Mug #12

Year 6 n째 12, Dec 2006 _ BI ANNUAL Spedizione in A.P. - 70% - DCI - TV registrazione del Tribunale di Treviso n. 1141 del 26/09/2001

FREE

Year 6 n째 12

The Bruised Issue: Jun Takahashi _ H-Lorenzo _ The Harrington Jacket The Natural Way _ Cracking Art Revolution Modateca _ White _ Benetton 40th Anniversary

Ph_ Elisa Pasqual

Editorial

Where is Mug?

01

WW.M UG 2-W #1

Mu E-

g Magazi

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Via Paris Bordone 14/16 _ Treviso

N

Spazio Lazzari

EMAGAZ I

Besides being sent to you by mail, Mug is also distributed free of charge in these shops and concept stores.

AZINE.CO AG M M

RE -F

Mug non solo in abbonamento postale ma anche in distribuzione gratuita all'interno di questi negozi e concept store.

Sugar

C.so Italia 21/23 _ Milano

Penelope

Via Gramsci 16 _ Brescia

Papete

V.le Ceccarini 77/79 _ Riccione

Jana

Via Maria Vittoria 45/a _ Torino

Biffi Boutique

C.so Genova 6 _ Milano Via Tiraboschi 32/36 _ Bergamo

10, Corso Como C.so Como 10 _ Milano

Sbaiz Spazio Moda

V.le Venezia 24 _ Lignano Sabbiadoro

Top Ten

Via Soleri 2 _ Torino

Tad Concept Store Via del Babbuino 155/a _ Roma

H Lorenzo

8646-8660 Sunset Boulevard _ Los Angeles

“Facts are the most stubborn things in the world” "I fatti sono la cosa più testarda del mondo"

M. Bulgakov

CULTI ATMOSPHERE

La prima volta che qualcuno si innamorò di queste scarpe era il 1972.

Durante una fiera in Germania un’azienda danese notò queste particolari calzature, in tela e caucciù, che per anni avevano completato la divisa dei collegi cecoslovacchi.

Grazie all’introduzione di un piccolo rinforzo in pelle vicino alla punta, esse vennero presto immesse sul mercato come scarpe da Badminton.

E mentre in nord Europa questo sport trovava sempre più estimatori le Kawasaki guadagnavano terreno, uscendo dai campi da gioco per conquistare il mercato della quotidianità.

Dopo essere infatti divenute, nel decennio a cavallo tra gli ’80 e i primissimi anni ’90, accessorio di moda, nel 1993, a causa del concludersi della Guerra Fredda e della dissoluzione della Federazione Cecoslovacca, vedevano l’arrestarsi della loro produzione.

Ci volle Bo Stanley nel 2003, con l’acquisizione del marchio e la riapertura degli stabilimenti in Repubblica Ceca, per rimettere in moto la storica produzione.

E subito l’enorme successo: prima best seller in Danimarca per due anni di seguito, poi Svezia, Norvegia e (dopo lunga attesa...) finalmente a gennaio Kawasaki alla volta dell’Italia!

www.culti.it

KAWASAKI FOOTWEAR Sfere vestite di pregiate lane dialogano olfattivamente e visivamente con lo spazio domestico ed i suoi accessori: Atmosphere è una nuova maniera di profumare l’ambiente.

Una miscela di tessuti viene infatti letteralmente “impressionata” della fragranza prescelta per poi rilasciarne il profumo; ogni qualvolta si desideri ravvivarlo è sufficiente utilizzare la fragranza originaria, modulandone ovviamente l’intensità a proprio piacimento. Acqua, Aria, Terra, Fuoco, Aqqua, Tessuto, Cacao, Blended, Thè, Spa Mareminerale sono le profumazioni disponibili.

Un’avventura quella di Culti, cominciata nei primi anni ’90 grazie ad Alessandro Agrati, suo fondatore e direttore artistico, caratterizzata da una ricerca continua di inedite soluzioni creative nel settore del design e del decor. Di Culti è l’invenzione riconosciuta come l’idea più rivoluzionaria nel panorama della profumazione per ambiente: l’evaporatore permanente.

Spheres coated with precious wool make a visual and olfactory complement to home space and its accessories: Atmosphere is a new way to perfume our environment.

After a mixture of fabrics has been made to absorb our favourite fragrance, it slowly releases its scent, and when we want to enliven it, all we have to do is to use the original fragrance adjusting its strength to taste. The perfumes available are: Acqua, Aria, Terra, Fuoco, Aqqua, Tessuto, Cacao, Blended, Thé, Spa Mareminerale.

Established in the early ‘90s by creative manager Alessandro Agrati, Culti is characterised by an endless search for new ideas in the field of design and décor, and the permanent evaporator they have invented is considered to be the most revolutionary idea in the field of room perfuming.

www.kawasakifootwear.it

It was in 1972 that someone first fell in love with this footwear.

At a German fair, a Danish firm noticed this particular cloth and natural rubber footwear used for years to complete uniforms in Czechoslovak colleges. Thanks to a small leather reinforcement near the toe they soon flooded the market as Badminton shoes.

While the sport became increasingly widespread in the North of Europe, Kawasaki shoes gained success and left the playgrounds to conquer the market of day-to-day use.

The shoes became a fashion accessory between the late ‘80s and the early ‘90s, but in 1993, after the end of the Cold War and the dissolution of the Czechoslovak Federation, their production came to a stop to be resumed ten years later, in 2003, when Bo Stanley took over the brand and re-opened the factories in the Czech Republic. After achieving great success for two years on end in Denmark, and after selling well in Swede and Norway, long-expected Kawasaki footwear will at last be available on the Italian market in January 2007.

TOM DIXON POUR LACOSTE: THE ECO POLO VS. THE TECHNO POLO www.tomdixonpourlacoste.com

L’autunno scorso Lacoste ha lanciato una serie speciale in edizione limitata di magliette polo create da Tom Dixon.

Egli spiega i suoi due approcci contrastanti: “Un approccio che si occupa dell’origine e della lavorazione dei materiali usati, un altro che accetta la sfida posta dalla tecnologia e dalla funzionalità dell’indumento”.

I risultati sono la Eco Polo, che viene tinta a mano in India usando un processo naturale per fermentazione con poco consumo di acqua e senza fissanti, e la Techno Polo, la quale utilizza un tessuto che sorprendentemente combina cotone e acciaio.

Questa collaborazione stilistica unica è la prima della Serie Holiday Collector di Lacoste; il famoso marchio di indumenti sportivi francese sceglierà ogni anno uno stilista dal mondo della moda per re-interpretare la sua maglietta polo, ponendo sempre nuove sfide ai suoi metodi e processi di produzione.

This past fall, LACOSTE launched a special limited edition series of polo shirts designed by Tom Dixon. He explains his two contrasting approaches: “One which engages in the provenance and craft of the materials used, and one that challenges the technology and functionality of the garment.” The results are the Eco Polo, which is hand dyed in India using a natural indigo fermentation process that consumes little water and requires no fixing agents; and the Techno Polo, which utilizes a fabric that unexpectedly combines cotton and steel.

This unique design collaboration is the first of the Lacoste Holiday Collector’s Series, of which the famous French sportswear brand will select a designer, each year, outside the fashion world to reinterpret its iconic polo shirt and to challenge its production methods and processes.

Senza di “lei” ce ne andremmo ancora in giro per le strade della nostra città con i nostri acquisti sottobraccio, avvolti magari in una velina o in una robusta carta da pacchi e di sicuro sarebbe difficile poter continuare lo shopping.

Furono infatti alcuni inventori dell’Associazione dell’Industria della Carta tedesca ad immaginare che con il medesimo materiale con il quale, fino ad allora venivano impacchettati gli oggetti venduti, si sarebbe potuto realizzare una borsa da trasporto.

Arguti signori che nell’autunno del 1906, a Monaco di Baviera, presentarono tutta la documentazione per la produzione di una borsa da trasporto in carta dotata di un nastro da infilare dalla spalla. E subito la reazione dei negozianti fu sorprendente, in breve tempo ne ordinarono grandi quantità, vedendo finalmente prospettarsi la possibilità di concludere la vendita in 40 secondi e dire basta a pacchetti e pacchettini: giusto il tempi di infilare la merce nella borsa. Nasceva quella che oggi chiameremo shopping bag di carta: grandi e agili manici per una grande capacità.

If paper bags didn’t exist we would walk about the city streets carrying our things wrapped in tissue paper or brown paper and it would be hard for us to do more shopping. Some inventors from the German Association of Paper Manufacturers thought that carry-bags could be made out of the same material used to wrap up sold objects; as a result, in autumn 1906, these quick-witted gentlemen presented at Munich their detailed documentation for the production of a paper carrier provided with a shoulder strap.

Shopkeepers’ reaction was surprising: faced with the prospect of speeding up selling times and of saving themselves the trouble of wrapping countless packets simply by putting goods into a carrier, they immediately passed huge orders for paper bags. The shopping paper bag was born, with big, easy-to-hold handles to carry many more things.

HAPPY BIRTHDAY “PAPER SHOPPING BAG”!

DOVER STREET MARKET, TOKYO

Lo scorso 1° Settembre a Tokyo è stato inaugurato il “Dover Street Market”, cugino giapponese del già celebre omonimo negozio di Londra.

Pervaso dalla medesima essenza creativa, lo spazio rappresenta la versione nipponica in scala 1/10 dell’affascinante e caotico microcosmo dello store inglese; il suo interno è stato energicamente concepito e allestito direttamente da Rei Kawakubo, con la partecipazione di Michael Howells e degli artisti Higashionna Yuichi e Maki Kahori. Oltre alle linee Comme des Garçons presso il negozio trovano spazio i marchi più rappresentativi del negozio londinese, quali: Labour and Wait, Michael Costiff’s World Archive, Emma Hawkins, Cutler and Gross, etc.

“Dover Street Market”, the Japanese equivalent of its famous London namesake, was opened in Tokyo on September 1st.

Although it represents the 1/10 scale Japanese version of the fascinating, chaotic microcosm of the English store, the space is pervaded with the same creativeness. Rei Kawakubo personally devoted her skill and energy to the shop’s interior design and fitting, with the collaboration of Michael Howells and artists like Higashionna Yuichi and Maki Kahori.

Besides Comme des Garçons lines, the shop displays the most renowned brands that can be found in the London shop: Labour and Wait, Michael Costiff’s World Archive, Emma Hawkins, Cutler and Gross, etc.

5-12-3 Minami Aoyama 107-0062, Minato-ku Tokyo Tel : +81 3 5468 8301 Open: 11:00-20:00

FREEDOM OF CREATION

Assai nota per le sue scarpe da tennis classiche Gullwing, la Tretorn ci offre una nuova gustosa delizia da portare ai piedi. Il Box Set Skagenrora, ispirato al popolare stuzzichino svedese Toast Skagen, è una celebrazione della cultura e della tradizione della ditta scandinava.

Il Toast Skagen, elegante mistura di gamberetti e altri crostacei su una fettina di pane rosolato guarnito con un ramoscello di finocchietto, va alla grande tra i frequentatori delle feste durante le annuali vacanze estive. In effetti la scarpa destra ha la funzione del pane tostato, mentre le tre scarpe sinistre invitano chi le indossa a improvvisare il loro mix Skagenrora, ciascuno con un grafico bizzarro che rappresenta i diversi ingredienti di questa delizia culinaria. Smaklig mältid!

Godetevelo!

www.freedomofcreation.com

TOAST SKAGEN www.tretorn.com Per i designer industriali: un interessante metodo di produzione che si può applicare a ogni tipo di prodotto.

Il Punchbag di Freedom of Creation, solo uno dei prodotti che si avvalgono di questa tecnologia, è basato sul concept di Jiri Evenhuis dei tessuti RM (Rapid Manufactured), progettato da Janne Kyttanen. Il tessuto del sacco è fatto in stereolitografia (SLA), un procedimento di modellatura mediante iniezione che produce un oggetto tridimensionale sulla base di un modello di riferimento che in questo caso è un collegamento tipo nastro di Mobius che crea una sorta di maglia. La macchina SLA usa un laser computerizzato che interviene strato su strato su una resina fotosensibile per creare la parte 3D.

For industrial designers: an interesting production method that can be applied to all sorts of products. Freedom of Creation’s Punchbag, just one of their products utilizing this technology, is based on the concept by Jiri Evenhuis of Rapid Manufactured (RM) textiles, designed by Janne Kyttänen. The textile for the bag is made by stereolithography (SLA), an injection molding process that produces a three-dimensional object on the basis of a master pattern, which in this case is a mobius-like link that creates a kind of knit. The SLA machine uses a computer-controlled laser to cure a photosensitive resin, layer by layer, to create the 3D part.

Tretorn, widely known for its classic Gullwing tennis shoes, offers us a tasty new treat to wear on our feet. The Skagenröra Box Set, inspired by the popular Swedish appetizer Toast Skagen, celebrates the company’s Scandinavian culture and heritage. The Toast Skagen, an elegant combination of shrimp and other seafood on a small piece of sautéed bread garnished with a sprig of dill, is a favorite of party-goers during the annual Midsummer holiday. In effect, the right shoe acts as the “toast” while the 3 left shoes invite the wearer to concoct their own Skagenröra mix, each with a whimsical graphic representing the different ingredients of this culinary delight. Smaklig mältid!

Enjoy!

MYTHOLOGIES DE MAURICE RENOMA www.renoma-paris.com

Da parecchi anni Maurice Renoma si è appassionato (tra le tante...) alla fotografia. Nelle sue “Mythologies”, edite da Marval, riesce a riannodare perfettamente il legame tra la fotografia cosiddetta numerica e il fotomontaggio di stampo surrealista. Ritratti di nudi con teste di animali, verdure o pietanze, uomini in giacca e cravatta col muso da cane popolano un universo bizzarro e provocatoriamente ibrido, messo sapientemente in verbo da Pascal Lainé. Renoma, stilista presente sulla scena internazionale da più di quarant’anni, precursore dello yé-yé, dopo aver combinato la moda e la fotografia cosiddette istintive nella sua prova modografica (“Renoma...

Maurice: Modographe”) sempre con la stessa editrice, si cimenta qui in una serie di ritratti di fantastiche creature animali dalle espressioni umane, ancora una volta ponendo l’accento sull‘umanità dell’uomo.

Photography has been one of Maurice Renoma’s interests for many years. In his “Mythologies”, published by Marval, he perfectly succeeds in renewing the connection between the so-called numerical photography and surrealist-style photomontage. Portraits of nudes with animal heads, vegetables and food dishes, men wearing a jacket and tie and showing a dog’s snout instead of a face crowd the strange, provocatively hybrid universe that Pascal Lainé has skilfully expressed. A designer who has been on the international scene for over forty years, a precursor of the yé-yé style, Renoma merged ‘instinctive’ fashion and photography in his ‘modographic’ work (“Renoma…Maurice: Modographe) issued by the same publisher; in Mythologies he tries his hand at a series of portraits of fantastic animal creatures expressing humanity, to emphasise once more man’s true nature.

Mug People

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MUG_Year 6_Number 12_December 2006 Registrazione Tribunale di Treviso n. 1141 del 26/09/2001 Mug Magazine via Paris Bordone, 14 31100 Treviso Italia p: +39 0422-598564 f : +39 0422-545456 www.mugmagazine.com info@mugmagazine.com

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Registered Director: Mara Bisinella

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Editorial coordinator: Alessandro D’Annibale

Correspondent from London: Cesare Tonon Correspondent from Moscow: Natasha Vilenskaya Translations: Mario Crosato + Sheila Moynihan Web-site: Marco Zavagno Printing: Grafiche Antiga spa

Cover image

Concept_ Marco Altan Colored and treated leather by_ Conceria Guidi Execution of design on leather_ Olimpias Size_ w:60cm h:40cm Descripition_ Illustration on Donkey leather realized by laser technique.

From the Editorial Office of Mug, thanks to everyone who collaborated and contribuited to this issue, #12!

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Designer_Jun Takahashi

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09

Jun Takahashi, designer of Japanese brand UNDER COVER, in a span of just 16 years has made a unique passage, from fashion college student to the ultimate creator of emotional and evocative fashion of our times.

Many fashion designers spend years developing their skills and techniques as assistants at established fashion houses before they are able to launch their own brands. However, Takahashi set up UNDER COVER in the company of friends while he was still a student at the Bunka Fashion College in Tokyo; and in April of 1988 started creating and selling hand-made T-shirts. Takahashi began his wholesale operation in 1991, and gradually became a leader on the forefront of Tokyo street style. It wasn’t before too long, in the A/W season of 1994 that Takahashi participated in Tokyo Fashion Week, and in the same year officially founded UNDER COVER co. ltd. After many years of perseverance as an independent designer in Tokyo, Takahashi broke through onto the international fashion scene by presenting his collection in Paris for the S/S of 2003.

Riding the wave of Japanese street fashion, Takahashi’s work is the perfect example of the ephemeral shift from image-oriented to emotional and evocative. He represents a generation of youth in Tokyo that has adopted the punk rock mentality, a pop culture that welcomes the exaggeration of an ‘everything goes’ thematic irony and rebels against social norms, expressed on the street. Despite the commercialization of this aesthetic, Takahashi’s work has never been contrived; it comes out from his authentic love for music, interpretation of styles and a reality that he actually lives.

We can hardly call the leaps and bounds of this designer an evolution, but it can be said that this street fashion designer has emerged into a leader of high fashion’s avant-garde, crossing over and using many different mediums to express his highly conceptual ideas, including limitless drawings and paintings, doll-making, furniture design and collaborations with other designers of international fame. In his latest collection, Purple, the taste from the street has nearly disappeared. Takahashi said that he noticed that femininity and sexuality were missing in the collections of UNDER COVER, and needed to express that in order to take the brand to the next level. He sought to attract his audience and tug at their emotions; something to make us say, “We want it. Right away”.

UNDER COVER

JUN UN

TAKAHASHI HASHI ASHI

Designer_Jun Takahashi 10

In the past, the unique style and presentation of UNDER COVER has always challenged its audience, and now has made a complete change focusing more on high fashion. However, the reaction of the press was extremely good and Takahashi is quite pleased of the outcome as well. Of course, constant change is the fate of fashion, but a drastic change is always accompanied by a huge risk; but this is a risk Takahashi made outright, and from this we can still feel the punk spirit of aggressive street fashion.

JUN TAKAHAS

Takahashi’s talent, his endless craving to create, and his expression of emotion go far beyond fashion design. This charming young man dressed in black creates the surprising, the enchanting, sometimes disturbing, yet always powerful images on which we will surely continue to feast our eyes.

Nell’arco di soli 16 anni Jun Takahashi, creatore del marchio giapponese UNDER COVER, ha fatto un salto prodigioso, passando da studente di scuola di moda alla posizione di massimo esponente di una moda evocativa dei nostri tempi capace di suscitare emozioni.

Molti stilisti impiegano anni a maturare tecniche e capacità come assistenti presso affermate case di moda prima di riuscire a lanciare i loro marchi.

Takahashi, invece, ha creato Under Cover con un gruppo di amici quando era ancora studente alla Scuola di Moda Bunka di Tokyo. Nell’aprile del 1988 ha cominciato a produrre e a vendere magliette fatte a mano, e ha cominciato la sua operazione su vasta scala nel 1991, fino a diventare a poco a poco una autorità di primo piano dello stile "street" di Tokyo. Poco tempo dopo, nella stagione AutunnoInverno 1994 Takahashi ha partecipato alla settimana della Moda di Tokyo, e nello stesso anno ha fondato ufficialmente la Undercover Co. Ltd. Dopo aver a lungo proseguito con tenacia la sua attività di designer indipendente a Tokyo, Takahashi si è affermato sulla scena della moda internazionale con la presentazione parigina della sua collezione per la stagione Primavera–Estate 2003.

"The advances of UNDER COVER made a new wind blow on the international fashion scene."

SHI

Designer_Jun Takahashi 11

UNDER COVER Takahashi è un esempio perfetto del passaggio effimero da una moda d’immagine a una moda evocativa incentrata sulle emozioni.

Egli rappresenta una generazione di giovani di Tokyo che ha fatto propria una mentalità punk rock, una cultura pop che accoglie le esagerazioni dell’ironia tematica del "tutto va bene", che si esprime in strada e si ribella contro le regole sociali.

