A I N A EOM GAZINE MA
AT / DE: 9.00 € BE / GR / IT: 7.00 € ES / FR: 6.00 € LUX / NL: 7.00 € GB: £ 4.90 PORT. CONT.: 7.00 € CH: 12.20 CHF
N
FASHION ART CHANEL PATRIK SCHUMACHER JEFFEN CANNES 2012 JEAN PAUL GAULTIER KENZO POLIFORM elie saab VICTOR&ROLF TADAO ANDO ZUHAIR MURAD ART FACTORY
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MODERNO COMO LAS OLAS ANTIGUO COMO LA MAR SIEMPRE NUNCA DIFERENTE PERO NUNCA SIEMPRE IGUAL. EDUARDO CHILLIDA.
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FASHION ART En 1937, Cecil Beaton fotografiaba a Wallis Simpson en los jardines del Chateau de Cande, ataviada con el “Lobster Dress”; diseñado por Elsa Schiaparelli y Salvador Dalí, esta famosa obra conjunto de arte y moda sintetizaba las aspiraciones oníricas y la yuxtaposición de dos disciplinas teóricamente distintas. El mismo año, Schiaparelli y Jean Cocteau, presentan su diseño-obra “Evening Ensamble”, un maravilloso traje bordado de lentejuelas por el propio director francés, quien declaró a pesar de ello, no estar interesado en la moda, sino en el cuerpo humano como soporte; el cuerpo como experimento artístico, está detrás también del mítico Triade Ballet de Oskar Schlemmer, en la Bauhaus. Con una esencia de teatralización cercana a la performance, las obras de fashion-art del avant-garde se han convertido en grandes referentes de la moda contemporánea. Décadas después, en 1967, Paco Rabanne exponía, en el National Museum of Modern Art de París, su colección de moda cinética, un experimento de estética futurista y materiales metálicos sobre el soporte escultórico de la mujer. Y quizás como expresión más reciente de elucubración artística para vestir, los trabajos de John Galliano al frente de Christian Dior; Galliano convertía magistralmente cada pasarela en un derroche de creatividad múltiple, creando una obra completa de alta costura, artes plásticas y escénicas. Estas, son solo algunas claves de la estrecha relación entre arte y moda en la contemporaneidad; pero este nexo no surge en el siglo XX, en absoluto, simplemente se transforma, adquiere una nueva dirección, la incursión del arte en la moda; además de una nueva dimensión social, económica y cultural. Y es que la historia del arte está elaborada en gran parte, de representaciones textiles, atuendos, adornos, diseños y tendencias, de moda al fin y al cabo (EN el arte). El Fashion-art existe mucho antes de que los museos se llenaran de trajes y las mujeres vistieran lienzos, origamis de seda, o “unwearables” diseños arquitectónicos. 6|
EDITORIAL In 1937, Cecil Beaton photographed Wallis Simpson in the gardens of the Chateau de Cande, adorned with the "Lobster Dress" designed by Elsa Schiaparelli and Salvador DalĂ, this famous work of art and fashion set aspirations synthesized dream and the juxtaposition of two theoretically different disciplines. The same year, Schiaparelli and Jean Cocteau, presented his design-work "Evening Ensemble", a wonderful dress embroidered with sequins by French director himself, who declared nevertheless, not interested in fashion, but in the human body as support, the body as artistic experiment, is also behind the legendary Ballet Triade Oskar Schlemmer, the Bauhaus. With an essence of theatrical performance close to the works of fashion-art avant-garde have become major figures of contemporary fashion. Decades later, in 1967, Paco Rabanne exhibited at the National Museum of Modern Art in Paris, its kinetic fashion collection, a futuristic aesthetic experiment and materials on the substrate metal sculptures of women. And perhaps as a more recent expression of artistic vagary to dress, work by John Galliano for Christian Dior front; Galliano masterfully turned each gateway in a multiple display of creativity, creating a complete work of haute couture, visual and performing arts. These are just a few keys to the close relationship between art and fashion in contemporary times, but this link does not arise in the twentieth century, at all, simply becomes, acquires a new address, the incursion of art in fashion, in addition to a new social, economic and cultural. And the history of art is made largely of representations textiles, costumes, decorations, designs and trends of fashion after all (in art). The Fashion-art there long before the museum will be filled with suits and women dressed linen, silk origami, or "unwearables" architectural designs.
LAB N O I FASH
B A A S ELIE
FASHION REPORT Tan solo es necesario un vistazo para reconocer automáticamente la alta costura de Elie Saab; son muchos los eventos y las alfombras rojas por las que hemos a las grandes estrellas deslizarse en seductores e interminables vestidos, de apariencia ingrávida, encajes sublimes, transparencias y bordados cristalinos. Lo que sorprende sin embargo, y muy gratamente, es el estilo que ofrece “el mejor atelier del mundo” a necesidades y tendencias menos ceremoniosos. El ready-to-wear de Elie Saab es un canto a la belleza desde el extremo contrario. La propuesta para el invierno 2013 revela una geometría sin barroquismo, estricta: siluetas lápiz, pantalones rectos, cinturas ceñidas, manga larga; una mezcla de texturas pulidas en materiales nobles como seda, lana y visón, así como una escueta paleta de colores, básicos y efectistas: negro, gris, verde y metal. La realidad es un concepto distinto lejos de los posados y discursos de agradecimiento, la apariencia se vuelve más fuerte, sofisticada, menos idílica, aunque igualmente atractiva y perfecta. 8|
Nos faltarían siglos (y fiestas) para vestir la lista completa de diseños haute-couture que nos han enamorado de Elie Saab. Pero también se quedan cortas las citas, actos y reuniones para lucir una de las colecciones más exquisitas de la Paris Fashion Week. Ensombrecida por el brillo mediático de la costura, la oferta ready-to-wear es una lección de gusto y puntada impecable, para éxito del dominio femenino. Una propuesta de inspiración puramente urbana que asume riesgo mínimo y roza la perfección. 10 |
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FASHION REPORT It is only necessary to recognize out automatically Elie Saab Couture; many red carpet events and why we have the big stars and endless slide in seductive dresses, seemingly weightless, sublime lace, transparencies and crystal embroidery . What is surprising however, and very pleasantly, is the style that offers "the best studio in the world" a less ceremonious needs and trends. The ready-to-wear Elie Saab is a hymn to the beauty from the opposite end. The proposal for the winter 2013 reveals a geometry without baroque, strict: pencil silhouettes, straight pants, tight waists, long sleeves, and a mix of textures polished materials such as silk, wool and mink, as well as a bare palette, basic and gimmicky: black, gray, green and metal. The reality is a far different concept of resting and acceptance speeches, appearance becomes stronger, sophisticated, less idyllic, but equally attractive and perfect.
