Museo n19

Museo Novecento Novecento museonovecento.it museonovecento.it

Piazza Santa Maria Novella Novella 10, 10 50123 Firenze

n° Luglio2018 2018 n°619- -Aprile

ARTISTI AL TEATRO

Duel

DISEGNI PER IL MAGGIO MUSICALE FIORENTINO 19.07 – 27.09 2018 Fin dall’antichità il disegno ha avuto un ruolo fondamentale nell’ambito della creazione artistica, rappresentando sia un elemento imprescindibile della progettualità, che una forma espressiva autonoma. Storicamente, e in particolare a partire dal Rinascimento, la tradizione artistica toscana e fiorentina ha posto grande attenzione al valore costruttivo della creazione grafica, con la nascita, per esempio, a metà del Cinquecento dell’Accademia delle Arti del Disegno. Nell’arco del Novecento il disegno è entrato di diritto nella pratica di molti artisti, acquisendo sempre maggiore autonomia. Negli ultimi decenni molti musei hanno dedicato attenzione a questo mezzo, da un lato riconoscendo al disegno un ruolo sempre meno marginale all’interno della storiografia artistica, dall’altro facendone una chiave di lettura e di interpretazione spesso inedite del lavoro di

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un progetto ideato da Sergio Risaliti

Ulla von Brandenburg Di un Sole Dorato molti artisti. Con apparente anacronismo, il disegno non appartiene unicamente alla dimensione progettuale della figuratività pittorica, e della relativa superficie bidimensionale, ma assume una sua specificità, una sua alterità, che si colloca alla base della nozione di rilievo, di corporeità che tante declinazioni ha assunto nel Novecento e nell’arte contemporanea.

Dopo l’esposizione Il disegno dello scultore, il Museo Novecento propone una mostra incentrata su figurini, bozzetti di scena e modellini; un progetto realizzato in collaborazione con la Fondazione Teatro del Maggio Musicale Fiorentino, che rafforza il rapporto avviato tra le due istituzioni nel 2014.

Artisti al teatro. Disegni per il Maggio Musicale Fiorentino intende indagare la pratica del disegno per la musica, il melodramma e il balletto, entrata nell’attività di molti artisti da-

21 aprile - 21 giugno 2018

gli inizi del Novecento (in Italia in modo continuativo dal 1933, proprio grazie al Maggio Musicale Fiorentino). L’ attenzione dedicata agli artisti da parte della Istituzione fiorentina permette di riconoscere, all’interno delle singole vicende storiografiche, una interpretazione spesso inedita del loro lavoro per le vicende narrate dalle opere e dai balletti. L’esposizione, a cura di Moreno Bucci con la collaborazione di Benedetta Zanieri, raccoglie i lavori di Franco Angeli, Piero Dorazio, Derek Jarman, Giacomo Manzù, Fausto Melotti, Giulio Paolini, Piero Sadun, Toti Scialoja, Gino Severini, Mario Sironi, Bob Wilson, offrendo una panoramica del lavoro svolto dagli artisti per il Teatro del Maggio Musicale Fiorentino dal 1933 al 1999. I disegni, accompagnati da alcuni modellini, sono oggi conservati nell’Archivio Storico del Teatro.

PITTORI E SCULTORI IN SCENA

Ulla von Brandenburg It Has a Golden Sun and an Elderly Grey Moon, 2017 Film super-16-mm, colour, sound, 22’ 25’’ courtesy the artist, Art : Concept, Paris, Pilar Corrias, London and Produzentengalerie Hamburg Photo: Martin Argyroglo

Nella doppia veste di scenografi e costumisti, gli artisti, pittori e sculturi, hanno reso unico il Maggio Musicale Fiorentino, accompagnando dal 1933 il lavoro di musicisti, direttori d’orchestra, registi, coreografi, cantanti e ballerini. L’eterogeneità dei materiali – bozzetti di scena, modellini, figurini per i costumi – si offreNell’ambito ad una lettura su piani a volte del progetto Duel,differenziati: accolto nelle sale esposonoalopere che godono di una autonositive piano terra, curatori ospiti sonototale chiamati a collaborare con artisti attivivolte, sulla come scena internazionale per mia estetica, altre progetti, vivorealizzare interventi site-specific ispirati alla collezione del no di una specifica funzionalità teatrale.

