A I N A EOM GAZINE
AT / DE: 9.00 € BE / GR / IT: 7.00 € ES / FR: 6.00 € LUX / NL: 7.00 € GB: £ 4.90 PORT. CONT.: 7.00 € CH: 12.20 CHF
N
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Elie Saab + CHAGALL + PIERRE CARDIN + SURREALISM & DESIGN + Zuhair Murad + DISTRICT HIVE + Stephane Rolland + ON AURA TOUT VU + VIKTOR & ROLF + FOREST CITY + YANINA COUTURE + LARTIGUE + JUANA MARTIN + ART NOVEAU +
PUBLISHER & FOUNDER Ibermaison S.L. EDITORIAL DIRECTOR Karin Mehnert ART DIRECTION Massi Ferrachi GRAPHIC DESIGNER Pepe Barroso CREATIVE CONSULTANT JOSE ESPINAS CONTRIBUTORS maria de juan rocío alcántara CHRISTIAN TARRO CARMEN FORTES Elie Saab PIERRE CARDIN Zuhair Murad DISTRICT HIVE Stephane Rolland ON AURA TOUT VU VIKTOR&ROLF YANINA COUTURE JUANA MARTÍN Stefano Boeri INGO MAURER FORNASETTI Gonzalo Botet Filippo Fior YANNIS VLAMOS Gio Staiano PETER STIGTER ALAIN VACHERON PAUL MARTINEZ FRANCK PERROGON Alias DESIGN Cassina Driade FONTANA ARTE GERVASONI glas italia iLINE Ligne Roset MOOOI POLIHOME Vitra Zanotta ON THE COVER Stephane Rolland
MARBELLA OFFICE N-340, km. 176 C.C. OASIS, LOCAL 1 MADRID OFFICE Serrano, 98 28006 Madrid [Spain] PARIS OFFICE 91, Quai d’Orsay 75007 Paris LEGAL INFO DL:MA-1105-2001 ISSN.:1578-3251 Printed in Spain neomaniamagazine.COM www.facebook.com/Neomania.magazine issuu.com/neomaniamagazine IBERMAISON S.L. Golden Mile, N- 340 km. 176 C.C. OASIS, LOCAL 1 29602 Marbella Málaga [Spain] www.ibermaison.com
+ IBERMAISON
PROJECTS
+8 Elie Saab +16 CHAGALL +28 PIERRE CARDIN
MODERNA COMO LAS OLAS ANTIGUA COMO LA MAR SIEMPRE NUNCA DIFERENTE PERO NUNCA SIEMPRE IGUAL. EDUARDO CHILLIDA
+40 SURREALISMo y Diseño +56 Zuhair Murad +64 DISTRICT HIVE +78 Stephane Rolland +88 ON AURA TOUT VU +100 FOREST CITY +112 VIKTOR & ROLF +120 LARTIGUE +136 YANINA COUTURE +144 ART NOVEAU +156 JUANA MARTIN +
+ EDITORIAL
el Renacer del ave Fénix Según la mitología griega, el ave Fénix es un ave de larga vida que se regenera de sus propias cenizas. La leyenda cuenta que vivía en el Jardín del Paraíso y su nido era un rosal. Su destino trágico fue morir en un ardiente espectáculo de llamas y fuego. Tras reducirse a cenizas, el Fénix resurgía resucitando, cada quinientos años… siempre único y eterno. Inauguramos una nueva etapa de relativa normalidad. También nosotros resucitamos tras un largo letargo de miedos e incertitudes. Por todo el planeta, la prueba es el boom de museos, ferias de arte y desfiles de moda ¡por fin con público!, que reaparecen tras una larga hibernación. A pesar del calentamiento global, los tambores de guerra en Ucrania, y el populismo político… la bola del mundo sigue rodando. Neomania vuelve al ruedo, aportando aire fresco en medio de las tormentas.
En este número, con FOREST CITY te proponemos un futuro más verde con arquitecturas increíbles, cubiertas por jardines y plantas colgantes. Además de una vuelta a la naturaleza, si salvamos el mundo será gracias a lo más valioso que tenemos: el amor. Por eso, en la sección Arte, presentamos al pintor mas enamorado: MARC CHAGALL. Añadimos una porción de optimismo con el fotógrafo francés LARTIGUE… y un toque de sofisticación con el estilo ART NOUVEAU que invadió Europa entre 1890 y 1910 aunque siempre seguirá vivo. En SURREALISMO Y DISEÑO, te ofrecemos algunas de las innovaciones mas interesantes, seleccionando los muebles y objetos mas inverosímiles diseñados por los locos artistas surrealistas. Y para conceptos extraños, te informamos sobre DISTRICT HIVE… ¿una novedad absurda o el futuro del turismo? Una vez más, nuestra revista te obsequia arte, novedad y optimismo. Como el ave Fénix, queremos ser símbolo de renovación. Neomania prende en tu mente una llama “casi eterna” que infunde pasión en tu vida.
o t i ed rial
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ÍA © MAR AN DE JU
Rebirth of Phoenix bird According to Greek mythology, the ave Phoenix is a long-lived bird that regenerates from its own ashes. Legend tells that it lived in the Garden of Paradise and its nest was a rosebush. Its tragic fate was to die in a fiery spectacle of flames and fire. After being reduced to ashes, the Phoenix resurfaced resurrecting, every five hundred years... always unique and eternal. We inaugurate a new stage of relative normality. We too are resurrecting after a long lethargy of fears and uncertainties. As proof, we have a worldwide boom of museums, art fairs and fashion shows (at last with public!), reappearing after a long hibernation. The world sphere continues to roll and Neomania is back in the bullring, providing fresh air in the midst of storms. In this issue, read FOREST CITY where we propose a greener future with incredible architecture, covered by gardens and hanging plants.
In addition to a return to nature, if we save the world it will be thanks to the most valuable thing we have: love. For this reason, in the Art section, we present the most enamoured painter: MARC CHAGALL. We add a portion of optimism with the French photographer LARTIGUE... and a touch of sophistication with the ART NOUVEAU style that invaded Europe between 1890 and 1910 but will always live on. In SURREALISM AND DESIGN, we offer you some of the most interesting innovations, selecting the most unlikely furniture and objects designed by crazy surrealist artists. And for strange concepts, we inform you about DISTRIC HIVE... an absurd novelty or the future of tourism? Once again, our magazine brings to you gifts of art, novelty and optimism. Like the Phoenix bird, we wish to be a symbol of renewal. Neomania enlightens your mind with an “almost eternal” flame that instills passion in your life.
+ FASHION
LAB
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E LI E SAAB
ORT N REP IO H S RA + FA CÁNTA AL O Í © ROC
Elie Saab y sus puntadas de optimismo Después de dos años de tristeza, Elie Saab busca envolver de optimismo todos y cada uno de los momentos que la primavera nos depara. Fantasía. Una palabra que es capaz de abarcar muchas otras y que sirve para definir a la perfección la colección que Elie Saab tiene preparada para la mujer que, durante los próximos meses, llegue dispuesta a beberse a sorbos la vida. Fantasía envuelta en una paleta de colores que busca llenar de ilusión la primavera, una estación que siempre esperamos con los brazos abiertos y que este año, tras largos meses de tristeza y oscuridad, estamos dispuestos a disfrutar como quizás nunca antes lo hemos hecho. Una vez más, el diseñador libanés ha conseguido dar forma a una colección que se presenta como un auténtico sueño terrenal. Un sueño que busca convertirse en una oda clara al Mediterráneo, en un canto a las raíces, a la herencia, a la belleza y al encanto.
+ FASHION
LAB
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Para conseguirlo, Elie Saab dibuja en todas y cada una de sus creaciones una sofisticación sin precedentes, una elegancia extrema con la que el cuerpo femenino se deja querer, ante la que se abandona en un auténtico sueño hecho realidad. ¿Qué busca la mujer que imagina Elie Saab? ¿Qué anhela? Sin duda, vivir. Seducir y ser seducida, gustar, sentirse el centro de atención, convertirse en la reina de la fiesta de la primavera; volver a sentir aquello que quizás ha olvidado pero que siempre ha atesorado en los más profundo de su ser. Es esta mujer a la que Elie Saab busca vestir. Vestidos largos de organza, largas capas, aberturas infinitas con las que la mujer se siente segura, atractiva y genuina. Flecos y plumas que hacen soñar comparten escenario con una pedrería de infarto con la que la mujer busca brillar con luz propia. Sugerentes y elegantes transparencias envuelven las curvas femeninas de una manera absolutamente magistral, convirtiendo la moda en un verdadero ensueño. Un cuento de fantasía creado a partir de vestidos y composiciones en las que la noche y el amanecer se dan la mano de manera nunca antes vista y que encuentra en unas tonalidades brillantes y llenas de vida la alegría y el optimismo que tanto hemos echado de menos.
+ FASHION
LAB
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E LI E SAAB
ORT N REP IO H S RA + FA CÁNTA AL O Í © ROC
Elie Saab and his stitches of optimism After two years of sadness, Elie Saab seeks to infuse every one of the moments that spring will bring us with optimism. Fantasy. Capable of encompassing many others, this word serves to perfectly define the collection that Elie Saab has prepared for those women willing to enjoy every last drop of life during the next months. Fantasy is wrapped in a colour palette aimed to fill spring with anticipation, a season that we always look forward to with open arms. This year, after long months of sorrow and darkness, we are ready to enjoy life as never before. Once again, the Lebanese designer has managed to give shape to a collection that looks like a real earthly dream. This dream seeks to become a clear ode to the Mediterranean, a hymn to his roots, heritage, beauty, and charm. To achieve this, Elie Saab draws an unprecedented sophistication in every one of his creations, an extreme elegance with which the female body lets itself be loved, to which it abandons itself in a dream come true.
+ FASHION
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What is the woman imagined by Elie Saab looking for? What does she long for? To live, definitely. To seduce and be seduced, to be liked, to feel like the center of attention, to become the queen of the spring festival; to feel again what she may have forgotten but always treasured in the depths of her being. This is the woman that Elie Saab seeks to dress. Long organza dresses, long capes, infinite openings with which the woman feels confident, attractive, and genuine. Exquisite fringes and feathers share the stage with heart-stopping rhinestones that make women shine with their own light. Suggestive and elegant transparencies wrap feminine curves in an absolutely masterful way, turning fashion into a true dream. A fantasy tale made up of dresses and compositions in which night and dawn come together in a way never seen before, finding in bright and lively tones the joy and optimism that we have missed so much.
+ ART
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CHAGALL, EL PINTOR DEL AMOR Marc Chagall, artista de la Escuela de Paris, de origen judío bielorruso (1887-1985) es una figura clave en el arte del siglo XX. Sus obras maestras están repartidas por los principales museos del mundo, pero para este artículo nos vamos a concentrar en las pinturas de su amada Bella. Enfocando sus sentimientos podemos descubrir una nueva interpretación del lenguaje del artista. Realmente es un experto pintor del amor. Con sus pinceles y su vena poética creó sus lienzos más sublimes inspirados en el amor de su vida: Bella. Tras su muerte, siguió siendo un tema recurrente en la obra artística del pintor. A lo largo del siglo XX, se inspiró en una mezcla de las principales corrientes artísticas de Europa: desde la cultura judía original a la rusa, hasta el encuentro con la pintura de vanguardia francesa. Pero sobre todo, pintó sus propios sentimientos.
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Marc Chagall nació en una pequeña comunidad judía jasídica en las afueras de Vitebsk, Bielorrusia en 1887. Su padre era pescadero y su madre tenía una pequeña frutería. Marc y Bella se conocieron en San Petersburgo, él tenía 23 años y ella solo 14. Él era un pobre aprendiz de pintura en busca de fortuna y ella, una estudiante brillante, heredera de una dinastía de comerciantes adinerados, dueños de la más lujosa joyería de la ciudad. Se encontraron varias veces en Vitebsk cerca del puente, a la luz de las orillas del río. Ambos procedían de familias judías devotas, pero no tenían nada en común. Sin embargo, desde el primer encuentro, la chispa se encendió entre los dos. El encuentro entre Marc y Bella en el otoño de 1909 fue inolvidable. La conoció por su modelo, Théa Brachman. Narró el flechazo así en su libro:
l l a g a
T REPOR N + ART A DE JU A Í R A ©M
“De repente siento que no debo estar con Théa sino con ella. Su silencio es el mío. Sus ojos los míos, es como si ella me conociera desde hace mucho tiempo, como si ella lo supiera todo desde mi infancia, sobre mi presente, sobre mi futuro... como si cuidara de mí, como si me adivinara íntimamente a pesar de ser la primera vez que la veía. Sentí que ella era mi mujer. “ Marc escribió sobre esta niña de piel marfil y grandes ojos negros que le fascinó de inmediato. Ella describiría en su libro “Luces ardientes”, el encuentro con ese extraño de rizos despeinados y mirada de zorro con ojos celestes: “No me atrevo a levantar los ojos y sostener la mirada del joven. Sus ojos son de un verde grisáceo, cielo y agua. Es en esos ojos, en el río donde estoy nadando.” En ese instante ambos se sintieron tocados por las flechas de Cupido. Tras el flechazo a primera vista, rápidamente se comprometieron. La pareja se casó en 1915, a pesar de la desaprobación de los padres de la niña.
+ ART
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Bella se convirtió en el gran amor, musa principal y profunda fuente de inspiración de los lienzos de Marc Chagall. Uno de sus primeros retratos es "Pareja en la mesa" (1909), una obra en la que Bella Rosenfeld, con 14 años, ya tiene la gracia de sentirse musa y modelo para el amor y no sólo para la pintura. Representa su pedida y la conciencia amorosa que comparte con su futuro esposo. La representa con los ojos cerrados y la mano en el corazón, aceptando su matrimonio como cumplimiento del destino. Con la otra mano sostiene una granada, símbolo de procreación en la cultura judía. Tras ella, sus abuelos, siempre presentes en las celebraciones de la pedida nupcial judía, señalan a Dios como señal de protección y bendición de la familia. Frente a la niña, aparece Leon Bakst, maestro de pintura de Chagall. Los diseños de Léon Bakst habían aparecido en los Ballets Rusos de París de Sergei Diaghilev.
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Bella dio a luz a su única hija, Ida, en 1916. Bella fue protagonista de infinidad de pinturas de Chagall, incluida la famosa "Bella au col blanc" (Bella con cuello blanco) en 1917. Unos años más tarde, en 1922 , Marc trasladó a su familia desde Rusia, donde pasaron la Primera Guerra Mundial, a Berlín antes de establecerse en París en 1924. Vivieron en París durante veinte años, donde Marc pintaba para el famoso galerista Ambroise Vollard. En 1931 Bella tradujo del ruso al francés, la autobiografía de su marido titulada "Ma Vie" (Mi vida). Bella visitó comunidades judías, los kibutzs, en Palestina y Vilna. Esto influyó su decisión de escribir en su lengua materna, el yiddish, su propio libro “Burning Lights”. En 1941 tratando de escapar de la persecución nazi, fueron arrestados en Marsella. Tras un mes detenidos en Lisboa, por fin, pudieron escapar del horror de la guerra a Nueva York donde vivieron tres años hasta su regresó a Francia en 1944. Bella enfermó con una infección de garganta y murió pocos días después en Saint Paul de Vence. Dos años después Marc publicó póstumamente el libro escrito por su mujer.
Bella fue su musa artística durante toda su vida, inspirando las mejores obras del artista. Uno de sus mejores retratos, donde mejor la captó física y psicológicamente es “Bella en vert” (Bella en verde), 1937. Marc se casaría nuevamente, pero mantuvo viva la llama por su primer amor. Bella aparece en muchos retratos póstumos como “Bouquet près de la fenêtre” (Flores junto a la ventana) pintado en 1960. La pareja tuvo una vida agitada: vivieron en Rusia, París, Nueva York y la Riviera francesa. Chagall creó un lenguaje poético muy personal. El denominador común en la mayor parte de su obra es su tema favorito: el amor. La obra de Chagall representa a Bella en la vida y en la muerte. Continuó pintándola una y otra vez después de fallecer. Esto revela que el amor que tenía por ella, nunca murió. A través de sus pinceles, el artista nos habla del amor ilimitado por su esposa.
+ ART
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Sus lienzos son la expresión de lo que siente: cuando está cerca de Bella, el mundo entero es perfecto. Y es tan perfecto que él mismo se transforma en irreal, para describir una emoción tan perfecta. Por eso, en sus pinturas, los dos amantes aparecen volando sin tocar el suelo del mundo real. Todos los demás detalles son reales. Todo menos los amantes. Porque el amor, el amor profundo, el que no puede mantenernos quietos, no conoce la normalidad. Y Chagall lo ilustra de una manera onírica, evitando el realismo. Especialmente ahora, en este momento de emergencia y crisis global, necesitamos mensajes de amor. En tiempos de convulsión, cuando el mundo está conmocionado por la angustia y la ansiedad, es precisamente cuando los seres humanos intentan aferrarse firmemente al amor. Inmersos en sentimientos desorientados estamos, ahora mas que nunca, sedientos de certezas. Chagall con sus pinturas de su amada Bella nos transmite el mensaje perfecto en estos tiempos difíciles: el amor es la mejor verdad de la vida. El propio Chagall, usando sus propias palabras, describió su pasión por el amor, en su autobiografía "Mi vida":
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El arte debe ser una expresión de amor o no es nada. En las artes, como en la vida, todo es posible siempre que se base en el amor. Cuando creo desde el corazón, casi todo funciona; desde la cabeza, casi nada. Solo me interesa el amor, y solo estoy en contacto con cosas que giran en torno al amor. A pesar de todos los problemas de nuestro mundo, en mi corazón nunca he renunciado al amor en el que me crié ni a la esperanza del hombre en el amor. En la vida, al igual que en la paleta del artista, hay un solo color que da sentido a la vida y al arte: el color del amor. Si toda la vida se mueve inevitablemente hacia su fin, entonces debemos, durante la nuestra, colorearla con nuestros colores de amor y esperanza.
