Neomania #44

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IbermAISON S.L.

EDITORIAL DIRECTOR

kArIN mehNert

ART DIRECTION mASSI ferrAChI GRAPHIC DESIGNER pepe bArrOSO

CREATIVE CONSULTANT JOSe eSpINAS

CONTRIBUTORS

mArIA de JuAN rOCíO ALCáNtArA CArmeN fOrteS ChrIStIAN tArrO yASmINA AmrANI Amee mArCOS eLIe SAAb ISSey mIyAke VIVIeNNe weStwOOd LeONArd pArIS VICtOrIA-tOmAS ANreALeAge eeNk ChAumet fILIppO fIOr pAtrICk tOurNebOeuf SALVAtOre drAgONe kOJI hIrANO Art bASeL bIeNAL de VeNeCIA pOmpIdOu metz SIgeru bAN mANdArIN hOteLS rOSewOOd hOteLS beLmONd hOteLS eAmeS fOuNdAtION ALIAS deSIgN CASSINA drIAde fONtANA Arte fLOS gerVASONI gLAS ItALIA ILINe LIgNe rOSet mOOOI pOLIhOme VItrA zANOttA ON THE COVER ONdeS et merVeILLeS ChAumet

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NADAR CONTRA CORRIENTE

después de un par de años muy desafiantes, la mayoría de las personas en todo el mundo sienten que 2022 ha sido un poco mejor. Sin embargo, prevalece la incertidumbre sobre el futuro a corto y largo plazo. en Neomania luchamos por ser optimistas de cara al 2023 aunque no estamos ciegos. el año pasado estuvo marcado por Covid, conflictos internacionales, problemas económicos y una emergencia climática cada vez más urgente.

pero los humanos nunca perdemos la esperanza, por lo que seguimos nadando contra corriente y pescando en busca de la excelencia. por eso seleccionamos a matisse en nuestra sección de arte. fue un maestro del color y sus cuadros transmiten armonía, alegría y felicidad.

tenemos el placer de presentaros las principales ferias de arte de este año: la nueva Art basel en paris y la prestigiosa biennale di Venezia. Ambas se organizaron en tiempos de pandemia con esfuerzos titánicos.

gracias a dios, eventos como estos sugieren una gran mejora comparando con el “annus horribilis” (2020) cuando el mundo cultural se congeló.

Continuando nuestra exploración a través de movimientos artísticos, nos enfocamos en el expresionismo. podemos relacionarnos con su filosofía de ira y ansiedad... tal como nos sentimos ahora. en arquitectura estamos encantados de descubrir un nuevo museo. el hermano pequeño del Centro pompidou de paris está en la ciudad francesa de metz: musée pompidou metz. el autor es el famoso arquitecto japonés Sigeru ban. ha sido galardonado con los premios pritzker (2014) y el princesa de Asturias (2022). Neomania trata de la belleza de la vida pero no estamos ciegos a la realidad. Sin duda, estamos preocupados por la seguridad mundial, la economía y el medio ambiente.

La negatividad nos rodea… desastres climáticos, armas nucleares, locas predicciones de impactos de asteroides y visitas extraterrestres. Sin embargo, presentamos un cauto optimismo en nuestras áreas favoritas de la vida. Nunca nos cansaremos de insistir en mostrarte el lado soleado del planeta. La cultura es nuestro ángel salvador.

EDITORIAL

© MARÍA DE JUAN

SWIMMING AGAINST THE CURRENT

following a very challenging couple of years, most people around the world feel 2022 has been a little bettaer. however, uncertainty about short and longer term futures prevails.

In Neomania we are struggling to be optimistic about 2023 although we are not blind. the past year was marked by Covid, international conflicts, economic woes and an increasingly urgent climate emergency.

but humans never lose hope, so we keep swimming against the current and fishing in search for excellence. that’s why we select matisse in our art section. he was a master of colour and his paintings transmite happiness and harmony and joy.

we are pleased to present the main art fairs this year: the new Art basel in paris and the prestigious Venice biennale. both were organised in times of lockdown with titanic efforts. thank god, events like these suggest great degree of improvement compared to “annus horribilis” (2020) when the cultural world froze.

Continuing our exploration through Art movements, we focus on expressionism. we can now relate to their philosophy of anger and anxiety... just as we feel now.

In architecture we are delighted to discover a new museum. the little brother of the Centre pompidou in paris is in the french city of metz: musée pompidou metz. the author is the famous Japanese architect Sigeru ban. he was awarded the pritzker prize (2014) and the princesa de Asturias (2022).

Neomania is about the beauty of life but we are not blind to reality. we are indeed concern about world security, economy and the environment.

Negativity surrounds us… climate disasters, nuclear weapons and crazy predictions of asteroid impacts and aliens visits. Nevertheless, we present a cautious optimism for our favourite areas of life.

we will never get tired of insisting in showing you the sunny side of the street. Culture is our saviour angel.