Museo. Il titolo del ciclo rimanda a un duello dialettico tra Fin dalle prime stagioni il Maggio Musicale artisti contemporanei e il patrimonio civico museale.

Fiorentino muove dalla sulleprima lineemostra del rinnovaDuel viene si inaugurato monografica in Italia di Ulla von Brandenburg (Karlsruhe, 1974), mento dello spettacolo operistico e del bal-a cura di Lorenzo Bruni. In un percorso che si snoda in tre letto, evadendo gli schemi imposti dal Regime installazioni e un collage, realizzate tra il 2009 e il 2016, e aprendosi a un ciòinedito che vi era di più eddiorigil’artista propone dialogo con unvivo dipinto Felice nale nelNudo panorama internazionale dello Casorati, giallo (1945), individuato tra quellispetdella Collezione Alberto Della Ragione.

La mostra inizia con le tacolo. La ‘scena dipinta’, che nel vivo delle

avanguardie si opponeva alla ‘scena costruita’ degli architetti e a quella di ‘routine’ degli scenografi di professione, è stato uno degli argomenti di maggiore fortuna critica nella storia del teatro: dai trionfi dei Balletti Russi di Diaghilev, alla ‘rivoluzione’ tutta italiana del primo Maggio Musicale Fiorentino. A Parigi, come le stesse ideevideo accomunaroimmaginiainFirenze, bianco e nero di Singspiel, del 2009, per no nel medesimo sognoalscenico pittorico giungere, alla fine del percorso, colore di IteHas a Golden Sun and an Elderly Grey Moon, opera del 2016, proiettata Picasso e de Chirico, Bakst e Severini, Deall’interno della cappella sconsacrata del museo, piccolo rain e Sironi, Sert e Casorati, e tanti altri che gioiello di architettura religiosa, riservata alle installazioni per la prima volta praticarono il palcosceniartistiche contemporanee.

Il nucleo centrale dell’esposico, a edificare un teatro moderno e zioneiniziando è caratterizzato da una tenda-sipario di colore blu, Blue Curtain del 2015, da guardare e attraversare come contemporaneo. Nei suoi ottantacinque anni un dipinto astratto. Le atmosfere magiche e sospese della di vita, il festival accoglie le proposte di Nopittura di Felice Casorati (Novara, 1883 – Torino, 1963) vecento della Metafisica, il Neopurismo toentrano in e risonanza con le opere dell’artista.

Il richiamo scano Déco, ledel suggestioni ai metodieel’Art alle procedure teatro e dellesurrealiste arti sceniche servono ad affrontare questioni sociali e storiche.

Ulla e il Nuovo Espressionismo, Corrente e i Nuovi

Pittori della Realtà, l’Astrattismo e l’Arte Povera, l’Arte Concettuale e il Minimalismo.

Il continuo aggiornamento ha permesso al festival di proseguire la propria attività con una formula originale, al cui interno è possibile individuare filoni di ricerca differenti: la “rivoluzione” visiva dei pittori, scultori e architetti chiamati ainvita far da la definiziovon Brandenburg chi scenografi; osserva a godere dell'arte al ne regia italiana riscoperta di làdella del suo tempo storico emoderna; a riflettere la sulla sua dimensionemelodramma sociale. Scegliendo di dialogare con Casorati, inoltre, del antico; la consuetudine delriporta la nostra attenzione al periodo tra le due guerre, le novità musicali e delle prime rappresentacaratterizzato dalla dittatura nazi-fascista, da populizioni produzione di spettacoli di smi di assolute; vario generela e da una diffusa paura della diversità prosa all’aperto e in differenti luoghi cit(dinamiche che sembrano riproporsi anche oggidella nel nostro quotidiano).

L’esposizione è stata pensata come una tà; la ridefinizione del ruolo della coreografia rappresentazione in tre atti in cui lo spettatore si ritrova nel balletto. ad interrogarsi su quale sia il limite tra la realtà e la sua rappresentazione, e quali possano essere oggi le forme Moreno Bucciper stabilire canali di condivisione tra rituali utilizzate l’identità locale e l'altro sé.

