A I N A EOM GAZINE
AT / DE: 9.00 € BE / GR / IT: 7.00 € ES / FR: 6.00 € LUX / NL: 7.00 € GB: £ 4.90 PORT. CONT.: 7.00 € CH: 12.20 CHF
N
MA
Elie Saab + damas del IMPRESIONISMO + Franck Sorbier + Peter Li + Zuhair Murad + FORNASETTI + Stephane Rolland + Shiatzy Chen + BURNING MAn + Jean Paul Gaultier + Moshe Safdie + Rahul Mishra + Post Impresionismo + Maison Rabih Kayrouz +
ANZIINAE NEOM MAGA
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PUBLISHER & FOUNDER Ibermaison Home Designers EDITORIAL DIRECTOR Karin Mehnert ART DIRECTION Massi Ferrachi GRAPHIC DESIGNER Pepe Barroso CREATIVE CONSULTANT JOSE ESPINAS CONTRIBUTORS maria de juan rocío alcántara CHRISTIAN TARRO TOMA CARMEN FORTES Elie Saab Franck Sorbier Peter Li Zuhair Murad FORNASETTI Stephane Rolland Shiatzy Chen BURNING MAn Jean Paul Gaultier Moshe Safdie Rahul Mishra Maison Rabih Kayrouz JIM URQUHART reuters Philip Safarik Museo Thyssen- Bornemisza PIERO BIASION YANNIS VLAMOS pixelformula Jino Lee Dominique MAITRE VACHERON ALAIN Agape Alias Cassina Driade Extremis Flos FONTANA ARTE GERVASONI glas italia iLINE Ligne Roset MANUTTI Vitra Zanotta ON THE COVER Elie Saab MARBELLA OFFICE Tel. 952770675 GoldenMile, km. 176 LEGAL INFO DL:MA-1105-2001 ISSN.:1578-3251 Printed in Spain neomaniamagazine.COM www.facebook.com/Neomania.magazine issuu.com/neomaniamagazine
EliE Saab + damaS dEl imPRESiONiSmO + FRaNck SORbiER + PEtER li + ZuhaiR muRad + FORNaSEttti + StEPhaNE ROllaNd + ShiatZy chEN + buRNiNG maN + JEaN Paul GaultiER + mOShE SaFdiE + Rahul miShRa + POSt imPRESiONiSmO + maiSON Rabih kayROuZ +
IBERMAISON S.L. MADRID Serrano, 98 28006 Madrid [Spain] t: +34 91 426 28 37 madrid@ibermaison.com MARBELLA Golden Mile, km. 176 29602 Marbella Málaga [Spain] t: +34 95 277 06 75 marbella@ibermaison.com IBIZA Ctra. Ibiza-San Antonio, km. 4 Pol. Ind. Montecristo 07816 San Rafael Ibiza [Spain] t: +34 97 131 71 64 ibiza@ibermaison.com www.ibermaison.com www.facebook.com/ibermaison www.twitter.com/ibermaison
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+10 Elie Saab +18 damas del IMPRESIONISMO
MODERNA COMO LAS OLAS ANTIGUA COMO LA MAR SIEMPRE NUNCA DIFERENTE PERO NUNCA SIEMPRE IGUAL. EDUARDO CHILLIDA
+34 Franck Sorbier +42 Peter Li +56 Zuhair Murad +64 FORNASETTI +78 Stephane Rolland +88 Shiatzy Chen +96 BURNING MAn +112 Jean Paul Gaultier +122 Moshe Safdie +134 Rahul Mishra +142 Post Impresionismo +158 Maison Rabih Kayrouz +
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PROJECTS
CHI R A LAB
IBERSON MAI
Proyecto en venta en la mejor zona de Ibiza For sale in ther best part of Ibiza, Spain +info: realestate@ibermaison.com
+ EDITORIAL
¿QUE HAY DE NUEVO EN 2020?
Todas las pantallas nuevas serán ultrafinas de LED.
Bienvenido a una nueva década llena de sorpresas.
Por fin veremos gafas decentes de Realidad Virtual.
Según las deslumbrantes predicciones tecnológicas, este nuevo 2020 va a ser un año increíble. Demos un rápido vistazo a algunas de las maravillas previstas según el Institute for the Future.
Los precios de biocombustibles serán competitivos con los de combustibles fósiles. Tiene sentido político no depender de regiones volátiles para obtener energía y este impulso significará vehículos más limpios.
Controlaremos dispositivos a través de microchips implantados en nuestros cerebros. Crearemos un cerebro sintético que funcione como el auténtico. Nuestros coches se conducirán solos y el nuevo “coche volador" surcará por los aires. Un ordenador de 1.000 dólares tendrá el poder de procesamiento de un cerebro humano. Japón construirá una base en la luna con robots para robots. China conectará Peking con Londres con un tren de alta velocidad. La traducción universal será normal en dispositivos móviles.
Y los lectores de Neomania continuarán teniendo el placer de mirar hacia atrás y hacia adelante para sumergirse en temas fascinantes como los movimientos artísticos que influenciaron nuestro tiempo, y para explorar los últimos y más rompedores creadores en arte, arquitectura, moda, fotografía, diseño, cine, festivales... El año pasado lloramos viendo Nôtre Dame arder. Nuestra amada catedral de París fue como un siniestro preludio de las gigantescas llamas de fuego que arden ahora en Australia.
IAL R O DIT
E
ÍA © MAR
+8
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DE JUA
¡Pero pensemos positivo! Greta Thunberg, activista adolescente, fue el personage del año 2019, según la revista TIME. Abran paso a los mas jóvenes que cambiarán el mundo a mejor. Personalmente, me gustaría recordar 2019 como el año en el que los astrónomos capturaron la primera imagen de un agujero negro. Finalmente, la oscuridad se vuelve visible. Ahora, por fin, deberíamos concentrarnos en la búsqueda interior, explorar la luz interna, en nuestras propias almas ... pero este quizá sea un tema demasiado profundo para una editorial. Por ahora, Neomania os desea una fabulosa y fascinante nueva década llena de arte, luz y paz de espíritu.
WHAT’S NEW IN 2020? Welcome to a new decade full of surprises. According to dazzling technology predictions, this new 2020 is going to be one heck of a year. Let’s take a quick spin at some of the wonders it has in store, according to the Institute for the Future. We will control devices via microchips implanted in our brains. We will create a synthetic brain that functions like the real deal. Our cars will drive themselves and the new ’flying car' will be airborne. A $1,000 computer will have the processing power of the human brain. Japan will build a robotic moon base. China will connect Beijing to London via high-speed rail. Universal translation will be commonplace in mobile devices. All new screens will be ultrathin OLEDs.
We'll finally see some decent AR glasses (Augmented Reality). Biofuels will be costcompetitive with fossil fuels. It makes political sense not to rely on volatile regions for energy and this push will mean cleaner vehicle fleets. And Neomania readers will continue to have the joy of looking backwards and forward for the sake of diving into fascinating topics such as the art movements that shaped our times, and exploring the latest and most original creators in art, architecture, fashion, photography, design, film, festivals... Last year we cried watching Notre Dame burning. The beloved cathedral in Paris were like a sinister prelude of the huge fire flames burning in Australia right now.
But let’s think positive! Greta Thunberg, a teenage activist, was the person of the year 2019, according to TIME magazine. Make way for the youngest who will change the world for the better. Personally, I like to remember 2019 as the year when astronomers captured first ever image of a black hole. Darkness is finally visible. Now we should at last concentrate in searching inwards, exploring the light within, in our own souls... but this maybe a topic too deep for an editorial. For now, Neomania staff wishes you a fabulous fascinating new decade full of art, light and peace of mind.
+ FASHION
LAB
E LI E SAAB HION + FAS
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REPOR
El sueño asiático de Elie Saab Estética del Oriente más puro para una colección en la que los detalles se convierten en los verdaderos protagonistas de las veladas más exclusivas. La próxima colección de alta costura para el otoñoinvierno 2019-2020 vuelve a contar con la inestimable aportación de Elie Saab, uno de los diseñadores que siempre tiene mucho que decir cuando se trata de dar rienda suelta a creaciones de ensueño, lujo y glamur. Así, el diseñador libanés pone en marcha toda su artillería para dar forma a patrones cargados de una magia que directamente nos transporta al lejano Oriente más sofisticado y exclusivo. Una sofisticación que se respira en todas y cada una de las delicadas puntadas que se entrelazan magistralmente dando como resultado combinaciones, en ocasiones imposibles, en las que la estética oriental se convierte en leitmotiv. Una vez más, Elie Saab busca no dejar a nadie indiferente y convencer a la mujer para que se decida a vestir alguna de sus creaciones durante los próximos meses; que lo haga con la plena certeza de que su propuesta es, de todas las existentes, la mejor opción que podría haber elegido.
+ FASHION
LAB
+ 12
Protagonista indiscutible de todo lo que a la alta costura se refiere, Elie Saab sabe como nadie resaltar todos y cada uno de los rincones del delicado cuerpo femenino ensalzando todas sus bondades. Un cuerpo femenino que Saab nos propone envolver de una exclusiva estética oriental, llamando nuestra atención de manera especial e irreverente durante los próximos meses. Y es que, cuando el termómetro nos recuerde que van a quedar atrás las cálidas tardes de verano, Elie Saab invitará a la mujer a sumergirse de lleno en historias y tradiciones propias del lejano Oriente más sofisticado a través de piezas llenas de exclusividad y elegancia. Con ellas, nada ni nadie impedirá a la mujer disfrutar de un sueño en el que ella es la auténtica y única protagonista. Delicados satenes se salpican de elegantes brocados que se alzan como principal elemento diferenciador de piezas únicas que convierten la figura de la mujer en un lienzo de infarto. +info: neomaniamagazine.com
+ FASHION
LAB
E LI E SAAB HION + FAS
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REPOR
Elie Saab's Asian dream The purest aesthetic of the East is addressed in a collection for which details become the true protagonists of the most exclusive soirees. For the next Haute Couture collection for fall-winter 2019-2020 we have again the invaluable contribution of Elie Saab, one of the designers who always has a lot to say when it comes to unleashing creations of dream, luxury, and glamour. Thus, the Lebanese designer uses everything at his disposal to give shape to patterns full of magic, transporting us to the very most sophisticated and exclusive Far East. This sophistication can be felt in each and every one of the delicate stitches that intertwine masterfully, resulting in combinations, at times impossible, in which the oriental aesthetic becomes the leitmotiv. Once again, Elie Saab aims to leave no one indifferent and persuade women to wear some of his creations during the next months. They will choose him with the full certainty that his proposal is, among all of them, the best option they could have chosen.
+ FASHION
LAB
+ 16
Undisputed protagonist of everything concerning Haute Couture, Elie Saab knows how to highlight each and every corner of the delicate female body, extolling all its virtues. Saab proposes wrapping the female body with an exclusive oriental aesthetic, calling our attention in a special and irreverent way during the coming months. When the thermometer reminds us that warm summer afternoons will soon be left behind, Elie Saab will invite women to immerse themselves in stories and traditions of the most sophisticated Far East through pieces full of exclusivity and elegance. Elie Saab proposes women to immerse themselves in stories and traditions of the most sophisticated Far East through pieces full of exclusivity and elegance. With them, nothing and nobody will prevent women from enjoying a dream in which they are the only protagonist. Delicate satins are dotted with elegant brocades, standing as the distinguishing element of one-of-a-kind pieces, and turning women's figure into a heart-stopping canvas. +info: neomaniamagazine.com
+ ART
LAB
Los artistas vinculados al impresionismo pasaron a formar parte del canon artístico pero las mujeres quedaron relegadas a un segundo plano. En 1928 el crítico Henri Focillon las bautizó como “Las tres grandes Damas del impresionismo”. Son: Mary Cassatt, Berthe Morisot y Marie Bracquemond. Pocos saben que la inspiración inicial de estas primeras pintoras impresionistas fue precisamente la intensa amistad entre artistas. Degas intimaba con Mary Cassatt, Berthe Morisot conoció a Manet copiando en el Museo Louvre y posó para mas de una docena de sus cuadros. Monet y Degas fueron grandes amigos de Marie Bracquemond quien incluso acogió a Gauguin en su casa durante una temporada. En aquella época, las mujeres no tenían acceso a academias de arte. Si querían aprender dibujo y pintura, tenían que tomar clases privadas o hacerse copistas en el Louvre. Allí coincidían con otros artistas y se creaban vínculos artísticos y personales.
Estas pintoras, semi olvidadas, vivieron una época dominada por hombres, como ha sido en toda la historia del arte, desde el principio de los tiempos. A pesar de la oposición de familia y entorno social, ellas lucharon contracorriente en un mundo masculino, para conseguir convertirse en auténticas artistas, no simples pintoras de domingo. Hicieron de la pintura su pasión y centro de su vida. Fueron aceptadas en el Salón de Paris, organizado por la Academia de Bellas Artes que marcaba las tendencias del mundo artístico seleccionando temas históricos en grandes formatos. Mas tarde, mostraron en el Salon des Independents de los impresionistas, rechazados por la Academia. Pero no eran típicas impresionistas pintando al aire libre. Mas que la naturaleza, les interesaba la figura humana y muy especialmente, su mundo privado, el universo femenino. Las tres coincidieron en sus temas favoritos, concentrándose en captar la esencia de la mujer y la infancia, en su entorno intimo cotidiano: infancia y maternidad en interiores del hogar, parques o jardines.
L E D S NISMO DAMA O I S E R P IM T REPOR N + ART DE JUA A Í R © MA
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+ ART
LAB
MARY CASSATT Mary Stevenson Cassatt (1844–1926), nació en Pennsylvania, USA y pasó sus primeros años con su familia en Francia y Alemania. Estudió en la Academia de Bellas Artes de Pensilvania. Convenció a sus padres para estudiar en Paris, donde tomó clases privadas con el pintor académico Jean-Léon Gérôme. Desde su infancia, fue admiradora de los antiguos maestros que aprendió a copiar en el Louvre. Su pintura ”Música con mandolina" fue aceptada en el Salón de Paris, siendo la primera americana participante. Tras cuatro años en Francia, la guerra FrancoPrusiana la obligó a volver a su casa en Filadelfia. Un año después, regresó a Europa y pasó ocho meses en Parma, (Italia), estudiando pinturas de Correggio y Parmigianino. Viajó por España, Bélgica y Holanda donde copió y profundizó en las obras de sus artistas admirados: Velázquez, Rubens, Rembrandt y Franz Hals. Cassatt se instaló en Paris, donde comenzó a presentar sus obras regularmente en los Salones. Edgar Degas la invitó a unirse al grupo de los impresionistas. Siendo la única americana, llegó a exponer en cuatro de sus ocho exposiciones. Manifestó su gran admiración por Manet y Degas. Este fue su principal mentor, criticó su trabajo, ofreció consejos técnicos y alentó sus experimentos en el grabado, con influencias del arte japonés. +20
Muy vinculada a Degas, este le inspiró con su técnica, composición, luz y uso del color. A ambos les interesaban las composiciones con figuras y el teatro. Los temas favoritos de Mary eran su hermana Lydia, su familia, la ópera y el teatro. Aunque nunca se casó, se especializó en plasmar la maternidad y la infancia, que trató con tierna calidez y gran naturalidad en pinturas, pasteles y grabados. El papel de Cassatt como asesora de coleccionistas de arte, benefició a colecciones privadas y museos en Estados Unidos. Se puede decir que fue ella quien llevó el Impresionismo a América. Su colaboración fue clave en la selección de la colección Havemeyer, expuesta en el Metropolitan Museum de Nueva York. Desde su juventud, promovió el coleccionismo de la vanguardia francesa. Acompañó a Havemeyer en un viaje comprando arte por Italia y España. Al fallarle la vista, la obra de Cassatt se redujo drásticamente, abandonó la imprenta y dejó de pintar. Murió en su casa de campo, Château de Beaufresne, cerca de Paris. BERTHE MORISOT Perteneciente a la alta burguesía francesa, Berthe Morisot (1841-1895) vivió y fue educada en el gusto por las artes y la música. Recibió clases junto a su hermana Edma, de pintores como Chocarne, Guichard y Achille Oudinot y aprendieron a pintar al aire libre.
