Moushon! Edición n° 21 by Mcfly Studio

ABRIL 2015 BUENOS AIRES, ARGENTINA Nº 21

LA REVISTA DE ANIMACIÓN ARGENTINA f

PABLO HOLCER MAXI BEARZI NICOLÁS VILLARREAL DIEGO DIEGUEZ FESTIVALES LATINOAMERICANOS FESTIVAL CARTÓN CONCURSOS INCAA

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Abril 2015 Buenos Aires, Argentina Nº 21

vigésimo primer número

ENCU

ENT R OS

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M. Bearzi

N. Villarreal

D. Dieguez

Festivales Latinoamericanos

Festival Carton

Concursos INCAA

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M. Bearzi

N. Villarreal

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Festivales Latinoamericanos

Festival Carton

Concursos INCAA

ED IT OR IAL

lectores 21 Estimados bienvenidos a Moushon! # 21

Cuando se piensa en el medio audiovisual, rara vez uno recuerda que una gran parte de la labor se realiza dentro de los festivales. Es justamente en estos espacios donde se reúnen los profesionales, se presentan nuevos autores, se conforman sociedades creativas, se detectan o se instalan tendencias. En esta vigésima primera edición de Moushon!, hacemos un repaso de los principales festivales de animación latinoamericanos. Cada uno de ellos tiene un perfil y una identidad propia, así como distintas ofertas de actividades: talleres,

programas de fomento y becas, entre otras. Esperamos que la lectura de esta nota te sea útil para decidir cuál es la mejor plataforma para mostrar tu obra… o qué país querés conocer mediante tu trabajo. A nivel nacional seguimos el mismo tema, concentrándonos en un festival que teníamos pendiente, que “transmite” desde el corazón de Almagro y es independiente, ¡como nos gusta! Se trata del Festival CARTÓN, nacido en radio La Tribu y apadrinado, desde su primera edición, por el gran Caloi. Este festival es principalmente gestionado -con la asistencia de especialistas en animación-

por periodistas y gente de la radio, los miembros del Colectivo Cartón. Impulsados por la curiosidad, poco a poco se fueron enganchando con nuestro medio expresivo, gracias a los trabajos -cada vez más numerosos- que les llegan año a año. Entrevistamos a Diego Cabarcos, quien es coordinador y uno de los fundadores de CARTÓN. El mismo Colectivo Cartón está actualmente impulsando el 9 de noviembre como el Día de la Animación Argentina, una iniciativa que apoyamos y a la cual estás invitado a sumarte. Esperamos que se de y que sea, para los animadores del país, una fecha para pedir regalos, para no cocinar; un día con licencia para quedarse remoloneando en la cama, viendo un continuado de capítulos de Bob Esponja o una vieja peli de García Ferré. Sumado a esto, seguimos relevando (y revelando) perfiles destacados de la animación argenta. En esta edición podés disfrutar de una jugosa entrevista a Pablo Holcer, un talento de la composición digital e iluminación, con una larga trayectoria todo-terreno (desde Leonardo Favio hasta Lluvia de hamburguesas 2), hoy trabajando en Estados Unidos para diversos “tanques” de la animación internacional. En el mismo país del norte vive y trabaja Nicolás Villarreal. Animador, escritor, director y docente, quien también tiene un par de cosas para decir. Entre otras, nos deja una frase tan simple como contundente: “Podés estudiar e ir a clases, pero si no estás abierto a aprender… la información no te llega”. ¡KAPOW! Volviendo a la Argentina, entrevistamos a Maxi Bearzi, un nombre que suena mucho en diversos festivales. Antes que animador, podría ser considerado un autor y artista que utiliza el dibujo y la animación como lenguajes para desarrollar una obra coherente y personal. Maxi también es una rara avis en otro sentido: logró flirtear con la industria, pero sin casarse, y manteniendo su integridad y libertad intactas. Ah, ¿se puede? Nuestro cuarto entrevistado es Diego Dieguez, quien estrena productora, proyectos y aborda distintos tópicos, como el workflow a distancia versus el encuentro personal con el equipo. Se trata de una actualización sobre este animador hiperactivo y talentoso, a quien entrevistamos hace ya casi tres años, en el segundo número de Moushon! Todos estos profesionales de trayectoria transmiten en sus palabras algo clave: el sentido de la perspectiva. Como para completar este “alto guiso” que es la M!21, nos acercamos a los talleres del concurso Serie de Animación Federal del Área Metropolitana para ver qué sucedía por ahí. Además, aprovecho este espacio en la editorial para celebrar una buena noticia, ¡el lanzamiento del Primer Concurso de Cortometrajes de Animación del INCAA! Espero que disfruten estas páginas y les mando un saludo otoñal, queridos lectores… Santiago van Dam. Editor.

STAFF! Director: Federico Moreno Breser Coordinador General: Alvaro E. Stelzer Diseñador: Federico Ribetto Asistente de Diseño: Verónica Camejo Editor: Santiago van Dam Jefa de Producción: Lucila Lehmann Editora de Contenidos / Correctora: Sofía Poggi Productora de Contenidos: Mercedes Viola Fotógrafo: Lucas Ríos Productor de Contenidos: Alejandro Delaunay Editada por: McFly Studio

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LÁMINA GIFT Nº 9

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RECOMENDADOS

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S U M A R I O

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AGENDA!

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M. Bearzi

N. Villarreal

D. Dieguez

Festivales Latinoamericanos

Festival Carton

Concursos INCAA

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FLASH ·BACK·

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C H I L E M O N O S

“La gente tenía ganas de un festival de animación, especializado, no tan pequeño, que reﬂejara todo el nivel alcanzado por la animación chilena en los últimos años”.

ERWIN “WILO” GÓMEZ, CHILEMONOS

Bearzi Maxi

www.loscuadernosdemaxibearzi.blogspot.com.ar

DIBUJANTE, MÚSICO Y DIRECTOR DE CINE DE ANIMACIÓN

Mini Bio ómo te deﬁnís? Siempre digo que tengo una tarjeta que dice: “Músico, dibujante y director de cine de animación”. En “director de cine de animación” encuentro un lugar donde conﬂuye todo, es donde pongo todos mis conocimientos de música y de creación estética.

MAXI BEARZI Trabaja como ilustrador para revistas, agencias y productoras de publicidad. Sus producciones son parte del circuito de festivales nacionales e internacionales de animación, siendo el caso de El gran pequeño, corto que ya recibió numerosos premios. Tiene un proyecto musical, El Dibujante que te Canta, donde se presenta en un formato audiovisual, acompañando sus canciones con experimentos y dibujos.

¿A qué edad y cómo comenzaste con esos intereses? No recuerdo un momento en el que dije: “Voy a hacer esto”. Siempre hice música y dibujos. Llegó un punto en el que tuve que deﬁnir si realmente me iba a dedicar a eso, y me di cuenta de que sí. Era eso o ir a laburar a un banco: todos los hombres de mi familia laburaban en un banco. Entonces, a mí me tocaba ser perito mercantil e ir a trabajar al banco. Me dije: “Mejor voy a hacer algo que me apasione”. Ahí volví a dibujar, pero de forma diferente, ya pensando en un ﬁn, un objetivo profesional. Una vez me junté con un publicista, Maxi Anselmo, quien me hizo una pregunta buenísima: “¿A vos qué es lo que te gusta? ¿Dibujar? ¿O pensar en cómo crear ese dibujo?”. Esa fue una pregunta clave, porque yo podría haber sido un dibujante, pero ahí descubrí que lo que realmente me interesaba era la creación, un concepto, un mundo.

A los dieciocho años me fui al taller de Bujos, donde estuve dos años. Estuvo bueno, pero la verdad es que llamaban a los que dibujaban los personajes de Disney. A mí, ¡Disney no me gustaba! A mí me marcaron mucho películas como Heavy Metal, The Wall, o Robotech, personajes que se morían, a los que les salía sangre. Me interesaba mucho la experimentación.

¿Qué sentís que fue lo que más te formó? Fueron muchas etapas, y el aprendizaje todavía lo sigo. En la Escuela de Creativos Publicitarios conocí mucha gente. Era una escuela dedicada al pensamiento. Es muy loco, pero ahí aprendés a ordenar tu cabeza, tus pensamientos, para darle un fin al trabajo. Esa escuela, en mi formación, aportó muchísimo, y de ahí salió mi primer trabajo. Un maestro, el de creatividad y dibujo, Daniel Fidanza, me llevó a trabajar con él porque tenía la idea de hacer una empresa dedicada a visualizar, con animación, los guiones publicitarios: lo que hoy sería el animatic. Hasta ese momento, los animatics se hacían fijos, eran todos storyboards. Fidanza quería generar algo que permitiera el tiempo cinematográfico, con el audio… era como hacer mini películas. Era un entrenamiento increíble, porque había que hacerlo en una semana o en dos, laburando como vampiros, y eso me dejaba una guita interesante. Laburaba dos semanas a full y, después, tenía tiempo libre, que lo dedicaba a los proyectos artísticos que yo quería hacer.

