A I N A EOM GAZINE MA
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VICTORIA/TOMAS + MONDRIAN + CHRISTIAN LOUBOUTIN + LA PUERTA + YOHJI YAMAMOTO + FRANCIS KERE + FOVISMO + ROCHAS + 39V + MAGRITTE + ALEXANDRE VAUTHIER + LA PLAGE + ROGER VIVIER + MODERNISMO + LEONARD PARIS +
PUBLISHER & FOUNDER IBERMAISON S.L. EDITORIAL DIRECTOR KARIN MEHNERT ART DIRECTION MASSI FERRACHI GRAPHIC DESIGNER PEPE BARROSO CREATIVE CONSULTANT JOSE ESPINAS
ON THE COVER ROGER VIVIER
NIA EOMAGAZINE
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MARBELLA OFFICE N-340, KM. 176 C.C. OASIS, LOCAL 1 MADRID OFFICE SERRANO, 98 28006 MADRID [SPAIN] PARIS OFFICE 91, QUAI D’ORSAY 75007 PARIS LEGAL INFO DL:MA-1105-2001 ISSN.:1578-3251 PRINTED IN SPAIN NEOMANIAMAGAZINE.COM WWW.FACEBOOK.COM/NEOMANIA.MAGAZINE ISSUU.COM/NEOMANIAMAGAZINE
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CONTRIBUTORS MARIA DE JUAN ROCÍO ALCÁNTARA CHRISTIAN TARRO CARMEN FORTES VICTORIA/TOMAS CHRISTIAN LOUBOUTIN LA PUERTA YOHJI YAMAMOTO FRANCIS KERE ROCHAS 39V ALEXANDRE VAUTHIER LA PLAGUE ROGER VIVIER LEONARD PARIS LARS BORGES IWAN BAAN FLORENT PARIZI YANN DERET SENTA SIMOND DANIELE OBERRAUCH KEVIN TACHMAN ISIDORE MONTAG ALIAS DESIGN CASSINA DRIADE FONTANA ARTE GERVASONI GLAS ITALIA ILINE LIGNE ROSET MOOOI POLIHOME VITRA ZANOTTA
VICTORIA/TOMAS + MONDRIAN + CHRISTIAN LOUBOUTIN + LA PUERTA + YOHJI YAMAMOTO + FRANCIS KERE + FOVISMO + ROCHAS + 39V + MAGRITTE + ALEXANDRE VAUTHIER + LA PLAGE + ROGER VIVIER + MODERNISMO + LEONARD PARIS +
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EOMANIA MAGAZINE 4
MODERNA COMO LAS OLAS ANTIGUA COMO LA MAR SIEMPRE NUNCA DIFERENTE PERO NUNCA SIEMPRE IGUAL EDUARDO CHILLIDA MODERN AS THE WAVES ANCIENT AS THE SEA ALWAYS NEVER DIFFERENT BUT NEVER ALWAYS THE SAME
+8 VICTORIA /TOMAS +16 MONDRIAN +28 CHRISTIAN LOUBOUTIN +36 LA PUERTA +44 YOHJI YAMAMOTO +52 FRANCIS KÉRÉ +68 FOVISMO +80 ROCHAS +88 39V +96 MAGRITTE +108 ALEXANDRE VAUTHIER +116 LA PLAGE +124 ROGER VIVIER +132 MODERNISMO +148 LEONARD PARIS +
+ EDITORIAL
EN BUSCA DE OPTIMISMO Como dice la canción “Gira il mondo gira…” El universo también sigue girando mientras se expande en un baile cósmico interminable… ¿infinito? Se siguen descubriendo nuevas galaxias más allá de los confines conocidos por el hombre. Nuestro minúsculo planeta gira en torno al sol. Nuestro pequeño gran mundo cambia a la velocidad de la luz. En poco tiempo hemos pasado de viajar en burro o a caballo para surfear por internet a golpe de click, ya no solo por el espacio, sino a través del tiempo. Y no podemos cerrar los ojos al vértigo de los acontecimientos mas recientes. Haciendo eco del libro, “Los cuatro jinetes del Apocalipsis” del genial escritor Blasco Ibáñez, somos protagonistas de tiempos convulsos. El libro, llevado al cine en 1921 y 1962, narra la lucha por sobrevivir a cuatro amenazas: hambre, guerra, peste y el último jinete... un personaje misterioso. Ese último desconocido, podría ser la apatía, la falta de ilusión, la ausencia de optimismo.
Y para luchar contra el, nada mejor que combatir con grandes dosis de positividad y curiosidad por la belleza. Por eso, en este número, nos hemos concentrado en descubrir temas alegres, como la explosion de color del movimiento Fovista en Francia. Temas de exquisita estética como el Modernismo en Viena. Temas de inteligentes juegos mentales entre la forma y el concepto, como los del genial pintor belga René Magritte. Temas de investigación y descubrimiento de los inicios del Arte Abstracto como la obra del holandés Piet Mondrian. En las secciones de moda, descubrimos el “último grito” con las firmas mas punteras del momento: Victoria/Tomas, Yohji Yamamoto, Rochas, Alexandre Vauthier y Leonard Paris. Admiramos también lo mas novedoso en zapatos, con Christian Louboutin y Roger Vivier. En la sección de Arquitectura, rendimos homenaje al africano Francis Kéré, ganador del prestigioso Premio Pritzker.
O T I ED RIAL
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ÍA © MAR AN DE JU
De origen muy pobre, ha revolucionado el concepto
de filantropía y mecenazgo, construyendo para los mas desprotegidos de la tierra en su pequeña aldea natal de Burkina Faso. Como este arquitecto ganador y el autor de los 4 jinetes del Apocalipsis, somos grandes vitalistas y deseamos hacer soplar una brisa de aire fresco. Como ellos, ante viento y marea, queremos hace latir finalmente, salvaje e invencible, el deseo de vivir.
OPTIMISM WANTED As the song “Gira il mondo gira…” says, the universe also keeps spinning as it expands in an endless cosmic dance… is it infinite? New galaxies are still discovered beyond the confines known to man. Our tiny planet revolves around the sun. Our big little world is changing at the speed of light. In a short time we have gone from traveling on donkey or horseback to internet surfing at the click of a button, not only through space, but through time. And we cannot close our eyes to the vertigo of the most recent events. Echoing the book, "The Four Horsemen of the Apocalypse" by the great writer Blasco Ibáñez, we are protagonists of troubled times. The book, made into a film in 1921 and 1962, narrates the struggle to survive four threats: famine, war, plague and the last horseman… a mysterious character. That last unknown could be apathy, lack of hope and optimism. To fight against it, nothing better than combat with large doses of positivity and curiosity for beauty. That is why, in this issue, we have concentrated on searching for happy themes, such as the colour explosion of the Fovist movement in France.
Themes of exquisite aesthetics such as Modernism in Vienna. Themes of intelligent mental games between form and concept, like the works of the great Belgian painter René Magritte. Topics of investigation and discovery by a pioneer of Abstract Art, the Dutchman Piet Mondrian. In the fashion sections, we discover the newest creations by the most cutting-edge firms of the moment: Victoria/ Tomas, Yohji Yamamoto, Rochas, Alexandre Vauthier and Leonard Paris. We also admire the latest in shoes, with Christian Louboutin and Roger Vivier. In the Architecture section, we pay tribute to the African Francis Kéré, winner of the prestigious Pritzker Prize. Of very poor origin, he has revolutionised the concept of philanthropy and patronage, building for the most vulnerable on earth in his small hometown in Burkina Faso. Like this winning architect and the author of “The four Horsemen of the Apocalypse”, we are great vitalists and wish to blow a breath of fresh air. Like them, before wind and tide, we want to finally make the desire to live beat, wild and invincible.
+ FASHION
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A I R O T S C I A V M O T ORT N REP O I H S ARA + FA LCÁNT A O Í © ROC
LA METAMORFOSIS DE VICTORIA/TOMAS Esta pareja de diseñadores sabe como nadie montar un puzle sin demasiadas instrucciones y mostrar la metamorfosis de hombres y mujeres que, hartos de estereotipos, anhelan encontrar piezas únicas con las que vivir momentos inolvidables alejados de miradas inquisidoras o reproches mal sonantes. Victoria y Tomas, Tomas y Victoria. Dos partes de un binomio perfecto que posee un ADN perfectamente reconocible que les ha permitido hacerse un hueco en el complejo mundo de la moda y, por qué no decirlo, del arte. Convencidos plenamente de que todos debemos seguir nuestra intuición para dar forma a nuestra existencia, Victoria/Tomas convierten el próximo otoño-invierno en un momento más que perfecto para que todos caminemos hacia esa metamorfosis tan necesaria que nos lleve a convertirnos en hermosas mariposas que surquen el cielo en un intento claro de acercarse a ese futuro esperanzador que todos necesitamos y con el que todos soñamos.
+ FASHION
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Victoria/Tomas dan forma a una estación a través de piezas confeccionadas con sumo cuidado con las que, fieles a su saber hacer, vuelven a tomar el armario masculino como referente, adaptándolo al cuerpo de la mujer, añadiéndole, obviamente, elementos propios del universo femenino que, de manera más que original, se acercan a la mujer del siglo xxi. Tanto para hombres como para mujeres, para los meses venideros, la casa apuesta por líneas rectas sumamente marcadas que, en ocasiones, se combinan a la perfección con elementos oversize, que potencian la originalidad de las creaciones. Chaquetas oversize, abrigos de una largura casi eterna, pantalones con finales abullonados, faldas superpuestas… Todo vale para erigirse símbolo de la originalidad, una originalidad que demuestra que nada es incompatible con la elegancia. Una elegancia que pasa por transparencias, tules y flecos y viene a dar vida a combinaciones marcadas por la modernidad y, en ocasiones, ciertos aires de extravagancia. Naranjas, azules, amarillos o buganvillas se convierte en reyes de una paleta de color en la que los negros, grises y blancos siguen presentes como símbolo, quizás, de que la modernidad también puede enlazarse con años pasados sin nostalgia ni reproches.
+ FASHION
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A I R O T S C I A V M O T ORT N REP O I H S ARA + FA LCÁNT A O Í © ROC
VICTORIA/TOMAS'S METAMORPHOSIS This duo of designers knows like no one else how to put together a puzzle without too many instructions and show the metamorphosis of men and women that, tired of clichés, yearn to find unique pieces with which to experience unforgettable moments far from disapproving glances or rude rebukes. Victoria and Tomas, Tomas and Victoria. Two parts of a perfect pairing with a perfectly recognisable DNA that has allowed them to make a name for themselves in the complex world of fashion and, why not say it, art. Fully convinced that we must all follow our intuition to shape our existence, Victoria/Tomas turn the coming autumn-winter into a more than perfect moment for all of us to advance towards that much needed metamorphosis. It will lead us to become beautiful butterflies that fly across the sky in a clear attempt to get closer to that hopeful future that we all need and dream about.
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Faithful to their know-how, Victoria/Tomas give shape to a season through pieces made with the utmost care. They take the male wardrobe as a reference, adapting it to women's bodies, adding, obviously, elements of the female universe that, in a very original way, approach 21st century women. For both men and women, the fashion house has opted for extremely sharp straight lines for the coming months, sometimes perfectly combined with oversize elements, which enhance the originality of the creations. Oversize coats and jackets, full-length coats down to the floor, trousers with puffed ends, overlapping skirts... Anything can become a symbol of originality, an originality that proves that nothing is incompatible with elegance. An elegance that includes transparencies, tulle, and fringes and brings to life combinations characterised by modernity and, occasionally, a certain touch of eccentricity. Oranges, blues, yellows or bougainvillaea become the kings of a colour palette in which blacks, greys and whites are still present as a symbol, possibly, of the fact that modernity can also be linked to past years without being nostalgic or judgmental.
+ ART
LAB
MONDRIAN ABSTRACCION Y NEOPLASTICISMO Existen muchos movimientos de arte, pero muy rara vez son creados por un artista en concreto. Piet Mondrian es un pintor holandés que ha pasado a la historia, conocido por su gran aportación al universo del arte. Es uno de los pocos artistas que se inventó su propio movimiento artístico: el Neoplasticismo. Mondrian nació en Amesfoort (Países Bajos) en 1872 y murió en Nueva York en 1944. Su vida transcurrió entre Holanda, Paris y América, como tantos artistas europeos que huyeron tras la Segunda Guerra mundial.
MO
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Por educación y trayectoria vital, sus primeras obras se inspiraron en la tradición paisajista holandesa y su interés por los efectos lumínicos. En esto coincide con Van Gogh, su compatriota, cuyas obras de juventud son de temas holandeses y composición clásica. En 1907, su viaje a Paris le permite descubrir la obra de pintores impresionistas y postimpresionistas. Esto dio un giro radical a su trayectoria. Cambió por completo sus antiguas nociones sobre el color, cuyo tratamiento abordó a partir de entonces de manera mucho más audaz.
N A I R D N
T REPOR AN U + ART J E ÍA D © MAR
Tras contemplar las primeras obras cubistas de Braque y Picasso en 1912 decidió trasladarse a París y adaptar los preceptos del cubismo, interesado en reducir las formas individuales a una fórmula general. Aunque plásticamente su obra respetaba los principios cubistas, desde 1913 experimentó un claro avance hacia la abstracción que culminó en 1917 con el abandono definitivo de todo referente externo. La segunda guerra mundial le obligó a regresar a los Países Bajos, donde conoció al que sería su intimo amigo y “hermano artístico”, Theo van Doesburg. Junto a el y otros dos artistas, Van der Leck y Huszar, Theo fundó la revista “De Stjil” (Estilo). En ella defendían el rechazo completo de la realidad circundante como referente de la obra. En su lugar, proclamaban la reducción del lenguaje pictórico a sus elementos mas básicos. Este estilo, bautizado por el propio Mondrian como Neoplasticismo, pretendía alcanzar la objetividad real liberando a la obra de arte de su dependencia de la percepción individual momentánea y del temperamento del artista. Tras residir varios años en París y Londres, Mondrian se trasladó en 1940 a Nueva York, donde su obra se vio influenciada por el dinamismo de la vida urbana y los ritmos de la música americana, sobretodo del jazz. Estos factores le inspiraron una mayor atención a las posibilidades constructivas del color. Por influencia de la tradición puritana holandesa y de la Sociedad Teosófica, con la que estuvo en permanente en contacto a lo largo de su vida, Mondrian dio forma a un proyecto que se extendió más allá de lo pictórico hasta acabar por convertirse en una empresa ética:
el arte como guía para la humanidad a través de la pureza y la claridad. Piet Mondrian es, junto con Wassily Kandinsky y Kazimir Malévich, uno de los tres artistas fundamentales de la abstracción geométrica. Este estilo artístico está basado en el empleo de formas geométricas simples, combinadas en composiciones subjetivas sobre espacios irreales. Es una manera de entender la abstracción que, en el caso de Mondrian, conocemos como Neoplasticismo. Su contemporáneo Kandinsky pasó toda su vida buscando, en sus propias palabras, “el sonido interior abstracto de las formas y los elementos de la imagen”. Este es también el “leiv motif” de los primeros cuadros abstractos de Mondrian. Sus obras más conocidas son composiciones realizadas a partir de líneas negras verticales y horizontales que encierran rectángulos o cuadrados de colores primarios. Son la culminación de su carrera artística, su último proyecto, su reflexión personal, alcanzada tras toda una vida de búsqueda dedicada al arte. Pero la carrera pictórica de Mondrian no comienza de esta manera. En sus primeros cuadros, la mezcla de estilos y técnicas con los que pinta, nos hablan de la intensa búsqueda para crear un estilo personal. Las numerosas obras del artista están influenciadas por los principales Ismos de las vanguardias de principios del Siglo XX. Pasó años y décadas de investigación donde le vemos influido por el impresionismo, el puntillismo, los colores fauvistas e incluso del cubismo.
+ ART
LAB
TRANSICION AL NEOPLASTICISMO En torno a la misma época en la que creó el cuadro anterior, Mondrian pintó esta pintura. Observamos que se trata de un segundo cuadro sobre la misma jarra pero en esta ocasión se aleja del cubismo para mostrarnos una versión bidimensional de la imagen en donde las figuras están reducidas a formas geométricas esenciales. El cuadro se ha convertido en una composición dominada por una gran forma redondeada central, envuelta por una serie de rectángulos y triángulos. La realidad está cubierta de un velo de apariencia. El verdadero artista es capaz de ir mas allá y atravesar ese velo de apariencia para descubrir lo real. Todos los grandes genios del arte, han estado fascinados con la naturaleza, desde los egipcios a Leonardo Da Vinci. Mucho antes de llegar a la abstracción, Mondrián observaba el mundo con sus ojos de artista, concentrándose en pintar paisajes. Fue un lento y minucioso proceso. Poco o nada le interesaba la figura humana y menos aún, la ciudad. Dibujó y pintó flores con una visión poética, algo que años mas tarde repetiría la gran pintora floral americana, Georgia O’Keefe a gran escala. Pero no fue con las flores con las que Modrián hizo su gran “descubrimiento”. Lo que realmente le llevó a descomponer las formas, fue observar y representar árboles. Estas tres de sus obras, pintadas con cuatro años de diferencia, muestran la transformación experimentada en su mente. Su inspiración, una vez mas, parte de la naturaleza: un árbol manzano.
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Pero las formas orgánicas se van transformando, pasando por una creación semi abstracta, hasta llegar a una abstracción total. NEOPLASTICISMO Lo que vemos en estas obras de Mondrian, pintadas en torno a 191112 es un proceso de simplificación, de búsqueda de la esencia, de reducción de las formas. Este proceso acaba culminando, a partir de 1917 en el Neoplasticismo. Se trata de un movimiento iniciado en Holanda por el propio Mondrian. Mondrian propone despojar al arte de todo elemento accesorio. Es un intento de alcanzar la esencia a través de un lenguaje plástico objetivo y, como consecuencia, universal. Hagamos un poco de historia y veamos cómo se forma este movimiento. En octubre de 1915 Theo van Doesburg publicó la primera edición de la revista llamada “De Stijl” (Estilo). En esta publicación, especializada en arte, incluyó los trabajos de Mondrian y de muchos más artistas. No sólo pintores, sino también escultores como Vantongerloo, Gerrit Rietveld. En torno a la revista, publicada entre 1917 y 1926, se vinculó un grupo de artistas, arquitectos y diseñadores con una estética abstracta común, que defendía un orden claro y geométrico. Todos creaban aplicando sus principios desde la pintura y el diseño hasta la construcción de edificios. Por ejemplo, podemos admirarlo en la arquitectura modernista de Frank Lloyd Wright.
Pintores, escultores y arquitectos incorporaron teorías socialistas, filosóficas y utópicas y las aplicaron a la órbita del arte. Su objetivo era innovar con tendencias contemporáneas en dirección hacia un arte no figurativo. El término Neoplasticismo es indisociable del movimiento De Stijl que nació en torno a la revista. Sus principales características son: • Una paleta de colores primarios: los establecidos por el filósofo Goethe en su teoría del color: amarillo, azul y rojo, junto con los no-colores blanco y negro y toda la gama de grises. • Las composiciones debían ser estáticas (sin diagonales), limitándose a la verticalidad y la horizontalidad. • Se evita la simetría. La obra de Mondrian muestra el recorrido ideológico hasta llegar a este neoplasticismo. En definitiva, se trata de una forma de construir eliminando. Se podría decir que su lema podía ser, la famosa frase: “Menos es mas”. En sus primeras obras vemos como Mondrian busca, investiga, se autoanaliza, sin perder de vista la imagen y su representación. Mas tarde observamos cómo va perdiendo el objeto, para finalmente declararlo innecesario. Mondrian trató de eliminar “el ruido” del cuadro mostrando sólo las líneas y los colores planos, para expresar esa idea de un “universo absoluto”, procedente de las teorías de la Teosofía, de la que se había hecho adepto. Mondrian en sus cuadros propone controlar la naturaleza errónea, rescatar la armonía del caos aparente. Lo consigue evolucionando de la realidad hacia la más absoluta simplicidad.
Ese caos aparente de Mondrian nos muestra nuevos paisajes de luz pura, prescindiendo de la simetría y con una gran fuerza cromática y estilística. Su instinto le lleva a buscar belleza sin objeto. Desea un nuevo orden que nuestra mente establece para no perderse en el caos a pesar de los máximos de longitud de onda de los conos de nuestros ojos, a pesar de la ciencia. El gran logro de Mondrián y su Neoplasticimo es que la belleza sucumbe al instinto de la lírica. Recientemente he visto la interesantísima exposición “Genealogías del arte” o la historia del arte como arte visual, en el Museo Picasso de Málaga. La muestra, organizada por la Fundación March de Madrid, analiza las representaciones visuales de la historia del arte llevadas a cabo por artistas, críticos, diseñadores, teóricos y poetas desde los primeros árboles genealógicos del arte en la Edad Media hasta las representaciones virtuales en la red. MONDRIAN CREADOR DE SU PROPIO “ISMO” Mondrian fue junto con Kandinsky, Klee y Kupka, uno de los pioneros de la Abstracción a principios del Siglo XX. Este estilo revolucionó totalmente y hasta hoy los derroteros del mundo del arte. Pero, a diferencia de otros artistas, Mondrian hizo algo mas que innovar con su arte. El fue mas allá, pues se inventó su propio movimiento artístico.
