Mug #21 by mugmagazine mug

Year 11 n째21 JULY 2011 ANNUAL Spedizione in A.P. - 70% - DCI - TV registrazione del Tribunale di Treviso n. 1141 del 26/09/2001

Free Year 11 n째21

SEOUL

Mug Magazine issue 21, year XI

Il punto di vista di Mug è sempre stato “periferico”. Lo è stato per ragioni geografiche, grazie a centinaia di chilometri che separano il magazine dal più vicino epicentro della moda. Lo è stato per scelta, allo scopo di mantenere la giusta distanza dalle più obsolete dinamiche editoriali e dalle più comuni strategie commerciali.

Mug has always considered things from a distance, both for objective geographic reasons, in that it is located miles away from the nearest fashion centre, and by choice, to avoid obsolete publishing policies and widespread commercial strategies.

Ciò nonostante il progetto Mug è figlio di una delle più evolute e aggiornate realtà del retail. Il magazine è frutto di una costante ricerca, a livello internazionale, di nuovi marchi, designer emergenti, spazi espositivi e store. Mug nasce nel cuore di una delle maggiori aree produttive dell’abbigliamento, patria da oltre trent’anni dei più innovativi marchi del jeanswear e ancor prima dei più importanti tessitori e finitori a livello mondiale. È da qui che prende avvio ancora una volta il nuovo progetto editoriale, deciso a sovvertire le abituali tempistiche del fashion, ancorate alla consueta periodicità stagionale e alla presunta esigenza di un prodotto sempre rinnovato. Una volta all’anno, anziché due, per dare la possibilità, a chi sceglie questo strumento per comunicare, di concentrarsi sull’essenza di un marchio e sulla sua progettualità a lungo termine.

Yet, the Mug project stems from one of the most mature and updated experiences in retail, the outcome of endless international research on new brands, up-and-coming designers, exhibition spaces and stores. Mug was born in the heart of an important area in clothing production, the home region for over thirty years of innovative jeanswear brands, outstanding weavers and world-renowned finishers. It is the area where a new publishing project is underway, with a view to bringing about changes in the usual time schedule of fashion with its seasonal rhythm and its presumed need of ever renewed products. An issue a year instead of two, to enable readers willing to communicate to focus on the essence of a brand and its long-term projects. The wish to have clear in mind the whole of the year’s proposals can be easily fulfilled: the magazine becomes the support of the new project, whereas the seasonal contents are left to faster digital instruments.

Il desiderio dunque di essere lucidi di fronte all’intera proposta annuale viene presto tradotto: la carta stampata diviene supporto del nuovo progetto mentre i contenuti stagionali vengono destinati ai più veloci strumenti digitali. Il cambiamento in questo settore è sempre stato sinonimo di innovazione, risultato dell’evoluzione continua delle tendenze. Negli ultimi trent’anni sono cambiate moltissime cose, sono combiate le tecniche di posizionamento, di promozione e vendita dei prodotti. Nei dieci anni di vita della rivista sono cambiati tempi e strumenti della comunicazione, il web si è affermato nelle diverse sfaccettature. Se tutto intorno cambia e si evolve, perchè il settore che dovrebbe anticipare gusti e costumi continua ad affidarsi a meccanismi tradizionali? Perché la moda assomiglia sempre più ad una “religione” costruita su liturgie, riti e simboli?

Changes in this field have always been synonymous with innovation, the result of the endless evolution of trends. Very many things have changed over the last thirty years; changes have affected positioning, promotion and product sale techniques. During the magazine’s ten years the speed and instruments of communication have changed, while the web and its various aspects have been gaining ground. If everything changes and evolves, why is it that the field of activity that should anticipate people’s tastes and customs keeps relying on traditional mechanisms? Why does fashion increasingly look like a “religion” based on liturgies, rites and symbols? To what extent is the market still interested in “clothing”? What language will fashion have to speak to be able to further communicate with consumers?

Quanto interessano ancora i “vestiti” al mercato? Quale linguaggio dovrà parlare la moda per riuscire ancora a comunicare al consumatore?

Mugmagazine.com

Photo © Luca Facchini

Mug Magazine issue 21, year XI

LE BOOK

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All Basquiat Works©Estate of Jean-Michel Basquiat. Use by permission. Licensed by Artestar, New York.

DRESSED BY

Mug Magazine issue 21, year XI

EVERGREEN Spotlight Colphon Smelling Reading Credits

MUG MAGAZINE 21 8 18 140 142 144

Back in the days Designer: Alessandro Mendini Stephen Venezia Andrea Brà Golden Goose Tumi

Black Fleece Hox From Seoul Le Royal Eclaireur From Japan Blue Bell The Shangai Museum of Glass 21 62 68 70 72 74

ART Lo Spazio Concertato A Shoe is Born Art, Where Are You Going?

76 80 83

112 114 116 124 128 132 134

ALESSANDRO MENDINI

THE PREPPY STYLE

BACK IN THE DAYS

SHOWCASE Preppy Style Jackets Blazers The Seersucker Fabric Polo Shirts Button-Down Shirts Madras Shirts The Madras Fabric Chinos The Twill Fabric Shoes Sunglasses Belts and Bracelets The complete Outfit

93 96 98 99 100 101 102 103 104 105 106 108 109 110

Ten years after Mug was first issued, before we resume our work, we would like to take a backward glance at the most significant events in our activity: the international stores we visited ( mostly on the occasion of their inaugural opening), the up-and-coming or successful designers we told our readers about, the items and accessories we examined when presenting the firms that made them renowned.

A sense of belonging to a tradition and an élite, combined with the importance attached to commitment and competition, characterised the life of these students who lived their golden youth in post war America, far from the turmoil that was to shake the USA and the whole world in the Sixties.

Mug Magazine issue 21, year XI

—NEWS

SPOTLIGHT LIFE TAKES WATER Celebrare (o meglio valorizzare) l’acqua e proteggerla. Questa è la mission di KOR, un marchio nato allo scopo di creare prodotti dal design moderno, destinati all’idratazione personale. Il loro slogan è “Better Me, Better World!” e dunque migliorare se stessi, attraverso la cura del proprio corpo e del proprio aspetto, per migliorare il mondo. Alla produzione di diverse linee, è abbinato il Giving™, un programma di raccolta fondi per le cause ambientali legate all’acqua. Tutti i modelli KOR sono inoltre realizzati in un’ottica sostenibile, con materiali come l’Eastman Tritan™. La base di questi contenitori è sempre realizzata in morbida gomma allo scopo di proteggerli dagli urti e da eventuali cadute. La loro ergonomia è tale da garantire una salda presa mentre ciascuno dei loro tappi, i KOR Stones™ è decorato da un disco sagomato, contenente un messaggio d’ispirazione per la persona che si appresta a bere. To extol the virtues of water, to enhance and protect it. This is the mission

of KOR, a brand born to create modern design products for personal hydration. Its slogan is “Better me, Better World!”, that is to better ourselves by taking care of our body and look with a view to bettering the world. The production of several lines is combined with Giving ™, a programme that consists in raising funds for water-related environmental causes. All of the Kor models are realised according to sustainable ideas, with materials like Eastman Tritan™. The bottom end of these containers is always realised in soft rubber to protect them from falls or shocks. They are so ergonomic as to guarantee a solid grip; their caps, the KOR Stones™, are decorated with a moulded disc that contains an inspiring message for the person who is about to drink. korwater.com

JUST ANOTHER WORKING CLASS HERO Universal Works è un’azienda inglese, sinonimo di semplicità e qualità. Sfuggendo ai dettami della moda più consumistica, il marchio si pone come primo obiettivo quello di utilizzare materiali resistenti e di lavorarli nel migliore dei modi, per offrire capi maschili adatti a tutte le stagioni. Linee essenziali, cura del dettaglio, un occhio alla tradizione militare e agli abiti da lavoro. Un manifesto di orgoglio e di rispetto nei confronti del cliente, lontano dalle mode ma sempre in linea con un certo understatement made in UK.

Universal Works is an English Firm whose products are synonymous with simplicity and quality. Shunning consumerist trends in fashion, the brand’s primary objective is to use strong materials processed in the best of ways to obtain men’s wear suitable for all seasons. While creating essential lines and devoting great care to details, they keep an eye on military tradition and working wear. The Firm is proud of its programme which involves a great respect for customers, does not rely on fashion trends but is in line with typically British understatement. universal works.co.uk

UNA O DUE RUOTE?

Forse sarebbe il caso di dire “una ruota e mezzo” più che “due ruote” ma il risultato non cambia, la sfida è iniziata e la battaglia si combatte a colpi di elettricità e inerzia. Il Segway ci aveva già proiettato verso nuovi scenari della mobilità ma il recente lancio di Solowheel e dei nuovi modelli Yike Bike ci impone una riflessione di fronte al diffondersi di questi nuovi mezzi. Riusciranno a sostituire le due ruote della bicicletta? Se riusciranno ad affiancarla, quale fetta di mercato potranno prendersi? Maybe we should say “a wheel and a half ” rather than “two wheels”, but the result is the same, the challenge has been faced, and a battle is being fought in terms of electricity and inertia. Segway had already projected us towards

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new horizons in transport, but the recent launching of Solowheel and of the new models Yike Bike makes us reflect on the widespread use of these new vehicles. Will they be able to supplant the two wheels of the bicycle? If they succeed in gaining as much ground, what slice of the market will they be able to win? La Solowheel è un “unicycle” autobilanciato in grado di trasportarci per 12 miglia ad una velocità massima di 12 miglia all’ora, con ridottissime emissioni di CO2. La sua batteria al litio può essere ricaricata in soli 40-50 minuti. Con la sola inclinazione del corpo e la pressione delle gambe sui cuscini interni si può controllarla completamente. Solowheel is a self-balanced “unicycle” that can carry us for twelve miles at a maximum speed of 12 miles per hour, with insignificant carbon dioxide exhausts, and has a lithium battery that can be charged. Its lithium battery can be charged in only 40-50 minutes. A vehicle that can be entirely controlled through the inclination of our body and by pressing our legs on the inside cushions. inventist.com/solowheel La Yike Bike Fusion è invece il modello destinato a sostituire l’originale Carbon Yike Bike in fibra di carbonio.

Grazie alla piccola ruota posteriore essa è in grado di garantire maggiore stabilità al passeggero; è ripiegabile in pochi secondi e anche aperta occupa circa le metà dello spazio necessario ad una qualsiasi bicicletta elettrica. Raggiunge le 14 miglia orarie ed ha un autonomia di 6 miglia che può essere aumentata fino a 18 grazie alle batterie aggiuntive. Dotata di luci a led e maniglie per sorreggersi, grazie ai suoi freni rigenerativi può garantire ottime capacità di frenata. Yike Bike Fusion, instead, is the model which is bound to substitute the earlier carbon fibre Carbon Yite Bike. The small back wheel it is supplied with gives the passenger a better balance, it can be folded up in a matter of seconds, and when stretched out it takes half the space needed by any electric bicycle. Its maximum speed is 14 miles per hour with a range of six miles that can be increased to 18 miles thanks to additional batteries. Supplied with led lights and handles for support its regenerative brakes guarantee an excellent braking power. yikebike.com

HYBRID CHAIR

Dutch designer created a hybrid between a chair and a carpet. The Loop Chair is made through the “tufting” technique, once employed in the manufacture of a particular kind of carpet obtained by inserting through needles tufts of thread in a cloth layer supported by an underlying metal structure. As we stroke its soft texture we immediately feel like lying on this comfortable chair. casamania.it sophiedevocht.com

GLASSTRESS 2011

Sophie De Vocht è la creatrice della Loop Chair, una chaise longue prodotta da Casamania e presentata allo scorso Salone del Mobile di Milano. La giovane designer olandese ha creato un vero e proprio ibrido tra una sedia e un tappeto. La Loop Chair si ispira infatti alla tecnica del “tufting”, un tempo impiegata nella manifattura di un particolare tipo di moquette e caratterizzata da un elevato numero di ciuffetti di filato, inseriti tramite aghi dentro ad un substrato di tessuto. La struttura sottostante in metallo funge da supporto. E ci basterà carezzarne la morbida maglia per essere subito presi dalla voglia di distenderci sopra questa comoda sedia. Sophie De Vocht is the creator of the Loop Chair, a ‘chaise longue’ manufactured by Casamania and presented at the latest Milan Furniture Exhibition. The young

Glasstress non è una semplice mostra, bensì un esperimento. L’idea è di far incontrare una delle arti che ha reso famosa la laguna veneta nel mondo – la lavorazione del vetro – con alcuni dei più importanti artisti contemporanei. Una sfida, per nomi quali Tony Cragg, Jan Fabre, Zhang Huan, Vik Muniz, Doug e Mike Starn, e molti altri, i quali si confronteranno con un materiale e con delle tecniche lontane dal loro raggio d’azione abituale. L’incontro tra talenti artistici e il vetro ha come punto d’incontro la malleabilità di entrambi i fattori, un’esperienza unica, che mostrerà le risposte dei nomi coinvolti sottoforma di creazione e al contempo porterà a galla altri interessanti quesiti. Il rapporto tra l’uso formale di un oggetto e la sua peculiarità artistica, come fonte di dialogo e d’indagine sul vero significato dell’arte nei nostri giorni. Glasstress is an experiment rather than a simple exhibition. The underlying idea is to enable some of the most outstanding contemporary artists to meet glasswork, one of the arts that has made Venice famous

throughout the world. Artists like Tony Cragg, Jan Fabre, Zhang Huan, Vik Muniz, Doug and Mike Starn and many others will face the challenge and tackle a material and techniques different from their usual ones. It will be interesting to see how ‘malleable’ artists will prove when

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at grips with a malleable material like glass, a unique experience that will lead to creations but also to stimulating questions. The relationship between the formal use of an object and its artistic peculiarity seen as a source of debate and enquiry on the true meaning of art today. glasstress.org

IL BISONTE TIFA GIAPPONE In occasione dei festeggiamenti per il 150esimo Anniversario della Unità d’Italia, il marchio fiorentino Il Bisonte ha deciso di supportare il Giappone, a seguito della recente tragedia che ha colpito il paese. Wanny di Filippo ha scelto infatti di

realizzare una handbag tricolore che recita “forza Giappone”, realizzata in vacchetta a concia naturale, dove campeggia, sul fondo bianco, il simbolo rosso della bandiera del Sol Levante. Il Giappone costituisce uno dei maggiori mercati per lo storico brand di accessori in pelle, presente sul territorio nipponico con ben ventidue negozi monomarca. In segno di solidarietà alla popolazione giapponese Il Bisonte ha deciso inoltre di omaggiare ciascuno dei clienti giapponesi in visita al negozio di via del Parione (Firenze) con un simpatico portachiavi tricolore marchiato “forza Giappone”. La particolare fusione della bandiera italiana con quella giapponese, applicata sia sul piccolo accessorio che all’esclusiva borsa tricolore, è un richiamo diretto al forte legame tra i due paesi. Il Bisonte ha inoltre da poco creato il suo shop online. On the occasion of the celebrations for the 150th anniversary of Italy’s Unification, the Florentine brand Il Bisonte decided to support Japan after the recent tragic events. Wanny di Filippo chose to realise a handbag in vegetable tanned natural leather in the three colours of the Italian flag, on whose white

segment stand out the red disc of the Japanese flag, and a caption reading “ forza Giappone” (Forward Japan!). Japan is one of the most important markets for the historic brand of leather accessories, a country with something like twenty-two single brand Il Bisonte stores. As a token of solidarity with the Japanese population, Il Bisonte have decided to give Japanese visitors of their shop in Via del Parione, Florence, a nice tricolour key ring with the caption “ forza Giappone” (Forward Japan). The particular combination of the Italian and Japanese flags both on the small accessory and the exclusive tricolour bag clearly recalls the strong link between the two countries. Last but not least, Il Bisonte items are now also available through their recently created online shop. ilbisonte.com

A (FAKE) SNAKE IN THE BAG Lo scorso Aprile 2011 Freitag ha presentato la borsa Fake Snake e se non fosse per quel “Fake” (falso), a prima vista, potrebbe sembrare realizzata con la squamosa pelle del rettile. Chi conosce bene il marchio di Zurigo però non si farà ingannare. Il loro forte interesse per il riciclo ed il rispetto dell'ambiente, ha permesso all'azienda di ritagliarsi uno spazio unico all'interno del mercato degli accessori, grazie alla loro particolare produzione: tracolle, portafogli e zaini ricavati dai ritagli di teloni dei camion e dalle cinture di sicurezza delle auto. Mescolando questa filosofia a

with their creativeness they have been able to show that one doesn’t have to use a real snake to make a “snakeskin bag”. freitag.ch

PULSE OF THE CITY basso impatto ambientale ad un po’ di ingegno sono riusciti a dimostrare che forse non serve un vero serpente per fare una “borsa di serpente”.

Range Rover si sta misurando su tutti i terreni. Per prima co-

Last April 2011 Freitag presented their Fake Snake bag, and, but for “Fake”, it might really seem realised out of a snake’s scaly skin. Those who are well-acquainted with the Zurich-based brand can’t be deceived, though. Their strong interest for recycled materials, together with an environmental friendly attitude and the special items they manufacture have enabled the Firm to find a unique position in the market of accessories: shoulder bags, wallets and knapsacks obtained from cuttings of lorry tarpaulins and cars’ safety belts. By merging this low-impact philosophy sa ha realizzato la Evoque, tra le loro produzioni quella più rispettosa dell’ambiente. Poi ha ideato un progetto “Pulse of the city”, e chiamato 40 artisti, provenienti da campi artistici differenti: musicisti, registi, designer e stilisti. Ognuno di loro si è mosso all’interno di alcune delle più importanti città (Milano, New York, Berlino, Parigi, Londra, San Paolo, Madrid, Shangai,

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Sydney e Mosca) guidando la nuova vettura nella propria città di appartenenza. Grazie a un’applicazione su iPhone e Android essi vengono geolocalizzati, consentendo a chiunque di seguire i loro spostamenti e di leggere i commenti sui luoghi che hanno visitato. Le carrozzerie delle loro auto vengono decorate graficamente sulla base della mappa della città, diventando un tutt’uno con il territorio di appartenenza dei loro drivers.

Range Rover are accepting unprecedented challenges. They first realised Evoque, their most environment-friendly product. Then they worked out a project, “Pulse of the City”, and summoned

40 artists from different fields: musicians, film directors, designers, and stylists. Each of them was given the task of driving across his own city (among others Milan, New York, Berlin, Paris, London, Sao Paulo, Madrid, Shanghai, Sydney and Moscow) on the new car. As they drive along, they are spotted thanks to a application for iPhone and Android, so that anybody can follow their movements and read their comments on the places they are visiting. The body of their cars is graphically decorated with a city map, and, as a result, each car becomes one with the territory its driver belongs to. helloevoque.com

THE LAST URBAN SCOUT

stessa storia, essendo ormai diventato un mito e un’icona radicata nello stile di vita americano. Dalle rapide discese in canoa all’asfalto delle città.

Il viaggio, la scoperta, l’avventura. Con queste tre parole possiamo definire lo spirito all’origine del Duluth Pack, accessorio che si sta affermando al di là del suo stesso utilizzo. Da semplice zaino, compagno di gite di migliaia di scout americani, a scelta moderna di stile, il Duluth Pack si presenta come un mix di ruvido canvas e praticità urbana. Un oggetto tecnico, che grazie alla sua particolare forma allungata, alla semplicità del dettaglio e alla praticità dei materiali, si sta rivelando come una borsa versatile, in linea tanto con un rinnovato sentimento folk americano, quanto con la storia di questo prodotto. Un classico che si conferma oltre alla sua

Travels, discoveries, adventure. Here are three words that define at best the spirit underlying Duluth Pack, an accessory which is achieving great success. The trip companion of thousands of American scouts, the Duluth Pack comes in rough canvass and proves practical in city life, a simple knapsack which involves a modern choice in style. Thanks to its lengthened shape, the simplicity of its details and the practical materials, this technical item has proved a versatile bag in line both with a renewed American folk feeling and with its tradition. As it continues its long history, this classic item is becoming a myth and an icon rooted in American lifestyle. From shooting rapids in a canoe to the tarmac of city streets. duluthpack.com

BURKMAN BROS Doug e Ben Burkman, canadesi, qualcosa che più che fratelli: gemelli. Dopo l’esperienza come designer a Gap, decidono di mettersi in proprio e di fondare un loro marchio. Un marchio che prima di essere un capo d’abbigliamento è un’idea, un modo di essere: <<se non lo indossiamo noi per primi, allora non lo creiamo>>. Da qui in poi inizia la loro esperienza, con la nascita di Burkman Bros nel 2009, una costante e sempre più decisiva scalata verso l’elite del abbigliamento casual. Capi di qualità che hanno come influenze correnti diverse, lo stile dei college americani tanto quanto le suggestioni dell’Oriente più colorato, India e Sri-Lanka in testa. Un modo per

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unire forme occidentali a colori e disegni orientali, puntando sulla versatilità delle trame e su uno spiccato gusto per l’esotico, tra il pop e l’etnico. Born in Canada, Doug and Ben Burkman are twin brothers, which amounts to something more than simple brothers. After working as designers with GAP, they decided to start a firm and create a brand of their own. A brand which embodies an idea and a mode of being before becoming an item of clothing. "We creating only items that we are willing to wear", as they say. Their experience started with the birth of Burkman Bros in 2009, a firm whose steady progress has made it prominent in the manufacture of casual clothing. High quality items influenced by the style of American colleges with hints from the most colourful Orient, starting from India and Sri-Lanka. A way of merging Western design with Oriental colours and patterns, focusing on the versatility of textures and on a strong taste for the exotic that combines pop and ethnic elements. burkmanbros.com

CARTA DA DIVANO Realizzato da Youlka Design e firmato da Malafor, il Blow Sofa è un oggetto che si fa apprezzare per più motivi. Prima di tutto il concetto che sta alla base di questo progetto. Realizzare un divano che sposti l’idea comune che tutti noi abbiamo sui sofà, cioè quella che debbano essere pesanti e ingombranti. Blow Sofa risolve questo problema grazie al kit di montaggio con il quale viene venduto, riuscendo a recuperare spazio quando non viene utilizzato. Com’è possibile questo? Rispondendo a questa domanda arriviamo alla seconda e più sostanziale caratteristica: esso è costituito da carta riciclata appositamente trattata. La duttilità di questo materiale permette al

Blow Sofà di essere sgonfiato e garantisce rispetto per l’ambiente.

BILLYKIRK

Realised by Youlka Design and designed by Malafor, the Blow Sofa is an item we can’t but appreciate for various reasons. First of all for the concept underlying this project: to realise a sofa relying on a new idea, different from the traditional one that sofas have got to be heavy and unwieldy things. Thanks to the assembly kit it is sold with, the Blow Sofa solves this problem and enables us to recover space when the sofa is not used. The second and more relevant feature is that the sofa is made of specially treated recycled paper. The Blow Sofa can be deflated thanks to the elasticity of a material which is ecologically sustainable and environment friendly. youlkadesign.fr

Chris e Bray Kirkland producono in maniera artigianale, da oltre dieci anni, accessori in pelle con il marchio Billykirk. Sono nati e cresciuti a Memphis, nel Tennesse e ben presto hanno imparato il valore della tradizione e delle lavorazioni di un tempo. L’ottanta per cento della loro collezione viene infatti realizzato a mano dai migliori artigiani di una comunità Amish della Pennsylvania. L’utilizzo di procedimenti manuali e l’impiego di strumenti antichi sono il tratto distintivo di Billykirk. Lo stile di vita degli Amish e il background culturale dei Kirkland si riflettono sulla collezione di accessori. Più vicine al passato che ai nostri giorni, i loro modelli sono espressione di un perfetto equilibrio tra ricerca di pellami d’alta qualità e lavorazioni tradizionali, in piena contrapposizione con i ritmi frenetici della moda contemporanea. Chris and Bray Kirkland have manufactured for over ten years handmade leather accessories labelled Billykirk. Born and bred in Memphis, Tennessee, they soon understood the value of tradition and production techniques of long ago. In fact, eighty per cent of their collection is made by hand by the best craftsmen of an Amish community in Pennsylvania. Billykirk’s distinctive features is the use of manual techniques and ancient instruments. The lifestyle of the Amish and the cultural background of the Kirkland are reflected in the collection of accessories. Closer to the past than to our days, their models combine high quality leather and traditional working techniques

and are in sharp contrast with the frantic rhythm of contemporary fashion. billykirk.com

DRIFT EYEWEAR Drift Eyewear nasce dal tentativo di unire qualità e evoluzione tecnologica dei materiali con uno spirito di consapevolezza ecologica. La particolarità di questo prodotto è l’elemento sul quale esso è costruito: il legno, che definisce l’anima di questi occhiali, la loro resistenza e versatilità. Le striature rendono il corpo di questi oggetti unici, eleganti e discreti nonostante la loro spiccata originalità. Sono realizzati a mano e sviluppati attorno a un processo produttivo che

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Da Portland, Oregon, costa ovest degli Stati Uniti, arrivano queste borse che fin dal nome descrivono il proprio status. Zaini, tracolle e "panieri" per coloro che amano spostarsi in bicicletta e che di questo mezzo fanno una vera e propria filosofia di vita. Il concetto attorno al quale si struttura questo marchio è da ricercare nella qualità dei materiali e della loro lavorazione, nella finitura dei dettagli e nella sobrietà di cuciture e fibie. Le pelli e i componenti utilizzati provengono esclusivarichiede più fasi di lavorazione, anticipato da un’attenta selezione del legno. Il marchio è creato dal designer americano Chris Mantz, il quale è riuscito a fondere uno stile dal sapore retrò con le tendenze più moderne. Drift Eyewear was born from the attempt to combine quality and technology in the use of materials with ecological awareness. The special character of this product derives from wood, the material it is made of, the soul of these glasses that accounts for their strength and versatility. The roe in the frame of these unique glasses makes them elegant and discreet despite their great originality. Their hand made production requires several processing stages that follow the careful selection of wood. The brand is the creation of the American designer Chris Mantz who has managed to merge retro nuances and a very updated style. drifteyewear.com

PHILOSOPHY BAGS

These bags, whose essence is illustrated by their very names, are manufactured in Portland, Oregon, on the west coast of the USA. Knapsacks, strap bags and hampers for people who love travelling by bicycle, the basic element in their lifestyle philosophy. The main elements the brand relies on are the quality of materials, the accuracy in production, the perfect finish of details, and the simplicity of seams and buckles. The leather and the other components they use come exclusively from local firms, in compliance with their “ farmers’ market philosophy”. The fact that the bags are made of soft, light materials involves a quite reasonable increase in weight of a bicycle, so that a cyclist can bring along all the bags contain after parking his bike. philosophybags.com

VOLLEY SHOES

mente dalle aziende locali, come dicono loro: “farmers’ market philosophy”. La duttilità e la leggerezza di questi materiali non appesantiscono eccessivamente la bicicletta e permettono al ciclista di portarsi tutto con sé, una volta sceso dalla due ruote.

Le Volley Shoes sono un modello sviluppato dalla divisione sportiva della Dunlop, marchio conosciuto per la propria leadership nel mondo dei pneumatici, delle corsa e del tennis. Queste scarpe hanno una storia che affonda le proprie radici nel 1939, quando il tennista e impiegato della Dunlop, Adrian Quist, propose all’azienda di realizzare questa scarpa costituita

then been chosen to complete the uniform of the Australian national team at next London Olympic Games in 2012. volley.com.au

SWIM-OLOGY da una suola di gomma che permetteva agli sportivi di mantere un’aderenza maggiore durante le azioni di gioco. Negli anni le Volley Shoes sono gradualmente scomparse dal commercio, per tornare alla ribalta nel Marzo 2011. Prima con una nuova linea, che riprende il modello storico e lo attualizza, e poi con l'inserimento delle scarpe nell’uniforme della nazionale australiana alle Olimpiadi di Londra 2012. Volley Shoes are a model developed by the sports division of Dunlop, renowned as a leading brand in the world of tyres, races and tennis. The history of these shoes must be traced back to 1939 when Adrian Quist, a tennis player and an employee of Dunlop’s, put forward the proposal to realise shoes with a rubber sole that enabled athletes to have a good grip on the ground while playing. Over the years, Volley Shoes have gradually disappeared from the market to reappear on the scene in March 2011 when a new line was presented to re-edit and update the historical model. The shoes have

"Swim-ology" è un termine intraducibile ma capace di rendere perfettamente tutto ciò che ruota attorno al mondo della spiaggia. Il marchio francese si ispira ad un immaginario preciso, quello estivo e nasce dalla sensazione che si prova quando ci si trascorrono le giornate con gli amici sulla spiaggia, in libertà, lontano da ogni quotidiana preoccupazione. Swim-ology è una linea di costumi da bagno in grado di recepire questo desiderio di libertà e declinarlo in un prodotto confortevole e stilisticamente interessante. E dunque non semplici pantaloncini da mare ma il tentativo riuscito di catturare lo spirito di un’epoca, quella dell’America degli Anni '50 e '60 per tradurlo in capi sportivi, a metà strada tra il sapore di un tempo e i

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materiali moderni. Alcuni esempi di questo connubio sono il bottone in vita, la vestibilità classica e al tempo stesso l'introduzione di texture moderne (come la selezione di teschi in diverse forme e colori). Swim-ology è destinata dunque a raggiungere un target molto ampio di pubblico: dall’adulto che cerca un costume maturo ed elegante al ragazzo che vuole vestire un vintage contemporaneo.

The word “Swim-ology” is hard to translate as it stands for all that has to do with seaside life. The French brand draws inspiration from the summer world and embodies the sensations we feel while on the beach with our friends, in total freedom, far from our daily troubles. Swim-ology is a line of comfortable, stylish bathing costumes that have the power to capture our desire for freedom. Far from being simple sea shorts, the costumes successfully embody the spirit of an age, the American Fifties and Sixties, sports items that combine a vintage taste with modern materials. Some examples of this combination are the button in the waistline, a classic fit and the introduction of modern patterns (like the selection of skulls in different shapes and colours). Swim-ology items, therefore, are targeted at a wide range of clients: from adults looking for an elegant, inconspicuous bathing costume, to young boys who want to wear an updated vintage item. swim-ology.com

TAIMOSHAN CYCLE WORKS Taimoshan Cycle Works è un’azienda con sede a Cardiff, fondata da John Pellew un appassionato di moto e di design applicato alle due ruote. Nata da pochi mesi, ma già con buone credenziali nel settore, la Taimoshan Cycle Works si contraddistingue per uno stile che ingloba al suo interno ricercatezza vintage e tecnologia all’avanguardia. Attingendo dal passato ma con uno sguardo rivolto al futuro, le creazioni assumono un look

the mechanical parts, and greatly reduces the bodywork. The strength of our age merged with the grit of the old school in a product which, by its very nature, surpasses the concepts of time and space. taimoshancycleworks.com

UCUBE di energia dalla vostra fonte primaria. Le dimensioni poi sono veramente contenute: alte quindici centrimentri e larghe otto centrimetri. Infine lo stile inconfondibile, influenzato dall’estetica del celebre Cubo Brionvega, riprende linee essenziali e retrofuturistiche che svolgono al meglio il loro ruolo di elemento di arredo.

legato all’estetica steampunk: essenzialità, la sezione meccanica che viene posta in evidenza, la carrozzeria che al contrario è ridotta ai minimi termini. La potenza della nostra epoca fusa con la grinta della vecchia scuola, in un prodotto che per sua stessa natura travalica il concetto di tempo e di spazio. Located in Cardiff, Taimoshan Cycle Works was established by John Pellew, a lover of motor cycles and of design applied to such vehicles. Born a few months ago, Taimoshan Cycle Works immediately became renowned for the style it created, its vintage elegance and innovative technology. Drawing on the past but looking to the future, The style of its creations draws inspiration on the past but looks to the future, and is linked to steam-punk aesthetics in that it is essential, emphasises

Se cercate dei diffusori da collegare al vostro laptop, qualcosa di trasportabile, potente e stilisticamente impeccabile, le casse usb prodotte dalla Ucube sono l’articolo giusto per voi. 15 watts di potenza, senza distorsioni del suono o riverberi. Per quanto riguarda la portabilità hanno un grande pregio: non hanno bisogno di un alimentatore, basta collegarle al proprio computer e grazie alla funzione DSP riescono a controllare il consumo

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PREMIUM YOUNG DESIGNERS AWARD SS 2012 Fondato nel 2005, il Premium Young Designers Award, è uno dei concorsi più importanti per i fashion designer emergenti. Organizzato e promosso da Premium International Fashion Trade Show, il contest è suddiviso in tre categorie: abbigliamento uomo, donna e accessori. Il 5 luglio 2011, in occasione della scorsa edizione di Premium Exhibitions Berlin, sono stati premiati i tre vincitori del P.Y.D.A. presso lo store F95 di Berlino. Karlotta Wilde per la categoria womenswear, Marc Stone per la categoria menswear e Vonschwanenflügelpupke per gli accessori. Le collezioni vincitrici sono state esposte dal 6 all’8 luglio presso Premium Berlin mentre dal 1 al 16 luglio, sempre a Berlino presso Galeries Lafayette, è stata esposta una selezione dei capi realizzati dai vincitori (Liebig, Sleep is Commercial and Maripossa) della precedente edizione che hanno visto le loro creazioni presentate nella vetrina che si affaccia sulla Französische Strasse.