“director de cine de animación”

encuentro es donde pongo todos MIS CONOCIMIENTOS

un lugar donde confluye todo,

de música

y de creación estética.

¿Qué lugar le das a la expresión libre, personal, del animador? ¿Es necesaria? Para mí, sí. Hay diferentes tipos de animación y de personas, pero yo necesito eso, sí o sí, ¡y que tome un protagonismo importante! Hace unos años, estoy cantando y dibujando en vivo. Me presento como El Dibujante que te Canta. Es un lugar donde conﬂuye todo lo que me está pasando. De pronto, proyecto un corto y lo musicalizo en vivo. A su vez, se apaga la luz y voy cantando y tirando trazos en la pantalla, que por lo general es de papel, y voy interactuando con el público. Encontré la importancia de empezar a meter el cuerpo en todo esto. Estuve tres años estudiando actuación con Antonio Célico, maestro del grupo El Baldío. Él me enseñó mucho sobre expresión corporal, y eso lo apliqué. Ahora fusiono todo: la música, los dibujos y la expresión corporal. Todo eso va a parar a la escena. Tus actividades oscilan entre un profesional que se desarrolla por encargo y un artista que trabaja con libertad total, ¿cómo “switcheás” de un modo a otro? Últimamente, trato de no “switchear”. Lo que hago es decir: “Mirá, yo soy esto, hago esto, tengo esto. Llamame por esto”. De esa forma, cuando me llaman por un encargo, logro brindarme del todo, y disfrutarlo.

Ojo, también te quedás afuera de muchas cosas, pero estoy aprendiendo a vivir con lo que me hace bien. No persigo ser millonario, lo único que me interesa del dinero es para otras cosas, para viajar. Con el tiempo, y gracias a laburar mucho para la industria, me pude comprar una casa. Eso me dio una libertad excelente, porque con mi mujer tenemos nuestro espacio de creación y nos preocupamos por comer, por viajar, y por pasar el tiempo bien, felices. ¿Qué son “Los cuadernos de Maxi Bearzi”? Cuando era chico, mi abuela Tomasa me fomentaba mucho el dibujo, me regalaba cuadernos. Ella estaba muy atenta a que no me faltaran cuadernos y biromes. Luego, vino la adolescencia y dejé de darle bola. El que volvió a introducirme en los cuadernos fue Daniel Fidanza. Él iba todo el tiempo con cuadernos. Ahí volví a agarrarlos. Al principio, fue para volcar el conocimiento. Dibujaba gente en colectivos, en la calle, en recitales. Yo viajaba mucho, porque vivía en provincia, y siempre estaba arriba de bondis. Después, me mudé a Capital y seguí dibujando en el subte. Toda esa información, todo ese registro que tengo, lo empecé a publicar cuando aparecieron los blogs, por el año 2008. Ahora lo tengo un poco parado el formato blog, porque me resulta más fácil publicar en Face

book. Ahí se pueden ver recitales, como el último Lollapalooza (el primero que hubo acá en Argentina), donde me pasé dos jornadas dibujando. Tengo dibujos de Lisandro Aristimuño, de una vez que tocó en Plaza Morón, en un viaje que hice a Salta. Capaz voy a un bar y hago un registro... También hay ideas, historias. Mis últimos cortos nacieron en los cuadernos. Si ya está resuelto en los cuadernos, entonces sé que va a funcionar. También hice cuatro videos animando todas historias que nacieron en los cuadernos. Eso mismo que se me ocurre en el papel, lo llevo al formato audiovisual. ¿Cuál fue tu primer trabajo en la industria, como director? Me llamó Diana Córdoba, quien había visto mis laburos, y me dijo: “Mirá, entró un proyecto, con un cliente muy importante, una marca muy importante. La verdad es que lo que quieren hacer es una cosa con un estilo y una animación que nosotros no manejamos. Fijate qué te parece, vení a hacer una prueba”. Hice la prueba. Éramos cinco, y la mía era la peor. Nos pidieron que hiciéramos una prueba en conjunto. Todos se pusieron a hacer lo que sabían, pero no había nadie que dirigiera, que dijera: “Bueno, muchachos, el concepto es este…”. A mí me salió naturalmente. Presentamos la prueba, les gustó, ganaron el cliente y dijeron: “Muchas gracias, en otro

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Toda esa

información

todo ese registro que tengo

lo empecé a

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publicar cuando aparecieron los blogs por el año 2008

momento los llamamos”. Pensé que había sido otra prueba más, que había quedado en la nada y, después de dos semanas, me llama Diana para ofrecerme hacerme cargo de la serie. Ahí empecé. La serie se llamó Nada que ver, y fue emitida en Sony. Describinos tu carrera paralela como director y autor de cortos animados. Empecé en 2001, en plena crisis. Empecé haciendo cortos, habiéndonos mudados todos a departamentitos: todos hacíamos cortos con presupuesto cero, lo hacíamos como podíamos, nos prestábamos cosas, nos ayudábamos, y era por el amor que teníamos a contar historias. Lo primero que hicimos fueron cortometrajes con música que pudiéramos hacer en vivo, como si fuera cine mudo. Proyectábamos los cortos, que eran largos. El primero se llamó Tren con destino a Retiro, que hablaba mucho de esa crisis del 2001, y el segundo fue La toma de la pastilla, que hablaba, casualmente, de las cosas que pasaban en esas crisis, la explosión de la música electrónica y el éxtasis, en medio de todo ese lío. Ahí empezamos. Al primer festival al que lo mandamos fue a una bienal que se hacía en Buenos Aires, y ganamos. No me lo esperaba. Tocamos en Recoleta, en la Casa de la Cultura, hicimos un ciclo en el Borges, en festivales, nos invitaron al Festival de Mar del Plata, viajamos a Salta. El cortometraje te hace conectar con mucha gente.

El que tuvo una repercusión muy linda fue El gran pequeño, corto que terminé en 2011, con el que me fue muy bien. Es algo que nació en mis cuadernos y que llevé a cortometraje. Después, hice otro junto a Damián Dionisio y trabajé en su corto La mirada perdida. Hicimos uno que se llama Ciclos, un cortito de tres minutos y medio, y ahora estoy trabajando en el último, en el que estoy mezclando vivo con stop motion y animación. Va a tener muchas partes, y se va a llamar Las muñecas de la tía Tita. Pronto voy a mostrar los avances, estoy trabajando mucho en eso. ¿Cómo se genera tu vínculo con el Festival CARTÓN? Fue una de las cosas más hermosas que me pasó en estos últimos años. En el 2011, me enteré que FM La Tribu (88.7), una radio que siempre me llamó la atención por la forma de llevar sus cosas adelante y por sus pensamientos, sacaba su primer festival. Yo pensé: “¡Qué bueno! ¡Quiero estar ahí!”. Los jurados eran Juan Pablo Zaramella, Ayar Blasco, Alberto Grisolía, Julio Azamor, gente que yo conocía y admiraba. Ya que quería estar sí o sí, mandé El gran pequeño, y justo me coincidió con otro festival, el de Cipolletti. Me dieron una mención en el de Cipolletti y, cuando estaba volviendo en el bondi, me llegó un mensaje de Nacho, otro animador, diciendo: “Ganaste en CARTÓN”. Estaba toda la gente durmiendo en el colectivo, no sabía qué hacer, ¡me agarró una desesperación! Fue un momento feliz.

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Al otro año, me llamaron para participar en alguna actividad. Entonces, hice una presentación de El Dibujante que Te Canta y experimenté con dibujos animados en vivo. Ellos ponían música y yo iba dibujando con una tableta óptica. Era algo que no había hecho nunca, y menos con público. La gente se enganchó mucho con eso. Ahí quedó muy buena onda, me hicieron una entrevista en el programa de ellos. Tienen ese espíritu que a mí siempre me interesó, que es el de hacer las cosas con amor. Entonces, quise empezar a participar con ellos, a contribuir con esa movida. Después, en el 2014, fui jurado del festival. Ahora ya me incluyeron en el Colectivo Cartón. Miro todos los cortos que llegan, aporto ideas.