We would not ever (and parties) to wear the full list of haute-couture designs that we have fallen in love with Elie Saab. But also fall short appointments, events and meetings to look one of the finest collections of Paris Fashion Week. Overshadowed by the glitter of the seam media, offering ready-to-wear is a lesson in taste and impeccable stitching, to succeed the female domain. A purely urban-inspired proposal assumes minimal risk and close to perfection. 14 |
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ON FASHI
LAB
D A R U IR M
A H U Z
FASHION REPORT No imaginaba París, que tras la presentación haute-couture otoño-invierno 2012-13 de Zuhair Murad, se viviría finalmente un periodo estacional tan gélido. El diseñador libanés se anticipaba al frío, templando las, no menos, gélidas maniquíes gracias a un diseño floral, rico en tejidos y brillante en color. La atmósfera anticipaba el acentuado tono romántico de la colección, compuesta por un total de 42 creaciones; de fondo, melodía de violines. A partir de ahí, comienzaba el despliegue de lo que ya forma parte del estilo creado por Zuhair Murad, una mezcla del internacionalizado estilo exquisito del Medio Oriente y el refinamiento de los clásicos de la alta costura europea. Los diseños, en su mayoría vestidos: largos y ceñidos, de corte sirena, con faldas voluminosas o tres cuartos evassé, son una imagen de dos tendencias opuestas y reconciliadas, sofisticación dramática y romanticismo clásico, a través de elementos ya tan característicos en la maison como el tul transparente bordado, y las delicadas aplicaciones en cristal y perlas. 16 |
Como hilo narrativo y terapia contra el frio, Murad no escatima en el uso de colores intensos y geometrías vegetales. Las capas vaporosas, algunas detalladas con plumas, enmarcan las siluetas y reafirman la importancia de esta nueva o actualizada, clave en moda. La repertorio es una lección de lujo y costura. Lejos de la pasarela y del frugal invierno, los diseños de Zuhair Murad eclosionan al contacto con la piel de sus fieles aliadas, mujeres carismáticas y exuberantes como Sofia Vergara, Jennifer López o la diva libanesa Najwa Karam. El éxito, es el reflejo de la devoción mutua; la atracción irremediable entre Murad y las mujeres brillantes 18 |
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FASHION REPORT Paris could not imagine that after submission haute couture autumn-winter 2012-13 Zuhair Murad, is finally live as frigid seasonal period. The Lebanese designer anticipated the cold, the tuning, not least thanks to a frigid mannequins floral design, rich fabrics and bright in color. The atmosphere accentuated anticipated the romantic tone of the collection, consisting of a total of 42 creations; background melody of violins. From there, comienzaba the deployment of what is now part of the style created by Zuhair Murad, a mixture of internationalized exquisite Middle Eastern style and refinement of the classics of European couture. The designs, mostly dresses: long and tight, mermaid cut, with voluminous skirts or three quarters evassĂŠ are an image of two opposing tendencies and reconciled, drama and romance classic sophistication through and so characteristic elements in the maison as transparent tulle embroidery and delicate crystal and pearl applications. As narrative and cold therapy, Murad does not skimp on the use of vivid colors and geometries vegetables. Vaporous layers, some detailed with feathers, framed silhouettes and reaffirm the importance of the new or updated key fashion.
The repertoire is a lesson in sewing class. Away from the catwalk and frugal winter designs hatch Zuhair Murad skin contact of his faithful allies, charismatic and exuberant women like Sofia Vergara, Jennifer Lopez or Lebanese diva Najwa Karam. The success is a reflection of devotion mutual attraction between Murad and irremediable bright women. 22 |
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¿Cuál es la relación entre la arquitectura y la emoción?? La arquitectura es capaz de provocar emociones fuertes que van de la excitante estimulación a la repulsión. La arquitectura es capaz de provocar tales emociones debido a la manera en la que nos consume con asociaciones y anticipaciones sobre posibles constelaciones – bien sea liberadoras y opresoras, profundas o banales. La belleza de la villa está en su compromiso de facilitarnos encuentros bellos. La elegancia de un lugar de trabajo bien diseñado está en la premonición de su capacidad de estimular la comunicación creativa y productiva. Creo en el poder inspirador de la arquitectura original: provoca la proyección de nuevas formas de vidas aun sin descubrirse.. Y sobre la poesía ¿Qué opinas? Precisamente, la exploración de nuevos, aunque desconocidos espacios, requiere una simbiosis entre el diseño y la poesía. La poesía es estirar los músculos de la lengua para generar nuevos significados y conceptos. La metáfora es el dispositivo central. En el caso de la arquitectura, la analogía tiene lugar en la creación de nuevos y estimulantes ambientes. Mi fuente preferida de dominio de analogías arquitectónicas ha sido la naturaleza: las formaciones de paisaje además de las formas de vida orgánicas. ¿Crees que la arquitectura tiene límites? El diseño arquitectónico siempre se ve restringido por la función que desempeña en la sociedad. La arquitectura implica la solución de problemas de forma creativa, aunque los problemas tratados por la arquitectura contemporánea son demasiados complejos para jamás permitir que el repertorio de soluciones sea fijado con antelación. No hay límites absolutos para la invención de nuevas formas arquitectónicas, porque no se puede excluir que los problemas que las formas arquitectónicas se asumen para buscar soluciones podrían verse cambiados debido a nuevas e inesperadas técnicas. En este sentido la arquitectura no tiene fronteras.
¿Y los arquitectos? ¿Ellos tienen límites? Mies van der Rohe dijo una vez que no puedes inventar una nueva forma de arquitectura cada lunes. Mientras la disciplina como conjunto no tiene límites en la manera que se ha descrito anteriormente, cada arquitecto individual o estudio está siguiendo una trayectoria de evolución auto-contraste. La transparencia total a veces lleva a uno a la mediocridad. La brillantez sólo puede lograrse tras una consistente y confiada auto-limitación. ¿Crees que hay una comunicación oculta entre los objetos/espacios cerrados? Creo que navegamos en el ambiente a base de huellas subconscientes. Es igual para el tema de la evaluación estética. Nos atrae o nos repulsa por el proceso de la información subliminal. La comunicación oculta entre espacios separados por tanto existe en nuestras mentes hasta el punto en el que nuestra experiencia de movernos por los espacios crea un sistema de preferencias y un sentido relacional del orden que facilita la orientación. ¿Cómo puede la arquitectura reflejar, responder y provocar el mundo que nos rodea? Proyectando ambientes arquitectónicos que son originales, radicalmente diferentes y urbanos que suspenden expectativas familiares para que podamos reinventarnos. ¿Crees que tu último edificio ha sido el mejor que has diseñado? Los últimos esfuerzos son siempre los más avanzados, sobre todo en este período de innovación continua de las herramientas de diseño. ¿Qué teorías te influyen y se ven reflejadas en tu trabajo arquitectónico? Las teorías que guían mi trabajo son de dos tipos: 1. Teorías críticas, analíticas que enmarcan el trabajo en términos de su Relevancia social; 2. Teorías inspiradoras, generativas que dirigen el proceso creativo. Ejemplos del primer tipo se ven en las teorías de Post-fordism, además de la teoría de Sistemas Sociales de Niklas Luhmann. Del segundo tipo podemos destacar la Teoría de Complejidad además de la de la Filosofía Deleuzian.
