Moushon! #16

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SEPTIEMBRE 2014 BUENOS AIRES, ARGENTINA Nº16

LA REVISTA DE ANIMACIÓN ARGENTINA

KIRIBATI ANIMA MUNDI EL PERRO EN LA LUNA PAKA PAKA BEA BLANKENHORST

Septiembre 2014 Buenos Aires, Argentina Nº16

decimosexto número

Universo

Pakapaka

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Nos apoyan!

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ED IT OR IAL

16 Estimados lectores bienvenidos a 04

Moushon! # 16

importantes como la técnica correcta, o una historia sólida; un buen ambiente de trabajo, la búsqueda de un modelo de negocio sustentable, el crecimiento de la Pyme y la dimensión empresarial… son asuntos delicados e importantes para darle continuidad a nuestros sueños.

Y porque no íbamos a quedarnos con las ganas, hablamos con Mignona del fenómeno alrededor de La Asombrosa Excursión de Zamba, el formato insignia de Pakapaka, que ya trascendió la pantalla y tiene hasta un parque temático mientras se producen musicales, e-books, apps y libros.

Para cerrar la “trilogía Pakapaka” entrevistamos a Beatriz Blankenhorst, la responsable de los contenidos artísticos de la señal. Recorrimos su formación y experiencia en distintas escuelas de animación del mundo, que siguen presentes y vivas en cada nuevo emprendimiento. Se trata de una historia de vida que le permite ubicarse en otro lugar y brindarnos un testimonio desde otra perspectiva.

“Producir animación en Argentina ya es, en sí mismo, un desafío. En el interior del país es simplemente un desafío mayor”. Así comienza la entrevista a los directores y el productor de Kiribati, un proyecto que ganó el Raymundo Gleyzer en 2010, y hoy se perfila como la gran apuesta a nivel largometrajes 3D del interior. Desde entonces, la vienen remando, abriendo caminos. Y todavía siguen… porque a pesar del tamaño del proyecto, todavía les falta sumar coproductores para terminar de financiarlo. Desde acá, les recomendamos un crowdfunding internacional.

El Estado lanzó una nueva línea de fomento a series animadas y hablamos con Camila Rocha (Coordinadora del Área de Animación del INCAA), sobre experiencias pasadas, las expectativas para estos concursos, y algunas claves para quedar “mejor rankeados”.

A esta supersopa de contenidos que te trae la Moushon! Nº 16, sumémosle un

Este es, probablemente, el número más adulto de Moushon!, hasta ahora… También el más sustancioso,

adelanto de la octava edición del festival Expotoons, en una entrevista con Rosanna

en términos de información “dura”. No hablo de frías estadísticas; me refiero a datos calientes, de la calle:

Manfredi, y la cobertura de otro festival, el Anima Mundi de Brasil. Este festival, cuya

información sobre mercados, segmentos, oportunidades, coyunturas, concursos, gerenciamiento, modelos

marca registrada son talleres gratuitos y un espacio constante de formación, le

de negocio, etc.... En este número, los entrevistados comparten un pensamiento estratégico, una visión

otorgó su máximo galardón al cortometraje Padre, de Santiago Bou Grasso,

macro, un sentido de la oportunidad, nos hablan del futuro y, a la vez, resumen hechos cruciales para el

volviéndolo optativo a los premios Oscar, dentro de la la categoría de Mejor Corto

medio de la animación en la Argentina de los últimos años.

Animado.

Para empezar, “Todo lo que usted siempre quiso saber sobre Pakapaka y no se animaba a preguntar”:

Resumiendo, este número refiere a un punto específico en el espacio-tiempo. El

Facundo Agrelo, Coordinador General de Contenidos de la señal de los cubitos de colores, hace un repaso

suelo que pisamos, el territorio que nos convoca, su historia reciente, los problemas

desde sus orígenes hasta la actualidad, sin obviar los próximos pasos. Las razones que dieron vida a

y alegrías que motivan a los protagonistas de nuestra realidad. La misma realidad

Pakapaka, el efecto bola de nieve de la señal sobre productoras y productos nacionales para niños, las

que posibilita (o no) que los sueños se cumplan. Y además… paguen las cuentas .

variables particulares de trabajar para este segmento (los chicos crecen, ¿vio?), y el crecimiento efectivo de

Así que, ¡a prestar atención! Disfruten estas páginas.

la señal hacia una “marca” transmedia estatal.

Pakapaka trabaja con muchas casas productoras, y una de ellas es El Perro en la Luna. Le hicimos una

Con orgullo se despide su editor,

entrevista intensa y transparente a Sebastián Mignona, fundador y productor de EPL, que puede funcionar

Santiago van Dam

como complemento de la entrevista anterior. Sebastián cuenta los comienzos de su casa productora y nos da otra perspectiva: cómo supieron ver y aprovechar la apuesta del gobierno nacional por generar nuevos contenidos. También se toma un momento para reflexionar sobre algunos ítems menos “volados” pero tan

STAFF! Director: Federico Moreno Breser Coordinador General: Alvaro E. Stelzer Diseñador: Federico Ribetto Asistente de Diseño: Agustín Groenenberg Editor: Santiago van Dam Jefa de Producción: Lucila Lehmann Editora de Contenidos / Correctora: Sofía Poggi Productora de Contenidos: Mercedes Viola Fotógrafo: Lucas Ríos Productor de Contenidos: Alejandro Delaunay Editada por: McFly Studio

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RECOMENDADOS

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LA REVISTA DE ANIMACIÓN ARGENTINA

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TODOS www.revistamoushon.com

FLASHBACK BACK BACK BACK LUIS DIEZ, Coordinador INCAA

...que el mundo sepa que, el sector audiovisual argentino, y hablando específicamente de la animación en Argentina, hay mucha calidad, mucha gente capacitada para producir contenidos.

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www.kiribatithemovie.com

Kiribati

MARCOS VALDIVIA / ALEJANDRO CARLINI - DIRECTORES ALEXANDER TEPER - PRODUCTOR

Mini Bio ómo resulta producir animación desde San Luis?

Producir animación en Argentina ya es en sí mismo un desafío. En el interior del país, es simplemente un desafío mayor. Arrancamos hace varios años con la productora Ideas Fijas, desde donde produjimos más que nada publicidad y contenidos para TV. Sin embargo, siempre tuvimos la idea fija, nótese la analogía, de producir nuestro largo, con la dedicación narrativa y calidad artística que sólo el cine permite.

Particularmente en San luis, tuvimos la suerte de contar con tres cosas fundamentales: una, el apoyo de la Provincia a nivel económico, y de Infraestructura, ya que la producción se está llevando a cabo en el edificio del Set de Cine de la Ciudad de La Punta, ubicado a veinte kilómetros de la capital; en segundo lugar, la Ley de Promoción Cinematográfica Provincial, que apuesta a la producción local; por último, el increíble paisaje, un enorme parque en medio de un valle bajo un cordón serrano, fundamental para la creatividad e inspiración del equipo.

C

KIRIBATI Es la nueva película de animación de IdeasFijas, con el apoyo de San Luis Animación y el INCAA. SINOPSIS: ¿Qué haría usted si gana la lotería el mismo día que lo privan de la libertad?.

Yermo, Telma, Elena y Toto son 4 viejecitos que se escapan del geriátrico en busca de un boleto ganador de lotería, ellos intentarán llevar a cabo su hazaña embarcándose en una divertida y encantadora aventura de emoción y libertad.

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¿Sienten que tienen acceso a los mismos recursos que en puntos del país con una producción más generalizada?

Creemos que no. Si tomamos a Buenos Aires como el principal polo de producción en Argentina, es notorio que el acceso desde el interior no es el mismo, y esto tiene un motivo fundamental: la concentración de artistas y técnicos especializados, el recurso humano capacitado. El cincuenta por ciento del equipo de Kiribati es “importado”. Tenemos gente de otras provincias como Córdoba, Santa Cruz, Río Negro, Tierra del Fuego, Mendoza, Santiago del Estero, incluso de Buenos Aires y hasta extranjeros, cada uno con un conocimiento específico.

¿Qué propondrían para desarrollar la animación en su provincia?

Desde el año 2008 empezamos a dar cursos, a formar estudiantes y, en paralelo, se fueron abriendo carreras estudiantiles enfocadas a la producción cinematográfica de animación.

Creemos que todo esto, en conjunto con convenios con proveedores de tecnología, permitirá el desarrollo industrial local. Kiribati es, además de una ambiciosa película de animación, el puntapié inicial de esta línea de pensamiento. El cincuenta por ciento restante del equipo de trabajo que mencionamos arriba son artistas locales en formación con altísimo potencial, que día a día están siendo capacitados para poder liderar equipos de trabajo en los proyectos venideros.

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¿Por qué describen al proyecto, en su presentación, como “atípico”?

En la Industria Cinematográfica Nacional, los proyectos realizados en animación son de por sí atípicos, ya que no cuadran dentro de las reglamentaciones establecidas que han sido creadas para producciones fílmicas.

Pensamos, además, que nuestro caso es atípico porque creemos estar logrando una calidad inédita considerando el presupuesto y los recursos a nuestro alcance. También porque es la primera vez que se produce una película de animación 3D con proyección internacional, desde otro lugar que no sea Buenos Aires. Por último, y más importante, porque creemos haber logrado un equipo de trabajo con un entusiasmo, compromiso y buena onda que hasta los más experimentados del proyecto alegan nunca haber tenido la suerte de tener.

Notamos que varios actores reconocidos (como Norma Aleandro, Pepe Soriano, Rita Cortese y Betiana Blum) forman parte del elenco de voces de la película, ¿Cómo fue el proceso de elección? ¿Qué experiencia obtuvieron?

Kiribati se construyó desde el inicio con sueños, imaginando “cómo sería si…”. No nos pusimos ningún tipo de límite y nos dispusimos a hacer lo que queríamos, como queríamos. Pensamos en quiénes serían ideales para ponerle la voz a cada uno de nuestros personajes y, en base a eso, fuimos dándole forma al proyecto.

Si nos hubieran dicho que nuestros sueños se harían realidad, hubiésemos pensado que era una broma. Por el contrario, nos dijeron que estábamos locos y que iba a ser imposible… Eso hizo que redobláramos la apuesta. Sumada a la perseverancia, estuvo también la generosidad de nuestros actores. Después de teatros, teléfonos, castings y buena onda a cada paso, conseguimos contar con ellos en la película, llenándonos de satisfacción y buen augurio.

¿Qué pueden contarnos respecto al proceso creativo?

El proceso creativo aparece con la ganas de plasmar la idea en un guión. En nuestro caso, esto arrancó unos diez años atrás, y tuvo tantas reversiones como nuevas ideas fuimos conceptualizando. La idea de llevar a la aventura la historia de un abuelo y su nieto fue el punto de partida y, de allí, nació la comedia, el drama... la historia. Desde ese momento, ya conformes con la escritura, pasamos al proceso de creación artística de la imagen donde empezaron a intervenir los Directores de Arte y Animación en la búsqueda del estilo, y esto nos trajo hasta el día de hoy.

Si nos hubieran dicho que

nuestros sueños se harían realidad, hubiésemos pensado que era una broma

¿Para qué público está orientado el film? Sabemos que se trata de una historia de un anciano que escapa de un asilo, al estilo ”jailbreak”, ¿el tono es más bien humorístico?

Kiribati es una comedia de aventuras para chicos y no tan chicos, con gags, con foco en la amistad, la familia y los valores que tenemos como sociedad. Además, está llena de personajes divertidos, con una trama reflexiva, sensible y alentadora.

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¿Por qué decidieron llevar a cabo la animación en técnica de animación 3D? En algún momento pensamos "si se puede filmar no es necesario hacerlo en animación". Hoy creemos que la animación es un recurso lleno de riqueza y de posibilidades infinitas. Si es imaginable, se puede hacer. ¿Qué posibilidades y recursos les brinda esta técnica por sobre otras?

Nos gustan y emocionan todas las técnicas de animación, como el 2D o el stop motion. Cada una tiene su encanto. Sin embargo, por una cuestión de afinidad y experiencia, nos inclinamos por la animación 3D.

¿Qué dificultades presenta? ¿Están satisfechos con la elección y con los resultados que ven hasta el momento?