+ ART
LAB
Entraron como copistas en el Museo del Louvre donde conocieron a FantinLatour y Félix Bracquemond, Camille Corot y los pintores de la Escuela Barbizon. Berthe tomaba apuntes al aire libre de obras que acababa de pintar en su estudio. Expuso en el Salón de Paris y en la primera exhibición impresionista. Sus escenas de ambientes domésticos, eran protagonizadas por sus hermanas e hijos. Hizo amistad con Edouard Manet y se casó con su hermano Eugéne. Fue ella la que atrajo al pintor al mundo del impresionismo, aunque el nunca expuso con ellos ni se consideró miembro del grupo. Berthe posó para Manet en “El balcón” (Museo Orsay, Paris) y en otras doce pinturas. Siempre mantuvieron una estrecha relación artística. Solo Morisot y Pisarro participaron en todas las exhibiciones impresionistas. Pero ella sufrió discriminación por ser mujer. Vivió en una sociedad machista que infravaloró su obra. La influencia de Renoir, se refleja en la frescura luminosa de su paleta, la factura libre y vigorosa y la atmósfera poética de sus lienzos. Tuvo una intima relación con otros impresionistas, frecuentes invitados en su casa, a reuniones con artistas e intelectuales. Tras la muerte de Monet, organizó una exposición en su honor con la ayuda de Emile Zola y otros artistas.
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MARIE BRACQUEMOND La mas desconocida de las tres, es posiblemente la mas brillante. Alabada por Monet, Degas y Gauguin, la envidia de su propio marido, aspirante a artista, le obligó a abandonar los pinceles y caer en el olvido. Desde niña, Marie Bracquemond (1840-1916) vivió una existencia nómada con su familia, desplazándose al ritmo de los destinos laborales de su padrastro. Recibió clases de pintura junto a su hermana y pronto demostró gran talento. LLamó la atención del pintor Ingres, convirtiéndose en una de sus alumnas destacadas. Consiguió un empleo de copista en el Museo del Louvre, donde fue descubierta por Félix Bracquemond y se enamoraron a primera vista y se casaron. Félix admiraba el talento de su esposa. En un principio, la apoyó, introduciéndola en el círculo de sus amistades artísticas. Monet y Degas se sintieron especialmente interesados por su obra y la animaron a pintar al aire libre, algo verdaderamente revolucionario. No era habitual, ni bien visto, que una mujer pintara fuera de casa. El fruto de su trabajo apareció en varias exposiciones impresionistas. Tuvo influencia de Gauguin, quien pasó un tiempo alojado en su casa, refugiado por su frágil situación económica.
+ ART
LAB
Desgraciadamente, la admiración de Félix hacia la obra de su mujer derivó en envidia. Su propia carrera artística estaba en ascenso y consideraba que el éxito de su esposa, le restaba brillo. Comenzó a ser tremendamente crítico con ella y las discusiones se convirtieron en cotidianas. Marie optó en un primer momento por abandonar la pintura en el campo abierto y recluirse en el jardín de su casa. Allí pintó “Terraza en Sèvres” hoy en el Musée Petit Palais de Ginebra. Pero ni siquiera esto sirvió para aplacar a Félix. Al salirse del circuito artístico ya prácticamente nadie la tenía en cuenta. Finalmente, a cambio de paz familiar, optó por una solución drástica y abandonó definitivamente los pinceles y nunca volvió a exponer. Paralelamente, el reconocimiento de Félix Bracquemond siguió creciendo mientras ella pasaba al anonimato, para ocuparse de su único hijo. Hoy, es casi imposible encontrar sus cuadros en museos pues están repartidos por colecciones privadas. Virginia Woolf en su ensayo “Una habitación propia”, denunció como se le negó que su arte plasmara lo que crecía y vivía a pleno sol, que contara con una naturaleza propia. Estas grandes creadoras del impresionismo fueron relegadas con desprecio a la categoría de “mujeres artistas”, debido a la temática de sus cuadros: escenas de vida doméstica, maternidad y niños.
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El mundo masculino, les estaba vetado socialmente, sin embargo, sus pinturas tenían muchas cosas en común con los pintores masculinos. Degas, burgués como ellas, pintaba niñas bailarinas, y carreras de caballos, Monet y Renoir también retrataron a sus hijos. El impresionismo sacudió los cimientos de la historia del arte. Hizo que verdades absolutas empezaran a ser cuestionadas. Logró abrir el camino que conduciría al nacimiento de las vanguardias y la gran revolución estética del siglo XX, pero ciertas cosas, desgraciadamente, no evolucionaron. Prueba de ello, es el caso de Marie Bracquemond, la impresionista a quien le prohibieron pintar. Las impresionistas fueron ignoradas durante años debido al simple hecho de ser mujeres y por el género intimista de su obra. Actualmente sus cuadros se cotizan alto en el mundo del arte, valorados en más de cuatro millones de dólares. Hoy los tiempos han cambiado. Organizaciones artísticas en todo el mundo luchan por la igualdad de género y la promoción de mujeres creadoras. Su obra se presenta en exposiciones individuales en museos como la de Mary Cassatt en el Musée Jacquemart-André, Paris (2018) y Berthe Morisot en el Museo Thyssen, Madrid (2012). Pero Marie Bracquemond, como tantas otras, sigue siendo una extraordinaria artista tristemente olvidada. +info: neomaniamagazine.com
+ ART
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Artists linked to impressionism became part of the artistic canon but women were relegated to the background. In 1928 the critic Henri Focillon refered to them as "The Three Great Dames of Impressionism”: Mary Cassatt, Berthe Morisot and Marie Bracquemond. Few know that the initial inspiration of these first Impressionist painters was precisely the intense friendship between artists. Degas intimated with Mary Cassatt, Berthe Morrissot met Manet copying at the Louvre Museum and posed for more than a dozen of her paintings. Monet and Degas were great friends of Marie Bracquemond who even welcomed Gauguin into his house for a season. At that time, women did not have access to art academies. If they wanted to learn drawing and painting, they had to take private lessons or become copyists in Musée du Louvre. They coincided there with other artists, creating artistic and personal links.
These female painters, half forgotten, lived an era dominated by men, as it has been throughout the history of art, since the beginning of time. Despite the opposition of family and social environment, they fought against the current in a male world, to become authentic artists, not just Sunday painters. They made painting their passion and center of their lives. They were accepted at the Salon de Paris, organised by the Academy of Fine Arts that marked the trends of the artistic world by selecting historical themes in large formats. Later, they showed in the Salon des Independents of the Impressionists, rejected by the Academy. But they were not typical impressionists painting outdoors. More than nature, they were interested in the human figure and especially in their private world, the female universe. The three agreed on their favourite themes, focusing on capturing the essence of women and childhood, in their daily intimate environment: childhood and motherhood in home interiors, parks or gardens.
F O S IONISM E DAMRESS IMP T REPOR + ART JUAN ÍA DE R MA ©
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+ ART
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MARY CASSATT Mary Stevenson Cassatt (1844-1926), was born in Pennsylvania, USA and spent her early years with her family in France and Germany. She studied at the Pennsylvania Academy of Fine Arts. She persuaded her parents to study in Paris, where she took private classes with the academic painter Jean-Léon Gérôme. From her childhood, she was an admirer of old masters that she learned to copy in the Louvre. Her painting "Music with mandolin" was accepted at the Salon de Paris, being the first participating American. After four years in France, the FrancoPrussian war forced her to return to her home in Philadelphia. A year later, she returned to Europe and spent eight months in Parma, (Italy), studying paintings by Correggio and Parmigianino. She traveled through Spain, Belgium and Holland where she copied and delved into the works of her admired artists: Velázquez, Rubens, Rembrandt and Franz Hals. Cassatt settled in Paris, where she began to present her works regularly in the Salons. Edgar Degas invited her to join the group of the Impressionists. Being the only American, she came to exhibit in four of their eight exhibitions. She expressed her great admiration for Manet and Degas. He was her main mentor, criticised his work, offered technical advice and encouraged her experiments in engraving, with influences from Japanese art. +28
Closely linked to Degas, he was her inspiration with his technique, composition, light and use of color. Both were interested in compositions with figures and the theatre. Mary's favourite subjects were her sister Lydia, her family, opera and theatre. Although she never married, she specialised in capturing motherhood and childhood, which she treated with tender warmth and great naturalness in paintings, pastels and prints. Cassatt's role as a consultant to art collectors benefited private collections and museums in the United States. It can be said that she was the link who brought Impressionism to America. Her collaboration was key in the selection of the Havemeyer collection, exhibited at the Metropolitan Museum in New York. From her youth, she promoted collecting the French avantgarde. She accompanied Havemeyer on a trip buying art through Italy and Spain. When her sight failed, Cassatt's work was drastically reduced, she left the printing press and stopped painting. She died at her country house, Château de Beaufresne, near Paris. BERTHE MORISOT Belonging to the French upper bourgeoisie, Berthe Morisot (18411895) lived and was educated in the taste for arts and music. She received classes with her sister Edma, by painters like Chocarne, Guichard and Achille Oudinot and learned to paint outdoors.
+ ART
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They entered as copyists in the Louvre Museum where they met Fantin-Latour and Felix Bracquemond, Camille Corot and the painters of the Barbizon School. Berthe took notes in the open air of works she finished painting in her studio. She exhibited at the Paris Salon and at the first impressionist exhibition. She painted scenes of domestic environments, portraying her sisters and children. She was a close friend of Edouard Manet and married his brother EugĂŠne. She was the one who attracted the painter to the world of impressionism, although he never exhibited with them nor considered himself a member of the group. Berthe posed for Manet in "The Balcony" (Orsay Museum, Paris) and in twelve other paintings. They always maintained an intense artistic relationship. Only Morisot and Pisarro participated in all the impressionist exhibitions. But she suffered discrimination for being a woman. She lived in a macho society that underestimated her work. The influence of Renoir is reflected in the luminous freshness of her palette, the free and vigorous invoice and the poetic atmosphere of her canvases. She had an intimate relationship with other impressionists, frequent guests at her home in party meetings with artists and intellectuals. After the death of Monet, she organised an exhibition in his honor with the help of Emile Zola and other artists. +30
MARIE BRACQUEMOND The most unknown of the three, is possibly the brightest artist. Praised by Monet, Degas and Gauguin, the envy of her own husband, an aspiring artist, forced her to abandon the brushes and fall into oblivion. As a child, Marie Bracquemond (18401916) lived a nomadic existence with her family, moving to the rhythm of her stepfather's work destinies. She received painting classes with her sister and soon showed great talent. She attracted the attention of the painter Ingres, becoming one of his outstanding students. She got a copyist job at the Louvre Museum, where she was discovered by Felix Bracquemond, they fell in love at first sight and got married. Felix admired his wife's talent. In the beginning, he supported her, introducing her into the circle of his artistic friendships. Monet and Degas felt especially interested in her work and encouraged her to paint in the open air, something truly revolutionary. It was not usual, nor well seen, for a woman to paint outside the home. The fruit of her work appeared in several Impressionist exhibitions. She was influenced by Gauguin, who spent some time staying at their home, sheltered by his fragile economic situation.
+ ART
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Unfortunately, Felix's admiration for his wife's work led to envy. His own artistic career was on the rise and he considered that the success of his wife diminished his brilliance. He began to be extremely critical of her and the discussions became daily. Marie chose at first to abandon outdoor painting in the open country side and secluded herself in the garden of her house where she painted "Terrace in Sèvres" today in Petit Palais Museum in Geneva. But even this could not placate Felix. She left the artistic circuit and practically nobody took her into account. Finally, in exchange for family peace, she opted for a drastic solution: she finally abandoned the brushes and never exhibited again. At the same time, the recognition of Felix Bracquemond continued to grow while she went into anonymity, taking care of their only son. Today, it is almost possible to find her paintings in museums as they are distributed in private collections. Virginia Woolf in her essay "A room of her own", denounced how she was denied that her art embodied what grew and lived in full sunlight, that it had its own nature. These great creators of impressionism were relegated with contempt to the category of "women artists", due to the theme of their paintings: scenes of domestic life, motherhood and children.
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For them, the male world was socially vetoed, however, their paintings had many things in common with male painters. Degas, bourgeois like them, painted ballerinas, and horse races, Monet and Renoir also focused on their children. Impressionism shook the foundations of art history. It made absolute truths begin to be questioned. It managed to open the way that would lead to the birth of the avant-garde and the great aesthetic revolution of the XX century, but certain things, unfortunately, did not evolve. Proof of this is the case of Marie Bracquemond, the impressionist who was forbidden to paint. These impressionist were ignored for years due to the simple fact of being women and the intimate gender of their work. Currently their paintings are quoted high in the art world, valued at more than four million dollars. Today times have changed. Art organisations around the world fight for gender equality and the promotion of creative women. Their work is presented in individual exhibitions at museums such as Mary Cassatt at MusĂŠe Jacquemart-AndrĂŠ, Paris (2018) and Berthe Morisot at Thyssen Museum, Madrid (2012). But Marie Bracquemond, like so many others, remains an extraordinary artist, sadly forgotten. +info: neomaniamagazine.com
+ FASHION
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La nueva aventura de Franck Sorbier Volúmenes y pliegues se conjugan a la perfección en creaciones llenas de movimiento en las que Franck Sorbier baila magistralmente con la alta costura. Con su nueva colección de alta costura, Franck Sorbier nos invita a sumergirnos en una nueva y apasionante aventura en la que nos plantea, como requisito imprescindible, dejarnos llevar dejando atrás todos esos miedos que, en ocasiones, nos impiden mirar de frente a nuestro futuro. Una aventura para la que el diseñador de origen francés ha querido recuperar esa espontaneidad propia de sus orígenes y que ha sabido plasmar a la perfección en todas y cada una de las piezas entre las que propone a la mujer durante los próximos meses.
CK N FRA R E BI R SO HION + FAS
+ 34
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REPOR
Y es que mucho ha llovido desde aquel 2005 en el que su maison de moda alcanzase el estatus de haute couture y comenzara a ganar adeptos de manera más que exponencial a lo largo de estos años. Más de una década en la que el virtuoso de la aguja galo ha trabajado e investigado arduamente con el objetivo de continuar levantando la misma expectación con la que en 1987 el mundo acogía a la que se convertiría en su primera colección de moda. De la misma manera que ya lo hiciese en otras ocasiones, Franck Sorbier ha sabido dar forma a una colección a la manera de una auténtica página en blanco, en la que ha logrado dar forma a lo verdaderamente esencial. Una colección vital — presentada al mundo una vez más en un escenario musical de excepción— con la que completa el sinfín de colecciones clásicas, comprometidas, viajeras, musicales, naturalistas, históricas, culturales, espirituales… a las que nos tenía acostumbrados todos estos años. Años de productividad exquisita en los que Sorbier se ha conseguido hacer un hueco de excepción entre los amantes de la moda más pura y libre.
+ FASHION
LAB
Durante los próximos meses, Franck Sorbier invita a la mujer a dejar envolver su silueta en piezas sin costuras que envuelven su universo de manera delicada y pura. Creaciones que parecen no tener ni principio ni fin y que dejan a la imaginación aquello que tapan y que salvaguardan como el más preciado de los tesoros. Sorbier se deja llevar y nos invita a hacer lo mismo; a dejar volar nuestra imaginación, a acabar con nuestras ataduras; a volar como si fuéramos pajarillos; a vivir en libertad. Franck Sorbier busca figuras libres, depuradas, realizadas a través de cortes minimalistas y sencillos que, en materiales como el crepé y la seda, dan lugar a piezas divinas en las que la elegancia da la mano a la sofisticación. Combinaciones perfectamente simplificadas, pero no por ello menos perfectas. Combinaciones que tienen en su ensamblaje artesanal su mejor y más selecta carta de presentación. + 36
Y en esta vorágine de pureza extrema, una reinvención perfecta del clásico vestido negro con el que la gracia y el movimiento harán las delicias de quienes apuesten por Sorbier para vestir sus frías jornadas de invierno. Piezas contemporáneas que, a pesar de tener en el negro su mejor seña de identidad, el diseñador ofrece en una amplia gama de colores con la que pretende llenar de alegría el universo femenino. La apuesta constante por el negro más sobrio de Franck Sorbier no significa, en ningún caso, que el diseñador no opte por algún color que otro para ofrecer una cara más amable y divertida. Por ello, algunas de sus combinaciones incluyen elementos desmontables como cuellos de perlas y cachemir y tules de colores que contrastan y aportan ese toque de locura que todos llevamos dentro. Una apuesta segura por lo diferente sin dejar a un lado la convencionalidad más pura. +info: neomaniamagazine.com
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The new adventure of Franck Sorbier Volumes and pleats combine perfectly in creations full of movement in which Franck Sorbier masterfully dances with haute couture. With his new haute couture collection, Franck Sorbier suggests that we immerse ourselves in a new and exciting adventure. As a basic requirement, he asks us to let ourselves be carried away and leave behind all those fears that sometimes prevent us from facing up to the future. The French designer wanted to recover the spontaneity typical of his origins for this adventure. For the coming months, he has managed to perfectly capture this briskness in each and every one of the pieces he offers to women.