TOKYO GOES BERLIN La catastrofe che ha colpito il Giappone nel Marzo 2011 ha impedito lo svolgimento della Tokyo Fashion Week. A sostegno di stilisti e designer giapponesi, è stato dunque istituito il

Started in 2005, Premium Young Designers Award is one of the most important contests for up-and-coming fashion designers. Organised and promoted by Premium International Fashion Trade Show, the contest is subdivided into three sections: men’s wear, women’s wear and accessories. On July 5, 2011, during the latest edition of Premium Exhibitions Berlin, the three winners of P.Y.D.A. were awarded a prize at Store F95, Berlin: Karlotta Wilde for women’s wear, Marc Stone for men’s wear, and Vonschwanenflügelpupke for accessories. The winning collections were on display from 6 to 8 July at Premium, Berlin. From 1 to 16 July, at Galeries Lafayette Berlin, a selection of the items by the winners of the previous P.Y.D.A (Liebig, Sleep is Commercial and Maripossa) was on show in the windows on Franzosische Strasse. premiumexhibitions.com

“Tokyo Gakudan”, gruppo che raccoglie i rappresentanti delle diverse aree creative come la moda e l'industrial design per promuovere progetti benefici. Sponsor principale di Tokyo Gakudan è Premium Exhibitions che in occasione dell'edizione estiva della fiera (6-8 Luglio 2011) ha ospitato su un intero piano le creazioni di ben trenta designer giapponesi.

Due to the disaster that hit Japan in March 2011 Tokyo Fashion Week was cancelled. Created to support Japanese stylists and fashion designers, “Tokyo Gakudan” is a group that includes members from various creative fields such as fashion and industrial design whose aim is to realise aid projects. Tokyo Gakudan’s main sponsor is Premium Exhibitions who, on the occasion of the summer edition of the exhibition (July 6-8, 2011), offered the space of an entire floor to host the creations of more than thirty Japanese designers. premiumexhibitions.com

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Lazzari sas | Via Paris Bordone, 14/16 31100 Treviso – Italy | T +39 (0)422 598733 F +39 (0)422 545456 | www.lazzariweb.it Visit our new On-line Shop at: www.lazzariweb.it/shop

MUG MAGAZINE Yearly magazine, issue n°21, year XI, July 2011. Registrazione presso il Tribunale di Treviso n°1141 del 26 Settembre 2001. Via Paris Bordone, 14 31100 Treviso – Italy Tel.: +39 (0)422 598564 Fax: +39 (0)422 545456 info@mugmagazine.com mugmagazine.com Direttore registrato/ R EGISTERED DIRECTOR Mara Bisinella Caporedattore/M ANAGING EDITOR Alessandro D’Annibale Impaginazione/GRAPHIC LAYOUT Matteo Lorenzi – ffffffever ffffffever.com Luca & Nicola Facchini – UbisThree ubth.it Fotografo showcase/ SHOWCASE PHOTOGRAPHER Lino Vecchiato linovecchiato.it Fotografo copertina/ COVER PHOTOGRAPHER Italo Lazzari francescorachello.com Testi/T EXTS Alessandra Bortoletto Paolo Vitale Sebastiano Loni Davide Parpinel

Alessandro D’Annibale Corrispondenti/CORRISPONDENTS Reiko Hanafusa (Tokyo) Traduzioni/T R ANSLATION Mario Crosato Sheila Moynihan Testi/T EXTS MUG #1-2-3-4 Mauro Mongarli Fotografi/PHOTOGRAPHER MUG #1-2-3-4 Andrea Pancino, Luca Facchini Stampa/PRINTING Grafiche Antiga graficheantiga.it

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Lazzari (Treviso), Sugar (Arezzo), Penelope (Brescia), Papete (Riccione), Jana (Torino), Biffi Boutique (Milano e Bergamo), 10 Corso Como (Milano), Sbaiz Spazio Moda (Lignano Sabbiadoro), Top Ten (Torino), Tad Concept Store (Roma), Tessabit (Como), H Lorenzo (Los Angeles), Mameg (Los Angeles), Atelier New York (New York), Isetan Men (Tokyo), L’Eclaireur Paris (Parigi), Dover Street Market (London), Lift (Tokyo), 10 Corso Como Seoul (Seoul), San Carlo (Torino), Hostem (London). Pitti Immagine Uomo (Firenze), White (Milano).

INTERNATIONAL FASHION TRADE SHOW BERLIN JULY 6– 8, 2011 STATION-BERLIN, LUCKENWALDER STRASSE 4–6 10963 BERLIN

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— MUG

OUR HISTORY Alcune date sono portatrici di un forte valore simbolico, per motivi diversi una dall’altra. Spesso servono a comprendere se si è riusciti a raggiungere gli obiettivi che ci si era prefissati… talvolta diventano occasioni per fare bilanci e valutazioni. Prima di riprendere il nostro cammino, a 10 anni dalla nascita di Mug, vogliamo voltarci a guardare indietro. Posiamo lo sguardo, insieme a voi, sui nostri “passi” più significativi: gli store internazionali che abbiamo visitato (spesso in occasione della loro apertura), i designer emergenti e affermati di cui vi abbiamo raccontato la storia, i capi e gli accessori che abbiamo analizzato attraverso le aziende che li hanno resi grandi. Uno dopo l’altro, riassaporeremo i contenuti salienti delle diverse uscite del magazine, con la consapevolezza del tempo trascorso. Come un contenitore di stimoli diversi, raccolti intorno al mondo, questo magazine è nato. Come una mug dal manico in ceramica, colma di liquido bollente, ci ha saputo tenere a debita distanza, per non farci scottare.

There are dates which, for different reasons, take on a deep symbolic value. They often enable us to understand whether we were able to achieve the targets we had set… or draw a balance and make assessments. Ten years after Mug was first issued, before we resume our work, we would like to take a backward glance at the most significant events in our activity: the international stores we visited ( mostly on the occasion of their inaugural opening), the up-and-coming or successful designers we told our readers about, the items and accessories we examined when presenting the firms that made them renowned. We will review the main contributions to Mug’s various issues, with the awareness that a long time has passed. Our Magazine was born as a container for different and stimulating items and events from all over the world. Like a china mug, filled to the brim with a boiling-hot drink, Mug helped us look at them from a distance and enabled us to do our best to make correct assessments.

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— BACK IN THE DAYS

MUG MAGAZINE ANNO 1 NUMERO 1

Il debutto del magazine è stato segnato dall’inaugurazione del nuovo Spazio Lazzari, nel 2001. Lo storico negozio di Treviso muoveva allora dalla sede originaria del Calmaggiore alle suggestive Canoniche Nuove: una casa-torre romanica del XIII° secolo nel cuore della città, un luogo adesso, come allora, capace di “sostituire aggettivi con emozioni”. Imparavamo allora a parlare il linguaggio fisico-mentale di Martin Margiela, ci stupivamo di fronte alle sue decostruzioni avanguardistiche capaci di dare nuovo significato agli abiti attraverso la sartorialità, la non serialità, la provocazione. The Magazine’s debut coincided with the opening of the new Lazzari Space in 2001, when the historic Treviso store moved from its original Calmaggiore premises to the evocative Canoniche Nuove, a Romanesque-style XIII century tower-house in the heart of the city, a place whose power lies in calling forth emotions rather than suggesting adjectives. In those days we were at outs with Martin Margiela’s physical-mental language, and were amazed at his avant-garde de-constructions that could give clothing a new meaning by abolishing serial production through his provocative sartorial craftsmanship.

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— BACK IN THE DAYS — MUG MAGAZINE NUMERO 1 — DESIGNER

MARTIN MARGIELA: BODYMINDLANGUAGE

Martin Margiela frequenta dal 1977 al 1979 l'Accademia Reale di Belle Arti di Anversa. Dall'84 all'87 lavora come Design Assistant per Jean Paul Gaultier. Nel 1988 fonda a Parigi, con Jenny Meirens, la Maison Martin Margiela, e nello stesso anno viene presentata la prima collezione donna. Le collezioni fanno conoscere Margiela, che in breve diventa molto apprezzato per le sue idee creative. Intorno al 1994, in Giappone è già una star di prima grandezza. Nel 1996 comincia a farsi notare anche in Italia, partecipando alla Biennale di Firenze, al Museo Bardini. Nel '97 l'etichetta completamente bianca che distinguiva i capi della maison si ricopre di numeri da zero a 23. D'ora in poi, un circoletto intorno ad un numero indicherà quale parte del lavoro di Margiela l'etichetta indica: 0 per la collezione Artisanal, 6 per il basic donna, 10 per l'uomo, 22 per le calzature, 13 per oggetti e pubblicazioni. Ovviamente, altri numeri saranno evidenziati con il crescere dei progetti realizzati. Nel '98, a Parigi, presentazione della prima collezione pret-a-porter di Hèrmes disegnata da Martin Margiela. Nello stesso anno, a Milano, ha luogo la presentazione della prima collezione uomo della maison. Nel 1999 Margiela fonda una collezione donna da vendere per corrispondenza via catalogo 3Suisse, in Francia e nel Benelux. Sulle etichette, il numero evidenziato è il 15. Nello stesso anno un libro celebra le prime venti collezioni della Maison Martin Margiela. Nel 2000 Margiela, con il suo ri-utilizzo di abiti usati, il suo non mettere griffe e la creatività nell'uscire dagli schemi, viene indicato come

Articoli e immagini tratte dall'uscita numero 1 di Mug Magazine - Settembre 2001 / Articles and images from the issue #1 of Mug Magazine - September 2001

stilista antiglobal per eccellenza: alcuni si sono spinti a definire la linea Artisanal come un simbolo contro la produzione industriale. Con la nostra Mug bella fumante in mano pensiamo che, pur distanti anni luce per approccio creativo e clientela, le sorelle Fontana, Caraceni e Margiela, leggendo tanto genio, avranno scosso la testa sorridendo nello stesso, identico modo. Con ogni sua collezione, Martin Margiela sorprende per la creatività espressa come per l'interiore coerenza che la anima. Il suo procedere, anno dopo anno, sembra svelare lentamente un progetto che sembra già definito nei minimi particolari. Molti sono i dettagli che alimentano questa impressione: i numeri che identificano le diverse attività della maison, fermati a 23 con ancora così tante cifre da scoprire; l'utilizzo delle stesse modelle dalla prima sfilata; il numero tre che regola praticamente ogni dettaglio dei capi che, fuor di taglia, hanno tre lunghezze, tre pesi, tre tagli di gamba e di collo disponibili e così via. Artista concettuale Margiela, allora, ma mai fine a se stesso: lo dice soprattutto la cura dei dettagli sartoriali, di eccellente livello anche nei capi della linea 0, o Artisanal, che porta il reworking di capi usati a livelli impensati. Tutto diventa utilizzabile come modulo visto con occhi di un altro luogo, dove il vestire sia qualcosa da reinventare completamente giorno dopo giorno. Nascono così dei top donna fatti di vecchi guanti cuciti, cravatte usate come spilla, t-shirt che vedono spuntarsi maniche di camicia. Lo stile di Margiela ha scisso l'atomo delle regole dell'abbigliamento in modi ai limiti del filosofico: cosa pensare altrimenti di quei

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capi di un guardaroba da bambola, realizzati a misura d'uomo rispettando il taglio esatto e le sproporzioni? Le collezioni Margiela ora in boutique confermano le misure super large con un gusto grunge-western dai toni caldi. Da notare gli abiti formati pannelli in tessuto con finiture e dettagli presi dall'abbigliamento tradizionale, quelli avvolti in tulle e la consueta, ma sempre nuova, destabilizzazione delle misure "interne" all'abito: lunghezze e tagli particolari instillano dubbi, ad esempio, su gonne che l'occhio ingannato vede allungarsi a vestito intero. Intrigante infine la serie d'abiti dove il volume "abitabile" si riduce per mezzo di una riga di cuciture all'altezza di una spalla, di modo che parte del collo e della linea delle spalle finisca sulla parte posteriore del vestito. Martin Margiela conferma quindi (ma non c'erano dubbi) il suo essere uno stilista concept-no concept, più che un no logo secondo le più recenti accezioni. Le sue idee si esprimono attraverso un sistema di segni che sembrano parlare direttamente al corpo come entità a sè, seppur parte di un essere umano, con un rispetto per entrambi che sa di libertà espressiva contagiosa e illuminante.

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Martin Margiela attended the Royal Academy of Fine Arts at Antwerp from 1977 to 1979. From 1984 to 1987 he worked as Design Assistant for Jean Paul Gaultier. In 1988 in Paris he established the Maison Martin Margiela with Jenny Meirens, and in the same year he presented his first women’s collection. Margiela made himself known and appreciated for his collections and creative ideas. By 1994 he was already a top star in Japan. In 1996 his renown spread to Italy where he took part in the Biennale of Florence, held at the Museo Bardini. In 1997 the totally blank labels on the Maison’s clothing started bearing numbers from 0 to 23, and from then on each of them has stood for Margiela’s various collections: 0 for the Collection Artisanal, 6 for women’s basic, 10 for men’s, 22 for footwear, 13 for objects and publications.Obviously, the more projects are carried out, the more numbered labels will follow. In 1999 Hermes’s first ready-to-wear collection designed by Margiela was presented in Paris; in the same year

the Maison’s first men’s collection was presented in Milan. In 1999 Margiela created a women’s collection to be sold by mail order through the 3 Suiss catalogue in France and Benelux. The label number was 15. In the same year a book celebrated the Maison’s first twenty collections. In 2000 Margiela, with his recycling of used clothes, his refusal of designer labels and his unconventional creativity, was defined as the true anti-global stylist, so much so that some have defined the Artisanal line as a symbol against industrial production. Holding our nice steaming mug we feel that, despite differences in their approach to creativity and the market, the Fontana sisters, Caraceni and Margiela may have shaken their heads in the same way and smiled at such pundits’ statements. Each of Margiela’s collections is a surprise for the creativity it expresses and the coherence that pervades it. His progress, year after year, seems to slowly disclose a project that seems pre-defined in the smallest details: the ever-increasing label numbers, the

employment of the same models show after show; the number three characterising every detail of items which have three lengths, weights, leg and neck cuts available, and so on. A conceptual artist, Margiela is never prone to conceptualism, as is proven by his sartorial details, which are excellent even in the items of line 0, or Artisanal, whose reworking of used clothing reaches new heights. Clothing is something to be reinvented day after day, hence every material can be employed, provided it is considered in a different light. So old gloves are sewn into women’s tops, ties are used as brooches, T-shirts put forth shirt sleeves. Margiela’s style has broken clothing conventions in ways that border on the philosophical. Margiela collections now on display come in super large sizes and are characterised by warm grunge-western tones. Absolutely striking are the remakes of used items, with finishing and details taken from traditional clothing, those wrapped in tulle and the customary, ever new destabilisation of the inner measurements: particular lengths and cuts in skirts which tricks the eye into perceiving long dresses. Finally, the intriguing collection of dresses whose inner volume is reduced by a line of sewing at the level of one shoulder, which, so contrived as to make part of the neck and shoulder line, end up on the back of the dress. Martin Margiela is undoubtedly a concept –no concept rather than a ‘no logo’ stylist. His ideas are expressed through a system of signs that seem to directly involve the body per se, albeit a part of the human being, with a respect for both that suggests a contagious and illuminating expressive freedom.

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NIENTE AGGETTIVI, PLEASE.

Lazzari ha ora un nuovo spazio in pieno centro storico a Treviso. Che sia nuovo lo dicono i biglietti da visita, la carta intestata, i dovuti avvisi, presto l'elenco del telefono. Che sia uno spazio che poco si adatti a qualunque altro aggettivo, è un altro dato di fatto. Si trova nel complesso delle Canoniche Nuove, una casa-torre dei primi anni del tredicesimo secolo, che ospita al primo piano la Biblioteca Capitolare, ricca di antichi manoscritti, codici musicali, documenti risalenti fino al 1135 e buona parte dell'archivio storico della città di Treviso. Difficile chiamare "nuovo" uno spazio simile; facile per Lazzari capire al volo il suo spirito e vederlo perfettamente in tono con il suo, fuori dalla banalità di un certo presente, dentro le espressioni dell'essere. Infatti, lo spazio di via Paris Bordone si è fuso subito con l'anima che distingue il dress design proposto da Lazzari negli ultimi trent'anni. Le arcate romaniche che danno sul cortile illuminano i locali di luce naturalmente soffusa, gli alti soffitti danno solennità al luogo e al rito di indossare la propria personalità, scegliendo con cura da influenze e spunti raccolti in tutto il mondo. Lo spazio Lazzari comprende un cortile, del quale è stato rispettato il fascino originale, e che presto sarà aperto al pubblico, con musica diffusa e caffetteria - occasione di incontro e di bellezza per la città. Se vi viene in mente qualche bell'aggettivo per tutto ciò, è perché non siete ancora venuti a visitare Lazzari alle Canoniche Nuove, e non vi siete ancora resi conto di come uno

Articoli e immagini tratte dall'uscita numero 1 di Mug Magazine - Settembre 2001 / Articles and images from the issue #1 of Mug Magazine - September 2001

spazio possa solo esistere ed appagare, senza nessun aggettivo in più. ROOMSHOW! Lo spazio Lazzari delle Canoniche Nuove è diviso in diverse aree. Quella per l'abbigliamento e gli accessori è studiata per variare secondo lo spirito delle collezioni ospitate, per mezzo di accorgimenti di luce e l'utilizzo di divisori in tela. Vi è un'area per l'oggettistica domestica, con collezioni da tutto il mondo. Novità per Lazzari, poi, è l'introduzione di linee di prodotti per la cura del corpo, in particolare essenze naturali. Considerando che lo spazio nella sua interezza viene utilizzato anche come galleria d'arte (vedi a parte), sarà facile immaginare lo spazio Lazzari come luogo di incontro con se stessi e gli altri, dove la valorizzazione di stilisti emergenti e l'offerta di griffes consolidate in un ambiente dedicato non sia una semplice questione di "sintonia commerciale" con la clientela, ma rappresenti/proponga gesti, segni e rapporti coinvolgenti l'intera sfera della personalità.

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Lazzari now have a new space in the heart of the city of Treviso. Visiting cards, headed note-paper, notices, flyers and the phone book, emphasise it is ‘new’, therefore any other adjective is hardly needed. It is located in the Canoniche Nuove, an early XIII century mansion tower with the chapter Library on its first floor, containing a wealth of ancient manuscripts, musical codices, documents dating from the late Middle Ages and a good share of Treviso’s historical archives. It is hard to call ‘new’ such a place, yet it was easy for Lazzari to get into its spirit and imagine it in unison with their own spirit, above certain present-day trivialities, a chance for one’s personality to express itself. In fact, the space in Via Paris Bordone has immediately become one with the spirit that characterises the fashion Lazzari have presented over the past thirty years. The Romanesque arches looking out on to the yard let into the halls soft natural sunlight; the high ceilings add solemnity to the place and to the rite of enriching and developing one’s own personality. Brought to new life by Lazzari, the Canoniche Nuove aims to become a centre for research; ideas and concepts take their cues from clothing, perfumes, tastes, sounds, furnishing, art and cultural contrasts from all over the world, and are proposed as personal aesthetic enrichment. In the Lazzari space it will be easy to substitute adjectives with emotions. ROOMSHOW! The Canoniche Nuove is laid out in various areas, which have all been planned so as to adapt their aspect to the spirit of the collections or activities each of them is going to hold. Free-standing counters, modular elements, flexible lighting, cloth

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partitions are only a few of the structural devices planners have fitted in. Besides the wide areas devoted to clothing, there is one for household objects, with collections from all over the world. Something new for Lazzari is the introduction of lines for the body care, natural essences in particular. A world of concrete emotions and sensations that accompany visitors through the halls and yard. The whole space is also used as an art gallery, hence its peculiar flavour of cultural meeting point, where emerging stylists’ and designers’ clothes are displayed not simply to meet customers’ demands, but as signs and relationships involving the whole of their taste.

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— BACK IN THE DAYS

MUG MAGAZINE ANNO 2 NUMERO 2

Il “protagonista” della seconda uscita di Mug è stato invece Carol Christian Poell, designer austriaco dall’approccio industriale, la cui ricerca parte dai tessuti, dai materiali per dare forma e superficie al corpo. Lo store aretino di Beppe Angiolini, Sugar, è invece il secondo multibrand ad essere apparso sulla rivista mentre veniva inaugurata la rubrica showcase: uno speciale approfondimento dedicato ogni numero ad un prodotto diverso e alle più importanti aziende produttrici. È la scarpa “sportiva” a finire per prima sotto la lente d’ingrandimento: Nike, Spring Court, Yohji Yamamoto per Adidas… Mug’s second issue focused on Carol Christian Poell, the Austrian designer whose industrial approach involves research on fabrics and materials to give the human body new forms and lines.Sugar, Beppe Angiolini’s Arezzo store, was the second multibrand store we illustrated in the magazine, while a new showcase was started, a special feature that each issue devoted to different products and the most important manufacturers. It was sports footwear that first ended up under Mug’s magnifying lens: Nike, Spring Court, Yohji Yamamoto for Adidas…

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— BACK IN THE DAYS — MUG MAGAZINE NUMERO 2 — STORE

FABRIC IS THE MESSAGE

Carol Christian Poell è nato a Linz, Austria, nel 1966. «Poiché non sono così giovane spesso non capisco cosa succede». Ha frequentato la scuola di moda e design a Graz, la scuola di sartoria Michelbeurn a Vienna, la Domus Academy a Milano. «Ho studiato a Milano poiché ero interessato ad un tipo di apprendimento diverso dopo i miei studi sartoriali in Austria». La prima collezione per uomo sempre con un'immagine più emancipata rispetto alla collezione donna firmata Carol Christian Poell è stata presentata per l'autunno/inverno 1996, mentre la prima collezione donna sempre con un'immagine più ristretta rispetto alla collezione uomo è stata presentata per l'autunno/inverno 1999. Artista incline all'espressione della sua interiorità, Poell ha un approccio più simile a quello del designer industriale che a quello del creatore di moda. L'attenzione è rivolta principalmente al tessuto, al suo quasi "contenere" forme, superfici e idee. Pur rifuggendo quella che lui chiama la "glamourizzazione" della moda e dei suoi creatori una sfilata è teatro ed allontana l'attenzione, le sue presentazioni lasciano sempre il segno per originalità e capacità espressiva. Ricordiamo qui la presentazione avvenuta in tre celle frigorifere di un macello, una con i capi, una con uno specchio e la terza con corpi di animali morti ricoperti di garza, quella con i modelli in piedi nelle gabbie di un canile e quella della primavera/estate 2002, che ha messo in opera una fuga dei modelli dalle finestre della sede della maison. Casuale… difettosa… ironica… strana… quanti creatori di moda sceglierebbero questi aggettivi per definire la

Articoli e immagini tratte dall'uscita numero 2 di Mug Magazine - Gennaio 2002 / Articles and images from the issue #2 of Mug Magazine - January 2002

loro collezione? Carol Christian Poell lo fa, e ciò sgombera la mente da approcci sbagliati al suo lavoro. Poell ama la tradizione, i dettagli sartoriali ma tutto il suo lavoro gravita intorno al tessuto, punto di partenza di tutto. Il tessuto, nelle sue creazioni, va vissuto con tutti e cinque i sensi, viene sviscerato in ogni sua caratteristica tecnica per ottenere da lui tutto l'ottenibile in termini di vestibilità ed originalità espressiva è un peccato che certi tessuti del passato siano ritenuti troppo difficili e costosi per essere riprodotti oggi. Con il suo lavoro Poell, di primo acchito, può sembrare intenzionato a sorprendere, a spiazzare: scarpe ortopediche senza suola, strappi, volumi prenatali, pullover in intestino di maiale, cappelli senza testa, finte patte aperte applicate ai pantaloni. In realtà è facile notare come operi in modo sistematico una decontestualizzazione che, se da un lato anticipa tendenze e gusti, dall'altro rende evidente un presente velato da convenzioni che quando non sono vecchie e fruste sono false. I suoi animali ricoperti/rivestiti di garza non sono forse, a loro modo, un estremo tentativo di fissare il dolore della morte, ricreando in modo sterile una parvenza di toccabilità, di sensorialità? Abiti ed accessori mantengono funzionalità ed estetica codificabili, ma portano con forza a riflettere su come spesso non si vogliano vedere cambiamenti evidenti che ci toccano nel profondo, e fluidamente presenti nel nostro quotidiano.

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Carol Christian Poell was born in Linz, Austria in 1966. ("As I am no longer so young I often do not understand what happens"). He attended the fashion and design school in Graz, the Wien Michelbeurn fashion school, and the Domus Academy in Milan. "I decided to study in Milan because, after my fashion studies in Austria, I was interested in trying different learning methods". Poell showed his daring inventiveness in the 1966 first men’s collection, and a more poised aspect of his creativeness in the 1999 first women’s collection. Poell’s approach to fashion is the mark of an industrial designer rather than that of a fashion creator; his attention is mainly devoted to fabrics, as if they were the containers for forms and ideas, and the utterance of his inner self. Although he shuns fashion glamorization - a fashion show is a performance and may offer a blurred vision of creations Poell’s works never fail to attain originality and a high degree of expressiveness. Suffice it to remember the shows he set up in three freeze rooms~of a slaughterhouse, where he displayed his items, a mirror and the carcasses of animals covered with gauze; in another show models stood inside the cages of a kennel, whereas in the spring-summer 2002 exhibition models escaped through the maison’s windows. Casual… faulty… ironical… bizarre… how many fashion creators would choose such adjectives to define their collections? That is precisely what C.C. Poell does, a token of his awareness and self-irony.

Although Poell is a keen lover of tradition and sartorial details, he focuses his creativeness on fabrics. The fabric is to be fully perceived first, and then each technical feature of it must lead to top sartorial effects. "It’s a pity - he says that fabrics of long ago are believed to be too hard and expensive to reproduce today". Poell’s creations may appear bewildering and puzzling… soleless orthopaedic footwear, tears, maternity volumes, pullovers made of pig’s guts, no-head hats, false open zips applied to trousers. What the creator actually brings about is a decontextualization of old false conventions, so much so that his gauze-clad carcasses are but an attempt to emphasize the agony of death. Poell’s clothing and accessories have a precise aesthetic function and often point to daily changes that we pretend not to see although they affect our lives.

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— BACK IN THE DAYS — MUG MAGAZINE NUMERO 2 — SHOWCASE

FREE YOUR FEET

Forse perché considerata utility da tutti (al massimo le si cercano di un certo colore, o si acquista sempre un modello-feticcio), la scarpa sportiva non esasperata, votata all'utilizzo nel tempo libero o informale, non vede molte variazioni specifiche sul tema, se escludiamo il mercato più giovane. Suona strano tutto ciò se pensiamo alla grande libertà che queste scarpe permettono in fase di ideazione e realizzazione, ma la musica sta cambiando. Da un lato designer di assoluto rilievo si dedicano al tema, dall'altra i più grandi produttori cercano mercati diversi da quello dei ragazzi. Il punto d’incontro è la vecchia “scarpa da tennis”, buona per ogni attività all’aperto, e le sneakers di tela, dalla grande capacità evocativa. Fino a qualche tempo fa il grande livello tecnico delle calzature sportive non significava necessariamente comodità e vestibilità. L’odierno design ha risolto il dissidio, combinando perfezione tecnica e comfort, innestando gusto e inventività nella tradizione. Here is an item of footwear that everyone considers commonplace, a sort of fetish that one has got to have, to be used in one’s spare time or on informal occasions. Yet sneakers come in a limited range of colours and models for informed customers to choose from, with the exception of the younger market,, where the supply is richer. The scene is changing, though; in fact, both renowned designers and top manufacturers devote their attention to wider sections’, of the market. Their meeting point: the old tennis shoes or the dateless sneakers, in countless models for outdoor games and sports, footwear that conjure up old recollections. Until quite recently, however high the technical standard of sports

shoes, their comfort and wearability was another matter, at least until they wore out. Which was a paradox that today’s designers have solved by coupling technical perfection and comfort, grafting their inventiveness on refinement and tradition. NIKE PER WRESTLING UAAARGH! Una scarpa Nike derivata dal modello wrestling è praticamente Pop Art se ci camminiamo dentro fino ad un'esecuzione di Bartòk, ma anche in altre occasioni. Comodità: garantita per ogni peso, ma evitate le strade bianche Trend: la particolare calzata sostiene anche le più noiose cene in piedi Amarcord: Antonio Inoki, sempiterno mito del wrestling Impronta: la lascerete comunque, quindi non sollevate nessuno gridando come ossessi, ok? UAAARGH! Nike shoes drawn from the wrestling model are virtually Pop Art if we wear them all the way to a Bartok performance in the evening; they are so even on other occasions. Comfort: they fit all body weights; avoid bumpy roads, though. Trend: their wearability helps you cope with the most boring buffets. Remember: Antonio Inoki, an eternal myth of wrestling. Mark: your footmark will be there anyway; can’t lift up people with inhuman yells, right?

ADIDAS YOHJI LEGGGERA Un peso piuma della comodità, derivato dalle calzature tecniche per il pugilato. Colori diversi, materiali come la pelle di canguro, il tocco di un maestro. Comodità: al chiuso, ideale Trend: attraggono, insospettiscono, rivelano Amarcord: le più grandi gare della storia dell'atletica mondiale - comodamente davanti alla tv Impronta: quella di chi sa coerentemente sorprendere HOW LIIIGHT! The featherweight of comfort, an outcome of boxing footwear. A wide range of colours, materials like kangaroo leather, a masterly touch! Comfort: ideal for indoor life. Trend: attracting intriguing, revealing. Remember: the most memorable competitions of world athletics, comfortably sitting in front of TV. Mark: the mark of those who can indeed surprise. LUDWIG REITER NOBLESSSE Fatte a mano per essere scarpe outdoor senza strafare, sono l'incarnazione tecnicamente più nobile del concetto "la scarpa da tennis che non toglierei mai". Comodità: assoluta e in ogni frangente Trend: in grado di elevarti da qualunque sporty look Amarcord: Ludwig Reiter fondò l'azienda nel 1881… Impronta: quella di chi è, e non vorrebbe essere granché altro.

Articoli e immagini tratte dall'uscita numero 2 di Mug Magazine - Gennaio 2002 / Articles and images from the issue #2 of Mug Magazine - January 2002

NOBLESSSSE Handmade shoes for outdoor activities; they are the noblest embodiment of the idea: "the tennis shoes I would never take off". Comfort: absolute and under any circumstances. Trend: make you soar high over all other sporty looks. Remember: Ludwig Reiter established the firm in 1881… Mark: of those who are quite pleased with what they are. SPRING COURT CLASSSICA La madre aristocratica di tutte le scarpe in tela, già ai piedi di miti come John Lennon e Serge Gainsbourg. Immutata dal 1936, con un sistema di aerazione allora innovativo, oggi insuperato per semplicità ed efficacia. Comodità: perenne nel relax Trend: radical flower Amarcord: Imagine there's no Heaven… Impronta: sognante ma di classe CLASSSSIC! The aristocratic mothers of all sneakers, worn by such myths as John Lennon and Serge Gainsbourg. Unchanged since 1936, they still have a simple yet unsurpassed ventilation device. Comfort: provide neverending relaxation. Trend: radical flower. Remember: Imagine there’s no Heaven. Mark: dreamy top class footwear.