El mayor desafío de un largo de animación es poder proyectar en el tiempo los recursos, mantener una idea firme de lo que se busca y, al mismo tiempo, mantenerse permeable a las propuestas para mejorar cada día el proyecto sin que pierda identidad. A diferencia del fílmico, una peli de animación demora más de dos años en producirse, y el tiempo a veces juega en contra. Sin embargo, y a pesar de las dificultades, en la recta final vuelve el entusiasmo del inicio. Al ver las primeras imágenes, sabiendo todo el trabajo que tienen detrás, es un placer enorme, es cuando empezás a sentir que todo el esfuerzo valió la pena.

Kiribati está actualmente entrando en lo que podría llamarse “el tercer cuarto”, donde inicia la etapa de render, donde vemos por primera vez esos fotogramas con su acabado final. Y sí, estamos muy, muy contentos con el resultado.

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¿Cómo se decidió realizar la película en formato 3D estereoscópico?

En un inicio teníamos nuestras dudas y miedos con respecto a la realización bajo este formato.

Sin embargo, tuvimos el apoyo incondicional de nuestros principales coproductores, San Luis Cine, quienes generaron las condiciones para que sea posible.

La estereoscopía es un recurso riquísimo para las producciones cinematográficas, pero lamentablemente la industria extranjera se ha encargado de hacerle mala fama, produciendo films pensados más para explotar el efecto que para contar una historia. En nuestro caso, la decisión de usar el recurso tiene componentes. La ineludible cuestión comercial y la romántica cuestión narrativa/dramática.

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Desde una perspectiva comercial, hoy en día el cine estereoscópico, sobre todo de animación, tiene mayor aceptación por parte del público infantil en comparación con una película 2D. Eso nos permite elaborar estrategias de difusión más arriesgadas y que repercutan mejor en taquilla al momento del estreno. Esta es la parte fría de la cuestión, pero insistimos, también ineludible. Por el lado romántico, de lo narrativo y lo dramático, la estereoscopía es un complemento que, si está bien utilizado, enriquece el relato, potencia las sensaciones e impacta emocionalmente. En este punto no es distinto al uso del sonido o la fotografía. Es una herramienta más con la que se cuenta para transmitir una idea, una emoción, que te ayuda a generar un universo creíble que permite al espectador perderse en la pantalla, olvidarse de estar viendo una película.

En Kiribati elegimos ser honestos con este recurso, y utilizarlo en pos de la historia y no a la inversa. No buscamos el “show”, sino la emoción.

estereoscopía es un recurso riquísimo La

para las producciones cinematográficas

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¿Qué otras innovaciones tecnológicas implementaron? ¿Qué softwares están utilizando?

Desde hace un poco más de tres años, comenzamos a utilizar Blender (un programa de código abierto) con vistas a hacer la película con una herramienta que se adapte a nuestras necesidades de producción, y nos encontramos con un programa fácil de aprender, ordenado y muy versátil. Por otro lado, la comunicación con los desarrolladores de Blender es constante, amistosa y fluida, y eso nos permitió desarrollar libremente todo tipo de herramientas dedicadas al flujo de trabajo con la meta de reducir tiempo y mejorar resultados. Un ejemplo de esto es la incorporación del motor de render V-Ray. A través de un convenio con Chaos Group (empresa que vende el producto), los departamentos de Técnica e Iluminación lideraron el contacto con los técnicos y programadores de esa empresa y, en conjunto, desarrollaron e integraron en el pipeline de Kiribati una versión del soft específicamente diseñada para la película.

Esta innovación revolucionó la dinámica interna de trabajo y permitió conseguir mayor cantidad de artistas, permitiendo lograr mejores resultados de render, tanto en tiempo de cálculo por frame, como en calidad y fineza de la imagen final. ¿Cómo fue el proceso de participación en el concurso de Raymundo Gleyzer? ¿A qué otras fuentes de financiación recurrieron?

En 2009 encontramos en los cajones de la productora el viejo guión de Kiribati. Poco a poco, empezamos a hacer circular el proyecto por concursos y clínicas, hasta que llegamos al Raymundo Gleyzer. Fue una experiencia muy enriquecedora, con devoluciones muy respetuosas tanto del guión como en la forma en que expusimos el proyecto. Un tiempo después, nos dieron aviso de que éramos los ganadores regionales, con un premio que nos permitió armar un dossier y escribir nuevamente el guión. Eso nos abrió las puertas como productores del INCAA y, a partir de allí, todo se volvió real.

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Una vez que el INCAA declaró nuestro proyecto de interés, logramos sumar a la producción a San Luis Cine, con quienes decidimos crear la división San Luis Animación, un estudio de animación ubicado en la Ciudad de la Punta en San Luis y desde donde estamos realizando la película. Hoy en dia, a pesar del tamaño del proyecto, todavía nos encontramos en negociaciones para sumar coproductores y terminar de financiarlo.

La mayor parte de nuestros lectores son realizadores de animación, ¿qué recomendarían a un animador que busca financiación para un proyecto?

El mejor consejo que podemos dar es: animate a cerrar proyectos bien armados y a presentarlos una y otra vez en todos los lugares donde sea posible. Tarde o temprano, funciona. "No sabían que era imposible, por eso lo lograron".

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¿Cómo se conforma el equipo de producción? ¿Cómo se distribuyen los roles y las tareas? ¿Hubo modificaciones en el equipo?

El equipo tiene constantemente unas cuarenta personas trabajando en diversas tareas específicas con una rotación normal. Es decir que no es raro que alguien deje el proyecto y venga alguien nuevo en su reemplazo. Ha sucedido y volverá a suceder. En un equipo de este tamaño y con dos años y medio de trabajo en total, es imposible que se mantenga un staff fijo de inicio a fin. Calculamos que, hacia la fecha de estreno, habrán pasado más de setenta personas por la película.

Kiribati tiene varios departamentos, cada uno con su productor y su director y/o supervisor: Dirección, Producción, Arte, Layout, Animación, Animación de Extras, Técnica, FX, Sonido, Iluminación, Rigging, Cuentas y RRHH. Cada área tiene un responsable que responde a la visión de Producción.

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¿Qué tipo de relación establecieron entre miembros del equipo de producción?

Como en todo equipo de trabajo, la convivencia es difícil, y Kiribati no es la excepción. Sin embargo, creemos que en este proyecto se dio un fenómeno particular, que tiene que ver con el encuentro. Al ser un proyecto que reúne a gente sensible en un lugar especialmente bello, y siendo que mucha de esta gente está lejos de su hogar, se produce una especie de unión, de cercanía, de hermandad. En invierno no es tan común por el frío, pero con la llegada de la primavera se producen caminatas, asados y cantatas a la vera de los arroyos, por las sierras y en las casas donde viven los artistas. Son encuentros simples y muy bonitos. Tal vez sea esta una de las razones principales del romanticismo que se vive en Kiribati.

Lo llamativo de este tipo de cercanía es que no suele afectar al equipo en lo profesional, donde predomina siempre el respeto, reconociendo siempre las responsabilidades de cada uno, sin importar cuáles sean la relaciones personales.

Realmente es un equipo increíble de trabajo, lleno de buena gente y extremadamente talentosa. ¿Qué pueden adelantar sobre el estreno y sobre la posterior difusión y distribución de la película?

Entre otras cosas, en estos días estamos estudiando las propuestas de distintas distribuidoras locales e internacionales. Si bien tenemos pensado estrenar durante el año 2015, la fecha todavía está en revisión.creemos fundamental encontrar una estrategia que nos permita ser competitivos al momento del estreno.

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Anima Mundi es uno de los eventos ligados a la animación más reconocidos del orbe, ya sea por su larga trayectoria -¡este año se llevó a cabo la edición número veintidós!-, o por la calidad y cantidad de las actividades que se desarrollan en él. No sólo se llevan a cabo numerosas competencias de distintas categorías, sino que también se hace énfasis en la educación, la información y el entrenamiento profesional, asegurando así un espacio disfrutable tanto para nóveles en la materia animada como para profesionales activos con intención de profundizar sus conocimientos y estar en contacto profundo con su entorno laboral.

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Anima Mundi en la red

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En concordancia con las nuevas formas de comunicación, Anima Mundi conforma una comunidad virtual que sirve como el complemento necesario para mantener aunado al sector de la animación tanto en Brasil como en el resto del mundo, en el largo período en el que el festival no dispone sus puertas abiertas. Este festival fue uno de los primeros en acercarse a la gente mediante la red, creando en el año 2000 su página web, que desde entonces evolucionó, se diversificó a distintas plataformas y amplió sus funciones y posibilidades.

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Competencias y premios

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Todos los años, Anima Mundi ofrece una competencia online de cortos de animación, dentro de la plataforma Anima Multi. Dentro de esta competencia se realiza, en un primer lugar, una selección de veinte cortos, entre los cuales se otorgaron dos premios: el Premio del Público y el Premio del Jurado Profesional. El ganador del premio otorgado por la audiencia fue el cómico corto dinamarqués titulado Last Cleaning Hero, realizado en animación digital 3D por Cristian Guerreschi. El jurado profesional, por su parte, eligió al belga Roman Klochkov y su corto See me again, una increíble producción en animación 2D digital, que destaca por la simplicidad y expresividad del dibujo, y un muy interesante uso del color.

Por fuera de esta competencia virtual, en el festival se llevaron a cabo numerosas competencias y proyecciones, con premios de audiencia y de jurado. Las distintas categorías de los premios del público incluyeron en sus criterios producciones brasileñas, internacionales, producciones para público infantil, cortometrajes, y largometrajes.

Por otro lado, los jurados profesionales se concentraron específicamente en cuestiones cinematográficas, tanto así que las categorías fueron: Mejor Técnica de Animación, Mejor Diseño de Sonido (siendo ganador de ambos el corto Fuga, de Juan Antonio Espigares, España), Mejor Guión (Lettres de femmes, Augusto Zanovello, Francia) y Mejor Dirección de Arte (Historia de un oso, de Gabriel Osorio, Chile, quien también obtuvo un premio de la audiencia como Mejor Cortometraje Infantil), entre otros.

Un gran destacado del festival fue el ya multipremiado corto Padre, de Santiago Bou Grasso.

Desde su estreno en ANIMA 2013, el año pasado, esta producción realizada en Argentina y Francia ha recibido una excepcional cantidad de reconocimientos. Sin embargo, el premio que le fue otorgado en Anima Mundi fue particularmente importante. Se trata del Gran Premio al Cortometraje, un galardón que desde el año 2012 es reconocido por la institución norteamericana que expide los premios Oscar, la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas, como un criterio de preselección automática para la categoría de Mejor Corto Animado dentro de este espacio cúspide del cine estadounidense.

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Educación Además de las numerosas actividades que acontecen en el momento en el que se lleva a cabo el Festival en todas sus ediciones, Anima Mundi es un espacio educativo que ofrece cursos de animación durante todo el año en su sede de Río de Janeiro. Se desarrollan tanto cursos para adultos como para niños, de todos los niveles. Los principales contenidos abordados son animación, storyboard y diseño de personajes.

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Marcos Magalhães, director del festival

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¿Qué novedades presentaron en esta vigesimosegunda edición de Anima Mundi?

La mayor novedad fue la presentación de cuatro largometrajes de animación brasileños de estilos bien diversos, mostrando la animación brasileña y su reconocimiento internacional. Como en todas nuestras ediciones, tuvimos diversas categorías y competiciones (cortos, largos, infantiles, estudiantes, películas de arte y otros) reuniendo más de quinientos títulos. El Gran Premio del festival fue para Padre, la producción franco-argentina de Santiago Bou Grasso, que automáticamente quedó preseleccionada para los Oscars como Mejor Corto de Animación. Anima Mundi está calificado desde el 2012 para esta preselección de la Academia Norteamericana de Artes Cinematográficas.

Además de las competencias de films animados, ¿qué actividades y convocatorias propusieron?

Tuvimos cuatro mesas muy concurridas y productivas. En la primera discutimos la importancia del formato del cortometraje para la industria de animación, como un laboratorio libre de nuevos formatos que pueden tornarse comerciales. La segunda, conversamos sobre las posibilidades de coproducciones entre los países de América Latina, incluyendo la formación de una red de festivales que ya está integrado por Anima Mundi (Brasil), Chilemonos (Chile), Expotoons (Argentina) y Cutout (México).