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¿Qué importancia tiene la relación entre el edificio y el paisaje que lo rodea? Primero, me gustaría decir que en el 99% de nuestros proyectos “el paisaje alrededor” está hecho por el hombre. La incrustación activa del contexto siempre forma parte de la agenda. Los edificios no son naves espaciales. Una de mis preocupaciones primordiales en este momento es la contratación de mega-zonas que permitan la creación de un ambiente total o microcosmo con su propia lógica, fuerza y coherencia. Dentro de este paradigma, todos los edificios en una zona son contratados en la acumulación mutua que restringe o realza un grupo abarrotado de sistemas urbanos racionales. Intentamos correlacionar y orquestar la variación continua del máximo número de parámetros posible. En el AARDL en Londres llamamos esto “Urbanismo Paramétrico”. ¿Cuál es la importancia de la investigación material y técnica en tu trabajo? Investigaciones materiales y técnicas son imprescindibles en la etapa actual del ciclo de innovación que ha tomado la disciplina. La potencia estimulante de las nuevas herramientas de diseño paramétricas sólo pueden ser explotadas con investigaciones paralelas con nuevas técnicas de fabricación y nuevos materiales. ¿Es posible dar durabilidad a un proyecto? La arquitectura verdaderamente avant-garde no sigue tendencias de moda, sigue una lógica inherente después de largos ciclos de innovación que tiene pertinencia con respeto al desarrollo social y tecnológico. Aquellos proyectos que duran contienen las tendencias esenciales y emergentes, tareas y oportunidades creativas de la civilización mundial en evolución. Por supuesto, estos proyectos durarán como espacios vitales siempre y cuando la época a la que pertenecen continúe, pero las épocas se miden por décadas más que por estaciones. ¿Cómo crees que logras el éxito? Nuestro éxito en Zaha Hadid Architects debe basarse en la circunstancia afortunada de que nuestro enfoque está bien pensado, y nuestra apasionada auto-limitación va siempre a tono con la época.
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What is the relationship between architecture and emotion? Architecture can produce powerful emotions – ranging from exhiliarating stimulation to repulsion. Architecture is able to provoke such emotions because it engulfs us with associations and anticipations about potential social constellations – either liberating or oppressing, profound or banal. The beauty of the villa lies in its promise of facilitating beautiful encounters. The elegance of a well-designed workplace lies in the premonition of its power to stimulate creativity and productive communication. I believe in the inspirational power of original architecture: it provokes the projection of new forms of life yet to be discovered. What about poetry? It is precisely the exploration of new, yet unknown spaces that calls for a symbiosis between design and poetry. Poetry is stretching the muscles of language to generate new meanings and concepts. Metaphor is its central device. In the case of architecture analogy takes the place of metaphor in the creation of new, stimulating environments. My preferred source domain for architectural analogy has been nature: landscape formations as well as organic life-forms. Do you believe architecture has limits? Architectural design is always constrained by the societal task it addresses. Architecture implies creative problem solving. But the problems contemporary architecture addresses are too complex to ever allow the repertoire of solutions to be fixed in advance. There are no absolute limits for the invention of new architectural forms, because you cannot exclude the possibility that the problems that architectural forms are assumed to address might be shifted by a new and unexpected approach. In this sense architecture is boundless. What about architects, do they have limits? Mies van der Rohe once said that you cannot invent a new architecture every Monday morning. While the discipline as a whole is boundless in the way described above, each individual architect or architectural studio is following a trajectory of self-constraining evolution. Total openness spells mediocrity. Brilliance can only be achieved on the back of confident, consistent selflimitation.
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Dou you believe there is a hidden communication between objects/spaces which are closed? I believe that we navigate the environment on the basis of subconscious clues. The same goes for aesthetic evaluation. We are attracted or repulsed on the basis of subliminal information processing. The hidden communication between separated spaces thus exists in our minds to the extent to which our experience of moving through spaces builds up a system of preferences and a relational sense of order that facilitates orientation and navigation. It is the task of architectural theory to analyse these hidden logics. In which way can architecture reflect, respond and provoke the world around us? In the sense of projecting original, radically different urban and architectural environments that suspend familiar expectations and stimulate us to reinvent ourselves. Do you believe that your latest building is your best building? The latest efforts are always the most advanced efforts – especially in this current period of rapid innovation of design tools. What theories influence you and are absorbed in your architectural work? The theories that guide my work are of two kinds: 1. Critical, analytical theories that frame the work in terms of its societal relevance. 2. Inspirational, generative theories that direct the creative process. Examples of the first kind of theory are the theory of Post-fordism, as well as Niklas Luhmann’s Social Systems Theory. Examples of the second type of theory include Complexity Theory, as well as Deleuzian Philosophy. What about the relationship between the building and the surrounding landscape? First of all I would like to note that for 99% of our projects the “surrounding landscape” is a man-made, designed environment. Active contextual embedding is always on the agenda. Buildings are not space-ships. One of my primary current preoccupations is the engagement with megasites that allow for the creation of a total environment or microcosm with its own strong and coherent logic. Within this paradigm all buildings within the zone are engaged in the mutually constraining/enhancing build up of a tightly knit relational urban systems: Fields! We aim to correlate and orchestrate the continuous variation of as many parameters as possible. At the AADRL in London we are calling this Parametric Urbanism.
What is the importance of material and technical investigation in your work? Material and technical investigations are crucial at the current stage in the cycle of innovation that has gripped the discipline. The exhilarating potential of the new parametric design tools can only be exploited with parallel investigations into new fabrication techniques and new materials. Is it possible to give “durability� to a project? True avant-garde architecture does not follow fashion cycles – it follows through with the inherent logic of cycles of innovation that have pertinence with respect to societal development and technological developments. Those projects will endure that engage with the essential, emerging tendencies, tasks and creative opportunities of the evolving world civilization. Of course these projects endure as vital places only as long as the epoch that they contribute to. But epochs are measured in decades rather than seasons. How do you think that you achieve your success? Our success at Zaha Hadid Architects must be based on the lucky circumstance that our sharply focused, passionate self-limitation hit the nerv of our times.