Mug Magazine issue 21, year XI

Photo ÂŠ Andrea Pancino

Mug Magazine issue 21, year XI

— BACK IN THE DAYS — MUG MAGAZINE NUMERO 2 — STORE

ALL AROUND SUGAR

Gli spazi di Sugar, progettati nel 1988 da Enzo Decotiis, sono tuttora di grande attualità. In essi si è di molto anticipato l’odierno sentire che indirizza a realizzare contenitori belli e di design, ma più personali che “fatti per durare”. Le linee sono sobrie, pulite. C’è agio e comodità nel muoversi. Il bianco comanda, ma la regia di luci ad incasso permette sfumature cromatiche che valorizzano la personalità dei capi e degli abbinamenti suggeriti, rendendoli subito chiari, “fruibili” a chi li osserva. La scelta è selettiva; ai capi di ricerca ne vengono accostati alcuni dei marchi più conosciuti, secondo schemi interpretativi ricchi di gusto, che vanno oltre l’accessorio o l’abbinamento, più in profondità… Sugar è uno spazio moda integrato in un’ottica ampia e intelligente, che trova il suo complemento in un centro di arredamento e design, nonché in un ulteriore spazio di prossima apertura -1800 metri quadri in un palazzo del ‘400-, dove abbigliamento e oggetti di design saranno proposti insieme. Sugar è un punto d’incontro tra gusto e genialità, proposte stilistiche, esigenze del pubblico. Qui la moda funge da catalizzatore di elementi molteplici, l’arredo, il design, il comfort, e realizza sintesi significative per il quotidiano.

Sugar is part of an integrated design including a men's and women's fashion store and an interior design and furniture centre. The boutique design was made by Enzo Decotiis in 1988, but its spaces are absolutely topical, and have fore run today's trend to fit out beautiful design containers that are made to be personal rather than to last. The lines are neat and sober; you move about with ease and comfort. White dominates, but the built-in lighting system creates chromatic overtones that enhance the items on show and the matchings suggested, for they enable the observer to immediately perceive and appreciate them. SUGAR proposes an extremely selective choice of articles coupled with the best commercial labels, interpreted and varied with great taste. Emphasis on style is achieved by playing down accessories or unusual matchings, by trying to go deeper Here fashion is the major catalyst leading various aspects of daily life to interdependence, an ever more coherent way of regarding furniture, design and comfort.

Articoli e immagini tratte dall'uscita numero 2 di Mug Magazine - Gennaio 2002 / Articles and images from the issue #2 of Mug Magazine - January 2002

Mug Magazine issue 21, year XI

— BACK IN THE DAYS

MUG MAGAZINE ANNO 2 NUMERO 3

Mug ci porta dentro gli store di Roberta Valentini: quarant’anni di stile Penelope nel centro storico bresciano, mescolando e giocando con l’abbigliamento. Dal primo store, il principale attraverso i più “giovani” Boys Loft e Apartment28, fino ad arrivare ad Interno 5. Il secondo showcase del magazine è invece dedicato al jeans inteso non come capo storico del passato ma come icona di uno stile senza tempo, sempre al passo coi tempi. Il tedesco Lutz è il fashion designer del terzo numero di Mug, con la sua moda dalla geometria variabile, in grado di evolversi ed adattarsi alle diverse circostanze. Mug 3 led us straight into Roberta Valentini’s stores: forty years’ Penelope style in the heart of Brescia, stores with a great variety of clothing playfully proposed. From the first store, the main one, to the more recent Boys Loft, Apartment28 and Interno 5. The second showcase of the magazine was devoted to jeans conceived as an ever updated icon of a timeless style rather than as an item of the past. The third issue of Mug was also devoted to the German fashion designer Lutz and his variable geometry fashion that can evolve and fit in with various occasions.

Mug Magazine issue 21, year XI

Articoli e immagini tratte dall'uscita numero di Mug Magazine - Agosto 2002 / Articles and images from the issue #3 of Mug Magazine - Agosto 2002

Mug Magazine issue 21, year XI

— BACK IN THE DAYS — MUG MAGAZINE NUMERO 3 — DESIGNER

VESTITO BATTE MODA

Lutz Huelle è nato ad Amburgo, Germania, trentacinque anni fa. La sua formazione sartoriale passa, dal 1991 al 1995, attraverso la londinese St Martin School e tre anni presso la maison Martin Margiela «ero davvero determinato: volevo fortemente lavorare con lui», prima come stageur e poi come responsabile della maglia e delle produzioni artigianali. Alla fine del 1998 Lutz lascia Margiela per mettersi in proprio, ma lo fa con calma e pensandoci bene (nel frattempo, torna come insegnante alla St Martin's School «Quando lasci un lavoro, devi comunque guadagnare dei soldi»). La sua prima collezione esce infatti nel febbraio del 2000. «Avevo la sensazione di poter dire qualcosa. Mi chiedevo sempre: ho qualcosa da dire? Come vedo le persone? Sarò in grado di fare qualcosa di diverso?» Le risposte a domande così importanti non hanno tardato a venire. Lutz sviluppa con le sue creazioni l'idea del Vestito, quasi un'entità destinata a fondersi con la personalità e le abitudini di chi lo indossa. «I vestiti sono linguaggio, parte del corpo, dell'identità. Moda? Fashion? Non sono niente, perché non hanno un'identità. Non voglio creare moda. Voglio creare vestiti». E i vestiti di Lutz, anche ad osservarli dopo queste premesse, riescono a sorprendere per freschezza, creatività, una concettualità mai cervellotica e sempre aperta ad un utilizzo legato fortemente all'indole, all'occasione, al momento. «Cerco di rovesciare i codici classici del guardaroba per mettere a punto modi diversi di portare i vestiti». Soprattutto per questo motivo i vestiti di Lutz sono spesso ricchi di

humor - uno per tutti: il cappotto realizzato in spugna, che ricorda molto i pomposi accappatoi dei pugili… Le creazioni dello stilista tedesco sono spesso, come del resto è da sempre la biomeccanica umana, a geometria variabile: maglie che diventano maxipull, gonne sospese a fini bretelle per fare gran sera o complemento divertente secondo l'altezza cui sono portate, trench tagliati in due pezzi all'altezza della vita per creare spezzati da portare diversamente secondo l'umore, bomber classici con risvolti da smoking per decidere anche all'ultimo momento come e se colpire chi ci sta di fronte… «Mi piace proporre dei capi che esprimano più cose insieme, dei vestiti in grado di evolversi secondo le circostanze». Lutz è un acuto osservatore delle persone, un curioso totale, e questo a noi di Mug piace molto. Il suo essere propositivo nei confronti dell'atmosfera che circonda le persone spinge a leggere questa in modo diverso, a cercare di tirar fuori da noi stessi una risposta allegra e soprattutto personale a invenzioni come gli orecchini-sciarpa (o sciarpa-orecchino?). In queste che sembrano trovate-lampo, giusto per attirare l'attenzione, esce invece fuori la profondità della creatività di Lutz, uno spazio-specchio dove l'inventiva e l'espressività personale trovano elementi da utilizzare secondo le proprie dinamiche, senza dover rendere conto a canoni, codici ed imperativi di moda. «L'idea di rinnovare in toto le collezioni ogni sei mesi non m'interessa. Vorrebbe dire che ciò che ho mostrato prima non ha più senso». Frase ad effetto? No, dopo quanto detto e visto, una chiusura coerente.

CLOTHING WINS OVER FASHION Lutz Huelle was born in Hamburg, Germany, thirty-five years ago. He had his sartorial apprenticeship at St Martin School, London, from 1991 to 1995, and at Martin Margiela's maison for the following three years 'I was really determined to work with Margiela, and so I did', first on a training session, then as head of the shirt and handmade production. Late in 1998, after much pondering, Lutz resigned from Margiela's and, after teaching at St Martin School for some time ('when you leave a job you have to earn money anyhow') he set up on his own. He presented his first collection in February 2000. "I felt I had something to say. I always wondered: ' Do I have anything to say? How do I see people? Will I succeed in doing something different?' " The answers to such important questions did not take long to come. Through his creations Lutz has gradually developed his idea of 'clothes' meant to weld with the personality and habits of those who wear them. Clothes are a language, a projection of one's body and identity. I don't want to create fashion, I want to create clothes." Lutz's clothes have the power to surprise for their freshness and creativity; the conceptions underlying them are never weird and can be suited to temperament, occasion and moment. "I try to overturn the classical rules of clothing, and to work out different ways of wearing it". This is why Lutz's items are often rich in humour, like for instance his towelling coat, strongly reminiscent of boxers' robes. Just like human biomechanics, this German stylist's designs are variable-geometry creations: shirts that become maxipulls, skirts with very thin braces that

become an evening garment or a witty complement according to humour; classical bombers with tuxedo-like cuffs to parade should you decide to look stunning. 'I like proposing items that can express more ideas at the same time, clothes that can evolve under different circumstances.' Lutz has an enquiring mind and is a subtle observer of people; all of which the Mug team like a lot. He tries to catch the aura around people to better understand their personality and urge a humorous and personal response to inventions, like his scarf-earring. Such lightning ideas, whose only aim may seem confined to attracting the public's attention, actually express the depth of Lutz's creativity: a space-mirror in which one's personal inventiveness and expressiveness can find their reflection, without having to stick to fashion canons. " I don't like the idea of totally renewing my collections every six months. It would imply that what I have shown so far is meaningless". Words meant to impress? Not at all! After all that has been said and seen, they sound like a coherent conclusion.

Mug Magazine issue 21, year XI

— BACK IN THE DAYS — MUG MAGAZINE NUMERO 3 — STORE

MIX & PLAY: LO STILE SECONDO PENELOPE

I negozi Penelope sono sorti e si sono radicati nel centro storico di Brescia in un lasso di tempo di circa trent’anni. Uno spazio temporale entro il quale Roberta Valentini ha saputo allargare ed approfondire il legame tra i diversi modi di concepire e vivere l’innovazione dello stile, l’anticipazione dei tempi, il modo più intimo e personale di distinguersi come individui. Un’azione da sempre rivolta a varie fasce d’età e di gusto, dunque, unite da uno stimolo comune anche quando diverso. Il successo di questo approccio è consolidato: in molti a Brescia hanno imparato a far tesoro del consiglio che Roberta dispensa, personalizzandolo, a tutti: "Giocare, rischiare anche accostamenti estremi. Mescolare sempre". MIX & PLAY: LO STILE SECONDO PENELOPE Penelope stores have been established in Brescia city centre over the last thirty years, enough time for Roberta Valentini to be able to carry on her research in style and innovation, and provide ever newer ways for people to cultivate their personality. Roberta's proposals have always been addressed to various age and taste brackets, and her approach has proved successful to the extent that more and more people in Brescia treasure the advice she lavishes: "Play, take the risk of extreme matchings. Never cease to change them.

Articoli e immagini tratte dall'uscita numero di Mug Magazine - Agosto 2002 / Articles and images from the issue #3 of Mug Magazine - Agosto 2002

PENELOPE Nell’originario negozio Penelope, quanto detto fin qui è subito evidente. È una sorta di open space che ha il merito di aver di molto anticipato gli usi "paralleli" (leggi contaminazioni con arte e cinema) dello spazio di vendita, allo scopo di renderlo vero e proprio luogo d’incontro e di scambio di idee. Un negozio che, come trent’anni fa, viene aggiornato di frequente a livello di prodotto ma non solo, per dare pressoché ad ogni visita un feeling diverso. PENELOPE - What we have just said is evident in the original Penelope store. It is an open space where the simultaneous use of fashion design, art and the cinema have created a new meeting point for people and ideas. The store is frequently updated and gives you a different feeling each time.

Mug Magazine issue 21, year XI

Mug Magazine issue 20, year XI

INTERNO 5 È uno spazio nato dalla mente creativa di Oliviero Baldini, in collaborazione con Roberta Valentini di Penelope. È un negozio fatto di spazi tagliati con decisione, individualista, forte. È nato di getto, costruito nei suoi elementi di riferimento dal progettista stesso, è la summa dei suoi processi di rappresentazione affinati, misurati ed arricchiti dalla continua ricerca interiore. Piani e livelli sono ritmati da un gioco escheriano, il dialogo delle materie si dipana in armonie dissonanti e i capi entrano in tutto ciò come elemento fondante e fondamentale. Ogni dettaglio - e qui la parola disattende la dimensione - è una citazione: dal costruttivismo ai riferimenti formali della Russia stalinista, dalle forme organiche etniche e tribali dei pavimenti ai decori erotici di fine ottocento che ornano i camerini, ogni intervento ha uno spessore forte e comunicativo. Difficile non ricavarne stimoli! I NTERNO 5 - It is the store of Oliviero Baldini, renowned all over the world for his ever original and innovative designs. The store is made of spaces that bear the marks of a strong individuality. It was made in one go by the designer himself, and it embodies the best of Baldini's creativeness, which constant dialogue with Roberta Valentini has tempered and enriched. In Interno 5 planes and levels draw their rhythm from an Escherian interplay, and dissonant materials are harmoniously matched to contain clothing, the fundamental element. Whatever the dimension, each detail is a quotation: from constructivism to references to Soviet Russia's formalism, from the ethnic and tribal organic forms of floors to the late XIX century erotic decorations adorning

the dressing rooms. Each solution has a depth that can be grasped in the carvings of the monolithic entrance hall, as well as in the small casts and in the light suspended metal cage. Very stimulating indeed! BOYS LOFT E APARTMENT 28 In un grande spazio già vecchio magazzino di medicinali e poi galleria d’arte, questi negozi sono la frontiera più giovane dei negozi Penelope. Sono spazi unisex, con esposizione mista, sono presenti aree used, e si distinguono per il cubo sospeso nella vetrina centrale, sì, ma soprattutto per la costante ricerca nella selezione di capi ed accessori. Boys Loft è un riferimento-moda giovane in città che agli occhi della clientela sforna regolarmente idee cult. Apartment 28 è lo spazio nato più di recente: ha un arredamento informale ma tutt’altro che casuale, all’insegna di quel non-progetto che si affida interamente all’autenticità, al work in progress più vivo, all’idea immediata. BOYS LOFT AND APARTMENT 28 A former medicine store and art gallery, this large space is the new teenage fashion frontier of Penelope stores. It is structured in unisex modules with a rich display of items, including used ones. Besides the cube suspended in the central window, its distinguishing feature is the choice selection of clothing and accessories. Boys Loft is a teenage fashion landmark that churns out cult ideas, and Apartment 28, the most recently established space, is informal yet anything but casual. It deliberately rejects planning and relies on instant feelings and ideas to propose the functional rooms of a home seen from a work-in-progress perspective.

Mug Magazine issue 20, year XI

Ecco una domanda che può toglierci dagli imbarazzi dei luoghi comuni più triti - ma anche più veri. Il mondo del denim viene sempre visto e studiato dal punto di vista storico, sociale, simbolico. Passato, spesso remoto. Ma il jeans è sempre stato bandiera per chi con le frontiere del futuro aveva dimestichezza: lo è anche ora che sembra integrato fra gli evergreen, un capo buono per il tanto e per il tutto… Mug presenta i jeans che vanno, ci vanno sul serio e soprattutto che sanno bene dove andare. JEANS ARE STILL IN FULL SWING - An item that looks back to the past and ahead to the future. The world of denim is today seen and studied in its historical, social and symbolic implications; jeans have to do with the past, but have always been a banner for those who look ahead to future frontiers, an evergreen item for all occasions. Mug presents jeans that are indeed the rage, and have the makings of a hit in the world of fashion.

Articoli e immagini tratte dall'uscita numero 3 di Mug Magazine - Agosto 2002 / Articles and images from the issue #3 of Mug Magazine - Agosto 2002

— BACK IN THE DAYS — MUG MAGAZINE NUMERO 3 — SHOWCASE

IL JEANS VA SEMPRE. MA DOVE?

Mug Magazine issue 21, year XI

AG JEANS FILLMORE MINER Dagli anni '70 ad oggi Adriano Goldschmied è un leader indiscusso nel mondo del jeans, collaborando alla nascita di realtà come Diesel, Replay, Goldie. Ora opera in California con il proprio marchio AG Adriano Goldschmied. Tessuto: Denim a 14 once, leggermente ingiallito e stone washed. Design: Fillmore Miner è un 5 tasche con zip, di cui si nota subito la cura per il dettaglio: ricamo ad onda sulle tasche posteriori, rinforzo con filo giallo in contrasto e micro etichetta per la quinta tasca, zip corta, stampe descrittive del modello dentro il pantalone. La linea è leggermente svasata, il taglio all'altezza della vita varia: dietro è normale, sul fronte è molto basso per un'ottima vestibilità. Adriano Goldschmied has been a leader jeans designer since the 70s, and contributed to the making of such labels as Diesel, Replay and Goldie. He now works in California where he makes his own AG (Adriano Goldschmied) labels. Fabric: slightly yellowed 14 oz stone wash denim. Design: Fillmore Miner is a five-pocket model with extremely refined details like: the wave-like stitchwork on the back pockets, the contrasting yellow extra stitchwork, the micro-label for the fifth pocket, the short zip and the prints within the jeans describing the model's details. The line is slightly flared and the cut at the waist varies, from normal at the back to very low at the front, to provide better wearability.

BOBSON 505 XR

DIESEL 848

FULL COUNT 0105 FW

Storico marchio giapponese fondato nel 1950, produce per altri marchi molto conosciuti come Kenzo e EtVous. Esporta inoltre a livello mondiale con diversi family brands.

Diesel propone il modello 848 nella sua Denim Gallery, presente nei principali negozi monomarca di New York e Tokyo.

Il modello 0105FW è un classico di Full Count, una delle maggiori realtà giapponesi del panorama denim. In Giappone si può parlare di culto e passione massima per il jeans: solo qui si può produrre un pantalone di questa caratura.

Tessuto: il jeans arrivato è un 14 once, color indigo, con un leggero tono verde. Il cotone proviene dall’ottimo produttore giapponese Kurabo. Design: il taglio è classico cinque tasche, chiusura con la zip, cimosa, il patch è in pelle di capra, le tasche posteriori sono rinforzate con rivetti non visibili, mentre il tab (piccola etichetta sulla tasca posteriore) è di color marrone e posizionato esternamente. All’interno istruzioni per il lavaggio ed etichetta, sul retro del patch “Pure Denim”. This epoch-making Japanese brand dates from 1950 and produces for other well-known brands like Kenzo and Et-Vous. It is exported the world over with several family brands. Fabric: indigo 14 oz denim with a shade of green. The top quality cotton is produced by Kurabo. Design: it is a classical five-pocket model with zip and selvage. The patch is in goat skin, and the back pockets are reinforced by indiscernible rivets. The tab is brown and is stitched on the outer surface of the back pocket. Inside the jeans are the instructions for washing, whereas the reverse of the patch reads 'Pure Denim'.

Tessuto: denim 100% con pesantezza 10 once 1/2, quindi molto leggero, la sua principale caratteristica è data dall'effetto ragnatela, ottenuto accartocciando i capi singolarmente in un sacco e lavati con la pietra pomice (stone wash) fino ad ottenere il contrasto dell'usura del filo chiaro. Ulteriori lavaggi garantiscono l'effetto anti-ingiallimento e la resa di comfort e morbidezza di questo jeans molto indicato per la stagione estiva. Design: il taglio semplice si basa sul comune 5 tasche con i dettagli tipici di Diesel: etichetta a striscia obliqua sulla quinta tasca e ricamo della "D" tra la tasca posteriore destra e il retro del jeans. Diesel's Denim Gallery offers model 848 available in the best New York and Tokyo single label stores. Fabric: the extra light 10 1/2 oz denim is characterized by the typical cobweb effect obtained by stone wash. Further washing prevents yellowing, and makes this kind of jeans particularly soft, comfortable and especially suitable for the summer. Design: the simple cut follows the five-pocket model, and bears Diesel's distinctive details: a stripe-shaped label aslant the fifth pocket, and a "D" embroidered between the back of the jeans and the right back pocket.

Articoli e immagini tratte dall'uscita numero di Mug Magazine - Agosto 2002 / Articles and images from the issue #3 of Mug Magazine - Agosto 2002

Tessuto: puro cotone dello Zimbabwe, colore blue indigo e pesantezza 13,7 once. Patch in vero cuoio, lavaggio a mano. Design: la fattura di questo jeans dimostra grande maestria: per migliorare il fitting le gambe sono composte asimmetricamente fronte-retro e parallelamente l’una con l’altra, conferendogli una vestibilità realmente tridimensionale. Giochi di simmetria pure sui decori applicati alle tasche posteriori, che richiamano con ironia l’aquila delle montagne californiane, simbolo dei 501. Il capo per ora è disponibile solo nei mercati asiatici. Among Japan's leaders in the field of denim, Full Conté manufacture 0105, a top classic that only this country's cult for jeans can account for. Fabric: indigo blue 13.7 oz pure Zimbawe cotton, characterized by hand washing and real back leather patch. Design: these jeans' design simply bears the mark of artistry, as the asymmetrical side to front stitching leads to better fitting and wearability. The symmetrical decorations on the back pockets ironically recall the eagle of the California mountains, a symbol of the 501. The item is at present available only on the Asian markets.

Mug Magazine issue 21, year XI

LEVIS'S RED STRAIGHT CUT Levi's Red X701 è una linea nata per mano dei designer del jeanswear moderno, ispirandosi alla grande ed insuperabile tradizione Levi's. Distribuita nel mondo ad una ristretta selezione di negozi presenta, come nel ciclo della moda, due collezioni l'anno. Il capo che presentiamo appartiene appunto alla collezione fino al 2002/2003 e il tema è l'esagerazione del fitting e l'ingrandimento di particolari come cuciture, rivetti, patch e risvolti, per riprendere ed elaborare la cultura del rock'n'roll. Tessuto: ha una lavorazione super stretta, così da mantenere l'aspetto rigido. Comunque, l'interno e il tocco a mano danno una sensazione di morbidezza: il cotone proviene dalle migliori industrie giapponesi. Design: il tema è l'esagerazione del fitting che riprende il taglio di storici modelli elaborandoli e l'ingrandimento di particolari come cuciture, rivetti, patch e risvolti, accentuando i riferimenti alla cultura rock'n' roll. Levi's Red X701 is created by the best modern jeanswear designers and draws its inspiration from the great unsurpassed Levi's tradition. Available in a number of selected stores, the line offers two collections a year. The item we present belongs to the A/W 2002/03 collection. Fabric: the tight weaving accounts for the jeans stiffness although they are all softness inside. Design: the emphasis laid on fitting echoes and elaborates the cut of traditional models; the stress on details like rivets, stitches, patches and turn-ups highlights references to rock'n'roll culture.

PAPERD DENIM & CLOTH 2 LTD 55 Paper Denim & Cloth è una nuova realtà americana nata nell'anno 2000 con la volontà di fornire un jeans d'autore, totalmente assemblato negli USA. Ogni capo, compreso il 2 ltd 55, richiede 6 ore per l'assemblaggio: ogni jeans viene poi numerato e quindi reso unico. Negli Stati Uniti è già cult brand. Tessuto: denim di origine giapponese o italiana, con trattamenti di lavaggio ad effetto invecchiamento da 1 a 4 anni Questo modello ha la finitura "tsunami", nome che in giapponese indica le enormi ondate oceaniche provocate dall'attività sismica. Nel nostro caso indica un forte lavaggio sbiancante ottenuto manualmente, soprattutto sul fronte. Design: è un classico 5 tasche, al quale viene data particolare attenzione al fitting, e a dettagli come rivetti, bottoni e cuciture, scelti per rafforzare la struttura del jeans e garantirne una lunga durata. Paper Denim & Cloth have since 2000 been producing designer jeans which are now a cult brand in the USA. Each item takes two hours to assemble - "2 ltd 55" is no exception - and is then numbered and individualized. Fabric: the fabric is Japanese or Italian denim whose ageing is obtained through washing. Its "tsunami" finish - the name stands for a seismic wave - involves bleaching through hand washing, especially at the front. Design: each detail of this five-pocket classic is masterly handled; rivets, buttons and stitching make the jeans stronger and guarantee durability.

SAMURAI JEANS 0510XX II Samurai è un nuovo marchio giapponese. Tessuto: puro indigo denim con pesantezza 15 once dopo il lavaggio, di provenienza americana. Il modello che ci è arrivato non è lavato, quindi rigido al primo lavaggio perderà stringendosi del 10/15 % sulla lunghezza, mentre varierà di poco in larghezza. Design: il fatto di non essere lavato permette un auto-fit indossandolo, adattando il capo al proprio corpo, come da battesimo del jeans degli anni sessanta. Per il resto grande cura sui dettagli storici del capo: cinque tasche, rivetti in rame, patch in vero cuoio e cimosa. Per ora disponibile solo nel mercato giapponese. Samurai is a new Japanese brand. Fabric: American-made pure 15 oz indigo denim The model we have in stock hasn't undergone washing and is stiff, on its first wash it'll shrink by 10-15% in length and a trifle in width. Design: the fact that it has had no wash allows self-fitting through wear, as happened with jeans in the '60s. Details are carried out with great care: copper rivets, leather patch and selvage. Available only on the Japanese market.

WRANGLER 13MWZ PRORODEO COWBOY CUT JEAN Man With Zip, uomo con la cerniera, è un pantalone introdotto nel mercato nel 1947. È disegnato in collaborazione con i protagonisti del rodeo, quindi con il cavallo alto per il massimo comfort in sella. Tessuto: 100% puro cotone denim con pesantezza di 14 once 3/8. È sanforizzato, cioè trattato per non restringersi al lavaggio. Design: è il classico 5 tasche con rivetti in rame come rinforzo, disegnato da Rodeo Ben per la Blue Bell, proprietaria del fino ad allora sconosciuto marchio Wrangler, che da molti anni presenta una linea chiamata Cowboy Cut interamente dedicata al mondo western, partita appunto da questo storico modello Prorodeo. "Man with Zip" made their first appearance on the market in 1947, but it was later collaboration with rodeo riders that led to a top comfort crotch design. Fabric: 100% pure14 3/8 oz sanforized denim. Design: it is a classic five-pocket model reinforced with copper rivets, designed by Rodeo Ben for Blue Bell, the owners of "Wrangler", totally unknown as late as 1947. Blue Bell have for many years beeen manufacturing the western-inspired Cowboy Cut Line, whose origin can be traced back to epoch-making Prorodeo model.

Mug Magazine issue 21, year XI

— BACK IN THE DAYS

MUG MAGAZINE ANNO 3 NUMERO 4

Watanabe è lo stilista in grado massimamente di ridefinire il tempo, lavorare sulla tradizione per trasformarla in avanguardia: provocatorio, dissacrante, iconico. Il suo lavoro con Comme des Garçons ha radici “profonde” quasi trent’anni. A Riccione Anna Maria Meris ci ha aperto le porte di Papete, punto di riferimento per l’intera riviera romagnola grazie ad una ricerca stilistica basata più sulla personalità che sulle logiche commerciali. È il bagalio a mano (spesso nell’accezione moderna del Trolley) a catturare l’attenzione di Mug, perché quando cresce esponenzialmente la capacità di spostarsi delle persone a diminuire è la capacità di trasporto. Mug 4 was devoted to Watanabe, a provocative, unconventional, iconic designer whose great ability lies in redefining time and working on tradition to transform it into avant-garde fashion, a fashion designer who can pride himself on a thirty-year collaboration with Comme des Garçons. At Riccione Anna Maria Meris welcomed us into Papete, a benchmark for the whole of the Romagna riviera thanks to their stylistic research focused on personality rather than on profit making. This issue of Mug also concentrated on hand luggage ( in its modern meaning of trolleys), for, at a time when people’s capacity to travel is greatly increased, their possibility to transport things is considerably diminished.

Mug Magazine issue 21, year XI

— BACK IN THE DAYS — MUG MAGAZINE NUMERO 4 — DESIGNER

JUNYA WATANABE: THE WIDE NOW

1984: Junya Watanabe si diploma presso il dipartimento di design del Bunka Fashion Institute di Tokyo, inizia a lavorare presso Comme des Garçons e diventa presto l’allievo migliore di Rei Kawakubo; 1987: diventa designer della linea Tricot Comme des Garçons; 1992: nascono le collezioni Junya Watanabe Comme des Garçons, presentate a Tokyo; 1993: le collezioni Junya Watanabe Comme des Garçons vengono ora presentate due volte l'anno anche a Parigi. Watanabe vince a Tokyo il Mainichi Newspaper Award come miglior nuovo designer; 1999: viene aperta la prima boutique a Tokyo, nella zona di Aoyama. Watanabe vince il Mainichi Newspaper Award. La collezione donna di Watanabe è l’esemplificazione massima di quella sintesi che permette all’artista giapponese di ridefinire il tempo, meglio: quelle scansioni temporali che fanno in modo che una cosa ora sia si tendenza, ora no. I tempi dell’in e dell’out sono sempre più ravvicinati: i ritorni di fiamma di un sentire, di un tessuto o di un colore sono ormai ravvicinatissimi, tanto da far considerare passato e futuro inglobati in un wide now, un maxipresente definito

Articoli e immagini tratte dall'uscita numero 4 di Mug Magazine - Gennaio 2003 / Articles and images from the issue #4 of Mug Magazine - January 2003

dalla sensibilità di ciascuno. Watanabe va oltre tutto questo. Il suo è un presente tutt’altro che maxi: è il presente di chi filtra tempo e tendenze mettendole sullo stesso piano, con una sensibilità che prende le sue mosse da un ”basicness” dell’anima. Quelle di Watanabe sono provocazioni “pure”: i particolari punk, i grandi fiori stampati, quei dettagli secondo alcuni bondage, secondo noi presi direttamente da quel cinema di genere che nasce dall’immaginario dei videogames, creano una sorta di mix spazio-temporale, usato per mostrare l’anima di chi indossa il capo in modo brutalmente, direttamente affascinante. La donna di Watanabe è vestita in modo da esibire il suo essere nuda dentro. La collezione uomo di Watanabe cerca la sua sintesi senza tempo in un campo, quello del basic, idealmente più adatto allo scopo, ma forse proprio per questo più difficile da far proprio. Watanabe propone e sovrappone vari livelli di lettura: all’immediatezza delle forme e dei tagli aggiunge un uso del colore spesso straniante e scritte, idee che si fondono con lo svolgersi sottotraccia di un sentire basic volto a sottolineare che anche l’uomo di Watanabe è nudo dentro, quindi aperto, limpido, unico. Le linee della collezione sono semplici ma ricche, di quella ricchezza propria di certe foto in bianco e nero che ti fanno pensare ”hey, qui c’è scrittura. Qui il colore c’è, e bisogna

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entrare davvero nell’opera per vederlo. È il colore dell’artista, l’ha preso da se stesso. Non da altro.” Ed essendo l’opera, nel nostro caso, capi di vestiario, siamo tenuti a unire il nostro colore a quello che Junya Watanabe ha immaginato e creato per noi. JUN YA WATANABE: THE WIDE NOW 1984: Junya Watanabe graduated from the Department of Design of the Bunka Fashion Institute, Tokyo. He started working at Comme des Garçons and soon became Rei Kawakubo’s best disciple. 1987: he became the designer of the line Tricot Comme des Garçons. 1992: the Junya Watanabe Comme des Garçons Collections were first created and presented in Tokyo. 1993: the Junya Watanabe Comme des Garçons collections started to be presented twice a year also in Paris. Watanabe won the Mainichi Newspaper award, Tokyo, as best new designer. 1999: Junya Watanabe’s first boutique was opened in the Aoyama area, Tokyo. Watanabe won his second Mainichi Newspaper Award. Watanabe’s women’s collection is the best example of a synthesis aimed at redefining time in fashion, or rather such temporal scanning as makes clothing trendy on and off. Fashion tends

to be in or out at shorter and shorter time intervals: feelings, fabrics, colours come up again at a faster and faster rhythm, so much so that past and future are enclosed in a wide now, an all-inclusive present which each individual’s sensibility defines. Watanabe goes beyond all that. His present is all but maxi, and time and trends are unified in his creations by a sensibility that stems from his inner “ basicness”. Watanabe’s works are purely provocative: the punk details, the great printed flowers –bondage details for some people– details drawn straight from the kind of cinema that the imaginary world of the videogames inspires, in which time and space are so interrelated as to show in a direct and brutally fascinating way the souls of those who wear the creations. In fact, Watanabe’s women’s dresses show their essential inner nakedness. Watanabe’s men’s collection is an attempt at achieving a timeless synthesis in the more ideally suitable field of “ basic”, a style we may find it hard to make our own. Watanabe’s proposals make various elements overlap: the directness of shapes and cuts goes hand in hand with the frequent use of estranging colours and captions, ideas that develop and weld as an underlying “ basic” sensibility pervades the creations, to emphasise that also Watanabe’s men are naked within, hence open, limpid, unique.