Non ostante la sua estetica abbia subito una commercializzazione, l’opera di Takahashi non è mai stata frutto di calcolo, poiché deriva dal suo amore autentico per la musica, per l’interpretazione degli stili e per una realtà che egli effettivamente vive.

La rapida carriera di questo stilista si può a stento definire un'evoluzione; ciò che si può dire è che questo creatore della moda street si è affermato come leader dell’avanguardia dell’alta moda combinando e usando diversi mezzi per esprimere le sue intuizioni estremamente concettuali, che comprendono un gran numero di disegni e pitture di vari soggetti, la fabbricazione di bambole, il design di mobili e collaborazioni con altri stilisti di fama internazionale. Nella sua ultima collezione, Purple, il gusto della moda di strada è quasi scomparso.

Takahashi ha affermato di aver notato che la femminilità e la sessualità erano assenti nelle collezioni di Under Cover, e di sentire la necessità di esprimerle per poter portare il marchio a un livello superiore. Egli ha allora cercato di attirare il pubblico e di far leva sulle sue emozioni; qualcosa per farci dire “Lo vogliamo. Subito”. In passato lo stile unico e il modo di presentarsi di Under Cover ha sempre costituito motivo di sfida per il suo pubblico; attualmente c’è stato invece un cambiamento totale con una maggior attenzione all’alta moda.

La reazione della stampa è comunque stata assai positiva e Takahashi è molto soddisfatto anche dei risultati conseguiti. I mutamenti costanti sono indubbiamente connaturati alla moda, ma a un cambiamento drastico si accompagna sempre un grande rischio che Takahashi si è assunto completamente, un atteggiamento dal quale si può ancora avvertire lo spirito punk dell’aggressiva moda di strada.

Il talento di Takahashi, il suo desiderio illimitato di creare e la sua capacità di esprimere emozioni vanno ben oltre il fashion design. Questo affascinante giovane vestito di nero è il creatore delle immagini sorprendenti, suggestive, talvolta sconvolgenti ma sempre di grande forza che continueranno certamente a fare la gioia dei nostri occhi.

Ph.Paolo Roversi

THE INTERNATIONAL REFERENCE FOR FASHION,BEAUTY,PHOTOGRAPHY, LUXURY ADVERTISING,GRAPHIC DESIGN,PRODUCTION AND EVENTS.

2007

by Paris, New York, London

www.lebook.com

“

”

In the history of clothing there are garments which could and can still embody at best the style of the people who wear them. Baracuta is just one of them.

In 1937, John and Isaac Miller created this raglansleeved short jacket in Manchester - North of England, with features like the collar button closing, elastic wristbands and typically buttoned flap pockets. It took nearly a year before the two brothers could appear at Beaufort Castle before Lord Lovat, the head of the Fraser clan, and obtain a licence to use their red tartan for the lining of mythical model G9.

Over the years the Baracuta has been able to express the personality of those who made it famous, to the extent that it has become their icon; in fact, Elvis Presley, in “King Creole”, Steve McQueen on Life’s cover and Frank Sinatra in “Assault on a Queen “, are just a few of the celebrities that contributed to its renown.

At the end of the ‘50s, the garment couldn't fail to enrich the wardrobe of the Mods, the young adepts of Modernism who were in favour of an extreme aesthetic and behavioural exaltation of refinement in individual style, and chose the care of their look as a way to achieve consistency in elegance.

John Simons, the owner of mythical Ivy Shop in Richmond, who had the chance of clothing most of them in the London of the '60s, was no doubt one of the main figures who contributed to make the Baracuta popular.

Besides making this item of clothing an icon of ‘American Cool’, he started to lovingly call it “Harrington”, in honour of a well-known character in the serial Peyton Place, Rodney Harrington, who used to wear the garment. This name is still used today for all the jackets drawing on this style.

The age of “casual clothing” was dawning.

Only a few years later, after spreading overseas and throughout the Continent, would the Baracuta be used again by members of London groups like Punk and Ska revivalists: various clothing brands, whether British-style or after the American Ivy League, have ever since proposed reinterpretations of the Harrington or reproduced many of its original features in the models they tailor.

On one of their 1981 concerts in Times Square, the Clash wore a personalised version of the jacket, and since then the Harrington has day after day been considered a symbol of style in clothing.

Esistono degli indumenti nella storia dell’abbigliamento che più di altri hanno saputo e sanno rappresentare lo stile delle persone che li indossano. Il Baracuta è uno di questi.

Nel 1937 nel nord dell’Inghilterra, a Manchester, John e Isaac Miller crearono questa giacca corta dalle maniche “raglan”, il colletto chiuso da bottoni, i polsini elasticizzati e le tasche dalla patelle tipicamente abbottonate; ci volle meno di un anno perché questi due fratelli, presso il Castello di Beaufort, al cospetto del XXIV° Lord Lovat capo del clan Fraser, ottenessero il permesso di utilizzare quell’inconfondibile tartan rosso per foderare il mitico modello G9.

Decennio dopo decennio il Baracuta ha saputo “interpretare” la personalità di coloro che l’hanno reso celebre, divenendone esso stesso l’icona: Elvis Presley prima, in “King Creole” (Ita. La via del Male), Steve Mc Queen poi, sulla copertina di Life e infine Frank Sinatra in “Assault on a Queen” (Ita. U 112 Assalto Al Queen Mary) sono solo alcuni dei personaggi che più hanno contribuito alla notorietà di questa giacca. Indumento che non poteva mancare nel guardaroba dei Mods, giovani seguaci del “Modernismo” che alla fine degli anni '50 esaltarono in maniera esasperata la ricercatezza dello stile individuale, in senso estetico e comportamentale, e scelsero la cura del proprio look come maniera di distinguersi, perseguendo coerenza ed eleganza.

Ph_Roberto Vacis

The Harrington Jacket_History 13

Payton Place che era solito indossarlo: un appellattivo valido ancora oggi per tutte le giacche ispirate a questo stile.

Cominciava allora una nuova era, quella del “casual”.

E solo qualche anno più tardi, dopo essersi fatto conoscere oltre Manica ed oltre Oceano, il Baracuta tornerà nuovamente sulle spalle dei membri di gruppi giovanili londinesi come i Punk e i revivalisti dello Ska: da quel momento, uno dopo l’altro, saranno svariati i marchi di abbigliamento di gusto britannico o ispirati all’Ivy League americana che proporranno un’interpretazione dell’Harrington o che manterranno nella confezione dei loro modelli molte delle caratteristiche originali.

Nel 1981 i Clash a Times Square hanno indossato per il loro concerto una versione personalizzata di questa giacca e da allora non è trascorso giorno senza che qualcuno non abbia riconosciuto nel Baracuta l’icona del proprio look e di un indiscutibile stile.

Photo co u rt e sy of BM B Clothin g Ltd

Un’icona di stile non ha paura del tempo .

John Simons, proprietario del mitico Ivy Shop di Richmond, che negli anni Sessanta seppe vestire gran parte di loro a Londra, è stato sicuramente una delle figure che più hanno contribuito alla diffusione del Baracuta.

Oltre ad aver eletto questo capo ad icona di “American Cool” egli cominciò a chiamarlo affettuosamente “Harrington”, in onore di Rodney Harrington, celebre personaggio della serie televisiva

JACKET CKET

garment that has seen us “Athrough seventy years of our history . ”

The Harrington Jacket_Design 14

Per comprendere fino in fondo quali siano gli elementi che compongono dal punto di vista tecnico il Baracuta e da che cosa derivi la sua capacità di contaminare svariati modelli di giacca corta proposti sul mercato contemporaneo dell’abbigliamento maschile, bisogna analizzare da vicino i dettagli che contraddistinguono lo storico G9: particolari che grazie alla loro perfetta combinazione sono stati in grado di determinare quello che possiamo definire uno stile unico e ineguagliabile.

To fully understand the elements that technically make up a Baracuta and why it was able to influence so deeply various models of short jackets on the market of men’s wear today, we must of necessity analyse in depth the typical details of the historical G9, because it is to their perfect combination that the jacket owes its unique, unparalleled style.

Il tessuto esterno è un popeline “compattissimo” 100% cotone da sempre proposto in un gran numero di varianti colore mentre la fodera interna, non presente nelle maniche, è costituita da un particolare tipo di tartan di dominante rossa.

The close-knit, 100% cotton poplin the jacket is made of comes in a great variety of colours, and, with the exception of the unlined sleeves, the inside lining is made of a special kind of tartan, with a predominant shade of red.

Dobbiamo infatti l’utilizzo di questo rinomatissimo tessuto al ramo Lovat del Clan Scozzese dei Fraser: fu proprio il Ventiquattresimo Lord Lovat, nel 1938, ad accordare ai fratelli Miller la possibilità di utilizzare questo tessuto, da sempre e tuttoggi simbolo di questa nobile famiglia e ormai indissolubilmente legato anche a queste mitiche giacche.

Il colletto piuttosto corto e composto si chiude tramite due bottoni affiancati, entrambi tono su tono, mentre la chiusura della giacca è garantita da una cerniera.

Its rather short, firm collar is closed by two buttons placed side by side, the same colour as the jacket, which has a zip front closing.

We owe the use of this renowned tartan to the Lovat line of the Fraser Scottish Clan; in fact, it was the 24th Lord Lovat who, in 1938, granted the Miller brothers a licence to use the fabric, a symbol of the noble family from time immemorial, by now unmistakably associated with these fabulous jackets.

Le due tasche anteriori, simmetriche una rispetto all’altra, sono contraddistinte dalla chiusura verso l’interno delle loro patelle, entrambe abbottonabili grazie ad un bottone del medesimo tipo di quelli posti sul colletto.

All’altezza delle scapole presenta una curiosa cucitura chiamata ad “umbrella” che assicurando le due parti di tessuto che compongono la schiena solo in prossimità delle punte, permette una maggiore areazione.

The original ‘umbrella’-shaped sewing at the shoulder blades joins the fabric parts at the back only near the tips.

Le maniche sono storicamente “raglan” ovvero vengono cucite radialmente rispetto alla base del collo: il taglio della manica si estende infatti in maniera radiale da sotto l’ascella fino alla base del colletto, garantendo un’ottima mobilità delle braccia e del corpo oltre ad una vestibilità molto comoda.

The traditional ‘raglan’ sleeves are sewn radially to the base of the collar: the sleeve cut stretches radially from under the arm pit up to the base of the collar, and while enabling the arms and the body to move freely, it provides great comfort.

The two symmetric front pockets are closed by flaps, which can in turn be fastened by a button, identical to the ones on the collar.

Questa giacca corta presenta una banda elasticizzata all’altezza del giro-vita, a chiudere l’estremità inferiore che come i polsini, anch’essi elasticizzati, è sempre rigorosamente dello stesso colore del capo.

The lower end of this short jacket, terminates with an elastic waist band which, like the elastic wrist bands, always comes in the same colour as the garment.

THEHARRINGTONJACKET

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Diverse collaborazioni caratterizzano poi la più recente offerta del marchio che ha coinvolto per queste autentiche “special edition” alcune tra le più affermate realtà della moda britannica e internazionale: dal G9 versione Stüssy ai tre modelli Kent & Curwen e l’esclusivo “camou” proposto da Griffin.

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The Harrington Jacket_Baracuta

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www.baracuta-g9.com

Per celebrare il Settantesimo Anniversario del marchio vengono infine editati, in tiratura limitata, tre modelli G9 che al loro interno portano le frasi più celebri degli interpreti storici dello stile Baracuta: Elvis Presley, Steve Mc Queen e Frank Sinatra.

The brand’s latest models, or rather ‘special editions’, are the outcome of several collaborations that involved well-known protagonists of British and international fashion: from the G9 Stussy version, to the three Kent & Curwen models and the exclusive ‘camou’ proposed by Griffin.

Oltre ad aver proposto anche per il pubblico femminile il Baracuta, nei medesimi modelli e colori, l’azienda ha rivisitato la vestibilità originale del capo, “asciugandone” la linea e offrendo una giacca dotata di una vestibilità che potremmo indiscutibilmente definire “short slim fit”.

Besides proposing the same models and colours for their women’s version of Baracuta, the firm has modified the item’s original fit, and slimmed its line to obtain the ‘short slim fit’ jacket it now proposes.

To celebrate the brand’s 70th anniversary the firm now offers three G9 models in limited edition, with inside inscriptions of famous words by Elvis Presley, Steve McQueen and Frank Sinatra, three historical interpreters of the Baracuta style.

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Il Baracuta è in assoluto uno dei maggiori contributi britannici alla storia dell’abbigliamento maschile nonché un prodotto da sempre orgogliosamente “Made In England”. Nel corso degli anni l’azienda ha rivolto particolare attenzione oltre al mercato inglese anche a quello americano, canadese e giapponese; più recente è invece il coinvolgimento dei paesi europei ed in particolare del mercato italiano, sul quale è già presente con i modelli G9 e G10.

Entrambe le versioni di quest’iconica giacca, ancora oggi realizzate interamente in Inghilterra, vengono proposte da Baracuta in 14 varianti colore “solid” e 6 “check” (tipico motivo a “scacchi”, disponibile in modulo sia grande che piccolo) mentre si guarda già a nuove tipologie di prodotto che affondano le loro radici nella storia del marchio, come le "sports jackets" o la maglieria Shetland "supersoft" ad esempio.

BARACUTA Whereas model G9 comes both with raglan sleeves and with the umbrella-shaped back sewing, model G10 comes with set-in sleeves without the umbrella-shaped motif.

Mentre il modello G9 mantiene sia la manica raglan che la cucitura ad “ombrello” sulla schiena, il modello G10 propone invece una manica dalla cucitura a “giro” e vede la scomparsa della stessa Umbrella.

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Baracuta has doubtless made one of the major British contributions to the history of men’s clothing, an item that has always proudly boasted to be “Made in England”.

If the firm’s focus was on the British market at the very start, it has over the years devoted its special attention also to the American, Canadian and Japanese markets, while the recent involvement of European countries, and of the Italian market in particular, has led to the introduction of models G9 and G10.

Both versions of this iconic jacket are still entirely made in England and come in 14 “solid” colour editions and 6 check ones (both small and big check editions are available), but the firm is planning new lines rooted in the brand’s history, like for example sports jackets or extra soft Shetland knitwear.

The Harrington Jacket_ Refrigiwear 16

Il modello G021, realizzato in 100% Nylon Rain Proof traspirante, presenta tutti gli elementi caratteristici della produzione Reefrigiwear.

Polsini e Waist Band elasticizzati, come zip e colletto foderato in microfibra, sono tipicamente in contrasto.

Ph_ Roberto Vacis

www.refrigiwear.it

REFRIGIWEAR La versatilità di Refrigiwear trova fondamento in un’azienda a conduzione familiare che ha saputo trasformare un capo di nylon industriale idrorepellente, antivento e antigelo in un compagno ideale per sfide quotidiane al freddo, nel lavoro e nel tempo libero. Dalla nascita a New York nel 1954 al 2006, anno in cui è stato premiato come marchio emergente cresciuto più velocemente, la strada di Refrigiwear è fatta tutta di test di resistenza a -50° F e missioni tra i ghiacci: il miglior “pedigree” tecnico per capi di grande successo anche sul mercato europeo dove sono approdati solo negli anni '90.

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The typical Refrigiwear pocket on the left breast, bears the brand’s logo and is provided with the typical double riveted black flap that can be buttoned.

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Sul pettorale sinistro non manca la tasca Refrigiwear, dotata del celebre logo e del tipico copritasca di colore nero, abbottonabile e rivettato in due punti.

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Thanks to its family management, Refrigiwear has become a versatile firm that was able to turn a water-repellent, wind and cold resistant nylon garment into an ideal companion for wearers to face very low temperatures whether at work or in their leisure activities.

Since it was created in 1954 New York, up to 2006 when it was awarded a prize as the fastest growing up-and-coming brand, Refrigiwear has undergone countless endurance tests at –50° F and been worn on missions to ice-covered regions: the best technical credentials for garments that are enjoying great success even on the European market, where they were introduced only in the ‘90s.

The lining of the jacket is in black transpiring mash Coolmax ®, franchised by DuPont. A small inlet lined with mash opens under the upper end of both sleeves, and enables air to circulate.

L’interno della giacca è foderato in Coolmax ® nero, mash traspirante fornito in esclusiva da DuPont. Sotto ad entrambe le maniche scorgiamo una piccola presa d’aria traspirante, foderata mash.

Model G021, made of 100% transpiring, rain-proof nylon offers all the typical features of Refrigiwear lines. The elastic wrist and waist bands, the zip and the collar lined in micro fibre come in contrasting colours.

Erano i primissimi ’90 quando nasceva Volcom, anni di Nirvana e Pearl Jam, di un’America in recessione, di Guerra nel Golfo e di guerriglia per le strade di Los Angeles: dalla voglia di due snowboarder, Richard Woolcott e Tucker Hall di vivere a pieno la propria passione sportiva e lo spirito creativo di una Youth “Against Establishment”.

La creatività è uno dei punti cardini di questo marchio che promuove la libera espressione di giovani artisti con una serie di t-shirt, le Featured Artist Tees, ed ampie gallery sul proprio sito internet. Oltre a video, musica, film e documentari indie autoprodotti. Giusto perché il messaggio resti vivo.

Richard Woolcott and Tucker Hall, two snowboarders determined to fully live their passion for sport and the spirit of anti-establishment young people, created Volcom in the early ‘90s, the years characterised by Nirvana and Pearl Jam, when the USA, engaged in the Gulf War, was in recession and guerrilla fighting raged in the streets of Los Angeles.

The brand, one of whose cornerstones is creativity, encourages the free expression of young artists with a line of t-shirts, the Featured Artist Tees, and rich galleries on their internet site, in addition to videos, music, films and independently made documentaries, to give their message a long lasting vitality.

Ph_ Roberto Vacis

The Harrington Jacket_ Volcom www.volcom.com

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Many of the distinctive features of the Harrington Jacket have been given an original interpretation by Volcom, and this close-fitting version, the Birmingham Padding Jacket, lacks the typical inside tartan but has a black lining padded with diamonds.

Volcom ha saputo interpretare “personalmente” molti degli elementi distintivi dell’Harrington.

Questa versione, che risponde al nome di Birmingham Padding Jacket, dalla vestibilità asciutta, non presenta al suo interno il tipico tartan ma lascia intravedere una fodera nera, trapuntata a rombi.

The symmetric front pockets come without pads and buttons to ensure top convenience. The Harrington motif on the shoulder blades is replaced by the typical Volcom motif, the brand’s distinctive mark to be found also on other items, on denim ones in particular.

Le tasche frontali e simmetriche sono prive di patelle e bottoni per garantire massima praticità di utilizzo.

Sulla schiena, all’altezza delle scapole, l’ umbrella lascia spazio alla tipica cucitura Volcom, segno distintivo del marchio presente anche su altri capi, particolarmente riconoscibile nel denim.

Il colletto con delle discrete cuciture a vista, leggermente più alto che nel Baracuta, mantiene la classica doppia abbottonatura. Mentre polsini e banda elasticizzata sul giro-vita, in tinta con il tessuto della giacca, sono caratterizzati da delle costine piuttosto larghe.

With its hardly visible seams, the collar is slightly taller than the Baracuta’s but has the classic double button closing, while the rather widely ribbed elastic wrist and waist bands are the same colour as the jacket.

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Il successo è tale che già negli anni Sessanta ne viene proposta una versione donna ed una bambino; ma dovremo attendere circa trent’anni perché questo marchio venga riscoperto dai giovani canadesi e nord americani che ne hanno fatto un must oggi apprezzato in tutto il mondo. Per chi vive la quotidianità intensamente e ricerca il giusto comfort.

Since 1939 the Canadian Brand Richlu has been distinguished for the outstanding design of its clothes: from the first work trousers created by Abraham Rich, to Hydro Parka, their leading jacket.

Indestructibility, convenience and resistance at very low temperatures are among the functional qualities of this item created in 1940 for maintenance men in charge of electric lines.

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Richlu è un marchio canadese che dal 1939 produce capi dal disegno inconfondibile: dai primi pantaloni da lavoro creati da Abraham Rich fino al Hydro Parka, capospalla di riferimento. Praticità indistruttibile e resistenza alle basse temperature sono le caratteristiche funzionali della giacca nata nel ‘40 per gli addetti alla manutenzione dei pali della luce.

