarnos una sonrisa, por pequeña que sea, en nuestros peores días. Sin duda la música es importante, pero para que todo ello sea posible necesitamos de artistas que consigan generar tal impacto en nosotros, que solo queramos escuchar sus canciones una y otra vez. Eso es lo que consigue Antón Álvarez alias C. Tangana o me atrevería a decir también El Madrileño con su nuevo disco, valga la redundancia, ‘El Madrileño’. Hace aproximadamente un año salía una canción que marcaría un antes y un después en la carrera de C. Tangana. Un lanzamiento en un momento determinante para que todos nos sintiéramos protagonistas de su letra. Puchito daba a conocer ‘Nunca Estoy’, una canción que llevó a lo más alto de las listas al cantante y que nos advertía lo que sería su próximo proyecto musical que hasta la fecha, ha sido el más importante.

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VANNIA ALVARADO / fotografías cedidas por ©Sony Music

Con esta canción y con ‘Un Veneno’ junto a Niño de Elche en 2018, nos venía avisando de que se trataba de algo totalmente distinto a lo que nos tenía acostumbrados y así fue. De hecho, tan enfocado estuvo en este trabajo, que Antón dejó de lado un álbum de música urbana con quince canciones. Quién sabe, algún día podría publicar alguna de ellas. ‘El Madrileño’, un álbum que nos dejó a todos con la boca abierta. Un trabajo inesperado, único, admirable, imposible de catalogar dentro de cualquier género musical… De hecho, sería un error encasillarlo. En él es evidente

como Puchito pone por todo lo alto la música española más tradicional. Sin lugar a dudas a través de estos sonidos nos lleva por un autentico viaje musical. Nos conduce a sonidos pasados, pero combinados con los de ahora. Flamenco, bachata, funk, bossa… una combinación de varios géneros que lo hacen único. Todos ellos los lleva a su terreno y los mezcla con los sonidos que ya llevan su propia marca de identidad, reconocibles, llegando así junto a sus canciones a cualquier tipo público, de hecho, con ‘El Madrileño’ ha conseguido llegar a un público mucho más amplio. Un trabajo que no habría sido posible sin la presencia de Alizz, su productor y mano derecha. Estando en el mes de abril, podríamos atrevernos a decir que ‘El Madrileño’ es el mejor álbum español del año. Como datos que ofrecer, éste debutó con 5.170 millones de streams en sus primeras 24h en Spotify España, siendo así el mejor debut de un artista español en la historia. Un récord que arrebata al disco de ‘El mal querer’ (2018) de Rosalía con dos millones de reproducciones en su primer día. Éxito tras éxito, las 14 canciones que conforman ‘El Madrileño’ consiguieron posicionarse en la lista Top 50 de la plataforma en el mismo día. La cosa fue más allá durante el fin de semana ya que se convertía en el primer álbum español que conseguía el número uno en la lista global de debuts de álbumes del fin de semana en Spotify. No nos podíamos olvidar de ‘Tu Me Dejaste de Querer’, la canción que causó un autentico furor pese a ser filtrada horas antes de su lanzamiento, el recibimiento por parte del público fue inmenso. Tal fue así que en menos de cinco meses, el single acumula más de 100 millones de reproducciones en YouTube. El movimiento C. Tangana está dando mucho de qué hablar. Si echamos la vista atrás, hace no mucho tiempo, hablábamos del cantante de una forma totalmente distinta a la que ahora lo hacemos. Teníamos la imagen de un artista del género urbano provocador, arrogante, chulo… De hecho, muchos se quedaron con aquel que fue a Operación Triunfo con alguna copita de más, actuó y acto seguido se marchó, sin devolverle el saludo al presentador. Una imagen que el propio cantante ha buscado generar sobre sí mismo, con una genialidad para estar siempre estar en boca de todos y que constantemente se hable de él. Sin duda, una admirable estrategia de marketing. Pero tras esa imagen se podría esconder la actual, la de ahora, la de El Madrileño. En la que parece encontrarse mucho más cómodo y que sin lugar a dudas, nos encanta.

TOP 1: ‘Tu me dejaste de querer’ ft. La Hungara y Niño de Elche. Con un ritmo de lo más pegadizo, sin lugar a dudas ha sido la auténtica bomba de este álbum reconocible allá por donde pase con su famoso: ‘tirititi ti ti’.

TOP 2: ‘Nunca Estoy’. Una canción que salió en pleno confinamiento y que no hubo mejor momento para ello. Con una letra para hacerla tuya. Entenderla, ponerte en la piel del protagonista y realmente sentirla.

TOP 3: 3. ‘Ingobernable’ ft Gipsy Kings. La canción que hace que

nos entren unas ganas inmensas de cantar, bailar y tocar las palmas, aunque no hayamos hecho ni una de esas tres cosas bien en nuestra vida. Pura alegría.

TOP 4: ‘Demasiadas Mujeres’. Una apuesta arriesgada debido a que pretende mezclar la música española cañí con la actual. Una canción determinante para saber la reacción del público. Gusta o no gusta. No hay intermedios.

TOP 5: ‘Un Veneno’ ft Niño de Elche. La canción que abrió camino al trabajo que cambiaría la vida del cantante ‘El Madrileño’. Fluído. Puro C. Tanganaso o como algunos recuerdan, Crema. Simplemente barras.

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REPORTAJE

DAVID OTERO El 16 de junio de 2000 es el punto de partida de la prolífica carrera de David Otero, tal día hace ya 20 años se publicaba el álbum homónimo El Canto del Loco. Desde entonces, David no ha dejado de reconvertirse, de evolucionar, de crecer... siempre con la frescura y eclecticismo en el sonido que le caracteriza. Las guitarras rockeras, marca de la casa del repertorio de El Canto del Loco nunca le han abandonado, pero sí ha sabido combinarlas con unos sonidos más maduros y elaborados que han ido emergiendo conforme David crecía y evolucionaba. En 2020 David Otero pisa el balón y se encuentra de frente con su obra. Con más de 50 temas publicados tras la disolución de El Canto del loco y habiendo sido co-autor de todos los éxitos del grupo, David revisa algunos de los temas más populares de su trayectoria desde los ojos y la madurez que otorga la edad y la experiencia.

fotografía ANA MÁRKEZ / texto y entrevista P. GUERGUÉ estilismo JAIRO VILLADA / muah VLADA NIGMANOVA

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Camiseta, de Zara. Pantalones, de Levi’s. Calzado, de Antony Morato. Colgante, de Mythos.

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REPORTAJE

que te mereces lo que te pase, también. A veces es muy difícil decírtelo a ti misma. Muchas veces nos castigamos. Tú eres tú peor enemigo.

Para esta nueva aventura, David se ha hecho acompañar de algunos de los artistas más importantes del panorama nacional, músicos que crecieron escuchando estas canciones, incluidas en muchos casos en el repertorio de sus propios conciertos. Canciones, en algunos casos auténticos himnos, que han formado la banda sonora de varias generaciones cantadas a dúo por artistas de estas mismas generaciones. ··· MEW Magazine (MW): ¿Quién eligió a quién? ¿Tú a la música? ¿La música a ti? David Otero: Creo que nos encontramos. A mí me hacía falta un lenguaje para comunicarme con el mundo, desgraciadamente sufrí un fracaso escolar estrepitoso, por un defecto que tengo en los ojos. No intelectual pero sí físico. Los niños cuando leen curvan los ojos de una forma que la musculatura de los ojos se cierra para cuando estás a treinta o cuarenta centímetros fijes la vista. Y yo tengo un defecto que no puedo hacer ese ejercicio. Para mí leer una hora es como para otro niño leer quince. Y en todo ese proceso de algo tengo que hacer para comunicarme con el mundo, mientras todos los demás aprendían a un ritmo normal, encontré la música. Era un lenguaje con el cual cerraba los ojos y veía la música. Y no me hacía falta ni leerla, ni aprendérmela de memoria. MW: Y después de tantos años en este oficio…¿lo más duro? ¿lo más complejo? David Otero: Mantener la ilusión. Y que pese a las zancadillas que te van poniendo, porque es un mundo de zancadillas, seguir adelante. Y cada vez que te levantas tienes que mantener la ilusión porque sino no avanzarías, te quedarías parado. Y para eso hay que confiar en uno mismo, aunque a veces pienses que el entorno no confía en ti. Creer

MW: Y en esta montaña rusa, ¿cuánto de complicado es forjarse una buena autoestima y quererse a uno mismo? David Otero: Muy difícil. He necesitado varios procesos de análisis junto a profesionales. Y a mí me encanta. Soy un gran defensor de los procesos mentales. Me encanta la psicología. No le tengo ningún miedo. Animo a la gente a que cuando tenga un sentimiento de pérdida, que se acerque a hablar con alguien que lo ve de forma objetiva y neutral. MW: ¿Has dibujado el viaje que tú querías ir dibujando? David Otero: Sí, de hecho, soy de creer que los momentos muy complicados son muy bonitos en la parte del viaje. A mi me encantan los samuráis. Son brutales porque agradecen siempre al enemigo por la batalla. Y me encanta esa filosofía. Y es algo que es muy duro de entender y muy difícil. Pero cuando lo aprendes y te encuentras con una dificultad y lo agradeces, es de los mejores ejercicios que puedes hacer en la vida. MW: ‘Otero y yo’ es tu ultimo álbum y me gustaría saber si en ese momento en el que tuviste el álbum en tus manos, si tu mente retrocedió al inicio del todo, a ese día en el que dibujaste en tu mente cómo podría ser un álbum así. David Otero: Sí, he viajado a varios inicios. He tenido la suerte de comenzar muchas veces en mi vida. Comencé con ‘El canto del loco’, comencé con ‘El Pescao’, comencé como David Otero… Este ‘Otero y yo’ es un nuevo comienzo. Durante este proceso he ido hasta a los comienzos de yo con la guitarra, en mi casa, cuando no había nadie porque era cuando me ponía a componer porque sino me daba vergüenza. Era como territorio completamente secreto para el resto del mundo. MW: ¿Tenemos miedo a las emociones? ¿O nos hacen generar miedo hacia ellas? David Otero: Creo que las emociones son peligro-

"Me hacía falta un lenguaje para comunicarme con el mundo"

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REPORTAJE

Cazadora, de Gaudí. Camisa, de Antony Morato.

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Cazadora y camisa, de Gaudí. Camiseta, de Tommy Hilfiger. Pantalones, de Bershka. Calzado, de Levi’s.

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REPORTAJE sas para el control de lo que somos especie. Las emociones son las que te llevan a protestar, a querer cambiar el mundo, las que te llevan a enfrentarte a lo que no te gusta. Las que te llevan a votar a otro partido o a no votar. Si uno no se emociona no es capaz de cambiar su realidad. MW: Hablando de emociones, ¿hay alguna emoción que, creativamente hablando, te bloquee? David Otero: Pues mira, te voy a responder lo contrario. Hay una que me activa. El aburrimiento me activa un montón. Llego al estudio disparadísimo. MW: ¿Ha sido fácil cerrar los temas cuando esos temas ya se conocían de tantos años atrás? David Otero: No, ha sido un reto tremendo. Ha habido muchos miedos. Todo esto lo he trabajado también porque había muchos miedos de… voy a tocar algo que es muy especial para mucha gente y que es mío a final. Y me he encontrado con mucha crítica, con mucha gente que me mandaba mensajes por privado poniéndome verde. Me he encontrado con muchos ‘haters’ y yo no estoy acostumbrado a encontrarme con ellos. Pero está bien, es parte del proceso. MW: ¿Hay que ponerse límites cuando uno se autoexige? David Otero: Sí, yo me lo pongo. A mí me dijo mi psicólogo una frase que me marcó un montón: “¿Quieres ser campeón de Fórmula 1 o ser suficientemente bueno en muchas cosas en la vida?”. Yo quiero ser suficientemente bueno en muchas cosas en la vida. No quiero ser campeón de Fórmula 1 y olvidarme del resto del mundo. He decidido tener gente alrededor a la que dedicarle tiempo. Tener hobbies a los que dedicarles tiempo. He decidido dedicarle mucho tiempo a mi familia. MW: ¿Qué nuevo David has descubierto en este ‘Otero y yo’? David Otero: Me he descubierto muy ágil a la hora de tomar decisiones. Porque no es fácil no quedarte ahí estancado en la duda. MW: ¿Era importante venir acompañado de compañeros de la profesión? David Otero: Sí, era mi ilusión. Y además con esta generación con la que me siento súper identificado. Con mi generación me siento mucho menos identificado. O, al menos, menos identificado. A nivel prejuicios o a nivel etiquetas, por ejemplo. MW: ¿Qué te da la música que nada más lo hace? David Otero: La vida. La música me da la vida. Cuando lo peor lo he pasado es cuando no he sentido conexión con la música. No entiendo la vida sin música.

· · · El artista madrileño vuelve a los escenarios con su gira ‘Otero y Yo’, para celebrar sus 20 años de carrera e interpretar de nuevo sus mejores éxitos desde El Canto del Loco hasta la actualidad. Tras tocar en Pamplona y en el Festival Noches Mágicas de Alicante el pasado verano, enfrenta 2021 con varias fechas confirmadas: Valencia (17 abril), Lloret de Mar (21 agosto) y Sevilla (16 octubre).

72 ABRIL 2021 · MW

Cazadora y pantalón, de Levi’s. Camiseta, de Garhés Studio. Calzado, de Tommy Hilfiger.

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MÚSICA URBANA

Morad la voz de la calle por ROSA SURIA fotografías ©Polar Nights

74 ABRIL 2021 · MW

psicológico e incluso físico y de una inestabilidad que otros muchos ni siquiera imaginamos. Por eso, en poco tiempo, este joven de 21 años se ha convertido en la voz de la calle y en uno de los artistas urbanos más a tener en cuenta.

DE PROMESA A FENÓMENO

sencillamente no quiere verte. Y también sabe lo que es creer que todo ha acabado cuando ni siquiera ha empezado, que no hay futuro posible, porque ha cometido errores, pero sobre todo porque la sociedad no quiere darle ninguna oportunidad.

actualmente es uno de los artistas más escuchados de nuestro país. la carrera profesional de morad arrancó sólo

hace un par de años, pero es ya uno de los principales exponentes de la música

urbana en españa, así como un referente para los invisibilizados.

Verse representado es enormemente importante, pero parece evidente que sólo aquellos que no gozan de esa visibilidad son conscientes de esta importancia. Son los invisibilizados, personas cuyas realidades desconocemos y, aparentemente, no nos importan lo más mínimo. Porque cuando nos topamos con ellas en los telediarios, cambiamos de canal. O juzgamos, lo que incluso me parece más terrorífico. También giramos la cara cuando nos cruzamos con ellos por la calle, haciendo como si no existieran, tratando, imagino, de no empañar nuestro mundo perfecto y superior. Morad siempre formó parte de ese grupo de invisibilizados. De origen marroquí, sabe lo que es crecer en un barrio obrero, como el de La Florida en L’Hospitalet de Llobregat, y vivir en un centro de menores con tan solo 12 años. Sabe lo que es sentir que la gente te mira, pero no te ve, porque

Es de esto, de las vivencias crudas y reales de su infancia y adolescencia y de lo que ha ido viendo a su alrededor a lo largo de los años, de lo que bebe Morad a la hora de componer sus temas. El rapero, que recoge influencias del rap francés de origen magrebí, es uno de los mayores exponentes de la música urbana en nuestro país. Y lo es precisamente porque canta desde la realidad y la experiencia, y porque su música supone una novedad dentro del panorama nacional. Lo que él canta no lo habíamos escuchado en España prácticamente en ningún momento, ni con esos ritmos ni con esas letras. Dice el propio Morad que su música funciona porque en ella la gente encuentra sus vivencias y una realidad que sigue siendo invisibilizada en pleno siglo XXI. Porque en ella encuentran la verdad que quizá le falta a los temas que se cuelan en las listas de éxitos, aunque esto último es mío, de mi cosecha, no de la suya. Pese a que ahora acumula millones de oyentes en Spotify, millones de reproducciones en YouTube y un palmarés que cada vez engorda más, Morad es un chico como otro cualquiera. Un invisibilizado que supo encontrar su camino a través de la música cuando creía que ni siquiera existía un camino para él. Y que representa a cientos de jóvenes que se encuentran en un punto similar al que él vivió. Rodeados de violencia, de rechazo, de maltrato

Morad entró en 2020 con la merecida etiqueta de promesa como fiel compañera, y salió de él con el título de fenómeno. En parte porque estos invisibilizados le hicieron su principal mensajero, escuchándole a todas horas y popularizando su música. Pero también, como seguramente imagines, gracias a las redes sociales. Y es que el rapero es otro de los jóvenes artistas que han crecido a través de estas plataformas y que, de hecho, han comenzado su carrera profesional en las mismas. Sólo hay que remontarse unos años atrás para encontrarse a un mucho más joven Morad subiendo sus temas a YouTube. Ahora, en un año en el que las redes han tenido si cabe una mayor importancia y un mayor impacto, especialmente en el contexto del confinamiento, ha sido TikTok el que ha pegado un fuerte empujón a sus canciones. Algunas de ellas, como ‘Motorola’, se han hecho virales en esta plataforma, con sus correspondientes coreografías repetidas hasta la saciedad. Y, de esta manera, la música del rapero ha roto aún más barreras invisibles y ha llegado a un público más amplio, hasta el punto de convertirse en uno de los artistas españoles más escuchados durante el pasado año 2020. Morad encara este nuevo año con ganas, con más música y, sobre todo, con el compromiso de seguir siendo quien es y de seguir cantando las historias y las realidades que muchos no quieren ver. Comprometido en la música y fuera de ella, el rapero se ha posicionado políticamente, ha hablado abiertamente de la situación de los menores extranjeros no acompañados y del error que supone denominarlos ‘menas’ y de otros muchos aspectos, convirtiéndose también en una figura activa e influyente más allá de sus canciones.

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MÚSICA

Descubriendo artistas Olivia Rodrigo

una joven promesa del pop por PALOMA ESCUDERO / fotografías Erica Hernández

APUESTAS GANADORAS Olivia Rodrigo ha pasado en poco tiempo de ser una joven estrella de Disney a triunfar en la industria musical pop. Con tan solo 18 años Olivia Rodrigo se ha convertido en todo un fenómeno juvenil Disney habiendo participado tan solo en dos series. Son muchas las artistas que empiezan en la factoría Disney como actrices para luego lanzarle al mundo de la música. El caso de Olivia Rodrigo es mucho más llamativo y espectacular puesto que su carrera es muy breve y su éxito muy grande. Olivia Rodrigo lleva mucho tiempo preparándose para ser una gran artista mundial. Ella siempre ha tenido claro que quería dedicarse a esto. Desde pequeña ha recibido clases de interpretación y de canto. A Olivia Rodrigo siempre le ha gustado mucho componer sus propias canciones y descubrir sonidos nuevos. Llegó incluso a participar en varios concursos de talentos cuando era muy pequeña. Ahora, a sus 18 años parece que sus sueños se están haciendo realidad de forma abrumadora. En ‘Bizaardvark’ pudimos ver por primera vez a Olivia Rodrigo interpretando un papel principal en una ficción. En esta sitcom que se emitió en

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“En menos de una década, Leslie Odom Jr. ha recuperado la fe en sí mismo y en la industria”

Disney Channel entre 2016 y 2019 interpretó a Paige Olvera. Ella era una adolescente que publica canciones divertidas y vídeos cómicos con su mejor amiga. Olivia Rodrigo se hizo mucho más conocida cuando protagonizó ‘High School Musical: el musical, la serie’ en Disney+. Uno de los estrenos originales que han sido bastante populares dentro de la plataforma y que se espera una segunda temporada. Aquí demostró con creces tanto sus dotes interpretativas como sobre todo musicales. Estas dos series le dieron el empujón que necesitaba para tirarse a la piscina del pop. Gracias a Disney consiguió estar en el foco de atención durante mucho tiempo. Olivia Rodrigo supo aprovecharse de esto para dar un paso muy importante en su carrera: lanzar música en solitario. Una decisión muy arriesgada por su juventud e inexperiencia pero que terminó siendo muy acertada. El primer éxito musical de Olivia Rodrigo vino de la mano de Disney con motivo de su participación en ‘High School Musical: el musical la serie’. UN ÉXITO SIN PRECEDENTES La actriz dio vida a Nina y una de las canciones gustó tanto que cuenta con su propio videoclip y edición. ‘All I want’ es el tema interpretado a piano

por Olivia Rodrigo que ya tiene más e 40 millones de visualizaciones en Youtube. Un éxito inesperado sustentado gracias al gran talento de esta joven promesa del pop. A los pocos meses de estrenarse ‘High School Musical: el musical la serie’ Olivia Rodrigo firmó con la discográfica Geffen Records, propiedad de Universal Music Group. Todos los fans de Olivia Rodrigo estaban deseando escucharla en solitario y apoyarla en esta nueva etapa musical. Pero lo que nadie esperaba es el éxito que tuvo y está teniendo su primer y único single. En enero de 2021 Olivia Rodrigo anunció totalmente por sorpresa que iba a publicar de forma profesional su primera canción: ‘Drivers license’. Nadie, ni si quiera ella, podía imaginar lo bien que esta canción iba a funcionar y la acogida que iba a tener. No solo sus fans recibieron ‘Drivers license’ con gran entusiasmo, sino cualquiera que escuchaba a Olivia Rodrigo lo hizo. En poco tiempo ‘Drivers license’ batió todo tipo de récords. La canción se convirtió rápidamente en la más escuchada en una semana en Spotify. Además, el videoclip ya cuenta con más de 150 millones de reproducciones en Youtube. En Itunes también ha sido de las más escuchadas en su estreno e incluso en Tik Tok logró ser de los sonidos más utilizados por los seguidores. Olivia Rodrigo ha entrado en la industria musical por la puerta grande arrasando con el resto de canciones. Todos estos récords son un gran logro para una artista tan joven que hasta hace unos meses era alguien desconocido. Olivia Rodrigo ha pasado de nada a todo en muy poco tiempo y eso algo que ahora tienen que intentar mantener. ‘Drivers license’ es una canción que le ha llegado al corazón a mucha gente. Muchos se han sentido identificados con la letra y han hecho suya esta canción de la artista. Una canción hecha desde los sentimientos más puros y honestos. Olivia Rodrigo se ha abierto en canal para mostrarnos una herida e inseguridad que todavía está tratando de curar.

como este. El primer amor es difícil de olvidar y las rupturas nunca son algo fácil. Que ‘Drivers license’ habla de una ruptura inesperada siendo tan joven es sin duda parte de su éxito. Olivia Rodrigo ha puesto letra a lo que muchas jóvenes del mundo sienten o han sentido en algún momento de su vida. Es muy fácil sentir que esta canción habla de ti y de lo que has vivido alguna vez. ‘Drivers license’ trata un tema universal y lo hace de una forma directa y muy real. Olivia Rodrigo se ha mostrado sincera con una canción que es mucho más reveladora de lo que podría parecer a simple vista. Acompañada de una discreta percusión, la voz de Olivia Rodrigo suena mágica en ‘Drivers license’. Su tono calmado da paz y hace que la canción te llegue muy dentro. Olivia Rodrigo tiene algo muy especial dentro que ha hecho que todo el mundo quiera escucharla. ‘Drivers license’ podría ser un adelanto de su primer EP. La artista muestra toda su vulnerabilidad y sus sentimientos más íntimos en canciones hechas desde la verdad más absoluta. Con una voz angelical y muy dulce Olivia Rodrigo se presenta como una de las artistas más prometedoras del panorama. Acompañada siempre por su guitarra o su piano. Es tan joven que todavía le queda mucho recorrido, pero si sigue así le auguro en muy buen futuro por delante.

LA HISTORIA DETRÁS DE ‘DRIVERS LICENSE’ ‘Drivers license’ es una balada preciosa con una letra muy emotiva que habla sobre todo del desamor. Aunque ella no ha explicado nunca el significado completo de la canción, esta sufrió algunos cambios de última hora tras romper su relación con Joshua Basset. Ambos se conocieron protagonizando ‘High School Musical: el musical la serie’ y su historia de amor ha marcado mucho la vida de Olivia Rodrigo. Es por eso por lo que ‘Drivers license’ habla del final de un amor tan intenso

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REPORTAJE

GANAR

APRENDER A

RAYDEN

Con más de 109 millones de stream, Rayden ha demostrado con creces su capacidad como compositor y su versatilidad. Su capacidad de trabajo, entrega y perseverancia. Hasta su capacidad de locura. Una locura que desde 2008 lo ha llevado a surcar un camino plagado de canciones y más canciones. Con el único objetivo de ofrecer a su público lo exacto. Ni lo perfecto ni lo imperfecto. Solo aquello deseado. Con sus virtudes y sus incongruencias. fotografía ANA MÁRKEZ texto y entrevista P. GUERGUÉ estilismo JAIRO VILLADA muah LETICIA PERILLÁN 78 ABRIL 2021 · MW

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Cazadora y pantalón, de Levi’s. Camisa, de Calvin Klein.

“Al principio buscaba verbalizar cosas que no sabía hablar en persona"

ayden es capaz de incorporar a artistas urbanos, rock, indies o pop. Una canción del estilo…”tengo una idea, no sé por dónde tirar y estoy un poco en una carretera cortada. Quiero compartirlo contigo”. Sin etiquetas ni disfraces. Con honestidad y entrega porque para él, su oficio, es el oficio más bonito del mundo. Donde crear es la única complicación. Hablar con él de música es de esas conversaciones que se quedan guardadas por la entrega que muestra y por su forma de mirar al frente. Sin decorar demasiado lo que hace, pero valorando en su justa medida. Dando cabida a todos y a más. Porque tenemos un único mundo y hay que compartirlo con la mejor de las sonrisas. Abrazando cada minuto y aprendiendo a ganar.

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MEW Magazine (MW): Si echamos la mirada atrás, al inicio de todo… ¿Qué buscabas en la música y que has terminado encontrando en ella? Rayden: Al principio lo que buscaba era verbalizar cosas que no sabía hablar en persona. Cosas que me pasaban.

MW: ¿Es importante la paciencia en este oficio? Rayden: Sí y tanto que desde 2008 me propuse hacer seis discos. Entonces, paciente he sido. Y menos mal que el público lo ha apoyado porque sino yo creo que una idea tan loca no se sostiene.

Soy una persona muy introvertida. Que lo disfrazo de una manera muy extrovertida. Entonces, muchas veces, me cuesta verbalizar según que cosas. A la hora de escribirlo en un papel y recrearlo no. Es paradójico, pero ocurre.

Hay que ser paciente porque hay veces que parece que estamos en la edad del todo, hay otras que todo se desmorona, hay veces que estamos arriba del todo, luego bajas, luego que no es para tanto, luego que ni para tan poco… Es raro pero la verdad es que es increíble sentirse vivo.

Lo que buscaba era hacerme entender. Y lo que he terminado consiguiendo es poner palabra a cosas que la gente no sabe poner nombre. Al final, lo que yo buscaba sirve para ayudar a los demás. MW: Lo más complejo… Rayden: Saber delegar. Soy una persona que le gusta controlar todo lo que tiene que ver con la carrera de la música y de ahí que peine canas (Risas). Pienso que si no estoy encima va a pasar algo.

Esta carrera lo que te brinda es eso, es que te sientes vivo. MW: Cada vez, eres más… Rayden: De no dar al público por hecho. Y eso incluye a lo mejor ser perfeccionista, pero va porque incluso, a veces, tienes que dar más que la perfección. Tienes que dar algo que es lo exacto y a veces lo exacto no es perfecto. Es, totalmente, imperfecto. Es un caos organizado. Algo que tú no entiendes pero que tiene tanta verdad, tal componente de veracidad, que cala al público.

Mono, de Sra. D (Lara Padilla). Camiseta, de Calvin Klein. Deportivas, de Nike.

REPORTAJE

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Total look, de Mod Wave Movement. Accesorios, de Trium Jewelry.

82 ABRIL 2021 · MW

Sobre camisa, de Mod Wave Movement. Camiseta, de Ice Play. Pantalón, de Sra. D (Lara Padilla). Calzado, de Nike. Accesorios, de Trium Jewelry.

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REPORTAJE

MW: Y, ¿cómo se consigue, ahora, en estos tiempos, conquistar al público? Rayden: Pues yo creo que es siendo uno mismo. Pasa en parte por ser sincero y por ser honesto. Que lo que quieres contar sale de dentro. MW: ¿Qué siente uno cuando llega el día del lanzamiento de este último álbum tras tanto trabajo? Rayden: Me ocurrió con mis mejores amigos que estaban en casa. Y me decían “es que no te vemos muy alegre”. Y era como “es que yo me encuentro aliviado” (Risas). Ya no es mi problema, es el problema de la gente. Es algo que llevo tres años peleándolo, trabajando, incluso llorando, disfrutando. Lo único que quería es que fuese de la gente. Y cuando salió fue un alivio. Pero lo que estoy aprendiendo con este disco es aprender a ganar. Estoy intentando celebrar hasta los parpadeos (Risas). MW: ¿Cuánto de complejo ha sido todo el proceso de composición y de producción? Rayden: Pues aparentemente ha sido sencillo. Por eso estaba un poco preocupado porque del anterior disco salí directamente para el psicólogo. Hurgué demasiado. Me puse en una situación límite. Es un trabajo de detalle muy gordo. Porque he dotado a la hexalogía un poco de serie.