Foto: Jean François Jose

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— BACK IN THE DAYS — MUG MAGAZINE NUMERO 4 — STORE

PAPETE E LE STAGIONI

C'è provincia e provincia. Quando si chiama Riccione è una provincia particolare: riviera romagnola, mare, agosto, turismo… aggiungete voi qualche altro luogo comune, ma tenetelo fuori da Papete. Papete è un negozio d'abbigliamento aperto nei primi anni '70 da Anna Maria Meris, milanese ma ormai romagnola d'adozione, e dal marito. Fin da subito Papete si distingue come spazio dove il cliente viene consigliato, seguito, quasi coccolato ma dove le scelte possibili sono "altre". È infatti Anna Maria in prima persona a curare gli acquisti di capi e accessori per il negozio, a ideare le vetrine, a tessere con viaggi e studi i fili della ricerca che propone: una scelta di gestione che ha sempre pagato in termini di clientela affezionata, che arriva fino a Bologna, Modena, Pesaro e vanta non pochi abituées anche fra i turisti. Papete funge quindi da riferimento per un universo davvero vario e ben distribuito nelle stagioni: locali e "cittadini" di posti già "ben forniti", durante l'inverno, giovani attenti anche alle tendenze durante l'estate, mentre nelle mezze stagioni (evidentemente per Papete e la sua cultura del vestire esistono ancora) a prevalere sono i clienti dei dintorni. Sarà solo l'effetto della dislocazione provinciale? La ricerca di Papete punta sulla personalità: difficile trovare tra le proposte "marchi che vendono": molto più probabile trovare qualcosa con una storia dietro, destinata a fondersi con nuove vicende di vita. Una scelta commerciale portata avanti coerentemente, questa, che ha fatto la differenza, ad esempio, quando la clientela ha realizzato come certe grandi griffe non portassero altro

che ad una grande omologazione. Esclusività dunque, certo, e un deciso, personale modo di sentire l'abbigliamento e il rapporto con il cliente: tutto ciò è palpabile negli spazi uomo e donna che aprono le loro vetrine su viale Ceccarini e nello spazio del piano superiore, dove hanno sede gli uffici e uno spazio-studio utilizzato fra l'altro per le prove vetrina. Tale spazio in futuro sarà aperto al pubblico e a nuove proposte. Sarà allora il caso di allungare il calendario ed aggiungere una stagione… PAPETE AND THE SEASONS Not all provinces are alike! Riccione is a special one as it conjures up the sea of the Romagna riviera with all its charms, tourism in August and countless other commonplace suggestions. Well, Papete has nothing to do with all this. Established in the early ‘70s by Milan- born Anna Maria Meris and her husband, Papete is a fashion store where customers are attended to, advised and almost spoilt, but feel they can have their say and eventually make their choice. It is Anna Maria herself who selects the items and accessories, sets up the window displays, tirelessly travels and studies to offer her customers new proposals. No wonder that such management has earned Papete faithful customers from Bologna, Modena and Pesaro as well as habitués among the tourists. The store is a landmark for a varied universe of customers who flock to it in all seasons: locals and townsmen from wellsupplied cities in winter; young people with a flair for new trends in summer, and more clients from the surrounding areas for mid-season clothing, which evidently still exists for Papete and their culture of fashion. Could all this be due to the store’s provincial location?

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Papete’s research is aimed at personality; no use trying to find “ labels that sell” among their proposals, much more likely to find items with a story to be welded with people’s lives! That’s why the store’s coherent trade choice makes all the difference, all the more so since customers are becoming increasingly aware that great labels lead only to standardization. Exclusive clothing and a definitely personalized approach to fashion and customers is what we perceive and feel in the men’s and women’s spaces opening onto Viale Ceccarini, although on the firstfloor premises, where Papete’s offices and display trial room are located, the sensation is the same. When, shortly the latter is opened to the public and to new proposals, another season will be probably have to be added to the fashion calendar.

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— BACK IN THE DAYS — MUG MAGAZINE NUMERO 4 — SHOWCASE

CHECK YOUR LUGGAGE

Quando il lusso era far fare tutto agli altri, il concetto di valigia aveva la forma di un trasloco di una cittadina: erano i tempi quando, al contrario, la povertà consisteva in un fazzoletto dove riunire i propri averi. Una distanza, questa, che nei secoli si è fatta sempre più ridotta, seguendo l'evoluzione sociale, ovviamente, nonché dei mezzi di trasporto dai carri a trazione animale ai moderni aerei di linea. Da qualche anno, comunque, la capacità di trasporto-materiali delle persone è calata in modo inversamente proporzionale alla loro capacità di spostamento: oggi si viaggia in poco tempo da un capo all'altro del mondo, e non si fa una gran fatica. Concretamente, la fatica è ora rappresentata dallo scegliere e portarsi dietro in modo pratico tutte quelle cose che complicano la vita nel momento in cui la rendono "socialmente accettabile" - perlomeno nel mondo occidentale. È così che l'umile carretto della spesa al mercato, con le sue rotelline, ha dato vita ad una piccola rivoluzione nel settore della valigeria: è diventato nobile, sofisticato, con mille nomi, funzioni e rutilanti possibilità di adattamento ad ogni esigenza. Nella sua geniale semplicità, il trolley è diventato un eccellente rivelatore sociale. Comodità e pochi sforzi non li nega a nessuno, quindi l'offerta è diventata tale da diventare un indicatore del censo, della cultura, del carattere di chi lo spinge. O di chi lo tira. O di chi, atletico, usa solo la sua maniglia. Un trolley si sceglie con grande attenzione, costringe a pensare a sè, alle proprie esigenze di quando si è lontani da ciò che ci rende noi stessi, e ci giustifica. Per ogni valigia è così, direte.

Non a questi livelli, non in modo così preciso. Di seguito, una scelta di trolley per chiarirvi perché. In the old days when luxury meant having cheap labour available in plenty, packing up could amount to moving a good share of one’s things, poverty to gathering one’s belongings in a bundle, a dramatic gap that the evolution of society and transport has contributed to shrink more and more over the years. Today people easily fly throughout the world, and their capacity for transport is inversely proportional to their readiness to travel. What is really tiring today is choosing and bringing along all that makes life “socially acceptable” but also extremely complicated – at least in the Western World. No wonder that the outcome of all this should be hand luggage, which, with the addition of wheels, has in no time been turned into a dignified, sophisticated status symbol, and given countless names and functions to suit the most demanding travellers. With its ingenious simplicity the trolley affords comfort and saves you from strain, but is also an indicator of the social status, wealth, culture and temperament of those who carry it by the handle, over the shoulder or pull it along. A trolley is to be chosen with great attention; it makes you think about yourself and your needs, when you are away from all that makes your habitual

GLOBETROTTER – SAFARI Edizione del centenario per una valigia che dire classica è davvero poco. Difficile dire la differenza tra una Safari prodotta quarant’anni fa e una di oggi: classe, prestigio e robustezza ne fanno un punto di riferimento senza tempo - attuali rotelle in colore a contrasto a parte. Safari è costruita a mano in Inghilterra, con una fibra vulcanizzata speciale: leggera come l’alluminio e con tutte le caratteristiche del miglior cuoio. Non ci sono divisioni o tasche interne, solo due semplici cinghie che idealmente continuano quelle esterne, in pelle pregiata. Le serrature, i dettagli delle finiture, l’eleganza del marchio sulla foderina di protezione rendono Safari un bagaglio a mano di assoluta distinzione. Misura: 26 pollici, noblesse oblige… GLOBETROTTER – SAFARI

identity; it will account for your choice. It is like this with any suitcase, you may say. Not at such heights, not in such a precise way, though. The choice of trolleys that follows will explain why.

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The centenary edition of a classical suitcase. It is hard to find any difference between a Safari made forty years ago and one made today except for the contrasting colour wheels of the latter which class, prestige and strength make a timeless item. Safari is handmade in England from a special vulcanized fibre that combines the lightness of aluminium and the features of top quality leather. The suitcase has no inside partitions or pockets, only two simple quality leather straps, an ideal follow-up to the exterior ones. The lock and finish details, the smart label on the protection casing make Safari a stylish suitcase. Size: 26… inches, of course.

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IL BISONTE – BORSONE DA VIAGGIO La borsa qui illustrata esprime la raffinata filosofia artigianale di Wanny Di Filippo, fondatore nel 1970 de Il Bisonte e da allora produttore di opere al di là dei dettami canonici della pelletteria. La borsa è in vacchetta, vale a dire quel cuoio naturale a concia vegetale che invecchiando migliora. Al suo interno non presenta divisori o tasche: è il classico capace e robustissimo borsone da viaggio che contiene in sè, oltre al necessario, entusiasmo per la scoperta e gioia di vivere on the road, sì, ma con uno stile che rifletta soprattutto la passione per il bello che sia personale. Dettagli e lavorazione assolutamente spettacolari. Misure: 50x30x35 cm IL BISONTE – A HOLDALL This holdall illustrates the refined craft conception of Wanny Di Filippo who established Il Bisonte in 1970 and has ever since produced innovative leather items. The bag is in cowhide, the vegetable-tanned natural leather that time can’t but improve, and has no partitions or pockets inside. A classical, strong, capacious holdall, it expresses the enthusiasm of discovery, the joy of living on the road, and love for stylish, beautiful things, all the more so since its details and make are definitely spectacular. Size: cm 50x30x35

TUMI – CARTELLA SU ROTELLE ESPANSIBILE PORTA COMPUTER Tumi, azienda del New Jersey, si è ritagliata un posto di assoluto prestigio tra chi pensa al design come madre di funzionalità e indistruttibilità senza tralasciare l’estetica. Il carrello è in alluminio aereonautico, sparisce completamente nel corpo della cartella e le ruote si notano appena. Il corpo però è espansibile, e dalle dimensioni di una cartella capace di sostituire l’ufficio per quantità e qualità di accessori in un attimo tiriamo fuori un trolley con porta abiti interno. Il brief porta computer alloggia un sistema di sospensione anti shock brevettato per garantire la massima sicurezza al laptop. Il tessuto è nylon balistico ristudiato con tecnologie proprietarie e virtualmente a prova di abrasione. Misure (della sola cartella): 44x36x23 cm TUMI – AN EXPANDABLE WHEEL BRIEFCASE FOR THE COMPUTER Tumi has a leading position among those who think of design in terms of functionality, strength and beauty. The extra hard aluminium carrier is totally bedded in the bag’s base so that the wheels are hardly visible. The body of the briefcase contains accessories –among which a coat case- and is expandable to a size that makes it a substitute for one’s office. The patented in-built anti-shock device guarantees protection to the laptop and the abrasion proof nylon fabric is the result of the firm’s research. Size: cm 44x36x23

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BRIC’S – BELLAGIO

VALEXTRA – AVIETTA 48

MANDARINA DUCK – FROG

Bric’s è una bandiera del design italiano giovane e chic nel settore valigeria, e il trolley Bellagio (nome del colore del tessuto ma anche del luogo di nascita di Bric’s) ne è un eccellente esempio. ABS, polipropilene ed alluminio sono i materiali usati per le parti rigide e quelle meccaniche, mentre i tessuti sono in poliammide ad alta resistenza all’abrasione. Le finiture sono in pelle, e si sposano elegantemente con il soft touch delle verniciature. La tasca superiore ospita un organizer estraibile, quella inferiore un porta abiti anche questo asportabile. Il design del tutto è un piacevole misto di linee curve e linee decise, moderno ma con concreti e piacevoli richiami all’artigianalità della migliore pelletteria. Misure: 37x55x22 cm

Avietta 48 nasce nel 1975, quando Valextra è già da molto tempo (nasce nel 1937) un nome noto per i viaggiatori più raffinati ed esigenti. Avietta già nel nome si propone come bagaglio a mano in aereo: costruita con due scomparti di differenti spessori: lo scomparto più grande è dotato di cinghie ferma abiti in cuoio, mentre quello più piccolo può contenere anche una cartella a tre soffietti. L’esterno è dotato di una tasca con cerniera e di due tasche piatte verticali. L’interno è rivestito in pelle o in tessuto antisfilo, mentre il telaio è in acciaio armonico temperato. La zip lungo i tre lati, la chiusura brevettata, la maniglia comodissima sono alcuni dei particolari che hanno fatto nel tempo di Avietta un vero e proprio oggetto di culto. Misure: 45x35x18 cm

Leggera, agile, colorata, espansibile come la rana da cui prende il nome, Frog è un trolley che con la sua combinazione di struttura morbida/rigida ottiene robustezza e flessibilità di utilizzo. All’interno della parte rigida trova posto una tramezza fermata ai lati con ganci e reti di suddivisione. Nella morbida, invece, ci sono un vano porta camicie, tasche elastiche per alloggio scarpe, un porta abiti estraibile. Le plastiche e i tessuti sono ironici, colorati e di qualità e robustezza elevati - uno standard per Mandarina Duck, che propone la linea Frog in diversi modelli per coprire le più diverse esigenze.

BRIC’S – BELLAGIO Bric’s are among the trendiest young Italian designers of luggage, and their trolley “Bellagio” –from the name of the fabric and the firm’s hometown– is one of their best achievements. The stiff and mechanical parts are in ABS, polypropylene or aluminium, whereas the fabrics are in abrasion-proof polyamide, and the leather finish makes a smart match to the soft touch of the varnished parts: A pullout organizer and garment container are lodged in the upper and lower pocket. The up-to-date design is a nice mixture of curves and straight lines, with pleasant hints of the best handicrafts. Size: cm 37x55x22

VALEXTR A – AVIETTA 48 Avietta was first manufactured in 1975, when Valextra -established in 1937– had long been familiar to refined, demanding travellers. This carry-on bag has two compartments of different sizes; the larger one is equipped with leather garment straps, the smaller one is designed to hold a three-gusset briefcase. The outside has a zip pocket and two flat vertical ones; the inside is lined with leather or fray-proof material and is in elastic tempered steel. The zips on three sides, a patented lock, the easy-to-hold handle are but a few details that have made Avietta a cult item over the years. Size: cm 45x35x18

MANDARINA DUCK – FROG This light, coloured, easy-to-handle trolley can expand like a frog, whose name it borrows. The combined rigidness and softness of its structure give it strength and flexibility. The stiff portion contains a curtain whose sides are fastened by hooks and partition nets; the soft part contains a compartment for shirts, elastic pockets for shoes and a pull-out garment container. The high quality, strong plastics and fabrics are up to the best standards of Mandarina Duck, whose line “Frog” comes in several models to meet customers’ demand. The model in the photo is cm 55x37x20 in size. Misure del modello in foto: 55x37x20 cm

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EAGLE CREEK – CARGO BAG LUGGAGE

PIERO GUIDI – TROLLEY LINEA BOLD

Eagle Creek è un nome che da solo evoca il mondo dell’outdoor più esclusivo, e tanta fama non si smentisce neanche in un modello semplice come questa borsa della serie Cargo Gear Bags. È spartana, in robusta cordura, ma molto curata. Tutti gli scomparti sono chiudibili a chiave, le tasche e le maniglie (in pelle, molto pratiche quelle laterali) sono a prova di strappo (non sarebbe una borsa garantita a vita). Il suo design è trapezoidale per essere maneggevole, è disponibile anche una tracolla. Il modello in foto è il più piccolo di una serie di tre borse, ha una capacità di 40 litri ed è pragmaticamente indicato come di taglia M. Noi che sappiamo che un buon viaggiatore non trascura nemmeno la comodità dei numeri, diamo al solito le misure: 51x28x33 cm

Le abilità di artista di Piero Guidi arrivano a riflettersi anche nelle linee superclassiche del trolley della sua Linea Bold. Nero, massiccio ma alleggerito nell’ultima versione con l’utilizzo di materiali tecnologicamente avanzati, presenta grande cura nella lavorazione e nei caratteristici dettagli in nickel e metallo brunito. Il marchio degli angeli abbracciati non è il solo dettaglio che fa di questo trolley un pezzo di pregio: la sua robustezza gli assicura lunga vita e parecchi giri del mondo. Misure: 57x37x30 cm

EAGLE CREEK – CARGO BAG LUGGAGE If Eagle Creek conjure up the most exclusive world of luggage, this simple model of their Cargo Gear Bags, available also with a shoulder strap, will not let you down, as it is an austere but extremely well-made cordura item, with lock compartments, tear-proof handles and pockets, practical leather side pockets, all of which account for its life-long guarantee. The bag’s trapeze design makes it easy to handle. The model in the photo is the smallest of three, has a 40-litre capacity and is M in size (cm 51x28x33).

PIERO GUIDI – BOLD TROLLEY LINE “Bold” trolley line’s classical design is a reflection of Piero Guidi’s artistic gifts. The latest model of the black, solid trolley has been lightened through the use of technologically advanced materials, is made with great accuracy and stands out for its typical nickel or burnished metal details. The logo with two embracing angels is not the only detail that makes this trolley precious; its strength guarantees durability and countless journeys around the world. Size: cm 57x37x30

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— PEOPLE

ITALIAN 'FLEXABILITY' Alessandro Mendini rappresenta col proprio lavoro la creatività italiana nel mondo. Dalla seconda metà degli anni ‘70 ad oggi l’architetto milanese ha realizzato oggetti, arredi, installazioni e interni, confrontandosi quotidianamente tanto con pubbliche amministrazioni quanto con aziende e brand internazionali. È stato insignito del Compasso d’Oro nel 1979 e nel 1981; è stato nominato Cavaliere delle Arti e dei Mestieri in Francia oltre ad aver ricevuto onorificenze speciali a New York e la laurea Honoris Causa presso il Politecnico di Milano. Intellettuale e innovatore, Mendini ha contribuito al dialogo sull’architettura con le sue creazioni e gli scritti teorici oltre che con l’insegnamento di design alla Hochschule für Angewandte Kunst di Vienna e alla Accademic Council of Guangzhou Academy of fine Arts in Cina, in qualità di professore onorario. Sensibilità, cultura e ironia caratterizzano il suo lavoro sia come membro dello storico gruppo Alchimia che come titolare, assieme al fratello Francesco, dell’Atelier Mendini

dal 1989. Queste doti lo hanno portato a realizzare mobili e oggetti d’uso comune così come grandi opere pubbliche e private, come la piscina olimpionica di Trieste, due stazioni della metropolitana di Napoli, il Byblos Art Hotel di Verona, oltre al recupero di tre aree industriali, la costruzione della torre dell'orologio a Gibellina, il Museo della Ceramica a Icheon (Corea del Sud) e il Museo di Groningen in Olanda. Mendini negli anni ha anche diretto le maggiori riviste di settore, come Casabella, Modo e Domus; nella sua progettazione arte, architettura e design si incontrano fino a superare funzione ed estetica, per toccare i sentimenti e l’immaginazione umana. A sottolineare la sostanza del suo lavoro vi è la trentennale collaborazione - anche in qualità di Direttore Artistico - con Bisazza e l’immaginifica poltrona Proust, creata nel 1978 e ciclicamente ripensata nei materiali, nelle dimensioni, nei colori e nei processi produttivi. 1 Alessandro Mendini, Alessandro M., Alessi, 2003 2 Alessandro Mendini, Sedia Scivolavo, miniatura in ottone, Short stories, 2004 3 Alessandro Mendini, Mobile Milanese, Zerodisegno- Carlo Poggio, 2009 4 Alessandro Mendini, Sirfo, Zanotta, 1986 5Alessandro Mendini, Guerriero di Vetro, Venini, 2000 6 Alessandro Mendini, Anna G., Alessi, 1994 7 Alessandro Mendini, San Francisco, Cleto Munari, 2008 8Alessandro Mendini, Moka Alessi, 2011 9 Alessandro Mendini, Anna Etoile, cavatappi gioiello, Alessi, 2010 10 Alessandro Mendini, Kandissi, 1978

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Alessandro Mendini’s work stands for Italian creativity in the world. Since the second half of the ‘Seventies the Milan-born architect has realised objects, furniture, installations and interiors, and daily tackled firms, international brands and public authorities. He was awarded the Compasso d’Oro in 1979 and 1981, dubbed Chevalier des arts et des métiers in France, received special honours in New York and an honorary degree from Milan Polytechnic. An intellectual and innovator, Mendini has given a relevant contribution to debates on architecture with his creations, theoretical writings and design teaching activity at Hochschule fur Angewandte Kunst, Vienna, and at the Academic Council of Guangzhou Academy of Fine Arts, China, in the capacity of honorary professor. His culturally qualified work has always been characterised by sensibility and irony both as a member of the historic Group Alchimia and since 1989 as the owner, with his brother Francesco,

of Atelier Mendini. His talent has enabled him to realise furniture and objects of daily use, as well as great works for public and private customers, like the olympic-size swimming pool in Trieste, two stations of Naples’ subway, the Byblos Art Hotel, Verona, besides the recovery of three industrial areas, the building of Gibellina’s clock tower, the Museum of Ceramics at Icheon, South Korea, and Groningen’s Museum in the Netherlands. Mendini has also been the editor of major magazines in the field, like Casabella, Modo and Domus. The combination of art, architecture and design in his planning activity surpasses functionality and aesthetics and borders on human sentiments and imagination. The soundness of his work is emphasised by his thirty-year collaboration with Bisazza (also in the capacity of Artistic Director), and the fantastic Proust chair, created in 1978, whose materials, size, colours and production are from time to time updated. ateliermendini.it

1-5 Alessandro e Francesco Mendini, Piscina Comunale di Trieste, 2002 2 Alessandro e Francesco Mendini, Uffici Trebd, Villa Le Scalette, Vicenza, 2002 3 Alessandro e Francesco Mendini, Metropolitana di Napoli: stazione Materdei, Napoli 2002 4 Alessandro e Francesco Mendini, Groninger Museum, Groningen, Olanda, 1994

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— PRODUCT

A TUTTO COLORE Al salone del Mobile 2011 è stato presentato il prototipo dell’ultima riedizione della poltrona Proust di Alessandro Mendini nata dalla collaborazione con Magis. Dall’incontro tra le capacità tecnologiche e produttive dell’azienda di Eugenio Perazza e l’ironia visionaria del famoso architetto milanese nasce MagisProust, una riedizione della storica poltrona di Mendini interamente realizzata in polietilene mediante stampaggio rotazionale e prodotta in sette varianti di colore: arancione, blu, verde, rosso, bianco, nero e multicolor. La classica imbottita originariamente dipinta in ogni sua parte con la tecnica del divisionismo (propria del pittore francese Signac) accentua il proprio aspetto ludico grazie al materiale impiegato e alle dimensioni generose - 104 x 90 x 105 (h) centimetri; al tempo stesso, la nuova monocromia che la caratterizza si incrocia con le forme barocche della seduta facendone risaltare la tridimensionalità, le bombature e i decori e fa vibrare intensamente il colore in naturali giochi di chiaroscuro. magisdesign.com

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FULL-COLOUR MODELS The Furniture Show 2011 displayed the prototype of the latest edition of the Proust Chair by Alessandro Mendini, born from his collaboration with Magis. The productive and technological skill of Eugenio Perazza’s Firm combined with the visionary irony of the well-known Milan-born architect has led to MagisProust, a new edition of Mendini’s historic chair, entirely realised in polyethylene by rotomolding in seven different colours: orange, dark blue, green, red, white, black and multicolour. The classic upholstered chair originally painted on all of its parts with the technique of divisionism (typical of the French painter Signac) stresses its playful aspect thanks to the material employed and the generous size – 104x90x h 105 (h). At the same time the plain colour that characterises each model merges with the baroque form of the seat and emphasises its three-dimensional body, rounded shapes and decorations, while the natural interplay of light and shade makes colours vibrate.

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STEPHEN VENEZIA

Unconventional and determined, the woman proposed by Stephen Venezia interprets fashion with personality and expresses her femininity by subtly combining irony and provocation. Anticonformista e decisa, la donna di Stephen Venezia interpreta la moda con personalità, esprimendo la sua femminilità in un sottile gioco d’ironia e provocazione. La donna è il motore dell’universo creativo del marchio che da due stagioni ha abbandonato la ricerca ispirata all’arte astratta in favore di una nuova direzione; ciascuna collezione è infatti ispirata ad un preciso modello femminile. La prima svolta avviene con la FallWinter 2010-2011 sotto il fascino di una conturbante Eva Kant e in occasione dell’interpretazione di Angelina Jolie – in "The Tourist" – la collezione riprende l’idea della donna spia e introduce un tacco “doppio” che richiama direttamente il calcio di una pistola. Una donna ladra è la protagonista della Spring-Summer 2011: Stephen propone una collezione ironicamente ispirata a Fujiko Mine, scaltra e sensuale compagna di Lupin, contestualizzata nell’immaginario cinematografico anni ’50-’60. Contrasto e provocazione sono la chiave di lettura della stagione invernale 2011-2012: una surreale caccia alla volpe nel deserto del Nevada – la ‘Fox hunting in Vegas’ - si rifà

all’abbigliamento sportivo delle nobildonne inglesi. Stephen Venezia mescola gli elementi tradizionali delle calzature da caccia e da equitazione, quali le cuciture e le paramonture in pelle, ad inserti colorati eccessivi, ispirati alle luci e ai neon di Las Vegas. Ne deriva una linea dall’approccio non convenzionale che riprende la tradizione per trasformarla in un elemento distintivo mai scontato. La Spring Summer 2012 sarà invece ispirata al guardaroba giapponese, in particolare agli elementi tradizionali del mondo delle Geisha, interpretati in chiave moderna attraverso un gioco di tessuti e origami costruiti direttamente sulla tomaia. Da oltre quarantanni Stephen Venezia è sinonimo del perfetto connubio tra la tradizione calzaturiera italiana e uno stile unico dal sapore internazionale. Unconventional and determined, the woman proposed by Stephen Venezia interprets fashion with personality and expresses her femininity by subtly combining irony and provocation. In the past two seasons woman has been the driving force of the brand; its creative universe is no longer based on research on abstract art, for its collections are now focused on precise woman models. The Fall-Winter season 2010-2011 marked the first turning point due to Eva Kant’s raunchy charm, and, when ‘The Tourist’ starred Angelina Jolie, the collection revived the idea of the woman-spy and introduced a ‘ double’ heel that recalls a pistol butt. The woman-thief is the protagonist of the Spring-Summer season 2011 with a collection that ironically draws inspiration from Lupin’s partner, shrewd,

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sensual Fujiko Mine, with images from films of the ‘50s and ‘60s. Contrast and provocation are the keys to the Winter season 2011-2012: a surreal fox hunting in the Nevada desert – Fox Hunting in Vegas – recalls the sportswear of English noblewomen. Stephen Venezia merges the traditional elements of hunting and riding footwear, such as seams and leather tabs, with very lively coloured insertions that recall the lights and neon signs of Las Vegas. The resulting line has an unconventional approach which draws on tradition to turn it into an original element of distinction. The Spring-Summer season 2012, instead, will draw inspiration from Japanese tradition, in particular from the traditional footwear of Geishas which is revisited and given a modern taste by the interplay of fabrics and origami on the vamp. For over forty years Stephen Venezia has been synonymous with the perfect merging of Italian footwear tradition and a unique international style. stephen.it

Da oltre quarantanni Stephen Venezia è sinonimo del perfetto connubio tra la tradizione calzaturiera italiana e uno stile unico dal sapore internazionale.