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www.richlu.it

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Ph_ Roberto Vacis

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The Harrington Jacket_ Richlu

The jacket was so successful that, as early as the ’60s, also women’s and children’s versions were tailored; yet it was not until 30 years later that young Canadians and Americans rediscovered the brand and made it a must today appreciated the world over, an item for all those who live a frantic daily life and look for comfort.

G527 is made of 100% cotton and shows all of Richlu’s typical features: the double pockets (the upper ones were originally meant as hand-warmers) decorated by three slanting studs; the typical front fly closing or, alternatively, the zip closing, enable the collar and the lower end of the jacket to perfectly adhere to the body. Last but not least the unmistakable triple sewing, as befits the best work wear tradition.

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Questo G527 in 100% cotone mantiene tutte le caratteristiche genetiche di Richlu: le doppie tasche (quella superiore nata in origine come “scaldamani”) disegnate diagonalmente dalle celebri tre borchie; le tipiche chiusure abbottonate a “flap” che a seconda delle esigenze possono essere alternate alla zip e garantiscono, in caso di necessità, un’ottimale aderenza al corpo del colletto e delle estremità inferiori della giacca.

Infine le cuciture rigorosamente triple, come nella migliore tradizione workwear.

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PH_Cesare Tonon & Ivy Shop TXT_ Cesare Tonon

John Simons è l'uomo che ha coniato il termine “Harrington Jacket”. Mug ha visitato il suo negozio a Covent Garden una soleggiata mattina d’inverno allo scopo di rivolgergli alcune domande: - Che cosa ha rappresentato l'Ivy Shop fra la metà degli anni '60 e gli anni '70?

La nostra idea era di avviare e portare avanti la vendita al dettaglio di articoli di abbigliamento Americani in Europa.

- Che effetto fa e che cosa ha significato per lei aver inventato e dato avvio al fenomeno dell'American Look a Londra? È stato un processo naturale per noi. Quel look esisteva già grazie ad alcuni negozi che avevano aperto negli anni ’30. Tuttavia noi siamo stati i primi a introdurre un "completo" American Look .

John Simons is the man who coined the term “Harrington Jacket”. Mug visited his shop in Covent Garden on a sunny winter morning to ask him a few questions:

- What is "Modernism" for you?

I went to Art School (St Martins College) in the 50`s and was interested in the Bauhaus movement and Modernism in England in the 30`s. We were modernists ourselves at the time!

- What made you start a business in Fashion, when you said that you have never been interested in designers clothing? Has your studies in St Martins influenced your career?

My obsession with clothes goes back to when I was 7 or 8 as fashion played an important role in my family. I also worked as a display artist for Burberry between 1959 and 1964, just before opening the Ivy Shop in Richmond in 1965.

Studies in Art have influenced immensely, I still collect art nowadays and you can see the odd piece displayed in the shop.

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- Che cosa l'ha portata ad avviare un'attività nel campo della moda, dal momento che ha affermato di non aver mai avuto interesse per l'abbigliamento di design? I suoi studi alla St Martins hanno avuto un influsso sulla sua carriera?

La mia ossessione per l'abbigliamento risale a quando avevo 7 o 8 anni, poiché la moda aveva un ruolo centrale nella mia famiglia. Ho anche lavorato come vetrinista per Burberry fra il 1959 e il 1964, prima di aprire l'Ivy Shop a Richmond nel 1965.

I miei studi nel campo dell’arte hanno avuto un enorme influsso sul mio percorso; colleziono tutt’ora oggetti d’arte come si può vedere dal pezzo singolo che si trova in vetrina.

- Che senso ha mettere una giacca Harrington oggi?

Mettendola, la gente può sentirsi come in quel magico periodo; i giovani, i Mods in particolare, vogliono così rivivere quei momenti.

- Che cos'è per lei il Modernismo?

Ho frequentato la Scuola d’Arte negli anni '50 ed ero interessato al movimento Bauhaus e al Modernismo in Inghilterra degli anni '30.

In quegli anni noi stessi eravamo dei modernisti!

- What did the Ivy Shop represent between the mid 60`s and the 70`s?

Our idea was to start retailing American clothing in Europe and we intended to carry that on!

- How does it feel, and what was it for you, to have invented and started off the “American Look” in London?

It's been a natural process for us. The look did exist already, thanks to some shops that opened in the 30`s. But we were the first ones to do a totally dedicated "American Look".

Report_The Ivy Shop

- What is the meaning of wearing a Harrington Jacket today?

People are reaching back to that “golden time”.

Young people, Mods in particular, want to recapture those moments.

John Simons is the man who coined the term “Harrington Jacket”

Ivy Shop 2, Russel Street Covent Garden London

WE'VE GOT PROBLEMS!

Mattori Report_ Russian Fashion Now 20

W_www.mattori.it

PH_Mattori

Concept_Orietta Pelizzari e Matteo Bardi

DALLE MAGGIORI CITTÀ DELLA RUSSIA SONO ARRIVATI I NUOVI CREATIVI RUSSI CHE IN UNA TRE GIORNI, 140 COLLEZIONI, TOUR-DE-FORCE, HANNO PRESENTATO LA LORO IDEA DI MODA PER IL FUTURO PER DONNA E UOMO. L'UOMO È STATO LA NOVITÀ DELLE PRESENTAZIONI. TECHNOPUNK, INTELLECTUAL-STREET, STREETWARRIORS. I GIOVANI CREATIVI HANNO PRESENTATO UNA CHIARA IMMAGINE DELLA VISIONE DELLA MODA IN RUSSIA, PER IL FUTURO.

RUSSIAN FASHION NOW

S. R E IGN S E RG. NTERD SBU O I E T. P AR 2S00H 6, S F E NNG MB U OVE O FY O ION T I PET M O YOUNG UP-AND-COMING RUSSIAN CREATORS C L A REACHED ST. PETERSBURG FROM THE MAJOR ON I T RUSSIAN CITIES FOR A THREE-DAY CONTEST NA R E WHERE THEY PRESENTED THEIR FUTURE INT E MEN’S AND WOMEN’S FASHION DESIGNS IN H E, T 140 COLLECTIONS. PRESENTATIONS WERE

L D E NE Y LT A R I M D A

FOCUSED ON MEN’S WEAR: TECHNO-PUNK, INTELLECTUAL-STREET AND STREETWARRIORS. WHAT THE YOUNG DESIGNERS OFFERED WAS A CLEAR VIEW OF FUTURE FASHION TRENDS IN RUSSIA.

FASHION IN MOSCOW

PH_ Podium

W_ www.podiumfashion.com

TXT_Natasha Vilenskaya

Endlessly at work to seek new designers and upand-coming brands for exclusive distribution in Russia, buying consultants are precious in that, year after year, they select items more and more accurately to meet the requirements of demanding Russian clients.

The most exclusive items of clothing and accessories from the best fashion creators are pleasures that most luxury-loving Russian men and women can no longer renounce.

Non è più un segreto il fatto che in Russia, da sempre, la Moda Italiana sia considerata sinonimo di classe e altissima qualità. È difficile infatti non accorgersi, passeggiando per le vie principali di Mosca, che ormai quasi non esistano marchi di lusso Italiani, Europei o Americani non rappresentati in Russia.

Il centro di Mosca è letteralmente “presidiato” da flagship store e “franchising” delle maggiori

It is no longer a secret that Italian fashion has always been synonymous with class and high quality in Russia. In fact, as can be easily noticed on a stroll about Moscow’s main streets, virtually every Italian, European or American brand is now available in Russia. Moscow’s city centre is visibly dotted with franchising and flagship stores of the major Italian firms in the fields of clothing and accessories, but visitors are also struck by the countless majestic department stores and multibrand shops, like Podium.

Podium Company was one of the first to set up multi-brand stores devoted to luxury and fashion in Moscow, and boasts something like 18 shops and the distribution of over 240 brands, with an overall floor space of about 22.000 square metres.

Podium’s largest 7.500-square metre, three-storey store displays a wide range of clothing, footwear, bags and accessories that illustrate the latest trends in international fashion and in Italian design.

The stores combine a warm, friendly atmosphere with modern and carefully laid out displays ranging from Interior Design proposals, to the most advanced idea of Concept Store.

Report_ Fashion in Moscow

PODIUM

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aziende italiane di abbigliamento e accessori ma quello che più risalta è la maestosa presenza di numerosi Department Store e negozi multibrand, come ad esempio Podium.

La Podium Company che è stata in assoluto una delle prime ad aprire negozi multimarca dedicati al lusso e alla moda a Mosca vanta ben 18 negozi e distribuisce più di 240 marchi, su una superficie totale di circa 22.000 mq.

Il più grande dei negozi Podium, situato in un’area di 7.500 mq divisi su tre piani, ospita una vasta gamma di articoli di abbigliamento, calzature, borse ed accessori rappresentativi delle ultime tendenze della moda internazionale e del design italiano. Atmosfere calde ed accoglienti si alternano ai moderni e curatissimi allestimenti dei diversi negozi, capaci di spaziare dalle proposte di Interior Design alla più avanzata idea di Concept Store.

Mentre l’incessante lavoro dei buyer, sempre alla ricerca di nuovi designer e dei marchi più attuali, spesso distribuiti in esclusiva nazionale, diviene ogni giorno più prezioso, allo scopo di garantire, anno dopo anno, una selezione sempre più accurata e in grado di soddisfare le richieste degli esigentissimi clienti russi.

Gli abiti e gli accessori più esclusivi delle maggiori Case di Moda sono ormai solo alcuni dei piaceri a cui la maggior parte delle donne e degli uomini Russi amanti del lusso non possono più rinunciare.

PH_H Lorenzo

W_www.hlorenzo.com TXT_Megan Huntz

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"For the last 23 years, Lorenzo Hadar has brought fashion from around the world to Sunset Boulevard"

H LORENZO

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LOS ANGELES

For the last 23 years, Lorenzo Hadar has been bringing fashion from around the world to Sunset Boulevard in Los Angeles.

As his boutique began to outgrow its space, Hadar decided to dedicate it solely to women’s wear and expanded his business by opening H. Men, and H. Shoes. Now with all 3 shops on the same block, H Lorenzo has created one of LA’s top shopping destinations, making a bold statement on this famous street. Between the original 2-story shop for women, H. Men (the impressive 3,000 sq. ft. tri-level men’s shop that was designed by Oliviero Baldini), and the shoe shop, it is clear that Hadar has found the right combination of merchandise for his LA clientele. Someone searching for something special to wear to a movie premiere is commonplace at H Lorenzo.

Catering to Hollywood’s young elite, actors, musicians, and show business executives has become Hadar’s calling card; but his choice to experiment in proposing new brands in addition to the well established has earned him credibility on the research circuit, and he prides himself on introdu-

cing emerging talent and the more obscure designers that he has found on his travels around the globe. Hadar never plays it safe; he is known for choosing special products that one can find only at H Lorenzo.

Da 23 anni Lorenzo Hadar porta prodotti di moda da tutto il mondo nel Sunset Boulevard di Los Angeles. Quando alla sua boutique non è più bastato lo spazio, Hadar ha deciso di dedicarla unicamente ai capi per signora e ha ampliato la sua attività aprendo anche H. Uomo e H. Calzature.

Con tre negozi nello stesso edificio, H. Lorenzo è diventata una delle mete principali per fare acquisti a Los Angeles, e si è affermata alla grande in questa strada famosa. Con l’originale spazio moda donna su due piani, lo stupefacente negozio moda uomo di 1000 mq su tre piani progettato da Oliviero Baldini, e il negozio di calzature, risulta evidente che Hadar ha trovato la giusta combinazione di prodotti per la sua clientela di Los Angeles.

Clienti che cercano qualcosa di speciale da mettere a una premiere cinematografica sono ordinaria amministrazione da H Lorenzo, la cui funz i o n e c o n s is t e n e l

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provvedere alla domanda di moda di una elite giovane di attori, musicisti e dirigenti del mondo dello spettacolo. Tuttavia la scelta sperimentale di proporre nuovi marchi accanto a quelli tradizionali ha reso Hadar credibile nel circuito della ricerca, al punto che Lorenzo va orgoglioso di aver presentato talenti emergenti e stilisti non ancora affermati che ha conosciuto durante i suoi viaggi in tutto il mondo. Hadar non va mai sullo scontato infatti è famoso per una selezione ricercata di marchi, esclusivamente distribuiti, spesso, solo da H. Lorenzo.

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Photo: "Golden Cube" Ingo Maurer Exposition Spazio Krizia, 2003_Milano

The pages that follow are devoted to the activities of Lazzari Cultural Association, based on ideas and initiatives that merge the various aspects of creativity.

Concluded last September, the Textile Design Contest, attended by young textile designers from different countries, was particularly relevant. The exhibition Treviso Cracking Art Revolution with its peaceful ‘invasion’ of coloured animals, was an appointment with a present-day avant-garde group who realised a fascinating display in Treviso’s most intriguing spots, a layout of socially committed works of art meant to safeguard the environment.

Furthermore, the exhibition endorsed the charity initiative of Onlus Association Consorzio 'Per mio figlio’, to support the Paediatric Ward of Treviso Hospital.

Last but not least, the interesting story of an imaginative Parisian gallery-owner, Magda Danysz, who from a very early age has devoted her attention to the discovery of up-and-coming talents, and to contemporary art forms and artists, like Street artists.

Far from sharing a traditional idea of art, the Group is in favour of a hybrid conception, a wide-ranging vision of art that enhances new research activities and creative experiments with the contribution of various disciplines.

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Le pagine che seguono sono dedicate alle attività dell’Associazione Culturale Lazzari: iniziative che hanno saputo e sanno coniugare le diverse sfaccettature della creatività.

Di rilievo il Textile Design Contest, secondo concorso di Design, conclusosi durante lo scorso Settembre, che ha visto la partecipazione di giovani provenienti da diversi paesi del Mondo, impegnati nella progettazione tessile.

La mostra Treviso Cracking Art Revolution e la sua pacifica “invasione” di animali colorati.

Un appuntamento con questa avanguardia contemporanea che ha realizzato a Treviso un’affascinante rassegna. Un percorso lungo i luoghi più significativi della città, mediante un’arte ricca di valori ambientali e sociali. Il tutto unito ad una finalità benefica: promuovere le iniziative del Consorzio “Per Mio Figlio”, Associazione Onlus che opera all’interni dei reparti pediatrici degli Ospedali della Provincia di Treviso.

Infine la segnalazione dell’interessante storia di Magda Danysz, intraprendente gallerista parigina, attiva fin da giovanissima nella scoperta di nuovi talenti attraverso una grande attenzione per le espressioni artistiche contemporanee, ad esempio gli artisti della Street Art. Insomma dare spazio ad un’arte intesa come concetto ibrido, non più nei vecchi schemi tradizionali. Una visione ampia, cha sappia valorizzare tutte le nuove forme di inventiva e ricerca, in un connubio di discipline.

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La Cracking Art ritorna a Treviso, e lo fa in modo eclatante.

Una pacifica invasione di animali in plastica lungo le vie del centro storico, che guida idealmente lo spettatore fino al cortile di Cà dei Ricchi.

Un’importante iniziativa con una doppia mission: da un lato la divulgazione artistica e dall’altro la solidarietà sociale. Infatti l’evento è realizzato per sostenete l’Associazione Onlus “Consorzio per mio figlio”, impegnata nella raccolta fondi per l’acquisto di attrezzature per l’Area Pediatrica dell’Ospedale di Treviso. La manifestazione, intitolata “Cracking Art Revolution”, è un evento dal respiro internazionale che presenta l’opera di uno dei più apprezzati gruppi artistici del panorama contemporaneo.

Nato nel 1993, sotto l’impulso di Omar Ronda con

la sottoscrizione del “Manifesto di fine millennio”, oggi è composto da William Sweetlove, Renzo Nucara, Marco Veronese, Alex Angi, Carlo Rizzetti e Kicco. Questi autori hanno partecipato a numerose esposizioni e manifestazioni di rilievo, portando le loro creazioni in tutto il mondo. Da menzionare la Biennale del 2001-curata da Harald Szeeman- ricordata nell’immaginario collettivo come “l’edizione delle tartarughe”.

Un’idea di fare arte mediante un mezzo certamente esplicativo del nostro tempo: la plastica. Per portare un messaggio di salvaguardia ambientale e di impegno sociale, in un rapporto intrinseco tra natura e artifizio. Cracking è il processo mediante il quale viene trasformato il petrolio in virgin nafta, elemento base per numerosi prodotti sintetici. Abbattere il falso mito della malignità della plastica, elemento potenzialmente eccezionale, di cui spesso viene fatto un uso improprio. Infatti la loro materia artificiale è figlia di tutto il vissuto organico del pianeta. Ed allo stesso tempo smascherare le presunte naturalità: ”dai seni al silicone all’erbetta sintetica” come diceva Ronda in un’intervista alcuni anni fa. Tra le novità della mostra trevigiana, la comparsa dell’Orso, ultimo nato nello “zoo Cracking”, anch’esso monito di una nuova rispettosa coscienza verso la natura.

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Calmaggiore Cà dei Ricchi

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Piazza Ancillotto

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REVOLUTION

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Via Indipendenza

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Cracking Art are now back in Treviso with a sensational exhibition, a peaceful invasion of plastic animals along the city streets ideally guiding spectators all the way to the inner yard of Ca’ dei Ricchi.

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The relevant initiative is aimed both at making art popular and at bringing about social solidarity, in fact it will support the ‘Consorzio per mio figlio’ Onlus Association in its fund-raising campaign to provide the Paediatric Ward of Treviso Hospital with up-to-date medical equipment.

Labelled “Cracking Art Revolution”, the display is a wide-ranging event, the work of an art group that stands out on the contemporary scene. Born in 1993, on Omar Ronda’s initiative with the signing of the “Millennium End Manifesto”, the group is at present composed of William Sweetlove, Renzo

Piazza Indipendenza

Cortile delle Canoniche Nuove

Nucara, Marco Veronese, Alex Angi, Carlo Rizzetti and Kicco, who have shown their creations in countless exhibitions and events all over the world. It is enough to mention their exhibition at the 2001 Venice Biennial, under the management of Harald Szeeman, still remembered as the ‘Turtle Edition’.

Their idea consists in using plastic, a material that has in many ways characterised modern life, as an artistic medium to foster social commitment, to safeguard the environment, and to rediscover a meaningful relationship between nature and art.

Cracking is the process through which oil is transformed into virgin naphtha, the basic element for countless synthetic products. The group’s aim is to do away with the idea that plastic is a harmful material, to show that, despite it has often been misused, its potential qualities are exceptional and that, far from being artificial, it is the outcome of our planet’s organic life. Their aim is also to expose fake natural things: “ from silicone breasts, to synthetic lawns”, as Ronda declared in an interview a few years ago.

The Bear, the latest creation to join “ Cracking Zoo”, is among the novelties in the Treviso exhibition, itself the embodiment of a new attitude of respect to nature.

1st Prize

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Nella categoria “PROGETTUALE” 1°Class. Mika Takise_Japan 2°Class. Ivonne Conzatti_Rovereto (Tn) 3°Class. Anna Bizzotto_Cittadella (Pd) 4°Class. Silvia Bortot_Motta di Livenza (TV) 5°Class. Silvia Codato_Mestre (Ve) e nella categoria “GRAFICA” 1°Class. Maria Nielsen_Denmark 2°Class. Danilo Scala_Napoli 3°Class. Ayako OkaJima_Japan 4°Class. Andrea Scomparin_Treviso 5°Class. Antonio Orlando_Napoli

2nd Prize

Durante lo scorso Settembre si è chiuso il Textile Design Contest, secondo concorso di design promosso dall’Associazione Culturale Lazzari. L’iniziativa dedicata all’ideazione e alla progettazione di un tessuto ha raccolto ben 111 progetti partecipanti e coinvolto giovani creativi provenienti da diversi paesi del Mondo. Coniugando la possibilità di mettere alla prova il proprio talento con quella di misurare le proprie capacità progettuali questo concorso ha fornito ai suoi partecipanti una concreta occasione di approccio alla filiera del tessile, della moda e dell’abbigliamento in genere. La giuria ufficiale, presieduta dal Prof. Alberto Prandi dell’Università Cà Foscari di Venezia e composta dal Prof. Romeo Profili, Coordinatore Scientifico del Corso per Periti Tessili, dalla Dott.ssa Maria Luisa Frisa, Direttore del nuovo Corso di Laurea in Design della Moda di Treviso e dal Dott.

