Manual de Arte: Franz Ferdinand, Take Me Out by Michelle Ospina

Manual de Arte Take Me Out ~Franz Ferdinand Michelle Daniela Ospina López Laura Andrea Ávila Bermúdez Juan Camilo Suárez Martínez Natalia González Carillo Andrea Galindo Camelo Dirección Creativa Universidad de Los Andes 2015-2

MANUAL DE ARTE Direcci贸n Creativa

Profs. Karen Aune Susana Botero

A lo largo de este manual se identifican, describen y analizan los elementos visuales del video musical Take me out de la banda de indie rock Franz Ferdinand, el cual estuvo a cargo del director sueco Jonas Odell. El objetivo del libro es entender el proceso de creación estética y conceptual del video. En forma de reversa se estudian los posibles referentes, tanto conceptuales como formales, usados en la pieza audiovisual para generar herramientas desde el diseño hacia la dirección artística, partiendo de Take me out como inspiración.

Introducción Franz Ferdinand Take me out Director: Jonas Odell

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Referentes Vanguardias: Dadaísmo Cubismo Futurismo Surrealismo Constructivismo Ruso Efecto Caleidoscópico Ilusionismo Anamorfismo Crítica Industrial

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Concepto Hombre-Máquina Detonador de catástrofe Ingravidez Dualismo Perceptual

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Conclusiones

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Bibliografía

INDICE

INTRODUCCIÓN INTRODUCCIÓN

Banda: Franz Ferdinand Franz Ferdinand es una banda de Indie Rock constituida en Escocia en el año 2001. Está compuesta por Alex Kapranos como voz principal, guitarrista y tecladista, Bob Hardy en el bajo, Nick McCarthy en la guitarra rítmica, teclados y coros, y Paul Thomson en la batería, percusión y coros. El nombre de la banda coincide con el del Archiduque austriaco Francisco Fernando, una de las figuras más determinantes del Siglo XX, ya que su asesinato fue uno de los factores claves para el estallido de la Primera Guerra Mundial. A pesar de que la elección del nombre de la agrupación estuvo inspirada por un perro de carreras llamado “Archduke”, los músicos encontraron sentido crítico en “Franz Ferdinand” por recordar también al último comandante alemán en los campos de concentración de Auschwitz, Rudolf Franz Ferdinand, durante la Segunda Guerra Mundial.

Periódico reporta la muerte del Archiduque Franz Ferdinand. (Excelsior, special number)

Franz Ferdinand (Álbum Cover). El álbum homónimo fue el debut de la banda y fue lanzado a principios del 2004. NME (una de las publicaciones más importantes relacionadas a la música rock) nombró a Franz Ferdinand como álbum del año. De este disco, cuatro singles fueron top ten: el más exitoso y aclamado por la crítica fue Take Me Out. La mirada al pasado es uno de sus elementos más característicos y uno de los ingredientes de su originalidad en el contexto musical. Se les considera parte de una generación de bandas de Rock que componen su imagen y contenido a partir de la historia como referente. De esta manera, desde su primer álbum se han caracterizado por la reinterpretación de estéticas y elementos gráficos para generar su propio estilo basado en el uso de técnicas superpuestas.

Izq.: Portada del Single “Take me Out” (12 de enero de 2004 ). Der.: “One-Sixth Part of the World” Alexander Rodchenko. Poster para la película de Dziga Vertov de 1923.

Izq.: Portada del Single “Michael”(2004). Der.: Original de la obra A Proun Die Kunstismen de El Lissitzky.w Una de las influencias estéticas más importantes para la imagen gráfica de Franz Ferdinand ha sido, desde su primer álbum, el Constructivismo Ruso. Esta vanguardia revolucionaria de las primeras décadas del Siglo XX, se ha establecido como uno de los movimientos artísticos más ‘reciclados’ y re-apropiados por el diseño gráfico occidental para la industria musical y comercial.

Artwork para la portada del Single “This Fire”. Paleta de color (Franz Ferdinand, primer álbum).

Las composiciones sintéticas y ordenadas de este estilo, con pocos elementos y paletas de color muy bien definidas permitieron a la banda generar su propia estética sintetizando y reemplazando elementos de imágenes de los principales autores del Constructivismo: Aleksandr Ródchenko y El Lissitzky. A pesar de que una de las críticas más comunes a la identidad de Franz Ferdinand corresponde al uso comercial de una vanguardia que respondió a necesidades sociales de un contexto muy específico, su imagen gráfica es probablemente uno de sus atributos más reconocibles y de inmediata referencia.

Golpea a los blancos con la cuña roja (de 1919), El Lissitzky. Obra que buscaba fomentar al “ejército rojo” (comunistas) en su guerra civil contra el “ejército blanco” (conservadores y monárquicos). El rojo y el negro eran los colores de la revolución, código estético muy importante para los movimientos suprematistas y constructivistas. En la primera etapa estética de Franz Ferdinand que coincide con su primer disco de estudio, la paleta de color revolucionaria de los Constructivistas es intercalada con tonos naranjas, mientras que la sencillez de las formas se mantiene. Para su segundo disco, la experimentación con el collage y el fotomontaje cobraría mayor fuerza. Sin embargo, como se verá en el análisis de “Take me out”, las experimentaciones vanguardistas ya habrían comenzado para la banda y las ideologías relacionadas con una revolución no habrían quedado totalmente de lado.

This Fire es un video de Franz Ferdinand que complementa la visión del video Take Me Out, debido a que tienen una estrecha relación tanto en términos estéticos como en términos ideológicos. Primeramente, hace uso del movimiento artístico de constructivismo ruso que, al igual que en Take Me Out, tiene una fuerte influencia gráfica y conceptual. En él se hace uso de las figuras geométricas básicas como el círculo y la línea, y una paleta de color del constructivismo que contiene el rojo, el negro y tonos de naranjas. Utiliza, también, elementos y técnicas características del movimiento, como el collage y el fotomontaje. Así mismo, hace una crítica que se basa en la creación de una nueva sociedad que surge también del constructivismo y otros movimientos artísticos de este periodo posguerra. Por otro lado, la letra, al igual que en Take Me Out, puede tener una interpretación romántica pero contiene en su interior un mensaje más crítico, en este caso contra el orden actual de la ciudad que requiere una destrucción para poder ser reconstruido. Reforzando una vez más, el sentimiento de inconformidad y critica al orden social impuesto, y su comprensión del contenido revolucionario del constructivismo. Finalmente, usan las mismas técnicas que en Take Me Out, es decir la mezcla de animación 2D, 3D y live action. A partir de estas generan collages donde se forman espacios nuevos, que contienen a la banda (Franz Ferdinand), recortes de imágenes, figuras geométricas y tipografías yuxtapuestas.

Frames y paletas de color de This Fire (Franz Ferdinand)

Portada de You Could Have It So Much Better. Paleta de color (Segundo álbum).

You Could Have It So Much Better es el segundo álbum de estudio de la banda y fue lanzado el 3 de Octubre del 2005 en el Reino Unido. Según Alex Kapranos (frontman de Franz Ferdinand) de ese punto en adelante sus discos no serían identificados por sus títulos sino por sus “esquemas de colores”. Según esto, el contraste entre los colores escogidos buscan generar distintos ambientes emocionales que identifican y capturan la esencia de la música. Ya sea por la estrecha relación entre la estética y el sonido o por la emblemática imagen del álbum, sería un punto un segundo gran acierto para la agrupación.

Aleksander Rodchenko, 1924. Poster para la casa de publicaciones Gosizdat, a partir de un retrato de la actriz Lilya Brik gritando la palabra “Libros”. La portada del disco está claramente inspirada en una de las imágenes más icónicas de Rodchenko, uno de los padres del Constructivismo, pionero de la técnica del collage. La fama de su retrato de Lilya Brik corresponde a la coincidencia del poster con la agenda revolucionaria e intelectual de la vanguardia de la que ambos hacían parte, él como uno de los artistas más importantes del movimiento y ella como una de sus musas. Esta línea de referentes marcaría la línea para todas las portadas de los discos creadas en conjunto con el diseñador gráfico Matthew Cooper, reconocido por su trabajo para las portadas de la banda británica Arctic Monkeys.