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Yo llevo toda la vida escribiendo sobre los ISMOS, que es uno de mis temas favoritos, solo superado por mi pasión por inventarme museos. Puedo confirmar que la mayoría de estos estilos o grupos de artistas son “bautizados” años mas tarde por críticos de arte. Uno de ellos, el francés Louis Vauxcelles fue quien acuñó los nombres de dos movimientos de vanguardia claves en el Paris de las vanguardias a principios del Siglo XX: el Cubismo y el Fovismo. Otros nombres son creados por poetas como Guillaume Apollinaire que nombró al Orfismo y el movimiento Dadá denominado así por Tristán Tzara. Otros incluso reciben su nombre de periodistas que, en plan despectivo, describen lo que consideran un fraude artístico, como Louis Leroy con el Impresionismo. SIGNIFICADO DE ISMO El término ismo se emplea para nombrar a una corriente filosófica, literaria o artística, sobre todo cuando es efímera. Por lo general los ismos son movimientos de vanguardia que se caracterizan por la innovación o su condición experimental. Un ismo cuestiona el “status quo” y busca trascender los límites aceptados. Es habitual que contradiga los dogmas y que intente conmover o provocar un impacto. Dadaísmo, futurismo, surrealismo y cubismo son algunos de los ismos mas conocidos. La denominación de una corriente es un fenómeno que se puede dar de varias maneras. El nombre de ismo procede a menudo de terceros, a veces de forma contemporánea o incluso un tiempo después de su
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desaparición. En raras ocasiones los nombres pueden venir de grupos de artistas que promueven las ideas que caracterizan sus obras. Buenos ejemplos son dos movimientos expresionistas alemanes del periodo entre las dos guerras mundiales: “Der Blaue Reiter” (Jinete Azul), creado en Berlin en 1911 por Kandinsky y Franz Marc o “Der Brucke” (El Puente) fundado en Dresde en 1913 por Kirchner, Heckel y Bleyl. Como se puede advertir, estos movimientos adquieren su denominación a partir del sufijo que permite formar los nombres. “Ismo” por lo tanto, es un sufijo que sirve para la construcción de diversos sustantivos. Así, los nombres clave que dan sentido a estos movimientos tienen relación directa con el arte al que dan nombre: realidad - Realismo, impresión- Impresionismo, fauve (fiera) - Fovismo, punto - Puntillismo, Orfeo - Orfismo, surreal - Surrealismo, supremacía - Suprematismo, raya - Rayonismo, etc... NEOPLASTICISMO O CONSTRUCTIVISMO HOLANDES De los principales Ismos que habitan el maravilloso universo del mundo del arte, muy rara vez reciben su nombre de un artista. Mondrián, además de pintor pionero de la Abstracción denominó a su propio estilo como Neoplasticismo aunque los críticos también le llamaron Constructivismo Holandés por su paralelismo con el Constructivismo Ruso.
Su teoría tienen su origen en las obras cubistas de Georges Braque y Picasso y en la filosofía llamada Teosofía. Reivindican un proceso de abstracción progresiva en virtud del cual las formas se van reduciendo a líneas rectas horizontales y verticales, empleando exclusivamente los colores negro, blanco, gris y los tres primarios: rojo, amarillo y verde. Esta corriente también está considerada dentro del arte abstracto, pues ofrece una concepción mucho más analítica de las obras y trata de no imitar elementos de la vida real (como el realismo), sino representar las formas y colores de la realidad. El movimiento guarda estrecha relación con el cubismo por la representación de figuras geométricas. Aunque el neoplasticismo es sumamente conocido por sus pinturas, también fue desarrollado en otras áreas relevantes de las artes plásticas, como por ejemplo la escultura, la arquitectura y el diseño. Mondrian incluso llegó a crear vidrieras. Mondrian, junto con otros artistas que se sumaron a esta corriente, no estaba satisfecho con lo representado en el realismo, en el simbolismo o incluso en el cubismo, aunque esta claro que le sirvieron de inspiración.
En el momento del nacimiento de esta corriente artística, Europa atravesaba la Primera Guerra Mundial. Piet Mondrian estaba visitando a su padre en Holanda, pero se vio obligado a quedarse en su país por la guerra. Allí es donde terminó de desarrollar las bases de sus teorías artísticas. Mondrian llevaba trabajando en el neoplasticismo desde 1913, y fue en 1917 cuando terminó de darle forma al proyecto. Esta corriente artística tuvo muy buena recepción alrededor del mundo artístico y se llenó de elogios y felicitaciones. Mondrian concibió su estilo de forma muy intima y personal, tras una meditada evolución durante varias décadas. Sin embargo siempre insistió en un punto que para el era crucial: que el Neoplasticismo fuese universal. “Todo verdadero artista ha sido siempre conmovido por la belleza de la línea, del color y por sus relaciones intrínsecas, y no por lo que puedan representar” El neoplasticismo representa la liberación de la opresión mental y artística que se había establecido en el arte, ofreciendo a cada creador la opción de despojarse de todos sus conocimientos para utilizar los medios expresivos en el estado más puro: volúmenes, planos, líneas y colores. Este estilo de arte representado con formas simples, muestra una realidad limpia, clara y libre.
+ ART
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MONDRIAN, ABSTRACTION & NEOPLASTICISM There are many art movements, but they are rarely created by a specific artist. Piet Mondrian is a Dutch painter who has gone down in history, known for his great contribution to the universe of art. He is one of the few artists who invented his own artistic movement: Neoplasticism. Mondrian was born in Amesfoort (Netherlands) in 1872 and died in New York in 1944. His life passed between Holland, Paris and America, like so many European artists who fled after the Second World War. Due to education and life history, his early works were inspired by the Dutch landscape tradition and his interest in lighting effects. In this he agrees with Van Gogh, his compatriot, whose youthful works are on Dutch themes and classical composition. In 1907, his trip to Paris allowed him to discover the work of impressionist and postimpressionist painters. This gave a radical turn to his career. He completely changed his old notions about color, the treatment of which he approached in a much more audacious way thereafter.
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N A I R D N
After contemplating the first cubist works by Braque and Picasso in 1912, he decided to move to Paris and adapt the precepts of Cubism, interested in reducing individual forms to a general formula. Although his work respectfully respected Cubist principles, from 1913 he underwent a clear advance towards abstraction that culminated in 1917 with the definitive abandonment of any external reference. The Second World War forced him to return to the Netherlands, where he met his close friend and "artistic brother", Theo van Doesburg. Together with him and two other artists, Van der Leck and Huszar, Theo founded the magazine “De Stjil” (Style). Here they defended a complete rejection of the surrounding reality as a reference for art work. Instead, they proclaimed the reduction of pictorial language to its most basic elements. This style, baptised by Mondrian as Neoplasticism, sought to achieve real objectivity by freeing the work of art from its dependence on momentary individual perception and the artist's temperament.
T REPOR AN T R A + JU ÍA DE © MAR
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After living for several years in Paris and London, Mondrian moved to New York in 1940, where his work was influenced by the dynamism of urban life and the rhythms of American music, especially jazz. These factors inspired him to pay more attention to the constructive possibilities of colour. Influenced by Dutch Puritan tradition and the Theosophical Society, with which he was in permanent contact throughout his life, Mondrian gave shape to a project that extended beyond the pictorial to eventually become an ethical enterprise: art as a guide for humanity through purity and clarity. Piet Mondrian is, along with russian artists Wassily Kandinsky and Kazimir Malévich, one of the three fundamental artists of geometric abstraction. This artistic style is based on the use of simple geometric shapes, combined in subjective compositions on unreal spaces. It is a way of understanding the abstraction that, in Mondrian's case, we know as Neoplasticism. His contemporary Kandinsky spent his entire life searching, in his own words, for "the abstract inner sound of the forms and elements of the image." This is also the "leiv motif" of Mondrian's first abstract paintings. His best known works are compositions made from vertical and horizontal black lines that enclose rectangles or squares of primary colours. They are the culmination of his artistic career, his latest project, his personal reflection, achieved after a lifetime of research dedicated to art. But Mondrian's pictorial career does not begin this way. In his first paintings, the mixture of styles and techniques with which he painted, tells us about the intense search to create a personal style.
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His numerous works are influenced by the main Isms of the avant-garde of the early twentieth century. He spent years and decades of research where we see him influenced by Impressionism, Pointillism, Fauvist coulors and even Cubism. Reality is covered with a veil of appearance. The true artist is capable of going beyond and crossing that veil of appearance to discover the real. All great art geniuses have been fascinated with nature, from the Egyptians to Leonardo Da Vinci. Long before reaching abstraction, Mondrian observed the world with his artist's eyes, concentrating on painting landscapes. It was a slow and painstaking process. Little or nothing interested him the human figure and even less, the city. He drew and painted flowers with a poetic vision, something that years later the great American floral painter, Georgia O'Keefe, would repeat on a large scale. But it was not with the flowers that Mondrián made his great "discovery". What really led him to decompose the forms was to observe and represent trees. These three of his works, painted four years apart, show the transformation experienced in his mind. His inspiration, once again, comes from nature: an apple tree. But the organic forms are transformed, passing through a semi abstract creation, until they reach a total abstraction.
NEOPLASTICISM What we see in these works by Mondrian, painted around 1911-12, is a process of simplification, a search for the essence, a reduction of forms. This process ends up culminating, starting in 1917 in Neoplasticism. It is a movement started in Holland by Mondrian himself. He proposes to strip art of all accessory elements. It is an attempt to reach the essence through an objective plastic language and, as a consequence, universal. Let's do a bit of history and see how this movement is formed. In October 1915 Theo van Doesburg published the first edition of the magazine called “De Stijl” (Style). In this publication, specialised in art, he included the works of Mondrian and many more artists. Not only painters, but also sculptors like Vantongerloo and Gerrit Rietveld. Around the magazine, published between 1917 and 1926, a group of artists, architects and designers were linked with a common abstract aesthetic, which defended a clear and geometric order. Everyone created by applying his principles from painting and design to building construction. For example, we can admire it in the modernist architecture of Frank Lloyd Wright. Painters, sculptors and architects incorporated socialist, philosophical and utopian theories and applied them to the orbit of art. Their aim was to innovate with contemporary trends in the direction of non-figurative art.
The term Neoplasticism is inseparable from the De Stijl movement that was born around the magazine. Its main characteristics are: · A palette of primary colours: those established by the philosopher Goethe in his theory of color: yellow, blue and red, along with the “non-colours” black and white and the entire range of greys. · The compositions had to be static (without diagonals), limiting themselves to verticality and horizontality. · Symmetry is avoided. Mondrian's work shows the ideological journey up to this Neoplasticism. In short, it is a way of building by eliminating. It could be said that his motto could be, the famous phrase: "Less is more”. In his early works we see how Mondrian searches, investigates, and analyses himself, without losing sight of the image and its representation. Later we observe how the object is losing, to finally declare it unnecessary. Mondrian tried to eliminate "noise" from the painting by showing only the lines and flat colours, to express that idea of an "absolute universe", coming from Theosopy theories, of which he had become adept. Mondrian in his paintings proposes to control erroneous nature, to rescue harmony from apparent chaos. It achieves this by evolving from reality towards absolute simplicity.
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This apparent chaos of Mondrian shows us new landscapes of pure light, dispensing with symmetry and with great chromatic and stylistic force. His instinct leads him to seek beauty without purpose. You want a new order that our mind establishes so as not to get lost in chaos despite the wavelength maxima of the cones of our eyes, despite science. The great achievement of Mondrian and his Neoplasticism is that beauty succumbs to the lyrical instinct. I have recently seen the very interesting exhibition "Genealogies of art" or the history of art as visual art, at the Picasso Museum in Malaga. The exhibition, organized by the March Foundation in Madrid, analyzes the visual representations of art history carried out by artists, critics, designers, theorists and poets from the first genealogical trees of Middle Ages art to virtual representations in the net. MONDRIAN CREATOR OF HIS OWN "ISM" This new style totally revolutionized then and until today the directions of the art world. Mondrian was together with Kandinsky, Klee and Kupka, one of the pioneers of Abstraction at the beginning of the 20th century. But, unlike other artists, Mondrian did more than just innovate with his art. He went further, since he invented his own artistic movement.
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I've been writing about “isms” all my life, which is one of my favorite subjects, second only to my passion for inventing museums. I can confirm that most of these styles or groups of artists are "baptized" years later by art critics.
This current is also considered within abstract art, as it offers a much more analytical conception of the works and tries not to imitate elements of real life (such as realism), but to represent the shapes and colours of reality.
One of them, the Frenchman Louis Vauxcelles, was the one who coined the names of two key avant-garde movements in the avant-garde Paris at the beginning of the 20th century: Cubism and Fovism.
The movement is closely related to cubism due to the representation of geometric figures.
Other names are created by poets like Guillaume Apollinaire who named Orphism and the Dada movement named after Tristan Tzara. Others are even named after journalists who, in a derogatory plan, describe what they consider an artistic fraud, such as Louis Leroy with Impressionism. DUTCH NEOPLASTICISM OR CONSTRUCTIVISM Of the major isms that inhabit the wonderful universe of the art world, they very rarely receive their name from an artist. Mondrian, in addition to being a pioneer painter of Abstraction, called his own style Neoplasticism although critics also called him Dutch Constructivism because of its parallelism with Russian Constructivism. His theory has its origin in the cubist works of Georges Braque and Picasso and in the philosophy called Theosophy. They claim a process of progressive abstraction by virtue of which the forms are reduced to straight horizontal and vertical lines, using exclusively black, white, grey and the three primary colours: red, yellow and green.
Although Neoplasticism is widely known for its paintings, it was also developed in other relevant areas of the plastic arts, such as sculpture, architecture and design. Mondrian even created stained glass windows. Mondrian, along with other artists who joined this trend, was not satisfied with what was represented in realism, symbolism or even cubism, although it is clear that they served as inspiration. At the time of the birth of this artistic trend, Europe was going through the First World War. Piet Mondrian was visiting his father in Holland, but was forced to stay in his country because of the war. This is where he finished developing the bases of his artistic theories. Mondrian had been working on Neoplasticism since 1913, and it was in 1917 that he finished shaping the project. This artistic trend was very well received around the artistic world and was filled with praise and congratulations. Mondrian conceived his style in a very intimate and personal way, after a thoughtful evolution over several decades. However, he always insisted on a point that was crucial for him: that Neoplasticism be universal.
"Every true artist has always been moved by the beauty of the line, of the color and by their intrinsic relationships, and not by what they can represent" Neoplasticism represents the liberation of the mental and artistic oppression that had been established in art, offering each creator the option to divest himself of all his knowledge to use expressive means in the purest state: volumes, planes, lines and colours. This style of art represented with simple forms, shows a clean, clear and free reality.
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CHRISTIAN LOUBOUTIN Christian Louboutin ha vuelto a hacerlo. A través de su «Greekaba», busca llevarnos hasta la antigua Grecia para que consigamos llenar de sofisticación y exclusividad los momentos más especiales de las tardes estivales. Dejarse llevar… Perderse por lugares recónditos en los que abandonarse a soñar… Vivir… Sentir… ¿Quién no busca todas estas cosas cuando se lanza a viajar? Pues eso es justamente lo que hace Christian Louboutin en «Greekaba», una colección de zapatos y bolsos realizada en colaboración con el artista e ilustrador griego Konstantin Kakanias con la que pretende que nos perdamos en la Grecia más moderna.
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A través de Greekaba, Louboutin plasma su incansable e insaciable deseo de viajar y conocer nuevas culturas y recónditos lugares, con el que no solo da forma a creaciones increíbles y espectaculares sino que también consigue alimentar su alma y su espíritu. Así, el maestro de maestros diseña una colección con la que pretende llenar nuestras tardes y noches de verano del sabor más exclusivo de tierras griegas. Un sabor que emana arte, vanguardismo y sofisticación y que busca convertirse en epicentro de todas las miradas. Todas y cada una de las piezas que dan forma a esta colección están llamadas a convertirse en un auténtico talismán para quien busque revestir de originalidad y exclusividad cada uno de sus looks. El leitmotiv de todas ellas, las aventuras de Louboutin en Atenas con los personajes Mrs. Tependris y Pepe, su fiel y cariñoso caniche. El diseñador francés reviste todas y cada una de las piezas de esta colección de temporada de una originalidad excepcional que convierte a los bolsos y calzado que le dan forma en eslabones perfectos de un sueño hecho realidad.
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Una realidad en la que, con cada pieza, el diseñador francés nos invita a celebrar la rica herencia procedente de las tierras mediterráneas a través de preciosos adornos hechos a mano y toques irónicos a los que tiene acostumbrados a sus fieles seguidores. Para dar forma a una colección tan exclusiva que gira en torno al fascinante universo griego, Christian Louboutin se decanta, principalmente, por dos temas que se vislumbran en todas y cada una de sus piezas. En ellas, la tierra y el mar caminan de la mano, sin miedo, de frente, evocando, en todo momento, los azules profundos y los blancos tan propios de Grecia, sin olvidarse, por supuesto, de las tonalidades oscuras tan distintivas de la cerámica procedente de la antigua Grecia. Sofisticados tacones, cuñas de esparto, botas de infarto… Piezas únicas que ansían formar parte del día a día más frenético al que poner ese toque de glamour tan propio de un diseñador que, una vez más, no dejará indiferente a nadie con una colección en la que, entre otros diseños, ha apostado por el tradicional «ojo turco», que ha reinventado y que se cree que otorga protección al propietario contra el mal de ojo.
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Al margen de esa maravilla de reinvención, el bolso Greekaba se convierte en actor principal, no solo por su diseño exclusivo, sino porque se presenta en distintos tamaños, entre los que se encuentra la silueta Loubiphore, inspirada en las proporciones altas y estrechas de las ánforas griegas antiguas. Una auténtica odisea moderna que no podía estar firmada por otro que no fuese Christian Louboutin.
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CHRISTIAN LOUBOUTIN Christian Louboutin has done it again. Through his "Greekaba," he seeks to take us back to ancient Greece so that we can fill the most special moments of summer evenings with sophistication and exclusivity. Let yourself go... Get lost in hidden places where you can abandon yourself to dreaming... Living... Feeling... Who doesn't seek all these things when they undertake a voyage? That is exactly what Christian Louboutin does in "Greekaba", a collection of shoes and bags made in collaboration with the Greek artist and illustrator Konstantin Kakanias with which he wants us to get lost in the most modern Greece.
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Through Greekaba, Louboutin expresses his insatiable desire to travel and discover new cultures and hidden places, with which he not only gives shape to incredible and spectacular creations but also manages to nourish his soul and spirit. Thus, the great maestro designs a collection with which he intends to fill our summer evenings and nights with the most exclusive taste of Greek lands. A taste emanating art, avant-garde, and sophistication that searches for the spotlight. Every single piece that comprises this collection is called on to constitute a true talisman for those who are looking for originality and exclusivity in each one of their outfits. The leitmotiv of all of them, Louboutin's adventures in Athens with the characters Mrs. Tependris and Pepe, his faithful and affectionate poodle. The French designer imbues each and every one of the pieces in this season's collection with an exceptional originality that turns the bags and shoes that constitute it into perfect links in a dream come true.
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A reality in which, through each piece, the French designer invites us to celebrate the rich heritage of Mediterranean lands through precious handmade ornaments and ironic details to which he has accustomed his devoted fans. To give shape to such an exclusive collection that revolves around the fascinating Greek universe, Christian Louboutin opts mainly for two themes that are to be seen in every one of his designs. In them, land and sea walk hand in hand, fearlessly, face to face, constantly evoking the deep blue and white hues so typical of Greece, without forgetting, of course, the dark nuances so distinctive of Ancient Greek ceramics. Sophisticated heels, espadrille wedges, heartstopping boots... Unique pieces yearn to be part of the most frenetic day-today life, with that touch of glamour so typical of this designer. Once again, he will leave no one indifferent with a collection in which, among other designs, he has opted for the traditional "Turkish eye", which he has reinvented, and which is believed to give protection to its owner against the evil eye.
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Apart from this wondrous reinvention, the Greekaba bag becomes a major player, not only due to its exclusive design, but also because it comes in different sizes, including the Loubiphore silhouette, inspired by the tall and narrow proportions of ancient Greek amphorae. A true modern odyssey that could not be signed by anyone other than Christian Louboutin
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LA PUERTA, UNA EXPERIENCIA CULINARIA QUE SE REVISTE DE ARTE ¿Te imaginas sentarte a la mesa y zambullirte en una auténtica obra de arte capaz de hacer enloquecer al más cuerdo de los mortales? Pues eso es lo que conseguirás en La Puerta, un microcosmos reservado para los paladares más exigentes. Comer puede convertirse en un auténtico deleite para los sentidos. Dejarse seducir por el sabor, sentir las texturas, perderse en olores desconocidos… Un espectáculo reservado para quienes, cuando se sientan a la mesa, buscan zambullirse en un universo de colores, sabores y olores. Y eso es precisamente lo que nos ofrece Mauro Colagreco a través de su cocina en La Puerta, la última pieza del universo Mirazur.