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But much water has flowed under the bridge since 2005, when his fashion house reached the status of "Haute Couture" and began to exponentially win supporters over the years. More than a decade has passed since then, but the Gallic virtuoso of stitching has never stopped working and researching strenuously. Quite the opposite, he has always sought to cause the same sensation with which the world welcomed what was to become his first fashion collection in 1987. In the same way as he did on other occasions, Franck Sorbier has managed to shape a collection into a genuine blank page, in which he could give form to the truly essential. This key collection —once again introduced to the world with an exceptional musical setting— completes the myriad of classic, politically committed, travelling, musical, naturalistic, historical, cultural, spiritual collections... which the French designer has accustomed us for to all these years. Years of magnificent productivity in which Sorbier has managed to make an exceptional place for himself among the purest and freest fashion lovers.
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Over the next few months, Franck Sorbier will invite women to let their silhouettes be wrapped in seamless pieces enveloping their universe in a delicate, pure way. His creations seem to have no beginning and no end, leaving to the imagination what they cover and safeguard as the most precious treasure. Sorbier gets carried away and invites us to follow suit, to let our imagination fly, to put an end to all that which ties us down, to fly as if we were little birds, to live in freedom. Franck Sorbier looks for free, refined figures, made through minimalist and simple cuts that, in materials such as crepe and silk, result in divine pieces where elegance goes hand in hand with sophistication. These are perfectly simplified combinations, but no less perfect; combinations that have their best and most exquisite introduction in their handmade assembly. And amidst this maelstrom of extreme purity, a perfect reinvention of the classic black dress whose grace and movement will delight those who choose Sorbier to dress their cold winter days. Contemporary pieces that, despite having black as their distinguishing mark, are offered in a wide range of colours with which he aims to fill the feminine universe with joy. + 40
The constant choice of Franck Sorbier's more sober black does not in any way mean that the designer does not opt for some colour in order to offer a more friendly and fun side. Therefore, some of his combinations include removable elements such as contrasting pearl and cashmere necklines and multicoloured tulles that provide that touch of madness we all carry inside us. A sure way of choosing something different without leaving aside the purest conventionality. +info: neomaniamagazine.com
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PETER LI, FOTOGRAFÍA ESPIRITUAL Si rezar puede elevar nuestras almas más cerca del cielo, también lo hace cierto tipo de arte. Acabamos de descubrir un fotógrafo interesante que capta con sus ojos lo que podríamos llamar un tipo de "Fotografía Espiritual". Eche un vistazo a las fantásticas imágenes arquitectónicas de Peter Li, un galardonado fotógrafo y artista que actualmente reside en Londres. A Peter Li le encanta capturar la impresionante simetría de las catedrales, cada una con sus propios detalles y colores. Tiene más de 21,600 seguidores en Instagram y siguen aumentando.
R E T PE LI T REPOR N + ART J DE UA A Í R © MA
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Peter Li se centra principalmente en la fotografía de arquitectura. Su obra arquitectónica recibió el primer lugar en la categoría de Arquitectura en los Epson International Pano Awards en 2018. También fue ganador en los Sony World Photography Awards de 2018. El fotógrafo Peter Li utiliza la fotografía panorámica para presentar una nueva perspectiva de la arquitectura ya por si misma impresionante de las iglesias de todo el mundo. Utiliza una cámara panorámica Sony Alpha a7 III. Al capturar la totalidad del techo y las columnas de soporte, Li permite al espectador tener la oportunidad de sentir cómo es estar en el centro de estos grandes edificios. También logra un punto de vista que es imposible obtener sin intervención digital.
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Peter Li está en el proceso de conseguir que sus panoramas de alta resolución estén disponibles para el público en forma de impresiones grandes, del tamaño de una pared. Manténgase actualizado con estas impresiones y nuevas imágenes del fotógrafo, en su página web y en instagram. Uno de los muchos aspectos sobresalientes de sus fotografías es la simetría que resalta cuando parece estirarse el interior de una capilla. Este elemento, Li le llama Colossal, es lo que le da a la composición su equilibrio general. Los factores de iluminación y la temporada también son partes clave que hacen que un panorama sea más atractivo para rodar. Las formas y las sombras aparecen de manera diferente en cada espacio dependiendo de dónde pueda estar el sol sobre la cabeza, y cuando está en una posición determinada, esto puede ser bastante perjudicial para la fotografía.
Sin embargo, cuando todos los elementos encajan, Lee logra fotografías verdaderamente transportadoras. Sus imágenes no solo nos llevan a un lugar diferente en el mundo, sino que también nos permiten alejarnos un poco de nuestra realidad conocida. "Observar un espacio tridimensional en su totalidad nos da una vista / perspectiva más allá de lo que el ojo puede ver", explica. “Nos separa de la realidad, juega con nuestra percepción de forma y crea una sensación de otro mundo. A través de mi fotografía, espero transmitir la naturaleza de otro mundo al espectador, animándolos a dar un paso momentáneo fuera de su realidad". Vemos lo viejo y familiar de nuevo en las fotografías panorámicas de Peter Li de los interiores de las iglesias. "Creo que la simetría es un factor importante para que estas imágenes funcionen", nos dice Peter, "también los techos altos y los arcos repetidos enfatizan aún más la escala de estos espacios interiores".
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Esa escalofriante religiosidad que experimentas cada vez que te sientas en una iglesia está ahí. Los templos dan forma y acceso a Dios, y aquí, en el mundo digital de Peter Li, vemos una imagen más completa. Sin mirar hacia abajo, por supuesto, eso por otro tiempo, y muy probablemente en una publicación marcada "NSFW". Se trata de subir y salir por los puntales en forma de costilla, seducidos por la luz en los destellos de las altas ventanas iluminadas. Ya no son simplemente antiguas y curativas, esas iglesias gigantes en nuestros pueblos y ciudades no son solo resacas de una época pasada, cuando las personas coaccionadas por la culpa, la vergüenza, el entorno y la expiación llamativa, para quienes Dios literalmente estaba escrito en piedra, entraron para dar gracias y rezar. En las imágenes de Li, la iglesia vive. Incluso podría decirse que respira, pero eso podría estar yendo demasiado lejos. Puedes dejarte llevar en una gran iglesia. Esos arquitectos sabían cómo ponerte en tu lugar.
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“Siempre he tenido debilidad por la arquitectura clásica. La artesanía y la decoración rara vez se encuentran en la arquitectura moderna. "Omniscience" es un proyecto para explorar espacios interiores de extraordinaria belleza. Los edificios históricos recuerdan nuestra historia: son intrínsecamente intemporales y, en muchos sentidos, de otro mundo. La gente a menudo visita estos lugares para despejar su mente.
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PETER LI, SPIRITUAL PHOTOGRAPHY If praying can elevate our souls closer to heaven, so does certain type of art. We just discover an interesting photographer who shoots what we could call some kind of “Spiritual Photography”. Take a look at the phantastyc architectural shots by Peter Li, an award- winning photographer and artist currently based in London. Peter Li loves to capture the stunning symmetry of cathedrals, each with its own details and colours. He has over 21,600 followers on Instagram and counting.
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Peter focuses mainly on architecture photography. His architectural artwork received first place in the Architecture category at the Epson International Pano Awards 2018. He was also winer at the Sony World Photography Awards 2018. Photographer Peter Li uses panoramic photography to introduce a new perspective to the already breathtaking architecture of churches from around the world. He uses a panoramic Sony Alpha a7 III camera. By capturing the entirety of the ceiling and supporting columns, Li allows the viewer to get the chance to feel what it is like to stand at the center of these grand buildings. He also achieves a viewpoint that is impossible to get without digital intervention.
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Peter Li is in the process of making his high resolution panoramas available to the public in the form of large, wall-sized prints. Keep upto-date with these prints, and new images from the photographer, on his website and instagram. One of the many stand-out aspects of the photographs is the symmetry that is highlighted when a chapel's interior is stretched. This element, Li tells Colossal, is what gives the composition its overall balance. Lighting factors and the season are also a key parts that make a panorama more compelling to shoot. Shapes and shadows appear differently in each space depending on where the sun might be overhead, and when in a certain position, this can be quite disruptive to the photograph.
When all elements fall into place however, Lee achieves photographs that are truly transportive. His images not only take us to a different place in the world, but also allow us to be slightly removed from our known reality. “Observing a threedimensional space in its entirety gives us a view/ perspective beyond what the eye can see,” he explains. “It breaks us from reality, plays with our perception of shape and form and creates a sense of another world. Through my photography, I hope to impart the otherworldly nature to the viewer, encouraging them to take a momentary step out of their reality.” We see the old and familiar anew in Peter Li's panoramic photographs of church interiors. “I think symmetry is a major factor for these images to work,” Peter tells us, “also the high ceilings and repeating arches further emphasise the scale of these interior spaces.”
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That creeping religiosity you experience whenever you sit in a church is there. Temples give form and access to God, and here in Peter Li's digital world we see a fuller picture. No looking down, of course, that for an other time, and most likely in a post marked ‘NSFW'. This is about going up and out into the rib-like struts, seduced by light in the flashes of high, illuminated windows. No longer merely old and curative, those giant churches in our towns and cities are not just hangovers from a bygone age when people coerced by guilt, shame, the milieu and showy expiation, for whom God literally was stone- written, went inside to give thanks and pray. In Li's images the church lives. It might even be said to breathe, but that could be going too far. You can get carried away in a big church. Those architects knew how to put you in your place.
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“I have always had a soft spot for classic architecture. The craftsmanship and décor are rarely found in modern architecture. ‘Omniscience' is a project to explore interior spaces of extraordinary beauty. Historical buildings are reminiscent of our history – they are intrinsically timeless and, in many ways, otherworldly. People often visit these places to clear their mind.
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Proyecto en venta en la mejor zona de La Moraleja, Madrid. For sale in ther best part of La Moraleja, Madrid, Spain +info: realestate@ibermaison.com
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Zuhair Murad y su sofisticación cinematográfica Maestro indiscutible de la sensualidad y la sofisticación más desmedida, Zuhair Murad convierte a la mujer en un auténtico volcán a punto de erupcionar. Zuhair Murad lo ha vuelto a hacer. Para la próxima estación de otoñoinvierno, el diseñador libanés ha decidido nuevamente convertir el cuerpo femenino en el único y genuino protagonista de las gélidas veladas invernales que el calendario parece haber empezado a anunciar hace solo unos días. Y es que, a pesar de que el termómetro deje entrever la llegada de un invierno cada vez más próximo, el virtuoso de la aguja y el patronaje busca subir la temperatura a través de diseños descarados y, en ocasiones, desmedidos, que dejan entrever una sensualidad a raudales. Así, Zuhair Murad imagina una mujer que pisa fuerte y desafía todas y cada una de las dificultades que aparezcan en un horizonte que nada ni nadie va a conseguir nublar. Un horizonte que se llena de féminas que encuentran en el más puro aire boho la mejor de las alternativas para que la mujer transforme cualquier escenario en la alfombra roja más exclusiva. Delicados brocados se engarzan con sugerentes transparencias que poco o nada dejan a una imaginación que encuentra en el satén, las plumas y las lentejuelas los mejores símbolos de la elegancia más exclusiva. Una elegancia que para Zuhair Murad es la única y verdadera clave para convertir el armario femenino en un lugar único en el que la mujer ha de encontrar la mejor versión de sí misma.
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¿Quién no ha soñado alguna vez con convertirse en la protagonista indiscutible de los flases que se agolpan en la entrada de la alfombra roja más exclusiva y descarada? Pues eso es justo lo que propone Murad a esa mujer que para él nunca debe olvidar su papel en pleno siglo xxi: transformarse en una auténtica ninfa de la elegancia; ser centro de atención en veladas repletas de miradas cómplices, cargadas de deseo; convertirse en epicentro de momentos únicos, tejidos de sueños y anhelos. Combinaciones que buscan transformar las curvas de la mujer en un auténtico escenario del lujo y la elegancia. Es ahí donde Zuhair Murad se convierte en un verdadero virtuoso del color y las combinaciones imposibles con las que solo él sabe hacer que la mujer se transforme en protagonista de excepción. Escotes drapeados; volúmenes envolventes y desmedidos; delicados cruces a la altura del pecho; cinturas entalladas y combinaciones compuestas por volúmenes sensuales y delicados que se tiñen de una paleta de color llena de exclusividad. Una exclusividad marcada por la presencia de elegantes negros zainos; pasionales rojos sangre de toro; estridentes morados; verdes eléctricos o puros marfiles que nos empujan a soñar, a sentir y, sobre todo, a disfrutar de una vida en la que mirar desafiante al mañana es, sin duda alguna, la mejor opción. Y así, Zuhair Murad llega dispuesto a luchar contra la bajada de temperaturas tan propia de los meses venideros a través de creaciones que empujan a la mujer a transformarse en una auténtica pitonisa. En su propuesta, vestidos, faldas y corpiños viajan para dar forma a las tendencias más chics y exclusivas al alcance de muy pocas. Sin duda, una oportunidad indiscutible de brillar con luz propia que, a ojos de Murad, no deberíamos dejar escapar. ¿Te atreves? +info: neomaniamagazine.com
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R ZUHAI AD R MU HION + FAS
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Zuhair Murad and his cinematic sophistication Undisputed master of sensuality and the most excessive sophistication, Zuhair Murad turns women into real volcanoes ready to erupt. Zuhair Murad has done it again. For next autumn-winter season, the Lebanese designer has once again decided to turn the female body into the only and genuine protagonist of icy winter evenings. It's not surprising, as the calendar seems to have announced their arrival just a few days ago. Despite how thermometer readings that suggest the approach of an immediate winter, the virtuoso of stitching and pattern seeks to raise the temperature through shameless designs, at times excessive, revealing a boundless sensuality. Zuhair Murad thus envisions selfconfident women challenging any and every difficulty that may appear down the road. Nothing and nobody will be able to cloud this horizon, full of women who find the best alternative in the purest boho-chic. They will choose it as their best weapon to transform any setting into the most exclusive red carpet. Delicate brocades and suggestive transparencies are woven into each other, leaving little or nothing to the imagination. The same imagination will eventually find in satin, feathers, and sequins the best symbols of the most exclusive elegance. According to Zuhair Murad, this elegance is the one true key to turn women's wardrobe into a unique place where find the best version of themselves.
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Who has never dreamed of becoming the undisputed target of the camera flashes at the entrance of the most exclusive, brazen red carpet? Well, that is exactly what Murad proposes to those women who, in his opinion, should never forget their role in the 21st century: becoming true nymphs of elegance; turning themselves into the center of attention at soirĂŠes full of knowing looks and desire; becoming the protagonists of unique moments, made of dreams and longings. His combinations are aimed to transform women's curves into true settings for luxury and elegance. It is there that Zuhair Murad becomes a genuine virtuoso of colour and impossible combinations - he's the only one who knows how to make women become the unquestionable protagonists out of these materials. Draped necklines; enveloping, excessive volumes; delicate cross-front gowns; close-fitting waistlines; and combinations composed of sensual and delicate volumes are dyed in the finest colour palette. Murad's exclusivity is characterised by the presence of elegant onyx black, of passionate bull's blood red, loud purple, electric green, or pure ivory. They push us to dream, to feel and specially to enjoy a life for which looking defiantly to the future is certainly the best option. And so, Zuhair Murad arrives willing to fight against the drop-in temperature so typical of the coming months - his creations the tool with which he will push women to become a true pythoness. Dresses, skirts, and bodices travel to give shape to the most stylish, exclusive trends that are only affordable for a select few. Undoubtedly, here we have an indisputable opportunity to shine with our own light - an opportunity that, in the eyes of Murad, we shouldn't let go. Do you dare? +info: neomaniamagazine.com
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FORNASETTI, el artista alquimista Maestro del trompe l’oeil, pintor, escultor, grabador, interiorista... Piero Fornasetti fue el perfecto ejemplo de hombre renacentista. Creó 12.000 diseños de objetos, muebles, 100 modelos de platos e incluso coches. Prolífico y poético, tenía manos de artesano, un ojo sofisticado y alma de surrealista. Fue “el De Chirico de la Decoración”. Observa los ojos que te observan desde sus mágicos dibujos. Los platos de pared de Fornasetti, son demasiado bellos para usar como vajilla de mesa. Todos son originales obras de arte para transformar el hogar. Los protagonizan los motivos distintivos de la marca, que representan un rostro eterno y enigmático o temas de astronomía. Son variaciones sobre el mismo tema, fruto de la esquisita imaginación de su creador.