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MW: Cuando uno hace un trabajo tan redondo, ¿cómo es ese proceso de selección de temas y cuánto duele un descarte? Rayden: Nunca he hecho un descarte. Cuando veo en entrevistas a cantantes que dicen “hice 40 canciones y elegí las diez mejores”, con perdón, cómete una mierda. Yo hasta que no cierro una canción y la dejo como canción redonda, no sigo. Y si no sé llevarlo pido ayuda y ahí es cuando quedan colaboraciones. Que no es por compartir oyentes mensuales (Risas). Oye, no sé llevar la canción donde quiero. Incluso antes de empezar a escribir, que no es que yo les deje un hueco aquí y que ellos dejen su impronta. Es más…”tengo una idea, no sé por dónde tirar y estoy un poco en una carretera cortada. Quiero compartirlo contigo”. Nunca tengo fondo de armario. De hecho, cuando me propuse desde 2008 cien canciones, cien canciones. MW: A nivel de mercado musical, ¿en qué punto estamos? Rayden: Creo que en un punto muy abierto. Donde lo que es muy finito pero muy pegajoso se aplaude. Lo muy elaborado y buscando el concepto también se aplaude. Creo que el público elige música para cada momento de su día a día. Creo que es positivo. El público tiene mentalidad multi estilo.

MW: ¿Hay alguna emoción que te bloquee? Rayden: No, la verdad es que no. Todo lo que te saque de la sala de espera, te mueve para escribir una canción. Ya sea para llevarte al quirófano o para darte el alta. A mí lo que me excita es buscar el enfoque más atractivo. El más rebuscado. MW: ¿Es importante experimentar en esta profesión? Rayden: No, creo que hay gente que no lo hace y le va muy bien. Y hay gente como yo que experimenta y es más un toc que tengo. MW: ¿Quién crees que eres, a día de hoy, gracias a la música? Rayden: Ni para tanto ni para tan poco. Pero lo que hace mi público con las canciones…eso sí, eso es la hostia. Lo que hacemos, en buenas manos, puede ser algo increíble.

· · · “Aprender a ganar” y “lo que hacemos, en buenas manos, puede ser algo increíble” es el resumen perfecto de una estupenda conversación. Y ‘Homónimo’, su último álbum, es el cierre redondo a una aventura que solo Rayden podía dar vida.

Cazadora, de Holy Guns. Camisa, de Sra. D (Lara Padilla). Pantalón, de Levi’s. Calzado, de Baldinini. Accesorios, de Trium Jewelry. Anillo, de Girati.

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CINE

Premios Oscar 2021: una guía para no perderse

Tras un año atípico, los Oscar celebrarán el 25 de abril la que será su edición número 93. Y estas son las películas protagonistas. por JUDITH TORQUEMADA Por mucho que nos empeñemos en decir, año tras año, que los premios no son importantes, que estos premios, concretamente, no tan importantes, lo cierto es que volvemos a vestirnos de gala para cada ocasión. Los Premios Oscar siguen siendo los premios cinematográficos más seguidos, más populares, más apreciados por el público. Así que son importantes.

'Nomadland', la gran favorita Dirigida por Chloé Zhao y basada en el libro de Jessica Bruder, ‘Nomadland’ sigue la historia de Fern (Frances McDormand). Tras haberlo perdido todo durante la gran recesión, Fern toma una caravana, abandona Nevada y se embarca en un viaje hacia el Oeste de Estados Unidos. Se convierte así en nómada. Abandona toda imposición social y el sistema que le ha fallado. Fern busca ahora un camino propio. Que consiste, al final, en no dejar de caminar.

88 ABRIL 2021 · MW

Tras un año atípico, con buena parte de las salas de cine todavía cerradas, con grandes estrenos guardados en un cajón de productoras y distribuidoras, los Premios Oscar celebran su edición número 93. Será el próximo domingo 25 de abril cuando nos reuniremos frente a una pantalla, este año con más sentido que nunca, para ver desfilar a los ganadores por esas 23 categorías que pretenden premiar lo mejor del año. Como siempre, son muchas las que se quedan fuera de esta selección de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Estados Unidos. Como nunca antes había sucedido, dos mujeres están nominadas en un mismo año en la categoría de mejor dirección. Tuvo que llegar una pandemia mundial para ello. Es precisamente una mujer la gran protagonista de esta próxima cita: Chloé Zhao. Con mucho acierto, mucha sensibilidad y Frances McDormand, Chloé Zhao ha sacado adelante ‘Nomadland’, la gran favorita, casi un milagro. Nominada en la categoría de mejor película, mejor dirección, mejor guion adaptado, mejor fotografía (Joshua James Richards), mejor montaje y mejor actriz protagonista (McDormand), ‘Nomadland’ tiene todo de cara para salir triunfante de esta gala. Quizá no suceda, pero sí es bastante probable que salga triunfante de cada pase ante los espectadores. Está disponible en cines y a partir del 30 de abril lo estará en Disney+.

Claro que ‘Nomadland’ tiene competencia. Junto a esta película, las elegidas para completar la categoría de mejor película han sido las siguientes: ‘El juicio de los 7 de Chicago’, ‘El padre’, ‘Judas y el Mesías negro’, ‘Mank’, ‘Minari’, ‘Una joven prometedora’ y ‘Sound of Metal’. Cuatro comparten también mejor dirección: David Fincher por ‘Mank’, Lee Isaac Chung por ‘Minari’, Emerald Fennell por ‘Una joven prometedora’ y la mencionada Zhao. En dirección se cuela, merecidamente, Thomas Vinterberg. Su película, ‘Otra ronda’, está también nominada en la categoría de mejor película internacional. En la categoría de mejor actor protagonista, un duelo en el aire: Anthony Hopkins (‘El padre’), Chadwick Boseman (‘La madre del blues’), Steven Yeun (‘Minari’) y Riz Ahmed (‘Sound of Metal’) se han estado repartiendo premios. Gary Oldman, por ‘Mank’, se ha quedado atrás en el juego, pero son los Oscar, puede haber sorpresas. Tampoco está nada claro en la categoría de mejor actriz protagonista: Vanessa Kirby (‘Fragmentos de una mujer’) el impulso que tuvo en el carrusel de festivales. Junto a ella se encuentran Viola Davis (‘La madre del blues’), Andra Day (‘Los EE.UU. contra Billie Holiday’), Carey Mulligan (‘Una joven prometedora’) y la mencionada McDormand. Sacha Baron Cohen, por ‘El juicio de los 7 de Chicago’, Leslie Odom Jr., por ‘Una noche en Miami’, Paul Raci, ‘Sound of Metal’, Lakeith Stanfield y Daniel Kaluuya, ambos por ‘Judas y el Mesías negro’ se disputan el galardón en la categoría de mejor actor de reparto. Parece que será este último quien consiga alzarse con él, aunque no se descarta sorpresa por la personalidad de Sacha Baron Cohen, ni tampoco por la sensibili-

Los Premios Oscar siguen siendo los premios cinematográficos más seguidos, más populares, más apreciados por el público.

mos acostumbrados a ver, apuntalando la diversidad que se reclamaba desde hace tiempo a los premios. Similares sensaciones en guion adaptado: Sacha Baron Cohen y su equipo por ‘Borat, película film secuela’, Florian Zeller y Christopher Hampton por ‘El padre’, Chloe Zhao por ‘Nomadland’, Kemp Powers por ‘Una noche en Miami’ y Ramin Bahrani por ‘Tigre Blanco’, una de las sorpresas del año. En la categoría de mejor fotografía, mismos nombres: Sean Bobbitt, por ‘Judas and the Black Messiah’, Erik Messerschmidt, por ‘Mank’, Joshua James Richards, por ‘Nomadland’, Phedon Papamichael por ‘El juicio de los 7 de Chicago’ y se cuela Dariusz Wolski, por la bella ‘Noticias del nuevo mundo’.

dad de Leslie Odom Jr. en el debut de Regina King en dirección. Mucho menos claro está en la categoría de mejor actriz de reparto, donde se encuentran nominadas Maria Bakalova, por ‘Borat Subsequent Moviefilm’, Glenn Close, por ‘Hillbilly: Una elegía rural’, Olivia Colman, por ‘El padre’, Amanda Seyfried por ‘Mank’ y Youn Yuh-jung por ‘Minari’. Nombres parecidos se juegan el reconocimiento en cuestiones de guion original. Will Berson, Shaka King, Keith Lucas y Kenny Lucas por ‘Judas y el Mesías negro’, Lee Isaac Chung por ‘Minari’, Emerald Fennell por ‘Una joven prometedora’, Derek Cianfrance, Abraham Marder y Darius Marder por ‘Sound of Metal’ y Aaron Sorkin por ‘El juicio de los 7 de Chicago’. Películas muy diferentes, que plantean un panorama muy diferente al que esta-

‘La oveja Shaun. La película: Granjaguedón’, ‘Más allá de la luna’, ‘Onward’, ‘Soul’ y ‘Wolfwalkers’ son las películas nominadas en la categoría de mejor película de animación. ‘Otra ronda’ (2020, Dinamarca), ‘Better days’ (2019, Hong Kong), ‘Collective’ (2019, Rumanía, también nominada en la categoría de mejor documental), ‘The Man Who Sold His Skin’ (2020, Túnez) y ‘Quo Vadis, Aida?’ (2020, Bosnia y Herzegovina) se disputan mejor película internacional. De manera muy resumida, estas son las películas que uno debe seguir si quiere entender cómo funcionará esta 93 edición de los Premios Oscar. Una edición, como decimos, atípica, por la situación vivida en los últimos meses, que se mantendrá todavía en el tiempo. Una edición, en cualquier caso, de mucho talento. Son pocas las películas de las que hemos disfrutado en los últimos meses, pero son buenas películas. Aquí está la prueba. No dejéis tampoco de escuchar las nominadas en la categoría de mejor banda sonora: ‘Da 5 Bloods’, ‘Mank’, ‘Minari’, ‘Noticias del gran mundo’ y ‘Soul’.

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REPORTAJE

luz al final del túnel

Marta Larralde fotografía ANA MÁRKEZ / texto y entrevista P. GUERGUÉ estilismo JAIRO VILLADA / muah CRISTINA ALBARRÁN

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arta Larralde ha aprendido a caminar por el oficio desde otro punto de vista. Casi igual que la vida. Aprovechando cada oportunidad y dando valor a lo que realmente es importante en nuestro día a día. “Llevo casi veinte años trabajando en esto. Y bueno, hay momentos más duros, momentos menos duros… Ahora estoy en el momento de vivir el presente. No pensar demasiado en el futuro, en lo que está por venir. Poco a poco. Cada día, ir creciendo un poquito más”.

Un oficio que pide y exige mucho de una misma, hasta agotar. Pero que, al mismo tiempo, te da lo que muchas otras profesiones no hacen. Vidas. Muchas de ellas para darte otra visión diferente. Para empatizar e identificar que en este mundo somos muchos y que cada uno tenemos una batalla enorme a la cual enfrentarnos.

Vestido, de Zara. Accesorios, de Trium Jewelry.

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92 ABRIL 2021 · MW

Camiseta, de BSB. Pantalón, de Rinascimiento. Cinturón y calzado, de H&M. Pendientes, de Trium Jewelry. Collar y pulsera, de Juliette Ghamra Jewelry.

Ahora estoy en el momento de vivir el presente

" MEW Magazine (MW): ¿En algún momento has pensado en qué locura de oficio me he metido? Marta Larralde: Muchas veces y he pensado en dejarlo muchas veces. En tirar la toalla. Lo pienso casi cada día (Risas). Luego hay algo ahí que es como un veneno. Te atrapa. Es una profesión tan bonita… Te da tanto y te hace crecer tanto… MW: ¿Una consigue encontrar el equilibrio ante la incertidumbre? Marta Larralde: Bueno, estoy en esa búsqueda constante desde que empecé. Llevo casi veinte años trabajando en esto. Y bueno, hay momentos más duros, momentos menos duros… Ahora estoy en el momento de vivir el presente. No pensar demasiado en el futuro, en lo que está por venir. Poco a poco. Cada día, ir creciendo un poquito más. MW: ¿Cómo trabaja una lo emocional en un oficio donde siempre está cara a público? Marta Larralde: La verdad es que es duro. Hay que trabajar la autoestima, la seguridad, creer en uno mismo. Es una profesión en la que, continuamente, estamos siendo juzgados. Hay momentos difíciles. MW: Con el paso del tiempo, ¿se aprende a enfrentar un casting de forma diferente? Marta Larralde: Ahora sí y desde hace un tiempo ya los veo como una oportunidad. Me gusta mucho. Ya no lo veo tanto como con esa parte de nervios. Suelo salir contenta de las pruebas. MW: Con el paso de los personajes, ¿qué te resulta más fácil, dar la bienvenida a un personaje o despedirte de él? Marta Larralde: Todo tiene su dificultad. Cuando te llega un personaje nuevo siempre partes de

la idea de ver cómo afrontarlo. Empieza la ilusión de investigar. Y las despedidas siempre duelen. Duele un poco despedirse de los proyectos, del equipo humano. Es muy intenso. En seis semanas haces una gran familia. Yo siempre lloro mucho, la verdad.

· · · Desde el pasado 26 de marzo podemos disfrutar de Marta Larralde en el cine. Gracias a ‘Olvido y León’. La continuidad de ‘León y Olvido’. Un drama social, vitalista y a contracorriente, que muestra la fraternal relación entre una mujer joven y su hermano gemelo, un hombre con síndrome de Down. El film sigue el rastro de sus protagonistas. Unos protagonistas con entidad propia y que sorprenderá a los espectadores que los conozcan por primera vez. Porque se aman y se rechazan de forma continua. Porque no saben vivir el uno sin el otro, pero lo intentan apretando los dientes. Realidades diferentes que debemos ver, tener de frente. Y que nos saquen de nuestra zona de confort. Es importante que nos rompan por dentro y que nos señalen como sociedad.

· · · MW: ¿Has redescubierto a Olvido? Marta Larralde: Sí, de hecho, no volví a ver la peli ni nada. Porque creo que yo soy un ser humano diferente, que he aprendido, y Olvido también. Lo afronté como un nuevo personaje. Y la verdad es que me entristeció mucho el guion cuando lo leí. Me hizo mucha gracia en muchas cosas porque Xavier Bermúdez tiene un humor muy fino y muy negro y muy especial, pero me dolió encontrarme a esa Olvido enferma. Depresiva. Intentándose matar. Eso…me asustó bastante. Empecé a investigar sobre el tema y descubrí que por alrededor hay mucha gente deprimida. Mucha gente que lo pasa mal. Y mucha gente que tiene familiares que se han quitado la vida. Descubrir eso fue bastante impactante. Quería que, con el personaje, hacer un llamamiento a la luz. A decir que hay luz al final del túnel. Esta enfermedad tiene cura y para mí ese es el mensaje de la película. Lo que yo quería contar con mi personaje. MW: ¿Qué significa León para esta Olvido? Marta Larralde: Para Olvido, León, es siempre

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Traje, de Venga. Calzado, de Magrit. Accesorios, de BSB.

94 ABRIL 2021 · MW

Mono, de Zara. Pendientes, de Trium Jewelry.

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REPORTAJE

como una carga. Un hermano con el que ella tiene que cargar porque se quedaron huérfanos muy jóvenes y para ella siempre fue una piedra que arrastrar. Creo que Olvido no se da cuenta que con su hermano tiene, ahí, un ser de luz. Y que en lugar de sentirse mal o culpable debería estar agradecida. Yo sé que es duro y es una situación complicada, pero me hubiese gustado que Olvido se hubiese dado cuenta de que su hermano es una joya. MW: También la sociedad nos mete mucho miedo y nos tapa los ojos… Marta Larralde: Sí, por los estigmas. Parece que no pueden hacer ciertas cosas, pero luego tienen cosas muy positivas. Estas personas son muy especiales. Tenemos miedo. Pero son personas llenas de ilusión. Muy tiernos. MW: ¿Es más fácil abordar ciertos temas cuando le metemos humor negro? Marta Larralde: A mí me sorprendió el guion porque Xavier es muy inteligente. Y trata a los personajes sin un especial paternalismo. Sin un especial cuidado. Independientemente de su genética, digamos. MW: ¿Una crece mucho con personajes como el de Olvido? Marta Larralde: Sí, con todos los personajes descubres cosas de ti misma. Creo que todos los personajes están en nosotros y que simplemente, en la vida, nos vamos iluminando ciertas partes. Con Olvido aprendí a ser más asertiva. Entender más a los demás. Y, al fin y al cabo, es lo bonito de esta profesión. Juzgar menos y comprender más. MW: En una emoción, ¿la relación entre Olvido y León? Marta Larralde: Un ‘crush’ (Risas). MW: ¿Y cómo se equilibra la energía de un personaje así durante el rodaje? Marta Larralde: Siempre te impregnas un poco. Pero intentando navegar siempre entre dos aguas, entre Marta y Olvido. MW: ¿Es más difícil abandonarlo en esas horas finales de rodaje? Marta Larralde: Sí, claro que sí. Siempre los llevas dentro un poco. Siempre me quedo con un trocito de ellos. En este caso, la despedida fue triste.

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Es importante contar otras realidades. Y sacarnos un poquito de nosotros mismos

MW: ¿Por qué es importante contar historias como la de ‘Olvido y León? Marta Larralde: Porque es importante contar otras realidades. Y sacarnos un poquito de nosotros mismos.

· · · Marta Larralde ha vivido un viaje apasionante junto a Olvido. Ha llorado y sufrido junto a ella, pero también ha comprendido y ha entendido que toda oscuridad tiene un final. Y que la luz siempre aparece. Un viaje cargado de esperanza.

Camisa, de Ángel Schlesser. Pantalón, de Mango. Calzado, de Magrit. Accesorios, de Trium Jewelry.

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REPORTAJE

Espíritu de ASERTIVIDAD De comprender que hemos estado equivocados en muchos momentos de la vida. Que todos somos únicos y especiales. Que, quizá, el de enfrente tenga una lucha interna que no te deja ver su escaparate. Es sentarse y escuchar. Escucha activa.

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PARTIDO PANTERA NEGRA: LA LIBERTAD DE UN PUEBLO

El hastío y la desesperación de la comunidad afroamericana, constantemente golpeada y atacada por la población blanca, por el gobierno y por la policía, son los principales motivos que se encuentran detrás del surgimiento del Partido Pantera Negra, creado por Huey P. Newton, Bobby Seale y Elbert Howard en 1966. Ahora, más de 50 años después, la historia del partido es una gran desconocida para una importante parte de la sociedad, que ignora su potente programa social y la tragedia que vivieron algunos de sus líderes, como Fred Hampton. por ROSA RUSIA

radicionalmente, se considera a las panteras negras animales enormemente violentos. Pero la realidad es que su naturaleza no es atacar primero, sino más bien defenderse cuando se sienten atacadas, amenazadas o acorraladas. Esta es la filosofía bajo la que Huey P. Newton, Bobby Seale y Elbert Howard fundaron el Partido Pantera Negra en 1966. Aunque, desde su nacimiento, su denominación incluía la palabra ‘partido’, fue concebido más bien como un movimiento de autodefensa de la comunidad afroamericana. El partido surge siguiendo, en parte, la senda marcada por Malcolm X, asesinado poco antes de su fundación. Y, en sus orígenes, hablaba básicamente del derecho de la población negra a defenderse de la violencia desmedida infligida por grupos supremacistas blancos, como el Ku Klux Klan, o por la propia policía. Basándose en lo que señala la Segunda Enmienda de la

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Constitución de Estados Unidos, en la que se afirma que todos los estadounidenses tienen derecho a ir armados, los Pantera Negra realizaban patrullas por los barrios de mayoría afroamericana. Y, cuando se topaban con una situación de violencia y discriminación para con algún miembro de su comunidad, intervenían de una manera muy curiosa. Lejos de utilizar las armas de manera activa, las empuñaban como amenaza. Pero su arma era la palabra, además de su propia presencia. Los miembros de la patrulla determinada, ataviados con sus ahora icónicas boinas negras y chaquetas de cuero, salían del vehículo y, arma en mano, leían sus derechos a aquel que estaba siendo agredido. Hasta que, como resultado de la presión ejercida, el agresor terminaba por marcharse. Cuando se trataba de un policía, éste ni siquiera podía detenerlos, porque no estaban cometiendo ningún tipo de ilegalidad. Era una estrate-

gia estudiada y que decía mucho del carácter de un partido del que, ahora, parecemos habernos olvidado. MÁS ALLÁ DE LA AUTODEFENSA Fue en 1967 cuando el movimiento de autodefensa se convirtió en partido, aunque, tal y como vemos en algunas secuencias cruciales de ‘Judas y el mesías negro’, mantuvo la autodefensa como una de sus columnas vertebrales. Para dar el salto, el partido publicó su Programa de los Diez Puntos, una especie de manifiesto en el que señalaban sus diez principales propósitos, entre los que se destacaban la liberación de la comunidad afroamericana, su educación, su derecho a un trabajo y a una vivienda digna y su deseo de no formar parte de las Fuerzas Armadas de Estados Unidos. Es en torno a estos diez puntos alrededor de los que el

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Foto cortesía | ©Ducho Dennis

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partido construye todos sus planes y todas sus estrategias. Una especie de libro sagrado que mantuvieron vivo hasta su disolución. Si leemos con atención estos diez puntos, comprenderemos que la mayoría de ellos hacen referencia a aspectos sociales. No se habla de poder político, sino más bien de derechos sociales y económicos, de los mínimos exigibles por cualquier ser humano en cualquier sociedad medianamente avanzada. De ahí que las principales medidas llevadas a cabo por el partido fueran iniciativas sociales, las cuales también podemos ver bien reflejadas en la mencionada película de Shaka King, que se ha estrenado en nuestro país este 26 de marzo (en versión digital y por PPV). Además de defender a la comunidad afroamericana de los constantes ataques violentos y racistas a los que se veía sometida, los Pantera Negra la protegían. Cuidaban de sus hermanos, desde los más pequeños a los más mayores. Una de las acciones más conocidas y, quizá, más recordadas es su Plan de Desayunos, con el que ofrecían alimento gratuito a miles niños de la comunidad, a lo largo y ancho de todo el país, antes de ir a la escuela. Estos desayunos, que surgían principalmente de donaciones de la propia comunidad, suponían en muchos casos la principal fuente de alimento para esos pequeños. Y, por tanto, eran un pilar fundamental para su sustento y su supervivencia. Junto a estos desayunos, el partido desarrolló otras muchas iniciativas sociales. Sin ir más lejos, conscientes de las dificultades de muchos miembros de la comunidad afroamericana para acceder a unos servicios sanitarios mínimos, crearon clínicas en las que atendía gratuitamente a todos los que llamaban a su puerta. Y que, además, servían para luchar contra la drogadicción que devoraba a un importante número de habitantes de los barrios más pobres, de mayoría afroamericana. En incontables ocasiones, y no con poca razón, los Pantera Negra señalaron que esa drogadicción era un arma de control del gobierno, que favorecía el movimiento del tráfico de drogas hacia estos barrios, concentrando así la delincuencia y la drogodependencia en sus calles.

Asimismo, los miembros del Partido Pantera Negra ofrecían a los vecinos de estos barrios y, en definitiva, a los miembros de la comunidad afroamericana clases teóricas de diferentes materias. Derecho, Economía, Autodefensa y Primeros Auxilios, materias que consideraban fundamentales para su día a día, y que les ayudaban a luchar contra las constantes injusticias y agresiones que sufrían, a nivel individual y colectivo. Lo que ha quedado para muchos blancos, sobre todo para aquellos alejados física y emocionalmente de la realidad de la comunidad afroamericana en los años 60 (y ahora), ha sido la imagen de un partido violento que apostaba por la lucha armada. Y, si bien es cierto que los Pantera Negra abogaban por esta lucha armada, que hablaba de una respuesta violenta a la violencia infligida, la vertiente social del partido fue mucho más importante, impactante y significativa. Ésta es la que ha caído medianamente en el olvido, detrás de sus boinas y de las historias de los asesinatos de sus líderes. Por ejemplo, como señaló Daniel Kaluuya en su discurso de agradecimiento tras recibir el Globo de Oro a Mejor Actor en una Película de Drama, por su trabajo en ‘Judas y el mesías negro’, hay mucha información sobre cómo murió Fred Hampton, líder del partido en Chicago, al que Kaluuya da vida en la película. Pero se sabe muy poco, o se habla muy poco, de lo brillante que pensaba, que vivía y que amaba este hombre, que entregó su vida a lo que más quería: la gente y la revolución.

LA COALICIÓN ARCOÍRIS La principal arma de Fred Hampton era, definitivamente, la palabra. Este líder fue considerado uno de los principales enemigos de Estados Unidos simple y llanamente por su carisma. Con sus discursos, lograba convencer al más opuesto a sus ideas. Y anteponía la revolución y la liberación de los oprimidos, comenzando por la comunidad afroamericana, a todo lo demás. Así, en Chicago, una de las ciudades más segregadas y con mayor desigualdad social del país, logró formar la que llamó la coalición arcoíris, un término que más tarde se utilizaría para denominar a otros grupos interraciales. A partir de sus discursos y de su mensaje, de esa intención constante de acabar con la brutalidad policial en la ciudad, así como con la mencionada desigualdad social, consiguió reunir bajo su brazo a grupos de jóvenes latinos (Young Lords Organization) o grupos de blancos sureños de clase obrera (Young Patriots). Ese era el verdadero poder y el verdadero carácter de los Pantera Negra, que no iban contra los diferentes a ellos, sino más bien contra aquellos que antes les habían atacado. Contra los ricos blancos que les habían explotado durante siglos y que, con la esclavitud abolida un siglo antes, continúaban moviendo los hilos con el beneplácito de una importante parte de la sociedad y, por supuesto, del propio Gobierno.

"LA PANTERA NO ATACA PRIMERO, SÓLO RESPONDE CUANDO SE SIENTE ATACADA, ACORRALADA O AMENAZADA. ESA ERA LA FILOSOFÍA DEL PARTIDO PANTERA NEGRA." mewmagazine.es 103

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¿UNA JUBILACIÓN BUCÓLICA Y

AVENTURERA?

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sobre

La realidad de los nómadas en Estados Unidos Mi generación, a la que ya muchos llaman la generación perdida, lleva años escuchando que quizá no tenga la oportunidad de vivir la jubilación que sí han disfrutado sus abuelos. Por ahora, he de confesar que queda un poco lejos. Y que los problemas más cercanos son los que, valga la redundancia, más apremian. Los fuegos que tenemos que apagar antes. Pero, aún así, asusta escuchar que no podremos descansar ni cuando las fuerzas desaparezcan y que, como quien dice, moriremos con las botas puestas. Eso que a nosotros nos asusta y nos asombra es una realidad para miles de personas en Estados Unidos. Allí, en el país de los sueños cumplidos y de las oportunidades, no hay descanso para una importante parte de la población. Las pensiones son una nimiedad, en la mayoría de los casos insuficientes para mantener los gastos mínimos de una persona (vivienda, comida, sanidad). De hecho, quienes disfrutan de una jubilación al uso son aquellos que han podido ahorrar a lo largo de su vida laboral, mediante un plan de pensiones, y que han tenido suerte. Sí. Suerte. Porque en Estados Unidos no todo depende de lo mucho o lo poco que trabajen las personas, como defienden abiertamente aquellos que se rigen por la moral del padre estricto. En sus carreteras, y ya casi entro en materia, podemos encontrarnos nómadas que han vivido una vida humilde y nómadas que fueron directivos de grandes empresas, pero que han tenido mala suerte. Y con mala suerte hablo de la enfermedad de un familiar, que se traduce en miles y miles de dólares de facturas médicas. Es decir, en una situación que devora por completo los ahorros hasta del más próspero. El carácter insuficiente de las pensiones y los muchos obstáculos que puede

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encontrarse una persona a lo largo de su vida empujan a muchos ciudadanos estadounidenses a no jubilarse nunca. Algunos siguen llevando una vida corriente, viviendo en una casa corriente y rigiéndose por unos horarios corrientes. Pero otros muchos, empujados generalmente por la necesidad y por la imposibilidad de llegar a esos gastos mínimos de los que hablaba, encuentran la respuesta en la carretera y en el estilo de vida nómada. De ello nos habla Jessica Burder en ‘País Nómada’, libro en el que está basada la aclamada película de Cholé Zhao, ‘Nomadland’, que ya puede verse en las salas de cine de nuestro país. Una pequeña muestra de la realidad que devora las

carreteras estadounidenses y que poco a poco se va abriendo paso en otros lugares. Incluida España.