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Contanos sobre tu columna en el programa radial Va…de retro Siempre me gustó la radio. La radio es algo que al animador siempre lo acompaña, una compañía en el medio de la soledad. Cada vez que me hacían una entrevista, me quería quedar para seguir hablando. Entonces le ofrecí, primero a los chicos del FESAALP y después a los chicos de Va…de retro, compartir mi data sobre animación, las películas, los autores, las cosas que viví y que me gustaría transmitir a los oyentes… ¡y ni lo dudaron! Empecé a ir todos los viernes. Para mí, llega el viernes y es: “¡Me voy a la radio!”. Mi columna es un bloque, serán diez minutos. Pero me empecé a quedar con ellos todo el programa, y meto algunos bocados. Es algo muy divertido, muy de amigos.

¿Qué importancia le das a Internet para la difusión del animador? ¿Cómo la utilizas? Yo subo todo. Es más, a veces hago un dibujo especialmente para subirlo a las redes sociales. Es un fenómeno fantástico. Hay que tener cuidado, también, tratar de no cansar y no cansarse, de ser medido. ¿Estás trabajando en largometrajes? El Estudio Sigil me convocó para meter animación, para interpretar relatos con animación. Ellos están haciendo una película, un documental que se llama La parte por el todo, que habla de los partos clandestinos en la época de la dictadura. Hubo un montón de relatos de gente, que tuvieron que ser reinterpretados con animación. También estoy trabajando con la película de Santiago van Dam [de Moushon!], quien me llamó porque ya me conocía, para que hiciera un aporte. ¿Qué consejos le das a alguien que recién comienza? Que experimente. Experimentar y transitar todos los caminos que vayan surgiendo y que sepan que son libres de ir eligiendo, todo el tiempo.

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Villarreal Nicolรกs

www.redcloverstudios.com

ANIMADOR, PRODUCTOR, DIRECTOR

Mini Bio uál es tu formación académica? ¿Cómo arrancó tu relación con el mundo de la ilustración y la animación? Mis primeros pasos empezaron cuando era muy chico, aunque no profesionalmente. La animación siempre me fascinó, aunque no lograba comprender bien qué era. Sabía que eran dibujos pero, como era chico, no entendía exactamente cómo funcionaba. Empecé a copiar dibujos de revistas, álbumes de dibujos animados, películas. Cuando estaba en segundo año del secundario, me regalaron un libro que se llama Treasures of Disney Animation Art. Me pasé el verano copiando desde ese libro y me acuerdo que, en un momento, mientras dibujaba, vi que debajo de los dibujos estaba el nombre del artista. Me di cuenta de que esa persona estaba “trabajando”. De repente, me dieron ganas de “crecer” para poder hacer lo mismo, me di cuenta de que existían las carreras en animación. Comencé a estudiar Arquitectura en la Universidad de La Plata y, al mismo tiempo, estudiaba animación con Carlos Escudero, en un curso independiente; dibujo clásico con Patricia Milanta, profesora de Bellas Artes; y pintura clásica con Miguel Alzugaray. A Miguel, siempre que viajo, trato de visitarlo. Uno de los más lindos recuerdos que tengo es él diciéndome: “¿Qué? Basta, ﬂaco, dejate de joder que son las nueve de la noche. No es hora de seguir pintando, es hora de comer una buena picada con un buen vinito”. Y siempre la traía armada. Un genio.

NICOLÁS VILLARREAL Nicolás P.Villarreal nació y se crió en la Ciudad de La Plata, Argentina. Realizó sus estudios en la Escuela de Animación y Cinematografía de Avellaneda, donde egresó especializándose en animación 2D. Continuó estudiando animación y pintura hasta que ingresó en el máster de la Academy of Art University de San Francisco. Nicolás se graduó con honores en el año 2002, y desde entonces trabajó como animador 2D, diseñador de personajes, escultor y desarrollador visual para cine y videojuegos, en estudios como Disney, Sony, Digital Domain, Amazon, Warner Bros., The Jim Henson Studios y Sega, entre otros. Dirigió los cortos Pasteurizado, Nieta y, actualmente, está desarrollando su primer largometraje The Aces, basado en su libro infantil. Sumado a esto, Nicolás es el Director del Departamento de Desarrollo Visual en la Academia de Arte de la Universidad de San Francisco, donde se desempeña como docente.

Estos estudios me dieron una fundación muy fuerte en dibujo y pintura. Incluso el primer año de Arquitectura, porque me preparó muy bien en todo el aspecto de dibujo en perspectiva. Más allá de que la carrera de Arquitectura me gustaba, no sentía pasión por ella. Dejé Arquitectura y me dediqué completamente a lo que ahora se había transformado en mi nueva carrera. Me inscribí en la Escuela de Cine y Animación de Avellaneda y, cuando me recibí, me fui a San Francisco a hacer un máster en Animación y Pintura en The Academy of Art University. Por mi fuerte preparación en Argentina, no tuve ningún problema a la hora de afrontar las clases, incluyendo el primer año de Arquitectura. No lo di como algo perdido, ya que me dio una formación muy fuerte en perspectiva.

¿Qué nos podés contar de tus primeros trabajos? ¿Cuál considerás que fue la clave en tu carrera? Mi primer trabajo profesional fue diseñar los personajes y la estética para un restaurante de Gonnet, La Plata, que se llamaba Shimbo. Tenía diecinueve años y estuve dos semanas dibujando sin parar. Más allá de que sabía que mis dibujos iban a ser parte del restaurante, me sorprendió mucho verlos el cartel y en las cartas... hasta me dio un poco de vergüenza. Igualmente, fue una sensación muy linda ver cómo le daban importancia a mi trabajo, y me incentivó a seguir estudiando. Más allá del estudio, para mí fue y sigue siendo fundamental estar abierto a aprender. Podés estudiar e ir a clases, pero si no estás abierto a aprender, no es lo mismo, porque la información no te llega. Yo lo veo con mis alumnos: los que se abren -y también se esfuerzan dibujando y pintando- y toman los consejos, asimilan la información y los conocimientos mucho más rápido. Algo que fue muy importante para mí fue el apoyo de mis padres. Hace unos años, una amiga productora de Disney me mandó un cuestionario. Estaba haciendo un trabajo de investigación sobre artistas que trabajaban profesionalmente, para un libro. Eran cerca de cien preguntas relacionadas con el crecimiento, la formación, la elección de la carrera y primeros pasos. Me contó que se lo mandó a varios artistas de Disney, Dreamworks, Pixar y otros estudios de animación. Cuando le pregunté si habíamos coincidido en alguna pregunta, me dijo que sí: el apoyo de los padres. Para mí, esto fue fundamental y fue una de las claves de mi carrera.

¿Qué nos podés contar y adelantar sobre tu nuevo proyecto Nieta? Nieta está inspirado en una foto que vi de mi madre y mi abuelo. Había algo en esta foto que me hizo pensar en la relación que tenían. Me encanta mirar fotos antiguas e imaginarme qué estaba pasando en ese momento en el que se tomó la foto. Estaba mirando un álbum viejo de mi familia y esa imagen me llamó la atención. Mi madre tenía alrededor de seis años y llevaba un vestido azul oscuro. Esa foto fue una de las bases de la historia y, combinada con otros elementos visuales, comenzó a convertirse en una historia.

...pero si no estás Podés estudiar e ir a clases...

no es lo mismo

abierto a aprender,

Mi inspiración viene generalmente de experiencias relacionadas con la familia, sobre todo cuando yo estaba creciendo. La inspiración de mi primera película, Pasteurizado, vino de un viaje a Francia: estábamos con mi hermano y mi padre en el Museo de la Ciudad de Ciencias, en el Parc de la Villette de París, y vimos una exhibición de fuego y agua en gravedad cero. Esto fue hace casi veinte años. Estoy muy cerca de mi familia y mis historias tienden a gravitar hacia ellos. Quería mostrar la relación entre los personajes y la forma en que percibimos las cosas que nos rodean. En el caso de la Nieta, una tormenta nos cambia la percepción, drásticamente. Quería explorar un género y una temática diferentes de lo que hicimos con Pasteurizado, y pensé que este nuevo cortometraje sería una gran oportunidad. Pasteurizado fue un corto motivado por el humor; Nieta es un corto que viene del corazón.