Dondequiera que se coloquen, creó puras obras de arte en porcelana, cristal, telas, madera y muebles aunque jamás firmó nada. Piero Fornasetti fue un irónico genio milanés, nacido en 1913. Este mago de los sueños aplicó su rica imaginería de soles, rostros misteriosos, manos y arquitecturas clásicas a cualquier soporte posible: cómodas, ceniceros, pañuelos, biombos, telas, lámparas, paraguas, platos... Su sello fue el blanco y negro, rara vez mezclado audazmente con color. Solo dos tonos brillantes, oro y rojo, iluminaron los grises años 50 de la Europa de posguerra. Falleció en 1988 dejando más de 12.000 diseños: objetos de lo más cotidianos, motivos decorativos y muebles-joya impresos que se mueven entre la tradición italiana y la invención surrealista.
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Su hijo Barnaba continúa manteniendo vivo su originalísimo legado. Vive en su casa milanesa, un palacete rojo caldera diseñado por Fornasetti en 1948 al que se accede atravesando un inesperado jardín-huerto lleno de albaricoques, hortensias y enredaderas. ¿Estamos en un atelier, una oficina, un museo excéntrico o un bazar? Barnaba Fornasetti, es un pintor con talento que vive donde antes vivió y creó su padre durante 40 años. Es el guardián de la herencia cultural. Volvió de estudiar Arte y redescubrió el mundo de fantasía creado por su padre. El hijo puso de nuevo el universo Fornasetti en el punto de mira de coleccionistas y decoradores. Se reeditaron sus piezas más populares, creando otras nuevas en el atelier y licenciando sus diseños para papeles pintados o azulejos. El proceso de pintura a mano sigue siendo el mismo, la única modernización ha sido la técnica de impresión que sigue siendo secreta.
Es imprescindible su gran libro en italiano titulado “Fornasetti: L’artista alchimista e la bottega fantastica” (editorial Electa), con más de 3.000 fotografías. Su casa sigue hoy repleta del alma, vida y obra de Fornasetti. Todas las ventanas miran al jardín y el interior es un laberinto lleno de las falsas ilusiones creadas por sus trampantojos. Arriba, en la zona privada, vive su viuda, Giulia. Junto a ella está la vivienda de Barnaba, y abajo, lo que fue el taller de Piero, es hoy estudio y oficina, donde se reciben los pedidos y se gestiona el archivo. Todo en la casa lleva su huella, desde las puertas con mágicos trampantojos a los muebles. El trabajo era su vida. Este lugar estimula a la creatividad, se respira fantasía, imaginación. Es intemporal. Antes, casa y atelier estaban unidas, sin fronteras.
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Fornasetti no convivía con sus creaciones, prefería rodearse de muebles antiguos o objetos de otras culturas que despertaban su inspiración. Todo le servía: naturaleza, arquitectura de Palladio, Grecia y sus capiteles... Pero su maravillosa obsesión fue el rostro de una enigmática cantante de ópera del XIX. Era Lina Cavalieri, a quien descubrió en una revista y reprodujo hasta el infinito en su serie de platos “Temas y Variaciones”. Su método era ensamblar y reinventar técnicas artesanales, especialemente la estampación. Robaba imágenes del pasado y con su toque mágico les insuflaba su fuerte identidad. Para su taller, cogía todo lo que encontraba: cera, papel, metal dorado... Pasaba horas enseñando a sus artesanos como pulir sus obras. Y hoy todavía no se ha cansado de vivir rodeado de ellas. Su hijo es el director de orquesta de la marca: Fornasetti Collection.
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Adornar un hogar con platos, velas, vajillas y accesorios decorativos del surrealista mundo de Fornasetti, significa vivir en un mundo de magia con finos toques de humor inteligente. Piero Fornasetti es uno de los nombres más reconocidos en la historia del Diseño del Siglo XX. Sus innovadores objetos y su personal creatividad son reconocibles al instante. Toda su producción tiene en común la capacidad de aportar elegancia, sentido del humor y fantasía a la vida cotidiana. La decoración es una necesidad humana, estimula la psique y colorea la vida. Ni el minimalismo y su purismo expiatorio han podido asesinarla. Y ahora mas que nunca, necesitamos embellecer los objetos de uso cotidiano para humanizar nuestro hogar y hacer más amable nuestra existencia.
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FORNASETTI, the alchemist artist Master of trompe l’oeil, painter, sculptor, engraver, interior designer ... Piero Fornasetti was the perfect example of a Renaissance man. He created 12,000 designs of objects, furniture, 100 dish models and even cars. Prolific and poetic, he had artisan hands, a sophisticated eye and a surreal soul. He was "the De Chirico of Decoration". Look at the eyes that observe you from his magical drawings. Fornasetti wall plates are too beautiful to use as tableware. They are all original works of art to transform the home. They starred in the brand's distinctive motifs, which represent an eternal and enigmatic face or astronomy themes. They are variations on the same theme, the result of the exquisite imagination of their creator.
Wherever they are placed, he created pure works of art in porcelain, glass, fabrics, wood and furniture although he never signed anything. Piero Fornasetti was an ironic Milanese genius, born in 1913. This dream magician applied his rich imagery of suns, mysterious faces, hands and classical architectures to any possible support: comfortable, ashtrays, handkerchiefs, screens, fabrics, lamps, umbrellas, dishes ... His stamp was black and white, rarely mixed boldly with color. Only two bright shades, gold and red, illuminated the gray 50s of postwar Europe. He died in 1988 leaving more than 12,000 designs: everyday objects, decorative motifs and printed jewelfurniture that move between Italian tradition and surrealist invention.
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His son Barnaba continues to keep his original legacy alive. He lives in his Milanese house, a red boiler mansion designed by Fornasetti in 1948. It is accessed through an unexpected gardengarden full of apricots, hydrangeas and vines. Are we in an atelier, an office, an eccentric museum or a bazaar? Barnaba Fornasetti, is a talented painter who lives where his father used to live and create for 40 years. He is the guardian of cultural heritage. He returned to study art and rediscovered the fantasy world created by his father. The son put the Fornasetti universe back in the spotlight of collectors and decorators. Their most popular pieces were reissued, creating new ones in the atelier and licensing their designs for wallpapers or tiles. The process of hand painting remains the same, the only modernization has been the printing technique that remains secret.
It is essential to admire his great book in Italian entitled “Fornasetti: L’artista alchimista e la bottega fantastica” (Electa editorial), with more than 3,000 photographs. His house is still full of the soul, life and work of Fornasetti. All the windows look to the garden and the interior is a maze full of the false illusions created by “trompe l’oeils”. Upstairs, in the private area, lives his widow, Giulia. Next to it is the house of Barnaba, and below, what was Piero's workshop, is today study and office, where orders are received and the file is managed. Everything in the house bears its mark, from the doors with magical scams to the furniture. Work was his life. This place stimulates creativity, breathes fantasy, imagination. It is timeless. Before, house and atelier were united, without borders.
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Fornasetti did not live with his creations, he preferred to surround himself with antique furniture or objects from other cultures that awakened his inspiration. Everything served: nature, architecture of Palladio, Greece and its capitals ... But his wonderful obsession was the face of an enigmatic 19th-century opera singer. It was Lina Cavalieri, whom she discovered in a magazine and reproduced to infinity in her series of dishes "Themes and Variations". His method was to assemble and reinvent craft techniques, especially stamping. He stole images from the past and with his magic touch he breathed his strong identity. For his workshop, he took everything he found: wax, paper, gold metal ... He spent hours teaching his artisans how to polish their works. And today he has not yet tired of living surrounded by them. His son is the conductor of the brand: Fornasetti Collection.
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Decorating a home with dishes, candles, trays and decorative accessories from the surreal world of Fornasetti, means living in a world of magic with fine touches of intelligent humor. Piero Fornasetti is one of the most recognised names in the history of 20th Century Design. His innovative objects and his personal creativity are instantly recognizable. All their production has in common the ability to bring elegance, sense of humor and fantasy to everyday life. Decoration is a human necessity, it stimulates the psyche and colors life. Neither minimalism and its atoning purism have been able to kill her. And now more than ever, we need to beautify everyday objects to humanize our home and make our existence more friendly.
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E N HA P STELLAND RO HION + FAS
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Stéphane Rolland: alta costura en estado puro Formas perfectamente definidas. Combinaciones correctamente formuladas sin dejar nada al azar. Así imagina Rolland una mujer que llega pisando fuerte. Sutileza elevada a la máxima potencia. Elegancia en su máximo esplendor. Para los próximos meses, Stéphane Rolland imagina a una mujer que apuesta por envolverse en combinaciones donde la sofisticación se convierte en la mejor aliada para esas noches en las que los artificios innecesarios han de ser dejados a un lado para dar rienda suelta a las emociones más puras. Para conseguirlo, la mujer que sueña Rolland no es otra que la que imagina un universo lleno de sutilezas, evocando elementos procedentes del lejano Oriente más puro. Un lejano Oriente que camina de la mano con el Occidente más chic, dando como resultado un escenario perfecto en el que, como pez en el agua, se mueven piezas realizadas tomando como base patrones que muestran formas perfectas dignas de las emperatrices más exigentes y elegantes. Y en esta vorágine, Stéphane Rolland da rienda suelta a su imaginación más desmedida y provocadora e incita a la mujer a llenar su armario de creaciones nacidas para deslumbrar. Una mujer que se alza como una auténtica emperatriz china que busca su empoderamiento en el siglo xxi, apostando por una alternancia clara entre deconstrucciones, formas geométricas y volúmenes llenos de sugerencia.
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Stéphane Rolland apuesta por looks creados a partir de satenes valiosos y vestidos impregnados del más puro espíritu de los kimonos que encuentran en el movimiento al más fiel de los aliados, todo para no dejar indiferentes a cuantos espectadores asisten, perplejos, a la grandiosidad de sugerentes combinaciones. Hombros perfectamente dibujados que se convierten en epicentro de las miradas más curiosas y descaradas; talles delicadamente marcados en unas ocasiones y rodeados por tejidos, en otras, aportando esa libertad de movimiento que todo deja a la imaginación. Modelos geométricos y cortes delicados. Así podríamos definir la próxima colección otoño-invierno de Stéphane Rolland, que llega dispuesta a sumergirnos en un mundo lleno de perfección, donde los volúmenes arquitectónicos se tiñen de una exclusiva paleta de colores llena de vida y compuesta por rojos, amarillos, azafrán, azules, blancos y negros. ¿Quién dijo que la sobriedad en los patrones de la moda más exclusiva estaba reñida con la libertad y una alegría de vivir desmedida? Y es que el virtuoso de la aguja de origen francés busca que la mujer aprenda que la sensualidad y la elegancia no son incompatibles con mostrar una apariencia marcada por la sobriedad elevada a la máxima potencia. +info: neomaniamagazine.com
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E N HA P STELLAND RO HION + FAS
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StĂŠphane Rolland: Haute Couture at its purest Perfectly defined silhouettes. Properly formulated combinations leaving nothing to chance. That's how Rolland imagines women who welcome the season by making a strong impression. The quintessence of subtlety. Elegance at its best. For the upcoming months, StĂŠphane Rolland imagines women who opt for being wrapped in combinations where sophistication becomes the best ally. This is especially true during those nights when useless artifices have to be put aside in order to unleash their purest emotions. To do so, the women dreamed by Rolland are none other than those who imagine a universe full of nuances, evoking elements from the purest Far East. This Far East goes hand in hand with the trendiest Western, resulting in a perfect setting in which some pieces are really in their element. No wonder they are based on patterns that show perfect shapes worthy of the most demanding and elegant empresses. Amidst this maelstrom, StĂŠphane Rolland unleashes his most excessive and provocative imagination and encourages women to fill their wardrobes with creations born to dazzle. These women stand as true Chinese empresses who seek their empowerment in the 21st century, opting for a clear alternation between deconstructions, geometric shapes, and suggestive volumes.
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StĂŠphane Rolland opts for looks created from precious satins and dresses impregnated with the purest spirit of the kimonos. Finding in movement the most faithful of allies, these creations will leave no spectator indifferent, but will perplex them with the grandeur of evocative combinations. We will find perfectly drawn shoulders becoming the centre of the most curious and daring attention, waists delicately outlined on some occasions and surrounded by fabrics on others, providing that free movement that leaves everything to the imagination. Geometric models and delicate cuts. In this way we can define the next autumn-winter collection by StĂŠphane Rolland, which arrives ready to immerse us in a world full of perfection. Architectural volumes will be dyed with an exclusive colour palette full of life, composed of shades of red, yellow, saffron, blue, black, and white. Who said that sobriety had to be at odds with freedom and an excessive joy of living in the most exclusive fashion patterns? The French virtuoso of stitching wants women to learn that sensuality and elegance are not incompatible with an appearance marked by sobriety at maximum power. +info: neomaniamagazine.com
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Y Z SHIAT N E CH HION + FAS
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Aires cosmopolitas de Shiatzy Chen Durante los próximos meses, la casa de moda de lujo taiwanesa apuesta por aires cosmopolitas y decididos para llenar las calles de una irreverente vitalidad. Una vez más —y como ya nos tenía acostumbrados en colecciones anteriores— Shiatzy Chen llega dispuesta no solo a revolucionar nuestros armarios durante los próximos meses, sino a poner boca arriba las calles durante los próximos meses. La firma conocida como el «Chanel de Taiwán» invita a la mujer a convertirse en una divertida urbanita al apostar por creaciones y piezas que parecen sacadas de las maletas de las viajeras más empedernidas. Y es que todas aquellas que decidan escoger cualquiera de las combinaciones preparadas por la casa de moda van a ver en ellas a las clásicas turistas de origen oriental que, cámara en mano, se lanzan a disfrutar de cualquiera de las maravillas existentes en el mundo. Así, Shiatzy Chen apuesta por que la mujer envuelva sus curvas en pantalones, blusas, faldas y vestidos con aires frescos y llenos de vida que invitan a la mujer a disfrutar y sentirse libre.
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Shiatzy Chen apuesta por cortes sobrios con los que pueda sentirse elegante sin perder ese halo de sensualidad que envuelve al universo femenino y con el que la mujer presenta, además, un aspecto inocente con el que pretende encandilar a todo aquel que se encuentre en su camino. Así, cuando los días comiencen a alargarse y la nueva estación se apodere de nuestro día a día, envolviéndonos, sin posibilidad de escapar, el diseñador oriental propondrá enfundar nuestras siluetas en prendas con las que la mujer pueda sentirse guapa a la vez que elegante. Prendas, eso sí, con cierto aire de diversión con el que aportar alegría y dinamismo a esas largas jornadas de trabajo; porque ¿quién dijo que ir a trabajar tenía que ser sinónimo de aburrimiento y hastío? Al observar las creaciones de Shiatzy Chen para la próxima temporada, podríamos leer entre líneas el deseo de la maison de aportar ese toque de color y sofisticación que, en ocasiones, falta en las tediosas jornadas en la oficina. Creaciones de las que, además, podríamos destacar su suma versatilidad, característica que les permite ser alternativas más que perfectas no solo para ir al trabajo, sino para también disfrutar de una apasionante tarde de compras, de una desenfrenada comida con amigas o, por qué no, de una divertida jornada dedicada al ocio y la cultura. + 90
De esta manera, Shiatzy Chen invita a la mujer a zambullirse de lleno en una colección con la que, a buen seguro, encontrará una comodidad más que perfecta. Elegantes faldas midi se alternan a las mil maravillas con pantalones tobilleros, que se alzan como aliados perfectos en las joviales tardes de primavera. Shiatzy Chen nos enseña como nadie, a través de su próxima colección, a alternar camisas de corte clásico con patrones que irradian modernidad, en los que el encaje está llamado a convertirse en epicentro de todas las miradas. Shorts, faldas mini y pantalones culotte completan un abanico de opciones salpicado de tules, encajes, bordados y transparencias que aportan ese toque de sensualidad tan sugestivo. Shiatzy Chen nos trae así un sinfín de opciones con las que vestir las veladas más divertidas de la próxima temporada. Y todas en una amplia paleta de colores. Rojos, blancos, aguamarinas, bronces, grises, verdes, azulados y negros salpicarán las calles convertidas en auténticas pasarelas de estilo y elegancia. ¿Podrás resistirte a hacerte en los próximos meses con un modelo firmado por Shiatzy Chen? ¡Nosotros desde luego que no! +info: neomaniamagazine.com
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Y Z SHIAT N E CH HION + FAS
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A cosmopolitan atmosphere, by Shiatzy Chen During the coming months, the Taiwanese luxury fashion house opts for cosmopolitan looks, determined to fill the streets with an irreverent vitality. Once again — and as we were already used to in previous collections— Shiatzy Chen comes ready not only to revolutionize our wardrobes over the next few months, but also to turn the streets upside down over the coming months. The firm known as the Chanel of Taiwan invites women to become a fun city dweller by opting for creations and pieces that seem to have been taken from the most ardent travellers' suitcases. And all those who decide to choose any of the combinations offered by the fashion house will see themselves as the classic Oriental tourists who, camera in hand, go to enjoy any of the wonders existing in the world. Thus, Shiatzy Chen opts for wrapping feminine curves in trousers, blouses, skirts, and dresses with a sense of briskness and vitality that invite women to enjoy and feel free.