Archivio Storico delda Maggio Musicale Fiorentino

sfigurata di Schönberg al Teatro alla Scala di Milano (1972), le scene e costumi per il concerto di Olivier Messiaen al Teatro Olimpico di Roma (1973), le scene per Klanfarbenspiel di Panni alla Piccola Scala di Milano (1974). Per tutti gli anni Ottanta è impegnato in altre messinscene a Genova, Spoleto, Reggio Emilia ed al Teatro dell’Orologio di Roma.

Al mondo del teatro lo introduce l’amico Igor Stravinskij, per il quale progetterà la tomba a Venezia, che lo vuole come scenografo e costumista per i suoi Oedipus Rex al Teatro dell’Opera di Roma (1964) e Histoire du soldat al Teatro alla Scala di Milano (1970). Per il teatro milanese disegna anche le scene per L’après midi d’un faune di Debussy (1973).

Al Maggio Musicale Fiorentino nel 1981 realizza le scene ed i costumi per Iphigénie en Tauride di Gluck per cui immagina una scena-scatola costituita da pochi, grandi elementi bianchi come bianchi sono i costumi degli interpreti.

viene ripresa al Maggio Musicale Fiorentino la messinscena di Scarlattiana o Deliciae Populi di Casella (Teatro delle Arti di Roma, 1943), ripreso nel 1951 al Maggio Musicale Fiorentino, Le cantatrici villane di Fioravanti al Teatro San Carlo di Napoli (1958), ripreso l’anno successivo al Teatro degli Champs Elisée di Parigi.

“teatralità”, con l’inserimento nelle proprie opere di elementi scenografici. Già nel 1969 si cimenta nella realizzazione delle scene e dei costumi per Bruto II di Alfieri al Teatro Gobetti di Torino e saranno quasi trenta gli spettacoli che lo impegnano come scenografo, costumista e collaboratore alla regia fino ad oggi. Al Maggio Musicale Fiorentino realizza nel 1999 le scene ed i costumi per Teorema di Pasolini, che gli varranno il Premio “Danza & Danza” (2000). Sempre al Maggio Musicale Fiorentino realizza l’immagine Fuori scena (intervallo) per la mostra La musica oltre l’acqua e il fango in occasione del cinquantesimo anniversario dell’alluvione di Firenze (2016). Ha inoltre collaborato con i registi Carlo Quartucci e Federico Tiezzi.

TOTI SCIALOJA Roma 1914 - 1998

FRANCO ANGELI Roma 1935 – 1988 Ultimo di tre fratelli, Franco Angeli non porta a termine gli studi a causa della guerra. La morte del padre nel 1941 lo costringe a provvedere alla madre malata con umili lavori. Il distacco traumatico dai genitori (la madre muore nel 1949) e la tragedia bellica sono gli eventi che maggiormente segnano la vita del pittore autodidatta. Inizialmente accostatosi all’arte astratto-materica di Burri, diviene poi amico di Schifano, conosciuto nella sezione del Partito Comunista, con il quale condivide l’esigenza di superare le esperienze informali. Dal 1964 compaiono nelle sue opere le figurazioni della lupa capitolina, dell’aquila statunitense, della svastica e della falce e martello. Negli anni Settanta è la volta dei temi dell’aereo, degli obelischi, dei piccoli paesaggi, fino ad arrivare alle marionette degli anni Ottanta, sorta di autoritratto ironico dell’artista. In più occasioni sono stati sottolineati dalla critica ufficiale la libertà creativa dell’artista svincolata dalle logiche di mercato, la vita bohémien e disordinata, il lato profondamente umano. Nel 1988, anno della sua morte, gli viene dedicata una retrospettiva alla Casa del Machiavelli a San Casciano in Val di Pesa.

Per il Maggio Musicale Fiorentino del 1982 dipinge le scene della prima rappresentazione di Girotondo di Vacchi, in cui propone le immagini e le tecniche della sua produzione pittorica.

