A I N A EOM GAZINE MA
AT / DE: 9.00 € BE / GR / IT: 7.00 € ES / FR: 6.00 € LUX / NL: 7.00 € GB: £ 4.90 PORT. CONT.: 7.00 € CH: 12.20 CHF
N
AGNES B + IMPRESIONISMO + MANISH ARORA + KARL LARGERFELD + PICASSO + CHOPARD + PAUL KLEE + LEONARD PARIS + MARTÍN CHIRINO + ISSEY MIYAKE + LYONEL FEININGER + SHIATZY CHEN + SEBASTIAO SALGADO + LIU CHAO + BALTHUS + GUY LAROCHE + MICHAEL JACKSON + OLGA PICASSO + NIKI DE SAINT PHALLE + ANDREW GN + SIMBOLISMO + TEFAF +
ANZIINAE NEOM MAGA
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PUBLISHER & FOUNDER Ibermaison Home Designers EDITORIAL DIRECTOR Karin Mehnert ART DIRECTION Massi Ferrachi GRAPHIC DESIGNER Pepe Barroso CREATIVE CONSULTANT JOSE ESPINAS CONTRIBUTORS maria de juan rocío alcántara CHRISTIAN TARRO TOMA Thomas Floyd CARMEN FORTES AGNES B MANISH ARORA KARL LARGERFELD CHOPARD LEONARD PARIS Fundación de Arte y Pensamiento Martín Chirino ISSEY MIYAKE SHIATZY CHEN SEBASTIAO SALGADO LIU CHAO GUY LAROCHE ANDREW GN EFAF Museo Thyssen- Bornemisza Lluís Ribes Mateu MoMA Photo RMN Niki Charitable Art Foundation Norman Parkinson/Corbis Cary Whittier SIPA Getty Images Yannis Vlamos Agape Alias Cassina Driade Extremis Flos FONTANA ARTE GERVASONI glas italia iLINE Ligne Roset MANUTTI Vitra Zanotta ON THE COVER KARL LARGERFELD+CASSINA MARBELLA OFFICE Tel. 952770675 GoldenMile, km. 176 LEGAL INFO DL:MA-1105-2001 ISSN.:1578-3251 Printed in Spain neomaniamagazine.COM www.facebook.com/Neomania.magazine issuu.com/neomaniamagazine
AGNES B + IMPRESIONISMO + MANISH ARORA + KARL LARGERFELD + PICASSO + CHOPARD + PAUL KLEE + LEONARD PARIS + MARTÍN CHIRINO + ISSEY MIYAKE + LYONEL FEININGER + SHIATZY CHEN + SEBASTIAO SALGADO + LIU CHAO + BALTHUS + GUY LAROCHE + MICHAEL JACKSON + OLGA PICASSO + NIKI DE SAINT PHALLE + ANDREW GN + SIMBOLISMO + TEFAF +
IBERMAISON S.L. MADRID Serrano, 98 28006 Madrid [Spain] t: +34 91 426 28 37 madrid@ibermaison.com MARBELLA Golden Mile, km. 176 29602 Marbella Málaga [Spain] t: +34 95 277 06 75 marbella@ibermaison.com IBIZA Ctra. Ibiza-San Antonio, km. 4 Pol. Ind. Montecristo 07816 San Rafael Ibiza [Spain] t: +34 97 131 71 64 ibiza@ibermaison.com www.ibermaison.com www.facebook.com/ibermaison www.twitter.com/ibermaison
IBER ON MAIS
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IBER ON MAIS
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MODERNA COMO LAS OLAS ANTIGUA COMO LA MAR SIEMPRE NUNCA DIFERENTE PERO NUNCA SIEMPRE IGUAL. EDUARDO CHILLIDA
+12 AGNES B +20 IMPRESIONISMO +32 MANISH ARORA +40 KARL LARGERFELD +52 PICASSO +68 CHOPARD +76 PAUL KLEE +90 LEONARD PARIS +98 MARTÍN CHIRINO +114 ISSEY MIYAKE +124 LYONEL FEININGER +136 SHIATZY CHEN +144 SEBASTIAO SALGADO +162 LIU CHAO +170 BALTHUS +186 GUY LAROCHE +194 MICHAEL JACKSON +208 OLGA PICASSO +220 NIKI DE SAINT PHALLE +236 ANDREW GN +244 SIMBOLISMO +256 TEFAF +
+ IBERMAISON
PROJECTS
I H C R A LAB
IBERSON MAI
Proyecto en venta en la mejor zona de Ibiza For sale in ther best part of Ibiza, Spain +info: realestate@ibermaison.com
+ EDITORIAL
ODA A LOS ARTISTAS ETERNOS
En este número, descubrimos:
¿Surfeas con NEOMANIA este verano? ¡no te lo pierdas! Descubre videos, entrevistas y los últimos diseños de Agnes B, Andrew GN, Chopard, Guy Laroche, Issey Miyake, Leonard Paris, Liu Chao, Manish Arora, Shiatzy Chen …
El pintor suizo, BALTHUS en el MUSEO THYSSEN (Madrid).
Nos hemos convertido en auténticos “Museum trotes” (vagabundos de museos). Visitamos con ilusión enfermiza los cinco continentes, a la caza de exposiciones. ¿Porqué esta pasión? Los museos, se han convertido en centros de culto en todo el mundo, el equivalente a catedrales en la Edad Media o palacios del Renacimiento. Jamás se habían visto colas tan interminables para entrar en estos “templos de Arte”. Conocerlos y explorar las exposiciones mas innovadoras, nos aporta ese toque cultural tan importante en tiempos donde el intelectual es ya un “rara avIs” (especie en extinción). Te brindamos la posibilidad de visitar, sin moverte de la comodidad de tu sillón, los museos mas fantásticos de Paris, Londres, New York, Moscú, Montreal…
El eterno PICASSO nos fascina con: “Amor, fama y gloria” en la TATE MODERN de Londres y otra exposición itinerante: “Olga Picasso” en el MUSEE PICASO (Paris), MUSEO PUSHKIN (Moscú), y CAIXAFORUM (Madrid) y MUSEO PICASSO (Málaga). El fotógrafo brasileño, SEBASTIAO SALGADO, defensor de la naturaleza y fundador del INSTITUTO TERRA (Brasil), expone en MUSEE DE L’HOMME y por las calles de Paris, con gigantescas fotografías iluminadas. El pintor alemán, LYONEL FEININGER, miembro de Bauhaus, en el WHITNEY MUSEUM (Nueva York) y MONTREAL MUSEUM OF FINE ARTS (Canadá). Exposición de retratos del Rey del Pop, MICHAEL JACKSON, por varios artistas, en la NATIONAL PORTRAIT GALLERY (Londres) y MUSEE GRAND PALAIS (Paris).
+8
Tenemos el honor de rendir homenaje póstumo a dos grandes creadores: el modisto alemán KARL LAGERFELD, archiconocido como “Kaiser de la Moda” y el canario mas universal, MARTÍN CHIRINO. Este escultor del viento, poeta del espacio, nos deja su legado de espirales de hierro en su propio Museo, FUNDACION ARTE Y PENSAMIENTO en el CASTILLO DE LA LUZ (Las Palmas)… apropiado nombre para quien acaba de llegar a la luz de la eternidad.
Como sucede con músicos, escritores y grandes genios, estos creadores permanecen eternamente vivos en su arte. Les dedicamos, con cariño y admiración, cada nuevo número de NEOMANIA. Porque el Arte, en todas sus facetas, nos ayuda a elevarnos por encima del nivel del dia a UAN dia, a sentirnos un poco mas J E D ÍA © MAR divinos en nuestro caminar como simples humanos por el planeta tierra.
L A I R O IT
ED
En la Sección de Arquitectura, admiramos enormes construcciones con espejos y cerámicas rotas, de NIKI DE SAINT PHALLE.Su visión particular de la arquitectura, es casi escultura a gran escala, muy surrealista. Su última obra, “GIARDINO DEI TAROCCHI” (Jardín del Tarot) en Toscana (Italia). Un tesoro para soñadores donde arte, arquitectura y naturaleza se funden en perfecta armonía.
+ EDITORIAL
+ 10
ODE TO ETERNAL ARTISTS
In this issue, we bring you highest level exhibitions:
Are you surfing NEOMANIA waves? You can't miss it! Discover videos, interviews and latest fashion shows like Agnes B, Andrew GN, Chopard, Guy Laroche, Issey Miyake, Leonard Paris, Liu Chao, Manish Arora, Shiatzy Chen …
Swiss painter, BALTHUS at THYSSEN MUSEUM (Madrid).
We have become “Museum trotes”, thrill to explore five continents, hunting for you TOP exhibitions. Why this passion? Museums, have become CULT centres worldwide, equivalent of Middle Age cathedrals and Renaissance palaces. Never before existed so endless queues to enter these “Temples of Art." The most innovative exhibitions, bring to NEOMANIA readers that cultural touch so important in our times when an intellectual is already an endangered species. This is why we offer you the possibility to visit, without leaving the comfort of your armchair, the most fantastic museums in Paris, London, New York, Moscow, Montreal...
Eternal PICASSO fascinates us with “Love, fame and glory” at TATE MODERN (London) and traveling “Olga Picasso” at MUSEE PICASO (Paris), MUSEO PUSHKIN (Moscow), CAIXAFORUM (Madrid) and MUSEO PICASSO (Málaga). Brazilian photographer, SEBASTIAO SALGADO, defender of nature and founder of INSTITUTO TERRA, exhibits at MUSEE DE L’HOMME and streets of Paris, with huge illuminated photographs. German painter, LYONEL FEININGER, a Bauhaus member, at WHITNEY MUSEUM (New York) and MONTREAL MUSEUM OF FINE ARTS (Canada). Group show of portraits of the “King of Pop”, MICHAEL JACKSON at NATIONAL PORTRAIT GALLERY (London) and MUSEE GRAND PALAIS (Paris). In Architecture Section, discover giant constructions with broken mirrors and ceramics, by NIKI DE SAINT PHALLE with a very personal vision of architecture. Her work is practically, large-scale sculpture, very Surrealistic.
Her latest oeuvre, is TAROT GARDEN in Tuscany (Italy). “Giardino dei Tarocchi” is a real treasure for dreamers, where art, architecture and nature merge in perfect harmony. We pay posthumous tribute to two great creators: German fashion designer KARL LAGERFELD, the “Kaiser of Fashion” and the most universal from Canary Islands, MARTÍN CHIRINO. This wind sculptor, a space poet, leaves a legacy of iron spirals in his own Museum, FUNDACION ARTE Y PENSAMIENTO in CASTILLO DE LA LUZ, Las Palmas (Castle of Light)... appropriate name for a man who has just gone into the light of eternity. Just like musicians, writers and great geniuses, these creators remain eternally alive through their art. To all of them, we dedicate, with love and admiration, each new issue of NEOMANIA magazine. Because Art, in all its facets, helps us to rise above the level of daily life, making us feel a little more divine in our path as mere humans on planet earth.
+ FASHION
LAB
Agn HION + FAS
+ 12
. B ès
T
REPOR
Agnès B. y su sobriedad extrema Moda & arte. Complejo binomio al que Agnès B. se enfrenta con maestría y combina a las mil maravillas para trasladarnos a un mundo lleno de melancolía. Hablar de Agnès B. es hacerlo de una diseñadora que atesora a sus espaldas más de cuatro décadas, no solo en el mundo de la moda, sino también en el universo del arte. Convertida en un auténtico mito en la historia reciente de la moda francesa, la elegancia atemporal que ha caracterizado su devenir a lo largo de todos estos años en el mundo de la alta costura es precisamente la que se deja entrever en todas y cada una de las puntadas que dan forma a la nueva colección que nos propone para el próximo otoñoinvierno. La diseñadora originaria de Versalles apuesta por llenar las calles de combinaciones con las que tanto el hombre como la mujer parecen coger sus maletas y trasladarse a un tiempo pasado en el que la sobriedad parece convertirse en claro elemento diferenciador.
+ FASHION
LAB
+ 14
Para los próximos meses, Agnès B. apuesta por una clara amalgama de tendencias que, a pesar de la contemporaneidad de las prendas, evocan una época en la que la moda se caracterizaba por un recato que, en ocasiones, podría incluso llegar a parecer desmedido. Y es que el otoño soñado por la versaillaise pasa por líneas rectas, sin artificios ni ornamentos, que envuelven una figura femenina en la que nada se marca, nada se enseña y nada se insinúa. Líneas sobrias que se alternan y entrecruzan en una paleta cromática puramente propia de esas tardes de otoño en las que el sol empieza a caer y deja paso a una noche cerrada en la que el color parece estar prohibido. Patrones que se tiñen de marrones en sus distintas tonalidades, azules marino, negros, verdes y alguna que otra pincelada de un rojo estampado que, a través de otro suave de cuadros, se convierte en el máximo exponente de vida de la colección. +info: neomaniamagazine.com
+ FASHION
LAB
Agn HION + FAS
+ 16
. B ès
T
REPOR
Agnès B. and her extreme sobriety Fashion & art. Complex pairing masterfully faced by Agnès B., marvellously combined in order to transport us to a world full of melancholy. Talking about Agnès B. is getting into a designer who has acquired more than four decades of experience, not only in the fashion business, but also in the world of art. Converted into a walking legend in the recent history of French fashion, the timeless elegance that has characterised her evolution throughout all these years in the world of haute couture is precisely what can be glimpsed in each and every one of the stitches that give shape to the new collection proposed for the next autumn-winter. The designer from Versailles opts for filling the streets with combinations for both men and women that seem to grab their bags and move to a past time where sobriety become a distinguishing element.
+ FASHION
LAB
For the upcoming months, Agnès B. opts for a clear amalgam of trends that, despite the contemporary nature of garments, evoke an era where fashion was characterised by a modesty that occasionally may even seem excessive. The autumn dreamed of by the Versailles native goes through straight lines, without artifice or ornaments, and involves a female figure whose body is spotless, unrevealed, and never insinuated. Sober lines alternate and intertwine in a chromatic palette purely typical of those autumn evenings when the sun goes down and gives way to a night-time darkness in which colour seems to be prohibited. Patterns are dyed different shades of brown; navy blue, black, green, and occasional brushstrokes of a red pattern become, through other soft plaid patterns, the greatest exponent of life of the collection. +info: neomaniamagazine.com + 18
IBER ON MAIS
MARBELLA MADRID IBIZA IBERMAISON.COM
+ ART
LAB
La estrella de todos los movimientos artísticos Entre los numerosos “ismos” del arte, este es, sin lugar a dudas, el más reconocido y memorable de todos. Los artistas impresionistas no tenían conciencia de grupo, aunque todos reclaman la libertad al seleccionar sus motivos de inspiración. El siglo XIX fue una época de cambio. El emperador Napoleón III reconstruyó Paris y finalizó la guerra. La Académie des Beaux-Arts dominaba la escena artística, conservando estándares de pintura tradicional. Valoraban temas históricos, religiosos y retratos. Paisajes y naturalezas muertas eran despreciados. Admiraban cuadros muy realistas, cuidadosamente terminados. Las pinturas de pinceladas precisas, debían ocultar la mano del artista. El color are restringido y atenuado con barniz dorado. La Academia francesa establecía leyes rígidas y patrocinaba exposiciones oficiales en el Salón de Paris.
Pero el objetivo de los impresionistas era bastante opuesto: lograr una representación espontánea y directa del mundo. Comenzaron a analizar la realidad con total libertad. Hasta entonces, la pintura reproducía escenarios. Pero ellos buscaban una percepción personal en un momento preciso, con luces y colores que emanan de la naturaleza cuando el artista contempla. Investigaron los colores que componen las cosas. Se centraron en los efectos de luz natural en lugar de la representación exacta, esa luz que desenfoca los contornos. Sus formas pintadas se componen de tonos cromáticos que varían según condiciones atmosféricas con intensidades de la luz.
+20
El mayor honor era exponer en el Salón de Paris, pero los nuevos artistas tuvieron que buscar lugares alternativos ya que sus obras eran rechazadas. Los jóvenes impresionistas se enfrentaron a la dura oposición de la comunidad artística tradicional. Su primera exposición revolucionaria fue en el estudio de su amigo fotógrafo Nadar (1874).
Las pinturas se caracterizan por pinceladas y composiciones abiertas relativamente pequeñas, delgadas pero visibles.
O M S I N O
I S E R P IM T REPOR T R A + AN DE JU A Í R © MA
El énfasis de los artistas era la representación precisa de la luz, con cualidades cambiantes, que acentúa los efectos del paso del tiempo. Se concentran en temas comunes, incluido el movimiento como elemento crucial de la percepción humana, experimentado a través de inusuales ángulos visuales.
+ ART
LAB
Monet presentó su "Impresión, amanecer", que llegó a nombrar el estilo. El crítico Louis Leroy utilizó el término en plan peyorativo publicando una reseña satírica en un periódico. Más tarde, los "artistas rechazados", crearon su propio espacio: "Salon des Refugés". Berthe Morisot, invitada por Degas, fue la única artista femenina incluida. A pesar del rechazo de los críticos, el público, inicialmente hostil, con el tiempo, llegó a creer y aceptar que los impresionistas capturaban una visión fresca y original. Radicales en su época, violaron las reglas académicas. Construían sus cuadros con colores puros, aplicados libremente, dándoles prioridad sobre líneas y contornos. Admiraban las innovaciones técnicas del francés Delacroix y el británico Turner. Siguiendo a Monet, elaboraban series del mismo tema en diferentes circunstancias atmosféricas y temporales. Su interés no era el protagonista real, sino las variaciones cromáticas experimentadas durante el día.
+22
Hasta entonces, los artistas habían pintado dentro del estudio: paisajes, retratos y bodegones. Sin embargo, ellos inventaron nuevas técnicas y temas. Comenzaron a pintar al aire libre capturando escenas realistas de la vida cotidiana. Inventaron una forma diferente de ver. Es un arte que captura movimientos, posturas naturales y juegos de luz, y los expresa con un empleo brillante y variado del color. Los impresionistas descubrieron que, pintando al aire libre, podían capturar los efectos momentáneos y transitorios de la luz solar. Representaban efectos visuales en lugar de detalles, utilizando pinceladas cortas con colores puros. Buscando un intenso efecto de vibración cromática, se negaron a mezclar colores suaves o sombreados, como era habitual. Al recrear la sensación ocular, en lugar de delinear los detalles, crearon un conjunto de técnicas revolucionarias. Este estilo es precursor de varios “ismos” de la pintura: Neoimpresionismo, Postimpresionismo, Fauvismo y Cubismo.
En lugar de copiar, sugerían formas, utilizando colores primarios: azul, rojo y amarillo, para crear tonos complementarios: naranja, verde y violeta. Ofrecieron una ilusión de la realidad, aplicando pinceladas cortas yuxtapuestas directamente sobre el lienzo. Sus hallazgos sobre la luz y el color, fueron decisivos para el arte del Siglo XX. Algunos existían desde la pintura Veneciana del Siglo XVI. Ciertos efectos habían sido anteriormente utilizados por Franz Hals, Velázquez y Goya. La pintura al aire libre había sido antes explorada por Corot, Turner, Constable, Escuela Barbizon... Las principales figuras del movimiento fueron Monet, Manet, Degas, Renoir, Pissarro y Sisley. Por primera vez en la historia, las mujeres, históricamente excluidas de la escena artística, fueron aceptadas y finalmente pudieron exhibir y vender con éxito. Las tres "Grandes damas impresionistas" son Berthe Morisot, Mary Cassatt y Marie Bracquemond.
+ ART
LAB
Eduard Manet se sitúa entre el Realismo y el Impresionismo. Muchos han clasificado su estilo como naturalista. Sus cuadros con desnudos provocaron escándalos: "Desayuno sobre la hierba” y "Olimpia", que no era diosa ni musa, sino simplemente una prostituta. Manet fue el precursor del movimiento. Claude Monet, fue el "Padre del Impresionismo”, el más consistente y prolífico con la filosofía del grupo. Expresó su propia percepción ante la naturaleza, especialmente en la pintura de paisaje en "plein air". Su principal preocupación era capturar vibraciones lumínicas cromáticas en la naturaleza donde la luz engendra color y forma. En 1899, comenzó a pintar, a gran escala, nenúfares flotando en el estanque de su jardín. Continuó durante los siguientes 20 años. Nunca se desvió hacia otras corrientes manteniéndose fiel al estilo toda su vida. Degas fue más impresionista en forma que en color. Su pasión era captar el movimiento, obsesionado por temas como bailarinas y carreras de caballos. Observaba a las mujeres, capturándolas en las más inusuales poses instantáneas naturales. +24
Renoir ofrece su propia interpretación mas sensual, lejanamente relacionada con temas del Barroco y Rococó. Expresa la alegría de vivir, centrándose en niños y mujeres, especialmente desnudos femeninos, que recuerdan los cuerpos redondeados de Rubens. Berthe Morisot, casada con el hermano de Manet, capturó mujeres, niños, bebés en interiores domésticos, mujeres en jardines y su hija. La suya es una perspectiva claramente femenina, con pinceladas gestuales que rozan la Abstracción. Mary Cassatt fue la única artista americana que expuso con los impresionistas franceses. Tras veinte años pintando en Paris, regresó a Filadelfia. Fue un instrumento clave para exportar el nuevo estilo a través del Atlántico. Sisley fue exclusivamente paisajista. Pissarro llevó el estudio de la luz y el color a sus últimas consecuencias hasta llegar al Puntillismo.
La filosofía de libertad del movimiento en las artes visuales fue pronto seguida por estilos análogos en otros medios. Fueron conocidos como Música Impresionista y Literatura Impresionista. En España, el estilo tuvo artistas extraordinarios: Sorolla, Casas, Rusiñol, Regoyos, Anglada Camarasa... Cuando las diferencias estilísticas y personales comenzaron a separar al grupo francés, se terminó diluyendo. De sus cenizas, surgieron las propuestas de otros artistas que llevaron al Postimpresionismo, como Van Gogh y Gauguin. Los impresionistas capturaron lo que vieron. Pintaron la realidad con pinceladas rápidas y pastosas. Su íntimo arte está arraigado en los sentimientos, las experiencias personales y la originalidad individual. +info: neomaniamagazine.com
+ ART
LAB
The star of all Art movements Among numerous art “isms”, this is, without doubt, the most recognised and memorable of all. Impressionist artists had no group conscience, although they all claim freedom when selecting their inspiration motifs. The XIX century was a time of change. Emperor Napoleon III rebuilt Paris and waged war. The Académie des Beaux-Arts dominated the art scene preserving traditional painting standards. Historical subjects, religious themes and portraits were valued. Landscape and still lives were despised. They preferred realistic pictures with precise brush strokes carefully blended to hide the artist's hand. Colour was restrained, toned down by golden varnish. The French Academy set rigid models and sponsored official exhibitions in the Parisian Salon.
But the goal of the Impressionists was quite the opposite: to achieve a spontaneous and direct representation of the world. They started analysing reality with freedom. Until then, painting reproduced scenarios with events. They wanted to reproduce a personal visual perception in a precise moment, light and real colours emanating from nature when the artist contemplates it. They investigated colours that make up things. They focused on natural light effects instead of exact representation since light tends to blur the contours. Their painted forms are composed of chromatic tones that vary depending atmospheric conditions and light intensity.
Artists emphasis on accurate depiction of light in its changing qualities, often accentuating the effects of the passage of time. They concentrate on ordinary subject matters, including movement as a crucial element of human perception, experiencing through unusual visual angles. The greatest honour was to exhibit in Paris Salon but new artists had to look for alternative places since their works were banned. The young impressionists faced harsh opposition from the conventional art community. Their first revolutionary exhibition was in the studio of their friend photographer Nadar (1874).
Paintings are characterised by relatively small, thin, yet visible brush strokes and open compositions.
Impressionism T REPOR T R A + JUAN ÍA DE R A M ©
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+ ART
LAB
Here, Monet presented his “Impression, sunrise” which came to name the style. It provoked the critic Louis Leroy to coin the term in a pejorative way as he published a satirical review in a Parisian newspaper. Later, the “rejected artists”, despising the established Salon, created their own space: “Salon des Refugés”. Berthe Morisot, invited by Degas, was the only female artist included in the first show.
Previously, artists painted inside the studio: landscapes, portraits and still lives. However, the French invented new techniques and subject matters. They started painting outdoors and captured realistic scenes of daily life, encompassing what they argued as a different way of seeing. It is an art of immediacy, movement, candid poses, compositions, play of light expressed in a bright and varied use of colour.
Even if art critics disapproved, the public, at first hostile, gradually came to believe and accept that Impressionists had captured a fresh and original vision.
The Impressionists found that they could capture the momentary and transient effects of sunlight by painting in open air.
Radicals in their time, early Impressionists violated the rules of academic painting. They constructed their pictures from freely brushed colours that took precedence over lines and contours. They admired the innovation techniques of French Delacroix and British Turner. Following Monet, they elaborated series of the same theme in different atmospheric and temporal circumstances. They didn’t care about the real topic, but the chromatic variations it experienced throughout the day.
+28
They portrayed overall visual effects instead of details, using short "broken" brush strokes of mixed and pure unmixed colour. They refused to blend colours smoothly or shaded, as was customary, searching to achieve an effect of intense colour vibration. By recreating the eye sensation that views the subject, rather than delineating details and by creating a welter of revolutionary techniques and forms. This style is precursor of various painting “isms”, including Neo-Impressionism, PostImpressionism, Fauvism, and Cubism.
Instead of copying, they suggested forms, using primary colours: blue, red and yellow to create complementary tones: orange, green and violet. They offered an illusion of reality by applying short, juxtaposed brush strokes directly on the canvas. Although their findings were decisive for XX century art, such as light and colour, they already existed in Venetian painting of XVI century. Effects already used by Franz Hals, Velazquez and Goya. Outdoor painting had been deeply explored by Corot, Turner, Constable, the Barbizon School... The main figures of the movement were Monet, Manet, Degas, Renoir, Pissarro and Sisley. For the first time in history, women who had been historically banned from the artist scene, became recognised and could finally exhibit and sell successfully. The three “Great impressionist dames” are Berthe Morisot, Mary Cassatt and Marie Bracquemond.
+ ART
LAB
Eduard Manet is placed between Realism and Impressionism. Many have classified his style as a naturalist. His pictures with unconventional nudes provoked scandals: “Breakfast on the grass” and “Olympia”, who was not a goddess or muse but simply a prostitute. Manet was the forerunner of the movement. Claude Monet, was the “Father of Impressionism” and the most consistent and prolific practitioner of the movement's philosophy. He expressed his own perception before nature, especially in “plein air” landscape painting. His main concern was to capture chromatic luminic vibrations in nature where light begets colour and form. In 1899, he began painting, in huge scale, his water lilies floating in his water pond, and continued for the next 20 years. He never drifted towards other currents remaining faithful to the style until his death. Degas was more Impressionist in form than in colour. His passion was to capture movement, obsessed with themes like dancers and horse races. He observed women, capturing them in most unusual natural instant poses.
+30
Renoir offers his own sensual interpretation, somehow related with Baroque and Rococo themes. He expresses the joy of living, focusing in children and women, especially female nudes, which remind of Rubens rounded bodies. Berthe Morisot, married to Manet’s brother, captured women, children, babies in domestic interiors, ladies in gardens and her daughter. Her approach was a distinctly female perspective, with gestural brushstrokes that verge on Abstraction. Mary Cassatt was the only American artist who exhibited among the French Impressionists. After twenty years painting in Paris, she returned to Philadelphia. She was a key instrument in exporting the new style across the Atlantic. Sisley was exclusively a landscape painter and Pissarro carried to the ultimate consequences the study of light and colour arriving at Pointillism.