¿Cuáles fueron los principales obstáculos en el proceso de producción? Para mí, siempre los principales obstáculos están en guión, en hacer que funcione y en tratar de solidiﬁcarlo en el animatic. Trato de terminarlo y de dejarlo exactamente como va a ser el corto, con los tiempos y las posiciones de cámara, porque después nos vamos a basar en eso y vamos a usarlo como si fuese el plano del proyecto. La animación lleva mucho tiempo y, si empezás a animar una toma que después te das cuenta que no funciona con el guión, perdés mucho tiempo. Teniendo el animatic terminado, y estando seguro de la historia, el proceso es más directo cuando entrás en producción. Igualmente, estos obstáculos en la historia, como los que encontramos en la producción, son uno de los aspectos que disfruto más. Me gusta mucho ver, cuando encontramos un problema, cómo nos juntamos todos para resolverlo y cómo todo el equipo da posibles soluciones hasta que llegamos a solucionarlo de la mejor manera. ¿Qué ventajas encontrás en la modalidad de trabajo freelance? La ventaja que tiene freelance, desde mi punto de vista, es que tenés mucha libertad para manejar tus tiempos; siempre y cuando llegues a las entregas, no hay ningún problema. Tenés que ser disciplinado y responsable, si no se convierte en una desventaja. A mí me gusta mucho trabajar freelance, porque me da la oportunidad de trabajar en diferentes proyectos y en mis proyectos personales, como los cortos y Los Ases. Asimismo, me da la oportunidad de dar clases. Actualmente, doy clases en una Universidad de San Francisco -Academy of Art University- y me desempeño como Director de Desarrollo Visual para películas y videojuegos, que es algo que me gusta mucho.

¿Estás desarrollando o participando en alguna otra producción actualmente? Sí, comenzamos la producción de un corto nuevo de animación y estamos en la etapa de preproducción de una película de animación que se llama Los Ases. Está basada en un cuento para chicos que escribí e ilustré hace varios años, y ahora la estamos adaptando para la película. En este momento, estamos terminando el segundo guión y haciendo el diseño general de la estética de la película, con pinturas conceptuales, de los fondos y de los personajes. También estamos trabajando en el trailer de la película.

¿Qué le recomendarías a los jóvenes y estudiantes que quieren ingresar en el mundo de la animación? Para mí fue fundamental la educación que tuve. Estudiar dibujo, pintura y animación con profesores particulares al mismo tiempo que Animación en Avellaneda me dio una formación muy fuerte, como dije antes, para poder hacer el máster en San Francisco. Ahí seguí estudiando animación y pintura. Me parece que tomarse en serio los estudios, tener disciplina, vocación y sacriﬁcio es una combinación fundamental para poder seguir esta carrera profesionalmente.

¿Cuál es tu experiencia trabajando en San Francisco? ¿Qué grandes diferencias notás con las formas de producción de Argentina? Argentina tiene artistas increíbles que podrían trabajar, a mi entender, en cualquier producción internacional. Las grandes diferencias que notaba yo respecto a las producciones de animación en Argentina era el tiempo de producción y sus pasos. Una de las películas que logró este nivel de producción fue la película Metegol. Ahí se vio que se podía hacer una producción en Argentina siguiendo los pasos y el tiempo que suelen seguir las producciones internacionales y llegar a los mismos resultados. Unos de mis cortos favoritos también es una producción nacional de 1942, de Dante Quinterno y Tito Davison [Upa en apuros], que también tiene este nivel. La ves hoy en día y, más allá de que te das cuenta que es un corto antiguo, por el estilo, tiene estándares muy altos y los mismos que tenía Disney y Warner en esa época.

¿Qué pensás de La Plata como foco creativo en el país? ¿Qué formación en artes recomendás en esta ciudad? La Plata a mí me encanta, no sólo porque soy platense, pero porque me parece una ciudad muy artística, cultural y deportiva. Al ser una ciudad universitaria, siempre me dio la sensación de tener ese aire artístico, desde la Catedral, el Museo de Ciencias Naturales, la estación de trenes, hasta las grutas y el anﬁteatro del Bosque... me parecen lugares increíbles, que a mí me generan mucha inspiración cuando los visito. También las calles de adoquines que quedan, rodeadas por árboles, que es algo que voy a incorporar en mi nuevo corto, ya que va estar situado en La Plata. Estudiar dibujo y pintura es algo fundamental para dedicarse a la animación tradicional. Estudiando en la Facultad de Bellas Artes, combinándolo con cursos de animación, me parece que es la mejor formación para dedicarse a esta profesión.

FESTIVALES 30

CONTAMOS, HOY EN DÍA, CON MÁS DE VEINTE FESTIVALES IMPORTANTES DE CINE DE ANIMACIÓN EN LATINOAMÉRICA, LA MAYORÍA DE ELLOS HABIENDO SURGIDO EN LOS ÚLTIMOS AÑOS. TRAS ESTE NUEVO AUGE, SE CONVIRTIERON EN EL LUGAR POR EXCELENCIA PARA DIFUNDIR Y DESTACAR LA ANIMACIÓN REGIONAL CON SABOR LATINO. TE ACERCAMOS ALGUNOS DE LOS FESTIVALES DONDE PODÉS PRESENTAR TUS PROYECTOS ANIMADOS, SIN TENER QUE “CRUZAR EL CHARCO”.

Mientras algunos animadores se aventuran para la creación de largometrajes -como vimos en la anterior edición de Moushon!- otros preﬁeren el formato del cortometraje. Para animadores de ambos tipos, los festivales son, por excelencia, el lugar para la difusión de proyectos animados. Los festivales son espacios donde no sólo se da posibilidad de la premiación y el reconocimiento a los artistas de la animación, sino que también se facilita el ingreso a la industria y al mercado, la participación en mesas de negocios y el encuentro con potenciales socios y coproductores. El festival francés de Annecy es el más reconocido e impor-

tante a nivel mundial. El año pasado, en su trigésima octava edición, nada más ni nada menos que un corto argentino abrió la competencia oﬁcial. Fue Padre, de Santiago Bou Grasso -quien ya había participado con El Empleo en 2011-, siendo su cortometraje el único latinoamericano seleccionado. En Sudamérica existe una importante cantidad de festivales donde es posible presentar nuestros proyectos. Cada uno de ellos tiene sus particularidades. A continuación, desarrollaremos una selección que, si bien no incluye a todos los existentes, destaca a los más importantes y representativos.

MĂŠxico Venezuela

Brasil 33

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asivo

Anim

Animasivo se deﬁne como “festival de animación contemporánea”, y es uno de los pioneros en la Ciudad de México. Cuenta con un concurso internacional y un programa variado de actividades artísticas y educativas, a modo de intercambio y diálogo. Resulta interesante la clara dirección de corte experimental, que insiste y da visibilidad a cortos que exploran los lenguajes y la mezcla de recursos, más allá de los formatos cinematográﬁcos clásicos. En este festival, es posible encontrarse con todo tipo de invitados, desde animadores, curadores y diseñadores hasta escritores y performers. Este año, Patricio Plaza -artista platense que trabajó junto a Santiago Bou en El Empleo y Padre-, formará parte del jurado y guiará algunos de los talleres. Cut Out Fest es el festival internacional de animación y arte digital de Querétaro, México. Cuenta con categorías variadas y una gran convocatoria. Stop Motion México, por su parte, funciona como festival y espacio educativo de intercambio y diálogo sobre la técnica stop motion, con foco en las charlas de invitados especialistas. Un dato interesante es que convoca al público a que se “anime a animar la frase”, en un concurso de breve corto de stop motion, permitiendo dar a conocer la animación ganadora: Anima la frase 2014.

VENEZUELA 36

TIFA es un festival emergente que realizó su primera edición en el 2014, obteniendo una gran repercusión. Su crecimiento y desarrollo son de vital importancia, ya que, además de funcionar como festival, brinda becas para miembros de países andinos -¡atentos animadores de Bolivia, Colombia, Ecuador, Perú y Venezuela!-, invitándolos a participar con sus proyectos. El año pasado hubo importantes invitados para guiar clases y conferencias, como Enrique Cortés -argentino guionista de Selkirk- y Joaquín Cuevas -Director de Animación del reconocido cortometraje Abuela Grillo-, entre otros.