DEREK JARMAN Northwood 1942 – Dungeness 1994 Pittore, regista e scenografo teatrale e cinematografico, Derek Jarman studia a Londra al King’s College (1960-1963) e alla Slade School of Art (1963-1967). Esordisce come pittore nella seconda metà degli anni Sessanta con una fortunata esposizione alla Lisson Gallery di Londra. Negli stessi anni coi primi dispositivi di registrazione audio-video realizza una serie di corti e medio metraggi. Con l’aggiunta di filtri colorati, dell’effetto slow-motion, della sovrapposizione e stratificazione delle immagini e delle dissolvenze giunge a trattare la materia video come materia pittorica. Al centro della sua poetica si trova l’analisi della società inglese, dell’eros e delle relazioni affettive etero e omosessuali, e, negli ultimi anni, anche del rapporto con la sua malattia. Realizza videoclip musicali per molti cantanti e gruppi inglesi.

Per le rappresentazioni teatrali si ricordano le scene e costumi di: Jazz Calendar di Ashton su musiche di Bennet per il Royal Ballet alla Royal Opera House di Londra (1968), Throughway, per la compagnia Ballet Rambert, al Jeannetta Cochrane Theatre di Londra (1968), Poet of the Anemones di Tegel al Royal Court Theatre Upstairs di Londra (1969), Silver Apples of the Moon di Subotnik per il London Festival Ballet al New Theatre di Oxford (1973), Nocturne (pas de deux) di Chopin al Palladium Theatre di Londra (1974), One, per il tour di London Contemporary Dance Theatre (1980). Nel 1982 per il Maggio Musicale Fiorentino è scenografo e costumista per The Rake’s Progress di Stravinsky, ambientata per volere del regista Ken Russell nella Londra contemporanea. L’artista crea una sintesi fra passato e presente per le scene e trae ispirazione dalla cultura giovanile punk, mohican e new romantic per i costumi. Nel 1988, al Maggio Musicale, cura la regia de L’Ispirazione del compositore fiorentino Sylvano Bussotti in prima rappresentazione assoluta.

ENRICO PRAMPOLINI Modena 1894 – Roma 1956

FAUSTO MELOTTI Rovereto 1901 – Milano 1986 A Firenze con la famiglia tra il 1915 e il 1918, in fuga dal conflitto mondiale, Fausto Melotti si laurea in ingegneria elettrotecnica nel 1924 al Politecnico di Milano intraprendendo, negli stessi anni, lo studio del pianoforte e della scultura. Dopo aver frequentato a Torino lo studio di Pietro Canonica, dal 1928 è, con Lucio Fontana, studente all’Accademia di Brera nella classe di Adolfo Wildt, dove apprende i fondamenti di una scultura leggera, tesa alla purezza e alla definizione dei volumi tramite lo svuotamento delle masse. È cugino del teorico dell’arte astratta Carlo Belli, con il quale frequenta le élites culturali di Rovereto formate, tra gli altri, dal pittore Fortunato Depero e dagli architetti Pollini, Libera e Baldessari. Tra i fautori del movimento “Abstraction-Création”, Melotti concepisce una scultura astratta, espressione di pura forma in cui si possano trasferire le leggi musicali delle variazioni, delle misure, del ritmo e dei silenzi nelle alternanze fra pieni e vuoti. Fondamentale è la partecipazione alle attività espositive e culturali della Galleria Il Milione.

Al Maggio Musicale Fiorentino realizza il modellino per la scena e le piccole sculture con tessuti applicati dei danzatori per i costumi per Le chant du rossignol di Stravinsky nel 1982: una leggerissima struttura bronzea fatta di ellissi e cerchi, pieni e vuoti, con catenelle pendenti ed un segno puro e netto rendono pienamente la musicalità e il dinamismo della danza.