LA
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A T R E U P
ORT E REP + STYL ÁNTARA ÍO ALC © ROC
En La Puerta todo es inspiración, todo es misterio, todo se convierte en arte en un atelier de creación puesto en marcha con el único objetivo de que sentarse a la mesa se convierta en una experiencia única. Estará al alcance de quienes buscan perderse en un espacio intimista en el que todos y cada uno de los detalles que lo forman están ensamblados buscando la perfección más cuidada y exquisita. Para entrar, un acceso confidencial, una puerta de madera que podría haber sido pensada y construida por el mismísimo Copérnico y que da acceso a un enclave exclusivo, exquisito, que parece haber sido construido para el deleite y disfrute de unos pocos. Al otro lado, un espacio en el que grandes nombres han querido dejar su impronta de la manera más especial posible, dando forma a un lugar en el que la decoración, la luz y la disposición de todos los elementos que lo constituyen se convierten en eslabones perfectos de un mar en el que, deseosos de dejarse llevar, sus visitantes y comensales se zambullen.
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COOKING
El vaivén de sus olas se afanan en hacer que quienes se decantan por La Puerta disfruten de una travesía en la que la creatividad, la originalidad y la exclusividad se convierten en protagonistas de excepción. Y en medio de todo este universo, una elegante bodega convertida en un auténtico festín para los ojos y la creatividad desenfrenada del Chef Mauro Colagreco, quien, entre fogones, se convierte en capitán de un barco que navega con un balanceo casi perfecto. Un capitán que comanda a marineros-cocineros entregados cuyos bailes son observados por los comensales que se encuentran con una cocina abierta, asistiendo a un espectáculo digno del más exclusivo de los teatros. Un espectáculo en el que obras de arte, libros y discos de vinilo adornan cada rincón para convertir el espacio en una experiencia única e irrepetible.
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COOKING
LA PUERTA, "THE DOOR", A CULINARY EXPERIENCE CLOAKED IN ART Can you imagine sitting at a table and plunging into a true work of art capable of making even the sanest man go mad? Well, that's what you'll get at La Puerta, a microcosm reserved for the most demanding palates. Eating can become a real feast for the senses. Let yourself be seduced by flavours, feel the textures, lose yourself in unknown smells... This is a spectacle reserved for those who, when sitting at the table, seek to be immersed in a universe of colours, flavours, and smells And that is precisely what Mauro Colagreco offers us through his cuisine at La Puerta, the latest piece of the Mirazur universe.
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At La Puerta, everything is inspiration and mystery, everything becomes art in a creation atelier set up with the sole aim of turning sitting at the table into a unique experience. It will be accessible to those who seek to lose themselves in an intimate space in which every single detail is integrated with the utmost care and exquisite perfection. The entrance is a secret access point, a wooden door that could have been designed and built by Copernicus himself, that leads to an exclusive, refined spot that seems to have been built for the delight and enjoyment of a fortunate few. On the other side, a venue in which major names have sought to leave their mark in the most singular way possible. They gave shape to a place where decoration, light, and arrangement turn every element into a perfect wave in a sea into which visitors and diners plunge, eager to let themselves be carried away.
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The swaying of its waves endeavours to ensure that those who choose La Puerta enjoy a voyage in which creativity, originality, and exclusivity become the stars of the show. And in the midst of this grand universe is, an elegant wine cellar turned into an authentic feast for the eyes and the wild creativity of Chef Mauro Colagreco, who in the kitchen becomes the captain of a ship that sails in his kitchen with an almost perfect balance. A captain commanding dedicated sailor-cooks whose dances are observed by the diners who find themselves in an open kitchen, witnessing a show worthy of the finest theatres. A show in which art works, books, and vinyl records adorn every corner to transform space into a unique and unforgettable experience.
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SOBRIEDAD Y EXCENTRICIDAD, BY YOHJI YAMAMOTO Vanguardismo hasta decir basta. Así podríamos definir la colección ideada por Yamamoto para vestir el cuerpo femenino el próximo otoño-invierno. Oriundo de Tokio, ciudad que lo vio nacer en 1943, Yohji Yamamoto se ha convertido en un auténtico abanderado del vanguardismo desde que decidió que su vida giraría en torno al mundo de la moda. Y es que, si algo define el trabajo del diseñador, es su pasión por mostrar en la pasarela unas siluetas de grandísimo tamaño que, en ocasiones, vienen a presentarse tras cortitas elaboradas a partir de las más variadas texturas. De hecho, sus creaciones han sido calificadas en numerosas ocasiones de teatrales, oscuras, reflexivas, minimalistas, futuristas y, por qué no decirlo, hasta de filosóficas. Yamamoto no ha defraudado a sus seguidores y, durante los próximos meses, nos invita a vestir creaciones que, en cada puntada, en cada patrón, reflejan a la perfección su más pura esencia. Y es que Yohji Yamamoto presenta una colección otoño-invierno heredera de su saber hacer.
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De esta manera, el universo femenino de este virtuoso del diseño pasa por abrigos que se superponen a vestidos que casi rozan los pies de quien los lleva; faldas y vestidos que, con su volumen, contrarrestan la sobriedad de los cortes rectos que el diseñador elige en su colección; camisas con algún toque distinguido que las hacen diferentes… Y en esta vorágine de piezas, la superposición tan propia de Yamamoto siempre presente. Superposiciones de tules que parecen no querer mostrar al exterior los secretos de una colección de moda y de un diseñador que gana adeptos por momentos, a pesar de la excentricidad de sus piezas. En cuanto a la paleta de colores con los que Yohji Yamamoto quiere pintar el universo de la mujer que lo aclama, el negro sigue siendo el rey. Un negro que, a veces, se combina con elegantes azules y puros blancos y que no viene sino a ratificar el halo de misterio, minimalismo y futurismo que rodea a todos y cada uno de sus diseños.
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SOBRIETY AND ECCENTRICITY, BY YOHJI YAMAMOTO Avant-garde to the extreme. This is how we could define the collection conceived by Yamamoto to dress the female body next autumnwinter. Coming from Tokyo, the city where he was born in 1943, Yohji Yamamoto has become a true advocate of avant-gardism ever since he decided that his life would revolve around the world of fashion. And if there is one thing that defines the designer's work, it's his passion for showing oversized silhouettes on the catwalk which, at times, are presented as a sort of curtains made from the most varied textures. In fact, his creations have often been described as theatrical, dark, reflective, minimalist, futuristic, and even philosophical. Yamamoto has not disappointed his fans, and he invites us to wear creations that, in every stitch, in every pattern, perfectly reflect his purest essence. Yohji Yamamoto presents an autumn-winter collection that is based on his knowhow.
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In this way, the feminine universe of this design virtuoso includes coats that overlap with dresses and almost touch the wearer's feet; skirts and dresses that, with their volumes, counterbalance the sobriety of the straight cuts chosen by the designer in his collection; shirts with a distinguished touch that makes them stand out... And in this maelstrom of pieces, the overlapping so typical of Yamamoto is everpresent. Overlapping tulles that don't seem to reveal the secrets of a fashion collection and of a designer who is growing in popularity by the minute, despite the eccentricity of his pieces. As for the colour palette with which Yohji Yamamoto wants to paint the universe of the woman who adores him, black is still king. His black is occasionally combined with elegant blues and pure whites, which only serves to reinforce the aura of mystery, minimalism, and futurism that surrounds every one of his designs.
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PRIMER PREMIO PRITZKER AFRICANO Nacido en Burkina Faso, el ganador es el primer arquitecto africano en ganar el premio más prestigioso de arquitectura. DE BURKINA FASO A BERLÍN: UNA REVELACIÓN ARTÍSTICA Diébédo Francis Kéré es el protagonista de una vida de éxito contra todo pronóstico. Nacido en 1965, Francis Kéré nació y creció en la pobreza mas absoluta de una pequeña aldea africana, una tierra sin agua potable, electricidad, infraestructura... ni arquitectura. Su aldea llamada Gando, situada en Burkina Faso (Africa Occidental), formada por un pequeño grupo de cabañas con tejado de cubierta vegetal, no tenía ni las mas mínimas comodidades. Allí ni siquiera había una escuela. Su padre, era el jefe local y tuvo la visión de mandar al niño a estudiar al pueblo vecino y después a la capital del país, Uagadugú, con el objetivo de que pudiera leerle los documentos oficiales que recibía como jefe de tribu. Todos los habitantes contribuyeron a pagar sus estudios. Así es como el joven se convirtió en el primero de su aldea que supo leer y escribir.
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Sin olvidar su origen humilde, Francis aprovechó la oportunidad y llegó mucho más lejos que como simple lector. A una edad muy temprana, su marcado gusto por la arquitectura se desarrolló como respuesta a la falta de comodidad en su vida, tanto en el hogar como en la escuela. La falta de ventilación y luz del aula de cemento donde pasaba horas junto a un centenar de niños, le provocó el deseo de cambiar y se hizo el firme propósito de edificar una escuela mejor... algún día. Desde su tierna infancia, soñaba con agrandar sus paredes y dejar respirar los espacios. No se imaginaba entonces que su primera obra importante sería precisamente un colegio para su pequeña aldea. Con solo veinte años, consiguió una beca de formación profesional que le llevó a estudiar carpintería a Berlin. Aprendió alemán y tras diez años de durísimos esfuerzos, económicos y personales, pasando por todo tipo de trabajos, obtuvo una segunda beca con la que logró su sueño y desarrollar su pasión: estudiar arquitectura. Consiguió admisión en la Technische Universität (Universidad Técnica) de Berlin, donde por fin, obtuvo su tituló de arquitecto poco antes de cumplir los 40 años (2004).
Pero Francis siempre pensó en su comunidad de origen y con gran esfuerzo y tesón, logró financiación altruista en Alemania. Su objetivo: construir un colegio en su aldea para que otros niños pudieran tener acceso a la educación sin salir del pueblo y caminar durante horas. En 1998 creó una fundación con su nombre para recaudar fondos y reivindicar el derecho infantil a estudiar en un aula adecuada. Su primera obra, en colaboración con sus paisanos nativos, muchos voluntarios, fue la Escuela Primaria de Gando (1999-2001). Con ella ganó el prestigioso premio Aga Khan Prize en 2004. Este premio se otorga a trabajos arquitectónicos dentro del entorno del mundo musulmán, especialmente a proyectos que demuestran una temprana sensibilidad hacia la arquitectura sostenible. Ese mismo año, 2004, Francis Kéré abrió su propio estudio de arquitectura en Berlín. Su Escuela de Gando, se comenzó en 1999. Justo ese año ganó el premio Pritzker, Sir Norman Foster, autor del Banco HSBC de Hong Kong. La gran paradoja es que este fue el edificio más costoso de la historia. Eran tiempos de esplendor para la “arquitectura espectáculo” y los arquitectos estrella.
S I C É N R A R KÉ PORT RE RE AN U T C E HIT E JU + ARC © MARÍA D
Mientras tanto, Francis Kéré, tardó tres años en construir una modesta escuela en su pueblo natal. Fue fabricada con tierra y ladrillos hechos a mano, bajo una estructura separada de una cubierta que sirve como sombrilla, sin sistemas mecánicos de ningún tipo y levantada a mano por los vecinos, casi todos voluntarios. Durante la década de los años 20, Francis Kéré realizó la construcción de otras obras, con presupuestos muy limitados, en Burkina Faso, Kenia, Mozambique y Uganda. Todos sus trabajos forman parte de un vasto proyecto con un único objetivo: aumentar el bienestar de las comunidades más desprotegidas. El arquitecto burkinés siempre ha estado comprometido con la justicia social y el derecho de todos a mejores condiciones de vida. Francis lo expresó con sus propias palabras al diario "Le Monde": “Tenía una idea: que incluso los más pobres e indigentes tienen derecho a vivir con comodidad y belleza”.
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SOFISTICACIÓN AL SERVICIO DEL BIENESTAR “Kéré sabe, desde su interior más profundo, que la arquitectura no se trata del objeto sino del objetivo. No se trata del producto, sino del proceso”, subraya el jurado en la nota de prensa. Es así como su trabajo con materiales locales adquiere una gran importancia desde su creación. El arquitecto africano explora formas híbridas que crean un diálogo entre lo tradicional y lo contemporáneo, con materiales locales que constituyen un soplo de modernidad y creatividad.
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Kéré contribuye al progreso integrando las dimensiones local, nacional, regional y global en un equilibrio muy personal entre experiencia de campo, calidad académica, baja tecnología, alta tecnología y multiculturalismo, verdaderamente es una combinación super sofisticada. La sensibilidad y humanidad de este arquitecto se puede ver en sus proyectos, diseñados para y con las comunidades locales. El uso de materiales naturales (madera, granito, arcilla, etc.) y la promoción del reciclaje dan testimonio de su preocupación por la ecología.
El reconocimiento de su obra no se otorgó exclusivamente al mérito de sus empresas logradas, sino también a la calidad de sus conceptos arquitectónicos, a la sofisticada inteligencia que conectaba lo necesario con lo bello y lo útil. También con lo posible, ya que incorporaba técnicas de construcción y materiales accesibles, que los propios usuarios y constructores fueran capaces de manejar. Así continuó con los otros proyectos en su aldea: viviendas para maestros en 2004, la ampliación de la escuela en 2008 y una biblioteca en 2010. La Escuela Secundaria y el Centro de Mujeres vinieron después.
La obra de Kéré pareció responder a un programa de desarrollo humano, realizado desde el estudio de un arquitecto capaz de dotar de un sentido profundo y necesario a cada obra, cambiando el destino de su comunidad. ENTRE LA UTOPÍA Y EL PRAGMATISMO De manera imparable, Burkina Faso y otros territorios africanos sintieron que habían encontrado en este joven, un apóstol capaz de liderar su proyección hacia el futuro. Francis recibió otros encargos en su tierra, en Dano, en Laongo y en Mali realizó el Centro de Arquitectura de Tierra en Mopti (2010) y las instalaciones para el Parque Nacional de Mali en Bamako (2010).
La mayor parte de los trabajos le surgían de los países pobres de su entorno, que reconocían su talento y esfuerzo: Mali, Mozambique, Kenia, Togo y Sudán. El orgullo y la confianza que ha sido capaz de transmitir a sus compatriotas se concretó cuando le encargaron el proyecto del nuevo Parlamento de Burkina Faso. Su proyecto es una simbólica pirámide de superficie habitable, cubierta de jardines, huertos y gradas, y está pendiente de construirse. La Asamblea Nacional de Benín, en Porto Novo, se encuentra actualmente en construcción, demostrando que el burkinés ha logrado convertirse en un símbolo del renacimiento africano y de la esperanza con la que todo el continente mira al futuro.
En 2017 publicó su libro “Radicalmente Simple” donde narra la importancia de colaborar con los residentes nativos de cada lugar. Francis Kéré sitúa las necesidades sociales e históricas en el centro de su pensamiento creativo. Su principal compromiso es con su propia comunidad natal. La habilidad técnica y los presupuestos ajustados no han sido capaces de contener su notable capacidad creativa, que está presente en obras utilitarias como la escuela secundaria Liceo Schorge en Koudougou (2016) y en numerosos pabellones con propósitos artísticos diseñados para Alemania, Dinamarca, Italia, Estados Unidos, Reino Unido y Suiza.
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En Estados Unidos ha construido Xylem (2019), un pabellón al aire libre para el Tippet Rise Art Center en Montana. Evoca la estructura viva de un árbol, un hermoso lugar para reunirse o meditar. Su obra más conocida es el brillante pabellón realizado en 2017 para la Serpentine Gallery de Londres. Allí juega con dos elementos autónomos, una cubierta y un muro curvo, para crear un juego espacial que alude al gran árbol solitario bajo el que celebraban reuniones comunitarias en su aldea. También trasladó este concepto de Londres a la instalación de su exposición en el Museo ICO de Madrid en 2018, realizada por él mismo. Esta ha sido su única obra en España, hasta el momento. La exposición era un muestrario del tipo de materiales y formas que utilizan sus obras: muros de barro, telones textiles, masas con troncos de madera, elementos ligeros metálicos. Están recogidos por el comisario, Luis Fernández-Galiano, en un espléndido catálogo. Tuve la suerte de poder visitar esta exposición y la recuerdo como una explosión de colorido cubriendo paredes de formas curvas y contra-curvas. Fue una inmersión en interesantes ambientes envolventes de formas sinuosas que funcionaban mas allá de la pura construcción, parecían abrazar al visitante con el calor de sus pinturas africanas de vivo colorido. CAMBIO DE PERSPECTIVA UNIVERSAL Nunca como hoy hemos sido tan conscientes de que los tiempos cambian. La pandemia mundial y la guerra en Ucrania son solo las últimas gotas en el océano de la transformación mundial.
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A partir de la crisis mundial del 2008, los aparatosos despilfarros arquitectónicos han perdido toda su reputación. Es cierto que aún permanecen en lugares vinculados al negocio de las fuentes de energías fósiles, pero el reproche implícito a este tipo de proyectos ha logrado que el entorno cultural de la arquitectura haya cambiado de paradigma. Los nuevos héroes trabajan con tierra y palos, en lugares de extrema pobreza. Construyen obras con presupuestos microscópicos, pero mantienen puentes con Europa y Norteamérica. Dan visibilidad a un trabajo riguroso y exigente, volando a menudo entre el Primer Mundo en el que tienen sus estudios y el Tercer mundo donde realizan las obras.
La huella de carbono menos dañina es la que dejan ellos, estableciendo vasos comunicantes entre los lugares más distantes del planeta en renta per capita y calidad de vida. Nutrida por raíces en dos continentes, la savia del árbol arquitectónico de Francis Kéré, bebe de lo mejor de ambos mundos. El ha logrado una síntesis personal y universal al mismo tiempo. Esto confiere a sus obras de un carácter clásico, arquetípico e intemporal. Se trata de un arquitecto formidable, sensible, comprometido, inteligente, astuto y visionario, que descubrió el camino para hacer realidad una revolución con ejemplos palpables.
Lo que imaginó de niño, aquella escuela rural para su aldea en Burkina Faso, se hizo realidad. Encontró la manera de financiarla y realizarla. Y no sólo eso, el modelo sirvió para nuevos edificios a su alrededor y para otros lugares que vieron que ese tipo de expansión era posible. Un solo hombre cambió el futuro de todo su pueblo.
Su sencilla alegría, procede de la utilidad de su labor, de su capacidad para contribuir a la armonía y a la felicidad, con la firme voluntad de servir de ejemplo a los más jóvenes. Es admirable que siempre muestra una sincera falta de protagonismo, lo que no ha sido capaz de ocultar su enorme valor profesional y humano.
El arquitecto suele decir, en relación con los africanos más jóvenes, que hay que advertirles de que no van a encontrar su futuro en Europa. Francis sugiere que hay que retenerlos en sus países, financiando proyectos como los suyos, para mantenerlos radicados en sus pueblos natales. Sus palabras y trabajos reflejan su personalidad y empatía por sus semejantes.
PRITZKER PRIZE, EL “NOBEL DE ARQUITECTURA” Creado por el empresario Jay Pritzker en 1979, el Pritzker, considerado el “Nobel de los Arquitectos”, recompensa a aquellos que han hecho una contribución significativa a la arquitectura.
Otorgado por un jurado independiente, brinda visibilidad y reconocimiento al ganador. El premio de 100.000 $ es financiado por Hyatt, la cadena hotelera internacional. El premio Pritzker se hace honor a sí mismo escogiendo para este galardón al primer africano. Se trata de un creador que va por libre, cuyo prestigio ha crecido en una dirección contraria a la arquitectura que el jurado de estos galardones solía escoger cuando el burkinés empezó a trabajar. Durante los años en que Kéré construía sus primeros proyectos en Africa, otros “mega stars” ganaban el premio Pritzker, como Rem Koolhaas (2000) y Herzog & de Meuron (2001). En los años siguientes lo recibirían Zaha Hadid (2004), Thom Mayne (2005), Richard Rogers (2007) y Jean Nouvel (2008), coincidiendo con la crisis financiera global de 2008, que fue causada específicamente por la caída del mundo inmobiliario. Este premio 2022 supone una continuidad en el cambio de mirada que el jurado viene manteniendo sobre el panorama arquitectónico durante los últimos años. Recientemente ha galardonado actitudes sostenibles y solidarias en los trabajos de Shigeru Ban (2014), Alejandro Aravena (2016), el indio Balkrishna Doshi (2018) y el equipo Anne Lacaton y Jean-Philippe Vassal, el año pasado.