The freedom philosophy of the movement in visual arts was soon followed by analogous styles in other media. They became known as Impressionist Music and Impressionist Literature. In Spain, the style had outstanding artists: Sorolla, Casas, Rusiñol, Regoyos, Anglada Camarasa... When stylistic and personal differences began to separate the French, group, it ended up diluted. From his ashes, rose the proposals of other artists that lead to Post- Impressionism such as Van Gogh and Gauguin. Impressionists captured what they saw. They painted reality with quick and pasted brushstrokes. Their intimate art is rooted in feelings, personal experiences and individual originality. +info: neomaniamagazine.com
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LAB
H S I N A M ORA AR HION + FAS
+ 32
T
REPOR
Manish Arora y su particular estallido de color Excéntrica hasta decir basta. No podría encontrarse expresión más gráfica para definir a la mujer ideada por el diseñador indio para la próxima temporada otoño-invierno 2019. Deidades propias de las fábulas más inverosímiles; personajes creados para impresionar y no dejar indiferente a nadie; combinaciones imposibles dignas de los personajes más malévolos y terroríficos de cualquier cuento de hadas… creaciones inigualables nacidas de un afán creativo y de una imaginación poderosa dispuesta a llevarnos a recrear las historias más pasionales jamás vividas y sentidas. Todo esto y mucho más queda perfectamente reflejado en todas y cada una de las puntadas y patrones ideados por Manish Arora, todo para convertir a la mujer durante el próximo otoño-invierno 2019 en alguien capaz de volar con su imaginación hacia los rincones más insospechados a los que cualquier mente inquieta sea capaz de dirigirse. Para su próxima colección, con la que el diseñador busca recrear un auténtico festival, Manish Arora apuesta por dar forma a una colección repleta de combinaciones irreverentes, llegadas con el único objetivo de llenar los armarios de una fantasía desmedida que nace para provocar admiración en quienes buscan llenar de color todos y cada uno de los momentos de sus vidas.
+ FASHION
LAB
A través de todas y cada una de sus piezas, Manish Arora siente la necesidad de envolver las curvas femeninas en formas llenas de magia, color y sofisticación con las que construir un mundo paralelo en el que nada es realmente lo que parece; un mundo abierto a mentes para las que la diversión se alza como un auténtico desafío al que no están dispuestos a renunciar. Y es que, si una palabra pudiera definir a la perfección la colección ideada por Manish Arora para los próximos meses, esa sería, sin duda alguna, magia. Una magia en mayúsculas que llevará a la mujer a convertirse en protagonista indiscutible de un cuento de hadas narrado por y para ella. Y todo con el único fin de recrear una fantasía llena de reminiscencias procedentes de un Lejano Oriente que el diseñador indio conoce a la perfección y busca reinventar. Para conseguirlo, Manish Arora se embarca en un proyecto totalmente transgresor al que salpica de color e imaginación. Rosas, celestes, verdes aguamarinas, turquesas, amarillos, morados y naranjas llegan dispuestos a convertirse en la paleta de color imprescindible para los próximos meses con el objetivo de apartar a la mujer del hastío en el que a veces se instala durante las jornadas otoñales. Combinaciones de color que buscan convertir en extraordinaria la cotidianeidad más sencilla. + 34
Color y locura, locura y color. Un binomio perfecto al que Manish Arora sabe dar forma como nadie y que plasma a las mil maravillas en estampados diferentes, combinando entre sí volúmenes que hacen gala de su fuerza en tejidos tan lujosos y sofisticados como la seda. Formas desenfadadas que encuentran en flecos, plumas, brocados y faldas maxi su mejor arma de presentación y de seducción para que la mujer se convierta en protagonista indiscutible de la jornada. Combinaciones envolventes, hombros muy marcados, largos midi y mini que se alzan como alternativas más que divertidas a las largas noches de otoñoinvierno. ¿Quién dijo que despedirse del verano tenía que ser sinónimo de creaciones aburridas, impregnadas de tonalidades oscuras muy alejadas de las alegres y divertidas jornadas veraniegas? Manish Arora lo deja más que claro en su próxima colección apostando por colores y cortes atrevidos que poco o nada tienen que ver con la tristeza monocroma imperante en el calendario invernal. . +info: neomaniamagazine.com
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LAB
H S I N A M ORA AR HION + FAS
+ 36
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REPOR
Manish Arora and his extraordinary burst of colour His proposal is inhabited by deities from the most unlikely fables, characters created in order to impress and not leave anyone indifferent, impossible combinations worthy of the most malevolent and terrifying villains of any fairy tale... ultimately, unique creations born from a creative desire and a powerful imagination ready to make us recreate the most passionate stories ever lived and experienced. All this and much more is perfectly reflected in every single one of the stitches and patterns devised by Manish Arora, all in order to turn the women of the next autumn-winter 2019 into beings capable of flying with their imaginations towards the most unsuspected corners, up there where any restless mind is able to go. For his next collection, with which the designer seeks to recreate a real festival, Manish Arora opts for giving shape to a collection full of irreverent combinations. Born with the sole purpose of filling wardrobes with an excessive fantasy, it is aimed to provoke admiration in those who seek to fill with colour each and every moment of their lives.
+ FASHION
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Through each and every one of his pieces, Manish Arora feels the need to wrap feminine curves in forms full of magic, colour, and sophistication with which to build a parallel world in which nothing is really what it seems, a world open to minds for which fun stands as a real challenge that they are unwilling to give up on. If there's a word that could perfectly define the collection devised by Manish Arora for the next few months, it would certainly be "magic". This magic in capital letters will lead women to become the undisputed protagonists of a fairy tale narrated by and for them. And all this will be for the sole purpose of recreating a fantasy full of reminiscences from the Far East that the Indian designer knows perfectly and aims to reinvent. To this end, Manish Arora launches a totally transgressive project defined by colour and imagination. Roses, sky blues, aquamarine greens, turquoises, yellows, purples, and oranges are ready to become the essential colour palette for the coming months with the aim of moving women away from the boredom in which they sometimes ensconce themselves during the autumn days. His colour combinations try to make extraordinary the simplest everyday life. + 38
Colour and madness, madness and colour. A perfect pairing that Manish Arora knows how to give shape to like no one else, wonderfully depicting it in different prints while combining volumes that flaunt their strength in fabrics as luxurious and sophisticated as silk. Casual shapes find in fringes, feathers, brocades, and maxi skirts their greatest and most seductive representation so that women become the major protagonist of the day. Surrounding combinations, very pronounced shoulders, and midi and mini lengths stand as quite fun alternatives to the long autumnwinter nights. Who said that saying goodbye to summer must be synonymous with boring creations, imbued with dark tones far from the joyful summery days? Manish Arora makes it clear in his next collection by opting for bold colours and cuts that have little or nothing to do with the monochrome sadness prevailing in the winter calendar. +info: neomaniamagazine.com
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EL LEGADO CULTURAL DE KARL LAGERFELD Acaba de morir pero sus creaciones siguen vivas. Pocos saben del lado mas íntimo de Karl Lagerfeld. Además de un genio de la moda, era amante de la música, un prestigioso decorador de hoteles y un dandy postmoderno. Karl Lagerfeld, diseñador de Chanel y Fendi, murió con 85 años, en un hospital de Paris. El modisto alemán estuvo a cargo de la gigante "maison" francesa, Chanel, durante más de tres décadas. Pasó gran parte de su vida en la capital francesa, desde donde dirigió una de las casas de moda más prestigiosas del país. La llamada "maison", fue un emblema del gusto parisino y del lujo elegante desde su concepción. Su fundadora, precursora de la moda del Siglo XX, Coco Chanel, llamó a la puerta del modista para cambiar el nombre de la firma. No podía anticipar el enorme éxito universal de los jeans y las minifaldas.
Lagerfeld aceptó y rejuveneció la firma fundada por Coco Chanel en 1910. Tenía un estilo personal único: vestido con traje, con su largo cabello blanco recogido en una cola de caballo y siempre ocultando sus ojos tras sus gafas opacas. Lagerfeld reinventó el ultra famoso traje chaqueta de Chanel hasta el infinito. Era y es el símbolo eterno de la elegancia francesa y una de las creaciones más universales de la firma. Año tras año, el diseñador presentó nuevos y más originales diseños en tweed para modernizar el modelo. "Cada temporada, me dicen que los diseños de Chanel parecen más jóvenes. Un día todos nos convertiremos en bebés", bromeó el modisto. El diseñador alemán siempre estuvo rodeado de polémica. Sus críticas declaraciones sobre las personas con sobrepeso y su desencanto por la política francesa le valieron el apodo de "Kaiser".
Su apodo hacía referencia a sus raíces alemanas. Pero su pasión secreta estaba lejos de las pasarelas de los desfiles. Tuvo numerosas coincidencias con el mundo de la música, lo que no es inusual para los diseñadores de moda. Según sus propias palabras: "La música también es parte de la vida de la moda". Los rumores sobre el estado de salud de Karl Lagerfeld habían aumentado en los últimos meses. En enero pasado, sonaron todas las alarmas sobre su posible retiro cuando se perdió el desfile de Chanel en la Semana de Alta Costura de Paris, una fecha que nunca se perdía. Pero, por primera vez, no salió a saludar como solía hacer. Todos notaron su ausencia cuando delegó los saludos a su mano derecha, Virginie Viard, quien ya se menciona como una posible sucesora.
L R KA ERFELD LAG PORT IGN RE UAN S E D + J ÍA DE © MAR
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“El Kaiser de la moda” fue el maestro supremo de la casa Chanel durante más de 36 años y estuvo medio siglo inmerso en el mundo de la moda.
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El diseñador falleció el martes 12 de febrero de 2019 en el American Hospital de París, tras ser admitido a media noche. Por el momento, la causa de su muerte no ha trascendido. Lagerfeld era nativo de Hamburgo (Alemania). En 1982, el diseñador se convirtió en el director artístico de Chanel y fue su salvación, ya que entonces la casa de modas francesa sufría cierto estancamiento. El mismo se definió como una “máquina” trabajando. Ciertamente, como buen alemán, fue realmente un adicto al trabajo, pues creaba diez colecciones anuales para Chanel y dos para la firma italiana Fendi. LAGERFELD DISEÑADOR DE HOTELES El talento de Karl Lagerfeld, estrella de la alta costura, no se contentó con brillar en la industria de la moda. En 2016, anunció al mundo su debut con una nueva marca: Karl Lagerfeld Hotels & Resorts. Eran una serie de proyectos "a medida" que incluían colaboraciones en el diseño de interiores de hoteles, apartamentos de lujo y clubes privados por medio de un acuerdo con la firma holandesa, Brandmark Collective BV.
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Hasta el momento solo hay uno que lleva su nombre: el Hotel Karl Lagerfeld que pronto se inaugurará en Macao (China). Asia tendrá un hotel de Karl Lagerfeld con un vestíbulo donde los clientes serán recibidos por una enorme escultura de su perro mascota, Choupette. Además de este lugar donde reinarán la opulencia y la excentricidad, el diseñador de alta costura participó en el diseño interior de otros hoteles de lujo: Les Grands Appartements son dos suites ubicadas en el cuarto piso del emblemático Hotel de Crillon en Paris, propiedad de un príncipe saudí y construido en 1758. Es cierto que el "Kaiser" de la moda era un gran conocedor del arte, el diseño y las antiguedades del siglo XVIII. Su gusto exquisito es evidente al observar la decoración única de estos apartamentos. Todos los muebles de lujo fueron creados exclusivamente para los dos espacios que pertenecen a la colección Ten Signature Suites. Hay 10 suites que llevan el sello del prestigioso decorador. Los interiores del Patrick Hellmann Schlosshotel también fueron obra de Lagerfeld. Este hotel boutique está ubicado en el corazón de Berlin, en el exclusivo distrito de Grunewald.
Dentro de esta mansión señorial de 1913, se distribuyen cuarenta habitaciones y diez suites. Una de ellas, llamada Kaiser Wilhelm Suite, es la más elegante y espaciosa, con 200 metros cuadrados. Incluso está equipada con una impresionante biblioteca. El Karl Lagerfeld Hotel, fue el principal proyecto del diseñador en el mundo de la hostelería. Actualmente se está construyendo en Macao, una de las regiones administrativas de China. Es uno de los proyectos de SJM Holdings Limited, una de las seis compañías autorizadas para operar con juegos de azar y casinos. El edificio tendrá 270 habitaciones y suites en una torre de 20 pisos, dentro del complejo Grand Lisboa Palace, que se inauguró en 2018. En 2013, el modisto alemán afirmó que, para él, pasar a la posteridad era un concepto "vacío" y que le daba mucha más importancia al trabajo y al esfuerzo. Obsesionado con los libros, la fotografía y la moda, se negaba a ser "normal". Sabía que una marca no solo se construye con la calidad de sus diseños, sino también con un trabajo abrumador y una fuerte personalidad.
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Lagerfeld patentó su imagen para ser diferente de los demás: cabello blanco recogido en una coleta, traje negro y cuello blanco almidonado, cadenas, guantes sin dedos y gafas oscuras. Definía sus gafas como su “burka”. "Las emociones se expresan a través de los ojos y eso es algo que no me interesa mostrar. Por eso llevo gafas oscuras". Toda esta parafernalia sirvió para ocultar su verdadero yo. "Actúo las 24 horas del día, toda mi vida es una pantomima”. Justo después de su muerte, ha surgido un abrumador flujo de sentimientos en las redes sociales por parte de músicos de alto perfil, para muchos de los cuales, Lagerfeld era su favorito. Durante años, Lagerfeld se vió flanqueado por todos, desde Madonna a Cher, desde Victoria Beckham a Rihanna, Lady Gaga, y muchos mas. Entre ellos, Allen y Cyrus, Frank Ocean, Katy Perry, Courtney Love, Swizz Beatz, Kylie Minogue, por nombrar algunos. Muchos para los que diseñó ropa, ahora expresan su admiración y su dolor a través de fotografías con el propio diseñador.
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Hay una encantadora canción de 2012, 'Karl Lagerfeld', del peculiar dúo de electropop italiano, Fujiyamabit. Otra, 'Chanel' de Rae Sremmurd con Pharrell ordena: "LLévala a Chanel, porque está bien". Además, Lagerfeld hizo una aparición en el video de Jean-Roch "St. Tropez” junto a Snoop Dogg. Lo interesante del gusto musical de Karl era que no esperaba a que un músico se hiciera popular. Él era una de esas personas (y son raras), que deciden por su cuenta. Le gustaba lo que le gustaba y se concentraba en lo que quería. Estaba inclinado a buscar lo mas nuevo y emocionante, para colocarlo en la primera fila de sus espectáculos. Ese fue un indicador de su gusto y su talento. Hubo noticia de una posición de empleo ofrecida por Lagerfeld como "iPod niñera" donde la descripción del trabajo consistía en transferir su enorme colección de CDs a sus más de 70 iPods, así como mantenerlo al tanto de las músicas más novedosas. "Uno puede estar inspirado por cualquier cosa, puede tomarla y hacerla suya”.
Hay un libro escrito por Jean-Christophe y Sandrine Destournelle que recopila las frases de toda la vida del diseñador, extraidas de documentales, periódicos y libros. Entre las mas famosas, hay una que muestra su amor por la música y su pasión por vivir el presente: "La música da color al aire del momento". Su propia cita, símbolo de una dotada sensibilidad, es perfecta para rendir homenaje a este genio, considerado como uno de los visionarios de moda más importante de los siglos XX y XXI, que nos ha dejado un rico legado cultural. +info: neomaniamagazine.com
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KARL LAGERFELD’S CULTURAL LEGACY He just died but his creations stand alive. Few know about the most intimate side of Karl Lagerfeld. Besides a fashion genius, he was a music lover, a prestigious hotel decorator and a postmodern dandy. Karl Lagerfeld, designer of Chanel and Fendi, died on Tuesday, 19 February, aged 85, in a hospital in Paris. The German couturier was in charge of the giant French “maison”, Chanel, for more than three decades. He spent much of his life in the French capital, from where he directed one of the most prestigious fashion houses in the country. The so-called "maison", was an emblem of Parisian taste and elegant luxury since its conception. Its founder, precursor of XX Century Fashion, Coco Chanel, knocked on the dressmaker's door to rebrand the firm. She did not know how to anticipate the universal huge success of jeans and miniskirts.
Lagerfeld accepted and that's how he rejuvenated the firm that Coco Chanel founded in 1910. He had a unique personal style: dressed in a suit, with his white long hair pulled back in a ponytail and hiding his eyes always under his opaque glasses, The designer reinvented the ultra famous Chanel jacket suit to infinity, eternal symbol of the French Chic and one of the most universal creations of the French house. Year after year. the designer presented new and most original designs in tweed to modernize this iconic piece. "Every season, I'm told that Chanel's designs look younger. One day we will all become babies” joked the dressmaker. The German designer has always been surrounded by controversy. His critical statements about overweight people and his disenchantment with French politics earned him the nickname “Kaiser” in the industry.
This nickname was in reference to his German roots. But his secret passion was away from the runway. He had numerous overlaps with the music world, which is not unusual for fashion designers. He has been known to say: “Music is part of the life of fashion, too.” Rumors about Karl Lagerfeld's state of health had increased in recent months. Last January all the alarms about his possible retirement sounded, when he missed Chanel's show at the Paris Haute Couture Week, a date that was never lost. But, for the first time, he did not come out to greet as he usually did. Everybody noticed his absence as he delegated to his right hand, Virginie Viard, who is already mentioned as a possible successor.
L R KA ERFELD LAG PORT IGN RE UAN S E D + J ÍA DE © MAR
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“The Kaiser of fashion” was the supreme master of the Chanel house for more than 36 years and was half a century immersed in the world of fashion.
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The designer died on Tuesday, 12 February 2019, at the American Hospital in Paris, after being admitted in the middle of the night. For the moment, the cause of his death has not transcended. Lagerfeld was a native of Hamburgo (Germany). In 1982, the designer became the artistic director of Chanel, as well as his savior, since then the French fashion house suffered a stagnation. He himself defined himself as "a machine�. Certainly, as a good German, he really was a workaholic as he created ten annual collections for Chanel and two for the Italian firm Fendi. LAGERFELD HOTEL DESIGNER The talent of Karl Lagerfeld, the star of haute couture, not only satisfied himself with shining in the fashion industry. In 2016, he announced to the world his debut with a new brand: Karl Lagerfeld Hotels & Resorts, a series of "bespoke" projects that included collaborations in the interior design of luxury hotels and departments and private clubs through an agreement with the Dutch firm Brandmark Collective BV.
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So far there is only one accommodation that bears his name: The Karl Lagerfeld Hotel that will soon open in Macau (China). Asia will have a hotel by Karl Lagerfeld. In the lobby guests will be received by a huge sculpture of his pet dog Choupette. In addition to this venue where opulence and eccentricity will reign, the haute couture designer took part in the interior design of other luxury hotels. Here are some of them: Les Grands Apartements are two suites located on the fourth floor of the iconic Hotel de Crillon in Paris, owned by a Saudi prince and built in 1758. It is certain that the "Kaiser" of fashion was a great connoisseur of art, design and antiques of the 18th century. His exquisite taste is evident watching the unique decoration of these apartments. All luxury furniture was created exclusively for both spaces that belong to the Ten Signature Suites collection. There are 10 suites that bear the stamp of the prestigious decorator. The interiors of the Patrick Hellmann Schlosshotel were also the work of Lagerfeld. The boutique hotel is located in the heart of Berlin, in the exclusive Grunewald district.
Inside this stately mansion from 1913, forty rooms and ten suites are distributed. One of them, called Kaiser Wilhelm Suite, is the most elegant and spacious with 200 square meters. It is even equipped with an impressive library. The Karl Lagerfeld Hotel, was the main project of the designer in the world of hospitality. It is currently being built in Macau, one of the administrative regions of China. It is also one of the projects of SJM Holdings Limited, one of the six companies authorised to operate with everything related to gambling games and casinos. The accommodation will have 270 rooms and suites in a 20-floor tower, within the Grand Lisboa Palace complex, which was inaugurated in 2018. In 2013 the German couturier affirmed that, for him, moving to posterity was a "vacuous" concept and that, on the other hand, he gave much more importance to work and effort. Obsessed with books, photography and fashion, he did not want to be "normal". He knew that a brand is not only built with the quality of its designs, but also with an overwhelming work and at the same time a strong personality.
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Lagerfeld patented his image to be different from the others: white hair gathered in a ponytail, black suit and starched white collar, chains, fingerless gloves and dark glasses. His “burka” is how he defined his lenses. "Emotions are expressed through the eyes and that's not something that I'm interested in showing. That's why I wear dark glasses.” All this paraphernalia served to hide his true self. "I act 24 hours a day, my whole life is a pantomime" Just after his death, there has been an overwhelming outpouring of social media sentiments from high profile musicians, for which Lagerfeld was a darling. For years Lagerfeld has been seen flanked by everyone from Madonna to Cher to Victoria Beckham to Rihanna, Lady Gaga, and on and on. Among these, the aforementioned Allen and Cyrus, Frank Ocean, Katy Perry, Courtney Love, Swizz Beatz, Kylie Minogue, to name a few. Many of whom he designed outfits for and who are expressing their admiration and their grief via timeless images with the designer himself.
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There’s a delightful ode from 2012, 'Karl Lagerfeld', by quirky Italian electropop duo, Fujiyamabit. And Rae Sremmurd’s 'Chanel' featuring Pharrell commands, “Take her to Chanel, ‘cause she’s fine”. Plus, Lagerfeld made a cameo appearance in Jean-Roch’s video “St. Tropez” alongside Snoop Dogg.
There is a book written by Jean-Christophe and Sandrine Destournelle which compiles the life sentences of the designer from documentaries, newspapers and books. Among Lagerfeld’s famous phrases, one that shows his love for music and his passion for living the present is:
What was interesting about Karl’s music taste was that he didn’t wait for a musician to become popular or wellknown. He was one of those people (and they’re rare), that decide on their own. He liked what he liked and was into what he was into.
“Music gives color to the air of the moment.”
He was more inclined to search out what was new and exciting, and put them in the front row of his shows. That was an indicator of taste and talent. And there have been reports of a position in Lagerfeld’s employ as “iPod nanny” where the job description involved transferring his hefty collection of CDs to his 70+ iPods, as well as keeping him abreast of the freshest sounds. ‘You could be inspired by anything, you can take it, and make it your own”
His own quote, symbol of a gifted sensibility, is perfect to pay homage to this genius regarded as one of the most important fashion visionaries of the 20th and 21st centuries who has left us a rich cultural legacy. +info: neomaniamagazine.com
+ ART
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O S S A C PI
T REPOR AN U + ART J ÍA DE © MAR
+ ART
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PICASSO, LOS AÑOS MARAVILLOSOS Tate Modern de Londres presenta una extraordinaria exposición, “Picasso: Amor, Fama, Tragedia” con préstamos del Musée Picasso (París) y MOMA-Museum of Modern Art (Nueva York). Muestra su mejor época, cuando sus pinturas alcanzaron la máxima sensualidad. En la vida personal, mantuvo un delicado equilibrio entre su esposa, la bailarina de ballet rusa, Olga Khokhlova y MarieThérèse Walter, su amor apasionado y principal musa (1927-1941).
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+ ART
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La amante le dio una niña, Maya, conocida por delicados retratos infantiles. Su relación comenzó cuando Walter tenía solo 17 años y el 45. Tuvieron que ser discretos pues ella era menor de edad. Rompieron cuando Picasso pasó a su próxima amante, la fotógrafa surrealista Dora Maar. Previamente, los retratos realistas de Olga y su hijo Paulo revelan su orgullo paternal y tiernos sentimientos familiares. Pero la primera exhibición de pinturas inspiradas por su joven amante, hizo público el affair secreto. Su doble existencia entre casas y estudios en Normandía y París, reflejaba su contradicción de vida. Dividido entre bullicio urbano y retiro rural, esposa establecida y amante joven, pintura y escultura, sensualidad y oscuridad ...
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El affair terminó traumáticamente cuando Marie-Thérèse enfermó tras nadar en un río. Pero la peor tragedia vino cuando, al morir el artista, ella se suicidó. Picasso tuvo siempre una compleja relación con las mujeres, con sentimientos oscilantes entre extrema ternura y odio violento. Rechazando el cánon de belleza clásica, representaba a sus amantes explorando su propia sensualidad. Describió la pintura como "otra forma de llevar un diario". Su reflejo de este período es sin duda el más delicado, sensual y tierno entre todas sus facetas artísticas. Como camaleón, Picasso reinventó y transformó su arte con la misma frecuencia que su vida privada. MarieThérèse ciertamente sacó lo mejor de él.
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O S S A C PI + ART
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R
ÍA © MAR T R O EP
AN DE JU
+ ART
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PICASSO, THE WONDER YEARS London Tate Modern stages a superb exhibition, “Picasso: Love, Fame, Tragedy” with loans from Musée Picasso (Paris) and MOMA- Museum of Modern Art (New York). It shows his best period when his paintings reached the highest level of sensuality. In his personal life, he kept a delicate balance between his wife, Russian ballet dancer Olga Khokhlova and Marie-Thérèse Walter, his passionate love and principal muse (1927-1941).
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The mistress bore him a baby girl, Maya whom he painted in most delicate child portraits. Their relationship began when Walter was only 17, he was 45. They needed to be discreet since she was a minor. They ended when Picasso moved to his next mistress, Surrealist photographer Dora Maar. Previous realist portraits of Olga and their son Paulo revealed the artist’s pride and tender feelings for his family. But the first exhibit of paintings inspired by his young lover, made public the secret affair. The split existence between homes and studios in Normandy and Paris, captured his life contradictions. Divided between urban hustle and countryside retreat, established wife and young lover, painting and sculpture, sensuality and darkness ‌
+ ART
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The affair ended traumatically when Marie-Thérèse fell ill after swimming in a river. But the worst tragedy came when, after the artist’s death, she committed suicide. Picasso had a lifelong complex relationship with women, with feelings oscillating between extreme tenderness and violent hatred. Refusing the classical canon of beauty, he explored his own sensuality to represent his mistresses. He described painting as “another form of keeping a diary”. His reflection of this period is certainly the most delicate, soft and tender of all his many artistic facets. As a chameleon, Picasso reinvented and transformed his art as often as his private life. Marie-Thérèse certainly brought out the very best of him. +66
+ FASHION
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Chopard y su alfombra roja del amor Pasión por vivir. Solo así podríamos definir todo lo que hace sentir cada creación ideada por Chopard. Un auténtico deleite para los sentidos.
CH HION + FAS
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D R A P O T
REPOR
Amor por lo que hace. Amor en cada brillante que engarza… amor en cada pieza que diseña… amor en cada combinación que regala a quienes buscan encontrar en la prestigiosa casa suiza la mejor de las excusas para dejarse llevar por un lujo grandilocuente que todo lo envuelve… AMOR en mayúsculas que ha llevado a la maison de alta joyería de origen suizo a utilizar este sentimiento para dar nombre a la colección con la que Chopard pretende que este 2019 llenemos de lujo y sofisticación todos y cada uno de nuestros momentos más especiales. Y es que Chopard vuelve a sorprendernos con una creatividad a raudales con la que da forma a piezas únicas dignas de cualquier estrella del celuloide durante la alfombra roja más exclusiva del lujo y la elegancia. Piezas a través de las que, Caroline Scheufele, copresidenta y directora artística de la firma, ha traducido todo lo que la rodea en una intensa luz capaz de irradiar al exterior un esplendor escondido lleno de magia, con el que consigue cegar a todo aquel que se acerca, curioso, a descubrir lo que se esconde en el corazón de cada joya.
+ FASHION
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Chopard nos ofrece una colección en la que se reinventa el amor con todas sus letras; un amor que se celebra sin miedos ni artificios y que ofrece a quienes se acercan a él historias llenas de bonitos detalles, únicamente percibidos por quienes son capaces de ver lo que realmente es invisible a los ojos. Se presenta así un sinfín de piezas en las que Chopard y su directora creativa ofrecen —de manera magistral— una paleta de colores, materiales y formas que dan lugar a una colección única en la que cada pieza esconde una historia única, llena de vida y muy personal que invita a vivir y a amar cada instante de la existencia. Y es ese amor por la vida el que da sentido a la colección Red Carpet, en la que ese sentimiento universal se plasma en sus formas más diversas y de lujo desmedido. + 70
Collares, pulseras, anillos, broches, relojes joya… que ofrecen un concepto del amor totalmente renovado y legendario a través de increíbles piedras preciosas que no dejarán indiferente a nadie. En medio de este amor sin medida, el color. Un color en el que Chopard confía y llegado a partir de magistrales combinaciones de las gemas de las tonalidades más exquisitas que evocan sueños propios de cuentos de reyes y princesas… un color nacido de la simbiosis perfecta y delicada de zafiros, rubíes, esmeraldas y amatistas que con sus destellos nos invitan a perdernos en instantes únicos en los que conseguiremos convertirnos en epicentro de todas las miradas en las más exclusivas veladas. Un auténtico deleite para los sentidos en el que las flores —como en cualquier declaración de amor que se precie— también tienen mucho que decir. Orquídeas adornadas con piedras preciosas a través de las que Chopard nos hechiza y nos lleva a entrar de lleno en el juego de la seducción más irreverente.
+ FASHION
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Chopard and its red carpet of love Passion for living That is exactly how we could define all the things that every creation devised by Chopard make us feel. A real delight for all the senses.