¿En qué consiste la vida nómada? El término lo dice prácticamente todo. Los nuevos nómadas son personas que no tienen una residencia física fija. Suelen viajar en casas portátiles, furgonetas o, en el peor de los casos, en sus coches y dormir en zonas de libre aparcamiento. Viajan no por el gusto de conocer nuevos lugares, sino en busca de trabajos estacionales, en los que cobran un jornal bastante bajo,

pero suelen disponer de aparcamiento, luz y agua. Entre estos trabajos, los más populares de primavera a otoño son los de mantenimiento en campamentos y albergues rurales o pertenecientes a parques nacionales, donde los nómadas trabajan largas jornadas y desarrollan todo tipo de tareas. Véase atención al huésped y registro, limpieza, mantenimiento y hasta seguridad. Pero lo hacen en un entorno que, aseguran, disfrutan enormemente. En plena naturaleza, muchas veces acompañados por otros nómadas, y disfrutando de lo que algunos (lo más positivos) definen como unas vacaciones pagadas. Por su parte, el trabajo estacional más popular de los meses fríos no se lleva tantas buenas palabras. Los almacenes de Amazon se convierten en el refugio y en la pesadilla de estos nómadas, que trabajan durante 12 horas diarias sin descanso. Y muchas veces duermen a más de 100 kilómetros de distancia. Son meses duros, según afirman, en los que hay incluso quien cae enfermo o lesionado. Pero en ellos consiguen ahorrar lo justo y necesario para pasar unas semanas de relax entre un trabajo estacional y otro. Estos nómadas también disfrutan, en la medida de lo posible, de su vida. De hecho, muchos de ellos afirman que descubrir ese modo de vivirla les ha cambiado por completo y ha sido lo mejor que les ha ocurrido. Pero, generalmente, estas afirmaciones las realizan en los espacios de ocio de los que disfrutan, cuando comparten todo lo que tienen con sus iguales. No cuando son presas del dolor o del cansancio. Durante los espacios muertos, entre un trabajo y otro, los nómadas se encuentran en concentraciones que reúnen a cientos de personas. Y, además de contarse las mil historias que han vivido en los últimos meses, asisten a charlas de nómadas más experimentados y a talleres que les permiten mejorar su día a día y su vivienda con ruedas, de cara a enfrentarse a una nueva tanda de meses de trabajo sin descanso.

¿Cómo llega una persona a ser nómada? Entre los nómadas que recorren las carreteras estadounidenses también hay jóvenes. Algunos movidos por la necesidad y otros por el deseo de vivir fuera de lo establecido. Pero lo cierto es que son los menos. Y, por eso, voy a hablar de los nómadas pensando en el grupo mayoritario: mayores de 60 años que tienen que seguir trabajando pese a haber llegado a su edad de jubilación. Casi todos llegan a ser nómadas ahogados por las facturas o por algo tan básico como la necesidad de comer cada día. El modus operandi es el mismo. Desesperados, acuden a San Google en busca de una respuesta, y ahí se topan con decenas de blogs de nómadas que no sólo explican las bondades de ese estilo de vida, sino que sirven de guía para comenzar a transformar sus vidas desde cero. Una vez adquirida toda la información, venden su casa si la tienen en propiedad y todo aquello que no sea necesario, compran una furgoneta medianamente decente y lo dejan todo, echándose a la carretera.

caer en la más absoluta miseria. Los nómadas trabajan sin descanso, son generosos y se entregan a cada uno de sus compromisos. Por eso, es enormemente bello escucharles hablar con emoción del camino que han recorrido, pero no podemos caer en el error de idealizar algo contra lo que deberíamos luchar. Las grandes corporaciones, así como las pequeñas y medianas empresas, se aprovechan de la situación de estas personas, contratándolas bajo unas condiciones deplorables y por un salario ridículo. Y los demás miramos hacia otro lado, esperando que a nosotros, desde nuestra posición superior, no nos toque. La jubilación, así como una vivienda digna, la sanidad o el alimento, deberían ser las bases fundamentales de cualquier sociedad. Ese es el mensaje que manda ‘País nómada’, y que no debemos pasar por alto.

Entre estos nómadas, hay mucha antigua clase media y mucha persona humilde. Gente que ha trabajado toda la vida en trabajos no cualificados que no les han permitido ahorrar lo suficiente como para disfrutar de una jubilación tranquila. Pero también hay, como he señalado unos párrafos más arriba, antiguos ‘ricos’, por llamarlos de alguna manera. Personas que perdieron su fortuna tras una enfermedad, un proceso judicial largo o una serie de catastróficas desdichas. Y que ahora, años más tarde, llevan una vida completamente opuesta a la que disfrutaron en su día. Con sus relatos, que Jessica Burder recoge con mucho acierto y sensibilidad en ‘País nómada’, lo que dejan claro es que cualquiera puede verse en la situación de personas como Linda. Y que el suyo es un modo de vida más, del que están orgullosos, principalmente porque ha sido el que les ha salvado de

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MARIO CASAS Y PELÍCULAS POR LAS QUE DEBERÍA HABER OPTADO A LOS GOYA Mario Casas ha recibido su primera nominación, con

galardón incluido, por ‘No matarás’. Pero Casas ya nos había sorprendido anteriormente con actuaciones frenéticas e incluso sentimentales.

por SERGIO GUILLÉN

arece mentira que, después de veinte años de carrera profesional, Mario Casas haya recibido su primer Goya en esta última edición por su papel protagonista en ‘No matarás’, de David Victori. Siempre se ha tenido la obsesión de que Mario Casas únicamente es guapo, que no sabe actuar. Envidia, se le puede llamar. Quizás piensen eso por ese manido papel en ‘Tres metros sobre el cielo’..., pero Mario Casas no solo ha sido Hache, sino que ha brillado en más papeles a lo largo de estos últimos años. El más reciente, el de ‘No matarás’. Aunque su papel sea algo secundario dentro de ese protagonismo que tiene, en ‘Las brujas de Zugarramurdi’ al actor se le ve cómodo. Está en un registro diferente, rozando la fantasía y lo esperpéntico. Tiene su gracia el ver cómo va sufriendo en su encuentro con las brujas. Se destapa la fragilidad del personaje después de ver cuán duro puede ser con las armas..., pero cuando la fantasía irrumpe en su vida, ese caparazón se rompe y nos encontramos con un personaje bastante asustado. Esa pizca de humor no falta en él, y consigue sin duda hacer reír al espectador. Por ello, Mario Casas podría haber optado a ser Mejor Actor Protagonista en la edición del 2014. Que la intensa (y emocional) ‘Palmeras en la nieve’ no llegara tanto a los académicos invita a pensar. No se puede obviar la rica ambientación y las exquisitas interpretaciones de Berta Vázquez o Adriana Ugarte... Mas ese papel protagonista de Mario Casas lo decía todo. Las películas de Fernando González Molina funcionan muy bien, y es en parte a esa espontaneidad y versatilidad de Mario Casas. En ‘Palmeras en la nieve’, se le ve más enamorado que nunca, más vivo, más ligero. Es un papel que le hizo brillar y que reafirmó su gran potencial interpretativo, dejando atrás esa chapa con el nombre de Hache inscrito. Mario Casas en ‘Palmeras en la nieve’ nos dejó sin palabras y tuvo una muy buena interpretación que podría haber optado a la nominación de un Goya. Y sí, por qué no: a ganarlo. Versatilidad. Todavía mayor en ‘Contratiempo’. Esta pe-

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lícula está protagonizada de nuevo por Casas, y deja atrás esos romances pastelosos para centrarse en un misterio sin resolver. Es de esas películas que te desconciertan hasta el desenlace, y esa es su magia. Mario Casas es Adrián, y es un personaje que se va construyendo a paso lento gracias al modo en el que la historia está contada. ¿Qué se puede esperar de una película en la que Mario Casas comienza tumbado en el suelo de un hotel y, supuestamente, ha matado a una mujer? No sé si es más la construcción del personaje o Mario Casas lo que hace que esta película sea brillante, y que el propio actor brille, valga la redundancia. Deja sin palabras y demuestra que sabe ser serio y desconcertante cuando quiere. Con ‘Contratiempo’, el espectador asiste a una nueva era de Mario Casas: no solo es el chico malo o romántico en las películas enamoradizas, sino que puede llegar a ser difícil de encasillar en una única palabra. Otra de las películas que hizo que Mario Casas demostrada su indudable (y envidiable) potencial fue ‘El fotógrafo de Mauthausen’. No es fácil abordar una película histórica, y me-

nos saber cómo enfrentarse a cada situación presentada cuando sucedió un siglo atrás. Sin embargo, Mario Casas, a través de su imperturbable actuación, sabe bien cómo salir de la dificultad y hacer que su papel parezca simple y sencillo. Ese tono gris que tiene la historia mantiene en vilo al espectador y pone los pelos como punta... Es la película que más conexión establece entre Casas y el espectador, por su fragilidad y lo peligroso del asunto. Se puede resaltar, incluso, que su actuación es asfixiante, es de esas que por mucho que la estés disfrutando, quieres que termine para ahorrarte sufrimientos. Conmocionar es uno de los fuertes de esta actuación de Mario Casas, y por ello debería haberse hecho mayor hincapié en su papel en ‘El fotógrafo de Mauthausen’. También hay cierto prejuicio en torno a las películas humorísticas. ‘Ocho apellidos vascos’ tendió puentes e incluso se convirtió en una de las que arrasa en taquillas. Pero otros films de

Álex de la Iglesia, como ‘El bar’ o ‘Mi gran noche’ invitan a la carcajada fácil y recuerdan esa esencia extraña del director. En ambas, aparece Mario Casas en papeles totalmente diferentes. Y a cada cual más extravagante. En el primero, un hípster que, aunque no tenga una evolución notoria, engatusa por su singularidad e inteligencia. En el segundo, un cantante cualquiera que busca hacerse con fama; es un papel nuevamente raro y muy esperpéntico, pero divierte. No solo es divertir el propósito de las películas de humor, sino el entretenimiento y la enseñanza. Y en ambas se enseña al espectador a un Mario Casas asombroso al que estaríamos viendo durante interminables horas. El galardón por ‘No matarás’ es más que merecido. Conectas con el personaje, lo ves tan pequeño y como punto fácil... Mario Casas sorprende bajo las luces de neón porque es, quizá, su papel más diferente hasta la fecha. La era de Mario Casas en la que se le encasillaba de chico joven guapo y romántico se ha terminado, y ahora brilla en papeles en los que demuestra su muy buena formación y su duro esfuerzo en escena. Eso sí: lo conocimos en ‘Tres metros sobre el cielo’ y no podemos olvidarnos de lo que nos hizo sentir. Pero es hora de dejarlo volar con otras películas. Este Goya ha sido el primero de muchos.

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REPORTAJE

VICTORI

fotografía ANA MÁRKEZ texto y entrevista P. GUERGUÉ estilismo JAIRO VILLADA muah CRISTINA ALBARRÁN

DAVID

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Hay una forma de contar en David Victori que es completamente diferente. Quizá mucho más dedicado a que, como espectadores, tengamos una experiencia directa, casi de piel. Y eso se percibe en ‘No Matarás’ con creces. E, incluso, dentro de ‘Sky Rojo’ se puede palpar cuando él ha metido mano en la dirección. Y es que, para David, al menos lo que vemos desde fuera, es importante investigar, probar, errar y acertar. Porque su forma de explicar una historia pasa porque tú comprendas la historia y la sientas. Que su emoción GPS, sea tu emoción tal cual. Que hagas un recorrido bestial por las sensaciones de unos personajes que nunca son lo que parecen o sí. Con el mismo vértigo de una montaña rusa. Una forma de narrar extrasensorial donde hay instantes tan locos que parece que tú lleves el mando del juego. Lo que provoca que no puedas perder detalle de lo que está ocurriendo, tanto en pantalla grande como en cualquier otro formato. Se trata de captar la atención del espectador, de dejarlo pegado en el sillón. De no dar nada por hecho. Obviar la serenidad para sentir una auténtica sensación de mareo. Llegar a tus entrañas y provocar. Porque el cine o las series tienen que provocar. No solo vale con entretener.

Camisa, de Sebago. Camiseta, de Calvin Klein. Pantalón, de Gaudí. Calzado, de Mikakus.

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REPORTAJE

EW Magazine (MW): Cuando llega ‘No Matarás’ al gran público y de forma masiva, ¿cómo viviste el extraordinario feedback? David Victori: Pues muy contento la verdad. Porque de alguna manera era una película que habíamos hecho de una forma muy natural, muy orgánica. Nos dejamos llevar mucho. Y feliz de que la gente reaccionase de esa manera tan entusiasta. Uno sentía con ‘No Matarás’, dentro del rodaje, como una ida de olla (Risas). Y que algo llegue, desde la intuición, a la gente, es emocionante. MW: ¿Notas que tienes un sello particular? David Victori: No, yo no. Creo que eso la gente lo puede notar desde fuera. Creo que no es bueno para un creador de contenido hacer el gesto de mirarse a uno mismo. Porque cuando estás en ese mirarte a ti, te estás perdiendo lo que está pasando por dentro.

‘No Matarás’ es la reafirmación de que ese es el camino. MW: Cuando pude hablar con Mario Casas, Milena Smit o Fernando Valdivielso sobre el proyecto y sus personajes siempre me decían que todo lo que habían dado lo habías provocado tú, ¿qué se siente cuando los tres aparecen nominados a los Goya? David Victori: Pues muy contento la verdad, porque la forma que tuvimos de trabajar con los actores fue muy especial, muy peculiar, fuera de lo convencional. Estuvimos en un viaje de investigación y dejar una libertad absoluta. Muy feliz, reafirmando que por ese camino hay algo muy interesante. Para mí, como director ha sido muy interesante porque, cada día, iba con una energía diferente. Y viendo a ver qué hago para seguir investigando por esta línea. MW: Si echas la mirada atrás, a ese David de los comienzos, ¿estás, ahora, contando de la forma que querías contar las cosas? David Victori: El David que empezó a jugar y a contar historias es muy parecido al David que ahora está jugando, también, a contar historias. Que me ha llevado a esta película, a ‘No Matarás’, y que ahora estoy intentando aplicar a una serie como ‘Sky Rojo’. Y que me gustaría no olvidarme nunca de eso. MW: ¿Es importante jugar con los actors? ¿Que se dejen llevar? David Victori: Pienso que sí. El ingrediente más importante entre director y actor es la confianza. Tu única herramienta como director es tener el punto de vista global de todo el proceso y estar siempre conectado con el resultado. Y cómo vas a ir procesando todo lo que sucede en rodaje. Para que en el resultado haya lo que necesitas que haya. Y creo que los actores tienen que confiar en ti. Tanto los actores como el equipo. Porque muchas

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Camisa, de Tommy Hilfiger.

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Jersey, de Zara. Pantalón, de Levi’s. Calzado, de Karl Legerfeld. Accesorios, de Trium Jewelry.

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Gabardina, de Sebago. Camiseta, de Zara. Pantalón, de H&M. Calzado, de Mikakus.

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veces estás tomando decisiones que no hay tiempo de explicar. Y si no tiene esa confianza tú no puedes llegar a la velocidad que necesitas en rodaje. Además, muchas veces, el cómo suministras la información a tu equipo es importante para según que cosas. MW: Esa escena de Rai contra Dani, ¿salió tal y como tú querías? David Victori: Salió mejor de lo que yo quería. Hay algo en la manera en la que yo imagino las escenas o que imagino los guiones que no se basa tanto en el resultado final sino en una especie de ingrediente esencial de energía, de emoción. Que esa sí que la tengo muy clara. De hecho, es como mi guía, mi GPS. Una vez que tienes a los actores que tuve y con la implicación con la que los tuve, de pronto, todo el proceso que haces de postproducción es para ir consiguiendo, cada vez, esa energía. Esa emoción más pura. MW: ¿Cómo llegas a ‘Sky Rojo’? David Victori: La gente de Vancouver Media me llaman. Los conocía, justamente, de ‘La casa de papel’ porque me llamaron cuando iban a arrancar ‘La casa de papel’ y en ese momento yo no pude. Me llamaron porque necesitaban a un director, yo justo estaba en las últimas semanas de ‘No Matarás’, me explicaron el proyecto, el casting que había, me pareció fascinante y me lancé. MW: ¿Qué es lo que más te impacto del proyecto? David Victori: Tanto los actores como lo que se estaba buscando a nivel de forma. El tipo de lenguaje que se quería usar. Cuando llegué al proyecto aun estaban buscando el ADN del mismo y pude aportar mucho. Y la verdad es que ha sido un proceso brutal. Porque la gente de Vancouver Media busca la excelencia. MW: ¿Qué esperas que provoque ‘Sky Rojo’ en el espectador? David Victori: Creo que es una especie de bomba. De tren que va a toda velocidad y que de alguna manera, donde estoy aprendiendo más, es en esa parte de ficción moderna. Estamos funcionando de forma diferente. Está cambiando cómo nos relacionamos con el mundo, con nosotros mismos. Y por consecuencia, con lo audiovisual y con la ficción. Y ‘Sky Rojo’ muy contemporáneo en el sentido que viaja muy rápido a sensaciones muy diferentes entre sí. De pronto estás en la acción y segundos después en el humor más negro. Y un segundo después estás en el llanto. ‘Sky Rojo’ no tiene complejos. Es descarada. Es un viaje. MW: ¿Qué David Victori te gustaría encontrarte en el futuro? David Victori: Pues un David Victori que siga usando este oficio para jugar, para expresarse, para investigar. No dejar nunca que la curiosidad ceda a otras cosas.

· · · David Victori cuenta desde la intuición, desde lo orgánico. No dando por hecho nada. Con un sello de identidad que no deja a nadie indiferente.

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14 años en Guantánamo 14 AÑOS EN GUANTÁNAMO SIN PRUEBAS EN SU CONTRA, HABRÍA QUE AÑADIR. ‘THE MAURITANIAN’ RECUPERA EL CASO DE MOHAMEDOU OULD SLAHI.

por JUDITH TORQUEMADA

Hace unos años, era difícil encontrar a alguien que no hubiera escuchado hablar de Guantánamo. Ese nombre estaba en boca de todos, estaba en el debate de todos. Quien más y quien menos, sabía explicar qué era ese lugar y las atrocidades que en él se cometían. Una cárcel estadounidense, una prisión de torturas donde fueron retenidas más de setecientas personas, una respuesta de Estados Unidos a lo que el país consideraba terrorismo. Quien menos, sabía esto. Quién más, sabía muchas otras cosas. Que las diferentes administraciones se han cubierto unas a otras para desviar

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la atención de lo que allí sucedía. Que una decena de hombres han muerto en prisión habiendo sido detenidos sin pruebas, habiendo sido retenidos sin una acusación formal. Guantánamo forma parte de la red de prisiones de alta seguridad que Estados Unidos tiene repartidas por el mundo. Activa desde principios de siglo, su nombre ha caído en el olvido en los últimos años, quizá porque tenemos demasiado de lo que preocuparnos, quizá porque nos hemos acostumbrado a su existencia. Esto último,

si lo pensáis, produce verdadero pavor. La manera en la que hemos asumido que los organismos de poder van a seguir cometiendo crímenes a placer, que hay poco que podemos hacer, que estamos indefensos, asusta. Asusta ver ‘The Mauritanian’. En ciertos tramos, literalmente. Pero asusta, sobre todo, advertir la frialdad con la que se permitió que un hombre inocente, Mohamedou Ould Slahi, permaneciera 14 años en prisión. Los primeros, siendo interrogado por su supuesta implicación en los atentados del 11-S. Los investigadores tenían en su contra una llamada de teléfono realizada por su primo desde el móvil de Osama Bin Laden, y un envío del dinero del primero a Mohamedou, para financiar la operación de su padre enfermo. También la confesión de uno de los suicidas, que aseguraba haber pasado una noche en su casa, en Alemania. Lo interrogaron durante años. Durante este tiempo, Mohamedou, muestra la película, llegó a hacerse un lugar en la cárcel. Llegó a hacerse con el respeto, con el cariño incluso, de sus carcelarios, por su carácter amable, tranquilo, agradable. Cuando los interrogatorios comenzaron a ser insuficientes, porque de su persona no salía ninguna confesión, ni tampoco aparecían más pruebas que apuntaran hacia él como el instigador del

atentado, comenzaron las torturas. Palizas diarias, asfixia, privación del sueño, abusos sexuales, amenazas hacia su familia, hacia su madre. Al final, Mohamedou firmó una confesión voluntaria en la que reconocía su implicación en el atentado. La firmó, claro, bajo coacción. La firmó habiendo perdido toda voluntad. Cuando Mohamedou Ould Slahi pudo, por fin, defender su caso ante un tribunal, junto a una abogada y con parte del país conocedor de los abusos, habían pasado casi ocho años desde que fue encerrado en Guantánamo. Pasarían otros siete desde que fue declarado inocente hasta que pudo abandonar la prisión. ‘The Mauritanian’ rescata esta historia, y nos la presenta como lo que es: una historia de abuso de poder, de injusticia, de fallo del sistema. Es también una historia de un individuo que decidió no rendirse. Una historia que, sin embargo, no vale para explicar las de todos aquellos que no tuvieron más remedio que hacerlo. Muchas personas se rindieron en esa prisión de Cuba. Muchas personas se perdieron ante la impunidad de la justicia estadounidense, que dio la espalda a estos abusos, a estas torturas. Que, en muchas ocasiones, ocultó su existencia. En privado, algunos la defendieron. Mohamedou Ould Slahi lo escribió todo, pasado un tiempo, en el libro en el que se ha basado el director Kevin Macdonald para adaptar la historia. Tahar Rahim ha sido el encargado de rescatar la mirada de este hombre de Mauritania que, lo vemos también al final, tiene esa mirada amable, tranquila y agradable de la que hablaba antes. Pero, desde luego, no se trata de ensalzar su figura. Hubo hombres de todo tipo en esa prisión. Se trata de señalar, condenar y rechazar su existencia. ‘The

“ ‘The Mauritanian’ rescata esta historia, y nos la presenta como lo que es: una historia de abuso de poder, de injusticia, de fallo del sistema ” Mauritanian’, si bien no se priva del homenaje a Mohamedou, se centra sobre todo en que el espectador entienda por qué esto está mal. Porque está mal que más de setecientas personas puedan ser retenidas durante años enteros, interrogadas en el mejor de los casos, torturadas en el peor, sin pruebas en su contra. Solo por la sospecha. Solo por los prejuicios. Solo porque necesitaban uno, cien, setecientos chivos expiatorios que pagaran por la ofensa a su país. Por el dolor causado, también, pero atendiendo a los pormenores de esta historia parecen, más bien, ofendidos. Como si no pudieran ser tocados. Como si, por serlo, tuvieran que devolver el golpe, para colocarse de nuevo por encima. No buscaban justicia, porque la justicia no se busca así. Buscaban venganza, buscaban poder. La inmensa mayoría de los presos de Guantánamo la abandonaron como hombres libres, inocentes. Todavía alberga a cuatro decenas de presos, ya condenados. De los primeros veinte que llegaron a la cárcel, acompañados de declaraciones de altos cargos que aseguraban que eran “los peores integrantes de Al Qaeda y los ta-

libanes”, solo dos fueron acusados. Bajo el secretismo y con un coste carísimo de mantenimiento, la prisión de Guantánamo sigue existiendo sin que ninguna de las administraciones a cargo del país haya podido, o querido, clausurar sus puertas. Nada de esto demuestra la inocencia de las personas que allí fueron retenidas. Algunas de esas personas tienen, en efecto, vínculos con el terrorismo. Pero sí demuestra un sistema de detención y retención fallido, completamente ajeno a los procesos legales que deben seguirse, guiado en esencia por la sospecha, por el azar, por la necesidad de culpabilizar a alguien. Demuestra un nulo sentido de la justicia, y esto es lo preocupante. Esto, las torturas, los procesos que allí se siguieron, el maltrato a las personas inocentes que estuvieron retenidas durante años, es lo preocupante. La ausencia de culpa de los responsables. La casi seguridad de que, veinte años después de la apertura del centro, se volvería a actuar de manera semejante. La casi seguridad de que, en algún lugar del mundo en el que las cámaras no estén grabando, en algún lugar del mundo en el que se sienten protegidos, seguros, se sigue actuando de manera semejante. ‘The Mauritanian’ llega, así las cosas, como un homenaje a un hombre que resistió y que, valiente, decidió compartir su historia con el mundo. Llega también como un homenaje a las víctimas que no pudieron hacer lo mismo. Como un recordatorio de que hay individuos capaces de esto, que sucedió ayer mismo, en este siglo. Y como una promesa: el mundo no olvida.

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REPORTAJE

‘

SOFIA ORIA & ‘

JASON FERNANDEZ De libertad y silencios

fotografía ANA MÁRKEZ / texto y entrevista P. GUERGUÉ estilismo JAIRO VILLADA / muah Sofía O. PATRICIA BARRANCO / muah Jason F. VLADA NIGMANOVA

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mewmagazine.es 125 Sudadera, de H&M. Pantalones, de Levi’s. Accesorios, de Trium Jewelry.

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Jason: Cazadora, de Gaudí. Camisa, de Calvin Klein. Accesorios, de Trium Jewelry. Colgante, de Mythos.

Nos reunimos entorno a Sofía Oria y Jason Fernández. Los rostros jóvenes y protagonistas de uno de los últimos lanzamientos de Movistar+. ‘Libertad’. Un proyecto único con un diseño estético muy cuidado y una dirección artística que destaca en su recreación detallada del s. XIX, con escenas de acción espectaculares. Todo un viaje en el tiempo hasta la época de los bandoleros que se disfruta de principio a fin. Sofía y Jason nos hablan de cómo comenzó todo este proyecto y de cómo Enrique Urbizu tiene una forma única de manejar las historias y a sus personajes. Y caminamos entre Reina y Juan, sus personajes, para comprenderlos un poco más. MEW Magazine (MW): ¿Cómo llega la oportunidad de ‘Libertad’? Jason Fernández: Estaba trabajando de profesor y, de repente, me enviaron un casting. Como otros muchos que he hecho. Me dijeron que iba a ir a conocer al director. Me pasa un guión, lo abro y empieza a aparecer el nombre de un personaje, Juan. Me llega bastante de sorpresa. No lo esperaba. Sofía Oria: A mí me llegó también muy de sorpresa. Ya había trabajado con Urbizu en ‘Gigantes’ y en la visualización de la segunda temporada se me acercó con cara traviesa y me dijo “la siguiente con caballitos”. Y esa fue la única pista que tuve hasta que me llamaron mis representantes para confirmarme que había llegado el proyecto. MW: ¿Qué destacaríais de Reina y de Juan? Jason Fernández: De Juan que es un chico inocente. Nunca ha conocido el mundo exterior. Llega virgen al mundo, fuera de esos cuatro muros en los que se cría con su madre. Esa inocencia que lleva consigo mismo hace que los aspectos reales de la vida los afronte desde dicha inocencia. Aunque, al final, siempre salga su carácter animal. Sofía Oria: Reina, a su manera, también ha estado encerrada. Ella lo que quiere es independencia. Por eso se une a Juan y a Lucía.

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Jason: Total look, de Karl Lagerfeld. Sofía: Blaser, de Ice Play. Cinturón, de Karl Lagerfeld. Zapatos, de Mango. Accesorios, de Trium Jewelry.

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Jason: Polo, de Karl Lagerfeld. Pantalones, de Bershka. Zapatos, de Asos. Sofía: Vestido, de Rinascimiento. Botas, de Bershka. Accesorios, de Trium Jewelry.

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··· ‘Libertad’ surge del deseo de abordar un capítulo muy particular de nuestra historia, una época de tiempos convulsos y cambiantes esencial en nuestra cultura: a principios del siglo XIX hombres y mujeres fuera de la ley vivían enfrentados a representantes del orden y, en el mismo contexto, un mundo viejo, individualista y cruel, que lucha por no desaparecer, se enfrenta a un mundo nuevo de grupos de poder económicos que, con igual crueldad, aparece con la intención de imponerse definitivamente. Juan es el hijo de La Llanera y el Lagartijo. Nació en una celda y solo ha conocido el presidio. Tendrá que aprender a ser libre y descubrirlo todo, desde el amor y la violencia hasta el mar y los cielos abiertos. Reina, hija de Don Anastasio y noble de cuna, fue encerrada por su padre en un convento de monjas por estar “perdida de la cabeza”. Desterrada por Anastasio y por la sociedad, encontrará en Juan un refugio donde no ser juzgada y alguien con quien compartir su ansia de libertad. Será una bisagra entre el mundo bandolero y el del terrateniente.