Franz Ferdinand (The Fallen, Single). Parte de You Could Have It So Much Better, segundo trabajo discográfico de la banda. Es lanzado en 2006 junto a otras tres canciones del disco. La letra de la canción puede implicar una crítica a la religión, idea que se ve plasmada en la portada del single donde mediante el uso del collage geométrico se incluye un texto bíblico. Los tres artworks siguientes de la banda para sus singles del segundo álbum, conservaron la esencia constructivista pero cambiaron la simplicidad de las formas geométricas más suprematistas por el collage y la repetición de imágenes. En las dos versiones de The Fallen, es una figura humana la que se repite en forma de marcha. Para el cover de Do you Want To, una de las canciones más reconocidas de la historia de Franz Ferdinand, el patrón de las ventanas en el edificio valida el concepto de la reiteración formal.

Izq.: Portada del Single “The fallen” Der.: Portada del Single “Do you want to”.

Izq.: Portada del Single “Michael”(2004). Der.: Original de la obra A Proun Die Kunstismen de El Lissitzky.w

Franz Ferdinand. Tonight (2009).

Tonight es un álbum conceptual el cual gravita en torno a las consecuencias de una noche de fiesta. La carátula y el álbum en sí hace una clara referencia al trabajo del fotógrafo y reportero gráfico ucraniano Weegee, que tuvo lugar en la prensa neoyorquina alrededor del año 1938. Este fotógrafo es conocido por documentar de manera inusual e indiscreta los crímenes callejeros de nueva York. Todo esto logrado gracias a un radio de policía que poseía en su coche, de esta manera se dirigía al lugar del crimen y era el primero en documentar los hechos, siempre a blanco y negro, mostrando tal cual encontraba la escena del crimen o víctimas de accidentes de tráfico. Por lo anterior, Franz Ferdinand decidió usar a este fotógrafo como referente, pues el concepto global del álbum y el del fotógrafo estaban dirigidos a lo que pasaba en la vida nocturna de Nueva York

Street scene, New York City, ca. by Arthur Fellig Weegee

Franz Ferdinand. Right Thoughts, right words, right action. 2013. Cuarto de la banda escocesa y fue lanzado el 26 de Agosto del 2013, sin embargo la banda había mostrado diferentes avances y primicias de este álbum a lo largo de varias presentaciones en vivo. No obstante la banda quería tener una actitud discreta frente a este álbum debido a lo ocurrido con información falsa de su anterior álbum. Right Action (2013), es el primer single de su cuarto álbum Right Thoughts, right words, right action, mencionado anteriormente. Cuenta con un video musical dirigido, al igual que el de Take me out, por Jonas Odell. Por lo tanto, en estos dos videos se pueden encontrar numerosas relaciones estéticas y formales que se hacen visibles por el juego de diferentes perspectivas, componentes geométricos llevados a la realidad por medio del cuerpo del ser humano.

Jonas Odell. Right Action [video].

TAKE ME OUT TAKE ME OUT

Video: Take Me Out “Take Me Out” fue el tercer sencillo del primer álbum de Franz Ferdinand. Fue lanzado el 12 de Enero de 2004. Alcanzó el primero puesto en “UK Indie Chart” y el tercero en “UK Singles Chart”. En los Estados Unidos fue también tercero en “Modern Rock Tracks chart” y fue número 66 en “Billboard Hot 100”. Para el video del sencillo, Franz Ferdinand recurre al director Jonas Odell con una idea muy específica sobre la estética general del video, puesto que la enmarcaron en un movimiento artístico enumerando, además, algunos de sus elementos formales: La principal referencia era el estilo de montaje fotográfico de los artistas dadaístas, con fotografías literalmente cortadas e imágenes nuevas a partir de las piezas. Con esta técnica pretendían lograr figuras donde las proporciones no coinciden generando un efecto “chocante”. Esto debía combinarse con el concepto geométrico explotado por Busby Berkeley en las películas de la década de 1930 y los carteles de propaganda rusa de los Constructivistas.

Frame Take me Out, Franz Ferdinand, 2004.

Take Me Out: Timeline

Esta línea del tiempo del video no contempla la totalidad de la duración. Se enfoca en los momentos más importantes y específicos donde es posible aproximarse a la estética y el mensaje completo de la narrativa. A lo largo del libro se encontraran imágenes relacionadas a sus referentes y su contenido conceptual.

JONAS ODELL JONAS ODELL

Director: Jonas Odell Jonas Odell es un director de videos musicales y películas especializado en realizar mezclas de animación e imagen real, a partir de las cuales recrea nuevas realidades gráficas alrededor de personajes que surgen y se transforman a través de la narrativa. Sus creaciones emergen de su pasión por el arte gráfico y la animación, lo que lo ha llevado a conocer representantes y obras de diferentes movimientos artísticos que enriquecen su firma estetica. Las herramientas que le brindan las vanguardias, le permiten retomar elementos pasados que son icónicos para hibridarlos entre sí, sin que pierdan las características que los hacen estéticamente reconocibles. Haciendo uso de estas, Odell, diseña, crea e ilustra collages de elementos, transformando lo conocido y fusionandolo para crear espacios nuevos donde habitan los artistas. Pero estos artistas también son transformados, de modo que los videos combinan la narrativa y la producción para descontextualizar a los protagonistas que ya conocemos para convertirlos en nuevos personajes a través de elementos externos como la animación clásica 2D, CGI, la animación 3D y la imagen real.

Jonas Odell. (2006). Never Like The First Time [video].

Jonas Odell. (2008). Lies [video]. Odell tiene una propuesta estética que se describe a partir de patrones gráficos que se repiten en sus diferentes videos, muchos de estos elementos, son retomados de movimientos artísticos pasados y tienen referentes sublimes que son muy similares a sus creaciones. El primero de estos elementos, es que frecuentemente presenta por medio de una serie de planos palabras o signos de admiración de la acción que corresponde a la narrativa.

Como consecuencia de la influencia de las vanguardias, Odell, utiliza de fondo en sus videos la textura y el color del papel envejecido con letras, un claro ejemplo de la influencia del dadaísmo, su collage y el fotomontaje. Que consiste en la agrupación dinámica de fragmentos de imágenes en la que aparecen por azar nuevas estructuras, cuyo sentido estético no procede de la suma de los componentes, sino de la totalidad que se logra con él. Cada fragmento tiene un valor formal, y un valor de contenido propio, por lo tanto la composición se enriquece a partir de esta textura y tipografía.

Jonas Odell. (2006). Never Like The First Time [video].

Odell también utiliza la técnica del collage y la mezcla de diferentes texturas, para componer no solo el espacio sino también al artista. Los personajes, a través de su transformación plástica, oscilan entre ser reconocibles y ser tan sólo parte de un plano de papel.

Jonas Odell (2004).Smile [video]. Deconstrucción a partir del collage de imágenes del artista del video.

Jonas Odell. (2004. Strict Machine[video].

Jonas Odell.(2004). Rocket [video]. Figuras geométricas y elementos de maquinaria también son frecuentes en los videos musicales de Odell. La complejidad en el uso de la geometría varía. Mientras que en Strict Machine las imágenes complementan la narrativa y el juego de planos, en Rocket, el material geométrico que se limita a líneas paralelas cumple una función más decorativa y su atractivo visual se encuentra en el contraste con el color.

Por otro lado, el director utiliza un efecto denominado semitono de color, que pone puntos o marcas en las imรกgenes, con los cuales generalmente resalta la imagen del personaje y permite diferenciar dos tipos de planos yuxtapuestos.

Jonas Odell.(2008). Lies [video]. El uso del semitono de color en el personaje lo diferencia de los planos mรกs lejanos, como la pared y la ventana

REFERENTES REFERENTES

Referentes: Universos estéticos y conceptuales En el escenario caótico de Take me Out, al rededor de Franz Ferdinand se reúnen una serie de imágenes superpuestas en un ambiente sin perspectiva definida. Se crea la ilusión de una aparente tridimensionalidad la cual está compuesta puramente de elementos bidimensionales. Un paisaje de recortes se reconstruye en torno a geometrías características del diseño constructivista ruso, y composiciones que recuerdan al revolucionario ideal del dadaísmo y de una gran variedad de vanguardias de períodos de entreguerras. El ritmo dinámico de la música se acompaña de una estética que refiere al rompimiento de todo lo convencional, lógico y proporcional. En medio del desorden y el absurdo, círculos concéntricos, líneas puras y bloques de color permiten acercarse a una dimensión ordenada y a un estilo diferencial que genera un espejismo entre una nueva realidad construida y la materialidad conocida. Este capítulo resume un proceso de identificación y análisis de los referentes estéticos y conceptuales que oscilan y se combinan para crear el mundo presente en “Take me out”.