En la siguiente edición, presentamos un proyecto multicultural para desarrollar conceptos artísticos con propósitos comerciales, el proyecto SEA (South America, Europe y Asia), representados por The Animation Workshop (Dinamarca), Office H (Japão) y Anima Mundi (Brasil). Por último, tuvimos un panel sobre las posibles relaciones entre la animación y videojuegos, dos universos paralelos de gran importancia para la industria audiovisual. Los resultados fueron excelentes, apuntando a la posibilidad de la aparición y la continuidad de nuevos proyectos internacionales que involucren a productores brasileños y extranjeros.

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¿Qué propuesta estética distinguió al festival este año? ¿Quién la realizó?

Anima Mundi se caracteriza por invitar a una personalidad destacada del mundo de la animación, que ya haya estado presente anteriormente en el festival. Este año invitamos al brasileño Ennio Torresan, quien es actualmente el coordinador del departamento de storyboars de Dreamworks en Los Angeles, también es el codirector (junto a Otto Guerra) de la película brasileña Até que a Sbórnia nos Separe.

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¿Cómo se vio representada la identidad del festival y la identidad de Brasil a partir de estos elementos visuales?

Ennio se basó en lo colorido de las flores brasileñas y en el picaflor, un pájaro especial por sus increíbles movimientos. Las flores están presentes en todas las películas del festival. Ennio también dirigió y animó la apertura del festival, con grandes escenas de mucha acción y dinamismo en 2D.

¿Qué balance obtienen de esta edición y qué esperan para la del año siguiente?

Fue una edición especialmente rica por los encuentros que proporcionó, reflejando un gran momento en el crecimiento de la animación brasileña. El público, como siempre estuvo presente y tuvo participación especial a través de talleres gratuitos que son una marca registrada del festival (Estudio Aberto). Para la próxima edición, pretendemos continuar el intercambio con otros productores internacionales y establecer asociaciones para el desarrollo y la producción de distintos formatos. Y, por supuesto, intensificar esta alianza prometedora con festivales de América Latina a través de nuestra red de festivales.

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GUAU

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El Perro

www.elperroenlaluna.com.ar

SEBASTIÁN MIGNOGNA, DIRECTOR DE LA PRODUCTORA.

Mini Bio Sebastián Mignogna, director de la productora.

n qué año se creó la productora?

La productora se crea en el 2006; afortunadamente, en un contexto muy particular donde empezaban a emerger pantallas públicas, educativas y culturales, lo que generó un tipo de demanda que nos hizo y nos configuró de una manera: todos los que trabajamos en El Perro en la Luna tenemos esa preocupación de pensar siempre en relación a contenidos que nos representan. A veces educativos, a veces no, pero que sean muy nuestros, con una marca de identidad muy fuerte, sin dejar nunca de pensar en el entretenimiento. Es decir, esa conjugación es lo que le da potencia a algo como Zamba, por ejemplo, la posibilidad de poder articular las dos cosas: contenido noble, pero no despreciando jamás y entendiendo siempre que lo que nosotros hacemos es televisión... y más allá, en el caso de Zamba. El caso de Zamba ya “rompe” la pantalla. Nos dimos cuenta de que la manera de envolver el mundo de la infancia era aparecer en todos los lugares que nos pidieran que estemos.

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EL PERRO EN LA LUNA El Perro en la Luna es una multipremiada productora argentina que lleva realizados, en su trayectoria, numerosos documentales, publicidades y productos para televisión. Se destacan, principalmente, por la creación y producción de El asombroso mundo de Zamba, desde sus orígenes como dibujo animado, hasta su explosión y desarrollo como un producto multi-plataforma de reconocimiento nacional.

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¿Cuáles fueron sus primeros proyectos? ¿Quiénes conformaban el equipo en ese momento?

La productora surge con motivación y tendencia a tratar, siempre, y cada vez que pudiéramos, de hacer lo que nos gustaba. En principio, era una especie unicelular, colaborativa y generalista, en la que todos hacíamos todo.

Empezamos haciendo proyectos, los más sensibles, para canales como Encuentro. También teníamos una pata más comercial y tratábamos de vincular contenido con algunas marcas, como Unilever, Coca Cola o American Express, entre otras. Por un lado, estaba ese mestizaje entre pensar, realizar y producir contenido con determinadas preocupaciones y con un estilo. Por otro lado, pensar para ese contenido un modelo de negocio que lo volviera viable.

¿Qué elementos estéticos y productivos los distinguen de otras productoras? ¿Cómo pueden definir su identidad?

Pensar la identidad de El Perro en La Luna es una de las cosas que más me cuesta. Es decir, pienso en la acción, la reflexión va a llegar mucho tiempo después. Yo no tengo muy claro, de verdad (no es una especulación poética), cuál es la identidad.

Formar equipos de trabajo, sin lugar a dudas, trabajar con la gente que respeto, aprecio y admiro por su capacidad laboral. Algo que, por ahí, me marcó a mí es cierta idea familiar, cierta idea “pyme” de la producción. Eso es algo que me importa como rasgo distintivo de la productora, que haya buen ambiente, buen clima, que todos nos sintamos orgullos. Es un conjunto de

Houston, tenemos un perro...

buenos hábitos de trabajo que me gustan, que disfruto. Siempre pensé que es un trabajo muy privilegiado. Hago lo que me gusta, con la gente que quiero.

Sí se me agregó, con el tiempo, una preocupación que yo no tenía, que es el hecho de que es una empresa. En algún momento te aparece esa dimensión empresarial que es un lugar que yo ocupo con mucha incomodidad. Pero trato de hacerlo con eficacia y, si no, generar delegaciones que se ocupen de eso, porque es la manera de defender este sistema... con ideas de sustentabilidad, porque esto es un negocio. La atmósfera que tuvimos que respirar en el momento en el que estábamos naciendo era esa, una atmósfera que influyó mucho en nuestras decisiones, en la televisión con cierto sentido público, con

un determinado tipo de contenido, que genera una demanda que nos hizo de una manera, y estamos muy orgullosos de ella.

Yo creo en la suerte también. Me parece que, quizás, un proyecto como este, en otro contexto y en otras condiciones, habría tenido otra forma. Por eso, insisto, el contexto fue muy determinante.

Es una demanda de un determinado tipo de contenido donde había una vocación expresiva enorme que tenía la productora que nos hizo fuertes en algo que tiene mucha identidad, que es un determinado tipo de contenido, con determinada sensibilidad. A esto, que fue la condición de origen de la productora, lo que se agregó con el tiempo fue la teoría de la evolución: empezar a pensar en las especializaciones de la productora y a profesionalizar ese discurso, que no fuera tan vocacional.

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Eso es voluntarismo y, con el tiempo, se va resquebrajando. Entonces, lo que hicimos fue profesionalizar algunas áreas de la economía de la productora para darle sustentabilidad.

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¿Qué recomiendan para animadores y realizadores interesados en desarrollar su propia productora o en ingresar a trabajar en productoras existentes? ¿Qué buscan en nuevos integrantes para su equipo?

Hambre, que tengan hambre. Me parece que una condición para este trabajo, es que no te la creas nunca y que todos los días, si tenés título, salgas a revalidarlo y, si no, a conseguirlo. Creo que en esta profesión no hay sosiego. Que sepa laburar, sobre todo que tenga actitud y después depende, si es alguien que está empezando le voy a pedir exactitud, saber si entiende los fundamentos del oficio, si entiende que es un trabajo y que es un trabajo que es casi un don.

Yo no sé cuánta gente en la tierra hace lo que le gusta. Y después, no es sólo eso, hay que agregarle ser capaz de entender el contexto, el contexto donde se produce, para quién, cuáles son las situaciones, siempre poner en una perspectiva general las decisiones.

Es un camino y, a veces, te puede llevar a una situación equivocada. Por ahí empezás a hacer lo que creíste que nunca ibas lograr. Hay que tratar de capitalizar eso para uno y entender que es un proyecto, un poco más largo. Por ejemplo, yo ahora estoy haciendo producción, aunque me haya pensado toda la vida para dirección, pero me sirve para esto, me aporta un punto de vista que yo no tenía. Creo que ahora tenés que saber e integrar todas las áreas.

Lo que le reclamo a alguien que se sienta acá es ver qué hambre tiene, cuánta disposición para el trabajo, cómo se ubica en ese contexto.

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¿Cómo y de dónde surge Zamba?

Zamba es hijo de una circunstancia, de una demanda que viene de la televisión pública, educativa y cultural. De un recorrido que hace la productora y su equipo, en pesar formatos y contenidos para esos canales.

Eso fue el “caldo de cultivo” de Zamba. Y una premisa, que era un tanto difusa, de pensar algo para chicos. La productora y el equipo creativo habían hecho una experiencia en este camino al que me refería -público, educativo y cultural- y teníamos muchas ganas de hacer un dibujo.

Además, muchas ganas de hacer un dibujo en poco tiempo (el tiempo que teníamos para producir) y un presupuesto bastante acotado.

Entonces, pusimos sobre la mesa todo lo que sabíamos, que era identificar, un poco, la demanda del canal. Sabíamos cuáles eran las reglas de producción de eso que fuéramos a pensar, y también que sabíamos hacer vectores… lo que más o menos manejábamos con fluidez.

Todo eso nos arrinconó y nos llevó a pensar que lo que queríamos hacer era un dibujo. Fuimos agregándole ideas, capas, a ese dibujo. Cuando empezamos a pensar en el personaje, estaba conjugada toda esta genética, y eso dio a luz a Zamba. También nos condicionaron mucho nuestras expectativas y nuestras ganas de que fuera sobre la historia, que fuera portador de todas las preguntas que tenemos nosotros frente a la historia. Todo eso nos entrenó y nos preparó para pensar Zamba, todavía sin la ocurrencia de pensar que sería una tira, ya que el pedido era puntual y tenía que ver con el Bicentenario, tenía que ver con poder explicarles a los niños que estábamos celebrando.

Za de u m ba na de e m a ed uc a

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¿Cómo es llevar a cabo un dibujo animado en la televisión Argentina hoy? ¿Creés que tenemos desventajas respecto a otros países?

Lo hicimos con la expectativa de llevar un dibujo a la televisión, lo hicimos con absoluta irresponsabilidad, inconsciencia; no habíamos hecho dibujo. Hay, en lo que nosotros producimos, y en lo que pensamos, una inspiración gráfica, y cierta idea del arte que podía tener como consecuencia que alguna vez pensáramos un dibujo, pero no teníamos experiencia en hacerlo. Fueron seis meses de tiempo, más o menos, para concebir el personaje y pensar cuál era el sistema de producción que íbamos a elegir para que, en seis meses, tuviera cuatro capítulos.

En principio, nosotros fuimos todos aprendiendo -la productora y el equipo en sí-, cómo se hace un dibujo. En ese momento, nuestras condiciones eran preindustriales. Habíamos tomado algunas referencias de gente que hacía esto, pero habían desestimado la posibilidad de que nosotros hiciéramos Zamba. Incluso dijeron: “Chicos, no van a llegar, hagan títeres”. Entonces, después de esa irreverencia inicial, fuimos entendiendo cómo se hacía el dibujo, cómo se organiza la línea de producción de un dibujo, fuimos entendiendo que había muy buena tradición de animación. Al principio, la desconocíamos totalmente, pero después fuimos entendiéndola y fuimos mucho más respetuosos de los procesos y las decisiones de trabajo en función de la ortodoxia, y no de la heterodoxia inicial.

Claro que creo que Argentina -y nos dimos cuenta en la experiencia de trabajo de Zambatiene muy buenas tradiciones audiovisuales, en relación a la animación, y una mano de obra calificadísima.

A tu parecer, ¿qué lugar tiene la animación en la televisión actualmente?