· · ·

MW: El ritmo de ‘Libertad’ es un ritmo mucho más lento a lo que ahora mismo nos tienen acostumbrados las ficciones. Y en ese ritmo todo cobra mucho más sentido, hasta los silencios… Jason Fernández: Enrique tiene su propio estilo. Un estilo en el que se trata de disfrutar cada plano. No hay necesidad de correr. No hay necesidad de hacer un plano y contraplano de forma frenética. Cada plano cuenta su historia y hay que cuidarlo. No hay ni un plano montado por el simple hecho de montarlo. Y eso le da profundidad a cada personaje. Donde cada personaje es un mundo porque se podría hacer una serie con cada uno de ellos. Y, Enrique, los cuida de una forma muy delicada. Sofía Oria: Es una serie que se guía por silencios y por miradas. A Urbizu le ha gustado siempre mucho eso. Él es mucho más del mundo interior de los personajes que realmente de lo que está pronunciando. Porque a veces te tropiezas con alguna escena y hay mucho diálogo, pero no se está diciendo nada. Mientras que él busca que, de verdad, digamos algo.

Es una serie

que se guía por

MW: Hemos nacido en una época de libertad y no conocemos otra cosa… ¿Qué significa para vosotros la palabra libertad? Jason Fernández: ¿Te acuerdas el día que Enrique nos dijo que se iba a llamar ‘Liberttad’? Sofía Oria: Sí. Jason Fernández: Me acuerdo el día que me lo dijo y como se me pusieron los pelos de punta. Porque, al final, te metes en el personaje y de verdad sientes que es lo que buscan todos los personajes. Al final todos buscan esa libertad. Y como decía Sofía es una época de la cual no sabemos mucho. Vivimos ahora aceptando que podemos hacer lo que queramos (omitiendo toda esta etapa COVID-19). Pero esas personas tenían que luchar por sobrevivir. Fuera de ataduras.

silencios y por miradas”

MW: ¿Qué significan el uno para el otro? ¿Qué encuentra Juan en Reina y Reina en Juan? Jason Fernández: Juan encuentra en Reina lo que inconscientemente lleva buscando toda su vida. Una persona que le de esa libertad, esa fuerza. Esa persona que sea la prolongación de su madre, pero de otra forma. Reina es la mujer perfecta para Juan. Sofía Oria: Reina se encuentra a Juan de repente. Tampoco se lo esperaba, pero al principio busca más una salida y luego, poco a poco, encuentra ese compañero. Ese apoyo. Una persona que le equilibre, pero tampoco considero que de forma dependiente. Creo que es una relación en la que Juan da más que Reina. Jason Fernández: Creo que lo bonito de Reina es que vive mucho el momento. Reina tiene una visión más loca y Juan una visión más a futuro.

- sofía o.

· · · Sofía Oria y Jason Fernández hacen de sus papeles algo excelente. Y nos muestran que las nuevas generaciones del oficio ya están aquí y que han llegado para quedarse de forma definitiva. Son soplo de aire fresco.

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Cazadora y falda, de MPV Wardrove. Top, de H&M. Calzado, de Fresia. Accesorios, de Trium Jewelry.

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SERIES

’MERLI SAPERE AUDE’: ¿EXISTIR O VIVIR?

LA NUEVA TEMPORADA DE ‘MERLI SAPERE AUDE’ REFLEXIONA SOBRE LA EXISTENCIA HUMANA.

por ÁLEX DELGADO / fotografías ©Movistar+ La pequeña pantalla está destinada para hacer pensar y transmitir emociones a la sociedad. No es de extrañar que en los últimos años las producciones nacionales hayan ido apostado por un contenido lúdico mezclado por la ficción. Series como “Merlí” o su spin-off “Merlí Sapere Aude” son el claro ejemplo de este hecho. La serie de Movistar + ha estrenado su temporada final el pasado 2 de abril y sigue manteniendo su esencia intacta en ocho capítulos que reflexionan sobre lo más importante de la esencia humana. En la nueva temporada de “Merli Sapere Aude” nos encontramos con una de las reflexiones más importantes de esta serie. En raras ocasiones las ficciones entablan un vínculo tan fuerte con el espectador, algo que

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se puede observar con esta nueva remesa de capítulos. La vida, ese término que lo dice todo, pero a la vez no dice nada, está en un primer plano durante una temporada que enseña y demuestra que hay muchas alternativas posibles. La relación entre María Bolaño (María Pujalte) y Pol Rubio (Carlos Cuevas) se fortalece en una temporada crucial para ambos personajes. Bien es cierto que el vacío que dejó Merlí Bergeron a Pol es prácticamente imposible de rellenar, pero la profesora de ética le enseñó al alumno una de sus mejores enseñanzas. Este instante se sitúa en los capítulos finales de la temporada, donde Bolaño no dudaba en preguntarle a Rubio si con lo que le había sucedido en los

últimos días quería vivir o existir. Ese es el principal problema que se encuentra gran parte de la sociedad. En raras ocasiones se logra pasar página y aceptar un destino. Este hecho supone una falta de adaptación a la situación y a las circunstancias, limitándose así, la predisposición de la persona con su vida. No es de extrañar que en una serie de este tipo permita a la audiencia reflexionar sobre su actitud ante la vida, cuestionándose constantemente los pasos que se dan sin tener miedo en tratar temas más complicados de lo esperado y que no se suelen ver en la ficción. Durante la serie original y en el spin-off Pol Rubio no ha dudado en vivir la vida al máximo y superar todos los problemas que tenía por delante. La vida de Pol nunca ha sido fácil y se ha tenido que ir adaptando a muchos problemas externos y familiares que le han obligado a vivir con ellos, pero sobre todo, a ser feliz ante la adversidad de todo su entorno. Con el personaje de Pol Rubio consiguen transmitir un mensaje de resiliencia y optimismo ante una sociedad cambiante. El fallecimiento de su madre y la

situación en su casa no fueron fáciles, pero mostró la capacidad de superar cualquier adversidad y buscar alternativas. No había miedo a fracasar, era simplemente un instinto animal que le ayudó a superar cualquier reto. En “Merli Sapere Aude” han comprendido que era necesario mostrar la madurez de un personaje que ha sido trascendental en una sociedad que buscaba ser representada. Pol Rubio es un personaje noble, entrañable y con carisma envidiable. Es una persona con las ideas claras, y nadie le va a detener aunque tenga sus momentos de debilidad, igual que le sucede a María Bolaño, que estaba decidida en estar atrapada en un día a día cuando necesitaba alzar el vuelo y ser feliz. La última temporada de “Merlí Sapere Aude” muestra las tablas para una relación sana con las adversidades. No debemos establecer unos límites innecesarios, no existe una barrera que nos impida ser felices pese a los problemas. La existencia humana no tiene que estar bloqueada por lo que nos suceda, pero hay que intentar lidiar con los problemas para alcanzar nuestra meta.

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REPORTAJE

PABLO VÁZQUEZ Pablo Vázquez es actor de entraña. De teatro. De esas tablas que te van mostrando el desarrollo y la grandeza de un personaje día a día. Con ese maravilloso desgaste que conlleva. Porque, quizá, lo más importante es el respeto hacia el oficio. De esto y de mucho más hemos podido charlar con Pablo. Y de su reciente entrada a ‘Estoy Vivo’. Dentro de su cuarta temporada. El thriller policiaco en el que se mezclan la comedia, las historias universales de amor y amistad y los sucesos sobrenaturales. La serie, creada por Daniel Écija y producida por RTVE en colaboración con Globomedia (The Mediapro Studio) y Good Mood, trae todos los miércoles nuevas aventuras. Con una nueva temporada alocada que arrancó con un apagón a escala mundial acarreando terribles consecuencias en la Pasarela, ese lugar de tránsito entre la vida y la muerte donde vive la hija del Enlace y Susana. Mientras, en la Tierra, desaparecen misteriosamente todos los ocupantes de un autobús. Un extraño suceso que intentarán resolver los policías de la comisaría de Vallecas. Y donde el nuevo comisario…tiene mucho o todo que ocultar. fotografía ANA MÁRKEZ / texto y entrevista P. GUERGUÉ / estilismo JAIRO VILLADA / muah VLADA NIGMANOVA

MEW Magazine (MW): Lo más complejo… Pablo Vázquez: Buena pregunta. Lo más complejo es hacer aquello que cree que no corresponde a su oficio. Hacerse fotos, reportajes… (Risas). Lo que pasa es que es muy bienvenido y muy agradecido. MW: Y, ¿es algo que no se cura con el tiempo? Pablo Vázquez: (Risas) Esperemos que sí por la cuenta que me trae. MW: ¿En qué momento descubre uno que su lugar está en la interpretación? Pablo Vázquez: Pues no lo descubrí yo, lo hizo mi madre. Terminé de repetir por cuarta vez segundo de BUP y me dijo, “¿qué hacemos contigo?”. Yo no tenía ni idea, pero me dijo “con la voz que tienes podrías estudiar doblaje”. Y me metí a estudiar doblaje. Fui actor de doblaje durante un tiempo hasta que me metí en la escuela de arte dramático de Madrid. MW: ¿Está siendo fácil el camino? Pablo Vázquez: Yo no me puedo quejar. A mí me ha ido relativamente muy bien. Vengo del teatro y he tenido la suerte de enganchar los trabajos del teatro con lo audiovisual. Fácil no es porque hay temporadas en las que te va

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peor. Pero yo no me puedo quejar. Siempre he sido un actor con trabajo constante. Imagino que me moriré ‘viejito’ haciendo mis funciones de teatro. MW: Hacemos una parada momentánea en el teatro, ¿qué hay de mágico para ti? Pablo Vázquez: Todo. Son los mimbres de mi carrera. Y se aprende mucho. Hasta para enfrentar el audiovisual, aunque tenga poco que ver. Porque en el teatro se proyecta más, se exterioriza más. La magia del teatro es el público, que es esencial. Te tienes que batir el cuero delante de cuatrocientas personas. Ahí está la magia, poder llegar a cada uno de ellos. MW: Aunque sean diferentes, ¿el teatro te ha sumado en el audiovisual? Pablo Vázquez: Sí, desde luego. En el rigor también. Y en los modales también, a la hora de llegar a un plató. Hay que tener respeto al oficio. Y hay que cultivarlo. Y respetarse mucho a uno mismo. MW: Dando vida a un personaje, en ese día a día, ¿dónde tienes un mayor desgaste? ¿En el teatro o en el audiovisual? Pablo Vázquez: Qué buena pregunta. Eso no me lo

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REPORTAJE

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había planteado. Pero depende también de la práctica que se tenga tanto en una disciplina como en la otra. El teatro desgasta mucho. Y no deja de ser hermosísimo. Y la televisión igual. Vas a grabar a un plató casi todos los días en el que hechas muchas horas. Vas muy temprano y te devuelven muy tarde a casa. Pero son todas ellas experiencias tan bonitas… No me quiero bajar de este carro jamás.

“ “Este Landa es muy chulo. Mola mucho.”

MW: ¿Has descubierto cosas de ti, dando vida a personajes, que en otros momentos de tu vida no habías identificado? Pablo Vázquez: Siempre, obviamente. Siempre. Es una escuela. Por eso digo que es una escuela maravillosa. Un oficio increíble. MW: En un oficio donde el instrumento es uno mismo, ¿uno tiene que aprender a construirse una coraza de autoestima? Pablo Vázquez: Qué pregunta… Claro, claro. MW: ¿Y es fácil? Pablo Vázquez: No, es muy difícil. Es súper difícil. Es lo más difícil de todo, la autoestima. Esta es una pregunta que a mí me toca porque…estoy tocando dos personajes en lo audiovisual que son muy chungos. Con un carácter muy fuerte y a veces te descubres a ti mismo, siendo tu mismo. MW: ¿Y uno se divierte más con esos personajes? Pablo Vázquez: (Risas) Sí. Otra cosa es que descubras una parte jodida de ti (Risas). No mola. MW: ¿Cómo llega ‘Estoy vivo’ a tus manos? Pablo Vázquez: Con una potra que te cagas. No tuve que hacer prueba para ello. MW: ¿Y cómo es entrar en una ficción que ya lleva tres temporadas a sus espaldas? Pablo Vázquez: Claro… Yo ya había trabajado con alguno de ellos, como con Javi. Empecé a reencontrarme con gente que hacía mucho tiempo que no veía. Es muy emocionante, aunque viene con la responsabilidad de ponerte a la altura de gente que lleva tres temporadas. Tú no te puedes quedar atrás. Los primeros días fueron complicados porque a mí me tocaba largar mucho. Y eso es súper complicado. Porque estás en el set con toda la peña callada y soltar lo más grande. Y todo el mundo mirándote.

MW: ¿Qué crees que va a aportar Landa a esta temporada? Pablo Vázquez: Landa va a aportar costumbrismo del clásico comisario, pero guarda un secreto… Y eso es lo que mola y lo que no os voy a decir (Risas). Este Landa es muy chulo. Mola mucho. MW: Cuándo uno entra dentro de un proyecto como ‘Estoy vivo’, ¿descubre en ese momento el motivo del éxito y del apoyo del público? Pablo Vázquez: Es un compendio de muchas cosas. Ya solamente la historia es disparatada. Y la gente ha asumido la historia. Aquí nadie pregunta nada. Todo es guay. Y hay un ambiente cojonudo y unos profesionales del copón. MW: En momentos como estos es importante hacer sonreír a la gente… Pablo Vázquez: Es lo que hay que hacer. Necesitamos que la gente lo pase bien. Que lo disfrute. Que se emocione pero que no sufra. Y que si tiene que sufrir que sea muy poquito. MW: ¿Cómo resumirías esta cuarta temporada de ‘Estoy vivo’? Pablo Vázquez: Es como si tú metes una colada, en la lavadora, de ropa blanca, pero se ha colado un calcetín de color rojo.

· · · Pues con ese calcetín rojo nos quedamos intentando descifrar todo lo que vamos a disfrutar y sufrir, al mismo nivel, dentro de esta nueva temporada de una de las ficciones más divertidas y emblemáticas de nuestra televisión.

MW: En ‘Estoy vivo’ rotan de comisario con asiduidad… Pablo Vázquez: (Risas) ¿Qué me quieres decir con eso? ¿Que si hay nueva temporada no voy a estar? (Risas)

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Cazadora, de Karl Legerfeld. Camiseta, de Abanderado. Pantalón, de Levi’s. Zapatos, de Mango.

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Jersey, de Calvin Klein. Pantalón, de Levi’s. Zapatos, de Mango.

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SERIES

CAPÍTULOS SEMANALES VS. MARATÓN DE TODOS LOS EPISODIOS por PALOMA ESCUDERO

vivimos en un momento en el

que la inmediatez parece estar

a la orden del día. estamos en una época en la que muchos

quieren que todo sea cuanto antes. queremos que nos los den todo de la manera más

rápida, fácil y accesible posible. todo lo queremos ya, porque sino es como si se acabase el

tiempo y ya no sirviera de nada. pero no siempre es así. esto es

lo que ocurre hoy en día con las series de estreno.

Últimamente la tendencia es que tienes que ver todos los capítulos inmediatamente porque sino en seguida estás fuera del juego. Lo que se lleva ahora son las maratones de todo los capítulos. Pero no todas las plataformas ni todos los canales ofrecen todos los capítulos de sus series en el mismo momento. Es cierto que esto a veces está muy bien y hasta parece que nos están haciendo un favor. De esta manera no tienes que esperar a ver qué pasa, ni estás tan nervioso o en tensión porque sabes que unos capítulos después podrás resolverlo. Así solo te quedas con ganas de ver el siguiente episodio pero sin tener que esperar demasiado. Esto está bien para que tú mismo seas el que te marques los tiempos. Una vez que tienes toda la temporada a tu disposición tú eres quien decide cuándo y cómo ve los capítulos. Pero claro, ten cuidado porque si tardas demasiado quizás alguien se te adelante y te haga algún spoiler, el gran enemigo de los seriéfilos. Sin embargo, el poder tener todos los capítulos al alcance en el mismo momento creo que también puede

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llegar a ser contraproducente para algunas ficciones. Porque la espera también es buena y es algo que mantiene viva la esencia de muchas series. Así es cómo se mantiene al espectador enganchado a un productor audiovisual. Y es que hay muchas series que hubieran ganado mucho si se hubieran estrenado semanalmente. Y, por tanto, otras muchas que han perdido al haberse estrenado de golpe. Una de las cosas negativas de estrenarse todos los capítulos seguidos es que la serie tiene más posibilidades de ser

olvidad rápidamente. En pocos días, e incluso horas, series como ‘Gambito de Dama’ o ‘Lupin’ se posicionaron entre las más vistas y con más éxitos. Pero apenas han pasado unos meses y ya nadie habla de ellas. Ahora no es su momento, puesto que ya lo fue el día de su estreno. Al estrenarse tan rápido es más fácil que pasen de moda mucho antes. Hay series que por su trama y por su desarrollo necesitan tiempo. Necesitan estrenarse cada semana para que el público tenga tiempo de procesar todo el contenido y pensar en

lo que va a venir a partir de ahora. Veas o no la serie en compañía, la gracia está en debatir sobre ella y compartir opiniones. Cuando ves una serie no es algo que se quede solo ahí en el simple acto de darle al play y disfrutar -o no- de lo que estás viendo. La magia está tan bien en teorizar sobre lo que está por venir. Esto es algo que enriquece mucho a las series y que une a todos los seguidores. ¿A quién no le guste imaginarse en su cabeza qué es lo que va a pasar con determinados personajes o con la historia en general?

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SERIES

Las madrugadas de los domingos o las mañanas de los lunes no hubiesen sido lo mismo sin el estreno semanal de ‘Juego de Tronos’. Estrenar los capítulos semanalmente mantenía a los espectadores enganchados a la serie. Todos especulaban sobre quiénes iban a gobernar y cuáles serían las siguientes muertes. Buscando ejemplos mucho más recientes hay series como ‘The Mandalorian’ o ‘WandaVision’ que no hubieran sido lo mismo de haberse estrenado todo seguido. Aunque era difícil aguantar sin ver a Mando durante una semana, era lo que nos mantenía con ganas. Los viernes tenían un encanto diferente gracias a que podíamos continuar con las aventuras de este gran personaje. Era divertido y emocionante teorizar sobre qué nuevo planeta iba a visitar, cómo iban a avanzar las tramas y qué rumbo tomaría la serie. Por su parte, ha ocurrido lo mismo con ‘WandaVision’, que ha ido creciendo mucho semana a semana. Si hubiéramos podido conocer de golpe toda la historia, hubiera perdido por completo toda su gracia. Porque es una serie que ha cautivado poco a poco a los espectadores. Los fans querían saber más y teorizaban sobre cómo iba a continuar la relación de los protagonistas y cómo iba a poder sobrellevarlos todo Wanda. Esto es algo que quizás he echado un poco de menos en otras series como ‘La casa de papel’ o ‘Stranger Things’. Dos series que, bajo mi punto de vista, no se han beneficiado demasiado del consumo rápido. El gran nivel de audiencia y de éxito es innegable e indiscutible, y no es para menos. Sin embargo, a un nivel menor en términos de fan, son series que me hubiera gustado ver

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semanalmente para poder hablar de ellas de otra manera. La última temporada de ‘La casa de papel’ había que devorarla para no ser el último en comentarla. Tan rápido todo que apenas había tiempo de disfrutarla y analizarla. ¿Qué hubiera pasado si hubiéramos tenido que esperar varias semanas para descubrir lo que pasaba en el Banco de España? Podían haber jugado mucho más con la imaginación del espectador, quien no habría parado de darles vueltas a la cabeza. Una manera de que la serie siga viva mucho más tiempo y su recorrido sea mayor.

semana sobre el devenir de este grupo de jóvenes que tanto nos cautivó desde el primer momento. Una serie convertida en rápido consumo pero que tendría que haber sido todo lo contrario. A veces cuesta esperar, pero también qué fascinante sería ir descubriendo poco a poco determinadas historias.

Lo mismo pasa con series del estilo de ‘Stranger Things’ en la que el misterio y el suspense es el principal sustento de la ficción. Habría sido distinto si hubiéramos podido pensar cada

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EN CONTRAPORTADA

del of i ci o LA ENERGÍA VITAL

- ESMERALDA PIMENTEL -

El paso del tiempo me ha enseñado a valorar al artista a través de la pasión que desprenda hablando de su oficio y, en este caso, de sus personajes. De todo el proceso de construcción o incluso de todo ese trabajo que hay detrás de la parte del vestuario. De esa forma en la que el personaje inyecta sus emociones en el mismo instante en el que te están caracterizando. Hablar con Esmeralda Pimentel es hablar de aprendizaje. De cómo una debe fluir a lo largo de los proyectos. Y de cómo los debe de ir cuidando. Siempre con mimo. Siempre disfrutando más del camino, de todo ese viaje de descubrimiento. Esmeralda Pimentel da vida a Mariana dentro de ‘La Templanza’ (puedes ver esta ficción en Amazon Prime Video desde el pasado 26 de marzo) y hablamos de ello. Y del oficio. De esa energía vital en la que se ha convertido la interpretación para ella.

fotografía CARLOS RUIZ / texto y entrevista P. GUERGUÉ / estilismo GERARD ANGULO / muah LUZ GONZÁLEZ 146 ABRIL 2021 · MW

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Camisa, de Zara. Pantalón, de Julio. Boina, de Pasionarte. Estola, de Alfredo Martínez.

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me puede jugar en contra. Me emociona mucho y soy muy respetuosa de lo que le empieza a pasar a mi intuición cuando leo un personaje. Esa primera lectura. Esas primeras sensaciones en el cuerpo. Con qué música lo empiezo a vincular, qué sueños empiezo a tener.

MEW Magazine (MW): ¿La interpretación fue algo que fuiste encontrando por el camino? Esmeralda Pimentel: En mi caso, lo fui encontrando y me fui conectando, también, con el oficio. Y, sobre todo, con la vocación. Pero una vez que lo descubres se vuelve una necesidad. Lo necesitas para vivir, para tener una energía vital. También es cierto que lo vinculo mucho con la niñez. Con la capacidad de poder jugar, de poder crear historias. De poder conectarte sin el juicio. MW: ¿Lo más complejo para ti? Esmeralda Pimentel: Que todo el tiempo dependes de la aprobación de alguien más para poder interpretar. Lo que a mí me cuesta mucho trabajo es esa angustia cuando envías un casting y no saber si te van a responder. Si te lo vas a quedar, si no. He aprendido a disfrutar esa adrenalina que tienen las audiciones y a dejarla ahí. Salirme del cuarto de la audición y dejarlo a la buena de las personas que están eligiendo. Aprendí a no tomármelo personal. MW: ¿Cuánto de importante es, entonces, el trabajo emocional a realizar con una misma? Esmeralda Pimentel: Mucho. Nuestra profesión está muy vinculada con la imagen. Recuerdo que cuando recién empecé a hacer mis primeros trabajos, primeras audiciones, que llegué a recibir comentarios terribles sobre mi físico. Y hay que aprender a poner límites. Porque son comentarios que te pueden llegar a afectar muchísimo. En su momento, a mí, me llegó a suceder. Y ha sido toda una reconciliación conmigo misma. Y aprender a no querer parecerme a nadie. Siempre he defendido la terapia no solo para una cuestión personal sino para la profesión. Y ahora con las redes sociales todos estamos muy vulnerables. Todos y todes. Lo terrible es que se confunda la libertad de expresión con transgredir ciertos límites. Creo que hay que ser muy cuidadoso. MW: ¿Qué resulta más sencillo para ti, dar la bienvenida a un personaje o ese momento de decirle adiós? Esmeralda Pimentel: La creación, la bienvenida del personaje. Además, soy muy perfeccionista y eso es algo que, de pronto, juega a mi favor o, de pronto,

Me gusta mucho escuchar a la directora. Escuchar a mis compañeros. Siento que los personajes no solo son una creación personal, sino que es una colaboración con todo el equipo. Y me encanta cómo se van transformando los personajes. MW: ¿Cómo llega ‘La Templanza’ a tus manos? Esmeralda Pimentel: A través de un proceso de casting súper arduo. Pruebas, pruebas y pruebas. Vinieron Yolanda y Eva, acá, a México. Creo que castearon a todas las actrices y a todos los actores para todos los personajes mexicanos (Risas). Fue un proceso de audición muy competido. Muy riguroso y muy emocionante. En el proceso de casting sí sabía que era el libro de María Dueñas. Entonces, fue devorarme ese libro y extraer toda la información que pude. Vi todas sus entrevistas. Porque quería saber todo. Y cuando me dieron la noticia de que me quedé fue de lo más emocionante.

· · · La Templanza es un drama romántico basado en la exitosa novela de María Dueñas (El tiempo entre costuras, Las hijas del Capitán) ambientada a finales del siglo XIX. Narra la historia de Soledad Montalvo (Leonor Watling) y Mauro Larrea (Rafael Novoa), una mujer y un hombre hechos a sí mismos cuyos destinos están a punto de converger en un lugar y un tiempo fascinantes. Se trata de una historia sobre la superación de la adversidad y la búsqueda de nuestro lugar en el mundo. Una historia sobre cómo construir un imperio y perderlo todo en un día, sobre aventuras en tierras exóticas y segundas oportunidades. La Templanza hará viajar a la audiencia hasta las tumultuosas comunidades mineras de México en el siglo XIX, pasando por los elegantes salones de la más exclusiva sociedad londinense, para llegar a la brutal Cuba de la trata de esclavos y, de allí, a un Jerez glorioso donde que se encontraban las bodegas más importantes del mundo.

· · · MW: En todo ese proceso, ¿sentías que el personaje era tuyo? Esmeralda Pimentel: Sentí que hice una buena au-

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EN CONTRAPORTADA dición. Y mira que soy muy exigente conmigo misma y siempre salgo de las audiciones creyendo que podría haberlo hecho mejor o detectando ciertos errores. MW: ¿Hubo alguna característica especial de Mariana desde la cual tú iniciaras su construcción? Esmeralda Pimentel: Creo que en el libro está sumamente bien dibujada la esencia de cada personaje. Y a mí me funciono mucho que a ella la plantean desde que tiene siete años y todas las peripecias que fueron modificando su carácter y que le obligaron a ser una niña, sumamente, responsable. Y a madurar muy rápido para sobrevivir.

“Entendí que mi personaje es una mujer sumamente fuerte” Entendí que mi personaje es una mujer sumamente fuerte. Como que sabe dejar sus emociones a un lado y es una mujer estratega. Y una mujer que sabe resolver cuando hay un conflicto. MW: Cómo recuerdas el equilibrio de energía entre Mariana y tú, durante el rodaje. Esmeralda Pimentel: Creo que mucho te lo da el vestuario. Creo que un sesenta o setenta por ciento, a la hora de crear el personaje, tuvo que ver con el vestuario. Esos kilos de tela te cambian por completo la respiración, la postura, la actitud. Porque solo tienes un campo de movimiento. O cuáles son las posibilidades para sentarse, por ejemplo. Tras varios días con el vestuario fue comprendiendo cierta rigidez que muestra su personaje. MW: ¿Ha sido fácil mantener esa contención? Esmeralda Pimentel: Me resultaba natural una vez que estaba ya dentro del vestuario. Mi cuerpo, naturalmen-

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te, empezaba a responder. MW: Cuando un proyecto viene de un éxito previo como su novela, ¿se siente cierto vértigo o responsabilidad extra por generar una ficción a la altura? Esmeralda Pimentel: Sí. Además, desde el inicio, se notó la calidad que iba a tener este proyecto. La pasión que teníamos todos los involucrados. Teníamos a los mejores de los mejores. MW: Cuando una está en escena, ¿lo más importante es entregarse cien por cien al compañero y obviar el propio ego? Esmeralda Pimentel: Totalmente. No cabe la vanidad. Un actor no debería, nunca, jamás, permitirse priorizar su vanidad a la historia que se tiene que contar. Y eso es lo primordial. MW: Leonor Watling nos comentó que al ver la serie pudo confirmar que la forma en la que se cuenta la historia es realmente bonita… Esmeralda Pimentel: Totalmente de acuerdo. La historia es sumamente dinámica. Cada lugar por el que te va llevando de la historia tiene su propia identidad. Es un viaje a través del tiempo. MW: ¿Con qué emoción vinculas ‘La Templanza’? Esmeralda Pimentel: Pasión. Me gustaría decirte otra, pero es que son todas las pasiones ahí conjuntadas.

· · · Esmeralda Pimentel viaja a través de sus personajes. Sin juzgar. Siempre con la escucha activa. Disfrutando del conjunto y obviando todo lo individual. Artista de entraña. Artista que merece ser escuchada de principio a fin.

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Abrigo, de Merkabá. Riñorea, de Julio. Collar, de Iconique.