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LAB N O I FASH
L E N A CH
FASHION REPORT No es lo normal quedarse sin referencias para describir una colección, en pleno s. XXI; sobretodo teniendo en cuenta que quien presenta es Karl Lagerfeld, veterano en su oficio. Sin embargo, el kaiser se enfrenta con energía renovable y una efervescente colección ready-to-wear spring/summer 2013 a directores noveles y una lista repleta de tendencias dramáticos, alegóricos, alusivos y hasta pedantes. De principio a fin, apenas hay rastro de los distintivos de la firma, los rasgos fetiches de Chanel. Tal vez las perlas, versión oversize, como burbujas, también icono de esa efervescencia. Lo que sí hay es una recreación de un parque eólico sobre paneles solares y una actuación en directo de Chromatics: sonido entretejido de synth retro, voz susurrante, electro slow y emocional, para una pasarela donde aparecen aireados por turbinas, una serie de vestidos cortos ajustados, silueta cocoon y corte trapecio por igual, chaquetas cortas casi boleros y mangas tipo bell muy abultadas; monocromía en los vestidos-columna, a medio camino entre ambas siluetas, sin mangas, decorados con las sonoras perlas, las mismas que envuelven masivamente los cuellos durante todo el show; destacan los tejidos en malla de algodón y acolchados que se despegan del cuerpo, creando un juego de parábolas en blanco y negro. 32 |
Pero no todo es aire, el volumen ingrávido sucumbe al peso de pliegues y vuelos, con atisbos de prendas radicalmente vaporosas y transparentes y bordados de flores cortadas, incluso siluetas mucho más simples. Los colores se avivan con combinaciones ligeras de malvas y rosas, y contrastes clásicos de rojo y azul. En cuanto al recurrente trazo cuadricular de los tejidos, sobra decir que son pequeñas redes imaginarias de placas solares, tan plásticas como vacías de contenido, porque no, no hay ningún mensaje ecológico detrás, son solo motivos. Los complementos son divertidos, desenfadados e imprevisibles, siguiendo la tónica general de la colección. Lagerfield elude más comentarios, no hay mucho argumento de donde tirar, y se resume en una repetida alusión a las emociones, al presente, los estados de ánimo, al ambiente que se respira. También a la libertad. Hay que moverse, como turbinas, debemos hacerlo, porque al fin y al cabo, somos libres, como el viento. 34 |
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FASHION REPORT It is not normal to run out references to describe a collection, in the s. XXI, especially considering that is Karl Lagerfeld who introduced veteran in his office. However, the kaiser faces renewable energy and a vibrant collection ready-to-wear spring / summer 2013 new directors and a full list of dramatic trends, allegorical, allusive and even pedantic. From start to finish, there is little trace of the distinctive signature traits Chanel fetishes. Perhaps the beads, oversize version, like bubbles, this icon also effervescence. What there is a recreation of a wind farm on solar panels and a live performance of Chromatics: retro synth sound interwoven, whispery voice, electro slow and emotional, to a gateway where turbines are aerated by a series of short dresses tight, silhouette cocoon and trapeze cut equally short jackets and boleros almost bell type sleeves very bulky, monochrome on dressescolumn, halfway between the two silhouettes, sleeveless, decorated with pearls sound, they massively involving necks throughout the show, highlights woven cotton mesh and padded lift off the body, creating a set of black and white parables.
But not everything is air, weightless volume succumbs to the weight of folds and flights, with hints of radically vaporous and transparent garments and embroidery cut flowers, even more simple silhouettes. The colors come alive with light combinations of mauves and pinks, and classic contrast of red and blue. As for the grid of recurrent stroke tissues, needless to say we are small imaginary networks of solar panels, as plastic as their substance, because there is no environmental message behind are just reasons. The accessories are fun, casual and unpredictable, following the general trend of the collection. Lagerfeld eludes more comments, not much argument where to throw, and summarized in a repeated reference to the emotions, to the present, the moods, the entire atmosphere. Also to freedom. You have to move, such as turbines, we should, because after all, we are free, like the wind. 38 |
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AB ART L
EL U N A M
EZ D N Á FERN
FASHION ART El dominio de las técnicas artísticas, la introducción paulatina del arte en otros ámbitos creativos y la colaboración profesional marca el origen y evolución del fashion art como disciplina contemporánea, que no como fenómeno. La experimentación artística aplicada a la costura es el objetivo de Manuel Fernández (Valencia, ) director de la muestra itinerante Fashion Art, quien en 1998, invita a varios artistas a trabajar sobre sus creaciones, iniciando así una colección abierta en la que han participado los mejores artistas españoles del s.XX y XXI. El proyecto lleva un nombre tan clarividente como su actividad; la diferencia respecto a los precedentes históricos, es la voluntad premeditada de convertir los diseños en obras de arte, un proceso doble que comienza en el taller, continúa en un estudio y acaba como objeto de una colección en constante itinerancia. Esta colección abierta, propiedad del Fashion Art Institute, garantiza la continuidad de aquel plan original de Fernández, cuya razón de ser es facilitar y promover la colaboración de creadores de moda y artistas plásticos, haciendo evidente, museísticamente hablando, un intercambio de influencias que ha existido siempre, pero que se ha enriquecido en la contemporaneidad como parte de una revolución de la experiencia estética. 40 |
La colección desempeña un papel igualmente importante en la convivencia de obras de nombres consagrados y emergentes; una lista heterogénea de artistas con lenguajes, ideas y antecedentes distintos. Chillida, Miki Leal, Canogar, Abraham Lacalle o Úrculo han participado en la construcción del proyecto Fashion Art. Las posibilidades de esta imaginería de sinestesia se ha convertido en un caldo de cultivo para Manuel Fernández; una fusión de influencias que alcanzó cotas de genialidad con la colaboración de Salvador Dalí y Elsa Schiaparelli, cuando moda y arte se convirtieron en una sola cosa. 42 |
FASHION ART Mastering the art techniques, the gradual introduction of art in other creative and professional collaboration marks the origin and evolution of fashion contemporary art as a discipline, not as a phenomenon. Artistic experimentation applied to the seam is the aim of Manuel Fernandez (Valencia) director of the traveling exhibition Fashion Art, who in 1998, invited several artists to work on their creations, thus initiating an open collection that have participated in the top Spanish artists of the twentieth century and XXI. The project has a name as clairvoyant as their activity difference from historical precedent, is premeditated will convert designs into works of art, a dual process that begins in the workshop, continues in a studio and just as an object of a collection constantly roaming. This open collection, owned by Fashion Art Institute, ensures continuity of that original plan Fernandez, whose purpose is to facilitate and promote collaboration of fashion designers and artists, making evident museĂcticamente speaking, an exchange of influences that has always existed, but that is enriched in the contemporary part of a revolution of the aesthetic experience. 44 |
The collection plays an equally important role in the coexistence of works by established and emerging names, a list of artists with diverse languages, ideas and different backgrounds. Chillida, Miki Leal, Canogar Úrculo Abraham Lacalle or have participated in the construction project Art Fashion The possibilities of this imagery of synesthesia has become a breeding ground for Manuel Fernandez, a fusion of influences that reached heights of genius in collaboration with Salvador Dali and Elsa Schiaparelli, when fashion and art became one. 46 |
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N E F F JE
FASHION REPORT Frankie Xie (Hangzhou,1960), es uno de los diseñadores chinos consagrados en la industria de la moda; perteneciente a la denominada “primera generación”, la de los 80, cuenta con una biografía y una experiencia curricular forjada entre Asia y Occidente. Su historia, su linaje y su espíritu emprendedor definen un diseño “hecho” literalmente de aprendizaje, diversidad cultural y rodaje, por este motivo, la aproximación de los historiadores de moda al lenguaje de Xie, es: de precisión japonesa, romanticismo parisién, sofisticación milanesa y un conocimiento perfecto de la filosofía china. Jefen, es el proyecto iniciado por el diseñador y su esposa en el año 2000, una marca ideada en origen para un público exclusivamente femenino, compuesto por mujeres dinámicas, profesionales y cosmopolitas. La imagen de sus colecciones a través de los años, ha 50 |
madurado la mezcla de elitismo sofisticado, toques muy femeninos y practicidad oriental, y llega hasta hoy con influencias tan interesantes como la estética de la artesanía Hmong, extraída y depositada con pinzas en una colección ready-to-wear para la primavera 2013. Diseños en texturas suaves, corte confortable y discreto para un ritmo de vida entre formal e hiperactivo, con aplicaciones bordadas propias de las “story cloths” y la decoración textil, imágenes y símbolos de relatos populares que enlazan la tradición oral, visual y social de este grupo de minorías étnicas del suroeste de China. Jefen fue invitado a desfilar por primera vez en la Paris Fashion Week en 2007. Considerado entonces un gurú, Frankie Xie tituló el show “Doors”, simbolizado su incursión en la pasarela como lo que realmente era, una apertura de puertas del mercado internacional a la moda del coloso asiático.