+ ART
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CHAGALL, THE PAINTER OF LOVE Marc Chagall, Russian-French artist of Belarusian Jewish origin (1887- 1985) is a key figure in 20th Century art. He has masterpieces spread among major museums around the world but for this article we are going to concentrate on paintings of his beloved Bella. Focusing on his feelings we can discover a new interpretation of the language of the artist. He is really the ultimate painter of love. With his brushes and his poetic vein, he created some of his most sublime canvases inspired by the love of his life: Bella. After she died, she remained an artistic inspiration for the painter. Over the course of twentieth century, he found inspiration through a mixture of the major European artistic currents: from the original Jewish culture to the Russian one, up to the encounter with French avant-garde painting. But above all, he painted his own feelings. Marc Chagall was born in a small Hassidic community on the outskirts of Vitebsk, Belarus in 1887. His father was a fishmonger and his mother ran a small fruit
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shop in the village. Marc and Bella met in St. Petersburg, he was 23 and she was only 14. He was a poor painting apprentice in search of fortune and she was a brilliant student, heir to a dynasty of wealthy merchants, owners of the most luxurious goldsmith shops in the city. They met several times in Vitebsk near the bridge, in the light of the banks of the river. Both came from observant Jewish families, but they had nothing in common. Yet, from the first meeting, the spark strikes between the two. The meeting between Marc and Bella in the fall of 1909 was unforgettable. They met her through a mutual friend, his model, Théa Brachman. He narrated the crush in his book: “Suddenly I feel that it is not with Théa that I should be, but with her. Her silence is mine. Her eyes are mine, it is as if she has known me for a long time, as if she has known everything since my childhood, about my present, about my future... as if she cared for me, as if she intimately guessed me despite being the first time i see her. I felt that she was my wife. "
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T REPOR N + ART A DE JU A Í R A ©M
Marc wrote about this young girl with ivory skin and big black eyes who immediately fascinated him. She would describe in her book "Lights on", meeting that strange boy with tousled curls and fox gaze in his blue eyes: "I don't dare raise my eyes and meet the young man's gaze. His eyes are now greyish green, sky and water. It is in those eyes or in the river where I am swimming. " In that instant both felt touched by Cupid's arrows. After the crush at first sight, they quickly got engaged. The couple married in 1915, despite the disapproval of the girl's parents. Bella became the great love, primal muse and profound source of inspiration for Marc Chagall's paintings. We find one of her very first portraits in "The couple at the table" (1909), a work in which Bella Rosenfeld, at the age of thirteen, already feels the grace of someone who is a muse and model for love and not for profession and the awareness that that she shares with her future husband is blessed. She is depicted with her eyes closed and her hand on her heart, she accepts their marriage as the fulfilment of destiny and with the other hand she holds a pomegranate, a symbol of procreation in Jewish culture
+ ART
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and beyond. Behind her her grandparents, always present in the Jewish wedding promise celebrations, point the finger at God as a sign of protection and blessing of the family. In front of the girl Leon Bakst, Chagall's painting teacher. The designs of Léon Bakst had been featured in Sergei Diaghilev's Ballets Russes in Paris. Bella gave birth to their only child, Ida, in 1916. Bella was the subject of numerous Chagall's paintings including the famous “Bella au col blanc” (Bella with White Collar) in 1917. A few years later, in 1922, Marc moved his family from Russia, where they had ended up during World War I, to Berlin before settling in Paris in 1924. They would live in Paris for twenty years. During this time Marc would work as a painter with the fabulous dealer Ambroise Vollard. In 1931 Bella translated from Russian into French, her husband's autobiography entitled "Ma Vie" (My life). Bella visited Jewish communities, the kibbutzes, in Palestine and Vilna. This influenced her decision to write in her native language, Yiddish, her own book "Burning Lights". In 1941 trying to escape Nazi persecution, they were arrested in Marseille.
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After a month in detention in Lisbon, they were finally able to escape the horror of the war to New York where they lived for three years until they returned to France in 1944. Bella fell ill with a throat infection and died a few days later in Saint Paul de Vence. Two years later, Marc posthumously published the book written by his wife. Bella was his artistic muse throughout his life, inspiring the best works of the artist. One of the best portraits, where he captured her physically and psychologically, is “Bella en vert” (Bella in green), 1937. Marc would marry again, but kept the flame alive for his first love. Bella appears in many posthumous portraits such as "Bouquet près de la fenêtre" (Flowers by the window) painted in 1960. The couple had a hectic life: they first lived in Russia, then moved to Paris and later to America. Finally they returned to the French Riviera. Chagall created a very personal poetic language. The common denominator in most of his work is his favourite topic: love.
Chagall's work represents Bella in life and death. He continued to paint it over and over again after he passed away. This reveals that the love he had for her never died. Through his brushes, the artist tells us about his boundless love for his wife. His canvases are the expression of what he feels: when he is close to Bella, the whole world is perfect. And it is so perfect that even it becomes unreal, to describe such a perfect emotion. For this reason, in his paintings, the two lovers appear flying, since they do not touch the ground of the real world. All other details are real. Everything but the lovers. Because love, deep love, the one that cannot keep us still, does not know normality. And Chagall illustrates this in a dreamlike way, avoiding realism. Especially now, at this time of crisis and global emergency, we need messages of love. In times of turmoil, when the world is shocked by anguish and anxiety, it is precisely when human beings try to hold on firmly to love. Immersed in disoriented feelings, now more than ever, we are thirsty for certainty. Chagall with his paintings of his beloved Bella conveys the perfect message to us in these difficult times: love is the best truth in life.
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Chagall himself, using his own words, described his passion for love in his autobiography “My Life”: Art must be an expression of love or it is nothing. In the arts, as in life, everything is possible provided it is based on love. When I create from the heart, nearly everything works; from the head, almost nothing. Only love interests me, and I am only in contact with things that revolve around love. +26
Despite all the troubles of our world, in my heart I have never given up on the love in which I was brought up or on man's hope in love. In life, just as on the artist's palette, there is but one single colour that gives meaning to life and art–the colour of love. If all life moves inevitably towards its end, then we must, during our own, colour it with our colours of love and hope.
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E R N R I E I D P R A C ORT N REP IO H S RA + FA CÁNTA AL O Í © ROC
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Tributo cósmico a Pierre Cardin Con un espectáculo sin precedentes a la altura de un genio de la talla de Pierre Cardin. Así es como una de las casas de moda con más arraigo y tradición ha querido rendir homenaje a su creador. Mirando a las estrellas. Pensando e imaginando un universo de color y modernidad. Así es como Pierre Cardin ha querido rendir homenaje a su creador un año después de su marcha. Y es que nada mejor que recordar a un auténtico virtuoso del diseño como Pierre Cardin mediante un espectáculo al que no le faltado ni color ni modernidad y en el que se ha pretendido perpetuar el estilo que ha conseguido, a lo largo de los años, convertirse en símbolo de éxito de la casa. + 30
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Así es como se han sucedido sobre la pasarela espectaculares referencias a esa era espacial por la que sintió especial predilección y adoración durante la década de los sesenta el que se convirtiese en el primer diseñador francés en exportar sus creaciones a Japón. De esta manera, Pierre Cardin no ha dudado en apostar por todo tipo de elementos que hagan que la mujer se convierta en la auténtica protagonista de una película de ciencia ficción al más puro estilo de Star Trek. Y es que el que fuese uno de los pioneros del prêt-à-porter, a pesar de lo que muchos pudieran pensar, sentía una especial atracción por todo lo procedente del futuro, por todos aquellos elementos y rasgos que + 32
aportasen modernidad y originalidad a un mundo quizás tan anquilosado en el pasado en ocasiones como lo es el de la moda. Así, la mujer que rinde homenaje a Pierre Cardin buscar vestir sus curvas con tintes futuristas gracias a la simbiosis perfecta entre ciencia y arte. Una combinación perfecta que se hace más que patente en creaciones donde las líneas rectas ganan la partida por goleada, donde las combinaciones monocromáticas se convierten en protagonistas de excepción y donde los volúmenes no encuentran espacio en veladas en las que todo parece estar milimetrado al detalle. ¿Estaremos ante la idea que inspirará los sueños del futuro?
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E R N R I E I D P R A C ORT N REP IO H S RA + FA CÁNTA AL O Í © ROC
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Cosmic Tribute to Pierre Cardin With an unparalleled spectacle worthy of a genius like Pierre Cardin. This is how one of the most traditional fashion houses with the deepest roots has paid tribute to its creator. Looking at the stars. Thinking of and imagining a universe of colour and modernity. This is how Pierre Cardin wanted to pay tribute to its creator one year after his departure. There's nothing better than honouring a true virtuoso of design like Pierre Cardin with a show that is neither lacking in colour nor modernity, and that is meant to perpetuate the style that became, throughout the years, the symbol of the house's success. + 36
+ FASHION
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This is how spectacular references to that space age, for which he felt a special predilection and affection during the 1960s, when he became the first French designer to export his creations to Japan, have made their way down the catwalk. Pierre Cardin hasn't hesitated to opt for all kinds of elements that make women become the true protagonists of a sci-fi movie in the purest Star Trek style. In fact, he was one of the prêt-à-porter pioneers, and despite what many might think, felt a special attraction for everything from the future, for all those elements and features that would bring modernity and originality to a world + 38
that is perhaps as stuck in the past as the fashion industry sometimes is. Thus, those women who pay homage to Pierre Cardin seek to dress their curves with futuristic touches thanks to the perfect symbiosis between science and art. This perfect combination is more than evident in creations where straight lines have won a clear victory, monochrome combinations become exceptional protagonists, and volumes find no space in soirées where everything seems to be minutely detailed. Are we facing the idea that will inspire the dreams of the future?
+ DESIGN
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inauguran esta selección muy personal, es mi modesta colección virtual de mis 12 diseños surrealistas favoritos.
SURREALISMO Y DISEÑO, La reinvención del objeto En 2007 el Victoria and Albert Museum de Londres organizó una exposición memorable "Surreal Things ". También tuvimos el privilegio de volver a enfocar el fascinante tema de esta intrínseca simbiosis con una la muestra: "Objetos de deseo. Surrealismo y diseño" que la Fundación La Caixa y Vitra Design Museum (Alemania) presentaron en Madrid. Una interesante colección de objetos y muebles realizados entre 1924 y 2020. Vamos a explorar la relación entre los artistas mas locos y atrevidos junto con una de las artes mas presentes en nuestras vidas: el diseño. Estas muestras son una buena inspiración para hacer un ejercicio surrealista: voy a crear mi propia colección surrealista. Si tuviera que escoger los objetos que mejor resumen el explosivo cocktail entre lo surreal y lo práctico, yo diría que Salvador Dali se lleva los tres primeros premios con su sofá de labios sensuales, su teléfono langosta y su Venus con cajones. Estas tres obras
"Mae West Lips" es un sofá escultura con forma de labios de mujer y es la pieza central de una instalación en el Teatro y Museo Dalí en Figueras. Los asientos de tamaño rojo claro, hechos de espuma de poliuretano recubierta con una capa roja de polidur se moldearon a partir de los labios de la actriz Mae West, a quien Dalí encontraba fascinante. Dalí nunca pretendió que el sofá tuviera un uso funcional. Afirmó que basó su diseño se basó en un montón de rocas cerca de Cadaqués y Portlligat, donde permaneció durante muchos años con su esposa, Gala. El sofá fue producido en 1973 por Bocaccio Design, también conocido como BD Barcelona Design. Edward James, un rico mecenas británico de los surrealistas en los años 30, encargó originalmente la pieza a Dalí. Ahora forma parte de las colecciones de arte del Museo Boijmans Van Beuningen de Rotterdam, del Victoria and Albert Museum de Londres, y del Brighton Museum (Inglaterra). "Lobster Telephone" de 1936, es quizás el ejemplo mas famoso de un objeto
surrealista. También conocido como "Afrodisiac Telephone" fue creado por Dalí en 1936, también para el poeta inglés Edward James. En su libro autobiográfico, "La vida secreta de Salvador Dalí", el artista escribió en broma sobre su sorpresa cuando pidió una langosta a la parrilla en un restaurante, pero nunca se le presentó un teléfono hervido. Es el ejemplo por excelencia de un objeto surrealista, formado por la unión de elementos que normalmente no se asocian entre sí, lo que resulta algo tanto lúdico como amenazador. Dalí creía que tales objetos podían revelar los deseos secretos del inconsciente. Las langostas y los teléfonos tenían fuertes connotaciones sexuales para Dalí. El teléfono aparece en ciertas pinturas de finales de los años treinta como "Mountain Lake" (Tate) y la langosta aparece en dibujos y diseños, generalmente asociados al placer erótico y al dolor. Para la Feria Mundial de Nueva York de 1939, Dalí creó una experiencia multimedia titulada "Dream of Venus", que consistía en vestir modelos desnudos en vivo con "trajes" hechos de mariscos frescos, un evento fotografiado por Horst y George Platt Lynes. El artista utilizó una langosta para cubrir los órganos sexuales femeninos de sus modelos.
R U S ALISMO EÑO S I RE D & +40
PORT IGN RE UAN S E D + J ÍA DE © MAR
Dalí a menudo estableció una estrecha analogía entre la comida y el sexo. En su original teléfono, la cola del crustáceo, donde se encuentran sus partes sexuales, se coloca directamente sobre la boquilla. "Venus de Milo" es una escultura de yeso, creada por Dalí en 1936, tomando como referencia la famosa escultura romana Venus del Musée du Louvre (París). Este icono de la antigüedad había fascinado al artista desde la infancia. En su libro "La vida secreta de Salvador Dalí", relata que de niño hizo una copia en arcilla y como este primer intento de escultura produjo en él "un inconfundible y delicioso placer erótico". Más tarde, en una entrevista concedida a la revista Playboy en 1964, Dalí explicó: "Añadiendo los cajones es posible mirar dentro del cuerpo de la Venus de Milo al alma: así Dalí crea una apariencia freudiana y cristiana en la Civilización griega".
Entre sus muchas obras memorables quizás ninguna esté más arraigada en el imaginario popular que esta Venus con cajones, una reproducción en yeso de tamaño medio del famoso mármol (130-120 a. C.; Museo del Louvre, París). Alterado con pompones y cajones decorados en la frente, pechos, estómago, abdomen y rodilla izquierda. La provocadora combinación ilustra el interés surrealista por unir diferentes elementos para despertar una nueva realidad. Para los surrealistas, el mejor medio para provocar esta revolución de la conciencia era un tipo especial de escultura que, como explicó Dalí en un ensayo de 1931, era "absolutamente inútil... y creado íntegramente con el propósito de materializarse de manera fetichista, con el máximo de realidad tangible, ideas y fantasías de un personaje delirante ".
El artículo de Dalí, que se basó en las ideas de Readymades de Marcel Duchamp, inauguró la fabricación de objetos como parte integral de la actividad surrealista. Dalí fue profundamente influenciado por las obras de Sigmund Freud, afirmando: "La única diferencia entre la Grecia inmortal y la época contemporánea es Sigmund Freud, quien descubrió que el cuerpo humano, puramente platónico en la época griega, está hoy lleno de cajones secretos que solo el psicoanálisis es capaz de abrir". Para este objeto surrealista de 1936, Dalí recorta seis cajones en Venus, transformando a la diosa griega en un mueble vivo, un juego de palabras visual con la frase "cómoda", también conocida como escritorio. Su sencilla superficie blanca se complementa con elegantes tiradores de piel, un tributo a su belleza y potencial erótico.
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Además, los cajones son una metáfora de cómo el psicoanálisis freudiano abre las zonas ocultas del subconsciente. En palabras de Dalí, "Freud descubrió el mundo del subconsciente en las aletargadas superficies de cuerpos antiguos, y Dalí cortó cajones en él". Tras Dali, yo escogería al suizo Diego Giacometti por sus muebles divertidos y pintorescos. Realizados en bronce con pequeñas figuritas de animales son, en realidad auténticas esculturas con un uso práctico. El arte de inspiración animal de Diego Giacometti era rico y variado. Junto con animales familiares como las mascotas de perros y gatos, le gustaba representar otros que simbolizan la fuerza, el poder y la belleza, como cabezas de leones, lobos y caballos. Diego era un virtuoso del bronce, material que le permitió esculpir con gran detalle, gracia y elasticidad. Los animales de Diego exigían técnicas especiales, a menudo costosas, como el método de la cera perdida. Sus hermanos el archiconocido Alberto, pintor y Bruno, arquitecto, influenciaron su vida y su obra. Con Alberto compartió estudio en Paris y proyectos artísticos durante décadas. Tras la muerte de Alberto en 1966, Diego redobló sus esfuerzos, realizando +42
importantes obras para decoradores como Georges Geffroy y Henri Samuel, y conjuntos escultóricos para la Fundación Maeght en SaintPaul-de- Vence, el Museo Chagall en Niza y el Museo Picasso de París. Solo entonces, Diego consiguió ser reconocido como un artista importante, hasta entonces eclipsado por la fama de su hermano pintor. Una importante selección de su obra (más de 500 piezas de su estudio) fue donada en 1986 al Musée des Arts Décoratifs de París, tras una impresionante exposición celebrada unos meses después de su muerte. Siguiendo el ejemplo de Dalí, mucho otros artistas comenzaron a crear artilugios absurdos inspirados en su subconsciente y también nuevos objetos construidos a partir de productos preexistentes, a menudo, obsoletos. Estas construcciones forzaron nuevos significados a través de extrañas yuxtaposiciones que aludían a sueños o deseos subjetivos. El mas conocido, es el escandaloso "Urinario" de Marcel Duchamp, un elemento escatológico que el artista saca de un servicio de hombres para elevarlo a la categoría de obra de arte. El objeto surrealista fue concebido en parte como una crítica a la cultura de consumo. Sin embargo, al crear lo "fantástico real", utilizando productos básicos comprometiéndose directamente con el mundo material, también destacaron las posibilidades comerciales del surrealismo y su aplicación en las artes decorativas.
En la teoría "Análisis de los sueños" de Sigmund Freud, el hogar tenía una variedad de significados perturbadores y sexualizados que interesaron profundamente a los surrealistas. Combinando lo antiguo, lo nuevo y lo extraño, crearon su propio ambiente interior que ofrecía un marcado contraste con las imágenes predominantes en el diseño de interior moderno. Los surrealistas tomaron prestado de las ciencias naturales del siglo XIX, el Art Nouveau y las nuevas tecnologías como la fotografía y el cine para crear un nuevo simbolismo, rico en formas y motivos naturales. Estas obras se adaptaron rápidamente para su uso en el diseño, creando un lenguaje visual de formas orgánicas, conocido como biomorfismo o 'forma libre'. Muchos artistas se inspiraron en las líneas fluidas y formas biomórficas del arte surrealista, en particular en el trabajo del escultor y pintor abstracto Jan Arp. Un buen ejemplo son las lámparas de papel y la mesa del japonés Isamu Noguchi. En 1951 visitó la ciudad de Gifu, (Japón) conocida por su fabricación de linternas y paraguas de papel bambú. Noguchi diseñó la primera de sus lámparas que se produciría mediante métodos tradicionales. Las llamó lámparas Akari, que significa "luz como iluminación", pero también implica la idea de ingravidez.