Renato Vendramel, titolare di Meeting Group, riunitasi in data 28 Giugno 2006, ha valutato i progetti pervenuti. Dopo una prima selezione di pertinenza degli elaborati al bando di concorso ed una successiva valutazione analitica dei 18 progetti considerati più meritevoli i giurati hanno individuato i 10 elaborati vincitori: 5 progetti premiati per il loro valore grafico e 5 progetti per le caratteristiche strutturali del tessuto stesso.

Successivamente tra gli autori dei progetti vincitori del Textile Design Contest sono stati individuati 2 candidati per categoria ai quali è stata offerta la possibilità di svolgere delle esperienze lavorative di stage presso le aziende tessili e di produzione di abbigliamento partner della manifestazione: Fashion Box S.p.a. (Replay), Meeting Group S.p.a. (Meeting, Dehà, etc.), Dressing S.p.a., M.T.V.V. Durante la conferenza stampa indetta per il giorno 22 Settembre 2006, presso la Camera di Commercio di Treviso, in occasione della premiazione dei candidati vincitori sono intervenuti: in rappresentanza di Fashion Box e della Fondazione “Claudio Buziol”, cui è stato dedicato il Primo Premio della categoria “grafica”, Attilio Biancardi, Presidente del Consiglio Amministrativo di Fashion Box e Silvia Buziol; In rappresentanza di Dressing S.p.a. Rinaldo Lorenzon, titolare dell’azienda e in rappresentanza di Meeting il Dott. Renato Vendramel, titolare del Meeting Group S.p.a. Tra le attività dell’Associazione Culturale Lazzari, che guarda già alla prossima edizione, rientra anche questo concorso internazionale, volto a stimolare i legami tra i giovani creativi che si affacciano al mondo del lavoro e le vicine realtà dell’industria della Moda, dell’Abbigliamento e del Design in genere. Il Textile Design Contest è stato patrocinato dalla Regione Veneto, dalla Provincia e dal Comune di Treviso, dall’Università IUAV di Venezia e dalla Camera Nazionale della Moda Italiana oltre che promosso dalla Camera di Commercio, dall’Ascom e Unindustria di Treviso.

Art_Textile Design Contest 31

4th Prize

3rd Prize The authors of the winning projects were: Design Category: 1st prize Mika Takise_Japan 2nd prize Ivonne Conzatti_Rovereto (Tn) 3rd prize Anna Bizzotto_Cittadella (Pd) 4th prize Silvia Bortot_Motta di Livenza (Tv) 5th prize Silvia Codato_Mestre (Ve) Graphics category: 1st prize Maria Nielsen_Denmark 2nd prize Danilo Scala_Napoli 3rd prize Ayako Okajima_Japan 4th prize Andrea Scomparin_Treviso 5th prize Antonio Orlando_Napoli

Moreover two winners from each category were given the opportunity of having periods of paid on-the-job training with the textile and clothing industries that sponsored the competition: Fashion Box Spa (Replay), Meeting Group Spa (Meeting, Dehà, etc.), Dressing Spa, M.T.V.V.

5th Prize

The 2nd Textile Design Contest organised by Lazzari Cultural Association and held in June 2006, was concluded last September with a prize-giving ceremony. Young designers from various countries handed in 111 designs to join a contest that involved the invention and design of a fabric.

The contestants were offered both an opportunity to show their creativeness and an occasion to get in touch with the fields of fashion, clothing and textile production in general. Chaired by Prof. Alberto Prandi, Ca’ Foscari University – Venice, the Panel of Judges was composed of Prof. Romeo Profili, scientific coordinator of the Textile Techniques Course, Doctor Maria Luisa Frisa Director of the Fashion Design Department, IUAV University – Venice and Doctor Renato Vendramel, the owner of ‘Meeting Group Co.’ On the meeting of June 28th, 2006, after checking that the projects abided by the requirements in the competition announcement, the jury analysed the l8 most creditable designs, ten of which were declared winners. Five designs were awarded a prize for their graphic value, and another five for the structural features of the fabric.

On September 22nd 2006 a prize-giving ceremony was held at Treviso Chamber of Commerce and, at the press conference that followed, the audience was addressed by Attilio Biancardi, President of the Board of Fashion Box and Silvia Buzziol ( as representatives of Fashion Box and Foundation ‘Claudio Buzziol’ to whose memory the First Prize of Graphics category was dedicated), by Rinaldo Lorenzon and Doctor Renato Vendramel, respectively the owners of Dressing Spa and Meeting Group.

The International Contest is just one of the achievements of Associazione Culturale Lazzari, who are already planning a new edition of the Contest with a view to creating connections between young designers and the worlds of fashion, clothing industry and design.

The 2006 Textile Design Contest was held with the cooperation of Provincia and Comune of Treviso as well as of Regione Veneto, Venice IUAV University, and Camera Nazionale della Moda Italiana; it was also endorsed and sponsored by Treviso Chamber of Commerce, Ascom and Treviso Unindustria.

Art_Magda Danysz 32

W_www.magda-gallery.com TXT_ Alessandro D'Annibale

PH_Galleria Magda Danysz

Magda Danysz, 31 anni, gallerista dall’età di diciassette, ha scelto di percorrere questa strada, seguendo un prezioso consiglio. Ha attinto ai più recenti territori di espressione artistica, spesso ancora non considerati tali, portando avanti una programmazione innovativa, radicale e spostando, nel 1999, i suoi spazi espositivi nel quartiere della Bibliothéque de France a Parigi, nel XIII°.

In rue Durkheim, nell’ambiente piacevolmente conviviale e curato della sua galleria, si sono succeduti artisti provenienti dalla street art come Shepard Fairey (Obey Giant), Miss Van, Space Invader, Dalek o dall’arte digitale come Icon Tada, Ultralab fino al surrealismo pop di matrice californiana di Mark Ryder e Marion Peck, etc.

Due mastodontici dipinti di Grazina Remiszewska (più di 6 metri per 3), in occasione del suo ritorno in Francia, verranno presentati il prossimo 20 gennaio 2007 e saranno esposti alla galleria fino al 17 febbraio 2007; continuerà il progetto VideoShow che dal 24 febbraio al 10 marzo 2007 coinvolgerà cortometraggi che spaziano dal video artistico al videoclip, passando per la sperimentazione e il veejaying. Dal 14 Marzo al 14 Aprile Icon Tada presenterà le sue ultime pitture digitali, scaturite in pura opposizione al gesto pittorico da operazioni matematiche, e Videopaintings mentre lo specialista dell’inchiostro nero Mike Giant, tatuatore e graffitista, esporrà le sue celebri opere che mescolano folclore messicano all’illustrazione giapponese dal 21 aprile 2007 al 26 maggio.

Mostrare agli altri quello che si ha l’opportunità di vedere coi propri occhi e far conoscere agli altri qualcosa quando ancora è sul nascere.

To show other people what we have the opportunity of seeing with our own eyes, and enable them to see things when they are still in the bud.

A gallery owner since she was seventeen, 31-yearold Magda Danysz made her choice the very moment she took this precious piece of advice.

Drawing on new artistic experiments, at a time when they were not considered artistic at all, she planned a radical and innovative activity and in 1999 moved her gallery to the 13th Paris district, where the Bibliothéque de France is located.

The friendly, smart exhibition rooms in her Rue Durkheim gallery have displayed works by street artists like Shepard Fairey (Obey Giant ), Miss Van, Space Invader, Dalek, or digital artists like Icon Tada, Ultralab or the California-inspired pop surrealist works by Mark Ryder and Marion Peck etc.

”, eneration of your g as warned. rt a e th only see Magda w “You will

On January 20th 2007, when she is back to France, two huge paintings (over 6 metres by three) by Grazina Remiszewska will be presented in the Gallery showrooms to remain on display until February 17th 2007. From February 24th to March 17th 2007 the VideoShow project will continue its performances with shorts ranging from artistic videos to videoclips open to experiment and veejaying. From March 14th to April 14th Icon

Galerie Magda Danysz 19, rue Emile Durkheim 75013 Paris

Tada will present his Videopaintings as well as his latest digital paintings, the result of mathematical operations as opposed to traditional painting gestures. From April 21st to May 26th 2007 Mike Giant, a skilled black-ink artist, a tattooer and graffitist will exhibit interesting works combining Mexican folklore and Japanese pictorial art.

PH_ Marco Altan

Marion: 80% cotone 20% poliestere Doppia faccia

Only a major drive for innovation is the precondition that allows the anticipation of trends in the coming fashion.

Manifatture Tessili Vittorio Veneto (Textile Works Vittorio Veneto) are rooted in the textile tradition of the Treviso foothills, the area where the ancient Filanda Gera (Gera Spinning Factory) was once located. By devoting their experience and skills to innovation and creativity, the firm chose from the very start to invest on the search for special weaving effects through a wide and exclusive selection of colour patterns, and the infinite combination of mixings. Manifatture Tessili di Vittorio Veneto carry out their activity with passion and pride and supervise all the stages of textile production, from yarn dyeing to the most sophisticated treatments of fabrics. The firm has achieved top quality standards and versatility in production thanks to their firstquality raw materials, their advanced technology and their readiness for experiment. Manifatture Tessili are trying to meet the market’s shifting trends and the most individual creative requirements through a synergy of proposals ranging from classic, established fabrics for shirt-making to the most innovative combinations of mixing and finishing.

Bercy: 100% cotone Mussola

Marion: 80% cotone 20% poliestere Doppia faccia

Perché solo una maggiore spinta all’innovazione può permettere di anticipare le tendenze e vedere la moda che verrà.

W _ www.mtvv.it TXT _ Alessandro D’Annibale

N_ MTVV 33

PASSION AND TRADITION LEAD TO INNOVATION

PASSIONE E TRADIZIONE A VANTAGGIO DELL’INNOVAZIONE

Crash: 60% cotone 40% lana tessuto Tubico follato

Manifatture Tessili Vittorio Veneto affonda le proprie radici nella tradizione del distretto tessile della pedemontana trevigiana, dove aveva sede la storica Filanda Gera.

Sin dagli inizi essa ha coraggiosamente scelto di investire nella ricerca dei più particolari effetti di armatura, grazie ad un’ampissima ed esclusiva selezione di cartelle colore e nella continua combinazione delle mischie, mettendo così tutta la sua esperienza e professionalità al servizio dell’innovazione e della creatività. Seguendo tutte le fasi della produzione tessile, dalla tintura del filato greggio fino all’raggiungimento delle più particolari nobilitazioni del tessuto, ogni giorno Manifatture Tessili di Vittorio Veneto fa della passione e dell’orgoglio del proprio lavoro il fondamento della sua attività. Il mantenimento di altissimi standard

qualitativi, sia per materie prime utilizzate che per impiego di tecnologie avanzate, e la volontà di sperimentare costantemente sono infatti solo alcuni dei presupposti che rendono possibile una tale versatilità produttiva. Nell’intento di rispondere sinergicamente alla mutevolezza del mercato e alle esigenze creative più particolari attraverso una proposta capace di spaziare dai tessuti più classici e consolidati della camiceria fino alle più innovative combinazioni di mischie e finissaggi.

Zanzibar: 80% cotone_20% poliestere_Organza

© d.a. photo maurice renoma c.a. sau yin choi

Nextra Fashion aims to integrate the typical values of creativity with the most innovative control systems of business evolution methods, by laying out plans aimed at developing the positioning of brands and at constantly checking their profitability.

Its structure is the result of the integrated welding of two different yet complementary fields of activity: the Carpi-based (Modena) managerial one, entrusted with production development, marketing and commercial-financial management, and the industrial one located in the provinces of Venice and Vicenza where logistic, technical and industrial operations are carried out.

Nextra’s efficient activity is all the more relevant since it is open to the development of partnerships with qualified trading companies and industries, which bears witness to their readiness to fully and synergetically engage in mutual, long lasting co-operation.

Their recent acquisition of Orlando, a brand of men’s wear, followed the licence they obtained to relaunch the brand Renoma on the international markets, with the exception of those in the Far East, covered by other licences. The launching of a top clothing collection by the famous and versatile French stylist will see his great creativity at work

also in the fields of food, photography, books, furniture and related accessories, bound to become exclusive proposals for distribution in the field of clothing. Works that stick to the concept of Neo-Fusion, and are pervaded by interpretive skills that can recreate each of the objects selected for his works. In a few months’ time, a new licence in the field of women’s fashion will lead to the launching of a line of ‘icon items’ to celebrate the centenary year of the birth of Mexican painter Frida Kalho; the line’s debut will start with an A/I 07 proposal of only 10 items, but will be enriched from next season.

Besides developing a matter-of-fact, flexible business conception, Nextra are now trying to integrate commercial and productive methods in the world of fashion with contributions from neighbouring fields like furniture, design, food, and beauty products, following the guidelines of a distribution plan that will consolidate the home market with project Orlando, and acquire international reliability through Renoma in the Far East countries where the brand has already gained renown, and through Frida Kahlo, an icon in the countries of South America and in the USA.

PH_ Nextra Fashion

W _ www.nextrafashion.com TXT _ Alessandro D’Annibale

N_ Nextra Fashion 35

CONTEMPORARY FUTURE Nextra Fashion mira ad integrare i valori peculiari della creatività con i più innovativi sistemi di controllo dei processi evolutivi del business, attraverso la pianificazione di programmi finalizzati allo sviluppo del posizionamento dei marchi e al costante controllo della loro redditività.

La sua struttura nasce dalla fusione integrata di due diverse e complementari realtà: da un lato quella gestionale di Carpi, nel modenese, dove avvengono lo sviluppo del prodotto, del marketing e la gestione commerciale e finanziaria, dall’altra quella industriale nella provincia di Vicenza e Venezia, presso le quali hanno luogo tutte le fasi tecnico-produttive e logistiche.

Caratteristica inoltre dell’operatività di Nextra è un’assoluta apertura verso lo sviluppo di partnership con realtà commerciali e industriali qualificate, inteso come paradigma della volontà di “mettersi in gioco”, in maniera completa e sinergica, con garanzia di un impegno duraturo e reciproco.

La sua più recente acquisizione del marchio di abbigliamento maschile Orlando si va ad affiancare all’accordo di licenza per il rilancio sui mercati internazionali del marchio Renoma, con l’eccezione dei mercati del Far East, già coperti da licenze.

Al lancio di una “top collection” di abbigliamento del celebre quanto eclettico stilista francese, si aggregheranno contaminazioni dalla sua fertile creatività nei settori del food, fotografia, libri, mobili e oggettistica derivata che a partire dai mobili diventeranno proposte esclusive per una distribuzione nel canale dell’abbigliamento.

Opere fedeli al concetto di Neo-Fusion, pervase dalla sua vena interpretativa, capace di far rivivere ciascuno degli oggetti selezionati per le sue creazioni. Per i prossimi mesi è prevista inoltre la partenza di un’ulteriore licenza nel settore donna

con il lancio di una linea di “icon items” in onore del centenario della nascita della pittrice messicana Frida Kahlo, che inizialmente debutterà con una proposta A/I 07 di soli 10 capi, per ampliarsi poi già dalla successiva stagione.

Oltre ad una concreta flessibilità del suo progetto di business, Nextra si propone dunque di integrare le metodologie produttive e commerciali del mondo del Fashion attraverso contaminazioni da ambiti ad esso contigui: Forniture, Design, Food e Beauty in un progetto distributivo che consoliderà il mercato interno col progetto Orlando e acquisirà credibilità internazionale tramite Renoma per i paesi del Far East, dove il marchio è consolidato, e tramite Frida Kahlo icona dei paesi del Sud America e degli Stati Uniti.

N_Cividini 36

W_www.cividini-italia.com

PH_ Cividini

TXT_Alessandro D’Annibale

Sul finire degli anni ’80 prende forma l’idea Cividini: una moderna maglieria in cashmere rivolta coraggiosamente ad un pubblico colto, in grado di comprendere un certo rifiuto dello slancio edonistico e consumistico del periodo e che guardi ad una moda non-volubile, non-effimera ma stilisticamente ricercata e di alto valore tecnico e qualitativo.

Dunque la scelta di intraprendere la strada della purezza, della ricerca dei materiali pregiati, delicati e di un design rigoroso, minimale, capace di contrapporsi a tutto quello che era venuto prima.

Un’intuizione, quella di Piero e Miriam Cividini, che in meno di un decennio ha portato questo marchio dalla ripresa delle tecnologie “delle mani” (così amano affettuosamente chiamarle), come quella delle maglie tubolari ad esempio, ad un successo commerciale forte delle scelte più audaci e di una clientela esigente ed indipendente dalle tendenze.

Nel 1995 Cividini estende la sua collezione al Prêt-à-Porter, presto presente sulle passerelle di Milano Collezioni (‘97-‘98), senza mai abbandonare la sua filosofia originaria bensì confermando il medesimo rigore stilistico, la purezza delle linee e la medesima ricerca di materiali e tessuti pregiati quali la seta, il lino, il cashmere che l’hanno reso grande.

Saranno la stessa incessante esigenza di sperimentazione, la voglia di ricercare lavorazioni e tecniche abbandonate, particolari, spesso anche

costose e la necessità di uscire dagli schemi più consueti della moda gli ingranaggi del motore creativo innescato dagli ideatori di Cividini.

Una coppia nella vita oltre che nel lavoro, costituita da due figure autonome in termini creativi e intellettuali ma indissolubilmente legate sotto ogni aspetto professionale: da un lato Piero, dalla formazione artistica ed un passato da studente di ingegneria, quasi per caso imbattutosi in questo lavoro, oggi responsabile della strategia del marchio e delle relazioni esterne, dall’altra Miriam, formatasi professionalmente presso le maison di Armani, Versace e Valentino, responsabile creativo di Cividini.

La collezione Cividini, interamente realizzata in italia, è legata indissolubilmente a tecniche lavorative artigianali quali garanzie imprescindibili del valore intrinseco di ciascuno dei loro capi.

Il marchio guarda oggi al completamento di un concetto di life style che passi attraverso tutta la declinazione dell’accessorio: dalle scarpe realizzate a mano, alle borse e le cinture lavorate artigianalmente, fino alle sciarpe “realizzate su antichi telai a mano” tinte tye and dye e addirittura “aerografate”.

Elementi che interpretino la femminilità cerebrale e sottile di una donna dal gusto essenziale ma al contempo sofisticato.

CIVIDINI

Disegnare abiti apparentemente “normali” per donne “speciali” che delle cose “normali” sappiano cogliere tutti i dettagli più “particolari”

To design apparently ‘commonplace’ garments for ‘special’ women who can find all ‘special’ details in ‘commonplace’ things

It was in the late ‘80s that the Cividini idea took shape, the idea of modern cashmere knitwear boldly addressed to demanding clients, who could understand the brand’s refusal of those days’ trends based on consumeristic self-indulgence and its liking for permanent, long-lasting, yet sophisticated quality fashion. An attitude that involved the choice of simplicity in style, the search for delicate, precious materials, the creation of rigorous, minimalist designs capable of counteracting all previous trends.

In less than a decade Piero and Miriam Cividini’s intuition has led the brand to the rediscovery of handcrafting techniques (as they fondly call them), that of tubular knitwear for example, to the great success also due to the owners’ bold choices, and to the favour that their demanding, trend-free clients have granted them.

In 1995 Cividini extended their collection to ready-to-wear items which soon appeared on the catwalks of Milano Collezioni (’97-’98), an enriched collection that, far from being a departure from their original philosophy, embodies the consistency of their style, the simplicity of their lines and the use of silk, linen, and cashmere, the materials that have made the brand outstanding.

Cividini’s creative impulse is the outcome of their endeavour to surpass conventional trends in

N_Cividini 37

fashion, of their endless need for experiment, and of the employment of special techniques and treatments now in disuse.

A good match both in life and at work, the couple have very similar professional views but are autonomous from a creative and intellectual standpoint. A former engineering student with an artistic background, Piero came across this job almost by chance and is now entrusted with the brand’s strategy and relationships, whereas Miriam, who was apprenticed to Armani, Versace and Valentino, is the Cividini creative manager.