CH HION + FAS
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D R A P O T
REPOR
Love for what they do. Love in every brilliant they set... love in every piece they design... love in every combination given to those who find in the prestigious Swiss brand the best excuse to be carried away by a grandiloquent luxury that envelops everything ... LOVE in capital letters that has led the Swiss high jewellery maison to make use of this feeling to give a name to the collection with which Chopard wants to fill this 2019 with luxury and sophistication, in every single one of our most special moments. Chopard surprises us once again with a creativity that gives shape to unique pieces worthy of any Hollywood star on the most exclusive red carpet of luxury and elegance. Pieces through which Caroline Scheufele, Co-President and Creative Director of the brand, has translated everything that surrounds her into an intense light able to radiate a hidden brightness full of magic, with which she manages to blind anyone who comes over, curious, in order to discover what is hidden in the heart of each jewel.
+ FASHION
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Chopard offers us a collection in which love is reinvented without mincing words; a love that is celebrated without fear or artifice, offering to those who come close to it stories full of beautiful details, only perceived by those who are able to see what is really invisible to the eyes. Thus, there is an endless series of pieces in which Chopard and its Creative Director offer -in a masterly way- a palette of colours, materials, and forms that give rise to a unique collection where every piece hides a unique story, one that is highly personal and full of life, that invites you to live and love every moment of existence. It's this love for life that gives meaning to the Red-Carpet collection, in which this universal feeling is set in its most diverse and luxurious forms. Necklaces, bracelets, rings, brooche pins, jewel watches... offer a totally renewed and legendary concept of love through incredible precious stones that will leave no one indifferent. In the midst of this love beyond measure, colour.
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A colour in which Chopard trusts, coming through masterful combinations of gems of the most exquisite tones that evoke dreams of tales of kings and princesses... a colour born from the perfect and delicate symbiosis of sapphires, rubies, emeralds and amethysts that invite us with their sparkles to lose ourselves in unique moments when we will be able to become the centre of attention on the most exclusive evenings. A real delight for the senses in which flowers —as in any real declaration of love— also have a lot to say. Orchids adorned with precious stones through which Chopard puts a spell on us and leads us to jump right into the game of the most irreverent seduction.
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EL MUSICO QUE SE CONVIRTIO EN PINTOR Hijo de músicos, con sólo 12 años, ya tocaba el violín en la Orquesta de Berna. A Klee le han llamado muchas cosas: padre del arte abstracto, maestro de la Escuela Bauhaus e incluso inventor del Surrealismo. Definitivamente es considerado como uno de los artistas clave del siglo XX. Klee no solo es una figura principal como creador de arte, sino que además fue amante de la música, talentoso violinista, excelente escritor y lector voraz. Incluso cuando tapizaba sus obras con diminutos cuadrados y rectángulos, pulía sus pinturas motivado por las armonías y ritmos de Bach y Mozart, o la cadencia de los poemas de Apollinaire y Rilke, uno de sus íntimos amigos.
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L U PA E KLE
Fue un gran conocedor de la historia del arte occidental y dio clases en la escuela Bauhaus con su mejor amigo, Wassily Kandinsky. Realmente es un artista muy difícil de catalogar. Este artista suizo- alemán está vinculado a numerosos movimientos innovadores del siglo XX, desde el Expresionismo alemán hasta el Dada. Su trabajo no se puede clasificar en una sola categoría. Inventó su universo personal: un sistema de formas palpitantes, jeroglíficos místicos y raras criaturas habitan en las composiciones de sus escenarios imaginarios. Estos símbolos extraños marcaron algunos de los primeros esfuerzos del arte del Siglo XX por integrar el contenido espiritual y el subconsciente dentro del Arte Abstracto.
T REPOR AN U + ART J ÍA DE R A M ©
+ ART
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También inspiraron a artistas de otros movimientos como el Surrealismo y el Expresionismo Abstracto. Pintores influyentes, desde Joan Miro y Salvador Dali hasta Mark Rothko y Robert Motherwell, citaron a Paul Klee como una estrella. A principios del siglo XX, Klee rompió radicalmente con una tradición milenaria en el arte: la representación fiel de objetos del mundo real. Junto con Picasso y otros artistas de vanguardia, abandonó el contenido reconocible, contribuyendo a una forma de arte que se conocería como Abstracción. Klee fue uno de los primeros en adoptar esta nueva forma de creación y fue miembro de uno de los movimientos dentro del Expresionismo alemán: Der Blaue Reiter (Caballo Azul). Era un grupo de artistas, con sede en Munich, fundado por Wassily Kandinsky y Franz Marc. Estaban unidos por la creencia de que el arte debería expresar el reino metafísico en lugar de imitar la realidad. Este interesante grupo fue aniquilado con la Primera Guerra Mundial y la muerte en batalla de algunos de sus artistas como Marc y Macke.
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A medida que se expandían los traumas de la guerra, artistas abstractos como Klee buscaron refugio en formas de expresión divorciadas del mundo material. Las imágenes que inventa están repletas de líneas y colores que chocan de forma extática. Recortó elementos fantásticos. El manifiesto de Kandinsky en su fascinante libro, "The Spiritual in Art" (1911) sirvió como texto sagrado para Der Blaue Reiter e inspiró no solo las pinturas tempranas de Klee sino también su propio texto seminal, "Credo Creativo" (1920). Sus teorías influyeron a sus contemporáneos y a los futuros Surrealistas. "El artista debe entrenar, no solo su ojo, sino también su alma”. "El color es un instrumento para ejercer influencia directa sobre el alma”. Kandinsky Klee llamó la atención de Walter Gropius, el fundador de la Escuela Bauhaus en Weimar, que reunió el arte y la artesanía, subrayando la función y la forma.
Gropius invitó a Klee a enseñar allí como profesor y Kandinsky lo siguió. Trabajaron junto a varios artistas jóvenes como Lyonel Feininger, Moholy-Nagy, Oskar Schlemmer y Johannes Itten. Especialmente las lecciones de Klee y Kandinsky en Bauhaus ayudaron a formalizar los principios del arte abstracto y el diseño moderno. “El arte hace visible lo invisible” “Un dibujo es una línea que se va de paseo”. Paul Klee Estas dos frases de Klee personifican su enfoque distintivo de la creación artística. Primero, la línea, que anima los elementos del arte con movimiento, espontaneidad e incluso con una chispa de magia, ya que la convierte en un ser vivo. Este sentido mágico aparece insinuado en la mayoría de sus obras. Su práctica de dibujos espontáneos, “automáticos", como base para sus pinturas, llamó mucho la atención de los Surrealistas. Por eso incluyeron sus obras en su primera exposición colectiva en Paris (1925). Andre Breton citó a Klee como inspiración en su primer “Manifiesto Surrealista”.
También los pioneros del movimiento Dada quedaron intrigados y expusieron pinturas de Klee en la Galerie Dada de Zurich (1917). Klee estaba fascinado por los jeroglíficos de lenguas arcaicas, los pictogramas africanos y por el arte creado por niños y por personas con trastornos psicológicos. Los consideraba formas puras de expresión. Creía que ellos tenían el verdadero “poder de ver". Cuando se mudó a Munich con 19 años para estudiar pintura, los artistas empezaron a dejar de representar lo que podían ver y innovaron pintando temas cargados de psicología. Van Gogh y Matisse reinventaron el estudio del color, el patrón y la luz. En 1914, un viaje a Túnez con sus amigos artistas August Macke y Louis Moilliet afectó profundamente a Klee, inspirando su paleta con ricos colores y un distintivo lenguaje de símbolos místicos. Brillantes estrellas y soles, tableros de damas revueltas, cabezas incorpóreas fueron evolucionaron durante su carrera.
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Klee alcanzó la mayoría de edad durante una época de experimentación innovadora del arte en toda Europa. Su mayor inspiración y aliado fue Kandinsky, padrino de la Abstracción, así como sus amigos artistas Macke, Marc y Jawlensky en Munich. Cuando Klee descubrió las composiciones de Picasso, comenzó a pintar perspectivas fracturadas y las formas prismáticas del Cubismo mas temprano. También admiraba otros movimientos de su época: el Orfismo, inventado por Robert Delaunay, con sus patrones líricos y su paleta de colores trascendentes, el Futurismo, con la sensación de velocidad sin precedentes introducida por los futuristas, el Dada, con las extrañas automatizaciones de máquinas absurdas y las formas puras del Constructivismo y el Suprematismo de la Escuela Bauhaus.
Klee cambió de forma indeleble el curso del arte moderno y con su obra influyó a varias generaciones de artistas. Su interés por el subconsciente, los niños y los locos aún resuena hoy con la fascinación por el arte creado por quienes están fuera de lo establecido, incluidas las personas con discapacidad y los practicantes de tradiciones ocultas.
EXPOSICIONES RECIENTES DE PAUL KLEE
El Museo Zentrum Paul Klee en Berna (Suiza), alberga su colección más grande del mundo con 4.000 pinturas. El extraordinario edificio de estructura ondulada, fue diseñado por el arquitecto italiano Renzo Piano en 2005. Además de servir de museo, ofrece una plataforma para espectáculos de música, teatro, danza y literatura.
Fundación Beyeler, Basilea, 2018
MOMA, Nueva York "Modernidad", 2010 Centro Pompidou, París, “Ironía en el trabajo”, 2016 Pinacothek der Moderne, Munich, "Construcción del Misterio", 2018 Museo de Arte de Berna, “Cosmos Klee”, 2018
Kunstsammlung, Dusseldorf, 2019 Canada National Gallery, 2019 MUDEC, Milán, “Orígenes del arte”, 2019
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THE MUSICIAN WHO BECAME A PAINTER Son of two musicians, at the age of 12, he already played the violin at Berna Orchestra. Klee has been called many things: father of abstract art, the Bauhaus School master and even the inventor of Surrealism. He is definitely regarded as one of the 20th century's key artists. Klee is a not only a main figure as art creator but was also a gifted violinist, music lover as well as a superb writer and voracious reader. Even when he filled his works with diminute squares and rectangles, his paintings pulse with rhythm motivated by the modulations of Mozart and Bach, or the cadence of poems by Apollinaire and Rilke, one of his close friends.
+82
L U PA E KLE
He was great connoisseur of Western art history and taught at Bauhaus School with his best friend, Wassily Kandinsky. He really is a very hard artist to pin down. Indeed, the Swiss-German artist is tied to numerous groundbreaking 20th century movements, from German Expressionism to Dada. But his work isn’t easily bucketed into a single category. He invented his personal world: a system of throbbing forms, mystical hieroglyphs and otherworldly creatures that he imagined to populate his compositions. These strange symbols marked some of the first efforts in the 20th century to embed spiritual content and the subconscious into Abstract Art.
T REPOR AN U + ART J ÍA DE R A M ©
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In turn, they inspired both Surrealism and Abstract Expressionism. Influential painters, from Joan Miró and Salvador Dali to Mark Rothko and Robert Motherwell, cited Klee as a lodestar. In the early 1900s, Klee radically broke with a millennia old tradition in art: the faithful representation of objects from the real world. Along with Picasso and other avant-garde artists, he avoided recognisable content, contributing to a form of art that would come to be known as “Abstraction.” Klee was an early adopter of this movement and a member of one of German Expressionism’s regional factions, Der Blaue Reiter (Blue Raider), a Munichbased group of artists founded by Wassily Kandinsky and Franz Marc. They bound together by the belief that art should express the metaphysical realm. This interest was galvanised with First World War and the deaths of his artist peers Marc and Macke in battle.
+84
As war traumas expanded, abstract artists like Klee sought refuge in forms of expression that were divorced from the material world. His pictures produced teemed with lines and colours that crashed together ecstatically. He cropped up fantastical elements. Kandinsky’s manifesto in his fascinating book, “The Spiritual in Art” (1911) served as Der Blaue Reiter’s sacred text and inspired not only Klee’s early paintings but also his own seminal text, “Creative Credo” (1920), whose punchline, influenced both his contemporaries and his Surrealist scions. “The artist must train not only his eye but also his soul.” “Colour is a means of exerting direct influence on the soul.” Kandinsky Klee caught the attention of Walter Gropius, the founder of the Bauhaus School in Weimar, which united art and craft and stressed function as well as form.
Gropius invited Klee to teach there and Kandinsky followed him. They worked alongside various young artists like Lyonel Feininger, Moholy-Nagy, Oskar Schlemmer and Johannes Itten. Klee and Kandinsky’s lessons at Bauhaus helped formalise the tenets of abstract art and modern design. “Art makes visible the invisible” “A drawing is a line going for a walk” These two phrases by Klee epitomise his signature approach to art creation. First, the line, that animates the elements of art with movement, spontaneity and even with a spike of magic, since it becomes a living being. This sense of magic is embodied in most of his works. His use of spontaneous “automatic” drawings as the basis for his paintings, caught the eyes of Surrealists. They included his paintings in their first 1925 group exhibition. Andre Breton cited Klee as inspiration in his first Surrealist Manifesto.
Also the pioneers of Dada were intrigued and featured his works in Zurich’s Galerie Dada in 1917. Klee was fascinated by hieroglyphs of African languages and pictograms and by the art of children and those suffering psychological disorders, which he regarded as pure forms of expression. He believed they had the true “power to see”. Klee came of age during a time of groundbreaking experimentation in art across Europe. When he moved to Munich at the age of 19 to study painting, artists were beginning to move away from representing what they could see, and beginning to paint psychologically charged subject matter. Van Gogh and Matisse reinvented the study of colour, pattern and light. A 1914 trip to Tunisia with his friends artists August Macke and Louis Moilliet deeply affected Klee, inspiring his rich colour palette and distinctive language of mystical symbols. Glowing stars and suns, topsy turvy checkerboards, disembodied heads would evolve during his career.
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His greatest inspiration and ally was Kandinsky, the godfather of Abstraction, as well as his Munich based artist friends Macke, Marc and Jawlensky. When Klee discovered Picasso’s compositions he started painting the fractured perspective and prismatic forms of the earliest Cubism. He also admired other contemporary movements: Orphism, invented by Robert Delaunay with his lyrical patterns and transcendent colour palette, the Futurism with their unprecedented sense of speed introduced, Dadaism with their strange machine automations and the pure forms of Constructivism and Suprematism from the Bauhaus School. Klee indelibly changed the course of Modern Art and influenced many generations of artists. His interest in the subconscious and those deemed insane resonate with today’s fascination with art created by those outside the establishment, including disabled people and practitioners of occult traditions.
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The Museum Zentrum Paul Klee in Bern (Switzerland), houses his worldwide largest collection with 4.000 paintings. The extraordinary building with its undulating structure was designed by Italian architect Renzo Piano in 2005. Besides serving as a museum, it offers a platform for music, theatre, dance and literature performances.
RECENT PAUL KLEE MUSEUM EXHIBITIONS MOMA, New York “Modernity”, 2010 Centre Pompidou, Paris, “Irony at work”, 2016 Pinacothek der Moderne, Munich, “Construction of Mistery”, 2018 Kunst Museum Berne, “Cosmos Klee”, 2018 Fondation Beyeler, Basel, 2018 Kunstsammlung, Dusseldorf, 2019 National Gallery of Canada, 2019 MUDEC, Milan, “Origins of Art”, 2019
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IBERSON MAI
Proyecto en venta en la mejor zona de La Moraleja, Madrid. For sale in ther best part of La Moraleja, Madrid, Spain +info: realestate@ibermaison.com
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Leonard Paris y su viaje más creativo ¿Quién no ha soñado alguna vez con escaparse a lugares paradisíacos sin mirar atrás? Leonard Paris nos invita a comenzar nuestro viaje más especial y sensual. ¡El viaje está a punto de comenzar! ¡Pasajeros a sus puestos! Leonard Paris nos invita a embarcar en una creativa y divertida aventura a la que no solo ha dado forma, sino también ha teñido de los colores más divertidos y llamativos. Tonalidades que poco o nada tienen que ver con la oscuridad de los días de invierno y que llegan dispuestos a sacarnos del letargo más profundo en el que caeremos durante los próximos meses. ¿Quién no ha pensado en alguna ocasión en escapar hacia un rincón paradisíaco donde poder disfrutar y vivir alejado del mundanal ruido? ¿Quién no ha querido hacer la maleta para escapar de la rutina, tomar aire y volver dispuesto a mirar al futuro de frente, sin miedo ni vacilaciones? Pues eso es justamente lo que nos propone Leonard Paris a través de todas y cada una de las piezas que dan forma a la colección con la que nos invita a llenar nuestros armarios la próxima temporada otoño-invierno. La maison busca, a través de las manos de Christina Phung —actual directora creativa de la marca—, ser capaz de sorprendernos y hacernos viajar a lugares desconocidos en los que dejarnos llevar por sensaciones que nos permitan ser libres y caminar alejados de ataduras que, en definitiva, nos impidan mostrarnos tal y como somos. Por eso, Leonard Paris apuesta por combinaciones relajadas y refinadas con las que el cuerpo femenino se deja envolver y trasladar a esos rincones de la propia mente en los que jugamos a ser quienes no somos, ansiando convertirnos en quienes, posiblemente, nunca seremos.
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Virtuoso indiscutible del savoir faire más puro de la alta costura, Leonard Paris dibuja a una mujer elegante y sofisticada que no está dispuesta a renunciar a las combinaciones más divertidas y coloristas únicamente por la llegada del hastío invernal. Así, la mujer se lanza decidida a disfrutar del viaje propuesto por la casa de alta costura a través de piezas impregnadas en colores que van desde el azul, el naranja, el morado o el rojo y que llegan dispuestos a crear una paleta de color dispuesta a irrumpir en nuestras vidas como un soplo de aire fresco y vivo. Siluetas envolventes con las que Leonard Paris sabe jugar a la perfección y a las que busca hacer vibrar a través de superposiciones perfectamente equilibradas en las que no solo se palpa la elegancia sino que se convierten justamente en esa clara diferenciación con la que la mujer Leonard logra convertirse en una mujer en la que distinción y sofisticación caminan de la mano. Faldas plisadas de largo infinito; kimonos y vestidos ceñidos al talle; pantalones de dulce y delicada caída que, quizás sin pretenderlo ni saberlo, buscan convertirse en el centro de esas veladas en las que la mujer deja entrever su saber estar más exclusivo. Azules, naranjas, rojos y morados se emparejan y desparejan a la perfección con blancos, negros, rosados y beis; tonalidades que tiñen el satén, el neopreno o la gasa y que guardan un equilibrio más que perfecto y con las que la mujer soñada por Leonard Paris para el próximo otoño-invierno se llena de aire fresco, que no gélido, con el que poder impulsarse a esos lugares recónditos en los que poder ser y sentirse en plena libertad. Una mujer esculpida a mano que busca volar libre donde su mente la lleve. +info: neomaniamagazine.com
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D R A N LEO IS PAR HION + FAS
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Leonard Paris and its most creative journey Who has never dreamed of running off to paradisiacal places without looking back? Leonard Paris invites us to begin our most special and sensual journey. The trip is about to start! Passengers. please head to your seats! Leonard Paris invites us to embark on a creative and fun adventure which they have not only given shape to, but also dyed in the most fun and striking colours. These tonalities have little or nothing to do with the darkness of winter days and are determined to take us out of the deep slumber in which we will have fallen during the upcoming months. Who has not thought at least once of running off to a corner of paradise where they can enjoy living far from the madding crowd? Who has not wanted to pack up and escape from the daily grind, take a breath, and come back willing to face the future, without fear or hesitation? Well, that's precisely what Leonard Paris proposes through each and every one of the pieces that shape the collection, with which he invites us to fill our wardrobes for next autumn-winter season. The fashion house seeks, through the hands of Christina Phung—current Creative Director of the brand—, to be able to surprise us and make us travel to unknown places in which we let ourselves be carried away by sensations, allowing us to be free and walk away from ties that, ultimately, could stop us from showing ourselves as we are. Therefore, Leonard Paris opts for relaxed and refined combinations with which the female body allows itself to be wrapped and transported to those corners of our own mind where we play at being who we are not, longing to become those who we may never become.
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The undisputed virtuosos of the purest savoir faire of haute couture, Leonard Paris draws elegant and sophisticated women who are not willing to give up the most fun and colourful combinations solely due to the arrival of winter boredom. Thus, women are determined to enjoy the journey proposed by the haute couture house through pieces impregnated with colours ranging from blue, orange, purple, and red, that are determined to create a colour palette willing to burst into our lives as a breath of fresh air. Surrounding silhouettes with which Leonard Paris knows how to play with perfectly and which they seek to make vibrate right through perfectly balanced superpositions. Not only the elegance is felt but these superpositions precisely become that clear differentiation with which Leonard women manage to turn into women whose distinction and sophistication go hand in hand. Pleated skirts of infinite length, kimonos and dresses tight around the waist, trousers with a sweet and delicate hang, perhaps without pretending or knowing it, aim to become the centre of those soirees in which women reveal their most exclusive know-how. Blues, oranges, reds, and purples match and unmatch perfectly with whites, blacks, pinks, and beiges — these tonalities dye satin, neoprene, or gauze and keep a more than perfect balance. The women dreamed by Leonard Paris for next autumn-winter are filled with fresh, not icy, air, pushed to those remote places where they can be and feel in full freedom. These manually sculpted women seek to fly free where they mind may take them. +info: neomaniamagazine.com
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N Í T R A M IRINO CH
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ADIOS A MARTIN CHIRINO, MAGO DE LA ESPIRAL El escultor ha fallecido pero su obra es eterna y con ella permanece para siempre este poeta del espacio, escultor del viento, titán de la arena y el hierro. Ha muerto con 94 años un genio de la Escultura Abstracta, fundador del Grupo El Paso, el más cosmopolita artista canario del siglo XX, un intelectual del arte. Nunca renunció a sus raíces, las islas Canarias, donde volvió siempre que pudo y donde deja el valioso legado de una fundación con su nombre, el Castillo de la Luz. Martin Chirino nació en Las Palmas de Gran Canaria en 1925, junto al mar, en un medio familiar ligado a los astilleros del Puerto de La Luz.
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"Al pasear por Las Canteras, la playa urbana de mi infancia en las Palmas, me preguntaba cómo podría abrir el horizonte y pasar al otro lado. En cierto modo lo he logrado". Desde muy niño, utilizó herramientas en un mundo que le llenaba de asombro y pasión por la artesanía del hierro y la talla de la madera. Circunstancias decisivas en su trayectoria, pues su obra hace continuas referencias a su tierra. Su cultura ancestral ejerció una poderosa influencia para el uso del hierro forjado, trabajo artesano de profunda tradición española. Como dijo Antonio Saura, supo sintetizarlo con modernas teorías espaciales. “Mi obra no es un gesto sino una presencia. Se engaña quien piense que, por caminos de exquisiteces, voy a la evasión. Por eso ella persigue la simplicidad, carente de adherencias y elementos postizos. Intenta fluir en el espacio creciendo desde dentro. Es orgánica en sus formas. No se desarrolla por aditamentos".
+100
Con 23 años, Chirino viajó a Madrid para estudiar en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando. En Italia estudió los clásicos, completando su formación en Inglaterra, en London School of Fine Arts. De vuelta en Canarias, realizó “Reinas Negras”, serie influenciada por el arte africano y el Surrealismo. Fue uno de los fundadores del Grupo El Paso (1958), junto con artistas como Saura, Canogar, Feito, Millares, Rivera... A partir de la exposición “New Spanish painters and sculpters” en el MOMA (Museo de Arte Moderno de Nueva York), la presencia de Chirino en USA fue frecuente. Realizó proyectos monumentales inspirados en la espiral del viento. Era un vestigio inspirado por el legado de los primeros pobladores de su isla natal y sus investigaciones sobre la estética africana. "Me considero un estoico apasionado, desde el convencimiento de que, sin pasión, no hay vida".
Sus esculturas, a menudo de grandes dimensiones, responden a un doble impulso. Por un lado, el diálogo con arte primitivo y materiales del paisaje nativo de las Islas. Los lee con ojos de evocación imaginativa y memoria del artista adolescente que soñaba con mover el horizonte de su playa. Por otra parte, un poderoso impulso sísmico que genera todo tipo de geometrías espaciales curvas. Sus amadas espirales son capaces de iluminar el espacio que las rodea y de ser a la vez, enigma y revelación. Es un representante de prestigio de la Escultura Abstracta Española. Fue nombrado Presidente del Círculo de Bellas Artes (Madrid) y Director del Centro Atlántico de Arte Moderno (Las Palmas).
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En 2005 inauguró su Fundación de Arte y Pensamiento Martín Chirino en el Castillo de la Luz, la fortaleza defensiva más antigua de Canarias, del Siglo XV. Remodelado como espacio artístico, fue inaugurado por Don Felipe y Doña Letizia. Los Arquitectos Nieto y Sobejano recibieron la Medalla Alvar Aalto de Arquitectura por su proyecto de rehabilitación que fue también finalista del Premio Mies Van der Rohe. “Mi deseo es que mi obra pueda ser observada en el Castillo de la Luz con naturalidad, como si siempre hubiese estado allí”. Su obra es inmensa y permanece en plazas, museos y colecciones. No cesó nunca de dibujar y de esculpir. Así cumplía una vocación con la que desafió la edad hasta su último suspiro. "Yo soy el hombre que, gracias a su obra, está hecho de una sola pieza. Pero también lleno de dudas.”
+102
El artista universal acababa de terminar su biografía inédita, “Memoria esculpida”. Su testimonio, a partir de su origen isleño, se extiende por tres continentes: Europa, donde nació y vivió, Africa, clave en su letapa de formación y América, donde residió en Nueva York, a orillas del río Hudson. ”Soy un solitario errante y cosmopolita. El único límite al nomadismo perpetuo está en el taller, que es mi verdadero hogar". Chirino bebió de las vanguardias para erigirse en aventajado representante del Grupo El Paso, una burbuja de novedad e informalismo en la posguerra española. "Con esos mimbres innovadores, encontré la sintonía con El Paso, que fue para mí un oasis de motivación, en cierto modo inaudito, en aquel páramo de la cultura franquista, cuando la hegemonía del arte estaba copado por el realismo más elemental". Martín Chirino encarna la condición de herrero y alquimista, dotado de una extraordinaria concepción poética de la escultura.
“Vivo ante el borde que limita con el misterio y el peligro, esa encrucijada, es osadía plena que me hace rebelarme constantemente. Son los hechos los que nos definen. Crear esculturas es vivir siempre con un extraño y maravilloso temblor”. Rescató la primitiva forja y se permitió transformarla con el impulso vanguardista del Siglo XX. Dialogó con la idea de Julio González de la escultura como “Dibujo en el espacio”. Es evidente el tributo que su obra rinde al concepto "Menos es más", proclamado por Mies van der Rohe como lema de la escuela Bauhaus: ocupar el máximo espacio con la menor materia posible. La naturalidad que Chirino transmitió a sus hierros muestra que no hay nada fingido. Es sencillez y austera serenidad. Sorteó la filosofía nihilista para sugerir trayectos alegóricos, caminos en espiral que transmiten una singular esperanza en tiempos oscuros.
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"Cuando descubro la vida de los hombres me siento disparado hacia una huida incesante. Los veo enredados en la aceptación cotidiana de las cosas como en un mundo de máscaras que me es ajeno". En Chirino, el fuego, que se aviva con el viento, ocupa el centro. Por el fuego pasan las más antiguas transformaciones, hasta constituir todo un cosmos. En la cosmovisión del escultor, la forma deviene espiral incendiada, metáfora del movimiento eterno del universo. La espiral, su eterno emblema, arranca de la primera llama de la cosmovisión aborigen. Es la idea mágica de quienes pensaron el mundo como la expansión de un centro, cuya alma es el fuego y su forma, un laberinto. “Una espiral es el principio y el fin: hacia adelante y hacia atrás es lo mismo. Es el principio de la vida y de lo otro: sus puntos suspensivos. No sé dónde empieza una obra y dónde acaba... eso es la espiral.”
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A partir del abismo insondable, surge el círculo de hierro que el fuego incendia y expande. Desde un centro que se desplaza, el escultor dibuja un orden y movimiento que penetra el espacio para convertirlo en el lugar del mundo. La cosmovisión de Chirino oscila entre un bosque oxidado y un jardín telúrico, donde busca restaurar la armonía. A veces, la simetría se oscurece y un juego alegórico pretende recomponer la unidad perdida, extraviándose en el laberinto de las sombras. Las partes en el lugar del todo, hechas ahora fragmentos de lo ausente, reconstruyen un mundo marcado por el silencio. "Un cierto sufrimiento es consustancial al proceso creador. Es lo que los británicos llaman discomfort, y que alude tanto a la disconformidad como al desasosiego. En cierta medida, el dolor es el peaje que pagamos para alcanzar un bienestar y una armonía con nosotros mismos”.