BRASIL 38

Anim

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Anima Mundi es uno de los festivales con más trayectoria en Latinoamérica. Este año, se llevará a cabo este año la vigésima tercera edición. ¡Están abiertas las inscripciones hasta el 31 de abril! Se trata, por excelencia, de uno de los más grandes festivales del continente. En sus grandes convocatorias participan importantes ﬁguras de la industria de la animación, al mismo tiempo que se desarrollan mesas y excelentes cursos educativos. El año pasado, el invitado destacado fue el brasileño Ennio Torresan, coordinador del departamento de storyboards de DreamWorks. Cobertura Moushon! Anima Mundi 2014

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Chilemonos es el más importante festival de cine de animación de Chile. Con un enfoque especial en coproducción, provee la plataforma MAI! (Mercado Animación Industria): un punto de encuentro especíﬁco para productores, distribuidores y canales. También, dentro del festival, se realiza el Reel Day, donde profesionales de la animación pueden presentar sus proyectos y dialogar con distintas productoras. En la edición 2014, estuvieron presentando clases, entre otros, Douglas Wood, René Castillo y David Bisbano -nuestro reciente entrevistado de Moushon! N°20- y se llevó a cabo un workshop dictado por SE-MA-FOR, estudio polaco de animación stop motion. Cobertura Moushon! Chilemonos 2014

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ARGENTINA

TÓN R A C

BAFIC

En Argentina existen numerosísimos festivales, tanto de cine como especíﬁcos de animación. Solamente Buenos Aires es la ciudad con la mayor cantidad de festivales de cine de Latinoamérica. Además, en nuestro país, contamos con el Festival de Cine de Mar del Plata, el único de clase A de Sudamérica, y se desarrollan con continuidad cuatro destacados festivales exclusivos de animación: para empezar, ANIMA, el festival internacional de animación cordobés, que se realiza cada dos años y este año tendrá su octava edición, para la cuál está abierta la convocatoria hasta el 15 de mayo. Destacamos especialmente la convocatoria al proyecto Gestos de una memoria independiente. Luego, en Buenos Aires, contamos con CARTÓN, un festival emergente, se realiza hace cuatro años, donde se propone el encuentro entre realizadores y con el espectador. A su vez, tenemos el conocido Expotoons y el BAFICI Animado. Sumado a estos, numerosos festivales de cine en general cuentan con pesadas categorías de animación donde el realizador puede presentar sus proyectos, con el objetivo de darles difusión y -¿por qué no?- obtener un reconocimiento por su esfuerzo y dedicación.

Festival Internacional de Cortos de Animaci贸n

http://fmlatribu.com/festival/

CARTÓN es un festival de animación oriundo de Buenos Aires, surgido en el seno de Va… de Retro, programa radial de FM La Tribu (88.7). El propósito del evento es reunir animadores, directores, productores, dibujantes, historietistas y, en definitiva, a toda la comunidad de la animación, para impulsar esta rama del cine como un medio de comunicación y expresión de ideas artísticas, técnicas y políticas, dentro del contexto de una radio alternativa, independiente y comunitaria. Afloró en el año 2011, con el padrinazgo -de nada menos que- Caloi.

Hasta la fecha, fue recorrido por centenares de cortos provenientes de los más lejanos puntos del globo, luego de ser sopesados por reconocidos referentes de la animación argentina, como Zaramella, Ayar Blasco, María Verónica Ramírez, Rodríguez Jáuregui y Raúl Manrupe, entre otros. Entre los distintos espacios desarrollados en CARTÓN, podemos encontrar talleres, conferencias, charlas y ferias temáticas, sumadas a las competiciones.

Va… de Retro Se emite los viernes a las 22 hs. por FM La Tribu (88.7).

La Tribu, hogar de CARTÓN, no es sólo una radio. Asimismo, es centro de capacitación y producción, centro de producción audiovisual, bar, centro de ediciones y comunicación alternativa. La Tribu es un proyecto colectivo, donde el programa Va… de Retro busca destacar hechos artísticos de las últimas cinco décadas, con un foco particular en cine, música, cómics y TV.

ENTREVISTA DIEGO CABARCOS PERIODISTA Y PRODUCTOR DE RADIO Y TELEVISIÓN, ORGANIZADOR DEL FESTIVAL.

¿Cómo surgió la idea de comenzar con el festival? La idea surgió un poco de casualidad, desde la producción del programa Va… de Retro, donde se nos ocurrió la posibilidad de generar una movida grande vinculada al cine en el auditorio de la radio, un poco cebados por la buena acogida de público que tuvieron dos eventos que organizamos previamente en 2008 y en 2010.

¿En qué consistieron estos eventos previos? En 2008 habíamos proyectado el documental Imaginadores, a poco tiempo de su estreno; y en 2010 armamos una movida con motivo del día de la historieta, con el programa saliendo en vivo desde el auditorio, más una feria de cómics independientes y algunas proyecciones que se hicieron luego. A partir de ese momento, se nos metió en la cabeza que podíamos ir por más, y que el auditorio de la radio era un lugar ideal para albergar un festival de cine fantástico; tal erala idea original.

¿Cómo fue que terminaron organizando un festival de animación? Nos juntamos con la dirección de la radio para plantearles nuestra inquietud y, como desde la radio misma estaba también la intención de generar un espacio de encuentro audiovisual, se conformó un equipo integrado por la producción de Va… de Retro y Agustín Sinibaldi, cabeza del área de audiovisual de La Tribu. Luego de las primeras reuniones, llegamos a la conclusión de que si hacíamos un festival de cine fantástico nos íbamos a chocar con otras propuestas de similares características que ya había en la ciudad y que no iba a tener mucho sentido. Ahí fue cuando nos dimos cuenta que faltaban festivales donde la animación fuera la total y absoluta protagonista, y no sólo una categoría más.

¿Cómo arrancaron? En ese entonces, no eran muchos los festivales de animación que había en el país, salvo ANIMA, de Córdoba, que se hace cada dos años; y Expotoons, con un objetivo muy particular. Después, no había mucho más. Así que decidimos ponernos a trabajar en armar un festival de animación hecho y derecho, y que tuviera como sede central el auditorio de La Tribu. Lo primero que hicimos, dado que ninguno de los que conformábamos el grupo original era animador, fue convocar a gente del palo para que nos orientara un poco. Así fue como nos contactamos con Julio Azamor, con quien habíamos pegado mucha onda a partir de la proyección del documental Imaginadores (donde fue Director de Animación). A partir de ese momento, se empezó a gestar el festival. Azamor, además de ser una suerte de asesor de esa primera edición, también fue jurado. Tuvimo un jurado que fue de lujo, verdaderamente, porque lo completaban nada menos que Juan Pablo Zaramella, Ayar Blasco y Alberto Grisolía. No podíamos pedir más, hasta que nos dimos cuenta de que sería bueno ofrecer el padrinazgo del festival a algún referente. El nombre que surgió en la cabeza de todos fue uno solo: Caloi.

¿Cómo fue el contacto con Caloi? Si queríamos hacer un festival dedicado a la animación independiente, ¿quién mejor que Caloi, que fue el mayor difusor de la animación de autor en el país, para ser el padrino del festival? Además, Caloi en su tinta fue un programa con el cual crecimos todos lo que estamos detrás de CARTÓN. Recuerdo que lo llamé muy tímidamente, una tarde de feriado, casi convencido de que iba a tener una respuesta negativa, sobre todo porque sabíamos que ya estaba con problemas de salud. Sin embargo, nos dijo que sí, inmediatamente. A partir de ahí, todo se nos hizo mucho más sencillo. Organizar un festival no es fácil, y mucho menos llevar adelante una primera edición, porque nadie te conoce, con lo cual todo cuesta el doble. Por eso, el hecho de contar con el padrinazgo de Caloi hizo que se nos abrieran algunas puertas más rápido. Con sólo decir que él nos apadrinaba, nos miraban con otra cara. Por eso, le estaremos eternamente agradecidos.

¿Cuáles fueron los objetivos que impulsaron su realización? Como te decía en anteriormente, ante la inquietud de querer generar un espacio de encuentro audiovisual en el auditorio de la radio, nos dimos cuenta que la animación en los festivales, por lo general, es una categoría más. Si bien ahora hay más, a ﬁnes de 2010, cuando surgió la idea de hacer el festival, no había muchos festivales de animación en el país. A partir de ahí, nos pusimos como objetivo generar un espacio que le diera lugar a la animación de autor, esa animación que veíamos los sábados a la tarde en Caloi en su tinta. Hoy, ya con la quinta edición en marcha, creo que no nos equivocamos. La recepción del festival por parte de los animadores y del público en general superó todas nuestras expectativas, y el festival se convirtió en lo que soñábamos: un espacio para disfrutar de esa animación que no se ve en los canales de TV. Lo curioso es que se pueda ver en una radio...

¿Qué expectativas tienen para la edición 2015? Estamos trabajando mucho y las expectativas son las mejores. Apenas abrió la convocatoria de películas, recibimos un aluvión de cortos, lo que nos hace pensar que vamos a superar largamente los recibidos en las ediciones pasadas. Eso, por otra parte, también nos pone en un aprieto, porque nos obliga a ser mucho más riguroso a la hora de la preselección. Siempre nos caracterizamos por intentar darle espacio a la mayor cantidad de películas posible, sobre todo porque sabemos del esfuerzo que signiﬁca llevar adelante una realización de estas características, y sabemos que para la mayoría, el hecho de que su obra se proyecte en pantalla grande ya es un premio en sí mismo, y ese fue un gusto que nos dimos hasta ahora. Pero también sabemos que, a medida que el festival vaya creciendo, el ﬁltro se tiene que hacer más riguroso. No obstante eso, la calidad de trabajos recibidos en las ediciones pasadas, en general, ha sido óptima.