La fabricación de Akari en Japón por Ozeki & Co. desde 1951 sigue los métodos tradicionales de las linternas japonesas Gifu. Cada Akari está hecha a mano comenzando con la fabricación de papel washi de la corteza interior de la morera. Los nervios de bambú se extienden a través de esculturales formas de madera moldeada. El papel washi se corta en tiras y se pega por ambos lados del marco. Una vez que el pegamento se ha secado y se fija la forma, la forma de madera interna se desmonta y se retira. El resultado es una estructura de papel resistente, que se puede plegar y empaquetar plano para su envío. Con el cálido resplandor de la luz proyectada a través del papel hecho a mano sobre marcos de bambú, Noguchi utilizó materiales tradicionales japoneses para llevar un diseño moderno al hogar. Hoy su invención de iluminar a través del papel sigue siendo copiado por todo el mundo.
En sus propias palabras: "Como la belleza de las hojas que caen y los cerezos en flor, los Akari son poéticos, efímeros y vacilantes. Todo lo que necesitas para comenzar una casa es una habitación, un tatami y Akari". La "Mesa Tour" es una de las mesas mas excéntricas que existen. Obra de la italiana Gae Aulenti, es una mesa sobre ruedas, fabricada por Fontana Arte. Este icono del diseño de muebles italiano de finales del siglo XX es obra de la italiana Gae Aulenti, brillante arquitecta, diseñadora de iluminación e interiores y diseñadora industrial. Trabajó en Casabella, revista de diseño, y se unió a sus compañeros, rechazando la arquitectura de maestros como Le Corbusier, Mies van der Rohe y Walter Gropius. Se nombraron a sí mismos movimiento "Neo Liberty", favoreciendo los métodos de construcción tradicionales junto con la expresión estilística individual.
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Tour es una mesa con tapa de vidrio esmerilado flotado. Tiene cuatro ruedas de bici giratorias, fijadas a la cubierta de vidrio transparente con placas de acero inoxidable, soportes cromados y ruedas de goma. Un verdadero tema de conversación para el hogar o la oficina. La arquitecta es bien conocida por varios proyectos de museos a gran escala, incluido el Museo de Orsay en París (1980–86), la Galería de Arte Contemporáneo en el Centre Pompidou en París, el Palazzo Grassi en Venecia (1985–86) y el Museo de Arte Asiático de San Francisco (2000-2003). Gae Aulenti fue una de las pocas mujeres que diseñaron durante la posguerra en Italia y creó muchas piezas elegantes para Fontana Arte y Martinelli Luce. La lámpara "Porca Miseria! Chandelier" del alemán Ingo Maurer es una revolución con gran astucia contra el diseño contemporáneo. Está formada por vajilla rota en mil pedazos. La producción de esta pieza está limitada a tan solo diez al año, ya que la construcción de cada lámpara requiere la labor de cuatro personas que rompen piezas de cerámica con un martillo o simplemente las dejan caer al suelo. Las piezas, rotas arbitrariamente, determinan la disposición del diseño final realizado por porcelana y metal. +44
Es fabricada por Maurer GmbH en Alemania. Esta lámpara extravagante es la celebración de Maurer de las explosiones cinematográficas en cámara lenta, como las que se ven en la película Zabriskie Point (1970) de Michelangelo Antonioni. Maurer es un diseñador industrial especializado en diseños de lámparas e instalaciones de iluminación. Se le ha llamado "el poeta de la luz". La silla “Hand-Chair”, es la pieza mas conocida de Pedro Friedeberg, artista y diseñador mexicano conocido por su trabajo surrealista lleno de líneas, colores y símbolos antiguos y religiosos. Su escultura-silla está diseñada para que una persona se siente en la palma, usando los dedos como respaldo y reposabrazos. Friedeberg comenzó a estudiar arquitectura pero no finalizó sus estudios pues se dedicó a dibujar diseños rechazando las formas convencionales de los años 50. Diseñó proyectos arquitectónicos completamente inverosímiles como casas con techos de alcachofa. Pedro pasó a formar parte de un grupo de artistas surrealistas en México que incluía a Leonora Carrington y Remedios Varo y Frida Kahlo, extremadamente irreverentes, que rechazaron el arte social y político que dominaba en ese momento. Friedeberg tuvo una bien merecida reputación de excéntrico durante toda su vida. Su lema fue: "El arte está muerto porque no se produce nada nuevo."
La lámpara "Horse Lamp" de la marca Front es un enorme caballo negro que nos ilumina con una pantalla luminosa encima de su cabeza. Fiel a las dimensiones de un caballo real, aporta un toque de naturaleza al estilo de cuento de hadas con inspiración de auténtica locura.
Su talento para plantear una declaración atrevida, está tan bien desarrollado que dan ganas de alimentar al equino con zanahorias. Sin duda, esta pieza se convierte en lo que se merece: ser el centro máximo de atención.
Es parte de la "Animal Collection" para la firma de diseño holandesa Moooi, que está formada por una mesa auxiliar con forma de cerdo y dos modelos a escala real de un caballo y un conejo con lámparas en la cabeza.
"Taza de té forrada de piel" de Meret Oppenheim es otro objeto surrealista extraño y enigmático. Consiste en una taza con su platito y cuchara, forrados de piel, los mas absurdo de los absurdos.
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Su sutil perversidad fue inspirada durante una conversación entre Meret, Pablo Picasso y la fotógrafa Dora Maar en un café de París. Admirando los brazaletes con adornos de piel de Oppenheim, Picasso comentó que se podía cubrir casi cualquier cosa con piel. "Incluso esta taza y con su plato", respondió Oppenheim. En la década de 1930, muchos artistas surrealistas organizaban objetos encontrados en combinaciones extrañas que desafiaban la razón evocando asociaciones inconscientes y poéticas. Meret se inspiró en otro objeto, titulado "Déjeuner en fourrure" (Desayuno con pieles) del líder surrealista André Breton: una
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taza con platito comprado en una tienda de París que se forró con la piel de una gacela china. La obra evoca las diferencias en las variedades del placer sensual: el pelaje puede deleitar el tacto pero repele la lengua. Y una taza y una cuchara, por supuesto, están hechas para llevarse a la boca. Maestro del trompe l’oeil, pintor, escultor, grabador, interiorista… Fornasetti fue el perfecto ejemplo de hombre renacentistasurrealista. Creó 12.000 diseños de objetos, muebles, 100 modelos de platos e incluso coches. Tenía manos de artesano y un ojo sofisticado. Prolífico y poético, fue “el Giorgo De Chirico de la Decoración”. Los platos de pared de Piero Fornasetti, son demasiado bellos para usar como vajilla en la mesa. Observa los ojos que te observan desde sus mágicos dibujos.
La realidad es que todos son originales obras de arte surrealistas para transformar el hogar. Los protagonizan los motivos distintivos de la marca, que representan casi siempre el rostro eterno y enigmático de la musa de Piero Fornasetti, Lina Cavalieri, además de algunos con temas de astronomía. Son variaciones sobre el mismo tema, pero todos completamente diferentes, fruto de la exquisita imaginación de su creador. Realmente son obras de arte dondequiera que se coloquen. Fornasetti fue un irónico genio milanés. Este mago de los sueños aplicó su rica imaginería de soles, enigmáticos rostros, manos y arquitecturas clásicas a cualquier soporte posible: de cómodas a ceniceros, fulares o biombos, de telas a lámparas, paraguas y platos.
Su sello fue el blanco y negro, raramente mezclado audazmente con solo dos colores. Solo dos tonos brillantes, el oro y el rojo, iluminaron los grises años 50 de la Europa de posguerra. Falleció en 1988 dejando más de 12.000 diseños: objetos de lo más cotidianos, motivos decorativos y muebles-joya impresos que se mueven entre la tradición italiana y la invención surrealista. Tras presentarse oficialmente la publicación del "Manifiesto surrealista" de André Breton en 1924, el Surrealismo se convirtió rápidamente en un movimiento intelectual y político internacional. Sus artistas miembros provenían de diversos orígenes y disciplinas, como la literatura, el cine y las bellas artes. Desde su nacimiento, los objetos cotidianos fueron una fuente de inspiración decisiva y tuvieron un papel crucial en su evolución. Menos conocido es el impacto decisivo del Surrealismo en el diseño. Este ha jugado un papel principal para liberar el diseño del dogma funcional según el cual “la forma sigue a la función”. A la luz de la creciente crítica dirigida al diseño racionalista a partir de los años treinta y especialmente después de la Segunda Guerra Mundial, el Surrealismo abrió nuevos caminos que abordaban las emociones, las fantasías, los miedos y otras cuestiones existenciales. En la década de 1920, la técnica surrealista se había centrado en el uso de la escritura, el dibujo, el collage y la pintura
como técnicas para revelar la mente subconsciente. Pero en 1930 surgió un nuevo tipo de invención: la creación del objeto surrealista. El distanciamiento del texto y la imagen fue impulsado por la necesidad de interactuar directamente con el mundo material, el mundo de los objetos y el comercio. Se pensaba que el objeto surrealista podía representar las complejidades y contradicciones de la vida moderna. En 1940 Salvador Dalí resumió así su deseo de inventar objetos:
"Intento crear cosas fantásticas, cosas mágicas, cosas como en un sueño. El mundo necesita más fantasía. Nuestra civilización es demasiado mecánica. Podemos hacer que lo fantástico sea real y luego es mas real que lo que realmente existe".
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SURREALISM AND DESIGN The reinvention of the object In 2007 the Victoria and Albert Museum in London organised a memorable exhibition "Surreal Things". We were also privileged to revisit the fascinating theme of this intrinsic symbiosis with an exhibition: "Objects of Desire. Surrealism and design" that La Caixa Foundation and Vitra Design Museum (Germany) presented in Madrid. An interesting collection of objects and furniture made between 1924 and 2020. We will explore the relationship between the craziest and most daring artists and one of the most present arts in our lives: design. These exhibitions are a good inspiration for a surrealist exercise: I am going to create my own surrealist collection. If I had to choose the objects that best symbolise the explosive cocktail between the surreal and the practical, I would say that Salvador Dali wins the first three prizes with his sofa with sensual lips, his lobster telephone and his Venus with drawers.
These three works inaugurate this very personal selection, it is my modest virtual collection of my 12 favourite surrealist designs. Dali's "Mae West Lips" is a sofa - sculpture in the shape of a woman's lips and is the center piece of an installation at Dalí Theatre Museum in Figueras. The bright red sized seats, made of foam, covered with a red layer of polyurethane, were molded from the lips of actress Mae West, whom Dalí found fascinating. Dalí never intended the sofa to have a functional use. He claimed that he based his design on a pile of rocks near the towns of Cadaqués and Portlligat, where he remained for many years with his wife Gala. The sofa was produced in 1973 by Bocaccio Design, also known as BD Barcelona Design. Edward James, a wealthy British patron of the Surrealists in the 1930s, originally commissioned the piece from Dalí. It is now part of the art collections of Boijmans Van Beuningen Museum in Rotterdam, Victoria and Albert Museum in London, and Brighton Museum (England). Dali's "Lobster Telephone" from 1936 is perhaps the most famous example of a surreal object. Also known as
"Aphrodisiac Telephone", it was created by Dalí in 1936, also for the English poet Edward James. In the autobiographical book, "The Secret Life of Salvador Dalí", the artist jokingly wrote about his surprise when he ordered a grilled lobster at a restaurant, but was never presented with a boiled phone. It is the quintessential example of a surreal object, formed by the union of elements that are not normally associated with each other, which is both playful and threatening. Dalí believed that such objects could reveal the secret desires of the unconscious. Lobsters and telephones had strong sexual connotations for Dalí. The telephone appears in certain paintings from the late 1930s such as "Mountain Lake" (Tate Gallery) and the lobster appears in drawings and designs, generally associated with erotic pleasure and pain. For the 1939 New York World's Fair, Dalí created a multimedia experience entitled "Dream of Venus," which consisted of dressing live nude models in "costumes" made from fresh seafood, an event photographed by Horst and George Platt Lynes. The artist used a lobster to cover the female sexual organs of his models.
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PORT IGN RE UAN S E D + J ÍA DE © MAR
Dalí often drew a close analogy between food and sex. In its original telephone, the tail of the crustacean, where its sexual parts are found, is placed directly on the mouthpiece. "Venus de Milo" is a plaster sculpture, created by Dalí in 1936, taking as a reference the famous Roman sculpture Venus in Musée du Louvre (Paris). This icon of antiquity had fascinated the artist since childhood. In his book "The Secret Life of Salvador Dalí", he relates that as a child he made a clay copy and how this first attempt at sculpture produced in him "an unmistakable and delicious erotic pleasure". Later, in an interview with Playboy magazine in 1964, Dalí explained: "By adding the drawers it is possible to look into the body of the Venus de Milo at the soul: this is how Dalí creates a Freudian and Christian appearance in Greek Civilisation."
Among his many memorable works, perhaps none is more rooted in popular imagination than this Venus with Drawers, a medium-sized plaster reproduction of the famous marble (130-120 BC; Louvre Museum, Paris). Altered with pompoms and decorated drawers on the forehead, breasts, stomach, abdomen and left knee. The provocative combination
illustrates the surreal interest in bringing different elements together to awaken a new reality. For the surrealists, the best means of bringing about this revolution of consciousness was a special type of sculpture that, as Dalí explained in a 1931 essay, was "absolutely useless ... and created entirely for the purpose of materialising in a fetishistic way, with the maximum of tangible reality, ideas and fantasies of a delusional character ". Dalí's article, which was based on the ideas of Marcel Duchamp's Readymades, inaugurated the making of objects as an integral part of surrealist activity. Dalí was deeply influenced by the works of Sigmund Freud, stating: "The only difference between immortal Greece and contemporary times is Sigmund Freud, who discovered that the human body, purely Platonic in Greek times, is today full of secret drawers that only psychoanalysis is capable of opening".
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For this surreal object from 1936, Dalí cut out six drawers into Venus, transforming the Greek goddess into a living piece of furniture, a visual pun on the phrase "dresser," also known as a desk. Its simple white surface is complemented by elegant leather pulls, a tribute to its beauty and erotic potential. Furthermore, the drawers are a metaphor for how Freudian psychoanalysis opens up the hidden areas of the subconscious. In Dalí's words, "Freud discovered the world of the subconscious in the dormant surfaces of ancient bodies, and Dalí cut drawers out of it." After Dali, I would choose the fun and picturesque furniture by Swiss Diego Giacometti for his. Made in bronze with small animal figurines, they are actually authentic sculptures with practical use.
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Diego Giacometti's animalinspired art was rich and varied. Along with familiar animals like cat and dog pets, he liked to depict others that symbolise strength, power, and beauty, such as the heads of lions, wolves, and horses. Diego was a virtuoso of bronze, a material that allowed him to sculpt with great detail, grace and elasticity. Diego's animals required special, often expensive techniques, such as the lost wax method. His brothers, the well-known Alberto, a painter and Bruno, an architect, influenced his life and work. With Alberto Giacometti he shared a studio in Paris and artistic projects for decades.
After Alberto's death in 1966, Diego redoubled his efforts, creating important works for decorators such as Georges Geffroy and Henri Samuel, and sculptural groups for Maeght Foundation in Saint-Paul-deVence, Chagall Museum in Nice and Picasso Museum in Paris. Only then did Diego become recognised as an important artist, until then overshadowed by the fame of his painter brother. An important selection of his work (more than 500 pieces from his studio) was donated in 1986 to Musée des Arts Décoratifs in Paris, after an impressive exhibition held a few months after his death.
Following Dalí's example, many other artists began to create absurd contraptions inspired by their subconscious and also new objects built from pre- existing, often obsolete products.
In Sigmund Freud's "Dream Analysis" theory, the home had a variety of disturbing and sexualised meanings that deeply interested the Surrealists.
These constructions forced new meanings through strange juxtapositions that alluded to dreams or subjective desires.
Combining the old, the new and the strange, they created their own interior environment that offered a stark contrast to the predominant images in modern interior design.
The best known is the scandalous "Urinary" by Marcel Duchamp, an eschatological element that the artist takes from a men's service to elevate it to the category of a work of art. The surrealist object was conceived in part as a critique of consumer culture. However, in creating the "real fantastic", using basic products engaging directly with the material world, they also highlighted the commercial possibilities of surrealism and its application in the decorative arts.
The Surrealists borrowed from the natural sciences of the 19th century, Art Nouveau, and new technologies such as photography and cinema to create a new symbolism, rich in natural shapes and motifs. These works were quickly adapted for use in design, creating a visual language of organic forms, known as biomorphism or 'free form'. Many artists were inspired by the flowing lines and biomorphic shapes of Surrealist
art, particularly the work of the abstract sculptor and painter Jan Arp. A good example is the table and "Akari paper lamps" by Japanese Isamu Noguchi. In 1951 he visited the city of Gifu, (Japan) known for its manufacture of lanterns and bamboo paper umbrellas. Noguchi designed the first of his lamps to be produced using traditional methods. He called them Akari lamps, which means "light as illumination", but it also implies the idea of weightlessness. Akari manufacturing in Japan by Ozeki & Co. since 1951 follows the traditional methods of Japanese Gifu lanterns. Each Akari is handcrafted starting with making washi paper from the inner bark of the mulberry tree. Bamboo ribs run through sculptural moulded wood shapes. The washi paper is cut into strips and glued on both sides of the frame. After the glue has dried and the shape is set, the inner wood shape is disassembled and removed.
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The result is a sturdy paper structure, which can be folded and flat packed for shipment. With the warm glow of light projected through the handmade paper onto bamboo frames, Noguchi used traditional Japanese materials to bring modern design into the home. Today his invention of illuminating through paper continues to be copied around the world. In his own words: "Like the beauty of falling leaves and cherry blossoms, Akari are poetic, fleeting, and wavering. All you need to start a home is a room, a tatami, and Akari." The "Table Tour" is one of the most eccentric tables that exist. The piece by Aulenti, is a table on wheels, manufactured by Fontana Arte. This icon of Italian furniture design from the late 20th century is the work of the Italian Gae Aulenti, a brilliant architect, lighting and interior designer, and industrial designer. She worked in "Casabella", a design magazine, and joined her colleagues, rejecting the architecture of masters such as Le Corbusier, Mies van der Rohe and Walter Gropius. They named themselves the "Neo Liberty" movement, favouring traditional building methods alongside individual stylistic expression. Tour is a table with a float frosted glass top. It has four swivel bike wheels, attached +52
to the clear glass deck with stainless steel plates, chrome mounts, and rubber wheels. A real conversation piece for the home or office. The architect is well known for several large-scale museum projects, including Musée d'Orsay in Paris (1980–86), Contemporary Art Gallery at Centre Pompidou in Paris, Palazzo Grassi in Venice (1985– 86) and San Francisco Museum of Asian Art (2000-2003).