Como Chirino adoraba la espiral, nos atrevemos a rendirle un modesto homenaje con un pensamiento positivo. Si la espiral es el principio y el fin, entonces, la vida eterna que esperamos tras la muerte, va hacia adelante mientras, detrás queda la obra realizada. Si el artista es el origen, creador, principio de vida de cada escultura, lo otro, sus puntos suspensivos, son el legado de sus obras. Le deseamos un feliz viaje en espiral ascendente a este esculturor genial que tanto trabajó lo material. Ahora ya ha pasado a formar parte de ese otro mundo que nos espera a todos: la dimensión inmaterial y etérea, la espiral hacia el desconocido infinito.
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N Í T R A M IRINO CH
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+106
FAREWELL TO MARTIN CHIRINO MAGICIAN OF THE SPIRAL The sculptor has died but his work is eternal and with it remains this poet of space, sculptor of the wind, titan of sand and iron. Martin Chirino just died at the age of 94. He is considered a genius of Abstract Sculpture, founder of El Paso art group and the most cosmopolitan of XX century Canarian artists. He was an art intellectual. He never renounced his roots, Canary Islands, where he returned whenever he could. He left there a valuable legacy of his own foundation in Castillo de la Luz. He was born in Las Palmas de Gran Canaria in 1925, by the sea, in a family environment linked to the shipyards of Puerto La Luz.
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"When I walked through the urban beach of my childhood in Las Palmas, I wondered how I could open the horizon and move on to the other side, in a way I achieved it." From a very young age, he used tools in a world that filled him with amazement and passion for iron craftsmanship and wood carving. Decisive circumstances in his career, because his work makes continuous references to his land. Its ancestral culture exerted a powerful influence for the use of wrought iron, artisan work of deep Spanish tradition. As Antonio Saura said, he knew how to synthesise this with modern spatial theories. "My work is not a gesture but a presence. That’s why it pursues simplicity, lacking in adhesions and false elements, trying to flow in the space growing from within. It’s organic in its forms. It doesn’t develop by attachments."
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At 23 years old, Chirino traveled to Madrid to study at San Fernando School of Fine Arts. In Italy he studied the classics, completing his training in London School of Fine Arts. Back in the Canary Islands, he made "Reinas Negras", a series influenced by African art and Surrealism. He was one of the founders of Grupo El Paso (1958), along with artists such as Saura, Canogar, Feito, Millares, Rivera... From the exhibition "New Spanish painters and sculptors" at the MOMA (Museum of Modern Art in New York), the presence of Chirino in USA was frequent. He carried out monumental projects inspired by the spiral of the wind. It was a vestige inspired by the legacy of the first settlers of his native island and his research on African aesthetics. "I consider myself a passionate stoic, from the conviction that, without passion, there is no life”.
His sculptures, often large, respond to a double impulse. On one hand, the dialogue with primitive art and materials of his native islands landscape. He reads them with eyes of imaginative evocation and memory of the adolescent artist who dreamed of moving his beach horizon. On the other hand, a powerful seismic impulse that generates all kinds of curved spatial geometries. Their beloved spirals are capable of illuminating the space that surrounds them and of being at the same time, enigma and revelation. He was named President of the Círculo de Bellas Artes (Madrid) and Director of the Atlantic Center of Modern Art (Las Palmas).
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In 2005, he inaugurated his Martin Chirino Art and Thought Foundation at Castillo de la Luz (Lightabsorved Castle), the oldest defensive fortress in the Canary Islands, from XV century. Remodelled as an artistic space, it was inaugurated by Don Felipe and Doña Letizia. Architects Nieto and Sobejano received the Alvar Aalto Architecture Medal for their rehabilitation project which was also a finalist for the Mies Van der Rohe Prize. "My wish is that my work can be observed in the Castle of Light naturally, as if it had always been there.” His work is immense and remains in squares, museums and collections. He never stopped drawing and sculpting. Thus he fulfilled a vocation with which he challenged age until his last breath. "I am the man who, thanks to his work, is made in one piece, but also full of doubts."
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The universal artist had just finished a book, his published biography, "Sculptured Memory". His testimony, from his insular origin, extends across three continents: Europe, where he was born and lived, Africa, key in his formation stage and America, where he lived on the banks of the Hudson River, In New York. “I am a lonely wanderer and cosmopolitan. The only limit to perpetual nomadism is in the workshop, which is my true home.” Chirino drank from the avant-garde to become an outstanding representative of El Paso group, a bubble of novelty and informalism in Spanish post-war period. “With these innovative wicks, I found the harmony with El Paso, which was for me an oasis of motivation, in a way unheard of, in that wasteland of Franco’s culture, when the hegemony of art was dominated by the most elemental realism.” Martin Chirino embodied, exemplary, the status of blacksmith and alchemist with an extraordinary poetic conception of sculpture.
“I live before the border that borders on mystery and danger, that crossroads, it is full boldness that makes me constantly rebel. It is the facts that define us. Creating sculptures is always living with a strange and wonderful tremor.” He rescued the primitive forge and allowed himself to transform it with the avantgarde impulse of XX century. He absorbed Julio González's idea of sculpture as "Drawing in space". It is evident the tribute that his work yields to the concept "Less is more", proclaimed by Mies van der Rohe as motto of Bauhaus school: to occupy the maximum space with as little material as possible. The naturalism that Chirino transmitted to his irons is simplicity and austere serenity. He raffled the nihilist philosophy to suggest allegorical paths, spiral paths that convey a singular hope in dark times.
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“When I discover the lives of men, I feel myself being shot into an incessant flight, I see them entangled in the daily acceptance of things as in a world of masks that is foreign to me.” In Chirino, the fire, which is fanned by the wind, occupies the center. Through fire pass the oldest transformations, to constitute a whole cosmos. In the sculptor's worldview, the form becomes a burned-out spiral, a metaphor for the eternal movement of the universe. The spiral, its eternal emblem, starting from the first flame of aboriginal worldview. It’s the magical idea of those who thought of the world as expansion of a center, whose soul is fire and its form, a labyrinth. “A spiral is the beginning and the end: forward and backward is the same. It’s the beginning of life and the other. I don’t know where a work begins and ends ... and that's the spiral.“
+112
From that unfathomable abyss, arises the iron circle that fire sets fire and expands. From a center that moves, the sculptor draws an order and movement that penetrates the space to make it the place of the world. Chirino's worldview oscillates between a rusty forest and a telluric garden, where he seeks to restore harmony. Sometimes, the symmetry darkens and an allegorical game tries to recompose the lost unit, losing itself in the labyrinth of shadows. The parts in the place of the whole, now made fragments of the absent, reconstruct a world marked by silence. “Some suffering is inherent to the creative process, which is what the British call discomfort, and which eludes both to disagreement and to restlessness. To some extent, pain is the toll we pay to achieve well-being and harmony with ourselves.”
As Chirino loved the spiral, we dare to pay him a modest homage with a positive thought. If the spiral is the beginning and the end, then, the eternal life that we hope after death, goes forward while, backward is the work done. If the artist is the origin as creator, the beginning of the life of each sculpture... then his ellipses, are the legacy of his work. We wish a happy spiral ascending trip to this genius sculptor who worked so much the material. He has now become part of that other world that awaits us all: the immaterial and ethereal dimension, the spiral going towards the unknown infinite.
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Y E ISS AKE MIY HION + FAS
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Issey Miyake y su cadena de inspiración A sus 81 años, Issey Miyake nos presenta una realidad de novedosas texturas que abre ante nosotros todo un universo lleno de oportunidades por descubrir. Si hay algo a lo que nos tiene acostumbrados el diseñador de moda japonés es a combinar magistralmente —y sin parangón— el diseño más vanguardista y la tecnología más actual. Y es que Issey Miyake sabe a la perfección alumbrar colecciones llenas de piezas impregnadas de conceptos majestuosos que, en ocasiones, nos hacen viajar a un universo completamente alejado de la mundanal realidad a la que estamos habitualmente acostumbrados. Y es en esta vorágine de juegos de ficción y realidad donde la inspiración hace a este maestro de la alta costura hacernos volar a través de su imaginación hacia lugares insospechados y recónditos en los que cualquier detalle —por pequeño que sea— puede hacernos quedar cautivos de su recuerdo.
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+ 116
Para la próxima temporada otoño-invierno, Issey Miyake no piensa defraudarnos y nos muestra un mundo impregnado de una realidad desmedida que encuentra en la creatividad su mejor arma de seducción. Pero no hablamos de una seducción evidente, que se muestra sin tapujos ni artificios, sino de una seducción que hay que buscar en los detalles más ocultos y delicados. Una seducción que se hace patente en formas geométricas que, entre sus líneas infinitivas, dejan espacios a elementos que, a través de sus volúmenes, aportan ese toque diferente llamado a romper esa monotonía tan propia de las tardes invernales. En sus ansias de romper barreras y llevarnos a descubrir nuevos horizontes, Issey Miyake buscar sorprender envolviendo la figura femenina con nuevos tejidos, en concreto una especie de resina en una paleta de colores que hará las delicias de los gustos más atrevidos. Y como reina del asfalto para la próxima temporada, una nueva tela, la dough dough, que, aparecida en primavera, se presenta para los meses otoñales como una fibra de lana fácilmente modulable que llega dispuesta a envolver la figura femenina de una manera totalmente distinta. Opciones multicolores de una colección coherente y divertida a través de sus múltiples texturas que nos llevan hacia lugares insospechados que, en ocasiones, solo existen en nuestra mente y en nuestros sueños. +info: neomaniamagazine.com
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Y E ISS AKE MIY HION + FAS
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Issey Miyake and his chain of inspiration At 81, Issey Miyake introduces a reality of novel textures that opens up a universe full of opportunities to discover. If there is one thing that the Japanese fashion designer has accustomed us to, it's to combine masterfully and without comparison the most avant-garde design with stateof-the-art technology. Issey Miyake knows perfectly how to illuminate collections full of pieces impregnated with majestic concepts that, at times, make us travel to a universe far from the everyday world which we are typically used to. In this maelstrom of fiction and reality games inspiration gives this haute couture master the key to make us fly through his imagination to unsuspected, unexplored places in which any detail, however small it may be, can leave us captive to his memory.
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For next autumn-winter season, Issey Miyake won't disappoint us, showing us a world impregnated with a disproportionate reality that finds in creativity its best weapon of seduction. But we aren't talking about an obvious seduction, shown free from fears or artifices, but rather a seduction that must be sought out in the most hidden and delicate details. This seduction is seen in geometric shapes that, between their infinite lines, leave room for elements that bring a different touch through their volume, called upon to disrupt the monotony so typical of the winter evenings. In his desire to break down barriers and lead us to discover new horizons, Issey Miyake wants to surprise by wrapping the female figure in new fabrics, specifically a sort of resin in a colour palette that will delight the most daring tastes. As queen of the road for next season, a new fabric, the dough dough, appeared in spring is presented for autumn months as an adaptable wool fibre ready to wrap the female figure in a totally different way.. +info: neomaniamagazine.com
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Proyecto en venta en la mejor zona de Ibiza For sale in ther best part of Ibiza, Spain +info: realestate@ibermaison.com
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Los prismas de la pintura Fue un pintor y músico Modernista que destacó más allá de la pintura, fue un cubista figurativo, apasionado por prismas y bordes afilados. Lyonel Feininger fue un pintor enérgico y serio. Sin embargo, su base fue el arte humorista, pues comenzó dibujando caricaturas y dibujos para comics. Lyonel Feininger (18711956), nació en Manhattan, era hijo de padre alemán, un violinista que luchó en la Guerra Civil de Estados Unidos. Con 16 años, el joven fue enviado a estudiar violín a Leipzig. Pero en cambio, se matriculó en la escuela de arte en Hamburgo. Desde su infancia, solía dibujar incesantemente y rápidamente se desvió hacia el arte. En la década de 1890 ya era uno de los caricaturistas e ilustradores más conocidos de Europa.
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Decidió no ser violinista profesional. En cambio, convirtió su talento para el dibujo en una exitosa y lucrativa carrera publicando sus dibujos en periódicos. Sin embargo, la música parece levitar en todas sus pinturas. Durante los siguientes 40 años, realizó visitas cruciales a Paris y pasó muchos veranos en comunión con la naturaleza en su amado Mar Báltico. En Paris, fue alumno del francés Robert Delaunay, creador del movimiento artístico Orfismo. Con 36 años, decidió dedicarse a pintar al óleo, convirtiéndose en uno de los pintores modernos más relevantes de Alemania. Desde 1909 fue miembro de la Asociación Artística de Berlín, Berliner Sezession. En 1911 expuso seis lienzos en el Salon des Indépendants en Paris.
L E N O Y L NINGER FEI
También conoció el Cubismo y coincidió exponiendo con los grupos de artistas alemanes Die Brücke y Der Blaue Reiter. Feininger era un amigo íntimo de Paul Klee y Wassily Kandinsky. Los tres artistas se convirtieron en maestros en la Escuela de Diseño mas prestigiosa de todos los tiempos, Bauhaus. Incluso diseñó la portada del primer Manifiesto. Meses antes de que los nazis declararan su obra como "arte degenerado", Feininger regresó con su esposa, Julia, a Estados Unidos. En 1937, a punto de estallar la Segunda Guerra Mundial, finalmente pudo realizar su sueño de volver a sus raíces. Vivió y trabajó en Manhattan hasta su muerte, con 84 años.
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Sus pinturas casi arquitectónicas, están invadidas de espiritualidad. Crean un oasis tranquilo, reflejo de un artista que vivió grandes cambios históricos y personales. Todavía hoy, aportan sentimientos de calma y asombro. Nacido en Estados Unidos, Lyonel Feininger empezó pasando sus 50 años más creativos en Alemania para terminar sus días en Nueva York, como tantos artistas que escaparon de Europa huyendo de los horrores de la Guerra. Su trayectoria y su arte, reflejan un trasfondo cosmopolita. Feininger es conocido por sus extraños paisajes urbanos y sus naturalezas y marinas semi abstractas, que comenzó a pintar en Hamburgo y Berlín. Están llenos de focos de luz borrosa, que caen sobre formas semi geométricas de campanarios, edificios, veleros y olas del mar. Sugieren una especie de inminencia celestial, como inspirada en los paisajes espiritualizados del pintor Romántico alemán Caspar Friedrich.
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Estas obras coinciden con las convicciones místicas de Feininger: "La pintura es un camino hacia la intangibilidad de lo divino". Ya sea evocando las aguas de su predilecto Mar Báltico o las agujas de una catedral Gótica, Feininger creó un estilo característico, pintando con finas capas de oleo, superficies cristalinas. Como pintor y músico, es un maestro en crear una interconexión armónica entre planos de colores diáfanos, pues está influenciado por las estructuras musicales. Sus pinturas reflejan su reverencia por el genio Barroco de la música, Johan Sebastian Bach. En sus pinturas, trató de lograr una monumentalidad concentrada, equivalente a las composiciones musicales de Bach. En su honor, Feininger, pintor y músico, compuso varias fugas a principios de los años veinte. Aunque me atrevo a decir que está más cercano en espíritu a Mozart y Watteau que a Bach y Friedrich.
Admirar sus lienzos y acuarelas, nos sugiere dos cosas. Primero, la sensibilidad de Feininger tendía naturalmente hacia la luminosidad, la frivolidad urbana y un sentido cómico inteligente. Nos comunica vitalidad por medio de orquestaciones elaboradas pero a la vez, fluidas en color, forma y narrativa. Segundo, a pesar de la cantidad de lienzos y acuarelas, la pintura en sí misma no fue el foco principal de interés para el artista. A medida que envejecía, se volvió cada vez más rutinario y frágil. Después de sus primeras alucinantes pinturas, Feininger expresaba su vivencia visual y su fuerza emocional con obras que tienden a ser más bajas que altas, más mundanas que místicas. Relativamente subestimadas, sus tiras cómicas, son la culminación de su carrera como ilustrador. Aún viviendo en Europa, trabajó publicando dibujos y caricaturas en el Chicago Tribune (1906). Creó personajes clásicos que cimientan su estatus como pionero del cómic.
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Este estilo de caricatura de Feininger se trasladó a sus primeros cuadros. Mostraba coloridas escenas influenciadas por Van Gogh sobre la vida en la ciudad, con personajes distorsionados, vestidos con sombreros de copa, corriendo por espacios caóticamente urbanos. Igualmente impresionantes son sus pequeños grabados en madera y sus fotografías. Sus piezas más originales son delicadas figuras talladas a mano y pintadas: casas, tiendas, árboles, iglesias, puentes y trenes. Feininger hizo estas pequeñas esculturas en 1913 como juguetes, regalos de Navidad para sus tres hijos. Su obra de arte parece sucumbir a una muerte lenta del Cubismo, o "Prismismo", como llamó Feininger a su propio estilo. Ciertamente era un apasionado de bordes geométricos y formas de prisma. Feininger convirtió las alegrías pastorales del Fauvismo en fantasías urbanas, una maravillosa combinación de cuentos infantiles y de terror. Sus pinturas nos inspiran hacia una comprensión del origen del Modernismo. Preceden al genio ruso Marc Chagall. +128
También son paralelas al Expresionismo Alemán. Están en sintonía con las primeras fantasías abstractas de caballeros y damas en paisajes de manchas de color que Kandinsky pintaba en Munich. Repletas de encanto y acción, lo que nos sugiere casi a esperar que las figuras se muevan, como bailando al son de música, protagonistas en algún tipo de animación de Disney, incluso antes de su época. Fusionando aspectos de Canaletto, el italiano enamorado de la arquitectura y del realista francés Honore Daumier, Feininger también aprendió de las técnicas Puntillistas y de los ricos colores de los Impresionistas franceses, como Edouard Vuillard. Combinando todas estas influencias, el trabajo de Feininger ofrece un tributo moderno, aunque atemporal, a la emoción colectiva por la vida urbana. Su obra está ampliamente representada por museos de todo el mundo. La exposición del Whitney Museum en Nueva York (2011), "Al borde del mundo", fue su mejor retrospectiva. Otra importante fue en el Fine Arts Museum de Montreal, Canadá (2012).
Fue influenciado por el Fauvismo y el Expresionismo Alemán, aunque nunca mostró el talento de artistas como Kirchner. También buscó las nuevas formas del Cubismo y, sobre todo, del Futurismo. Pero finalmente terminó haciendo su propia actualización sublime del Romanticismo Alemán y del Trascendentalismo Americano. Una larga temporada en la Bauhaus le llevó a purificar su estilo hasta que finalmente se convirtió en el pionero del Modernismo. Lyonel Feininger estuvo presente en cada momento artístico histórico, quizás uno o dos pasos detrás, pero siempre absorbiendo y sintetizando estilos, para crear un arte absolutamente personal, un estilo único, simbiósis entre Figuración y Geometría Abstracta.
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at the edge of Painting A Modernist painter and musician who thrived at the margins of painting. A figurative cubist, passionate for sharp edges. Lyonel Feininger was a sprawling and invigorating painter of high seriousness. And yet, his base was humorist art, as he started making caricatures and cartoons. Lyonel Feininger (1871-1956), born in Manhattan, was the son of a German-American father, a violinist who fought in the American Civil War. Feininger was sent to study violin in Leipzig when he was 16 but instead, he enrolled in art school in Hamburg. He used to draw incessantly since childhood and quickly swerved into art. By the 1890s he was one of Europe’s best known caricaturists and illustrators.
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He decided against pursuing music professionally. Instead, he turned his drawing talent into a successful and lucrative career as a newspaper cartoonist. But music seems to levitate in all his paintings. Over the next 40 years, he did crucial visits to Paris and spent many summers communing with nature on the Baltic coast. In Paris, he was an art pupil of the French Robert Delaunay, creator of the Orphist art movement. At the age of 36, he decided to take up oil painting, becoming one of Germany’s most respected modern painters. Since 1909 he was a member of the Berlin Artistic Association, Berliner Sezession. In 1911 he exhibited six canvases in the Salon des Indépendants in Paris.
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He also collided with Cubism and showed with the German artist groups Die Brücke and Der Blaue Reiter. Feininger was a close friend of Paul Klee and Wassily Kandinsky. All three artists became teachers the Bauhaus School of Design. He even designed the cover of the school’s first manifesto. Months before the Nazis declared his work as “degenerate art”, Feininger returned with his wife, Julia, to the United States. In 1937, with World War II looming, he could finally made his long-sought return to a vastly changed New York. He lived and worked in Manhattan until his death at the age of 84.
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His spiritually infused, almost architectonic paintings created a tranquil point in a life that had seen major historical and personal shifts. They still bring a sense of calm and awe. American born, Lyonel Feininger ended up spending his 50 most creative years in Germany to end up his life in New York, like many artists escaping Europe from World War II. His career and his art, reflect his cosmopolitan background. Feininger is best known for his semi Abstract landscapes and strange cityscapes which he started painting in Hamburg and Berlin. They are filled with hafts of blurry light, falling on indistinct forms of church steeples, buildings, sailboats and ocean waves. They suggest a kind of heavenly immanence. Inspired by the isolated, spiritualised landscapes of German Romantic painter Caspar Friedrich. These works are consistent with Feininger’s mystical convictions: “Painting is a path to the intangibility of the divine.”
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Whether evoking his beloved Baltic Sea or Gothic cathedral spires, Feininger created a signature style consisting of faceted, crystalline surfaces of thin paint. As painter and musician, he is a master in harmonically interconnecting planes of diaphanous colours, as he is influenced by musical structures. His paintings show his reverence to Baroque music genius, Johan Sebastian Bach, in whose honor he composed several fugues in the early 1920s. In his paintings, Feininger tried to achieve a concentrated monumentality equivalent to Bach’s music compositions. Although I dare to say that he is closer in spirit to Mozart and Watteau than to Bach and Friedrich. Watching his pictures, suggests two things. First, Feininger’s sensibility tended naturally toward lightness, urban frivolity and an astute comedic sense. He communicated in elaborate yet fluid orchestrations of colour, form and narrative.
Second, despite the amount of his canvases, painting itself may not have been Feininger’s forte. As he aged, his approach to this medium became increasingly rote, brittle and portentous. After his earliest eye-buzzing paintings, Feininger got his visual life and emotional force from works which tend to be more low than high, more worldly than mystical. These relatively under estimated works include comic strips, the culmination of his career as illustrator. Still living in Europe, he worked sending comic stripes to newspaper Chicago Tribune (1906). He created the classic characters “The Kin-der-Kids” and “Wee Willie Winkie’s World” which cement his status as the founding father of Sunday funny papers.
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Feininger’s caricature style carried over to his early paintings. They show the colourful Van Gogh influenced scenes of town life, with distorted characters dressed in stovepipe hats rushing around chaotically urban spaces. Equally impressive are his smattering woodcut prints and photographs. His most original and revealing pieces are breathtaking toylike hand- carved and painted figures: houses, storefronts, trees, churches, bridges and trains. Feininger made these carvings around 1913 as Christmas presents for his three sons: Andreas (photographer), Laurence (musicologist priest) and T.Lux (artist). His art work seems to succumb to a slow death from Cubism, or “Prismism” as Feininger named his own style. He certainly was a passionate of edges and prism shapes. Feininger converted the pastoral joys of Fauvism into hot urban fantasies laced with a wonderful storybook combination of sweetness and menace. These paintings inspire an understanding of early Modernism. They precede the Russian genius Marc Chagall. +134
They also parallel German Expressionism and are nearly in step with the earliest Abstract fantasies of knights and ladies in dappled landscapes that Kandinsky was painting in Munich. They are packed with charm and action, suggesting that you almost expect the figures to move, like dancing with the music, as protagonists in some form of Disney animation, even before his time. Fusing aspects of Canaletto, the Italian in love with architecture and French Realist Honore Daumier, Feininger also learned from the stippled patterns and rich colours of the French Impressionists, such as Edouard Vuillard. Combining all these influences, Feininger’s work offers a modern, yet timeless tribute to the collective excitement of urban city life. His work is widely collected by museums worldwide. The Whitney Museum exhibition in New York (2011), “At the Edge of the World”, was his best complete retrospective and the first to include the full breadth of his art. This show was followed by another at Montreal Museum of Fine Arts (2012).
Many critics have argued that the artist's work was at its most mature around 1910 when the power of Feininger as illustrator balanced his Abstract side. However, we have to consider the possibility that Feininger used Cubism as a more artistically succinct tool to establish his version of the concept known as the objective correlative. Feininger seems to have been present at every landmark artistic moment, always perhaps a step or two behind but absorbing and synthesising creating something uniquely his. He was influenced by Fauvism and German Expressionism though he never displayed the savageness of artists friends like Kirchner. He also searched the new forms of Cubism and especially, Futurism. But he finally ended up making his own sublime update of German Romanticism and American Transcendentalism. A long stint at the Bauhaus led to a purification of his style until he finally became the pioneer of early Modernism.
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Shiatzy Chen y su mitología más sofisticada Shiatzy Chen lo ha vuelto a hacer. Una vez más ha sabido conjugar como nadie tradición y modernidad en una colección que no dejará indiferente a nadie. Para la próxima temporada, la casa de moda de lujo de origen taiwanés llega a hacer lo que mejor sabe: innovar y revelar un mundo en el que modernidad y artesanía no solo pueden convivir, sino que pueden aportar lo mejor de sí mismos para lograr crear looks ultra modernos ‘guardianes’ de la esencia más pura de la historia. Y es que por eso, quizás Shiatzy Chen ha elegido ‘Guardian’ como nombre para una colección que llega dispuesta a no dejar indiferente a nadie. Para conseguirlo, y como ya nos tiene acostumbrados, Shiatzy Chen ha apostado de manera más que fehaciente por patrones puramente artesanales en los que todas y cada una de las puntadas combinan a la perfección el saber hacer de la herencia procedente de la ancestral cultura China con formas más cercanas al futuro que a cualquier tiempo pasado milenario. Lujo y sofisticación que caminan de la mano de formas y estructuras de antaño que visten a una mujer decidida a conquistar el futuro sin tener por ello que renunciar a su pasado más puro.
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Una mujer que, en pleno siglo XXI y sin miedo a nada, emerge decidida a convertirse en ‘guardiana’ indiscutible de una colección creada con la delicadez y sobriedad más absolutas, nacida de las manos de alguien convertida en una auténtica virtuosa de una aguja dignísima heredera de los valores más históricos y tradicionales. Sin embargo, y a pesar de ese gusto desmedido por la tradición China más pura, Shiatzy Chen no desprecia todos y cada uno de los elementos que tiene a su alcance y que emplea a las mil maravillas para dar ese toque vanguardista a cualquiera de sus creaciones más clásicas. La diseñadora considerada por muchos como la «Chanel de China», Wang Chen Tsai-Hsia, apuesta para los próximos meses por una colección impregnada de negros y rojos, salpicados de algún que otro blanco, que tiñen piezas en las que el trabajo artesanal chino logra convertirse en epicentro de todas las miradas transformándose en looks ultramodernos llenos de movimiento y libertad. Líneas rectas que otorgan sobriedad a una figura femenina que se presenta sin artificios y que elige el tul, las transparencias, el lamé y los tejidos brocados como sus mejores aliados a la hora de aportar un toque de distinción alejado de los cánones chinos más férreos y ortodoxos. + 138
Cortes rectos, vestidos midi, pantalones abullonados, piezas de cuero, faldas ajustadas a un talle que se alza infinito y vestidos impregnados en el más exquisito de los volúmenes llegan dispuestos a colarse de lleno —y sin pedir permiso— en unos armarios ávidos de creaciones nuevas y frescas que vuelven a convertir a Shiatzy Chen en protagonista indiscutible que busca acabar con el hastío propio de las tardes y noches más invernales. A través de todas y cada una de las combinaciones propuestas por Shiatzy Che, la diseñadora busca, indiscutiblemente, perpetuar el legado de una marca basada en el concepto más profundo de la mitología más glamurosa y renovadora. Una búsqueda indiscutible por reafirmarse como marca sin precedentes dentro del mundo de lujo, convertida en la mejor manera de rendir el homenaje más profundo a quienes, durante décadas, no perdieron de vista de dónde venían para sentar las bases de un camino que les llevase al lugar al que querían llegar. Sin duda, toda una auténtica declaración de intenciones. +info: neomaniamagazine.com
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Shiatzy Chen and its most sophisticated mythology Shiatzy Chen has done it again. Once again, the fashion house has managed to combine tradition and modernity like no one else in a collection that won't go unnoticed. For the next season, the fashionable house of luxury of Taiwanese origin gets to do what it knows best: to innovate and to reveal a world in which modernity and craft can not only coexist but can contribute the best of themselves to manage to create extremely modern `guardian' looks of the purest historical essence. Maybe that's why Shiatzy Chen has chosen 'Guardian' as the name for its collection, which is determined to leave no one indifferent. To do so, and as we are already used to, Shiatzy Chen has conspicuously opted for purely artisanal patterns in which every single stitch perfectly combines the heritage of traditional Chinese culture's know-how with shapes closer to the future than to any ancient time. Luxury and sophistication walk hand in hand with old ways and structures that dress women determined to conquer the future without renouncing their purest past.