The fact that each item in the Cividini collection is entirely hand-made in Italy is a guarantee of their value.

The brand is now on its way to achieve a life style concept with a wide range of accessories: from hand-made shoes, bags and belts to the airbrushed, tye-dyed scarves made with ancient looms. A concept that can suit a woman’s subtle and intellectual femininity as well as her essential yet sophisticated taste.

Number 238 in a series of DIESEL “how to...” guides to successful living. For more information call Diesel Italia 0424 4855 www.diesel.com

In America during the 1950’s, in the innocent days of a naïve rebellious youth, sock hops and drive-ins, the phrase “polishing your belt buckle”, could also intend slow dancing very closely. It brings to mind the uniquely American image of a rodeo rider slow dancing with a honky-tonk beauty queen as the dust settles on the barn floor after a vivacious 2 step.

Part history lesson and part reclamation project, the Hollywood Trading Company was born in the mid 90’s from Zip Stevenson’s enthusiasm for hunting down hand made leather American vintage belts.

Stevenson thought the exceptional execution of these handcrafted items to be considered one of the classic symbols of American vintage. Every piece that he found represented a precise moment of history. He soon won over retailers across America with his treasures. With such a demand, and as the original vintage belts were becoming harder and harder to find, Stevenson developed a new collection in 1999, based on the most beautiful pieces of his years of research. Once again his entirely hand made production was not enough to fulfill the public’s demand of this unique product. It wasn’t until the fall of 2000 that Stevenson founded the Hollywood Trading Company, which has now become the most sought-after brand for Californian “vintage” leather accessories around the world.

Since the 70’s LCB has been the leading company in production of high quality leather accessories, and in 2004 began collaboration with Zip Stevenson, acquiring the license for the production of HTC and taking over the distribution for the European market. Andrea Brá, founder of the operation, was the first to believe in the potential of the brand, distributing it in the best points of sale and various showrooms, strategically positioning HTC in Europe’s capital cities. Among the belts styles are the 10,000 Studs model, a completely studded belt with round flat rivets; Classic Snake, characterized by special snake overlays, original studs, and colorful glass stones; Classic Manta and Classic Ostrich; the best-selling Pyramids model, with punk rock inspired pyramid shaped studs; and finally David, named after David Beckham because it is his favorite style with western decorations and brass rings. The range of the collection may have started out with belts but has now evolved into bags and wallets made with antique details and only the best leather hides; and even jeans and tops, and can be found in some of the world’s finest shops and on a variety of international celebrities.

PH_ Roberto Vacis

W _ www.htclosangeles.com TXT _ Megan Huntz

N_ HTC 39

HOLLYWOOD TRADING COMPANY Nell’America degli anni ’50, negli anni innocenti di una gioventù ribelle e ingenua, dei sock hops e dei drive-in, l’espressione “lucidare la fibbia della cintura” poteva anche alludere al ballo del mattone.

L’espressione fa venire in mente l’immagine tipicamente americana di un cavallerizzo da rodeo che balla il lento con una reginetta di bellezza da bar locale, mentre la polvere si deposita sul pavimento del granaio dopo che vi ha avuto luogo una danza vivace.

La Hollywood Trading Company, è nata a metà degli anni ’90 dalla passione di Zip Stevenson di scovare vecchie cinture di cuoio americane fatte a mano. Stevenson riteneva che l’esecuzione eccezionale di questi articoli artigianali si dovesse considerare un simbolo classico del vintage americano. Ogni pezzo trovato rappresentava un particolare momento storico. I suoi tesori attrassero ben presto negozianti da tutta l’America.

In presenza di una simile richiesta, e poiché le cinture d’annata originali si trovavano con sempre maggior difficoltà, nel 1999 Stevenson creò una nuova collezione basandosi sui pezzi più belli che aveva trovato in anni di ricerche. Ancora una volta la sua produzione interamente fatta a mano non bastò a soddisfare la richiesta di questo prodotto unico.

Fu solo nell’autunno del 2000 che Stevenson fondò la Hollywod Trading Company, che è attualmente diventato il marchio più ricercato di accessori di

cuoio californiani vintage del mondo.

Nel 2004 L.C.B. Company, azienda leader nella produzione di accessori in pelle di alta qualità fin dagli anni ‘70, ha iniziato una cooperazione con Zip Stevenson, acquisendo la licenza per la produzione di HTC e intraprendendo la distribuzione sul mercato europeo. Fautore dell’operazione è Andrea Brà che per primo ha creduto nelle potenzialità del marchio, distribuendolo nei più bei punti vendita europei e attraverso diversi showroom, strategicamente posizionati nelle maggiori capitali europee.

Spiccano tra gli altri: il modello “10.000 Studs”, cintura completamente ricoperta di rotondi rivetti piatti; Classic Snake, caratterizzata da speciali rivestimenti in pelle di serpente, borchie originali e gemme di vetro colorato; Classic Manta e Classic Ostrich; l’assai venduto modello Pyramids, con borchie di ispirazione punk rock a forma di piramide; infine il modello David, con decorazioni western e anelli di ottone, che prende il nome da David Beckman perché è il suo modello preferito.

Cominciata con le cinture, la gamma della collezione giunge ora a comprendere borse e portafogli - realizzati con dettagli antichi e soltanto con i migliori pellami - jeans e top. Il tutto si può trovare in alcuni dei migliori negozi del mondo e addosso a moltissime celebrità.

Report_ Modateca Deanna

PH_ Marco Altan

Txt_ Alessandro D'Annibale

riferimento per la produzione della maggiori Maison e dei maggiori stilisti internazionali: Kenzo, Max Mara, Krizia, Valentino, Gai Mattiolo, Yamamoto, Strenesse, Martin Margiela e molti altri ancora.

Dall’altro Sonia Veroni, non semplicemente figlia ma anche autentica anima creativa della Modateca: suo il desiderio di archiviare, catalogare ed ordinare i progetti ed i lavori raccolti e sviluppati da Deanna nel corso di 40 anni di attività (circa 20.000 capi), sua la volontà di rendere fruibili le circa 3000 riviste di moda, arte, viaggi risalenti addirittura alla seconda metà dell’Ottocento e le 6000 opere di moda, design e arte rare o non più disponibili in commercio.

Sua la capacità di guardare oltre ad un semplice lavoro archivistico per concepire un moderno centro di documentazione e di consultazione dinamica. Dove alla catalogazione tecnica dei capi si affianchi la possibilità di consultarli a seconda dell’ispirazione stilistica, della categoria concettuale di appartenenza o più semplicemente dei materiali e delle tecniche utilizzati.

Un metodo comparativo che, in pieno stile Deanna, muove ancora una volta dal desiderio di fornire una Nel cuore dell'Emilia, a San Martino in Rio, sorge la Modateca Deanna, Centro Internazionale di Documentazione Moda. Per conoscere la sua storia dobbiamo risalire alla determinazione di due persone e al loro approccio a questo lavoro, diverso da quello a cui saremmo portati a pensare avvicinando un qualsiasi progetto di catalogazione, talvolta statico ed esclusivamente "conservativo".

Da un lato Deanna Ferretti Veroni, già a partire dagli anni ’70 leader indiscusso, con la sua azienda Miss Deanna, nel settore per la creazione di maglieria di alta qualità. Deanna come sinonimo espressivo della perfetta combinazione tra creatività e tecnologia, come costante capacità nel tempo di tradurre in realtà qualsiasi desiderio stilistico, di trasformare un’idea in un capo di moda e punto di risposta adeguata e tempestiva alle esigenze creative dei visitatori della Modateca e alle ricerche degli studiosi che scelgono di avvicinarla.

Un archivio tuttora soggetto a costanti implementazioni fatto di campionari e capi knitwear, pezzi vintage, tessuti etnici, riviste di moda internazionali e libri tendenze che dobbiamo alla volontà di chi ha saputo fare di una costante ricerca e della propria creatività uno dei maggiori esempi di memoria storica attiva degli ultimi 40 anni della moda internazionale.

MODA TECA

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W_ www.modateca.it

Report_ Modateca Deanna

Modateca Deanna, the International Centre of Fashion Data is located at San Martino in Rio, in the heart of Emilia. To fully understand the meaning of Modateca Deanna we can't but consider and illustrate the steadfast approach and policy of Deanna Ferretti Veroni and Sonia Veroni, the two ladies who achieved a far greater result than most static and conservative projects.

Deanna Ferretti Veroni is the owner of 'Miss Deanna', a leading high quality knitwear manufacturing firm since the '70s. Miss Deanna is the perfect combination of creativity and technology, a firm that has realised countless designs over the years, by transforming ideas into fashion items, a benchmark for the production of international maisons and stylists like Kenzo, Max Mara, Krizia, Valentino, Gai Mattiolo, Yamamoto, Strenesse, Martin Margiela and many more.

Sonia Veroni is not simply Deanna's daughter but the real creative soul of the Modateca: on her initiative the designs and works collected and carried out by Deanna in the span of over 40 years (about 20.000 items) were sorted, classified and filed. She has the merit of having actually made available as reference materials about 3.000 fashion, art and travel magazines, some of which date from the middle of the XIX century, as well as 6.000 rare fashion, design and art books currently out of stock.

She must also be credited with the conception of a modern and dynamic reference centre where each item is classified and filed according to technical standard, style, concept, and material.

A comparative method which, in compliance with Modateca Deanna's criteria, is aimed at promptly satisfying the creative requirements of visitors and researchers.

The archive is still being enriched with samples and knitwear items, vintage clothing and ethnic fabrics, international fashion magazines and trend books.

We are indebted to Deanna and Sonia Veroni’s research and inventiveness for the creation of a Centre where historical memory is dynamically preserved, one of the major achievements in international fashion over the last 40 years.

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SELECTED BRANDS Fall/Winter 2007/2008 January 26. – 28. 2007 HANGAR 2 Columbiadamm 10 12101 Berlin

A NEW PROSPECT FOR BERLIN! The with-drawl of Bread & Butter Berlin emblems exciting new prospects for Berlin and PREMIUM! PREMIUM is appropriating this contingency, with greater reason, to strengthen und amplify its upcoming show in January from the 26th to 28th 2007.

The height of PREMIUM’s success demonstrates and confirms its pioneering vision of Berlin and contemporary approach to the fashion trade. PREMIUM will expand its own portfolio up to 700 international women’s and men’s wear collections and offers a brand new show: SELECTED BRANDS @ HANGAR 2.

The HANGAR 2 at Berlin’s City Airport Tempelhof offers a perfect 5.000 m2 location for SELECTED BRANDS of the denim and urbanwear, sport- and streetwear segment. PREMIUM creates an appropriate platform with its own unique atmosphere, events and shows.

At last, transparency and security in a business setting!

RICAMI DI PELLE <<Lo sguardo scruta e si trasforma, occupa lo spazio e lo vive e, attraverso lo spazio, acquisisce il proprio corpo, la propria carne la propria pelle e diviene trascendente immanenza.

Si fa mondo>> Il grafismo che intarsia i capi è l’elemento distintivo che taglia con le convenzioni della moda di oggi.

Il disegno pulito è supportato da un rigore lineare che esalta la figura femminile che osa passione.

Tra drappeggi, orlature, fiocchi e ricami di pelle il corpo si copre e evidenzia una femminilità mai tutta rilevata.

La prima collezione di coeurs-de-cuir, marchio nato appena nel 2006, è composta da 25 pezzi, per lo

più capispalla, in nappa, suede ed altri pellami di pregio, dove la materia è lavorata finemente come pizzo e seta, con lo scopo di intrigare, avvicinare, toccare, chiedere. In un gioco di rimandi e citazioni – Dario Agrippa, giovane graphic designer, si ispira appieno al “Coeur de cuir” di Patrick Gofman – si vuole portare la memoria a ri-fotografare lo spirito della Nouvelle Vague, ad annusarne il profumo di quell’ultimo romanticismo di Balenciaga e Vionnet, venato di sensazioni punk anni 80. Ed anche i colori tornano naturali, veri, netti, con un tocco di blu e viola attuali.

Per il marchio, nato da una collaborazione creativa tra la produttrice Carla Falleri ed un team di giovani fashion designer italiani, l’emotività, il coinvolgimento passionale, l’anticonformismo basic di questi abiti sono il naturale frutto dell’interpretazione creativa del nome stesso coeurs-de-cuir. Cuore, inteso come organo vitale e più profondo del corpo umano e pelle, strato più esterno dello stesso, tutto unito in un essere donna vero, creativo, tangibile.

PH_ coeurs-de-cuir

W _ www.coeurs-de-cuir.com TXT _ Paolo Vitale

N_ coeurs-de-cuir 43

<<As our eyes observe, our glance changes, gets hold of space and lives in it; and through space, it takes on flesh and skin, a body of its own, and becomes transcendent immanence, itself a world>> LEATHER EMBROIDERY

The graphic quality of these garments’ inlays is the distinctive feature that breaks off with today’s fashion trends. The extreme rigour and neatness of the design enhances the figure of passionate, daring women. The leather drapes, hems, knots and embroideries adorn the body and reveal glimpses of femininity.

Born in 2006, coeurs-de-cuir presents its first collection that consists of 25 items, mostly coats, in nappa-leather, suede and other precious types of leather finely worked by hand like lace and silk, intriguing treatments that make the garments alluring, and lead viewers to touch them and ask for information. Drawing on ‘Coeur de cuir’ by Patrick Gofman, young graphic designer Dario Agrippa exploits references and quotations that enable us to recapture the spirit of the Nouvelle Vague, to smell

its scent in Balenciaga’s and Vionnet’s late-romantic creations, tinged with the punk sensations of the ‘80s. Also the colours, in particular up-to-date shades of blue and purple, appear natural, true-to-life, neat.

The emotional quality, passionate involvement and basic unconventionality of the garments are the outcome of a creative interpretation of the brand’s name coeurs-de-cuir traceable to a collaboration between manufacturer Carla Falleri and a team of young Italian fashion designers. The heart, the most important and vital organ of the human body, and the skin, its outer layer, are merged to express the real, creative, tangible essence of a woman.

From London_Borough Market 44

W_www.boroughmarket.org.uk

PH_Cesare Tonon

Txt_ Cesare Tonon

Borough Market is London's oldest food market, first built by the Romans. Located in the Bankside area of London, terraced houses and railway arches sit in contrast to the towering modern buildings of the city’s financial district just across the Thames, giving visitors a glimpse into London’s industrial past.

The area is full of interesting attractions, many of which embrace the area’s heritage. Lovers of culture can follow a trip to the market with a visit to nearby Tate Modern, to enjoy a ride on Carsten Holler’s slides. Local artist Ian Davenport’s 50 metre installation which involved pouring a special paint down flat panels to form vertical lines of over 300 colours is displayed underneath Southwark Street Bridge. You can catch a play at Shakespeare’s globe, or Wine lovers can head to Vinopolis.

Già esistente in epoca romana, Borough Market, il più antico mercato alimentare di Londra, è situato nel Bankside della capitale dove gli edifici a schiera e i soprapassi delle ferrovie contrastano con gli imponenti edifici moderni della zona finanziaria al di là del Tamigi, offrendo ai turisti uno squarcio del passato industriale di Londra.

Sia che si voglia mangiare qualcosa, trovarsi con gli amici o fare acquisti, Borough Market è il luogo ideale dove trascorrere un pomeriggio passeggiando tra le bancarelle. Il venerdì e il sabato i produttori di tutto il paese portano una vasta gamma di prodotti freschi fatti con ingredienti di primissima qualità. Qui si può gustare un panino con salsiccia alla popolare bancarella Brindisia, o una re-interpretazione di gran

Whether you want to shop, eat or catch up with friends, Borough market is the perfect spot to spend an afternoon exploring the stalls. On Friday and Saturday producers from all over the country bring a range of fresh products, made with the highest quality ingredients. Try a chorizo burger from the very popular Brindisia stall or a simple, high quality reinterpretation of classic British fish and chips from the 'Fish! Kitchen'.

Designers with a sense for the vibrant up and coming areas have opened business’ here like Paul Smith, with a very unusual shop with traditional green façade that sells unusual pop art objects next to men's & women's clothing and accessories.

Old will contrast with new even more dramatically in future. Renzo Piano is also fan of Southwark, and by 2010 his Shard of Glass skyscraper, the tallest building in London, will tower over the area like a symbol of progress.

qualità del classico "fish and chips" britannico presso la "Fish! Kitchen".

La zona abbonda di interessanti attrazioni che ben esprimono la tradizione del luogo. Gli amanti della cultura possono continuare la passeggiata al Mercato con una visita alla vicina Tate Modern, dove scendere sugli scivoli di Carsten Holler. L’installazione di cinquanta metri dell’artista locale Ian Davenport, realizzata versando una vernice speciale su pannelli piatti a formare linee verticali di oltre trecento colori, è esposta sotto il ponte di Southwark Street. Si può anche

prendere al volo la rappresentazione di un dramma al ricostruito "Globe" di Shakespeare, e gli amanti del vino possono proseguire per Vinopolis.

Qui gli stilisti sensibili alle aree emergenti e pulsanti hanno aperto delle attività, come ad esempio Paul Smith, con il suo originale negozio dalla tradizionale facciata verde, dove sono in vendita oggetti d’arte pop fuori dal comune, nonché abbigliamento e accessori uomo e donna.

In futuro, il contrasto tra vecchio e nuovo si farà ancora più marcato. Renzo Piano, ad esempio, ama molto Southwark e entro il 2010 il suo grattacielo "Shard of Glass" (Scheggia di vetro) svetterà sulla zona come simbolo di progresso.

In 1896, with a capital stock of 75,000 lire, Guido Guidi, Giovanni Rosellini and Gino Ulivo di Guglielmi established “Conceria Guidi e Rosellini” (Guidi and Rosellini, Tanners) at Pescia, Province of Pistoia, Tuscany.

Here the art of leather tanning can be traced to the Middle Ages, when a guild of tanners and shoemakers existed as far back as XIV-century Tuscany.

When the art spread to the rest of the region, many local masters decided to devote themselves exclusively to the production of leather goods, an activity which reached its peak by the middle of the XVIII century.

To go back over the history of tannery in these areas means to take a fascinating journey through the political and economic developments and transactions of XIX-century Europe, to become acquainted with the natural and traditional treatments of leather and cowhide which are to this day preserved and employed.

Only their passion for leather and the respect for its tradition can account for Ruggero Guidi’s footwear, which shuns mass production and is the outcome of independent research based on the daring choice of unconventional design beyond all trends.

Footwear for all those who really want something unique with a taste of tradition, and want to feel the sensation they are making a radical yet traditional choice. Shoes without frills and finishing, that only a craftsman would be able to make, coming in valuable, soft, candid hides or in worn-out looking, strong smelling, thickened leather.

A rare example of consistency and self-reliance, Guidi is synonymous with the union existing between an object and its possessor.

Guidi footwear is for people who are bold enough to make a daring choice everyday.

PH_ Roberto Vacis

W _ www.guidi.it

www.guidierosellini.it TXT _ Paolo Vitale

N_ Guidi 45

A fior di pelle Nel 1896, con un capitale sociale di 75000 lire, Guido Guidi, Giovanni Rosellini e Gino Ulivo di Guglielmi avviarono la “Conceria Guidi e Rosellini” in quel di Pescia, nella Toscana pistoiese.

In questa terra l’arte conciaria ha origini medioevali, già nel Trecento infatti esisteva una corporazione di conciatori di pelli e di calzolai. Quando queste lavorazioni si diffusero nel resto della Toscana, molti mastri locali decisero di dedicarsi esclusivamente alla produzione di manufatti in pelle; una produzione che raggiunse un enorme sviluppo alla metà del Settecento.

Ripercorrere oggi la storia dell’attività conciaria di questi luoghi vuol dire iniziare un affascinante viaggio tra accordi e intrecci storici di politica ed economia dell’Europa del Diciannovesimo Secolo, vuol dire imparare a conoscere i metodi tradizionali e naturali di lavorazione del cuoio e della vacchetta, ancora oggi difesi e diffusi.

Le scarpe prodotte da Ruggero Guidi sono il frutto della passione per la pelle e del rispetto dei suoi tempi, sono la ricerca di un prodotto indipendente, fuori da ogni massificazione e il risultato della scelta coraggiosa di un design distante da tutte le tendenze.