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Esto ni siquiera supone que la brecha de la desigualdad se haya estrechado, ni que la práctica de la arquitectura se distancie de los intereses del mercado inmobiliario. Pero por lo menos, marca el camino hipotético que debemos recorrer para que la arquitectura llegue a los mas necesitados y para que las prácticas de construcción sean compatibles con el futuro del planeta. “Espero haber podido demostrar el poder que una comunidad posee y cómo la arquitectura puede ser algo que inspire a toda comunidad para dar forma a su futuro.”
En esta edición este premio ha sido muy justamente otorgado. Kéré es especialmente conocido por su compromiso con una mayor justicia social, implicando la participación de las comunidades locales en sus proyectos y el uso de materiales naturales de cada lugar. Se ha convertido en el primer africano en recibir la distinción suprema del mundo de la arquitectura. El trabajo de Francis Kéré nos recuerda la lucha necesaria para cambiar los patrones insostenibles de producción y consumo, mientras nos esforzamos por proporcionar edificios e infraestructura adecuados para miles de millones de personas necesitadas.
Ese compromiso y sentido de responsabilidad con su gente es el valor que el jurado ha desatacado para convertirle en el laureado este año. La obra de Francis Kéré no habla de sí mismo. Habla de la necesidad de quienes la reciben. Significa un mensaje sobre el respeto con el que ellos deben ser tratados, aunque sean los clientes más pobres del mundo. Porque su pasión y su trabajo se dirigen a sus compatriotas más humildes, en un país como Burkina Faso, uno de los de menor renta per capita, incluso dentro de África. En el mundo de los arquitectos de éxito, Kéré representa valores auténticos y su obra está llena de verdad y de amor por sus semejantes.
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FIRST AFRICAN PRITZKER PRICE WINNER Born in Burkina Faso, he is the first African architect to win the most prestigious architecture award. FROM BURKINA FASO TO BERLIN: AN ARTISTIC REVELATION Diébédo Francis Kéré is the protagonist of a successful life against all odds. Born in 1961, Francis Kéré grew up in absolute poverty, in a small African village, a land without clean water, electricity, infrastructure... or architecture. His village called Gando, located in Burkina Faso (West Africa), made up of a small group of grass-roofed huts, had not even the slightest amenities. There wasn't even a school. His father was the local chief and had the vision of sending the boy to study in the neighbour village and later in the country's capital, Ouagadougou. His goal was that the kid could read for him the official documents he received as tribal chief. All the inhabitants contributed to pay for his studies. This is how the youngster became the first in his village who knew how to read and write. Without forgetting his humble origins, Francis seized the opportunity and went much further than being a simple reader.
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At a very early age, his marked taste for architecture developed in response to the lack of comfort in his life, both at home and at school. The lack of ventilation and light in the cement classroom where he spent hours with a hundred children, made him feel the need to change. He then made a firm resolution to build a better school... one day. From his early childhood, he dreamed of enlarging the walls and letting the spaces breathe. He did not imagine then that his first important work would be precisely a school for his small village. With only twenty years old, he got a vocational training scholarship that took him to study carpentry in Berlin. He learned German and after ten years of very hard economic and personal efforts, going through all kinds of jobs, he obtained a second scholarship with which he achieved his dream and his passion: to study architecture. He gained admission to the Technische Universität in Berlin (Technical University), where he finally obtained his architecture degree shortly before his 40th birthday (2004). But Francis always thought of his community of origin and with great effort and determination, he managed to obtain altruistic financing in Germany. His goal: to
build a school in his village so that other children could have access to education without leaving the village and walking for hours. In 1998 he created a foundation with his name to raise funds and claim the right of children to study in a proper classroom. His first work, in collaboration with his native countrymen, many volunteers, was the Gando Elementary School (1999-2001). With this work he won the prestigious Aga Khan Award in 2004. This award is given to architectural works within the Muslim world, especially projects that demonstrate an early sensitivity to sustainable architecture. That same year, 2004, Francis Kéré opened his own studio in Berlin. The Gando School, was started in 1999. Just that year, the Pritzker Prize was won by Sir Norman Foster, author of HSBC, the Hong Kong Bank. The great paradox is that this was the most expensive building in history when it was completed in 1986. Those were times of splendour for show architecture and “star architects”. Meanwhile, Francis Kéré, built a modest school in his hometown. It was made with earth and handmade bricks, under a separate structure with a roof that serves as an umbrella, without mechanical systems of any kind and raised by hand by the neighbours, many of them volunteers.
S I C É N R A R KÉ ORT E REP R U T N C HITE E JUA + ARC © MARÍA D
In that period, other "mega stars" won the Pritzker Prize, such as Rem Koolhaas (2000) and Herzog & de Meuron (2001). In the following years Zaha Hadid (2004), Thom Mayne (2005), Richard Rogers (2007) and Jean Nouvel (2008) would receive it, coinciding with the global financial crisis of 2008, caused specifically by the real estate fall. During the decade of the 20’s Francis Kéré created other buildings and establishments in Burkina Faso, Kenya, Mozambique and Uganda as part of a vast project. His goal was to improve the well-being of the native communities. The Burkinabé architect has always been committed to social justice and the right of all to better living conditions. In his own words, Kéré told the newspaper "Le Monde”: "I had this idea, that even the most poor and destitute have a right to live in comfort and beauty.”
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LAB
SOPHISTICATION AT THE SERVICE OF WELLBEING “He knows, from his deep inside, that architecture is not about the object but the objective. It is not about the product, but the process” underlines the jury in a press release. This is how his work on local materials is of major importance in his creation. The African architect explores hybrid forms that create a dialogue between the traditional and the contemporary, using local materials that bring a breath of modernity and creativity. Kéré contributes to the debate by integrating the local, national, regional and global dimensions in a very personal balance between field experience, academic quality, low tech, high-tech. It’s truly a combination of sophisticated multiculturalism. The sensitivity and humanity of this architect can be seen in his projects, designed for and with local communities, while the use of natural materials (wood, granite, clay, etc...) and the promotion of reuse and recycling testify to his ecological concerns. The recognition of his work was not granted exclusively to the merit of the company achieved, but also to the quality of his architectural concepts, to the sophisticated intelligence that connected the necessary with the beautiful and the useful. Also with what was possible, since it incorporated construction techniques and accessible materials, which the users and builders themselves were capable of handling. This continued with other projects in his native village: teachers' housing in 2004, the expansion of the school in 2008 and the library
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in 2010. The Secondary School and the Women's Center came later. Kéré’s work seemed to respond to a program of human development, carried out from the studio of an architect capable of giving each work a deep and necessary meaning, changing the destiny of his community. BETWEEN UTOPIA AND PRAGMATISM Unstoppably, Burkina Faso and other African territories felt that they had found in this young man, an apostle capable of leading their projection into the future. He received other commissions in his home land, in Dano and in Laongo, and later in Mali he created the Center for Earthen Architecture in Mopti (2010) and the installations for the National Park of Mali in Bamako (2010). Most of the works came from poor countries around him, which recognised his talent and effort: Mali, Mozambique, Kenya, Togo and Sudan.
The pride and confidence that he has been able to transmit to his compatriots materialised with the commissioning of the project for the new Parliament of Burkina Faso. He resolved it with a symbolic pyramid of habitable surface, covered with gardens, orchards and stands. It is pending construction. The National Assembly of Benin, in Porto Novo, is currently under construction, demonstrating that Kéré has managed to become a symbol of the African renaissance and an icon of the hope with which he looks to the future of the entire continent. In 2017 he published his book “Radically Simple” where he tells the value of collaborating with native residents. Francis Kéré places social and historical needs at the heart of his creative thinking. His main commitment is with his own native community.
Technical skill and tight budgets have not been able to contain his remarkable creative capacity, which is present in utilitarian works such as the Liceo Schorge High School in Koudougou (2016), and in numerous pavilions with artistic purposes designed for Germany, Denmark, Italy, United States, United Kingdom and Switzerland. In the United States he has built Xylem (2019), an open-air pavilion for the Tippet Rise Art Center in Montana. It evokes the living structure of a tree, a beautiful place to gather or meditate. His best-known work is the brilliant pavilion made in 2017 for the Serpentine Gallery in London. There he plays with two autonomous elements, a roof and a curved wall, to create a spatial game that alludes to the large solitary tree under which the community in his village held their meetings.
He also transferred the idea from London to the installation of his exhibition at the ICO Museum in Madrid in 2018. Made by himself, it is his only work in Spain... till this date. The exhibition was a sample of the type of materials and forms that he normally uses: mud walls, textile curtains, masses with wooden trunks, light metallic elements. They are collected by the curator, Luis Fernández-Galiano, in a splendid catalogue. I was lucky enough to be able to visit this exhibition and I remember it as an explosion of colour covering curved and counter-curved walls. It was an immersion in interesting enveloping environments of sinuous forms that worked beyond pure construction. They seemed to embrace the visitor with the warmth of their colourful African paintings.
GLOBAL CHANGE OF PERSPECTIVE Never like today have we been so aware of the times change. The global pandemic and the war in Ukraine are just the last drops in the ocean of global transformation. Since the world crisis of 2008, the spectacular architectural waste has lost its reputation. It is true that they remain in places linked to the business of fossil energy sources, but the implicit reproach of this type of project has meant that the cultural environment of architecture has changed its paradigm. The new heroes work with earth and sticks, in places of extreme poverty. They carry out works with microscopic budgets but maintain bridges with Europe and North America. They give visibility to a rigorous and demanding work, often flying between the First World in which they have their studios, and the Third World where they carry out their works. They leave the least harmful carbon footprints, establishing connecting vessels between the most distant places on the planet with the lowest income per capita and those with the highest quality of life. Nourished by roots on two continents, the sap of Kéré's architectural tree drinks from the best of both worlds, achieving a personal and universal synthesis at the same time, which gives his works a classic, archetypal and timeless character. He is about a formidable, sensitive, committed, intelligent, astute and visionary architect, who discovered the way to make a revolution a reality with palpable examples.
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What he imagined, that rural school for his village in Burkina Faso, became a reality. He found a way to finance and carry it out. Furthermore, the initial model was used for new buildings around it and later, for other places that saw that this type of action was possible. A single man changed the future of his entire town. The architect often says, in relation to the youngest Africans, that they must be warned that they will not find their future in Europe. He tips that they must be kept in their countries by financing projects like his, to keep them rooted in their native countries. His words and works reflect his personality, empathy for his fellow men, a simple joy that comes from the usefulness of his job, from his ability to contribute to harmony and happiness. He has the firm will to serve as an example to the most young. He shows a sincere lack of prominence that has not been able to hide his enormous value, both professional and human.
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Francis Kéré's work reminds us of the struggle needed to change unsustainable patterns of production and consumption, as we strive to provide adequate buildings and infrastructure for billions of people in need. This does not even imply that the inequality gap has narrowed, nor that the practice of architecture distances itself from the interests of the real estate market, but it marks a path that must be traveled so that architecture reaches the most needy and that the construction practices are compatible with the future of the planet. Unlike almost any other architect, Francis Kéré stands for the association of constructive, social, and cultural aspects of building. He made a name for himself not only with his designs for Christoph Schlingensief’s Opera Village Africa.
He has received numerous international awards, primarily for his building projects in his native country of Burkina Faso. His structures join his formal training in Berlin Technische Universität with the traditional building methods of his native origins. In doing so, he places local social and historical needs at the center of his design concepts. The innovative thing about this work is that he relies on the inhabitants. They are trained to become professionals and thus the constructors of their own future.
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His book “Radically Simple” is the first monograph on his extensive oeuvre and provides unique insight into the creative work of this outstanding architect. He renders visible the fact that architecture not only revolves around buildings, but always around people as well. PRITZKER PRIZE, “THE NOBEL OF ARCHITECTURE” The Pritzker was created by businessman Jay Pritzker in 1979. It is considered the “Nobel for Architects”, rewarding those who have made a significant contribution. Awarded by an independent jury, it brings visibility and recognition to the winner, with $100,000 financed by Hyatt, the international hotel chain. This 2022 award represents a continuation in the change of perspective on the architectural panorama that the Pritzker jury has maintained in recent years. They have awarded sustainable and supportive attitudes in the works of Shigeru Ban (2014), Alejandro Aravena (2016), the Indian Balkrishna Doshi (2018) and the Anne Lacaton and Jean- Philippe Vassal team last year. For this 2022 edition, the Pritzker is a fair award since Kéré is particularly known for his commitment to greater social justice. It also involves the participation of local communities in his projects and the use of natural materials. He has just became the first African to receive the supreme distinction in the world of architecture.
Kéré is a freelance creator, whose prestige has grown in the opposite direction to the architecture that the jury of these awards chose when he started working. “I hope I have been able to demonstrate the power that a community has and how architecture can be something that inspires every community to shape its future.” Kéré’s commitment and sense of responsibility with his own people is the value that the jury has highlighted to make him the winner this year. Francis Kéré’s work does not speak about himself. He speaks about the need of those who receive it and about the respect with which they should be treated, even if they are the poorest clients in the world. Also because his passion and work is aimed at the wellbeing of his compatriots in a country like Burkina Faso, one of the countries with the lowest income per capita even within Africa. In the world of successful architects, Kéré represents authentic values and his work is full of truth and love for his fellow men.
+ ART
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FOVISMO El Fovismo fue el primero de los movimientos de la llamada arte de vanguardia que floreció en Francia en los primeros años del siglo XX. Los pintores Fovistas fueron los primeros en romper con el impresionismo y con los métodos tradicionales de percepción tradicionales. Su representación espontánea, a menudo subjetiva, de la naturaleza se expresa en pinceladas atrevidas, no disimuladas, con colores vibrantes y de alta intensidad, aplicados directamente desde el tubo. La pintura en tubo (tipo pasta de dientes) estaba recién inventada pues hasta entonces utilizaban pigmentos en polvo o pasta sólida. El fovismo nace de la influencia directa del Impresionismo, corriente que buscaba plasmar la realidad tal como se veía, prestando especial atención a la luz. Los fovistas están en deuda también con las fuentes del finales del Siglo XIX, especialmente con la obra de Vincent Van Gogh, auténtico mago del color. El fue el pionero en pintar directamente del tubo.
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El Fovismo o Fauvismo fue un movimiento pictórico francés de escasa duración. Se desarrolló entre 1904 y 1908 aproximadamente. Los artistas amantes de un rabioso cromatismo, utilizaron colores puros y brillantes aplicados casi agresivamente, directamente del envase de pintura al lienzo, expandiéndolo con el pincel, para crear una sensación de explosión en el lienzo. El fauvismo se convertiría en el primer nuevo estilo artístico del siglo XX que influyó enormemente en estilos posteriores, como el Pop Art con sus brillantes tonos. En contraste con la naturaleza oscura y vagamente perturbadora del Simbolismo de fin de siglo o el luminoso Impresionismo de principios de siglo, los Foves produjeron brillantes paisajes alegres y pinturas de figuras, caracterizadas por colores vivos y pinceladas distintivas. En 1905 se mostró en el Salon d'Automne, una exposición organizada por artistas en respuesta rebelde a las políticas conservadoras de las exposiciones oficiales en París. El contraste con el arte tradicional fue tan sorprendente que llevó al crítico Louis Vauxcelles a llamarles, a modo de insulto,
O M S I V O
T REPOR T R A + JUAN ÍA DE R A M ©
“bestias salvajes", y así fue como nació el nombre. Tras contemplar las gamas cromáticas estridentes y agresivas de los cuadros expuestos, les atribuyó el término "fauves", que en español significa fieras. El nombre asignado era en origen un calificativo peyorativo, como les sucedió a otros movimientos artísticos del Siglo XX. Lo curioso es que fue asumido por el público y posteriormente introducido en la historia del arte sin connotaciones despectivas. El movimiento se fraguó en torno a Henri Matisse que es, sin duda, su máximo representante. En torno a él, otros artistas franceses participaron o compusieron en el estilo del movimiento. Destacan Andre Derain, Albert Marquet y Kees Van Dongen. En 1906 se unieron también Georges Braque y Raoul Dufy. Aunque es un caso aparte, realmente inclasificable, también adoptan la cromática fovista muchas de las obras de Marc Chagall, genio ruso afincado en Paris. En realidad, el Fovismo no fue un movimiento conscientemente definido y careció de un manifiesto. Mas bien, constituyó un mosaico de aportaciones donde cada pintor acometía sus obras como una experiencia personal cargada de espontaneidad y de frescura.
Les unió la actitud violenta con la que se enfrentaron a los convencionalismos de la época, rechazando las reglas y los métodos racionales establecidos. Reaccionaron contra el Impresionismo y contra la importancia que éstos habían dado a la luz real a costa de la pérdida del color. Los fovistas creían que a través de los colores podían expresar sentimientos. Esta filosofía condicionó su forma de pintar. No buscaban una representación naturalista, sino realzar el valor del color por sí mismo. Por ello, rechazaron la paleta de tonos suaves empleada por los impresionistas, a favor de colores casi violentos para crear un mayor énfasis expresivo. Emplearon una pincelada directa y vigorosa, con toques gruesos, sin mezclas, evitando matizar los colores. Sus figuras resultan planas, lineales, encerradas en gruesas líneas de contorno. Sus creaciones responden a un ejercicio de sintetización. Buscaban la máxima intensidad emocional combinada con la máxima simplificación de elementos. Por ello renunciaron a la perspectiva clásica, al claroscuro y al modelado de los volúmenes. La luz tiende a desaparecer y con ella la profundidad. Sus temas son retratos, naturalezas muertas, personajes en interiores y paisajes hermosos.
+ ART
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son: La alegría de vivir, La habitación roja y La Danza.
Otra de sus características, es el gusto por la estética de las estatuas y máscaras africanas. El arte de los pueblos primitivos no es imitativo, sino que plantea un evidente alejamiento de las formas naturalistas y tiende a la esquematización. Para hablar de los orígenes o precedentes de este estilo, tenemos que recordar a Van Gogh y a Gauguin, ya que ambos, huyendo del impresionismo, adoptaron una ejecución libre y personal, impulsiva y pasional. Ambos apostaron por obras intensamente coloreadas. HENRI MATISSE Considerado el líder de los fauvistas, fue el único entre ellos que no cambió su dirección en toda su vida. Su pasión era expresar sentimientos a través del uso del color y de la forma. Su primera formación fue dentro de la tradición académica, en el estudio de uno de las figuras claves del Simbolismo, Gustave Moreau. Allí estudió junto a su compañeros, que también se hicieron fovistas, Albert Marquet y Georges Roualt. Realizó numerosas copias de cuadros de maestros clásicos y también estudió el arte de sus contemporáneos, sobre todo de los impresionistas, para después comenzar su propia experimentación. Sus obras fovistas mas conocidas +70
La verdadera liberación artística de Matisse, referida al uso del color como creador de formas y planos espaciales, se produjo bajo la influencia de Van Gogh y Gauguin. También adoptó la técnica puntillista de Signac, pero la modificó aplicando pinceladas más amplias. En su obra “La alegría de vivir” (1905) resume su aprendizaje inicial de los cuadros clásicos, de Gauguin, de las estampas japonesas y de los iconos persas y bizantinos. Será la obra clave de su carrera. Es una escena fruto de su imaginación, totalmente subjetiva. Utilizó el tema clásico de las bañistas y las odaliscas orientales, traspasándolas a un ambiente occidental. Definió los espacios mediante amplias áreas de colores sin matizar, estructurados por medio de las líneas de los cuerpos, que dirigen la vista del espectador y marcan el ritmo de la composición. La construcción con el color y la simplificación formal dominaban sus cuadros con gran audacia y seguridad. Matisse dibuja con el color, que es el que da entidad a la pintura pudiendo desempeñar el papel de dibujo, perspectiva y sombra de volúmenes. En su obra hay alegría y serenidad. Es un arte amable, apacible, un camino hacia la profundidad de sí mismo.
Matisse recibió un reconocimiento internacional durante su vida ganándose la aprobación de los críticos de arte y de los coleccionistas. Uno de los encargos más importantes fueron dos pinturas, “La música” y “La danza”, donde volumen y ritmo se conjugan armoniosamente. Utilizó sólo tres colores para imprimir movimiento a los bailarines que parecen flotar en el aire al compás de un ritmo alegre. ANDRE DERAIN La mayor parte de la producción fauvista son personajes campestres y urbanos, como los paisajes y las vistas de Londres de André Derain. Muestran colores puros, a menudo aplicados sobre el lienzo directamente con el tubo, pinceladas irregulares y despreocupación por la perspectiva o por la representación realista. Hacia 1908 Derain comienza a experimentar con otros estilos. La influencia de Cézanne le lleva a un colorido más sosegado y a un mayor control en sus composiciones. En “Las bañistas” (1908), copiándo el tema de Matisse, Dérain intenta combinar las innovaciones de los pintores anteriores, como Monet y Cézanne. Le influyó el Cubismo y el Primitivismo de la escultura africana que le inspiraron en sus obras cada vez mas geométricas. Sus últimas obras, posteriores a 1912, mostrarán cada vez más la influencia de estilos diversos.