Hannah Höch, Photomontage, 1946

VANGUARDIAS VANGUARDIAS 44

A mediados del siglo XIX y del XX, se colocó en manifiesto gracias al desarrollo industrial el anhelo de romper con los dogmas del pasado, momento en el que se dio la búsqueda por lo nuevo en un entorno tradicional; a partir de entonces se desarrolló un rechazo rotundo por la máquina, no obstante se aprobó el uso de nuevas tecnologías, las cuales reconocían y anticipaban el futuro. Sumado a esto la agitación social, el anarquismo que buscaba la consolidación de los valores a nivel cultural y la crisis del arte en la sociedad fueron uno de los tantos factores que conllevaron a afianzar la vanguardia. Los movimientos vanguardistas son más una postura de manifiesto frente a el arte que una estética, dejando de lado la imitación sobre la naturaleza, para centrar su atención en un lenguaje de estilos, formas y colores. Es la supremacía del inconsciente, la reconstrucción y la reproducción intelectual de la obra gracias a lo cual la vanguardia reclama tomar una nueva actitud frente a las obras de arte, dejando de lado los estilos a nivel internacional para convertirlos en componentes universales. Este avance, ha sido considerado uno de los más empleados para el desarrollo del arte en el siglo XX, de modo que presenta una serie de posturas frente al arte y a su labor en la sociedad, convirtiéndose en un fenómeno moderno en relación a otros periodos históricos.

Portrait of Gustave Candel’s Mother, Marcel Duchamp

Dadaísmo El fundamento estético y conceptual de Take Me Out es el dadaísmo, movimiento vanguardista que emerge como respuesta al estado degradado en el que se encontraba la sociedad de principios del siglo XX. La Primera Guerra Mundial fue un evento sumamente significativo para los dadas porque confirmó el estado corrupto de la política, los valores sociales represivos y la conformidad cultural e intelectual de las masas*. La guerra era la prueba de que el racionalismo y el orden de la civilización no eran más que una ilusión. Todo lo que producía un dada decía al menos una cosa: que esa era humillante fracasó en ganarse su respeto. Estos son temas que Franz Ferdinand explora a lo largo de su video. Para los dadas el resultado estético era un aspecto secundario, lo realmente fundamental son las ideas que suscitan. Como escribió alguna vez el dada Hugo Ball: “Se puede decir que el arte para nosotros no es un fin en sí mismo –para ello sería necesaria una ingenuidad más intacta-, sino una ocasión para criticar y sentir verdaderamente la época”.

Ideas como el azar, los accidentes y la improvisación se convirtieron en ideas primordiales en el proceso de los dadas y de esta manera se desarrollaron técnicas como el collage y el fotomontaje, las cuales eran herramientas y medios para protestar contra el racionalismo y el mundo mecanizado y violento en el que vivían.

Hannah Höch, Für ein Fest gemacht (Made for a Party), 1936

Frame de Take me out, donde el personaje que podría ser identificando como el Archiduque Franz Ferdinand es atacado con cuchillos por una figura sin rostro.

En la canción, Franz Ferdinand recrea una conversación ficticia entre el Archiduque y su asesino justo antes del asesinato, evento que desató la primera guerra mundial y, por consiguiente, el surgimiento del dadaísmo y otros movimientos. En el videoclip se utiliza la estética y técnica dadaísta para recrear los eventos alrededor asesinato del archiduque y las consecuencias del evento. A través del fotomontaje para generar espacios y personajes, tal como hicieron los dadas, Franz Ferdinand logra plasmar su propia visión del mundo y un escenario alternativo a la posible forma real de cómo ocurrieron los hechos.

Raoul Hausmann, ABCD, 1923-1924, Photomontage et collage. Artista y escritor Austriaco, figura primordial del Dada de Berlín, pionero del fotomontaje y phonemes. Fuerte crítico de las instituciones de época. El fotomontaje fue una de las técnicas más representativas de dadaísmo y consistía en tomar varias imágenes diferentes, desarticular los elementos que las componen y al unirlas crear nuevos objetos, seres y realidades.

El fotomontaje: Raoul Hausmann 49

Frame de Take me out, donde el personaje que podría ser identificando como el Archiduque Franz Ferdinand es atacado por un luchador de esgrima inidentificable. La figura de anteojos durante toda la secuencia lleva un lápiz gigante en las manos.

El video para Take Me Out además de tomar referencias directas con las obras de Hausmann, como el hombre con un lápiz y la figura silueteada de un hombre tomadas de su obra Der Kunstkritiker (El critico de Arte), utiliza el collage como recurso principal para deformar la figura humana y el espacio, logrando de esta manera tratar ideas como el ser humano moderno, la industrialización y mecanización extrema y qué es el arte, todo esto manteniendo una estética que fortalece los valores anti-racionalistas y azarosos de los dadas.

Raoul Hausmann, Der Kunstkritiker (The art critic - Le critique dâ&#x20AC;&#x2122;art), 1919-1920. Fotomantaje, critica al estado del arte y elementos formales que fueron utilizados en el video, por ejemplo el lapiz como arma.

Frame de Take me out, donde el rostro del vocalista es compuesto a través de recortes (técnica del collage) mantiendo la boca en semitono. La letra de la canción es declarada a través de fuentes diferentes como piezas disímiles de un rompecabezas tipográfico.

Otro elemento derivado del trabajo de Hausmann es el uso de tipografía expresiva para presentar la lírica de la canción al ritmo de la música. En el ejercicio poético dadaísta se mantuvo la técnica del collage y el recorte tipográfico como principal recurso gráfico. A pesar de que en algunos casos se trataba simplemente de una combinación aleatoria de fuentes, muchas veces se procuraba generar una forma de incorporar la entonación en que se pronunciaban las palabras al recitar los poemas a través de formas y tamaños.

The typeset transcription of Hausmann’s sound poem Kp’ erioum. “Sound poem” del Poema de Hausmann Kp’ erioum. Intento gráfico de incorprar el aspecto sonoro en la poesía escrita.

Frame de Take me out donde es evidente la transformación humana en su mezcla con objetos. La proporcionalidad del hombre se pierde aún cuando su forma es reconocible. Conceptual y estéticamente la transfiguración de la figura humana es uno de los elementos más importantes del videoclip. Es uno de los métodos más eficaces para generar el ambiente de extrañeza tanto en el entorno dadaísta como dentro de la narrativa de Take me out. Los artistas más importantes del movimiento implementaron las técnicas del collage y el fotomontaje para reconstruir el cuerpo humano en pro de un mensaje directo, claro y llamativo, muchas veces sociopolítico. Hannah Höch, George Grosz y John Heartfield son tres de los más importantes exponentes de la revolucionaria vanguardia. Cada uno desarrolló un lenguaje en el que el hombre en su interpolación con imágenes recicladas y de distintas naturalezas comunicarían el ideal y la crítica dadaísta.

John Heartfield, “Rationalization Is On The March!”. Uno de los artistas más políticos de la vanguardia. Vínculado al partido comunista alemán se enfrentó al nazismo a través de sus collages frecuentemente protagonizados por Hitler como la figura del hombre que se funde con el monstruo o el animal.

La transformación Dadaísta 55

Untitled collage from 1930 by Hannah Hoch. Artista plástica alemana pionera del fotomontaje dadaísta y la única mujer representante del movimiento. Su mayor preocupación era la presentación de una «mujer nueva» en la república de Weimar (periodo histórico que tuvo lugar en Alemania tras su derrota al término de la Primera Guerra Mundial) y la denuncia de una sociedad machista y misógina.

George Grosz, Daum marries her pedantic automaton George in May 1920, John Heartfield is very glad of it. Pintor alemán de la época de la República de Weimar reconocido por sus caricaturas satíricas. Como representante del dadaísmo mezclaría influencias cubistas y futuristas que evolucionarían en “la nueva objetividad”, corriente de la cual fue uno de los principales maestros.

Max Ernst, autorretrato 1920. Artista alemรกn, importante exponente del movimiento Dada y uno de los fundadores del Surrealismo y uno de los defensores mรกs relevantes de la irracionalidad del arte.

Irracionalidad: Max Ernst 58

Max Ernst, Die Anatomie als Braut, 1921 A pesar de haber experimentado con un gran número de medios y técnicas son sus collages y fotomontajes por lo que es más conocido, en los que las disposición de las imágenes sugiere la identidad múltiple de los elementos representados; idea por la cual se conecta con el videoclip para Take Me Out, ya que este explota el significado que toman diferentes elementos al yuxtaponerse, en el video no se explora, por ejemplo, lo que es la máquina o lo que es el humano por sí solos, se explora la relación entre ambos, y gracias al collage esto es posible.