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Women who emerge determined to become, in the 21st century and without fear of anything, the undisputed 'guardians' of a collection created with the most absolute delicacy and sobriety, born from the hands of one turned into an authentic virtuoso of a needle inheriting the most historical and traditional values. However, and despite this disproportionate taste for the purest Chinese tradition, Shiatzy Chen does not despise all the elements within reach, wonderfully using them in order to give that avant-garde touch to any of its most classic creations. Wang Chen Tsai-Hsia, the designer, considered by many as the "Chanel of Taiwan", opts during the next few months for a collection impregnated with blacks and reds, dotted with the occasional white, that dye pieces in which the Chinese handiwork becomes the epicentre of attention turned into ultramodern looks full of movement and freedom. Straight lines give sobriety to female figures that are presented without artifice and choose tulle, transparencies, lamĂŠ, and brocade fabrics as their best allies when it comes to bringing a touch of distinction far from the most fervent and orthodox Chinese canon. + 142
Straight cuts, midi dresses, puffy trousers, leather pieces, skirts adjusted to a waist that seem infinitely high, and dresses impregnated with the most exquisite of volumes are ready to sneak into wardrobes eager for new fresh creations, turning Shiatzy Chen into the undisputed protagonist who seeks to put an end to winter evenings and nights boredom. Through each and every one of the combinations proposed by Shiatzy Chen, the designer unquestionably seeks to perpetuate the legacy of a brand based on the deepest concept for the most glamorous and innovative mythology. What we get is an indisputable search to reaffirm itself as an unprecedented brand within the luxury world, turned into the best way to pay the deepest tribute to those who did not lose sight for decades of where they came from, finally laying the foundations of a path that would lead them to where they wanted to go. Undoubtedly, a true statement of intent. +info: neomaniamagazine.com
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Los ojos del alma Sebastiao Salgado, con una mente de exquisita sensibilidad y una visión sublime, se ha convertido en narrador sin palabras. Con sus ojos del corazón, nos cuenta la miseria humana a gritos. Porque, como dice el refrán: “Mas vale una imagen que mil palabras”. Economista de formación, este genio fotógrafo humanista y ecológico, nació en Brasil (1944) y ha recorrido 100 países con su cámara. Su amor por la humanidad y el planeta le han impulsado a crear su propia agencia Amazonas Images y el Instituto Terra con el que sueña recuperar la selva brasileña. Las fotografías de refugiados de Salgado muestran lo mejor y lo peor de la humanidad. El fotoperiodista, Embajador de UNICEF, es famoso por su sensibilidad para capturar las peores crisis humanitarias.
Tras sus estudios de Economía en la Universidad de Sao Paulo en (Brasil) y Vanderbilt University (USA), Sebastiao trabajó con la Organización Internacional del Café por lo que viajaba constantemente. Pero amaba la fotografía y siempre llevaba una cámara en la maleta. Como Asesor del Banco Mundial viajó a Mozambique y Angola donde observó condiciones extremas de explotación. Allí decidió utilizar la fotografía para mostrar al mundo la realidad y en 1973 abandonó su trabajo para convertirse en fotógrafo profesional. Desde entonces, jamás ha dejado de viajar. Se asoció con las mejores agencias: Magnum Photos, Sygma y Gamma. En 1994, fundó la Agencia Amazonas Images, con su esposa, Lélia Wanick.
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Dedicó sus primeros proyectos a mostrar las miserables condiciones de trabajo en Africa y Latinoamérica. Luego se concentró en las crisis de hambruna y sequía en el norte de Africa, especialmente en Etiopía. Salgado fue testigo presencial de miserias y horrores. En 1987, su primer proyecto autofinanciado, sorprendió al mundo provocando un aluvión de elogios y críticas. Realizó un alucinante trabajo en blanco y negro, sobre la explotación, casi animal, en una mina de oro en Brasil. Se publicó en la revista del New York Times y removió los cimientos del mundo del fotoreportaje. Salgado es distinto a todos los fotógrafos. Concibe y crea sus extensos proyectos como esfuerzos titánicos a largo plazo. Los presenta en exposiciones y libros con su sello muy personal: una fuerte coherencia visual y un mensaje claro para la humanidad.
De 1977 a 1984, Salgado viajó por toda América Latina visitando etnias y tribus en remotos pueblos de montaña y las junglas mas perdidas, que plasmó en su libro “Otras Américas” (1986). Viajó a 26 países durante siete años para examinar la evolución del trabajo manual. Publicó “Workers”, La mano del hombre (1993). Se concentró en el aumento creciente de migraciones humanas que expuso en dos libros: “Migrations” y “The Children”, destacando a los más indefensos. “Los niños del éxodo” es un libro de fotografías tomadas durante seis años en 43 países distintos, para documentar a los niños sin hogar, que abandonan el campo hacia campos de refugiados o ciudades lejanas. “En toda situación de crisis, guerra, miseria o desastre natural, los niños son siempre las mayores víctimas” Pero su compromiso va mucho más allá de sus fotografías. En 1998, convirtió un gran terreno que heredó de su familia en reserva natural y creó el Instituto Terra.
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Además de la fotografía, trabaja para reforestar la selva agotada del Amazonas. En 1998 logró convertir parte de su tierra natal en reserva natural. Junto a su mujer, crearon el Instituto Terra, para proteger la naturaleza y etnias en peligro de extinción. El gran corazón de Sebastiao Salgado le lleva a colaborar como voluntario con Médicos Sin Fronteras y Organización Mundial de la Salud. Es Embajador de Buena Voluntad de UNICEF. Lo que diferencia la fotografía de Salgado, en su representación del sufrimiento humano, mostrando la fuerza interior de los supervivientes, más allá de la tragedia. Detrás de cada fotografía percibimos un fuerte amor por la humanidad, compasión en lugar de pena, empatía en lugar de morbo. Nos describe la injusticia dejando que el sujeto mismo hable a través de poderosas imágenes. Pero esto llega a ser una experiencia emocionalmente agotadora.
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Tomó algunas de las imágenes más impactantes y conmovedoras mientras convivía con refugiados que huían de los genocidios en Ruanda. Profundamente afectado por el exterminio étnico de la tribu Tutsi por los Hutu. Tomó imágenes desgarradoras de víctimas refugiadas en campamentos del Congo y Zaire.
Ha recibido importantes premios: Beca Eugene Smith para Fotografía Humanística (1982), World Press Photo (1985) y Visa d’Or, Festival Visa pour l'Image (1990). Es Miembro de Honor de Art & Science Academy, USA. En 2016, fue elegido en Francia: Miembro de la Académie des Beaux-Arts y Chevalier de la Légion d’Honneur.
“Hacer mi trabajo, implica vivir con los sujetos de mis fotografías, compartir con ellos sus momentos de dolor, ser testigo de las injusticias que sufren y tratar de encontrar un rayo de luz en medio de una oscuridad tan densa”.
Fue invitado de honor del Master of Photography, los “Oscars” de Fotografía. Entre el jurado: Oliviero Toscani, Mark Sealy y Elisabeth Biondi, de la revista New Yorker.
Precisamente, la principal crítica que ha recibido, es representar genocidios. Le acusan de que, en lugar de informar sobre dramas humanos, "embellece" su miseria. La calidad estética de sus fotografías es innegable. La fotografía puede ser una espada de doble filo cuando se trata de describir tragedias. "No soy un artista. Un artista hace un objeto. No hago objetos, trabajo en la historia, soy un narrador".
Agotado de fotografiar el dolor humano, Salgado creó un monumental proyecto titulado “Génesis”. Es su impresionante selección de las bellezas mas puras del planeta: paisajes, fauna, flora y pueblos indígenas que aún viven según tradiciones ancestrales.
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Es una especie de catálogo inventario, con imágenes en blanco y negro, sobre naturaleza, animales y tribus primitivas. En 2018 fueron expuestas en Paris y por calles de ciudades europeas en formato gigante, al aire libre. Sus fotografías se exhiben en museos y galerías de todo el mundo. Ha publicado libros como: “Otras Américas” (1986), “Sahel: l'homme en détresse” (1986), “El fin del camino” (1988), “Workers” (1993), “Terra” (1997), “Migrations” and “Children’s Portraits” (2000), “Africa” (2007), “Genesis” (2013), “The Scent of Dream” (2015), “Kuwait, un desierto en llamas” (2016)... En 2013 se publicó un libro sobre la vida y obra de Salgado: “De mi tierra al planeta”. En 2014 se filmó el documental “La sal de la vida”, codirigido por Wim Wenders y Juliano Ribeiro Salgado. Ganó en el Festival de Cine de Cannes, obtuvo el Premio César (2015) y fue nominado al Oscar al mejor Documental, por la Academia de Hollywood.
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Celebrando el aniversario de la Declaración Universal de Derechos Humanos, el Musée de l’Homme de Paris presenta su última exposición: “Declaraciones: Sahara, India, Afganistán" (2019). Para Salgado, los derechos humanos son la referencia ética más importante del planeta, realmente resúmen toda su trayectoria vital. Me pregunto cual será el próximo proyecto de este gigante de la lente con ojos en el alma. Con su sensibilidad a flor de piel, ha escuchado lágrimas y coleccionado belleza a través de más de 100 países. Su obra, no solo expresa dolor y belleza. Además, pretende despertar conciencias para reparar algunas de las heridas del hombre y de la tierra que tanto ama.
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The eyes of the soul Sebastiao Salgado, with a mind of exquisite sensitivity and a sublime vision, has become a narrator without words. With the eyes of the heart, he tells human misery with visual screams. Because, as the saying goes: "An image is worth more than a thousand words". Trained as economist, this genius humanist and ecological photographer, was born in Brazil (1944) and has traveled 100 countries with his camera. His love for humanity and the planet has driven him to create his own agency, Amazonas Images and Terra Institute, with which he dreams to recover the Amazonian forest. Salgado's photographs of refugees show the best and the worst of humanity. The UNICEF Ambassador and photojournalist, is famous for his personal touch in capturing the worst humanitarian crises.
After studying Economics at the University of Sao Paulo in (Brazil) and Vanderbilt University (USA), Sebastiao worked with the International Coffee Organisation for which he traveled constantly. But he loved photography and always carried a camera in his suitcase. As an advisor to the World Bank, he traveled to Angola and Mozambique where he observed extreme exploitation. There he decided to use photography to show the world this reality and in 1973 he left his job to become a professional photographer. Since then, he has never stopped traveling. He teamed up with the best agencies: Magnum Photos, Sygma and Gamma. In 1994, he founded the Amazonas Images Agency, with his wife, LĂŠlia Wanick.
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He dedicated his first projects to show the miserable conditions of work in Africa and Latin America. Then he focused on the famine and drought crises in North Africa, especially in Ethiopia. Salgado was an eyewitness to miseries and horrors. In 1987, his first selffunded project, surprised the world causing a flood of praise and criticism. He made an amazing black and white work on the exploitation, almost animal, in a gold mine in Brazil. It was published in the New York Times magazine and removed the foundations of photoreporting. Salgado is different from all photographers. He conceives and creates his extensive projects as titanic long-term endeavours. He presents them in exhibitions and books with his very personal stamp: a strong visual coherence and a clear message for humanity.
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From 1977 to 1984, Salgado traveled throughout Latin America visiting ethnic groups and tribes in remote mountain villages and the most lost jungles, which he captured in his book "Other Americas" (1986). He traveled to 26 countries for seven years to examine the evolution of manual labor. He published "Workers", “The Hand of Man” (1993). He focused on the growing increase of human migrations that he exposed in two books: "Migrations" and "The Children", highlighting the most defenceless. "In all situations of crisis, war, misery or natural disaster, children are always the biggest victims.” But his commitment goes far beyond his photographs. In 1998, he converted a large piece of land that he inherited from his family into a nature reserve and created the Terra Institute. In addition to photography, he works to reforest the depleted jungle of the Amazon. In 1998 he managed to convert part of his native land into a nature reserve. Together with his wife, the Terra Institute, aims to protect nature and ethnic groups in danger of extinction.
The great heart of Sebastiao Salgado leads him to collaborate as a volunteer with “Médecins sans Frontières” (Doctors with no borders) and the World Health Organization. He has been UNICEF Goodwill Ambassador for many years. What differentiates Salgado's photography, in his representation of human suffering, is that he shows the inner strength of the survivors, beyond the tragedy. Behind each photograph we perceive a strong love for humanity, compassion instead of sorrow, empathy instead of morbid. He describes injustice by letting the subject himself speak through his powerful images. But this becomes an emotionally exhausting experience.
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He took some of the most shocking and moving images while living with refugees fleeing the genocides in Rwanda. Deeply affected by the ethnic extermination of the Tutsi tribe by the Hutus. He took heartbreaking images of refugee victims in camps in Congo and Zaire. "Doing my work, involves living with the subjects of my photographs, sharing with them their moments of pain, witnessing the injustices they suffer and trying to find a ray of light in the midst of such dense darkness.” Precisely, the main criticism he has received is to represent genocides. They accuse him that, instead of reporting human tragedies, he "embellishes" their misery. The aesthetic quality of his photographs is undeniable. Photography can be a double-edged sword when it comes to describing tragedies. "I'm not an artist, an artist makes an object. I do not make objects, I work in history. I'm a narrator.”
He has received prestigious awards: Eugene Smith Scholarship for Humanistic Photography (1982), World Press Photo (1985) and Visa d'Or, Festival Visa pour l'Image (1990). He is an Honorary Member of Art & Science Academy, USA. In 2016, he was elected in France: Member of the Académie des Beaux-Arts and Chevalier de la Légion d’Honneur. He was guest of honor of the Master of Photography, the "Oscars" of Photography. Among the jury: Oliviero Toscani, Mark Sealy and Elisabeth Biondi, from the magazine New Yorker. Exhausted from photographing human pain, Salgado switched into nature. He created a monumental project entitled "Genesis". It is his impressive selection of the purest beauties in the planet: landscapes, fauna, flora and indigenous peoples that still live according to ancestral traditions.
+ ART
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It is a kind of a catalog inventory, with black and white images, collecting the best of nature, animals and primitive tribes. In 2018 they were exhibited in Paris and also in streets of other European cities, outdoors, in giant format. His photographs are exhibited in museums and galleries around the world. He has published books such as: "Other Americas" (1986), "Sahel: l'homme en détresse" (1986), "The End of the Road" (1988), "Workers" (1993), "Terra" (1997), "Migrations" and "Children's Portraits" (2000), "Africa" (2007), "Genesis" (2013), "The Scent of Dream" (2015), "Kuwait, a burning desert" (2016)... In 2013 a book was published on the life and work of Salgado: "From my land to the planet". In 2014 the documentary “The salt of life" was filmed, co-directed by Wim Wenders and Juliano Ribeiro Salgado. It won at Cannes Film Festival, the César Award (2015) and was nominated with an Oscar for Best Documentary, by the Hollywood Academy.
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Celebrating the anniversary of the Universal Declaration of Human Rights, the Musée de l'Homme in Paris presents its latest exhibition: "Declarations: Sahara, India, Afghanistan" (2019). For Salgado, human rights are the most important ethical reference planet. They really summarise his entire life and work experience. I wonder what will be the next project of this giant of the lens, with eyes in the soul. With his profound sensitivity, he has heard the tears and collected the purest wonders through more than 100 countries. His work, not only expresses the pain and the beauty. In addition, he aims to awaken consciences trying to repair some of the wounds of humanity and the land that he loves so much.
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Proyecto en venta en la mejor zona de La Moraleja, Madrid. For sale in ther best part of La Moraleja, Madrid, Spain +info: realestate@ibermaison.com
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LIUAO CH HION + FAS
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T
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Liu Chao y su empoderamiento femenino más neutral Mujeres empoderadas y decididas a mirar hacia el frente sin titubeos. Así es la mujer a la que Liu Chao invita a vestir sus creaciones más sofisticadas. Si hay alguien que durante los próximos meses apuesta por el empoderamiento femenino ése es Liu Chao. Y es que el joven diseñador de origen oriental da forma, a través de todas y cada una de sus puntadas, a combinaciones con las que la mujer parece sentir, más que nunca, la necesidad irrefrenable de demostrar al mundo entero su poder y carácter decidido. Liu Chao busca a una mujer valiente, sin tapujos ni dobleces, que ansíe demostrarse y demostrar al mundo su eterna capacidad de reinventarse sin miedos. La próxima temporada otoñoinvierno, Liu Chao propone llenar nuestros armarios con prendas que, a pesar de ser dignas herederas del estilo «ready to wear», se encuentran impregnadas del más puro estilo de la alta costura. Piezas contemporáneas y totalmente desinhibidas que dejan entrever el saber estar y distinción a los que el joven diseñador chino nos tiene acostumbrados. El diseñador chino utiliza esta colección para hablarle a la mujer cara a cara, sin dobleces; y la insta a ganar autoconfianza y a disfrutar de su vida sin mirar atrás por nada ni por nadie.
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Liu Chao busca a una mujer segura de sí misma que encuentra en la neutralidad su mejor y más eficaz arma de seducción. Una seducción que no deja a un lado el espíritu de la alta costura pero que busca en la comodidad la mejor manera para salir airosa de esos encuentros sociales en los que convertirse en epicentro de todas las miradas. Y es que Liu Chao se ha convertido en un auténtico maestro de la aguja y el patronaje, quien ha conseguido que, durante los próximos meses, el universo femenino se llene de una funcionalidad elegante que no dejará indiferente a nadie. Una funcionalidad que conseguirá que la mujer encuentre su sitio en el mundo de los negocios sin olvidar esa marcada sensualidad que busca encontrar su hueco en las frías noches de invierno. En esta colección, Liu Chao ha escogido el terciopelo como rey indiscutible de su universo; como verdadero protagonista de un sinfín de elegantes combinaciones, que se ajustan a una silueta femenina que se abandona a una modernidad y sofisticación sin medida. El terciopelo, el satén y algún que otro detalle de tul se convierten en esos elementos rompedores que aportar ese toque chic y distinguido que transforman en única la más simple de las creaciones. +info: neomaniamagazine.com
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LIUAO CH HION + FAS
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T
REPOR
Liu Chao and his most neutral feminine empowerment Empowered women determined to look forward without hesitation. These are the women invited by Liu Chao wear his most sophisticated creations. If there is anyone who is committed to female empowerment during the next months, it's Liu Chao. The young Oriental designer gives shape, through each and every one of his stitches, to combinations with which women seem to feel more than ever the irrepressible need to show the world their power and resolute character. Liu Chao is looking for brave women, fair and transparent, who want to prove both to their inner selves and to the world their eternal ability to reinvent themselves fearlessly. The next autumn-winter season, Liu Chao suggests that we fill our wardrobes with garments that, despite being true daughters of the prĂŞt-Ă -porter, are also imbued with the purest style of haute couture. Contemporary and totally uninhibited pieces that reveal the poise and distinction that we are accustomed to seeing from the young Chinese designer. The Chinese designer uses this collection to talk to women face to face, without deceit, and he urges them to gain self-confidence and to enjoy their life without looking back for anything or anyone.
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Liu Chao looks for selfconfident women who find in neutrality their best and most effective weapon of seduction. This seduction does not put aside the haute couture spirit but seeks in comfort the best way to become the centre of attention in social meetings. Liu Chao has become a true maestro of stitching and pattern designing, who has succeeded in filling the feminine universe with an elegant functionality that won't go unnoticed during the coming months. This functionality will get women to find their place in the world of business without forgetting that noticeable sensuality, which seeks to find its place during the cold winter evenings. In this collection, Liu Chao has chosen velvet as the undisputed king of his universe, as the true protagonist of a myriad of elegant combinations, fitting a female silhouette that gives in to a modernity and sophistication without measure. Together with velvet, satin and a tulle detail or two become ground-breaking elements in order to bring that chic and distinguished touch that turn the simplest of creations into unique ones. +info: neomaniamagazine.com
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escándalo y misticismo Con Balthus no hay medias tintas. Es un artista al que se ama o se detesta. Considerado uno de los grandes maestros del arte del siglo XX, Balthus es sin duda, uno de los pintores más singulares de su tiempo. Su obra, diversa y ambigua, tan admirada como rechazada, siguió un camino virtualmente contrario al desarrollo de las vanguardias. Su lenguaje pictórico personal, con sensuales desnudos de contornos delimitados, combina técnicas de los maestros antiguos con determinados aspectos del Surrealismo. Sus imágenes encarnan una infinidad de contradicciones. Balthus es un experto en mezclar polos opuestos: tranquilidad con tensión extrema, sueño con realidad, el misterio con lo cotidiano y algo aún mas original: inocencia con erotismo.
El tema principal que permanece en el aire de sus pinturas es ese halo, ese resplandor luminoso de extrañas emociones que se llama adolescencia. Este artista exigente y caprichoso, fue apadrinado por algunos de los más grandes creadores del siglo XX, sin embargo, empezó a pintar en un periodo de enorme ansiedad cultural, por la invasión del Nazismo y el estallido de la Segunda Guerra Mundial. Se inició en el Postimpresionismo, de la mano de Pierre Bonnard. Su obra podría situarse entre el Surrealismo y el Realismo Mágico. Pero además, tiene profundas influencias del Renacimiento: Masaccio, Piero della Francesca... del Barroco: Caravaggio y del Naturalismo: Poussin, Géricault, Gustave Courbet...
S U H T L A
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ÍA © MAR T R O P RE + ART
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AN DE JU
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Balthus Klossowski de Rola nació en París en 1908, en una familia ilustrada de origen polaco. Su padre, Erich Klossowski, historiador y profesor de arte, procedía de los cambiantes territorios de Polonia. Su madre, Baladine Spiro, pintora, era hija de judíos rusos escapados de los polgroms. Tras su encuentro en Alemania, se establecieron en Paris, donde nacieron sus dos hijos. Su hermano fue un famoso escritor, Pierre Klossowski. Balthus creció en un entorno marcado por el arte. Por su casa desfilaron artistas que despertarían su talento: Pierre Bonnard, íntimo de su padre y Rainer Maria Rilke, amante de su madre. Pintores célebres como Matisse, Bonnard y Jean Cocteau eran invitados habituales en la casa. El niño se formó en este ambiente cultural privilegiado, bajo la protección especial del poeta checo-austriaco Rilke. Animado por él, Balthus decidió aprender a pintar en el Museo del Louvre, donde acudía cada día para copiar a los grandes maestros.
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En la época de plena ebullición de los “ismos” triunfantes en Paris, jamás siguió los movimientos en boga. En sus largas sesiones como pintor autodidacta en el Louvre, fue un disciplinado copista de David, Poussin y Chardin. Sin embargo, nunca le interesaron las vanguardias. La Primera Guerra Mundial marcó la ruptura de la ensoñación. Su familia escapó refugiándose en Suiza. Sus padres se separaron y su madre se unió a Rilke. El poeta, que apreciaba el talento del joven de 13 años publicó “Mitsou”, un libro con sus primeras pinturas y escribió su prologó. El protagonista era un gato. El felino aparecerá con insistencia en toda su obra, como testigo mudo de la indolencia de sus personajes. Con ellos hizo su primer viaje a Italia. Allí echó a volar su imaginación al descubrir los pintores renacentistas. Las obras de Piero della Francesca en Arezzo y las de Masaccio en la Capilla Brancacci, se fundieron en su mente con los estilos de sus admirados franceses como Poussin y Courbet.
Balthus conoció en Ginebra a su primera esposa, Antoinette de Watteville. La bella aristócrata, fue madre de sus dos hijos y posó como modelo para algunos de sus cuadros como “La jupe blanche”, 1937. Vivieron en Ginebra, Berna y Friburgo hasta que, finalizada la guerra, pudieron volver a Paris. Allí, se hizo amigo de Picasso y Miró, pero se mantuvo alejado de su senda artística, despreciando el arte abstracto. El lograba asombrar a todos con el misterio de sus composiciones figurativas, pobladas de niñas en plena pubertad. Picasso apreciaba su pintura. Según sus memorias, le dijo a Balthus: “Eres el único de los pintores de tu generación que me interesa. Todos los demás quieren ser Picasso. Tú no”. Picasso Su amigo mas influyente fue el escritor y filósofo André Malraux. En 1961, siendo Ministro de Cultura en Francia, nombró a Balthus Director de la Academia Francesa en Roma donde pasó 16 años.
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Su vida en la bellísima Villa Medici le proporcionó un anonimato matizado por el ascenso en la cotización de sus obras. Allí se dedicó a restaurar las decoraciones murales del edificio y desde entonces, la técnica del fresco estuvo muy presente en su pintura. En 1962 junto con Malraux, viajó a Asia, donde conoció a una joven traductora japonesa, Setsuko Ideta, de 19 años. El tenía 54. El matrimonio del pintor con Setsuko, 35 años más joven, consolidó su pasión por el arte y la filosofía japonesa. Ella, que le admiraba ciegamente, mezclaba sus colores, dando un brillo especial al cromatismo de su paleta. Su dandismo se manifestó en una impresionante colección de kimonos y prendas orientales, que vestía a diario. La fabulación sobre sus orígenes formó parte del mito de su paraíso perdido. Balthus, que atribuyó a su padre el Condado de Rola (Polonia), hizo bordar su escudo en kimonos, ropa de cama, toallas...
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Al abandonar su puesto de Director en la Villa Médici de Roma (1977), su deseo de retirarse del mundanal ruido, le llevó a comprar un hotel abandonado, el chalet más grande de Suiza con 5 plantas y 113 ventanas. Allí instaló un enorme estudio y vivió 24 años con su mujer y musa, Setsuko, la hija de ambos, Harumi (hoy famosa diseñadora de joyas) y con sus nietos, hasta el fin de sus días. El Grand Chalet de Rossinière tiene aires de castillo encantado. Es un monumental edificio del Siglo XVIII, cerca del lago Léman, que hoy alberga la Fundación Balthus, creada por Setsuko y Harumi. Desde muy joven, su obra estuvo bien valorada por una minoría que adquiría sus cuadros a precios considerables. Al reconocimiento público, le siguieron sus brotes de grandeza. Decidió que tenía un pasado aristocrático y se convirtió, con mucha imaginación, en el Conde Klossowski de Rola. Además presumía de un remoto parentesco con el célebre escritor Lord Byron por parte de una abuela escocesa.
Incluso recreó la genealogía de su madre, Baladine, que trasladó a una familia protestante del sur Francia, ricos comerciantes sefardíes emparentados con el Emperador ruso, el zar Nicolas Romanov. Pero esto, como otras muchas cosas, son leyendas inventadas de un artista genial. A Balthus le gustaba bromear diciendo que por nacer un 29 de febrero sólo cumplía edad cada cuatro años. Su longevidad le posibilitó atravesar todo el siglo XX como uno de los artistas mas independientes. El prefería calificarse de artesano. Fue testigo de todos los movimientos y vanguardias europeas y americanas. Como por arte de magia, siempre se mantuvo al márgen como espectador silencioso. Desde su primera exposición en Paris en 1934, el estilo sobrio, contenido y la atención simbólica a los objetos contrastan con la ambiguedad temática. “Deseo buscar lo extraordinario en las cosas ordinarias... sugerir, no imponer, mantener un toque de misterio en mis pinturas”
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Uno de los elementos más polémicos de su pintura son esas figuras femeninas de adolescentes dotadas de una sexualidad ambivalente, entre la inocencia y la provocación. Aún hoy, después de su muerte, son objeto de críticas por parte de sectores moralistas conservadores.
Ya en su primera exposición en 1934, su obra “La calle”, provocó un escándalo por representar un episodio de acoso. Suscitó una encendida polémica hasta el punto de que el comprador le pidió que volviera a pintar la mano del acosador más separada de la niña en el cuadro original.
Sus pinturas mas criticadas fueron inspiradas por una sobrina que vivió con el y otra niña vecina, Therese, a quienes pedía que posaran para él desnudas.
No fueron estas adolescentes las únicas que escandalizaron en sus exposiciones. En “La lección de guitarra” presenciamos el castigo de una alumna cuya ropa es rasgada por la profesora. La violencia es explícita. Las connotaciones sexuales, evidentes. El tono se rebaja en escenas cuya calma no deja de resultar inquietante.