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VINTAGE INSPIRATION

Le radici di Hollywood Trading Company affondano nel mondo del vintage americano e nella ricerca iniziata vent’anni fa dal fondatore del marchio Zip Stevenson. Andrea Brà è alla guida di LCB Company, azienda italiana leader nella produzione di accessori in cuoio di alta qualità, produttrice e distributrice del marchio californiano. Il valore di HTC, a dieci anni dall’incontro tra le due aziende, nasce proprio dal connubio – che egli stesso definisce un’attrazione spontanea, forte, irresistibile – tra la sua

passione per la reinterpretazione del vintage e la ricerca di Stevenson. HTC si distingue per un gusto che testimonia la forza e la modernità della cultura americana autentica. Ma se il cuore pulsante del brand è americano, le sue mani si muovono con una maestria tutta italiana: è infatti dal Made in Italy e dalla tradizione artigianale della famiglia Brà che il marchio ha tratto quel valore aggiunto che, secondo il manager, rende possibile il ‘twist’, il cambio di tendenza imprevisto per fare la differenza

generando una collezione senza uguali. La forza espressiva dei modelli, la cura dei dettagli, la preziosità delle lavorazioni sono la testimonianza di un approccio unico, distante da qualsiasi serialità e forma di omologazione, che deriva da un percorso creativo ogni volta irripetibile: un viaggio, un luogo, un personaggio incontrato nel cammino, un concerto. E nell’anima di HTC si riflette proprio l’attrazione autentica per la musica, in tutte le sue sfaccettature: non solo performance ma anche suono, backstage,

Andrea Brà

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atmosfera, perché “dietro ai grandi personaggi c’è sempre una grande passione e un teatro di figure apparentemente marginali ma che con la loro sapienza e passione sono l’anima dello spettacolo, il reale hand crafted”. Allo stesso modo, il lavoro di Andrea Brà è come un concerto, in cui ciò che conta non è tanto l’effetto finale, quanto il crescendo che lo stilista ottiene nella sua sfida con il dettaglio. Che si parta da una gradazione di colore, da una forma, da un materiale, comunque la creazione artistica è data dal processo

di reinterpretazione di quel particolare dettaglio vintage, che porta a un esito sempre imprevisto e originale. Hollywood Trading Company is rooted in the world of American vintage fashion and in the research undertaken twenty years ago by Zip Stevenson, the brand’s founder. Andrea Brà is the general manager of LCB Company, a leading Italian firm in the production of high quality leather accessories, that manufactures and distributes the Californian brand. Ten years after the two Firms started to

collaborate, the value of HTC stems from the merging of their passion for reinterpreting vintage items – which Brà himself defines a strong, spontaneous, irresistible attraction – with Stevenson’s research. HTC is noted for a taste that points to the power and modernity of authentic American culture. However, if the throbbing heart of the brand is American, its skilful hands are typically Italian; in fact, it is from Made-in-Italy products and from the Brà Family’s tradition of craftsmanship that the brand acquires an extra value which – according to the

manager – leads to an unforeseen change in trend that makes all the difference, with the creation of a matchless collection. The expressive power of the models, the care for details, the preciousness of manufacture point to an original approach that shuns serial production and standardisation, and is the result of unique creative circumstances like a journey, a place, a personality met on the way, a concert. The very soul of HTC reflects its true attraction to music in all its aspects: its performance, sound, backstage, atmosphere, because “ behind great personalities there is

always a great passion, a stage full of apparently secondary figures, who, with their skill and passion are the real soul of the show, what is truly handcrafted”. Likewise, Andrea Brà’s work is like a concert in which what really matters is not the final effect, but the crescendo that the stylist obtains when he’s at grips with the challenge of details. Whether the starting point is a colour shade, a form, or a material, artistic creation is achieved by the reinterpretation of a particular vintage detail that always leads to unforeseen, original results. htclosangeles.com

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FROM VENICE TO VENICE

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Dalla grande passione per la moda e per l’arte di Francesca e Alessandro Gallo, dieci anni fa, è nato Golden Goose Deluxe Brand. Abiti e accessori - per uomo e per donna – intepreti di uno stile autentico, ottenuto dal perfetto connubio della tradizione sartoriale italiana con la tendenza alla sperimentazione. L’attenzione alla qualità e ai dettagli costruttivi, abbinata alle diverse declinazioni delle icone del marchio - la stella e la bandiera stilizzata - hanno dato vita a un lifestyle moderno e sofisticato. Il marchio ha sviluppato negli anni un forte legame affettivo con Venezia, città natale, vicina non solo nello spazio ma anche nella visione, grazie alla sua capacità unica di veicolare l’arte nel panorama mondiale. L'arte per Golden Goose Deluxe Brand è fil rouge di ogni scelta creativa: un’arte vissuta con empatia, non costruita a tavolino, non arte-fatta ma riconosciuta come valore e possibilità di comunicare lo spirito d’innovazione e la sensibilità per il bello e per l’idea, propri della filosofia del brand. Un legame bidirezionale che si rafforza quest’anno, in occasione del X° anniversario del marchio: Golden Goose Deluxe Brand è divenuto infatti sponsor sostenitore e fornitore ufficiale della 54° Esposizione Internazionale d’Arte, grazie ad un accordo che coinvolgerà anche la 13° Mostra Internazionale di Architettura nel 2012. La scelta sottolinea ulteriormente la volontà di vivere una relazione passionale e creativa con l’arte contemporanea, in una città da sempre punto di partenza e metafora stilistica del marchio. Da Venezia a Venice Beach, andata e ritorno. GGDB sostiene Venice in Venice, evento collaterale della Biennale Internazional d'Arte, promosso da Foundation 20 21 di New York nelle sale di Palazzo Contarini degli Scrigni per festeggiare i cento anni della “Venezia” Californiana. La

Golden Goose Deluxe Brand nasce 10 anni fa da un'idea di Francesca e Alessandro Gallo, che coronano la loro grande passione per la moda, coniugando stile italiano e desiderio di sperimentazione in una collezione di abiti e sneakers uomo-donna.

mostra celebra gli artisti che, dagli anni ’60 in poi, hanno animato la scena creativa di Venice Beach, attraverso pittura, scultura e installazioni. La Venice californiana e quella italiana: due dimensioni lontane ma accomunate dalla luce, dall’acqua, dall’arte. Due Venezie, una sola ispirazione: quella di GGDB, che in una Venezia insieme italiana e internazionale, proporrà una serie di pezzi a tiratura limitata, dedicati a 10 artisti che hanno lasciato una traccia indelebile nel mondo dell’arte e della cultura. Quattro stagioni fa Golden Goose Deluxe Brand, sulla base delle continue richieste, ha deciso di introdurre la linea bambino: fin dal debutto una collezione contraddistinta da un forte senso di responsabilità sociale. L’intero ricavato è stato infatti destinato, di volta in volta, a un preciso progetto benefico a favore dei bambini dei paesi più poveri o vessati dalle guerre. Golden Goose Deluxe Brand was born ten years ago from Francesca and Alessandro Gallo’s great passion for fashion and art. Men’s and women’s clothes and accessories that embody an authentic style, obtained from the perfect merging of the Italian tailoring tradition with a flair for experiment. The care for quality and manufacturing details combined with the different versions of the brand’s icons – the star and stylised banner – have led to a modern and sophisticated lifestyle. Over the years the brand has developed a strong attachment for its birthplace, Venice; close to it in space, Venice is a city whose vision GGDB shares because it has the power to spread art throughout the world. For Golden Goose Deluxe Brand art is the element that leads to all creations: according to the brand’s philosophy art must be lived with empathy, be genuine, and be recognised as a value, as a possibility to communicate the

spirit of innovation and sensitivity to beauty and ideas. A two-way relationship which is even stronger this year, on the occasion of the brand’s X anniversary: in fact, Golden Goose Deluxe Brand has become the sponsor, supporter and official supplier of the 54th Esposizione Internazionale d’Arte ( International Art Exhibition) thanks to an agreement that will involve also the 13th Mostra Internazionale di Architettura ( International Architecture Exhibition) in 2012. A decision that further emphasises the stylists’ willingness to live a passionate and creative relationship with contemporary art, in a city that has always been the starting point and the stylistic metaphor of the brand. From Venice to Venice Beach, there and back. GGDB supports Venice in Venice, a side event of the Biennial Art Exhibition, promoted by Foundation 2021, New York, in the premises of Contarini degli Scrigni Palace, to celebrate the hundredth anniversary of Californian “Venice”. The exhibition celebrates the artists who have since the ‘60’s been the protagonists of the creative scene in Venice Beach with their paintings, sculptures and installations. The Californian Venice and the Italian one: two far-off, different realities which share light, water and art. Two cities named Venice, but just one inspiring conception, that of GGDB; in a city like Venice, at once Italian and international, the brand will propose a number of items in limited edition devoted to ten artists that have left an indelible mark in the world of art and culture. As a children’s line was in great demand, four seasons ago Golden Goose Deluxe Brand decided to start it, a collection which has since its debut been characterised by a strong sense of social responsibility. In fact, the whole proceeds were each time devoted to precise charity projects in favour of children of deprived or war stricken countries. goldengoosedeluxebrand.com

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LIMITED EDITION CURRENCY BAG

In occasione del VFNO a Milano, Tumi, il prestigioso marchio di accessori da viaggio, business e lifestyle, collabora con il noto Istituto Marangoni per il lancio dell’edizione limitata ‘Currency Bag’ per l’Autunno/Inverno 2011.

per la sua resistenza senza pari, l’originale forma permette una doppia vestibilità: a tracolla diventa una borsa di medie dimensioni mentre grazie al doppio manico corto diventa una borsa multifunzionale sia da donna che da uomo.

Declinato dalla linea Alpha Bravo, questo versatile modello é casual e trendy. Disponibile sia in verde che in nero, l’esterno presenta uno delle tre principali valute monetarie: Euro, Dollaro o Yen. Il colore della fodera interna é in coordinato al simbolo esterno.

“La ‘Currency Bag’ rappresenta in pieno il DNA di Tumi, combinando design, funzionalità, innovazione tecnica e qualità. In più i simboli dell’Euro, del Dollaro e dello Yen riconfermano la presenza internazionale del brand” commenta Eric Gusman, Vice Presidente internazionale di Tumi. “La forma della ‘Currency Bag’ si ispira al lontano Far West, alle sacche

Realizzata in nylon balistico FXT™, tessuto emblematico scelto da Tumi

porta valori in cui veniva trasportato il denaro della Wells Fargo.” Solo 30 esemplari saranno presentati e venduti in esclusiva a Milano presso il Tumi Store di via Verri 3 e il Tumi Shop-in-Shop al Design Supermarket della Rinascente di piazza Duomo dall'8 settembre 2011 in occasione della Vogue Fashion Night Out con un allestimento creato appositamente dagli studenti di Istituto Marangoni che rispecchierà profondamente l’innovativo concetto di lifestyle delle ‘Currency Bag’. Un numero limitato di esemplari sarà poi disponibile dal 2012 da Lazzari a Treviso, Tindaci a Padova e Vergottini e Peter Ci a Como. “Sono molto orgoglioso di questa collaborazione e altrettanto orgoglioso dei progetti che i nostri studenti hanno presentato” - ha dichiarato Roberto Riccio, Group Managing Director di Istituto Marangoni - “Sono certo che questo stimolante sodalizio possa continuare e svilupparsi anche in futuro”. Introduced for VFNO in Milan, Tumi the leading international brand of premium travel, business, and lifestyle accessories collaborates with the notorious Isitituto Marangoni to launch a unique limited edition ‘Currency Bag’ for Fall/Winter 2011. Derived from the Alpha Bravo line, this versatile model is casual and trendy! Available in green or black, the exterior features one of three bold monetary symbols - Euro, Dollar or Yen. The interior color of each model stylishly matches the exterior symbol. The adaptable ballistic nylon FXT™ fabric allows the ‘Currency Bag’ to be worn

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in its hip original roomy form by the top leather carry handles or as a folded sleek cross body! Perfect for those seeking relaxed style and practicality! “The 'Currency Bag' truly represents the DNA of Tumi: combining design, functionality, technical innovation and quality. In addition the Euro, Dollar and Yen symbols reaffirm the international presence of the brand”, said Eric Gusman, Tumi’s International Vice President. “The unique concept derives from the Wild West, when funds were transported via by Wells Fargo carriers”. A total of 30 ‘Currency Bags’ will be available for purchase in Milan in two select locations, the Tumi Store Via Verri 3 and the Tumi Shop-in-Shop on the Design Supermarket in La Rinascente Duomo square. These will be exclusively pre-launched for the Vogue Fashion Night Out from September 8th 2011 until supplies last. The Tumi store window and the Tumi Shop-in-Shop in La Rinascente will be set up and unveiled by the students of Istituto Marangoni, truly projecting the innovative lifestyle concept behind the 'Currency Bag'. A limited number of models will be available in 2012 by Lazzari in Treviso, Tindaci in Padova and Vergottini and Peter Ci in Como. “I’m very proud of this collaboration and also proud of the projects presented by our students” said Roberto Riccio, Group Managing Director of Istituto Marangoni. “I’m sure that this challenging cooperation could continue and develop also in the future”. tumi.com twitter.com/tumitravel facebook.com/tumitravel

— ART

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LO SPAZIO CONCERTATO

“Uno spazio concertato” è il titolo della mostra che lo scultore Romano Abate e il pittore Francesco Stefanini hanno realizzato nei mesi di marzo e aprile del 2011 nei suggestivi spazi dell'Associazione Culturale Lazzari a Treviso. Nella serata di inaugurazione il critico Marco Goldin ha presentato il lavoro degli artisti e sono stati diffusi i frammenti musicali da “Interludio da Le chemin de la Croix” di Paul Claudel, composti dal maestro Giusto Pio. Lino Vecchiato e Max Marzola hanno proiettato l'anteprima del video da loro realizzato che, in chiusura della rassegna il giorno 21 Aprile 2011, è stato presentato nella sua forma definitiva, sottolineando con le immagini alcuni aspetti salienti dell'attività dei due artisti e le fasi più significative dell'inaugurazione. Sempre in occasione della serata finale, il poeta triestino Christian Sinicco ha letto la poesia di sua creazione “Reazione alla nostra velocità” e il pediatra professor Sergio Saia e il dottor Fabio De Longhi hanno illustrato l'iniziativa umanitaria “ Per Mio Figlio” promossa dalla Meeting group. Nell'occasione sono stati sottolineati i contenuti che caratterizzano l’Associazione “Per Mio Figlio” onlus a favore della quale i due artisti hanno realizzato il decoro delle T-Shirt donate dall’azienda veneta. In occasione della serata conclusiva dell’esposizione è stata presentata la brochure contenente le immagini delle opere e la corrispondenza via e-mail che gli artisti hanno intrecciato durante il percorso di preparazione e creazione della mostra stessa, edita da Grafiche Antiga. Abbiamo già sottolineato in altre circostanze di voler rifiutare ogni espressione autoreferenziale sul carattere e sui contenuti della rassegna e qui, in questa breve esposizione che accompagna

“A Concerted Space” is the title of the exhibition that the sculptor Romano Abate and the painter Francesco Stefanini set up in March-April 2011 in the evocative spaces of Associazione Culturale Lazzari, Treviso. On the inaugural evening the critic Marco Goldin presented the artists’ works with the musical background of fragments from “Interlude from Le Chemin de la Croix” by Paul Claudel, composed by maestro Giusto Pio. le immagini delle opere di pittura e di scultura degli artisti, vogliamo riportare le parole che il critico Ennio Pouchard ci ha riservato a suo commento: “ brochure post-mostra: elegante, misurata, essenziale, esaustiva; con il pregio della brevità che invita alla lettura. Non secondario poi, il fatto che dalle e-mail le vostre figure emergono vere, persino con le sfumature di inquietudine che rendono riconoscibili le personalità di entrambi. Dvd: svelto, agile, porta a dire, quando arriva alla conclusione, ”peccato che sia finito”. Stralcio della presentazione della mostra di Marco Goldin, fatta in occasione dell’apertura: “…da un lato ci sono i quadri di Francesco Stefanini che stanno come dentro un mondo sospeso, un mondo fatto di equilibri molto lontani, di visioni prese quasi da una finestra che – più che una finestra naturalistica – è una finestra dell’anima che ha sempre bisogno di essere attraversata dallo sguardo… Un lavoro, il suo, per “sottrazione”, con lo sguardo lanciato verso il confine della natura e poi spogliato – poco per volta – dagli elementi

appunto naturalistici che fanno di quelle visioni non un racconto aneddotico, ma un racconto fatto per “asportazione della realtà… dall’altra parte, la scultura di Romano Abate, fatta per “addizione” sì, ma soprattutto per sovrapposizione di cose… Devo dire qui – e Romano lo sa e lo sanno molti suoi amici qui presenti questa sera – che avevo guardato alla sua scultura con una certa diffidenza prima dei mesi che avevano preceduto la mostra del lontano 1996 a Palazzo Sarcinelli a Conegliano, mesi durante i quali mi sono estremamente appassionato al suo lavoro (…) e quello che mi ha colpito di più è che alla moltiplicazione della realtà della sua scultura corrisponda il “silenzio…” Treviso, 4 Marzo 2011 THE CONCERTED SPACE “A Concerted Space” is the title of the exhibition that the sculptor Romano Abate and the painter Francesco Stefanini set up in March-April 2011 in the evocative spaces of Lazzari Cultural Association, Treviso. On the inaugural evening the critic

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"Enfant Prodige, Enfant Pro-Mig" Romano Abate

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Opere di Francesco Stefanini Works of Francesco Stefanini

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Marco Goldin presented the artists’ works with the musical background of fragments from “Interlude from Le Chemin de la Croix” by Paul Claudel, composed by maestro Giusto Pio. Lino Vecchiato and Max Marzola premiéred the video that they realised and was presented in its final form on 21 April 2011 at the end of the exhibition, to document the main aspects of the two artists’ activity and the most significant inaugural events. On the concluding evening, the Trieste-born poet Christian Sinicco read one of his poems, “Reazione alla nostra velocità”, and the paediatrician Prof. Sergio Saia and Doctor Fabio De Longhi illustrated the charity initiative “Per Mio Figlio” (“For My Child”) promoted by the Meeting group, and the activities of the “Per Mio Figlio” Association Onlus. The Association received from the Veneto-based Firm a number of t-shirts which the two artists offered to decorate. Published by Grafiche Antiga, a brochure was presented showing images of the works on display together with the emails that the artists wrote or received while setting up the exhibition. We have already emphasised elsewhere that we are determined to avoid any self-complacent statement on the quality and contents of the exhibition, therefore, in the brief report that accompanies the images of the artists’ paintings and sculptures, we are glad to quote the remarks of the critic Ennio Pouchard: “the post-exhibition brochure: elegant, measured, essential, comprehensive; its brevity is a merit and an invitation to reading. It is no less important that the e-mails portray the artists’ authentic personalities, even with the hints of anxiety that make both of

them recognisable. The DVD is brisk and lively, so that when it ends we are led to say “what a shame it is over”. An excerpt from Marco Goldin’s presentation of the exhibition on its opening: “…on one side are displayed Francesco Stefanini’s paintings that lie in a poised world made of far-off harmonies, of visions from a window, not a real one though, the soul’s window, always expecting piercing glances…His works are realised by “subtracting”, the artist’s glance fixed on the limits of nature; then, stripped little by little of natural elements, his visions are no longer anecdotal, but become tales realised by removing all real elements from them…. On the other side, Romano Abate’s sculptures realised by “adding”, indeed by making things overlap…On this occasion I must say – as Romano and many of his friends know – that I had somehow mistrusted his sculpture in the months previous to the 1996 exhibition at Palazzo Sarcinelli, Conegliano; yet, in those months, I became extremely keen on his work (…) and what struck me most is that “silence…” is the correlative of the multiplication of reality achieved by his sculpture. Treviso, March 4th 2011. francescostefanini.it romanoabate.tv

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— ART

fondo suola e il sughero ammortizzante) vengono cuciti insieme a mano. I vantaggi derivanti da questo metodo sono una maggiore resistenza e un'ottimale traspirazione della scarpa. "A Shoe is Born" è un'esposizione itinerante che continuerà fino al 15 Marzo 2012. Gli store coinvolti sono: Chegini (Vienna), dal 1 Settembre al 1 Ottobre 2011, Lift (Tokyo) dal 16 Ottobre al 10 Novembre 2011, Layers (Londra) dal 10 Gennaio al 10 Febbraio 2012, Project 3,14 (Mosca) dal 20 Febbraio al 15 Marzo 2012.

A SHOE IS BORN

Nel 1896 Guido Guidi, Giovanni Rosellini e Gino Ulivo fondarono la "Conceria Guidi e Rosellini". L'arte conciaria a Pescia (in Toscana) ha origini lontane e radici che affondano nel medioevo. Già nella seconda metà del Trecento, fra le corporazioni pesciatine esisteva quella

Photo © Leonard Gomes Ferenczi

Dal 6 Maggio al 6 Luglio 2011 ha debuttato presso lo Spazio Lazzari l'esposizione del marchio di accessori Guidi "A Shoe is Born". La mostra rappresenta un percorso visivi attraverso i processi produttivi artigianali della scarpa "988": stivali ricavati da un unico pezzo di pelle, tinti "in capo" e costituiti da 11 parti (22 per ciascun paio). In esclusiva per la mostra, Guidi ha prodotto una limited edition di soli 5 pezzi in colore bianco. La scarpa 988 è prodotta dall'azienda dal 1995 ed è realizzata secondo il metodo Goodyear, come tutti i modelli del marchio. La cucitura "goodyear" è tradizionalmente adottata nella manifattura delle calzature da uomo e deve il suo nome a Charles Goodyear Jr, inventore di questa lavorazione artigianale. I diversi elementi (la tomaia, il

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dei conciatori di pelli e dei calzolai. Attualmente è Ruggero Guidi a proseguire l'attività conciaria, sforzandosi di mantenere sempre il perfetto equilibrio tra tecnologia e rispetto per la tradizione. La "Conceria Guidi e Rosellini" è conosciuta in tutto il mondo in ragione della capacità di Guidi di soddisfare perfettamente le esigenze di designer alla ricerca di pellami particolari e trattamenti speciali. La passione per la pelle e il rispetto per le lavorazioni tradizionali sono i punti fermi del progetto Guidi. Ruggero Guidi rifiuta le logiche della produzione di massa concentrandosi su una ricerca indipendente dalle tendenze. Scarpe dedicate a coloro che sono alla ricerca di qualcosa di unico, in sintonia con la tradizione. Scarpe che solo un artigiano saprebbe produrre da morbide e candide pelli o con pellami odoranti, invecchiati e ispessiti. Guidi è sinonimo del legame esistente tra un oggetto e il suo proprietario. From May 6th to July 6th 2011 the exhibition of the brand of accessories Guidi “A Shoe is Born” made its debut at Lazzari Space. The exhibition showed images of the main stages in the hand made production of footwear “988”: boots obtained from a single piece of leather, garment dyed and made up of 11 parts (22 per each pair). For the exhibition Guidi proposed an exclusive limited edition in white of only five pairs. Realised following the Goodyear method, like all of the brand’s models, 988 footwear have been manufactured by Guidi since 1995. “Goodyear” seams are traditionally adopted in the manufacture of men’s footwear and owe their name to Charles Goodyear Jr., who first invented the handcrafted method. The various elements

( the vamp, the sole and the cushioning cork) are sewn together by hand, and this method results in the shoes’ greater strength besides making them breathable. “A Shoe is Born” is a touring exhibition which will last until March 15th 2012. The Stores involved are: Chegini (Vienna), from September 1st to October 1st 2011; Lift (Tokyo) from October 16th to November 10th 2011; Layers (London) from January 10th to February 10th 2012; Project 3,14 (Moscow) from February 20th to March 15th 2012. In 1896 Guido Guidi, Giovanni Rosellini and Gino Ulivo established “Conceria Guidi e Rosellini”. At Pescia (Tuscany) the leather industry is an ancient art rooted in a tradition dating from the Middle Ages, when Pescia had both shoemakers’ and tanners’ guilds. The tannery is at present run by Ruggero Guidi whose aim is to keep a perfect balance between technological innovation and the respect of tradition. “Conceria Guidi e Rosellini” is renowned all over the world thanks to Guidi’s ability to meet the demands of designers looking for unique kinds of leather and special treatments. What underlies the Guidi project is their love for leather and compliance with traditional techniques, while Ruggero Guidi’s rejection of mass production enables him to focus on independent research regardless of trends. Their footwear is devoted to people who look for unique items in line with tradition, footwear that only a craftsman would be able to make with soft spotless leather or with aged, thickened, fragrant leather. Guidi stands for the special bond existing between an item and its owner. guidi.it

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— ART

ART, WHERE ARE YOU GOING?

É diventato difficile comprendere il panorama artistico contemporaneo, individuare le sue idee dominanti e le direttrici di sviluppo. Il pubblico che visita le grandi mostre o la proposta artistica della galleria cittadina, si accorge facilmente della deriva ermetica dell'arte contemporanea sempre più bisognosa di supporti linguistici chiarificatori. In questo vasto panorama di offerta artistica fatto di video, installazioni, performance, sculture create con materiali di recupero, pittura, graphic art, artisti che impiccano bambini o tagliuzzano animali, la domanda da porsi è: in che direzione si muove l'arte? Here’s a question that can’t but leave us puzzled. It is hard to understand contemporary art works, to single out the main ideas they contain and their guiding lines. The people who visit great exhibitions or the proposals of a city’s art gallery can’t but notice the cryptic language of contemporary art and its ever increasing need for explanatory comments. When facing the wide range of artistic proposals including videos, installations, performances, sculptures created out of salvage, paintings, graphic art, artists that hang children or cut up animals, we are inevitably led to a question: what are the guidelines of contemporary art?

Takashi MURAKAMI Flower Matango 2001-2006 Fiberglass, iron, oil paint and acrylic 315 x 204,7 x 263 cm / 10,33 x 6,7 x 8,63 feet ©2001-2006 Takashi Murakami/Kaikai Kiki Co., Ltd. All Rights Reserved. photo : Cedric Delsaux - The Hall of Mirrors / Château de Versailles

LA MANCATA CANONIZZAZIONE DELL'ARTE. Le opere di Takashi Murakami sono Superflat. L'artista giapponese recupera vari elementi della tradizione culturale nipponica, sia quella del XVII secolo del Kabuki che quella dello Joruri ma anche la meno ufficiale degli Anime anni Settanta della subcultura pop, per amalagamarli e poi appiattirli in immagini bidimensionali e molto colorate. Le sue creazioni, quindi, appaiono visivamente ingombranti, piene di preziosismi, ridondanti, scherzose e fuori dall'immaginario collettivo, perché l'arte contemporanea non vuole più essere canonizzata. La performance Murakami Versailles curata da Laurent Le Bon e Jean-Jacques Aillagon ha proposto i pupazzi dell'artista e le sue coloratissime stampe pop in un luogo di rigore come lo Chateau francese. Invadere di colori la rigidezza architettonica dalle tinte oro della Reggia francese e ospitare un artista che odia profondamente l'arte tradizionale in un luogo in cui essa si conserva, materializza, attraverso il paradosso, l'antitesi, quindi l'estremizzazione, il bisogno dell'arte contemporanea di non essere più schematizzata, né incastrata in formule precostituite, ma, all'opposto, di voler ampia libertà d'azione. L'arte d'oggi desidera insegnare all'uomo che la creatività non ha confini, è sempre propensa ad accogliere nuove idee, anche quando possono sembrare paradossali. L'arte vuole colpire e catturare la curiosità e la voglia di sapere insita nell'uomo.

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Takashi MURAKAMI Oval Buddha 2007-2010 Bronze and gold leaf 568 x 312 x 319 cm / 18,6 x 10,46 x 10,21 feet ©2007-2010 Takashi Murakami/Kaikai Kiki Co., Ltd. All Rights Reserved. photo : Cedric Delsaux - Water Parterre / Château de Versailles

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ART WITHOUT CANONS. Takashi Murakami’s works are Superflat. The Japanese artist uses various elements from the Japanese cultural tradition, both the XXVII century Kabuki and Joruri traditions and the less official one of the Anime from the pop subculture of the Seventies, which he merges and flattens out in very colourful two-dimensional images. His creations appear flashy, redundant, rich in precious details, ironic and alien to the collective imagination, for contemporary art no longer wants to be based on canons. Murakami Versailles, the performance edited by Laurent Le Bon and Jean-Jacques Aillagon, proposed the artist’s puppets and colourful popular prints in an austere place like the French chateau. The severe, gold coloured architectural interiors of the French royal palace, specially suitable for the preservation of traditional art, were flooded with colours as the works of an artist, who deeply hates such art, were displayed in it; an event which made visible, through paradox, an extremist antithetical exasperation, the refusal of modern art to be simplified or reduced to fixed formulas, its deep need for total freedom. Today’s art wants to teach men that creativity has no limits, and is always open to new ideas, paradoxical though they may seem. Art wants to strike and attract people’s curiosity and to urge their desire for knowledge.

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Takashi MURAKAMI J 2010 Aluminium and gold leaf 104 x 80 x 90 cm / 3,41 x 2,62 x 2,95 feet ©2010 Takashi Murakami/Kaikai Kiki Co., Ltd. All Rights Reserved. photo : Cedric Delsaux - The Queen’s Guards Room / Château de Versailles

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IL RECUPERO DELL'ARTE. Win Delvoye tatua i maiali. Sulla loro cotenna incide i simboli più ricorrenti della quotidianità come i loghi delle grandi case di moda (Dolce e Gabbana, Valentino, Louis Vuitton), gli slogan dei brand più famosi o le immagini della storia della musica, come il logo dei Beatles o dei Rolling Stone. Perché lo fa? Come detto l'arte ha bisogno di proporre qualcosa di nuovo e di non convenzionale e ciò può avvenire anche attraverso il recupero dello scarto della società. I maiali non sono mai stati considerati positivamente e il loro essere onnivori insaziabili, il loro nutrirsi dei nostri scarti alimentari li ha collocati ai margini dell'immaginario collettivo. Allo stesso modo il tatuaggio anticamente identificava alcune categorie precise di persone: i popoli delle tribù indigene dell'Africa e delle Americhe erano tatutate così come i galeotti e i marinai in quanto vivevano con stili e modi di vivere lontani dall'uso comune. Delvoye considera tutto ciò per conferire all'arte di oggi il potere di emancipazione e recupero dello scarto della società. Imprimendo attraverso la tatuazione i loghi e le immagini della società d'oggi, li rende visibili, commerciabili, individuabili, accettati. L'artista belga conferisce all'arte, ancora, il potere di elevare sul trono della riconoscibilità qualunque cosa anche l'emarginazione.

ART’S POWER OF RECOVERY. Win Delvoye marks the skin of pigs with tattoos of the most frequent symbols we find in daily life, like the logos of great fashion Maisons (Dolce e Gabbana, Valentino, Louis Vuitton), the slogans of the most famous brands or images from the history of music, like the Beatles’ and the Rolling Stones’ logos. How can this be explained? Art must propose something new and unconventional and can do so by recovering reject items. Pigs, insatiable and omnivorous as they are, have never been held in great esteem; they feed on our leftovers and their reputation is very poor in men’s collective imagination. In ancient times tattoos were made on certain classes of persons; African and American tribesmen were tattooed, and so were convicts and sailors in that their lifestyles were different to those of the common people. Delvoye aims at giving contemporary art the power to enhance and recover society’s rejects. By tattooing on pigs logos and images of today’s society he makes them visible and tradable, identifiable and accepted. Furthermore, the Belgian artist gives art the power to make anything recognisable, even social outcasts.

Art Farm Xin Bejing 2004-2010 Live tattoed pigs

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L'IMMAGINE REALE. La funzione sociale dell'arte è , quindi, viva e attiva, dal momento che è ancora in grado di condurre l'uomo alla riflessione su ciò che lo circonda, soprattutto grazie al potere dell'immagine, anche se brutale. Jim Goldberg è un fotografo americano. La sua fotografia è poco convenzionale, non corrispondente ai canoni preimpostati sia tecnicamente che tematicamente. Gli orizzonti delle sue immagini non sono giustamente calcolati; abusa del fuori fuoco e del sovraesposto; la prospettiva è spesso sbagliata. Come se non bastasse taglia le foto e ci imprime delle scritte. I soggetti, poi, impressionano ancor di più. Il suo lavoro Open See parla di emarginazione, di poveri, di vittime della guerra e di persone rifiutate dalla società d'oggi. Come nel caso della donna irachena fotografata immersa nel buio; attraverso un fiato di voce, rappresentato dal suo volto sfuocato, dice allo spettatore che gli uomini, con le loro violenze, hanno ucciso il suo essere donna. Il messaggio è brutale, tramesso senza pietà e allo stesso tempo immediato, di facile comprensione, diretto negli occhi e nell'animo di chi osserva. Così l'arte contemporanea recupera la sua funzione originale di proposizione del reale e quindi di stimolo e interesse per la vita dell'uomo. © Jim Goldberg / Magnum Photos Jim Goldberg, Hollywood, 1988. “Slayer Errol Flynn Squat, Hollywood”. Hilltop gesture of anger and disgust. RichandPoor#3: Jim Goldberg, San Francisco, 1982. “Manny loves me – but I am too strong to love him.”…” This photo makes me want to cry.”

THE IMAGE OF REALITY. The social function of art is vital and effective provided that it can lead man to reflect on the surrounding world thanks to the power of images, regardless of how brutal they may be. Jim Goldberg is an American photographer whose work is unconventional in that it does not adjust to set technical and thematic canons. The backgrounds of his images are not correctly

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calculated; he over uses out of focus and overexposed images; his perspective is often wrong. Furthermore, he cuts his photographs and prints captions on them. The subjects of his photographs are even more impressive. His work “Open See” is about outcasts, poor people, war victims and people rejected by today’s society, like, for example, the Iraqi woman portrayed immersed in darkness, the blurred image of her face symbolising the hardly audible voice with which she tells viewers that, through their violence, men have destroyed her feminine essence. Ruthlessly conveyed, it is a brutal, direct, but easily understandable message, aimed at the eyes and soul of those who watch. By representing reality contemporary art recovers its original function and proves stimulating for man and his life. L'IMMAGINE PER LA GRANDEZZA DELLA MENTE. Anche Christopher Nolan la pensa come Goldberg. Utilizza lo stesso principio, quello della potenza

delle immagini ma ne cambia finalità e utilizzo; le sue figure sono grandiose, spettacolari, imponenti, perché vogliono rappresentare la grandezza della mente umana. Il suo ultimo lavoro cinematografico, Inception, svela i trucchi che governano inconscio, mente, anima e l'occulto che governa azioni e pensieri dell'uomo. Paradossalmente per spiegare ciò che si trova incastrato nel fondo della mente, così in profondità da essere pensato di piccole dimensioni, il regista utlizza un impatto visivo imponente. Nel film le città dei sogni si piegano su se stesse, si sfaldano, ingabbiano l'uomo; la musica sale senza limiti, mentre la macchina da presa sovrasta e inquadra questo enorme panorama, dando allo spettatore la giusta grandezza dei processi della mente umana. L'arte contemporanea aggiunge un tassello alla sua indagine sull'uomo, svelando, in maniera spettacolare, logica e comprensiva, ciò che di inconscio governa la sua vita conscia.

IMAGES THAT REPRESENT. Christopher Nolan shares Goldberg’s views based on the principle that image have a great power, although he changes their aim and use; his figures are stately, spectacular, imposing because they are meant to represent the greatness of the human mind. His latest film, “Inception”, unveils the tricks that underlie the workings of man’s unconscious, mind and soul, and the occult powers that direct man’s actions and thoughts. Paradoxically, to explain what lies wedged in the mind at a depth that makes it appear small in size, the film director creates images with a very strong visual impact. In the film the cities of dreams where men are caged fold up and collapse; music becomes louder and louder, while the camera frames the huge view from above and gives spectators a sense of how great the workings of the human mind are. Contemporary art adds one more detail to its enquiry on man, and discloses in a spectacular, logical and comprehensive way the unconscious elements that direct his conscious life.