Frame de Take me out en donde se retoman las ilustraciones victorianas.

Max Ernst, mujer con 100 cabezas, 1929

Estéticamente el video también recupera mucho de la obra de Ernst, sobre todo de la serie de novelas gráficas Une semaine de bonté (“Una semana de dulzura”) en las que las piezas son collages que están construidos a partir de ilustraciones editoriales de la época victoriana.

Max Ernst, Une Semaine de Bonté 1934. A pesar de no haber una interpretación oficial de estos libros, se cree que, y también por esto está conceptualmente ligada a Take Me Out, toma personajes victorianos de novelas y animales de enciclopedias para representar como la burguesía se ha convertido en un grupo de animales salvajes, una de las ideas clave para los artistas del movimiento dadaísta. La esencia conceptual y estética de los collages de Ernst reside en disolver la significacia visual de el material original y de esta manera se puedan adherir nuevos significados a imágenes creadas con otros preexistentes y diferentes.

Fluxus: Fluxus es un movimiento de la corriente dadaísta creado en 1962 por George Maciunas para quien el Arte debe ser diversión, debe ser simple, entretenido y sin pretensiones, tratar temas triviales, sin necesidad de dominar técnicas especiales ni realizar innumerables ensayos y sin aspirar a tener ningún tipo de valor comercial o institucional. Este movimiento artístico nació con el objetivo de fusionar a los artistas culturales con todos aquellos revolucionarios sociopolíticos y crear un medio ante el cual el espíritu artista sobresaliera, de modo que se creara libertad de pensamiento, de expresión y de elección. Esta corriente elimina al mundo de todas las decisiones tomadas de la burguesía, de la cultura a nivel intelectual y de la comercialización; de igual forma depura el arte muerto, la imitación y el arte artificial. Razón por la cual el fluxus se opuso a la exclusión del arte cotidiano, de modo que se empezó a hablar de anti-arte que luchaba por la tradición artística, por el arte convertido en vida y por una nueva realidad opacada por la contemporaneidad.

Fluxus new manifesto. Chris Mudhead Reynolds. Por otro lado, el empleo de un lenguaje particular era un componente predominante ya que era el medio gracias al cual se podía comunicar el objetivo de este tipo arte. Una tendencia que luchaba por conseguir un nuevo estado fundamental. La gráfica era un proceso detallado para este movimiento artístico, ya que mezclaba recortes de imágenes, revistas y periódicos, para hacer evidente la relación de que el arte se puede enlazar con la vida y que por ende cuando se vive se está haciendo arte.

Fluxus napkins by Shigeko Kubota. En esta pieza se destaca el uso del semitono de color como técnica y recurso gráfico. Como ya se ha comentado en el capítulo enfocado en el trabajo del director Jonas Odell, este es uno de los aspectos más característicos de la estética no sólo de Take Me Out sino de muchos de sus trabajos. Fluxus utiliza una gráfica muy característica, considerada como el origen de la comunicación visual, por medio de las diferentes composiciones en carteles, que sin lugar a dudas retoman el actuar de los publicistas para dicha época. Fue conocido por uno de los momentos más relevantes en la historia ubicados en la década de los 60s y 70s, ya que se manifestó como un componente artístico tradicional que encontraba estrecha relación con la mercancía, y a partir de entonces se presenta como anti-arte.

Frame Take me Out, Franz Ferdinand. 2004.

Frame Take me Out, Franz Ferdinand. 2004. La lucha de contrarios es un tema referido en Take Me Out que se usa para comentar sobre la dualidad del arte tratada en los mismos términos que inauguró el grupo Fluxus en su discusión sobre la verdadera naturaleza del Arte. Fluxus se consideró como la columna vertebral de la producción, democratización del arte y la fácil producción que era de todos y para todos.

Nam June Paik, Joueur de Baseball, 1989. Nam June Paik, es un artista coreano que con el paso del tiempo ha construido una serie de trabajos escultóricos, gráficos, video gráficos, videos monocanal e instalaciones; los cuales han sido una materialización del movimiento artístico fluxus; una tendencia que ha sido percibida por sus piezas tridimensionales, los happenings, su influencia en el arte de medios electrónicos que mezclan armónicamente la espiritualidad con la tecnología occidental, lo natural con lo eléctrico y la vida con la muerte.

Robots: Nam June Paik 66

Frame de Take me out, donde los músicos de la banda se combinan con elementos mecánicos y su apariencia se asimila a la de robots o autómatas de “chatarra”. Paik logró fusionar las teorías de las comunicaciones globales con la sensibilidad con la que trabaja fluxus, explorando la unión entre el arte, la tecnología y la cultura popular. Así mismo, Paik ha tenido bastante relación con George Maciunas y Joseph Beuys, gracias a los cuales logró convertirse en el tercer eslabón de la cadena que continúo con el legado del fluxus en los años 60s. De esta manera, se presenta relación con una serie de colectivos que llevó a feliz término, con el fin de desestabilizar el poder político y su vez el concepto que se había implementado sobre las creaciones artísticas y sus variaciones, así como atacar los símbolos e iconos propios de una sociedad de consumo.

Nam June Paik, Andy Warhol Robot (1994)

Nam June Paik ,“Einstein”. En la exposición Becoming Robot, Nam June Paik se centra en el proceso de reconstrucción artística de Paik y de su filosofía en los medios electrónicos, específicamente en la relación entre la tecnología y el cuerpo, así como en la intersección de la tecnología y la cultura. De esta manera, se quiso hacer énfasis en la perspectiva de un artista en un entorno como la dependencia de la sociedad moderna en torno a la tecnología.

Cubismo Un concepto recurrente en el video de Take Me Out es la deconstrucción, idea que fundamenta el primer movimiento vanguardista, el Cubismo, explora. Este movimiento desarrolló un lenguaje visual compuesta por planos geométricos que rechazaban las ideas tradicionales de perspectiva y representación. Las obras desarrolladas en el Cubismo, como el videoclip de Franz Ferdinand, retan al observador a entender elementos que han sido descompuestos a elementos geométricos y vistos desde varios ángulos simultáneamente. La abstracción de los elementos de la realidad llevada a cabo por los cubistas a veces encaminada a figuras irreconocibles y abstractas, pero los artistas dejaban algunas figuras no tan desmanteladas para mantener un lazo con la realidad. Conservando una paleta de color bastante neutra se enfatiza en la forma geométrica como elemento primordial de la composición para la representación.

El punto en el que el Cubismo y el videoclip para Take Me Out coinciden es que ambos representan figuras en un espacio comprimido donde la perspectiva se comporta de maneras inesperadas y muchos de los elementos representados, sean personas, objetos o espacios, son condensados a estructuras planas.

Retrato de Dora Maar. Pablo Picasso.

Pablo Picasso, mujer con mandolín, 1910. Uno de los artistas más reconocidos del siglo XX, pintor, escultor, poeta y, entre otras cosas, co-fundador del cubismo. Experimentó con muchas técnicas, teorías e ideas. Sus ideas más radicales fueran las que llevaron al cubismo. de modo que afirma una técnica bidimensional que sugiere en cierto modo una particular profundidad artística por medio de los claroscuros. Razón por la cual, el cubismo no busca captar la realidad conocida por el artista sino a partir de esta crea una imagen nueva.

Pablo Picasso 72

Pablo Picasso, Guitarra, 1913 Tanto en Take Me Out como en las obras cubistas de Picasso se explora el dimensionalidad misma de los objetos y del universo. La relación más clara de esto en el video es la fisicalidad del espacio mismo en el que el video se desarrolla, donde no hay arriba o abajo, donde los objetos se posicionan sobre diferentes planos y donde elementos que parecieran estar en el fondo aparecen delante de otro más cercano, burlando la orientación natural y la percepción de perspectiva a la que se está acostumbrada en la realidad.

Albert Gleizes,Femme et enfant, 1920 Pintor y teorista Francés fuertemente relacionado con el movimiento cubista y surrealista. Fundador autoproclamado del Cubismo y primero en desarrollar un tratado sobre esta vanguardia titulado Du “Cubisme”. Su trabajo se relaciona mucho con el de Picasso pero Gleizes llega a explorar mucho más la bidimensionalidad de objetos tridimensionales, es decir, sus obras deconstruyen los cuerpos de manera similar a Picasso pero no se detiene hasta que, en algunos casos, logra deshacerse del volumen de estos.

Albert Gleizes 74

Albert Gleizes, Sin Título, 1921.