El pintor siempre dijo que sus niñas no eran sino “ángeles”, una calificación ambigua, entre lo profano y lo religioso, que hay que destacar teniendo en cuenta la confesada religiosidad del artista. Devoto de la Virgen de Czestochowa, llegó a visitar al Papa Juan Pablo II y según sus propias palabras: “Pintar es rezar”. “Lo que deseo pintar es el secreto del alma... la tensión oscura y a la vez luminosa de su capullo aún sin abrir del todo”. Balthus repitió sus temas favoritos: niñas adolescentes ensimismadas, dormidas, mirándose al espejo, desnudas, quitándose la ropa y en actitudes poco ortodoxas. +176
Se podría decir que Balthus consiguió pintar la adolescencia envasada en silencio. Sus lienzos hablan de evasión, misterio y un pseudo misticismo repleto de incógnitas. En los retratos de Therese Blanchard, hija de sus vecinos en Suiza, la actitud es grave y consciente. La contemplación se tensa.
Es necesario acercarse a estas obras desde la perspectiva del mundo de los sueños y especialmente del Surrealismo cuya esencia Balthus compartió con creadores como Salvador Dali y Jean Cocteau. Las teorías de Sigmund Freud cargaron de sentido las fantasías diurnas, conscientes o subconscientes, de los artistas. La sexualidad freudiana se exploró desde una perspectiva simbólica, estrechamente vinculada a la infancia. Si a Dali este enfoque le llevó a la sugestión del juego visual, Balthus se adentró en el aislamiento de adolescentes que duermen para huir de su encierro. Como en “Les enfants terribles” de Jean Cocteau (1929), los muros definen un espacio de emociones confusas. El mismo Balthus huía de una realidad que le incomodaba. Tras la Segunda Guerra Mundial encontró su refugio en el Château de Chassy, en Borgoña.
+info: neomanaimagazine.com
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scandal and mysticism With Balthus there are no half measures. He is an artist who is loved or detested. Considered one of the great masters of art of the twentieth century, Balthus is undoubtedly one of the most unique painters of his time. His work, diverse and ambiguous, as admired as rejected, followed a path virtually contrary to the development of the avantgarde. His personal pictorial language, with sensual nuances of delimited contours, combines techniques of ancient masters with certain aspects of Surrealism. His images embody an infinity of contradictions. Balthus is an expert in mixing opposite poles: tranquility with extreme tension, dream with reality, mystery with everyday life and something even more original: innocence with eroticism.
The main theme that remains in the air of his paintings is that halo, that luminous glow of strange emotions called adolescence. This demanding and capricious artist, was sponsored by some of the greatest creators of the twentieth century, however, he began painting in a period of enormous cultural anxiety, for the invasion of Nazism and the outbreak of World War II. It began in Post-Impressionism, by the hand of Pierre Bonnard. His work could be between Surrealism and Magic Realism. But it also has profound Renaissance influences: Masaccio, Piero della Francesca... from the Baroque: Caravaggio and Naturalism: Poussin, Géricault, Gustave Courbet...
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AN DE JU
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Balthus Klossowski de Rola was born in Paris in 1908, in an illustrated family of Polish origin. His father, Erich Klossowski, historian and art teacher, came from the changing territories of Poland. His mother, Baladine Spiro, painter, was the daughter of Russian Jews escaped from the polygroms. After their meeting in Germany, they settled in Paris, where their two children were born. His brother was a famous writer, Pierre Klossowski. Balthus grew up in an environment marked by art. Throughout his house, artists paraded his talent: Pierre Bonnard, his father's intimate and Rainer Maria Rilke, his mother's lover. Famous painters such as Matisse, Bonnard and Jean Cocteau were regular guests in the house. The child was trained in this privileged cultural environment, under the special protection of the Czech- Austrian poet Rilke. Encouraged by him, Balthus decided to learn to paint in the Louvre Museum, where he went every day to copy the great masters.
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In an era full of boiling "isms" triumphing in Paris, he never followed the movements in vogue. In his long sessions as a self- taught painter in the Louvre, he was a disciplined copyist of David, Poussin and Chardin. However, he was never interested in the avantgarde. World War I marked the breakup of reverie. His family escaped by taking refuge in Switzerland. His parents separated and his mother joined Rilke. The poet, who appreciated the talent of the 13-yearold, published "Mitsou", a book with his first paintings and wrote his prologue. The protagonist was a cat. The cat will appear insistently throughout his work, as a silent witness to the indolence of his characters. With them he made his first trip to Italy. There he blew his imagination to discover the Renaissance painters. Piero della Francesca's works in Arezzo and those of Masaccio in the Brancacci Chapel, merged in his mind with the styles of his French admirers such as Poussin and Courbet.
Balthus met his first wife, Antoinette de Watteville, in Geneva. The beautiful aristocrat, was the mother of her two children and posed as a model for some of her paintings as "La jupe blanche", 1937. They lived in Geneva, Bern and Freiburg until, after the war, they could return to Paris. There, he became friends with Picasso and Miró, but he stayed away from his artistic path, despising abstract art. He managed to amaze everyone with the mystery of his figurative compositions, populated by girls in full puberty. Picasso appreciated his painting. According to his memoirs, he told Balthus: “You are the only one of the painters of your generation that interests me. Everyone else wants to be Picasso. You do not”. Picasso His most influential friend was the writer and philosopher André Malraux. In 1961, being Minister of Culture in France, he appointed Balthus Director of the French Academy in Rome where he spent 16 years.
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His life in the beautiful Villa Medici gave him an anonymity nuanced by the rise in the price of his works. There he dedicated himself to restoring the wall decorations of the building and since then, the fresco technique was very present in his painting. In 1962, together with Malraux, he traveled to Asia, where he met a young Japanese translator, Setsuko Ideta, 19 years old. He was 54. The painter's marriage to Setsuko, 35 years younger, consolidated his passion for Japanese art and philosophy. She, who admired him blindly, mixed his colours, giving a special glow to his palette. His dandism was manifested in an impressive collection of kimonos and oriental garments, which he wore daily. The fable about his origins was part of the myth of his lost paradise. Balthus, who attributed his father as the Count of Rola (Poland), embroidered his shield in kimonos, bedding, towels ...
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Upon leaving his post as Director in the Villa MÊdici of Rome (1977), his desire to withdraw from worldly noise led him to buy an abandoned hotel, the largest chalet in Switzerland, with 5 floors and 113 windows. There he set up a huge studio and he lived in the huge house for 24 years with his wife and muse, Setsuko, their daughter, Harumi (now, a famous jewelry designer) and his grandchildren, until the end of his days. The Grand Chalet de Rossinière has an enchanted castle on the air. It is a monumental building of the 18th century, near Lake LÊman, which today houses the Balthus Foundation, created by Setsuko and Harumi. From a young age, his work was well valued by a minority who acquired his paintings at considerable prices. Public recognition was followed by outbreaks of greatness. He decided that he had an aristocratic past and became, with a lot of imagination, Count Klossowski de Rola. He also boasted a remote relationship with the famous writer Lord Byron by a Scottish grandmother. He even recreated the genealogy of his mother,
Baladine, who moved a Protestant family from southern France, rich Sephardic merchants related to the Russian Emperor, Tsar Nicolas Romanov. But this, like many other things, are invented legends of a great artist. Balthus liked to joke, saying that by being born on February 29, he was only four years old. His longevity allowed him to go through the entire 20th century as one of the most independent artists. He preferred to qualify as a craftsman. He witnessed all avant-gard European and American movements. As if by magic, he always remained on the sidelines as a silent spectator. Since his first exhibition in Paris (1934), a sober style, his content and symbolic attention to objects contrasts with his thematic ambiguity. "I want to look for the extraordinary in ordinary things ... suggest, not impose, maintain a touch of mystery in my paintings"
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One of the most controversial elements of his painting are those teenage figures endowed with an ambivalent sexuality, between innocence and provocation. Even today, after their death, they are criticized by conservative moralist sectors. His most criticized paintings were inspired by a niece who lived with him and another neighboring girl, Therese, whom he asked to pose for him naked. The painter always said that his girls were nothing more than “angels”, an ambiguous qualification, between the profane and the religious, that should be noted considering the artist's confessed religiosity. Devoted to the Virgin of Czestochowa, he came to visit Pope John Paul II and in his own words: "Painting is praying." "What I want to paint is the secret of the soul ... the dark and at the same time luminous tension of its cocoon still not fully open." Balthus repeated his favorite songs: adolescent girls, absorbed, asleep, looking in the mirror, naked, taking off their clothes and in unorthodox attitudes.
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Already in his first exhibition in 1934, his work "The street", caused a scandal as it represented an episode of harassment. It sparked a heated controversy to the point that the buyer asked him to repaint the hand of the stalker more separated from the girl in the original painting. These teenagers were not the only ones who scandalized their exhibitions. In "The Guitar Lesson" we witness the punishment of a student whose clothes are torn by the teacher. The violence is explicit. The sexual connotations, evident. The tone is reduced in scenes whose calm continues to be disturbing. You could say that Balthus managed to paint the adolescence packaged in silence. His canvases speak of evasion, mystery and a pseudo mysticism full of unknowns. In the portraits of Therese Blanchard, daughter of her neighbors in Switzerland, the attitude is serious and conscious.
Contemplation tenses. It is necessary to approach these works from the perspective of the world of dreams and especially of Surrealism whose essence Balthus shared with creators such as Salvador Dali and Jean Cocteau. Sigmund Freud's theories made sense of the daytime, conscious or subconscious fantasies of artists. Freudian sexuality was explored from a symbolic perspective, closely linked to childhood. If this approach led Dali to the suggestion of visual play, Balthus delved into the isolation of teenagers who sleep to escape their confinement. As in "Les enfants terrible" by Jean Cocteau (1929), the walls define a space of confusing emotions. Balthus himself fled from a reality that bothered him. After World War II he found his refuge in the Château de Chassy, in Burgundy.
+info: neomanaimagazine.com
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Y U G OCHE LAR HION + FAS
+ 186
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Guy Laroche y su impactante sobriedad Todo al negro. No podríamos definir mejor la colección con la gran casa de moda francesa invita a vestir las curvas femeninas para la próxima temporada. Si hay alguien que sabe como nadie esculpir la figura femenina impregnándola de una sobriedad y elegancia desmedida, ese es uno de los grandes imperios franceses de moda, Guy Laroche. Y es que no hay nadie que ame el grandilocuente mundo de la alta costura que desconozca el savoir faire y tradición de una firma con un arraigo tan profundo en el mundo de la elegancia. Así, treinta años después del fallecimiento del modisto, Richard René —actual director creativo de la marca— ha alumbrado una colección que, durante los próximos meses, se alza como el más que merecido homenaje a uno de los ideólogos de la elegancia femenina en el siglo xx. Si Guy Laroche nunca dejó indiferente a nadie a lo largo de todas las décadas que se mantuvo al frente del poderoso imperio, Richard René ha hecho lo propio y el próximo otoñoinvierno 2019-2020 propone llenar el universo femenino de piezas con un estampado basado e inspirado en el mármol color negro que cubre la lápida del virtuoso del diseño fallecido el 17 de febrero de 1989.
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Así, y sin detenernos a poner en entredicho la que para muchos es considerada, a buen seguro, una macabra inspiración, la maison de origen galo apuesta por combinaciones propias de la elegancia que busca la mujer del siglo xx. Y es que, si bien es cierto que la delicadeza de los patrones empleados por Guy Laroche en cada una de las combinaciones propuestas parece proceder directamente de los mismísimos talleres de más renombre de la alta costura, realmente no lo es: estamos ante una elegancia pura, sin artificios, que encuentra en la belleza de los tejidos su mejor arma de inspiración y seducción. Guy Laroche sueña con una mujer actual, joven y desenfadada que, deseosa de convertirse en protagonista indiscutible de cualquier velada, busca envolver su silueta con vestidos de líneas rectas que le aportan ligereza y versatilidad. En su armario también seductores plisados que adornan faldas que se combinan a las mil maravillas con chaquetas de corte masculino y sensuales y sugerentes capas que, en las noches de invierno, se transformarán en esa pieza clave tras las que se esconderá ese misterio escondido —con nombre de mujer— al que todos ansían llegar y pocos alcanzarán. +info: neomaniamagazine.com
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Y U G OCHE LAR HION + FAS
+ 190
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Guy Laroche and its striking sobriety All on black. There is no better way to define the collection with which the great French fashion house invites women to dress their feminine curves for the upcoming season. If there is anyone who knows how to sculpt the female figure by imbuing it with a sober and excessive elegance, it's one of the greatest French empires of fashion, Guy Laroche. And there is no one who loves the grandiloquent world of haute couture that isn't familiar with savoir faire and tradition of a brand with such deep roots in the world of elegance. Thus, thirty years after the death of the designer, Richard RenĂŠ, current Creative Director of the brand, has illuminated a collection that, during the upcoming months, stands as the most well-deserved tribute to one of the masterminds of the 21th-century feminine elegance. If Guy Laroche never left anyone indifferent throughout all the decades that he led the powerful empire, Richard RenĂŠ has done things right, proposing for next fall-winter 2019-2020 to fill the female universe with pieces with a print based on and inspired by the black marble that covers the tombstone of the design virtuoso, who died on February 17, 1989.
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Thus, and without dwelling too much on what for many is surely considered a macabre inspiration, the Gallic fashion house opts for combinations with the elegance that the 21st century woman look for. While it's true that the delicacy of the patterns used by Guy Laroche in each of the proposed combinations seems to come directly from the most renowned sewing workshops, actually, it's not: we are before a pure elegance, without artifice, that finds in the beauty of fabrics its best weapon of inspiration and seduction. Guy Laroche dreams of a modern, young, and casual woman who, eager to become the undisputed protagonist of any soiree, seeks to let her silhouette be wrapped in straight-line dresses that bring lightness and versatility. In her wardrobe we could also find seductive pleats adorning skirts that combine wonderfully with masculine-cut jackets and sensual and suggestive layers that, during winter nights, will become a key piece behind which that secret mystery will hide —with woman's name— to which all are eager to arrive and just a few will reach. +info: neomaniamagazine.com
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UN MITO ELEVADO A ARTE "El rey del Pop" es un modelo favorito del arte contemporáneo. Fue un fenómeno social y es fuente de inspiración para artistas. Este mito elevado a obra de arte se exhibe en una exposición itinerante por museos en Inglaterra, Francia, Alemania y Finlandia. "Soy un gran fan del arte. Amo a Miguel Angel. Si tuviera la oportunidad de hablar con él, le preguntaría qué le inspiró a convertirse en quién era y sobre la anatomía en sus pinturas”. Michael Jackson Esta cita es una de las primeras sorpresas que podemos ver en la National Portrait Gallery (Museo Nacional de Retratos) de Londres, en la nueva exposición “Michael Jackson: On The Wall.”
Cuando el mundo supo de su muerte por sobredosis en 2009, la noticia se recibió con una especie de sentimiento irreal. Durante mucho tiempo, fue difícil recordar que, en realidad, era una persona. Fue un niño prodigio y en su edad adulta, se convirtió en un genuino Peter Pan, negándose a envejecer. Desde siempre, Jackson fue más un icono que un ser humano de carne y hueso. Casi una década después, su cuerpo cambia una vez mas de forma y se congela en la memoria pero su imagen extraordinaria perdura, como si nunca se hubiera ido. Esta nueva exposición, ambiciosa y estimulante, trata de medir el impacto de Michael Jackson como musa e icono cultural.
L E A H MIC KSON JAC ÍA © MAR T R O P RE + ART
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El tema de la muestra es una colección de obras de arte creadas en los años 80, donde el músico estadounidense es protagonista como principal motivo de inspiración. Las más populares son las reconocibles serigrafías de Andy Warhol. El creador fotografió al cantante con sus hermanos y luego le encargó a otro artista amigo que pintara un retrato de Michael Jackson en 1982. Pero en 1984, fue la revista TIME quien le encargó a Warhol un retrato para su portada. Fue entonces cuando escogió esta foto del cantante para hacer una de sus mas famosas serigrafías, que hizo en serie con diferentes fondos de color. En la exposición hay dos de estos retratos, que son de los mejores entre todos los expuestos. Redescubriendo las innumerables facetas de Michael, vemos un colorido retrato inspirado en grafiti, obra de su amigo, el artista callejero, Keith Harring.
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Otro artista muy interesado en el cantante, es el fotógrafo David La Chapelle. Representa a Michael como un mártir moderno que reaparece en un tríptico con connotaciones religiosas. Son tres obras kitsch de gran tamaño, creadas después de su muerte. Esta serie de fotos gigantes muestra al Rey del Pop inmerso en temas bíblicos. Otra obra de arte, bastante pretenciosa, es de Lorraine O’Grady: "El primero y el último de los modernistas”. Muestra a Michael comparado con el poeta francés del Siglo XIX, Charles Baudelaire. Entre otros retratos, uno de los mejores es obra del pintor chino Yan Pei Ming: "En memoria de Michael Jackson, 1958-2009", creado en 2017. Es un enorme lienzo en blanco y negro, pintado ocho años después de su muerte. Fue una comisión especial para esta exposición, así como las tres creaciones de video encargadas a coreógrafos franceses.
En la dirigida por Jacques Gamblin, la bailarina Raphaëlle Delaunay mezcla alegremente los famosos gestos del artista Pop con la danza clásica acompañada de música de Lully. La famosa escultura de porcelana "Michael Jackson and Bubbles" de Jeff Koons es la gran ausente. Esta pieza emblemática no fue prestada para la exposición, pero podemos verla en fotos. 48 artistas nos cuentan cronológicamente la historia de la transformación de un niño prodigio a leyenda mundial. La exposición itinerante comenzó en la National Portrait Gallery de Londres, está ahora en el Museo Grand Palais de Paris y viajará después a Alemania y Finlandia. Organizada por Nicholas Cullinan, reúne el trabajo de 48 artistas, realizadas en numerosos técnicas y medios.
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Si el rostro y cuerpo del cantante están muy presentes en la exhibición, en cambio su música, está casi ausente. Una carencia sólo aliviada por la video instalación de la artista sudafricana Candice Breitz. En su trabajo, escuchamos el álbum “Thriller” cantado a capella por 16 fans, filmados individualmente. Sin lugar a dudas, la pieza más fuerte de la muestra es de Kehinde Wiley, "Retrato ecuestre de Michael Jackson como un Rey", un retrato ecuestre clásico, del suelo al techo, encargado por el propio Jackson al final de su vida. Michael Jackson era un gran fan del pintor barroco flamenco Peter Paul Rubens. Sabiendo esto, Wiley se inspiró para este lienzo en el "Retrato del rey Felipe II de España" de Rubens en el Museo del Prado de Madrid. Representa a Michael a caballo, vestido de armadura, con vistas a una batalla y rodeado de querubines. Es brillante, casi hilarante y extremadamente original. Este cuadro fue el último encargo del cantante antes de su muerte y nunca llegó a verlo terminado.
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Un psicólogo probablemente reconocería que, sin duda, este es el retrato que dice más sobre la esencia del cantante. La pieza de Wiley es un reflejo de cómo Jackson se vio a sí mismo y, a su vez, cómo quería ser visto y recordado. Como gran parte de la vida y la carrera de Jackson, es impresionante por su audacia y extravagancia. Michael no fue solo una de las personalidades más influyentes de la música, la danza, el video y la moda del siglo XX. También es el artista más representado en el arte contemporáneo.
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A MYTH ELEVATED INTO ART "The King of Pop” is the favourite model in contemporary art. He is a social phenomenon and source of inspiration for artists. This myth elevated to art pieces shows at Museum exhibitions in England, France, Germany and Finland. “I'm a great fan of art. I love Michelangelo. If I had the chance to talk to him, I would ask what inspired him to become who he was and about the anatomy of his craftsmanship”. Michael Jackson This quote is one of the first things you see in London National Portrait Gallery at a blockbuster new exhibition “Michael Jackson: On The Wall.”
When the world first learned of his death from overdose in 2009, the news had a whiff of unreality about it. For so long, it had been hard to remember that he was actually a person. A child prodigy who in adulthood became a genuine Peter Pan, refusing to grow old, Jackson was always more an idea than a human being in the flesh. Nearly a decade later, the shape-shifting body frozen in memory, his extraordinary image endures as if he never left. An ambitious and thoughtprovoking new touring exhibition, seeks to measure the impact and reach of Michael Jackson as muse and cultural icon.
L E A H MIC KSON JAC ÍA © MAR T R O P RE + ART
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AN DE JU
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The theme of the show is a collection of artworks created in the 80’s with the American musician as protagonist motive of inspiration. The most popular, are Andy Warhol’s instantly recognisable silk-screen prints and grainy snapshots. He photographed the singer with his brothers, and Andy Warhol commissioned an artist friend to paint a portrait of Michael Jackson in 1982. But in 1984, it was TIME Magazine who asked Andy Warhol to make a portrait for its cover. It was then that he choose a photo of the singer to make one of his famous serigraphs, which he declines with different coloured backgrounds. In the exhibition there are two of these portraits, some of the best in the whole show. We will rediscover the many facets of Michael, one of them, a graffiti inspired portrait by his friend and street artist, Keith Harring.
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Another artist who was very interested in the singer, is the photographer David La Chapelle. With him, Michael appears as a modern day martyr in a triptych with religious connotations: three large kitsch kits made after his death. This series of huge photos depict the King of Pop in a number of Biblical settings. Another pretentious artwork by Lorraine O'Grady's “The First and Last of the Modernists” shows Michael compared to 19th century French poet Charles Baudelaire. Among other portraits of Jackson, one of the best is by Chinese painter Yan Pei Ming: "In memory of Michael Jackson, 1958-2009", painted in 2017. It is a huge black and white canvas, painted eight years after his death. It was specially created for the exhibition, as well as the three video creations commissioned by French choreographers.
In the one directed by Jacques Gamblin, dancer Raphaelle Delaunay happily mixes the famous gestures of the artist with classical dance on a music score by Lully. The famous porcelain sculpture “Michael Jackson and Bubbles” by Jeff Koons is notably absent. This most emblematic opener piece was not lent for the show but we can picture it in photos. 48 artists tell us chronologically the story of the transformation of a young boy overdue into a world legend. The traveling exhibition started in London National Portrait Gallery, is now at Grand Palais in Paris and it will travel to Germany and Finland. Curated by Nicholas Cullinan, it brings together the work of 48 artists across numerous media.
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If the body of the singer is very present in the exhibition, his music on the other hand is almost absent. A lack filled by the video installation of South African artist Candice Breitz. In this work, we hear the album “Thriller” sung a cappella by 16 fans filmed individually. With no doubt, the strongest piece is by Kehinde Wiley, “Equestrian Portrait of Michael Jackson as King Philip II”, a floor-to-ceiling sized cod-classicist portrait commissioned by Jackson himself shortly before he died. Michael Jackson was a huge fan of Flemish Baroque painter Peter Paul Rubens and, knowing this, Wiley was inspired for this canvas on Ruben’s “Portrait of King Phillip II of Spain” in the Prado Museum (Madrid). It depicts Michael on horseback, in full armour, overlooking a battle and surrounded by cherubs. It is brilliantly, almosthilariously and gaudy. This painting was the last commission by the singer before his death but he could never see it finished.
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A psychologist would probably recognise that certainly, this is the portrait that says the most about the essence of the singer himself. Wiley's piece is a reflection of how Jackson saw himself, and, in turn how he wanted to be seen and remembered. Like so much of Jackson's life and career, it is breathtaking and extravagant in its audacity. Michael was not only one of the most influential personalities of music, dance, video and fashion of XX Century. He is also the most represented artist in contemporary art.
IBER ON MAIS
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LA MELANCOLIA PINTADA Olga, una joven bailarina de ballet rusa, se convirtió en la primera esposa de Picasso. Ella abrió su vida a un mundo sofisticado donde conoció a Sergei Diaghilev, Erik Satie y Jean Cocteau. Olga es la esposa olvidada de Picasso, descrita como una snob depresiva y neurótica, como una carga para el gran artista. Pero una interesante exposición investiga la historia real y aporta una luz diferente sobre Olga Khokhlova. La muestra "Olga Picasso" viaja a cuatro museos en Paris, Moscú, Madrid y Málaga. Picasso se enamoró locamente de la hermosa bailarina rusa en 1917 después de verla bailar en el Teatro du Chatelet. Ella bailaba con los Ballets Russes, dirigidos por el genial coreógrafo Sergei Diaghilev.
Dirigía la compañía con la colaboración del músico Erik Satie y el artista Jean Cocteau. Picasso diseñó escenarios y vestuario. Desde esa noche, Olga se convirtió en su primer gran amor y modelo. Olga Stepanovna Khokhlova fue una bailarina de ballet rusa de ascendencia noble, pero más conocida como la primera esposa de Pablo Picasso, una de sus primeras musas artísticas y la madre de su primer hijo, Paulo. Sus retratos son de ojos serios y nariz perfectamente recta. Con cierta tensión facial, como aún vestida con el vestuario cubista que diseñó Picasso para su ballet. Olga nació en Nezhin, Ucrania (1891-1955). Quiso ser bailarina cuando vió una actuación en Francia. Entró en Ballets Russes de Sergei Diaghilev donde Picasso colaboraba como diseñador. Después de conocerle, Olga abandonó la compañía, que realizó una gira por Sudamérica, y se quedó en Barcelona.
A G OL ASSO PIC
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El la presentó a su familia. Al principio, su madre se alarmó por la idea de que su hijo pudiera casarse con una extranjera, por lo que le regaló un retrato de Olga como española: “Mujer con Mantilla". Olga regresó con Picasso a Francia donde vivieron juntos. Allí se casaron en la Catedral Ortodoxa Rusa de Paris. Jean Cocteau y Max Jacob fueron testigos de boda. Olga se convirtió en su principal musa artística. En Londres asistieron a la presentación de "Le Tricorne", para la cual Picasso había diseñado de nuevo vestuario y escenarios según el deseo de Sergei Diaghilev. El nuevo ballet también se realizó en la Alhambra de Granada y en la Opera de Paris en 1919. Fue un enorme éxito.
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Olga era una bailarina femenina, siempre disfrazada y juguetona con sus amigos y sus perros. Establecidos en Paris, amuebló la casa con lujo y glamour, a la última moda. Tenían automóvil con chófer perros de raza y un estudio en el segundo piso. Daban cenas y fiestas. A Olga le gustaban la moda cara, el caviar y el champán. Pero tenía razones para estar preocupada. Su padre, coronel del Ejército Imperial Ruso, desapareció en el caos de la Revolución Bolchevique. Mientras Olga y Picasso escalaban socialmente en Paris, su familia lo perdió todo. En 1921, Olga dió a luz a un niño llamado Paulo. Fue el periodo más feliz de su vida familiar. Hay muchos retratos sentimentales de Olga y el niño vestido de arlequín, con sombrero redondo, sobre un burrito. Picasso idealizó a Olga en pinturas como modelo de maternidad perfecta tras el nacimiento de su primer hijo. Pero pronto la relación falló pues se enamoró de una joven de 17 años que conoció en la calle. Desde entonces, su unión familiar se fue hundiendo.
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Presentó a Olga como melancólica, a menudo sentada o leyendo. Sus primeros cuadros eran una visión carnal, pero con el tiempo, su ardor se enfrió. Más tarde, aparece en las pinturas, deformada y contorsionada por el dolor y sufrimiento. En 1927, Picasso, entonces de 45 años, comenzó un romance con una joven francesa de 17 años, MarieTherese Walter, quien le dió una hija, Maya. Fascinado por la rubia jovencita, llevaba una doble vida. En 1935, Olga se enteró del asunto e incluso de que la amante estaba embarazada. Inmediatamente, Olga tomó a Paulo, se mudó al sur de Francia y solicitó el divorcio. Picasso se negó a dividir su propiedad con ella, por lo que la mantuvo legalmente casada con él hasta su muerte en 1955. La exposición aporta una visión fascinante sobre el vínculo directo entre su vida amorosa y sus estilos de pintura. Los documentos confidenciales muestran una visión más matizada de su relación.
Olga es una mujer muy misteriosa. En sus retratos y fotos no sonríe mucho… pero cuando aparece en películas, parece muy alegre, casi como una niña. Era conocida por sus ataques de celos, pero obviamente había una tensión real. ¿Tuvo Picasso amor y respeto por ella? Él también era un prisionero de su situación, que expresó al compararse con el Minotauro encarcelado, siendo mitad toro mitad hombre. Se separaron pero ella siempre dependió de él económicamente. Olga tuvo serios problemas para aceptar la separación. Estaba completamente sola y sufrió un gran dolor emocional. Después de la guerra, cuando Picasso se estableció en el sur de Francia, Olga le seguía, de hotel en hotel, viviendo de su maleta, mientras que su hijo, Paulo, se convirtió en el chófer de su padre. Ella le enviaba a Picasso tarjetas con fotografías de Paulo y los nietos. Pero Picasso nunca respondía a sus cartas y evitó la reconciliación que ella tanto deseó.