SERIES

EL RELEVO DE LAS SERIES TURCAS

Han sabido mirar, revisar, plantear…casi como un análisis DAFO. Y han encontrado las claves para enfrentarse cara a cara con grandes productoras como Televisa o Telemundo. Arrebatándoles, en muchas ocasiones, el éxito y hasta el monopolio de los ‘galanes’.

por MIKEL MONTERO

as telenovelas siempre han cosechado un éxito internacional, generando un gran impacto económico en México, Brasil, Colombia, Estados Unidos, Argentina y Chile, entre otros. Pero el éxito, además de una pizca de suerte, también acarrea saber introducir, en la coctelera, los ingredientes necesarios en su justa medida. Porque no solo necesitas que el guion llame la atención al público, sino que aquellos personajes principales tengan esa sustancia tan necesaria como lo es la química. Da igual sin el actor o la actriz o ambos no son extremadamente bellos o no cuentan con ese perfil de ‘guapos’ que la sociedad nos indica, porque lo realmente fundamental es que los dos personajes que van a sustentar la trama principal se coman con la mirada. Y eso es algo que en las producciones turcas han tenido muy en cuenta. Y se han lanzado a por el mercado. Una historia de amor, un poquito de drama, una buena dosis de risas (en una buena parte de sus producciones) y dos actores principales que coincidan en el mismo plano y provoquen fuego en la pantalla. El pasado 3 de abril la serie ‘Sen Çal Kapimi’ tuvo una interacción en Twitter de más de cuatro millones de tweets. Un público internacional que se ha

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rendido a sus pies. Pero este no es el único caso. Llevan ya unos cuantos años lanzando historias que han absorbido ese mismo público se estaba pendiente de las telenovelas que llegaban desde México, Colombia, Venezuela… ¿Por qué el foco del público ha virado? Porque en México, Brasil, Colombia, Estados Unidos, Argentina y Chile no han sido capaces de volver a repetir el ingrediente mágico: Jeanette Rodríguez y Carlos Mata (Cristal), Catherine Fulop y Fernando Carrillo (‘Abigail’), Margarita Rosa de Francisco (‘Café con aroma de mujer’), Ana María Orozco y Jorge Enrique Abello (‘Yo soy Betty, la fea’), María Elena Swett y Gonzalo Valenzuela (‘Machos’), Maite Perroni y William Levy (‘Cuidado con el ángel’ o ‘Triunfo del amor’), entre otros. La química. Algo tan básico, pero tan complicado de encontrar. Porque no vale con dos profesionales estupendos, ahí no se teje lo sensorial. Lo fundamental es, y vuelvo a repetir, que dos personajes en un mismo plano te evadan por lo que están transmitiendo, aunque sea en silencio.

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REPORTAJE

Teresa Riott fotografía ANA MÁRKEZ texto y entrevista P. GUERGUÉ estilismo JAIRO VILLADA muah NEOMI NOHALES

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REPORTAJE

“ me vino en un momento de mi vida donde no lo podía necesitar más ”

El camino, a veces, se traza un tanto ajeno a nosotras. En ocasiones, de lo que viene a lo que tenemos entre manos hay un abismo de distancia. Y quizá eso mismo fue lo que le sucedió a Teresa Riott en un momento muy concreto de su vida. La realidad estaba a un lado y la oportunidad que estaba llegando a otro. La suerte que tuvo ella es su perseverancia y esa seguridad de lucha por sus sueños. Así que ‘Valeria’ llamó a su puerta y ahí estuvo, preparada. Lista para embarcarse en una aventura que le ha traído un buen bagaje de aprendizaje y de amistad. Hablamos con ella de lo que pudo haber sido y de lo que es. De un oficio que a ratos te pone contra las cuerdas pero de lo gratificante que es cuando te deja hacer, te deja trabajar y te deja vivir. · · · MEW Magazine (MW): Lo más difícil… Teresa Riott: Voy a ser muy honesta… Para mí, cuando haces una serie de ocho capítulos tienes que prepararte muy bien

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lo que es el arco del personaje. Porque no vas a rodar cronológicamente. Entonces, saber en qué momento estás de rodaje, personalmente y actoralmente requiere un gran trabajo en casa. MW: Cuando una controla excesivamente todo, ¿el desgaste de energía es mayor? Teresa Riott: Me has pillado (Risas). Soy de esas, de las que lo controlan todo. Es verdad que en esta segunda temporada he aprendido a dosificar un poquito las fuerzas, pero siendo generosa igualmente. Porque, aunque no sea tu plano o sea un plano general, pues tienes que estar con todo. MW: ¿Es importante darlo todo hacia el proyecto y, en cierta medida, olvidarse de una misma? Teresa Riott: A mí me encanta darlo todo porque tampoco hay tantas ocasiones para hacerlo. He tenido la suerte de estar en este proyecto, en estas dos temporadas (‘Valeria’ en Netflix). Para una vez que hay trabajo yo lo doy todo al máximo. Porque no se sabe lo que puede venir. Y luego entras por la puerta de casa y yo soy yo. Con mi vida y con mis perros. MW: ‘Valeria’ llega… Teresa Riott: Una persona muy especial vio un trabajo que había hecho con Blanca Suárez para una marca, donde hacía de su jefa. Y justo me dijo que tenía una pequeña parte para una serie que estaba haciendo y que se llamaba ‘Valeria’. Y donde tendría que hacer de la jefa de Valeria. Y agradecida porque no es fácil que te caiga un trabajo, así, de la nada. Y tuve la suerte de poder ir a las lecturas de los otros personajes y me conoció el director, una de las productoras y conseguí hacer el casting para uno de los personajes que faltaban y que era el de Nerea. Y me vino en un momento de mi vida donde no lo podía necesitar más. Porque son muchos años luchando y hay momentos en los que te planteas tu vida y seguir o no con tus sueños. Me vino como anillo al dedo el personaje, el proyecto, las chicas.

en busca de inspiración, que protagoniza la popular saga literaria publicada por Penguin Random House Grupo Editorial que ha vendido 450.000 ejemplares en lengua española. En su adaptación a serie, vemos a Valeria. Una escritora en crisis, tanto por sus novelas como por su marido y la distancia emocional que les separa. Se refugia en sus tres mejores amigas: Carmen, Lola y Nerea (Teresa Riott), quienes la apoyan durante su viaje. Valeria y sus amigas están inmersas en un torbellino de emociones sobre amor, amistad, celos, infidelidad, dudas, desamores, secretos, trabajo, preocupaciones, alegrías y sueños sobre el futuro.

· · · MW: ¿Fue fácil empatizar con Nerea? Teresa Riott: Puedo decir que sí porque tenía tantas ganas que estaba como una esponja. MW: ¿Recuerdas, para esa primera temporada, desde donde iniciaste su construcción? Teresa Riott: Nerea es una persona muy controladora y eso mismo lo tengo yo. Entonces, todo el sacrificio que hace por su familia, por sus amigas, por quitarse ella de en medio…por ahí empaticé bastante y fue donde me anclé. Y de esa forma construir una persona tan recta, con tantos ideales, tan defensora… MW: ¿Hay días complicados, durante el rodaje, a la hora de equilibrar la energía del personaje? Teresa Riott: Cuando veáis la segunda temporada veréis que yo, personalmente, he crecido mucho como actriz. Y siento que la amistad que tenemos entre las cuatro protagonistas ha crecido mucho. Se ha consolidado. Hay tanta energía de nosotras fuera como dentro. Es inevitable. Somos amigas y somos actrices y ha sido todo pro el proyecto. Así que la energía estaba en circulación siempre.

· · ·

MW: La mayor virtud de Nerea… Teresa Riott: En esta segunda temporada, siento que la mayor virtud es que dice lo que piensa. Es muy honesta y muy cabal. Lo que dice cuenta mucho.

“Paré el ruidoso paseo de mis dedos sobre el teclado y releí el texto mientras me rascaba la cabeza con un lápiz”. Así presenta por primera vez Elísabet Benavent a Valeria, una escritora joven

MW: ¿Te ha sorprendido en algún aspecto? Teresa Riott: Sí…hay una cosa que hace Nerea en esta segunda temporada que me sorprende muchísimo y hacer esa escena

Vestido, de Antonio Rabadán. Zapatos, de C’Moi shoes. Accesorios, de Trium Jewelry. Pendientes, de Acus. mewmagazine.es 157

Total look, de Masut. Zapatos, de C’Moi shoes.

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Total look, de Matsu. Zapatos, de C’Moi shoes.

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Total look, de Matsu. Zapatos, de C’Moi shoes.

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fue ‘guau’. Un acto que como amiga es muy arriesgado. MW: ¿Has descubierto una Teresa diferente de esa primera temporada al rodaje de esta segunda? Teresa Riott: Sí, sí, en esta segunda me he extremado mucho más. Hemos dibujado una Nerea más parecida a la del libro, a nivel de carácter y de personalidad. Y me he sorprendido haciendo cosas fuera del rodaje, con las chicas, muy de Nerea (Risas).

··· En la segunda temporada, Valeria (Diana Gómez) debe enfrentarse a una decisión que podría marcar su futuro como escritora: esconderse tras un pseudónimo y vivir finalmente de su profesión o renunciar a la publicación de su novela y seguir exprimiendo el inagotable mundo de los contratos basura. Su vida sentimental no es mucho más estable... Afortunadamente, aunque los cimientos de su vida se tambalean, Valeria sigue contando con el apoyo de tres pilares fundamentales: sus amigas Lola (Silma López), Carmen (Paula Malia) y Nerea (Teresa Riott), que también atraviesan un momento vital convulso.

··· MW: Cuando una llega a un proyecto como ‘Valeria’ piensa que ha merecido todo el sufrimiento y dudas anteriores hasta llegar ahí… Teresa Riott: Absolutamente. Vale la pena. Porque es tan gratificante poder estar trabajando de lo que me gusta. Cumpliendo un sueño. Estando donde quiero estar. Con gente maravillosa. Contando historias. MW: ¿Cómo describes el camino que Nerea hace en la primera temporada y el camino que hará en la segunda? Teresa Riott: En la primera temporada estábamos un poco conociéndola porque, incluso, se estaba conociendo a sí misma. Quizá, un poquito desdibujada porque no sabía encontrarse en la vida. Y en esta segunda temporada la vamos a ver cogiendo las riendas de su vida. Investigando. Cometiendo errores. Y ante

“ sin sueños la vida no tiene sentido ”

el miedo, lanzarse. También la veremos frenar y poner límites. MW: ¿Cuántas oportunidades hay que darles a los sueños? Teresa Riott: Se me pone la piel de gallina y todo… Mira, no sé si va a quedar muy bien esto, si soy muy sincera…lo que me ha pasado a mí es tan difícil que te ocurra que, a veces, pienso en lo difícil que es que ocurra algo similar, pero al mismo tiempo sí que me ha sucedido… ¿Cómo vas a dejar de luchar si me ha pasado a mí? No dejes de intentarlo. Porque sin sueños la vida no tiene sentido.

· · · Como bien nos ha explicado Teresa Riott…a veces es solo cuestión de tiempo. Y que durante ese tiempo tu deseo se haya fortalecido. Poque como bien nos han indicado siempre, lo que más se desea es lo que más se hace de rogar.

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SERIES

Los hombres de PACO

Estamos a punto de vivir uno de los regresos más apasionantes de la televisión, ‘Los hombres de Paco’. Una de esas series que marcaron una etapa importante de nuestra vida en ficción. De esas historias que siempre se guardan con una buena sonrisa clavada. Aunque esa última temporada nos dejase un sabor un tanto amargo por la oscuridad de la trama y por realizar un salto tan bestial. Quizá, en ese momento, los espectadores no estábamos preparados. por MIKEL MONTERO

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La vuelta de ‘Los hombres de Paco’ está cada vez más cerca. La exitosa serie de Antena 3, que se convirtió en todo un fenómeno entre los espectadores alcanzando los 117 capítulos y un total de nueve temporadas, ya ha desvelado, incluso, las primeras imágenes de su nueva temporada, que podrá verse próximamente en el prime time de Antena 3. La premisa de ‘Los hombres de Paco’ atrajo desde el principio a millones de espectadores que acompañaron a estos carismáticos policías durante sus cinco años de emisión. La serie promedió a lo largo de sus más de cien capítulos un 19,1 % de cuota de pantalla y un total de 3,2 millones de espectadores. Además, sumó cifras espectaculares durante su emisión en Antena 3 alcanzando su máximo en número de espectadores en enero de 2007 cuando congregó a 4.450.000 frente a la pantalla. Y consiguió su mayor dato en share (30,6%) en la emisión del último episodio de la cuarta temporada. Manteniendo la esencia de la serie, esta nueva etapa arranca con los Pacos de siempre, pero con un giro importante que marcará un antes y un después en la historia de los protagonistas. Un elenco de protagonistas, que vuelven interpretados por los míticos actores que ya se pusieron en la piel de aquellos policías de barrio entrañables y desastrosos que se hicieron un hueco en el corazón del público. Paco Tous, Pepón Nieto, Carlos Santos, Neus Sanz, Amparo Larrañaga, Amaia Sagasti y Juan Grandinetti protagonizan esta nueva entrega, que también contará con la participación ¿Qué esperamos de este regreso? Pues aquello que no nos dieron en de Adriana Ozores, su novena temporada. El público no estaba preparado para un salto tan Hugo Silva, Michelle radical. Veníamos de unas temporadas complejas pero cargadas de risas y Jenner, Juan Diego nos metimos en una última llena de dolor, excesiva oscuridad y demasiay Mario Casas, que da rabia acumulada. Todos los personajes estaban tocados y hundidos y volverán a encarnar vivimos un proceso ininteligible y en muchos puntos desalentador. Hubo a sus recordados poca luz y pocas risas. Y la audiencia no quiso seguir apoyando algo con personajes. lo que ya no se sentía identificada. Porque durante las ocho temporadas previas habíamos aprendido a pelear sin descanso hasta conseguir la recompensa, por muy duro que fuese el trayecto. Mientras que para poner punto final a su historia nos presentaron a todos derrotados, con pocos objetivos a la vista y con demasiada culpabilidad a la espalda. Dicen que esta nueva temporada mantiene el espíritu que hizo grande a ‘Los hombres de Paco’, su humor, su forma de entender la amistad, el amor, la vida y la justicia, pero adaptados a los nuevos tiempos, porque han pasado unos cuantos años y muchas cosas han cambiado, pero no su esencia. Y la verdad es que eso es lo que siempre quisimos, su esencia. Casos surrealistas, pero con una entrega inconfundible y con una capacidad de lucha irrepetible. Porque, quizá, como espectador veías las cosas negras, pero ellos siempre tenían una palabra de aliento: “La Real Academia define la palabra imposible como algo que no tiene ni facultad ni medios para llegar a ser o suceder, y define improbable como algo inverosímil que no se funda en una razón prudente. Puesto a escoger, a mí me gusta más la improbabilidad que la imposibilidad, como a todo el mundo supongo. La improbabilidad duele menos y deja un resquicio a la esperanza, a la épica. Que David ganara a Goliat era improbable, pero sucedió. Un afroamericano habitando la Casa Blanca era improbable, pero sucedió…”

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REPORTAJE

CARLOS SCHOLZ Carlos Scholz no tuvo un momento exacto que le marcó para querer dedicarse a este oficio, la interpretación. Siempre estuvo ahí. Su única alternativa. Ese camino que uno toma sin saber muy bien el motivo, pero dejándose llevar por el instinto. Y le funcionó porque ha tenido la suerte de ir encadenando un proyecto tras otro desde el mismo instante en el que comenzó a estudiar en la escuela de arte dramático. Y eso es algo que no todo el mundo puede proclamar a los cuatro vientos.

fotografía ANA MÁRKEZ / texto y entrevista P. GUERGUÉ / estilismo LORENA PACHECO / muah LETICIA PERILLÁN

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Camisa y camiseta, de Zara.

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REPORTAJE

arlos es un tipo positivo y optimista que carga el ambiente de energía maravillosa y momentos divertidos. Un joven actor que ha encontrado su motor tanto en el teatro como en lo audiovisual, dando a sus personajes todo lo que requieren de él como profesional. Teniendo en cuenta que cada nuevo proyecto es una carta más de la bajara de la suerte. “…desde que empecé a estudiar, empecé a trabajar. Todavía no he tenido ningún parón gordo. Ninguno que me haga pensar eso de “¿he elegido el camino correcto?”. Lo vimos en ‘Toy Boy’ y ahora está inmerso en uno de los últimos y esperados proyectos de Netflix, ‘Feria’. Un thriller del que cuentan que nos dejará pegados a nuestro sillón. Hablamos con Carlos Scholz del oficio y del camino realizado. · · · MEW Magazine (MW): ¿Cómo descubres que quieres dedicarte a este oficio? Carlos Scholz: Lo descubrí desde que nací. Ya nací haciendo bromas a mi familia, disfrazándome, haciendo teatro… MW: ¿Ha sido sencillo que en la familia entendiesen que uno quería dedicarse a esto? Carlos Scholz: No se han extrañado nunca la verdad. Cuando les comenté que me ha-

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“Lo más complejo son las críticas porque hay que aprender a gestionarlas” bía apuntado a la escuela de arte dramática solo me apoyaron. MW: ¿Ha habido algún momento de duda? Carlos Scholz: Por ahora no y espero que no la haya. Porque desde que empecé a estudiar, empecé a trabajar. Todavía no he tenido ningún parón gordo. Ninguno que me haga pensar eso de “¿he elegido el camino correcto?”. MW: ¿Qué parte es la que más te atrae a ti de este oficio? Carlos Scholz: Hacer que la gente se olvide de sus problemas. Ayudarles a evadirse.

Eso me parece muy bonito. MW: ¿Y lo más complejo? Carlos Scholz: Lo más complejo son las críticas porque hay que aprender a gestionarlas. Hay personas que sueltan las cosas sin más. Sin pensarlo. Cosas que lanzan sin saber lo que puede significar para ti. La gente no entiende que es tu trabajo y que has trabajado mucho para ese resultado. MW: Y es que vuestro objeto de trabajo es vuestro propio cuerpo… Carlos Scholz: Claro, es tu interpretación,

Abrigo, de H&M. Americana, de Dustin. Pantalón, de Zara. Camisa y corbata, de Hugo Boss. mewmagazine.es 167 Botines, de Ce-Dos-Ce.

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tu cuerpo, tu voz. Eso es lo que se ve. MW: ¿Uno va aprendiendo a gestionarlo? Carlos Scholz: Yo intento quedarme solo con las críticas constructivas. Que la crítica mala esté argumentada desde el respeto. Aprendo de ella e intento corregir. Y si es buena, también la analizo. MW: Quizá lo que ocurra es que como espectadores nunca somos conscientes del trabajo que hay detrás de una serie o de una película…al fin y al cabo, solo vemos el producto final. Carlos Scholz: Sí, sí. La gente ahora mismo con las plataformas, me incluyo, ven las series en dos días. Pero nadie sabe que hay años de preparación. Ven el contenido, les gusta o no les gusta, pero no tienen la información de todo lo que hay detrás de lo que han visto. MW: Tus primeros trabajos llegaron desde el teatro y me gustaría saber si lo aprendido allí te sirvió a la hora de saltar a lo audiovisual. Carlos Scholz: Me ha servido todo. Porque creo que el teatro es la base de la interpretación. Se profundiza muchísimo en los personajes y la energía tiene que ser multiplicada por tres. Creo que si haces teatro luego es más fácil hacer cámara. Me ha enseñado la disciplina, el trabajo, el trabajo al equipo. El estar atento a mil cosas. MW: ¿Dónde notas tú mayor desgaste, en el teatro o en lo audiovisual? Carlos Scholz: Depende del proyecto que sea. En rodaje estás muchas horas y hay un desgaste mental. En teatro puedes salir muy cansado, pero más físicamente. MW: Cuando llega un nuevo personaje, ¿hay que escuchar lo que está pidiendo que necesita? Carlos Scholz: Sí. A mí cuando me dan un guion lo leo veinte veces. Y en cada lectura descubres algo nuevo de él. Y lo que otros personajes dicen de tu propio personaje. Y con toda esa información lo vas construyendo. Hay que darle miles de vueltas. MW: En lo audiovisual, la primera vez que pudimos verte fue en ‘Toy Boy’ y me gustaría saber cómo recuerdas ese proyecto y en qué momento de tu vida llegó. Carlos Scholz: Estaba haciendo teatro. Estaba haciendo ‘Romeo y Julieta’. En Málaga.

Y me hicieron una prueba donde tenía que preparar un baile. Me preparé una coreografía, pero no me sirvió de nada (Risas). Tuve que improvisar en la prueba un baile de striper. Y a los días me confirmaron que estaba dentro del proyecto. MW: ¿Fue complejo toda la creación, a nivel físico, que implicó ese personaje? Carlos Scholz: Sí, fue muy complicado. Nos metieron una dieta estricta, por gramos. Mucho entrenamiento. Mucho baile. Y clases de interpretación. Todos los días durante seis meses. Pero a la vez era muy gratificante porque estabas aprendiendo. Una de las mejores experiencias de mi vida. MW: ¿Qué Carlos descubriste en todo ese proceso? Carlos Scholz: La perseverancia, la disciplina. Porque yo siempre solía dejar las cosas a medias, menos aquello que me gusta de verdad. MW: ¿Recuerdas tus sensaciones ese primer día de rodaje? Carlos Scholz: Estaba muy nervioso. Había mucha figuración porque el primer día era un baile. Me estrené quitándome los pantalones delante de cien figurantes (Risas). MW: ¿Qué genera más adicción, el teatro o lo audiovisual? Carlos Scholz: Por tema económico el audiovisual. Por tema artístico el teatro. MW: Sé que no nos puedes contar mucho sobre ‘Feria’, tu próximo proyecto, pero ¿cómo llega hasta a ti? Carlos Scholz: Estoy disfrutando mucho. Me llega por casting. Uno más. De esos que piensas que van a decir que no. Pero les gusté (Risas). Y se me quitó el miedo de después de hacer ‘Toy Boy’ porque tenía pensamientos del tipo “¿me llamaran para otra cosa?”. Y esto me dio toda la energía. ‘Feria’ es increíble. Un proyecto enorme producido por Filmax. Ambientado en los 90. Un pueblo andaluz. Un thriller. Estoy viviendo una experiencia increíble.

· · · Carlos Scholz viene de un camino realizado a base de corazón y tesón y con el optimismo por bandera.

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Camisa y botines, de Pull&Bear. Jeans, de Zara.

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Traje, de Fuentecapala. Jersey, de Zara.

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SERIES

‘Café con aroma de mujer’ by William Levy Llega a Telemundo ‘Café con aroma de mujer’, una nueva versión de un éxito internacional. Y lo hace con el nombre estelar de William Levy como reclamo absoluto. Su vuelta a las telenovelas o lo que aquí llamamos series diarias. ¿Está el actor cubano preparado para su regreso a la pequeña pantalla? ¿Y su público? por MIKEL MONTERO

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La vuelta de William Levy es de esas que, sin lugar a duda, llaman la atención y generan expectación. Y lo hace porque fue un reclamo excepcional. Su nombre captaba audiencia. Luego sería discutible o no la calidad del proyecto, pero tener a William Levy en reparto era sinónimo de éxito. Así que su marcha momentánea de la pequeña pantalla, justo en la cima de la pirámide, parece que nadie se la quiera perdonar. Y no hablamos, en este punto, de su público, sino del sector, de sus compañeros, de los que crean y hasta de los que producen. Porque a veces tenemos la maldita idea absurda de que un artista nos debe cuando quizá sea al revés. Quizá William Levy ocupó un lugar que estaba vacío. Donde los ‘galanes’ de la época ya no eran aquellos que el público necesitaba ni deseaba. Quizá, el trajo otra forma de hacer, de ser y de transmitir. Por sí mismo. Telemundo apuesta por una nueva versión de ‘Café con aroma de mujer’ y lo hace junto a William Levy. El protagonista que en su momento llevó a cabo Guy Ecker, en uno de los personajes masculinos más queridos de la época. Si esta nueva producción decide mantener la esencia de Sebastián, Levy tiene entre sus manos la oportunidad de oro para aplacar a todos aquellos que siempre han hablado más de la cuenta. ¿Por qué? Porque Sebastián como galán siempre fue el anti galán. Ese personaje masculino que es un tipo normal y que se enamora y que, de pronto, tiene un problema físico/sexual y eso le impide ser ese otro tipo que siempre hemos visto en las series diarias que ama a la protagonista, pero por despecho se lanza a por otra. Sebastián, tal y como lo conocemos, está planteado desde otra perspectiva.

Mucho más humana. Donde tanto él como ella respetan ese amor por más gavilanes o gaviotas que se tejan alrededor. Y este hecho diferenciador nos puede acercar a un William Levy tocando de nuevo el éxito. Porque los matices del personaje junto a su carisma y el cariño que la cámara desprende hacia él solo pueden asegurar audiencia. ‘Café con aroma de mujer’ viene precedido de un éxito sin igual. En un momento, además, donde no existían las plataformas que conocemos hoy día. Por lo tanto, las comparaciones serán odiosas. Tenemos la maldita manía de no ponernos en contexto cuando nos podemos a analizar un mismo producto en situaciones diferentes. Aun así, si la historia es fiel en su esencia, a lo que conocemos, Telemundo ha acertado de pleno. Ahora es el momento de recuperar esas historias que marcaron datos estratosféricos y darles una vuelta de tuerca. Traerlos a nuestra actualidad, con personajes identificables para el público. Y si podemos darle un toque de comedia, mejor que mejor. Así lo estamos pudiendo ver con los éxitos que están marcando las producciones turcas y que también hemos analizado a lo largo de este número de abril. Las historias de amor nunca pasan de moda ni nunca lo harán. William Levy ha sabido cómo volver a la pequeña pantalla y con qué proyecto. Porque Sebastián no es Larry, ni Vasco, ni Juan Miguel, ni Alejandro, ni Maximiliano, ni Damián. Sebastián acarrea otros matices, otra profundidad, otra forma y otro fondo. Una búsqueda interna donde hay muchas más sombras que las luces que siempre mostraban los galanes. Y tengo el pleno convencimiento que Levy tiene todo lo necesario para ofrecernos un aroma diferente. Para degustar este café desde otra perspectiva.

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REPORTAJE

SAIDA BENZAL Saida Benzal llegó a la interpretación para formar y crear otras vidas. Quizá esas lejas y diferentes y aquellas que en tu día a día están alejadas de una misma. Transita por el oficio teniendo en cuenta, siempre, que todo es un juego. Por eso de mantener un equilibrio emocional y no resquebrajarse cuando el juego azaroso de la vida nos cierra demasiadas puertas. Y no nos da respuesta fotografía ANA MÁRKEZ / texto y entrevista P. GUERGUÉ estilismo JAIRO VILLADA / muah CRISTINA ALBARRÁN

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a una nuestra cantidad de preguntas. Se evade, juega y se ríe con sus personajes, hasta enfrentándose a su mayor temor, que el agua sea un factor importante en alguna de sus próximas escenas. Porque a entrega no le gana nadie. A entender que aquí hemos venido a divertirnos y a mostrar al público la infinidad de realidades que hay. “Creo que soy muy versátil. He hecho cosas muy dispares y muy opuestas. Desde una chef sobria que trabaja en Nueva York hasta hacer ‘XHOXB’, con un personaje completamente opuesto a mí”. · · · MEW Magazine (MW): ¿Qué te ha dado a ti la interpretación? Saida Benzal: Evadirme. Inconscientemente he escogido el mundo de la fantasía porque tienes esa capacidad de evasión, de poder crear. Y de poder realizar cosas que en tu día a día serías incapaz. De encarnar las máximas vidas posibles.

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MW: ¿Cómo se manejas las emociones y la autoestima en un oficio como este? Saida Benzal: Uy la autoestima es una cosa… (Risas). Creo que eso es una cosa que va con la persona, que va aparte y que hay que saber distinguir. Yo me lo tomo como un juego.

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REPORTAJE

176 ABRIL 2021 · MW

Gabardina, de Rinascimiento. Botas, de Baldini. Accesorios, de Trium Jewelry.

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REPORTAJE MW: ¿Tu mayor virtud como actriz? Saida Benzal: Creo que soy muy versátil. He hecho cosas muy dispares y muy opuestas. Desde una chef sobria que trabaja en Nueva York hasta hacer ‘XHOXB’, con un personaje completamente opuesto a mí. MW: Haciendo referencia a personajes opuestos… ¿Cuándo el personaje es tan opuesto a una es mucho más divertido? Saida Benzal: Sí, es mucho más divertido. Al principio te da un poco de respeto, pero solo al principio. Y el primer día de rodaje nunca sabes si vas a estar a la altura, pero es mucho más divertido. MW: ¿Qué es lo más difícil para ti cuando tienes que prepararte un casting y pararte delante de esas personas que van a decidir si encajas o no? Saida Benzal: El casting, de por sí, es lo más difícil. El hecho de tener que estar a examen todo el tiempo. Y aparte es tan aleatorio… El que te den un trabajo o no parte de muchas piezas. Uno tiene que tomarse eso, también, como un juego. Hacerlo y olvidarse. MW: Uno debe encajar el ‘No’ entendiendo que no es algo personal y además teniendo en cuenta que puede no recibir el motivo de su descarte para el proyecto… Saida Benzal: Claro, absolutamente, por eso te digo que lo que hay que hacer es olvidarse. Ir cono el ‘No’ y si es el ‘Sí’ pues maravilloso. Forma parte de todo el proceso y del trabajo de un actor. MW: ¿Cómo es eso de despedir a un personaje? Saida Benzal: ‘Despedirse’ no me gusta. No me gusta en general. La palabra en sí me pone muy triste. Por eso en el comienzo lo coges con muchas más ganas. Pero es mucho más alentador que cuando lo terminas. Cuando lo terminas y te despides se mezcla el cariño y la emoción a partes iguales. MW: ¿Qué es más complejo, no juzgar al personaje o empatizar con él? Saida Benzal: Creo que es más complejo no juzgarlo. Empatizar, como actor, debes empatizar porque es la persona a la que estás encarnando. Al personaje tienes que ver por donde va y no juzgarlo. MW: ¿Ha habido algún personaje que sí o sí te lo llevabas a casa? Saida Benzal: Mira con ‘XHOXB’ fueron cinco meses de rodaje. Con un ritmo muy frenético. Un proceso muy largo de composición de personaje. Y me daba cuenta de los dejes que mantenía. O iba por la calle y pensaba como Belén o pensando en ella.