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Shiatzy Chen opts for sober cuts with which women can feel elegant without losing that aura of sensuality that surrounds the feminine universe. In addition, and thanks to it, women will show an innocent aspect with which to dazzle anyone who is in their way. Thus, when days begin to lengthen and the new season will take over our daily life, enveloping us, with no escape, the Oriental designer will propose that we cover our silhouettes with garments with which women can feel beautiful yet elegant. Garments, however, will have a certain sense of fun with which to bring joy and dynamism to those long working days. Who said that going to work had to be a byword for boredom and apathy? Looking at Shiatzy Chen's creations for next season, we can read between the lines to see the fashion house's desire to bring that touch of colour and sophistication that is sometimes lacking in the tedious working days. Besides, we could highlight the extreme versatility of these creations, a feature that allows them to be more than perfect alternatives not only to go to work, but also to enjoy an exciting shopping afternoon, an immoderate meal with friends or, why not, a fun day dedicated to leisure and culture. + 94
Shiatzy Chen invites women to dive fully into a collection with which they will surely find a perfect comfort. Elegant midi skirts marvellously alternate with ankle trousers, standing as perfect allies in cheerful spring afternoons. Shiatzy Chen knows how to teach us, through its next collection, to alternate classic-cut shirts with patterns that radiate modernity, in which lace is called to become the absolute centre of attention. Shorts, miniskirts, and culotte trousers complete a range of options dotted with tulles, lace, embroideries, and transparencies, bringing that suggestive touch of sensuality. Shiatzy Chen brings us a myriad of options with which to dress the most fun evenings of the next season. And all in a wide colour palette. Streets will be flecked with shades of red, white, aquamarine, bronze, grey, green, bluish, and blacks, resulting in a genuine catwalk of style and elegance. Will you be able to resist getting your hands on a design signed by Shiatzy Chen over the next few months? We certainly will not! +info: neomaniamagazine.com
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UN FESTIVAL EN EL DESIERTO DE NEVADA Burning Man es un gran festival que celebra la música, el arte y la cultura mas rompedora. Es una explosión de creatividad en medio del desierto de Nevada. Este festival cultural único y surrealista tiene lugar cada año en el Black Rock Desert de Nevada (USA). Atrae a más de 75,000 personas con un único objetivo: rendir culto a la creatividad. Se construyen, celebran e incluso se queman ritualmente gigantescas instalaciones a gran escala en una absurda ciudad temporal, creada artificialmente en el desierto, tan sólo para 9 días. Todos los años, a fines de agosto, los asistentes a Burning Man, conocidos como “Burners”, esperan regresar a Black Rock City. Durante 9 días, los asistentes habitan esta ciudad recién construida en un vasto desierto árido. Al final, vuelven a dejar todo como estaba; sin dejar rastro alguno.
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El área del festival tiene un diseño en forma de anfiteatro romano. En el centro, hay un gran terreno circular con instalaciones de arte y alrededor, campos de acampada que se extienden kilómetros. Aparte de una enorme estatua de un hombre en el centro del espacio, no hay ninguna instalación de arte que reaparezca cada año. Esta escultura central se quema anualmente el sábado por la noche para disfrutar de verla arder. La actividad protagonista de la experiencia es admirar e interactuar con estas obras artísticas únicas a gran escala. Este año, una tormenta de polvo inundó el camino hacia Burning Man. Nubes de polvo blanco y ondulante oscurecían la caravana de autos que serpenteaban por el árido desierto de Nevada. Los viajeros estacionaron en zanjas y cubrieron sus rostros con pañuelos hasta que pasó la tormenta. El viaje es un ritual de agosto para miles de asistentes que viajan desde todos los puntos del mundo a Black Rock City desde hace casi tres décadas. Muchos artistas se reúnen para construir instalaciones de arte colosales y bailar desnudos en el abrasador calor del verano. Primero vinieron los artistas hippies en la década de 1990. Dos magnates tecnológicos increíblemente ricos llegaron en sus aviones privados dos décadas después. Les siguieron modelos y celebridades.
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El año pasado, la política se filtró en el desfile de molinetes y ciclistas con sombrero cuando llegaron un grupo de imitadores del presidente Donald Trump y pusieron casetas para la educación de los votantes. El mejor guiño a la corriente principal del jubileo de la contracultura, es que las esculturas del festival se exhiben por primera vez en el Museo de Arte Americano Smithsonian Museum en Washington. El origen del evento fue en 1986 cuando su fundador, Larry Harvey, reunió a un grupo de amigos en la playa Baker Beach de San Francisco, para incendiar a un hombre de madera de ocho pies de altura. Larry estaba conmemorando el final de una relación romántica. Cada año, más amigos, e incluso extraños, aparecían para mirar la quema de una nueva escultura masculina. Finalmente, también los bomberos acudieron y exigieron que se fueran el Sr. Harvey y su grupo de alegres seguidores se largaran del lugar. Entonces se trasladaron al desierto Black Rock, al norte de la ciudad de Reno, en 1990. La revista dominical del New York Times escribió sobre la reunión y así surgió el macro festival en 1994, un evento relativamente discreto de tres días de fin de semana.
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1.600 personas acudieron para admirar el fuego. La escultura del hombre tenía 40 pies de altura y estaba hecha de madera y luces de neón. El nuevo festival fue descrito como una experiencia espiritual-mística y como una excusa para divertirse en el desierto. Las festividades tenían una sensación de carnaval techno hippie que más tarde se convirtió en una especie de fiesta de fraternidad aliñada con exhibicionismo, drogas y pintura corporal. En esencia, Burning Man abrazó el anti-consumismo y un lema que abrazó la auto expresión radical. Según el propio Harvey: “Si toda tu autoestima se traduce en cuánto consumes, qué gustos obtienes y otras medidas cuantificables, el deseo simplemente de poseer cosas supera nuestra capacidad para hacer conexiones humanas con las personas que nos rodean". Un nuevo documental, "En busca de la felicidad en Burning Man", explora la disparidad, entrevistando a muchos asistentes sobre su gama de experiencias, algunas positivas y otras negativas. A principios de la década del 2000, más de 25,000 personas peregrinaron a Black Rock, muchos desde San Francisco y Europa.
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En 2000, Rick Marin, periodista del New York Times, fue con un grupo de amigos de Silicon Valley y describió una escena fascinante y ridícula. "Además de la desnudez, el atractivo de Burning Man es estético", escribió. Los forasteros tratan de capitalizar la actitud despreocupada del festival. En 2002, los organizadores demandaron a “Voyeur Video”, que grabó a participantes desnudas durante cinco años y vendió las cintas en una web pornográfica. Tal vez nos sorprenda que en esta era de #MeToo, Burning Man, que se enorgullece de su espíritu libre para el sexo, enfatiza la importancia del sexo consensuado. Desde 2012, ha esbozado los procedimientos para tratar la agresión sexual en una serie de publicaciones de su blog oficial. También aborda el consentimiento sexual en su guía de supervivencia. Brian Doherty, autor de "This Is Burning Man: The Rise of a New American Underground", comenzó a asistir al festival en 1995. Dijo que la experiencia para los Burners (asistentes) que abrazan los 10 principios de participación comunitaria, no había cambiado mucho en los últimos 20 años. "Realmente han creado un ritual estadounidense”.
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Lo que ha cambiado es que el festival, se ha masificado. En 2011, las entradas se agotaron por primera vez, alcanzando precios exorbitantes de reventa. Entonces aparecieron los multimillonarios. Burning Man se basa en una economía generosa, con nada comprado o vendido, excepto café y hielo. Pero la nueva cosecha de millonarios y multimillonarios asistentes comenzaron a exponer abiertamente su fuerza financiera. Contrataron sirvientes para montar campamentos con aire acondicionado y sacar la basura. Trajeron chefs para cocinar esquisitos banquetes elaborados en cocinas disfrazadas de vehículos recreativos. Luego llegaron las modelos y celebridades. El año pasado, Paris Hilton actuó como D.J. Los asistentes mas veteranos, los “Burners”, lamentan el aparente final de Burning Man. En 2016, el sitio web de Burning Man publicó un divertido correo explicando todas las formas y motivos que han ido arruinando el festival. Sin duda, como todo, evolucionó. Es un microcosmos de lo que está sucediendo en la sociedad. Todos están tan cómodos como pueden permitirse. Ahora es casi como una gran conferencia. Hay una agenda y seminarios programados. Al principio, fue una experiencia casi individual basada en la improvisación.
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El fundador, Larry Harvey murió en 2019, lo que dará como resultado un nuevo cambio en el festival. La gran noticia es que si uno no puede acudir al desierto, ya es posible, admirar algunas de las esculturas en el Smithsonian Museum de Washington. La primera exposición “No Spectators: The Art of Burning Man” también se expandió más allá del museo, llevando obras de arte a las calles y en el futuro, seguro que llegará a las galerías. Por último, siempre queda la última carta: explorar navegando por el maravilloso océano de internet donde abundan extraordinarias fotografías del evento (19902019). Lo más destacable son sus esculturas, llenas de magia, que nos hacen trasladarnos a las películas de Mad Max o a un mundo infantil como el de Alicia en el País de las Maravillas. La imaginación no tiene límites...
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A FESTIVAL IN THE DESERT Burning Man is a great festival that celebrates the most groundbreaking music, art and culture. It is an explosion of creativity in the middle of the Nevada desert. This unique and surreal cultural festival takes place every year in the Black Rock Desert of Nevada (USA). It attracts more than 75,000 people with a single goal: to worship creativity. Gigantic large-scale facilities are constructed, celebrated and even burned in an absurd temporary city, artificially created in the desert, for only 9 days. Every year, at the end of August, Burning Man attendees, known as “Burners�, expect to return to Black Rock City. For 9 days, thousands of festival fans inhabit this newly built city in a vast arid desert. In the end, they leave everything back as it was; without a trace. The festival area has a design in the form of a Roman amphitheater. In the center, there is a large circular terrain with art installations and around, campsites that extend for miles. Apart from a huge statue of a man in the center of space, there is no art installation that reappears every year. This central sculpture burns annually on Saturday night just for the pleasure of enjoying watching it burn.
The main activity of the experience is to admire and interact with these unique large-scale artistic works. This year, a dust storm flooded the road to Burning Man. Undulating white dust clouds obscured the caravan of cars that meandered through the barren Nevada desert. Travelers parked in ditches and covered their faces with scarves until the storm passed. The trip is an August ritual for thousands of fans who travel from all parts of the world to Black Rock City for almost three decades. Many artists gather to build colossal art installations and dance naked in the scorching heat of summer. First came hippie artists in the 1990s. Two decades later, incredibly rich tech magnates arrived in their private planes. They were followed by models and celebrities. Last year, politics leaked into the parade of pinwheels and hat cyclists when a group of President Donald Trump impersonators arrived and set up booths for voter education. The best nod to the mainstream of the counterculture jubilee is that the festival's sculptures have been exhibited at the Smithsonian Museum of American Art in Washington.
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The origin of the event was in 1986 when its founder, Larry Harvey, gathered a group of friends on Baker Beach in San Francisco to burn an eight-foot-tall wooden man. Larry was commemorating the end of a romantic relationship. Every year, more friends, and even strangers, appeared to watch the burning of a new male sculpture. Finally, firefighters also came and demanded that Mr. Harvey and his group of cheerful followers leave the place. Then they moved to Black Rock desert, north of the city of Reno, in 1990. The New York Times magazine wrote about the meeting and thus the macro festival emerged in 1994, a relatively discreet three- day weekend event. 1,600 people came to admire the fire. The sculpture of the man was 40 feet tall and was made of wood and neon lights. The new festival was described as a spiritualmystical experience and as an excuse to have fun in the desert.
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The festivities had a sensation of hippie techno carnival that later became a kind of fraternity party seasoned with exhibitionism, drugs and body paint. In essence, Burning Man embraced anti-consumerism and a motto that embraced radical self-expression. According to Harvey himself: "If all your self-esteem translates in how much you consume, what is your tastes and other quantifiable measures, the desire simply to possess things exceeds our ability to make human connections with the people around us.�
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A new documentary, "In Search of Happiness in Burning Man," explores the disparity, interviewing many attendees about their range of experiences, some positive and some negative. In the early 2000s, more than 25,000 people made pilgrimages to Black Rock, many from San Francisco and Europe. In 2000, Rick Marin, a New York Times journalist, went with a group of friends from Silicon Valley and described a fascinating and ridiculous scene. "In addition to nudity, Burning Man's appeal is aesthetic," he wrote. Outsiders try to capitalize on the carefree attitude of the festival. In 2002, the organizers sued "Voyeur Video", which recorded naked participants for five years and sold the tapes on a pornographic website.
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We may be surprised that in this era of #MeToo, Burning Man, who takes pride in his free spirit for sex, emphasizes the importance of consensual sex. Since 2012, they have outlined the procedures for treating sexual assault in a series of publications on their official blog. It also addresses sexual consent in their survival guide. Brian Doherty, author of "This Is Burning Man: The Rise of a New American Underground," began attending the festival in 1995. He said that the experience for the “Burners� (assistants) who embrace the 10 principles of community participation have not changed much in the last 20 years. "They have really created an American ritual." What has changed is that the festival has become massive. In 2011, tickets sold out for the first time, reaching exorbitant resale prices. Then the billionaires appeared.
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Burning Man is based on a generous economy, with nothing bought or sold, except coffee and ice. But the new crop of millioners and billionaires assistants began to openly expose their financial strength. They hired servants to set up air- conditioned camps and take out the trash. They brought chefs to cook exquisite banquets prepared in kitchens disguised as recreational vehicles. Then came the models and celebrities. Last year, Paris Hilton acted as D.J. The most veteran "Burners," lament the apparent end of Burning Man. In 2016, their website published a fun email explaining all the ways and motives that have ruined the festival. No doubt, like everything else, it evolved. It is a microcosm of what is happening in society. Everyone is as comfortable as they can afford. Now it is almost like a great conference. There is an agenda and seminars scheduled. At first, it was an almost individual experience based on improvisation.
The founder, Larry Harvey died in 2019, which will result in a new change at the festival. The great news is that if one cannot go to the desert, it is already possible to admire some of the sculptures at the Smithsonian Museum in Washington. The first exhibition "No Spectators: The Art of Burning Man" also expanded beyond the museum, bringing works of art to the streets and in the future, it will surely reach the galleries. Finally, there is always the last letter: explore browsing the wonderful ocean of internet where extraordinary photographs abound of the event (1990-2019). Most notable are his sculptures, full of magic, that make us move to Mad Max movies or to a childlike world like Alice in Wonderland. Imagination has no limits...