+ ART
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En resumen, el Fovismo, fue un movimiento muy breve que se caracteriza por la utilización de colores puros y estridentes, casi fluorescentes. El color se convierte en protagonista absoluto para delimitar, proporcionar volumen, relieve y perspectiva a las obras con temática similar a los impresionistas que les preceden. Todos pintan paisajes, retratos y escenas de la vida cotidiana. A diferencia del Impresionismo, los fauvistas, transmiten con su pintura, un grito de optimismo por medio del color. El arte fauvista buscó retomar el estado natural del hombre por medio de una estética primitiva. Los artistas de este movimiento no se preocupaban por los aspectos de la composición de la pintura, sino por sus cualidades expresivas. Su pasión es la representación simbólica de las emociones a través de los colores, cuanto mas vivos mejor, plasmando figuras y formas en vibrantes composiciones. Los fauvistas evitaron temas deprimentes, concentrándose en representar asuntos triviales y alegres, sin connotaciones políticas o críticas.
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Este estilo de pintura se constituyó como un arte de equilibrio, pureza y glorificación de los instintos y de las sensaciones vitales. Los artistas plasman sus impresiones visuales en sus telas. El fauvismo influyó tambien en la literatura, representada por el libro “Jazz”, de Henri Matisse, donde aparecen obras suyas así como de otros artistas y algunos artículos. La corriente artística del fauvismo se caracteriza por el uso de colores fuertes y brillantes como el rojo, verde, amarillo, azul y morado, utilizados sin relación con la realidad. Por medio del uso de los colores en su estado puro, los pintores simplifican las formas, delimitan y modelan los volúmenes a base de una graduación inexistente de matices de colores. También utilizan pinceladas largas y espontáneas para delimitar los planos y crear sensaciones de profundidad. Otra característica es que sus gruesos trazos dan una apariencia de desorden. Este caos es enfatizado por cierto grado de deformación de los objetos y de las personas, que a menudo aparecen con expresiones grotescas. El fauvismo no fue una corriente artística organizada, pero reunía y compartía características comunes en las pinturas durante un breve período.
El movimiento fovista ha sido comparado con el Expresionismo Alemán, por su proyección de colores brillantes, extremadamente vibrantes y pinceladas fuertes y espontáneas. Los franceses estaban mas preocupados por los aspectos cromáticos de la composición pictórica mientras que los expresionistas alemanes estaban mas involucrados en la profundidad psicológica de sus temas. El movimiento pictórico fue de corta duración. Para 1910, los artistas del grupo habían divergido hacia intereses más individuales. Sin embargo, este estilo sigue siendo significativo, ya que demostró la capacidad del arte moderno para evocar reacciones emocionales intensas a través de una forma visual radical.
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FAUVISM Fauvism was the first of the avant-garde movements that flourished in France in the early years of the twentieth century. Fauve painters were the first to break with impressionism and with the oldest traditional methods of perception. His spontaneous, often subjective, response to nature was expressed in bold, unobtrusive brushstrokes and vibrant, high-intensity colours directly from the tube. Painting in tubes had just been invented. Until then, they could only use pigments or solid paste. Fauvism is born from the direct influence of Impressionism, a current that sought to capture reality as it looked, paying special attention to light. The fauvist artists are indebted to the sources of the late 19th century, especially to the work of Vincent Van Gogh, a true magician of color. Fauvism was a French pictorial movement of short duration, developed between 1904 and 1908 approximately.
The artists, who love a rabid chromaticism, used pure and bright colours applied almost aggressively, directly from the paint tubes, to create a sense of explosion on the canvas. Fauvism developed in France to become the first new artistic style of the twentieth century that influenced later styles. In contrast to the dark and vaguely disturbing nature of the symbolic art of the end of the century or the bright impressionism of the beginning of the century, the Fauves produced bright cheerful landscapes and paintings of figures, characterised by vivid colours and distinctive brushstrokes. In 1905, an exhibition organised by artists in response to the conservative policies of official exhibitions or shows in Paris was shown at the “Salon d’Automne”. The contrast with traditional art was so surprising that it led the critic Louis Vauxcelles to call them "wild beasts", and the name was born. After contemplating the strident and aggressive color ranges of the paintings on display, he attributed the term "fauves" to them (in Spanish means wild animals). The name assigned was originally a qualifying pejorative, as happened to other artistic movements of the twentieth century.
M S I V U FA
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The funny thing is that it was assumed by the public and subsequently introduced into the history of art without derogatory connotations. The movement was built around Henri Matisse who was its maximum representative. Around him, other French artists participated or composed in the style of the movement. They highlights are Andre Derain, Albert Marquet and Kees Van Dongen. In 1906 George Braque and Raoul Dufy also joined. A separate case, although many of his works also adopt Fauve color, is the Russian based in Paris, Marc Chagall. Fauvism was not a consciously defined movement and lacked a manifesto. It was a mosaic of contributions where each painter undertook his work as a personal experience full of spontaneity and freshness. They were joined by the violent attitude with which they faced the conventions of the time, rejecting the established rational rules and methods. They reacted against Impressionism and against the importance they had given to real light at the cost of colour loss. The fauvists believed that through colours they could express feelings. This philosophy conditioned their way of painting.
They were not looking for a naturalistic representation, but to enhance the value of colour by itself. Therefore, they rejected the soft palette of tones used by the Impressionists, in favor of almost violent colours to create a greater expressive emphasis. They used direct and vigorous brushstroke, with thick touches, without mixtures, avoiding shading the colours. The figures are flat, linear, enclosed in thick contour lines. Their creations responded to an exercise in synthesization. They sought the maximum emotional intensity combined with the maximum simplification of elements. That is why they renounced the classical perspective, chiaroscuro and modelling of volumes. The light tends to disappear and with it, the depth. The subjects are portraits, still lives, interior characters and beautiful landscapes. Another of its characteristics is the taste for the aesthetics of African statues and masks. The art of primitive peoples is not imitative, but it raises an obvious departure from naturalistic ways to tend to schématisations. To talk about the origins or precedents of this style, we have to remember Van Gogh and Gauguin, since both fleeing from Impressionism, took a free and personal, impulsive and passionate execution. Both opted for intensely coloured works.
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HENRI MATISSE Considered the leader of the Fauvists, he was the only one who did not change his direction in his entire life. His passion was to express feelings through the use of color and form. His first training was carried out within the academic tradition in the atelier of Gustave Moreau, being a fellow student of Albert Marquet and Georges Roualt. He made numerous copies of the paintings of the old masters while studying contemporary art, especially that of the Impressionists, and later started his own experimentation. His most fovist works are: “The Joy of Living”, “The Red Room” and “The Dance”. Matisse's true artistic liberation, referring to the use of color as the creator of spatial forms and planes, occurred under the influence of Van Gogh and Gauguin. He also adopted the Signac pointillist technique, but modified it by applying broader brushstrokes. In his work "The Joy of Living" (1905) he summarises his initial learning of classical paintings, Gauguin, Japanese prints and Persian and Byzantine icons. It will be the key work of his career. It is a scene fruit of his imagination, totally subjective. +76
He used the theme of bathers and oriental odaliscas, transferring them to a western environment. He defined the spaces by means of wide areas of colours without shading, structured by means of the lines of the bodies, that direct the view of the spectator and mark the rhythm of the composition. The construction with color and formal simplification dominated his paintings with great audacity and security. Matisse draws with color, which is what gives the painting an entity, being able to play the role of drawing, perspective and shadow of volumes. In his work there is joy and serenity. It is a kind, gentle art, a path into the depth of himself. Matisse received international recognition during his life earning the approval of art critics and collectors. One of his most important commissions were two paintings, "The music" and "The dance", where volume and rhythm are harmoniously combined. He used only three colours to print movement to dancers who seem to float in the air at the rhythm of a cheerful rhythm. ANDRE DERAIN Most of the Fauvist production are country and urban characters, such as "Bridge in London" (1906) by André Derain.
They show pure colours, often applied on the canvas directly with the tube, irregular brushstrokes and carelessness for perspective or for realistic representation. By 1908 Derain began experimenting with other styles. Cézanne's influence leads him to a quieter color and greater control in his compositions. In “Bathers” (1908) he tries to combine the innovations of the previous painters, such as Monet and Cézanne. He was influenced by Cubism producing geometric works such as “The Old Bridge of Cagnes” and the Primitivism of African sculpture. His latest works, after 1912, will increasingly show the influence of diverse styles. In summary, fauvism is characterised by the use of pure and strident, almost fluorescent colours. Colour becomes an absolute protagonist to delimit, provide volume, relief and perspective to works with themes similar to the impressionists that precede them. Both paint landscapes, portraits and scenes of everyday life. The difference with Impressionism is that the Fauvists transmit with their painting, a cry of optimism through colour.
Fauvist art sought to resume the natural state of man through a primitive aesthetic. The artists of this movement did not care about the aspects of painting composition, but about their expressive qualities. Their passion is the symbolic representation of emotions through colours, the more alive the better, capturing figures and shapes in vibrant compositions. Fauvists depict trivial and joyful matters, without political or critical connotations. This style of painting was constituted as an art of balance, purity and glorification of instincts and vital sensations. Artists capture their visual impressions on their fabrics. Fauvism also influenced literature, represented by the book “Jazz”, by Henri Matisse, where his works as well as other authors and some articles. The artistic current of Fauvism is characterised by the use of strong and bright colours such as red, green, yellow, blue and purple, used without relation to reality. Another feature is that thick strokes give an appearance of disorder. This chaos is emphasised by a certain degree of deformation of objects and people, which often appear with grotesque expressions. Fauvism was not an organised artistic trend, but it gathered and shared common characteristics
Through the use of colours in their pure state, painters simplify shapes, delimit and model volumes through a non-existent graduation of nuances of tones. They also use long and spontaneous brushstrokes to delimit the planes and create depth sensations.
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in the paintings for a brief period, specifically with strong brushstrokes and an extremely vibrant colour. The Fauvist movement has been compared to German Expressionism, for its projection of bright colours and spontaneous brushstrokes. The French were more concerned with the chromatic aspects of the pictorial composition while the German expressionists were more involved in the psychological depth of their subjects. The pictorial movement was short lived. By 1910, the artists of the group had diverged towards more individual interests. However, Fauvism remains significant, as it demonstrated the ability of modern art to evoke intense emotional reactions through a radical visual form.
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T REPOR N O I H + FAS NTARA ALCÁ O Í C RO
VOLÚMENES EN EL ROCHAS DE CHARLES DE VILMORIN Vivacidad, modernidad, elegancia y sofisticación se convierten en piezas clave de una colección de Rochas en la que se respira una verdadera joie de vivre. Voluminosa hasta decir basta. Si de alguna manera tuviésemos que definir la colección presentada por Charles de Vilmorin para Rochas para el próximo invierno sería esta. Y es que el jovencísimo diseñador francés, al frente de la maison desde 2021, busca llenar de volúmenes imposibles, a la par que sofisticados y elegantes, las tardes y noches de un invierno en el que la mujer que elija vestir su silueta con prendas de la casa no pasará en absoluto desapercibida. Y así es como nace una colección destinada a coger vuelo, una colección con la que Rochas busca seducir a una mujer cosmopolita dispuesta a comerse el mundo ataviada con creaciones que le aporten esa decisión y seguridad que tanto se necesita en el día a día del siglo xxi. Una mujer que busca envolver su cuerpo con clasicismo y misterio, a la par que luminosidad. Una mujer que no esconde nada, que busca apostar por una modernidad perpetua, símbolo fiel de vivacidad y fortaleza.
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Para conseguirlo, Charles de Vilmorin diseña un armario en el que, durante los meses más fríos del año, la mujer descubrirá que prendas de tiro alto se combinan a la perfección con blusas y chaquetas donde el volumen se convertirá en epicentro de las miradas de viandantes curiosos, que comprobarán cómo la mezcla de texturas puede trasladarnos a universos increíbles en los que abandonarnos a soñar con veladas increíbles. Texturas opacas y transparentes llegan dispuestas a aportar esa distinción a un negro brillante convertido en el verdadero rey de la fiesta. Tonalidad que el diseñador busca revestir de historia, una historia tejida y escrita por quien lo lleva y en el que la mujer encuentra esas alas para sentirse libre y volar alto. Esa oscuridad, sin embargo, se ve, en ocasiones, salpicada con matices carmesí, ocres y azules en los que, sin duda, la mujer encuentra esa joie de vivre a la que tanto apelan los franceses. Cortes propios de una sastrería impecable que encuentra en sedas, tafetanes, rasos y acabados metalizados una verdadera oportunidad de vestir a una mujer que ansía respirar modernidad sin renunciar al clasicismo y elegancia de antaño. ¿Alguien da más?
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VOLUMES IN CHARLES DE VILMORIN'S ROCHAS Vivacity, modernity, elegance, and sophistication become key pieces of a Rochas collection that breathes true joie de vivre Voluminous beyond words. If we had to define the collection presented by Charles de Vilmorin for Rochas for the coming winter, it would be like this. The very young French designer, in charge of the fashion house since 2021, seeks to fill with impossible volumes, at once sophisticated and elegant, the evenings and nights of a winter in which women who choose to dress their figure with Rochas designs will absolutely not go unnoticed. And this is how a collection destined to soar was born, a collection with which Rochas aims to seduce cosmopolitan women ready to take on the world dressed in creations that give them that determination and confidence that is so necessary in the day-to-day life of the 21st-century. These women seek to wrap their bodies in classicism and mystery, as well as luminosity. Women who hide nothing, who strive for perpetual innovation, a genuine symbol of vivacity and strength.
+ FASHION
LAB
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To achieve this, Charles de Vilmorin designs a collection in which, during the coldest months of the year, women will find that high-waisted garments are perfectly combined with blouses and jackets where volume will catch the eyes of curious passers-by. They will realise how the mixture of textures can transport us to incredible universes in which we can abandon ourselves to dream of incredible soirées. Opaque and transparent textures are ready to bring that distinction to a shiny black that has become the true king of the party. A colour that the designer wants to imbue with history, woven and written by those who wear it, and in which women find the wings to feel free and fly high. That darkness, however, is sometimes sprinkled with crimson, ochre and blue shades in which, undoubtedly, the woman finds that joie de vivre of which the French are so fond. Clean cuts of flawless tailoring find in silks, taffetas, satins and metallic finishes a real opportunity to dress women who yearn to breathe modernity without sacrificing the classicism and elegance of yesteryear. Is anyone capable of achieving more?
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COOKING
EL RESTAURANTE V39, UN REFUGIO PARISINO DONDE LA GASTRONOMÍA SE ELEVA A SU MÁXIMO EXPONENTE Para Frédéric Vardon, las recetas son un mero pretexto. Para él, lo que realmente importa es conseguir una materia prima con la que dar forma a platos de los que emanen experiencias capaces de unir a quienes se sientan en torno a una misma mesa. ¡Pasen y déjense llevar! En lo más profundo del «triángulo dorado» de la capital del amor, allí donde se divisan los tejados del París más hermoso, se alza un verdadero remanso de paz convertido en epicentro de los paladares más exquisitos y exclusivos, el restaurante V39.
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COOKING
Tras unos meses de renovación comandada por el diseñador Raphaël Navot, el restaurante V39 ha abierto sus puertas con aires renovados en los que, sin embargo, todos los elementos que hoy le dan forma conservan la identidad, herencia y valores culinarios de aquel restaurante que debutaba en 2010. Si hay algo que caracteriza este espacio lleno de los sabores más clásicos de los fogones franceses es el interés desmedido del chef Frédéric Vardon por que quienes decidan cruzar las puertas del Restaurante vivan una experiencia única e irrepetible en todos y cada uno de los elementos que se encuentren a su alrededor. Vardon busca ser capaz de crear lazos, ansía convertirse en el mejor de los anfitriones; busca que se respire hospitalidad, calidez, emoción por doquier. Todo ello, apostando por una cocina en la que las recetas son entendidas como meros pretextos, en la que lo realmente importante son las materias primas, a través de las que el chef persigue crear lazos de unión con el mundo. El restaurante V39 ofrece a los comensales una espectacular carta que degustar desde un enclave no menos sorprendente y exclusivo. +90
Y es que quienes se decidan a visitarlo van a disfrutar de una agradable sensación de armonía y paz nada más cruzar la puerta de entrada. Esta puerta da acceso a un comedor de luz natural, que se convierte en un auténtico deleite para los sentidos, agudizados en una escena llena de textura y olores que alcanzan su momento culmen cuando se encuentran de lleno con la impresionante bodega de vinos digna de los sumilleres más exigentes.
El restaurante V39 es, sin duda, un lugar cargado de simbolismos que dan forma a un escenario exclusivo en el que dejarse llevar hasta lugares recónditos de la imaginación en los que los sabores, olores y texturas se vuelven uno en una experiencia única e irrepetible.
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COOKING
RESTAURANT LE 39V, A PARISIAN HAVEN WHERE GASTRONOMY IS ELEVATED TO ITS HIGHEST LEVEL For Frédéric Vardon, recipes are merely a pretext. For him, what really matters is finding the raw material with which to create dishes resulting in experiences that bring people together around the same table. Come in and let yourself go! In the heart of the “golden triangle” of the City of Love, where the rooftops of Paris at its most beautiful can be seen, there rises a true haven of peace that has become the epicentre of the most exquisite and exclusive palates, the V39 restaurant.
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COOKING
After a few months of renovation led by the designer Raphaël Navot, the V39 restaurant has opened its doors with a fresh look in which all of its defining elements preserve the identity, heritage, and culinary values of the restaurant that debuted in 2010. If there is one thing that characterises this space full of the most classic flavours of French cuisine, it's chef Frédéric Vardon's eagerness to ensure that those who decide to walk through the restaurant's doors have a unique and unrepeatable experience with every element surrounding them. Vardon wants to be able to create bonds and craves to be the best of hosts; he wants hospitality, warmth, and emotion to be felt everywhere. All of this is based on a cuisine in which recipes are understood as mere pretexts, with the raw materials being the most important thing, through which the chef seeks to create bonds of union with the world. The V39 restaurant offers its guests a spectacular menu to enjoy in a no less surprising or exclusive setting. Those who decide to visit the restaurant will experience a pleasant sensation of harmony and peace as soon as they walk through the entrance door. +94
This door gives access to a dining room with natural light, which becomes a real feast for the senses, sharpened in a scene full of texture and smells that reach their climax when they come face to face with the impressive wine cellar worthy of the most demanding sommeliers. The V39 restaurant is definitely a place full of symbolism that gives shape to an exclusive setting.
There we can let ourselves be carried away to hidden places of the imagination where tastes, smells, and textures merge into a unique and unforgettable experience.
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MAGRITTE, MAGO DEL ABSURDO Magritte es, junto con Dali, el artista surrealista que mas ha jugado con las imágenes... y con nosotros. Es un maestro creando incógnitas con sus pinceles. Como buen surrealista, el pintor belga jugó a desconcertar para sembrar en el espectador la duda de la realidad en sus imágenes. A diferencia de los surrealistas franceses, que se lo tomaban muy en serio, Magritte apostó por la ironía. Sus guiños o juegos que se repiten, son de varios tipos. A veces cambia el tamaño de las cosas, agigantándolas o encogiéndolas. Otras veces fragmenta objetos o figuras en varias piezas, como si se tratara de un puzzle, deshumaniza, inventa, desubica... en una palabra nos desconcierta con cada uno de sus lienzos. “He encontrado una posibilidad nueva que tienen las cosas, la de convertirse gradualmente en otra cosa, un objeto se funde en otro objeto distinto de sí mismo. Así consigo cuadros donde la mirada debe pensar de una manera completamente distinta de lo habitual.”
M
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JUEGOS DE TAMAÑOS Como “Alicia en el País de las maravillas” (de Lewis Carrol), el universo inventado por Magritte está llenos de objetos que se vuelven gigantescos o paisajes y figuras que se vuelven diminutos. Así nos ofrece un brindis imaginario con una copa transparente y cristalina depositada sobre un paisaje bucólico junto a un pequeño río. Por si el contraste no fuera bastante desconcertante, la copa está vacía pero sobre ella se posa, a modo de corona, una gran nube de un blanco inmaculado. El efecto de cambiar las escalas de las cosas es una de los trucos mentales mas constantes de su obra y se ha denominado como “Megalomanía”. JUEGOS DE FRAGMENTACION Viendo algunos de los desnudos de Magritte, no puedo evitar recordar las muñecas Matrushkas rusas, donde cada una se abre en dos partes para descubrir otra mas pequeña dentro de ella y así sucesivamente.
E T T I R AG
T REPOR N + ART A DE JU A Í R A ©M
El artista pintó varios cuadros, como “Delirios de grandeza” donde nos presenta un torso femenino, sin cabeza, ni brazos, ni piernas. Si esto ya significa que está desfragmentado, el va mas allá pues lo corta en dos o tres partes, disminuyendo el tamaño progresivamente, para hacer que encajen cada uno dentro del anterior. El hecho de que sus mujeres aparezcan, casi siempre como figuras sin cabeza, puede ser una reminiscencia de la muerte de su madre. En estos extraños desnudos, no se conforma con desfragmentar la figura, también lo hace con el cielo. Los fondos son de una originalidad inmensa pues transforma el cielo en cuadrados cúbicos entrelazados entre si, como jugando entre nubes. Solo estos cielos, podrían haber sido el tema principal para toda la obra de un artista (como el caso del pintor holandés Escher), pero en este caso, son simplemente un telón de fondo del motivo principal. JUEGOS DE DESHUMANIZACION Otra de sus técnicas para transformar la realidad en algo más onírico y mágico, es la de deshumanizar sus figuras.