OpenSee#5: Jim Goldberg, Dhaka, 2007. “I asked who wants to go to Europe”. Residents who lived along these train tracks in Dhaka gather for a spontaneous photograph when I asked, “who wants to go to Europe?”

Screencapture of the movie "Inception" of Christopher Nolan

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L'ARTE COSTRINGE L'UOMO AL CONFRONTO. L'arte contemporanea, quindi, è al servizio della vita dell'uomo, proprio come il design. Lo Studio Astori De Ponti ha progettato delle soluzioni abitative chiamate Art Container. Il principio è semplice e immediato: riutilizzare container marittimi in disuso come moduli prefabbricati ad alta resa, antisismici, ecocompatibili, progettati secondo i canoni della sostenibilità. Di altra fattura, ma di egual principio, sono le soluzioni presentate al FuoriSalone 2011 di Milano con il progetto D.I.D. - Distretti Isola Design – con iniziative sul tema del verde. Il progetto desidera ri-qualificare urbanisticamente nella prospettiva verde i quartieri cementificati di Milano attraverso la coltivazione dei frutti della natura in ogni luogo possibile (balconi, terrazzi, giardini). La Biblioteca del verde, invece, ha proposto nelle grandi aiuole all'inizio del cavalcavia Bussi il primo giardino di erbe spontanee per rimarcare il concetto di riappropriazione e di nuova costruzione degli spazi verdi. Quali sono le potenzialità di questi interventi? Il design non solo facilita l'esistenza dell'uomo o la rende più piacevole, ma per come si propone in questi progetti lo riporta a un pari livello con ciò che lo circonda. Il riutilizzo, il riavvicinamento a esseri viventi e cose di cui ne ha dimenticato il valore, ma di cui è stato partecipe nello sviluppo, toglie dal trono di superiorità l'uomo e il suo potere decisionale, per riportarlo alla dimensione del confronto, al dialogo, alla convivenza. Tutto ciò che circonda l'uomo è utile alla sua vita. L'intera arte contemporanea desidera riportare l'uomo a un livello di

consapevolezza su se stesso e su ciò che lo circonda. Affermare quindi che essa è ermetica o non riesce a comunicare con l'uomo, non è del tutto corretto. Come spesso è avvenuto l'arte lo stimola ancora, lo accompagna nel suo cammino e lo fa riflettere sulla sua esistenza ma con una particolarità rispetto al passato. É cambiata la modalità. Nell'epoca dello shock visivo, l'arte si adegua e si avvale della violenza visiva e intellettuale, della provocazione, del paradosso, dello spettacolare per avvicinarsi all'uomo. ART OBLIGES MAN TO ACCEPT CHALLENGES. Contemporary art, like design, helps enrich man’s living standards. Astori De Ponti Studio have planned housing solutions called Art Container. Simple and easily understandable, their idea consists in turning disused containers into aseismic, environment friendly, high-performance, prefabricated units designed according to sustainable standards. Based on the same idea, although realised in a different way, are the solutions presented at Milan FuoriSalone 2011 with the project D.I.D –Distretti Isola Design – that includes initiatives on environmental issues. Focused on environment friendly ideas, the project is aimed at achieving the urban upgrading of Milan’s overbuilt areas by growing natural products a bit everywhere (balconies, terraces, gardens). La Biblioteca del verde, instead, proposed that the first garden of spontaneous herbs should be created in the large flowerbeds at the beginning of Bussi overpass, to emphasise a new natural rebirth in the new green spaces. What is the potential of these initiatives? Besides making man’s life easier or more pleasant, the design proposed in the above initiatives enables people to deeply enjoy

Photo © Tom Vack

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the surrounding environment. Deprived of his superiority and decision-making power, man can be led back to debate, dialogue and social life also by reusing disused things, by approaching people and things whose value he has forgotten although he witnessed their development. All that surrounds man is useful to his life. The whole of contemporary art wants to bring man back to self-awareness and to the conscious apprehension of what surrounds him. Consequently, to maintain that art is cryptic or cannot communicate with man is not completely correct. As has often happened, art provides man with stimuli, sees him along through life, and enables him to reflect on his life in different ways from the past. In an age characterised by visual shocks, to approach man art avails itself of visual and intellectual violence, provocation, paradox and spectacular events.

Photo ÂŠ Tom Vack

Green Island, courtesy aMAZElab, Milano.

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— SHOWCASE

THE PREPPY LIFESTYLE <<Bostonians on Martha's Vineyard had on their own tribal colors. The jackets were mostly navy blazers, but the pants had a go-to-hell* air: checks and plaids of the loudest possible sort, madras plaids, yellow-on-orange windowpane checks, crazy-quilt plaids, giant houndstooth checks, or else they were a solid airmail red or taxi yellow or some other implausible go-to-hell color. The pants were their note of Haitian abandon… at the same time the jackets and ties showed they had not forgotten for a moment where the power came from.>> (Tom Wolfe, 1976, talking about “Bostonians on Martha's Vineyard”)

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L’origine del termine “preppy“ è da ricondurre alla tipologia di istituti scolastici privati – le Preparatory School - che i giovani facoltosi statunitensi frequentavano negli anni 50 in preparazione al college. Quali rampolli delle ricche famiglie tradizionaliste della East Coast, i preppies sono storicamente e stilisticamente figli dei Trad – abbreviazione di Traditionalist – che a loro volta hanno frequentato gli stessi istituti e gli stessi college negli Anni ‘30. Questo senso della tradizione e dell’elitarismo, abbinato al valore dell’impegno e della competizione, caratterizzano la vita di questi giovani che vivono un età dorata nell’America vincitrice della Seconda Guerra Mondiale, lontani dagli sconvolgimenti che negli anni 60 incendieranno gli Stati Uniti e il mondo intero. Ben educati e colti, attenti alle etichette e costantemente impegnati tra studio, sport e attività ricreative, i preppies vivono la loro gioventù con un misto di rispetto e ribellione: fedeli alle regole e ai valori trasmessi dalla famiglia, trovano nei campus delle Prep School la possibilità di dar sfogo alla propria ribellione creativa inventando un abbigliamento e uno stile caratterizzato da pochi capi classici rivisitati negli accostamenti e soprattutto nei colori. Abituati fin da piccoli ad indossare mocassini, giacca e cravatta oltre alle divise delle scuole dove si trasferiscono già a 15 anni, i preppies modificano l’abbigliamento quotidiano “educato”, classico-sportivo reinterpretandolo secondo colori gioiosi e solari e abbinamenti inaspettati: mocassini portati senza calzini, pantaloni classici

di cotone reinterpretati in colori acidi modello go to hell*, bermuda e shorts portati con la giacca di tweed, camicie button down color pastello o in seersucker, cravatte regimental e bow ties in tessuto madras, felpe e cardigan letterman che riproducono i nomi delle scuole e gli stemmi storici. Silenziosi, questi giovani trovano il loro modo di ribellarsi alle regole, assecondandole e inventando i presupposti dello stile classico-sportivo internazionale. The origin of the term “preppy” is to be traced to the private schools – Preparatory Schools – that well-off American young people attended in the Fifties to prepare for college. Born of rich traditionalist families in the East Coast, preppies, both for their history and style, stem from Trads (the abbreviated form for Traditionalists) who attended the same schools and colleges in the Thirties. A sense of belonging to a tradition and an élite, combined with the importance attached to commitment and competition, characterised the life of these students who lived their golden youth in post war America, far from the turmoil that was to shake the USA and the whole world in the Sixties. Well bred and educated, preppies were deferential to etiquette, devoted their time to study, sport and leisure, and lived their youth with a mixture of respect and rebelliousness: loyal to family rules and values, they found in Prep Schools’ campuses the possibility to give vent to their creative unconventionality and invented a style in clothing by re-editing a few classic items in renewed matches and colours. Used since their childhood to wearing moccasins and a jacket and tie, besides the uniforms of the schools where they moved at the age of fifteen, preppies modified the

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‘correct’ classic sportive clothing of everyday by re-proposing it in warm joyful colours and unexpected matches: moccasins worn without socks, classic cotton pants proposed in go-to-hell* acid hues, bermuda shorts worn with a tweed jacket, pastel or seersucker button-down shirts, regimental ties and bow ties in madras fabric, sweatshirts and letterman cardigans bearing the schools’ names and historic badges. These young people silently found a way of their own to rebel against rules by paradoxically complying with them and creating the preconditions for an international classic sports style in clothing. In una quotidianità dorata e preordinata, i preppies si muovono con disinvoltura in ambienti ricchi di stimoli e storia, cercando il contatto con la natura e sviluppando uno stile di vita dinamico e giovanile. Pur fortemente impegnati negli studi, vengono

incoraggiati dall’ambiente e dalle famiglie a cercare il successo anche nello sport e nelle relazioni sociali. Dalle aule scolastiche e universitarie alle attività come ex- alumni, i preppies animano il network degli Old Boys, i compagni di campus, sapendo che sarà per loro prezioso per tutta la vita. Le relazioni vengono mantenute anche durante i week-end al mare tra New York e Boston o d’inverno nel New England ricco di boschi, laghi e fiumi: le grandi case bianche dipinte da Hopper, le barche a vela nella baia di Cape Cod, i lodge del Connecticut sono gli scenari in cui si muovono da generazioni. Riti e tradizioni, comunità familiare e vita attiva all’aria aperta sono le costanti del tempo libero dei preppies: prezioso e agognato, serve a controbilanciare lo stress e la competizione della vita cittadina.

In their daily golden, pre-arranged life, preppies confidently move in stimulating milieus rich in history, but at the same time they strive after nature and develop a dynamic and youthful lifestyle. Although they study very hard, they are spurred by their milieu and families to achieve success also in sports activities and social relationships. From school and university rooms to their activities as former students, preppies give life to a network of ex fellow students, the Old Boys, and develop relationships that will be precious for the rest of their lives. Relationships are maintained also during the weekends at the seaside between New York and Boston, or in winter in the whole of New England with its wealth of woods, lakes and rivers. The imposing white houses painted by Hopper, the sailboats in Cape Cod bay, the lodges in Connecticut have been their favourite background for generations. Rites and traditions, the family, activities in the open air are the main ingredients of preppies’ leisure: something precious they long for to counterbalance the stressful competition of city life. PREPPY IERI ED OGGI Negli ultimi sessant’anni i preppies sono più volte stati presi ad esempio di stile e buon vivere grazie a personaggi illustri come John Fitzgerald Kennedy e alle immagini che hanno catturato lo spirito della loro cultura, come quelle di Take Ivy del fotografo Teruyoshi Hayashida, pubblicato in Giappone nel 1965 e The Official Preppies Handbook di Lisa Birnbach del 1980. Oggi ciò che affascina è quell’aura di sicurezza e serenità che caratterizzava la vita dei preppies: figli dell’ottimismo post bellico e del benessere economico americano, frequentavano i college più prestigiosi del Paese, orgogliosi

di rappresentare un’elite educata al fair play e al buon uso della ricchezza familiare. Al giorno d’oggi, in un mondo più complesso, meno attento all’etichetta e sempre più veloce, si aspira al loro stile quale sinonimo di sicurezza, semplicità e rigore formale: un guardaroba basico composto da pochi capi made in U.S.A. e in UK, prodotti in sole fibre naturali. Uno stile lontano dall’ostentazione del marchio dove comfort e praticità si incontrano per creare un intramontabile outfit classico sportivo. PREPPY: PAST AND PRESENT. Over the last sixty years preppies have often been considered as models of style and a good way of living thanks to famous personages like John Fitzgerald Kennedy and the images that have captured the spirit of their culture like the ones in Take Ivy by the photographer Teruyoshi Hayashida, published in Japan in 1965, and The Official Preppies Handbook by Lisa Birnbach, dating from 1980. What we still find fascinating today is the serene, self-confident feeling that characterised preppies’ life. Stemming from American post-war optimism and affluence, they attended the most prestigious colleges in the Country and prided themselves on being an élite whose education included fair play and the managing of their family’s wealth. Nowadays, in a much more complex, more and more dynamic world, less deferential to etiquette, we aim at their style in that it stands for confidence, simplicity and formal rigour: a basic wardrobe made up of few garments made in the USA and in the U.K., exclusively manufactured with natural fibres. Far from the ostentation of brands, this style merges comfort and practicality to create a timeless classic sports outfit.

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THE JACKETS

Con una storia profondamente radicata nel territorio, Barbour è un brand autenticamente made in England. Il primo negozio, inaugurato nel 1849 è punto di riferimento per l’abbigliamento da barca e da pesca. Negli anni, di padre in figlio, la tradizione Barbour si consolida: con la terza generazione, alla fine degli anni ’50, sorge il primo polo produttivo e il brand avvia la sua crescita internazionale. Barbour diventa simbolo del casualwear preppy con due prodotti icona, la Beaufort e la Quilted jacket, capi immancabili per affrontare con stile le giornate uggiose. La classica Beaufort Jacket è la compagna ideale delle escursioni nel piovoso New England e può essere considerata l’icona britannica dell’abbigliamento universitario. Ad importare il marchio negli States sono, infatti, gli studenti inglesi che si trasferiscono nei più prestigiosi college americani. È il cotone cerato di Barbour a costituire l’elemento distintivo della Beaufort con la sua impermeabilità difficilmente imitabile. Sono in molti infatti a scegliere questa giacca contraddistinta da elevate prestazioni in qualsiasi condizione climatica. Letteralmente a prova “di spine” questo tessuto è realizzato con cotone a fibra lunga, trattato con una formula a base d’olio e cera che lo rende uno dei tessuti tuttora più resistenti e durevoli sul mercato. L’originale colletto in velluto (all’occorrenza alzato per proteggersi dal vento) e l’interno tipicamente in tartan, uniti alla cerniera ottonata sono ulteriori tratti caratteristici dello storico modello. La Liddesdale Quilted Jacket, che deve il suo nome ad una valle ai confini con la Scozia, nasce agli inizi degli

anni ’90 e diviene subito uno dei bestseller di Barbour. Inserita nel guardaroba preppy come giacca ultraleggera, la Quilted viene tradizionalmente adottata nell’equitazione ma si adatta perfettamente anche ad un utilizzo urbano. Questa giacca trapuntata (dal caratteristico motivo “a diamante”) assolve perfettamente alla sua funzione anti-vento e mantiene il tradizionale appeal britannico grazie all’abbottonatura a pressione e l’immancabile colletto in velluto a costine. A typically English brand, Barbour can boast a long standing tradition. Inaugurated in 1849, the first store was a benchmark for sailing and fishing clothing. From generation to generation, the Barbour tradition has strengthened over the years; at the end of the 1950’s the brand’s items gained international renown and became the symbol of preppy casual wear, in particular with two iconic products like the Beaufort Jacket and the Quilted jacket, the right garments to face gloomy weather with style. The classic Beaufort Jacket is ideal for excursions in rainy New England and can be considered the British icon in university wear, a brand imported into the USA by English students attending prestigious American colleges. Barbour’s hardly imitable rainproof waxed cotton is the distinctive element of the Beaufort Jacket, an item many people consider worth choosing due to its excellent performances in all weather conditions. Its thorn resistant fabric is realised in long fibre cotton treated with a mixture of oil and wax, which makes it one of the strongest and most long lasting fabrics on the market. The original corduroy collar (for protection against the wind), the typical tartan inside and

the brass coated zipper are also unmistakable features of the historic model. The Liddesdale Quilted Jacket owes its name to a valley on the Scottish border, was first manufactured in the early nineties and soon became one of Barbour’s best selling items. Included in the preppy wardrobe as an extra light jacket, the Quilted Jacket is traditionally adopted in horse riding but is also perfectly suitable for city use. With its typical diamond pattern, the jacket is windproof and has a traditional British appeal due to the pressure buttoning and the unmistakable corduroy collar. barbour.com

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Capo a sinistra: Barbour Beaufort Jacket, Capo a destra: Lightweight Liddesdale Jacket Left: Barbour Beaufort Jacket; Right: Lightweight Liddesdale Jacket

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THE BLAZERS

Nel 1818 nasce il primo emporio Brooks Brothers, e il brand si afferma presto come icona della tradizione e, al tempo stesso, anticipatore di bisogni e di stili della società americana, con proposte che spaziano dagli abiti eleganti, alle uniformi per l’esercito e alle linee casual. Dagli anni ‘80 l’azienda rappresenta il vero “faro” del mondo preppy in grado di proporre un total look dal sapore genuinamente made in USA. Nel 2010 Brooks Brothers ha pubblicato un’edizione limitata del celebre True Prep, firmata da Lisa Birnbach, autrice della guida ufficiale dei preppy agli inizi degli anni ’80. La giacca costituisce la colonna portante dell’intero guardaroba preppy. Dominatore incontrasto è in particolare il blazer blu, proposto principalmente in lana e con bottoni dorati che riprendono, in basso rilievo, l’insegna dei reali inglesi. Essa viene proposta nella variante a doppio petto, dotata di una vestibilità ampia, modello appartenente alla Brooks Brothers Country Club Collection; la giacca riprende direttamente lo stile originale americano del marchi, combinando comfort e materiali pregiati (lane Loro Piana) e si adatta perfettamente sia al business che alle giornate trascorse al Club. La giacca a tre bottoni viene scelta in situazioni meno formali. Dotato di una vestibilità regolare, è proposta in numerose varianti di tessuto: dal classico blazer blu in lana (Brooks Brothers) alle più leggere giacche in seersucker e cotone poplin, color khaki e verde oliva.

Blazer a doppio petto Double-breasted Blazer

The first Brooks Brothers store was established in 1818 and the brand soon became renowned as an icon of tradition, at the same time an anticipator of needs and styles in American society with proposals ranging from smart clothing, to army uniforms and casual lines. Since the Eighties the Firm has represented a benchmark for the preppy world and has been able to propose a genuine ‘made-in-the-USA’ total look. In 2010 Brooks Brothers published a limited edition of True Prep, by Lisa Birnbach, the author of The Official Preppy Handbook in the early Eighties. Jackets are the leading items in the preppy wardrobe, in particular the dark blue blazer proposed in a wool version with gold buttons that reproduce in bas-relief the coat of arms of the British Royal Family. The double-breasted version comes in a comfortable fit and belongs to the Brooks Brothers Country Club Collection; the jacket, in the original American style of the brand, combines comfort and high quality materials ( Loro Piana wools) and is perfectly suitable both for business and Club life. The three-button version is ideal for less formal situations, comes in a regular fit and is proposed in various kinds of fabrics: from the classic dark blue woollen blazer (Brooks Brothers) to the lighter khaki or olive green jackets in seersucker and cotton poplin. brooksbrothers.com

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MILK AND SUGAR

Il Seersucker è un tessuto goffrato di cotone o lino, abitualmente a righe verticali di colore alternato, usato per confezionare abiti estivi. Esso fu originariamente sviluppato in India e il suo nome deriva dai termini Hindi, Urdu e Persiano shir o shakar che significa “latte e zucchero”. Questo tessuto si ottiene montando in ordito fili tesi alternati a fili molto lenti che danno luogo al caratteristico aspetto “arricciato”. È questa peculiarità del tessuto a mantenerlo sollevato dalla pelle, facilitando la traspirazione, la dissipazione del calore e un maggiore passaggio d’aria. Anche se inizialmente fu adottato dai lavoratori americani, il seersucker è divenuto presto un elemento imprescindibile dal guardaroba dei gentlemen degli Stati del Sud (prima dell’avvento dell’aria condizionata). Pantaloni, corti e lunghi, camicie ma soprattutto giacche sono gli abiti prodotti più frequentemente in questo fresco tessuto. In principio esso veniva proposto esclusivamente in bianco e blu ma nel tempo sono state introdotte tutte le varianti di colore. Durante il periodo del Colonialismo Britannico, il seersucker è stato molto popolare; qualche decennio più tardi, al tempo della Seconda Guerra Mondiale, esso fu impiegato per la fabbricazione delle uniformi delle infermiere dell’Esercito Americano. Il seersucker è stato “indossato” tanto dagli strati più poveri della popolazione statunitense quanto dagli studenti universitari degli atenei più prestigiosi. In ragione della sua confortevolezza e della facilità di lavaggio, esso fu scelto per le uniformi estive delle prime donne della Marina Americana; la decisione fu presa dal Capitano Anne A. Lentz, uno dei primi ufficiali

dei Corpi Femminili di Riserva della Marina, durante la Seconda Guerra. Nel 1996, grazie al senatore repubblicano Trent Lott, è stato introdotto il “Seersucker Thursday” (il secondo o terzo giovedì di Giugno): una tradizione annuale che prevede l’utilizzo da parte dei membri del Congresso di abiti realizzati esclusivamente in seersucker. L’intento di questa giornata è puramente celebrativo, lo scopo è quello di ricordare la maniera di vestire dei rappresentanti degli Stati del Sud fino agli Anni ’50. Used to make summer clothing, seersucker is a cotton or flax embossed fabric, which generally comes in a vertical striped pattern in alternating colours. Originally, the fabric was made in India and its name derives from the Hindi, Urdu and Persian words “shir o shakar” which mean “milk and sugar”. The fabric is realised by alternating taut and loose threads in the warp to obtain its typically crisp, wrinkled appearance. Thanks to this characteristic the fabric is held away from the skin and becomes even more breathable, while heat dissipation and air circulation are facilitated. Originally used by American workers, seersucker soon became a must for gentlemen’s wardrobes in the Southern States (before the advent of air conditioning). Trousers and shorts, shirts and jackets are the items most frequently made out of this fresh fabric, first proposed in white and blue but woven in all hues over the years. In the days of the British Colonial Empire seersucker was very popular, and a few decades later, during World War II it was used to manufacture the uniforms of the American Army’s nurses. Seersucker provided garments both for the poorest

sections of the American population and for the students of the most prestigious universities. Comfortable and easy-towash, the fabric was chosen for the summer uniforms of the first women in the American Navy, a decision made by Captain Anne A. Lent, one of the first officers of the American Marine Corps Women’s Reserve during World War II. In 1996 republican Senator Trent Lott introduced “Seersucker Thursday” ( the second or third Thursday in June), a yearly tradition that consists in the use of clothing tailored out of seersucker by Members of Congress. The aim of this tradition is to celebrate the way Southern States’ Representatives dressed until the 50’s.

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THE POLO SHIRTS

Nata nel 1933, la polo Lacoste, masterpiece dello stile preppy, fonda il suo successo su valori di autenticità, prestazioni ed eleganza. Legata profondamente alle proprie radici sportive, simbolo di un look da tempo libero, confortevole e rilassato, Lacoste ha saputo reinventarsi negli anni con proposte di colori sempre nuove, una comunicazione efficace, l’ampliamento del suo portafoglio prodotti e innovative versioni delle polo in limited edition. Sono moltissimi gli sport praticati dai giovani preppy, principalmente all’aria aperto. Uno su tutti il tennis, tradizionalmente attività ricreativa d’élite. Il marchio francese approda negli States nei primi anni ’70 e raggiunge la sua popolarità tra gli studenti universitari dell’Ivy League agli inizi degli anni ’80. Sarà proprio The Official Preppy Handbook di Lisa Birnbach (1980) a consacrare l’ingresso della polo Lacoste nel guardaroba preppy, inizialmente nella versione bianca e successivamente nelle varianti colore più accese. Caratteristici il colletto e il bordo manica rigati, i due bottoni, la vestibilità regolare fedele ai primi modelli, leggermente più corti delle polo contemporanee. Nel tempo Lacoste ha introdotto un fitting più asciutto e cotoni stretch. Nell’armadio del vero preppy non possono inoltre mancare i modelli a righe orizzontali, in bianco-navy, rosso- navy e giallo-bianco.

First manufactured in 1933, the Lacoste polo shirt is an outstanding example of the preppy style and owes its success to its elegance, authenticity and performances. Deeply rooted in a sports lifestyle, the symbol of a comfortable, relaxed, leisure look, Lacoste has been able to renew itself over the years through effective communication, by proposing ever new hues, enriching the range of its products and offering innovative versions of its polo shirts in limited edition. Young preppies practise countless sports, mainly outdoors, and tennis, a traditionally elitist leisure activity, is among their favourite ones. The French brand made its appearance

in the USA in the early Seventies and reached the peak of popularity with the Ivy League university students in the early Eighties; it was precisely Lisa Birnbach’s The Official Preppy Handbook (1980) that officially included the Lacoste polo shirt in the preppy wardrobe, starting from the version in white followed by other models in bright colours. The shirt’s features include: the ribbed sleeve and collar, the two buttons and a regular fit, true to the early models that were slightly shorter than those of today. Over the years Lacoste has introduced a slimmer fit and stretch cotton. Unfailing in a true preppy wardrobe are also the horizontal striped models in navy white, navy red and yellow-white. lacoste.com

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THE BUTTONDOWN SHIRTS

La camicia preppy è indiscutibilmente la Brooks Brothers button-down in cotone Oxford. Il colletto abbottonato del quale il marchio vanta la paternità è in assoluto il tratto distintivo per eccellenza del modello dall’inimitabile girocollo. I colori più diffusi, oltre all’imancabile bianco, sono il rosa, il giallo e l’azzurro oltre alle versioni a righe colorate su fondo bianco. The preppy shirt is unquestionably the Brooks Brothers button-down model in Oxford cotton. Its buttoned collar, one of the details the brand is proud of having fathered, is the distinctive trait of the crew-neck model. The shirt comes in white, pink, yellow, blue and in coloured stripes on white. brooksbrothers.com

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THE MADRAS SHIRTS

La storia di Gant inizia nel 1914, quando il fondatore, Bernard Gant, arriva negli Stati Uniti, per poi avviare nel 1927 la sua prima fabbrica di camicie a New Haven, Connecticut. Nel 1949 Gant diventa brand prendendo il nome della famiglia fondatrice. Negli anni ’50 e ’60, la produzione cresce e si hanno i primi esempi di advertising in cui compare l’icona preppy di Gant: la camicia Madras. Attraverso la comunicazione, Gant rafforza la propria essenza fino a diventare oggi ‘sinonimo del prep dell’East Coast’. Il legame del marchio americano con la cultura preppy è tale da fargli intitolare la campagna estiva 2011 “The Preppy Professor”. Cifra stilistica distintiva della collezione è la presenza di questo caratteristico tessuto in cotone soprattutto nella camiceria. Esplicitamente informali le camicie madras fanno la loro comparsa nel look preppy degli anni ’80, in concomitanza con la diffusione di questo stile di vita. La caratteristica armatura del tessuto a tela, in grado di garantire la massima traspirazione, diventa il valore aggiunto di questi modelli nei mesi più caldi rendendo queste camicie il capo prediletto delle estati preppy. La G all’interno del diamante è il simbolo della Gant Rugger: quintessenza dello sportswear americano, la collezione è conferma della popolarità del brand tra i giovani americani.

Gant’s story began in 1914, when Bernard Gant arrived in the USA. After he established his first shirt factory at New Haven, Connecticut, in 1927, Gant became a brand in 1949 and took on the name of the founding family. As their production increased in the ‘50s and ‘60s, their advertising came to include Gant’s preppy icon: the Madras shirt. Over the years Gant have strengthened their position through a skilful use of communication and have today become ‘synonymous with the prep of the East Coast’. The American brand’s link with preppy culture is so strong that they have entitled the summer 2011 campaign “The Preppy Professor”. A mark of style distinction in the collection is the use of madras, the characteristic cotton fabric in the manufacture of shirts. The definitely casual madras shirts made their appearance in the preppy look of the Eighties, when the preppy lifestyle was becoming widespread. This breathable fabric in typical plain weave is particularly suitable for the hottest months when the shirts made out of it become preppies’ favourite ones. The G inside the diamond is the symbol for Gant Rugger. The quintessence of American sportswear, the collection confirms the popularity of the brand with American young people. gant.com

Gant Rugger Madras Shirt

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— FOCUS

MADRASI CHECK Il Madras è un tessuto leggero di cotone, con armatura a tela, tipicamente impiegato nella produzione di abiti estivi. Esso deve il suo nome alla città di Chennai*, nell’India dell’Est (un tempo denominata appunto Madras) e al caratteristico motivo originario (il “Madrasi Check”) a quadri rossi e neri. Nel vecchio quartiere di Chintadripet, per volontà del governatore Thomas Pitt, nel 1734 si installarono diverse famiglie di tessitori; furono loro i primi a produrre questo particolare tessuto, inizialmente realizzato a mano (dapprima con fibre di banano e successivamente in cotone o seta) e tinto in maniera vegetale. È probabile però che questo tessuto provenga da Palicat (o Pulicat), nei pressi di Madras, luogo dove vennero originariamente prodotti i celebri fazzoletti “paliacate”; nella denominazione deve aver prevalso la città dove successivamente il tessuto venne prodotto in maniera più massiccia. Dopo l’ondata colonizzatrice del 17° Secolo, il Madras è divenuto molto popolare anche tra le donne creole delle isole francesi delle Antille, dell’Isola de la Réunion (con filati piatti, in prevalenza di colore rosso, blu e rosa) e tra quelle delle isole

inglesi Mauritius e West Indies (con fili ritorti dai colori molto accesi). Uscito dai confini coloniali, il tessuto è stato subito proposto in una grande varietà di motivi, come quello a quadri turchesi, molto in voga tra i preppies. Già nel 1965, all’interno della novella generazionale di S.E. Hinton’s “The Outsiders” il madras viene ufficialmente inserito nel guardaroba dei “ricchi” studenti americani. Sono proprio i “preppies” a essere ossessionati da questi motivi a quadri e li vogliono applicati su ogni tipo di capo (camicie, giacche, pantaloni) e accessorio (cravatte e papillon). Nei mesi estivi il madras si rivela un ottimo tessuto da indossare, in ragione della sua leggerezza, della rapidità nell’asciugatura e per l’eccezionale traspirazione. Talvolta esso è stato addirittura abbinato ad un’orditura seersucker in grado di aumentarne ulteriormente il comfort. *L’etimologia della parola Madras deriva dall’istituto arabo “Médersa” che in arabo significa “madrasa” dove il tessuto fu creato. Il Médersa era situato dove oggi sorge la città di Madras, a sud dell’India, capitale dello stato del Tamil Nadu; la città di Madraspattinam che era stato creata nel 1639 come avanposto della Compagnia delle Indie Orientali, inizialmente era costituita solamente da un piccolo villaggio di pescatori. Solo nel 1996 la città fu ribattezzata Chennai dal governo.

Madras is a plain weave light cotton fabric typically employed in the manufacture of summer clothing. It owes its name to Chennai*, a city in East India formerly named Madras, and to its typical original black and red checked pattern (the “Madrasi Check”). In 1734, in compliance with the governor Thomas Pitt’s orders, several families of weavers settled in the old district of Chintadripet and first made this special fabric by hand (out of abaca fibres and later out of cotton or silk) and treated

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it with vegetable dyes. The fabric, however, is likely to have come from Palicat (or Pulicat), near Madras, the place where the renowned “paliacate” handkerchiefs were first made, although the fabric must have taken its name from the city where it was manufactured on a larger scale. After the XVII century colonisation, madras became very popular also with Creole women in the French Antilles, in De la Réunion (with flat yarns, mainly red, dark blue and pink), and with those in the English Mauritius islands and the West Indies (with twisted yarns in very bright colours). Outside the colonies, the fabric was proposed in countless patterns, like the turquoise checked one which became very popular with the preppies. As early as 1965, “The Outsiders”, a novel by S. E. Hinton, included madras in the wardrobe of well-off American students. Preppies are literally obsessed by checked patterns and want them to be reproduced on all kind of items ( shirts, jackets, trousers) and accessories (ties and bow ties). In the summer months madras proves an excellent material for it is light and breathable, and dries up quickly after washing. The fabric has at times been combined with a seersucker warp to further increase its comfort. *The word Madras derives from “Médersa”, the Arabic for “madrasa” where the fabric was created. Médersa was located in the site where today stands the city of Madras, in the south of India, the capital of Tamil Nadu; the city of Madraspattinam, established in 1639 as an outpost of the East India Company, was only a small village of fishermen. Only in 1996 was the city renamed Chennai by the government.