LA ELEGANCIA ATEMPORAL DE ELIE SAAB

Calidez y movimiento. Colorida confianza que pretende inspirar a la mujer que elija una creación de elie Saab para dar la bienvenida al frescor de la primavera. ¿te atreves a ser tú?

Como si estuviésemos en el más colorido de los jardines. esa es la sensación que pretende hacernos sentir elie Saab al vestir cualquiera de sus creaciones ideadas para la próxima temporada primavera-verano.

y es que el diseñador de origen libanés elige texturas suaves y suntuosas para llenar el universo femenino de una fresca brisa a través de la superposición de creaciones fluidas que vienen a otorgar seguridad y libertad en cada instante del día.

Con independencia del momento, elie Saab busca conseguir que la mujer que se decante por cualquier de sus creaciones para los próximos meses camine con paso seguro y firme derrochando elegancia y jovialidad allá por donde vaya.

piezas creadas a partir de puntadas perfectas que dan como resultado creaciones únicas capaces de levantar miradas de admiración allá por donde van.

elie Saab apuesta por combinaciones en las que el bordado, las transparencias y el tul se convierten en los únicos protagonistas, tiñéndose de tonalidades llenas de frescor y luminosidad.

el diseñador nos propone una combinación perfecta entre blancos brillantes y una paleta de colores que vienen a llenar de alegría los planes más sofisticados.

rosas, morados, tonalidades lima… una amalgama de colores perfectamente combinados que muestran una interpretación perfecta de cómo debe ser entendida la vida al dejar atrás las grises y frías jornadas invernales.

elie Saab busca a una mujer atrevida, sofisticada, elegante y sensual a través de la extravagancia de sus camisas, la vaporosidad de sus vestidos de verano, el atrevimiento de sus minifaldas y sus clásicas blusas. todo regado con importantes dosis de opulencia y diversión.

para elie Saab todo parece estar perfectamente orquestado. en las jornadas diurnas, los encajes serán responsables de crear líneas perfectas, el crepé aportará un toque distinguido y los bordados envolverán de modernidad la juventud de quien los lleva. para las noches, lentejuelas y tul nos transportarán a veladas perfectas en las que la elegancia y el romanticismo ganarán sin duda la partida.

ELIE SAAB'S TIMELESS ELEGANCE

warmth and motion. Colourful confidence to inspire the woman who chooses an elie Saab creation to welcome the freshness of spring. Are you up for it?

As if we were in the most colourful of gardens - that is the sensation that elie Saab intends to make us feel when we wear any of his springsummer creations. the Lebanese designer chooses soft and sumptuous fabrics to fill the feminine universe with a fresh breeze through overlapping fluid creations, offering reassurance and freedom at every moment of the day. regardless of the moment, elie Saab seeks to ensure that women who opt for any of his creations over the next few months walk steadily, exuding elegance and cheerfulness wherever they go. these pieces are created from perfect stitches resulting in unique creations capable of raising admiring glances wherever they are.

elie Saab opts for combinations in which embroidery, transparencies and tulle become the only protagonists, dyed in shades full of freshness and luminosity.

the designer proposes a perfect combination of bright whites and a palette of colours that bring joy to the most sophisticated plans. pinks, purples, lime tones... An assortment of perfectly combined colours which show a perfect interpretation of how life should be understood when leaving behind the cold and grey winter days.

elie Saab looks for daring, sophisticated, elegant, and sensual women through the extravagance of his shirts, the airiness of his summer dresses, the boldness of his miniskirts, and his classic blouses - all of this sprinkled with a heavy dose of opulence and fun.

for elie Saab, everything seems to be perfectly arranged. In the daytime, lace will be responsible for creating perfect lines, crepe will bring a distinguished touch, and embroidery will envelop the wearer's youthfulness with modernity. for the evenings, sequins and tulle will transport us to perfect soirees where elegance and romanticism will undoubtedly triumph.

NUEVA FERIA ART+ BASEL EN PARIS

La energía vibrante y la alegría que sentimos en esta feria fue única. Una sensación que no habíamos experimentado en ninguna otra feria de arte reciente. Sol, sonrisas, abrazos, felicidad y coleccionistas con muchas ganas de comprar bebiendo vino y contemplando la Torre Eiffel.

La nueva feria organizada por la firma suiza que inventó la Feria original de Basilea (y después la de Miami) tuvo lugar en el espacio temporal Grand Palais Éphémère del 20 al 23 de octubre de 2022.

Art Basel ha hecho que París sea aún más mágico este otoño... ¿O es París quien ha hecho que Art Basel sea tan mágico?