Es el caso del retrato desnudo de su mujer, medio humana, medio escultura. Esta vez, si le pinta cabeza, brazos y piernas, pero solo es humana desde las piernas hasta la cintura, a partir de allí su piel se va transformando gradualmente en gris, hasta convertirse en una cabeza pétrea, como una escultura inexpresiva que recuerda los retratos de los nobles patricios en el imperio romano. Para dar contraste a este rostro impávido, casi de muerta, la contrarresta con una paloma blanca, mucho más viva que ella, posada sobre su hombro. Un nuevo juego comparando quietud y movimiento, feminidad y vida animal. La mujer, situada delante de un mar con tonos rosados, apoya sus manos sobre una enorme piedra gris que refuerza la sensación pétrea de la propia figura.
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JUEGOS DE INVENCION Como buen inventor, Magritte crea objetos y figuras que solo existen en su mente. Una de las mas interesantes, aparece en sus distintas versiones de “Sherezade”. Son una especie de rostros, formados por lo que parecen perlas unidas en el aire, donde solo hay tres formas sólidas: los ojos y la boca. A través de las perlas engarzadas, podemos ver el fondo de la escena. En un caso es una playa con un mar detrás en calma total y una enigmática bola sobre la arena. En otro cuadro, el extraño rostro nos deja ver detrás un cielo con formas cúbicas, sobre una especie de mesa convertida en escenario. Una cortina abierta nos deja ver dos grandes conos con forma de obeliscos y un vaso con agua. Una vez mas, el artista juega con los tamaños, pues los obeliscos suelen ser gigantes y aquí los presenta junto a un objeto tan pequeño como banal: un vaso de cristal. JUEGOS DE DESUBICACION Otro de los trucos ópticos o mejor dicho mentales de Magritte, es colocar objetos desubicados, en lugares donde no tienen ningún sentido.
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Es el ejemplo de la puerta que coloca sobre la arena de una playa, como dando entrada a un mar en calma. Pero es una puerta sin sentido porque no hay casa, es solo una puerta en el aire. Si no se entiende esta arquitectura inexistente, mas enigmática aún es la nube que se convierte en protagonista. Es casi un ser vivo pues parece estar entrando (o saliendo) por esa puerta mágica como si fuera el habitante de ese lugar sin paredes ni techo. Hay que comprender que las nubes en la obra de Magritte, son casi seres vivos pues protagonizan muchos de sus cuadros y forman un entorno extraordinario en otros. “Yo mostraba en mis cuadros unos objetos situados allí donde no se los encuentra jamás. Dada mi voluntad de hacer aullar a los objetos más familiares, estos debían ser dispuestos en un nuevo orden y adquirir un sentido perturbador.” JUEGO DEL CUADRO DENTRO DEL CUADRO El artista juega también con efectos absurdos entre la figura y el fondo. En algún caso, alterna imágenes fragmentadas con paisajes. Así el retrato ecuestre de una amazona en el bosque, que aparece como camuflada entre árboles en un paisaje imposible donde los troncos de los árboles se mimetizan
con la propia imagen de la amazona en lugar de obstaculizar su visión. Como dato curioso, el artista formó parte de la “Société du Mystère” (Sociedad del misterio) cuyos miembros se concentraban en investigar todo lo desconocido, invisible y desconocido. Obras icónicas como “Ceci n’est pas une pipe” (Esto no es una pipa) con la presencia palabras pintadas y sus juegos ópticos con la figura y el fondo, han dejado una huella única en el imaginario colectivo. Sin duda, su obra es inmediatamente reconocible como suya. Hombres con sombrero bombín, desnudos, nubes, cortinas y manzanas son algunos de los temas mas recurrentes que se repiten sin descanso en su carrera pictórica. Además de su peculiar estilo, hay algo mas, puramente surrealista: aunque Magritte parece transmitirnos su universo absurdo, había método en su locura. Sus temas obsesivos vuelven una y otra vez con innumerables variaciones. Crea toda una serie de trampas para mostrarnos que las imágenes pueden ser contradictorias y paradójicas, hacernos creer una cosa y en realidad representar otra.
Pocos artistas han jugado tanto con el espectador como Magritte. Para el artista belga, el mundo es una incógnita indescifrable. Admirando sus enigmáticas pinturas plenas de misterio, me gustaría bautizarle como el mago del absurdo. SURREALISMO MENTAL Rene Magritte es el mejor pintor surrealista belga (1898-1967), junto a Paul Delvaux. Magritte es conocido por sus juegos mentales con las imágenes mientras que Delvaux se centra en la sexualidad subconsciente. Pero también Magritte tiene una faceta sensual, quizá la menos conocida. Sus pinturas ingeniosas y estimulantes buscaban que los espectadores cuestionaran sus percepciones de la realidad y se volvieran hipersensibles al mundo que los rodeaba. La madre de Magritte fue una mujer con tendencias suicidas, lo que llevó a su marido, el padre de Magritte, a encerrarla en su habitación. Un día, ella se escapó y fue encontrada muerta en un río cercano tras haberse ahogado. Según la leyenda, Magritte, de 13 años, estaba allí cuando recuperaron el cuerpo del río. Cuando la sacaron del agua, su vestido le cubría la cara.
Más adelante, este se convirtió en un tema central de muchas de las pinturas de Magritte. En la década de 1920, retrató a personas con telas que cubrían sus rostros. René comenzó a tomar lecciones de dibujo a los diez años. En 1916 fue a estudiar a la Real Academia de Bellas Artes de Bruselas, donde encontró las clases poco inspiradoras e inadecuadas para su gusto. No comenzó su carrera de pintura real hasta después de servir en la infantería belga por un corto tiempo y trabajar en una empresa de papel tapiz como dibujante y produciendo carteles publicitarios. Entonces pudo dedicarse a pintar a tiempo completo gracias a un contrato con Galerie le Centaure, lo que le permitió presentar en su primera exposición, que no fue muy bien recibida. Magritte se ganaba la vida produciendo carteles publicitarios en un negocio que dirigía con su hermano, además de realizar copias de pinturas de Picasso, Braque y Chirico. Su experiencia con las falsificaciones también le permitió crear billetes de banco falsos durante la ocupación alemana de Bélgica en la Segunda Guerra Mundial. Esto le permitió sobrevivir en los tiempos de escasez económica.
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Conocido por sus ingeniosas y provocativas imágenes, el pintor surrealista belga pretendía con su trabajo cambiar la percepción precondicionada de la realidad y forzar al observador a hacerse hipersensible a su entorno. Al crear imágenes comunes y colocarlas en contextos extremos, Magritte se esforzaba por que sus espectadores cuestionaran la capacidad del arte para representar verdaderamente un objeto. En sus pinturas, a menudo jugaba con la percepción de una imagen y el hecho de que la pintura de la imagen nunca podría ser el objeto. El elemento agigantado en sus cuadros puede ser un objeto natural –un desnudo, una manzana, una rosa...–, y con forma redondeada, en contraste con el espacio cúbico y artificial en que está encerrado. Un experto en este recurso fue el escritor Lewis Carroll, muy admirado por Magritte y reconocido por André Breton entre los precursores del surrealismo. El caso más evidente de inspiración tomada de la “Alicia en el país de las maravillas” en la obra de Magritte es la serie de pinturas “Delirios de grandeza”.
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Tienen como motivo central un torso escultórico femenino dividido en tres partes huecas, cada una encajada en la siguiente, como en las muñecas rusas o a modo de telescopio. Cuando la megalomanía se verifica en el exterior, cobra la forma de una ascensión. Agigantamiento y levitación producen el mismo efecto de sacar al objeto o al personaje de su medio y proyectarlo en uno nuevo y neutro, y aparecen más visibles que nunca. Como los cascabeles que se vuelven gigantescos y se elevan como grandes globos, planetas o naves extraterrestres, o los hombres con bombín que conversan en el aire, o la roca, convertida en motivo principal de varias pinturas tardías. La esencia de un objeto se revela cuando lo ponemos en una situación insólita o, mejor aún, en una situación incompatible con su tendencia natural. Sus interpretaciones artísticas influyeron a muchos artistas modernos, incluidos Andy Warhol, Jasper Johnes y Jan Verdoodt.
Su arte, que fue especialmente popular durante la década de 1960, también ha influido en numerosas canciones, películas y libros. Desde que nació el ideal de mecanizar el trabajo creativo, el pintor René Magritte también fantaseó con un catálogo de artilugios concebidos para automatizar procesos de pensamiento y creación, entre los que se encontraba una máquina universal para hacer cuadros.
+ ART
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MAGRITTE, MAGICIAN OF THE ABSURD Magritte is, along with Dali, the surrealist artist who has played the most with images... and with us. He is a master creating unknowns with his brushes. As a good surrealist, the Belgian painter played to disconcert to sow in the viewer the doubt of reality in his images. Unlike the French surrealists, who took it very seriously, Magritte opted for irony. His winks or repeated games are of various kinds. He sometimes changes the size of things, making them bigger or smaller. Other times he fragments objects or figures into various pieces, as a puzzle, dehumanises, invents, misplaces ... in a word, he intrigues us with each of his canvases. “I have found a new possibility that things have, that of gradually becoming something else, an object merges into another object other than itself. By this means I obtain paintings in which the gaze ‘must think’ in a completely different way than usual.”
M
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SIZE GAMES Like “Alice in Wonderland” (by Lewis Carrol), the universe Magritte invented is full of objects that become gigantic or landscapes and figures that become tiny. Thus he offers us an imaginary toast with a transparent and crystalline glass placed on a bucolic landscape next to a small river. As if this contrast was not disconcerting enough, the glass is empty but a great cloud of immaculate white rests on it, like a crown. The effect of changing the scales of things is one of the constant mental tricks in his work and has been called "Megalomania". FRAGMENTATION GAMES Looking at some of Magritte's nudes, I can't help but remember the Russian Matrushka dolls, where each one opens into two parts to discover a smaller one inside it and so on. The artist painted several pictures, such as "Delusions of grandeur" where he presents us a female torso, without head, arms, or legs.
E T T I R AG
T REPOR N + ART A DE JU A Í R A ©M
If this already means that it is defragmented, he goes further, cutting it into two or three parts and progressively decreasing their size, to make each one fit within the previous one. The fact that his women appear, almost always as headless figures, may be reminiscent of the death of his mother. Finally, in these strange nudes, he is not satisfied with defragmenting the main figure but he also does it with the sky. The backgrounds are of immense originality as he transforms the sky into interlaced cubic squares, as if playing between clouds. Just these skies, they could have been the main theme for all an artist's work (as in the case of the Dutch painter Escher), but in this case, they are simply a backdrop to the main motif. DEHUMANIZATION GAMES Another of his techniques to transform reality into something more dreamlike and magical is dehumanizing his figures. This is the case of the nude portrait of a woman, half human, half sculpture. This time, he does paint her head, arms and legs, but she is only human from the legs to the waist.
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From there her skin gradually transforms into a stony gray, until it becomes a stony head, like an expressionless sculpture that recalls the portraits of the noble patricians in the Roman Empire.
In another painting, the strange face lets us see behind a sky with cubic shapes, on a kind of table turned into a stage. An open curtain reveals two large obelisk-shaped cones and a glass of water.
“I used to show objects in my paintings located where they are never found. Given my desire to make the most familiar objects howl, they had to be arranged in a new order and acquire a disturbing meaning."
To give contrast to this impassive, almost dead face, he counters her with a white dove, much more alive than she looks, perched on her shoulder.
Once again, the artist plays with sizes, since obelisks are usually gigantic and here he presents them together with an object as small as it is banal: a crystal glass.
FRAME PLAY WITHIN FRAME
A new game comparing stillness and movement, femininity and animal life.
DISLOCATION GAMES
The woman, standing in front of a sea with pink tones, rests her hands on a huge gray stone that reinforces the stony sensation of her own figure. GAMES OF INVENTION As a good inventor, Magritte creates objects and figures that only exist in his mind. One of the most interesting, appears in its different versions of "Sheherezade". They are a kind of faces, formed by what look like pearls joined in the air, where there are only three solid shapes: the eyes and the mouth. Through the set pearls, we can see the background of the scene. In one case it is a beach with a completely calm sea behind and an enigmatic ball on the sand.
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Another of Magritte's optical or rather mental tricks is to place misplaced objects in places where they don't make any sense. It is the example of the door that he places on the sandy beach, as if entering a calm sea. But it is a meaningless door because there is no house, it is just a door in the air. If this non-existent architecture is not understood, the cloud that becomes the protagonist is even more enigmatic. He is almost a living being because he seems to be entering (or leaving) through that magical door as if he were the inhabitant of that place without walls or ceiling. It must be understood that the clouds in Magritte's work are almost living beings since they star in many of his paintings and form an extraordinary environment in others.
The artist also plays with absurd effects between the figure and the background. In some cases, he alternates fragmented images with landscapes. Thus the equestrian portrait of an amazon in the forest, which appears as camouflaged between trees in an impossible landscape where the trunks of the trees blend in with the amazon's own image instead of obstructing her vision. As a curious fact, the artist was part of the “Société du Mystère” (Mystery Society) whose members concentrated on investigating everything invisible and unknown. Iconic works such as “Ceci n’est pas une pipe” (This is not a pipe) with the presence of painted words and their optical games with the figure and the background, have left a unique mark on the collective imagination.
Without a doubt, his work is immediately recognisable as his. Men with bowler hats, nudes, clouds, curtains and apples are some of the most recurrent themes that are repeated without rest in his pictorial career. In addition to his peculiar style, there is something else, purely surreal: although Magritte seems to convey his absurd universe to us, there was method in his madness. His obsessive themes come back again and again with countless variations. He creates a whole series of traps to show us that images can be contradictory and paradoxical, make us believe one thing and actually represent another. Few artists have played as much with the viewer as Magritte. For the Belgian artist, the world is an indecipherable unknown. Admiring his enigmatic paintings full of mystery, I would like to baptise him as the magician of the absurd. MENTAL SURREALIST Rene Magritte (1898-1967) was one of the two top Belgian surrealist painters, together with Paul Delvaux. Magritte is known for his mind games with images while Delvaux focuses on subconscious sexuality.
But Magritte also has a sensual side, perhaps the least known. His witty and thought-provoking paintings sought to have viewers question their perceptions of reality, and become hypersensitive to the world around them. Magritte’s mother was a suicidal woman, which led her husband, Magritte’s father, to lock her up in her room. One day, she escaped, and was found down a nearby river dead, having drowned herself. According to legend, 13 year old Magritte was there when they retrieved the body from the river. As she was pulled from the water, her dress covered her face. This later became a theme in many of Magritte’s paintings in the 1920’s, portraying people with cloth covering their faces. Rene began drawing lessons at age ten. In 1916 he went to study a the Royal Academy of Fine Arts in Brussels, where he found the instruction uninspiring and unsuited to his tastes. He did not begin his actual painting career until after serving in the Belgian infantry for a short time, and working at a wallpaper company as a draftsman and producing advertising posters.
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He was able to paint full time due to a short-lived contract with Galerie le Centaure, allowing him to present in his first exhibition, which was poorly received. Magritte made his living producing advertising posters in a business he ran with his brother, as well as creating forgeries of Picasso, Braque and Chirico paintings. His experience with forgeries also allowed him to create false bank notes during the German occupation of Belgium in World War II, helping him to survive the lean economic times. Known for his ingenious and provocative images, the Belgian surrealist painter intended with his work to change the preconditioned perception of reality and force the observer to become hypersensitive to his environment. Through creating common images and placing them in extreme contexts, Magritte sough to have his viewers question the ability of art to truly represent an object. In his paintings, he often played with the perception of an image and the fact that the painting of the image could never actually be the object.
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The gigantic element in his paintings can be a natural object – a nude, an apple, a rose ... – and with a rounded shape, in contrast to the cubic and artificial space in which it is enclosed. An expert in this resource was the writer Lewis Carroll, much admired by Magritte and recognised by André Breton among the forerunners of surrealism. The most obvious instance of inspiration drawn from Carroll's "Alice in Wonderland" in Magritte's work is the "Delusions of Grandeur" series of paintings. Their central motif is a female sculptural torso divided into three hollow parts, each one fitted into the next, as in Russian dolls or as a telescope. When megalomania takes place on the outside, it takes the form of an ascension. Magnification and levitation produce the same effect of taking the object or character out of its environment and projecting it into a new and neutral one, and they appear more visible than ever.
Like the bells that become gigantic and rise like great globes, planets or extraterrestrial ships, or the men with bowler hats who converse in the air, or the rock, which has become the main motif of several late paintings. The essence of an object is revealed when we place it in an unusual situation or, better still, in a situation incompatible with its natural tendency. His artistic interpretations influenced many modern artists, including Andy Warhol, Jasper John and Jan Verdoodt. His art, which was especially popular during the 1960’s, has also influenced numerous songs, movies and books. Ever since the ideal of mechanising creative work was born, the painter René Magritte also fantasised about a catalog of gadgets conceived to automate processes of thought and creation, among which was a universal machine for making pictures.
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LOS CÓDIGOS DE ESTILO DE ALEXANDRE VAUTHIER Distintas caras de una misma mujer se dan cita en la colección que Alexandre Vauthier ha tejido con sumo cuidado para hacer que en los próximos meses el universo femenino brille por sí solo. El trabajo, una cena con amigas, una tarde de compras, una velada romántica… ¿Para cuántos momentos debe prepararse una mujer? ¿Para cuántos instantes debe lucir elegante sin perder ni un ápice de sensualidad y frescura? Pues para todos ellos ha creado Vauthier una pieza, un diseño único e irrepetible con el que convertirse en la reina de cualquier velada. Para Alexandre Vauthier, ha llegado el momento de sacar a pasear el lado más sexy y demostrar al mundo que cualquier instante puede convertirse en un momento inolvidable para el que, después de todo lo vivido en los últimos años, debemos estar perfectamente preparados. Y para conseguirlo, para exprimir cada minuto, cada segundo, como si del último se tratase, el diseñador de moda parisino, que nunca quiso verdaderamente ser diseñador, llena los armarios de piezas en las que combina a la perfección distintos estilos sin caer, en ningún momento, en algo absurdo, desmedido o inapropiado.
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Apelando al estilo al que nos tiene acostumbrados, Alexandre Vauthier ha creado patrones que reivindican, como siempre lo hace, el glamur, lo sofisticado y lo sexy, creando un estilo propio que lo ha catapultado hasta el lugar que ocupa en estos momentos en el mundo de la alta costura. Así, y en su búsqueda de la elegancia más absoluta, combina a las mil maravillas patrones y texturas con el objetivo de llenar la próxima temporada de modelos realmente sorprendentes a la par que novedosos. Gasas, tules, terciopelos y lentejuelas se alternan creando piezas únicas e indescriptibles. Sugerentes vestidos que, en ocasiones, poco o nada dejan a la imaginación; trajes con aires masculinos con un toque oversize con el que convertirse en auténtica tendencia; vaporosos vestidos que llegan para convertirse en epicentros de las miradas más curiosas y atrevidas. Y en esta vorágine de cortes y propuestas, plumas y brocados que, en un alarde de seguir sorprendiendo, salpican piezas de ensueño. A pesar de su discreción innata, estas prendas conseguirán, sin duda alguna, hacer que Alexandre Vauthier tenga un espacio de excepción en el armario de las amantes más exigentes de la alta costura.
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ALEXANDRE VAUTHIER'S STYLE RULES Different faces of the same woman come together in the collection that Alexandre Vauthier has carefully woven to make the feminine universe shine on its own over the coming months. Work, dinner with friends, afternoon shopping, a romantic evening... How many moments should a woman be prepared for? For how many moments must she look elegant without losing any sensuality or freshness? Vauthier has created a piece for all of them, a unique and inimitable design with which to become the queen of any soirée. For Alexandre Vauthier, the time has come to bring out the sexy side and show the world that any moment can become an unforgettable moment for which, after all that we have been through in the last few years, we must be fully prepared. And to achieve this, to squeeze the most of every minute, every second, as if it were his last, the Parisian fashion designer, who never really wanted to be a designer, fills his wardrobes with pieces in which he perfectly combines different styles without ever falling into anything absurd, excessive, or inappropriate.