Insisto, seguimos mirando muy respetuosamente a la gente que se dedica exclusivamente a la animación. El Perro no es esa productora; el Perro tiene una aspiración un poco más amplia que esa, pero entiendo desde ese lugar que el lugar de la animación nacional hasta Pakapaka era marginal, se estaba destinado a producir con muy buena mano de obra y muy buenos productos para el exterior. Después, publicidad, pero espacio en la televisión han tenido pocos casos,

Zamba

tiene muy buenas

tradiciones audiovisuales y pocos casos exitosos. Un gran beneficio de una pantalla, como Pakapaka, es empezar a pensar y a recoger esas buenas tradiciones de trabajo orientándolas a pensar contenido nacional, eso es extraordinario. Creo que eso activó el mercado interno porque, insisto, el mercado estaba muy profesionalizado, pero orientado a pensar contenido, animar y prestar servicio para ideas de otros países.

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El éxito de Zamba fue inmediato ¿Cómo acompañó la productora ese éxito? ¿Dónde se posicionaron?

El lugar que intentamos conservar respecto al éxito de Zamba es el lugar del aprendizaje; es el lugar de “Bueno, formémonos, entendamos -con cierto sentido estratégico- hacia dónde puede ir Zamba”. A diferencia de desarrollos comerciales, es un poquito más complejo, es un conjunto de eventualidades dispersas, casi siempre, que uno tiene que argumentalmente tratar de dotar de unidad.

Planteamos que, si estamos yendo al parque, bueno, vamos en esta condición, para generar otras condiciones de existencia, que después va ser la próxima línea de acción. Si hacemos los capítulos muy musicales, alguna vez a alguien se le va a ocurrir que esto tiene que ser un musical, pero tiene que caer por el propio peso de la oportunidad.

Entonces, es en ese sentido un desarrollo muy particular, creo que eso hizo que la productora haga un camino muy singular con Zamba. Por un lado, este intentar formarse, entender cuál es el camino y darle sentido y una direccionalidad. En general, en otro tipo de proyectos, vos le generás a la idea las condiciones de existencia, en la concepción, de todos esos soportes que vas a hacer y reunir para el beneficio del proyecto. No es el caso de Zamba. El caso de Zamba es que nosotros tenemos que tratar de darle oportunidades a medida de que los eventos se van presentando. Por ejemplo, el pensar en las figuritas y cómo se distribuyen, porque hay un principio rector en Zamba que es la gratuidad.

Todo eso, a la productora le da un recorrido enorme y experiencia, por un lado, y también mucha nobleza, porque no hay estímulos comerciales. Zamba tiene algunas trampas, apelamos a algunas formas que tienen que ver con las formas de distribuir y comercializar algunos contenidos. Pero en principio es público, gratuito, y entonces eso lo pone en un lugar muy particular para pensar las cosas.

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¿En qué pensás que radica el éxito de Zamba? ¿Cuál creés que es el factor que resulta primordialmente atractivo para el público?

A nosotros nos cuesta contestar ese tipo de cosas, porque nos cuesta levantar la cabeza y ver el fenómeno, en general, por esta vocación de trabajo irrefrenable y la convicción de que estamos haciendo algo que está bueno, que se está poniendo bueno, y no paramos.

Yo, por un lado, cuando veo un poco en perspectiva, cuando conseguimos ver un poco en perspectiva a Zamba, me asombra que no se le haya ocurrido a alguien antes… si la historia es una aventura extraordinaria, divertidísima, porque la hicimos nosotros y no alguien antes. A mí me asombra.

Lo que hicimos, me parece, fue unir algunos puntos que estaban ahí… uno es que la historia es una aventura disponible, y hay un conjunto de emociones colectivas disponibles, también, para que alguien las levante, las agite un poco y convoque a todos ese lugar… que es un poco de todos, el lugar de la historia. Creo que otro componente insoslayable es el sentido público; es decir, el origen de Zamba es la escuela, y eso que pactan los chicos con los adultos, en relación a que el contenido está bueno. A mí, como adulto, me encanta que mis hijos estén aprendiendo con Zamba.

Además, hay un equipo muy convencido y muy decidido a hacer esto; un Estado, a través del Ministerio de Educación; la gratuidad; cierta idea exuberante de que Zamba tiene que estar en todos lados, con múltiples formas; la idea de la historia, ese colectivo que sentimentalmente, emocionalmente, nos reúne y nos llama de vez en cuando. Todos eso, me parece, son los componentes que tiene Zamba y que hacen eso que podría llamarse éxito.

¿Cómo se lleva a cabo la coordinación entre las diferentes áreas de producción? ¿Quiénes son los encargados de que todo funcione en armonía?

Armonía es algo que no conocemos. Sabemos que es algo de la música, pero no del mundo de Zamba.

[Risas]. Lo que pasa con un desarrollo como el de Zamba es la falta de planificación y hace que Zamba esté a expensas de los estímulos: “Hay que llegar al musical en un mes y medio”, “Hay que hacer cincuenta capítulos de Zamba en ocho meses… y a la mitad del precio de lista”. ¿Cómo se hace?

En principio, lo que hay es un equipo con un gran convencimiento de que estamos frente a la oportunidad histórica de producir un contenido que nos gusta, nos divierte, que nos desafía todo el tiempo, y que te pide un litro de sangre todos los días. Hay un gran equipo humano, que tiene varias campanas. Si venís en junio, son zombies, zombies que trabajan muy dedicadamente, y con un amor extra que le ponen al proyecto que hace que todo más o menos salga bien. Pero es muy difícil administrar los flujos de trabajos, dirigirlos; a nosotros se nos hace bastante difícil.

muy convencido

hay un equipo

y muy decidido

a hacer esto

La demanda de Zamba es muy dispersa. En este mismo momento, estamos terminando veinticinco capítulos (que tenemos una ventana de un año para hacer), venimos de hacer el musical, el parque, estamos haciendo los e-books, estamos haciendo los libros, los apps de Zamba. Y es más o menos el mismo equipo.

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Planificar la demanda en Zamba es difícil. Camila, la productora general de Zamba, no sabe por dónde le va a venir la cosa. No sabe qué le va a pasar la semana que viene, qué nos van a pedir. Entonces, es administrar una fuerza de trabajo que tenés que repartir en diferentes proyectos. Claro que hay algunos baluartes enormes que tiene Zamba, como el grandísimo equipo de dirección: Fernando Salem, Sebastian Goldberg, María Antolini… Hay un grandísimo equipo que trabaja y le rinde tributo todos los días, y que piensa que Zamba no es solamente un dibujo animado, hay que pensarlo en todas las dimensiones.

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Tenemos una grandísima directora de animación que es Ángeles Cornejo, que maneja hasta quince o veinte animadores (depende en qué momento del año estemos), y maneja estímulos muy diferentes. Es un equipo muy flexible; absorber todo lo contingente de Zamba exige, por un lado, mucha heterodoxia pero, por otro lado, un retorno a la ortodoxia, y decir: “Nuestra línea de trabajo es esta, no la perdamos”. Es un sacrificio humano que, para mí, va más allá del compromiso profesional: grandes animadores, grandes productores, grandes directores, gran dirección musical de Leo Sujatovich, grandes voces (¡grandísimas!) y, sobre todo, un corazón y un entendimiento de qué tipo de cosa es Zamba. Porque, de verdad, no sabemos por dónde va a venir el pedido, ni por donde va a atacar la próxima y gran aventura de Zamba. Pero sí sé que tengo un equipo de templarios, sin dudas. Lo que a mí me asombra es que ya llevamos tres años de durísimas campañas, algunas de pronósticos improbables, y hemos vuelto casi siempre con victoria.

¿Qué proyectan para Zamba en el futuro?

Tengo la sensación de que recién vimos el piso y que, todavía, no hicimos el techo. Estamos en la altura del piso en cuanto a las posibilidades de Zamba. Creo que vamos a hacer más capítulos, que vamos a hacer una película. Apunto, y trato de que apunte, a la idea de que Zamba tiene que concentrarse en tener más convergencia digital. Tiene que ser mucho más fuerte la marca, el registro, que deje Zamba en el mundo digital, cosa que no tenemos todavía.

Creo que vamos hacia ahí, me gustaría que haya más unidad en Zamba, que todas las experiencias que se atraviesan cuando vas a un musical, al parque, a la escuela, cuando ves el capítulo en tu casa, cuando ves algo en Internet, tengan más unidad. Estamos intentando que pase eso, insisto, por las condiciones de producción de Zamba. Es algo fácil de pensar, pero no algo fácil de hacer. Queremos, quiero, y ojalá quieran, que Zamba vaya hacia allí.

Planificar

la demanda en Zamba es difícil.

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Ángeles Cornejo, directora de animación de El Asombroso Mundo de Zamba

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¿Te dedicas exclusivamente a trabajar en El Asombroso Mundo de Zamba?

En la productora lo que hacemos de animación, principalmente, es Zamba. Así que, mayormente, me ocupo de eso. Pero cuando surgen otras tareas de animación, también voy hacia allí. Soy la encargada de ocuparse de todo lo que se mueve. ¿Cuáles fueron sus aspiraciones a la hora de darle vida a este personaje?

Originalmente, yo no estuve en la primera temporada; entré recién a partir de la segunda, por lo que los chicos me han contado, inicialmente el canal no pidió un dibujo animado, sino otra cosa; pero surgió desde la productora la propuesta de hacer este dibujo animado. Lo pensaron Fernando Salem (realizador), y Nicolás Gargano (diseñador e ilustrador), y trabajaron con Nazareno Rosso, un animador que venía del mundo de motion graphics.

Todo el grupo de animadores que trabajó en la primera temporada era más proveniente de esta escuela. Inicialmente, darle vida a Zamba fue moverlo como se pudiera y que quedara, más o menos, lindo. Definitivamente así quedó, quedó muy bien.

Pero no hubo una propuesta específica de la caracterización a través de la animación; eso comenzó a surgir a partir de la segunda temporada con nuestra incorporación: un equipo de animadores provenientes de la escuela de animación de personajes. Así, de a poquito, empezamos a darle otro carácter a la animación.

Soyla

encargada de o c up a r s e de todo

lo que se mueve. ¿Cómo y por qué se tomó la decisión de desarrollar a Zamba en animación 2D? Siendo Fer y Nico las cabezas de la idea del proyecto, pensaron que el 2D era lo que tenían al alcance, por una cuestión de tiempos y porque era lo que sabían hacer. Esta no era una productora de animación (ahora sí, porque hacemos Zamba, que se volvió una plataforma gigantesca), pero cuando empezaron con Zamba no se imaginaron que iba a ser algo tan popular. ¿Qué posibilidades creen que permite el cutout digital por sobre otras técnicas?

El cutout es muy económico a nivel tiempo y, para nosotros, es fundamental eso, porque siempre tenemos muy poco tiempo y, con el avance de las temporadas, logramos una especie de cutout-cartoon muy interesante. Nos sale bastante bien y rápido, e insisto, eso es fundamental porque siempre corremos detrás de las fechas.

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¿Cómo es el proceso de producción de un capítulo de Zamba desde la animación?¿Qué softwares utilizan?

Nos llegan el animatic y el arte en paralelo y, a partir de ahí, nuestro cálculo promedio es que un animador hace dos minutos semanales, en promedio, porque obviamente hay cosas más sencillas que otras. Tenemos un par de asistentes de animación que nos preparan todo el material; tenemos ya una biblioteca, una librería de animaciones básicas hechas y el animador recibe el material y, además de animar, compone. Eso nos ahorra un montón de tiempo. En cuanto al software, utilizamos Adobe After Effects.

¿En qué se diferencia Zamba de otros proyectos? ¿Alguna vez tuviste un desafío así?

Siempre trabajé a contrarreloj, pero nunca al nivel de Zamba, pero no sólo por el tiempo, sino porque propone un desafío cada vez más grande.

Al principio, hacíamos las excursiones, que son los capítulos de historia más largos. Teníamos quizás dos meses para animar veinte minutos. El año pasado surgió la propuesta de hacer cincuenta capítulos, que teníamos que terminar en cuatro meses, porque teníamos fecha de aire; eso fue un desafío grande. En el medio, surgió un musical; después, unas pantallas interactivas con la banda de Zamba en Plaza de Mayo; después, veinticinco capítulos; después, otro musical. Nosotros nos ocupamos de hacer todo lo que se mueve en las pantallas.