¿Cómo es llevar adelante un festival de animación? Llevar adelante un festival, cualquiera sea la temática, es de por sí una tarea bastante ardua. Son muchos meses de trabajo. En nuestro caso, termina una edición y, a los pocos días, ya estamos empezando a esbozar la próxima. Lleva mucho laburo de producción, gestión de salas, películas, la posibilidad de traer invitados del interior o del exterior; buscar ﬁnanciación, etc. En lo que tiene que ver con CARTÓN, y recordando lo que fue la primera edición, lo nuestro fue un aprendizaje constante. No sólo porque ninguno del grupo original era animador, sino porque nunca habíamos organizado nada que se pareciera a un festival. Como te decía anteriormente, desde Va… de Retro habíamos organizado movidas externas al programa, como la proyección de películas en el auditorio, o una feria de historietas, pero no un festival. Empezamos tocando de oído y terminamos componiendo una melodía hermosa. Hoy estamos felices de lo que signiﬁca CARTÓN y de lo bien recibido que es por el mundo de la animación en general.

¿Cuáles son los pasos para organizar un festival? Nosotros teníamos en claro que queríamos que la sede central del festival fuera el auditorio de la radio, o sea que ese punto lo teníamos resuelto. Después surgió la posibilidad de hacer la apertura y el cierre en una sala grande, pero el grueso del festival y toda la parte de competencia siempre se llevó a cabo en La Tribu. El principal obstáculo con el que nos encontramos en esa primera edición fue uno solo: Nuestro propio desconocimiento. No teníamos idea de cómo se organizaba un festival. O sea, no sabíamos ni por dónde empezar. Por suerte, todo fue ﬂuyendo naturalmente. En lo que tenía que ver con la animación, la colaboración de Julio Azamor fue importante y, en cuanto a la organización en sí, el habernos acercado al INCAA también fue de ayuda porque, de alguna manera, nos orientaron. Lo cierto es que todo fue un hermoso aprendizaje... y lo sigue siendo. ¿Quiénes conforman el equipo de organización? El Colectivo Cartón hoy está compuesto por siete personas: Marisa Fernández Villalba, Martín Araneda, Agustín Sinibaldi, Leandro Seoane, Maxi Bearzi, Mariana Costa y Diego Cabarcos. Maxi y Mariana son incorporaciones recientes, el resto pertenece al grupo original con el que se inició CARTÓN. La organización íntegra del festival la lleva a cabo el Colectivo Cartón y, durante los días de festival, recibimos ayuda de muchos de los compañeros que hacen La Tribu día a día.

SEGUIMIENTO DE LAS INSTANCIAS DEL CONCURSO PARA SERIE DE ANIMACIÓN FEDERAL

CONCURSOS DE SERIE DE ANIMACIÓN DEL

Realizadores de todo el país recibieron capacitaciones en el marco del concurso para series de televisión del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales.

Más de mil cuatrocientos proyectos de distintos puntos del país se presentaron en los concursos para serie de ficción, documental y animación organizados por el INCAA en conjunto con el Ministerio de Planificación Federal, Inversión Pública y Servicios. Con el fin de promover y fomentar la producción de contenidos audiovisuales, apostando a la diversidad de programas, y brindar ayuda a los realizadores, representantes de más de ciento treinta proyectos recibieron dos días de capacitación por parte de profesionales de la industria.

en mis manos y Los cuentos de la abuela Machi. De cada uno de los proyectos, asistieron el director, el productor y el guionista, quienes fueron capacitados por David Bisbano, para dirección; Rodolfo Pastor, para guión; y Roberto de Biase, para producción. El criterio para la elección de estos capacitadores fue que se necesitaba “personas con mucha experiencia, que supieran brindar el conocimiento didácticamente y que fueran activos, es decir, que estuvieran en el ruedo, fogueados con las nuevas tecnologías, para asegurar la calidad del concurso moderno y actual”.

Para la convocatoria y posterior capacitación, se dividió el país en seis regiones, garantizando los premios para cada una de ellas. En esta convocatoria, se destacó el hecho de que, para postularse, no era condición excluyente tener antecedentes en producción de contenido. Por el contrario, uno de los principales objetivos fue lograr generar experiencia y antecedentes en cada una de las regiones, ya que esto suele ser uno de los mayores obstáculos para realizadores independientes.

Camila Rocha, coordinadora de los concursos,

contó novedades en exclusiva para Moushon!

“La idea, sobre todo, es tener el proyecto ‘casi cocinado’, para luego salir a buscar inversión en sector público o privado. Hay instancias de capacitación en el área de dirección, producción y guión. Todo el equipo de trabajo se reúne en las tres áreas. Este año, hubo muchas nuevas propuestas, más cantidad, y es la primera vez en la que se preseleccionan ocho. Se decidió ampliar, ya que, además de haber un ganador, hay siete proyectos que van a quedar capacitados para producir luego, por fuera de lo que tiene que ver con el fomento estatal”. Entre los preseleccionados del concurso Serie de Animación Federal de la región Centro Metropolitano, se seleccionaron los proyectos: ¿Qué tiene que ver?, Palmito y sus delirios en el delta del Paraná, Náufragos, Los 4 sarcásticos, Caminantes, Xavi y Babila, La tierra

Rodolfo Pastor gui贸n

Roberto de Biase

producci贸n

Entre los preseleccionados del concurso Serie de Animación Federal de la región Centro Metropolitano, se seleccionaron los proyectos: ¿Qué tiene que ver?, Palmito y sus delirios en el delta del Paraná, Náufragos, Los 4 sarcásticos, Caminantes, Xavi y Babila, La tierra en mis manos y Los cuentos de la abuela Machi. De cada uno de los proyectos, asistieron el director, el productor y el guionista, quienes fueron capacitados por David Bisbano, para dirección; Rodolfo Pastor, para guión; y Roberto de Biase, para producción. El criterio para la elección de estos capacitadores fue que se necesitaba “personas con mucha experiencia, que supieran brindar el conocimiento didácticamente y que fueran activos, es decir, que estuvieran en el ruedo, fogueados con las nuevas tecnologías, para asegurar la calidad del concurso moderno y actual”.

David Bisbano dirección

ENTREVISTA NICOLÁS CONTE Y MICAELA DOLL Charlamos con Nicolás Conte y Micaela Doll, egresados de la cátedra DAV3 de la FADU, UBA y realizadores del multipremiado corto Yo te quiero, quienes se presentaron con el proyecto La tierra en mis manos:

¿Qué nos pueden contar sobre su proyecto? M.D.: La Tierra en mis manos es la historia de una nena que está destruyendo el mundo, sin darse cuenta, con sus travesuras. La idea es hacerla en stop motion con recortes de papel. Es la primera serie que realizamos. Venimos de hacer un corto que se llama Yo te quiero -que está recorriendo el mundo- y ahora estamos por empezar otro proyecto más en stop motion antes de este, si es que sale. ¿Cómo surgió presentarse en esta convocatoria? N.C.: Vimos la convocatoria y nos propusimos pensar un proyecto. Mica escribió el guión, preparamos la propuesta estética, y lo mandamos. M.D.: Sí. Además, lo que tenía de bueno es que no necesitabas tener referencia previa. Eso estuvo bueno. Además, es necesario para empezar a meterse a crear contenido. Está bueno tener fomento, porque el corto que hicimos lo realizamos a pulmón y es interesante empezar a vivir de esto, también.

¿Qué se llevan de estas charlas con los profesionales? N.C.: Nos hicieron una vasta devolución de dirección, guión y de animación, incluso. Más que respuestas, nos llevamos muchas preguntas como para volver a repensar el proyecto y encontrar soluciones... seguir trabajando. M.D.: Está buenísimo, porque uno piensa “esto es lo que puedo hacer” y, una vez que te distancias del proyecto, te das cuenta de que tenés un montón de cosas más por hacer. Sobre todo, es interesante que el profesional te de otra mirada que uno no tiene sobre su proyecto. ¿Piensan hacerlo igual, así no ganaran? N.C.: Sí. La idea es que ya vamos a tener una carpeta más sólida, con un proyecto más avanzado. M.D.: A lo sumo, empezar con algunos capítulos, aunque los produzcamos nosotros, para ver si alguien más se interesa.

F e s t i va l

CARTÓ N

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Día de la Animación Argentina

Se promueve establecer un día dedicada a la animación argentina, en el aniversario del estreno del largometraje animado más antiguo de la historia.