Frame Take me Out, Franz Ferdinand. 2004. La anterior idea está estrechamente relacionada con el videoclip de Franz Ferdinand, ya que en este último, siendo el collage una técnica central, se representan cuerpos y hasta espacios donde la tridimensionalidad no es más que una ilusión, todos los elementos utilizados para construir estos cuerpos son bidimensionales. El espacio y los sujetos y objetos en él están en el mismo plano, ninguno delante del otro. Son las estructuras llevadas a su forma más esencial y primitiva, una forma geométrica carente de profundidad.

Futurismo: Marcel Duchamp Mientras que en Francia surge el cubismo, en Italia aparece el futurismo, un movimiento literario y artístico que nace gracias a Filippo Tommaso Marinetti quien publica El Manifiesto Futurista en 1909. Este movimiento tenía como objetivo romper con los elementos convencionales, con lo tradicional, y proclamar así un arte orientado al futuro, exaltando la vida contemporánea con sus dos temas predominantes: la adoración de la máquina y el retrato de la realidad en movimiento, respondiendo así a las necesidades de la sociedad moderna, una sociedad construida a partir de grandes ciudades. Marcel Duchamp (1887-1968) fue un artista francés trabajó diferentes movimientos vanguardistas como el fauvismo, el dadaísmo, el cubismo y el futurismo. Y en la estética Dadaísta impuso los ready-made, donde la idea era proporcionarle a un objeto cotidiano un rol diferente y mostrarlos como una obra de arte.

Entre sus grandes obras se encuentra el Gran Vidrio o Novia expuesta a sus solteros, realizada por Duchamp desde 1915 hasta 1926, año en el que la obra al ser trasladada sufrió una serie de daños lo que condujo al artista a decir que la obra se encontraba “inconclusa”. Y fue así como Duchamp posteriormente creó una guía dedicada al espectador para que supiera cómo llevar a cabo su trabajo como observador del Gran Vidrio.

El Gran Vidrio, Marcel Duchamp (1915-1923)

Marcel Duchamp ‘The Bride Stripped Bare by her Bachelors Even (The Green Box) Esta pieza está compuesta por dos hojas de vidrio de gran tamaño, las cuales están separadas gracias a una lámina de aluminio en la que se pueden hallar diferentes elementos, tales como papel aluminio, polvo, embalajes, entre otros. Según el autor, en la parte superior se representa a una mujer que se encuentra seduciendo a sus nueve amantes (un sacerdote, un mensajero, un soldado, un gendarme, otro policía, un jefe de estación, un criado, un repartidor y un sepulturero), quienes están en la parte inferior de la obra. Esta mujer se encuentra representada por la Vía Láctea, y estos hombres intentan llegar a su amada sin poder llegar a tener éxito, ya que hay una barrera que los separa: la lámina de aluminio de tal forma que tanto la mujer como los hombres están condenados a la soledad. Además de todo lo dicho anteriormente, la obra también acopla procedimientos aleatorios, estudios de perspectivas trazadas, y dos representaciones mecánico-simbólicas. Lo cual se puede relacionar en el video de Take me out, pues en éste es claro el uso de diferentes elementos para después crear una sola imagen homogénea, gracias a la yuxtaposición de perspectivas, y la combinación de 2D para llegar a una tridimensionalidad, sin dejar de lado, al igual que Duchamp, lo mecánico.

Frame Take me Out, Franz Ferdinand. 2004.

Marcel Duchamp (1887-1968), Rotoreliefs, suite complète de six disques en carton, première édition, Paris, 1935, diam. disque 20 cm.

Marcel Duchamp, Rotative plaques verre, 1920. Otro de sus trabajos que buscan una tridimensionalidad desde el 2D son los Rotoreliefs, una investigación crítica sobre lo óptico. Y así es como Duchamp crea en estos discos una ilusión óptica una vez comienzan a girar, ya que el ojo cree percibir profundidad aún cuando el cerebro sabe que no existe tal cosa. Por último, Duchamp comienza con su etapa anti artística con su primer ready made: Rueda de bicicleta sobre un taburete.

Marcel Duchamp, Bicycle Wheel, 1913 Surgió como algo que no iba más allá de la diversión, ya que a Duchamp le gustaba ver cómo desaparecían los radios de la rueda una vez la ponía a girar, sin embargo después de esto comenzó a darle valor artístico a objetos cotidianos.. En Take me out, se puede observar esta rueda de bicicleta como un elemento repetitivo que puede representar la idea de la búsqueda de lo anti artístico tal y como lo hizo Duchamp.

Surrealismo: Terry Gilliam El surrealismo (movimiento artístico y literario) apareció en París en 1924 después de la Primera Guerra Mundial, gracias al “Manifiesto Surrealista” de André Breton, quien proponía un arte donde se lograra entender al hombre en su totalidad, buscando en lo más profundo del ser humano: el subconsciente. De esta manera, para el surrealismo lo más importante era expresarse de cualquier manera siempre y cuando no sea controlado por la mente. Por lo anterior, este movimiento suele estar en constante búsqueda del subconsciente y la representación de un mundo onírico. Take me out remite a un estilo Pythonesque, un concepto que nace gracias a la gran influencia que se generó a partir de Monty Python, un grupo británico de comediantes que lograron alcanzar la fama con su serie de televisión Monty Python’s Flying Circus, el cual expresaba el estilo surreal propio de Terry Gilliam, quien era el encargado de la animación del intro de la serie.

Terry Gilliam. Animations of Mortality. Libro impreso consultado.

Terry Gilliam. Animations of Mortality. La comedia que trabajó este grupo inglés, incluía crítica social, y generalmente dedicaban gran parte de su serie al humor surrealista basado en el absurdo, (AZTLAN, s.f.), humor inherente al director de cine y animador Gilliam, quien es conocido por recortar fotografías para luego animarlas, y emplear temas recurrentes como: viajes en el tiempo, la realidad confundida por los sueños, la fantasía o la imaginación, todo marcado por un estilo surrealista, mucho humor con tendencia a la parodia, la farsa, la sátira y la ironía. (AlohaCriticón, s.f.)

Terry Gilliam. Animations of Mortality.

Frame Take me Out, Franz Ferdinand. 2004. En este caso, hay una clara relación estética entre el manejo de la perspectiva y los elementos (casas en hilera) presentes tanto en la ilustración de Gilliam como en el fragmento del video. Este manejo del paisaje tan característico del Pythonesque permite dar profundidad tridimensional a la bidimensional del formato video y a la imagen construída a partir de collage.

Frames: Monty Python’s Flying Circus Opening Credits Series.

Frame Take me Out, Franz Ferdinand. 2004. En este par de imágenes la similitud formal es evidente. La maquinaria (engranajes, motores, palancas) enmarca a un personaje principal que se encuentra en la mitad del frame. En ambos casos las manos recortadas señalan el punto de atención de la escena.

Frame Take me Out, Franz Ferdinand. 2004.

Frame Take me Out, Franz Ferdinand. 2004. Se puede observar la relación también estética que mantiene el video con las animaciones e ilustraciones de Terry Gilliam, ya que en ambas se encuentra una cara de un hombre sin cuello y con un fondo diferente.

CONSTRUCTIVISMO CONSTRUCTIVISMO

Constructivismo y Suprematismo Ruso De la necesidad de crear una estructura cultural completamente nueva como respuesta al caos, que se vivencia en época de conflicto; surge un movimiento artístico que toma las figuras geométricas y las líneas puras para generar arte abstracto que busca comunicar mensajes claros a través de materiales simples. Priorizando la funcionalidad y dando relevancia a la técnica al reducir el número de objetos en el ambiente humano, para repensar y simplificar las características de los materiales de los elementos de la vida diaria. Así mismo, mezcla la vanguardia política con la vanguardia artística, buscando no solo mantener el estilo sino también el espíritu del movimiento cargado de ideales políticos y sociales. Puesto que los constructivistas buscaron un cambio en el comportamiento de la sociedad, a través de la gráfica como un medio para integrar el arte en la nueva sociedad que estaban construyendo.

El Lissizky - Esbozo para un Proun (1920)

Frame de Take me out en donde se evidencia la influencia de la estética constructivista.

Aleksandr Rodchenko. Design for a trade union poster ‘The trade Union is a blow to women’s enslavement, the trade union is a defender of female labour. 1929. Es importante apuntar que el constructivismo no es solamente un referente estético para la banda, sino también conceptual, pues al igual que los constructivistas, Franz Ferdinand trata elementos del conflicto en sus canciones y específicamente en Take me Out, el material visual apoya una narrativa relacionada con un contexto específico.