Enrico Prampolini aderisce nel 1912 al movimento Futurista, frequentando assiduamente Giacomo Balla ed esponendo con gli altri artisti del gruppo. Nel 1916 è in rapporto con Tristan Tzara e nel 1917 espone alla Galerie Dada di Zurigo. Nel 1922 firma il Manifesto dell’arte meccanica con Ivo Panneggi e Vinicio Paladini. Nel 1925 è a Parigi dove risiederà per più di dodici anni. Nel secondo dopoguerra la sua pittura è influenzata da Picasso e dal post-cubismo. Nel 1942 realizza al Maggio Musicale Fiorentino le scene e i costumi per La Sonnambula di Vincenzo Bellini, in cui la “forza” futurista è addolcita dal cromatismo delicato degli edifici e degli elementi naturali. Nello stesso anno si ricordano: La Giara di Casella al Teatro San Carlo di Napoli, I Capricci di Callot di Malipiero al Teatro dell’Opera di Roma, Il Mandarino meraviglioso di Bartók al Teatro alla Scala di Milano, La Tarantola di Piccioli (azione coreografica di Aurelio M. Milloss) al Teatro dell’Opera di Roma. Al Teatro San Carlo di Napoli realizza Salome di Strauss (1947), Norma di Bellini (1948), Il Castello del Principe Barbablù di Bartók (1950). Al Teatro dell’Opera di Roma mette in scena la prima di Salammbô di Casavola (1948) e Daphnis et Chloé, del coreografo Aurelio M. Milloss, su musiche di Ravel (1951). Lavora inoltre come scenografo per le moltissime messinscene futuriste rappresentate fra gli anni Venti e Trenta soprattutto nei teatri romani e al Théâtre de la Pantomime Futuriste di Parigi (Cocktail di Marinetti e Mix nel 1927).

Poeta e pittore, Toti Scialoja interrompe in gioventù gli studi giuridici per dedicarsi alla vocazione artistica. Nel 1943 espone a Roma in una collettiva con Vedova, Leoncillo e Turcato presso la Galleria Lo Zodiaco. Dal 1949 abbandona lo stile espressionista, legato alla Scuola romana, in favore di una rilettura del cubismo in chiave astratta e nel 1955 realizza il suo primo quadro non figurativo. Nel 1956 ha modo di conoscere gli espressionisti astratti americani da cui apprende le tecniche del dripping e dell’action painting. Negli anni Ottanta, durante un viaggio a Madrid, visita il Museo del Prado e riscopre la pittura di gesto nelle opere di Velázquez e Goya.

Il teatro è parte integrante della ricerca artistica di Scialoja.

Già nel 1943 realizza la scenografia per L’opera dello straccione di Gay al Teatro Argentina di Roma che viene proibita dalle autorità fasciste. Inizia anche la sua lunga collaborazione con Aurelio M. Milloss. Al Maggio Musicale Fiorentino realizza Les Mariés de la Tour Eiffel di Cocteau nel 1948 e, nello stesso anno, Rhapsody in blue di Gershwin al Teatro dell’Opera di Roma e Marsia di Dallapiccola al Teatro La Fenice di Venezia. A questi si aggiungono numerosi spettacoli in molti teatri italiani e stranieri (Juliet di Giuliani e Traumdeutung di Sanguineti al Teatro della Akademie der Kunste di Berlino (1964)).

Degli spettacoli non realizzati, ma di cui è rimasta traccia, sono testimoni i disegni lasciati al Maggio Musicale Fiorentino nel 1951 per quella che sarebbe dovuta essere la prima rappresentazione assoluta de La strada sul caffè di Vlad.

MARIO SIRONI Sassari 1885 – Milano 1961 Abbandonati gli studi presso la Facoltà d’Ingegneria, Mario Sironi entra nel 1903 alla Scuola Libera del Nudo di Roma. Tra i più ferventi seguaci del movimento Futurista, allo scoppio della Grande Guerra si arruola e firma con Marinetti, Boccioni, Russolo e Sant’Elia il manifesto futurista L’Orgoglio Italiano.

Nel 1919 si stabilisce a Milano dove frequenta il salotto di Margherita Sarfatti che lo include fra i Sette Pittori del Novecento (Bucci, Dudreville, Funi, Malerba, Marussig, Oppi, Sironi), fautori del “ritorno all’ordine” confluiti poi nella compagine Novecento da lei stessa sostenuta. Con Funi, Carrà e Campigli si interessa alla pittura murale e ne redige il manifesto nel 1933. Torna alla tradizionale pittura da cavalletto negli anni del conflitto mondiale. La sua collaborazione col teatro inizia a Milano già nel 1924. Nel 1933 inizia un’intensa attività per il Maggio Musicale Fiorentino firmando le scene e i costumi per Lucrezia Borgia di Donizetti. Una sua Luisa Miller di Verdi, al Maggio Musicale Fiorentino del 1937, rimane interrotta. Torna a Firenze per il Maggio Musicale Fiorentino del 1942 per le scene ed i costumi del Dottor Faust di Busoni. Nel 1948 è scenografo e costumista al Maggio Musicale Fiorentino per I Lombardi alla prima crociata di Verdi e nel 1950 per il Don Carlos di Verdi. Nel 1953 è nuovamente al Maggio Musicale Fiorentino per la realizzazione del Manifesto che non viene utilizzato come simbolo ufficiale del festival ma solo come copertina del Numero Unico.