Gae Aulenti was one of the few women who designed during post-war Italy and created many elegant pieces for Fontana Arte and Martinelli Luce. The "Porca Miseria! Chandelier" lamp by the German Ingo Maurer is a revolution with great cunning against contemporary design. It is made up of crockery broken into a thousand pieces. The production of this piece is limited to just ten a year, since the construction of each lamp requires the work of four people who break ceramic pieces with a hammer or simply drop them on the ground. The pieces, arbitrarily broken, determine the arrangement of the final porcelain and metal design. It is manufactured by Maurer GmbH in Germany. This extravagant lamp is Maurer's celebration of slow-motion cinematic explosions, such as those seen in Michelangelo Antonioni's film Zabriskie Point (1970).
Maurer is an industrial designer specialising in lamp designs and lighting installations. He has been called "the poet of light." "Hand-Chair" is the best known piece by Pedro Friedeberg, a Mexican artist and designer known for his surrealist work full of lines, colours and ancient and religious symbols. Its sculpture - chair is designed so that a person sits in the palm, using the fingers as a backrest and armrests. Friedeberg began to study architecture but did not finish his studies as he dedicated himself to drawing designs rejecting the conventional forms of the 50s. He designed completely implausible architectural projects such as houses with artichoke roofs. Pedro became part of a group of surrealist artists in Mexico that included Leonora Carrington, Remedios Varo and Frida Kahlo, extremely irreverent, who rejected the
social and political art that dominated at the time. Friedeberg had a well-deserved reputation as an eccentric throughout his life. His motto was: "Art is dead because nothing new is produced." "Horse Lamp" by Front brand is a huge black horse that illuminates us with a luminous lampshade above its head. True to the dimensions of a real horse, it brings a touch of nature in a fairy tale style inspired by sheer madness. His talent for making a bold statement is so well developed that it makes you want to feed the horse carrots. Without a doubt, this piece becomes what it deserves: to be the maximum center of attention. It is part of the "Animal Collection" for the Dutch design firm Moooi, which consists of a side table in the shape of a pig and two full-scale models of a horse and a rabbit with lamps on their heads.
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Meret Oppenheim's "Fur-Lined Teacup" is another strange and enigmatic surreal object. It consists of a cup with its saucer and spoon, lined with fur, the most absurd of absurdities. Her subtle wickedness was inspired during a conversation between Meret, Pablo Picasso, and photographer Dora Maar in a Paris cafe. Admiring Oppenheim's leather-trimmed bracelets, Picasso commented that almost anything could be covered with leather. "Even this cup and its saucer," Oppenheim replied. In the 1930s, many Surrealist artists arranged found objects in strange combinations that defied reason by evoking unconscious and poetic associations. Meret was inspired by another object, entitled "Déjeuner en fourrure" (Breakfast with skins) by the surrealist leader André Breton: a cup and saucer bought from a Paris store that was lined with the skin of a Chinese gazelle. The work evokes the differences in varieties of sensual pleasure: fur can delight the touch but repels the tongue. And a cup and spoon, of course, are made to be put in your mouth. Master of the trompe l’oeil, painter, sculptor, printmaker, interior designer... Fornasetti was the perfect example of a Renaissance-surrealist man. He created 12,000 designs of objects, furniture, 100 models of dishes and even cars. He +54
had craftsman's hands and a sophisticated eye. Prolific and poetic, he was “the Giorgo De Chirico of Decoration”. Piero Fornasetti's wall plates are too beautiful to use as tableware. Observe the eyes that observe you from their magical drawings. The reality is that they are all original surreal works of art to transform the home. They are featured in the brand's distinctive motifs, which almost always represent the eternal and enigmatic face of Piero Fornasetti's muse, Lina Cavalieri, as well as some with astronomy themes. They are variations on the same theme, but all completely different, the fruit of the exquisite imagination of its creator. They really are works of art wherever they are placed. Fornasetti was an ironic Milanese genius. This magician of dreams applied his rich imagery of suns, enigmatic faces, hands and classical architectures to any possible support: from dressers to ashtrays, scarves or screens, from fabrics to lamps, umbrellas and plates. His hallmark was black and white, rarely boldly mixed with just two colours. Only two bright shades, gold and red, lit up the grey 1950s of post-war Europe. He died in 1988 leaving more than 12,000 designs: everyday objects, decorative motifs and printed jewel-pieces that move between Italian tradition and surrealist invention.
After the publication of André Breton's "Surrealist Manifesto" was officially launched in 1924, Surrealism quickly became an international intellectual and political movement. Its member artists came from diverse backgrounds and disciplines, such as literature, film, and fine arts. From its birth, everyday objects were a decisive source of inspiration and played a crucial role in its evolution. Less well known is the decisive impact of Surrealism on design. This has played a major role in liberating design from the functional dogma according to which "form follows function." In light of the growing criticism directed at rationalist design starting in the 1930s and especially after World War II, Surrealism broke new ground that addressed emotions, fantasies, fears, and other existential issues. By the 1920s, the surrealist technique had focused on the use of writing, drawing, collage, and painting as techniques to reveal the subconscious mind. But in 1930 a new type of invention emerged: the creation of the surreal object. The distancing from text and image was driven by the need to interact directly with the material world, the world of objects and commerce. The surreal object was thought to represent the complexities and contradictions of modern life. In 1940 Salvador Dalí summed up his desire to invent objects as follows:
"I try to create fantastic things, magical things, things like in a dream. The world needs more fantasy. Our civilisation is too mechanical. We can make the fantastic real and then it is more real than what really exists."
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Zuhair Murad y su particular barco pirata ¡Bucaneras! Es momento de lanzarse a surcar los mares y explorar territorios desconocidos. Zuhair Murad llega dispuesto a vestir nuestros momentos de aventura sin perder ni un ápice de sofisticación. Si hay alguien que cree que la moda es un sueño, ese es Zuhair Murad. Y eso es precisamente lo que nos invita a hacer la próxima temporada: soñar hasta decir basta sin miedo a dejarnos llevar por la vida, como siglos atrás los piratas y bucaneros se dejasen llevar por el mar. Un mar que esconde tesoros desconocidos y mapas indescifrables, a través de los que el diseñador libanés nos propone convertir cada día en una aventura llena de diversión y elegancia. Zuhair Murad sueña con una primavera en la que las mujeres que decidan vestir alguna de sus creaciones se conviertan en auténticas piratas, capaces de utilizar alguna de sus creaciones para exprimir la vida al máximo.
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Piratas que, sin embargo, nada tienen que ver con quienes en el siglo xvii surcaban los mares ataviados con ropajes desgastados por el sol y la sal del mar. Y es que las piratas soñadas por Murad se dejan ceñir y querer por piezas únicas, dignas de las aristócratas más refinadas y exigentes. Creaciones suntuosas y etéreas abrazan el universo femenino con una sensualidad y elegancia sin precedentes. Creaciones con las que la mujer se vuelve fuerte, poderosa, segura de sí misma y adquiere las armas necesarias para no temer a nada ni a nadie. Zuhair Murad nos presenta una colección llena de romanticismo y extravagancia con la que nos invita a escribir la historia de una nueva estación en la que soñar es una obligación. Vestidos de organza finamente plisada con mangas abullonadas, sugerentes transparencias, sensuales minifaldas con aberturas imposibles que se convierten en caminos infinitos hacia la sofisticación más pura, sensuales corpiños salpicados de lentejuelas llenas de luz y fantasía capaces de atraer todas las miradas de veladas en las que tules y gasas se lanzan a abrazar el cuerpo de mujeres convertidas en piratas aventureras, decididas a buscar y encontrar los innumerables tesoros de la vida. ¿Quién se atreve a decir que no a esta aventura?
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Zuhair Murad and his particular pirate ship Buccaneers! It's time to set sail and explore unknown territories. Zuhair Murad is ready to outfit our adventurous moments without losing an ounce of sophistication. If there's anyone who believes that fashion is a dream, it's Zuhair Murad. That is precisely what he invites us to do next season dream endlessly, unafraid of letting ourselves be carried away by life, as pirates and buccaneers let themselves be carried away by the sea in centuries past. The sea hides unknown treasures and indecipherable maps, through which the Lebanese designer offers to turn every day into an adventure full of fun and elegance. Zuhair Murad dreams of a spring in which those women who decide to wear one of his creations become true pirates, capable of using them to make the most of life.
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These pirates, however, have nothing to do with those who sailed the seas dressed in clothes worn by the sun and the sea salt in 17th century. On the contrary, the pirates dreamed by Murad willingly accept exceptionally closefitting pieces, worthy of the most refined and demanding aristocrats. Sumptuous and ethereal creations embrace the feminine universe with unprecedented sensuality and elegance. With them, women become strong, powerful, and self-confident, acquiring the necessary weapons to fear nothing and nobody. Zuhair Murad presents a collection full of romanticism and extravagance with which he invites us to write the history of a new season in which dreaming is a must. Dresses in finely pleated organza with puff sleeves, suggestive transparencies, sensual miniskirts with impressive openings that become infinite paths to the purest sophistication, sensual bodices sprinkled with sequins full of light and fantasy, capable of attracting everyone's attention on evenings in which tulle and gauze rush to embrace the body of women turned into adventurous pirates, resolved to seek and find the countless treasures of life. Who dares to say no to this adventure?
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DistrictHive o cómo conseguir fotografías de ensueño Buscar enclaves especiales en los que captar toda la esencia de una imagen no es tarea fácil. Por eso, cuando los profesionales de la fotografía oyen DistrictHive saben que nada podrá salir mal. Apuesta clara a caballo ganador. Encuadrar. Sacar matices. Encontrar el ángulo perfecto que consiga que la fotografía sea capaz de expresar todo aquello que quien la hace tiene en su cabeza, y a veces en su corazón, no es nada sencillo. Por eso, cuando los profesionales de la moda, el cine y las artes dan con DistrictHive –la combinación perfecta entre la modernidad y la naturaleza– saben que, gracias a este enclave de lujo ubicado en Granada, no habrá instantánea que se les resista.
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Así es como podríamos definir un entorno único e inimaginable en el que la naturaleza más pura y tradicional se combina a las mil maravillas dando lugar a un proyecto extraordinario ante el que cada día más personas caen rendidas. DistrictHive es un alojamiento lujoso y totalmente respetuoso con el medio ambiente ubicado en un enclave de excepción en Granada: el desierto de Gorafe, un lugar que ofrece al visitante una riqueza paisajística única y espectacular. Por todas estas razones, no es de extrañar que no sean pocas las marcas y los profesionales del mundo de la moda, la fotografía y el cine que no hayan dudado en coger sus equipos y lanzarse a la aventura para conseguir captar la fotografía perfecta. Hablar de DistrictHive es hacerlo de vistas de infarto cargadas de una enorme fuerza expresiva; es hacerlo de un entorno repleto de cualidades que lo hacen especialmente atractivo para convertirse en el fondo de trabajos rubricados por importantes marcas de muy diversos ámbitos.
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Pero DistrictHive es también una apuesta clara por un concepto arquitectónico sin precedentes. Y es que estamos ante el primer podtel (hotel cápsula) del mundo realmente autónomo. Un pequeño módulo de apenas treinta y cinco metros cuadrados, dividido en varios espacios y en el que se aúnan impecablemente la máxima eficiencia a nivel térmico con un cuidado exquisito de todos y cada uno de los detalles que dan forma a esta estación de recarga humana, convertida en una oportunidad de excepción para conectar con la naturaleza admirando las bondades que nos ofrece nuestro planeta, sin que por ello tengamos que renunciar a un mundo de lujo y sofisticación.
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DistrictHive or how to get outstanding photographs Seeking out special spots from where to capture the full essence of an image is no easy task. That's why when professional photographers hear DistrictHive, they know that nothing can go wrong. They're picking a winner. Framing. Bringing out nuances. Finding the perfect angle so the photo is able to express everything that the photographer has in their head, and sometimes in their heart, is by no means simple. That's why when fashion, film, and art professionals encounter DistrictHive, ñthe perfect mix of modernity and natureñ they know that there will be no snapshot they can't take thanks to this luxury setting in Granada.
T C I R E T V S I I H D ORT E REP R U T C NTARA HITE + ARC OCÍO ALCÁ ©R
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This is how we could define a unique and unforgettable milieu in which the purest and most traditional nature is beautifully combined, resulting in a one-of-a-kind project that more and more people are captivated by every day. DistrictHive is a luxurious and totally environmentally friendly accommodation located in an exceptional location in Granada - the Gorafe desert, a place that offers visitors uniquely rich landscapes. For all these reasons, it's not surprising that quite a few brands and professionals from the world of fashion, photography and film haven't hesitated to grab their equipment and set off on an adventure to capture the perfect photo. DistrictHive means breathtaking views of an enormous expressive force; surroundings filled with features that make them especially attractive as a setting for work signed by major brands from a wide range of fields.
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But DistrictHive is also a clear commitment to an unprecedented architectural notion. This is the world's first truly autonomous podtel (capsule hotel). A small module of barely thirty-five metres square, divided into different areas in which the utmost thermal efficiency is perfectly combined with an exquisite care for every single detail. This human recharge station has become an exceptional opportunity to connect with nature while admiring the goodness that our planet offers us. All that without having to renounce a world of luxury and sophistication.
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PROJECTS
IBERSON MAI
Proyecto en venta en la mejor zona de Ibiza For sale in ther best part of Ibiza, Spain +info: realestate@ibermaison.com
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E N D A N H P E T S ROLLA
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El espíritu libre de Stéphane Rolland La construcción de un nuevo orden, de un nuevo equilibrio. ¿Busca eso Stéphane Rolland en su vuelta a las pasarelas? ¿Busca el diseñador dar forma a una nueva mujer que encuentre en el minimalismo su esencia más pura? Un nuevo equilibrio basado en un minimalismo delicado, frágil a la vez que férreo; un equilibrio que la mujer vestida por Stéphane Rolland aspira a alcanzar para mostrar su verdadera esencia, su personalidad más pura, su cara más amable a la par que sofisticada. Un equilibrio al que se quiere llegar sin olvidar todo lo vivido, que se sueña impregnado de recuerdos. Un equilibrio que el diseñador francés busca lograr a través de la deconstrucción del presente, apostando, en esta ocasión, por crear movimientos a través del cuerpo de la mujer, capaces de expresar los pensamientos más puros e íntimos. Así imagina Rolland la próxima temporada para la mujer que escoja vestir alguna de sus creaciones. Atrás quedaron los fríos meses de un invierno vivido de manera distinta. Decimos adiós a una estación y abrimos los brazos a otra ante la que nos mostramos deseosos de dejarnos llevar, de sentir, de vibrar y de vivir.
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Y es que con la llegada de la primavera todo parece fluir. Se alzan ante nosotros meses en los que las oportunidades se agolpan en nuestro corazón y en los que los sentimientos no paran de aflorar, deseosos de salir al exterior. Para vivir todo lo bueno que está por llegar, Stéphane Rolland dibuja una estación en la que el movimiento se convierte en el único y verdadero protagonista de momentos que, de una u otra manera, el diseñador busca hacer irrepetibles. Para conseguirlo, saca a relucir su lado más etéreo e invita a la mujer a dejarse envolver por piezas únicas, creadas a partir de un minimalismo exquisito y sin precedentes. Túnicas y caftanes compiten en elegancia, en arte y en movimiento. Mangas que casi acarician el suelo; capuchas y velos que otorgan un aire místico a la par que elegante. Todo sirve para construir ese movimiento exquisito que ansía Stéphane Rolland y que envuelve a una mujer que no busca marcar sus formas sino, simplemente, dejarse envolver, dejarse querer, por sedas, gasas y transparencias, con las que poder volar en libertad. Pantalones, monos, vestidos, capas… todo oversize y teñido de tonalidades elegantes y sofisticadas que Stéphane Rolland pone a disposición de una mujer que la próxima primavera brillará con luz propia.
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E N D A N H P E T S ROLLA
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T REPOR N IO H + FAS NTARA ALCÁ O Í C RO
Stéphane Rolland's free spirit The construction of a new order, of a new balance. Is this what Stéphane Rolland is looking for in his return to the catwalks? Is he aiming to give shape to new women who find their purest essence in minimalism? A new balance based on a delicate minimalism, fragile and at the same time unwavering - this balance is what the women dressed by Stéphane Rolland aspire to reach in order to show their true essence, their purest personality, their friendlier yet most sophisticated side. Ideally, this balance is attainable without forgetting all lived experience, imbued with memories. And it's to be achieved by the deconstruction of the present, so the French designer opts this time to create motion through the woman's body, a motion able to convey the purest and most private thoughts. This is how Rolland imagines the next season for those women who will choose to wear one of his creations. Gone are the cold months of an entirely different winter. We say goodbye to one season and open our arms to another, in which we are eager to let ourselves go, to feel, to vibrate, and to live. With the arrival of spring, everything seems to flow.
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Months stand before us in which opportunities crowd our hearts and feelings never cease to emerge, eager to show themselves. To experience all the good things to come, Stéphane Rolland outlines a season in which motion becomes the only one and true protagonist of moments meant to be unforgettable. In order to achieve this, he brings out his most ethereal side and invites women to let themselves be enveloped by unique pieces, created from an exquisite and unprecedented minimalism. Tunics and caftans compete in elegance, art, and movement. Sleeves almost touch the ground; hoods and veils give a mystical and elegant aura. Everything serves to build that exquisite motion that Stéphane Rolland longs for. It wraps women who don't seek to highlight their shape, but simply to let themselves be enveloped, to be loved, by silks, gauzes, and transparencies with which to fly free. Trousers, jumpsuits, dresses, capes..., all oversize and dyed in elegant and sophisticated shades, are offered by Stéphane Rolland to women who will shine with their own light next spring.
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IBERSON MAI
Proyecto en venta en la mejor zona de La Moraleja, Madrid. For sale in ther best part of La Moraleja, Madrid, Spain +info: realestate@ibermaison.com
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A R U U V A T N U O TO
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On aura tout vu y sus superhéroes del siglo xxi Hombres y mujeres se abren paso en una estación en la que los diseños de On aura tout vu se convierten en superpoderes con los que renacer tras todo lo vivido. Diseños con los que es imposible no volar con nuestra imaginación hasta galaxias lejanas en las que todo es posible. Creaciones en las que todas y cada una de las puntadas se convierten en piezas más que necesarias de un puzle en el que el futuro, la sofisticación y, por qué no decirlo, la excentricidad se alzan como protagonistas indiscutibles de una colección de alta costura que viene a zarandear los pilares de la moda más tradicional y conservadora. Durante los próximos meses, On aura tout vu quiere y ansía llenar las calles de piezas con las que convertirnos en superhéroes capaces de renacer a través de la imaginación y del gusto por una belleza reinventada que la casa de moda nos presenta como una oportunidad única para acabar con tradiciones ancladas en el pasado y buscar en el futuro más puro la verdadera esencia.