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Haute couture made in Gaultier Si hay alguien que sepa manejar como nadie el espectáculo sobre la pasarela, ese es Gaultier. Un espectáculo en el que el mítico diseñador nos invita a participar en los próximos meses. Creativo y sofisticado hasta decir basta. Si hay algo que apasiona a quienes tradicionalmente se han confesado amantes del enfant terrible de la moda ha sido su más que descarado deseo de hacerse notar y de convertir en una fiesta llena de pasión y desenfreno cualquier escenario en el que la firma está presente. Así, sin casi darnos cuenta, Gaultier pretende que la próxima temporada llene los ambientes más exclusivos de creaciones con una elegancia sin parangón y un sentido del espectáculo sin precedentes. Para conseguirlo, Jean Paul Gaultier ha ideado un armario lleno de combinaciones que, durante la próxima temporada primavera-verano, llenará de locura los armarios de quienes busquen en el virtuoso de la aguja su aliado más fiel para triunfar allá donde vayan.
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Y es que Gaultier imagina un mundo en el que la mujer deje atrás todos aquellos artificios que poco o nada aporten a su vida y se decante por piezas que hagan únicos e irrepetibles todos y cada uno de los momentos de su existencia. Como salidas de los míticos guateques que hacían las delicias de los jóvenes de la década de los maravillosos años noventa, las mujeres que durante los próximos meses apuesten por vestir sus tardes y sus noches al más puro estilo Gaultier combinarán a las mil maravillas piezas únicas e irrepetibles. Gaultier busca, a través de sus patrones más desenfadados y alocados, a una mujer decidida, valiente, capaz de desafiar barreras, de escalar montañas y de salir airosa de cualquier contratiempo que la vida le depare. Una mujer que desafíe todo aquello que huela a convencional y que no tiemble al enfundarse en vestidos de neón, piezas salpicadas del animal print más salvaje. Se convertirán en diseños capaces de generar en quien los observa las ilusiones ópticas más increíbles e irreverentes. De esta manera, Gaultier firma una colección de haute couture que, cuanto menos, generará expectación en quien la contemple. Volúmenes desmedidos hasta rozar la extravagancia, cortes asimétricos que nos transportan a universos a numerosos años luz, dimensiones que nos invitan a viajar a mundos en los que perdernos… + 114
Como resultado, piezas únicas en las que el terciopelo, las transparencias, el pelo sintético y alguna que otra pluma multicolor se conjugarán a la perfección para hacer las delicias de todos aquellos que ansían ser diferentes en un mundo que, poco a poco, parece estar abocado a la oscuridad y al aburrimiento. Para Gaultier, el show es lo primero. Un show no solo recreado en la pasarela, durante la puesta de largo de sus colecciones, sino sobre todo perpetuado en cualquiera de los momentos que se entrelazan y combinan para dar forma al día a día de la mujer que sueña Gaultier. Encuentros de trabajo, salidas con amigas, citas llenas de pasión y desenfreno… el diseñador piensa en todas las mujeres y para todas ellas crea una pieza única; algo distintivo con lo que ser recordado, con lo que triunfar, con lo que hacerlas sentir llenas de poder. Un poder con el que el diseñador impregna todas y cada una de las puntadas con las que durante los próximos meses pretenderá vestir un universo lleno de feminidad, en el que es la mujer la que tiene la última palabra. Un universo que tiñe de colores tan pasionales como el morado, el naranja y el amarillo; y en el que no olvida los blancos, negros, dorados y plateados, con los que marcar la diferencia. Un universo propio de un Gaultier arriesgado, lleno de vida, que diseña y crea sin tapujos, sin pensar en nadie más que en la mujer con la que sueña.
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Haute Couture, made by Gaultier If there is anyone who knows how to handle a fashion show, it's Gaultier. The iconic designer will invite us to participate in it during the upcoming months. Infinitely creative and sophisticated. If there is one thing that fascinates those traditionally self-confessed lovers of Fashion's enfant terrible, it has been Gaultier's shameless desire to be noticed and to turn any stage in which the firm is present into a party full of passion and wildness. Thus, almost without realizing it, Gaultier wants the next season to fill the most exclusive atmospheres with creations of an unparalleled elegance and an unprecedented sense of showmanship. To do so, Jean Paul Gaultier has designed for the next springsummer season a wardrobe full of insane combinations, especially for those who seek in the virtuoso of stitching their most faithful ally to succeed wherever they go. In the world imagined by Gaultier, women leave behind all sorts of artifice that contribute little or nothing to their life, opting for pieces that make each and every moment of their existence unique and unrepeatable.
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Like something out of the legendary "guateques", the house parties who used to delight young people during the wonderful nineties, women will combine marvelously one-of-akind pieces if they opt over the next few months to dress their days and nights in the purest Gaultier style. Gaultier seeks, through his craziest and most casual patterns, determined, brave women, capable of defying obstacles, climbing mountains, and successfully overcoming setbacks in life. Gaultier's women will challenge everything that smacks of conventionalism and won't hesitate to squeeze into neon dresses. These pieces, decorated with the wildest animal prints, will become designs capable of creating an impression of the most incredible and irreverent optical illusions in those who observe them. Gaultier thus signs a Haute Couture collection that, at the very least, will create a sense of expectancy in those who contemplate it. He will suggest outlandish excessive volumes, asymmetric cuts that transport us to universes that are lightyears away, dimensions that invite us to travel to worlds where we can lose ourselves... And, as a result, unique pieces in which velvet, transparencies, synthetic hair, and some multicoloured feather will combine perfectly to delight all those who long to be different in a world doomed to darkness and boredom. + 118
For Gaultier, spectacle comes first. But his show is not only recreated on the catwalk, during the presentation of his collections. It is mainly perpetuated in every moment intertwined and combined to shape the everyday life of the women dreamed by Gaultier. Work meetings, girls' nights out, dates full of passion and wildness... the designer thinks of every woman and for all of them creates a unique piece, something distinctive with which to be remembered, to succeed, with which to make them feel full of power. This power is used by the designer to permeate every stitch with which he will try to dress during the next months a universe full of femininity. There women will have the final say. Their universe will be dyed with passionate colours as purple, orange, and yellow, without forgetting shades of white, black, gold, and silver, with which to make a difference. A high-spirited universe unique to the boldest version of Gaultier, designed and created without fears, without thinking of anyone but the women he dreams of.
IBER ON MAIS
MARBELLA MADRID IBIZA IBERMAISON.COM
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el hombre del mundo Ganador del Premio Nacional de Diseño en USA y Premio Wolf de Arquitectura en jerusalen, ha creado la cascada artificial mas grande del mundo... ¡dentro de un aeropuerto! Moshe Safdie tiene estudios en Jerusalén, Shanghai, Singapur y Boston. Acaba de ganar dos importantes premios en USA e Israel por su enfoque innovador en busca de nuevos objetivos. Arquitecto y urbanista, Moshe Safdie, se encuentra entre los ganadores de los Premios Nacionales de Diseño 2019, otorgados por el Cooper Hewitt Design Museum de Nueva York. Otro premiado es el actor Brad Pitt con su Fundación Make it Right. Estos premios son considerados los más prestigiosos de diseño en Estados Unidos.
Moshe Safdie también ha sido galardonado con el Premio Wolf de Arquitectura 2019, ofrecido por la Fundación Wolf en Israel. Premia a líderes en artes, música y ciencia, cuyos logros contribuyen al beneficio de la humanidad. El Presidente de Israel le concedió el Premio en una ceremonia en Jerusalén en mayo de 2019. “La arquitectura es parte invención ... y parte evolución. Y cualquiera que olvide esto, no puede construir grandes edificios. Se basa en las lecciones aprendidas de lo anterior. La invención es lo que se añade, pero es la combinación de ambas, lo que hace un gran edificio".
E H S MO DIE F A S
T REPOR CTURE E JUAN E + ARCHIT© MARÍA D
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Nacido en Haifa, Moshe Safdie es ciudadano de Israel, Canadá y Estados Unidos. Creó su propia empresa en 1964 para realizar su gran proyecto inicial: "Habitat 67" para la Expo de Canadá en 1967. La prolífica obra de Moshe Safdie, se puede ver por todo el mundo, e incluye aeropuertos, museos, centros de artes escénicas, bibliotecas, viviendas, edificios de uso mixto e incluso ciudades enteras. El israelí de renombre mundial ha estado concentrado en proyectos muy originales como su famoso Marina Bay Sands Hotel en Singapur. Fue catalogado como el complejo con casino más caro del mundo, estimado en ocho mil millones de dólares. El arquitecto israelí acaba de diseñar la cascada artificial más alta del mundo, en el interior de su bóveda gigante para el aeropuerto Changi en Singapur.
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Se trata de un nuevo destino para nuevos estilos de vida, inaugurado a principios de 2019. De un tamaño inusual, no es técnicamente una terminal. El concepto revolucionario, es posicionar el aeropuerto como un destino por sí mismo, y no sólo un lugar para pasajeros en tránsito. “Lugares como Disney o Universal Studios se pueden gastar muy rápido y la gente puede cansarse de ellos. Queríamos crear algo atemporal y surgió el concepto de un jardín paradisíaco". El Jewel Changi de 1.27 mil millones de dólares es la última incorporación a un impresionante aeropuerto existente. Su estructura en forma de rosquilla funciona como una cúpula central que conecta tres de las cuatro terminales actuales. El diseño de Safdie incluye cinco pisos de tiendas, jardines y restaurantes, además de un hotel con parking subterráneo de cinco pisos. La bóveda ecológica contiene tiendas, restaurantes, lujosos jardines y gigantescas cascadas que caen desde el centro del techo ... ¿Estamos en el cielo? +124
La estructura abovedada está formada por celosías de paneles de vidrio enmarcadas en acero, una cubierta delicada sobre el espacio, que permite la entrada de abundante luz sobre los amplios jardines. También cuenta con un centro comercial dentro de los jardines para atraer visitantes y vecinos locales. Esto fortalece aún más el aeropuerto como un elemento del viaje, pero también como un destino. Ofrece atracciones inusuales, que incluyen jardines de mariposas y girasoles, un cine gratuito, parques infantiles y recorridos gratuitos de Singapur para pasajeros con escalas. Jewel ha elevado el listón de lo que otros aeropuertos del mundo deberían aspirar. Actualmente, las cuatro terminales tienen capacidad para más de 82 millones de pasajeros anuales. Con el nuevo Jewel, el tráfico de visitantes se eleva mucho más. Una red de 250 metros se eleva tres pisos sobre el suelo, un puente suspendido 50 metros sobre suelo de paneles de vidrio, senderos para caminar entre una exuberante jungla de topiarios con formas de animales en un jardín de cinco pisos de terrazas,
una cascada de 40 metros desde una abertura elevada en una bóveda de vidrio, una escultura de arte formada por cuatro gigantes elementos integrados. Y eso no es mas que el principio. Propiedad de Jewel Changi Airport Trust, el nuevo destino propone un nuevo estilo de vida pues pretende atraer a todo tipo de gente. Changi en Singapur, no necesita presentación. Ha sido nombrado el mejor aeropuerto del mundo durante seis años consecutivos por los World Airport Awards de Skytrax. La cúpula conecta tres enormes terminales que forman un centro común, donde los viajeros pueden admirar y disfrutar. Además de las atracciones de la cúpula, es además ecológica con el planeta. El exterior está construido de acero y vidrio, mientras que el interior contiene elementos sostenibles que reducen las emisiones de los aviones. No es casual que el genial israelí haya sido elegido para dirigir este proyecto.
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Moshe Safdie es conocido en los cinco continentes por haber conseguido fusionar una arquitectura estrechamente vinculada a la naturaleza en sus últimos 85 proyectos.
culturales, educativas y cívicas, viviendas, complejos y aeropuertos. Ha desarrollado diseños para distritos urbanos existentes e incluso para ciudades completamente nuevas.
La televisión americana, CNN Style, filmó "Buceando en el amanecer con Moshe Safdie". Le entrevistaron en lo alto de una piscina sin fin en el techo de su hotel Marina Bay Sands en Singapur. En sus propias palabras:
Algunos de sus proyectos más reconocidos incluyen museos como el Museo del Holocausto Yad Vashem en Jerusalén; Museo Nacional de los Sikh en India; Museo de Arte Americano Crystal Bridges en Arkansas, Museo Skirball en Los Ángeles y Museo Nacional de Canadá.
La mayor recompensa como constructor es cuando la gente dice: "Este es un lugar feliz”. Otro de sus proyectos más conocidos es Raffles City en Chongqing, China. Ubicado en el cruce de dos ríos: Jialing y Changjiang, el estudio Safdie diseñó toda la ciudad, utilizando el punto de referencia de los ríos como un asombroso decorado. La nueva ciudad muestra una sensibilidad tectónica y espacial de gran riqueza. Aquí, la arquitectura cruza los límites de la disciplina, explora materiales innovadores y desarrolla nuevos modelos, resolviendo problemas en busca de nuevos objetivos. Durante cuarenta años de trabajo, Moshe Safdie ha diseñado instituciones +126
Realizó la restauración del Barrio Judío en Jerusalén, sede del Instituto de Paz en USA, Washington; Khalsa Heritage Memorial Complex, Hebrew Union College, proyectos de vivienda en USA y el sudeste asiático, así como diseños urbanos para Montreal, Senegal y Singapur. Se ha publicado un libro monográfico con más de 80 de sus proyectos, ilustrados con fotografías espectaculares, sus bocetos de diseño y textos. Presenta su propio ensayo sobre su arquitectura con textos adicionales de Paul Goldberg, Peter Rowe, Witold Rybczynski y Michael Sorkin.
Durante su larga y distinguida carrera de 50 años, Moshe Safdie ha producido una obra con mucho arte y originalidad en los campos de arquitectura y urbanismo. Sus proyectos construidos buscan constantemente la experimentación y pueden interpretarse como una forma de investigación en evolución. Safdie también es un distinguido educador. En numerosas publicaciones ha articulado una posición clara y coherente como académico y crítico. Entre otras actividades, Safdie es actualmente profesor y crítico de arquitectura, planificación y diseño urbano en la Escuela de Diseño de Harvard. Junto con Jaron Lubin, dirigió el seminario “El rascacielos como espina dorsal". Esta primavera 2019, Safdie dirige otro titulado "Repensar una ciudad humanista de rascacielos". No es de extrañar que Moshe Safdie haya sido llamado "el hombre del mundo". Es verdaderamente amante del planeta tierra y ha demostrado que puede incluso inventar nuevas ciudades y crear nuevos espacios para un magnífico mundo nuevo.
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man of the world Winner of 2019 National Design Award and Wolf Architecture Price has created the largest artificial cascade in the world ... Inside an airport! Safdie Architects holds studios in Jerusalem, Shanghai, Singapore and Boston. He has just won two major prices in USA and Israel for his innovative approach pursuing new goals. Architect and urban planner, Moshe Safdie is among the winners of this year's National Design Awards, given annually by the Cooper Hewitt Design Museum in New York. Another winner is actor Brad Pitt with his Make it Right Foundation. These awards are widely considered the most prestigious awards for American Design.
Moshe Safdie has also been named the 2019 recipient of the Wolf Prize for Architecture. Awarded by Israeli nonprofit Wolf Foundation, the honor recognises leaders in the arts, music and sciences whose accomplishments have contributed toward the benefit of humanity. Israel's President administered the Prize at a ceremony in Jerusalem in May 2019. “Architecture is in part invention... in part evolution. And anybody who forgets that, can’t make great buildings. It builds upon the lessons that happened before. Invention is what you add to that but it’s the combination what makes a great building.”
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T REPOR CTURE E JUAN E + ARCHIT© MARÍA D
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Born in Haifa, Moshe Safdie is a citizen of Israel, Canada and the United States. He established his own firm in 1964 to realise his breakthrough seminal project: “Habitat 67” for Canadian Expo 1967. Moshe Safdie’s prolific portfolio can be seen around the world and includes airports, museums, performing arts centres, libraries, housing, mixed use buildings and even entire cities. The world-renowned Israeli has been really busy with original projects like his popular Marina Bay Sands Hotel in Singapore. It was billed as the most expensive casino property in the world, valued at $8 billion. It’s hard to miss on the city’s skyline. The Israeli architect has just designed the world's tallest artificial indoor waterfall inside a bio-dome for Singapore’s Changi airport.