ROBERT WILSON Waco 1941

PIERO SADUN Siena 1919 – Roma 1974

PIERO DORAZIO Roma 1927 – Perugia 2005 Pittore autodidatta, Piero Dorazio frequenta lo studio dell’artista Aldo Bandinelli iniziando a dipingere soggetti figurativi. Presto la sua ricerca volge verso l’arte astratta: nel 1947, infatti, è tra i fondatori del gruppo “Forma 1” di cui firma il manifesto pubblicato sull’omonima rivista. Nello stesso anno è a Parigi dove, grazie a Gino Severini, conosce i cubisti francesi. Nel 1953 si trasferisce a New York e dal 1960, per dieci anni, dirige il dipartimento di Belle Arti all’Università di Pennsylvania (Filadelfia).

Per il teatro disegna le scene, figurative e dalle atmosfere fiabesche, per la medievale Aucassin et Nicolette di Castelnuovo-Tedesco al Maggio Musicale Fiorentino (1952). Torna al Maggio Musicale Fiorentino nel 1980 per il balletto Rideau Réversibile su musiche di Petrassi e Stravinsky di cui realizza le scene ed i costumi, questa volta in linea con le ricerche pittoriche non figurative, incentrate sulle proprietà del colore, della forma, dello spazio, nonché dei materiali. Altri suoi lavori per il teatro: le scene ed i costumi per Notte Tra-

GIACOMO MANZÙ Bergamo 1908 – Ardea 1991 Giacomo Manzù si forma come intagliatore e doratore fino all’età di ventuno anni, frequentando poi la scuola serale di plastica decorativa a Bergamo. A Milano dal 1930, entra in contatto con gli ambienti dell’avanguardia della città meneghina. Durante i suoi viaggi a Parigi conosce le opere di Aristide Maillol, Auguste Rodin e di Medardo Rosso da cui trarrà motivi di ispirazione. Dalla metà degli anni Trenta si dedica a soggetti più intimisti, non dimenticando la lezione impressionista del Rosso, ma aggiungendo meditazioni sulla forma scultorea antica. Negli anni Quaranta si dedica soprattutto a soggetti religiosi, simbolo delle sofferenze dell’uomo durante la guerra. Il premio ricevuto in occasione della XXIV Biennale di Venezia lo consacra sulla scena internazionale. Nel 1964 termina la celebre Porta della Morte per la Basilica di San Pietro, immagine del forte sodalizio fra l’artista e Papa Giovanni XXIII.

GIULIO PAOLINI Genova 1940 Nel 1952 Giulio Paolini si stabilisce con la famiglia a Torino, dove tuttora risiede. Nella città sabauda frequenta la sezione Grafica dell’Istituto Tecnico Industriale Statale per le Arti Grafiche e Fotografiche. Nel 1960 realizza Disegno geometrico, opera di fondamentale importanza per tutta la sua successiva ricerca. Dalla seconda metà degli anni Sessanta si dedica all’analisi concettuale del rapporto fra artista, opera e fruitore, tematica che ricorre anche negli anni successivi. Partecipa alle mostre dell’Arte Povera evitando di identificarsi con le ricerche che associano arte e vita, poesia e ideologia e senza aspirare ad una rottura fra la storia dell’arte contemporanea e quella del passato, in una ideale continuità d’ispirazione. A questa dimensione metafisica si aggiunge, dagli anni Ottanta, quella della

Nato da famiglia ebraica, Piero Sadun rimane presto affascinato dal mondo dell’arte frequentando i corsi serali dell’Istituto d’Arte di Siena e lo studio del pittore Umberto Giunti. Costretto a lasciare il liceo dopo l’emanazione delle leggi razziali, si trasferisce a Firenze, dove prende lezioni di pittura da Primo Conti e Memo Vagaggini. Tornato a Siena nel 1940, riesce a scampare ai rastrellamenti nazifascisti e si unisce ai partigiani nel 1943. Per sfuggire alle persecuzioni firma le sue opere con lo pseudonimo “T. Duna” fino alla fine della guerra. Nel 1945 si trasferisce a Roma ed inizia la sua carriera ufficiale di artista, divenendo dal 1969 Direttore dell’Accademia di Belle Arti dell’Aquila. Come ricordato anche dal critico e amico Cesare Brandi, la sua produzione può essere sinteticamente suddivisa in tre periodi: Espressionista, Cubista e Astratto.