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Una esencia en la que tanto el cuerpo del hombre como el de la mujer se dejan abrazar por composiciones que se ajustan como un guante y en las que las transparencias dejan a nuestras mentes libertad para imaginar y soñar. On aura tout vu busca zarandear nuestras vidas, darnos un soplo de aire fresco con el que seguir adelante sin miedo a innovar, a inventar, a apostar por cosas distintas que nos hagan vivir y disfrutar nuevas oportunidades. ¿Por qué no hacerlo a través de unos diseños en los que hay una clara tentativa de reinventar la belleza que conocemos? ¿Por qué no caer rendidos ante plisados y drapeados de cortes y caídas perfectas? ¿Por qué no llenar nuestros días más tediosos con volúmenes llenos de vida que llegan dispuestos a envolver nuestros cuerpos con ese toque futurista que a veces resulta tan divertido? Negros, blancos, dorados, rojos, rosas, amarillos… y hasta un atrevido color buganvilla con el que vestir nuestros momentos más elegantes y sofisticados. Tejidos que saben combinarse a las mil maravillas, a pesar de lo antagónico de su origen. Raso, lamé, organza… todo engarzado con una elegancia exquisita en lentejuelas y transparencias que anhela la exclusividad de un momento en el que se busca que nada tenga que ver con lo vivido. ¿Te atreverías a dejarte seducir por ese futuro creado por On aura tout vu?
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A R U U V A T N U O TO
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On aura tout vu and its 21st-century superheroes Men and women make their way through a season in which On aura tout vu's designs become superpowers with which to be reborn after all they have lived through. With these designs, it seems impossible not to imagine flying to distant galaxies where everything is possible. Creations in which every single stitch turns into an essential piece of a puzzle in which future, sophistication, and eccentricity are the undisputed protagonists of a haute couture collection that comes to shake the pillars of the most traditional and conservative fashion. Over the next few months, On aura tout vu longs to fill the streets with pieces that convert us into superheroes, capable of being reborn through imagination and a taste for reinvented beauty that the fashion house presents as a unique opportunity to put an end to traditions anchored in the past and to look to the purest future for the true essence. An essence in which both men's and women's bodies are enveloped by compositions that fit like a glove, in which transparency provides our minds with the freedom to imagine and dream.
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On aura tout vu seeks to shake up our lives, to give us a breath of fresh air with which to move forward unafraid to innovate, to invent, to opt for different things that make us live and enjoy new opportunities. Why not do it through designs in which there's a clear attempt to reinvent the beauty we know? Why not fall in love with pleats and draped garments with perfect cuts and falls? Why not fill our most tedious days with volumes full of life, ready to wrap around our bodies with that futuristic touch, which can be sometimes so much fun? Black, white, gold, red, pink, yellow… and even a bold bougainvillea colour with which to dress our more elegant and sophisticated moments. Fabrics that know how to wonderfully combine with each other, despite their antagonistic origins. Satin, lamé, organza... all entwined with an exquisite elegance in sequins and transparencies that seek the exclusivity of a profoundly different moment. Would you dare to let yourself be seduced by the future created by On aura tout vu?
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UNA METROPOLIS DEL FUTURO SE CONSTRUYE EN CHINA ¿Harto de noticias sobre virus y máscaras? Neomania te ofrece una de las soluciones más recientes e inteligentes que cambiarán el mundo: una nueva forma de luchar por aire fresco y puro. “Forest City”, la "Ciudad Bosque”, una metrópolis mágica en China sin contaminación, con casi un millón de plantas. Si tiene éxito, Forest City se convertirá en un ejemplo para la proyección de nuevas ciudades verdes en todo el mundo y será especialmente importante para China. En este país, la contaminación del aire es un problema grave y las máscaras son parte de la vida cotidiana en muchas ciudades del país. Desafortunadamente, esta escena se ha convertido recientemente en protagonista del guante. La mayoría de nuestras ciudades se han convertido en lugares insostenibles, pero los expertos buscan alternativas, como el desarrollo de centros de población urbanos, donde las personas vivan mejor y cuiden la naturaleza del medio ambiente en la mayor medida posible.
edificios están cubiertos por millones de plantas para combatir la contaminación y el cambio climático. Se espera que la construcción finalice en los próximos años al norte de la ciudad china de Liuzhou. En este momento, el proyecto se entrega y el municipio está estudiando su viabilidad técnica y económica. El proyecto Forest City es una creación de Stefano Boeri Architetti, un estudio de arquitectura italiano conocido por diseños urbanos centrados en el medio ambiente. Su premisa es que la vegetación reducirá la temperatura del aire, creará barreras de ruido y mejorará la biodiversidad al proporcionar hogares para pájaros, insectos y pequeños animales. Como dice Boeri, una forma de revertir esta tendencia es "integrar la naturaleza en el contexto urbano". Los árboles y las plantas, al absorber el polvo fino y toneladas de CO2, pueden desempeñar un papel importante en la lucha contra los efectos del cambio climático y la mejora de la calidad del aire en todo el mundo, desde Londres hasta Pekín, desde Moscú hasta San Paulo. De esta manera, podemos contribuir a hacer que nuestras ciudades sean "más verdes, saludables y felices". Sin embargo, construir ciudades desde cero no es posible en todas partes. Boeri dice que el proceso de urbanización en China
T S E R Y O T I F C Forest City es el mejor ejemplo, una ciudad de árboles donde todos los
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es masivo, con millones de agricultores que abandonan el país cada año para mudarse a la megapolis. Esto hace que sea necesario construir ciudades enteras, en lugar de extender demasiado sus alrededores periféricos con "dormitorios". Forest City se construirá en el área montañosa de Guangxi, un área que cubre 175 hectáreas cerca del río Liujiang. Como parte del proyecto, se crearán varias áreas residenciales, comerciales y recreativas, dos escuelas y un hospital. Unas 30,000 personas vivirán en esta ciudad.
La ciudad albergará 40,000 árboles y casi un millón de plantas de más de 100 especies distribuidas en parques, jardines, calles y fachadas de edificios como parte de la estructura. Con toda esta vegetación, se espera que se absorban casi 10,000 toneladas de CO2 y 57 toneladas de contaminantes por año, además de producir alrededor de 900 toneladas de oxígeno. Las plantas cubrirán las superficies de los edificios para purificar el aire, reducir la temperatura interior y reducir el ruido exterior. Habrá también instalaciones de recolección de agua de lluvia. En esta ciudad ideal, todo será sostenible: se utilizarán paneles solares en los techos para utilizar energía renovable y aire acondicionado que utilizará energía geotérmica. Estará conectado por una vía de tren y las carreteras estarán preparadas para usar vagones eléctricos.
Boeri dice que la inspiración para este proyecto surgió cuando estaba desarrollando el trabajo del Bosque Vertical en Milán y más tarde en otras ciudades, un primer prototipo de un edificio completamente cubierto con más de 800 árboles y 20,000 plantas. Cuando lanzó este proyecto por primera vez en 2007, se encontró con muchas dudas y escepticismo, pero ahora Vertical Forest es uno de los principales hitos de Milán y tanto los inquilinos como los ciudadanos pueden percibir sus efectos positivos. En este momento, Boeri está trabajando en exportar el modelo del Bosque Vertical a todo el mundo, siempre comenzando desde el entorno local y analizando cada lugar como base preliminar. Los proyectos de Vertical Forest son diferentes entre sí, en términos de características arquitectónicas, costos, tamaño y programa, pero explica que comparten el mismo enfoque de integración entre árboles y humanos, entre lo natural y
lo artificial, entre el diseño y lo inesperado. Esto es lo que lo llevó a pensar más allá, a escala urbana y regional, creando Forest City. Según el arquitecto, lo más difícil al diseñar Forest City fue unir la necesidad de nuevas ciudades con las ciudades de tradición histórica que se han construido durante siglos. Son ciudades donde cada elemento es el resultado de un estudio profundo sobre la mezcla de personas, culturas y necesidades. En una ciudad que se crea desde sus cimientos, es difícil prever cómo interactúan las personas, cómo sentirán el espacio a su alrededor, cómo utilizarán las instalaciones y cuáles serán sus expectativas.
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"Como arquitectos y urbanistas, es un desafío al que deberíamos estar acostumbrados, pero construir una ciudad desde el desierto, como lo está haciendo en lugares como el norte de África, hace que la responsabilidad de sus elecciones sea aún mayor", dice Boeri. Para la vista del desarrollador chino Country Garden Pacific, la ciudad del futuro tendría residentes de diferentes partes del mundo, plantas que cubren las superficies de los edificios y un sistema de movilidad de múltiples capas donde los peatones y los ciclistas son dueños de las carreteras principales, y los autos son relegados a subterráneo. "Todos hablan de ciudades inteligentes, pero no tienen un ejemplo concreto", dice Yu, quien lidera la estrategia regional y el desarrollo comercial de Forest City. “Estudiamos todas las partes del mundo en busca de ciudades inteligentes. Y la conclusión es que siempre está impulsada por el sector público. Nunca vimos un solo caso exitoso liderado por el sector privado. Por eso queremos ser los primeros en intentarlo”. +102
Los residentes pueden esperar vivir en un entorno similar a un bosque, con jardines en la azotea, jardines en el cielo y parques costeros de manglares. "Estarán listos para el futuro cambio climático y el aumento del nivel del mar. Además, hay un espacio público para los ciudadanos en Forest City. Así que está muy bien hecho". También asegura que el área recuperada es "segura y geológicamente estable". Las casas contarán con medidores inteligentes de agua y electricidad, cerraduras e iluminación inteligentes, riego automático de plantas, un sistema de video intercomunicador interconectado y un sistema de identificación inteligente junto con el resto de la comunidad por seguridad. En cuanto a su sistema de movilidad multicapa, todas las carreteras, intercambiadores y aparcamientos serán subterráneos. Los peatones y las bicicletas ocuparán la superficie, y estarán a solo unos minutos del transporte público. También habrá un sistema de tránsito de tren ligero. La idea es separar el transporte no motorizado de los automóviles. Forest City será un modelo principal de ciudades futuristas más verdes e inteligentes en todo el mundo. El desarrollador tiene como objetivo atraer ocho industrias: turismo y
MICE (reuniones, incentivos, conferencias y exposiciones); cuidado de la salud; Educación y entrenamiento; sede regional; finanzas cercanas a la costa: comercio electrónico; tecnología emergente; y tecnología verde e inteligente. En 1917, Yu se enfocó en el sector turístico, en particular, dado que el centro libre de impuestos de Forest City estará en pleno funcionamiento y se está construyendo un muelle frente al hotel Phoenix. La "parte residencial" del proyecto está funcionando sin problemas. Incluso antes de que los propietarios reales se muden, los turistas deben tener algo que hacer aquí. Los jóvenes emprendedores encontrarán un hogar en Forest City para construir sus negocios y disfrutar de gastos de vida más baratos en comparación con las grandes metrópolis. También quieren atraer a enfermeras, médicos, gerentes de hospitales y otros profesionales para un centro de atención médica y centro de bienestar. Casi todas las ciudades del mundo luchan con la contaminación del aire, pero una provincia en China ha dado un paso importante para reducir drásticamente
Al igual que los edificios del "bosque vertical" en Milán, el proyecto probablemente producirá resultados que nunca antes se habían visto. Es fácil imaginar que el éxito de la ciudad forestal inspirará otros proyectos similares en todo el mundo, al demostrar que tales ciudades no solo son posibles de construir, sino también posibles de mantener a largo plazo, y que bien valen la pena.
la contaminación del aire al planificar la primera "ciudad forestal" del mundo. La comunidad de unas 30,000 personas en Liuzhou, provincia de Guangxi, China, cumplirá con su título integrando casi un millón de plantas de más de 100 especies diferentes en su paisaje urbano, con 40,000 árboles adicionales. Estas plantas aparecerán a lo largo de las carreteras y en los parques, así como en las paredes exteriores de los edificios y otras estructuras. De arriba a abajo, la ciudad estará cubierta de vegetación. La Organización Mundial de la Salud estima que la contaminación del aire causa alrededor de 7 millones de muertes prematuras cada año. El aire contaminado puede contener altas concentraciones de CO2, lo que contribuye a la acumulación de gases de efecto invernadero en la atmósfera terrestre, lo que lleva a un mayor cambio climático. Según el índice de contaminación de Numbeo, China es el sexto país más contaminado del mundo, con
un índice de contaminación de 88,96. Como uno podría imaginar, esta contaminación es más evidente en las áreas urbanas de China. Se estima que la ciudad forestal acumulará suficiente poder de limpieza de aire para absorber alrededor de 10,000 toneladas de dióxido de carbono del aire, junto con 57 toneladas de contaminantes cada año. Además de eso, se producirán alrededor de 900 toneladas de oxígeno cada año, y la sombra de los árboles y otras plantas ayudará a mantener fresco el aire de la ciudad. La vida vegetal también servirá como una barrera efectiva contra el ruido urbano que puede causar pérdida auditiva y estrés. Aunque se han visto planos para conceptos arquitectónicos similares en los últimos años, la ciudad forestal será la primera ciudad verde del mundo.
DOS BOSQUES VERTICALES CERCA DE SHANGHAI China está dedicando recursos significativos para cumplir objetivos ambiciosos de sostenibilidad. La región china de Shenzhen es una de las tres "zonas de desarrollo sostenible" que el gobierno chino ha designado para el desarrollo en 2030. Shijiazhuang, un centro industrial del norte de Shenzhen, es donde se está planeando un ambicioso proyecto de "Ciudad Forestal". La ciudad forestal de Shijiazhuang es el proyecto más ambicioso de este tipo en curso en China, pero no es el primero. En Liuzhou, en la montañosa región meridional china de Guangxi, se está imaginando otra "Ciudad Forestal". En Nanjing, aproximadamente a una hora de Shanghai, también se están insertando dos edificios de "Bosque
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vertical" en el horizonte de la ciudad. Se espera que los dos edificios en Nanjing absorban hasta 25 toneladas de dióxido de carbono del aire cada año y produzcan alrededor de 60 kg de oxígeno cada día. CIUDAD FORESTAL EN MALASIA
Con un precio de 19 millones de ringgit de Malasia (alrededor de PhP224 millones), tiene seis habitaciones, un ascensor a medida, un balcón y un jardín.
China no es la primera. El proyecto emblemático de 20 años de la compañía es otra ciudad forestal, ubicada a lo largo de la costa en la zona económica especial de Iskandar en Malasia.
A finales de 2018 se completarán unas 233 unidades. Todas se han vendido a compradores en su mayoría de China, Singapur, Malasia, Indonesia, Corea del Sur y Japón.
La vecina Singapur está a menos de 30 minutos en coche. El desarrollo residencial y comercial de uso mixto ocupa 20 kilómetros cuadrados de islas recuperadas y 10 kilómetros cuadrados de la isla principal.
Con una inversión de US $ 100 mil millones, el desarrollo de Forest City comenzó en 1915, después de una evaluación de impacto ambiental. La primera fase de recuperación comenzó en marzo de 2016.
En 1917, los periodistas del sudeste asiático fueron invitados a visitar el municipio durante el fin de semana, donde recorrieron Harbour Commercial Street, un área minorista con tiendas libres de impuestos, restaurantes y boutiques. Se quedaron en Phoenix Hotel, un alojamiento de lujo con 283 habitaciones, restaurantes y salas de reuniones; y examinó la primera de las seis fábricas de sistemas de construcción industrializados que suministrarían las piezas prefabricadas para ensamblar en el sitio en las casas de Forest City. +104
Los periodistas también vieron las lujosas villas junto al mar del Peony Littoral, siendo la unidad más grande una casa de tres pisos y medio que ocupa 6.500 pies cuadrados (aproximadamente 600 m2).
Por el momento, está escasamente poblada, con solo empleados, trabajadores de la construcción, comerciantes, guardias de seguridad y algunos turistas bulliciosos. Pero el presidente y director de estrategia de Country Garden Pacificview, el Dr. Runze Yu, imagina que, para 2020, los residentes ya se mudarán y la comunidad será mucho más animada. Se habrá abierto un centro comercial libre de impuestos; los tres campos de golf, incluido uno diseñado por la leyenda del golf Jack Nicklaus, estarán en funcionamiento; y un edificio emblemático estará listo para que los empresarios desarrollen
sus negocios. Escuela internacional Shattuck-St. Mary también estará en su tercer año de operaciones para entonces. PRIMER EXPERIMENTO EN MILÁN Antes de China e incluso antes de Malasia, todo comenzó en Milán. El estudio Stefano Boeri es un equipo de arquitectura que crea edificios ecológicos y otros proyectos en todo su mundo. Los tres socios son italianos: Stefano Boeri, Gianandrea Barreca y Giovanni La Varra. Su famoso "Bosco Verticale" es un par de edificios residenciales en Porta Nova, Milán, han servido de inspiración a otros constructores ecológicos de todo el mundo. Han demostrado que tales edificios, con balcones y repisas cubiertos de plantas, son posibles de mantener en el corazón de las ciudades ocupadas. Desde su apertura en 2014, han ganado varios premios prestigiosos, incluido el International Highrise Award en 2014 y el título de "2015 Best Tall Building Worldwide".
Tienen una altura de 111 metros y 76 metros y contienen más de 900 árboles (aproximadamente 550 y 350 en la primera y segunda torres, respectivamente) en 8,900 m2 de terrazas. Dentro del complejo hay un edificio de oficinas de 11 pisos. Su fachada incluye plantas en cada piso. También involucró el aporte de horticultores, botánicos y jardineros, inaugurado en octubre de 2014. El Bosco Verticale en Milán y la ciudad forestal de Liuzhou en China acaban de demostrar el plan de Boeri para luchar contra el cambio climático. Sus proyectos varían desde la silvicultura urbana hasta la protección de la biodiversidad en las ciudades: desde Milán hasta Eindhoven, desde Malasia hasta China. Boeri tiene como objetivo evitar el uso de cemento y la expansión de las ciudades. También quiere acercar las ciudades a los bosques, proteger el medio ambiente y la biodiversidad para disminuir la contaminación y hacer de la naturaleza una parte importante de la arquitectura. Además de estar cubierta de plantas, la ciudad forestal también utilizará fuentes de energía renovables, como la energía solar y geotérmica. Esto reducirá aún más la contaminación del aire y las emisiones de CO2. Este poder ayudará a administrar, entre otros negocios y residencias, un hospital y dos escuelas. Una línea ferroviaria rápida para
coches eléctricos pasará por la ciudad, conectándola con la cercana Liuzhou. La revista china "Business Times" subraya la importancia de adoptar modelos de desarrollo urbano que aborden los efectos del cambio climático, buscando mejorar las condiciones ambientales del aire y la ciudad. Se espera que estos ciudadanos verdes absorban miles de toneladas de dióxido de carbono y contaminantes producidos por 100,000 residentes humanos.