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Recalling the style we are used to, Alexandre Vauthier has created patterns that claim, as he always does, glamour, sophistication, and sexiness, creating a style of his own that has elevated him to the place he currently holds in the world of Haute Couture. Thus, and in his pursuit of absolute elegance, he combines patterns and textures marvellously with the aim of filling the next season with truly outstanding as well as innovative designs. Chiffons, tulles, velvets, and sequins intermingle to create one-of-a-kind, unforgettable pieces. Suggestive dresses that sometimes leave little or nothing to the imagination, suits with a masculine look and an oversized touch with which to become a real sensation, vaporous dresses that draw the attention of the most curious and boldest gazes. And in this maelstrom of cuts and proposals, feathers, and brocades dot dreamy pieces in a demonstration of their ability to continue to surprise. Despite their innate discretion, these garments will undoubtedly give Alexandre Vauthier a special place in the wardrobe of the most demanding Haute Couture lovers.
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LA PLAGE PARISIENNE, UN ENCLAVE DE ANTAÑO CON TOQUES DE MODERNIDAD ¿Existe algún placer mayor que disfrutar de una exquisitez gastronómica a la orilla del río Sena? Pues eso es justo lo que ofrece La Plage Parisienne, un lugar pintoresco, divertido y exclusivo en el que sentarse a la mesa se convierte en una auténtica aventura para los sentidos. ¡Ay, los momentos vividos en el París de los años 20! ¿Quién no se acuerda de las tabernas parisinas, capaces de congregar a hombres y mujeres que bailaban, cantaban y se entregaban a brindis coloridos llenos de sabor y alegría? Instalada en el muelle Beaugrenelle, La Plage Parisienne se alza como una evocación perfecta de esos ambientes en los que la fiesta era el verdadero y único rey; una fiesta a la que no podían faltar los protagonistas del París más loco y desenfadado y que encontraba en los frívolos y salvajes cabarés sus mejores y más divertidos escenarios en los que abandonarse hasta la extenuación.
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Telas preciosas; insinuantes tonalidades carmín; exóticas plantas verdes que se enredan en formas imposibles; puntos de luz que otorgan ese toque antiguo a la par que moderno… Todo se cuida hasta el más mínimo detalle para hacer de La Plage Parisienne un lugar único en el que perderse no es una opción; un punto de encuentro de excepción, donde poder reunirse a degustar auténticos clásicos marineros, sin perder de vista ni sus exquisitas carnes ni sus cuidados postres, dignos de los paladares más exigentes y exclusivos. Como extra, La Plage Parisienne ofrece a sus visitantes una terraza flotante única y sin precedentes a la que asomarse para descubrir una vista única de un París que, sin abandonar su esencia más pura, se entrega a la modernidad más absoluta. Y para disfrutar hasta que el sol se ponga, este lugar con sabor único y vistas privilegiadas al Sena apuesta por un deliciosa y cuidadísima programación musical con la que crear un ambiente único en el que prometerse volver a París una y otra vez; al menos, una vez más.
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LA PLAGE PARISIENNE, A HOLDOUT OF THE PAST WITH A TOUCH OF MODERNITY Is there any greater pleasure than enjoying a gastronomic delicacy on the banks of the Seine River? Well, that's just what La Plage Parisienne offers, a picturesque, fun, and exclusive place where sitting at the table becomes a real adventure for the senses. Oh, those memories of Paris in the 1920s! Who can forget the Parisian taverns that brought together men and women who danced, sang, and enjoyed colourful toasts full of flavour and joy? Located on the Quai Beaugrenelle, La Plage Parisienne is a perfect recreation of that ambiance in which parties were the only true king. None of the protagonists of the craziest and most unrestrained Paris would dare to miss it - they found in the wild and flippant cabarets the best and most amusing settings in which to abandon themselves completely.
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E G A L AP
ORT E REP + STYL ÁNTARA ÍO ALC © ROC
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Precious fabrics, suggestive carmine hues, exotic green plants that tangled in impossible shapes, points of light that give that ancient yet modern touch attention is given even to the smallest detail in order to make La Plage Parisienne a unique place where getting lost in is not an option an exceptional meeting point for gathering and tasting authentic seafood classics, without losing sight of its exquisite meats or its carefully prepared desserts, worthy of the most demanding and exclusive palates. As a bonus, La Plage Parisienne offers to its visitors a unique and unprecedented floating terrace from which to enjoy a unique view of a Paris that, without abandoning its purest essence, gives itself over to the most absolute modernity. And his delightfully unique place with a privileged view of the Seine until the sun goes down boasts a delectable and carefully selected musical programme that will have you promising to return to Paris again and again, or at least once more.
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ROGER VIVIER Y SU ODA A LA MODERNIDAD MÁS EXCEPCIONAL La fantasía es y debe ser siempre la eterna protagonista. Así lo entiende Gherardo Felloni, que realiza una reinterpretación magistral para Roger Vivier, aportándole un toque de erotismo único.
R E R G E I O R VIV
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PORT ON RE I H S A ARA +F LCÁNT A O Í © ROC
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Pocas veces los complementos se convierten en el verdadero epicentro de una colección de una manera tan delicada y excepcional. Gherardo Felloni, director artístico de Roger Vivier, lo ha hecho de manera magistral, consiguiendo que estos despierten los sentidos de quienes, atraídos por su sofisticación y elegancia, los conviertan en fieles compañeros de veladas increíbles.
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«Dejar volar la imaginación es más importante que nunca». Esta frase de Felloni puede convertirse en el perfecto hilo conductor de una colección que tiene por objetivo precisamente ese: dejar volar la imaginación, despertar los sentidos, llenar de erotismo y sensualidad cada instante. Durante los meses venideros, Roger Vivier saca a relucir su esencia parisina más pura y busca atraer las miradas sobre sus complementos de una manera cercana y traviesa, dando forma a todo un universo de una exquisitez suprema. De esta manera, Gherardo Felloni se basa en el legado de la maison y se inspira en las piezas de sus archivos para alumbrar creaciones renovadas en una auténtica oda a la creatividad en la que el presente y el pasado se funden a la perfección. Como ejemplo, el emblemático tacón Choc, que, en manos de Felloni, aparece renovado y adornado con plumas, aportando una sofisticación extra que lo hacen ser una pieza totalmente exclusiva; o el histórico bolso Viv’ Choc, que, en una versión de satén rosa rematada con una hebilla de espectacular pedrería, se transforma en la máxima expresión de una elegancia eterna.
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ROGER VIVIER AND ITS ODE TO THE MOST EXCEPTIONAL MODERNITY Fantasy must always play a central role in the show. This is how Gherardo Felloni sees it, creating a masterful reinterpretation for Roger Vivier, giving it a unique erotic touch.
R E R G E I O R VIV
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PORT ON RE I H S A ARA +F LCÁNT A O Í © ROC
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Rarely do accessories become the true heart of a collection in such a delicate and exceptional way. Gherardo Felloni, Roger Vivier's artistic director, has done it in a masterful way, making them awaken the senses of those who, captivated by their sophistication and elegance, turn them into the loyal companions of unforgettable soirées. «Letting your imagination run wild is more important than ever.» This quote by Felloni can become the perfect common thread of a collection that aims at exactly that - to let the imagination run wild, to awaken the senses, to fill every moment with eroticism and sensuality. During the coming months, Roger Vivier brings out its purest Parisian essence and seeks to draw attention to its accessories in a close and mischievous way, giving shape to a whole universe of supreme delicacy. + 130
In this way, Gherardo Felloni draws on the legacy of the maison and finds inspiration in pieces from its archives to illuminate renewed creations in a genuine ode to creativity in which the present and the past merge seamlessly. One example is the iconic Choc heel, which, in Felloni's hands, appears renewed and adorned with feathers, giving it an extra sophistication that makes it a completely exclusive piece; or the historic Viv' Choc bag, which, in a pink satin version topped with a buckle of stunning rhinestones, is transformed into the ultimate expression of timeless elegance.
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MODERNISMO EN VIENA La formación del movimiento artístico vienés llamado Modernismo o Secesionismo (1897), marcó el comienzo formal del arte moderno en Austria, una nación hasta entonces conocida por su apego a las tradiciones más conservadoras. Fue el primer movimiento que fusionaba a artistas y diseñadores comprometidos con una visión progresista e internacional del arte, abarcando todo tipo de campos y géneros. Fue además, una liberación de los valores arraigados y los gustos comerciales predominantes. Liderados al principio por Gustav Klimt, los secesionistas dieron a su arte innovador, un primer lugar. Su revista oficial “Ver Sacrum”, no solo descubrió a la capital austriaca sus trabajos, sino también otros movimientos artísticos contemporáneos en Europa. El grupo Wiener Sezzession fue fundado en 1897 por un grupo de 19 artistas vieneses pertenecientes a la escuela Kunstlerhaus que habían abandonado la Asociación de Artistas Austriacos. Crearon un movimiento artístico, coincidiendo con el Expresionismo Alemán aunque en Austria fue mucho más estético y colorista. Defendían la claridad y la armonía. A veces, se le ha considerado como Expresionismo Austriaco o vienés.
Sus principales pintores son Gustav Klimt, su joven pupilo Egon Schiele y Oskar Kokoschka. El trabajo de los secesionistas muestra las representaciones visuales del nuevo florecimiento cultural de Viena en 1900, en campos tan diversos como la medicina, la música y la filosofía. Sin embargo, en poco tiempo, las divisiones internas y las dificultades comerciales, finalmente fracturaron al grupo en dos partes: los artistas y los decoradores. A finales del siglo XIX Viena, capital del imperio Austrohúngaro, concentraba una serie de grandes cambios. Intelectualmente, la ciudad fue un hervidero de creación: con Sigmund Freud, creador del psicoanálisis y Otto Bauer, pensador político y principal exponente del marxismo. Eran nuevos conceptos que calarían fuerte en la sociedad vienesa. Vivían un cambio de épocas y se encontraban inmersos en una atmósfera que favoreció la creación artística. El emblema del grupo era Atenea, la diosa principal de la mitología, símbolo de la razón. Era hija de Zeus y Metis, nacida ya adulta y armada con un casco por el propio Zeus. Atenea fue patrona de la primera ciudad-estado de Atenas en la Grecia clásica.
En los años siguientes, artistas de varios países centroeuropeos tomaron ejemplo y crearon movimientos satélites: la Secesión de Múnich y la Secesión de Berlín. Los tres están relacionados con el Modernismo típico del fin de la Belle Époque (1871-1914). Presentan importantes diferencias con su coetáneo Art Nouveau y otros estilos semejantes como el Liberty o floreale italiano o el Modernismo español. En la Wiener Sezzession se busca la elegancia. En muchos aspectos, por su ruptura con todo lo anterior, fue un precedente de las Vanguardias del Siglo XX. KLIMT Klimt nace el 14 de julio de 1862 en Baumgarten, cerca de Viena. Vive en una relativa pobreza gran parte de su infancia. Su familia es inmigrante, con escaso trabajo y oportunidades sociales. Su padre trabajaba como orfebre. Gracias a su talento, con catorce años recibe una beca para estudiar en la Kunstgewerbeschule, (Escuela de Artes y Oficios) de Viena, donde se forma como pintor y decorador de interiores. Junto con su hermano Ernst Klimt y su amigo Franz Marsch crean un colectivo llamado «Compañia de artistas». Comienzan a recibir modestos encargos además de trabajar como asistentes de su profesor en la Escuela.
O M S I N A R N E E I D V MO EN
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T REPOR T R A + JUAN ÍA DE R A M ©
En 1880, Klimt comienza su carrera individual como pintor de interiores en grandes edificios públicos desarrollando ya algunos temas alegóricos que posteriormente se convierten en el tema distintivo de su obra. Uno de los encargos, son los frescos de la Escalera del Kunsthistorisches Museum de Viena. La obra se compone de 40 pinturas, repartidas entre los arcos del edificio, que narran escenas del Antiguo Egipcio hasta la Edad Moderna. De ellas, Gustav Klimt firmó once. En 1890 Klimt conoce a Emilie Flöge, que será su compañera hasta el final de su vida. Klimt tuvo al menos catorce hijos durante esta relación aunque también fue famoso por sus escarceos amorosos. Llevaba una vida bastante sencilla, completamente absorbido por su trabajo y su familia. Klimt solía evitar los encuentros de sociedad y los círculos intelectuales de los cafés y vestía con túnica o caftán y sandalias cuando estaba en casa. En 1892 mueren su padre y su hermano Ernst. La tragedia familiar pesó también en su expresión artística y marcó el inicio de su estilo personal.
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En 1894, Gustav Klimt y su colega Franz reciben el encargo de realizar las pinturas para el techo del Aula Magna de la nueva Universidad de Viena. Les encargan representaciones simbólicas de cuatro Facultades: teología, filosofía, derecho y medicina. Inacabadas hasta el fin de siglo, las pinturas fueron muy criticadas por lo radical del enfoque y por la representación que entonces se acusó como «pornográfica». Cada pintura rompió diferentes tabúes culturales, contradiciendo la tendencia de sublimar la realidad y solo presentar sus aspectos mas favorables. Klimt adapta la forma clásica de la alegoría y el simbolismo convencional, pero revisándolo con su propio lenguaje plástico, abiertamente sexual y de matices provocativos. Las protestas no se hicieron esperar: políticos, personalidades del mundo del arte y la moral pública pusieron el grito en el cielo. La universidad decidió finalmente no colocar las obras de Klimt. En 1897, junto con otros artistas, abandona la conservadora Künstlerhaus (Academia de Viena) y funda una nueva unión de artistas con el nombre de Sezession (que significa ruptura). Así surge el movimiento Vienés cuyo lema era: “A cada tiempo, su arte. A cada arte, su libertad” Una frase que describió la obra y creación de Klimt, intensamente influenciada por las corrientes de pensamiento de su época y fruto +134
de una voluntad de libertad total. Pretendía una ruptura con las normas establecidas pero no con la tradición artística. Los historiadores del arte señalan el carácter ecléctico de su estilo. En su obra descubrimos referencias al arte del antiguo Egipto, cultura Micénica, Grecia clásica y al arte Bizantino. Hombre de formación clásica, Klimt no sentía reparo en manifestar su entusiasmo por el arte de artistas flamencos como Durero o de la Escuela Japonesa. Técnicamente Klimt insiste en la pureza de la línea, lo que le da a sus dibujos, un carácter bidimensional y de expresividad. 1898 fue un año clave pues consolida su posición como artista al recibir la Orden de Oro al Mérito otorgada por el Emperador Francisco José I de Austria. Ese año pinta “Nuda Veritás”, (La verdad desnuda), una obra provocadora y plena de turbadora energía. Es un desnudo frontal de una mujer que sostiene un alegórico espejo de la verdad. La obra va coronada por una cita de Schiller: «Si no puedes agradar a todos con tus méritos y tu arte, agrada a pocos. Agradar a muchos es malo.» Constituye toda una declaración de principios por parte de Klimt dirigida, sobre todo, a los políticos y críticos más conservadores. Y es un profundo avance en su estética personal. Los objetivos del grupo Sezzession eran la promoción de artistas jóvenes, la exhibición de obras
producidas en el extranjero y la publicación de una revista con obras de sus miembros. Sin embargo, el grupo nunca redactó un Manifiesto y tampoco se definió por una determinada dirección estética. Había todo tipo de creadores en diversas artes y tendencias: muralistas, realistas, simbolistas.... Tenían un proyecto de renovación artística de los estilos del pasado para adaptarlos a los cambios del presente. En contraposición al academicismo y al impresionismo, abandonan los temas cotidianos por los contenidos simbólicos y conceptuales. El grupo encontró cierto apoyo gubernamental. Construyeron una imponente sala de exposiciones, donde mostraban sus obras, aunque eran normalmente detestadas por los académicos. En 1902 Klimt crea el Friso de Beethoven, pintura mural creada para la Exposición de la Secesión vienesa en torno a la figura del músico. Es una gran composición con una serie de episodios simbólicos sobre la salvación de la humanidad a través del arte. La obra fue objeto de fuertes polémicas. Se llegó a acusar a Klimt de reflejar “alucinaciones y obsesiones y caricaturas impúdicas de la noble figura humana”. Las querellas y polémicas que surgieron provocaron el alejamiento total del artista del poder político.
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Hasta ese momento, había cumplido con sus encargos. Pero esta situación de crítica constante, le llevó a una profunda crisis personal y desde entonces se retiró de todo encargo público. A partir de entonces, Klimt renuncia a ser un mero cronista rechazando trabajos oficiales en una época que el escritor austriaco, Stefan Zweig, definió como “la edad de oro de la seguridad burguesa”. Se especializó en pintar su tema favorito: las mujeres. Mujeres hechizantes e irresistibles, ideales de la femme fatale, pero con alma de seres míticos ligados al placer y al exceso. Cercano a un ideario romántico, Klimt encontró su máxima inspiración en el desnudo femenino. Sus obras reflejan una intensa energía y sensual, en cierto modo son herederas de la tradición de dibujos eróticos de Rodin e Ingres. Hacia 1903 Klimt comienza un viaje por Italia, visitando Florencia, Venecia y Rávena. Descubre los mosaicos bizantinos. Tras volver de su viaje italiano, participa en la decoración del suntuoso Palacio Stoclet, hogar de un magnate belga. Muchas de sus pinturas de este período incorporan pan de oro a la pintura. Las obras más importante realizadas en esta etapa fueron el “Retrato de Adele Bloch-Bauer” (1907) y “El beso” (1908). Gustav Klimt supuso una ruptura con lo convencional y con lo conservador. El tema del sexo y la maternidad ocupan lugares relevantes dentro de su obra. +136
La figura femenina es ambivalente. Por un lado presenta a la mujer como una hermosa divinidad y por otra como femme fatale, haciendo uso de sus encantos. Transmite desde ternura y elegancia hasta mujeres enérgicas y casi maléficas. La inclusión de una figura masculina en el cuadro de “El Beso”, es, algo peculiar, ya que la mujer era la verdadera protagonista, como en la mayoría de sus obras, mientras el hombre queda relegado a un papel secundario. Klimt realizó retratos de diversas damas de la alta sociedad vienesa. Pero era muy selectivo con los encargos que aceptaba. Una vez admitido un encargo, pasaba largas horas meditando y las sesiones de posado eran muy prolongadas. En 1911 Gustav Klimt es galardonado con el primer premio de la Exposición Universal de Roma, por su obra “La vida y la muerte”. En 1918, Klimt fallece con 56 años, tras un infarto y una neumonía. En su taller quedaron muchas obras. Algunas fueron confiscadas por la dictadura nazi. Con el avance de las tropas enemigas, para evitar que se convirtieran en botín de guerra, los nazis quemaron el castillo donde permanecían confiscadas. En la actualidad, las obras de Klimt han batido algunos récords en las subastas de arte. SCHIELE Egon Schiele (1890-1918) fue el mejor alumno de Klimt, siendo casi 30 años más joven que su ya famoso maestro.
A pesar de su corta vida (murió los 28 años), Schiele produjo una asombrosa cantidad de obras sobre lienzo y papel y es considerado el máximo exponente del Expresionismo Austriaco. Jugó un papel decisivo en el grupo Secesión y sus obras causaron una gran polémica debido a su atrevido erotismo sin complejos. El estilo de Schiele es inconfundible: trazos quebrados y angulosos, manos largas y huesudas, deformaciones expresivas... A diferencia de su maestro Klimt, mago del erotismo encubierto, adornado de arabescos y hermosos colores, Schiele nos muestra una realidad descarnada, sobre fondos vacíos que parecen aislar a las figuras. No le interesa que nos distraigamos con lo superficial. El sólo quiere enfrentarnos cara a cara con los instintos, temores y flaquezas del ser humano. Expresionismo en estado puro. A pesar de una carrera y una vida cortas, Schiele es recordado como una prolífica influencia del principio del Modernismo. Su trabajo es conocido por sus composiciones dinámicas, sexualidad sin refinar y formas corporales inusuales que son indicativas del estilo expresionista temprano. El joven Schiele estuvo en desacuerdo con los críticos de arte y la sociedad durante la mayor parte de su breve vida. Incluso más que Gustav Klimt.
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Schiele hizo del erotismo uno de sus temas principales y fue encarcelado brevemente por obscenidad en 1912. Su tratamiento de la figura desnuda sugiere un espíritu solitario y atormentado, obsesionado más que satisfecho por un erotismo descarnado. Al principio estuvo muy influenciado por Klimt pero Schiele pronto logró un estilo anti clásico, totalmente personal. Sus líneas irregulares surgieron más de sentimientos psicológicos y espirituales que de consideraciones estéticas. Sus conocidos “Autorretratos” muestran una gran profundidad de emoción a pesar de la simplicidad de las obras. El artista, a veces se sienta en ángulo, mirando al espectador con una mirada de escepticismo. Su cabeza y rasgos faciales se agrandan y el cuerpo se tuerce de forma antinatural, insinuando una tensión sutil que impregna la pieza. Su rostro muestra colores intensos y detalles musculosos, a diferencia de la ropa y el fondo circundantes, que perecen desaparecer, lo que sugiere una profundidad psicológica aguda. Egon murió con solo 28 años y realmente no sabemos cómo se habría desarrollado a partir de la angustia adolescente auto compasiva que era el tema principal de su trabajo.