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— SHOWCASE

THE CHINOS I pantaloni chinos (altrimenti detti khaki) sono gli unici pantaloni adottati dai preppy. Brooks Brothers propone ben 5 diverse vestibilità, con o senza pinces, in svariati colori. Gli Advantage Chinos® sono inoltre contraddistinti dal loro lavaggio noniron che li rende particolarmente appetibili per i giovani studenti. La versione Clark propone un taglio dritto e pulito, dall’anca alla coscia disponibile sia in velluto a costine che in twill spazzolato. Il Milano rappresenta il modello più “europeo” del chino americano, in ragione della sua vestibilità slim. È proposto anch’esso in twill spazzolato e come il modello Clark mostra sul retro la tipica tasca tagliata a filo.

Left: Milano Advantage Chinos Right: Clark Advantage Chinos

Chinos trousers (also called khaki) are the only trousers used by preppies. Brooks Brothers proposes five different fits, with or without darts, in various colours. Advantage Chinos®, thanks to their noniron washing, are particularly suitable for young students. The Clark version features a straight neat cut from the hip to the leg, and is available both in corduroy and in brushed twill. ‘Milano’ is the most ‘European’ model of the American chino; it comes in a slim fit, is proposed in brushed twill like the Clark model, and has the typical back welt pocket. brooksbrothers.com

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— FOCUS

THE TWILL FABRIC Il twill è il termine inglese per indicare l’armatura saia e quindi tutte le stoffe “levantine”, spinate e diagonali. Questo tipo di tessuto viene proposto sia nelle varianti invernali, in lana e cotone che in quelle estive in seta e in cotone leggero. La combinazione di filati di colori diversi è in grado di originare moltissime versioni di twill ma la più conosciuta resta sempre quella monocromatica del cotton twill, comunemente denominato anche “chino” per il suo caratteristico utilizzo su questi pantaloni. Il twill di cotone è infatti il tessuto più frequente nei pantaloni casual da uomo in ragione dell’elevata praticità e dalla sua robustezza; la particolare armatura twill conferisce la caratteristica rigatura diagonale al tessuto e lo rende particolarmente difficile da macchiare.

Seconda armatura base, assieme a quella tela e al raso, la saia è caratterizzata da slegature di trama (il filo di trama passa davanti a quello d'ordito) corte e la caratteristica nervatura obliqua è data dallo scarto delle legature (una legatura è il passaggio di un filo di ordito davanti ad un filo di trama). Queste slegature conferiscono al tessuto una certa morbidezza e adattabilità alla deformazione in grado di rendere molto confortevoli i capi confezionati con esso. Per questo motivo il twill è stato adottato dai produttori di pantaloni sportivi come i chinos, destinati ad un uso inizialmente militare (dunque in grado di affrontare anche situazioni estreme) e successivamente al tempo libero.

Twill is the English word for “saia” texture and for all the levantine fabrics with a slightly slanting herringbone pattern. This kind of fabric is proposed both in the wool and cotton winter versions and in the silk and light cotton summer ones. The combination of yarns in different colours leads to the weaving of countless versions of twill, although the best known is plain coloured cotton twill, commonly called “chino” because it is typically used to tailor “chino” trousers. Cotton twill is very frequently used to manufacture men’s casual trousers on account of its practicality and robustness; the special twill weave gives the fabric its typically slanting, slightly ribbed look and makes it particularly stain resistant. The second basic weave, together with plain weave and satin weave, twill is characterised by short floats in the weft (the weft thread comes before the warp one), and the typical slanting ribbed effect is given by the differential of bindings ( a binding occurs when a warp thread comes before a weft one). The floats make the fabric soft and pliable, which accounts for the great comfort of the items it is used for. This is the reason why twill has been adopted by makers of sports trousers like ‘chinos’, first created for military use ( to face even extreme situations) and later adopted also for leisure items.

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From left: Cordovan Long Wing Blucher, Cordovan Leisure Handsewn Mocassin, Cordovan Tassel Mocassin, Cordovan Chukka Boot.

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— SHOWCASE

THE SHOES

Dal 1884 Alden è sinonimo di calzature americane fatte a mano dalla qualità e il comfort inimitabili. Questi modelli sono interpreti di uno stile elegante, senza tempo, eredi della migliore tradizione calzaturiera maschile. Le importanti innovazioni introdotte nel tempo dall’azienda hanno segnato la storia delle scarpe prodotte in maniera

artigianale e con pellami pregiati. Queste calzature costituiscono il miglior complemento del guardaroba di un giovane preppy che deve affrontare situazioni sempre diverse. Lo accompagnano nel passaggio dal college al mondo del lavoro, divenendo compagne fedeli per l’intero percorso professionale e di una vita: scarpe che invecchiano ai piedi, acquisendo, giorno dopo giorno, sempre più fascino. Il Cordovan Tassel Mocassin e la Cordovan Long Wing Blucher sono i modelli ideali per un look elegante e formale; il Cordovan Leisure Handsewn Mocassin e il Cordovan Chukka Boot (qui in versione suede) sono invece sinonimo di tempo libero, adatte a un abbigliamento comodo ma sempre distintivo. Queste calzature Alden sono realizzate in shell cordovan, un materiale ottenuto attraverso la lunga e minuziosa lavorazione (della durata di circa 6 mesi) di una parte di pellame equino, selezionata da abilissimi artigiani nella concia più pregiata. Le sue caratteristiche distintive risiedono nel caratteristico aspetto, nella confortevole calzata in grado di imprimere alla scarpa (mantenendosi nel tempo), nella notevole flessibilità e nell’assoluta resistenza ai graffi. L’uso della culatta di cavallo si unisce poi a una particolare lavorazione: la cucitura Goodyear. La tomaia, abilmente tirata ed inchiodata sulla forma, ottiene la sua sagoma. Successivamente essa viene cucita assiema al sottopiede e al guardolo. Questa tecnica appartiene a buon diritto alla tradizione calzaturiera maschile di più alto livello. Il risultato che ne deriva è una scarpa elegante, comoda e al tempo stesso praticamente indistruttibile.

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Since 1884 Alden has been synonymous with the inimitable, high-quality, handmade, comfortable footwear manufactured in the USA. Its models come in a timeless elegant style, and belong to the most renowned tradition of men’s footwear. The important innovations that the Firm has introduced over the years have marked the history of their handmade products in high-quality leather. This footwear is the best accessory in the wardrobe of a young preppy who has to face ever different situations. Shoes that see him in the transition from the world of college to that of work, and become faithful fellows throughout his career and lifetime: shoes that age through wear and increase their appeal day after day. The Cordovan Tassel Mocassin and the Cordovan Long Wing Blucher are the ideal models for an elegant and formal look; the Cordovan Leisure Handsewn Mocassin and the Cordovan Chukka Boot (here in the suede version), instead, are synonymous with leisure and are suitable for casual but distinguished clothing. Alden footwear is realised in shell cordovan, a material obtained by carrying out long, meticulous treatments (that last about six months) on a portion of horse leather which undergoes sophisticated tanning after being selected by skilful craftsmen. Its distinctive traits are the typical look, the comfort it gives the shoes (unaltered over the years), the remarkable suppleness and the absolute resistance to scratches. The use of shell cordovan is combined with Goodyear welting. The vamp, skilfully stretched over and nailed to the shoetree is given its shape. Then it is sewn to the insole and welt, a technique that belongs to the top level men’s footwear tradition. The final result is elegant, comfortable, virtually indestructible footwear. aldenshoes.com

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— SHOWCASE

THE SUNGLASSES

Complemento indispensabile del vero look preppy è l’occhiale da sole, da utilizzare rigorosamente all’esterno. Semplice e autentico come il Wayfarer. Il marchio Ray-Ban esprime una personalità unica, che ha reso alcuni tra i suoi modelli icone intramontabili e imitatissime. Ray-Ban nasce alla fine degli anni ’30 con il modello Aviator e assurge a mito negli anni ’50 con l’introduzione di nuovi modelli con lenti, forme e materiali sempre più ricercati: un’evoluzione che in poco più di un decennio trasforma i Ray-Ban in un vero e proprio must have internazionale. Il modello Wayfarer nasce nel 1952, diventando subito icona di uno spirito anticonformista, scelto da numerosi artisti e divi del cinema hollywoodiano (celebre il look di Holly in Colazione da Tiffany). Il preppy delle origini predilige la montatura tartarugata,

con lente marrone scuro. La variante nera dell’occhiale viene adottata successivamente e costituisce tuttora il punto di partenza per le evoluzioni stilistiche del modello. Di recente presentazione è la partnership con Brooks Brothers, in omaggio allo stile tradizionale preppy, che vede l’inserimento di stanghette dai motivi regimental(ripresi dalle cravatte americane) in diversi colori. Ultimo aggiornamento del Wayfarer è il modello con montatura e lente sfumata grigia. Rigorously for outdoor use, simple and authentic like the model Wayfarer, sunglasses are the indispensable complement to the true preppy look. Unique for its personality, the brand RayBan can boast models that have become widely imitated timeless icons. Ray-Ban was born at the end of the

thirties with the model Aviator, and became a myth in the Fifties when new models were created with more and more sophisticated lenses, forms and materials, an evolution that in some ten years transformed Ray-Ban glasses into an international must. Born in 1952 and soon synonymous with an unconventional mind, the model Wayfarer was chosen by countless artists and stars of the Hollywood film industry (see Holly’s look in Breakfast at Tiffany’s). Early preppies used to like tortoise frames with dark brown lenses. The black model was adopted later and is still the starting point for the model’s stylistic variations. In honour of the traditional preppy style a partnership with Brooks Brothers has recently been presented, with models featuring side pieces in different colours and regimental patterns (borrowed from American ties). The latest version of the Wayfarer model has both frame and lenses in softened grey. ray-ban.com

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— SHOWCASE

THE BELTS

Gli accessori firmati KJP non vantano una storia pluridecennale, o centenaria, come altri brand di riferimento del mondo preppy. Tuttavia il marchio nasce nel fermento della prep school in cui Kiel James Patrick studiava per gettare le fondamenta della sua carriera. Ispirato dalla semplicità e dall’artigianalità di motivi classici come il tartan, il regimental, le lane irlandesi e scozzesi, Kiel ha sviluppato uno stile che si è presto guadagnato le preferenze dei nuovi Preppy. Il core della sua produzione sono cinture e bracciali in tessuto.

KJP accessories cannot boast an age-old tradition like other benchmark brands in the preppy world. However, the brand was born in the lively atmosphere of the prep school which Kiel James Patrick attended to lay the foundations of his future career. Drawing inspiration from the simplicity and craftsmanship of traditional patterns like those of tartan, regimental, Irish and Scottish wool fabrics, Kiel created a style that soon met the new Preppies’ taste. The core of his production are cloth wristbands and belts.

Le cinture intrecciate in tessuto sono da sempre un accessorio immancabile nel guardaroba Preppy ma il prodotto KJP è davvero unico nel suo genere. L’intreccio è realizzato accuratamente a mano: il marchio è uno dei pochi a proporre cinture dalla lavorazione così complessa, eseguita totalmente senza l’ausilio di macchinari. La gamma cromatica spazia dalla tinta unita con i classici corda e blu agli immancabili colori pastello, combinati in proposte meno formali a due, tre e quattro colori. La produzione di questo accessorio, ideale complemento dei pantaloni chino, è rigorosamente Made in Rhode Island, la terra dei nodi alla marinara.

KJP belts in plaited cloth are unique items, accessories that can’t but be found in a Preppy wardrobe. The brand is one of the few that can propose belts obtained in such a complex way, their plaiting accurately made by hand without the help of machines. The items range from plain colour with the classic ecru and dark blue, to pastel colours, combined in two-three-four-colour less formal proposals. Ideal to match Chino trousers, this accessory is rigorously made in Rhode Island, the land of granny knots.

I bracciali in tessuto sono invece una new entry: questo accessorio non era presente nel preppy wardrobe delle origini ma sta diventando imprescindibile nel look dei Preppy 2.0. Veri e propri talismani personali, resi preziosi e originali dalla nostra individualità, i bracciali Kiel James Patrick sono realizzati a mano, a partire da motivi vintage tradotti in un design contemporaneo dal sapore autenticamente americano.

The cloth wristbands, instead, are a new entry. This accessory did not feature in the original preppy wardrobe, but is becoming a must in the look of 2.0. Preppies. Made precious and original by wearers’ individual characters, Kiel James Patrick wristbands are true personal handmade talismans realised by handling vintage patterns through updated design techniques whose taste is definitely American. kieljamespatrick.com

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Jacket: Barbour Beaufort Jacket, Madras Shirt: Gant Rugger Shirt, Shirt: Brooks Brother Button-Down Shirt, Bracelet: KJP Atticus Finch Bracelet

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Blazer: Brooks Brothers Blue Blazer, Chinos: Brooks Brothers Clark Chino, Sunglasses: Rayban Wayfarer, Polo Shirt: Lacoste Polo Shirt, Shoes: Handsewn Mocassin

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CELEBRATING THE ICONIC AMERICAN BRAND Black Fleece by Brooks Brothers debutta nell’autunno del 2007 come capsule collection per uomo e donna del leggendario marchio d’abbigliamento americano. A disegnare la collezione sin dall’inizio è il talento visionario di Thom Browne, premiato come stilista maschile dell’anno nel 2006 con il rinomato CFDA e finalista dello Smithsonian Cooper Hewitt National Designer Award, distintosi per il suo approccio provocatorio nella reinterpretazione dello stile degli Anni ‘50. Nel creare Black Fleece by Brooks Brothers lo stilista americano ha potuto attingere al patrimonio e alla tradizione della casa del “golden fleece”, unendo il massimo splendore della sensibilità classica americana con nuove e caratteristiche silhouettes: giacche corte dai revers stretti e maniche sopra al polso, calzoni

Year after year Thom Browne has celebrated Brooks Brothers’ main stylistic innovations by re-editing from the brand’s historical archives items like the Sack Suit, the Eaton Jacket, the Chesterfield coat, the regimental patterns of ties as well as fabrics like madras and seersucker.

maschili dal taglio tradizionale con risvolto evidenti ma tagliati al polpaccio. Anno dopo anno Thom Browne ha celebrato le principali innovazioni stilistiche di Brooks Brothers, recuperando dagli archivi storici capi come la Sack Suit, la Eaton Jacket, il cappotto Chesterfield, i motivi regimental delle cravatte e i tessuti madras e seersucker. Per la collezione Autunnale 2011 l’ispirazione è da ritrovarsi nel tradizionale abbigliamento da caccia cui lo stilista ha aggiunto nuovi tagli e forme per uomo e donna. I tessuti principalmente usati sono il cavalry twill e il cashmere insieme alle classiche Shetland e al tweed. L’uomo veste plaid marrone scuro, abbinati a dolcevita di lana marrone intrecciata e Norwalk senza maniche in tweed grigio per un look meno formale. La donna invece è ingentilita da gonne a vita alta con piccole pieghe, nelle tonalità del grigio e del marrone, abbinate a cappotti di lana bianca con colli in agnello persiano che nascondono i tradizionali cardigan e le gonne dritte. Ancora una volta Black Fleece si conferma il terreno fertile sul quale Brooks Brothers esplora nuovi percorsi stilistici, restando sempre fedele all’essenza della propria tradizione. Black Fleece by Brooks Brothers, the legendary American clothing brand, made its debut in autumn 2007 as a men’s-women’s capsule collection. The whole collection was designed by talented, visionary Thom Browne, who was awarded the prestigious CFDA in 2006 as men’s fashion designer, and made it to the finals of the Smithsonian Cooper Hewitt National Designer Award for his brilliant provocative approach to the reinterpretation of the fashion style of the 1950’s. To create Black Fleece by

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Brooks Brothers the American designer could draw on the heritage and tradition of the “golden fleece” maison to combine the great splendour of American classic sensibility with new characteristic silhouettes: short jackets with narrow lapels and bracelet sleeves, the traditional style of men’s trousers cut at the calf with high turn-ups. Year after year Thom Browne has celebrated Brooks Brothers’ main stylistic innovations by re-editing from the brand’s historical archives items like the Sack Suit, the Eaton Jacket, the Chesterfield coat, the regimental patterns of ties as well as fabrics like madras and seersucker. For the Fall 2011 the designer has drawn inspiration from traditional hunting clothing which he has enriched with new men’s and women’s cuts and forms. The items mostly come in fabrics like cavalry twill, cashmere, tweed and the classic Shetland. Men wear dark brown plaid with turtle-neck sweaters in plaited brown wool and sleeveless Norwalk in grey tweed for a more casual look. Women’s silhouettes are refined by high-waist skirts with small pleats that come in shades of grey and brown, and are coupled with white wool coats with Persian lamb collars that conceal the traditional cardigans and straight skirts. Black Fleece has once more proved to be the fertile ground for Brooks Brothers’ research in fashion style while keeping true to the essence of its own tradition. blackfleece.com

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“LESS IS MORE”

The target is: to interpret one of the guiding tenets of XIX century architecture in the synthetic sentence of the great architect Mies Van Der Rohe and to apply it to clothing.

Questo è l’obiettivo. Interpretare uno dei principi guida dell’architettura del novecento, nella frase sintesi del grande architetto Mies Van dei Rohe, e tradurla anche nell’abbigliamento. Togliere e ancora togliere. Tutto quello che è superfluo. Tutto quello che diventa ed è retorico per uno stile di vita contemporaneo. Non solo dal punto di vista estetico ma anche e soprattutto nella sostanza. Hox da sempre sente questa esigenza che, anno dopo anno, ha evoluto con crescente consapevolezza. L’idea che guida ogni strategia aziendale è creare un prodotto con fondamentali importanti, che siano riconoscibili indipendentemente dall’etichetta che il singolo capo porta. Sia esso un piumino o un pantalone. E così, guidata con passione da Andrea Caldaro, ha fatto della qualità maniacale delle materie prime, combinata con della certificazione etica, e dalla realizzazione seguita in ogni dettaglio, una sorta di mantra. Rompendo lo schema etichetta-testimonial-pubblicità per concentrasi davvero su un prodotto che garantisca uno straordinario rapporto prezzo-qualità. Ma con contenuti di stile e un atteggiamento molto contemporaneo. Ecco allora che emerge la grande attenzione di Hox ai giovani stilisti, usciti da importanti scuole della moda, come lo Iuav di Treviso, che vengono messi nelle condizioni di collaborare alla creazione di un progetto e non solo di un capo. Caldaro ha pensato ad un’azienda moderna, capace di capire le grandi evoluzioni del mercato e di anticipare alcune dinamiche di evidente dissafezione dei consumatori ai lustrini. Per una maggiore attenzione alla qualità. E così Hox si definisce un brand senza frills. Senza fronzoli.

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The target is: to interpret one of the guiding tenets of XIX century architecture in the synthetic sentence of the great architect Mies Van Der Rohe and to apply it to clothing. To remove again and again all that is redundant, all that is or becomes rhetorical for a modern lifestyle, both in terms of content and aesthetics. That’s what Hox has always striven for, year after year, with growing awareness. The guiding idea in the firm’s strategy is to create products whose striking basics can be recognised regardless of the label on each single item, whether it is a duvet or a pair of trousers. Under the guidance of dedicated Andrea Caldaro, the company’s meticulous choice of materials combined with ethical certification and the care for details in production has become a sort of mantra. By breaking the label-testimonial-advertising method, Hox has focused on updated products that are synonymous with style and are good value for money. That’s why Hox has shown great interest in young designers from important fashion schools, like Treviso Iuav, whom it gives the chance to collaborate on the creation of a project rather than on a single item. Caldaro has developed a modern Firm that can detect the market’s changes and foresee consumers’ evident disregard for trimmings. To concentrate on quality. That’s why Hox define itself a brand without frills. hoxitalia.com

photo @ Alessio Avventuroso

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SEOUL

La Corea del Sud è la quarta potenza economica asiatica e in costante crescita, si colloca tra le nazioni più progredite a livello tecnologico. Seul è il manifesto più autentico di questo processo di avanzamento culturale ed economico. Nonostante l’architettura contemporanea stia ridefinendo l’estetica della capitale, Seul mantiene ancora un solido legame con il passato. La Gwanghwamun Street che prende il nome dalla porta sud del palazzo reale (Gyeongbokgung, letteralmente Palazzo dalla felicità luminosa), è una delle aree più storiche della città, recentemente restaurata dopo i tumulti che l’hanno vista protagonista nei secoli. La Insa-dong Street, in uno dei distretti più centrali della capitale (Jongnogu), è invece un perfetto esempio di quartiere sud coreano. Non è solamente una della zone dove sorgono alcuni degli edifici più caratteristici

(Unheyon Palace, Bosingak e la torre Jongno) ma anche un luogo dove riscoprire la tradizione culturale coreana. Spostandoci a sud del fiume Han (che divide in due il centro storico) troviamo Choengdam-dong Street, collocata in uno dei quartieri più frequentati, lo Gangnam-gu. È qui che Seul mostra il suo lato più occidentale: con più di cinquanta flagship stores, vetrine dei più importanti designer sud coreani e gallerie d’arte. La vita notturna di Seul si concentra invece nella Hongdae Street, una zona frequentata principalmente da studenti universitari durante il giorno: locali aperti tutta la notte, nightclubs, ristoranti e concerti di musica rock indipendente. Tutto questo ha fatto guadagnare a questo quartiere un fascino underground alternativo, dando modo di sviluppare al suo interno un movimento artistico tra i più interessanti di tutta la Corea del Sud.

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South Korea is the fourth steadily growing economic power in the Far East and one of the most technologically advanced countries in the world; Seoul embodies at best the country’s cultural and economic progress. Although contemporary architecture is redefining the capital’s aesthetics, Seoul still has solid links with the past. Gwanghwamun Street, which owes its name to the southern gate of the Royal Palace (Gyeongbokgung, literally The Palace of Shining Happiness), is one of the city’s historical areas, recently restored after being badly damaged over the centuries. Insa-dong Street, located in one of the capital’s most central areas (Jongno-gu), is the perfect embodiment of a South Korean district. Not only is it one of the areas where some typical buildings are located (Unheyon Palace, Bosingak and Jongno Tower), but also a place where to rediscover the Korean cultural tradition. As we move south of the river Han ( which

divides the city centre into two halves) we find Choengdam-dong Street at Gangnam-gu, one of the busiest districts. This is the area where Seoul displays its Western character, with over fifty flagship stores, shop windows of the most important South Korean fashion designers and art galleries. Seoul’s night life is mainly concentrated in Hongdae Street, an area mostly attended by university students during the day. Open all night, shops, night clubs, restaurants and independent rock music concerts dot the area and have given this district its alternative underground charm with the development of an artistic movement among the most interesting in the whole of South Korea.

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— SHOPS

BOON THE SHOP

Situato nel quartiere Gangnamgu, è la testimonianza della ricercatezza di quest’area. Realizzato dallo studio di architettura newyorchese Lo-Tek, il locale abbina ad un sapiente gioco di superfici marmoree all’esterno, un raffinato ambiente interno in legno dalle luci soffuse. Realizzato su tre piani, Boon rivela un’atmosfera accogliente, grazie alle ampie vetrate e alle zone relax. Al suo interno ospita collezioni uomo e donna di designer del calibro di Margiela, Dries Van Noten, Comme des Garçons, Manolo Blahnik, Alessandro dell’Acqua, Erickson Beamon e di creativi sud-coreani.

Located at Gangnam-gu it stands for the sophisticated character of this district. Realised by Lo-Tek, a New York-based architectural studio, the shop combines the interplay of its outer marble surfaces with the softly lit wood-lined interiors. A three-storey shop, Boon offers visitors a friendly atmosphere with wide windows and relax areas. It displays men’s and women’s collections by leading designers like Margiela, Dries Van Noten, Comme des Garçons, Manolo Blahnik, Alessandro dell’Acqua, Erickson Beamon and South Korean creators. boontheshop.com Sandos building, 82-3 Cheongdam-dong, Gangnam-Gu

— SHOPS

SPACE MUE

Collocato nel Choengdam-dong, Space Mue è un negozio contraddistinto da uno spazio organizzato e costruito sull’idea degli opposti: ogni zona simbolizza infatti il rapporto tra elementi opposti e complementari, come ad esempio liscio e ruvido, organico e matematico. La sensazione che infondono i due piani dell’edificio è di sospensione, luci color pastello, pareti multicolore, spirali e un continuo gioco tra forme e sfumature. All’interno dello store troverete Marc Jacobs, Balenciaga, Attachment, Kitsuné, Band of Outsiders, Lanvin, Opening Ceremony: scarpe, borse e accessori dal gusto sofisticato quanto il luogo che le conserva.

Located at Choengdam-dong, Space Mue is a shop noted for its space organised on the idea of opposites: each area symbolises the relationship between complementary but opposed elements, like smooth and rough, organic and mathematical. The two storeys of the building convey a feeling of suspension, with lights in pastel colours, multicolour walls, spirals and the endless interplay of forms and nuances. Inside the store you will find Marc Jacobs, Balenciaga, Attachment, Kitsuné, Band of Outsiders, Lanvin, Opening Ceremony: footwear, bags and accessories whose taste is as sophisticated as the place that displays them. Kangnam Gu, Chungdam Dong 93-6

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— SHOPS

MSK SHOP

Msk Shop non è il tipico negozio con le vetrine lungo la strada principale. È un po’ più in alto, all’interno di un attico, al sesto piano di un palazzo. Fondato da Suki Min, Msk presenta una collezione che si basa principalmente su capi realizzati da stilisti locali, proponendo collezioni maschili che uniscono un gusto classico e sofisticato alla praticità di forme e materiali. MSK Shop è nato con l’intento di diventare un punto di riferimento e una showroom per designer e clienti, concentrandosi sulla qualità prima ancora che sulla quantità. Un negozio che si pone quindi come un luogo distante dai ritmi frenetici dei negozi monomarca.

Msk Shop is not the typical store with windows looking out on the main street. In fact, it is located a bit higher, in an attic on the sixth floor of a building. Established by Suki Min, MSK offers a collection that includes items realised by local fashion designers, and proposes men’s lines that combine a sophisticated, classic taste with practical forms and materials. Since it was born Msk Shop has aimed to become a benchmark and a showroom for designers and clients, its focus of attention on quality rather than on quantity; a store conceived to shun the frantic rhythm of single brand shops. mskshop.net 569-21, 6/F Woo Jung Bd, Sinsa-dong, Gangnam-gu

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— GALLERIES

GALLERY FACTORY

Nel cuore di Seul, più precisamente nel quartiere Jongno-gu, si trova questa galleria fondata quasi dieci anni fa; creata per fornire uno spazio espositivo a forme d’arte e artisti provenienti da ambiti eterogenei, la Gallery Factory ospita di media dieci esposizioni all’anno. Dopo essersi spostata da Samchungdong a Hyoja-dong, la direzione creativa ha di recente deciso di puntare sui giovani, trasformando la galleria in uno spazio all’avanguardia e alla costante ricerca di nuovi talenti. Per questo motivo all’interno della programmazione sono state create delle categorie per gli artisti esordienti e progetti di scambio internazionale. Non solo esposizioni ma anche dibattiti, conferenze, workshop e una pianificazione mirata alla ricerca.

This gallery, established some ten years ago, is located in Jongno-gu district, in the heart of Seoul, was created to provide an exhibition space for art forms and artists from different fields, and houses on average ten exhibitions a year. After moving from Samchung-dong to Hyoja-dong, the creative director has recently decided to rely on young creators, and transformed the gallery into an avant-garde space open to new talented artists. That’s why its schedule provides for special categories of artists at their debut and international exchange programs. The Gallery’s activity is also rich in debates, lectures, workshops and research planning activities. factory483.org Jongno-gu, 127-3 Changsung-dong

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— GALLERIES

PLATOON KUNSTHALLE

Situata anch’essa nel quartiere di Gangnam-gu, questa galleria d’arte spicca in mezzo agli edifici circostanti. Costruita all’interno di un container da transporto, con delle ampie vetrate sui lati, risalta per la sua forma possente ma al tempo stesso armonica grazie alla luce riflessa dall’interno. L’impatto visivo è molto forte. Organizzato come una sorta di magazzino, Platoon Kunsthalle rappresenta un punto di incontro per tutti gli artisti e i cultori dell’arte contemporanea. La programmazione prevede mostre, concerti, proiezioni e workshop, rigorosamente all’insegna dell’avanguardia e della tecnologia. I movimenti underground sudcoreani trovano qui il loro canale di sfogo, all’interno di uno spazio dove potersi sentire diversi e al tempo stesso sperimentare.

Also located in the Gangna-Gu district, this art gallery stands out among the surrounding buildings. Realised inside a container, with wide windows on both sides, it is remarkable for its powerful but harmonious shape enhanced by the reflection of the inside lights, a view whose impact is very strong. Laid out as a sort of storeroom, Platoon Kunsthalle is a meeting point for artists and contemporary art enthusiasts. Their programme offers avant-garde and technologically qualified exhibitions, concerts, films and workshops. South Korean underground movements have found an outlet for their creativeness in a space where they can feel different and experiment at the same time. kunsthalle.com Gangnam-Gu Nonhyeon-Dong 97-22

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LE ROYAL ECLAIREUR

<<Le Royal Monceau Raffles Paris n’a rien à voir une fois de plus avec l’architecture ou la décoration, c’est une exploration. C’est l’exploration de ce qu’est, de ce que devrait, de ce que pourrait être l’esprit français. Nos qualités, nos défauts, cette poésie, ce romantisme, cette réflexion, cet esprit critique au plus haut niveau développé qui tue ou qui qualifie>>. Philippe Starck

Per molte persone soffiare sulle “trenta candeline” è sinonimo della fine della giovinezza oppure, guardando il bicchiere mezzo pieno, della raggiunta maturità. Per festeggiare questo importante traguardo, L’Eclaireur, celebre realtà multi-brand parigina fondato da Martine e Armand Hadida, ha introdotto un nuovo concept di vendita. Non è semplice definirlo dal momento che questa “shopping experience” avviene all’interno di un albergo di lusso, nella fattispecie del calibro del Royal Moncenau, ma anche perchè Le Royal Eclaireur è stato concepito come fosse una suite.

L’unione de L’Eclaireur e del Royal Moncenau ha generato un luogo del tutto nuovo: Le Royal Eclaireur, che ha aperto ufficialmente i battenti il 13 Maggio 2011. L’obiettivo è quello di stupire i clienti, facendo loro vivere un’esperienza che vada al di là del semplice acquisto. Per fare questo alcuni ambienti dell’albergo sono stati trasformati in un vero e proprio contenitore, all’interno del quale trovano posto diverse forme d’espressione: dalla pittura al design, dalla scultura fino alla video-arte. Il risultato è un mix sorprendente, in grado di riflettere appieno le due

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anime che in questa occasione sono venute a incontrarsi. Nella sostanza è un negozio, ma nella forma si fondono elementi differenti, alcuni propri di una suite d’albergo, altri più vicini alle recenti contaminazioni visive e tecnologiche nelle quali la coppia Hadida ha innervato i propri stores. Sette vetrine che appaiono concettualmente come una matrioska: una suite che contiene una galleria d’arte che è anche negozio. Tutto è in vendita: dai lampadari di Murano al letto disegnato da Philippe Starck, dal cavallo di pelle nera di Carol Christian Poell alla selezione di opere esclusive di Yves Saint Laurent, Celine, Vincent Darré, Rick Owens, Giambattista Valli. “Le Royal Monceau Raffles Paris has once more nothing to do with architecture or decoration, it’s an exploration. It is the exploration of what is, should be, or could be the French spirit. Our qualities, faults, poetry, romanticism, reflection, and a critical spirit at the highest possible level, a spirit that can kill or qualify” Philippe Starck. Many people feel that to blow out thirty candles means the end of youth, or looking at their half full glass they feel they have reached maturity. To celebrate its thirtieth anniversary, L’Eclaireur, the noted Paris-based multi brand store established by Martine and Armand Hadida, introduced a new sale concept. The ‘shopping experience’ it proposes is hardly definable because it occurs inside a luxury hotel, in this case no less than the Royal Monceneau, but also because The Royal Eclaireur was conceived as a suite. The merging of L’Eclaireur with the Royal Monceneau created a totally new place: Le Royal Eclaireur,

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which officially opened on May 13, 2011. Aimed at surprising customers, Le Royal Eclaireur enables them to live an experience that surpasses a simple purchase. To achieve this surprise effect some premises of the hotel have been transformed into an exhibition space that houses various artistic genres, from painting to design, from sculpture to video-art. The result is a surprising mix that can fully mirror the two spirits merged in this creation; a shop in its essence, its form derives from the combination of different features, some of which are typical of an hotel suite, whereas others are closer to the recent visual and technological elements that characterise Martine and Armand Hadida’s stores.