Digamos que el gran tema es que siempre tenemos poco tiempo, pero entusiasma y encanta lo que hacemos. Es un poco difícil sacrificar el trabajo en los detalles y que quede todo precioso. De todas maneras, tenemos un muy buen equipo y nos las ingeniamos para sacar todo en poco tiempo y bien.

Si van a ver el musical, les va a volar el copete.

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gafas 3D

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LAREVISTADEANIMACIÓNARGENTINA

10:00 hs

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17:00 hs

taza personalizada 18:30 hs

LA REVISTA DE ANIMACIÓN ARGENTINA

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www.pakapaka.gob.ar

Pakapaka FACUNDO AGRELO COORDINADOR GENERAL DE CONTENIDOS

LA REVISTA DE ANIMACIÓN ARGENTINA

Mini Bio n qué momento y en función de qué necesidades surgió el canal Pakapaka?

Pakapaka comenzó siendo una franja infantil dentro de Canal Encuentro, durante prácticamente tres años. En septiembre del 2010, se lanzó como canal integral para chicos, como un canal nuevo.

La necesidad del surgimiento de Pakapaka tiene que ver, por un lado, con los lineamientos de la Ley de Servicios de Comunicación Audiovisual, que expresa el derecho a la información, a la comunicación y la necesidad de la existencia de canales públicos que le hablen a todos los sectores de la sociedad, y sobre todas las temáticas.

Por el otro, la motivación está relacionada con una mirada respecto a la infancia que empezó a tener la sociedad en sí, el Gobierno, y determinados actores sociales.

Además, el Canal tiene principios y pilares filosóficos que lo sustentan, relacionados con estimular el ejercicio de la ciudadanía en los niños, fomentar la ampliación de sus derechos y motivar el desarrollo, siendo estos los ejes centrales que están implicados con los fundamentos que comentábamos sobre la Ley de la Comunicación Audiovisual y esta política comunicacional del Estado a partir de la experiencia en Canal Encuentro.

E

PAKAPAKA Pakapaka es un proyecto educativo cultural, que comenzó como un canal televisivo en el año 2010 por el Ministerio de Educación de la Nación. Entre las metas de este proyecto público, buscan ser un espacio infantil, educativo y federal, con el compromiso de ofrecer contenidos que amplíen el repertorio cultural ofrecido en televisión para los infantes argentinos, generando un espacio para la participación y el ejercicio de ciudadanía de los televidentes.

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¿Creés que el canal estimuló de alguna forma la producción de contenidos a nivel nacional? ¿Mediante qué mecanismos?

De hecho, no sólo estimuló, sino que en muchos casos permitió que se crearan nuevas producciones nacionales. Nosotros, hace seis años -si bien el canal, en realidad, comenzó hace cuatro-, comenzamos a trabajar en producción. Pero las producciones llevan tiempo. Para tener noción de la magnitud en el crecimiento de la producción, cuando hicimos la primer licitación encontramos sólo tres casas productoras que realizaban específicamente animación infantil (sin contar agencias publicitarias). Hoy, ya trabajamos con más de cincuenta.

Ese número da cuenta de la cantidad de casas productoras que fueron surgiendo... no exclusivamente por Pakapaka, sino porque también otros canales privados infantiles decidieron empezar a hacer producciones acá, cuando antes no hacían. Esto fortaleció al sector.

De todas maneras, básicamente, quien estimuló especialmente el desarrollo del sector y quien lo afianzó, fue Pakapaka. En muchos casos, también el INCAA, que desarrolló políticas específicas para la animación infantil. Así, poco a poco, también en el interior aparecieron productoras. ¿Cómo se lleva a cabo la selección y coordinación de contenidos? ¿Se coordinan los contenidos de la programación en etapas de preproducción o se realiza exclusivamente en la selección del material ya producido?

Hay varias etapas, y tenemos dentro del canal dos departamentos que se encargan específicamente de llevar a cabo la selección y coordinación del material: por un lado, el departamento de contenidos y, por el otro, el departamento de desarrollo de proyectos.

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El primero establece periódicamente metas de contenidos a desarrollar en un período de tiempo, como puede ser, por ejemplo, un año, pensando contenido para diferentes targets, vinculados al trabajo de los niños en la escuela, contenidos relacionados con lo psicomotriz y emocional de los chicos, o contenidos que tienen que ver con situaciones más coyunturales, como lo fue este año, por ejemplo, en relación al Mundial.

Todas estas variables se analizan y, en base a eso, se establecen distintos criterios, prioridades de contenidos, de acuerdo al tipo de programa que nos interesa desarrollar. No hay una única manera de abordar los contenidos, y no todos los programas tienen el mismo peso en cuanto a contenidos. Algunos poseen alguna mirada estética que nos interesa transmitir.

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Por otro lado, el área de proyectos recibe los proyectos que llegan al canal evaluando la conveniencia y pertinencia del mismo para la pantalla de Pakapaka. ¿Cómo hace una productora para presentar el propio? ¿Cómo es el proceso?

En principio, cualquier productora interesada puede ingresar a la página web de Pakapaka y dirigirse a la sección “Presentación de proyectos”, donde hay un instructivo. Nosotros, a esta altura, estandarizamos la presentación de los proyectos, ya que así es la única manera que tenemos de poder analizar la cantidad de proyectos que nos llegan. Hay un formulario donde se pide el presupuesto, el concepto de la serie, el target al que está dirigido y la experiencia previa de la casa productora, entre otras cuestiones.

Todo eso está disponible en nuestra web.

a esta altura,

estandarizamos la presentación de los proyectos, ya que así es la única manera que tenemos de poder

analizar la cantidad de proyectos que nos llegan

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Cuándo un proyecto se aprueba y se quiere hacer el proyecto transmedia, expandirlo más allá de la televisión, como es el caso de Zamba, ¿en qué situación se encuentran los derechos entre el canal y la productora?

El tema de los derechos está bastante estandarizado. Hay algunas cuestiones técnicas pero, básicamente, los derechos son proporcionales al aporte que el canal hace sobre el proyecto. Si el canal aporta el cien por ciento de la financiación, tiene el cien por ciento de los derechos sobre la serie. No sobre la idea, o sobre los guiones (ahí ya entran en juego los derechos de los autores), pero sí sobre el producto final. Tenemos algunos productos que desarrollamos y financiamos enteramente; también coproducciones donde participamos con un cuarenta o cincuenta por ciento de la financiación; y otros productos (más caros, pero que nos interesan), donde participamos con un diez por ciento. El canal se queda, entonces, con los derechos proporcionales al aporte que hizo al proyecto o producto final.

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En cuanto a la grilla de programación, ¿qué proporción de lo emitido son estrenos?

Hay una cantidad de horas de programación de estrenos y otra cantidad de repeticiones. Esta es una cuestión común a todos los canales. Nosotros proporcionamos alrededor de seis horas de estrenos. Algunos canales llegan a ocho. Luego se emiten repeticiones de programación.

Nosotros repetimos programación por un tema de estrategia, para que el programa lo puedan ver la mayor cantidad de chicos, ya que hay chicos que van a la escuela de mañana y otros de tarde. ¿Cómo coordinan los contenidos en base a un público de diferentes franjas etáreas?

De acuerdo a determinados criterios, vamos acomodando los programas y sus repeticiones, dependiendo de la audiencia. Hay que tener en cuenta que nosotros tenemos un target muy amplio: de dos a doce años.

La coordinación de los contenidos en los diferentes horarios tiene que ver con que hay estudios encargados del análisis sobre en qué horarios miran televisión las determinadas audiencias. En general, los más chicos miran la televisión más temprano y después del mediodía; mientras que los chicos más grandes suelen mirar televisión más tarde. ¿Tienen algún tipo de coordinación con los diseños curriculares escolares?

No existe una coordinación ya que Pakapaka no tiene la función de suplir la función de la escuela, no está pensado para reemplazar determinados temas curriculares. El canal apoya con material audiovisual y refuerza determinados abordajes que hace la escuela, tiene la función de ampliar la currícula. Lo que hace Pakapaka es reforzar desde un soporte al que los chicos están muy vinculados, como es la televisión… en un principio, ya que Pakapaka tiene página web.

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¿Cómo integran la transmisión televisiva con los contenidos distribuidos a través de Internet? ¿Qué otros medios de comunicación manejan desde Pakapaka?

Hoy en día, Pakapaka ya no es un canal de televisión, sino un proyecto educativo cultural. La oferta y los canales por los cuales se desarrolla el trabajo de Pakapaka es muy amplia. Además de la transmisión por televisión, posee una página web y un sitio desde desde donde se pueden descargar todos los programas. También cuenta con páginas en las redes sociales de Facebook y Twitter. Estamos desarrollando aplicaciones para celulares, para e-books y pequeños sitios web para determinados programas. En particular, para determinados targets de edad que se encuentran más vinculados tanto a las redes sociales como a las nuevas tecnologías -como tablets-, adaptamos o desarrollamos contenidos específicos para esos soportes.

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También tenemos suplementos en revistas, y distintos espacios como el Musical de Zamba, el Parque de Diversiones Pakapaka en Tecnópolis, obras de teatro, y festivales en distintas ciudades del país, donde llevamos música, espectáculos teatrales y shows con actores.

Desde su lugar, ¿qué es lo más gratificante de Pakapaka?

Pakapaka trae gratificaciones permanentemente, pero las más grandes no las da un premio, sino los chicos mismos: verlos cantando las canciones de los programas, vistiéndose como Zamba o como San Martín. Eso es impagable, porque hay algo que los chicos tienen: mucha autenticidad. Si ríen, bailan o cantan es porque realmente les llega.

Pakapaka, a pesar de que sólo tiene cuatro años, tuvo reconocimientos muy importantes tanto en Argentina como en todo el mundo. Eso también es muy gratificante, pero creo que está por debajo de lo otro.

¿Qué metas tienen para el futuro?

Hay metas que se repiten y se van renovando.

Nuestro target siempre es el mismo, pero los chicos van creciendo. Entonces, se van variando constantemente. La fidelidad de la audiencia dura lo que dura la infancia de esos chicos. Es decir, una vez que el nene creció, se renueva la camada de niños.

Hay que estar muy a alerta a los hábitos de los chicos, ya que van cambiando, mutando... y con mucho vértigo. Hoy, muchas estructuras narrativas que los chicos entienden y que les gustan, están relacionadas con los videojuegos. Antes no era así. Entonces, hay que estar atentos a esos cambios que los niños van adoptando.

hay algo que los chicos tienen:

mucha autenticidad Por el otro lado, hay metas que tenemos desde el principio y que, tal vez, hay que profundizar: llegar cada vez a más chicos, lo que implica que conozcan más sobre derechos, que tengan más herramientas para formarse como ciudadanos, que conozcan la diversidad, las formas narrativas. Nuestro ideal es poder llegar a todos los niños, y eso es un norte que tenemos siempre presente.

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Bea

Blankenhorst ANIMADORA ESPECIALIZADA EN STOP MOTION

Mini Bio ué podés contarnos sobre tu experiencia formándote en el extranjero?

Nací y crecí en Santa Fe antes de la era de Internet. La experimentación artística y la búsqueda de ampliar mis propios horizontes fueron motores que me impulsaron a no quedarme nunca quieta. Supe desde chica que, para conocer el mundo, para ver cómo se vive y se hace en otros lugares, me tenía que mover. Tenía impresiones que me llegaban a través del cine, la pintura y la música. Imaginaba que en otros lugares iba a encontrar otra luz, otros colores, texturas y sonidos. Estudié Comunicación Social en Paraná, al mismo tiempo que hice el Taller Experimental de Cine y Video de Santa Fe. Amo el Litoral y viví ese período con la misma intensidad que mis años en el exterior.

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BEA BLANKENHORST Es una animadora nacida en Santa Fe, que estudió realización y animación en la FAMU de Praga (República Checa), en Konstfack University College of Arts (Suecia), y en el ISCAA de Florencia (Italia). Completó su pasantía de stop motion en Inglaterra. Fue becaria por dos años consecutivos de la Fundación Antorchas. Es Directora de Animación, Asistente de Dirección y Coordinadora de Producción de largometrajes nacionales e internacionales. Actualmente, se desempeña trabajando dentro del canal Pakapaka, como Responsable de Contenidos Artísticos.