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FASHION REPORT Frankie Xie (Hangzhou, 1960), is one of the Chinese designers recognized in the fashion industry, belonging to the so-called "first generation", the 80's, has a biography and curriculum experience forged between Asia and the West. Its history, lineage and entrepreneurship define a design "made " literally learning, cultural diversity and shooting, for this reason, the approximation of fashion historians Xie language, is Japanese precision, Parisian romance, sophistication Milanese and a perfect knowledge of Chinese philosophy. Jefen, is the project initiated by the designer and his wife in 2000, a brand originally designed exclusively for a female audience, composed of dynamic women, professionals and cosmopolitan. The image of their collections through the years, has matured elitism mix sophisticated, very feminine touches and practicality eastern reaches and influences as interesting today as the aesthetics of Hmong handicrafts, extracted with tweezers
and placed in a collection ready-to-wear for spring 2013. Designs in soft textures, cut for a comfortable and discreet lifestyle between formal and hyperactive, with embroidered applications typical of the "story cloths" and textile decoration, images and symbols of popular stories that link oral tradition, visual and social this group of ethnic minorities in southwest China. Jefen was invited to parade for the first time at the Paris Fashion Week in 2007. Then considered a guru, Frankie Xie show titled "Doors", symbolized his foray into the runway as it really was, a door opening to the international market fashionable Asian colossus. 56 |
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LAB E M O H
M R O F POLI
DESIGN REPORT En 1970, Poliform transforma una pequeña empresa artesana de la región de Brianza (Italia) en un proyecto de vocación industrial. Hoy, la empresa es uno de los fuertes del sector, a nivel mundial. La base de aquel proyecto, sigue hoy manteniendo la firma en lo más alto: innovación, investigación tecnológica y renovación, competir y actualizar el diseño sin perder de vista su cimiento original. Tal vez este vínculo tan fuerte con los orígenes, sumado a que la empresa sigue siendo una estructura familiar, hacen que los espacios de Poliform transmitan una sensación natural de unidad; este savoir-faire es el aglutinante secreto de un engranaje de piezas únicas, singulares, para recrear atmósferas equilibradas, con una jerarquía funcional que parte del orden para maximizar los espacios de relax. Y el orden se sintetiza en diseños modulares con una alta capacidad de adaptabilidad. Series de estanterías, librerías, armarios… y cocinas, de líneas impolutas con una renovada escala de proporciones más grandes, que exploran las dimensiones del espacio y atraen la atención sobre la nobleza del material, como el roble spessart alemán, imagen de marca, una madera oscura, fuerte y exquisita, además de un tradicional recurso sostenible. 58 |
Dado que el diseño Poliform es un paso más en la integración de lo natural y lo industrial, el orden cósmico(modular) se impregna de improvisación cotidiana. El simple descanso y los placeres atemporales se traducen en sofás y camas lineales, objetos voluminosos, táctiles, tan atractivos como prácticos. En sintonía, complementarias e imprescindibles piezas auxiliares, de formas simples y detalles elegantes. Décadas después de exploración y enriquecimiento de interiores, la firma familiar sigue construyendo su propia leyenda, extiendo la savia italiana hacia nuevos territorios, con presencia protagonista en las ciudades asiáticas mas cosmopolitas y modernas. La fórmula parece evidente: creatividad, diseños atemporales, materiales naturales; una aplicación de la innovación a la búsqueda de la calidez, de lo intimo y lo esencial. 60 |
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DESIGN REPORT In 1970, a small company Poliform artisan transforms the Brianza region (Italy) in a draft industrial vocation. Today, the company is one of the strongest in the industry, worldwide. The basis of this project, the firm is now keeping on top: innovation, technology research and renewal, compete and update the design without losing sight of its original maturity. Perhaps this strong link with the origins, plus the fact that the company remains a family structure, make Poliform spaces convey a natural feeling of unity, this know-how is the secret of a gear binder of unique, singular to recreate atmospheres balanced with a functional hierarchy of the order to maximize the relaxation areas. And the order is synthesized in modular designs with a high capacity for adaptability. Series dressers, bookcases, cabinets ... and kitchens, pristine lines with renewed proportions larger scale, exploring the dimensions of space and draw attention to the nobility of the material, as the German Spessart oak, brand image, a dark wood, strong and exquisite, traditional and a sustainable resource.
Because the design Poliform is another step in the integration of natural and industrial, the cosmic order (modular) permeates daily improvisation. Just rest and timeless pleasures translate into linear sofas and beds, large objects, tactile, so attractive and practical. In tune, indispensable complementary auxiliary parts, simple shapes and elegant details. Decades after inner exploration and enrichment, the family firm continues to build his own legend, Italian sap extend into new territories, present protagonist in most Asian cities.