Sin lugar a dudas, los edificios verdes en las ciudades verdes, que se convierten en eficiencia energética, serán las ideas temáticas más interesantes que los arquitectos puedan tener en cuenta en el futuro cercano. La ciudad forestal creada por el estudio Stefano Boeri en China tiene todas las características de transformar el futuro de la arquitectura y ser un lugar mágico que todos los viajeros habrán incluido muy pronto en nuestra "lista de deseos". Porque, ahora más que nunca, necesitamos poner pasión en hacer nuestras listas de deseos. Hoy, los dulces sueños son imprescindibles.
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A METROPOLIS OF THE FUTURE RISES IN CHINA Fed up of virus news and wearing masks? Neomania brings you one of the latest and smartest solutions that will change the world: a new way to fight for fresh and pure air. China’s magical smog-eating "Forest City” with almost a million plants. If successful, Forest City will become an example for the projection of new green cities around the world and will be especially important for China. In this country air pollution is a serious problem and masks are part of daily life in many cities in the country. Unfortunately, this scene has recently become protagonist around the glove. Most of our cities have become unsustainable places, but experts are looking for alternatives, such as the development of urban population centers, where people live better and take care of the nature of the environment as much as possible.
all the buildings are covered by millions of plants to fight pollution and climate change. Construction is expected to finish in the next few years north of the Chinese city of Liuzhou. At this time, the project is delivered and the municipality is studying its technical and economic feasibility. The Forest City project is the brainchild of Stefano Boeri Architetti, an Italian architecture studio known for environmentally focused urban designs. Its premise is that the vegetation will lower the air temperature, create noise barriers and improve biodiversity by providing homes for birds, insects and small animals. As Boeri says, one way to reverse this trend is to "integrate nature in the urban context." Trees and plants, by absorbing fine dust and tons of CO2, can play a big role in fighting the effects of climate change and improving air quality worldwide, from London to Peking, from Moscow to San Paulo. In this way, we can contribute to making our cities "greener, healthier and happier". Building cities from scratch is not possible everywhere, however. Boeri says the urbanization process in China
T S E R Y O T I F C Forest City is the best example, a city of trees where
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is massive, with millions of farmers leaving the country each year to move to the megapolis. This makes it necessary to build entire cities, rather than overly extending their peripheral surroundings with "sleeping quarters". Forest City will be built in the Guangxi Mountainous Area, an area covering 175 hectares near the Liujiang River. As part of the project, several residential, commercial and recreational areas, two schools and a hospital will be created. Some 30,000 people will live in this city.
The city will house 40,000 trees and almost a million plants of more than 100 species distributed in parks, gardens, streets and the facades of buildings as part of the structure. With all this vegetation, it is expected that almost 10,000 tons of CO2 and 57 tons of pollutants will be absorbed per year, in addition to producing around 900 tons of oxygen. Plants will cover the buildings’ surfaces to purify the air, lower indoor temperature, and reduce outdoor noise. There will be rainwater harvesting facilities, as well.
In this ideal city, everything will be sustainable: solar panels will be used on the roofs to use renewable energy and air conditioning that will use geothermal energy. It will be connected by a train track and the roads will be prepared to use electric cars. Boeri says the inspiration for this project came when he was developing the work of the Vertical Forest in Milan and later in other cities, a first prototype of a building completely covered with more than 800 trees and 20,000 plants.
When he first launched this project in 2007, he was met with many doubts and skepticism, but now Vertical Forest is one of Milan's main landmarks and both tenants and citizens can perceive its positive effects. At the moment, Boeri is working on exporting the model of the Vertical Forest worldwide, always starting from the local environment and analyzing each place as a preliminary basis. Vertical Forest projects are different from each other, in terms of architectural features, costs, size and program, but he explains that they share the same approach
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pedestrians and cyclists own the main roads, and cars are relegated to underground.
of integration between trees and humans, between natural and artificial, between design and the unexpected. This is what led him to think further, on an urban and regional scale, creating Forest City. According to the architect, the most difficult thing when designing Forest City was to unite the need for new cities with the cities of historical tradition that have been built for centuries. They are cities where each element is the result of a deep study on the mix of people, cultures and needs. In a city that is created from its foundations, it is difficult to foresee how people interact, how they will feel the space around them, how they will use the facilities and what their expectations will be. "As architects and urban planners, it is a challenge we should be used to, but building a city from the desert - as it is doing in places like North Africa - makes the responsibility for your choices even greater," says Boeri. For the Chinese developer Country Garden Pacific view, the city of the future would have residents from different parts of the world, plants covering the surfaces of buildings and a multilayer mobility system where +108
“Everybody is talking about smart cities, but they don’t have a concrete example,” says Yu, who leads regional strategy and business development for Forest City. “We studied every part of the world for smart cities. And the conclusion is, it’s always public sector-driven. We never saw a single successful case led by the private sector. So we want to be the first to try.” Residents can look forward to living in a forest-like environment, with rooftop gardens, sky gardens, and coastal mangrove parks. “They will be ready for the future climate change and sea level rise. Also, there’s a public space for the citizens in Forest City. So it’s very beautifully done.” He also assures that the reclaimed area is “safe and geologically stable.” Houses will have smart electric and water meters, smart lighting and locks, automatic plant watering, an interconnected video intercom system, and a smart identification system along with the rest of the community for security. As for its multi-layer mobility system, all roads, interchanges, and car parks will be underground. Pedestrians and bicycles will occupy the surface, and they will be only a few moments away from public transportation. There will be a light rail transit system, as well. The
whole idea is to separate non-motorized transportation from the cars. Forest City will be a prime model of more green and smart futuristic cities around the world. The developer aims to attract eight industries: Tourism and MICE (Meetings, Incentives, Conferences, and Exhibitions); healthcare; education and training; regional headquarters; nearshore finance: e- commerce; emerging technology; and green and smart technology. In 1917, Yu targeted the tourism sector, in particular, given that Forest City’s duty-free center will be fully operational and a jetty is being built in front of the Phoenix hotel. The “residential part” of the project is going smoothly. Even before actual homeowners are moving in, tourists should have something to do here. Young entrepreneurs will find a home in Forest City to build their businesses and enjoy cheaper living expenses compared to large metropolis.
sixth most polluted country in the world, with a pollution index of 88.96. As one might imagine, this pollution is most apparent in China's urban areas. It's estimated that the forest city will pack enough aircleaning power to absorb around 10,000 tons of carbon dioxide from the air, along with 57 tons of pollutants every year.
plants of more than 100 different species into its urban landscape, with an additional 40,000 trees. They also want to lure nurses, doctors, hospital managers and other professionals for a medical care hub and wellness center. Nearly every city in the world struggles with air pollution, but one province in China has taken a major step towards drastically reducing air pollution by planning the world's first "forest city." The community of around 30,000 people in Liuzhou, Guangxi Province, China will live up to its title by integrating nearly one million
These plants will appear along roadways and in parks as well as on the outer walls of buildings and other structures. From top to bottom, the city will be blanketed in greenery. The World Health Organization estimates that air pollution causes around 7 million premature deaths each year. Polluted air can contain high concentrations of CO2, which contributes to the buildup of greenhouse gasses in earth's atmosphere, leading to further climate change. According to the Numbeo Pollution Index, China is the
On top of that, around 900 tons of oxygen will be produced each year, and shade from the trees and other plants will help keep city air cool. Plant life will also serve as an effective barrier against urban noise which can cause hearing loss and stress. Although blueprints for similar architectural concepts have been seen in the last few years, the forest city will be the world's first true green city. Like the "vertical forest" buildings in Milan, the project will likely produce results that have never been seen before. It's easy to imagine that the forest city's success will inspire other, similar projects around the world, by demonstrating that such cities are not only possible to build, but possible to maintain long term--and well worth the effort.
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located along the coast in the special economic zone of Iskandar in Malaysia.
TWO VERTICAL FORESTS NEAR SHANGHAI China is dedicating significant resources in order to meet ambitious sustainability goals. China’s Shenzhen region is one of three “sustainable development zones” that the Chinese government has designated for development by 2030. Shijiazhuang, a northern industrial hub in Shenzhen, is where one ambitious “Forest City” project is being planned. The Shijiazhuang Forest City is the most ambitious project of its sort underway in China, but it isn’t the first. In Liuzhou, in China’s mountainous southern region of Guangxi, another “Forest City” is being imagined. In Nanjing, about an hour from Shanghai, two “Vertical Forest” buildings are also being inserted into the city skyline. The two buildings in Nanjing are expected to suck up to 25 tons of carbon dioxide out of the air each year and produce around 60 kg of oxygen each day. FOREST CITY IN MALAYSIA China is not the first one. The company’s 20-year flagship project is another Forest City, +110
Neighboring Singapore is less than 30 minutes away by car. The residential and commercial mixed-use development occupies 20 square kilometers of reclaimed islands and 10 square kilometers of the main island. In 1917 Southeast Asian journalists were invited to visit the township over the weekend, where they toured the Harbor Commercial Street, a retail area with duty-free shops, restaurants, and boutiques. They stayed in Phoenix Hotel, a luxury accommodation with 283 guest rooms, restaurants, and meeting rooms; and looked at the first of six Industrialized Building System factories that would supply the prefabricated parts to be assembled on- site in Forest City homes. Reporters also viewed the lavish, seaside Peony Littoral villas, with the biggest unit being a three and a half-storey house that occupies 6,500 square feet (approximately 600 square meters). Priced at 19 million Malaysian ringgit (about PhP224 million), it has six bedrooms, a bespoke elevator, a balcony, and a garden. Some 233 units will be completed by the end of 2018. All have been sold to buyers mostly from China, Singapore, Malaysia, Indonesia, South Korea, and Japan. With a US$100 billion
investment, the development of Forest City began in 1915, after an environmental impact assessment. The first phase of reclamation opened in March 2016. It is sparsely populated for now, with only employees, construction workers, shopkeepers, security guards, and some tourists bustling about. But Country Garden Pacificview president and chief strategy officer Dr. Runze Yu envisions that, by 2020, residents are already moving in and the community will be a much livelier one. A duty-free shopping mall will have opened; all three golf courses, including one designed by golf legend Jack Nicklaus. They will be up and running; and a landmark building will be ready for entrepreneurs to build their businesses. International school Shattuck-St. Mary’s will also be on its third year of operation by then. FIRST EXPERIMENT IN MILAN Before China and even before Malaysia, it all started in Milan. Stefano Boeri studio is an architecture team that creates eco-freindly buildings and other projects around their world. The three partners are italian: Stefano Boeri,Gianandrea Barreca and Giovanni La Varra. Their famous “Bosco Verticale" is a pair of
residential buildings in Porta Nova, Milan have served as an inspiration to other green builders around the world. They have proven that such buildings, with balconies and ledges covered in plants, are possible to maintain in the heart of busy cities. Since their opening in 2014, they have won several prestigious awards, including the International Highrise Award in 2014 and the title of "2015 Best Tall Building Worldwide". They have a height of 111 metres and 76 metres and contain more than 900 trees (approximately 550 and 350 in the first and second towers, respectively) on 8,900 square metres of terraces. Within the complex is an 11 storey office building. Its facade includes plants in every floor. It also involved input from horticulturalists, botanists and gardeners. It was inaugurated in October 2014. The Bosco Verticale in Milan and Liuzhou Forest City in China just proved Boeri’s plan to fight the climate change. His projects vary from urban forestry to protection of biodiversity in the cities: from Milan to Eindhoven, from Malaysia to China. Boeri aims to avoid the use of cement and the expansion of cities. He also wants to get the cities closer to forests, protect the environment and biodiversity to lessen the pollution, and to make nature an important part of the architecture. Besides being covered in plants, the forest city will also make use of renewable
energy sources, such as solar and geothermal energy. This will further cut down on air pollution and CO2 emissions. This power will help run, among other businesses and residences, a hospital and two schools. A fast rail line for electric cars will run through the city, connecting it to nearby Liuzhou. Chinese magazine “Business Times” underlines the importance to adopt urban development models which tackle Climate Change effects, searching to improve the air and city environmental conditions. These green citizens are expected to absorb thousands of tons of carbon dioxide and pollutants produced by 100,000 human residents.
Undoubtedly, green buildings in green cities, which become energy efficiency, will be the most interesting, thematic ideas that architects can look out for in the near future. The Forest City created by Stefano Boeri studio in China has all the earmarks of transforming the future of architecture and being a magical place that all travelers will have listed very soon on our “wish list”. Because, now more than ever, we need to put passion into making our wish lists. Today, sweet dreaming is a must.
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El antídoto contra la realidad de Viktor&Rolf ¿Quién no necesita a veces un antídoto para poder sobrellevar la realidad que en ocasiones nos toca vivir? Ahora, de la mano de Viktor&Rolf, todo es más sencillo. ¡Pasen y vean! Glamur elevado a la máxima potencia de la provocación. Así podríamos definir el estilo con el que, cada año, Viktor&Rolf bautizan sus colecciones más preciadas, en las que estos dos virtuosos del diseño saben como nadie dar forma a una belleza y a una elegancia acercándose a la moda de una manera muy poco convencional. Así es como la casa de moda imagina los meses venideros. Alejados de convencionalismos superfluos y absurdos, llenos de provocativos guiños a una alta costura donde el glamur se convierte en algo conceptual.
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Viktor&Rolf buscan crear a una mujer de espíritu provocativo que sienta especial atracción por contrastes, cuando menos surrealistas. Para ello, la casa busca transformar la noción de miedo que ofrece el presente en algo totalmente positivo. Un miedo que para los creadores de Viktor&Rolf encuentra su máxima expresión en las películas de Drácula, un personaje que encarnaba el miedo al cambio social y en cuyos filmes los efectos dramáticos de las luces y las sombras transforman la realidad, dando como resultado una sensación de suspense. Viktor&Rolf apuesta por líneas rectas carentes de artificios que vienen a enturbiar la verdadera realidad de cada uno de esos diseños. Hombreras y estructuras imposibles a través de las que el miedo se hace patente. Sobriedad exclusiva que hace única cada una de las piezas de una marca tan original como la capitaneada por Viktor Horsting y Rolf Snoeren.
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Viktor&Rolf's antidote to reality Who doesn't sometimes need an antidote to cope with the reality we have to live with? Now, with the help of Viktor&Rolf, everything is simpler. Come and see! Glamour at the highest level of provocation. This is how we could define the style with which Viktor&Rolf present their most precious collections every year. These two design virtuosos know like no one else how to give shape to beauty and elegance by approaching fashion in a very unconventional way. This is how the fashion house imagines the coming months. Far from superfluous and absurd conventions and full of provocative allusions to a haute couture where glamour becomes something conceptual.
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Viktor&Rolf seek to create a defiant woman who is particularly attracted to surrealistic contrasts, to say the least. To this end, the house seeks to transform the notion of fear offered by the present into something entirely positive. A fear that for the creators of Viktor&Rolf finds its greatest expression in the films of Dracula, a character who embodied the fear of social change and in whose films the dramatic effects of light and shadow transform reality, resulting in a feeling of suspense. Viktor&Rolf opts for artificefree straight lines that cloud the true reality of each of those designs. Shoulder pads and impossible structures through which fear is made evident. Exclusive sobriety makes unique every piece of a brand as original as the one led by Viktor Horsting and Rolf Snoeren.
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JACQUES HENRI LARTIGUE, fotógrafo de la felicidad
por los automóviles, la aviación y los deportes en boga de la época.
La paradoja de la fotografía, su generosidad impredecible y su dimensión democrática tiene como ejemplo la obra de Jacques-Henri Lartigue. Al final de su vida, Lartigue fue aclamado como uno de los fundadores de la fotografía moderna. En realidad, fue el mejor de los aficionados.
Jacques usó su cámara para documentarlo todo. A medida que crecía, continuó siendo un apasionado de eventos deportivos, participando y grabando actividades de ocio de élite como el esquí, patinaje sobre hielo, tenis y golf.
En una extraordinaria serie de álbumes familiares, reunió un retrato de la Francia de principios de siglo, vista con los ojos de un niño amante de la diversión. Desde 1900 Jacques fue introducido a la fotografía por su padre, Henri Lartigue. Le regaló su primera cámara en 1902 cuando tenía ocho años. “¡Es maravilloso, maravilloso! Nada será tan divertido. ¡Voy a fotografiar todo, todo!" Desde ese momento, registró incesantemente el mundo de su infancia con paseos en automóvil, vacaciones familiares y hasta los inventos de su hermano mayor Maurice (apodado Zissou). Nacidos en una familia adinerada, los dos hermanos estaban fascinados
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En 1911, Jacques estaba totalmente libre de prejuicios como el niño que era. Con sólo diez años, tomaba fotografías que anticipaban los mejores trabajos con cámara pequeña de una generación posterior. Era un niño privilegiado y lo aprovechó al máximo. Partiendo de los protagonistas de sus imágenes, se podría suponer que la vida de su familia estaba enfocada por completo en la búsqueda de felicidad y diversión: la playa, el hipódromo, mujeres hermosas con trajes elegantes, automóviles con conductores temerarios, máquinas voladoras y todo tipo de vehículos estrambóticos.