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He is wrapping up this huge project: the new Jewel lifestyle destination at Changi Airport, inaugurated in early 2019. Unusual and extensive in scope, it is technically not a terminal. The idea behind the development was to position the airport as a destination in and of itself, not just a place only those in transit. “Places like Universal Studios or Disney can get dated very fast and people can get tired of them. We wanted to come up with something truly timeless and the concept of a paradise garden came about." The $1.27 billion Jewel Changi is the latest addition to an existing impressive Airport. This donut-shaped structure functions as a central hub connecting three of the current four terminals. Safdie's design features five stories of retail, gardens and restaurants, as well as a hotel with a five-story underground parking lot. The bio-dome contains stores, restaurants, lavish gardens and huge waterfalls that pours down from the centre of the roof... Is this heaven?
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The domed structure consists of glass panel latticework framed in steel, producing a delicate covering over the space and allowing in plenty of light for the expansive gardens within. It also boasts a large mall within the gardens to attract visitors and locals, further solidifying the airport as not only a function of travel but also a destination. With unusual attractions, including butterfly and sunflower gardens, a free movie theatre, kid-friendly playgrounds and free tours of Singapore for passengers with layovers, it has raised the bar for what other world airports should aspire towards. Currently, the four terminals accommodate over 82 million passengers annually. With Jewel Airport around the bend, that bar has been raised even higher. A 250-meter-long bouncing net three stories above ground. A 50- meter-long suspended bridge with glasspanel flooring. Walking trails amongst a lush jungle of animal-shaped topiaries in a five-story terraced garden. A 40-meter-tall waterfall cascading from an opening in a vaulted glass roof canopy. An art sculpture made up of four giant, integrated slides.
And that's just scratching the surface. Owned by Jewel Changi Airport Trust, the new lifestyle destination aims to be attractive to all demographics. As far as airports go, Changi in Singapore, needs no introduction. It has been named the best airport in the world for six consecutive years by the Skytrax’s World Airport Awards. The dome connects three large terminals forming a hub, where travellers can wonder and enjoy. Besides the dome’s great attractions, it is also earth-friendly. The exterior is constructed of steel and glass, while the interior contains sustainable elements that apparently reduce airplane emissions. It is no coincidence that the israeli was chosen to head this project. Moshe Safdie is known across five continents for fusing architecture closely linked to nature in his past 85 projects.
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American TV, CNN Style, filmed “Diving into the dawn with Moshe Safdie”. They interviewed him at sunset on top of an endless pool at the roof of his Marina Bay Sands Hotel in Singapore. In his own words: When people say “This is a happy place” it’s when you have the greatest reward as a builder. Another of his best known projects is Raffles City in Chongqing, China. Located at the crossing of two rivers: Jialing and Changjiang, Safdie’s studio designed the whole city, using the riverside landmark as an astonishing stage. The new city displays a richly evolving tectonic and spatial sensibility. Here, architecture crosses disciplinary boundaries, exploring innovative materials and developing new models of problem-solving in pursuit of new goals. During forty years of practice, Moshe Safdie has designed cultural, educational and civic institutions, housing, complexes and airports. He has developed designs for existing urban districts and even entirely new cities.
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Some of his most recognisable and beloved projects include museums like Yad Vashem Holocaust Museum in Jerusalem; National Museum of the Sikh People in India; Crystal Bridges Museum of American Art in Arkansas, Skirball Museum and Cultural Center in Los Angeles and National Gallery of Canada. He did the restoration of Jewish Quarter in Jerusalem, USA Institute of Peace Headquarters, Washington; Khalsa Heritage Memorial Complex, Hebrew Union College, housing projects in USA and Southeast Asia as well as urban designs for Montreal, Senegal, and Singapore. A monograph book has been published with more than 80 of his projects, illustrated with spectacular photography, original design sketches and texts. It features his own essay on his architecture with additional texts by Paul Goldberg, Peter Rowe, Witold Rybczynski and Michael Sorkin. Over a long and distinguished career spanning 50 years, Moshe Safdie has produced a body of work of great originality and artistry in the field of architecture
and urbanism. His projects undertaken consistently seek experimentation and can be understood as an evolving form of research. Safdie is also a distinguished educator. In numerous publications he has articulated a clear and coherent position as an academic and critic. Among other activities, Safdie currently serves as Design Critic in Architecture and Urban Planning and Design at the Harvard Graduate School of Design. Along with Jaron Lubin, he led the studio “The High Line as Urban Spine.” This Spring 2019, Safdie directs a studio entitled “Re-thinking a Humanist Skyscraper City.” No wonder, Moshe Safdie has been called “man of the world”.He is truly earthy and has shown that he can even invent new cities and create new spaces for a magnificent new world.
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Rahul Mishra y su bucólico glamur Rahul Mishra da carpetazo al encorsetamiento del invierno y abre sus brazos a formas llenas de movimiento y vida. El diseñador de moda indio parece dispuesto a dar un giro completo a nuestras vidas con una colección llamada a convertirse en un auténtico deleite para los sentidos más exigentes. Así, Rahul Mishra nos propone alejarnos de la rigidez del invierno y abrir nuestros brazos y nuestras almas a una moda que, por qué no, parece llegar dispuesta a cambiar nuestras vidas. Con el único objetivo de hacer que la mujer se sienta como una auténtica diosa en los parajes más bucólicos y delicados, Rahul Mishra nos invita a llenar nuestros armarios de piezas llenas de alma, modernidad y vida. Y es que, cuando el calendario anuncie un aumento en la temperatura y nos deje disfrutar de días más largos, Mishra llegará con su propuesta de envolver nuestra figura con creaciones que nos hagan sentir vivas y decididas. Combinaciones únicas con las que podamos escribir historias increíbles llenas de instantes para el recuerdo. Piezas destinadas a aportar movimiento a unas siluetas —las femeninas— que hace solo unos meses se dejaban envolver por diseños planos y alejados de artificios.
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Para la próxima temporada de primavera-verano 2020, Rahul Mishra propone vestir nuestras cálidas jornadas con creaciones llenas de técnica y singularidad, en las que las flores aportan un estilo bucólico que nos transporta a parajes de auténtico ensueño. Y frente a esta tendencia floral, Mishra salpica algunas de sus piezas de cubos que vienen a emular los altos y angostos edificios que, en ocasiones, nos absorben e impiden ver horizontes más libres. Porque ¿son tan distintas las ciudades de los alegres campos de flores? No para Mishra, y eso es justo sobre lo que el diseñador intenta hacernos reflexionar. ¿No existen en las sombrías ciudades rincones llenos de luz y vitalidad en los que delicadas flores puedan crecer? ¿No son las flores símiles perfectos de nuestras almas? ¿No pueden ser los edificios a los que Mishra da forma en algunas de sus creaciones esos grilletes que a veces nos impiden avanzar en nuestro camino y acercarnos a la felicidad más plena y pura? Pensamientos cuasi fantásticos con los que el afamado diseñador nos invita a dejar volar nuestra imaginación y nuestros deseos más íntimos y personales. +info: neomaniamagazine.com
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RAHUL A R H S MI HION + FAS
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Rahul Mishra and his bucolic glamour Rahul Mishra puts the wintry straitjacket on the shelf and opens his arms to shapes full of movement and life. The Indian fashion designer seems determined to turn our lives around with a collection meant to become a real delight for the most demanding senses. Thus, Rahul Mishra suggests us to move away from the rigidity of winter and open our arms and souls to a fashion, why not say it, eager to change our lives. With the sole purpose of making women feel like true goddesses in the most bucolic and delicate places, Rahul Mishra invites us to fill our wardrobes with pieces full of soul, modernity, and life. When the calendar announces rising temperatures and lets us enjoy longer days, Mishra will bring us his blueprint for wrapping our figure in creations that make us feel alive and determined. These unique combinations will help us to write amazing stories full of unforgettable moments. Mishra's pieces will be aimed at endowing with movement certain silhouettes -the feminine ones- that were conquered by plain designs, without artifice, only a few months ago.
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For next spring-summer 2020, Rahul Mishra suggests that we dress our warm days with creations full of technical know-how and singularity, in which flowers provide a bucolic style transporting us to dreamy places. And tackling this floral trend, some of Mishra's pieces are flecked with cubes emulating the tall, narrow buildings that sometimes absorb us, preventing us from seeing freer horizons. Because, honestly, are cities that different from joyful flower fields? Not for Mishra, and that's exactly what the designer tries to make us reflect on. Are there not also in dark cities corners full of light and vitality where delicate flowers can grow? Are not flowers the perfect metaphor for our souls? Can not the buildings outlined by Mishra in some of his creations be those fetters that sometimes prevent us from moving forward on our path and approaching the fullest and purest happiness? Thoughts that are almost fantastical with which the famous designer invites us to let our imagination and our innermost desires fly. +info: neomaniamagazine.com
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El movimiento marcó el comienzo de una era durante la cual la pintura trascendió su papel tradicional como una ventana al mundo y, en cambio, se convirtió en una ventana a la mente y el alma del artista. El postimpresionismo es un movimiento artístico que se desarrolló en la década de 1890 en Francia. Se caracteriza por un enfoque subjetivo de la pintura, donde los artistas optaron por evocar en sus obras, emoción en lugar de realismo. Si bien sus estilos, varían enormemente, las pinturas comparten algunas cualidades similares: incluyen motivos simbólicos, colores no naturales y gruesas pinceladas. Abarca una amplia gama de estilos artísticos distintos que comparten la motivación común que surgió a raíz de los efectos ópticos del movimiento impresionista.
Las variaciones estilísticas reunidas bajo el estandarte general de este estilo van desde el Pointillismo científicamente orientado de Georges Seurat hasta el exuberante Simbolismo de Paul Gauguin, pero todas se concentraron en la visión subjetiva del artista. El impacto estético de gran alcance de los postimpresionistas influyó en grupos que surgieron durante el cambio del siglo XX, como los Expresionistas y movimientos más contemporáneos, como el Arte Feminista relacionado con la identidad. El término se refiere a cuatro figuras principales que, partiendo del impresionismo, evolucionaron en direcciones claramente diferentes: Paul Gauguin, Vincent van Gogh, Georges Seurat y Paul Cezanne.
Van Gogh pintó al aire libre y desarrolló un uso muy personal del color y la pincelada que expresaba directamente la respuesta emocional al sujeto y su mundo interior. Seurat puso la pintura impresionista de la luz y el color sobre una base científica, inventando su propio estilo: el Pointillismo. Cezanne conservó la doctrina fundamental de la pintura de la naturaleza pero con un mayor rigor geométrico.
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Gauguin retuvo la luz y el color intensos, rechazando la visión clásica de la naturaleza y reintrodujo temas imaginativos exóticos.
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El postimpresionismo como término fue utilizado por primera vez por el crítico de arte británico Roger Fry en 1910 cuando organizó la exposición “Manet y los Post-Impressionistas”. Ideas claves Los significados simbólicos y profundamente personales fueron especialmente importantes para Paul Gauguin y Vincent van Gogh. Rechazando el interés por representar el mundo real, en su lugar, se inspiraron en sus recuerdos y emociones para conectarse con el espectador en un nivel más profundo. La estructura, el orden y los efectos ópticos del color dominaron la visión estética de artistas como Paul Cezanne, Georges Seurat y Paul Signac. En lugar de simplemente representar su entorno, confiaron en las interrelaciones de color y forma para describir el mundo a su alrededor. A pesar de los diversos estilos individualizados, la mayoría del grupo se centró en la forma y patrón abstractos para la aplicación de pintura sobre la superficie del lienzo.
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Sus primeras inclinaciones hacia la abstracción allanaron el camino para la exploración radical que tuvo lugar a principios del siglo XX. Los críticos agruparon los diversos estilos en dos tendencias estilísticas opuestas: por un lado, el estilo estructurado o geométrico que fue el precursor del Cubismo, y por otro, el arte expresivo o no geométrico que condujo al Expresionismo Abstracto. Nacimiento del Potsimpresionismo En la última exposición impresionista de 1886, los artistas mas jóvenes exigieron un cambio en el enfoque de las artes plásticas. Sintieron que los impresionistas, llevados por sus preocupaciones con la técnica y efectos de luz natural, eclipsaban la importancia del tema. Finalmente, estos pintores disidentes se conocieron como los Postimpresionistas, término que agrupa estilos artísticos individuales muy variados. De hecho, muchas de las figuras más destacadas del movimiento eran rivales en método y enfoque.
Gauguin y Seurat se detestaban mutuamente y compartían una pésima opinión de sus estilos. Van Gogh veneraba el trabajo del impresionista Edgar Degas y de su compañero postimpresionista Henri Rousseau, y era escéptico del estilo rigurosamente ordenado de Cézanne. Si bien París fue, sin duda, la fuente del postimpresionismo, el énfasis en el contenido simbólico y expresivo significaba que la vida de la ciudad dejó de ser el tema dominante para estos artistas. Muchos pintores desarrollaron su estilo estético individual fuera de París. Cézanne pasó la mayor parte de su carrera en la Provenza, Van Gogh llegó a la madurez de su estilo en Arles y Gauguin se exilió en Tahití, demostrando su rotunda renuncia a París. Seurat y el Puntillismo El primer pionero de la nueva tendencia, que rompió con el impresionismo, fue Georges Seurat. Desarrolló un estilo de pintura conocido como Puntillismo, que emplea diminutos puntos de pintura como base para la construcción de un cuadro.
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Su movimiento estilístico se identifica como Puntillismo o Divisionismo. Seurat exploró un nuevo enfoque científico para la representación del color y exploró mas a fondo los intereses de los impresionistas por los efectos ópticos. Los puntos de color individual se mezclan visualmente en el ojo del espectador, según lo dictado por los principios de la teoría del color. En obras como “Tarde de domingo”, Seurat aplicó color en campos densos de pequeños puntos para imitar la apariencia vívida y vibrante de la luz natural, que es el resultado de la combinación de los diversos colores del espectro cromático. Paul Signac siguió de cerca los pasos de Seurat en estas exploraciones. Van Gogh y el Japonismo Vincent van Gogh se expresó con colores saturados y gruesas pinceladas para evocar la confusión interna del artista. Junto con Gauguin, experimentó nuevos +146
enfoques de la pintura, rechazando la representación académica, el acabado fino y la fijación de los impresionistas por efectos ópticos. Fue influenciado por una variedad de fuentes, entre ellas su amor por las representaciones estilizadas de los grabados japoneses Ukiyo-e. A finales del siglo XIX, la afluencia de diseños y arte de Japón en el mercado europeo inició el Japonismo: la interpretación europea de estilos artísticos japoneses en objetos de arte occidentales. Influencias similares son también evidentes en la obra de Toulouse-Lautrec. Su visión única de la vida nocturna parisina se plasmó en pinturas de salones de baile y cabarets, basadas en los fuertes contornos y colores planos del arte Japonés. Gauguin y el Sintetismo En el otoño de 1888, Van Gogh y Gauguin compartieron un estudio en Arles, al sur de Francia. Durante meses, los dos artistas forjaron una relación difícil pero mutuamente
beneficiosa. Ambos compartieron un interés por el contenido simbólico y por imágenes que se alejaban de sus apariencias naturales. Gauguin desarrolló estas ideas aún más en su teoría del Sintetismo. Según sus principios, la forma visual final está determinada por una síntesis de la apariencia externa de formas naturales, los sentimientos del artista y sus consideraciones estéticas de color, línea y forma. Gauguin frecuentemente descarta el sombreado y la perspectiva, y en su lugar utiliza color puro, líneas fuertes y dimensiones planas para provocar un impacto emocional visceral. Sus obras, a menudo, se inspiran en la memoria y la imaginación. Expresan una fuerte conexión con el tema que inspira la pintura, derivado de la religión, la literatura o la mitología. Rousseau y el Primitivismo Muchos postimpresionistas se sintieron atraídos por el Primitivismo en su búsqueda por estilos más vívidos y un contenido simbólico. En este caso, el referente es el estilo autodidacta ingenuo o “naif" de Henri
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Rousseau. Es considerado el pionero, pero también puede referirse Primitivismo como préstamo de formas de arte no occidentales por artistas como Picasso y Gauguin. Rousseau llegó al arte como autodidacta, dibujando durante su trabajo de aduanero en una estación de tren parisina. Apasionado por los animales salvajes y la jungla, copió con avidez las obras del Museo del Louvre y llegó a un estilo muy personal. Mientras que sus pinturas parecen presentar temas convencionales, las formas simplificadas de sus animales y sus junglas pintadas derivan únicamente de su imaginación. Aunque carecía de capacitación académica, sus paisajes evocadores y escenas de la jungla, como “El sueño”, se basaban en interpretaciones de su subconsciente, en lugar del mundo real. Su representación del reino de los sueños en un estilo único e intuitivo demostró ser muy influyente para los Fauves, Cubistas y Surrealistas.