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Sus Autorretratos son su tema más conmovedor: una exposición patética pero poderosa de la vulnerabilidad de Schiele. Es mera piel y huesos, todavía no está completamente allí como persona. Es un joven desdichado y escuálido con una extensión de cabello salvaje y exagerada. Su arte muestra los sentimientos crudos de su infelicidad. Puede parecer una visión demasiado individualista, pero a su manera histérica está expresando los temores y las dudas de muchos jóvenes. Es maravilloso, inquietante y extrañamente inocente. KOKOSCHKA Oskar Kokoschka (1886-1980) fue el “enfant terrible”, la oveja negra de la Viena de Klimt y Freud, pero también fue de gran inspiración para toda una generación de artistas posteriores. Hijo de una familia humilde dedicada a la orfebrería y castigada por la llegada de la industrialización, Kokoschka siempre creyó en los presagios. Un gran incendio asoló su villa natal de Pöchlarn mientras su madre le daba a luz. Esto le convenció de que estaba llamado a buscar la iluminación y explorar una mirada que le permitiera ver, según sus propias palabras, "el aura que los hombres proyectan en el espacio". Su teoría era que, cada uno de sus cuadros, permitía al modelo saber cómo serían su aspecto y su vida con el paso del tiempo.
En Austria le acusaban de pintar mal. Convivió con el movimiento de Secesión pero el estilo radical y de fortísima expresividad del joven Kokoschka no fue bien recibido en los círculos artísticos de Viena, donde se le acusaba de no saber pintar. Sin embargo, Klimt calificó como "el mayor talento de las nuevas generaciones". En 1910 emigró a Berlín, donde el talante era mas abierto gracias al avance del Expresionismo. Allí consiguió vivir de la pintura gracias al mecenazgo del arquitecto Adolf Loos, que actuó como embajador del pintor entre los intelectuales. El gran amor de su vida, fue Alma Mahler, viuda del compositor Gustav Mahler y más tarde esposa del arquitecto Walter Gropius. Mantuvieron un largo e intenso romance pero ella decidió romperlo porque sentía que la pasión era demasiado intensa y nublaba su voluntad. Sus cuadros, cargados de capas que resquebrajan la realidad y no siempre eran del gusto de los retratados, pueden ser entendidos como una proyección de la dislocación de su tiempo. El artista acabó destrozado por dos guerras mundiales y por la intolerancia de los nazis que le acusaron como uno de los “artistas degenerados".
Kokoschka tuvo que huir y refugiarse de la persecución nazi. Logró escapar y vivió en Londres hasta conseguir la nacionalidad inglesa. Al final de su vida, volvió a solicitar la nacionalidad austriaca aunque nunca volvió a residir en su patria natal. Murió con la sensación de que su vida de entrega a la pintura y al compromiso con el arte había sido en vano. Olvidado e incomprendido, víctima del aluvión de los movimientos posteriores a la II Guerra Mundial, como el Pop Art, el viejo maestro se sentía como una nota al pie en el Arte del siglo XX.
Pero hoy la historia ha evolucionado y la figura del pintor, uno de los mas radicales expresionistas, es citada una y otra vez como una de las más influyentes. Aunque rehuía la militancia en cualquier escuela artística, se le considera, miembro del Secesionismo austriaco pero mas aún, Expresionista por excelencia. Años más tarde, su estilo tuvo una enorme influencia en la Escuela de Londres, especialmente en dos de sus mas brillantes artistas: Francis Bacon y Lucian Freud.
La recuperación del maestro, nacido en Austria y fallecido en Suiza, se consolidó con una gran exposición retrospectiva en el Museo Boijmans Van Beuningen de Roterdam (Holanda) en 2013.
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MODERNISM IN VIENNA The formation of Modernism, in Vienna, also known as Secession (1897) marked the formal beginning of modern art in Austria, a nation at the time noted for its attachment to a highly conservative tradition. It was the first movement that gathered artists and designers who were committed to a forwardthinking, internationalist view of the art world. All-encompassing, it embraced and integrated all genres and fields and (highly idealistically), freed from the dictates of entrenched values or prevailing commercial tastes. Led at the beginning by Gustav Klimt, the Secessionists gave contemporary art its first dedicated venue in the city. With their official journal “Ver Sacrum,” they not only introduced the Austrian capital to their work, but also that of other art movements in Europe. The Wiener Sezzession group was founded in 1897 by a group of 19 Viennese artists belonging to the Kunstlerhaus school who had left the Austrian Artists Association. It gave rise to an artistic movement, coinciding with German Expressionism although in Austria it was much more aesthetic and colorful. They defended clarity and harmony. At times, it has been regarded as Austrian or Viennese Expressionism.
His main painters are Gustav Klimt, his young pupil Egon Schiele and Oskar Kokoschka. The Secessionists' work provides in large part the visual representations of the new intellectual and cultural flowering of Vienna around 1900, in fields as diverse as medicine, music, and philosophy. Before long, however, internal divisions and difficulties arising from the commercial side of the Secessionists' work ultimately fractured the group in two: contemporary arts and decoration. At the end of the 19th century, Vienna, capital of the AustroHungarian Empire, was concentrating a series of great changes.
In the following years, artists from various countries in Central Europe, took the example and created the Munich Secession and the Berlin Secession. All three are related to Modernism, typical of the end of the Belle Époque (1871-1914). They present important differences with their contemporary Art Nouveau and other similar styles such as the Italian Liberty or Floreale or the Spanish Modernism. Elegance is sought in the Secession. In many respects, due to its break with all of the above, it was a precedent for the Vanguards of the 20th Century. KLIMT
Intellectually, the city was a hotbed of creation: with Sigmund Freud, creator of psychoanalysis and Otto Bauer, political thinker and main exponent of Marxism.
Klimt was born on July 14, 1862 in Baumgarten, near Vienna. He lived in relative poverty during his childhood. His family was immigrant, with little work and social opportunities. His father worked as a goldsmith.
They were new concepts that would have a strong impact on Viennese society. They lived a change of times and were immersed in an atmosphere that favoured artistic creation.
Thanks to his talent, he received a scholarship to study in Kunstgewerbeschule, (School of Arts and Crafts) in Vienna, where he trained as a painter and interior decorator.
The emblem of the group was Athena, the main goddess of mythology, symbol of reason. She was the daughter of Zeus and Metis, born to adulthood and armed with a helmet by Zeus himself, she was the patron of the first city-state of Athens in classical Greece.
Together with his brother Ernst Klimt and his friend Franz Marsch they create a collective called "Artists Company". They begin to receive modest assignments in addition to working as assistants to their teacher at the School.
M S I A N N R N E E I D MO IN V
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T REPOR + ART AN DE JU A Í R © MA
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In 1880, Klimt began his individual career as an interior painter in large public buildings developing some allegorical themes that later became a distinctive theme of his work. One of his commissions are the frescoes of Kunsthistorisches Museum in Vienna. The work is made up of 40 paintings, distributed between the arches of the building, narrating scenes from Ancient Egyptian to the Modern Age. In 1890 Klimt meets Emilie Flöge, who will be his companion until the end of his life. Klimt had at least fourteen children during this relationship, although he was also famous for his love affairs. He led a fairly simple life, completely absorbed by his work and his family. Klimt used to avoid the social gatherings and the intellectual circles of the cafes. He used to wear a tunic or kaftan and sandals when he was at home. In 1892 his father and his brother Ernst died. The family tragedy also weighed on his artistic expression and marked the beginning of his personal style. In 1894, Gustav Klimt and his colleague Franz were commissioned to carry out the paintings for the ceiling of the Great Hall of the new University of Vienna. They commission symbolic representations of four Faculties: theology, philosophy, law and medicine. Unfinished until the end of the century, the paintings were widely criticised for their radical approach +142
and for the representation that was then accused of being "pornographic." Each painting broke different cultural taboos, contradicting the tendency to sublimate reality and only present its most favorable aspects. Klimt adapts the classic form of allegory and conventional symbolism, but revises it with his own plastic language, openly sexual and with provocative nuances. The protests did not wait: politicians, personalities from the art world and public morals raised the cry to the sky. The university finally decided not to place Klimt's works. In 1897 Klimt, together with other artists, left the conservative Künstlerhaus (Viennese Academy) and founded a new union of artists with the name of Sezession (which means rupture). Thus arises the Viennese movement whose motto was: “At all times, his art. To each art, its freedom" A phrase that described the work and creation of Klimt, strongly influenced by the currents of thought of his time and the result of a desire for total freedom. He insisted to break with the established but not with artistic tradition. Art historians point to the eclectic character of his style. In his work, we can discover references to ancient Egyptian art, Mycenaean culture, Classical Greece and Byzantine art.
A man of classical training, Klimt did not hesitate to express his enthusiasm for the art of Flemish artists such as Dürer or the Japanese School. Technically Klimt insists on the purity of the line, which gives his drawings a two-dimensional character and expressiveness. 1898 was a key year as he consolidated his position as an artist by receiving the Golden Order of Merit awarded by Emperor Francisco José I of Austria. That year he painted “Nuda Veritás”, (The naked truth), a provocative work full of disturbing energy. It is a frontal nude of a woman holding an allegorical mirror of truth. The work is crowned by a quote from Schiller: “If you cannot please everyone with your merits and your art, please a few. Pleasing many is bad." It constitutes a whole declaration of principles by Klimt directed, above all, to the most conservative politicians and critics. And it is a profound advance in his personal aesthetic. Among the objectives of the Sezession group were the promotion of young artists, the exhibition of works produced abroad and the publication of a magazine with works by its members. Nevertheless, the group never wrote a manifesto and did not define with a certain aesthetic direction. There were all kinds of creators in various arts and trends: muralists, realists, symbolists....
They were a project of artistic renewal of the styles of the past to adapt them to the changes of the present. In contrast to academicism and impressionism, they abandon everyday issues for symbolic and conceptual content. The group found some government support. They built an imposing exhibition hall, where the group's artists displayed their works, although they were normally detested by academics. In 1902 Klimt created the Beethoven Frieze, a mural painting created for the Exhibition of the Viennese Secession that was created around the figure of the composer. It is a great composition with a series of symbolic episodes about the salvation of humanity through art.
The work was the subject of strong controversy. Klimt was accused of reflecting "hallucinations and obsessions" and "impudent caricatures of the noble human figure." The disputes and polemics that arose caused the artist's total estrangement from political power. Until that moment, he had fulfilled his orders. But this situation of constant criticism leads him to go through a deep personal crisis and withdraw from any public commission. From then on, Klimt renounces being a mere chronicler rejecting official works in a time that the Austrian writer, Stefan Zweig, defined as "the golden age of bourgeois security”. He specialised in painting his favourite subject: women. Bewitching and irresistible women, ideals of the femme fatale, but with the soul of mythical beings linked to pleasure and excess. Close to a romantic ideology, Klimt found the maximum inspiration for him in the female nude. His works reflect an intense and sensual energy, in a way they are heirs to the tradition of erotic drawings of Rodin and Ingres. Around 1903 Klimt began a journey through Italy, visiting Florence, Venice and Ravenna. He discovers the Byzantine mosaics.
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After returning from his Italian trip, he participates in the decoration of the sumptuous Stoclet Palace, home of a Belgian magnate. Many of his paintings from this period incorporate gold leaf into the painting. The most important works carried out at this stage were the "Portrait of Adele Bloch-Bauer" (1907) and "The Kiss" (1908). Gustav Klimt was a break with the conventional and the conservative. The theme of sex and motherhood will occupy relevant places in his work. The female figure is ambivalent. On the one hand he presents the woman as a beautiful divinity and on the other as a femme fatale, making use of her charms. He transmits from tenderness and elegance to energetic and almost evil women. The inclusion of a male figure in the painting of The Kiss is something peculiar, since the woman was the true protagonist of most of Klimt's works, and the man was relegated to a secondary role. Klimt made portraits of various ladies of Viennese high society. But he was very selective about the assignments he accepted. Once a commission was accepted, he spent long hours meditating on it and the posing sessions were very long.
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Some were confiscated by the Nazi dictatorship. During the advance of the enemy troops, to avoid that they became spoils of war, the Nazis burned the castle where they remained confiscated. Today, Klimt's works have broken some records at art auctions. SCHIELE Egon Schielle (1890-1918) was the best pupil of Klimt, being almost 30 years younger than his already famous master. Despite his short life (he died at 28), Schiele produced an astonishing number of works on canvas and paper and is considered the greatest exponent of Austrian Expressionism. He played a decisive role in the Secession group and his works caused great controversy due to their daring eroticism. Schiele's style is unmistakable: broken and angular lines, long and bony hands, expressive deformations... Unlike his teacher Klimt, a magician of covert eroticism, adorned with arabesques and beautiful colours, Schiele shows us a stark reality, on backgrounds voids that seem to isolate the figures.
In 1911 Gustav Klimt was awarded the first prize at the Universal Exhibition in Rome, for his work "Life and Death".
He is not interested in being distracted by the superficial. He only wants to confront us face to face with the instincts, fears and weaknesses of the human being. Expressionism in its purest form.
In 1918, Klimt died at the age of 56, after a heart attack and pneumonia (then mistakenly called the Spanish flu). Many works remained in his workshop.
Despite his short career and life, Schiele is remembered as a prolific influence in early Modernism. His work is known for its dynamic compositions, unrefined sexuality
and unusual body shapes which are indicative of the early expressionist style. The young man was at odds with art critics and society for most of his brief life. Even more than Klimt, Schielle made eroticism one of his major themes and was briefly imprisoned for obscenity in 1912. His treatment of the nude figure suggests a lonely, tormented spirit haunted rather than fulfilled by sexuality. At first strongly influenced by Klimt, Schiele soon achieved an independent anti classical style where his jagged lines arose more from psychological and spiritual feeling than from aesthetic considerations. His famous Self-Portraits feature a depth of emotion despite the simplicity of the pieces. The artist sometimes sits at an angle, looking at the viewer with a look of skepticism. His head and facial features are enlarged, and the body twisted unnaturally, insinuating a subtle tension that permeates the piece. The face is rendered with intense color depth and muscular detail, unlike the surrounding clothing and background, suggesting an acutely psychological depth. Egon died when he was only 28 and we do not really know whether he would have developed from the self-pitying adolescent angst that was the main theme of his work.
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His Self-Portraits are his most moving theme, a pathetic and yet powerful exposure of Schiele's vulnerability. He is mere skin and bone, not yet fully there as a person. He is an unhappy, scrawny youth with a wild and exaggerated expanse of hair. His art shows the raw feelings of his unhappiness. It may seem too individualistic a view, yet in his hysterical way he is expressing the fears and doubts of many young people. He is wonderful, unsettling and strangely innocent. KOKOSCHKA Oskar Kokoschka (1886-1980) was the "enfant terrible”, the black sheep of Klimt and Freud's Vienna but he was also a great influence for a whole generation of artists. Son of a humble family dedicated to goldsmithing and punished by the arrival of industrialisation, Kokoschka always believed in omens. A great fire that ravaged his hometown of Pöchlarn at the same time that his mother gave birth, convinced him that he was called to seek enlightenment and explore a gaze that would allow him to see "the aura that men project in space." Each of his pictures, he maintained, allowed the model to know what his appearance and his life would look like over time. In Austria they accused him of painting badly. He lived with the Secession movement but the radical style and very strong expressiveness of the young Kokoschka was not well received in the artistic circles +146
of Vienna, where he was accused of not knowing how to paint. However, Klimt had described him as "the greatest talent of the new generations." In 1910 he emigrated to Berlin, where the mood was more open thanks to the advance of Expressionism. There he managed to make a living from painting thanks to the patronage of the architect Adolf Loos, who acted as the painter's ambassador among intellectuals. The great love of his life was Alma Mahler, widow of the composer Gustav Mahler and later wife of the architect Walter Gropius. She had a long and intense romance with the painter but decided to break up because he felt that the passion was too intense and clouded his will. His paintings, laden with layers that crack reality and that were not always to the taste of those portrayed, can be understood as a projection of the dislocation of his time. The artist was destroyed by two world wars and by the intolerance of the Nazis who accused him as one of the degenerate artists. Kokoschka had to flee and take refuge from Nazi persecution. He managed to escape and lived in London until he achieved English citizenship. At the end of his life, he reapplied for Austrian citizenship although he never again resided in his native country. He died with the feeling that his life of dedication to painting and commitment to art had been in vain. Forgotten and misunderstood, a
victim of the barrage of post-World War II movements, such as Pop Art, the old master felt like a footnote in 20th-century Art history. But today history has evolved and the figure of the painter, one of the most radical expressionists, is cited over and over again as one of the most influential. Although he shunned the militancy in any art school, he is considered a member of Austrian Secessionism but even more so, an Expressionist par excellence. Years later, his style had an enormous influence on the London School, especially on two of his most brilliant artists: Francis Bacon and Lucian Freud. The recovery of the master, born in Austria and died in Switzerland, was consolidated with a large exhibition at the Boijmans Van Beuningen Museum in Roterdam (Netherlands) in 2013.
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LEONARD PARIS Y SU MAGIA HECHA VIDA Mucho ha llovido desde que Leonard Paris pusiera la primera piedra de la maison en 1958. Desde entonces ha conseguido que la mujer que lo elija se convierta en la reina de una fiesta en la que el lujo y la opulencia caminan de la mano. ¿Quién ha dicho que, con la llegada del otoño y del invierno, nuestros armarios deben llenarse de tonalidades oscuras y aburridas? ¿Quién considera que los colores brillantes y divertidos deben quedar en el olvido cuando decimos adiós al verano? Leonard Paris busca llenar de vida unos meses en los que los días se acortan y el sol comienza a calentar cada vez menos. Leonard Paris y su pasión por el lujo desmedido busca, a través de todas y cada una de las piezas que dan forma a la colección ideada para los meses venideros, que la mujer envuelva su día a día en una clara opulencia con la que no dejar a nadie indiferente. Para conseguirlo, nada como apelar a los archivos de la maison, a los que ha acudido el director creativo de la marca con la única finalidad de beber de manera directa de formas y modelos con los que la casa rozó el cielo décadas atrás.
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Con creaciones en las que se mezcla la esencia del Art Nouveau inspirado en las vidrieras de Tiffany, en el Nueva York de la Belle Époque o en el mismísimo Studio 54, Leonard Paris busca combinar colores, texturas y formas en una colección en la que la estampación manual –una particularidad de la firma desde 1958– sigue estando más presente que nunca. Faldas con aberturas imposibles a la par que sugerentes, mangas tremendamente abullonadas, tops con cortes asimétricos y escotes que lo dejan todo a la imaginación se combinan a la perfección en un engranaje casi impecable, dando como resultado una colección sofisticada que parece no querer dejar atrás tiempos pasados a través de elementos propios de distintos momentos del año. Rosas claros, azules cielo, naranjas, púrpuras… Son todos ellos colores planos que destacan frente a delicados estampados con reminiscencias pop que vienen a reinterpretar una moda de antaño cargada de simbolismos. Y en este universo, los accesorios y bolsos están llamados a convertirse en la principal diferencia de Leonard Paris con el resto de marcas que lo rodean. ¿Conseguirá Paris que la mujer encuentre en él un potente aliado para luchar contra la monotonía y los estereotipos que, a pesar de los intentos por desterrarlos, aún persisten en pleno siglo xxi?
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LEONARD PARIS AND ITS MAGIC BROUGHT TO LIFE Many years have passed since Leonard Paris laid the cornerstone of the maison in 1958. Since then, the fashion house has succeeded in making the women who choose it become the queens of a party where luxury and opulence go hand in hand. Who said that, with the arrival of autumn and winter, our wardrobes have to be filled with dark, dull shades? Who said that bright and fun colours have to be forgotten when we say goodbye to summer? Leonard Paris seeks to fill with life a few months in which days are getting shorter and the sun begins to warm less and less. Leonard Paris and its passion for excessive luxury seeks, through each and every one of the pieces that shape the collection designed for the coming months, for to women wrap their day-to-day in a clear opulence that will leave no one indifferent. To achieve this, there's nothing like turning to the archives of the maison, which the creative director of the brand has consulted with the sole purpose of borrowing directly from the shapes and design with which the house touched the sky decades ago.
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With creations that combine the essence of Art Nouveau inspired by Tiffany's stainedglass windows, the New York of the Belle Époque or Studio 54 itself, Leonard Paris aims to harmonise colours, textures and shapes in a collection in which the manual printing –a distinctive feature of the firm since 1958–, is more present than ever. Skirts with impossible yet suggestive openings, tremendously puffed sleeves, tops with asymmetrical cuts and necklines that arouse the imagination are combined to perfection in an almost impeccable apparatus, resulting in a sophisticated collection that seems to not want to forget past times by using elements from different seasons of the year. Light pinks, sky blues, oranges, purples... They are all plain colours that stand out against delicate prints with pop reminiscence that reinterpret a fashion of yesteryear full of symbolism. And in this universe, accessories and bags are meant to become the main difference between Leonard Paris and the rest of the brands that surround it. Will Paris succeed in helping women find in it a powerful ally in the fight against monotony and stereotypes that, despite the efforts to banish them, still persist in the midst of the 21st century?
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