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R E I T L GAU
FASHION REPORT Estaban todos allí, el olimpo musical más idolatrado de los 80 al completo, superando en éxito de asistencia a los mismísimos MTV music awards del 85, los mejores de la década. La relación estrecha de Gaultier con la música pop y el glam, es llevada al tope más improbable en la presentación de su ready-to-wear primavera 2013, donde se rinde homenaje en un mismo show, al fenómeno estrafalario y familiar de Boy George y el misterio y sofisticación de Sade. Improbable, divertido, iterativo como pocos y, sobretodo, no apto para espíritus iconoclastas. El éxito de Jean Paul Gaultier arranca en plena posmodernidad media, cuando la moda se convierte en nuevo documento estético sociológico. El término moda se sustituye paulatinamente por fashion, asociado cada vez más al concepto de show, coincidiendo con la sed de espectáculo propia de la vida cotidiana y el consumo. Nacen los gurús, sus dictámenes en moda serán biblias del vestir, marcando un ritmo programado, reforzado por los editors y como sucede en el caso de Gaultier, también por mitos musicales como Madonna que se convertirá en musa e imagen de su destreza como sastre ante el mundo. 72 |
En realidad, a lo largo de tantos años en la cima del diseños, el ya maduro enfant terrible del diseño, no se ha desprendido de los principios creados durante esa época, de los éxitos. Ha pasado por distintas fases de espectacularidad, porque es parte de su esencia como creador, pero jamás ha renunciado a la influencia de lo urbano, de lo popular y prosaico. Quizás el fallo en esta última colección, es trillar imágenes demasiado familiares, pero no se puede negar la pérdida absoluta de límites entre realidad y show (reality show), algo que la carpeta ready-to-wear para el verano 2013 de Gaultier alimenta con diseños calcados de ídolos musicales dispares en estilo, iguales en capacidad transgresora y acreedores de altas cotas de popularidad 80s. Un poco de androginia, un poco de thriller, un poco de sofisticación, un poco de like a virgin, … un poco de rayas diplomáticas, un poco de corset, un poco de denim, un poco de pailletes… una reunión teatralizada de veteranos de la iconografía pop en casa del gurú francés. 74 |
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FASHION REPORT They were all there, the most idolized musical pantheon of 80 full success surpassing attendance at the very MTV music awards 85, best of the decade. Gaultier's close relationship with the pop and glam, is taken to stop more unlikely in the presentation of his ready-to-wear spring 2013, where homage is paid in the same show, the quirky and familiar phenomenon of Boy George and the mystery and sophistication of Sade. Improbable funny like few iterative and, above all, not for spirits iconoclasts. The success of Jean Paul Gaultier started in full postmodern media, when fashion becomes new aesthetic sociological document. The term fashion is replaced gradually by fashion, increasingly linked to the concept of show, coinciding with the thirst for spectacle own daily life and consumption. Gurus are born, their opinions are in fashion bibles Clothing, marking a scheduled pace, bolstered by the editors and as in the case of Gaultier, also musical myths as Madonna who will become his muse and image of skill as a tailor before the world.
In fact, over many years at the top of the designs, the infant terrible mature design has not been detached from the principles established during that time, the successes. It has gone through various phases of spectacular, because it is part of its essence as creator, but has never given up the influence of the urban, the popular and prosaic. Perhaps the failure of this latest collection, is threshing too familiar images, but there is no denying the absolute loss of boundaries between reality and show (reality show), the folder something ready-to-wear for summer 2013 fed Gaultier designs copied from disparate musical idols in style, equal in capacity transgressive and creditors 80s high levels of popularity. 78 |
LIVING WITH ART
IBERMAISON LABORATORIO DE IDEAS
LAB I H C AR
O D N AO A
TAD
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ARCHITECTURE BRIEFING Una obra de Tadao Ando es, en diversidad e intensidad, un abrazo entre arquitectura, luz y naturaleza. La diversidad depende del entorno, de la funcionalidad; la intensidad, es una constante.
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Pocos creadores han sabido encontrar, respetar y activar esta dualidad con la generosidad de Tadao Ando (Osaka,1941), el maestro japonés responsable de gran parte de las imágenes más emocionantes de la arquitectura moderna. Ni capturar ni doblegarse, su razón es entender la belleza, darle forma, un argumento y dejar que la obra fluya con naturalidad especialmente en un paisaje donde la naturaleza se impone tal como es, libre, con su propia perfección. A veces, algunos de esos hitos de común visión se encuentran, caso de Tadao Ando y Tom Ford, legando testigos tan extraordinarios como el rancho de Santa Fe, un encargo realizado por el maestro japonés para el antiguo jefe creativo de Yves Saint Laurent y Gucci. El conjunto arquitectónico es una imponente pero sigilosa residencia cercana a las raíces familiares Ford. Naturaleza impone. Bajo el cielo de Nuevo México, el rancho surge y se comporta como tal, un espacio absolutamente rural en un entorno austero marcado sensualmente por líneas de hormigón sobre el polvo rojo. Secciones que recortan un juego perfecto de sombras y luces y resaltan la importancia máxima de elementos como el agua, garante de vida y reflejo de abundancia. Dentro del conjunto, la zona residencial es un bloque discreto aunque rotundo y orientado hacia el verdadero alma del proyecto, el centro de doma natural, un espacio equilibrado que resume en esencia ese compromiso entre sensualidad, sentido y adaptación. Tadao Ando ha materializado el regreso emocional de Tom Ford a su mundo primitivo; una arquitectura que ajusta un orden entre lo hostil y lo sensual, la supervivencia y la exuberancia. Un nudo perfecto. El cobijo rural de un excepcional esteta que siempre tuvo a la belleza de su lado.
ARCHITECTURE BRIEFING A work of Tadao Ando is in diversity and intensity, an embrace between architecture, light and nature. The range depends on the environment, functionality, intensity is a constant. Few artists have managed to find, respect and activate this duality with the generosity of Tadao Ando (Osaka, 1941), the Japanese master responsible for many of the most exciting images of modern architecture. Neither capture or bow, his reason is to understand the beauty, shape, argument and let the work flow naturally especially in a landscape where nature prevails as it is free, with his own perfection. Sometimes, some of these milestones are common vision, if Tadao Ando and Tom Ford, bequeathing witnesses as extraordinary as the Santa Fe Ranch, a commission from the Japanese master for the former creative head of Gucci and Yves Saint Laurent . The architectural complex is an imposing but secretive residence near Ford family roots.
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Nature imposes. Under the sky of New Mexico, the ranch appears and behaves as such a quite rural area in a marked sensuously austere concrete lines on the red dust. Sections that cut a perfect game of light and shadow and highlight the critical importance of elements such as water, guarantor of life and reflection of abundance. Within the group, the residential area is a discrete block but resounding oriented real soul of the project, the center of natural horsemanship, a balanced space that essentially summarizes compromise between sensuality, sense and adaptation. Tadao Ando has materialized Tom Ford's emotional return to their primitive world, an architecture that adjusts an order between the hostile and the sensual, survival and exuberance. A perfect knot. The exceptional rural shelter esthete who always had the beauty of her.