Seven windows that conceptually look like a matrioska: a suite which contains an art gallery which is also a store. The store offers a bit of everything: from Murano chandeliers to a bed designed by Philippe Starck, from a black leather horse by Carol Christian Poell to a selection of exclusive works by Yves Saint Laurent, Celine, Vincent Darré, Rick Owens, Giambattista Valli. leclaireur.com

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MAEKAWA JAPANESE MILITARY ANTIQUES

Benché in Giappone l’abbigliamento militare non abbia avuto grande successo negli ultimi dieci anni, coloro che visitano regolarmente JINBOUCHO Japanese Military Antiques a Tokyo, che ha aperto l’anno scorso, non sono solo collezionisti, ma anche stilisti europei e americani. Il proprietario del negozio tratta solo articoli autentici, e questa sua politica è positiva per la sua attività economica e popolarità. La maggior parte dello spazio del negozio è occupato da uniformi militari giapponesi e accessori, una ricca

collezione che non si può trovare in alcun altro posto. La collezione comprende molte uniformi di gala confezionate da bravi artigiani con materiali di alta qualità, con una cura per i dettagli ( i bottoni e le finiture) che è sinonimo di alta qualità dei capi. Il forte attaccamento dei precedenti proprietari spiega probabilmente il fatto che molti degli indumenti sono in ottime condizioni, al punto che sembrano prototipi di capi alla moda attuali. Una giacca e cappotto col colletto alto sono attualmente in uso come uniformi scolastiche dei ragazzi giapponesi. Una grossa valigia per una uniforme di gala ricorda l’articolo standard di una ditta importante. Un giacca da pilota con colletto di pelliccia e lo zaino di un soldato fanno venir voglia di provarli. Il negozio è ovviamente una miniera di idee per gli stilisti. Mi sono chiesta perché il negozio sia stato ubicato in un quartiere ricco di attività economiche, ma tranquillo di notte e durante i weekend. Il proprietario ha precisato che “C’erano alcune dozzine di negozi di articoli militari in questa zona durante il periodo bellico”. Una volta che ci si entra pare quasi di trovarsi in un mondo diverso. Non so se dipenda dall’atmosfera che c’è all’interno o dalla conversazione di un proprietario unico. Qualunque sia la ragione, mi sono resa conto che il Giappone del periodo bellico e il Giappone di oggi, con la sua grande potenza economica, sono dopo tutto esattamente lo stesso paese. Although military clothing hasn’t achieved great success over the last ten years here in Japan, those who regularly visit JINBOUCHO Japanese Military

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Antiques, Tokyo, which opened last year, are not only collectors but also fashion creators from Europe and the USA. The shop’s owner deals only in genuine articles, mostly Japanese Military ones, and this policy greatly supports the shop’s business and lasting popularity. Most of the shop’s space is taken by Japanese military uniforms and accessories, no doubt the biggest collection anywhere else to be found. This rich collection includes many formal uniforms tailored by skilled craftsmen out of valuable materials with a care for details (the buttons and the finish) which is synonymous with top quality. The strong attachment their former owners felt for the items probably accounts for the fact that all of them are in very good conditions, to the extent that they look as if they were prototypes of present day fashion items. A stand-up collar jacket and coat are now used as Japanese boys’ school uniforms. A big suitcase for a formal uniform recalls the standard article of an important firm. A pilot jacket with a fur collar and a soldier’s rucksack make you feel like trying them on. The shop obviously treasures countless ideas for fashion creators. I wondered why the shop should be located in a business district which is quiet at night and at the weekends. The owner pointed out that “There were a few dozen military shops in this area during the war period”. Once you step in you feel as if you were in a different world. I’m not sure whether it is for the atmosphere inside, or due to the talk of a unique shop owner. No matter what the reason is, I realised that the Japan of the war period, and today’s Japan with its great economic power are exactly the same country, after all. jp-military.com

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BLUE BELL: FUTURE CLASSIC Le radici di Blue Bell risalgono al 1904 e alla Hudson Overall Company, azienda specializzata nella produzione capi da lavoro. La campana da ferroviere appesa al soffitto della fabbrica, anno dopo anno, si ricopre della polvere blu dell’indaco del denim e l’azienda decide di ribattezzarsi “Blue Bell”. Diviene leader nella produzione di abbigliamento da lavoro e fornitore dell’esercito americano, durante la Seconda Guerra;

nel 1947, lancia il celebre brand Wrangler. Il nome Blue Bell viene ripreso nel 2004 per una gamma di riproduzioni vintage prodotte per celebrare il centenario dell’azienda. Oggi, Blue Bell è la linea premium di Wrangler, totalmente Made in USA, in grado di sintetizzare il perfetto incontro dell’heritage con fit moderni e trattamenti all’avanguardia. La collezione FW11 prende le mosse da una camicia degli Anni ’50, in

velluto a coste, in cui blocchi di colore rosso, beige, blu e verde evocano visivamente la Pop Art. Fil rouge della collezione è il lavoro dell’artista David Buckingham, in grado di plasmare opere contemporanee a partire da materiali storici, tanto quanto Blue Bell è capace di reinterpretare la sua eredità per creare un jeanswear contemporaneo. Elemento chiave della collezione FallWinter 2011 sono i colori: rosso, verde e blu scuro, applicati ai denim, proposti in quattro comodi fitting. A questi si aggiungono un pantalone in velluto a coste, uno cinchback e un workwear Chino, disponibili con lavaggio effetto vintage o pulito. I pantaloni sono in denim rigorosamente cimosato o proposti in Broken Twill, il denim con trama a “spina di pesce” (sull’antifit Eddy) e in Left Hand Twill. Le camicie, in denim e chambray, abbinano tagli Western e da lavoro a una sofisticata lavorazione a scacchi. T-shirt e felpe riprendono i colori dei jeans. Tra le giacche, si ritrovano modelli in pelle, giacche a vento in cotone e giacche da lavoro. Cinture e portadocumenti in pelle completano la collezione. L’attenzione per i dettagli è la costante che rende Blue Bell un faro per Wrangler nel design, nella qualità e nel posizionamento: il marchio è venduto in negozi selezionati di media e alta gamma del mercato top del denim. Blue Bell’s origins date from 1904 and must be traced to Hudson Overall Company, a firm specialised in the manufacture of work wear. Over the years, the railroader bell hanging from the factory ceiling got coated with the blue dust of denim indigo, so that the firm decided to rename itself “Blue Bell”. After it became leader in the production of work wear and a supplier of the American

Army during World War II, in 1947 the company launched the well-known brand Wrangler. The label Blue Bell was used again in 2004 for a line of vintage reproductions specially manufactured to celebrate the Firm’s centenary. Entirely made in the USA, today Blue Bell is Wrangler’s premium line which can perfectly merge the brand’s heritage with modern fits and state-of-the-art treatments. The collection FW11 draws inspiration from a corduroy shirt of the 1950’s, whose patches of red, beige, blue and green visually recall Pop Art. Outstanding in the collection is the contribution made by David Buckingham, an artist who can shape topical works out of traditional materials, just as Blue Bell can reinterpret its heritage to create topical jeans wear. The key elements in the collection FallWinter 2011 are colours; in fact, the denim items it includes are proposed in four

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comfortable fits and come in red, green, and dark blue. The collection also includes a model of corduroy trousers, cinch back jeans, and Chino work wear available also with the vintage effect wash. The jeans are rigorously in selvage denim or in Broken Twill, the denim with a herringbone weave ( on the anti-fit Eddy), and in Left Hand Twill. The shirts, in denim and chambray, combine Western and work cuts with a sophisticated checked manufacture. The T-shirts and sweatshirts come in the same colours as the jeans. As for the jackets, the collection includes leather models, cotton anoraks and work jackets, and is completed by leather belts and wallets. The unfailing care for details is what makes Blue Bell a benchmark for Wrangler as far as design, quality and positioning are concerned. The brand is available at select medium and highend stores in the top market of denim. bluebelljeans.com

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THE COUNTLESS POSSIBILITIES OF GLASS

ALESSANDRO D'ANNIBALE

photo ÂŠ diephotodesigner. de, Berlin/Germany

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Le grandi aziende decidono spesso di trasformare i loro archivi in musei, creando aree espositive destinate ai macchinari dismessi, alle campionature o ai modelli che nel tempo si sono rivelati più significativi in termini commerciali. È molto raro però incontrare realtà industriali che abbiano il coraggio di mettere a disposizione della comunità il loro patrimonio culturale e la loro storia straordinaria nell’intento di vivificarle e stimolare di nuovo. La Shangai Glass Company Ltd è la promotrice dello SHMOG, lo Shangai Museum of Glass. Ma non può essere riduttivamente definita lo sponsor di questo istituto, responsabile della sua costruzione e del suo mantenimento; essa è la testimone principale dello sviluppo dell’industria vetraria a Shangai. La realtà che ha preservato e impresso la memoria centenaria di questa lavorazione. Zhang Lin è il CEO dello SHMOG, colui che ha deciso di trasformare il museo in uno spazio di creazione artistica, un luogo dove l’arte incontra infinite possibilità espressive. È proprio in questa occasione di incontro e in questa definitiva apertura dell’industria del vetro che risiede il reale valore della visione

del progetto no-profit del museo. Dopo aver esaminato dozzine di realtà museali nel mondo, il comitato direttivo dello SHMOG ha invitato il team di architetti tedeschi di Tilman Thuermer a lavorare al disegno della sede, nell’ottica della giustapposizione tra passato e presente. Alla struttura originale dell’edificio sono state integrate delle soluzioni di moderna funzionalità e alto valore simbolico. La stessa scelta del vetro e delle colorate superfici specchianti (per le pareti del museo) offre ai visitatori un’esperienza visiva unica. A fornire supporto organizzativo e artistico al Museo è poi l’Università di Shangai. Oltre a numerose esposizioni, lo SHMOG ha in cantiere anche il G+, il GLASS THEME PARK di Shangai; il parco tematico avrà come obiettivo incontro tra l’arte e la vitalità metropolitana. La prima parte che verrà inaugurata sarà il G+ Museum, cui seguiranno G+ Sculpture Yard, G+ Studio, G+ Science Park e il G+ Business Park: ennesima conferma della volontà del Museo del Vetro di Shangai di creare una nuova esperienza museale in grado di ridurre ulteriormente le distanze tra Cina e Occidente.

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photo ÂŠ diephotodesigner. de, Berlin/Germany

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È molto raro incontrare realtà industriali che abbiano il coraggio di mettere a disposizione della comunità il loro patrimonio culturale e la loro storia straordinaria nell’intento di vivificarle e stimolare di nuovo.

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Big firms often decide to transform their archives into museums and create exhibition rooms in premises previously reserved for obsolete machinery and samples, or the models that have proved commercially profitable over the years. However, it seldom happens to find industries that revive themselves and find new stimuli by putting their cultural heritage and extraordinary history at the comunity's disposal. The Shanghai Glass Company Ltd is the promoters of SHMOG, the Shanghai Museum of Glass, it they cannot simply be defined as the sponsors of this institution, or credited with its building and maintenance; indeed, it is the main witnesses to the development of Shanghai glass industry, who has preserved the century-old memory of Shanghai glasswork. The CEO of the Shanghai Museum of Glass, Zhang Lin, has decided to transform the Museum into a space for artistic creations, a place where art is given countless expressive possibilities. Such possibilities and the new broad-minded policy of glass manufacturers have led to the new inspired vision of the Museum’s no-profit project.

After surveying hundreds of museums world-wide, the Managing Board of the SHMOG asked Tilman Thuermer’s team of German architects to work out the project of the new premises focusing on the juxtaposition between past and present. The original structure of the building was integrated with highly symbolic, modern and functional solutions; furthermore, through the choice of glass and glazed mirror-like surfaces (for the walls of the museum), visitors are offered a unique view. Organisational and artistic support is supplied by Shanghai University. Besides countless exhibitions, the SHMOG is preparing the G+, Shanghai’s GLASS THEME PARK, aimed at merging art with metropolitan vital energy. The inauguration of the G+ Museum will be followed by G+ Sculpture Yard, G+ Studio, G+ Science Park, and G+ Business Park; these achievements will lead to a new museum conception realised by the Shanghai Glass Museum to further bridge the gap between China and the Western World. shmog.org

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SMELLING LENA BROMBACHER olfactorialist.com

SANTAL 33 LE LABO

Come hanno fatto entrare il cavallo nella boccetta? Non sto scherzando, qualche volta riesco perfino a sentire questa nota di stalla anche in Kelly Calèche di Hermès. Penso che sia qualcosa che sa di cuoio a produrre questo effetto. Santal 33 è stato ispirato dal mito americano dell’uomo Marlboro che si accende una sigaretta appoggiato a una sella di cuoio consumata, seduto accanto al fuoco; “un'icona così forte che tutti gli uomini volevano essere come lui e tutte le donne volevano averlo”. Fin qui tutto bene. Aggiungerei “un cavallo sullo sfondo”. All’esordio Santal 33 si presenta pulito e con un sentore di legno. Ha un profumo fresco, un po’ come la canfora, maschile. Subito dopo il profumo si fa più intenso, morbido, e si colgono note di violetta e di iris che sembrano allungate con semi di carota. La base è dominata dall'odore di cuoio, anzi dalla pelle scamosciata. Mescolato al muschio si trasforma in qualcosa di animale, e questo suggerisce l’associazione di un intenso odore di cavallo, dolce ma con note di muschio. E anche se troverete tutto questo un po' strampalato, se siete mai stati a cavallo, potrete confermare. Raccomanderei questo profumo ad un uomo... o avete sentito parlare di una "donna Marlboro"? Note: cardamomo, iris, violetta, ambrox, sandalo, cedro, papiro, cuoio, ambra e muschio. How did they get the horse into the bottle? No joke, sometimes I can smell this horse barn note also in Kelly Calèche by

Hermès. It is something about the leather that produces this effect I think. Santal 33 was inspired by the American myth of the Marlboro man, sitting by the fireside, leaning on a worn leather saddle, lighting a cigarette, “an icon so powerful that every man wanted to be him and every woman wanted to have him“. Sounds good so far. I would add “a horse in the background“. Santal 33 opens up clean and woody. It smells rather fresh, a little bit like camphor, masculine. At the next step the scent is getting warmer, softer, you get violet and iris, which smells like having been extended with carrot seeds. The base is dominated by leather, rather suede. In combination with the musk it turns into something animalic and that's what evokes this association of a warm horse, a very sweet and musky warm horse. This is not too crazy, because I have asked a friend of mine who horse rides regularly and she just said “absolutely!“ I would recommend this perfume to men, or did you ever hear about a Marlboro woman? NOTES: cardamom, iris, violet, ambrox, sandalwood, cedar, papyrus, leather, musk, amber. lelabofragrances.com

HIPPIE ROSE HEELEY

il resto il profumo si annuncia trasparente come gli occhi azzurro-chiari di Daria. L’equilibrio del profumo di rosa e del patchouli è meraviglioso. Heeley è riuscito a rendere il profumo leggero ed esaltante. Dominano le note verdi, e gli elementi dolci del rosa contrastano con l’intensità del patchouli. Dire che è dolce sarebbe un’offesa. No, è lieve con toni floreali e un tocco di incenso. Hippie Rose non vi indurrà nella tentazione di fumare erba, ma vi piacerà da morire! Note: bergamotto, muschio verde, rosa, patchouli, incenso, vetiver, ambra e muschio. jamesheeley.com

Volete avere il profumo di uno hippie sofisticato? Io, sì! Forse dovremmo acquistare anche uno di quei cappelli a tesa larga però. Hippie Rose è stato ispirato dal movimento hippie, dal rock’n’roll, da Jim Morrison e dalla bella attrice Daria Halprin nel film Zabriskie Point di Antonioni, ambientato nel paesaggio assolato della Death Valley. Siamo all’imbrunire, con un bel cielo color rosa, una ragazza con capelli lunghissimi e grandi occhi azzurri e un bel ragazzo. All’esordio l’aroma verde e acidulo del muschio e del bergamotto rivelano una tonalità fresca e maschile, per

Do you want to smell like a sophisticated hippie? I want to! Maybe we should also buy one of these big brim hats. Hippie Rose was inspired by the hippie movement, rock'n'roll, Jim Morrison and the beautiful actress Daria Halprin from the movie Zabriskie Point by Antonioni, which takes place in the sundrenched landscape of the Death Valley. There is dusk, a beautiful rose coloured sky, a girl with long, long hair and huge light blue eyes and a beautiful boy. Tart green moss and bergamot in the opening reveal a fresh, masculine twist, on the other side the perfume feels transparent like the light blue eyes of Daria. The balance of rose and patchouli is wonderful. Heeley managed to make the scent light and uplifting. The green notes dominate and the sugary elements of rose are contrasted by warm patchouli. To say that it is sweet would be an offense. No, it is mild and flowery with a touch of incense. Hippie Rose will not tempt you to smoke weed, but you will love, love, love it!

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NOTES: bergamot, green moss, rose, patchouli, incense, vetiver, amber, musk. jamesheeley.com

CALYPSO ROBERT PIGUET Calypso è la nuova versione del profumo originale prodotto nei tardi anni Cinquanta. Aurélien Guichard ha reso omaggio al carattere vintage del profumo, ma è riuscito a caratterizzarlo con sfumature che lo rendono moderno. All’esordio si annuncia come una mistura fresca di geranio, mandarino e rosa. Le note di fondo sembrano iniziare subito con intense note di ambra; in fondo una traccia di patchouli tesse un velo invisibile attorno al profumo di rosa che svanisce dolcemente in una base cipria. Si avverte una morbida tonalità cuoio, che sa più da interno di borsa da signora in cui si è rotto un contenitore di cipria. Lieve aroma aldeidico e di muschio. Mentre Visa di Robert

Piguet è una diva rumorosa che balla in mezzo a una sala, Calypso è la bella timida seduta in un angolo. Per scegliere un personaggio da Mad Men, direi che Visa sarebbe Joan Holloway, mentre a Calypso si addice quello di Peggy Olson. È Joan che dice a Peggy di vestirsi da donna e non da bambina. Peggy è rivoluzionaria ma sempre discreta e pacata, combattuta fra l’idea di lavorare come un uomo o di essere donna. Calypso ha aspetti virili e al tempo stesso femminili. Alla fine le doti femminili dominano le note di fondo. Forza Peggy! Note: mandarino, geranio, rosa bulgara, giaggiolo, zentifoglia, patchouli, ambroxan, suede. Calypso is the new version of the original same-named fragrance of the late 1950s. Aurélien Guichard paid tribute to the vintage character of the perfume but managed to give it a contemporary twist. The opening is a fresh mix of geranium, tangerine and rose. The drydown seems to start immediately: You get warm aspects of amber and hidden in the background a whiff of patchouli weaving an invisible veil around the rose, that

softly fades into a powdery base. There is a soft leather note, but it smells more like a lady’s bag inside, mixed with a broken powder tin. Slightly musky and aldehydic. While Visa by Robert Piguet is a loud diva dancing in the middle of the room, Calypso is the shy beauty sitting in the corner. To choose a character from Mad Men, I would say that Visa would be Joan Holloway, Calypso fits Peggy Olson. It is Joan who tells Peggy to dress like a woman and not like a little girl. Peggy is revolutionary but always discreet and deliberate, torn between working like a man and being a woman. Calypso has virile and female facets too. In the end the female attributes dominate the drydown. Go, Peggy go!

bello da colpirmi sempre profondamente. Odora come un profumo! Star seduti nell’erba verde, all’ombra di un fico è un momento di pura beatitudine e Jardins de Kerylos esprime questo momento in modo brillante. Mi piace, mi piace, mi piace! Note: fico, erba, legno di sicomoro, muschio. In summer I love to wear Jardins de Kerylos by Parfumerie Générale. Time of the figs!

NOTES: tangerine, geranium, Bulgarian rose, orris, zentifoglia, patchouli, ambroxan, suede. robertpiguetparfums.com

PG 16 JARDINS DE KERYLOS PARFUMERIE GÉNÉRALE

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D’estate mi piace mettere Jardins de Kerylos di Parfumerie Générale. È la stagione dei fichi !

preferiti. È decisamente il profumo più puro all’essenza di fico. È verde, leggero e ricorda l’erba. Jardins de Kerylos assomiglia per aroma alla polpa bianca sotto la buccia di una mela Granny Smith ma il suo carattere sta più nelle note agrodolci che nel profumo di mela. Avete presente il profumo di foglie tagliuzzate o il legno umido dei rami di un fico o l’erba vicino a un albero? Mettete insieme tutte queste sensazioni e avrete Jardins de Kerylos.

Parecchi profumieri hanno lanciato fragranze al fico dato che a molte persone piace il profumo di questo frutto sexy con il suo latteo aroma dolce, anche se fresco e pungente ma Jardins de Kerylos è uno dei miei

Durante una vacanza in Spagna avevamo un albero di fico in giardino. Non c’era piacere maggiore che raccogliere dei fichi verdi e freschi dall’albero e di tagliarli a metà. Il colore rosso vivo della polpa è così incredibilmente

A lot of perfume houses have launched fig scents as many people love the scent of this sexy fruit with its milky and sweet yet tart, green flavor. But Jardins de Kerylos is one of my favorites. It is the most pure fig ever. It's green, light and reminds you of grass. Sometimes Jardins de Kerylos smells like the white flesh of a Granny Smith apple under the peel but it is more this sweet-and-sour aspect than the smell of apple. Do you know how cut up leaves smell like, or the branches of a fig tree, the moist wood inside, the grass beside the tree? Put all these impressions together and you get Jardins de Kerylos. During our vacation in Spain we had a fig tree in the garden. There was no bigger pleasure than picking fresh green figs from the tree and cutting them in two halves. The bright red color inside is so unbelievably beautiful that I am always deeply impressed. It smells like a perfume! Sitting in the green grass in the shadow of a fig tree is a perfect moment. Jardins de Kerylos captures this moment brilliantly. I love, love, love it. NOTES: fig, grass, sycamore wood, musk parfumerie-generale.com

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READING WIM CROUWEL: A GRAPHIC ODYSSEY – CATALOGUE, COVER NO.1 Wim Crouwel Unit editions (2011)

La Unit editions celebra con questo volume l’odissea grafica di uno dei designer europei più influenti di tutti i tempi: Wim Crouwel. Il libro è l’appendice della mostra che si è da poco tenuta a Londra presso il Design Museum, dedicata al graphic designer olandese.

Nel libro viene bene evidenziato come Crouwel sia stato un pioniere della grafica, anticipando molte delle tendenze visive che sarebbero sopraggiunte nei decenni successivi, ponendo le basi per tutto l’immaginario legato al mondo della tecnologia, dei computer e dei temi legati al futuro e allo spazio. Un viaggio a ritroso nel tempo sino ai primi lavori dell’artista, negli anni '50, il cui valore intrinseco risiede anche nella modalità con la quale questi documenti, poster, cataloghi, manifesti, manuali e fotografie sono stati riproposti: originali estratti direttamente dall’archivio di Crouwel. Infine un’intervista realizzata dal curatore della mostra e del volume,

Tony Brook, che ripercorre insieme al designer olandese la sua carriera fin dagli inizi presso lo studio Total Design. With this volume Unit Editions celebrates the graphic odyssey of Wim Crouwel, one of the most influential European designers of all time. The book is an appendix to the exhibition devoted to the Dutch graphic designer, recently held in London at the Design Museum. What the book emphasises is that Crouwel has been a pioneer in graphics, has forerun many of the visual trends that would gain ground in the following decades, and laid the foundations for the imaginative world connected to the developments of technology, computers, and futuristic space-related research. A backward survey that includes the artist’s earliest works of the Fifties, all the more valuable since the documents, posters, catalogues, manifestos, manuals and photographs were chosen among the original works in Crouwel ’s archive. By way of conclusion, Tony Brook, the editor both of the exhibition and the book, presents the text of the Dutch designer’s interview that retraces his career starting from his collaboration with Total Design Studio. uniteditions.com

THE IVY LOOK – CLASSIC AMERICAN CLOTHING: AN ILLUSTRATED POCKET GUIDE Graham Marsh, J.P. Gaul Frances Lincoln Publishers (2010) Da Ivy League a Ivy Look il passo è breve. Il primo termine raccoglie al suo interno le otto università più prestigiose degli Stati Uniti, tra le quali Harvard e Yale. Il secondo è lo stile d’abbigliamento adottato all’interno dei college, che in seguito sarebbe stato definito come "preppy". La guida realizzata da Graham Marsh

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e J.P. Gaul, è un percorso illustrato che ha come obiettivo quello di definire i canoni di questa maniera di vestire nel decennio tra il 1955 e il 1965. L’attualità che trasuda dalla selezione fotografica qui raccolta è evidente dalla presenza, ieri come oggi, di alcuni must come la Harrington jacket ma anche di icone senza tempo, come Steve Mc Queen. Fotografie di modelli o per meglio dire, icone d’eccezione, come musicisti, registi e attori che in questa guida trovano spazio facendosi portavoce di questo modo di intendere lo stile americano maschile.

ECO AMAZONS: 20 WOMEN WHO ARE TRANSFORMING THE WORLD Dorka Keehn, Colin Finlay PowerHouse Books (2011)

The labels ‘Ivy League’ and ‘Ivy Look’ are closely connected. The former stands for the eight most prestigious universities in the USA, including Harvard and Yale, the latter stands for the style in clothing adopted by college students that would later be defined “preppy”. The guidebook realised by Graham Marsh and J. P. Gaul is an illustrated survey aimed at defining the canons of this style in the decade 1955-1965, a photographic selection of topical interest in that it contains a must like the Harrington Jacket and a timeless icon like Steve McQueen. Photographs of models, or rather, exceptional icons like musicians, film directors and actors are included in the guidebook as interpreters of American men’s style in fashion. franceslincoln.co.uk

Le persone hanno il potere di cambiare il mondo. Il problema però è che possono farlo sia in meglio che in peggio. In uno dei momenti di maggiore consapevolezza del degrado ambientale del pianeta, alcune donne si sono prese il compito di lavorare ad un futuro migliore. Esponenti di punta del movimento ecologista, queste moderne "amazzoni" cercano di fare la differenza, a partire dalla loro semplice quotidianità. Sono infatti molte le donne ai vertici delle associazioni che si battono per questa causa e la loro crescente notorietà sta contribuendo

concretamente alla sensibilizzazione nei confronti dell'ambiente. Attraverso le intime interviste di Dorka Keehn e le suggestive immagini del celebre Colin Finlay potremo apprezzare la passione autentica che muove queste paladine. Ma cosa possiamo imparare dalla loro visione del mondo e dai loro gesti? People have the power to change the world. The problem, however, is that they can do so for the better or for the worse. At a time when people are fully aware of the planet’s environmental degradation, some women have decided to work for a better future. Leading members of the ecological movement, these modern “amazons” are doing their best to bring about changes starting from their daily lives. As more and more women reach the top of ecologically committed associations, their fame leads to a growing environmental awareness. Through Dorka Keehn’s intimate interviews and Colin Finlay’s evocative images we will be able to appreciate the passion and authenticity underlying these champions’ initiatives, and understand what we can learn from their world view and activities. powerhousebooks.com

ICONS OF MEN’S STYLE John Sims Laurence King Publishing (2011)

Una dopo l’altra, Joshn

Sims esamina le icone dell’abbigliamento maschile, dalle loro origini alla loro affermazione nel mondo della moda. Pantaloni, giacche, cappotti, borse, scarpe e stivali che hanno segnato la storia del costume, caratterizzando l’abbigliamento di generazioni di persone. Centinaia di immagini di questi capi e accessori storici indossati dalle icone maschili del nostro tempo: Marlon Brando con la

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sua giacca da moto, Tom Cruise con i suoi occhiali da sole da aviatore, Sean Connery nei panni di 007 con il suo completo nero e il ragazzo della lavanderia con indosso solamente un paio di boxer bianchi. Ma anche i retroscena e le false convinzioni che si nascondono dietro alla storia di alcuni capi divenuti sinonimo di eleganza e distinzione, spesso un tempo destinati ai più umili lavoratori. UJohn Sims goes through the icons of men’s wear and accessories from their origins to their success in the world of fashion. Trousers, jackets, coats, bags, shoes and boots which have characterised the clothing of generations of people and left a mark in the world of fashion. Hundreds of images of these historic items of clothing and accessories worn by iconic men of our times: Marlon Brando’s riding jacket, Tom Cruise’s pilot sun glasses, Sean Connery’s black suit in the role of secret agent 007, and the laundry boy wearing only a pair of white boxers. But also the behindthe-scene anecdotes and the false convictions underlying the story of items that have become synonymous with elegance and distinction, but were once worn by the most humble workers. laurenceking.com

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Mug Magazine issue 21, year XI

CREDITS

Golden Goose Deluxe Brand Text: Alessandra Bortoletto www.goldengoosedeluxebrand.com

Spotlight Articles: Texts: S. Loni, A D'Annibale

Tumi www.tumi.com

MUG Magazine#1: Texts: Mauro Mongarli www.maisonmartinmargiela.com www.lazzariweb.it

Lo Spazio Concertato: www.francescostefanini.it www.romanoabate.tv

Mug Magazine#2: Texts: Mauro Mongarli carolchristianpoell.mak.at www.sugar.it

A Shoe is Born www.guidi.it

The Button-Down Shirt Text: A. Bortoletto, A. D'Annibale www.brooksbrothers.com The Madras Shirt Text: A. Bortoletto, A. D'Annibale www.gantrugger.com Madras Focus Text: Alessandro D'Annibale

Art, where are you going? Text: Davide Parpinel

The Chino Text: A. Bortoletto, A. D'Annibale www.brooksbrothers.com

The Preppy Lifestyle Texts: Paolo Vitale

Twill Focus Text: Alessandro D'Annibale

Mug Magazine#4: Texts: Mauro Mongarli www.papeteboutique.com

The Jacket Text: A. Bortoletto, A. D'Annibale www.barbour.com

The Shoes: Text: A. Bortoletto, A. D'Annibale www.aldenshoes.com

Alessandro Mendini Text: Paolo Vitale www.ateliermendini.it www.magisdesign.com

The Blazer Text: A. Bortoletto, A. D'Annibale www.brooksbrothers.com

The Sunglasses Text: A. Bortoletto, A. D'Annibale www.ray-ban.com/italy

Stephen Venezia Text: Alessandra Bortoletto www.stephen.it

Seersucker Focus Text: Alessandro D'Annibale

The Belts Text: A. Bortoletto, A. D'Annibale www.kieljamespatrick.com

Mug Magazine#3: Texts: Mauro Mongarli lutzparis.com www.penelope-store.it

HTC Los Angeles Text: Alessandra Bortoletto www.htclosangeles.com

The Polo Shirt Text: A. Bortoletto, A. D'Annibale www.lacoste.com

Black Fleece by Brooks Brothers Text: Paolo Vitale

Hox www.hoxitalia.com Seul Text: Sebastiano Loni Le Royal Eclaireur Text: Sebastiano Loni www.leroyalmonceau.com Maekawa Japanese Military Antiques Text: Reiko Hanafusa www.jp-military.com Blue Bell text: Alessandra Bortoletto www.bluebelljeans.com Shangai Museum of Glass Text: Alessandro D'Annibale en.shmog.org To Smell Text: Lena Brombacher www.olfactorialist.com