··· Con el madrileño barrio de Malasaña convertido en un personaje más, ‘Por H o por B’ (‘XHOXB’) es una comedia protagonizada por Hache y Be-

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lén, dos amigas de Parla que se reencuentran cuando ambas se mudan el centro de Madrid, al barrio más cool: Malasaña. El inevitable choque cultural entre los dos mundos dará lugar a una sucesión de catástrofes de divertidísimas proporciones. Una comedia en la que se dan la mano la amistad sin fisuras, la búsqueda de la identidad y el postureo más descarado. Manuela Burló Moreno recupera aquí a los personajes de su corto Pipas, nominado al Goya como mejor cortometraje de ficción. Burló Moreno ha escrito y dirigido también las películas Rumbos y Cómo sobrevivir a una despedida, además de varios cortometrajes galardonados internacionalmente. En palabras de la directora: “’Por H o por B’ muestra la realidad de ese envoltorio que todos nos ponemos para intentar pertenecer a algo, aunque luego nos demos cuenta de que lo verdaderamente importante es ser uno mismo. La serie habla de la búsqueda de un lugar, de la necesidad de pertenencia. De dónde cabes si no encajas en ningún sitio y del hilo tan fino que separa lo “cool”, de lo “no cool”. Todo esto a través de los ojos de nuestras protagonistas, dos chicas de Parla, que tratan de hacer equilibrismos para sobrevivir al barrio más hípster de la capital”. ‘XHOXB’ está disponible en HBO España.

· · · MW: ¿‘XHOXB’ es una de esas ficciones que han tenido hueco por la entrada de las plataformas pero que quizá en los canales generalistas nunca hubiese tenido un espacio? Saida Benzal: Sí, total. Esto nos ha dado una visibilidad y una oportunidad a nuevos creadores, a otro tipo de series más arriesgadas. Y a la vez una visibilidad que es mundial. Apuestan más por un tipo de propuestas diferentes. Eso nos ha ayudado a muchos del sector. MW: ¿Es difícil hacer reír? Saida Benzal: Es difícil hacer comedia, pero la gente reír se ha reído porque recibo muchos mensajes (Risas). Ha sido maravilloso, pero la comedia es muy difícil. Y en los premios se valora muy poco. Siempre premian a los actores de drama. MW: ¿Estás dando vida a esos personajes que querías da vida? Saida Benzal: La verdad es que sí. Me lo estoy pasando muy bien. Y como me han dado cosas tan dispares y tan extremas… Unos me han permitido viajar, que es otra de las cosas bellas de este oficio. Y otros, llegar a personas que jamás pensaría.

· · · Saida Benzal plantea la vida desde el lado más positivo y cargado de sonrisas. Y desde esa perspectiva todo funciona mucho mejor de lo que nos imaginamos.

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180 ABRIL 2021 · MW

Chaqueta, de Rinascimiento. Top, de Carey. Pantalón, de Mango. Zapatos, de Guess. Accesorios, de Trium Jewelry.

Chaqueta y pantalón, de Ikks. Body, de Ory. Calzado, de Gaudí. Accesorios, de Trium Jewelry.

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SERIES

EUGENIO EN TRES PERSONAJES

Al diablo con los guapos 2007-2008 Lo vimos con un Alejandro divertido, un tanto egocéntrico pero capaz de realizar un trabajo interno por amor.

Eugenio Siller

EN UNO DE LOS REGRESOS MÁS ESPERADOS DE LA MANO DE “¿QUIÉN MATÓ A SARA?” por MIKEL MONTERO Lo estábamos esperando. Eso es innegable. Demasiado tiempo fuera de los focos. Incluso de los nuestros. Eugenio Siller está de vuelta gracias a una de los últimos lanzamientos de Netflix “¿Quién mató a Sara?”. Bajo la piel de José María Lazcano. Cinco años han pasado desde su última aparición en la pequeña pantalla. Pero la espera ha merecido la pena, por supuesto. Desde sus inicios, Eugenio Siller, ha sido uno de esos tipos que te conquista desde el primer segundo que lo enfoca la cámara. Quizá sea por su naturalidad al enfrentarse a un personaje o porque siempre podemos ver algo de él mismo en sus personajes, aunque solo sea una misma sonrisa o una misma mirada. Un tipo inteligente que ha sabido seleccionar cada uno de sus proyectos teniendo en cuenta, siempre, lo importante de no quemar su propia imagen. Pero, sobre todo, tener margen para disfrutar de la vida, sin estar atado al oficio y a todo lo que esta profesión requiere. En “¿Quién mató a Sara?”, dando vida a José María Lazcano, lo vemos desde la contención más absoluta. Un personaje frío y calculador que aunque él no lo crea, oculta quién verdaderamente es. Y lo hace por algo tan sencillo como por la supervivencia. Porque el pez grande siempre se comerá al pequeño y mucho más si el pez grande pertenece a tu propia familia. Ahí, resulta inevitable. Y me 182 ABRIL 2021 · MW

gusta, me gusta ver a Eugenio desde otro punto de vista, en otro terreno. Mucho más alejado de esa imagen idílica que podríamos tener en nuestra mente. Y lo hace bien porque me lo creo. Me meto de lleno junto a José María y comprendo y justifico sus acciones porque hay una forma natural y orgánica de presentar los acontecimientos. De incluso hacernos sentir culpables como sociedad cuando sistemáticamente rechazamos a quien sea por no seguir la supuesta norma. Veo a Siller que camina con exquisita holgura, saliendo de la zona de confort y creando un personaje redondo, con sus matices incrustadas. Provocando, a veces, el hastío en el espectador y el abrazo un segundo más tarde. Casi como un trapecista que se debate entre llegar al final del espectáculo o dejarse caer en la red. Y es de aplaudir que, la expansión de las plataformas, nos estén dando otras historias, con otra forma, con otro fondo y con más oportunidades a artistas que así lo merecen. Eugenio Siller es de esos actores de casta y de habilidad. De estilo propio que nunca deja indiferente. De control absoluto y obstinación según requiera su personaje. Se moldea al antojo del proyecto y aunque parezca algo sencillo, no lo es. Ahora se presenta con un personaje oscuro. Con luz, pero con muchas sombras. Con una culpa demasiado pesada. ¡Qué gusto volver a verte!

Mi Pecado 2009 Hay personajes que te colocan en otro punto dentro de tu profesión. Julián lo hizo. Quizá fue la mecha para el despegue.

Una Maid en Manhattan 2011-2012 El éxito se mide en picos y Cristobal le ofreció uno de esos. Una perfecta historia y una gran versión.

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REPORTAJE

Gafas, de

Hanniba

l Laguna

Y A N Y

ENERGÍA POS

fotografía ANA MÁRKEZ / texto y entrevista P. GUERGUÉ / estilismo JAIRO V 184 ABRIL 2021 · MW

umor negro, grandes dosis de acción y pura adrenalina. Esta es la promesa de ‘Sky Rojo’, la nueva apuesta de Netflix. La primera temporada cuenta con 8 episodios de 25 minutos, un formato absolutamente innovador para una serie dramática en la que confluyen varios géneros y que sus creadores, Álex Pina y Esther Martínez Lobato (La casa de papel), han bautizado como ‘pulp latino’. Rodada en varias locaciones de Madrid y Tenerife, Sky Rojo cuenta con dos t e m p o ra d a s confirmadas de

PRADO

SITIVA

VILLADA / muah CRISTINA ALBARRÁN

Blusa, de Alba Conde. Pantalón y zapatos, de GUESS.

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REPORTAJE

Todo pasaba con una adrenalina magnífica”

Cazadora, de Karl Lagerfeld. Pantalones, de GUESS. Body, de Carey. Calzado, de Baldinini. Accesorios, de Trium Jewelry.

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8 episodios cada una. Producida por Vancouver Media para Netflix, esta nueva ficción cuenta con un reparto internacional encabezado por Verónica Sánchez (El embarcadero, Las trece rosas), Asier Etxeandia (Dolor y gloria, Velvet), Miguel Ángel Silvestre (Velvet, Sense8), la actriz y cantante argentina Lali Espósito (Casi ángeles, Esperanza mía), la actriz cubana Yany Prado (La doble vida de Estela Carrillo, La reina soy yo) y Enric Auquer (La línea invisible, Vida perfecta).

Hablamos con Yany Prado de este nuevo proyecto tan exigente como gratificante donde ha podido disfrutar de un personaje como Gina. Una mujer cargada de dolor pero que sigue caminando bajo la luz de la esperanza. Y se agradece porque dentro del drama siempre tiene que haber un espacio para esa sensación de que todo mejorará. MEW Magazine (MW): Yany Prado: Para mí, ‘Sky Rojo’ ha sido una escuela. Son innovadores en hacer una serie de drama que dure, solamente, 25 minutos. Entonces, como actriz, tenías que estar totalmente alerta para llevar este sentimiento y encontrar la

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Vestido, de MVP Wardrove. Calzado, de Gaudí. Accesorios, de Trium Jewelry.

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REPORTAJE

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Vestido, de GUESS. Zapatos, de Gaudí. Accesorios, de Trium Jewelry.

esencia del personaje al momento. Todo era muy rápido. Todo pasaba con una adrenalina magnífica. Pero tenías que trabajar muchísimo en el personaje.

··· ‘Sky Rojo’, la esperada nueva ficción de Álex Pina y Esther Martínez Lobato, creadores de La casa de papel, se estrenó a nivel mundial el pasado 19 de marzo. La serie narra la historia de Coral, Wendy y Gina, que emprenden una huida en busca de su libertad mientras son perseguidas por Moisés y Christian, los secuaces de Romeo, el proxeneta y dueño del Club Las Novias. Juntas iniciarán una carrera desesperada en la que se enfrentarán a todo tipo de peligros y cuyo único objetivo será seguir vivas cinco minutos más. “Sky Rojo es la historia de la huida de tres mujeres… pero, sobre todo, es la historia de esas mujeres. De tres víctimas de trata que rompen la tela de araña que las atrapa, de sus sueños, del infierno que han vivido, de la amistad que han forjado, de la solidaridad que las une y de la energía descomunal que las mantiene vivas”, han comentado Álex Pina y Esther Martínez Lobato, creadores de Sky Rojo.

··· MW: ¿Cómo llegas a ‘Sky Rojo’? Yany Prado: Llega después de hacer una serie en México. Me llama mi manager y me dice que los creadores de ‘La casa de papel’ están buscando sus nuevas protagonistas para su nueva serie. Y luego vi el tema del que se trataba. Y dije, quiero. Porque es la primera vez que están hablando de un tema como este, la trata de mujeres. De las víctimas de explotación sexual. Luego me presentaron a Gina y me enamoré de ella. Tuve una conexión con ella y creo que funcionó muchísimo para ganarme el papel. MW: ¿Sentiste que Gina si o sí tenía que ser tuyo? Yany Prado: Sí, claro. Primero me pusieron a castear a dos. Wendy y Gina. Y no sé por qué, pero con las chicas con las que me tocó estar, muchas veces, huían de Gina porque me decían que sufría mucho. O que era demasiado inocente. Y para mí era un personaje, al fin y al cabo. Además, que me encanta el drama.

MW: Gina es la que más sufre, pero la que nunca pierde la esperanza… Yany Prado: Claro, exactamente. Creo que una de las cosas que he aprendido de mi personaje es eso, a ser optimista. Gina es fiel al pensamiento de que después de la lluvia o después de la tormenta, sale el sol. Ella me ha contagiado eso, ser optimista. Creo que Gina, en los tiempos que estamos viviendo ahora, da un buen mensaje.

· · · Gina es ingenua y dulce. Cree en la bondad de las personas por encima de todo. Es captada por Moisés en Cuba y viene engañada pensando que va a trabajar de camarera. Busca desesperadamente huir, pero la multitud de deudas, amenazas y el no poder disponer de su pasaporte, retenido por Romeo, hacen que recuperar su vida sea un sueño casi inalcanzable. Siempre tiene la esperanza de que todo puede ir a mejor y es el pilar que mantiene unidas a las chicas.

· · · MW: ¿Desde dónde iniciaste su construcción? Yany Prado: Creo que con saber la situación que vive mi país no tenía que estudiar mucho. Obviamente, hubo una documentalista en ‘Sky Rojo’ que nos mandaba muchos testimonios de diferentes chicas, pero a Gina la saqué por vivir. Por lo que ví y pasaba en mi barrio porque pasaba muchísimo. Chicas que eran explotadas por la economía decadente que hay en mi país. MW: El ritmo que vemos en los capítulos es vertiginoso, pero durante el rodaje, ¿cómo se consiguió equilibrar toda esa energía? Yany Prado: Era muy intenso. Yo no sé cómo lo hicimos. Era demasiado intenso. Había días que no dormíamos por estar, todavía, conectadas con esa adrenalina. MW: Vemos a tres mujeres con mucha fuerza… Yany Prado: Total. Nos unimos mucho. En la serie hicieron una mezcla perfecta de lo que querían de estas tres chicas. Siempre digo que ellas tres hacen una sola

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guerrera. Coral es la cabeza. Al fin y al cabo, es la que guía al grupo. Wendy es el cuerpo, la fueza. Porque Wendy es más explosiva que nada. Y Gina es puro corazón. Es el alma. Es lo que hay por dentro de esa guerrera.

Siempre digo que ellas tres hacen una sola guerrera"

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MW: Con un tema de fondo como la libertad… Yany Prado: Sí, es un viaje frenético de ellas tres por la libertad. Por el derecho que tenemos todos los seres humanos por ser libres. MW: ¿Cómo describes ‘Sky Rojo’? Yany Prado: Vida. Hay mucha vida. Hay mucha verdad, mucha honestidad. MW: Para ti, ¿por qué es esencial que haya ficciones como ‘Sky Rojo’? Yany Prado: Sobre todo porque tiene tres mujeres protagonistas. Y el apogeo del feminismo me encanta que lo esté tomando como referencia Vancouver Media. Y que lo estén haciendo con ese coraje.

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SERIES

‘SEN ÇAL KAPIMI’

UN ÉXITO, AUNQUE A TI NO TE GUSTE ·

‘Sen Çal Kapimi’ nunca se ha presentado con pretensiones intelectuales. Ni siquiera con el afán de psicoanalizar nuestra infancia para tener un mejor futuro. ‘Sen Çal Kapimi’ es una historia de amor con un buen puñado de carcajadas. Donde tanto ella como él son personajes fuertes e independientes. Ni ella cae en sus redes cual adolescente ni él es el macho alfa. por MIKEL MONTERO

ace unos días volví a escuchar a uno de nuestros artistas, con esa suficiencia que nos caracteriza, ciertos comentarios, a susurros, sin la suficiente valentía de ‘Love is in the air’ o lo que es lo mismo ‘Sen Çal Kapimi’. Referencias a la actriz como si fuese irreal o de plástico e insinuaciones del protagonista como si fuese un hombre machista, misógino y demás lindezas. E imagino que no pronunció abiertamente más descalificativos porque era un directo en Instagram y al final cualquiera lo puede dejar registrado. Y abrir la caja de pandora. La manía que tenemos de infravalorar lo que hacen desde fuera… Es que es algo bestial. Como si aquí no tuviésemos que ahorcarnos por algunas ficciones que, por ejemplo, nunca he visto fuera de nuestro país, como la absurda de ‘Toy Boy’, entre otras. A veces antes de hablar de algo deberíamos, al menos, y solo al menos, pasar unos cuantos minutos o capítulos delante de la pantalla. A lo mejor, de esa forma, comprenderíamos qué tiene dicho proyecto para que triunfe a nivel internacional. Que luego puede gustarte a ti o no, pero al menos tendrías algo de información para hablar con propiedad. Porque en este caso, tras los descalificativos, reconoció no haber visto ni un solo minuto. Pero era la imagen que había proyectado su cabeza por las promociones en Mediaset. ‘Sen Çal Kapimi’ triunfa, entre otras cosas, porque es una comedia romántica. Donde sí, hay mucha comedia. Y locuras y personajes que, entre verdad

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y verdad, desprenden comicidad a raudales. Por lo que gran parte de los capítulos el público segrega la hormona de la felicidad. Esa hormona que segregamos cada vez que nos reímos. Cuanto mayor es la risa, mayor es la liberación de esta hormona. Aunque no es la única sustancia que se libera con la risa, dopamina y serotonina, dos sustancias que nos ayudarán a combatir la depresión y la ansiedad. Y esto, pese a quien le pese, es lo que necesita la gente ahora mismo. Sentarse ante su pantalla y reír. Que le pinten la vida de un color rosa. Porque hasta el humor negro hay que procesarlo a base de desgracias y no estamos para ese tipo de juegos.

No hay dependencia ni amor viscoso. No hay ’50 sombras de Grey’ ni la malvada madrastra de Blancanieves.

A veces no es necesario generar un gran guion con una gran historia cargada de asesinatos, mentiras, corrupción, drogas…profundidad inagotable de adversidades y aprendizaje a base de caídas, tropezones y roturas. A veces es tan sencillo como hablar del amor. Sin más pretensión que esa. De lo que el amor puede cambiarnos. De las personas con forma de piedra irrompible que, de pronto, se resquebraja porque entiende que la vida es otra cosa un poquito más sencilla. ‘Sen Çal Kapimi’ va de lo que va. Del día a día. De una chica con carácter, independiente y con las ideas muy claras que no deja que nadie la pisotee. Y de un tipo demasiado auto exigente. Ambos, sin depende el uno del otro, hacen un buen tandem. No hay dependencia ni amor viscoso. No hay ’50 sombras de Grey’ ni la malvada madrastra de Blancanieves.

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REPORTAJE

JAIME OLÍAS

fotografía ANA MÁRKEZ / texto y entrevista P. GUERGUÉ estilismo JAIRO VILLADA / muah VLADA NIGMANOVA

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JAIME OLÍAS MOSTRÓ UN TEMPRANO INTERÉS POR LA INTERPRETACIÓN Y EL CINE. FORMANDO PARTE EN DIVERSAS REPRESENTACIONES TEATRALES Y CURSANDO ADEMÁS LA CARRERA DE COMUNICACIÓN AUDIOVISUAL EN LA UNIVERSIDAD COMPLUTENSE DE MADRID. LO VIMOS APARECER, EN LA TELEVISIÓN, POR PRIMERA VEZ CON ‘ÁNGEL O DEMONIO’ (2010); UNA PRODUCCIÓN DE PLURAL ENTERTAINMENT PARA TELECINCO, DONDE COMPARTIÓ PROTAGONISMO CON AURA GARRIDO, INTERPRETANDO EL PAPEL DE “DAMIÁN”. ONCE AÑOS DESPUÉS, SU CARRERA ES DE ESAS DE ADMIRAR Y ENVIDIAR PORQUE SIGUE A PIE DE CAÑÓN. AHORA, PODEMOS VERLE TANTO EN ‘EL CID’ COMO EN ‘BESOS AL AIRE’. Y ES POR ESTA ÚLTIMA POR LO QUE NOS REUNIMOS ENTORNO A ÉL. JAIME OLÍAS ADORA SU PROFESIÓN. POR MUY PEQUEÑO O POR MUY GRANDE QUE SEA EL PERSONAJE. Y AHÍ DEBE ESTAR LA CLAVE DE TODO. MEW Magazine (MW): ¿Qué es lo que te sigue atrayendo de tu oficio? Jaime Olías: La verdad es que es una buena pregunta. Es que no conozco otra cosa, la verdad. Tengo la sensación de haber tenido claro, desde siempre, que me quería dedicar a lo audiovisual. Y sigo siendo como una especie de ‘yonki’. Siempre digo que no es un trabajo que es una religión. Creo que lo que me encanta es la capacidad que tienes de vivir experiencias en esta profesión que otras no te lo brindan. MW: ¿Has hecho o estás haciendo esos personajes que tú anhelabas? Jaime Olías: Yo soñaba con trabajar. Entonces, en el momento en el que estás trabajando yo me doy con un canto en

los dientes, la verdad. Me dan muchas oportunidades. A mí me siguen llamando para hacer personajes de registros muy diferentes. Soy un afortunado. Estoy encantado y los personajes que me llegan son la leche. MW: Iniciar la construcción de un personaje o despedirse de él, ¿qué te resulta más sencillo? Jaime Olías: Hombre, es muy difícil decir adiós a un personaje. Decirle que sí a un personaje siempre es fácil. Es una aventura y todos somos muy kamikazes. Nos lanzamos a coger los personajes, siempre, con mucha fuerza. Muchas veces es mucho más importante la experiencia que vivo en el rodaje que el propio personaje. MW: ¿Cómo llega Claudio a tus manos? Jaime Olías: El personaje llega como siempre. A través de una llamada de mi representante. Vas a un casting, haces el casting lo mejor que puedes, les gustas a las personas que tienes que gustarles y te sale. Creo que la serie ‘Besos al aire’ es una apuesta muy arriesgada.

· · · ‘Besos al aire’, la serie-evento de dos episodios protagonizada por Paco León y Leonor Watling y producida por Mediaset España, ya está disponible en Star en Disney+ desde el pasado 26 de marzo. Se trata de una emotiva comedia romántica, no exenta de drama y conflicto, que narra ocho historias cruzadas con el confinamiento como telón de fondo y el amor como gran protagonista. Jaime Olías da vida a Claudio. Claudio es el reportero más cool de España…o eso piensa él. Culto, refinado e introvertido, le quema cubrir, año tras año, noticias que considera chorras, de magacine de las cuatro de la tarde. Él se merece algo más: cubrir las noticias que verdaderamente importan, aquellas que hacen historia. Su cámara, Elena, es todo lo contrario: práctica, extrovertida, con gran sentido del humor. Una de esas chicas que viven el minuto y que valora las pequeñas cosas de la

Cazadora, de Michael Kors. Camiseta, de Abanderado. Pantalones, de Levi’s. Calzado, de Zara.

JAIME OLÍAS SALTA DE UN PROYECTO A OTRO CON AGILIDAD, COMPROMISO Y PASIÓN. DOTANDO A SUS PERSONAJES AQUELLO QUE LE PIDEN Y QUE NECESITAN. ESTANDO PENDIENTE DEL ARCO, DE SU HISTORIA Y DE AQUELLO QUE MÁS O MENOS PUEDE TENER INCORPORADO EN SU INTERIOR. UN ACTOR QUE CUENTA CON LA SUERTE DE SU LADO, EN UN OFICIO IMPREVISIBLE Y COMPLEJO.

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REPORTAJE

Traje, de Karl Lagerfeld. Jersey, de Calvin Klein. Zapatos, de Asos.

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vida. Ante la pandemia de COVID19 que asola al planeta, Elena y Claudio se proponen un reto: pasar el confinamiento juntos.

··· MW: ¿Habéis sentido cierta responsabilidad extra al estar contando la historia que se estaba contando? Jaime Olías: Había una responsabilidad tremenda porque la pandemia aun no ha terminado. Estábamos contando un fragmento de la pandemia y no sabemos qué va a pasar con el COVID-19. La batalla sigue estando. Tenemos una gran responsabilidad porque esto ha colapsado el mundo entero. Y no parecer que lo que estás haciendo es frívolo. Creo que los creadores dieron muy bien el tono de la serie. Intentando dar una visión un tanto positiva de todo este horror. Sin perder el homenaje en esta serie a todas las personas que nos han estado cuidando, protegiendo y velando por nuestra seguridad. MW: El primer Claudio que nos presentan es un tipo un tanto frío y distante y no sé cuánto de complicado es dar vida a un personaje emocionalmente tan contenido… Jaime Olías: Yo tengo la sensación de que todos los personajes son complicados. Sí que es verdad que el personaje tenía muchas cosas de mí. Yo notaba que Claudio tenía muchas cosas de mí como por ejemplo en la ambición. En las ganas de prosperar. En sacar una lectura positiva de lo malo. Pero, por supuesto, hubo que hacer una construcción. MW: ¿Qué encuentra Claudio en esa Elena? Jaime Olías: Creo que el viaje, muchas veces, de los personajes, si te fijas, es como el punto de lo que quieren los personajes y lo que necesitan. El personaje lo que quiere no es aquello que necesita. Y en Elena encuentra aquello que realmente necesita. Es consciente de que lo que necesita estaba más cerca de lo que esperaba. MW: ¿Es importante, en momentos como este, ofrecer al público una ficción que brinda esperanza? Jaime Olías: Yo creo que sí. Es súper necesario que la gente siga apreciando las cosas buenas y siga teniendo esperanza y pensando que todo esto se acabará. Esta serie intenta brindar una esperanza e intenta ponerle rostro a un montón de personas que estuvieron ahí detrás. Sin hacerlo frívolo.

Traje, de Karl Lagerfeld. Camisa, de Calvin Klein. Cinturón, de Massimo Dutti. Calzado y calcetines, de Martinelli.

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REPORTAJE

MW: ¿Cómo estás viviendo este consumo masivo de series? Jaime Olías: Estamos un poco en bonanza. La ficción española tiene muchísima calidad. Se está vendiendo muchísimo fuera. Se nota muchísimo, como actor, en el número de castings y en el número de propuestas, en el número de ficciones, en ver a los compañeros trabajando. Estamos en un momento muy bueno. MW: Las plataformas están ayudando a poder contar historias de otra forma… Jaime Olías: Absolutamente. Recuerdo la ficción de las cadenas generalistas que se enfocaban a un público muy masivo. Y ahora, el otro día, un amigo mío me dijo “tú me dices qué plataformas tienes y yo te digo como piensas” (Risas). A mí, personalmente, me encanta cuando se hace género. MW: ¿Qué tiene que tener una ficción en estos momentos para enganchar la atención del público? Jaime Olías: Depende de qué público y a quién te quieras dirigir. Hay una máxima en el guion que dice “dame lo mismo pero diferente”. Es una base que suelo pensar mucho. Soy un gran fan de encontrarme propuestas diferentes. MW: En estos momentos, ¿qué te hace sonreír por las mañanas? Jaime Olías: Tengo una especie como de norma personal de seguir haciendo lo que me gusta. Si algo en mi vida no me deja leer por las noches, no me deja ver una película tranquilo, ir a tomarme algo con mis amigos…si no puedo seguir haciendo lo que me gusta, hay algo mal en mi vida. Me levanto todos los días con la sensación de que tengo que ser feliz. Hay cosas que he aprendido a relativizar.

200 ABRIL 2021 · MW

Sobrecamisa y pantalones, de H&M. Camiseta, de Calvin Klein. Deportivas, de Adidas.