¿Pensás que haber desarrollado tu técnica en distintos países influyó tu estilo estético? ¿Qué herramientas te dio esto en el campo de la producción de animación stop motion?

Primero con un intercambio y después con el premio de un concurso literario, hice mi primera experiencia audiovisual en Italia, en el entonces ISCA de Florencia. Mi interés apuntó siempre a la dirección, pero el amor por el cine y la experimentación me empujaron a conocer un poco de cada rubro de la realización. Eso me fue muy útil en mi trabajo posterior, y aunque cuando uno empieza a formarse no sabe qué va a hacer con todas esas cosas que aprendió y parecen tan dispares, tarde o temprano todo se junta y enriquece nuestra variedad de recursos.

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Desde chica asocié la animación con la experimentación y el juego, así que no dudé en cuanto tuve la oportunidad de estudiarla más profundamente. Fue en la Escuela de Cine de Praga, en el año 1997. Llegué a la FAMU gracias a un concurso para estudiar Dirección Cinematográfica y a una beca de la Fundación Antorchas que obtuve por dos años seguidos. República Checa tiene una tradición enorme en animación y a mí me interesaba como modo de ampliar mis recursos para narrar, así que me anoté en el Departamento de Animación, paralelamente a la cursada de Realización. Allí tuve varios excelentes maestros de quienes aprendí mucho y pronto me enamoré del stop motion.

Mi tutor en animación fue el maestro Bretislav Pojar, uno de los pilares de la historia de la animación checa, pero que también pasó por el NFB de Canadá, al lado de Norman McLaren. Él, siendo generoso y estricto a la vez, me brindó las herramientas básicas y me transmitió un modo de hacer que todavía me acompaña. Como no podía parar de moverme, luego de esos dos años me mudé a Suecia, donde había un cupo vacante para cursar el último año de la carrera de Animación en la Universidad Konstfack. La Facultad de Animación tenía docentes como Piotr Dumala y Yuri Norstein, pero no contaba con un estudio profesional para stop motion. Como parte de mis estudios, Konstfack financió un viaje a Inglaterra para entrevistar y asistir en sus estudios al trabajo de los hermanos Quay, Barry Purves, Bolexbrothers y John Wright Modelmaking. En mi regreso a Suecia, diseñé el estudio de animación stop motion de la Facultad, a partir de mis observaciones en Inglaterra y mi experiencia previa en República Checa. Ahí animé una buena parte de mi film de tesis.

animaci贸n fue el Mi tutor en

maestro

Bretislav Pojar

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El encuentro con todos aquellos artistas fue una experiencia sumamente enriquecedora. Aprendí de sus modos de hacer y de pensar el cine de animación, en algunos casos profundamente experimental y en otros más adaptado a la industria, lo que sin dudas me acompaña y me inspira en el presente.

Aprendí de sus

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modos de hacer y de pensar el cine de animación La impronta estética que me dejaron esas experiencias fue muy fuerte. Por un lado, era cierta mi intuición sobre la riqueza de luces, colores, texturas y sonidos que el mundo tiene para ofrecernos. Eso es un patrimonio que todos tenemos y me parecen tristes las modas que marcan patrones que ponen límites al goce estético de la vida. Por otro, la diversidad de modos de hacer el cine y la animación que conocí, tanto en Europa como en Latinoamérica, me brindaron herramientas y una buena cantidad de ideas que saco de la manga cada vez que es necesario encarar algún proyecto nuevo. Sin duda, este recorrido me permitió formar una visión amplia y fácilmente adaptable a los diferentes contextos de trabajo.

Con respecto a mi estilo estético, creo que es fruto del encuentro entre este bagaje y el amor y la fascinación por mis raíces que me hacen sentir profundamente la identidad latinoamericana. ¿Qué podrías contarnos sobre tu rol actual en el canal Pakapaka? ¿Qué actividades llevás a cabo como Responsable de Contenidos Artísticos?

Es un desafío permanente. Pero es un placer enorme y un gran orgullo tener la posibilidad de hacer televisión infantil de calidad. En Pakapaka no hay dos proyectos iguales. No se trabaja con recetas, sino que cada serie se piensa y se desarrolla entre varias personas, sumando miradas, todos con una profunda convicción de que es nuestra oportunidad de hacer lo que amamos y dejar una huella en nuestra sociedad. Somos conscientes de lo que implica que un niño o una niña puedan sentirse interpelados como sujetos de derecho y no sólo como potenciales consumidores, verse reflejados, ellos y su entorno, conocer la diversidad con una mirada inclusiva, evitando los estereotipos, donde lo federal no es algo contado desde Buenos Aires como centro, sino que es reflejo de distintas formas de ser y estar en el mundo.

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Como Responsable Artística de Pakapaka, tengo como eje principal de mi trabajo el planteo y desarrollo de los criterios artísticos del canal y de los programas, generando y cuidando su identidad visual, investigando, acopiando referencias estéticas, pensando nuevos recursos e ideas, intentando sorprender sin dejar de ser nosotros mismos, buscando que cada decisión que se tome cotidianamente (desde el montaje hasta la paleta de colores o la voz de un personaje), estén en sintonía con la filosofía del canal y sean coherentes con nuestro target, que son los niños. Es un espacio que permanentemente me permite estar en contacto con la realización tanto live action como de animación.

Desde tu trabajo en este espacio, ¿cuál es tu opinión sobre el campo de la animación nacional en este momento específico de nuestra historia audiovisual?

Me entusiasma muchísimo encontrar tanto interés en la animación, que sin duda se multiplicó en estos años. Hay mucha gente trabajando de manera muy profesional; hay estudios y productoras que fueron especializándose en el público infantil; hay artistas experimentando con una gran seriedad. Me da una enorme felicidad cuando llegan a estar en nuestra pantalla, porque todos ellos aportan calidad artística a la televisión que pueden mirar los chicos y expanden sus universos culturales a la vez que les ofrecen entretenimiento.

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¿Qué podés contarnos sobre tu proyecto Paso a Paso? ¿Cómo se conforma el equipo de trabajo?

Paso a Paso es el nombre provisorio del proyecto.

Es un corto de animación que surgió de una idea que tuve originalmente hace unos años y que fue creciendo gracias al encuentro, primero con Manuel Infantino, Productor Delegado del canal, apasionado por la animación, y luego con él resto del equipo. Manu había producido algunas animaciones que yo había animado para el canal, y el resultado nos había dejado muy entusiasmados con la idea de realizar un proyecto propio en nuestros ratos libres. Así fue que le conté mi idea y él, que siempre pregunta, cuestiona y desafía, me puso afortunadamente en el compromiso de llevarla aún más lejos, de hacerla crecer.

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¿Qué técnicas y materiales utilizan para crear utilerías, decorados y vestuarios? ¿Cómo se genera la ilusión de la escala real a través de las texturas y el tratamiento de los materiales?

Manuel convocó a Diego Cirulli al equipo para hacer el diseño de los personajes y las maquetas.

Diego es un artista plástico de enorme nivel.

Siendo tan joven, tiene además una experiencia larga en trabajar como realizador de escenografías en el Teatro Colón. Sus diseños son un lujo. Él interpreta pacientemente mi búsqueda y le aporta el talento de su mano y su técnica exquisita.

Diego convocó al grupo a otro artista plástico y artesano, Eduardo Gismondi, de profesión luthier, con muchos años de experiencia en joyería. Él tiene el pulso perfecto y el conocimiento de los materiales, además del detallismo riguroso, necesarios para realizar tanto los esqueletos como los decorados en escala del corto. Yo, por mi parte, disfruto muchísimo realizando toda la parte textil, tanto de decorados como de vestuarios. El trabajo en escala demanda muchísima paciencia, pero nos divierte tanto que pasamos con gusto nuestro tiempo libre avanzando en algún mueble o en algún vestido o chaleco tejido a cuadros en miniatura. Hace poco empecé a probar microtejidos con agujas de escarbadientes, y hasta con un par de alfileres.

Usamos materiales bastante nobles, porque nos fascinan sus texturas y colores reales. Por ejemplo, para el sillón principal, Eduardo trabajó con trozos de madera de nogal, laqueada a muñeca, mientras que para el tapizado usé un terciopelo antiguo.

Tengo una colección de retazos de telas, cintas y encajes realizados a mano de hasta más de cien años de antigüedad. Son muy pequeñitos, inusables para otra cosa, pero en escala, cobran una dimensión y aportan unas texturas y colores únicos.

Tengo que agradecer a todas las personas que se desprendieron tan generosamente de esos recuerdos. Los van a ver volver a la vida en nuestro corto.

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¿Qué proceso llevaron a cabo para la construcción de esqueletos?

Los esqueletos fueron realizados por Eduardo en bronce y acero, según la técnica clásica de asiento y bolilla con que aprendí a animar en Praga, con algunas innovaciones que luego descubrí al trabajar con las estructuras inglesas de John Wright, y modificaciones nuestras que resultaron muy útiles. Ya estoy haciendo pruebas de animación con ellos y funcionan excelentemente. El próximo paso será recubrirlos, tarea que va a realizar Marcos Berta, artista de FX de primer nivel.

Usamos

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materiales bastante nobles ¿Qué tipo de financiación y apoyo institucional pudieron obtener hasta el momento? ¿Qué esperan obtener en el futuro?

Este proyecto obtuvo una beca del Fondo Nacional de las Artes para su preproducción, y quedó seleccionado para recibir aportes a través de la Ley de Mecenazgo, por lo que estamos en la instancia de conversar con empresas interesadas en apoyar su realización.

¿Qué recomendarían a aquellos interesados en incursionar en el stop motion en nuestro contexto tecnológico específico?

A menudo nos consultan personas interesadas en empezar a animar con esta técnica. Creo que el recorrido en el campo del arte es algo muy personal. Hay conocimientos básicos y hay todo el tiempo cosas nuevas que aprender, pero la forma en la que cada uno se encuentra con esos conocimientos es absolutamente individual, más aún en el área de la animación experimental. No hay una sola forma de animar. Las técnicas no están para limitarnos. Mi filosofía al respecto es mantener un poco el espíritu de los primeros animadores: experimentar, jugar, poner el cuerpo en los materiales y la cabeza en el ingenio para resolver desafíos.

Lo que sí recomiendo, sin lugar a dudas, es que elijan la técnica que sientan más cercana a su forma de ser. La animación es algo muy laborioso, así que algo de todo eso tiene que darles mucho placer. A fin de cuentas, la animación no es sólo los fotogramas que vemos, sino también todo lo que pasa entre captura y captura. Ahí se esconde la vida de un animador.

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INCAA

Nuevos concursos del

www.incaa.gov.ar

PARA SERIES ANIMADAS

Mini Bio

CAMILA ROCHA COORDINADORA GENERAL DE CONTENIDOS PARA TV, INTERNET Y VIDEOJUEGOS DEL INCAA. Diseñadora de Imagen y Sonido, graduada de la Universidad de Buenos Aires. Actualmente se desempeña como Coordinadora General de Contenidos para TV, Internet y Videojuegos del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA). Coordina el área de Animación del INCAA desde el año 2011, en el marco del Plan Operativo de Promoción y Fomento de Contenidos Audiovisuales Digitales, encarado por el Ministerio de Planificación Federal de la Nación, dirigiendo programas de fomento a la producción de contenidos en dicha área.

Fue jurado, en los últimos tres años, del Festival Internacional de Animación Expotoons (Argentina) y en la edición 2014 del Festival Internacional de Animación Chilemonos (Chile), en donde también fue la representante por Argentina en la Primera Plataforma para la Coproducción de Animación Latinoamericana, junto a exponentes de las principales instituciones audiovisuales de México, Colombia, Brasil, Uruguay, Chile y Perú.

Nuevos concursos del INCAA para series animadas.

Una nueva edición de concursos para el incentivo de la producción de animación fue emitida por parte del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales. Se trata de una excelente oportunidad, tanto para productoras con experiencia como para productoras noveles, para poder llevar a cabo la realización de series animadas que serán emitidas posteriormente en la televisión nacional.

Camila Rocha, Coordinadora del Área de Animación del INCAA, anticipa cómo será el formato de los concursos y da algunas recomendaciones para aquellos interesados en participar.