Per chi desidera davvero qualcosa di unico, con il sapore di altri tempi, vivendo appieno la sensazione di una scelta radicale eppur così tradizionale.

Scarpe come solo un artigiano potrebbe realizzare, senza vezzi e rifiniture, dai pellami pregiati, morbidi e candidi oppure vissuti, odorosi, inspessiti.

Guidi, come raro esempio di coerenza e autonomia, come sinonimo dell’unione che si crea tra un oggetto ed il suo possessore.

Per coloro che ogni giorno, nella vita, hanno il coraggio di una scelta forte.

Txt_ Megan Huntz + Reiko Hanafusa

Hey there denim lover, are your jeans green?

Report_ The Natural Way

PH_ Reiko Hanafusa

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Fu perciò solo per una questione cronologica che nella zona si cominciò a produrre denim, considerato che i primi calzoni di questo tipo, prodotti in America attorno al 1853, erano unicamente usati come indumenti da lavoro. Non fu se non dopo la II Guerra Mondiale che questi pantaloni di denim furono scelti come indumenti casual dai giovani americani, e furono poco tempo dopo chiamati "jeans".

La rivoluzione dei jeans coinvolse anche la gioventù giapponese, un fenomeno che, iniziato a metà degli anni ’60, creò senza eccezioni un’enorme richiesta di questo prodotto in tutto il mondo. Nessuno avrebbe potuto immaginare che le modelle avrebbero indossato jeans nelle sfilate, o che il denim potesse essere il tessuto preferito dagli stilisti. In quegli anni, tuttavia, a Ibara e nella zona circostante vi furono diverse ditte che iniziarono la loro storia di sviluppo basata sul denim, e che usarono conoscenze e tecniche antiche per produrre questo celebre tessuto in modo naturale.

photo: Dyed Yarn

Typically the terms fashion victim and tree-hugger wouldn’t be used in the same sentence but with the overwhelming increase of naturally dyed and hand made organic cotton denim dominating the premium and luxury denim market, it might just be possible.

The thought that every second our world becomes more polluted leaves us with a grim vision of the future. Considering the theory that fashion and art reflect the world’s current state of events, turning towards a natural way of life might not solve all of our problems but certainly helps us cope with the adversity that it presents us, and hopefully makes a difference for the future. This said, what still counts most in the fashion industry? The undeniable fact that naturally dyed indigo denim is the most beautiful denim product that exists. Indigo is the world’s oldest and only natural blue dye with an exotic past dating back to prehistoric times. In the middle Ages, indigo production made many European farmers and merchants very wealthy; yet by the early 20th century synthetic indigo nearly drove natural indigo production to commercial extinction. Today, the synthetic product supplies around 80,000 tones of indigo used to dye denim. Within the last several years English Biochemist Phillip John has coordinated Spindigo, a multinational £2.3 million R&D project to re-introduce indigo crops into European agriculture. This project provides farmers with the technology and agronomic advice to supply the new demands of natural indigo. However, the undoubtedly most famous, sought after and researched is the natural indigo dyed denim from the Okayama prefecture in Japan. The small town of Ibara, with a population of just 46,680 people, has been famous for its textile production since the 17th century. Originally the principle textile of Ibara was a thick and chunky, indigo dyed fabric produced for work wear. Therefore, it was only a matter of time until this area started producing denim; considering that the first denim pants, made around 1853 in America, were solely dedicated to work wear. It wasn’t until after World War II that these denim pants became the American choice for casual wear amongst young people, and shortly thereafter were called “jeans”. Without exception, the jeans revolution likewise reached the Japanese youth, starting during the mid 1960’s, creating a huge demand for this product around the world. No one could have imagined that in the future a model on a catwalk would wear jeans, or that denim could be the preferred textile of fashion designers. At that time in Ibara and its surrounding region, however, there were several companies who began their own denim stories, growing from their local history, using their ancient knowledge and techniques to make this famous fabric in their own natural way.

Di norma non si userebbero i termini "votato alla moda" e "amante della natura" nella stessa frase, ma ora che il denim di cotone tinto naturalmente domina sul mercato del Premium e del Luxury, tali espressioni sarebbero possibili.

Il pensiero che ad ogni secondo che passa l’inquinamento del nostro mondo aumenta ci dà una visione cupa del futuro. Se si considera la teoria che la moda e l’arte sono un riflesso dello stato delle cose di un dato momento, abbracciare uno stile di vita naturale, benché non risolva tutti i problemi del mondo, ci aiuta senz’altro ad affrontare le avversità che esso ci presenta, e c’è da sperare che per il futuro le cose cambino. Non c’è dubbio che nell’industria della moda il denim tinto naturalmente sia il più bel tessuto del genere esistente.

L’indaco è la più antica e l’unica sostanza colorante blu con un passato esotico che risale alla preistoria.

Nel Medioevo la produzione dell’indaco ha grandemente arricchito molti agricoltori e commercianti europei, ma l’avvento dell’indaco sintetico agli inizi del XX secolo ha per motivi commerciali quasi fatto sparire la produzione di quello naturale. La produzione sintetica fornisce oggi circa 80.000 tonnellate di indaco per la tintura del denim. Da parecchi anni il biochimico inglese Phillip John coordina Spindigo, un progetto R&D da 2,3 milioni di sterline, a cui partecipano varie nazioni, per reintrodurre la coltivazione dell’indaco nell’agricultura europea. Il progetto fornisce agli agricoltori la tecnologia e la consulenza per soddisfare le nuove richieste di indaco naturale. Tuttavia il denim tinto con indaco naturale più rinomato e ricercato è quello di Okayama, in Giappone. La piccola cittadina di Ibara infatti, con soli 46.680 abitanti, è divenuta famosa per i suoi prodotti tessili fin dal XVII secolo. In origine il principale prodotto tessile di Ibara era un tessuto indaco pesante, fatto per lo più per confezionare indumenti da lavoro.

The Natural Way_ Kuroki 48

W_ www.denim-kuroki.co.jp

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PH_ Kuroki

Txt_ Megan Huntz + Reiko Hanafusa

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Kuroki Co. Ltd. has been manufacturing textiles in Ibara, Japan since 1950. In 1970, Kuroki shifted its production focus to denim, and is still doing a continuous process from dyeing to finishing in a total of 3 factories.

"Blue [color] is a product of indigo, yet is bluer than indigo itself." These words echo from the old days in Japan; and mean that the color of indigo dyed yarn is brighter and even more beautiful than the color of the indigo dye. It is Kuroki’s aim to achieve this kind of color. From the very moment you step into the Kuroki factory, the smell of indigo dye welcomes you. It is surprising how few people actually work at Kuroki; the number of staff does not even reach 50. Equipped with the latest machinery, a veteran manages the factory with just a few workers. In general, working at a factory could be regarded as monotonous, however, the situation at Kuroki seems different. The beauty of the dyeing process from natural to indigo blue is mesmerizing.

Fluffy raw cotton is transformed into yarn, dyed by oxidation and then each thread of that yarn is woven into chunky denim fabric. The denim cloth finally comes out of the last machine soft to the touch with a warm hand. The process can be compared to that of a diamond: through the technique of a skilled professional’s hands, a rough stone changes into a shiny bright diamond. Even though this is where the process ends, Kuroki’s denim project is far from being over: Kuroki has received great recognition for the quality of its all-natural textiles. Considering environmental issues, Kuroki has also started producing organic natural indigo and using vegetable dyes such as Madder, Lac, Kamala and Pomegranate. It has also equipped its own water disposal system, so that the wastewater used during the dyeing process is directly transported to the system and returned to the river after it has been purified; even the indigo scum is recycled as fuel.

In February of 2006, the Kuroki collection was exhibited at Premiere Vision in Paris for the first time.

Since then, the office staff has been overwhelmed by calls from big European fashion names. It is not difficult to imagine, though, because its high level of quality promises to attract any professional’s eye; it may not only be due to its faithful attitude towards denim production but because Kuroki also weaves passion into its denim fabric, made possible by the small group of individuals who have devoted their lives to it.

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Kuroki images: _1. Yarn _2. Indigo Scum _3. Piled Denim _4. Raw Cotton Wash _5. Woven Denim The growth of denim industry in Ibara has also contributed to the development of the denim treatment sector in the Okayama prefecture. Nissen Co. Ltd. began its story as a dyeing manufacturer in the mid 1950's. In the midst of the denim boom in Japan in the 1960’s, Nissen accepted an order from a nearby company to wash denim jeans. As a result, this became a turning point for Nissen, and by the 1980’s, it shifted its main business to washing, sewing and finishing and has now become the leading company in its field.

The natural wash, stone wash, golf ball wash and newly developed bio wash are all available at Nissen. First, a practiced hand sorts the washed jeans efficiently. Then after coming out of an enormous dryer, they are taken to the finishing department, where, to each pair of jeans, can be added painting, damages or various treatments. Wrinkles and whiskers are carefully applied by hand. Eventually after passing through these various stages of the process, each pair transforms into a familiar pair of jeans in accordance with its clients’ order. The high level of Nissen’s technique adds value to the jeans it washes. Nissen is a company that manages to keep prospering with the times, and corresponds to the taste of the moment, and provides for contemporary demands.

The collaboration of these 2 powerful companies, Nissen and Kuroki, has become a cornerstone of the "Japan Jeans" sector, offering a very exclusive high quality product that is widely admired for its beauty, quality, and sense of preservation and respect for the environment.

5 Dal 1950 la Kuroki Co. Ltd. fabbrica prodotti tessili a Ibara, Giappone. Nel 1970 la ditta ha incentrato la sua produzione sul denim, e continua il suo processo di produzione dalla tintura al finissaggio complessivamente in tre fabbriche.

“Il blu deriva dall’indaco ma è più blu dell’indaco stesso”. Queste parole risuonano in Giappone fin dai tempi antichi, e significano che il colore del filato di cotone tinto con l’indaco è più intenso e più bello del colore della tintura di indaco stessa. Lo scopo della Kuroki è di ottenere questo tipo di colore.

Dal momento in cui si entra nella fabbrica Kuroki, si è accolti dall’odore della tintura a base di indaco.

E’ sorprendente quanto siano poche le persone che lavorano alla Kuroki, dato che il personale non raggiunge nemmeno le 50 unità. Munito di macchinari modernissimi, un tecnico anziano fa funzionare la fabbrica con appena alcuni operai. Lavorare in fabbrica potrebbe comunemente esser considerato monotono, ma la situazione alla Kuroki sembra essere diversa.

La bellezza del processo di tintura dalla fibra naturale fino al color azzurro indaco è affascinante.

Il cotone grezzo e fioccoso viene trasformato in filato, tinto mediante ossidazione e quindi trasformato in spesso tessuto denim. La stoffa denim esce infine dall’ultima macchina soffice e caldo al tatto.

Il processo può essere paragonato a quello della lavorazione di un diamante, perché per mezzo delle mani di un professionista esperto, una pietra grezza si trasforma in un fulgido diamante luccicante. Anche se il processo a questo punto è concluso, il progetto denim della Kuroki è ben lungi dall’essere ultimato. La Kuroki ha avuto grandi riconoscimenti per la qualità dei suoi prodotti tessili completamente naturali. Attenta ai problemi ambientali, la Kuroki ha anche cominciato a produrre indaco naturale organico, e a usare tinture vegetali quali il Madder, il Lac, il Kamala e il Melograno.

PH_ Nissen

W_ www.nissen-inc.jp

Txt_ Megan Huntz + Reiko Hanafusa

Nissen images _1. Factory _2. Sorting _3. Golf Balls for Washing

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The Natural Way_ Nissen

Lo sviluppo dell’industria del denim a Ibara ha anche contribuito all’affermarsi in questa zona del settore del trattamento del denim. La Nissen Co. Ltd. ha cominciato la sua attività nel settore della tintoria a metà anni ’50, e successivamente, quando negli anni ’60 esplose il boom del denim in Giappone, ha collaborato con numerose aziende della Regione di Okayama. Una svolta decisiva per l'azienda che, con il sopraggiungere degli anni ’80, è passata al lavaggio, cucitura e finitura come attività principali, fino a diventare oggi una delle principali ditte del settore.

La Nissen effettua lavaggi naturali, lito-lavaggi, lavaggi con palle da golf e lavaggi biologici da poco inventati. Innanzitutto del personale esperto divide accuratamente i jeans lavati. Successivamente, dopo esser usciti da un'enorme macchina-asciugatrice, i capi vengono trasferiti al reparto finiture dove a ciascun paio di jeans vengono aggiunte pitture, strappi o vari altri trattamenti, con l’accurata e in-

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tenzionale applicazione manuale di macchie, sfilacciature e spiegazzature. Alla fine, dopo esser passato attraverso queste varie fasi, ogni paio assume un aspetto coerente con i desiderata dei vari clienti. L’alto livello della tecnica Nissen aggiunge valore ai jeans di cui effettua il lavaggio. In grado di rispondere alle richieste del momento, capace di mantenersi prospera nel tempo, la Nissen incontra pienamente il gusto d'oggi.

La collaborazione di queste due importanti ditte, la Nissen e la Kuroki, è diventata un punto di riferimento nel settore Giapponese del jeans, offrendo un prodotto esclusivo di alta qualità largamente apprezzato perché esprime bellezza, qualità e senso di rispetto e di conservazione dell’ambiente.

La ditta si è munita di un sistema di riciclaggio dell’acqua, sicché l’acqua di risulta, dopo essere stata usata nel processo di tintura, viene pompata fino al sistema di riciclaggio e restituita al fiume dopo essere stata depurata. Anche le impurità dell’indaco vengono riciclate come combustibile.

Nel febbraio 2006 la collezione Kuroki è stata esposta per la prima volta a Première Vision. Il personale degli uffici è stato da allora travolto dalle chiamate dei grossi nomi della moda europei, cosa del resto facile da immaginare perché l’alto divello di qualità dei prodotti attrae inevitabilmente l’attenzione dei professionisti della moda. Il successo della Kuroki non è forse solo dovuto al suo atteggiamento di fedeltà nei confronti della produzione denim, ma anche al fatto che l’azienda aggiunge passione ai suoi tessuti denim grazie al ristretto gruppo di persone che vi hanno dedicato la vita.

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The Natural Way_ 45rpm 50

W_ www.rby45rpm.com

PH_ 45rpm

Txt_ Megan Huntz + Reiko Hanafusa

As of 2005, there are two 45RPM shops in NYC: the original SoHo location, and the Upper East location at 71st Street and Madison Avenue. At the SoHo location, there is a “denim waterfall” in the center of the shop. The jeans are hung up high but easily accessible to the customers for careful inspection. There are also denim experts waiting to give you advice, so it won’t be hard to find the right pair of jeans. The Upper East shop highlights the Umii collection, denim using Suvin cotton, indigo-dyed sweatshirts and T-shirts, as well as knitwear for men and women and 45RPM’s famous standard shirts.

In the late 1970’s, Japanese brand 45RPM was one of the first of its kind to create premium denim jeans by using top quality cotton thread from Zimbabwe, which is hand-dipped and oxidized 28 times by artisans using the traditional Japanese dyeing technique, Ai-zome. Now 45RPM is an international leader in this sector with shops in Tokyo, Paris, and New York City.

Everything imaginable exists in New York City, but when 45RPM opened its first shop on Mercer Street in 2000, people were shocked that a pair of jeans could cost up to $500. However, 45RPM has led the way in changing the public’s perception of this kind of product. Slowly the premium denim market has expanded, and people have come to understand the philosophy behind these special jeans. 45RPM’s NYC customers want something that tells a story, a “no-logo” product that is discrete. 45RPM does all of its washings by hand, though there is something truly authentic about wearing-in your own pair of jeans; the time it takes, the fact that your jeans tell your own story. There is a term in Japanese, Wabisabi, which is about seeing the beauty in imperfection, and clearly describes 45RPM’s homespun design concept.

45rpm New York Wasabi?

No! Wabisabi!

The flagship store of 45RPM is found in a charming traditional house in the style of a tea ceremony pavilion, in Aoyama, Tokyo. Open since 1999, the store, called BADOU-R, is the root of 45RPM’s history and experience. Crafted by carefully selected Japanese workmen, it took nearly 2 years to make the perfect image to express the sense and feeling of the company.

Alla fine degli anni settanta il marchio giapponese 45RPM è stato uno dei primi del suo genere a creare jeans fatti a mano con materiali naturali; un’icona americana realizzata mediante le tradizionali tecniche giapponesi per tessere il cotone naturale e tingerlo con materiali coloranti azzurri naturali. Attualmente il marchio 45RPM è leader nel settore del denim premium con negozi a Tokyo, Parigi e New York. Il responsabile del marchio per New York, John Shimazaki, ha dedicato un po’ del suo tempo per raccontare a Mug di 45RPM.

New York è una città dove esiste tutto quello che si può immaginare, ma quando il marchio ha aperto il suo primo negozio in Mercer Street nel 2000, la gente rimase scossa vedendo che un paio di jeans poteva costare fino a 500 dollari. 45RPM ha tuttavia lavorato molto per cambiare la percezione che il pubblico aveva di questo prodotto. Il mercato del denim premium si è lentamente ampliato, e la gente è arrivata a comprendere la filosofia che sta alla base di questi jeans speciali. I clienti newyorkesi di 45RPM vogliono qualcosa che racconti una storia, un prodotto privo di logo che sia discreto.

45RPM fa tutti i lavaggi a mano, e c’è qualcosa di veramente autentico nell’indossare il vostro paio di jeans per renderli comodi; il tempo che ci vuole, il fatto che i vostri jeans raccontino la vostra storia.

C’è una parola in giapponese, ‘Wabisabi’, che a che fare con veder la bellezza nell’imperfezione, e descrive con chiarezza il concetto stilistico creato in casa di 45RPM. A partire dal 2005 ci sono due negozi 45RPM a New York: quello originale ubicato a Soho, e quello situato nell’Upper East, nella 71° Strada e Madison Avenue. Al centro del negozio di Soho c’è una cascata di jeans appesi in alto, ma facilmente raggiungibili dai clienti che possono esaminarli ben bene.

Vi sono anche esperti di jeans in attesa di prodigarsi in consigli, per cui non è difficile trovare il paio giusto. Il negozio situato nell’Upper East presenta la collezione Umii, jeans fatti di cotone Suvin, felpe e magliette tinte con colori naturali. C’è anche maglieria da uomo e da donna e le famose magliette standard 45RPM.

The first thing that Mr. Toshikiyo Hirata did to start his own denim company was to invest his retirement money, 280,000 yen, in an old American sewing machine. Using this old sewing machine, he made several pairs of jeans and got on a night train from Kojima to Tokyo, taking the samples with him.

In Tokyo, Hirata's talent and skill for creating hand crafted blue jeans was recognized and he immediately made contracts with a few brands. The OEM (Original Equipment Manufacturing) business went well with these brands; and as fruit of his labor, he was able to set up his own company in 1985, Kapital. Since then, it has grown surely and soundly and the reliable works of Hirata have made him a sort of Japanese jeans guru. Working for other companies had shown Kapital much success, but around 1994, Hirata began working on a plan for his own original brand, with the goal of making a pair of jeans that could convince 100% his biggest critic, himself. His ideal pair of jeans was not something marketable; it was something that adhered to his ideas, philosophy and technique from edge to edge without compromise. To this day, Kapital's commitment to quality is apparent in every step of the production: from the indigo dyeing process to the weaving of the fabric, sewing, and the selection of parts for jeans, all of which are done by hand and supported by a group of highly skilled technicians. The initial sewing machine set a standard for the hand made philosophy that is still at the heart of the brand.

The first Kapital shop was opened in Kojima, in September of 1994. Opening a shop in Kojima seemed risky. Even though the denim industry had been prospering there for many years, it was only a small town, but by then Hirata was known nationwide as a denim maestro and therefore had many fans coming to seek him out. From the wall to the floor, even the smallest decorations are all hand-made by the staff themselves, including installations and the merchandising of the products. Kapital's commitment to its natural philosophy is easily seen in their shops as well. Within the last ten years, Kapital has opened 11 shops, the newest of which just opened on the 23rd November 2006. The importance of teamwork at Kapital is key: for the first 6 months, every new employee must join the production team to learn, from the first step to last, how to make Kapital jeans. All of the employees seem to be proud of their brand; the unique philosophy for both the product and the atmosphere make Kapital outstanding.