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SERIES

ECHAMOS DE MENOS A... por MIKEL MONTERO

A Marcos. Y lo echamos de menos porque hace tiempo que no vemos en pantalla a un chaval normal con el cual identificarnos en las cosas sencillas de la vida. Alguien que nos hable de la familia, de los colegas y de los sueños. Intentamos evolucionar tanto y tan rápido que, en muchas ocasiones, obviamos a esos personajes que lo son todo basados en una única premisa, la sencillez de su trama, arco o argumento. Por mucho que, de pronto, su padre se vuelva a casar y lleguen dos hermanastras y el corazón decida enamorarse justamente de ‘La chica de al lado’. Pero Marcos era mucho más que esto porque era un tipo bonachón, sin maldad, que vivía como casi todos nosotros con tranquilidad y algún que otro sobresalto para aprender de los errores. Y en esa naturalidad nos refugiábamos con él. Y sufríamos y llorábamos con él. Con la guitarra en la mano, le dijo a una buena generación de chavales que ser sensible y escribir y recitar poesía no estaba mal. Que era mejor llorar que ser el ogro del barrio. Y que en la tesitura entre seguir adelante o estancarse, siempre era mejor dar el paso aunque luego llegase el tropiezo. Porque, a pesar de todo, era un valiente. Un chaval que nos enseñó a dar oportunidades a diestro y siniestro. Porque ‘colgar los problemas al sol’ era la mejor solución cuando todo

se convertía en oscuridad. Y en ese juego del día a día fuimos comprendiendo las cosas de la vida, cuando todo se desmorono, nada tiene sentido y aun así tienes que seguir adelante. Comprendimos que la amistad es algo mucho más importante que compartir un bocadillo de mortadela en el recreo. Que los amigos nos pueden durar para toda la vida si de verdad queremos. Que a ratos se pueden equivocar como el que más pero que son esa parte esencial para no resquebrajaremos, si el resto de las cosas deciden ponernos en tela de juicio. Que no hace falta tener una cuadrilla de veinte personas porque a veces con dos o tres tienes más que suficiente. Y lo

que es más importante, la seguridad de que estarán siempre ahí, como hombro que calar cuando las lágrimas decidan aparecer. ¿Y en el amor? En el amor dimos muchas vueltas… De pronto, nos dimos cuenta de que nos habíamos enamorado de nuestra profesora mientras anhelábamos a nuestra hermanastra. Huyendo como alma que lleva el diablo, sin mirar atrás. Para golpearnos de frente con la realidad y volver al redil de la familia. Para terminar junto a Eva, con los típicos altibajos que puede tener cualquier relación. Y que, si hay que dejarlo todo por ella, pues se deja. Y nos reímos, nos reímos muchísimas veces con él y con su familia. Porque tenemos la maldita y bendita costumbre de reírnos siempre. Aunque hayamos tenido un día de mierda y todo se esté yendo al traste. Porque somos así, de los que entendemos que un segundo lo puede significar todo. Que hoy podemos estar arriba y que mañana puede ser todo lo contrario. Que la vida son momentos y que la felicidad también lo es. Que hay que aprovechar todo lo que se nos brinde, abrazarnos a ello como si no hubiese un mañana y despedirnos con la habilidad suficiente para comprender que todo lo que comienza, si o sí, tiene un final. Marcos nos enseñó que 1+1 son 7, por muy raro que parezca.

SU VIAJE EMOCIONAL El amor. En todas sus fases y con todos sus matices. Del típico que puedes huir pero no escapar. Con el recuerdo de un fotomatón.

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Fue su todo hasta que llegó el amor. Y, a partir de ahí, fueron errando y acertando hasta confiar el uno en el otro.

El eje de muchos de sus movimientos. El intermediario perfecto en una familia de siete donde todos deben sentirse imprescindibles.

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EN PORTADA

EL CAMINO BIEN TRAZADO Iván Sánchez fotografía ANA MÁRKEZ / texto y entrevista P. GUERGUÉ estilismo JAIRO VILLADA / muah LETICIA PERILLÁN / hotel COOLROOM ATOCHA

Iván Sánchez siempre le motivó el conocimiento. Saber y viajar. Conocer. Descubrir y aprender. Y fue dejándose llevar con esa base tan sencilla y profunda a la vez. Así que el oficio le llamó a la puerta y aceptó porque, a veces, no solo se llega por vocación a un sitio, pero sí decides quedarte a partir de ahí. Quizá porque él parte de un lado que pocas veces queremos identificar, desde el juego. Lo que también le facilita el hecho de poder entrar y salir de un personaje sin una excesiva carga emocional. Sabiendo donde queda el oficio y donde empieza uno mismo. A Iván le gusta el teatro porque ahí

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se deja llevar más que nunca. Porque no tiene que esperar pautas ni marcas específicas para que salta ‘bonito’ en pantalla. Ahí, frente al público, la adrenalina es la parte fundamental. Hasta tal punto que todo se olvida y poco o nada tiene sentido. Pero también le gusta lo audiovisual. Por la familia, el entorno y los profesionales que ha ido conociendo con el paso del tiempo. Por el aprendizaje que siempre extrae. Por lo que desde un principio hemos comentado, las ganas de conocimiento. Iván Sánchez es un tipo honesto, directo y exquisitamente profesional. Uno de los pocos que tienen estrella, pase el tiempo que pase.

“

Estoy aquí donde quiero estar, haciendo lo que me gusta y feliz con mi profesión.

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Traje, de García Madrid. Camiseta, de Abanderado.

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" L O Q UE H A Y Q UE TE N E R C UI D A D O E S C O N Q UE N O T E JODAN LA A U T O E S T I MA . E S O H A Y Q U E C UI D A R L O . " MEW Magazine (MW): Si uno echa la mirada atrás, ¿está realizando, dentro de su oficio, el viaje que pensaba realizar al comienzo de todo? Iván Sánchez: Pues te empiezo diciendo que nunca he sabido lo que quería hacer. Nunca he tenido vocación. A día de hoy, que estoy aquí donde quiero estar, haciendo lo que me gusta y feliz con mi profesión, estoy muy contento. Si miro para atrás y pienso si lo hubiera hecho de otra manera, a nivel laboral, creo que no. Siempre ha habido una motivación a pesar de no tener vocación. Que es lo que siempre me ha movido. Y esa motivación es el conocer. Desde mis diecisiete años, que fue mi primer contacto con la moda, siempre hubo algo que me impulsó y fue el deseo de conocimiento. Y eso me ha traído, a día de hoy, aquí donde estoy. He tenido la suerte de tener profesiones donde he viajado y he conocido mucho. Estoy bastante feliz.

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Traje, de García Madrid. Camisa, de Calvin Klein. Reloj, de Bulgari.

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Camiseta, de Fred Perry. Pantalón, de Puro Ego. Calzado, de Camper. Reloj, de Bulgari.

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Camisa, de Calvin Klein. Pantalón, de Puro Ego. Reloj, de Bulgari.

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Polo, de Fred Perry. Pantalón, de Puro Ego.

MW: ¿Todo suma? ¿Suma el teatro a lo audiovisual y viceversa? Iván Sánchez: Sí. Lo bonito de esta profesión, al menos para mí, es tener la suerte de hacer las tres cosas (teatro, cine y televisión). En el teatro es como que sanas. Además del contacto con el público. MW: Hay compañeros que me comentan que incluso enfermos, con fiebre, han subido al escenario y la gripe ha desaparecido y al volver a casa ha vuelto de golpe… Iván Sánchez: Sí, quizá porque tiene que ver con la adrenalina. Hay algo especial que te encoge el estómago. Y da igual el número de obras o de funciones que lleves a tus espaldas. MW: ¿El personaje que más te ha sorprendido? Iván Sánchez: No sé… Es que cada personaje te deja algo. De cada uno aprendes algo. De cada historia te queda algo. Creo que lo que más te sorprende es el momento de estar grabando, lo que pasa ahí con tus compañeros, tanto en un set como en un escenario. MW: ¿Ha habido algún personaje con el que te haya costado más de la cuenta empatizar? Iván Sánchez: Hay personajes que son más alejados de lo que uno es en la vida, pero esos personajes, a veces, los juegas con mucha más libertad. Y los que son más afines te tocan cosas a las cua-

les no quieres entrar. Y te peleas un poco más a la hora del proceso. MW: ¿Y lo más sencillo entre dar la bienvenida y construir un personaje o despedirse de él? Iván Sánchez: siempre que dejas algo, no por el personaje, porque vas haciendo pequeñas familias, lo dejas con gusto por ir a una cosa nueva pero siempre con un poco de pena con la gente que dejas atrás. Depende del proyecto. Hay personajes con los que te encariñas mucho porque te lo pasas muy bien. O porque te toca muchas cosas o porque el grupo de trabajo ha sido fantástico. Siempre que viene un personaje es muy bienvenido. Nadie cae en esta profesión, como actor, porque sí. El que es actor es actor porque quiere ser actor. Entonces, siempre que viene un proyecto es una aventura increíble. Porque cada vez que te metes en algo te empiezan a pasar cosas. Empiezas a ponerte creativo. MW: ¿Tu mayor virtud como actor? Iván Sánchez: Tendrían que decirlo los demás (Risas). Creo que trabajando soy bastante buen compañero. Que me conecto bien con el compañero/a. No soy de guardarme las cosas para el momento de mejor tiro o de luz.

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MW: Ahora mismo, como uno de tus últimos proyectos, podemos verte en ‘Pequeñas coincidencias’, ¿cómo llega ese papel? Iván Sánchez: Estoy muy agradecido a la serie, a Javier y a Marta. A Javier como creador. Me llegó justo cuando estábamos saliendo del confinamiento. Me llamó Javier y casualidad que había visto las dos primeras temporadas con mis hijas en le confinamiento. Y pensé que en ese momento era lo mejor que me podía venir. Salir de un encierro y grabar una serie a reírte. Una serie, totalmente, lejos del drama. Estoy muy agradecido porque nos vino muy bien a todos. Fue una manera de ir sacando todo. MW: ¿Hacer reír es mucho más difícil de lo que nos imaginamos? Iván Sánchez: Vamos, es lo más difícil. Mucho más difícil que el drama. Yo escucho mucho la radio y me quito el sombrero con esos programas, a las seis de la mañana, que tienen la misión de hacerte reír. O en un teatro, con un público ahí.

MW: En una profesión como esta, ¿uno tiene que trabajar mucho la autoestima? Iván Sánchez: Guau… Lo que hay que tener cuidado es con que no te jodan la autoestima. Eso hay que cuidarlo. Luego algunos pecamos de exceso de ego en esta profesión (Risas). MW: Y si a una profesión compleja le sumamos la esclavitud de las redes sociales… Iván Sánchez: Las redes se han convertido en una extensión de tu imagen. Que, tristemente, a muchos productores les ayuda a elegir. Porque ya todo se mide y todo son números. Como en todas las profesiones hay muchas maneras de funcionar y todo es válido. Es una herramienta válida pero no deberíamos permitir que se coma a la profesión.

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MW: ¿Estás orgulloso de todos los personajes que han pasado por tus manos? Iván Sánchez: De algunos más que otros, me imagino. En esta profesión haces trabajos en los que pierdes dinero y que los disfrutas como Dios. Hay personajes en los que ganas mucho dinero y no los disfrutas tanto. Pero estoy muy contento donde estoy. Uno siempre quiere más. Y eso también es un aprendizaje. Con el tiempo te vas dando cuen-

Traje y zapatos, de Bere Casillas. Camisa, de Calvin Klein.

MW: Siempre me comentan que las mejores escenas se dan cuando uno deja su ego en un tercer plano y se entrega al compañero/a.. Iván Sánchez: Es que, si tú compañero está fantástico, tú vas a estar fantástico. Esto no va de uno. Es el otro. Siempre es el otro. El momento en el que tú estás en tu pedo emocional, ¿a quién le interesa?

ta de que hay que disfrutar lo que tienes. Cada día. Cada momento. Es lo que hay. MW: A día de hoy, ¿qué te hace sonreír por las mañanas? Iván Sánchez: Sobre todo, tres cosas. Una, cuando me levanto por la mañana con mis hijas y las despierto para ir al colegio. Eso es lo que más feliz me hace en el mundo. Me hace muy feliz cuando me levanto y sé que me voy de viaje y me hace muy feliz levantarme para ir a mi trabajo.

· · · Iván Sánchez termina nuestra entrevista haciendo un perfecto resumen de lo que la vida significa. La familia, el trabajo, el ocio… Saber darle a cada área su tiempo y su dedicación. Obviando lo que esperan de nosotros para ser quienes de verdad somos y rodearnos de lo que de verdad deseamos y necesitamos.

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C O N E L T I E MP O T E V A S D A N D O C U E N T A D E Q UE HAY QUE DISFRUTAR LO QUE TIENES

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daderas joyas arquitectónicas e históricas. El grupo CoolRooms destaca por la elección que hace de edificios emblemáticos para ubicar sus hoteles, respetando y potenciando su legado histórico con una gran delicadeza que ya le ha proporcionado importantes reconocimientos nacionales e internacionales. • Hotel CoolRooms Palacio de Luces, en Asturias El secreto mejor guardado de Asturias. Un palacio rehabilitado del siglo XVI ubicado entre el mar y la montaña y rodeado de zonas boscosas, que te cautivará desde el primer segundo. Un lugar ideal para alejarse del mundanal ruido y disfrutar de unos días de aire puro, con 44 habitaciones y suites de estilo clásico, un refinado restaurante de gastronomía con raíces asturianas e influencia de las Américas bajo la batuta del Chef Ignacio García Canellada y un área de wellness. • Hotel CoolRooms Palacio de Atocha, Madrid Un oasis de tranquilidad y estilo en pleno centro de la capital. Está ubicado en el antiguo palacio de 1852 de D. Nemesio Sancha. Anteriormente alojó una ermita y un convento, y hoy sus 34 habitaciones recogen el testigo con una fusión perfecta de energía palaciega y el más sobrio diseño contemporáneo.

Durante todo el pasado año 2020 y durante lo vivido en 2021 se ha hablado mucho del “síndrome wanderlust”, este deseo que nace de una “necesidad”, fuera de lo común por conocer nuevos rincones y descubrir diversas culturas. Y, claro, a raíz de la pandemia esta pasión se ha visto sumamente frustrada para los amantes de los viajes. Afortunadamente España es un país rico en historia y en rincones encantadores, por lo que satisfacer la necesidad de viajar y descubrir lugares insólitos será más fácil en España, hasta que todo vuelva a la anhelada normalidad. Detrás de cada recoveco de España, encontramos establecimientos que han permanecido en pie durante décadas y siglos, los cuales se convierten en ver-

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Si las paredes de este lugar hablaran, relatarían el discurrir de las épocas y la aparición del lujo en Ma-drid, como muestran las columnas de hierro fundido en la planta principal. Además, encontrarás paredes decoradas por papeles pintados, probablemente procedentes de la Real Fábrica madrileña y con-siderados bien de interés cultural por Patrimonio.

Su entrada, vigilada por la figura del dios Hermes, y su paso de carruajes, con imponentes techos de 7 metros de altura, conduce en línea recta a un jardín secreto con una piscina que te cautivará. • Hotel CoolRooms Palacio de Villapanés, en Sevilla El perfecto anfitrión en una casa-palacio sevillana. Antiguo hogar del Almirante López-Pintado, una de las personalidades más relevantes de la historia de Andalucía. Desde su espectacular entrada, con columnas de mármol y un patio cautivador, este hotel permite recrear y experimentar la hospitalidad andaluza a través de distintas épocas, y es la mejor base de operaciones para descubrir las tradiciones sevillanas y disfrutar de los tesoros de la ciudad. Desde diciembre de 2009, el edificio está protegido como “Bien de Interés” de la ciudad de Sevilla, por lo que adquiere un gran valor histórico y patrimonial.

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TEATRO

Atraco, paliza y muerte en el CDN NAO ALBET Y MARCEL BORRÁS, LÍDERES DE UNA NUEVA GENERACIÓN DE ARTISTAS, TRANSFORMAN EL TEATRO DEL MARÍA GUERRERO EN UN THRILLER LLENO DE COLOR, RITMO Y REFLEXIONES ARTÍSTICAS’.

por MARÍA P. PINTO Nao Albet y Marcel Borrás nos trasladan a una escena pintoresca, llena de color, música y vida, donde dos dramaturgos estadounidenses de la América rural deciden escribir una obra de teatro basada en un atraco a un banco que será llevado a la realidad de la mano de la famosa performer rusa (Irene Escolar). A través de una elaborada escenografía (que el público no puede sino aplaudir por la belleza estética que plantea ante sus ojos) consiguen resolver una obra que, a priori, también presenta una compleja dramaturgia: “Atraco, paliza y muerte en Agbanäspach” es un constante anagrama. Las piezas de la obra se intercambian, se desplazan, para mostrarte algo que estaba ahí, escondido, y que se va desvelando poco a poco. Nao y Marcel te muestran el atraco, pero también te enseñan la parte trasera de la acción, te muestran todo aquello que, en un principio, habría quedado en la sombra. Es un constante juego con el espectador que cree entender todo, cree tener las riendas de la obra, que su entendimiento va a la misma velocidad que el espectáculo, que hay un equilibrio de poderes entre espectador y espectáculo. Pero es entonces cuando estos dos artistas catalanes se alzan para golpear la mente del público una vez más y demostrarles que, todo aquello que creían, no es verdad. Una vez más, se plantea el eterno debate sobre el “teatro moderno” (utilizando este concepto como vía para definir a la estética de la puesta en escena del teatro en la actualidad y que tiene una clara tendencia al espectáculo performativo). Un teatro que suele implicar actores mirando a una cámara que proyecta a su vez la imagen en la pared, actores hablando directamente con el público, una mezcla de ficción con componente autobiográficos, música a todo volumen, etc. No quiere decir que esté mal ni bien, simplemente © Luz Soria

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se tratan de elementos de una escenificación característica del panorama actual, donde las diferentes ramas artísticas, sea el teatro, la música, la danza o el audiovisual, se fusionan. Es un teatro “representativo” de una nueva generación que también quiere busca hacer un uso del arte para reflexionar, para replantearse la estructura propia del teatro y romperla, crear otros esquemas. Una generación que explora nuevos lenguajes, nuevas formas de contar historias, de interpelar y establecer una nueva conexión con el espectador. Es por ello que el mundo que plantean Nao y Marcel te puede gustar más o menos, pero, sin duda alguna, no te van a dejar indiferente. El bombardeo constante de imágenes atractivas junto con un fantástico uso del ritmo produce una conexión inmediata con el espectáculo que te impide apartar la mirada de todo aquello que ocurre en el escenario. “Atraco, paliza y muerte en Agbanäspach” es color, es vida, es acción. Estéticamente, ya es toda una obra de arte que produce un inmenso placer en la mirada del espectador. Una estética que nos traslada a un mundo pintoresco, al igual que hicieron con “Mammón”, y que casi podrías pensar que estás dentro una película de Tarantino. Nao Albet y Marcel Borrás forman un tándem único que, sin duda alguna, ha revolucionado la escena teatral y se ha hecho un nombre entre los “grandes” del teatro español. Esa pasión teatral que comparten Albet y Borrás surgió hace casi dos décadas en el Teatre Lliure, cuando Álex Rigola se encontraba al mando. Para ellos el juego es un elemento central a la hora de componer las obras, y es algo que, al verlo representado, salta a la vista: En las obras de Nao y Albet hay una energía y un tempo-ritmo de la escena muy especiales. La esencia nace del juego, del actor y de su cuerpo, y eso es lo que permite construir una puesta en escena tan viva y atractiva. Juntos han escrito y dirigido, obras como “Democracia” (Premio Butaca al mejor texto teatral en 2010), “HAMLE. T.3.” y la célebre “Mammón” (Premio de la Crítica en 2015). En 2016, recibieron el Premio Ojo Crítico de Teatro otorgado por RNE. Y, ahora, con un público que ya aclama su trabajo, han presentado ‘Atra-

co, paliza y muerte en Agbanäspach’, una obra que tuvo su primera versión y se estrenó en el TNC de Barcelona en 2013 y que ahora, 8 años más tarde, se ha querido volver a poner en marcha desde una perspectiva más madura. Una obra que reflexiona sobre el significado de la cultura del momento en el que vivimos. Una obra que mantiene un continuo juego de referencias que el público profesional capta y disfruta. Una obra que se plantea para todos los públicos (es decir, para un público generalista) pero que permite un disfrute a distintos niveles debido a las referencias culturales y reflexiones que plantean constantemente los dos artistas catalanes. Uno de los personajes clave de la obra que plantean Albet y Borrás es el de Marina Kapravof, el cual está completa-

“ ...es toda una obra de arte que produce un inmenso placer en la mirada del espectador... ”

mente inspirado en la performer serbia Marina Abramovic. Un artista que lleva en activo más de cuatro décadas y que, acunándose bajo el nombre de “madrina del arte de la performance”, ha llevado a cabo actuaciones muy polémicas que han impactado fuertemente en la audiencia a lo largo de las décadas. Una de las performances por las que más se conoce a Abramovic fue “Ritmo 0”, una performance que estuvo a punto de costarle la vida. Llevada a cabo en el Studio Mora de Nápoles, en Italia, en 1974, la performer serbia colocó una mesa con 72 objetos y una hoja de instrucciones. Manteniéndose estática junto a la mesa, Abramovic escribió a los espectadores que podían utilizar cualquiera de los objetos de la mesa en ella, pues la performer fingiría ser un objeto más durante 6 horas. Una puesta, sin duda alguna, arriesgada, pues encima de la mesa había objetos como plumas, agua, flores… Pero también cuchillos, cadenas e, incluso, una pistola cargada con balas. Lo que en un comienzo tomó un camino más liviano pues los espectadores tan solo se acercaban para besarla o intentarla hacerla estornudar con las flores, al cabo de unas horas, se transformó en un ambiente caótico y desagradable. Uno de los espectadores se acercó a Abramovic y le cortó ligeramente la piel del cuello para poder “beber su sangre”. Otros optaron por cogerla, tumbarla en la mesa y, abriéndole de piernas, colocar un cuchillo entremedias. La locura que se estableció entre el público fue en aumento y llevó a que varias personas comenzasen a sortear la pistola para colocársela en la cabeza a la performer. Otras personas decidieron quitarle la vestimenta a Abramovic y comenzar a herir su cuerpo con las espinas de las rosas. Al finalizar las 6 horas de la performance, Abramovic llevó a cabo una desagradable conclusión: “Esta obra revela algo terrible sobre la humanidad. Muestra lo fácil que es deshumanizar a una persona que no lucha, que no se defiende. Que, si se proporciona el espacio idóneo, la mayoría de las personas pueden llegar a ser verdaderamente violentas”.

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LITERATURA

DECLARACIÓN DEL INCENDIO por JUDITH TORQUEMADA

Tenemos rabia. Rabia ante la invisibilización constante de nuestros abusos [...]. Rabia y miedo de ser agredidas, asesinadas, olvidadas [...]. Nos tocaron muchas veces en la calle y vivimos en carne propia el acoso impune [...]. Nos denigraron. […] Nuestro testimonio siempre está en tela de juicio, […] nunca es suficiente. […] La impunidad del abuso, de la violación, está normalizada y la revictimización constante es insoportable. Aun así, nos odian cuando salimos, en masa, a decirles que no toleramos su maltrato, violencia y tortura. [...Y] si nos violan, nos apuntan como culpables. […] Los sistemas de justicia son inoperantes y los candidatos a presidir los gobiernos se llenan la boca con eslóganes sobre igualdad, pero no plantean soluciones estatales para detener los feminicidios. Porque es mentira que nos protegen. Porque es mentira que nos quieren vivas […] Nos roban todo, menos la rabia […] Juntas quemamos el miedo. El manifiesto del colectivo Lastesis cae en mis manos y se enciende al instante mi rabia. Este colectivo chileno que tanta voz ha dado a tantas mujeres en todo el mundo me habla de quemar el miedo y también al instante lo siento todavía presente en mi interior. Creo que las mujeres de todos los rincones del planeta, con más o menos privilegios, seguimos viviendo con miedo. También creo, en cualquier caso, que estamos quemándolo poco a poco. Juntas.

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Este último manifiesto de Lastesis llegó a nuestro país de la mano de Temas de hoy. Llegó pocos días antes de que se prohibieran las manifestaciones preparadas para el 8 de marzo en la capital. Por cuestiones de seguridad sanitaria, dijeron. Mientras, al tiempo, se permitían otras muchas de carácter radicalmente opuesto pero riesgos, en fin, similares. Todavía existe un rechazo voraz hacia el feminismo. Supongo que ese rechazo seguirá existiendo mientras existan también agentes que sientan en peligro su posición dominante en el mundo. Así que tienen que caer, por el camino, muchas personas para alcanzar esa igualdad que deseamos. Porque es lo que deseamos aunque lo proclamemos menos que antes. Creo, por cierto, que lo proclamamos menos porque estamos cansadas de ser cuestionadas. Además de todo lo demás –los asesinatos, las violaciones, las desigualdades en todos los ámbitos–, estamos cansadas de ser cuestionadas. Y estamos llenas de rabia. Como explican las mujeres de Lastesis, quizá sea lo único que de momento no pueden quitarnos.

"Porque Lastesis llevan razón: estamos juntas. Estamos juntas de verdad" Este manifiesto que cae en mis manos no me enseña nada nuevo, pero apuntala ideas que quizá necesitaban de un enfoque más concreto y me hace mover la cabeza de manera afirmativa ante otros conceptos o acciones todavía cuestionados. Como la inclusión de las mujeres trans en esta lucha

que es de todas, la relación entre el patriarcado y el capitalismo o la manera en la que el feminismo ha encontrado su espacio en el arte. Lastesis, de esto último, saben mucho. Son las responsables de que ‘Un violador en mi camino’ resuene en la memoria de todos hasta llegar a ser un himno que, lejos de la festividad, convertía una reivindicación en algo altamente reproducible. Me han hecho preguntarme, como me preguntaba hace unos meses a raíz del estreno de ‘Rompiendo las normas’, cuántas reivindicaciones, cuántas luchas, nos quedan por ganar. Empezando por lo más urgente: esta sociedad tiene que dejar de permitir que miles de mujeres sean asesinadas cada año por ser mujeres. Por tener cerca una figura masculina que se siente con derecho, que saborea su poder sobre su cuerpo y su importancia en el escenario que comparten. Nos están matando cada día. Nos están maltratando cada día. Nos están violando cada día. Las agresiones físicas, y muchas de ellas conducen a la muerte, se suceden día tras día sin que la sociedad en su conjunto sea capaz de ponerse de acuerdo a la hora de condenarlo. Esto es lo más urgente. Y esto es feminismo: condenarlo abiertamente, sin peros. Condenar a tu amigo, que sabes que maltrata a su pareja. Condenar a tu primo, que hace dos noches violó a una mujer junto con tres hombres más, grabándolo y entre risas. No son todos, pero son muchos, y también es culpa de los que callan y miran hacia otro lado. Esta lucha es nuestra, pero necesitamos de hombres que crean en ella. Esto es lo más urgente. Tienen que dejar de matarnos, de violarnos, de pegarnos. Ese derecho con el que viven muchos, no todos, tienen que desaparecer. Es una tarea que tenemos que asumir de manera individual y colectiva. No vamos a parar. De verdad: no vamos a parar. No vamos a parar hasta conseguir que los sueldos sean equitativos, no vamos a parar hasta conseguir que nuestras voces tengan el mismo peso que las de los compañeros varones, no vamos a parar hasta que se haya pronunciado por última vez en todo el mundo que el lugar al

que pertenece la mujer es la cocina. Hace poco lo dijo aquí, en España, en 2021, un representante de los ciudadanos en una institución oficial. Ese inocente comentario sostiene todo un sistema ideado para que la mujer tenga un lugar secundario en la sociedad, y concluye con miles de nosotras muertas. Lastesis insisten mucho, en este manifiesto y también en otros muchos, en lo importante que es mantenerse juntas, hacerlo juntas. Quemarlo todo juntas, enrabietarse juntas, abortar juntas. Este 8 de marzo de 2021 me he sentido más triste que nunca. Nunca he sido capaz de abrazar este día como una fiesta, a pesar de las sonrisas entre hermanas en las manifestaciones y de los textos tan bonitos, tan esperanzadores, que se han llegado a compartir. Nunca lo he sentido como la fiesta que parece, en ocasiones, ser, pero este 8 de marzo de 2021 ha sido un día aún más triste que otros. Por esa prohibición de tomar las calles, sensata en los tiempos que corren pero claramente marcada por una connotación política. Por la horrible sensación de que nos estancamos entre la irresponsabilidad de la sociedad y nuestra propia resignación cansada. Porque ya ni siquiera podemos abrazarnos.

Porque da un miedo paralizante el silencio de las mujeres que viven, más que nunca, encerradas en sus hogares. Pero a las ocho de la tarde de ese día, paseando por un céntrico barrio madrileño, de camino a encontrarme con una hermana, las calles estallaron en aplausos. En las ventanas, en las aceras, en los coches que circulaban por la carretera. Las mujeres nos estábamos aplaudiendo como nos habían dejado hacerlo, dentro de los límites que, parece, tienen que marcar siempre nuestro camino. Gritábamos bajo nuestras mascarillas y nos abrazábamos con las miradas. Ahí pensé que, de alguna manera, me siento más acompañada que nunca. Porque Lastesis llevan razón: estamos juntas. Estamos juntas de verdad. Y cada vez somos más, aunque cada día nos arrebaten a compañeras.

su camino hacia la seguridad, en su camino hacia el despertar, en su camino hacia la libertad. Abracemos las diferencias que nos vienen dadas por pertenecer a lugares diferentes del mundo, respetemos la cultura de la otra y escuchemos lo que tienen que decir. Abracemos lo que nos iguala. Pensemos en los escenarios en los que nos movemos, en los pequeños cambios que podemos introducir para mejorar, en los agentes externos que impiden que avancemos. Reflexionemos sobre la desigualdad, pidámosle a un amigo que reflexione con nosotras y que nos ayude, desde su propio escenario. Hablemos, hablemos mucho. Actuemos. No paremos. Abrazad vuestra rabia y vuestra fuerza y seguid. Estamos juntas en esto.