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Incluso si Lartigue hubiera sido un fotógrafo común, su documentación de estos temas sería preciosa. Pero en realidad era un fotógrafo de maravilloso talento. Capturó imágenes memorables del fluir de la vida con la habilidad y el estilo de un gran atleta natural, un atleta visual para quien el mejor juego de todos era el de ver con claridad. "Para mí, la fotografía es captar un momento que pasa y que es verdad". Pero al joven Jacques, muy consciente de la futilidad de la vida, le preocupaba que sus fotografías no fueran suficientes para resistir el paso del tiempo. ¿Cómo pueden las imágenes tomadas en solo unos segundos transmitir y retener toda la belleza y el asombro que las rodea? Paralelamente a la fotografía, comenzó a llevar un diario, algo que continuó haciendo durante toda su vida. También se dedicó al dibujo y la pintura desde 1915. Tras asistir brevemente a la Academia Julien de París, se convirtió en pintor profesional. Desde 1922 expuso su obra en París y el sur de Francia. En 1919, Jacques se casó con Madeleine Messager, hija del compositor de música André Messager. Su hijo Dany nació en 1921. Jacques y +122
Madeleine se divorciaron en 1931. Jacques vivió inmerso en la alta sociedad hasta principios de la década de 1930, cuando el declive de la fortuna familiar le obligó a buscar otras fuentes de ingresos. Pero se negó a renunciar a su libertad y no quiso aceptar un trabajo estable. Prefirió vivir modestamente de su pintura durante las décadas de 1930 y 1940. A principios de 1950, mientras continuaba su carrera como pintor, comenzó a recibir cierto reconocimiento como fotógrafo. En 1962, con Florette, su tercera esposa, viajó por barco a Los Ángeles deteniéndose en Nueva York. No podía imaginar que al año siguiente tendría allí la primera exposición de su vida en el Museo de Arte Moderno. Para su sorpresa, a los 69 años, Lartigue se convirtió rápidamente en uno de los fotógrafos más famosos del siglo XX. Jacques Henri Lartigue fue un fotógrafo desconocido hasta 1963 cuando tenía 69 años. Las fotografías de su infancia fueron descubiertas por casualidad por Charles Rado de la agencia Rapho. Este le presentó a John Szarkowski, curador del Museo de Arte Moderno de Nueva York, que organizó una exposición de su trabajo.
Tras una vida en el anonimato, sus fotografías se mostraron por primera vez en una exposición individual en MOMA (Museum of Modern Art) de Nueva York. A partir de entonces, se difundieron fotos suyas en la revista Life en 1963, coincidiendo en el número que conmemoró la muerte de John Kennedy. Esto le proporcionó la audiencia más amplia posible para sus imágenes, presentando su trabajo a un enorme público. Fue entonces, cuando recibió encargos en revistas de moda y fue conocido en otros países fuera de su Francia natal. Un año después, el recién elegido presidente de Francia, Valery Giscard d'Estaing, le encargó su primer retrato oficial. El resultado fue una foto simple sin usar iluminación, utilizando la bandera nacional de fondo. Fue recompensado con su primera exposición retrospectiva francesa en el Musée des Arts Décoratifs en 1975. Después recibió encargos de revistas de moda y decoración durante el resto de su vida.
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En 1979, Lartigue firmó un acta donando toda su colección fotográfica al gobierno francés. Fue el primer fotógrafo galo vivo en hacerlo. También creó la Association des Amis de Jacques Henri Lartigue para conservar y promover su obra. En 1980, se organizó otra exposición “Bonjour Monsieur Lartigue” en el Musée Grand Palais de París. Continuó fotografiando, pintando y escribiendo hasta su muerte en Niza en 1986, a la edad de 92 años. Jacques dejó más de 100.000 fotografías, 7.000 páginas de diarios y 1.500 pinturas. Lartigue es famoso por sus impresionantes fotos de carreras de automóviles, aviones y mujeres parisinas de moda de principios de siglo. Su tema es principalmente su propia vida y las personas y actividades de su entorno. Cuando era niño, fotografiaba a sus amigos y familiares jugando: corriendo y saltando, compitiendo con cajas de jabón con ruedas, construyendo cometas, planeadores y aviones, escalando la Torre Eiffel, etc. También fotografió muchos eventos deportivos famosos, incluidas carreras de automóviles y el Gran Premio de Francia, los primeros vuelos de pioneros de la aviación como Gabriel Voisin +124
y Louis Blériot y tenistas como Roland Garros, Lenglen en campeonatos de tenis. Aunque se ve poco en ese formato, muchas de sus primeras y más famosas fotografías fueron tomadas originalmente en estéreo, pero también produjo una gran cantidad de imágenes en todos los formatos y medios, incluidas placas de vidrio en varios tamaños, algunos de los primeros negativos y, por supuesto, película en 35 mm. Su mayor logro fueron 120 enormes álbumes de fotografías, que componen la mejor autobiografía visual jamás producida. Aunque vendió algunas fotografías en su juventud, principalmente a revistas deportivas como La Vie au Grand Air, siento adulto se concentró en su pintura y así como se ganó la vida. También elaboró diarios escritos y fotográficos en todo momento de su vida. Su primer libro, “Diario de un siglo”, se publicó en colaboración con Richard Avedon. Desde entonces, innumerables libros y exposiciones en todo el mundo han presentado sus fotografías de Lartigue. Continuó captando imágenes durante las últimas décadas de su vida, logrando finalmente el éxito comercial que anteriormente había eludido a este hombre ajeno a la fama.
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Lartigue no tuvo un efecto perceptible en el desarrollo de la fotografía del siglo XX, ya que su trabajo fue prácticamente desconocido durante medio siglo. Cuando su trabajo salió a la luz, pareció confirmar la inevitabilidad de lo que sucedería en la fotografía mucho más tarde. Fotógrafos más maduros y sofisticados llegaron a comprender lo que el niño había descubierto por pura intuición. Lartigue es esencialmente un aficionado amateur de gran talento. Tuvo acceso a los mejores equipos de última generación y un padre apasionado por la fotografía que estaba suscrito a revistas. Simplemente tuvo todas las ventajas. Pero también, a lo largo de toda su vida, supo captar el aspecto del mundo en un instante, comprender cómo se ven las cosas, la esencia de las mujeres y cómo capturar la esencia de momentos precisos. Por sorprendentes que sean, las imágenes de Lartigue no carecen de precedentes. La fotografía instantánea, que detenía el movimiento como un efecto humorístico, era un cliché del repertorio de aficionados. Lartique simplemente hizo lo que todos los demás estaban haciendo, pero con más estilo y más atrevimiento.
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Los saltos al vuelo son una constante en las fotografías de Lartigue, como si el mundo en el cambio de siglo estuviera en el aire. Hay una especie de espíritu de liberación que se muestra en ese momento y Lartigue combina eso con la fotografía de acción. Así obtiene unas imágenes realmente dinámicas. Y para él, parte del chiste, es que estas personas se ven elegantes aunque estén haciendo locas acrobacias. Más conocido como fotógrafo, Lartigue fue además un pintor capaz, aunque no especialmente talentoso, que expuso en galerías de París y del sur de Francia a partir de 1922. Fue amigo de celebridades literarias y artísticas, como la dramaturga Sacha Guitry, la cantante Yvonne Printemps, los pintores Kees van Dongen, Pablo Picasso y el artista, dramaturgo y cineasta Jean Cocteau. También trabajó en los decorados de los cineastas Jacques Feyder, Abel Gance, Robert Bresson, François Truffaut y Federico Fellini. Muchas de estas celebridades se convirtieron en protagonistas de sus fotografías.
Lartigue fotografió a todas las personas con las que entró en contacto, siendo sus musas más frecuentes sus tres esposas y su amante en la década de 1930, la modelo rumana Renée Perle. “Tomo fotografías con amor, por eso trato de hacerlas objetos de arte. Pero los hago para mí, ante todo, eso es importante ". La palabra aficionado o amateur tiene dos significados. En su sentido clásico, es el antónimo de profesional y se refiere a aquellos que persiguen un objetivo por amor mas que por las recompensas que el mundo puede ofrecerles. En este sentido, a menudo se identifica a los profesionales mas sofisticados en un campo. Muchos de los grandes nombres de la fotografía han sido amateurs tan puros como las flores en primavera. Muchos otros, aunque mercenarios durante la semana, han hecho su mejor trabajo los fines de semana. El otro y más popular significado de la palabra aficionado, identifica a el que juega con su trabajo, siendo completamente competente, aunque no se tome completamente en serio. Se permite que el profesional sea menos que competente, pero nunca menos que serio.
Esta segunda variedad de aficionado generalmente se ve obstaculizada por la ignorancia del oficio y la tradición del medio. Por lo tanto, depende totalmente de su talento y sensibilidad únicos, nativos, como un don por Dios. Pero esto casi nunca es suficiente. Sin embargo, hay raras ocasiones en las que un talento excepcional, el horóscopo correcto y una nueva técnica sin explotar coinciden en un ser inesperado, por alguien tan ingenuo y sin prejuicios como un niño. En tales casos, los resultados pueden ser asombrosos. Este es el caso de este gran fotógrafo francés que nos dejó un legado artístico exquisito.
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JACQUES HENRI LARTIGUE, photographer of happiness The paradox of photography, its unpredictable generosity and democratic inclusiveness is exemplified in the story of Jacques-Henri Lartigue. Late in his life, Lartigue would be hailed as one of the founders of modern photography. In reality, he was the ultimate amateur. In a remarkable series of family albums, he assembled a portrait of turn-ofthe-century France, as it appeared to the eyes of a fun-loving boy, from a very young age. Jacques Lartigue was introduced to photography as early as the year 1900 by his father, Henri Lartigue. He gave him his first camera in 1902 when Jacques was eight years old. “It's marvellous, marvellous! Nothing will ever be as much fun. I'm going to photograph everything, everything!” From then on, Jacques recorded incessantly the world of his childhood, from automobile outings and family holidays to inventions by his older brother Maurice (nicknamed Zissou).
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Born into a prosperous family, the two brothers were fascinated by cars, aviation and sports currently in vogue. Jacques used his camera to document them all. As he grew up, he continued to frequent sporting events, participating in and recording such elite leisure activities as skiing, skating, tennis or golf. In 1911 Jacques Henri Lartigue was no merely as unprejudiced as a child; he was a child. By the time he was ten he was making photographs that anticipate the best small-camera work of a generation later. He was a privileged child and he made the best of it. From the subjects of his pictures one would assume that the life of his family was dedicated wholly to the pursuit of amusement: the beach, the racetrack, beautiful woman in elegant costumes, heroic motor cars and daredevil drivers, flying machines and all manner of splendid, including photography itself.
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Even if Lartigue had been an ordinary photographer, his document of these things would be precious. But he was in fact a photographer of marvellous talent. He caught memorable images out of the flux of life with the skill and style of a great natural athlete, a visual athlete to whom the best game of all was that of seeing clearly. “Photography to me is catching a moment which is passing, and which is true.” But young Jacques, acutely aware of the evanescence of life, worried that photographs were not enough to resist the passing of time. How could images taken in just a few seconds convey and retain all the beauty and wonder around him? In parallel to his photography, he therefore began keeping a diary, and continued to do so throughout his life. He also took up drawing and painting in 1915. After briefly attending the Julian Academy in Paris, he became a professional painter, exhibiting his work from 1922 on in Paris and the south of France. In 1919, Jacques married Madeleine Messager, the daughter of music composer André Messager. Their son Dany was born in 1921. Jacques and Madeleine +130
divorced in 1931. Jacques circulated in high society until the early 1930s, when the decline of the Lartigue fortune forced him to look for other sources of income. But he refused to give up his freedom by taking on a steady job. He preferred to live meagerly off his painting throughout the 1930s and 1940s. In the early 1950s, while pursuing his painting career, he also began to receive some recognition as a photographer. In 1962, with Florette, his third wife, he sailed by cargo ship to Los Angeles. During this travel, they stopped in New York. He could not imagine that the following year, he would have his first-ever photography exhibition at the Museum of Modern Art. Much to his surprise, at 69 years old, Lartigue rapidly became one of the twentieth century’s most famous photographers. Jacques Henri Lartigue was unknown as a photographer until 1963 when he was 69 years old. His boyhood photographs were serendipitously discovered by Charles Rado of the Rapho agency. Rado introduced him to John Szarkowski, curator of the Museum of Modern Art in New York, who in turn arranged an exhibition of his work.
After a life being unknown, his photos were shown for the first time in a solo exhibition at the Museum of Modern Art in New York. From this, there was a photo spread in Life magazine in 1963, coincidentally in the issue which commemorated the death of John Kennedy. This ensured the widest possible audience for his pictures. It also introduced Lartigue’s work to a wide public. By then as he received stints for fashion magazines, he was known in other countries other than his native France. The year after the newly elected President of France, Valery Giscard d'Estaing, commissioned him to shoot his first official portrait. The result was a simple photo without the use of lighting, utilising the national flag as a background. He was then rewarded with his first French retrospective exhibition at the Musée des Arts Décoratifs in 1975. Thanks to this, he had more commissions from fashion and decoration magazines flooding in for the rest of his life.
In 1979, Lartigue signed an act donating his entire photographic collection to the French government. He was the first living French photographer to do so. He also created the Association des Amis de Jacques Henri Lartigue to conserve and promote his work. In 1980, another exhibition “Bonjour Monsieur Lartigue” was shown at the Musée Grand Palais in Paris. He continued taking photographs, painting and writing until his death in Nice in 1986, at the age of 92. Jacques left behind more than 100,000 photographs, 7,000 diary pages and 1,500 paintings.
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Lartigue is most famous for his stunning photos of automobile races, planes and fashionable Parisian women from the turn of the century. His subject matter being primarily his own life and the people and activities in it. As a child he photographed his friends and family at play: running and jumping, racing wheeled soap boxes, building kites, gliders and aeroplanes, climbing the Eiffel Tower and so on. He also photographed many famous sporting events, including automobile races such as the Coupe Gordon Bennett and the French Grand Prix, early flights by aviation pioneers including Gabriel Voisin, Louis Blériot, and Roland Garros, and tennis players such as Suzanne Lenglen at the French Open tennis championships. Although little seen in that format, many of his earliest and most famous photographs were originally taken in stereo, but he also produced vast numbers of images in all formats and media including glass plates in various sizes, some of the earliest autochromes, and 35mm. film. His greatest achievement were 120 huge photograph albums, which compose the finest visual autobiography ever produced.
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While he sold a few photographs in his youth, mainly to sporting magazines such as La Vie au Grand Air, in middle age he concentrated on his painting. This is how he earned his living, although he maintained written and photographic journals throughout his life. His first book, Diary of a Century was published soon afterwards in collaboration with Richard Avedon. From then on innumerable books and exhibitions throughout the world have featured Lartigue's photographs. He continued taking photographs throughout the last three decades of his life, finally achieving the commercial success that had previously evaded this rather unworldly man. Lartigue had no perceptible effect on the development of twentieth- century photography, since his work was virtually unknown until a half- century and more after the best of it had been done. When his work came to light, it seemed to confirm the inevitability of what had happened in photography much later. Then, more mature and sophisticated photographers came to understand what the child had found by intuition.
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He is essentially the gifted amateur. He has got access to all the best equipment, the state art, he has a father who is passionate about photography, subscribed to magazines. He’s just got all the advantages. Throughout his entire life, he understands the look of the world at any given moment; how things look; how women look at a certain period in time and how to capture the essence of that moment. Striking though they are, Lartigue's pictures are not without precedent. Instant photography, which arrested movement for humorous effect, was a cliché of the amateur repertoire. Lartique simply did what everyone else was doing, but with more flair and more daring. All the jumping and flying in Lartigue's photographs, it looks like the whole world at the turn of the century is on springs or something. There's a kind of spirit of liberation that's happening at the time and Lartigue matches that up with what stop action photography can do at the time, so you get these really dynamic pictures. And for him, part of the joke, most of the time, is that these people look elegant but they are doing these crazy stunts. Although best known as a photographer, Lartigue was a capable if not especially gifted painter and showed in the official salons in Paris +134
and in the south of France from 1922 on. He was friends with a wide selection of literary and artistic celebrities including playwright Sacha Guitry, singer Yvonne Printemps, painters Kees van Dongen, Pablo Picasso and Jean Cocteau. He also worked on the sets of film-makers Jacques Feyder, Abel Gance, Robert Bresson, François Truffaut and Federico Fellini. These celebrities became subjects of his photographs. Lartigue photographed everyone he came in contact with, his most frequent muses being his three wives and his mistress, Romanian model Renée Perle. “I take photographs with love, so I try to make them art objects. But I make them for myself first and foremost, that is important.” The word amateur has two meanings. In its classical sense it is the antonym of professional and refers to those who pursue an objective for love rather than for rewards. It often identifies the most sophisticated practitioners in a field. Many of photography's greatest names have been pure amateurs. Many others, though mercenaries during the week, have done their best work on weekends. The other and more popular meaning of the word “amateur” identifies one who plays at his work.
One not only less than fully competent, but less than wholly serious. The professional is allowed to be less than competent, but never less than serious. This second variety of amateur is generally handicapped by ignorance of the craft and the tradition of the medium. He is therefore, wholly dependent on his or her native, Godgiven, unique talent and sensibility. This is almost never enough. There are, however, rare occasions on which exceptional talent and an unexploited new technique all coincide at a point occupied by one as naive and unprejudiced as a child. In such cases the results can be astonishing. This is the case of this great french photographer who left us an exquisite artistic legacy.
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Explosión de color by Yanira Couture Ahora que las calles vuelven a llenarse de vida es momento de acabar con la oscuridad en los armarios. Ha llegado el momento de que el color impregne todos y cada uno de los momentos que nos tiene deparados la nueva estación. Color y vida. Vida y color. Dos palabras que parecen condenadas a entenderse con la llegada de la primavera y que Yanina Couture sabe conjugar a la perfección con la colección con la que anhela vestir el universo femenino durante los próximos meses. Y es que, ahora que el calendario anuncia la llegada de más luz a nuestras vidas, es momento de sacar lo mejor de nosotros mismos y perder el miedo a disfrutar de todo lo que nos rodea. Y qué mejor manera de hacerlo que poniéndonos el mundo por montera, olvidando los días de hastío y tristeza y haciendo un guiño más que claro a las ganas de vivir, de disfrutar, de sentir.
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Para conseguir disfrutar al máximo de cada instante, la firma rusa de moda nos propone una colección de alta costura que, si bien puede gustar más o menos, lo que es seguro es que no dejará indiferente a nadie que se cruce con alguna de las creaciones firmadas por la casa de moda. Así, Yanina Couture busca que la mujer consiga la seguridad para afrontar la vida a través de una paleta de color que genera alegría, diversión y sofisticación. Una paleta de color que se llena de naranjas, verdes, amarillos, azules, morados y rosas que buscan llenar de optimismo cada paso. Un arcoíris lleno de vida que se convierte en un auténtico canto a la libertad en el que los looks blancos y metalizados también tienen su momento. Piezas, todas ellas, repletas de detalles que las convierten en creaciones únicas y ligeras, que encuentran en los estampados geométricos, las mangas abullonadas o en sus volantes superpuestos las mejores armas de seducción y sofisticación. Transparencias, pedrerías, plumas… todo vale. Diseños creados a partir de puntadas cuya perfecta combinación dan como resultado creaciones vaporosas que esconden en cada uno de sus pliegues esas ganas de vivir que hace dos años tuvimos que reprimir y que ahora buscan salir a raudales y volver a hacernos sonreír.