Aleksandr Rodchenko.(1924).About this. Artista soviético pionero del fotomontaje y el collage. Padre del constructivismo como movimiento artístico y social que pretendía grandes cambios sociales a favor de la corriente política comunista.

Aleksandr Rodchenko 91

Alexander Rodchenko: poster for Battleship Potemkin 1924 Rodchenko became an early master of the integration of typography and photography.

Artista que crea series de premisas formales para comunicar un mensaje conciso con el fin de construir una sociedad ordenada. Para crear esta nueva sociedad es primordial ver de una forma nueva, y para esto es necesario mostrar los objetos cotidianos y familiares bajo perspectivas y ángulos totalmente inesperados y en situaciones inesperadas. Una de las técnicas exploradas por Ródchenko es el fotomontaje, de esta manera diseñó carteles en los cuales se inspiró la banda para algunas portadas de sus álbumes, en especial el álbum Take me Out!. Pero la su influencia no se limita a las carátulas de la banda, en el video de la canción a través de la animación se sobreponen objetos tal como el artista lo hizo con el fotomontaje y el collage, se incluyen texturas similares, de periódicos antiguos y fotografías en blanco y negro. Por otro lado el artista parte de las figuras geométricas planas y básicas como el círculo y la línea, para crear así composiciones a partir de estas. Creando un nuevo orden a partir de lo básico ya conocido, es decir, la geometría. En take me out, encontramos una imagen donde está específicamente la obra de Rodchenko, pero también vemos alusiones sutiles, donde circulos y lineas planas se mezclan a lo largo de todo el video con otros elementos en forma de collage.

Linear Construction, 1920. Rodchenko.

Frame del video de Take me out. Composici贸n lineal que parece basada en las obras de la serie de Rodchenko llamada Linear Constructions. Donde a trav茅s de elementos simples delimitados por l铆neas se genera una concepci贸n visual de orden.

Rodchenko,

1924.

Circular/linear

design.

Frame del video de Take me out. Composición lineal circular en movimiento. Para Rodchenko este juego de planos no surge solamente de la cámara, sino de la superposición de figuras geométricas planas que construyen un espacio tridimensional, en el video de Take me out, las figuras planas que construyen los espacios tridimensionales son tanto geométricas como recortes de imágenes superpuestas para crear la ilusión de planos.

Alexander Rodchenko. Shuchov-Sendeturm (Shuchov transmission tower), 1929.

Frame del video de Take me out.

Por otro lado, Ródchenko experimento en la fotografía con los planos desde los cuales debían verse los objetos, tomando fotos de diferentes perspectivas de un mismo elemento. Este juego de planos es común en el video de Take Me Out!. Debido a que allí se cambia constantemente de planos a través de la cámara que interactúa con los personajes y la animación.

El Lisitski. 1890-1941. Artista ruso, dise帽ador, fot贸grafo, maestro, tip贸grafo, y arquitecto. Su carrera estuvo determinada por el ideal de que un artista puede ser agente de cambio social. Importante influencia para la Bauhaus.

El Lissitzky 96

Flying to earth from a distance, El Lissitzky Es una de las figuras más importantes de la vanguardia rusa, contribuyendo al desarrollo del suprematismo, evidenció su creencia de que el artista es un agente de cambio social. Por lo tanto es artífice de un símbolo, que es un símbolo de un mundo nuevo, que se está construyendo y que existe por medio del pueblo. Sus obras son evidencias del constructivismo y el suprematismo, ya que se basaron en las artes figurativas, y los mensajes claros a partir de imágenes deconstruidas. En Franz Ferdinand, este artista es un referente del que se toma la construcción de imágenes a partir de figuras básicas, también comparte su paleta de color.

El Lissitzky’s (1890-1941) photomontage, typography and Prouns. Mejor calidad encontrada*

Frame del video de Take me out. Lissitzky en sus obras creó un estado intermedio entre la pintura y la arquitectura. Partiendo de los polígonos simples contrastados con figuras planas, delimitados por el cambio de color que es el indicador del fin de una cara y el inicio de otro plano. En especial, con los prounen introdujo ilusiones tridimensionales a través del empleo de formas con cierto efecto arquitectónico, volumen, masa, color, espacio y ritmo.

El Lissitzky - Proun 1 D. 1919

Frame del video de Take me out. Influenciado por los diferentes movimientos artísticos que también consideraron la arquitectura como un medio esencial de comunicación y un elemento constituyente de la nueva sociedad que pretendían crear. Estas figuras fueron un referente para Franz Ferdinand que las incluyó en su video, de una forma animada, que les permitía moverse, sin perder las características esenciales de la figura y el concepto de color, pero mezclándolas con el collage que es un elemento frecuente del video.

Kazimir Malevich. Red Square: Painterly Realism of a Peasant Woman in Two Dimensions, 1915 La base conceptual de este artista y movimiento era la bĂşsqueda de la pureza del arte, rechazando lo convencional en pro de la sensibilidad.

Sumprematismo: MalĂŠvich 100

Black Circle, Kazimir Malevich. El suprematismo como movimiento artístico, creado por Kazimir Malévich que a partir de las formas geométricas fundamentales buscaba la supremacía de la nada y la representación del universo sin materialidades objetuales, pretendía encontrar la máxima sensibilidad del arte a partir de la abstracción geométrica. En Franz Ferdinand, la influencia estética de la corriente es trascendental para la diagramación de algunas escenas de su video, así mismo en la reducida paleta de color. Pero la influencia principal, es en el uso de las figuras geométricas más simples y fundamentales que aparecen en diferentes lugares en el video.

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Kazimir Malevich.(1567). El afilador de cuchillos. Deconstrucción de la unión del hombre y la máquina. Este artista formuló la unión dinámica entre el hombre y la máquina, a partir de una yuxtaposición de formas geométricas de vivos colores que sería el principio de la abstracción geométrica al máximo y la economía visual, que finalmente derivó en el Suprematismo. Por lo tanto, tiene una relación directa con Franz Ferdinand por plantear una unión entre el humano y la máquina, que es explícito en Take Me Out, pero menos obvio en Malévich.

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Kazimir Malévich.(1916). Suprematism. Composición suprematista que sirve como referente de la diagramación de algunas imágenes y tipografías en Take Me Out.

Frame Take me Out, Franz Ferdinand. 2004.

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EFECTO CALEIDOSCÓPICO EFECTO CALEIDOSCÓPICO

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Busby Berkeley Busby Berkeley fue un director de cine y coreógrafo estadounidense, famoso por la realización de musicales, que incluían una serie de formas y figuras geométricas. Sus proyectos requerían un gran número de mujeres y diferentes componentes, formas y elementos con el fin de imitar un efecto de caleidoscopio llevado a los seres humanos. Berkeley se diferencia de otros directores, ya que utiliza planos con ángulos inusuales y movimientos de cámara que para la época eran extravagantes y distintos. Take me out guarda estrecha relación con el concepto geométrico y estilo caleidoscópico con el que trabaja Berkeley es sus coreografías, estilo que se caracterizó por la realización de figuras complejas y la utilización de un sin número de elementos formales como lo fueron las mujeres y componentes que imitaban un efecto de caleidoscopio. Uno de sus sellos diferenciadores se refería al uso de la cámara en movimiento y a la filmación de planos desde ángulos inusitados. Así mismo, su especialidad era el empleo de una gran cantidad de bailarines con los cuales se lograba evocar por medio de la geometría: rodajes, bobinas eléctricas y piezas de maquinaria.

Busby Berkeley (1933). 42nd Street (Movie). El cuerpo femenino era utilizado como un asunto muy deshumanizante. “Un espectáculo abiertamente erótico y convertirlos en modelos puramente abstractas cambiantes como un caleidoscopio”.

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Busby Berkeley (1933). 42nd Street (Movie). Busby Berkeley & Dancers: Desarrolló una técnica conocida como “desfile de caras” (enfocándose en cada una de las bailarinas utilizando un primer plano), y movía a sus bailarines para la creación de un gran número de patrones caleidoscópicos en el escenario.

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Busby Berkeley (1933). 42nd Street (Movie).

Frame Take me Out, Franz Ferdinand. 2004. Take me out, tomó como referencia sus formaciones inusuales y quisieron utilizar la silueta humana para la formación de figuras abstractas a partir de las extremidades del ser humano para reconstruir un figura con características físicamente humanas pero que gracias a la repetición de las estructuras se creó una apariencia excéntrica totalmente diferente a lo humano.