Así que me sumo a esta declaración del incendio que han realizado las compañeras chilenas. Sigamos luchando, sigamos compartiendo lo que pensamos, lo que sentimos, lo que tememos. Sigamos educándonos entre nosotras, leyéndonos, apoyando el arte de la otra, el trabajo de la otra. Acompañando a una compañera en

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LITERATURA

UNIVERSO GRISHA

Netflix va a estrenar ‘Sombra y hueso’, una serie basada en el Universo Grisha que creó la autora Leigh Bardugo. Un mundo en el que encontramos a muchos personajes fantásticos y enemigos inesperados. En el Grishaverse todo puede pasar. por PALOMA ESCUDERO

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Uno de los próximos estrenos originales de Netflix será ‘Sombra y hueso’, la adaptación de las novelas del universo Grisha (Grishaverse) creado por Leigh Bardugo. Por tanto, la serie nos mostrará tanto la trilogía Grisha (‘Sombre y hueso’) como la exitosa bilogía ‘Seis de cuervos’. Una ambiciosa producción que pretende abarcar todas las historias y los personajes creados por Leigh Bardugo en su mundo Grisha. Así, ‘Sombra y hueso’ tendrá como protagonista a la joven Alina Starkov. ‘Sombra y hueso’ nos situará en un mundo devastado por la guerra donde esta soldado descubrirá que posee un poder extraordinario. Esto podría ser la clave para liberar por completo a su país. Sin embargo, unas fuerzas muy peligrosas les acechan y tendrá que aprender a controlar su poder cuanto antes. En su aventura será difícil distinguir entre quiénes son los enemigos y quiénes podrán ser sus aliados. Para empezar, los fans de las lecturas de Leigh Bardugo podrán disfrutar de 8 episodios que for-

populares. Los lectores cogieron sus novelas juveniles con muchas ganas y entusiasmo. No es de extrañar que mucha gente haya disfrutado de sus maravillosas novelas. Una vez que te adentras en el Mundo Grisha es muy difícil salir de ahí. Y cuando lo haces, ya no miras de la misma manera ni lees otras novelas igual. Leigh Bardugo ha escrito unas novelas que van mucho más allá de la simple fantasía. Ha construido unos personajes estupendos que tienen una gran evolución a lo largo de las novelas. Historias que atrapan al lector desde la primera página. E incluso las subtramas o historias más pequeñas son igual de buenas e importantes. En las novelas de Leigh Bardugo hay espacio para todo tipo de personajes y vivencias. Aventuras protagonizadas por una joven soldado que lucha por salvar y proteger a los demás. Amistad, amor, poderes sobrenaturales, enemigos, todo tiene cabida en las novelas de Leigh Bardugo. Leigh Bardugo creó el Universo Grisha que es también conocido por muchos como el Grishaverse. Este universo creado por la autora en su primera novela es donde plasma toda su imaginación. En este mundo es donde tie-

“Leigh Bardugo creó el Universo Grisha que es también conocido por muchos como el Grishaverse.” marán parte de la primera temporada. Para que todo pueda encajar a la perfección, el creador y guionista Eric Heisserer ha estado trabajando con la autora. Todos los libros están ordenados cronológicamente, por tanto de alguna manera han ampliado un poco algunas cosas. Para ello han inventado historias de precuelas para los personajes más esenciales de ‘Seis de cuervos’ en esta temporada. Kaz, Inej y Jesper tenían que encajar como fuera con todo lo que estaba sucediendo en la historia de ‘Sombra y hueso’. Las novelas de Leigh Bardugo llegaron un poco más tarde a España, pero en cuanto lo hicieron se volvieron muy

nen lugar todas las historias y donde evolucionan todos los personajes. En el Universo Grisha se desarrollan sus series, bilogías y relatos llenos de intriga, emoción y fantasía. Para entender muy bien de qué va exactamente el Universo Grisha creado por Leigh Bardugo lo mejor es comenzar leyendo su trilogía Grisha. Esta trilogía está compuesta por ‘Sombra y hueso’ -que da título a la nueva producción de Netflix-, ‘Asedio y tormenta’ y Ruina y ascenso’. Aquí conocerás por primera vez a la protagonista y será una buenísima introducción a todo lo que ha ido creando Leigh Bardugo poco a poco. Ella es una autora que sabe muy bien cómo tratar sus his-

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torias y a sus personajes y lo construye todo con mucho cariño y buena letra. Esta trilogía es la que abrió a los lectores las puertas al mundo de los seres sobrenaturales llamados Grisha. Estos tienen diferentes poderes sobre los elementos y serán clave en el desarrollo de las novelas. Aquí podremos conocerlos, saber sus fines y objetivos, qué es lo que les mueve y cómo actúan en diferentes momentos. Unas lecturas con mucha magia y mucho encanto que están muy bien escritas y contadas. Además de los Grisha, en estas novelas se presenta también el gran “enemigo”: La sombra. Leigh Bardugo nos relata un sombrío mundo en el que existe una terrible y temida oscuridad denominada La Sombra. Es tan terrorífica y misteriosa que nadie se atreve a entrar en ella. Y es que, quien lo hace ya nunca consigue salir de ahí. Este es el gran misterio con el que parte la trilogía y que mantiene al lector expectante por saber qué ocurre con ella. La Sombra no es un perso naje al uso pero será muy importante y estará siempre presente de una manera u otra. Además, será clave porque cuando Alina y su mejor amigo Mal se introducen en ella, Mal será atacado por unos horribles monstruos. Es entonces cuando descubriremos que Alina es una Gisha con grandes habilidades que tendrá que saber controlar para ayudarles a todos contra este enemigo común. A medida que avanzan las novelas de esta trilogía iremos conociendo a nuevos aliados en esta guerra. Nuevos personajes que serán esenciales para el devenir de la historia. Y a los que ya conocemos irán evolucionando con más acción, más aventuras y un aumento del ritmo de lectura. El mundo Grisha no deja de expandirse y cada vez se van conociendo muchas más cosas. Hay que prestar mucha atención porque todo será importante para llegar al desenlace de esta fantástica historia de Leigh Bardugo. Hacia el final de la trilogía, como suele ser habitual, la trama se va complicando cada vez más. Y es que las novelas de Leigh Bardugo se caracterizan en parte por no ser nada sencillas. Historias enrevesadas que se van uniendo unas con otras. Al igual que sus personajes, tanto los protagonistas como los más secundarios. Sus personajes son de todo menos planos. Tienen mucha profundidad y muchas capas que se van

desenvolviendo poco a poco a medida que todo avanza y evoluciona. La trilogía va mejorando notablemente ya que no hace más que crecer conforme pasas las páginas. El desarrollo de los acontecimientos es espectacular y todo funciona muy bien en la lectura de Leigh Bardugo. En el Mundo Grisha no hay descanso de ningún tipo y todo puede pasar. Además de la acción permanente, son también novelas muy emocionantes. Es difícil no cogerles cariño a los personajes y no querer saber todo el tiempo lo que les pasa. Los sentimientos creados por Leigh Bardugo son muy fuertes y son novelas hasta emotivas para el lector por los vínculos que se crean. Esta trilogía Grisha es muy entretenida y es muy fácil de leer. Todo se va complicando cada vez más y esto también es algo de agradecer. No te esperas en ningún momento lo que va a pasar por lo que Leigh Bardugo siempre consigue sorprender a los lectores. Además, también es interesante el entramado político que va tejiendo como trasfondo detrás de la historia principal de los Grisha. Por otro lado, nos encontramos con la sorprendente bilogía ‘Seis de cuervos’. Esta bilogía esta compuesta por ‘Seis de cuervos’ y Reino de ladrones’. Estas nuevas historias continúan también con el Universo Grisha que comenzó Leigh Bardugo con la trilogía ‘Sombra y hueso’. ‘Seis de cuervos’ es un libro muy especial y uno de los mejores

de todo el Universo Grisha. En esta nueva aventura cambiamos de protagonista y conoceremos a Kaz. Él es el líder de la banda criminal Los Despojos, quienes tratan de hacerse con el control de El Barril, la parte más sórdida de la ciudad de Ketterdam. Nuevos personajes con personalidades muy fuertes. Nuevas tramas para seguir desarrollando y ampliando este increíble universo creado por Leigh Bardugo. Una bilogía indispensable para todos los seguidores de este mundo y de las lecturas de esta maravillosa autora. Una gran oportunidad para sumergirte de lleno en el Universo Grisha para seguir descubriendo secretos y embarcarte en inesperadas aventuras.

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LITERATURA

5 libros para empaparse de cine por JUDITH TORQUEMADA Aprovechando la llegada de los Premios Oscars, ese momento en el que el mundo en su conjunto se reúne para celebrar el cine, rescatamos 5 libros que nos acercan de una u otra manera a este arte. Para aprender de cine hay que ver películas, para disfrutar del cine, en fin, hay que ver películas, pero leer sobre el proceso de desarrollo de esas películas, sobre los grandes cineastas que las han hecho posibles, sobre los intérpretes que han puesto rostro a personajes que han marcado una época, ayuda. Y puede ser igualmente disfrutable si se da con el libro adecuado. Aquí 5 propuestas. No os olvidéis, al concluir la lectura, de buscar la sala más cercana a vosotros y, dentro de las posibilidades de cada uno, contribuir a que este arte no muera.

'Así se hacen las películas' SIDNEY LUMET ¿Qué lleva a un director a escoger determinado guión? ¿Qué hay que hacer para mantener el ánimo de un actor o una actriz después de un montón de tomas de la misma escena? ¿Cómo se organiza una escena que implica a más de cien extras y tres vehículos que colisionan, en pleno centro de la ciudad? ‘Así se hacen las películas’ es una exposición magistral de cómo son las cosas en el cine, que presenta el proceso paso a paso, con claridad, un estilo ameno y montones de anécdotas. Su autor, uno de los directores americanos más prestigiosos, ofrece a la vez las memorias de un profesional y una guía definitiva sobre el arte, la técnica y el negocio de la realización cinematográfica. Lumet recurre a su propia experiencia para contar, con entusiasmo y pasión, cómo del trabajo concienzudo y las decisiones acertadas resultan metros y metros de celuloide mágico. Sidney Lumet cuenta con más de cuarenta años de experiencia en la dirección cinematográfica, y ha sido candidato al Oscar en cuatro ocasiones. ‘Así se hacen las películas’ es el libro perfecto para quien quiera transportarse hasta un rodaje mismo, pues la narración de Lumet, que nunca deja de ser amena, muestra todos los procesos con claridad. Es una de las obras más citadas entre estudiantes de cine, pero también entre aficionados que quieren descubrir, desde la distancia pero con cercanía, lo que reza el título: cómo se hace una película. Es uno de los mejores libros para iniciarse en la materia.

228 ABRIL 2021 · MW

'El cine según Hitchcock' FRANÇOIS TRUFFAUT Resultado de una larga conversación de cincuenta horas preparada sobre un cuestionario de quinientas preguntas, El cine según Hitchcock -aclaraba François Truffaut- es «un libro del que no me considero autor, sino tan sólo iniciador o, mejor aún, provocador». A lo largo de sus páginas, las circunstancias que rodearon el nacimiento de cada film, la elaboración de los guiones, los problemas de la puesta en escena y la valoración del resultado comercial de las películas son los ejes que articulan el apasionante diálogo que sostienen en él ambos realizadores.

Alianza Editorial.

Imaginad pasar cincuenta horas conversando con uno de los grandes directores de todos los tiempos. Cincuenta horas dan para mucho. Incluso en el caso de que el conocimiento del cine de Alfred Hitchcock sea limitado, este libro merece la pena por las múltiples reflexiones que encierra y por las perspectivas tan lúcidas que ofrece sobre el proceso de creación, desarrollo y vida final de una película. Hitchcock es el autor de varias de las que marcaron el siglo pasado: ‘Rebeca’ (1940), ‘La ventana indiscreta’ (1954), ‘Con la muerte en los talones’ (1959) o ‘Psicosis’ (1960). Su manera de entender este arte quedó patente en cada una de ellas, y con el paso de los años lo ha consagrado como uno de los grandes de la historias. Es fácil, de nuevo, imaginar por qué este es uno de los grandes libros que se han escrito jamás sobre cine. Lo encontramos publicado en nuestro país por

'En tierra de hombres: Mujeres y feminismo en el cine contemporáneo' BELEN ESTER CASAS

Hasta finales de los años 50 los personajes femeninos más emblemáticos en el cine eran madres y esposas que se entregaban a su familia con devoción. Como excepción estaban las femmes fatales del cine negro y las heroínas de comedia tipo «batalla de sexos», salvadas por el espectacular beso final y un «y vivieron felices» como anuncio inminente de un matrimonio para siempre y una familia feliz. ¿Cómo ha cambiado, desde los revolucionarios 60, el personaje femenino en el cine? ‘En tierra de hombres. Mujeres y feminismo en el cine contemporáneo’ presenta un análisis profundo y sin prejuicios de las claves de la «nueva mujer» del cine de hoy. La autora posa su mirada en películas y personajes tan populares como los de ‘Pretty Woman’, ‘Bridget Jones’, ‘Kill Bill’, ‘Juno’, ‘Todo sobre mi madre’, las superheroínas de Marvel o las princesas de Disney, llegando hasta las emblemáticas protagonistas de ‘Sexo en Nueva York’. Mujeres sumergidas en el mundo laboral urbano, desinhibidas sexualmente e inmersas en una cultura donde la ideología de género está en la base de todo. Un buen libro para entender, desde un punto de vista analítico, la evolución de los personajes femeninos en pantalla, la importancia de la incursión de mujeres cineastas en este cambio y los gritos que pueden escucharse desde las butacas de las espectadoras, que vienen pidiendo desde hace años personajes reales, diversos y con un papel verdaderamente relevante en las historias.

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LITERATURA

'Moteros tranquilos, toros salvajes. La generación que cambió Hollywood ' PETER BISKIND El espectacular éxito de ‘Easy Rider’ en 1969, una película de moteros de escaso presupuesto, marcó el inicio de una nueva era en Hollywood. Una generación de jóvenes directores, Scorsese, Coppola y Spielberg entre otros, comenzaron a filmar con actores aún poco conocidos, como Robert De Niro, Al Pacino y Jack Nicholson, y en pocos años se convirtieron en los nuevos y poderosos señores de Hollywood, artífices de clásicos modernos como ‘El Padrino’, ‘Chinatown’, ‘Taxi Driver’ y ‘Tiburón’. Basado en cientos de entrevistas con los propios directores, pero también con productores, estrellas, agentes, guionistas, esposas y ex esposas, el libro de Peter Biskind narra día a día la epopeya de los jóvenes lobos de Hollywood, la génesis de sus películas y sus luchas contra el establishment. ‘Moteros tranquilos, toros salvajes’ es la espléndida crónica de Hollywood en los años setenta, la historia apasionante y verídica de la última gran edad de oro del cine americano, una celebración de la creatividad y la experimentación, pero también del sexo, las drogas y el rock and roll. Si alguna vez, los más jóvenes, os habíais preguntado cómo se vivió la época en la que Al Pacino era el hombre más deseado del planeta, en ‘Moteros tranquilos, toros salvajes’ encontraréis la respuesta. Es el retrato de una época preciosa que, como apuntan en la misma presentación, tal vez haya sido también la última en la que el cine americano brilló con verdadera fuerza.

'Mutaciones del cine contemporáneo ' JONATHAN ROSENBAUM Y ADRIAN MARTIN A comienzos del siglo XXI, el corporativismo, las exigencias de maximización de los beneficios y las anquilosadas fórmulas narrativas de Hollywood parecen gobernar el mercado cinematográfico mundial. Sin embargo, y tal como demuestra este volumen, el cine contemporáneo es hoy más rico y plural que nunca. Con el comienzo del nuevo siglo se ha hecho patente la existencia de nuevos discursos fílmicos y otras narrativas que se enfrentan al canon del relato tradicional en occidente, así como nuevas fronteras para los géneros clásicos, nuevas técnicas para la creación de la imagen fílmica digital y para su difusión a través de internet, nuevos espacios geográficos de producción absolutamente descentralizados, nuevos contextos de visionado a través de la oferta DVD, el Home Cinema y la generalización de las descargas desde la Red. Los trabajos de críticos y cineastas reunidos en este libro, que representan a algunos de los más destacados teóricos del cine de los cinco continentes, reivindican estas mutaciones del cine contemporáneo como la prueba palmaria de la buena salud del cine, al tiempo que avalan la creación de nuevas comunidades críticas capaces de reflexionar, más allá de toda frontera geográfica o generacional, sobre el presente y el futuro del cine. ‘Mutaciones del cine contemporáneo’ nos ayudará a valorar el cine actual sin necesidad de mirar con nostalgia el pasado que fue y que nunca más será. Estamos en una nueva época, y eso está bien.

230 ABRIL 2021 · MW

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LIFESTYLE

DESCUBRIENDO ESPAÑA

LUGO por ROSA SURIA

La gran olvidada de Galicia. Y me duele escribir estas palabras, porque curiosamente Lugo fue uno de los lugares que más me cautivaron de esta mágica comunidad autónoma y, sin duda, la ciudad que más lo hizo. Con su carácter medieval, el cual le otorga principalmente su majestuosa muralla, es una de las urbes que mejor conservan la esencia de Galicia, de esa tierra meiga que tantas leyendas e historias nos ha dado. Y que tanto magnetismo sigue generando a día de hoy. Aunque es cierto que Lugo es una ciudad medianamente pequeña, en ella se concentran tanta historia y tantos lugares de interés que es probable que un día de visita se te quede corto. Para empezar porque, si te ocurre como a mí, te quedarás embobado nada más toparte con las murallas. El hecho de que se encuentren en plena ciudad y no apartadas, a las afueras, les aporta cierta espectacularidad. Sobre todo para aquellos que estamos acostumbrados a pasear por otro tipo totalmente diferente de ciudad, véase, en mi caso, Madrid. Ese choque entre la actualidad y el pasado, entre el presente y la historia es una constante en este rincón gallego que se quedará, fácilmente, con un pedacito de ti. Las murallas no son el único recuerdo del pasado de la ciudad. En un paseo, podemos viajar hasta la época del Imperio Romano, en la que la ciudad se conocía como Lucus Augusti. Lo haremos a través de su Puente Romano, gracias al que podemos cruzar el río Miño, de sus termas romanas o de las ruinas del Domus del Mitreo. Un viaje en el tiempo con el que podremos conocer parte de la historia de una ciudad milenaria con un carácter solemne que solo conservan unas pocas. La Catedral de Santa María de Lugo es otro de los puntos de interés principales de la ciudad. No es de las más populares de nuestro país y, sin embargo, sigue siendo majestuosa, bella y sobrecogedora. Sobre todo lo será para aquellos viajeros que lleguen a Lugo sin muchas expectativas y sin haber investigado demasiado. Su carácter de ‘gran olvidada’ hace que muchos piensen que es una ciudad sin demasiadas sorpresas y que, precisamente por ello, terminen asombrados por la belleza de algunos de sus rincones y de sus monumentos.

232 ABRIL 2021 · MW

Esta catedral no es el único punto de interés turístico que guarda relación con la religión. En sus calles podemos encontrarnos con la Iglesia y Convento de los Padres Franciscanos, la Iglesia de Santa María a Nova, la Iglesia de San Froilán, la Iglesia Conventual de Santo Domingo, la Capilla de la Soledad o la Capilla de San Roque. Esta gran presencia de iglesias y templos es típica en la mayoría de nuestras ciudades. Tanto es así que, por esta enorme cantidad, en muchas ocasiones, pasamos por alto grandes maravillas. Por otro lado, la Plaza Mayor de Lugo, como suele ocurrir con todas estas plazas, es un lugar de peregrinaje para todos los que llegan a la ciudad en calidad de turistas. Un punto de encuentro de enorme belleza, a partir del que comenzar a callejear entre edificios y rincones, entre iglesias y la maravillosa muralla. Porque sí, como en todos los rincones del planeta, lo más importante a la hora de conocerlos es caminar, caminar y caminar. A Lugo hay que conocerla perdiéndose entre sus calles, quedándose mirando fijamente a las preciosas fachadas de sus edificios y, por supuesto, entrando a sus bares y restaurantes. Porque a nivel gastronómico, la ciudad también es una maravilla, al igual que el resto de Galicia. Si eres de buen comer, disfrutarás como un niño pequeño en una feria. Y si no llevas un presupuesto demasiado amplio, también lo harás. Porque Lugo también es famosa por sus tapas gratuitas o con un precio muy reducido, lo que la convierte en una ciudad inmejorable para vermús que se alargan hasta bien entrada la tarde. En estos momentos, sin poder salir de nuestras ciudades de residencia y con cierta precaución a la hora de programar futuros viajes y futuras vacaciones, parece casi un sueño poder pasear por las calles de Lugo la romana, la medieval, la actual. Poder entrar a sus bares y tomar unos vinos entre mil conversaciones que se entremezclan, pero que saben sobrevivir en medio de la multitud. Pero eso, como todo, llegará más pronto que tarde. Mientras tanto, vayamos haciendo apetito de conocer lugares nuevos, sonidos, olores y sabores nuevos, o de revisitar aquellos con los que nos encontramos alguna vez. Volveremos a viajar. Y empezaremos descubriendo España.

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LIFESTYLE

Torrijas

Semana Santa es equivalente a torrijas. Un dulce que tiene detractores, porque nada ni nadie puede ser perfecto, pero que sobre todo tiene admiradores. Un clásico de nuestra gastronomía, que habla de tradiciones, también familiares, y cuya elaboración se ha convertido en muchos casos en un ritual. Y es que hay quien se reúne con toda la familia para elaborar decenas de estas rebanadas sabrosas de pan y luego repartirlas incluso con los vecinos. La receta clásica incluye mucha leche, huevo, canela, limón, azúcar y, por supuesto, pan duro. Y es la que todos hemos comido año tras año, con pequeñas variaciones. Porque cualquiera que tenga una cierta trayectoria con las torrijas, sabe que hay pequeñas modificaciones en las recetas que se notan rápidamente. Un poquito de piel de naranja, más secas, más jugosas, con más azúcar… Es lo que tienen las recetas tradicionales, que se van modificando con el paso de los años. Ah, y que la medida más utilizada es ‘a ojo de buen cubero’. Pero lo bueno de estas recetas tradicionales, además de lo ricas que están y de la magia que las acompaña, es que con el paso del tiempo también han sufrido modificaciones a gran escala. Dando lugar a nuevas versiones de los platos que ya conocemos, en este caso de la torrija clásica. Por ejemplo, podemos encontrar las torrijas tradicionales bañadas en miel, a diferencia del almíbar con el que se suelen cubrir las que todos conocemos. O con chocolate, toffee o dulce de leche, aunque estas no son ni mucho menos comunes. De hecho, generalmente las encontramos en pastelerías gourmet, que son las que más apuestan por darle una vuelta de tuerca a esta riquísima receta. En este sentido, también ha habido modificaciones en lo que a la principal materia prima se refiere. Así, además de las recetas típicas, seguramente todos hayamos probado las torrijas de pan de molde, y los más innovadores habrán hecho lo propio con las de pan brioche, una auténtica delicia que cada vez se cuela en más pastelerías. Asimismo, las torrijas también se pueden cocinar de maneras muy diferentes, obteniendo así resultados totalmente distintos. La receta tradicional nos dice que debemos freír las torrijas en aceite

234 ABRIL 2021 · MW

muy caliente. Pero también se pueden realizar al horno, siendo esta una de las versiones más saludables del dulce, o al vapor. Es importante destacar que, como señalaba, el resultado cambiará completamente dependiendo de la técnica utilizada y, por lo general, no se parecerá demasiado en sabor y textura a la versión tradicional. Para los adultos, y sobre todo en muchos pueblos de nuestro país, también se ha desarrollado una receta rompedora, pero cada vez más típica. Las torrijas de vino son las segundas en el ranking de popularidad, aunque en este caso sí nos encontramos más detractores. Al fin y al cabo, no es fácil acostumbrarse a su sabor, sobre todo si antes has probado las tradicionales, porque no tienen absolutamente nada que ver. Y para los más atrevidos también hay opciones. Una de las más curiosas es la de Pepe Rodríguez, quien sirve su torrija tradicional acompañada de queso manchego tierno; una combinación sorprendente que, en realidad, hace referencia a algunos de los sabores más típicos de la gastronomía castellana. Las torrijas de natillas o las torrijas de horchata, así como las rellenas de nutella, también suponen una apuesta bastante diferente e igualmente sabrosa a la hora de acercarnos a este postre tan tradicional. Y, para finalizar, también las hay saladas, por extraño que parezca. La torrija es un plato tan admirado que hay chefs que han querido incorporarlo a sus tapas, combinándolo con jamón y tomate, sardinas y prácticamente todo lo que se nos pase por la cabeza. En este caso, como es evidente, hay cambios sustanciales en la elaboración y, por ejemplo, el pan se baña en sustancias diferentes a la leche. Pero manteniendo los pasos y los ingredientes básicos para que ésta sea una torrija como otra cualquiera.

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LIFESTYLE

EL MOMENTO DE LA NATURALEZA

es momento de permanecer cerca de casa, y desde luego es momento de no traspasar fronteras, pero...

por judith torquemada

Todavía no podemos atravesar fronteras. No podemos, ni debemos, hacer otra cosa que soñar con descubrir ese país amado, esa ciudad soñada, ese pequeño pueblo francés en el que descansar tranquilos unos días. Sigue siendo momento de permanecer en casa, tan cerca de casa como se pueda. Cuidando nuestra salud, mental y física. Relacionándonos cumpliendo siempre el comportamiento responsable que

236 ABRIL 2021 · MW

se espera de cada individuo un año después de que esta crisis comenzara. Si pensamos en todo esto, y en las opciones que nos quedan, la respuesta parece una: es tiempo de disfrutar de la naturaleza. Es momento de atreverse a subir a ese pico que hemos observado siempre desde nuestra ventana, con distancia o con indiferencia. Es momento de animarse a probar ese

concepto que en los últimos años ha cobrado mucha fuerza: ruta de senderismo. No solo porque andar es bueno para la salud, tanto mental como física, también porque andar en plena naturaleza es un extra, es un plus. Es una inyección de bienestar que hará mucho por ayudarnos a sobrellevar estos meses que, todavía, tenemos por delante. ¿Pensabais que se haría más soportable en invierno,

LA FLORACIÓN INFINITA

cuando la opción más lógica era encender la televisión y ponerse una serie mientras fuera llovía? En realidad, lo soportable comienza ahora, cuando podemos respirar aire puro a una temperatura ideal mientras descubrimos paisajes que, seguramente, no sabíamos que teníamos cerca. La primavera ha llegado, y los campos florecen con ella. Allá donde dejemos descansar nuestra atención, encontraremos un lugar al que podemos viajar, cumpliendo esa responsabilidad, para disfrutar de esas floraciones cada vez más populares. No se trata solo del Valle del Jerte, del que los afortunados extremeños pueden disfrutar. En cualquier rincón de España encontramos, valga la redundancia, rincones así. Probad el Parque Quinta de los Molinos de Madrid. Probad el olor de la lavanda en los campos de Brihuega, en Guadalajara. Probad a acercaros a Cieza, en Murcia, donde el color se extiende hasta donde alcanza la vista. Los arroyos corren llevados por la fuerza del deshielo, en los montes se respira el aroma de las flores y se escucha

el sonido de los animales, que también despiertan. Nuestros pasos ya no pisan nieve, pisan renacimiento. Empiezan a sobrar las chaquetas y el aire que llena nuestros pulmones ya no es frío: es reconfortante. Es momento de naturaleza porque está ahí, como siempre ha estado, accesible y preparada para ofrecernos una experiencia tranquilizadora. Mientras soñamos con recuperar la salud colectiva, mientras esperamos el momento de volver a montarnos en un avión que nos lleve lejos, no olvidemos que hay otras formas de viajar. Y que esas formas de viajar, ese acercamiento a la naturaleza, hay que cuidarlo muy bien. Ya veis: siempre vamos a necesitar que esté ahí. Mientras soñamos con recuperar la salud colectiva, mientras esperamos el momento de volver a montarnos en un avión que nos lleve lejos, no olvidemos que hay otras formas de viajar. Y que esas formas de viajar, ese acercamiento a la naturaleza, hay que cuidarlo muy bien. Ya veis: siempre vamos a necesitar que esté ahí.

Desde el valle de Guadalest, en Alicante, hasta los campos de Aitona, en Lérida, recorriendo también el interior de la Península, deteniéndonos, por ejemplo, en el valle de las Caderechas, de Burgos. Con la primavera llega la floración de diferentes especies, que renacen tras el frío para ofrecernos la calidez que tal vez haya faltado en los meses de invierno. Sin importar que sean melocotoneros o almendros, son muchos los rincones que se llenan de colores en estas fechas. Todo lo que tenéis que hacer es buscar el más cercano a vosotros, el que es posible, y disfrutar de una experiencia visual, aromática, casi espiritual. Todo lo que tenéis que hacer es buscar el más cercano a vosotros, el que es posible, y disfrutar de una experiencia.

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