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Acusada de "loca" por Picasso, paralítica y abandonada por todos, murió de cáncer en Cannes en 1955. Cuatro años más tarde, Picasso se casó con Jacqueline Roque, 45 años más joven. La pintó obsesivamente en más de 400 obras de arte, hasta su muerte en 1973. Paulo, hijo de Olga, se casó con Emilienne Lotte. Tuvieron dos hijos: Pablito y Marina. Pablito, el nieto, se casó con Christiane Pauplin y se suicidó con solo 26 años. Su único hijo, Bernard Ruiz Picasso, cofundó el Museo Picasso de Málaga junto con su madre, Christiane. Marina Picasso, fundó un orfanato en Thu Duc, Vietnam, en una antigua base militar en 1990. Llamada "Aldea de la Juventud", fue financiada por la herencia de su abuelo. La fundación organiza excavación de pozos, envía leche a orfanatos y hospitales y otorga becas y préstamos agrícolas. Escribió un libro sobre sus propias experiencias de vida: "Picasso, mi abuelo” (Riverhead Books, 2001).
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Basándose en la exposición, cartas, fotografías y películas, Olga emerge como musa del Periodo Clásico del pintor (19141925). Aqui Picasso muestra influencias de Miguel Angel, Ingres, Renoir, arte griego y romano... Pinta mujeres fuertes, con una paleta de bronceados pálidos y grisallas. Picasso ha sido condenado a menudo de misógino machista. Su impulso sexual y egoísmo dejaron un rastro de destrucción tras él. Tres de los miembros de su familia se suicidaron: su amante Marie- Therese, su segunda esposa Jacqueline Roque y su nieto Paulo. Picasso pintó a Olga, pero ciertamente no la hizo feliz. Un gran artista... pero un hombre tremendamente complicado. Los retratos de Olga tienen una presencia pesada y modelada que recuerda a la escultura. Su visión nos revela un corazón melancólico herido.
Exposición “Olga Picasso” Musée Picasso, Paris. 2017 Museo Pushkin, Moscú. 2018 Museo Picasso, Málaga. Febrero-junio 2019 Foro Caixa, Madrid. Junio-Septiembre 2019
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PAINTED MELANCHOLY Olga, a young Russian ballet dancer, became Picasso’s first wife. She opened up his life into a sophisticated world where he met Sergei Diaghilev, Erik Satie and Jean Cocteau. Olga was Picasso’s forgotten wife, written out of history as a neurotic, snobbish depressive who was a drag on the great artist. But inspired in museum exhibitions we research through the real history, bringing a different light shining on Olga Khokhlova. The show “Olga Picasso” travels to four museums through Paris, Moscow, Madrid and Malaga. Picasso fell madly in love with the beautiful Russian ballerina in 1917 after seeing her dance “Parade” on the opening night at Theatre du Chatelet. She was a member of the Russian Ballets, directed by the genius choreographer Sergei Diaghilev.
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He was leading the company and worked closely with musician Erik Satie and artist Jean Cocteau. Picasso created the stage sets and costumes. Since that night, Olga became his first great love, main model and muse. Olga Stepanovna Khokhlova was a Russian ballet dancer of noble descent but better known as the first wife of Pablo Picasso, one of his earliest artistic muses and the mother of his first son, Paulo. Her portraits have serious eyes and a perfectly straight nose. Restraint and tenseness as if she was still wearing that cubic costume designed by Picasso for her ballet. She was born in Nezhin, Ukraine (1891-1955). Olga wanted to be a ballerina from the time she visited France and saw a performance. She became a member of the Ballet Russes of Sergei Diaghilev for whom Picasso designed costumes and theatre stage.
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After meeting Picasso, Olga left the ballet company, which toured South America, and stayed with him in Barcelona. He introduced her to his family. At first his mother was alarmed by the idea that her son could marry a foreigner, so he gave her a painting of Olga as a Spanish girl: “Woman in Mantilla”. Later Olga returned with Picasso to France, where they lived together. Olga married Picasso in 1918, at the Russian Orthodox Cathedral in Paris. Jean Cocteau and Max Jacob were wedding witnesses. Olga became his main artistic muse. They went to London for the performance of “Le Tricorne” for which Picasso again had designed costumes and stage on Sergei Diaghilev's wish. The new ballet was also performed at the Alhambra in Granada (Spain) and Paris Opera in 1919. It was a great success.
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Olga was a feminine dancer, always dressing up and playful with ballet friends and her dogs. Settled in Paris, she furnished the house in a glamorous and luxurious manner, in the high of fashion. They had a car with a driver, highbred dogs and art studio on the second floor. They threw receptions and dinner parties. Olga liked expensive clothes, caviar and champagne. But she had good reasons to be sad and preoccupied. Her father, colonel in the Russian Imperial Army, disappeared in the chaos of the Bolshevik revolution. While Olga and Picasso were climbing the Paris social ladder, her family lost everything. In 1921, Olga gave birth to a boy named Paulo. It was the happiest period of their family life. Picasso painted many sentimental portraits of Olga and little Paul dressed as harlequin, in a round hat, sitting on a donkey. Picasso idealised Olga on canvas as model of perfect motherhood after the birth of his first son. But soon the relationship began to go wrong since he fell Inin love with a 17 year old girl that he met on the street. From then on, the family union deteriorated. +216
He portrayed Olga as melancholic, often sitting or reading. First his view of her was carnal, but as time went by, his ardour cooled. Later as their marriage soured, she appears in his paintings as deformed and contorted by pain and regret. In 1927, Picasso, then 45, began a nine year affair with 17 year old French girl, Marie-Therese Walter who gave him a daughter, Maya. Infatuated with the blond young girl, he was leading a double life. In 1935, Olga learned of the affair and even that his lover was pregnant. Immediately, Olga took Paulo, moved to the south of France and filed for divorce. Picasso refused to divide his property so he kept her legally married to him until her death in 1955. The exhibition allows a really fascinating study of the direct links between the artist, his love life and painting styles. Confidential documents show a more nuanced view of their relationship. Olga is a very mysterious woman. In his portraits and photos of her she doesn’t smile a lot... but when you see her in films, she is actually very joyous and girllike.
She was known for her jealousy fits but obviously there was real tension. Did Picasso had love and respect for her? He too was a prisoner of their situation, which he expressed in comparing himself to the imprisoned Minotaur, mythological being half-man half-bull. They separated but she still depended on him financially. Olga had real trouble accepting the separation. She was completely alone and suffered great emotional pain. After the war when Picasso settled in the south of France, Olga followed him, going from hotel to hotel, living out of her suitcase, while their son, Paulo, became his father’s chauffeur. She would send Picasso little cards with photographs of Paulo and the grandchildren as if they were still a family. But Picasso never replied to her letters and wanted nothing of the reconciliation and conventional family life that Olga craved.
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Dismissed as “mad woman” by Picasso, paralytic and abandoned by society, she died from cancer in Cannes in 1955. Four years later Picasso married Jacqueline Roque, 45 years younger. He painted her obsessively, over 400 artworks, until his death in 1973. Paulo, Olga’s son, was married to Emilienne Lotte. They had two children: Pablito and Marina. Pablito, the grandson, married Christiane Pauplin and committed suicide with 26 years. Their only child Bernard Ruiz Picasso, cofounded the Picasso Museum in Malaga with his mother, Christiane. In 1990 Marina Picasso founded an orphanage in Thu Duc, Vietnam, in a former military base. Named "The Village of Youth", it was funded by her inheritance from her grandfather. The foundation organises digging of wells, sends milk to orphanages and hospitals, and grants farming subsidies and scholarships. She wrote an interesting book about her own life experiences: “Picasso, My Grandfather” by Riverhead Books (2001).
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Based on the exhibition, letters, photographs and films, Olga emerges as a muse of the painter's Classic Period (1914-1925). Here Picasso shows influences from Michelangelo, Ingres, Renoir, Greek and Roman Art. Michelangelo. He paints strong women, with a palette of pale tans and grisailles. Picasso has often been condemned as a macho misogynist, whose sex drive and selfishness left a trail of destruction behind him. Three of his family members committed suicide: his lover Marie- Therese, his second wife Jacqueline Roque and his grandson Paulo. Picasso painted Olga but he certainly didn’t make her happy. A great artist... but an extremely complicated man. Olga's portraits have a heavy, patterned presence reminiscent of sculpture. His vision reveals a wounded melancholic heart.
Exhibition “Olga Picasso” Musée Picasso, Paris. 2017 Pushkin Museum, Moscow. 2018 Museo Picasso, Malaga. Feb - June 2019 Caixa Forum, Madrid. June - Sep 2019
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Escultora de la libertad femenina Artista versátil francesa, Niki de Saint Phalle fue pintora, escultora, directora de cine e incluso diseñó arquitectura. Niki nació en Francia en 1930, como Catherine Marie-Agnès Fal de Saint Phalle. Era de familia francoamericana de clase media. Fue violada por su padre a los once años y se convirtió en una joven inestable y perturbada. Su familia se mudó de Neuilly-sur-Seine (Francia) a Nueva York. Desde muy temprana edad, Niki tuvo una belleza extraordinaria. Desde los 16 años, trabajó como modelo. Sus fotos aparecieron en Vogue, Harper Bazaar y en la portada de Life Magazine.
Aunque tuvo éxito como modelo, fue mucho mas que una cara bonita. Era un poco renacentista, pues hizo incursiones en el activismo, arquitectura, cine, performance y lo que le hace más conocida: sus esculturas. A los 19 años, se casó con Harry Mathews, futuro escritor y miembro del grupo experimental OuLiPo, en Nueva York. A los 20, Niki comenzó a pintar y dio a luz a su hija. Se mudaron de Manhattan a Paris. Después de viajar entre Europa y USA entró en profunda depresión. Tras una grave crisis nerviosa, la artista fue hospitalizada en Niza. Los médicos le diagnostican esquizofrenia y la trataron con terapia de electroshocks. Sólo tenía 23 años.
E D I K I N NT I A S E L L A H P
ORT
REP TURE C E T I H AN + ARC DE JU A Í R A ©M
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Alentada por su psiquiatra, se dedicó por completo al arte. Su proceso creativo le ayudó a salir del trauma. Pintora autodidacta, comenzó a crear arte para curar su crisis. En 1955 descubrió la obra del arquitecto Antoni Gaudi y dio a luz a su segundo hijo. "Mi crisis mental fue buena a largo plazo, porque dejé la clínica y decidí ser pintora.” Diez años más tarde, estaba inmersa completamente en el mundo del arte y era amiga de surrealistas como Marcel Duchamp y Salvador Dali. Su primera exposición fue "Les Tirs" (Disparos), una serie de extrañas actuaciones con rifle. En lugar de pinceles, usaba una escopeta para disparar pintura, yeso y objetos. Disparaba pintura mientras su público lanzaba globos de colores. Se hizo famosa. Estaba traumatizada por su pasado y "disparar" era una manera de expulsar a sus demonios de su subconsciente. Disparando contra sus lienzos, disparaba a su padre y a la sociedad, para liberarse. “En el corazón humano hay necesidad de destruir todo. Destruir es afirmar la existencia propia en contra de todo".
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Tras dos años de actuaciones provocativas, Niki se retiró a un mundo más privado y femenino. Comenzó a representar el papel de las mujeres en el mundo. En 1965, su exposición "Nanas" presentaba pinturas, dibujos y esculturas de mujeres enormes, que recuerdan a las figuras femeninas prehistóricas, diosas de la fertilidad. Estas obras voluptuosas, brillantemente decoradas, representan mujeres llenas de vida. Se han convertido en su marca registrada. "Para mi, mis esculturas representan el mundo de las mujeres en expansión, su aspiración a lo mas grande, las mujeres en el mundo de hoy, las mujeres en el poder". Bailarinas y atléticas, grandes a veces imponentes, a veces sexy ¡incluso gigantes! ... llevan la esperanza de un nuevo mundo donde las mujeres consiguen el lugar que les corresponde. Libres de estereotipos impuestos por la moda, sus cuerpos expresan una feminidad sin moderación, un feminismo con sonrisa, como la artista cuya voz representan.
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"Quiero ser superior: tener los privilegios de los hombres y mantener todas esas cualidades femeninas, mientras continúo usando bonitos sombreros". Las Nanas se reproducen en forma de globos inflables, serigrafías, joyas ... Son guerreras de la batalla feminista, en la que Niki fue una de las primeras en liderar dentro del mundo del arte. A sus ojos, uno de los propósitos de la creación es traer alegría, humor y color a la vida. Los grandes proyectos arquitectónicos que completó en los 60 forman parte de esta visión del arte: un lenguaje universal para hacer felices a las personas. También creó una exposición llamada "Papá", una denuncia virulenta a su padre, relacionada con su trauma de infancia. En 1955 se mudó a España y descubrió la obra del arquitecto Antoni Gaudi del siglo XIX y especialmente su Parc Güell en Barcelona. Fue una enorme inspiración para comenzar a explorar el mundo de objetos encontrados y la cerámica.
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“Frente al parque Güell sentí escalofríos, relámpagos... temblaba por todas partes. Ese día mi destino se hizo claro: un día yo también, a mi manera, haría un fantástico jardín de esculturas".
Son absolutamente surrealistas y fantásticas. Este jardín es un regalo, una extraña joya de la arquitectura, totalmente única, con un estilo 100% propio de Niki.
Niki decidió crear sus propias figuras arquitectónicas en un enorme espacio campestre cubierto de árboles. Creó un grupo de esculturas monumentales inspiradas en los personajes de cartas antiguas.
A pesar de la grandeza del jardín, sus obras más admiradas son sus "Nanas". Siguen cautivando a los amantes del arte y son increíblemente populares.
En 1979, empezó a trabajar en su "Jardín del Tarot” en Capalbio, Toscana. Fue su proyecto más ambicioso e impresionante, una mezcla de arquitectura, escultura y pintura. El inmensoso jardín de esculturas tardó décadas y millones de dólares en completarse. Incluso vivió en una de sus gigantescas figuras durante la construcción. El jardín se abrió al público en 1998. Niki siguió trabajando en sus piezas hasta su muerte en 2002, a consecuencia de años de inhalación de vapores tóxicos del poliéster que usaba para crear sus obras. Las figuras deslumbrantes, cubiertas con mosaicos reflectantes, espejos rotos y colores, son asombrosas en tamaño y número. +224
Su amigo Marc Bohan, diseñador de Dior (19601989), es uno de sus ávidos coleccionistas. Las Nanas de Niki fueron su inspiración para la colección Dior, Primavera 2018. A lo largo de su prolífica carrera, Niki creó un complejo conjunto de series en varios medios, profundamente arraigados en temas socio políticos. Sus temas van de lo alegre a lo profundo, de lo irónico a lo intelectual. La naturaleza paradójica de su trabajo aún no se ha explorado a fondo. Fue una de las primeras mujeres en recibir reconocimiento internacional durante su vida y logró convertirse en una personalidad pública.
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Se le ha comparado con Andy Warhol. Ambos supieron usar los medios de comunicación hábilmente para la divulgación de su trabajo. Recientemente, se celebró una gran exposición organizada por el Museo Guggenheim de Bilbao y los Museos Nationales de Francia (Grand Palais) con la Fundación de Arte de Niki. Sin ningún estudio formal en arte, Niki se inspiró en el arquitecto Gaudi y en pintores como Dubuffet y Jackson Pollock para inventar su mundo singular, independiente de cualquier tendencia o movimiento artístico. Toda su carrera está sublimada por grandes temas y mitos, que articulan su obra. La parte alegre y colorida de su trabajo es bien conocida, pero su violencia, compromiso y posiciones radicales han sido olvidadas. Esto es también cierto con sus audaces performances, el contenido político y feminista de su obra y sus ambiciosas esculturas públicas de gran tamaño.
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Puede ser por alegría, por rabia o simplemente por un anhelo para liberarse de las rígidas reglas que la sociedad impone a las mujeres... lo que queda claro es que Niki de Saint Phalle captó las emociones conflictivas de la humanidad transformándolas en optimismo y fuerza vital.
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SCULPTOR OF FEMALE FREEDOM A versatile french artist, Niki de Saint Phalle was simultaneously painter, sculptor, film director and even designed architecture. Niki was born in France in 1930 named Catherine MarieAgnès Fal de Saint Phalle. She was from a middle class Franco-American family. Raped by her father at the age of eleven, she then became an unstable, disturbed young girl. The family moved from Neuillysur-Seine (France) to New York. From an early age, Niki had an extraordinary beauty. Since 16, she worked as a model. Her photos appeared in Vogue, Harper’s Bazaar and cover of Life Magazine. Niki de Saint Phalle was never just a pretty face, although she did have success as a model.
She was a bit of a renaissance woman, dabbling in activism, architecture, film, and acting and what she has become best known for: her sculptures. At 19 years old, she married Harry Mathews, future writer and member of the OuLiPo experimental group, in New York City. At 20, Niki started to paint and gave birth to their daughter. Niki and Harry moved from Manhattan to Paris. After travelling back and forth between Europe and USA, she went into a deep depression. Following a serious nervous breakdown, the artist was hospitalised in Nice. Doctors diagnose her with schizophrenia and treated her with electroshock therapy. She was only 23 years old.
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EPORT
ER ECTUR T I H C + AR JUAN ÍA DE R A M ©
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Encouraged by her psychiatrist, she dedicated herself wholly to art. Her artistic creation helped her come out of the blues. A self-taught painter, she began making art to heal her crisis. In 1955 the artist discovered the work of architect Antoni Gaudi and gave birth of her second child. “My mental breakdown was good in the long run, because I left the clinic decided to be a painter” Ten years later, she was fully embraced by the art world and friendly with Surrealists artists like Marcel Duchamp and Salvador Dali. Her first exhibition was “Les Tirs” (Shootings), a series of strange rifle performances. Instead of brushes, she used a gun to shoot plaster, paint cans and objects. She shot paint with a gun while her audience threw coloured balloons. This made her famous. She was very troubled by her past and “shooting” was a way of externalising her demons within. By firing at her canvasses she was shooting at her father and society, in order to free herself. “In the human heart there is an urge to destroy all. To destroy is to affirm one’s existence in the face of and against everything.”
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After two years of provocative performances, Niki withdrew into a more private, feminine world and began to represent the role of women in the world. In 1965, she had her first exhibition called “Nanas” with a series of paintings, drawings and sculptures of huge women, reminiscent of prehistoric female figures representing fertility. These voluptuous, brightly decorated pieces depict women full of life. They have become her trademark. “For me, my sculptures represent the world of women amplified, women’s aspiration of greatness, women in the world today, women in power.” Dancing and athletic, large sometimes imposing, sometimes sexy ¡even giant!... they carry hope for a new world where women would have their rightful place. Free from the stereotypes imposed by fashion, their bodies express femininity without restraint, feminism with a smile, like the artist whose voice they express. “I want to be superior: have the privileges of men and keep more of those feminine qualities, all while continuing to wear pretty hats." +230
The Nanas are reproduced in the form of inflatable balloons, silkscreen prints, jewellery... They are warriors in the feminist battle which Niki was one of the first to lead in the world of art. In her eyes, one of the purposes of creation is to bring joy, humour and colour into life. The large architectural projects that she completed starting in the late 1960s are part of this vision of art: able to speak to everyone and make people happy. She also created an exhibition called “Daddy”, a virulent denunciation of her father that was connected with her childhood trauma. In 1955 she moved to Spain and discovered the work of XIX century architect Antoni Gaudi and specially his Parc Güell in Barcelona. Gaudi was a huge inspiration for her to start exploring the world of found objects and ceramics.
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“Facing Park Güell I felt chills, flashes of lightning. I was shaking all over. That day my fate was clear: one day I, too, in my own way, would make a fantastical sculpture garden.” Niki decided to create her own architectural figures in a huge countryside, with a group of monumental sculptures inspired by ancient cards characters. In 1979, she set to work on “The Tarot Garden” at Capalbio, Tuscany. This was her most ambitious and impressive project, a mix of architecture, sculpture and paint. The sprawling garden took decades and millions of dollars to complete. She even lived in one of her massive figures during construction. It was opened to the public in 1998. Niki was still working on her pieces up until her death in 2002. She died as a consequence of years inhaling toxic polyester fumes while creating her art. The dazzling figures, covered with reflective mosaics, broken mirrors and colours, are staggering in size and numbers. They are utterly surreal and fantastical. This garden is a gift, a strange jewel of architecture, totally unique and 100% Niki’s own style. +232
Despite the grandeur of this garden, her most beloved works are arguably her "Nanas". Incredibly popular, they continue to captivate art fans today. Her friend Marc Bohan, Dior designer (1960-1989), was one of many avid collectors. Her art was his inspiration for Spring 2018 Dior Collection. Throughout her prolific career, she created a complex body of work in various mediums, deeply embedded with sociopolitical issues. With themes ranging from joyful to profound, from ironic to intellectual, the paradoxical nature of her work has yet to be fully explored. She was one of the first women to receive international recognition during her lifetime and she successfully created a public persona. She has been compared to Andy Warhol. Both were able to use the media to skilfully guide the divulgation of their work. A recent exhibition was organised by the Guggenheim Museum Bilbao and French Réunion des Musées Nationaux-Grand Palais with the participation of Niki’s Charitable Art Foundation.
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Without any formal art training, Niki took her inspiration from architect Gaudi and painters like Dubuffet and Jackson Pollock to invent a singular world independent of any trend or art movement. Her entire career is sublimated by great themes and myths, which articulate her entire oeuvre. The joyous, colourful side of her work is well known but its violence, commitment and radical stands have been forgotten. This is equally true of her audacious performances, political and feminist content of her work and her ambitious public sculptures. It can be out of joy, rage or simply a longing to free from the rigid rules that society imposes on women ... what is clear is that Niki de Saint Phalle captured the conflicting emotions of humanity transforming them into optimism and vital force.
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W E R D AN GN HION + FAS
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REPOR
Andrew Gn nos sorprende con su lado más salvaje Cuando la elegancia y la feminidad encajan a la perfección, nacen cosas tan bonitas como lo que nos propone el diseñador Andrew Gn para la próxima temporada. Poco podía imaginar Richard Mason que la historia de amor imposible entre un artista inglés y una prostituta china que ocupaba las páginas de la obra que años más tarde inspiraría la película El mundo de Suzie Wong (1960) servirían de modelo a un diseñador oriundo de Singapur en pleno siglo xxi. Pues eso es justo lo que ha pasado con la colección que Andrew Gn propone para vestir a la mujer durante el próximo otoño-invierno. Esta interacción profunda entre dos mundos tan distintos, pero a la vez tan iguales y complementarios, como pueden llegar a ser Asia y Europa, es la que ha propiciado que la mente de Andrew Gn haya volado hasta Hong Kong y decidido instalarse en ese rinconcito del Universo para alumbrar una colección espectacular en la que feminidad y grandilocuencia se dan cita en todas y cada una de las puntadas que dan forma a las piezas firmadas por el diseñador procedente de Singapur. Una colección en la que la mujer va a encontrar auténticas piezas de arte de una belleza sin precedentes y que va a beber de la tendencia del animal print de una manera más que fascinante. De leopardo, de serpiente, de cebra… estampados print en diferentes tamaños y colores por doquier que nos transportan a lugares salvajes e idílicos en los que la sensualidad impregna cada poro de la piel femenina que se decanta por Andrew Gn para vestir sus momentos más sugerentes y especiales.
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La coquetería se ha puesto de moda, irrumpe en nuestras vidas para quedarse y ofrecernos una visión totalmente renovada y delicada de una moda que se adapta a todos los cuerpos, que busca ensalzar las cualidades de cada uno y hacer que la mujer sueñe con convertirse en una auténtica reina del entorno más chic. Andrew Gn propone a la mujer que, en los próximos meses, se deje seducir por colores seductores y brillantes que, a pesar de no necesitar artificio alguno para conseguir atraer hacia sí la atención de los más curiosos, encuentra en pequeños y coquetos broches en forma de mariposa un complemento más que perfecto para aportar ese toque de distinción que puede llegar a hacer de una combinación sobria y sencilla algo diferente y especial. Elegantes vestidos del satén más delicado rematados con divertidos flecos y plumas; sugerentes minifaldas que dejan entrever una sensualidad desmedida; elegantes abrigos de porte distinguido; lentejuelas en blanco y negro llamadas a convertirse en las auténticas reinas de la pista; cuidados encajes que dan ese toque de distinción a sobrias creaciones monocolor… Andrew Gn propone un amplísimo abanico de opciones con las que transformarse en esa delicada femme fatale que llega dispuesta a subir la temperatura en las frías noches de invierno. Y como colofón, sofisticados estampados florales que, a modo de tejido brocado, se alzan como elemento claro de distinción en la pasarela diaria que Andrew Gn nos propone y a la que nos invita a unirnos cuando el calendario anuncie la llegada de los días grises de temperaturas frías. Unas jornadas que se tiñen de rojo, naranja, azul y mucho negro y blanco, que vienen a convertirse en las tonalidades más acertadas para una mujer que ansía seducir, dejar ella y convertirse en fuente de inspiración para las musas más exigentes y sumamente coquetas y femeninas.. +info: www.neomaniamagazine.com
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W E R D AN GN HION + FAS
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REPOR
Andrew Gn surprises us with his wildest side When elegance and femininity are a perfect fit, things as beautiful as what the designer Andrew Gn proposes to us for next season are born. Little could Richard Mason imagine that the impossible love story between an English artist and a Chinese prostitute that filled the pages of the novel that would later inspire the movie The World of Suzie Wong (1960) would also serve as a model for a Singaporean designer in the 21st century. That is exactly what happened with the collection that Andrew Gn proposes in order to dress women during the next autumn-winter. This deep interaction between such different worlds, at the same time so equal and complementary, as Asia and Europe can be, has led Andrew Gn's mind to fly to Hong Kong and to decide to settle in that corner of the globe, conceiving a spectacular collection where femininity and grandiloquence come together in each and every one of the stitches that shape the pieces signed by the designer from Singapore. In this collection women will find authentic pieces of art of an unprecedented beauty that will draw from the animal print trend in the most fascinating way. Leopard, snake, zebra ... prints in different sizes and colours everywhere that transport us to wild and idyllic places where the designer imbues every pore of female skin with elegance, skin that opts for Andrew Gn to dress it during very special and suggestive moments. Flirtation is now trending - it bursts into our lives to stay and offers us a totally renewed and delicate vision of fashion that suits every body shape, aiming to extol the qualities of each of them and make women thus dream of becoming real queens of the finest atmospheres.
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Andrew Gn proposes that women let themselves be seduced in the upcoming months by appealing and brilliant colours that, despite having no need for artifice to draw the attention of the most curious, find in small and cute butterfly-shaped brooch pins the perfect complement to bring that touch of distinction that turn a sober and simple combination into something different and special. We'll find elegant dresses made of the most delicate satin and finished with fun fringes and feathers; suggestive miniskirts revealing an excessive sensuality; elegant coats of distinguished appearance; black and white sequins called to become the real queens of the dancefloor; delicate laces that give that touch of distinction to sober monochrome creations... Andrew Gn proposes a wide range of options with which to transform oneself into that delicate femme fatale that comes ready to raise the temperature on the cold winter nights. And as a finishing touch, sophisticated floral prints rise in brocade as a clear element of distinction in the daily catwalk that Andrew Gn proposes to us and invites us to join when the calendar announces the arrival of the grey days of cold temperatures. These days are dyed with red, orange, blue, and a lot of black and white, intended to become the most accurate tonalities for women who long to seduce, becoming a source of inspiration for the most demanding and feminine and posh muses. +info: www.neomaniamagazine.com
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Surgió en un periodo cuando los intereses de los poetas y los pintores coincidían. El Simbolismo es un movimiento literario y de artes plásticas originado en Francia en la década de 1880, paralelo al Postimpresionismo. El término simbolista procede del mundo literario. El primero en utilizarlo fue el poeta Jean Moréau en su "Manifiesto Simbolista" (1885) y posteriormente se aplicó al nuevo estilo de pintura. Nació como reacción al enfoque realista de los pintores de la época. Tanto el Impresionismo, como el naturalismo académico se identificaban con los problemas políticos, intelectuales y morales. En cambio, los simbolistas, disgustados por la incapacidad de la sociedad para resolver problemas, buscaron nuevos valores basados en la dimensión espiritual.