PH_ Kapital

W_ www.kapital.jp

The Natural Way_ Kapital

Txt_ Megan Huntz + Reiko Hanafusa

La prima cosa che il Sig. Toshikiyo Hirata fece per dar avvio alla sua ditta di denim fu di investire la sua liquidazione di 280.000 yen in una vecchia macchina da cucire americana. Con questa macchina confezionò svariate paia di jeans, poi salì su un treno notturno da Kojima a Tokyo portandosene dietro alcuni campioni. A Tokyo si riconobbero immediatamente il talento e l’abilità di Hirata nella creazione di blue jeans fatti a mano, tanto che potè subito stipulare contratti con alcuni marchi.

Gli affari della OEM (Original Equipment Manufacturing) con questi marchi diedero buoni proventi, tanto che nel 1985 l’imprenditore fu in grado di fondare la ditta Kapital. Da allora l’impresa ha certamente avuto una crescita consistente, e le apprezzate creazioni di Hirata lo hanno fatto diventare una sorta di guru giapponese dei jeans. Non ostante lavorare per altre ditte avesse garantito a Kapital grande successo, nel 1994 Hirata ha cominciato a lavorate a un progetto di un suo marchio originale, con l’intento di realizzare un paio di jeans che riuscissero convincenti al 100% al suo maggiore critico, e cioè a se stesso.

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I suoi jeans ideali non obbedivano ai dettami del mercato; essi aderivano totalmente e senza compromessi alle sue idee, filosofia e tecnica. Ancor oggi la dedizione di Kapital alla qualità è evidente in ogni fase della produzione: dal processo di tintura a base di indaco, alla tessitura della stoffa, alla cucitura, e alla scelta delle parti per i jeans, operazioni fatte tutte a mano con la supervisione di un gruppo di tecnici altamente qualificati. La macchina da cucire di partenza ha stabilito il livello della filosofia artigianale che ispira ancora il marchio.

Il primo negozio Kapital è stato aperto a Kojima nel settembre 1994. Benché l’industria del denim prosperasse da molti anni in quella città, aprirvi un negozio sembrava rischioso in quanto Kojima era solo una piccola cittadina; ma Hirata era ormai famoso in tutto il Giappone come maestro del denim e c’erano molti estimatori che venivano a cercarlo.

Ogni dettaglio al suo interno e ciascuna decorazione sono state in tutto e per tutto realizzate a mano direttamente dal personale che si cura sia delle installazioni che della commercializzazione dei prodotti. L’impegno di Kapital nel portare avanti la sua filosofia naturale si evince anche dai suoi punti vendita. Negli ultimi dieci anni Kapital ha allestito 11 negozi, l’ultimo dei quali ha aperto il 23 novembre 2006. Alla Kapital il fattore chiave è il lavoro di squadra, infatti per i primi sei mesi ogni nuovo addetto deve inserirsi nella squadra di produzione, per imparare come si confezionano i jeans Kapital in ogni loro dettaglio. I dipendenti sono tutti molto orgogliosi del loro marchio, e l’unica filosofia del prodotto così come delle maestranze è di contribuire al successo dell’azienda.

N_ RNC 52

W_www.rnconvertible.com

PH_ Rozae Nichols

TXT_Megan Huntz

RNC:

Rozae Nichols Convertible Con al suo attivo l’affermata omonima collezione donna e la linea secondaria “A Common Thread”, Rozae Nichols ha ora ulteriormente ampliato la sua concezione dello stile nell’abbigliamento creando una linea in jersey, Rozae Nichols Convertible.

L’idea della collezione è derivata dalla forza dei capi in jersey della sua collezione principale, che la Nichols voleva illustrare e valorizzare. Alla sua terza stagione, la collezione RNC è stata lanciata nella stagione A/W 2005-6 ed è stata assai bene accolta.

La Nichols dice che “la RNC è cominciata come collezione di semplice product design, non fashion design, super funzionale e dotata di grande vestibilità”, basandosi sull’idea che “il buon design è qualcosa che si può trovare e che ci si può permettere”. La collezione è realizzata in quattro tessuti, il più importante dei quali è un jersey pettinato, una viscosa soffice con lucentezza metallica, un semplice jersey a coste in poliestere che dà al tatto la sensazione di cashmere, e un jersey stampato con audaci e moderni motivi grafici. A volte la Nichols è spinta a fare materiali più trendy, ma per natura rifugge di norma da questa tendenza. La RNC segue questo secondo indirizzo per stile e identità, piuttosto che cercar di essere alla moda. Tutti i motivi della RNC hanno un uso multifunzionale e molti di essi sono rovesciabili, sicché chi porta un capo RNC può fornire una sua interpretazione personale e usare veramente gli indumenti, non solamente indossarli. Questi capi si espandono, inseriscono e sovrappongono sulla collezione principale con la complementarietà dei loro toni cromatici e adattandosi ai movimenti del corpo. La Nichols dice che la RNC “risponde a un problema pratico delle donne che sono alla ricerca di un modo credibile per curare la propria persona.”

With her established signature women’s wear collection, and secondary line A Common Thread, Rozae Nichols has yet again expanded her vision for clothing design by creating a jersey line, Rozae Nichols Convertible. The concept for the line was first conceived from the strength of the jersey pieces in her main collection, which Nichols wanted to highlight and give their own merit. Now going into its 3rd season, the RNC collection was launched in A/W 2005-06 and has had a great reception. Nichols says that, “RNC started as a group of pure product design, super functional and very wearable, not ‘fashion’”, and based on the belief that “good design should be available and affordable”. The collection is made up of 4 fabrics: the primary of which is a brush jersey, a drapey viscose with a matte sheen, a sheer ribbed jersey in polyester that has a cashmere hand, and a printed jersey with bold modern graphics. At times Nichols gets pressure to do trendier material but by nature goes against that grain. RNC is more so about design and identity than being trendy. All of the RNC designs have a multi-functional use and many are reversible so that the person wearing RNC can make their own interpretation and really use the garments, not just wear them. These pieces expand on Nichols’ main collection by layering in and over in complementary color ways, and are adapted to the movement of the body. Nichols says that RNC, “answers a practical issue for women looking for a reliable way of putting themselves together”.

When recollections and heartfelt traditions become entwined, and sport images come to our mind as if from the pages of old magazines.

Over a century after it was born in 1891, Tretorn now re-edits the timeless design of its classic sports footwear. The Swedish brand, whose renown was in the past connected to its rubber boots for outdoor activities, and to tennis courts, first became successful in the north of Europe. As early as 1902, this enlightened firm carried out plans to diversify production which came to include footwear, tennis balls, tyres and, with its 8,000 workers, became one of the leading industries of the day. In 1930 it developed a complete line of sports footwear, then as early as 1964 it presented the first sports leather shoes, to gain world renown in the ‘70s when Tretorn Nylite model was worn by unparalleled Bjorn Borg.

For the Spring-Summer season 2007, Tretorn proposes an interesting edition of a few updated classical Men’s and Women’s models in new bright

colours: splendid T56, in washed canvas with vulcanised soles, Nylite Sail in limited edition, realised by recycling shining boat sails, and Thule Mid, the classic 100% waterproof, wool-lined, fishing and hunting rubber boots, with squared out contrasting soles, entirely made by hand.

Making the most of their know how in rubber processing, Treton have left basic tennis white aside, and now base their activity on their classic standards, currently investing on renewed designs, with a range of proposals aimed at casual elegance and updated simplicity, the relaxing pleasures of the classic boating style.

Quando i ricordi si intrecciano con una profonda tradizione e le immagini sportive ritornano alla mente, fuoriuscendo dalle pagine di vecchie riviste.

A più di cent’anni dalla sua nascita, nel 1891, Tretorn torna con delle calzature sportive dalle forme classiche e un design senza tempo. Il marchio svedese che ha legato in passato la sua notorietà agli stivali di gomma da outdoor e ai campi da tennis, si è affermato dapprima soprattutto in Nord Europa. Illuminata realtà industriale, già nel 1902 Tretorn attua programmi di diversificazione del prodotto, dalle scarpe alle palle da gioco, ai pneumatici, diventando con i suoi 8000 dipendenti una delle più grandi aziende del tempo.

Nel 1930 sviluppa una linea completa di calzature

PH_ Tretorn

W _ www.tretorn.com TXT _ Paolo Vitale

sportive e già nel ’64 presenta la prima scarpa tecnica in pelle, raggiungendo poi la notorietà a livello mondiale negli anni 70, quando le Tretorn saranno calzate dall’incontrastato Bjorn Borg, nel modello Nylite.

Per la Primavera-Estate 2007, con uno stile aggiornato e nuovi brillanti colori Uomo e Donna, Tretorn propone un’interessante rivisitazione di alcuni modelli classici: la splendida T56, in canvas lavato e dalla caratteristica suola vulcanizzata, la stessa Nylite Sail in edizione limitata, realizzata questa volta riciclando vele da barca dalla particolare lucentezza e il Thule Mid, classico stivale di gomma da caccia e pesca, tipicamente contraddistinto dalla suola squadrata a contrasto, interamente fatto a mano, 100% impermeabile, imbottito in lana.

Capitalizzando il proprio know how nella lavora-

N_ Tretorn 53

zione della gomma e prendendo il largo dal basico bianco tennis, Tretorn investe oggi, con i medesimi principi di un tempo, su un design rinnovato ed un range di proposte ispirate al piacere rilassato del classico stile da barca: eleganza casual e semplicità contemporanea.

TRETORN

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W_www.meltinpot.com

PH_ Meltin’ Pot

TXT_Paolo Vitale

MELTIN’ POT Una storia di passione, di professionalità trentennale focalizzata sul jeans cinque tasche. Il denim come materiale di riferimento, come mondo da esplorare per offrire un prodotto autentico, fatto di dedizione e creatività, grazie alla continua ricerca e alla costante evoluzione di ciascun processo produttivo.

Questa la sfida di Meltin’ Pot, questa la mission di Augusto Romano.

Nonostante esso sia oggi un marchio impostosi a livello internazionale, di fronte a colossi made in USA nel settore, la sua origine è da ricercarsi nel Salento, terra dove la Romano S.p.a., nata più di trenta anni fa, ha iniziato il proprio cammino fino a diventare una delle maggiori e più prestigiose realtà europee.

Attestatasi la sua produzione annuale sui 3,5 milioni di capi, nel 1994, la Romano S.p.a. decide di creare un proprio marchio, Meltin’ Pot; in esso si riversano tutto lo spirito industriale originario e la vitalità creativa tipicamente italiana, il calore e l’entusiasmo della Puglia uniti alla cura dell’artigianalità.

Il prodotto, lavorato in impianti tecnologicamente avanzati ad elevato tasso di automazione e impreziosito sempre da numerose lavorazioni manuali, viene realizzato nella sede centrale di Matino in Puglia, in uno stabilimento di 35.000 mq da cui escono ben 13.000 capi al giorno. All’interno di esso viene completato l’intero ciclo produttivo, dal taglio alla confezione, dallo stiro all’imballo.

Un know how consolidato, in grado di garantire elevati standard qualitativi e tempi di risposta al mercato brevissimi; l’apparato industriale inoltre si è recentemente arricchito, nell’area lavanderie, con lo sviluppo di un nucleo di ricerca esclusivamente dedicato ai finissaggi e ai trattamenti, allo scopo di assicurare una qualità dell’offerta sempre in grado di distinguersi nettamente sul mercato.

“La creatività e la comunicazione devono fornire una chiara indicazione circa l’identità del nostro marchio e il suo posizionamento sul mercato” Lo sviluppo del tessuto e la sua fine lavorazione, uniti al messaggio portato da ciascuna collezione e da ciascun progetto di Meltin’Pot, riportano l’attenzione sul jeans, vero e proprio core business dell’azienda e prodotto che da storico capo da lavoro si è trasformato nell’unica vera uniforme democratica dei nostri tempi. Un’icona che giorno dopo giorno mani esperti nobilitano, restituendole un’immagine autentica, pulita e moderna.

“È di cruciale importanza l’univocità del messaggio portato avanti dal prodotto e dalla comunicazione” Augusto Romano

A thirty-year-long story of passion and professional commitment centred on the five-pocket jeans. Denim as a reference material, as a world to be explored to offer a genuine product, the fruit of dedication and creativity, realised through endless research and updating of each stage of production.

This is Meltin’ Pot’s challenge and Augusto Romano’s mission.

Although the brand is today outstanding on the international scene, where it is faced with U.S. giant companies in the field of denim, its origins are to be traced to Salento, a region where Romano Co. was established over thirty years ago, to become over the years one of the leading and most prestigious firms in Europe.

With a yearly output of about 3.5 million items, in 1994 Romano Co. decided to create Meltin’ Pot, pouring onto the brand their pioneering industrial spirit, a typically Italian creative vitality, the warmth and enthusiasm of Puglia and the care of their handicraft.

Processed through technologically advanced, highly automated machinery at the firm’s headquarters located at Matino (Puglia), products are further made precious by handmade details in a

35,000-square-metre factory that turns out over 13,000 pieces a day.

All the stages of production, from cutting to tailoring, ironing and packaging, are carried out at the factory. The firm’s high quality standards and its capacity to immediately meet the market’s demands is the outcome of its sound know-how; furthermore, the recent updating of the factory washing department has led to the development of a research team entrusted with finishing and treatments aimed at ensuring top quality products that can stand out on the market.

Fabric development and its fine processing, along with the message conveyed by each collection and project by Meltin’ Pot, re-focus on jeans, the real core business of the firm, a product which, from work item has turned into the only true democratic uniform of our days.

Ennobled each day by expert hands this icon regains its authenticity, neatness and modernity.

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“The creativity of collections and communication must provide clear information about the identity of our brand and its market positioning”

“It is vitally important that the message conveyed by the product and communication should be univocal” Augusto Romano

www.enkshows.com/childrensclub

Collective www.enkshows.com/collective

BLUE

www.enkshows.com/blue

www.enkshows.com/coterie

+ www.enkshows.com/clear

BRIGHTE LOS ANGELES www.enkshows.com

ENK International. t: 212.759.8055 enkshows@enkshows.com www.enkshows.com

www.enkshows.com

International Trade Events in New York, Los Angeles & Las Vegas

circuit

PH_ Victorinox Apparel

W _ www.victorinoxapparel.it

N_ Victorinox Apparel

TXT _ Paolo Vitale

After last successful winter season, the Swiss brand faces the new challenge of technical research, coat cutting and search for materials.

Victorinox Apparel continues its perfect combination of highly innovative details and technical solutions in the original simple style of the Swiss mother firm. What makes the collection outstanding are jackets in special fabrics like Sharkskin, made of waterproof wool, or Tropicale, in washable, crease-resistant stretch wool, but also Microtech, a special cotton used to tailor travel trousers and jackets. If the waterproof welded fabrics afford comfort and good performance and are a perfect match for the strategic pockets especially devised to carry an iPod, cotton is mixed with silk, linen and cashmere to meet the requirements of demanding clients. A newly designed, luxury casual style with more and more sartorial men’s and women’s cutting lines, embodied by a rich collection of jackets, shorts, vests, trousers, shirts, blazers, polo shirts and knitwear. Softshell Travel Vest is particularly innovative in that it has an in-built, removable air clearing system which can provide up to eight hours of ‘breathable’ air.

By combining functional quality and all-pervading luxury, Victorinox looks ahead to the future without forgetting the heritage of its brand.

Dopo il successo della scorsa stagione invernale, il marchio svizzero rilancia la sua sfida: dalla ricerca tecnica al taglio dei capi spalla, ai materiali impiegati. Victorinox Apparel continua infatti a coniugare perfettamente dettagli e soluzioni tecniche altamente innovativi con la sobrietà originale dell’azienda madre svizzera. E ad animare la collezione sono giacche dai tessuti particolarissimi come lo Sharkskin fatto di lana impermeabile e traspirante o la Tropicale, lana stretch lavabile e antipiega ma anche lo speciale cotone Microtech, utilizzato per pantaloni e giacche da viaggio. Mentre i tessuti impermeabili e termosaldati garantiscono comfort e performance che si sposano alla perfezione con strategiche tasche porta iPod, il cotone si mescola alla seta, al lino e al cachemire per soddisfare anche i gusti più raffinati. Un casual di lusso, definitivamente ridisegnato grazie a nuove linee di taglio sempre più sartoriale sia per uomo che per donna, ed una collezione che si amplia tra giacche, gilet, shorts, pantaloni, camicie, blazer, polo e maglie.

Particolarmente innovativa la Softshell Travel Vest che si presenta munita di sistema di purificazione dell’aria incorporato e removibile in grado di fornire fino ad otto ore di aria “respirabile”.

Tra qualità funzionale e lusso avvolgente Victorinox guarda al futuro senza dimenticare la storia del proprio marchio.

ELEGANZA UNDERSTATED E PRACTICAL LUXURY

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PH_ Stephen Venezia

W _ www.stephen.it

N_ Stephen Venezia

TXT _ Alessandro D’Annibale

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STEPHEN VENEZIA

“A woman’s feet disclose the secrets of her personality”

“I piedi di una donna rivelano il segreto della sua personalità”

Open and closed forms merge or alternate with contrasting geometric decorations, the transparency of colours brighten the changing shapes and shining surface of the models that Stephen Venice proposes for the coming season.

The brightly coloured accessories are a perfect match for the formal innovations created by André Perugia, whereas the colours draw on the designs of Tokio Kumagai and enliven the precious materials chosen for this footwear.

Stephen now devote their attention to women who are proud of their femininity and can interpret the innovative potential of the models thanks to their highly sophisticated style. The perfect merging of the ancient Italian tradition of handmade footwear with the French taste of the stylists that have designed them for years.

Forme aperte e chiuse convivono e si alternano a geometrici decori in contrasto, colorate trasparenze accendono le forme variabili e le superfici brillanti dei modelli proposti da Stephen Venezia per la prossima stagione.

La vivacità cromatica degli accessori si coniuga perfettamente con le innovazioni formali ispirate dalla genialità di Andrè Perugia mentre i colori, che riprendono i disegni di Tokio Kumagai, esaltano i pregiati materiali selezionati per queste calzature.

Una donna orgogliosa della propria femminilità che grazie ad uno stile autenticamente ricercato sia in grado di interpretare la forza anticonformista di questi modelli, è quella a cui guarda oggi Stephen.

Perfetta fusione di una lunga tradizione artigianale italiana con il gusto francese degli stilisti che da anni disegnano queste calzature.

PH_ Kork-Ease™

W _ www.asapltdspa.com

www.kork-ease.com TXT _ Megan Huntz

KORK-EASE

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TM Vi ricordate i sandali Kork-Ease™? Negli anni ’70 quei bei trampolini di cuoio sollevavano da terra i vostri pantaloni a zampa di elefante e vi conferivano un aspetto tanto seducente. Ciò che gira, prima o poi ritorna, e, con la passione del momento per la moda della zeppa, è naturale che il mondo della moda impazzisca per la sua versione originale.

Leggeri, comodi e accessibili i Kork-Ease™ sono nati nell’America degli anni ’50 come scarpe confortevoli, ma è stato solo negli anni ’70 che il sandalo a zeppa fatto a mano con cinghiette incrociate da vamp è diventato un accessorio obbligatorio per tutte le ragazze hip, decisamente il preferito da quelle dell’epoca disco.

Un modello che ha dato vita a un fenomeno globale e ha retto alla prova del tempo è certamente degno di trovare collocazione permanente nella Collezione Landmark Shoe, presso il Costume Institute del

Remember Kork-Ease™ sandals? In the 70’s they were those cool leather platforms that lifted your bell-bottoms off the ground and made you look oh so groovy. What goes around comes around; and with the wedge heel fashion craze of the moment, it’s only natural that the fashion world is going crazy for its original version.

Light, comfortable and affordable, Kork-Ease™ were originally created in the 50’s in America as comfort shoes but it wasn’t until the 70’s that the hand-made wedge sandal with signature criss-cross ‘vamp’ straps became the must-have accessory for all hip young girls, and a decided favorite among those of the disco-era. A design that created a global phenomenon and survived the test of time is certainly worthy of its permanent installation in the Metropolitan Museum of Art Costume Institute’s Landmark Shoe Collection, composed of only 25

N_ Kork-Ease™

types of shoes in its entirety.