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Busby Berkeley (1933). Footlight Parade (Movie).Escaleras, diferentes plataformas giratorias, desniveles y mecanismos que proponían una sincronización con la música y el baile, convirtiendo mucho más complejo el movimiento; utilizando espejos de gran angular para maximizar el espacio.

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Busby Berkeley (1930). Whoopee (Movie). Patrones caleidosc贸picos: Berkeley utilizaba un sin n煤mero de bailarines para imitar un efecto de caleidoscopio y buscaba la manera de enfocar los detalles utilizando diferentes planos como el cenital y el picado.

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Busby Berkeley (1933). Footlight Parade (Movie).

Gold Diggers of 1937 (Busby Berkeley, 1936)

Berkeley fue uno de los primeros core贸grafos en incorporar a sus pel铆culas la sincronizaci贸n del sonido y de la imagen, t茅cnica conocida como cine sonoro o cine - danza.

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Frame Take me Out, Franz Ferdinand. 2004.

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ILUSIONISMO ILUSIONISMO

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George Méliès George Méliès comenzó como actor de teatro, sin embargo siempre le había interesado el mundo de la magia y el ilusionismo, admiraba a grandes magos del momento como: Maleskyne, Cook y Robert Houdin. De este interés y acercamiento al mundo de la ficción y la creación de sueños, fue como Méliès una vez asistió y vió la creación de los hermanos Lumière, el cinematógrafo; pensó en una nueva herramienta para hacer ilusionismo. De esta manera, pasó a convertirse en un mago a un ilusionista del cine, creando los primeros efectos especiales en el mundo de la pantalla gigante, y comenzó a utilizar estos efectos en sus películas para por ejemplo, representar espectáculos de magia como en “Desaparición de una dama en el teatro Robert Houdin” de 1896, tal y como lo hacían sus figuras de magia favoritas, pero ahora llevado a nivel cinematográfico. A pesar de su gran influencia en el mundo del cine, la Primera Guerra Mundial perjudicó su negocio, por lo que abandonó el mundo del cine para después dedicarse a una juguetería.

Georges Melies, A trip to the moon, le voyage dans la lune painting.

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Póster Egyptian Hall-Donde Geroge Méliès iba a ver a Maleskyne y Cook

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Frame de Take me out, que hace parte de la secuencia de personajes en habitaciones anamórficas.

Esta imagen se relaciona estéticamente y conceptualmente con un fragmento del video Take me out, donde aparece una mujer levitando acostada boca arriba en medio de un cuarto y un hombre detrás con una cámara en la cabeza. La posición de la mujer es una relación clara con los personajes más admirados por George Méliès, (mencionados anteriormente), como se puede ver en uno los pósters del Egyptian Hall Theatre, donde llevaban a cabo sus shows. Sin embargo, este no es el único referente que existe, pues la cámara en la cabeza del hombre que aparece en Take me out, nos remite a Méliès, de esta manera se puede decir que él tomó todo lo que aprendió asistiendo al Egyptian Hall Theater, y siguió con su carrera de mago, pero ahora desde el punto de vista de una cámara: el cine.

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ANAMORFISMO ANAMORFISMO

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Francis Bacon Take me out, se relaciono mucho con el concepto anamorfismo, ya que en ciertas partes del video se evidencia una técnica utilizada para la distorsión de una imagen y esto se debe al uso de una perspectiva inusual o al punto de vista desde el cual se esté observando la imagen, el objetivo era encontrar un ángulo perfecto para que la deformación desapareciera y se logra admirar sin ningún tipo de reflejo o alteración la imagen real. Un ejemplo claro de la utilización de esta técnica la llevó a cabo en sus obras artísticas el pintor anglo – irlandés Francis Bacon, quien al realizaba dibujos sin perspectiva, caracterizado por emplear desfiguración pictórica con estilo figurativo y ambiguo idiosincrásico teniendo siempre un plano intencional al momento de su ejecución. Bacon, estilísticamente se desarrollaba en el campo del surrealismo y el expresionismo, un arte conocido como Neofigurativo, en las cuales se retoma la figura humana y sus alteraciones; encontró como fuente de inspiración las creaciones artísticas de picasso, y a partir de entonces desarrolló toda una línea pictórica conocida como post picassiana, centrada en la figuración y la desfiguración de cuerpos y formas.

Francis Bacon (1853). Estudio tras Retrato del Papa Inocencio X de Velázquez. Bacon plasmó de manera clara angustia en cada uno de sus cuadros. “Trabajó la representación de la figura humana pero desfigurandola y posicionándose en espacios cerrados e indeterminados”.

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Francis Bacon (1969). Tríptico ‘Three Studies of Lucian Freud.

Francis Bacon (1950). Fragmento de una crucifixión. Bacon muestra una serie de figuras que son colocas en primer plano, las cuales están mutiladas, cambiadas físicamente y contrastadas con un contexto tranquilo y llano. Los tres paneles, muestran una figura distorsionada, caracterizada por el estilo abstracto junto a la utilización de elementos como jaulas baconianas en las cuales se genera una alteración de la realidad.

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Frame Take me Out, Franz Ferdinand. 2004.

Frame Take me Out, Franz Ferdinand. 2004. Hay una relaci贸n formal con los referentes en cuanto el manejo de la profundidad y la perspectiva.

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Ella y Pitr pintan marcos para crear ilusiones anamórficas.

“Papiers Peintres, transforman espacios abandonados para su serie “Anamorphoses”. Realizan pinturas en espacios abandonados que dependen de la perspectiva para crear ilusiónes anamorficas de marcos como de pinturas, espejos o fotografías. A este espacio con el diseño pintado, se incluyen personas que posan de acuerdo a la ubicación de la pintura.”

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Anamorfismo en diseño.

Figuras anamórficas. Una serie de artistas anónimos tratan de llevar a otros contextos lo anamórfico de tal manera que se ve una distorsión desde la superposición de plano pero que al colocarse en un primer plano se logra evidenciar la figura de manera exacta y sin ninguna alteración. Desde un punto focal se logra entender la imagen.

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CRÍTICA INDUSTRIAL CRÍTICA INDUSTRIAL

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Charles Chaplin Tiempos modernos, dirigida por Charles Chaplin (18891968), es una película que expone una crítica al estilo de vida que imperaba en los años 30. A través de este film el autor pretendía mostrar el mundo que lo rodeaba, un mundo en crisis, producida por el famoso “jueves negro”, la Gran Depresión Norteamericana. Las condiciones de vida en ese momento eran lamentables, la población había perdido la esperanza, no había trabajo, y el que tenía trabajo era en condiciones infrahumanas. Lo que llevó a la creación del llamado “Código Hays” que buscaba implementar una moral conservadora, racista, machista, que además prohibía cualquier crítica hacia la sociedad estadounidense, ya que tenían como objetivo continuar vendiéndose al resto del mundo como un país lleno de prosperidad (Claqueta, s.f.). Debido a lo anterior, las personas que emigraron hacia Alemania, llevaron consigo técnicas que llevaron al cine alemán a uno de los mejores del momento, hasta que llegó la segunda Guerra Mundial.

Modern Times (Tiempos Modernos), Charles Chaplin, 1936.

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Frame de Tiempos Modernos, escrita y protagonizada por Charles Chaplin.

Esto hizo que Chaplin se resistiera a hacer todo lo que en ese momento se estaba haciendo en el cine, y en vez de mostrar a Estados Unidos como un país lleno de esperanza y oportunidades, lo mostraba tal y como él lo veía. Así, en esta película: Tiempos modernos, el personaje principal en vez de rebelarse y luchar en contra de la sociedad en la que vive, termina adaptándose a la crisis.

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Tiempos Modernos, Charles Chaplin. 1936.

Frame Take me Out, Franz Ferdinand. 2004. El personaje principal aprende a adaptarse a su entorno, y así, por ejemplo, en vez de quejarse por falta de tiempo para comer, muestran cómo se habitúa a comer a través de una máquina que se habían inventado para no desperdiciar ningún momento del trabajo, ya que la hora de comer disminuye la producción y rendimiento total. Al igual que Chaplin, en el video de Franz Ferdinand se muestra una crítica al límite difuso que existe entre un ser humano y una máquina, la hibridación entre ambos.