En el marco de la cuarta edición del Festival CARTÓN, se presenta el proyecto de ley 9 de noviembre, Día de la Animación Argentina, tratándose de una iniciativa que busca homenajear a Quirino Cristiani y difundir la animación nacional. La fecha elegida se debe a que el día 9 de noviembre de 1917 fue el estreno de la película El Apóstol, el primer largometraje animado de la historia de la humanidad, realizado en Argentina por Quirino Cristiani y Federico Valle. El film fue realizado en una combinación de animación tradicional y stop motion, utilizando figuras y muñecos de papel, siendo animados ya fuera por sustitución como por articulación cuadro por cuadro. El objetivo doble de la instauración de este día como el Día de la Animación Argentina sería tanto el difundir la vida y obra de Cristiani, como impulsar y fomentar la animación argentina en general, la que ha escrito parte de nuestra historia y la que se produce en la actualidad, dándole un lugar en el calendario. Se prevé que esta jornada refleje actividades y políticas públicas por parte del Estado y que, a su vez, se incluya en el calendario escolar, para generar el conocimiento de esta rama a veces ignorada de las artes nacionales en las nuevas generaciones.

Dieguez Diego

www.animationmachine.com.ar

DIRECTOR, PRODUCTOR Y DEMO ARTIST

Mini Bio C DIEGO DIEGUEZ Diego H. Dieguez es un joven emprendedor argentino, quien trabaja en efectos visuales, animación y docencia desde muy corta edad. Su primer estudio dedicado a generar animación y efectos visuales para comerciales de televisión y cine fue Nuts Studios. Más tarde, se unió al director ganador del Oscar, Luis Puenzo, para crear 3DN, una compañía de renombrado éxito, hasta el 2011. En la actualidad, Diego trabaja con su nuevo estudio, llamado Animation Machine, donde realiza animación y postproducción.

ómo avanzó la decisión de realizar la serie de Martian and Pulpet, a partir del corto que habían hecho hace algunos

años? Empezamos este proyecto de serie en el 2008. Hicimos el primer cortometraje animado, un poco explorando la animación y la llegada a los personajes, el encuentro de ellos y el camino de animación que íbamos a seguir. Queríamos hacer una animación muy estilo “cartoon” de los años treinta, como Tom & Jerry, Bugs Bunny... Ese estilo de animación difícil por los stretching, que son complejos de llevar a 3D. Hicimos una exploración con ese primer cortometraje, y pasó un tiempo hasta que pudimos montarnos y armarlos de vuelta. Competimos en un concurso que hizo el INCAA, que era un incentivo para series animadas en desarrollo, con ﬁnes de buscar ﬁnanciación en el exterior, para poder presentarnos en mercados y demás. Ganamos ese concurso y, gracias a eso, pudimos desarrollar el piloto de serie animada, ya en formato de serie.

¿En qué etapa se encuentran? Estamos en la etapa de haber terminado el piloto. Estamos mejorando el piloto, incluso. Tenemos la biblia, tenemos todos los requisitos que necesitamos para salir al mercado a poder venderlo. Estamos en esa etapa de viajar, comunicar, mostrar el producto y buscar coproducción.

¿Cómo fue tu experiencia con el INCAA? La experiencia fue muy buena. Hubo un tiempo de toma de decisión, lógico de cualquier institución grande como es el INCAA. Pasaron algunos meses desde que nos avisaron que ganamos hasta que recibimos el dinero para poder comenzar la producción. Aún así, sabiendo que habíamos ganado, comenzamos un mes antes a desarrollar la serie. Estuvo muy bien. Incluso, al terminar la serie, presentamos también la carpeta con todos los requisitos que nos pedían y la aprobación fue rápida y el pago del saldo también fue rápido. En este concurso en particular, la suma de dinero estaba acorde. Tenía que hacer un corto de mínimo cinco minutos. Yo decidí hacerlo de siete. En 3D, dos minutos es bastante dinero más, así que decidí ﬁnanciarlo yo mismo.

¿Cómo formaste el equipo de trabajo? Se formó con gente con la que yo venía trabajando hace años. Muchos de ellos trabajaron en el primer cortometraje. Sobre todo el animador, Fede, a quien quiero muchísimo. Él tuvo la oportunidad de viajar a Nueva Zelanda y de trabajar en Dreamworks, en Pingüinos de Madagascar, entre otras. Ahí ya era muy buen animador, pero le sirvió para mejorar todavía más. Él me contactó con otros chicos, argentinos, y pude armar un equipo muy interesante, con esa calidad, que era lo que yo venía buscando. Físicamente, los chicos trabajaban cada uno en su casa. Armamos un esquema de trabajo totalmente distribuido en Capital, en provincias y en el exterior. Acá estábamos yo (el director), María Laura (la guionista y productora), y una coordinadora que me ayudaba a mantener todo el equipo unido. El resto se desarrolló en forma remota.

¿Cómo se comunicaban? Siempre había una reunión física con todos los que podíamos. Nos juntábamos a hablar del proyecto, se daban todas las directivas de animación, el workﬂow, cómo iban a ir los archivos, en qué programas se trabajaba. Luego, cada uno iba a su lugar de trabajo y la comunicación era vía Skype, y teníamos un sitio web privado donde se volcaba todo el material que se generaba por día: archivos, previsualizaciones… Acá se nucleaba todo y se armaba el animatic o los animations, para ir viendo las realizaciones diarias.

¿Cómo resultó trabajar a distancia? Con el de Nueva Zelanda, particularmente, él se conectaba a las cinco de la tarde, siendo acá las ocho de la mañana, o algo así. Encontrábamos un punto donde poder charlar. Con el resto del equipo, que teníamos los mismos horarios, fue muy bien, una experiencia muy interesante. De todas formas, mi conclusión es que tenés que trabajar con gente que entienda el formato de trabajar a distancia y que sean muy profesionales con los deadlines.

¿Elegirías de vuelta este método de trabajo? Las dos formas están buenas. El estar todos juntos ayuda, anima al equipo y demás. Creo que es necesario, cada tanto, estar todos juntos y demás, pero creo que la tendencia -te diría que mundial- es el trabajo a distancia. Sobre todo porque podés manejar tus tiempos, con la comodidad de tu casa o donde quieras y estar trabajando, siempre y cuando cumplas con un deadline. Hoy en día, creo que todas las productoras se están volcando a este formato.

¿Estás trabajando en otros proyectos? Estamos empezando con dos series más de animación, y con un cortometraje. El corto es un proyecto antiguo que tenemos, anterior a Martian, pero estamos esperando el momento adecuado para hacerlo, porque queremos hacerlo todo con motion capture, haciendo captura con animación encima. Estamos viendo si utilizamos tecnología de videojuegos para hacer los renders, tecnología -podría decirse- similar a la que está usando Star Wars para hacer la nueva película. Tratamos de hacer todo en tiempo real y que el corto salga en tiempo real.

Estamos viendo si utilizamos

tecnología

para hacer los renders

Creo que es un

buen momento de Argentina

en la animaci贸n

¿Cómo pensas hacer con la serie? Si hay otro concurso del INCAA, con el que se pueda producir el tipo de animación que hago yo... lo complejo es que lo que hago es CGI full, y tratamos de mantener un estándar de calidad. Siempre que haya un concurso que disponga de ese dinero, sí participaría. Hoy, el camino de la serie es otro; creo que tiene que buscar inversores extranjeros. Ya hemos hablado con varios y hay interesados, así que estamos viendo y cerrando todo como para poder empezar a producir. ¿Cómo ves actualmente la animación argentina? Creo que está en plena expansión. Creo que es un buen momento de Argentina en la animación y que a nivel mundial es un buen momento. Hoy en día, hay muchas posibilidades. Se ve mucha más producción animada en Argentina que la que se veía, y eso es una tendencia que va a seguir.

Si querés saber más, leé la primera entrevista que hicimos a Diego Diéguez en Moushon! Nº2, noviembre de 2012.

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LA REVISTA DE ANIMACIÓN ARGENTINA LA REVISTA DE ANIMACIÓN ARGENTINA

Holcer Pablo

ca.linkedin.com/in/pabloholcer

COMPOSITOR SENIOR Y SUPERVISOR CG

Mini Bio urante su visita al país en ocasión del festival Expotoons 2014, Pablo Holcer habló con el equipo de Moushon!, contándonos sus orígenes en la industria de la animación, sus experiencias más remarcables, y su visión sobre la industria nacional.

PABLO HOLCER Habiéndose dedicado desde chico a las artes visuales y la computación, Pablo Holcer desarrolló una importante carrera en el área de composición digital para largometrajes. En Argentina, dirigió Cóndor Crux y trabajó en los ﬁlms de Patagonik Dibu y Los Pintín. En el exterior, trabajó haciendo supervisión de secuencias y de composición digital para renombrados ﬁlms de éxito internacional como Piratas del Caribe, Narnia, Happy Feet, Life of Pi, Lluvia de hamburguesas 2 y The amazing Spider-Man 2, entre otras.