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¿Cuáles son las expectativas que tiene el INCAA para esta nueva edición de concursos para series de animación, teniendo en cuenta la experiencia del concurso pasado?

Una vez más, el objetivo desde el INCAA es poder seguir profundizando el apoyo y fomento a la producción de contenidos de animación.

La experiencia pasada ha sentado un antecedente importantísimo para el Estado. En esa oportunidad, el espíritu era generar un espacio propio y específico, donde todos los profesionales de la animación argentina estuvieran contenidos, generando una serie de convocatorias que nos permitieran conocer mejor las necesidades del sector. El resultado fue superador, y nos dio la chance de corroborar el enorme potencial técnico y artístico que existe a lo largo y a lo ancho del país en materia de animación.

En aquellos concursos, se presentaron más de doscientos proyectos de todas las provincias, lo que generó que, además de premiar a dieciocho series, pudiéramos conocer a muchísimos realizadores del sector, y sumar esfuerzos para poder brindarles herramientas, que no sólo tuvieron que ver con el financiamiento de series de animación, sino también con un espacio de capacitación profesional, tanto sobre aspectos técnicos como sobre la exportación y comercialización de los contenidos en ventanas internacionales.

¿Hay algunos puntos o áreas específicos en los que se trabajaron para este nuevo concurso, en función de mejorar algunos aspectos de la experiencia anterior?

En primer lugar, en estas convocatorias de animación, como en las demás del Plan Operativo de Promoción y Fomento de Contenidos Audiovisuales Digitales, siempre redoblamos la apuesta en lo que tiene que ver con el monto de los premios a otorgar. En aquella oportunidad, en 2012, habíamos convocado a realizadores operaprimistas a presentar proyectos de "Series de animaciones federales" de cuatro capítulos de tres minutos cada uno, otorgándoles a cada uno de los seis ganadores (uno por cada región del país, para que realmente se tratara de un concurso federal), un presupuesto de ochenta mil pesos para la realización integral de la serie.

En el caso de productores que ya poseían experiencia comprobable en el medio, el concurso que los convocaba era el de "Series de Animaciones Nacionales, para productores con antecedentes", en el cual se destinaban seis premios de trescientos veinte mil pesos para proyectos de series animadas de cuatro capítulos de once minutos cada uno.

En la convocatoria actual, se duplica la cantidad de capítulos de cada serie, de ambas convocatorias, entendiendo que estos nuevos formatos pedidos se adaptan más a un formato de programación de las pantallas que luego emitirán dichas producciones, por un lado; y además, se adapta mucho más a los estándares adecuados para, luego de terminada la pieza, conseguir comercializarla internacionalmente en mercados de distribución de contenidos del exterior.

De esta manera, las "Series de Animaciones Federales" destinadas a productores sin antecedentes, en esta oportunidad premiarán proyectos de series de ocho capítulos de cuatro minutos cada uno, con un presupuesto total de cuatrocientos dieciséis mil pesos.

En el caso del Concurso "Series de Animaciones Nacionales, para productoras con antecedentes", las presentaciones a premiar son proyectos de ocho capítulos de once minutos, con un monto de un millón cuatrocientos cuarenta y cuatro mil pesos para la realización integral de la misma.

Por esto, queda expuesto que este año se incrementó ampliamente el costo del minuto animado con respecto a la convocatoria anterior, y creemos que la cantidad y calidad de proyectos de esta nueva iniciativa superará, una vez más, las expectativas pensadas en su lanzamiento.

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Tomando la experiencia previa, ¿qué observaciones pudieron hacer en cuanto a los estándares de calidad de las propuestas presentadas?

En la edición anterior, el trabajo de los jurados no ha sido fácil. La calidad técnica y artística de las propuestas fue de un nivel muy alto, lo que hizo muy minuciosa la tarea de ellos a la hora de elegir los proyectos a premiar.

co ntar

susdesde historias cada rincón del país.

90 Entendemos que, en esta oportunidad, será un desafío más complejo, ya que confiamos en la enorme capacidad de los realizadores nacionales, y eso es lo que enriquece y le da vida a estas iniciativas; que los proyectos sean atractivos, originales, superadores, y que los equipos de trabajo que los presentan tengan la seriedad y responsabilidad necesaria para encarar las producciones. Si todo esto sucede, el enorme esfuerzo que hace el Estado Nacional, por medio del INCAA y del Ministerio de Planificación Federal, cumple con su máximo objetivo, que es apoyar a la democratización de la producción audiovisual, y que todos los realizadores del país tengan los fondos y medios para poder contar sus historias desde cada rincón del país.

¿Qué recomendaciones podrías darle a todos aquellos que están trabajando para presentar sus proyectos a estos concursos? ¡La clave está en que tomen la decisión de apostar a sus proyectos y no duden en presentar sus propuestas a los concursos!

Es muy importante, primero que nada, que lean minuciosamente las bases y condiciones, y de ahí evacuen todas las dudas que surjan. Deben poner mucho énfasis en la parte artística de la idea, en desarrollar claramente qué quieren contar y de qué manera lo harían. Lo central es poder plasmar en esas carpetas el verdadero espíritu del proyecto, qué los motiva a realizarlo, por qué sienten que esa historia debe ser producida.

Por otro lado, la carpeta que entreguen es la carta de presentación ante el Jurado, así que es importantísimo que se centren en la prolijidad de la presentación, el orden y la claridad. Y, básicamente, que confíen en lo que quieren hacer, no subestimen ninguna idea, por más irracional o imposible que parezca. Todos los proyectos que salgan desde las ganas y el deseo de los realizadores que tienen ganas de trabajar en lo que les gusta, siempre se pueden llevar adelante con dedicación, y llegar muy lejos.

A eso apostamos con estas convocatorias, a producir más y mejor, a seguir haciendo crecer la potente industria audiovisual argentina, y a seguir aportando al desarrollo cultural nacional, desde el trabajo, la calidad y el profesionalismo.

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Convocatorias 92

Series de Animación Federal convoca a productores con o sin antecedentes, de las seis regiones del país: Centro Metropolitano, Centro Norte, NEA, NOA, Cuyo, Patagonia. Se deberán presentar proyectos de series de ocho capítulos de cuatro minutos cada uno. El premio para la financiación total de la series será de $416.000 ($52.000 por capítulo).

De todos los proyectos presentados, se preseleccionarán cinco por cada una de las regiones, que asistirán a una instancia de capacitación y taller de fortalecimiento en las áreas de producción, dirección y guión.

De esta etapa, surgirán los seis ganadores designados por el Jurado Evaluador, conformado por quince miembros: cinco de ellos evalúan la totalidad del material, mientras que cada región contará con dos jurados autóctonos de las mismas que calificarán a los proyectos de su región.

El plazo de realización para las series, una vez acreditada la primera cuota, es de ciento cincuenta días corridos.

Series de Animación para Productoras con Antecedentes convoca a productores que puedan acreditar antecedentes de producciones animadas de, al menos, doce minutos de duración, que hayan sido exhibidas o estrenadas en pantallas de cine, TV, publicidad o afines, para presentar proyectos de series animadas de ocho capítulos de once minutos cada uno. La suma total del premio asciende a $1.144.000 ($143.000 por capítulo).

Entre la totalidad de los proyectos recibidos, el Jurado, conformado por cinco miembros reconocidos de la animación nacional, seleccionará seis ganadores de todo el país. El plazo de realización para las series, una vez acreditada la primera cuota, es de ciento ochenta días corridos.

Plazo de convocatoria: 1 de agosto al 19 de septiembre Bases y Condiciones: www.incaa.gov.ar Consultas Teléfono: (011) 4382-1307 Mail: camila.rocha@incaa.gov.ar 93 Camila Rocha - Coordinadora General Área Contenidos Gerencia de Fomento a la Producción de Contenidos para TV, Internet y Videojuegos – INCAA.

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La octava edición del Festival Internacional de Animación Expotoons se aproxima. Comenzará el jueves 18 de septiembre y se llevará a cabo hasta el domingo 21, en la Ciudad de Buenos Aires. Habiendo comenzado en el año 2007 con la premisa de difundir la animación nacional e internacional, y generar espacios de encuentro, intercambio y difusión, este festival es hoy un importante referente para la animación en toda la región, reuniendo creativos, animadores, productoras, canales de televisión, estudiantes e interesados en la disciplina.

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Rosanna Manfredi

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Rosanna Manfredi, directora del festival, nos cuenta todas las novedades y detalles sobre Expotoons 2014.

Queremos

conocernos más y colaborar para que se generen

¿Cuáles son las novedades para la octava edición de Expotoons? ¿Qué objetivos tienen este año?

Nuestro objetivo siempre fue hacer crecer la industria y posicionar la animación Argentina en el mundo. Así y todo, este año la estrategia que sumamos a nuestros objetivos culturales está centrada en el Foro de Coproducción, donde trabajamos en conjunto con los festivales de cuatro países Latinoamericanos (Animamundi en Brasil, Cutout Fest y Axis Fest en México, Chilemonos en Chile y Expotoons en Argentina), si bien esperamos que el próximo año sean aún más. Chile sumó un acuerdo que firmamos para colaborar con generar un crecimiento de la región. El mercado de la animación tiene un gran potencial pero, como toda industria audiovisual, necesita estrategia, políticas de apoyo y leyes que permitan un gran despliegue del sector. Los países convocados están creciendo. Queremos conocernos más y colaborar para que se generen más coproducciones latinoamericanas. Sabemos que es posible -ya se está dando- y los festivales son herramientas para acompañar e impulsar el crecimiento del sector.

más coproducciones latinoamericanas

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En Argentina y en la actualidad, ¿cómo ven la industria de la animación? Desde la última vez que hablaron con Moushon!, ¿notan cambios en el sector animación nacional?

Es notable que hay un crecimiento importante del sector en general, y en el área de capacitación. Esto habla de la cantidad de jóvenes que se están acercando porque la industria audiovisual trascendió. Por ejemplo, los videojuegos abren nuevos horizontes. Hay sectores que también crecieron, como las series de animación. Hay otros que no, como el cinematográfico. Hoy, hacer una película de animación es cada vez más complejo por la falta de financiamiento que tenemos. Por eso es muy importante la coproducción, casi la única posibilidad de hacer animación es entre varios países, con toda la complejidad que esto requiere; pero es la única opción.

Estamos creciendo en calidad. En ese aspecto, Metegol y las productoras grandes aportan, junto al mundo académico de la animación, un fuerte empuje. Es impresionante ver las distintas temáticas y especializaciones que se van desarrollando. Mucho de ello veremos en Expotoons 2014.

99 ¿Está planificada para este año la versión itinerante de Expotoons? ¿En qué ciudad se va a realizar?

Continuando su etapa de crecimiento, este año Expotoons estará en la provincia de Mendoza junto al Festival Internacional de Cine Mendoza Proyecta (que se realizará del 5 al 9 de noviembre), ampliando su difusión y pudiendo así llegar a un público diverso y extenso, para que la animación argentina sea conocida en todo nuestro territorio, y nosotros conocer nuevos artistas que, en distintos rincones, se esfuerzan día a día para avanzar con productos de calidad.

Este año,

Expotoons se propuso incentivar y difundir las producciones de los animadores 100

¿Qué pueden adelantarnos respecto al concurso de ilustración que están presentando junto a la escuela Da Vinci?

Este año, Expotoons se propuso incentivar y difundir, a través de concursos y premios, las producciones de los animadores, tanto de los que recién empiezan, como los que ya tienen experiencia. El objetivo de estos concursos es encontrar nuevas voces y talentos que impulsen el desarrollo de la creación animada. Queremos acercar más aún a los ilustradores a la animación y, por ello, uno de los premios es que la productora Encuadre anime al personaje que resulte ganador. El otro premio, para cada categoría, es un Curso de Formación Profesional en Escuela Da Vinci. Ya se han presentado muchos trabajos muy diversos entre sí en cuanto a la técnica, temática, estilo y climas.

Los concursos están dirigidos a ilustradores, diseñadores y animadores, tanto profesionales como estudiantes. Pueden participar en dos categorías: Creación de Personajes y Creación de Fondos. Este concurso se propone reunir y difundir los trabajos más destacados de los ilustradores latinoamericanos de la actualidad.