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Bonnard y los Nabis Influenciado por el Japonismo, la pintura Simbolista y los Prerrafaelitas ingleses, el grupo de artistas conocido como “Les Nabis” se adhirió firmemente a la idea de que el artista debe sintetizar la naturaleza y la expresión personal dentro de la obra de arte. Paul Sérusier fundó el grupo y refinó el estilo que llegó a dominar su producción. Influenciados por Gauguin, utilizaban la pintura directamente del tubo en amplias áreas de color puro, con diseños estampados y contornos estilizados, reflejando la visión subjetiva del artista. El pintor Maurice Denis publicó el ensayo “Definición del Neotradicionismo” en 1890, donde afirmó: "Recuerde que una imágen, antes de ser un caballo de guerra o un desnudo, es principalmente una superficie plana cubierta por colores dispuestos en cierto orden". Los Nabis expusieron juntos y abrazaron una variedad de medios como pintura, grabado, vidriera y decorados.
Los miembros principales del grupo eran Paul Sérusier, Maurice Denis, Pierre Bonnard y Edouard Vuillard. Otros artistas exhibieron y trabajaron con ellos como Aristide Maillol y ToulouseLautrec. El nombre "Nabis" deriva de la palabra hebrea "profeta" y anunciaba la ideología central del grupo: una mezcla de misticismo con la espiritualidad interna del artista. A diferencia de los impresionistas que les precedieron y los fauvistas que siguieron, los pintores postimpresionistas nunca se unificaron con un solo enfoque estético. Lo que les unió entre ellos, fue un interés compartido por explorar abiertamente la mente y el subconsciente del artista a través de su pintura.
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The movement ushered in an era during which painting transcended its traditional role as a window into the world and instead became a window into the artist's mind and soul. Post-Impressionism is an art movement that developed in the 1890s in France. It is characterized by a subjective approach to painting, as artists opted to evoke emotion rather than realism in their work. While their styles, therefore, wildly varied, their paintings share some similar qualities such as symbolic motifs, unnatural colour and painterly brushstrokes. It encompasses a wide range of distinct artistic styles sharing the common motivation of responding to the optical effects of Impressionism.
The stylistic variations assembled under the general banner of PostImpressionism range from the scientifically oriented Pointillism of Georges Seurat to the lush Symbolism of Paul Gauguin, but all concentrated on the subjective vision of the artist. Their far-reaching aesthetic impact influenced groups that arose during the turn of the 20th century, like the Expressionists, as well as more contemporary movements, like the identityrelated Feminist Art. The term is usually confined to the four major figures who developed and extended impressionism in distinctly different directions: Paul Gauguin, Vincent van Gogh, Georges Seurat and Paul Cezanne.
Van Gogh painted from nature but developed a highly personal use of colour and brushwork directly expressing emotional response to subject and his inner world. Seurat put impressionist painting of light and colour on a scientific basis , inventing his own style, Pointillism or Divisionism. Cezanne retained the fundamental doctrine of painting from nature but with added almost cubist rigour.
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Gauguin retained intense light and colour but rejected painting from nature and reintroduced imaginative exotic subject matter.
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Post-impressionism as a term was first used by British art critic Roger Fry in 1910 when he organised the exhibition “Manet and the PostImpressionists”. Key ideas Symbolic and highly personal meanings were particularly important to Post-Impressionists such as Paul Gauguin and Vincent van Gogh. Rejecting interest in depicting the observed world, they instead looked to their memories and emotions in order to connect with the viewer on a deeper level. Structure, order and optical colour effects dominated the aesthetic vision of PostImpressionists like Paul Cezanne, Georges Seurat and Paul Signac. Rather than merely represent their surroundings, they relied upon the interrelations of colour and shape to describe the world around them. Despite the various individualised styles, most Post- Impressionists focused on abstract form and pattern in the application of paint to the surface of the canvas. Their early leanings toward abstraction paved the way for the radical modernist +152
exploration of abstraction that took place in the early20th century. Critics grouped the various styles within Post-Impressionism into two general, opposing stylistic trends: on one side was the structured, or geometric style that was the precursor to Cubism, while on the other side was the expressive, or non-geometric art that led to Abstract Expressionism. Impressionism and the Rise of PostImpressionism By the last Impressionist exhibition in 1886, younger artists and critics demanded a shift in the focus of representational arts. They felt the Impressionists allowed their preoccupations with technique and the effects of natural light to overshadow the importance of subject matter. Eventually these dissenting artists became known as the Post-Impressionists, a term that grouped together widely varying individual artistic styles. Indeed, many of the movement's foremost figures were rivals in method and approach. Gauguin and Seurat both detested one another and shared a low opinion of each
other's styles, and while van Gogh revered the work of the Impressionist Edgar Degas and fellow Post-Impressionist Henri Rousseau, he was skeptical of Cézanne's rigorously ordered style. While Paris was unquestionably the fount of Post-Impressionism, the emphasis on symbolic and expressive content meant that the life of the city no longer was the dominant subject for artists. Subsequently, many painters developed their individual aesthetic style outside of Paris. Cézanne spent most of his career in Provence, Van Gogh arrived at his mature style in Arles and, in an infamous renunciation of Paris, Gauguin expatriated to the island of Tahiti. Seurat and Pointillism The earliest herald of the new trend that broke with Impressionism was Georges Seurat. He developed the style of painting known as Pointillism, which refers to the use of a point, or dot, as the basis for the construction of a painting. The larger stylistic movement of Seurat's followers is known as Neo-Impressionism, but the movement is also
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identified as Divisionism. Seurat explored a new, scientific approach to the representation of colour and extended the Impressionists' interests in optics. The marks that made up the painting were each executed in a singular colour. Those individual marks and colours then visually blended in the eye of the viewer, as dictated by the prevailing tenets of then-current colour-theory. In works such as A Sunday Afternoon, Seurat applied his brush in dense fields of tiny dots in order to mimic the vivid and vibrating appearance of natural light, which is also the result of the blending of the various colours of the spectrum. Paul Signac closely followed in Seurat's footsteps in these explorations. Van Gogh and Japonisme Vincent van Gogh relied upon saturated colours and broad brushstrokes to evoke the inner turmoil of the artist. Along with Gauguin, he experimented with new approaches to painting and rejected academic representation, fine finish, +154
and the Impressionists' fixation on optical effects. He was influenced by a variety of sources, not the least of which was his love of the stylised representations of Japanese Ukiyo-e prints. In the late-19th century, an influx of Japanese crafts and art into the European market initiated Japonisme, the European interpretation of Japanese artistic styles in Western art objects. Similar influences are also evident in the work of Toulouse-Lautrec. He was an observer of the cabaret world with a unique perspective; he was born into the French nobility, but was physically disabled, and thus embodied the perspective of both an insider and an outsider. His unique view of Parisian nightlife resulted in paintings and lithographs of dance halls and cabarets that relied upon the strong outlines and flat planes of Japanese art. Gauguin and Synthetism In the fall of 1888, Van Gogh and Gauguin shared a small apartment and studio space in Arles (south of France). During months, the two artists forged a rocky
but mutually beneficial relationship. While they both shared an interest in symbolic content and images that were abstracted from their natural appearances, Gauguin developed these ideas further in his theory of Synthetism. According to its tenets, the final, visual form is determined by a synthesis of the outward appearance of the natural form, the artist's feelings about the subject matter and the aesthetic considerations of colour, line, and form. In his work, Gauguin frequently discarded shading, modelling and single-point perspective. Instead, he used pure colour, strong lines and flat twodimensionality to elicit a visceral emotional impact. These works were also oftentimes derived from memory or imagination. They expressed a strong connection with the subject matter that inspired the work, whether that subject derived from religion, literature or mythology. Rousseau and Primitivism Many Post-Impressionists were drawn to Primitivism in their search for more vivid
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styles and symbolic content. In this instance, Primitivism refers to the "naive," selftaught style exemplified by Henri Rousseau who was championed as a pioneer, but it can also refer to the borrowing of non-Western art forms by artists like Picasso and Gauguin. Rousseau circuitously came to art through sketching to occupy himself at his job in a Parisian train station. Fascinated with wild animal life in the jungle he never knew, he avidly copied the works in the Louvre's collection and arrived at a style that dominated his entire oeuvre. While Rousseau's paintings at first glance appear to present conventional subject matter, the simplified, abstracted forms and surface patterns that merge within the painted images derived solely from his imagination. Although he lacked any academic training, his evocative landscapes and jungle scenes, such as “The Dream”, relied upon his interpretations of his subconscious, rather than the surrounding world. His representation of the realm of dreams in a uniquely intuitive style proved highly influential +156
for the Fauves, Cubists, and Surrealists. Bonnard and Les Nabis Influenced by Japonisme, Symbolist painting, and the English Pre-Raphaelites, the group of artists known as “Les Nabis” firmly adhered to idea that the artist must synthesize nature and personal expression within the work of art. Paul Serusier founded the group and refined the style that came to dominate their production. Influenced by Gauguin, they used paint right from the tube in broad, unmodulated areas of colour, with patterned designs and stylised contours that reflected the subjective vision of the artist. Painter and theorist Maurice Denis published the essay “Definition of NeoTraditionism”, in which he stated: ”Remember that a picture, before being a warhorse or a nude or a genre scene, is primarily a flat surface covered with colours arranged in a certain order." Les Nabis exhibited together and embraced a variety of media including painting, prints, stained glass and stage sets.
The core membership of the group consisted of Paul Serusier, Maurice Denis, Pierre Bonnard and Edouard Vuillard. Several other artists exhibited and worked with the group at varying times, among them Aristide Maillol and Toulouse-Lautrec. The name, "Les Nabis," derived from the Hebrew word for "Prophet" and heralded the group's core ideology: a blend of mysticism and the inner spirituality of the artist. Unlike the Impressionists that preceded them and the Fauvist that followed, Postimpressionist artists were not unified by a single aesthetic approach. Rather, what brought them together was a shared interest in openly exploring the mind of the artist.
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N U O O S R MAI KAY RABIH HION + FAS
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El sueño de Rabih Kayrouz y su maison Dos décadas bien valen una celebración. Y a esto es a lo que nos invita Rabih Kayrouz la próxima temporada: a celebrar la vida sin pausa. ¡Pasen, vean y disfruten! Desde que en el año 2008 Rabih Kayrouz pusiera la primera piedra de su maison, el diseñador de moda libanés ha cumplido todas las expectativas de aquellos que se declaran adeptos de la alta costura. Y es que, el que comenzase trabajando en el mundo de la moda de la mano de Dior y Chanel, apuesta por llenar la próxima primavera de creaciones fluidas y desinhibidas que desprenden un exquisito y delicado olor a un verano divertido y sin encorsetamientos. Rabih Kayrouz imagina a una mujer libre, sin ataduras, y eso se traduce a la perfección en todos y cada uno de los diseños con los que nos invita a vestirnos durante los próximos meses. Y es que conforme avance el calendario, Kayrouz nos zambulle en el universo de un tejido tan noble como es el algodón, que dibuja suaves y frescas siluetas. Como ya nos tiene acostumbrados, Rabih Kayrouz vuelve a potenciar las creaciones alejadas de artificios y adornos excesivos que poco o nada tienen que aportar a la esencia más pura que busca a través de sus puntadas. Así, para la próxima temporada, el libanés nuevamente da forma a combinaciones prácticas en las que queda plasmado a la perfección ese código de estilo tan peculiar que no deja indiferente a nadie. Un practicismo que encuentra en el urban style su mejor y más perfecto aliado. Un urban style que, en la próxima temporada, llega dispuesto a hacernos abrir ventanas y a respirar aire fresco y renovado; un urban style con el que podremos dibujar un nuevo horizonte alejado del frío, en el que chaquetas, tops y vestidos dejan pasar el aire por las puntadas que les dan forma y que parecen invitarnos a llenar nuestros cuerpos del aire más puro y fresco.
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Cortes asimétricos y volúmenes en ocasiones cuasi grotescos envuelven a una mujer que campará con la más plena libertad por las calles durante unos meses que se presentan divertidos y muy, muy coloridos. Así, Rabih Kayrouz apuesta por sofisticadas camisas y faldas que se prolongan hasta el suelo más infinito; mangas con elegantes y refinadas aberturas y pantalones y vestidos vaporosos y ultrachic que vienen a llenar de opciones distintas el armario de una mujer que se considera diferente y alejada de esos férreos cánones que, desde tiempos históricos, buscan controlar nuestras vidas y a la que nada le importan las miradas inquisitivas repletas de prejuicios. Por eso, si hay alguna palabra que podríamos utilizar para definir la colección con la que Rabih Kayrouz busca enamorarnos durante la próxima temporada, esa es libertad. Una libertad que se traduce en formas, cortes y colores que invitan a la mujer a caminar con paso seguro. Estamos, por lo tanto, ante una colección diversa llamada a ser la mejor arma para una mujer que, fuera de artificios, busca convertirse en una mujer rabiosamente bella y decidida mediante combinaciones valientes y atrevidas. Con todas las piezas ideadas por Rabih Kayrouz para los meses venideros, el diseñador aspira a conseguir que la mujer se sienta con el poder suficiente como para caminar de frente sin importarle demasiado lo que de ella digan u opinen. Verdes, amarillos, rosados, naranjas, azules y morados llenos de vitalidad se mezclan con blancos, negros y tonalidades algo más neutras que conforman una paleta de color llena de vida y tranquilidad que aspiran llenar de frescos esas cálidas tardes y noches de primavera-verano en las que soñar y disfrutar. +info: www.neomaniamagazine.com
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Rabih Kayrouz and his fashion house's dream Two decades are well worth a celebration. And this is what Rabih Kayrouz invites us to do next season - celebrate life non-stop. Come, see, and enjoy! Since the year 2008, when the cornerstone of his fashion house was laid, the Lebanese designer Rabih Kayrouz has met every expectation of those who claim to be supporters of haute couture. The designer who started working in the world of fashion with the help of Dior and Chanel now opts to fill next spring with fluid and uninhibited creations, giving off an exquisite, delicate scent of a summer fun without restriction Rabih Kayrouz imagines free women, unattached, which is perfectly translated into every single one of the designs that he invites us to wear during the coming months. As time goes on, Kayrouz plunges us into the universe of a fabric as fine as cotton, which draws smooth and refreshing silhouettes. As he usually does, Rabih Kayrouz favours creations far from excessive artifice and ornaments that have little or nothing to contribute to the purest essence he seeks through his stitches. Thus, for next season, the Lebanese designer again gives shape to functional combinations in which that peculiar style code is perfectly depicted, leaving no one indifferent. And this down-to-earth attitude finds in urban style its best and most perfect ally. Urban style comes next season ready to make us open windows and breathe a fresh and renewed air; an urban style with which we can draw a new horizon away from the cold.
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There, jackets, tops, and dresses let the air pass through the stitches that shape them, apparently inviting us to fill our bodies with the purest and freshest air. Asymmetric cuts and quasi-grotesque volumes wrap women who will camp on the streets with the fullest freedom, especially during those months that look fun and very, very colourful. Thus, Rabih Kayrouz opts for sophisticated shirts and skirts that reach down to an infinite floor; sleeves with elegant and refined openings and trousers and ultrachic and gauzy dresses - all of them will fill the wardrobes of women who see themselves as different and unconcerned by the strong rules that have historically sought to control our lives, who don't care about stern looks full of prejudice, with different options. Therefore, if there is any word we could use to define the collection with which Rabih Kayrouz wants us to fall in love during the next season, it's freedom. Freedom is translated into shapes, cuts, and colours that invite women to walk with confidence. We are before a diverse collection called to be the best weapon for women who, free from artifice, aim to become rabidly beautiful and determined thanks to brave and daring combinations. Through all the pieces designed by Rabih Kayrouz for the coming months, the designer intends to make women feel enough power to walk with their heads held high, without caring too much about what is said about them. Vibrant shades of green, yellow, pink, orange, blue, and purple are mixed with tones of white, black and more neutral shades in order to make up a colour palette full of life and peace, aiming to fill those warm afternoons and spring-summer evenings with frescoes to dream about and enjoy.. +info: www.neomaniamagazine.com
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