Estoy de visita en Argentina. Este es el país donde nací, crecí, estudié, me crié, me formé. Hace doce años me fui del país, habiendo hecho la carrera de pintura y dibujo en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón, habiendo estudiado antes pintura, estudiado de muy chico computación, pero dedicado a todas las artes visuales y a la experimentación con video. Vengo de una familia donde mi hermano es director de teatro y mi hermana hacía danza. Es decir, vengo de una familia que tiene relación con el mundo de las artes en la Argentina. Desde muy chico empecé a trabajar con la computadora, con los medios electrónicos. En el año 1983 participé de la primera muestra de arte computacional que se hizo con el Centro Cultural Recoleta. Ya ahí estaba jugando con los medios electrónicos. Luego, en el año 1989, cuando terminé mi carrera, decidí probar suerte en España. Ahí hice una experiencia en escultura y en fotografía, que fue muy nutritiva para mi carrera. Cuando volví a la Argentina comenzó en sí mi carrera en lo que es la postproducción, la animación y los efectos visuales.

Tuve el orgullo de trabajar con Leonardo Favio durante un año y medio, que es una de las primeras convocatorias que tuve, donde aprendí muchísimo. Ahí trabajé como Director de Arte y en composición digital. Una de las cosas que hicimos fue la siguiente: la mayoría de los archivos de los discursos de Perón en el balcón fueron quemados en 1955. Los quemaron los milicos, así que hubo que reproducirlos. Entonces hubo un trabajo muy importante de tomar otros discursos y ponerlos en la boca de Perón, pero con la grabación del discurso más importante. Fue llamado Perón, sinfonía del sentimiento. Luego de allí tuve un coqueteo con las postproductoras comerciales en Argentina como Metrovisión y Videocolor, entre otras. Luego llegué a Patagonik Films Group donde hicimos tres largometrajes de animación: Dibu 1, Dibu 2 y Los Pintín. Digo “hicimos” porque fue junto a Juan Pablo Buscarini y Swan Glecer. Swan en el departamento de 3D, Juan tanto en la producción como en la postproducción y yo en la parte de composición digital. Dado que generamos la conﬁanza en Patagonik habiendo hecho tres proyectos en tiempo y en forma, les presentamos un proyecto propio, nuestro. Ese proyecto se llamó Cóndor Crux, un primer largometraje en Latinoamérica que combinaba “cartoon animation” con entornos 3D, una excelente experiencia de codirección donde pasás por todo el proceso de un largometraje. Nunca en mi vida me imaginé que iba a estar haciendo la dirección actoral de Pepe Soriano y Arturo Maly, así que fue una experiencia muy enriquecedora tanto en lo técnico como en lo artístico, ¡fue fantástico!

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Leonardo Favio durante un a単o y medio

Allí, uno toca el techo, porque la puesta fue abrir una industria, hacer un proyecto germinal. Es muy difícil que se de eso en la Argentina. Necesita todo: el apoyo estatal, el privado y, en ese momento, no se dio. Volvió la crisis del 2002, y yo decidí volver a probar suerte, en ese caso, en Estados Unidos, donde había tenido un previo contacto con Industrial Light & Magic antes de irme. Querían que fuera a trabajar con ellos, pero no estaba el tema del visado. Cuando viajé allá me dijeron: “Ah, ya estás acá. Bueno, nos interesa que trabajes con nosotros”. Mi primera experiencia allá fue con ellos. Fue una experiencia corta, en San Rafael, un poco al norte de Los Ángeles. Después volví a Los Ángeles y trabajé en Rhythm and Hues Studios (R+H), la compañía donde desempeñé un rol durante diez años. Ahí fui forjando mi carrera. Empecé como compositor digital, seguí como lead, que es el segundo cargo, luego como supervisor de composición y terminé como supervisor de secuencia. Eso significa que tenés un equipo de veinte o veinticinco personas, los cuales son un equipo de iluminadores, que son los que ponen las luces virtuales para iluminar un personaje 3D o un escenario 3D, y un equipo de compositores, que son los que integran todos los elementos y hacen la toma final, el producto final que va a la película. Cuando digo “todos los elementos” me refiero a efectos, explosiones, fuego, agua, humos, todas las layers, animación, personajes. En este tiempo me tocó trabajar en veintiocho películas: cuatro en Argentina y el resto en el exterior.

Ahí fui forjando mi carrera. Empecé como compositor digital seguí como lead

luego como supervisor de composición y terminé como supervisor de secuencia

Rhythm and Hues entró en quiebra hace unos años, algo que sucede bastante en la industria. Muchos se están yendo a Canadá, por la política de subsidios, por el talento que hay allí y demás. Tuve la suerte de que Sony Pictures Imageworks me convocara. Cuando empecé a trabajar, querían mi perﬁl pero, en ese momento, no tenían algo para ofrecerme en supervisión, y me dijeron que tenían un lugar para iluminar y dije: “Bueno, allá vamos”. Hacía muchos años que no trabajaba “detrás del box”, haciendo tomas, pero tomé el desafío... que es una palabra muy importante para el que esté en esta industria. Todo el tiempo hay que estar aprendiendo, actualizándose. En Sony me tocó trabajar en tres proyectos, entre los cuales Lluvia de hamburguesas 2, un proyecto muy divertido de animación, con una cantidad de diseño de personajes alucinante. Yo estaba muy sorprendido por la envergadura de un proyecto de full animation como este, no había trabajado en proyectos que tuvieran esa cantidad de elementos, de personajes y, sobre todo, también estaba sorprendido por la organización y la eﬁciencia de Sony.

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la posibilidad de trabajar

con directores visi贸n art铆stica que tengan una gran

Para el segundo proyecto, seguido a este, me hicieron una oferta para ir a Vancouver. Lo acepté y ahí trabajé como compositor senior para The Amazing Spiderman 2. La verdad es que pocas veces uno tiene proyectos que coinciden en lo artístico y lo visual. Yo estaba haciendo investigaciones en dibujos y elementos neuronales y, de pronto, me dijeron que tenía que trabajar en esta película que es “electro”. Vi todas las conexiones de electricidad, y las capas que tenía que armonizar en composición para que ese efecto tuviera toda la potencia que tiene… ¡guau, alucinante! Aprendí mucho, también. Un importante hito en mi carrera es La vida de Pi, o Una historia extraordinaria. Pocas veces uno tiene la posibilidad de trabajar con directores que tengan una gran visión artística. En este caso, fue una película que tenía mucho contenido artístico y allí me desempeñé como supervisor de secuencias. Fue una experiencia muy rica y una película que ganó el Oscar por los efectos visuales. El mérito fue de todo el equipo; esto es todo un trabajo industrial, uno es una pieza en un engranaje gigantesco. Es una cadena colaborativa entre equipos y departamentos. Nosotros estamos al servicio de una visión que tiene que ver con el estudio, el cliente, o el director. Ese es un poco el rol de los que trabajamos en esto.

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Martian & Pulpet

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Diego Dieguez

Director de Animation Machine. Creador de Martian & Pulpet

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Astigmatismo

Mientras estaba haciendo experimentos en una noche tranquila, un cientíﬁco recibe una visita inesperada que su llegada cambiará todo.

Un niño pierde sus gafas y sólo puede ver haciendo foco en una cosa por vez. Tendrá que explorar un mundo borroso de lugares desconocidos y extraños personajes.

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AGENDA abril 2015

01 MIER

Muestra de pinturas Huecos por Noelia Farias.

Abr

Hasta

El Festival Internacional de Cine Independiente de Buenos Aires es uno de los eventos cinéﬁlos más destacados de América Latina.

Hasta

Noelia Farias Pinturas

Desde

BAFICI 2015

Abr Palais de Glace Recoleta

Abr

http://goo.gl/bkzcqk

Teatro San Martín http://goo.gl/kuMGZi

Asterix en Buenos Aires

Hasta

Exposición sobre el mítico personaje francés en el Centro Cultural Recoleta.

May

Centro Cultural Recoleta, Ciudad Autónoma de Buenos Aires

http://goo.gl/nryLlE

Feria Internacional del Libro 41° Feria Internacional del Libro de Buenos Aires

Abr

May

Predio La Rural http://goo.gl/8984Y

01 MIER

La Donación León Ferrari La muestra consta de 72 dibujos que la familia del gran artista argentino donó al Museo de Arte Moderno.

Hasta

01 MIER

23 JUE

Hasta

15 MIER

abril

Desde

Agos

MAMBA, Ciudad Autónoma de Buenos Aires

http://goo.gl/0kfAHe

s 89

PE C

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