The classic Kork-Ease™ design is made of beige hide leather, tarnished golden hardware, buckled ankle strap, and suede-covered cork wedge heel.

Their popularity created a phenomenon that spawned a variety of other wedge sandal knock-offs during the past three decades, and now that we are seeing various high fashion versions all over the catwalks, the revamped Kork-Ease™ are in demand and in some of the best stores in the US, UK, France, Switzerland, Italy and Australia. Kork-Ease™ sandals are available in a range of colors, materials and heights, but the simplicity of the models remains consistent with its original design.

Metropolitan Museum of Art, composta nella sua interezza da sole 25 tipologie di scarpe.

Il modello Kork-Ease™ classico è fatto di cuoio beige, con finiture in metallo color oro opacizzato, cinghietta alla caviglia munita di fibbia e tacco in sughero a zeppa ricoperto di suede.

La popolarità di questi sandali ha fatto nascere una varietà di altre imitazioni con zeppa negli ultimi trent’anni, e attualmente, con le varie versioni di alta moda visibili nelle sfilate, i rinnovati Kork-Ease™ sono disponibili in alcuni dei migliori negozi degli USA, del Regno Unito, Francia, Svizzera, Italia e Australia. I sandali Kork-Ease™ vengono proposti in una vasta gamma di colori, materiali e altezze, ma la semplicità dei modelli rimane fedele a quello originale.

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“Il meglio viene alla fine”. The End, nuova rivista italiana indipendente, è un’alternativa agli editoriali in carta patinata e ai prodotti prevedibili che dominano il settore delle riviste di moda.

Scritta in italiano e in inglese, The End costa 5 euro, ha il tipico formato delle riviste e consiste di 80 pagine piene di moda, arte, musica e cultura. A partire dal numero 0 di Settembre 2006, The End sarà distribuita in Italia e all’estero, ma la cosa non finisce qui… ogni mese la redazione della rivista radunerà un gruppo di amici in Italia e in tutto il mondo per proporre una scelta di indumenti unici scovati nei mucchi di abiti di qualche mercato o nel retrobottega di qualche vecchio negozio da mettere in vendita on-line nella Boutique The End. Bello, eh?

B EAST è la provocatoria rivista lifestyle, glossario di moda della Nuova Europa. Essa coglie il dinamismo dell’Est-Europa in rapido sviluppo con grintosi annunci di moda, servizi intelligenti o editoriali fotografici e di viaggio, che ci danno un’idea realistica di questa regione. B EAST celebra l’esplosione di questa Nuova Europa e al tempo stesso usa le sue pagine come forum per spiegare e demistificare quella occidentale. Si tratta di una rivista trimestrale in lingua inglese pubblicata a Praga e a Varsavia, distribuita in tutta Europa, Germania, Olanda e Regno Unito compresi. Il terzo numero era incentrato sulle ‘Little Beasts’ e il numero 4 sarà dedicato alla Polonia.

Hungry Zine è fatta in Australia da sei amici che amano divertirsi, tutti giovanissimi e dotati di grande appetito ma disponibili a condividere con gli altri la loro creatività. Pubblicata in trecento esemplari, questa rivista di 24 pagine la cui misura è metà di una pagina A4, trabocca di illustrazioni dotate di grande freschezza. In vendita soltanto in alcune librerie di Melbourne e dintorni, la rivista costa 6 dollari australiani, un prezzo modesto per una rivista rilegata (è cucita a mano con una macchina per cucire da casa!) e numerata a mano. (Mug ha la copia n.

285!) Tutti i numeri di Hungry offrono in sovrappiù un inserto particolareggiato e una copertina sorprendente. Ad esempio il numero 3, quello sullo Spazio, contiene una pagina adesiva da staccare (o, diciamo, a cui si può far prendere il volo?…ha, ha!) e una copertina che, spiegata, diventa un poster di dimensione A3. Dato che Hungry Zine ha esaurito i numeri 1, 2 e 3 tutti saranni "affamati" del numero 4.

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“The best comes at the end”. The End, a new Italian independent magazine, is an alternative to the glossy editorials of the same predictable products that dominate the Italian fashion magazine sector. Written in Italian and English, The End is a full size, 80-page magazine full of fashion, art, music and culture and costs 5 Euro.

Beginning with issue #0, September 2006, The End will be distributed in Italy as well as abroad, but it doesn’t END here…Every month the editorial staff of The End will round up a group of friends in Italy and around the world to propose a selection of unique garments they have found from some pile of rags in a second hand market or undiscovered back room of some old shop to sell on-line at The End Boutique. Nice, huh?

Europe through edgy fashion spreads, intelligent features, and photo and travel editorials that give real insight into this region. B EAST celebrates the explosion of this New Europe while also using its pages as a forum to de-mystify and de-hype Western Europe. B EAST is an English-language magazine published quarterly from offices in both Prague and Warsaw. It is distributed all across Europe, including Germany, Holland and the UK. The third issue focused on ‘Little Beasts’ and issue #4 will be on Poland.

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From Australia, Hungry Zine is the work of 6 fun-loving friends, all of whom are very young and hungry but willing to share their creativity with you. Half the size of an A4 page, this 300 edition, 24-page magazine is full of fresh illustrations. Sold in just a few bookshops in and around Melbourne, the $6 AUS is a modest price for a magazine bound (sewn by hand on a home sewing machine!) and numbered by hand. (Mug got #285!) As a bonus, all Hungry issues have a detailed insert and surprising cover. For example, Issue 3, the Space issue, has a lift out (or shall we say “lift off”? ha, ha) sticker page and a cover which folds out to an A3 size poster. Since Hungry Zine has completely sold out of issues 1, 2 and 3, everyone will certainly be hungry for issue 4.

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W _ www.newyorkindustrie.it

N_ New York Industrie

TXT _ Paolo Vitale

NEW YORK INDUSTRIE

Lanciato come prodotto complementare di lusso, NewYork Industrie segue l’evoluzione del vestire moderno con collezioni uomo e donna che puntano su un design dalle linee pulite e sulla qualità dei materiali impiegati.

Nato nel 1977, il marchio diventa negli anni un brand storico del Made in Italy; nel 2003 passa di proprietà alla Mc Adams, continuando a distinguersi come proposta elegante, fruibile in un panorama sempre più urlato. Forte di una costante ricerca, New York Industrie si evolve secondo i tempi ed il mercato allo scopo di assicurare costantemente volumi moderni e interpretazioni aggiornate del vestire contemporaneo, grazie ad una lettura metropolitana dell’abbigliamento.

Così la donna al lavoro veste linee maschili senza rinunciare a tocchi di raffinata femminilità e l’uomo indossa giacche che accostandosi al corpo ne

segnano le forme e nobilitano la figura.

Per la Donna Primavera-Estate 2007 atmosfere bon chic ed ispirazioni anni ‘70 a richiamare ambienti ricercati ed elitari. Organza, seta, taffettà e georgette interpretano pantaloni, top, giacche e tubini, mentre tagli increspature e rouches alzano il punto vita fin sotto il seno e disegnano scollature che scoprono la schiena.

L’Uomo invece trova immancabile il lino, in stampa batik, shorts, bermuda e jeans asciutti e un nuovo comfort in giacche aderenti ma comunque agevoli.

Gabardine, canvas leggero e popeline melange per i capi basic mentre la seta si mischia alla lana, impreziosendola di rilievi in braille e righe stilizzate secondo un gioco di effetti che si incontrano per creare nuovi soluzioni e nuovi materiali.

Launched as a complementary luxury brand, New York Industrie’s men’s and women’s collections keep pace with the evolution of modern clothing by relying on simple, neat designs and on the quality of the materials they use.

Born in 1977, the brand has come to embody Made in Italy clothing over the years, and after Mc Adams took it over in 2003 it has continued to offer elegant, enjoyable proposals despite increasingly aggressive fashion trends. New York Industrie’s constant research and metropolitan conception of clothing has enabled them to keep pace with the times and market trends, as well as to develop modern designs and updated interpretations in contemporary fashion.

Women at work wear masculine lines without renouncing refined feminine nuances, men wear jackets which adhere to the body emphasising their

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silhouette and enhancing their figure.

Women’s Spring-Summer season 2007 is characterised by a ‘bon chic’ atmosphere with hints of the ‘70s that recall select, sophisticated milieus.

Organza, silk, taffeta and georgette interpret trousers, tops, jackets and sheath dresses, while cuts, crimps and rouches bring the waistline just below the breast and design décolleté solutions that bare the back.

Linen in batik printing, instead, is definitely the fabric for men, used for shorts, bermudas and close-fitting but comfortable jeans and jackets.

Gaberdine, light canvas and poplin melange are the fabrics for basic items, whereas silk is mixed with wool to enrich it with relief motifs and stylised stripes that combine to create new patterns and materials.

Ciò che Shepard Fairey ha cominciato nel 1989 quando ha cominciato ad affiggere adesivi e tabelloni che mostrano la faccia del lottatore “André The Giant” con la scritta sottostante “Obey” o “Obey Giant”, è diventato a distanza di 17 anni uno dei più completi progetti di street art, capace di valicare i confini esistenti tra arte, design, esperimento sociale e graffiti. "Supply and Demand" è il corpus completo dell’opera di Fairey con un’introduzione e un manifesto scritti dallo stesso Fairey, e comprendente diverse analisi fatte da critici d’arte di successo che sondano i temi della propaganda, del marketing di massa e del capitalismo.

Perché gli adesivi possono essere ben più che “pubblicità da attaccare”. Il secondo della serie Proud 2ba, dopo il successo di quello che lo ha preceduto “Proud 2be, a Flyer”, “Proud 2be a Sticker” celebra la umile decalcomania e la scelta del suo uso come simbolo di un gruppo sceltissimo di artisti e produttori indipendenti.

Vi si presentano esempi a colori e a dimensione naturale dal mondo dei giganti underground dello skateboard, del biking BMX e della moda di strada (anche prima che il termine streetwear esistesse) di tutto il mondo a partire dagli anni ’80 e i primi anni ’90.

Al di là del piacere per gli occhi che rappresenta, il libro incarna anche la passione di un tipo di collezionista alternativo che ama questo aleatorio caos visivo economico e appiccicoso.

Il legno odoroso di resina del Padiglione svizzero di Peter Zumthor all’Expo di Hannover, l’aria ipo-ossigenata del Blur Bar di Diller e Scofidio, il flusso d’aria che scolpisce nel tunnel del vento di Renzo Piano a Maranello, gli odori placebo di Decosterd & Rahm, e l’aria commestibile del Pharma Food di Marti Guixé sono soltanto alcuni esempi di architettura che rivelano la dimensione invisibile dell’olfatto. Le emozioni e i ricordi sono profondamente connessi agli odori e questo libro analizza da vicino il ruolo che uno spazio gioca in questo rapporto.

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The exp erience of place ed. Skir s throu a (2006 gh odor ) s

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What Shepard Fairey started in 1989 when he began putting up stickers and posters that show the face of the wrestler “André the Giant” with written underneath, “Obey” or “Obey Giant”, 17 years later has become one of the world’s most comprehensive street art projects crossing the boundaries between art, design, a social experiment, and graffiti. Supply and Demand is the entire body of Fairey’s work including an introduction and manifesto written by Fairey himself; as well as several analyses by renowned art critics which delve into the themes of mass marketing, propaganda and capitalism.

er" esive advertising” Stick A E B t “adh s 2 ju "Proud can be more than ckers ... ‘coz sti 006) Books (2 y p p a ed. H

The second of the Proud 2bea series, following the success of its predecessor, “Proud 2be a Flyer”, “Proud 2be a Sticker” celebrates the humble decal and its use as the badge of choice for a highly selective group of independent artists and producers. Full size color examples are featured from the underground giants of skateboarding, BMX biking, and street-wear (even before the term street-wear existed) all over the world from the 80’s and early 90’s. Beyond the book’s visual delight, it also reveals the passion of an alternative kind of collector who loves this cheap and sticky, random visual mayhem.

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The resin-scented wood of the Swiss Pavilion by Peter Zumthor at the Hannover Expo, the hypo-oxygenated air of Diller+Scofidio’s Blur Bar, the sculpting air stream of Renzo Piano’s Wind Tunnel in Maranello, the placebo odors of Decosterd & Rahm, and the edible air of Marti Guixé’s Pharma Food are just a few examples of architecture that divulge the invisible dimension of olfaction.

Emotions and memories are deeply connected to odors, and this book examines closely the role that a space plays in this relationship.

Pitti Immagine n°71 pone l’accento sul cuore dell’eleganza maschile

The London Cut, progetto in tre parti: mostra, libro e showcase. L’esposizione, allestita negli Appartamenti della Duchessa d’Aosta di Palazzo Pitti, ricreerà l’atmosfera della storica via dei sarti da uomo Savile Row, dove ancora oggi si possono vedere laboratori e negozi di blasonate etichette dell’abbigliamento da gentlemen.

Villa Vittoria invece farà da cornice allo showcase dove in prima persona assaporare un pizzico di Made in London, tra bespoke ed eleganti collezioni, frutto di due secoli di tradizione.

Per chi volesse andare oltre c’è Touch, nuovo progetto di Pitti che parla la lingua della sperimentazione, del sapersi vestire ed esprime quel gusto moderno che chiama libertà e contaminazione. Interpretazione del “tocco” più aggiornato dell’eleganza contemporanea, Touch propone, nella Sala della Ronda della Fortezza da Basso, un allestimento in pieno stile department store realizzato da Oliviero Baldini, dove i capi dialogano tra loro giocando su nuovi abbinamenti possibili e si alternano per stuzzicare buyer e visitatori in ben 25 guardaroba diversi.

Un’edizione, questa di Pitti Immagine, che punta al piacere di vestirsi e di sapersi vestire, scegliendo tra 664 aziende espositrici per un totale di 755 marchi e più di 30 nuovi nomi presenti.

E se Welcome to my house continua a dedicarsi allo streetwear delle aziende più giovani e indipendenti, a cavallo tra street culture, sport e arte, i New Beats si focalizzano sui debutti dei nuovi talenti, mentre l’espressione del contemporary luxury viene garantita da Rooms n. 5 in Santa Maria Novella, in un’ideale abbraccio che avvolge ciascun visitatore.

PH_ A. Coppiz, M. Nakashima, F. Guazzelli

W _ www.pittimmagine.com TXT _ Megan Huntz

‘The London Cut’ is a project in three parts: an exhibition, a book and a showcase. The exhibition, laid out in the Palazzo Pitti apartments of the Duchess of Aosta, will re-create the atmosphere of Savile Row, the traditional street of tailors, where workshops and stores still display renowned brands of gentlemen’s wear. Villa Vittoria, instead, will be the frame for the showcase where visitors can have a taste of Made-in-London bespoke items and smart collections, the outcome of a two-century tradition.

Those who dare go further will find TOUCH, Pitti’s new project open to the new language of experiment and know how in dressing, but also to a modern taste defined in terms of freedom and contamination. As an interpretation of the most updated trends in contemporary elegance, Touch proposes a layout entirely in department-store style

PITTI IMMAGINE n° 71 goes straight to the core of men’s elegance.

N_ Pitti Immagine 65

created by Oliviero Baldini in the Sala della Ronda of Fortezza da Basso. Here items follow one another in lively interplay based on ever new matches, attracting buyers and visitors from over 25 different collections.

This edition of Pitti Immagine is focused on the pleasure of dressing and on the dressing skills that can be acquired by choosing among 664 exhibitors, for a total of 755 brands and over 30 new names.

If Welcome to my House keeps devoting its attention to young independent firms’ street wear verging on street culture, sport and art, the New Beats’ focus is on new talents’ debuts, whereas at Santa Maria Novella, Rooms n. 5 welcomes visitors with its expression of contemporary luxury.

N_ White Milano

www.whitemilano.it

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SUPERSTUDIOPIÙ Via Tortona 27 Milano 22 -25 Febbraio 2007

MUG incontra WHITE Mug: Quale sarà il punto di forza di questa 14esima edizione?

White: L’immagine. L’ immagine del nome White, il suo “passaggio” da testo scritto ad icona grafica: un rettangolo bianco. Immagine in termini di strategia, quella di un salone diverso, particolare, in cui il ristretto numero dei brands presenti garantisca un’atmosfera selezionata e di ricerca.

Mug: Cosa rende WHITE “unico”?

White: Direi diversi elementi, a partire dalla selezione qualitativa degli espositori, alla selezione dei visitatori, per arrivare ad un lay-out continuamente rinnovato e fuori dagli schemi, l’originalità degli allestimenti, l’insolito accostamento dei materiali… tutto questo crea un’atmosfera, usando le tue parole, unica.

Mug: Cosa ci dobbiamo aspettare da te, in termini di proposta, per il 2007?

White: Amo definirmi “il salone nel salone”, una sorta di Matrioska della moda. Questa stagione mi presenterò arricchito da appendici indipendenti, con una propria identità, all’interno delle quali troveranno una loro naturale collocazione aziende che solitamente non espongono nei saloni.

Mug: Senti di essere realizzato?

White: Felice di essere arrivato fin qui… ma sono solo all’inizio. La mia maggiore ambizione è di diventare il punto d’incontro per chi “fa” e “vive” la moda a Milano, riuscendo ad organizzare eventi paralleli, sfilate, installazioni…

Adesso il mio obiettivo principale è quello di realizzare e non deludere le aspettative di tutti quelli che credono in me.

MUG meets WHITE Mug: What is the strong point of this 14th edition?

White: It is image. The image of the name White, its shift from written text to graphic icon: a white rectangle. An image conceived in terms of strategy, that of a different, particular showroom where the limited number of brands on display creates a select atmosphere of research.

Mug: What makes WHITE ‘unique’?

White: Several elements, I would say. The select quality of exhibitors and visitors, but also the ever renewed, unconventional layout, the originality of displays, the unusual matching of materials.

All of these elements create, to use your own words, a ‘unique’ atmosphere.

Mug: What sorts of proposals do you have in store for 2007?

White: I like to define myself “the showroom within the showroom”, a sort of Matrioska of fashion.

This coming season WHITE will be enriched by independent units with an identity of their own, focusing on firms that do not usually display their products in showrooms.

Mug: Do you feel fulfilled?

White: I’m quite happy with what I’ve done so far… but I’m only at the start. My great ambition is to become a meeting point for those who ‘make’ and ‘live’ fashion in Milan, and to succeed in organising parallel events, catwalks, installations…

The main target at the moment is not to fall short of the expectations of those who believe in me, indeed to live up to them.

Fairs

PREMIUM

Premium www.premiumexhibitions.com

Pittimmagine www.pittimmagine.com

D&A Designers and Agents www.designersandagents.com

White

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2?-28 January 2007

Pitti Uomo #72

Pitti Bimbo #64

Pitti Filati #61

Pitti Frangranze #05

Modaprima #62

20-23 June 2007

19-21 January 2007

04-0? July 2007

14-1? September 2007

27-29 May 2007

D&A New York

D&A Los Angeles

Summer '07 07-09 January 2007

Summer '07 12-15 January 2007

D&A New York

D&A London

D&A Los Angeles

Fall '07 18-20 February 2007

Fall '07 12-15 February 2007

Fall '07 23-2? March 2007

White Milano 22-25 February 2007

www.whitemilano.it

Enk Shows www.enkshows.com

Premiere Classe www.premiere-classe.com

The Collective - The Section

Blue

Clear

Coterie - The Mezzanine

21-23 January 2007

21-23 January 2007

20-22 February 2007

20-22 February 2007

Premiere Classe

Premiere Classe

01-04 February 2007

02-05 March 2007

...DATES NOT TO BE MISSED!

Flash Back

Produc

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year: 19

Benetton's 40 Anniversary th

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year: 1966 _ ph

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For 40 Years Benetton has brought color to a black/white world!

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C L O N E B Y B R AV O S . R . L . - C . S O V E N E Z I A 3 7 - 2 0 1 2 1 M I L A N O T E L . + 3 9 0 4 5 6 0 8 2 2 9 7 I N F O @ C L O N E - I TA L I A . C O M

Tel. +39 0259901164

www.premiata.it

Year 6 n째 12 FREE www.mugmagazine.com

BOUTIQUE VIA SPIGA 1 MILANO