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CRÍTICA Y EXPERIMENTO CRÍTICA Y EXPERIMENTO

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William Kentridge William Kentridge, es un pionero de las artes visuales, el dibujo, la escultura, el grabado, el perfomarce y por último y no menos importante el cine, con el objetivo de crear lenguajes hibridados entre sus técnicas de comunicación. Tuvo la primicia de ser testigo de uno de los acontecimientos más polémicos de la historia mundial del siglo XX, conocida como la disolución del apartheid; dicho suceso ha sido motivo de inspiración para sus obras artísticas, gracias a lo cual altera los acontecimientos políticos diseccionándolos hacia una visión poética y poderosa sobre alegorías artísticas. En cada una de sus obras los aspectos políticos y poéticos se entrelazan directamente con su lugar de nacimiento; Kentridge evoca en sus obras, su herencia sociopolítica y sus raíces relacionadas con el colonialismo, las cuales tuvieron gran impacto y trasfondo en sus fotografías, dibujos al carbón y collages de papel. Así mismo, utiliza el estereoscópico con el fin de crear ilusiones ópticas y proyecciones Anamórficas para que de esta manera sus dibujos se extienden en un entorno de tres dimensiones.

William Kentridge. Drawing from Stereoscope 1998–99.

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William Kentridge (2012), Nose (with Strawberries). “¿Qué significa la fragmentación en relación con la Unión Soviética, o para Gogol de la nariz, o la idea de estatuas ecuestres y la nobleza de los caballos? Los caballos son tanto los nobles animales en estatuas ecuestres, pero también están convertidos en jabón y pegamento. Así que el caballo-como-víctima, es también un héroe”.

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“Eso suena una campaña desde Sudáfrica, donde tuvimos una especie de jerarquía loca, nuestra propia gran cadena del ser hasta que el apartheid terminó con los blancos, estos honoríficos como el japonés, los asiáticos, o los indios, quienes son de raza mixta fueron clasificados como Colores, y luego por debajo venían los africanos.” William Kentridge Ahora bien, en cuanto al videoclip Take me out, este, guarda estrecha relación con las artes visuales trabajas por Kentridge, así como el concepto de experimentación estética, con el cual muestra una técnica en contante construcción, donde diferentes criterios como la intuición, el misterio y la improvisación han creado una serie de conceptos ligados a la incertidumbre filosófica del arte. El mundo de Kentridge, así como el del video, están sumamente abiertos a la historia universal, relacionando la cultura, la política y por supuesto los fragmentos caóticos creados a partir de panópticos cuyo diseño permiten que se pueda interpretar la totalidad de una obra artística desde un único punto; este tipo de construcciones, facilitan la búsqueda por encontrar un sentido a la realidad conocida, la cual se encuentra entrelazada con un sin número de fragmentos que intentan encontrar significados, sentidos y coherencias a imágenes distorsionadas que cuentan una historia detrás de una ilusión creada a partir del orden.

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C O N C E PTO C O N C E PTO

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Take Me Out!: Concepto Franz Ferdinand guarda estrecha relación con la construcción de un sistema centrado en los movimientos artísticos; haciendo énfasis en la deshumanización del hombre derivada de la explotación industrial en donde este deja de lado su esencia para convertirse en parte de un mecanismo, llegando a tal punto en el que se desdibuja el límite entre la máquina y el hombre, para pasar de ser un humano a ser parte de un eslabón más, de una cadena de engranajes. A través del videoclip de una forma abstracta y en un lenguaje propio, se evidencia cómo de esta privación de las características humanas surge el caos, el cual tiene como expresión máxima la guerra. Inconformes, los individuos buscan crear una nueva realidad ordenada aunque esta sea sólo una ilusión, basada en un equilibrio que parte de elementos primitivos como las líneas puras y estructurales nacidas de la deconstrucción de la realidad conocida. Es a partir de la unión e interacción entre estos dos mundos opuestos que se construye una realidad trastornada por los acontecimientos a priori vivenciados, revelando que lo claro y evidente dista de serlo. Existe un dualismo generado por la yuxtaposición de esta ilusión ordenada sobre una realidad caótica gestando una serie de planteamientos existenciales.

Rodchenko’s Archive / 2011, ProLitteris, Zurich

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¿Cuál es el límite entre el hombre y la máquina? En Take me out se hace énfasis en un mundo industrial y deshumanizado. Un mundo donde no se distingue entre una máquina y un hombre, se muestra una hibridación entre estos dos. A lo largo de la narrativa del video, la banda va perdiendo partes humanas, como miembros inferiores, superiores, hasta llegar a perder el cuerpo completo; las cuales son reemplazadas por un sinnúmero de engranajes y estructuras mecánicas. Es a partir de la deconstrucción de estos mundos que un nuevo ser emerge, desdibujando desde cualquier punto de vista la idea de ser humano y/o máquina.

Franz Ferdinand, Take Me Out, 2004

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Detonador de la Cat谩strofe La base narrativa del video y de la canci贸n misma es el asesinato del archiduque Franz Ferdinand, evento que se considera el evento que deton贸 la Primera Guerra Mundial. El video trata dos ideas de la misma historia: la primera es el evento del asesinato, representada son flechas, dardos y miras y dianas en la cabeza de varios personajes. Segundo, representa como la humanidad se sumi贸 en un gran caos, representado por los grandes escenarios, las piedras cayendo en el fondo.

Arquiduque Franz Ferdinand

Franz Ferdinand, Take Me Out, 2004

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Ingrav

idez

s en un inusuale pacio s a iv t c perspe n un es ición de r suspendidos e jas; s o p a t x yu no son fi n sta s e la e n n n e io c o e c ic r t juega as cond cio y co rmas pa e me ou os, objetos y fo a claro que dich llos,con el espa lógico. k a t o e a lo sujet qued El vid entre e se limita onde los es físicas pero uerpos d o c n o s , n e n r t o ú n t n a e en ifer icio nte tre los d y, más importa ste universo. tas cond con cier y la relación en o p ne m io válidas e do el tie in o t s a e ia b el espac id m n vador ca nte y detrás so el obser la e d , abajo Arriba y

Hannah Höch, Für ein Fest gemacht, 1936

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Franz Ferdinand, Take Me Out, 2004

Dualismo Perceptual Contradictorio A lo largo del video Take me out, trata la idea de crear una nueva realidad ficticia, con la cual se pretende contrarrestar los valores y componentes de la realidad conocida. Todo esto es expuesto a través de una dualidad presente en el video, es decir, entre el arte y el anti-arte, reiteración que ha sido colocada en un entorno yuxtapuesto, como respuesta a la degradación vivenciada en la sociedad tras la guerra, el anarquismo y la agitación social. A partir de esto, Take me out por medio de sus formas perceptuales busca consolidar valores culturales y artísticos proponiendo una nueva estética de reconstrucción por medio de la percepción contraria de las realidades materializadas en medio de una ilusión ordenada

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CONCLUSIONES CONCLUSIONES

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A lo largo de este manual, se logró llegar a la conclusión de que el videoclip Take me out, combina la pseudo elegancia y la potencia, llevada a una vanidad musical que por medio de la utilización de ciertos elementos formales guarda características propias tanto de la época como de los intereses estéticos de la banda: arte soviético, propaganda, deconstrucción, fotomontaje, etc., con el fin de centrar la atención en los nuevos estilos, formas y técnicas que surgen de tomar una nueva actitud frente a las obras de arte. De modo tal, que la narrativa tanto del video como de la canción han permitido crear conexión con la historia que hay detrás de cada uno de los momentos estéticos y técnicos del video; se logra identificar la creación de una nueva realidad por medio de la formación de una ilusión ordenada que es sobrepuesta a un entorno caótico y destructivo. Este dualismo contrarresta una serie de valores conocidos como respuesta a la degradación social de la época y del anarquismo. A partir de esto, Take me out, identifica el uso de la distorsión de la imagen por medio de la yuxtaposición de perspectivas inusuales y el empleo de la desfiguración de formas conocidas. Esta técnica es colocada en un entorno en donde las formas están suspendidas y no hay un control sobre los elementos, de modo que el espectador está sujeto a crear relación con un estado que no está sometido al campo de la lógica. Finalmente, se hace énfasis en la producción de una sociedad deshumanizada y a la vez industrial, un universo donde el hombre comienza a desdibujarse para pasar a convertirse en un mecanismo que ha sido hibridado gracias a esa realidad conocida y a esta materialidad conocida como ilusión creada. Es a partir de entonces que Take me out, gracias a la deconstrucción rompe con los esquemas y conduce al espectador a crear cuestionamientos entre la consumación del ser humano y el origen de la máquina.

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B I B L I OGRA F ÍA B I B L I OGRA F ÍA

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