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Colour explosion by Yanira Couture Now that the streets are full of life again, it's time to put an end to the darkness in our wardrobes. The time has come for colour to permeate every single moment that the new season will bring us. Colour and life. Life and colour. Two words that seem to have no choice but to live together with the arrival of the spring. Yanina Couture knows how to perfectly combine them in the collection with which she longs to dress the feminine universe during the coming months. Now that the calendar announces the arrival of more light in our lives, it's time to make the best of ourselves and lose the fear of enjoying everything around us. And what better way to do so than taking on the world, forgetting the days of weariness and sadness, and winking at the will to live, to enjoy, to feel.
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In order to make the most of every moment, the Russian fashion firm offers us a haute couture collection that, although some may like it more than others, certainly won't leave anyone who comes across the creations signed by the fashion house indifferent. Thus, Yanina Couture wants women to achieve the confidence to face life through a colour palette that inspires joy, fun, and sophistication. Her colour palette is filled with tones of orange, green, yellow, blue, purple, and pink that seek to fill every step with optimism. A rainbow full of life that becomes a true hymn to freedom in which white and metallic outfits also have their moment. Pieces, all of them, full of details that turn them into unique and light creations, which find in geometric prints, puff sleeves, or overlapping frills the best weapons of seduction and sophistication. Transparencies, rhinestones, feathers… anything goes. Designs created from stitches whose perfect combination results in vaporous creations that hide in every one of their folds the desire to live that we had to repress two years ago and that now seeks to pour out and make us smile again.
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ART NOUVEAU Art Nouveau, es el término francés para "Arte Nuevo". Nombra un movimiento artístico lleno de color que cautivó a Europa durante la transición del siglo XIX al XX. En otros países, el Art Nouveau tenía diferentes nombres: "Stile Liberty" en Italia, "Jugendstil" en Alemania y "Modernismo" en España. El evento principal fue la Exposición Internacional de Turín de 1902 que presentaba obras y diseños de artistas Art Nouveau de Europa. Justo antes de que los amantes del arte comenzaran a conducir automóviles, ver las primeras imágenes del cine y prepararse para la Primera Guerra Mundial, hojeaban revistas brillantes del estilo Art Nouveau. El movimiento cultural incluyó pintura, arquitectura, artes decorativas y aplicadas (1890 a 1905). Publicaciones, como la “Revista Art Nouveau”, se distribuyeron por Europa gracias a los avances en la impresión.
a las artes aplicadas, obra gráfica e ilustración.
El Art Nouveau terminó al mismo tiempo que comenzaban el cubismo y el surrealismo.
Los artistas del Art Nouveau se inspiraron en elementos naturales, centrándose en formas naturales con curvas: flores, hojas, insectos, olas, seres humanos. Abogó por la naturaleza como la principal fuente de inspiración para una generación de artistas que buscaban romper con estilos pasados.
Cuando los turistas visitan París hoy, es fácil ver el impacto duradero del Art Nouveau, incluidos grabados, imágenes, posters, papel de pared ... en lugares públicos, cafés, cervecerías e incluso en las puertas del metro. El art nouveau tuvo su apogeo a finales del siglo XIX en París, pero se extendió rápidamente por Europa y, finalmente, a América.
Mucha, Gustave Klimt, Toulouse-Lautrec, Lalique, Galle, Tiffany, todos comparten un denominador común: utilizan líneas fluidas y sinuosas inspiradas en los aspectos rebeldes del mundo natural. Su objetivo era modernizar el diseño y abandonar los estilos clásicos anteriores.
El término deriva de La Maison de L’Art Nouveau, una galería de arte parisina dirigida por Siegfried Bing. Fue un importante promotor del nuevo estilo, así como del japonismo y los nabis.
Curvas, formas asimétricas y colores intensos fueron motivos comunes del movimiento. Su estética apareció en varios medios, incluidas las artes decorativas y la publicidad.
Además de comercializar objetos individuales, Bing encargó a artistas que crearan habitaciones modelo en su galería para mostrar ambientes Art Nouveau que incluían pinturas, muebles, papel tapices y alfombras.
Los orígenes del Art Nouveau se remontan al movimiento británico Arts and Crafts, una reacción a los estilos artísticos académicos
El estilo influyó al arte y la arquitectura, especialmente
T R A NOVEAU
T REPOR AN + ART JU ÍA DE R A M ©
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del siglo XIX. También tuvo influencia de los grabados japoneses con motivos vegetales y fuertes curvas. El Art Nouveau siguió siendo popular hasta 1905 y hoy se considera un predecesor importante del Modernismo. El movimiento produjo muchos artistas talentosos especializados en arte decorativo, arquitectura y trabajo en vidrio. Pero en este artículo nos concentramos en los pintores. Además de París, los principales centros incluían Bruselas, Glasgow, Munich (estilo Jugendstil) y Viena (estilo Secesión). Los artistas principales fueron Mucha en París y Klimt en Viena. En Barcelona se llamó Modernismo y las figuras clave fueron el pintor Anglada Camarasa y el arquitecto Antoni Gaudi. Mucha Alphonse Mucha es posiblemente el autor más destacado del movimiento Art Nouveau. Este polifacético artista de origen checo triunfó en Francia. Creó obras que representan una figura femenina de gran belleza con un estilo poético, lleno de fluidez, con infinitos detalles. Logró un gran éxito gracias a lo que se denominó "Estilo Mucha". Era principalmente conocido por sus carteles comerciales y anuncios, aunque fue un gran pintor que también hizo incursiones en otros medios creando muebles, decorados teatrales e incluso joyas.
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Su tema principal, la "mujer nueva", celebraba la feminidad y la mujer con poder social. Aunque Mucha rechazó la etiqueta Art Nouveau, su estilo fue una gran influencia en el movimiento. Su arte fue imitado a menudo. Sin embargo, Mucha intentó disociarse del Art Nouveau a lo largo de su vida. Siempre insistió en que, en lugar de mantener una moda estilística, sus pinturas eran completamente su producto personal y del arte checo. Declaró que el arte existía solo para comunicar un mensaje espiritual y nada más. De ahí su frustración por la fama que ganó con su arte comercial, cuando su obsesión fue concentrarse en proyectos más artísticos. Klimt Antes del movimiento Art Nouveau, Gustav Klimt era reconocido por sus pinturas decorativas de escenas y figuras históricas. Eran encargos para ser pintados en edificios públicos que luego dieron lugar a su “Periodo Dorado” que duró desde 19031909. En 1897, Klimt fundó la Secesión de Viena, una asociación de artistas austriacos cuya misión era llevar el estilo del arte europeo moderno a Austria. Fue elegido como primer presidente de este grupo porque desafiaba a la autoridad. Su fama internacional como artista Art Nouveau los llevó a su éxito inicial.
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La inspiración principal de Klimt era la figura femenina. Su famosa obra, "El beso", es uno de los ejemplos más reconocibles de su trabajo y una de sus pocas pinturas donde aparece un hombre. Esta pintura es una obra notable de su "Período Dorado", que se considera un ejemplo destacado del movimiento Art Nouveau. Toulouse Lautrec Fue el primer artista que elevó la publicidad al nivel de las bellas artes, creando un cambio en la historia. Gracias a el se reconoció que una obra de arte importante podía ser un póster cotidiano en un club nocturno. A diferencia de otros artistas de su tiempo, Henri ToulouseLautrec no tuvo que luchar por ganarse la vida pues era rico. En lugar de vender a galerías, vendió a parisinos que se beneficiaron de su visión única. Sus lugares favoritos eran cabarets, teatros, prostíbulos y el hipódromo. Su famosa pieza, “En el Moulin Rouge”, representa el cabaret que se inauguró en 1889. Esta pintura marcó sus primeras contribuciones al Art Nouveau y coincidió con sus influyentes carteles del Moulin Rouge. Su escritura de títulos y contornos exagerados en estos carteles se convirtió en un emblema del movimiento Art Nouveau. Nadie como el ha dado una visión tan personal de la vida nocturna parisina, reflejando el ambiente decadente de la Belle Epoque.
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Anglada Camarasa El catalán Hermen Anglada Camarasa ocupa un lugar único en el arte de su tiempo. Tras formarse en Barcelona, dio el salto a París, donde vivió unos años de precariedad y privaciones. Pintó numerosos cuadros sobre las noches en París con interesantes efectos de luz. El impacto de la estética de los Ballets Rusos de Diaghilev fue decisivo para el desarrollo de su obra. También amaba la cultura tradicional española, que pintó con intenso sentido decorativo recreándose en el rico cromatismo de sus trajes. Su influencia fue especialmente notable en Italia y entre los artistas rusos. Anglada fue el pintor más joven de los modernistas catalanes y consiguió un gran renombre a nivel internacional.
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Su personalidad está asociada a dos temas. Primero, el París nocturno de la Belle Époque, que supo plasmar a través de un arte muy fluido. Y en segundo lugar, la mujer española envuelta en mantones de vibrantes coloridos. Sus pinturas mas espectaculares son retratos de mujeres llenas de misterio y sensualidad envueltas en juegos de luces y sombras.
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ART NOUVEAU Art Nouveau, is the French term for “New Art”. It names a colourful movement in the arts that captivated Europe during the transition from 19th to the 20th century. In other countries, Art Nouveau had different names: “Stile Liberty” in Italy, “Jugendstil” in Germany and “Modernismo” in Spain. The major event was 1902 Turin International Exhibition featuring design works by Art Nouveau artists from Europe. Right before art lovers would begin riding motor cars, watching the first moving pictures and bracing for the First World War, they would flip through bright magazines of Art Nouveau styles. The cultural movement included painting, architecture, decorative and applied arts (1890 to 1905). Publications, such as “Art Nouveau Magazine”, were distributed around Europe thanks to advances in printing.
When tourists visit Paris today, it’s easy to look around and see the lasting impact of Art Nouveau designs including prints, pictures, signs, wallpaper... in public places, cafes, brasseries and even in subway gates. Art nouveau had its heyday in late 19th-century Paris but quickly spread across Europe and, eventually, to America. The term derives from La Maison de L’Art Nouveau, a Paris art gallery run by Siegfried Bing, who was a major promoter of the new style, as well as of Japonisme and the Nabis. In addition to marketing individual objects, Bing commissioned artists and designers to create model rooms in his gallery to display Art Nouveau ensembles that included paintings, furniture, wallpaper and carpets. The style influenced art and architecture especially in the applied arts, graphic work and illustration.
Art Nouveau ended at the same time as Cubism and Surrealism were beginning.
T R A NOVEAU
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also influence from Japanese woodblock prints with vegetal motifs and strong curves. Art Nouveau remained popular until 1905 and today it is considered an important predecessor to Modernism. The movement produced many gifted artists specialising in decorative art, architecture and glass work. But in this article we concentrate on painters. In addition to Paris, major centres included Brussels, Glasgow, Munich (known as Jugendstil), and Vienna (called Secession Style). Main artists were Mucha in Paris and Klimt in Viena. In Barcelona it was called Modernism and the key figures were painter Anglada Camarasa and architect Antoni Gaudi. Mucha Art Nouveau artists drew inspiration from natural elements, focusing on curvy, natural forms: flowers, leaves, insects, waves, humans. It advocated nature as the primary source of inspiration for a generation of artists seeking to break away from past styles. Mucha, Gustave Klimt, Toulouse-Lautrec, Lalique, Galle,Tiffany, they all share a common denominator: they all use flowing and sinuous lines inspired from the unruly aspects of the natural world.
Their goal was to modernise design and abandon the previous classical styles. Curves, asymmetrical forms and intense colours were common motifs of the movement. Their aesthetic appeared in various media, including decorative arts and advertisements. Art Nouveau’s origins can be traced back to the British Arts and Crafts movement, a reaction to 19th century academic art styles. It had
Alphonse Mucha is arguably the most prominent author of the Art Nouveau movement. This versatile artist of Czech origin triumphed in France. He created works representing a female figure of great beauty with a poetic style, full of fluidity and with infinite details. He achieved great success thanks to what was called the "Mucha Style." He was primarily known for his commercial posters and advertisements, though he was a great painter and also
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dabbled in other mediums like furniture, theatrical sets and even jewellery. His primary subject, the “new woman,” celebrated femininity and the socially empowered female. Though Mucha rejected the Art Nouveau label, his style was a major influence on the movement. His art was often imitated. However, Mucha attempted to disassociate himself from Art Nouveau throughout his life.
Klimt’s primary subject was the female figure. His popular work, “The Kiss”, is one of the most instantly recognisable examples of his work, and one his few paintings that features a man.
He always insisted that rather than maintaining any fashionable stylistic form, his paintings were entirely a product of himself and Czech art.
This piece is a notable work from his “Golden Period,” which is considered a leading example of the Art Nouveau movement.
He declared that art existed only to communicate a spiritual message, and nothing more. Hence his frustration at the fame he gained by his commercial art, when he most wanted to concentrate on more artistic projects.
He was the first artist to elevate advertising to the level of fine art, creating a shift in history that acknowledged that an important work of art could be an everyday poster in a nightclub.
Klimt Before the Art Nouveau movement, Gustav Klimt was recognised for his decorative paintings of historical scenes and figures. These were commissioned to be created on public buildings and later lead to his “Golden Phase” which lasted from 1903-1909. In 1897, Klimt founded the Vienna Secession, a group of Austrian artists whose mission was to bring the modern European art style +152
to Austria. He was elected as the first president of this group because he challenged authority. His international fame as an Art Nouveau artist led to their early success.
Toulouse Lautrec
Unlike other artists of his time, Toulouse-Lautrec did not struggle to make a living since he was rich. Instead of selling to galleries, he sold to Parisians who profited from his unique vision. His favourite places were cabarets, theatres, brothels and the racetrack. His famous piece, “At the Moulin Rouge”, depicts the cabaret that opened in 1889. This painting marked his early contributions to Art Nouveau and coincided with his
influential Moulin Rouge posters. His script writing and exaggerated outlines in these posters became an emblem of the Art Nouveau movement. Nobody like him has given such a personal vision of Paris nightlife, reflecting the decadent ambience of the Belle Epoque.
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Anglada Camarasa Hermen Anglada Camarasa held a unique place in the art of his time. After training in Barcelona, made the leap to Paris, where he lived a few years of precariousness and deprivation. He painted numerous pictures of Paris night-life with light effects. The impact in Paris of the aesthetics of Diaghilev’s Russian Ballets was decisive for the development of his work. He also loved Spanish traditional culture, that he painted indulging in its intense decoration and the rich chromaticism of the costumes. His influence was especially notable in Italy and among Russian artists. Anglada was the youngest painter of Catalan Modernists and made a name for himself internationally. His personality is associated with two themes. First, the nocturnal Paris of the Belle Époque, that he captured through a very fluid art. And secondly, the Spanish woman wrapped in vibrantly coloured shawls. His most spectacular paintings are portraits of women full of mystery and sensuality wrapped in play of light and shadow.
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A N Í N T JUA MAR
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Juana Martín y su renacer de la primavera Como el ave fénix. Así vuelve Juana Martín. Y con ella, una colección dispuesta a convertir los próximos meses en un auténtico tributo a un renacer necesario sobre el que la moda tiene mucho que decir. ¿Quién no se ha sentido hibernar durante la pandemia? ¿Quién no ha visto pasar día tras día en el calendario pensando en todo lo que nos estábamos perdiendo de la vida? ¿Quién no ha soñado con volver a disfrutar de esos detalles que hace solo dos años nos pasaban inadvertidos? ¡Ha llegado la hora de renacer! Y Juana Martín llega dispuesta a acompañar a la mujer en ese resurgir. Un resurgir sin miedos, lleno de esperanza y abrazado a la modernidad y a la elegancia a la que la diseñadora cordobesa nos tiene acostumbrados y ante la que nadie va a quedar indiferente. En definitiva, Juana Martín sueña con dar forma a una primavera cargada de ilusiones renovadas. Una primavera en la que la mujer que elija sus diseños para vestir sus momentos más especiales va a encontrarse con una paleta de color en la que el blanco y el negro son los únicos protagonistas.
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Algo que, sin embargo, no es sinónimo, en ningún caso, de hastío o aburrimiento. Juana Martín llega dispuesta a llenar nuestros días de blancos y negros cargados de una sofisticación embriagadora en la que todas y cada una de las puntadas dan forma a líneas puras, dispuestas a envolver a una mujer que nada teme. La diseñadora construye así una colección repleta de volúmenes en los que las transparencias se vuelven imprescindibles. Formas envueltas en la organza más delicada, el satén más elegante y la seda más impactante. Tules y drapeados se entrelazan de manera más que magistral para dar forma a un binomio casi perfecto, en el que las plumas, los brillos y las lentejuelas también reclamarán la atención de los transeúntes. Si hay alguien que conozca el cuerpo de la mujer, esa es Juana Martín. Y si hay alguien que no olvide sus raíces, también es ella. Por eso, la diseñadora no ha querido perder la oportunidad de presentar una colección que respira sus raíces andaluzas por los cuatro costaos sin ocultar unos aires de rock & roll que parecen dispuestos a hacernos entender que the show must go on.
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A N Í N T JUA MAR
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Juana Martín and her spring rebirth Like the Phoenix. This is how Juana Martín returns. Along with her comes a collection fit to turn the upcoming months into a true tribute to a much needed rebirth in which fashion will have its say. Who hasn't felt like hibernating during the pandemic? Who hasn't seen the days go by on the calendar and thought about all that we were missing out on in life? Who hasn't dreamed of enjoying those small details that went unnoticed only two years ago? It's time to be reborn! And Juana Martín is ready to accompany women in that resurgence. A resurgence without fear, full of hope, and embracing the modernity and elegance to which the designer from Córdoba has accustomed us, that will leave no one indifferent. All in all, Juana Martín dreams of giving shape to a spring loaded with renewed hopes. This spring, those women who choose her designs to adorn their most special moments will find themselves with a colour palette in which black and white are the only stars.
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Something that doesn't necessarily lead to weariness or boredom. Juana Martin is willing to fill up our days with tones of black and white, all imbued with an irresistible sophistication. Every stitch gives shape to pure lines, ready to wrap around women who fear nothing. The designer thus creates a collection filled with volumes in which transparency becomes essential. Shapes are wrapped in the most delicate organza, the most elegant satin, and the most impressive silk. Tulles and draped garments are intertwined in a masterful way to give shape to an almost perfect pairing, in which feathers, glitter, and sequins will also claim the attention of passers-by. If there's anyone who knows the woman's body, it's Juana Martín. And if there's anyone who doesn't forget her roots, it's also her. That's why the designer didn't want to miss the opportunity to present a collection that exudes her Andalusian roots through and through. She doesn't hide, though, a few rock & roll touches that seem determined to make us understand that the show must go on.
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MARBELLA MADRID IBERMAISON.COM