Per il teatro si ricordano la ventennale collaborazione con il coreografo Aurelio M. Milloss per i balletti al Teatro dell’Opera di Roma, con interventi per Il figliuol prodigo di Prokof’ev (1950) e Pazzia senile di Banchieri (1969), e le scene e i costumi per L’Isters di Macchi al Teatro Eliseo di Roma (1969). A Firenze, in occasione del XXVII Maggio Musicale Fiorentino (1964), dedicato all’Espressionismo, realizza le scene e i costumi per Erwartung di Schönberg, per i quali si ispira agli scritti e ai pastelli disegnati dal musicista nel 1924.

GINO SEVERINI Cortona 1883 - Parigi 1966 Gino Severini si trasferisce a Roma all’età di sedici anni. Aderisce al Futurismo nel 1910 stringendo amicizie e sodalizi con gli esponenti principali e partecipando alle mostre italiane ed internazionali del gruppo. Nel 1906, a Parigi, entra in contatto con molti artisti ed intellettuali fra cui Picasso, Braque, Apollinaire ed il poeta Paul Fort. Sempre interessato alle regole di rappresentazione dell’oggetto secondo precisi schemi formali, si avvicina al Cubismo, come denotano i dipinti cubo-futuristi nati durante il primo conflitto mondiale. Nel 1916, in anticipo rispetto ad altre esperienze europee, propone una sorta di classicismo in pittura. Nel 1921 pubblica Du Cubisme au Classicisme e recupera la tradizione dell’affresco per la decorazione di una stanza del castello di proprietà Stiwell a Montegufoni, con temi suggeriti dalla Commedia dell’Arte.

La sua carriera come scenografo e costumista inizia proprio al Maggio Musicale Fiorentino con L’Amfiparnaso di Vecchi nel 1938 e continua l’anno successivo con i costumi, storici e di sapore rinascimentale, per La Strega del Lasca. Nel 1951

Regista, drammaturgo, coreografo, pittore, scultore, videoartista e designer, Robert Wilson inizia i suoi studi presso il corso di Business Administration alla University of Texas di Austin che abbandona nel 1962 per seguire gli studi artistici. Trasferitosi a New York, consegue la laurea in Architettura presso il Pratt Institute di Brooklyn nel 1965. Nel 1966 partecipa alla costruzione di Arcosanti, in Arizona, la città-esperimento ideata e realizzata da Paolo Soleri. Negli stessi anni fonda il proprio gruppo di teatro sperimentale “Byrd Hoffman School of Byrds” nel quartiere di SoHo (Manhattan). Contemporaneamente inizia ad esporre i propri disegni e sculture. Dalla fine degli anni Sessanta sviluppa una personale ricerca sulle arti sceniche, fondata sul valore strutturante della luce.

Si ricordano in Italia le realizzazioni delle scene e regia di Salome di Strauss al Teatro alla Scala di Milano (1987), delle scene, regia e luci per le tre opere di Monteverdi, L’Orfeo, Il Ritorno di Ulisse in Patria e L’incoronazione di Poppea, al Teatro Comunale di Bologna (2009, 2011, 2015). La regia, l’ideazione luci, le scene e la coreografia per Macbeth di Verdi al Teatro Comunale di Bologna (2013) gli valgono il premio della critica per la miglior composizione verdiana nel bicentenario dalla nascita del compositore. Per il 57° Maggio Musicale Fiorentino del 1994 l’artista realizza le scene del Dittico Giapponese (Hanjo di Panni e Hagoromo di Jo Kondo) al Teatro della Pergola. Anche questa realizzazione gli vale un riconoscimento: il Premio Abbiati come miglior regista e scenografo.

Benedetta Zanieri