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F L O R TOR&
VIK
FASHION REPORT “Un bosque sombrío y profundo; allí está ella como lo estuvo un tiempo, así era entonces: sus manos sosegadas de doncella, y el grato fluir de líneas puras, bronces[…] El retrato, D.G.Rossetti. La hermandad de los prerrafaelitas estaba compuesta por artistas de todas las disciplinas que rompieron el formalismo victoriano con un arma más poderosa que cualquier dureza visual: la sensibilidad y el primitivismo. Un avance en las artes impulsado por imágenes añejas cargadas de intención rupturista. A pesar de la percepción clásica que podamos tener hoy del prerrafaelismo, Rosseti y sus “hermanos” representaban un avance, el posromanticismo. La figura femenina de pelo ondulado rojo, piel pálida, vestidos etéreos, en tonos pastel metalizados sorprenden por actitud solitaria y confidente, en escenas muy literarias. No es exactamente, la imagen que transmite la colección ready-to-wear para la primavera/verano 90 |
2013, pero hay muchas similitudes; sobretodo, porque las modelos son como reencarnaciones de Elizabeth Siddal, musa prerrafaelita, y porque los vestidos son una evolución estética y una ruptura respecto a la experimentación habitual de los diseñadores holandeses. Rezuman la elegancia propia de quienes han manejado originalmente haute-couture, y casi todos los motivos icónicos de la firma aparecen en algún momento, sin embargo, todo se ha depurado al límite. Lazos, flores, pliegues imposibles, plisados trascendentales, volumen, en resumen, su ya histórico diseño de deconstrucción, como dice el poema antes esbozado “[…]no es ni una sombra leve/ de si misma en la hierba, ni ese breve/ reflejo sobre el río rumoroso”. Vestidos suavizados, que marcan el contorno femenino, mezcla de texturas y oposición de colores, neutrales y plateados; los escasos detalles de pliegues y adornos, se ciñen a la cintura. Es la elección, el planteamiento presente de Viktor & Rolf, un recuerdo desdibujado de su espectacularidad, una huida prerrafaelita hacia una existencia previa, a un primitivismo más simple, glamuroso que plantea algo tan nostálgico como radicalmente nuevo. 92 |
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FASHION REPORT "A deep, dark forest, there she As it was a while, so it was then: hands sedate maiden, And the pleasing flow of pure lines, bronzes [...] The portrait, D.G.Rossetti. The Pre-Raphaelite Brotherhood of artists consisted of all disciplines who broke Victorian formalism with a weapon more powerful than any hardness visual sensitivity and primitivism. An advance in the arts led stale images loaded breakaway intention. Despite the perception that we have today classic of Pre-Raphaelitism, Rossetti and his "brothers" represented a breakthrough, the posromanticismo. The female figure wavy red hair, pale skin, ethereal dresses, metallic pastel surprised by lonely and confident attitude in very literary scenes. Not exactly, the image conveyed by the collection ready-to-wear for spring / summer 2013, but there are many similarities, especially because the models are as reincarnations of Elizabeth Siddal, Pre-Raphaelite muse, and
because the dresses are an aesthetic evolution and a break from routine experimentation of Dutch designers. Exude the elegance of those who originally handled haute-couture, and almost all the firm's iconic motifs appear at some point, however, everything has been refined to the limit. Ties, flowers, folds impossible, pleated momentous volume, in short, its design history and deconstruction, as the poem says outlined above "[...] is not a slight shadow / of herself on the grass, and that short / reflection on the river murmuring ". Dresses smoothed contour marking the feminine, mixing textures and colors opposition, neutral and silver, the scant details of pleats and embellishments, hugs the waist. 96 |
L A V I FESTNNES A C E D 2012
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FESTIVAL REPORT Casualidades de la vida, el 65º de Cannes, en 2012, cifra asociada al “inicio oficial” de la madurez moderna (o jubilación), otorgaba la Palma de Oro al film “Amour”, del director austríaco Michael Haneke, una historia sobre la trabucada historia de amor e independencia de una pareja en edad madura. Cada vez es más frecuente descubrir historias sobre la vejez en el cine, historias de todo tipo, protagonizadas por los supuestamente grandes olvidados de la industria, y en muchos casos, por desgracia, también de la realidad. Los temas de la existencia humana, de la vida, siempre han tenido un papel preponderante en las obras seleccionadas a competición, y esta vez, no podía ser menos. Realismo literal o show, el jurado otorgaba acertadamente el Grand Prixe a Matteo Garrone por “Reality”, una sátira tan colorista como amarga, sobre la importancia de la fama y la influencia de esa psudo-realidad televisada en la sociedad planetaria como masa, sin distinción de sexo, edad o religión, a través de todo tipo de “big brothers”.
Y como contraste a la profundidad más o menos evidente, de los filmes anteriores, el Premio del Jurado recaía en una comedia urbana, “The Angel´s Share”, que relativiza el peso existencial, gracias a unos personajes que se valen de ingenio y poco más para sobrevivir en un ambiente, donde la solidaridad y la picaresca forman parte un solo mundo marginal. Otro año consecutivo, Cannes se convertía en cita mediática, foro de especulaciones, centro de negocios y exhibición de elegancia. Con más aplausos que “boos”, y mucha más lluvia que sol, la ciudad bullía con la clásica expectación que rodea esta cita anual. Entre todos los premios, destacamos los tres anteriores, hubo más, pero sin duda, la edición 2012 será por siempre efeméride de “Amour”, una de las películas más laureadas de la historia del festival; un homenaje al irremediable paso del tiempo y al amor; un modo irónico y mágico de celebrar, por otro lado, los espléndidos 65 años de la Croisette.
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FESTIVAL REPORT Coincidences of life, the 65th of Cannes, in 2012, a figure associated with the "official start" of the Modern Maturity (or retirement), gave the Palme d'Or for film "Amour", the Austrian director Michael Haneke, a story about the trabucada story of love and independence of a middle-aged couple.
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It is increasingly common to find stories about old age in movies, stories of all kinds, featuring allegedly overlooked by the industry, and in many cases, unfortunately, also of reality. The themes of human existence, of life, always had a leading role in the selected works in competition, and this time, one would expect. Realism literal or show, the jury rightly granted to Matteo Garrone Grand Prixe by "Reality", a satire as colorful as bitter, about the importance of the reputation and influence of the pseudo-televised reality as mass planetary society without of sex, age or religion, through all kinds of "big brothers". And in contrast to the more or less apparent depth of the previous films, the Jury Prize fell to an urban comedy, "The Angel's Share" which downplays the existential weight, thanks to characters who use ingenuity and little more to survive in an environment where solidarity and part picaresque marginal one world.