Otro gran concurso que realizaremos será el Concurso de Creación, donde el Comité de Selección de Expotoons junto a Leader Entertainment harán una selección de diez ganadores, para realizar un videoclip para niños de cero a cuatro años. Convocamos a animadores, profesionales y estudiantes para participar. Los premios de este concurso serán económicos.

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¿Qué invitados internacionales van a presentarse en esta edición? ¿Va a presentarse algún invitado nacional de particular importancia?

Además de los festivales latinoamericanos, tendremos dos master classes de cuatro horas cada una. Una será la de Kiko Mistrorigo, Socio Director de TV PinGuim (Brasil), quien dará una clase titulada “Series de TV para el mundo”, en la que se explayará sobre la experiencia de TV PinGuim en creación, producción y estrategias de colocación en el mercado mundial de productos infantiles. TV PinGuim es una productora brasileña de proyectos animados, orientada a la producción de contenido propio, especialmente para el público infantil en técnicas de 2D y 3D. Además de aplicaciones para dispositivos móviles, juegos relacionados a la educación, instalaciones en museos y proyectos de tecnología para la enseñanza.

También contaremos con una master class titulada "Fx, fusión entre animación y acción en vivo", por Pablo Holcer, el Supervisor de Composición de Sony Pictures Imageworks (Canadá). Pablo participó recientemente en películas como Cloudy with a Chance of Meatballs 2, Life of Pi, The Amazing Spider-Man 2 y The Smurfs 2.

Tendremos el lujo de tener a Conrad Montgomery, Ejecutivo Creativo de Cartoon Network, quien trabaja en comedias animadas como Adventure Time, Regular Show y MAD. Además, actualmente genera desarrollos de nuevos proyectos.

Otras conferencias Internacionales serán las de René Castillo, referente del stop motion en México, de la productora Mandaraka. También tendremos a Alejandro Rojas Tellez, Director de la Escuela de Animación Digital de la Universidad Mayor de Chile, con experiencia en coproducciones. Junto a un Foro Latinoamericano, desarrollaremos el tema de las coproducciones entre países.

En cuanto a las conferencias nacionales, tendremos casos de éxito como La Asombrosa Excursión de Zamba. Estarán Ángeles Cornejo (Directora de Animación), y Camila Fanego Harte (Productora) para contarnos los diferentes procesos de la construcción de esta serie de animación y sobre cómo llegó a ser un personaje multiplataforma.

En desarrollo de multiplataformas, tendremos a Damián Kirzner, director de Mediamorfosis, con una conferencia titulada “Nuevas experiencias sensoriales para crear contenidos”. En su rol de Director y Productor Artístico, hizo programas de TV en todos los canales de aire de la Argentina y en las más importantes señales de la región.

Como consultor de medios, trabajó en Argentina, Italia, España, Uruguay y Argentina. Por otro lado, desde Pakapaka tendremos a Yanina McKerlie, quien dará la conferencia “Producir con Pakapaka”. Ralph Haiek del BAC (British Arts Center) de Buenos Aires, nos hablará del estado actual y futuro de los contenidos audiovisuales.

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Los representantes de la productora Peppermelon darán una conferencia sobre creación de personajes. Además, tendremos Mesas de Videojuegos con Alejandro Iparraguirre y Durgan Nallar, una Mesa de Crowdfunding con Ideame y un Panel de Ideas. Habrá una Mesa Académica con figuras destacadas que desarrollarán su visión para el futuro, las herramientas de las que intentan proveer al alumno, los elementos que los distinguen de otras propuestas educativas, problemáticas actuales: “qué pasa con las universidades on-line”, su adaptación a los cambios tecnológicos, dónde experimentar y estudiar animación en distintos formatos.

Contaremos con un Foro de Debate Nacional con invitados especiales de distintas entidades: INCAA, Pakapaka, el Ministerio de Cultura, el Ministerio de educación, el Gobierno de la Ciudad, CAPPA, UIPAA, APCI, AACA y ASIFA, entre otros.

Con todos estos “capos” de la animación, será un festival con mucho contenido. Justamente, es donde hoy ponemos el acento, profundizando en los ejes que siempre nos propusimos: la creación, los artistas, lo académico y el mercado. Hoy agregamos transmedia y videojuegos.

¿Qué proyecciones y muestras se van a presentar en el festival de este año? ¿Qué programación nos recomiendan?

Más de cien filmes en competencia formarán parte del festival. Estos films marcan la tendencia creativa, artística y técnica de la nueva animación mundial, con más de cincuenta países compitiendo. Es interesante ver los compilados de cortos, ya que son de altísima calidad y puede apreciarse la diversidad artística por las temáticas y técnicas. Se proyectarán seis largometrajes que ya han participado y que han sido premiados en los más importantes festivales del mundo, como Cheatin’, de Bill Plympton y Até que a Sbórnia nos Separe. Habrá una retrospectiva a la obra de McLaren, por los cien años de su nacimiento, un foco en la animación polaca, y se hará una muestra de los mejores cortos de los festivales Cutout Fest, Chilemonos y Animamundi, para continuar con las líneas planteadas en Chilemonos acerca de la creación de un mercado de animación latinoamericano. También se proyectará un documental sobre la animación brasileña y habrá una muestra con lo mejor de Pakapaka.

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¿Qué pueden adelantar sobre la Ronda de Negocios de este año? ¿Y sobre el Reel Day? En el área de negocios, hemos invitado a Kiko Mistrorigo de TV PinGuim (Brasil), Marcos Magalhães de Animamundi (Brasil), Sergio Martinelli de Zoyo Producciones (Brasil), Pablo Holcer de Sony Pictures Imageworks (Canadá), Conrad Montgomery de Cartoon Network (USA), René Castillo de Mandaraka (México), Alejandro Rojas Tellez de Universidad Mayor (Chile), Erwin Gómez Viñales y Margarita Cid Lizondo, de Chilemonos (Chile), entre otros.

Respecto al mercado, este año no estará la Fundación Exportar, que siempre nos acompañó, y a la cual le debemos mucho de nuestro know how en ese área. Este año, la organización estará a cargo de Proargentina. La novedad es que habrá una selección de los inscriptos, pero será gratuita hasta llenar los cupos.

Como los últimos dos años, también tendremos la gran jornada del Reel Day para productores, directores y animadores que quieran darse a conocer. Será un día con presentaciones continuas, de todas las productoras inscriptas, que mostrarán sus proyectos ante el público. ¿Qué nos pueden contar sobre la promoción que se está llevando para estimular la interrelación entre el sector editorial y los estudios de animación?

El nuevo invitado es la industria editorial, que se sumará para conectar el mundo de los libros con la animación y así abrir espacios a las multipantallas. La animación busca historias; los creadores de historias quieren darle vida a sus ideas. La educación, con sus libros y las notebooks en las escuelas, necesita crear nuevos paradigmas de enseñanza para los niños de la era digital. Allí vamos a presenciar el cambio fundamental donde la animación se introduce en las escuelas, y los libros de ciencia, con sus historias, se animan.

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Moushon! presenta:

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QUE ES PLATAFORMA MOUSHON! Especialmente concebida y dise帽ada por el equipo de Moushon!, este nuevo sitio pensado para las necesidades de artistas y animadores, apuesta a convertirse en un espacio de intercambio y de consulta para todo el medio de animaci贸n latinoamericano.

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Para cumplir con estos objetivos, la nueva Plataforma Moushon! se apoya en tres fundamentos clave:

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MEMBRESÍA

PORTFOLIO

BOLSA DE TRABAJO

Al registrarte en nuestra plataforma, pasás a ser un miembro de nuestra comunidad, teniendo tu propio usuario con un perfil que podés modificar y actualizar a tu gusto, a través del cual vas a poder ser visualizado y contactado por otros miembros y empresas.

En este espacio, dentro de tu perfil vas a poder subir todos tus trabajos y obras para compartir con la comunidad. Estas obras van a tener la posibilidad de ser vistas, comentadas y compartidas por todos los usuarios de la comunidad Moushon!.

Este innovador feature de la Plataforma Moushon! pensado para todo tipo de artistas relacionados con la animación busca ser la principal bolsa de trabajo del medio de Latinoamérica.

Las empresas que busquen artistas, animadores y realizadores cinematográficos podrán postular sus búsquedas, al mismo tiempo que los artistas podrán ofrecer sus servicios. El sistema de la bolsa de trabajo tiene la capacidad de reconocer y conectar a aquellos que coincidan en el mismo perfil de oferta y demanda.

La Plataforma Moushon! también va a contar con lo mejor de los contenidos de la revista, todos los números actualizados de Moushon! para leer online de forma gratuita, novedades, y una sección especial con contenidos técnicos que van a estar accesibles como fuente de consulta.

Además, vamos a publicar semanalmente contenidos audiovisuales exclusivos complementarios a las entrevistas y coberturas realizadas para la revista.

CONECTATE CON TODOS!

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El Perro en la Luna: multipremiada productora argentina

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El Perro en la Luna

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Se destacan, principalmente, por la creación y producción de El asombroso mundo de Zamba, desde sus orígenes como dibujo animado, hasta su explosión y desarrollo como un producto multi-plataforma de reconocimiento nacional.

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C O N SE U ÍT U

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A N U A R

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recomendados Moushon!

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cortos/libros/websites

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El Gatito

Best goals World Cup 2014

Es la historia de un gato que vive en las calles de Buenos Aires y emprende un largo viaje hasta al árido desierto patagónico.

Es un flipbook con los 3 mejores goles del Mundial de Brasil 2014 creado por la agencia Yune Social para la marca internacional STABILO

Stop Motion Una guía precisa de todas las particularidades de la técnica de animación denominada stop motion.

Dirección: Pablo Siciliano

Direccion: Estudio YuneSocial.nl

Autor: Barry Purves

Duración: 1´21”

Duración: 00:57”

Editorial: Blume

VER MAS

VER MÁS

http://cda.gob.ar/serie/2303/el-gatito

recomendados Moushon!

Suggestivism Guía de estudio a diferentes artistas contemporáneos

Muestra trabajos de más de cincuenta artistas, de la talla de Chris Mars, Brendan Monroe, Gross Alex, Mia, Audrey Kawasaki , Michael Page, MARS-1, Dalek, Jeff Soto, Ron Inglés, Elizabeth McGrath, Tara McPherson, Scott Musgrove, Greg Simkins,Skinner, y Robin Williams, entre otros.

ONION Nada más y nada menos que la oportunidad de apoyar y ser parte de la nueva producción del genio de Zaramella idea.me/onion

Decí con CINE Página en Facebook de Decí con Cine, un muy original y divertido emprendimiento para poder regalarle un mensaje a tus amigos, pareja, familiares o incluso enemigos!

Citando alguna escena clásica del cine en formato flipbook.

Autor: Nathan Spoor

Temática: Proyecto

Temática: Gift / Cine

Editorial: Gingko Press

Formato: apoyo online

Formato: Portal Facebook

VER MÁS

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www.facebook.com/DeciConCine recomendados Moushon!

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AGENDA SEPTIEMBRE 2014

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Jueves

04

Miércoles

Septiembre

Septiembre

Septiembre

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DUDANOT

FIBAC

FNCEE

Dudanot, Fantasía Musical Itinerante

V Festival Iberoamericano de Cortometrajes ABC

Festival Nacional de Cine “Esteban Echeverría”

Límite para la inscripción, 1 de octubre

Del 17 al 27 de septiembre

Todos los días, excepto los lunes hasta el 7 de septiembre

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BLA BLA Bla Bla, la película Viernes 21.30hs y sábados 22.00hs

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Viernes

12 Septiembre

ARGENTINA LISÉRGICA Visiones psicodélicas en la Colección del Museo de Arte Moderno Todos los días hasta el 1ro de marzo de 2015

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SUR A SUR Jornadas de la Red Latinoamericana de Estudios de Animación 12 de septiembre

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Jueves

25 Septiembre

BAFICI Bafici Animado 2014 Del 25 al 28 septiembre

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O

C

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R E

#17 PRÓXIMONÚMERO! EDICIÓN ESPECIAL! Producción Nacional de Videojuegos

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