Sentían un rechazo total por la vida diaria, la aglomeración, la actividad industrial y la degradación ambiental. Sentían un estado anímico de gran decepción y buscaban descubrir una realidad más allá de lo empírico. Admiraban al filósofo alemán y sus teorías: “El mundo visible es mera apariencia y sólo adquiere importancia cuando somos conscientes de que a través de él, se expresa la verdad eterna.” Schopenhauer
Para ellos, la pintura era una válvula de escape, un instrumento para evadirse de la realidad.
Los simbolistas no querían pintar la realidad, sino pintar para trascender a otros ámbitos a través de la intuición y la meditación. Consideraban que la obra de arte equivale a una emoción inspirada en la experiencia personal. Trataban de exteriorizar un sentimiento, una idea, de analizar el yo profundo.
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Les interesaba la capacidad de sugestión, ansiaban establecer correspondencias entre objetos y sensaciones, les fascinaba el misterio y les intrigaba el ocultismo. Sentían la necesidad de expresar una realidad distinta al mundo tangible y una gran tendencia hacia todo lo espiritual. El símbolo se convirtió en su instrumento de comunicación y por eso pintaban figuras inventadas, rodeadas de signos extraños en mundos ideales. Estaban dotados de una inclinación sublime por lo sobrenatural, lo que no se ve, el mundo de las sombras, lo misterioso...
B M I S
O M S I L O
T REPOR AN U + ART J ÍA DE © MAR
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La revelación de Sigmund Freud, creador del psicoanálisis, sobre la vida de los sueños y la existencia de una parte irracional en el ser humano, se convirtió en la base clave para los conceptos simbolistas, que reivindicaban la búsqueda interior.
Los simbolistas prestaron especial atención a la forma, con un gran dominio de la técnica pictórica, puestos al servicio de unos ideales que van más allá de la pura apariencia. Puede decirse que se trata de una pintura de ideas, sintética, subjetiva y muy decorativa.
El mundo de Moreau se divide entre la Historia Sagrada y la Mitología. Está poblado de adolescentes andróginos, mujeres fascinantes pero perversas y personajes extraídos de la Biblia que se convierten unas veces, en seres humanos y otras, en mitos clásicos.
Como fuente de inspiración también cultivaron el Subjetivismo y el Antirracionalismo e incluso hicieron aflorar interés por el Cristianismo.
Plasman sus sueños y fantasías haciendo alusiones a símbolos y sueños. A veces utilizan colores fuertes para resaltar el sentido onírico de lo sobrenatural.
Para crear nuevos personajes, estudiaron lo que mas les fascinaba: la ambigüedad, lo andrógino, la belleza hermafrodita, la mujer fatal que destroza cuando ama, el roll devorador de la feminidad...
Los principales artistas de este estilo de pintura fueron los franceses Gustave Moreau, Puvis de Chavannes y Odilon Redon.
En “La aparición” narra el trágico episodio cuando Salomé le presenta al rey Herodías la cabeza de San Juan Bautista en una bandeja. Aunque se trata de una obra de contenido religioso, la figura femenina, que representa a la mujer fatal, emana una desbordante sensualidad.
Sus cuadros están habitados por mujeres que brotan del mundo del subconsciente. Para huir de la realidad pintaron seres fantásticos como esfinges, sirenas, arañas, pegasos, centauros, minotuaros, ángeles... Algunos de sus seres imaginarios son incorpóreos y aparecen en mundos inventados, envueltos en rica ornamentación, a veces exagerada.
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Gustave Moreau Este parisino (18261898), hijo de arquitecto y madre música, se puede considerar el inventor del Simbolismo. Fascinado por el Renacimiento, se inspiró en Leonardo Da Vinci y Miguel Angel y estudió también a Mantegna y Giovanni Bellini. Su obra se caracteriza por un lenguaje pictórico de extraordinaria riqueza ornamental y cromática. Trabajó el pigmento con texturas muy gruesas, por lo que la superficie de sus lienzos resulta irregular.
En “Edipo y la esfinge” introduce un mundo mitológico lleno de significados, preguntándose por la esencia humana. Sólo con leer los títulos de sus obras es fácil imaginarse que el pintor desea introducirnos en los misteriosos ambientes de sus cuadros: “Piedad”, “Orfeo”, “Hércules”, “La danza de Salomé”, “La Hidra de Lerna”, “Los unicornios”... Lo mejor de su obra está en el Museo Gustave Moreau de Paris.
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Puvis de Chavannes El joven Pierre (1824-1898) fue alumno del genio del Romanticismo, Eugene Delacroix y es el más clásico de todos los simbolistas. Las ideas que quiere plasmar se mueven dentro del equilibrio y la tranquilidad. Sus obras mas destacadas son inmensos murales para edificios públicos de Paris, pintados al óleo y no al fresco, por lo que parecen suprimir la tercera dimensión. Su interés por la pintura plana le llevó a las más atrevidas distorsiones, tanto en sus figuras como en la perspectiva de sus paisajes. En 1870 pinta “La Esperanza”, título que ya indica que no se trata de una simple imagen, sino que está pintando una idea. Representa a la Esperanza como una mujer desnuda, asequible y armoniosa. La pinta de forma académica, simbolizando el deseo de paz como reacción contra la guerra franco prusiana que asolaba Europa. En su obra “Visión antigua” vuelve al mundo mitológico y escoge a ninfas como protagonistas, rodeadas de una naturaleza irreal e idealizada.
+248
Aqui, como en todos sus cuadros, transmite paz, sosiego y relax. En “El verano” mantiene la misma idea, pintando figuras inertes al servicio de sus conceptos favoritos: calma y tranquilidad. Odilon Redon Nacido en Bordeaux (1840-1919) estudió con Leon Gerôme, de estilo Academicista. Su interés por el inconsciente, lo onírico y lo fantástico se hace patente en su temática. Su obra se puede dividir en dos partes: una en color y otra en blanco y negro. Para Redon, el negro era el príncipe de los colores. Algunos ejemplos son sus obras “La araña sonriente”, “El sueño acaba con la muerte” o “El ojo como un globo extraño se dirige hacia el infinito”. Esta última es un claro precedente del Surrealismo. El tema del ojo es simbolista y lo retomarán intensamente los surrealistas, como Dali en sus oleos y Buñuel en su film “El Perro Andaluz”.
En las litografías de Redon aparecen metáforas a obras de escritores de la llamada Literatura Decadente, (Decadentismo) como Edgar Alan Poe, Baudelaire y Flauvert. A partir de 1895 surge el color en sus pinturas. Su obra se hace más brillante y alegre y refleja su pasión por el estudio de las flores: “Ofelia entre las flores”, “Cíclope”, “Orfeo”... El simbolismo no puede definirse como un estilo artístico unitario, sino como un conglomerado de encuentros pictóricos individuales que supera nacionalidades y periodos cronológicos. Influenciados por esta línea podemos encontrar artistas posteriores tan dispares como Van Gogh, Gauguin, Klimt o Munch y surrealistas como Dali y Chagall. A finales del Siglo XIX el Simbolismo derivó hacia otros estilos con aplicaciones decorativas a la vida cotidiana y de profundo impacto en el arte europeo del Siglo XX: el Modernismo y el Art Nouveau.
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It emerged in a period when the interests of poets and painters coincided. Symbolism is a literary and plastic arts movement originated in France in the 1880s, parallel to PostImpressionism. The symbolist term comes from the literary world. The first to use it was the poet Jean Moréau in his “Symbolist Manifest" (1885) and it was later applied to the new style of painting, born as a reaction to the realistic approach of the painters of the time. Both Impressionism and academic naturalism were identified with political, intellectual and moral problems. Symbolists, disgusted by the inability of society to solve problems, sought new values based on spiritual dimension. For them, painting was an escape valve, an instrument to evade from reality.
They felt a total rejection to daily life, agglomeration, industrial activity and environmental degradation. They were in a mood of great disappointment and sought to discover a reality beyond the empirical. They admired the German philosopher and his theories: "The visible world is mere appearance and it only acquires importance when we are aware that through it, the eternal truth is expressed." Schopenhauer The symbolists did not want to paint reality, but they painted to transcend other areas through intuition and meditation. They considered that a work of art is equivalent to an emotion inspired by personal experience. They tried to externalize a feeling, an idea, to analyze the deep self.
They were interested in the capacity of suggestion, they longed to establish correspondences between objects and sensations, they were fascinated by mystery and intrigued by occultism. They felt the need to express a different reality from the tangible world and a great tendency towards everything spiritual. The symbol became their instrument of communication and that is why they painted invented figures, surrounded by strange signs in ideal worlds. They were endowed with a sublime inclination for the supernatural, what is not seen, the world of shadows, the mysterious...
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SIM
T REPOR AN U + ART J E ÍA D © MAR
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The revelation of Sigmund Freud, creator of psychoanalysis, about the life of dreams and the existence of an irrational part in the human being, became the key basis for the symbolist concepts, claiming for interior search. As a source of inspiration, they also cultivated Subjectivism and Antirationalism and even brought out interest in Christianity. To create new characters, they studied what fascinated them the most: ambiguity, androgynous, hermaphrodite beauty, fatal woman who destroys when she loves, the devouring roll of femininity... Their paintings are inhabited by women who sprout from the subconscious world. To escape reality they painted fantastic beings like sphinxes, mermaids, spiders, pegasus, centaurs, minotuaros, angels ... Some of their imaginary beings are disembodied and appear in invented worlds, wrapped in rich ornamentation, sometimes exaggerated. The symbolists paid special attention to form, with a great mastery of pictorial technique, placed at the service of ideals that go beyond pure appearance. +252
It can be said that it is a painting of ideas, synthetic, subjective and very decorative. They capture their dreams and fantasies making allusions to symbols and dreams. Sometimes they express them with strong colors to highlight the oneiric sense of the supernatural. The main artists of this style of painting were the French Gustave Moreau, Puvis de Chavannes and Odilon Redon. Gustave Moreau This Parisian (1826-1898), son of an architect and a musician mother, can be considered the inventor of Symbolism. Fascinated by the Renaissance, he was inspired by Leonardo Da Vinci and Michelangelo and also studied Mantegna and Giovanni Bellini. His work is characterized by a pictorial language of extraordinary ornamental and chromatic richness. He worked the pigment with very thick textures, so the surface of his canvases is irregular. The world of Moreau is divided between Sacred History and Mythology.
It is populated by androgynous teenagers, fascinating but perverse women and characters taken from the Bible who sometimes become human beings or turn into classic myths. In "The apparition" he tells the tragic episode when SalomĂŠ presents King Herodias with the head of Saint John the Baptist on a tray. Although it is a work of religious content, the female figure, which represents the fatal woman, emanates an overflowing sensuality. In "Oedipus and the Sphinx" he introduces a mythological world full of meanings, wondering about the human essence. Just by reading the titles of his works it is easy to imagine that the painter wishes to introduce us into the mysterious environments of his paintings: "Piety", "Orpheus", "Hercules", "Salome's dance", “The Hydra of Lerna", "The Unicorns" ... The best of his oeuvre is in the Gustave Moreau Museum in Paris.
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Puvis de Chavannes Pierre Puvis de Chavannes (1824-1898) was a student of the genius of Romanticism, Eugene Delacroix and he is the most classic of all symbolists. The main concepts he wanted to translate move within balance and tranquility. His most outstanding works are huge murals for public buildings in Paris, painted in oil and not in fresco, so they seem to suppress the third dimension. His interest in flat painting led him to the most daring distortions, both in his figures and in the perspective of his landscapes. In 1870 he painted "Hope", a title that already indicates that it is not a simple image, but he is painting an idea. Represents Hope as a nude, affordable and harmonious woman. He painted her in an academic way, symbolizing the desire for peace as a reaction against the Franco Prussian war that was ravaging Europe. In his work "Ancient Vision" he returns to the mythological world and chooses nymphs as protagonists, surrounded by an unreal and idealized nature.
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Here, as in all his paintings, he transmits peace, tranquility and relaxation. In "Summer" he keeps the same idea, painting inert figures at the service of his favorite concepts: calm and tranquility. Odilon Redon Born in Bordeaux (18401919), he studied with Leon Gerôme, an Academicist. His interest in the unconscious, the oneiric and the fantastic is evident in his oeuvre. His work can be divided into two parts: one in color and one in black and white. For Redon, black was the prince of colors. Some examples are his works "The smiling spider", "The dream ends with death” and "The eye like a strange balloon directed towards infinity". The latter is a clear precedent of Surrealism. The subject of the eye is symbolist and the surrealists will intensively explore it, like Dali in his paintings and Buñuel in his film “Le Chien Andaluz".
Redon did many lithographs, as art metaphors, to illustrate books by writers of the socalled Decadent Literature, (Decadentism) such as Edgar Alan Poe, Baudelaire and Flauvert. From 1895 color arises in his paintings. His work becomes brighter and more cheerful and reflects his passion for the study of flowers: "Ophelia among the flowers", "Cyclops", "Orpheus" ... Symbolism can not be defined as a unitary artistic style, but as a conglomerate of individual pictorial encounters that surpasses nationalities and chronological periods. Influenced by this line we can find later artists as different as Van Gogh, Gauguin, Klimt or Munch and Surrealists like Dali and Chagall. At the end of the 19th century, Symbolism derived to other styles with decorative applications to daily life which had a profound impact on European art of the twentieth century: Modernism and Art Nouveau.
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MILLONARIOS EN BUSQUEDA DEL TESORO 7.000 años de historia a través de 30.000 obras de arte en la Feria TEFAF Maastricht, un punto de encuentro para coleccionistas, galeristas, comerciantes y expertos en arte. La feria de arte y antiguedades de 10 dias en Holanda atrae a mas de 75.000 visitantes. Es considerada una de las ferias de arte más importantes del mundo. Presentando casi 300 galerias internacionales de 20 países, TEFAF Maastricht muestra, año tras año, algunas de las mejores obras de arte del mercado. Además de las áreas tradicionales de pintura antigua, muebles antiguos y antiguedades, los visitantes pueden ver y comprar una gran variedad de arte clásico moderno y contemporáneo, así como joyería, diseño del siglo XX y obras en papel.
La Feria Europea de Bellas Artes (TEFAF) se celebró por primera vez en 1988. Es una feria anual de arte, organizada por la Fundación Europea de Bellas Artes en MECC (Palacio de Exposiciones y Congresos) en esta ciudad medieval de Holanda, rica en cultura e historia. Los comerciantes de veinte países muestran valiosas piezas de museo que van desde la antigüedad clásica hasta el siglo XXI, valoradas en cuatro mil millones de euros. La historia de TEFAF Maastricht viene de la herencia de dos ferias holandesas lanzadas a mediados de los años 70: Pictura y De Antiquairs International. Pictura fue la primera feria internacional de bellas artes en los Países Bajos en 1975. Antiqua fue una feria de antiguedades nacida en 1978 que se convirtió en De Antiquairs International en 1982. Ambas ferias se fusionaron en 1985.
F A TEF
T REPOR AN T R A + JU ÍA DE R A M ©
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El evento de 10 días organizado por profesionales, TEFAF Maastricht se relanzó posteriormente en 1988, con 89 galerías participantes, la mayoría de Holanda. Su objetivo eran coleccionistas acaudalados de Alemania y Suiza y creció hasta rivalizar con prestigiosos centros de arte como Londres y Paris. Aunque se creó como una feria para comerciantes de Pintura Antigua, actualmente mas de la mitad de los expositores tienen otras especialidades: arqueología, antiguedades, muebles, artes decorativas desde la Edad Media hasta hoy, libros raros y joyas. En 2014, mas del 40% de los participantes en TEFAF se especializaban en Arqueología y Antiguedades. La escasez de pinturas históricas con calidad de museo y los cambios de moda de los coleccionistas, han desembocado en un mayor énfasis por piezas de arte mas recientes.
+ ART
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En el año 2000, TEFAF lanzó por primera vez su propio estudio sobre el volumen y la estructura del mercado europeo del arte y antiguedades, que dió como resultado su publicación anual de una revista de gran prestigio: Art Market Report. "Durante años, la feria fue considerada una cita indispensable en el calendario anual del mercado del arte". Wall Street Journal Durante la época del “boom” del arte, los coleccionistas batieron records en ventas de arte contemporáneo en ferias como Art Basel en Suiza y Miami y en subastas de Christie's y Sotheby's de Londres y Nueva York. La feria celebra su 32 edición. Junto con la feria suiza, Art Basel (arte moderno y contemporáneo), TEFAF es considerada hoy como la feria de arte más importante del mundo. a
TEFAF Maastricht es definitivamente el mejor crítico de arte, por su nivel de calidad y sus métodos para garantizar la autenticidad de cada pintura y objeto expuesto. Los galeristas participantes son admitidos tras un estricto proceso de selección.
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El exámen involucra a 175 expertos internacionales en 29 categorías diferentes, que examinan cada obra por su calidad, autenticidad y condición. Objetos considerados no auténticos o de "mediana calidad" son retirados hasta el fin de la feria.
En 2003, un niño de 13 años, Brahm Wachter de Nueva York, compró un grabado de Rembrandt, "Agonía en el jardín de los olivos" (1657), del comerciante neoyorquino, David Tunick, en TEFAF, utilizando el dinero que había recibido de su bar mitzvá.
Cada año, representantes de unos 225 museos importantes visitan la feria, como Musée du Louvre de Paris, Museo del Prado de Madrid, Frick Collection de Nueva York, Fine Arts Museum de Boston, Rijksmuseum de Amsterdam y Getty Center de Los Angeles.
Entre 1995 y 1999, TEFAF Basel se celebró en Messe Basel. En 1997, TEFAF consideró celebrar otra feria satélite en Nueva York, pero no pudo encontrar un sitio lo suficientemente grande. El National Building Museum de Washington, fue también propuesto como lugar apropiado.
Hay muchos visitantes asiduos a TEFAF que son millonarios. Aproximadamente aterrizan 170 aviones privados, donde viajan personajes como Silvio Berlusconi, Calvin Klein, Michael Schumacher, Brad Pitt, Kayne West, el Príncipe Saud bin Muhammed Al Thani...
En 2013, TEFAF Maastricht anunció su proyecto para celebrar otra feria de arte en China. El nuevo evento, TEFAF Pekin 2014, se planeó como una colaboración entre Maastricht y Sotheby's, y el Grupo de Desarrollo Cultural de China Gehua, propiedad del gobierno Chino. Una aventura entre una feria organizada por galeristas y una casa internacional de subastas hubiera sido muy original, enfatizando la importancia del comercio del arte Occidental en China. Sin embargo, este ambicioso proyecto fue abandonado.
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En 2016, TEFAF anunció nuevos planes para celebrar ferias adicionales en Nueva York. El evento, con sede en Holanda, fue organizado por galeristas bajo el paraguas de la European Fine Art Foundation, una asociación sin fines de lucro, en colaboración con los asesores de arte de Nueva York, Artvest Socios, para celebrar dos ferias anuales en The Armory. Este edificio bastante original parece un castillo entre los rascacielos de Park Avenue. Las dos primeras ferias de TEFAF en Nueva York fueron en otoño y primavera de 2017. Entre los participantes se encontraban Bernard Goldberg Fine Arts, LLC, Carolle Thibaut-Pomerantz, Phoenix Ancient Art y muchos otros. Incluso aunque TEFAF Pekin no se hizo realidad, la Feria con sede en Holanda se está celebrando en Maastricht y en Nueva York. Ambas atraen a los amantes del arte como las abejas que vuelan a un rico panal. Cinco importantes galerías españolas participaron en TEFAF Maastricht 2019 (1424 de marzo):
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Coll & Cortés, socios de la prestigiosa Colnaghi Gallery de Londres se destacan con “Madona con el niño" de Francisco de Zurbarán. Esta pintura es uno de los ejemplos más bellos de este género pintado por el maestro de la Edad de Oro española. López de Aragón presenta "Virgen con el niño y San Juan" de Luis de Morales. Su marco en madera de ébano con óvalos de plata y ágatas de colores es un relicario relacionado con el rey Felipe II en El Escorial. La base conserva reliquias de varios santos. La Galeria Caylus muestra una pintura de Antonio Ponce de 1650 y obras de antiguos maestros españoles de los siglos XV y XVI, incluidas obras maestras del Maestro de Langa y Pere García de Benabarri. La Galeria Mayoral de Barcelona, especializada en Arte Moderno, expone pinturas de Antoni Tapies, Joan Miró, Pablo Picasso y Salvador Dali. Artur Ramón Art aporta lienzos de Palma de Mallorca, obra de William Degouve de Nuncques, artista belga de principios del siglo XX y un conjunto de esculturas de Malinas del 1500.
En la sección de joyería histórica, la Galería Deborah Elvira exhibe una cruz del siglo XVIII, en oro y diamantes, una cruz relicaria de 1620 y un colgante que representa a San Vicente Ferrer, elaborado en oro y esmalte. Es extraordinario pensar en la actual magnitud de esta feria, considerando su modesto comienzo como una cita bianual. En 1975 solo había 28 expositores, casi todos holandeses. Hoy, tres décadas después, reúne casi 300 galerias de todo el mundo. Hasta 1988, no se llamó Feria Europea de Bellas Artes. Con casi 30.000 metros cuadrados, se divide en nueve secciones: pinturas, antiguedades, arqueología clásica, manuscritos, joyas, arte moderno y contemporáneo, diseño del siglo XX, obras en papel y TEFAF Showcase, la sección para jóvenes galeristas. En resumen, la feria TEFAF es un paraíso de diez días para millonarios, coleccionistas famosos y simples amantes del arte que buscan tesoros de arte únicos. Se trata de una especie de gran museo donde todo está en venta.
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MILLIONERS TREASURE HUNT 7,000 years of history through 30,000 works of art at TEFAF Maastricht, a meeting point for collectors, gallerists, dealers and art experts. The 10 day Art & Antiques fair in the Netherlands attracts more than 75,000 visitors and is considered one of the world’s top art fairs. Presenting almost 300 international leading galleries from 20 countries, TEFAF Maastricht showcases, year after year, some of the best works of art on the market. In addition to the traditional areas of Old Master Paintings, antique furniture and antiquities, visitors can see and buy a wide variety of Classical Modern and Contemporary Art, as well as Jewellery, 20th Century Design and Works on Paper.
The European Fine Art Fair (TEFAF) was first held in 1988. It is an annual art fair, organised by the European Fine Art Foundation in MECC (Exhibition and Conference Center) in this Dutch medieval city rich in culture and history. Dealers from twenty countries show museum quality pieces ranging from classical antiquity to the 21st century, valued at 4 billion euros. The history of TEFAF Maastricht is the offspring of two Dutch fairs launched in the mid-1970s: Pictura and De Antiquairs International. Pictura was the first international fine art fair in the Netherlands launched in 1975. Antiqua, was an Antiques fair that started in 1978, and it became De Antiquairs International in 1982. Both fairs merged in 1985.
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T REPOR AN T R A + JU ÍA DE R A M ©
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The 10 day event organised by profesionals, TEFAF Maastricht was subsequently launched in 1988, with 89 participating galleries, the majority of them Dutch. It grew to rival known art centres like Paris and London and their target was wealthy collectors from Germany and Switzerland. Though the fair was founded as a fair for Old Master dealers, today more than half the participants have other specialties, including antiquities, furniture, decorative artwork from medieval times to today, rare books and jewellery. By 2014, over 40% of TEFAF dealers specialised in Antiques and Antiquities. A shortage of museum quality historic paintings and the shifting tastes of collectors have resulted in an increasing emphasis on more recent art pieces.
+ ART
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In 2000, for the first time TEFAF launched an independent study about the size and structure of the European art and antiques market, resulting in the annual publication of a highly recognised magazine: Art Market Report. “For years, the fair was considered a footnote in the annual art market calendar.” The Wall Street Journal During the art market boom, collectors put a premium on high-profile contemporary art sales like the Art Basel fairs in Switzerland and Miami and the biannual modern and contemporary art sales of Christie’s and Sotheby’s in London and New York. The fair celebrates its 32nd edition. Along with the Swiss fair, Art Basel (Modern and Contemporary Art), TEFAF is regarded today as the world's leading art fair. TEFAF Maastricht is definitely the highest in its level of quality and in the methods it employs to establish and guarantee the authenticity of every painting and object on offer. Participating dealers are admitted only after a strict selection process.
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TEFAF Maastricht's vetting system involves about 175 international experts in 29 different categories, who examine every work of art in the Fair for quality, authenticity and condition. A number of objects deemed inauthentic or of "poor quality" are regularly placed in storage until the fair ends.
Between 1995 and 1999, TEFAF Basel was held at the Messe Basel. In 1997, TEFAF considered launching a satelite fair in New York, but could not find a site big enough to accommodate all exhibitors. The National Building Museum in Washington DC, was also mooted as a fair venue.
Representatives from about 225 major museums visit the fair regularly, like the Musée du Louvre in Paris, Museo del Prado in Madrid, the Frick Collection in New York, Museum of Fine Arts in Boston, the Rijksmuseum in Amsterdam and the Getty Center in Los Angeles. TEFAF's wealthy visitors, many of whom fly in on about 170 private planes, have recently included Silvio Berlusconi, Calvin Klein, Michael Schumacher, Brad Pitt, Kayne West and Prince Saud bin Muhammed Al Thani.
In 2013, TEFAF Maastricht announced plans to hold another high-end art and antiques fair in China. The new event, which would have been called TEFAF Beijing 2014, was projected as a collaboration between Maastricht and Sotheby’s, a joint venture with China's state-owned Beijing Gehua Cultural Development Group. A venture between a dealer organized fair and an international auction house would have been unusual, emphasizing the importance of China for the West's art and antiques trade. However, the plans were abandoned shortly after.
In 2003, a 13 year old boy, Brahm Wachter from New York, bought a Rembrandt etching, “Agony in the Olive Garden” (1657), from the New York dealer David Tunick at TEFAF, using the money he had received from his bar mitzvah.
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In 2016, TEFAF announced plans to hold additional fairs in New York in 2016 and 2017. The Netherlandsbased event, organised by dealers under the umbrella of the European Fine Art Foundation, a nonprofit group, is collaborating with the New York art advisers Artvest Partners to hold two annual fairs at The Armory. This quite original building looks like a castle among the skyscrapers in Park Avenue. The first two TEFAF New York fairs were in Fall and Spring 2017. Participants included Bernard Goldberg Fine Arts, LLC, Carolle Thibaut-Pomerantz, Phoenix Ancient Art and many others. Even if TEFAF Beijin did not become a reality, the Dutch based Fair, is happening in Maastrict and New York. They both attract art lovers like bees fly to a rich honeycomb. Five top Spanish galleries participated in TEFAF Maastricht 2019 (March 1424):
Coll & Cortés, partners of the London prestigious Colnaghi Gallery stand out with “Madonna and Child” by Francisco de Zurbarán. This painting is considered one of the most beautiful examples of this genre painted by the master of the Spanish Golden Age. López de Aragón will bring “Virgin with the child and Saint John” by Luis de Morales. Its frame made in ebony wood with silver ovals and coloured agates, is a reliquary frame related to King Phillip II in El Escorial. The base conserves the relics of several saints. Caylus shows a painting by Antonio Ponce dated 1650 and works by Spanish Old Master painters besides tables of the fifteenth and sixteenth centuries, including masterpieces of the Master of Langa and Pere García de Benabarri. Galeria Mayoral from Barcelona, specialised in Modern Art, brings modern paintings by Antoni Tapies, Joan Miró, Pablo Picasso and Salvador Dali. Artur Ramón Art sows canvas by Bay of Palma de Mallorca, William Degouve de Nuncques, Belgian artist of the early twentieth century, and a 1500 set of Malines sculptures.
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In the Historical Jewelery section, Galeria Deborah Elvira exhibits an eighteenth century cross, made in gold and diamonds, a 1620 reliquary cross and a pendant representing San Vicente Ferrer, elaborated in gold and enamel. It is extraordinary to realise the magnitud of the fair, considering their modest beginning as a biannual appointment. In 1975 there were only 28 international exhibitors. Today, three decades later, it gathers almost 300 galleries. Not until 1988 the fair was renamed The European Fine Art Fair. With nearly 30,000 square meters, it is divided into nine sections: paintings, antiques, classical antiquities, manuscripts, fine jewelery, modern and contemporary art, twentiethcentury design, works on paper and TEFAF Showcase, a section for young gallerists. In brief, the fair is a ten day paradise for millioners, famous collectors and simple art lovers hunting for unique art treasures. It is kind of a huge museum where everything is for sale.
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