L A V I T S FE NNES DE CA 2012
Another year running, Cannes became media appointment, speculation forum, business center and exhibition of elegance. With more applause than "boos" and a lot more rain than sun, the city was abuzz with the classical expectation surrounding this annual event. Among all the awards, we highlight the previous three, there were more, but certainly, the 2012 edition will forever anniversary of "Amour", one of the most lauded films of the festival's history, a tribute to the irregular.
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O Z N E K
FASHION REPORT “The Jungle Jap is back”, la temporada verano 2013 es el tributo de Humberto león y Carole Lim a Kenzo Takada cuarenta y tantos años después de la apertura de su primera tienda en París. Por entonces, el diseñador japonés traía un poco de bambú fresco al ambiente parisino; decorada con murales, Jungle Jap era literalmente una selva en la ciudad. Si algo caracteriza a Kenzo Takada es haber creado una marca de culto, un diseño ingenioso que siempre sorprende por su mezcla innovación, folk fermentado, surrealismo anecdótico y frescura urbana. Esta, es la herencia que manejan sus directores creativos desde 2011, una herencia que han sabido mantener insuflada de espíritu jovial, transcultural e inquieto. Y como muestra, la colección verano 2013. 108 |
Parece que León y Lim, lo veían claro, un viaje por el sureste asiático les brindaría la oportunidad de inyectar energía fresca y conectar desde una perspectiva nueva con el proyecto inicial de Takada y su setentera Jungle Jap. Entre psicodélico y natural. La colección esta repleta de vestidos, pantalones “ parachute”, chaquetas recortadas, tops rasgados, y suéters de algodón; aunque es exactamente una revisión del safari trend. Las siluetas son voluminosas, fluidas, con movimiento. Los tonos arenosos de base disparan el cromatismo del print animal, impresiones a gran escala que funcionan sobretodo como manchas de color. Naranjas y verdes, aportan una energía especial a este derroche de pasión felina para el periodo estival. El tigre es el rey en esta nueva selva de Kenzo, un alma que viaja desde un entorno salvaje a otro, como en “La vida de Pi”…coincidencias del destino, la atracción por la jungla se apodera de nosotros y del algodón; el tiger fever invade sueños y moda. 110 |
FASHION REPORT "The Jungle Jap is back", the summer season 2013 is the tribute of Humberto Leon and Carole Lim at Kenzo Takada forties after opening its first store in Paris. By then, the Japanese designer brought some fresh bamboo the Parisian atmosphere, decorated with murals, Jungle Jap was literally a jungle in the city. If anything characterizes Kenzo Takada is having created a cult brand, an ingenious design that always surprises with its mix innovation, folk fermented anecdotal surrealism and urban freshness. This is the legacy that handle its creative directors since 2011, a heritage which have kept insufflated jovial spirit, cultural and restless. As shown, the summer collection 2013. 112 |
It seems that Leon and Lim, saw it clear, a trip through Southeast Asia will provide an opportunity to inject fresh energy and new perspective connected with the initial project Takada and seventies Jungle Jap. Among natural psychedelic. The collection is full of dresses, pants "parachute", cropped jackets, ripped tops and cotton sweaters, although exactly a review safari trend. The silhouettes are voluminous, fluid motion. Sandy tones of the chromatic shoot basis of animal prints, large prints that work especially as spot colors. Orange and green, bring a special energy to this waste of feline passion for the summer period. The tiger is the king in this new Kenzo Jungle, a soul that travels from a wild environment to another, as in "Life of Pi" ... matches the destination, the attraction of the jungle takes hold of us and cotton, the Tiger fever invades dreams and fashion. 114 |
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A I N A EOM GAZINE MA
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THE NEW NEOMANIA 2012 ART FACTORY el espacio como una manifestación poética de arTE en la búsqueda de la belleza Y la pureza.
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El papel pintado se ha convertido en una solución práctica de ilimitado nivel creativo. Artistas gráficos, ilustradores y fotógrafos forman parte de esta industria que ha encontrado un gran potencial en la suma dos factores: la funcionalidad del producto y la riqueza plástica: impresiones a partir fotografía de gran resolución, infinidad de acabados, texturas y temática… En el caso de, esta suma es especialmente vital, tal y como refiere la propia diseñadora, el objetivo de su trabajo es un ejercicio de equilibrio sobre esa frágil y “[…]fina línea entre la estética y lo funcional”.
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ART BRIEFING La producción de arte nació en los muros. Garabatear la pared es un reflejo tan instintivo como las primeras manifestaciones artísticas, y por tanto, un acto no punible que sugiere la necesidad creativa de los niños. Esta inocencia artística lleva a la diseñadora Alissia Melka-Teichroe a crear una línea de papeles pintados con rayas y enredos que imitan la tinta de bolígrafo, Ballpoint Pen Wallpaper es un producto de su estudio byAMT, en exclusiva para la firma Rollout.
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Acabado mate, pigmentos al agua y fácil aplicación. Los papeles garabateados de Melka-Teichroe trasladan al espacio la libertad de la bidimensionalidad, quebrando con travesura los límites de la perspectiva, inventando volúmenes, engañando al ojo, con el uso exclusivo del efecto ballpaper y el hiperrealismo que tienen las líneas elementales y los garabatos automáticos.
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El diseño esgrafiado de este estudio con base en Nueva York, es un singular cruce de influencias que encaja perfectamente en la realidad del diseño de interiores más experimental, fresco y artístico. Entre el trompe lóei, el instinto de comprobar la tinta estilográfica y la conexión con el lenguaje artístico infantil más puro, Ballpoint Pen Wallpaper resulta tan innovador como troglodita.
ART BRIEFING The production of art was born in the walls. Scribble is a reflection wall as instinctive as the first artistic, and therefore an act not punishable suggesting the need creative children. This leads to artistic innocence Alissia Melka-designer Teichroe to create a line of wallpaper with stripes and tangles that mimic ink pen, Ballpoint Pen Wallpaper is a product of his study byAMT, exclusively for Rollout signature.
The wallpaper has become a practical solution for unlimited creative level. Graphic artists, illustrators and photographers are part of this industry that has found great potential in the sum two factors: product functionality and opulence: prints from high resolution photography, many finishes, textures and theme ... In the if this sum is especially vital, as regards the designer herself, the aim of their work is a balancing act on the fragile and "[...] fine line between aesthetics and functional." Matte finish, water pigments and easy application. Scribbled papers Melka-Teichroe move to freedom of space dimensionality, breaking boundaries with mischief perspective, inventing volumes, fooling the eye, with the exclusive use of the effect ballpaper and hyperrealism with basic lines and scribbles automatic.
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Sgraffito design of this study based in New York, is a unique crossover of influences that fits perfectly in the interior design reality more experimental, fresh and artistic. Among the trompe Loei, the instinct to check the ink pen and the connection with the purest child artistic language, Ballpoint Pen is as innovative as Wallpaper troglodyte.
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