El concepto era crear una Feria de Arte Francés y su identidad se refleja en la selección de las galerías. De los 156 expositores, 61 galerías tienen espacios de exposición en Francia. Lo que constituye un 38%.

Los compradores internacionales, desde museos estadounidenses hasta coleccionistas coreanos, impulsaron las ventas en Paris+ par Art Basel, pero las grandes multitudes retrasaron las transacciones. La inauguración de la feria contó con la presencia de personal del MoMA, Museum of Modern Art de Nueva York y del Art Institute de Chicago.

Una de las primeras obras que vimos al entrar a la feria fue «Je t’aime No II» (1955) del artista estadounidense Robert Motherwell en Pace Gallery. La Fundación Vuiton mostraba otro espacio principal con originales bolsos diseñados por artistas.

Una parte interesante de la feria fue al aire libre con obras de arte en un parque, bajo el título «Sites at the Jardin des Tuileries». Organizada en colaboración con el Museo del Louvre y comisariada por Annabelle Ténèze, la exposición titulada «La Suite de l’Histoire», reunió obras de gran formato en el recinto escénico del Jardin de las Tullerias junto al Louvre.

Una selección de esculturas que examina la historia de las múltiples etapas de estos jardines, por medio de obras de artistas cuyas creaciones subvierten y reinventan el papel del arte en el ámbito público. Ambientada en un lugar donde convergen historia, arquitectura y naturaleza, esta muestra invita a los visitantes a volver a visitar los jardines con ojos nuevos.

Tuvo lugar en dos sitios, el Jardin des Tuileries y el Musée National Eugène Delacroix. La comisaria de la exposición diseñó una experiencia al aire libre en la encrucijada de la historia, la arquitectura y la naturaleza.

La muestra contó con 20 obras, que insinúaban los aspectos reales, políticos y públicos de los jardines. Se abordaron tres grandes temas: monumentos alternativos, juegos ópticos y nuevas formas de escultura. Obras que se convierten en originales formas de ocupar un jardín. Aquí encontramos una selección de piezas increíbles, desde Carlos Cruz-Diez hasta Franz West. Nuestra escultura exterior favorita fue «Obelisco azul con flores» de Niki de Saint Phalle (1992).

En su Diccionario de ideas recibidas, Flaubert escribió «Erección: se usa solo en relación con los monumentos». Y este Obelisco de Niki de Saint Phalle es en efecto un monumento, una estela erigida para denunciar a los falócratas y misóginos. Esta obra de arte militante hace uso de la técnica del mosaico de espejos que Saint Phalle inventó para su Tarot Garden (Giardino dei Tarocchi, 1979) en Italia.

También lo usó para evocar la epidemia de SIDA que asoló el mundo en la década de 1990. Otro lugar expositivo fue la Place Vendôme. La artista germanopolaca Alicja Kwade presentó «Au cours des Mondes» (2022), comisariada por Jérôme Sans. Esta nueva instalación, la más grande hasta la fecha, es un juego de esferas, motivo recurrente de la artista, en diálogo con infinitas escaleras.

La nueva feria Paris+ par Art Basel ocupó un espacio en el calendario ocupado durante mucho tiempo por FIAC (Foire Internationale d'Art Contemporain).

Organizada en París desde 1974, la FIAC solía celebrarse en el Grand Palais la semana posterior a la de FRIEZE London, aunque luchó por igualar las ventas de gran éxito de su rival en el Reino Unido o la edición original de Art BASEL en Suiza. El futuro de FIAC ahora parece incierto, aunque su empresa matriz regresa con PARIS PHOTO al Grand Palais Éphémère en noviembre.

No quiero que la gente diga que «Paris+ es como Miami o Basilea», dijo el director de la feria, Clément Delépine.

El organizador de esta nueva feria de arte Basel en París ha informado de lo que describe como ventas «potentes». Aunque las galerías participantes no están obligadas a revelar sus cifras, más de una docena de facturas confirmadas superan el millón de dólares.

Entre ellos se encuentran obras de arte con nombres importantes como Alex Katz, Christopher Wool y Georg Baselitz

«París ya tiene mucha energía, pero esto crea un gran acelerón», dijo un galerista que informó haber vendido dos obras del escultor Alberto Giacometti por $2,75 millones y $1,45 millones, respectivamente.

Si bien Paris es una capital cultural indiscutible, durante mucho tiempo ha sido considerada indiferente como lugar para comprar y vender arte contemporáneo. El motivo es que París tiene dos vecinos competidores: Gran Bretaña, hogar del mercado de arte más grande de Europa, y Suiza, sede de la feria de arte más importante del mundo, en Basilea.

Francia ha luchado a menudo para asegurar su estatus como centro entre los coleccionistas. Pero tras ver el gran éxito de la nueva feria PARIS + PAR BASEL podemos decir «París está en auge».

NEW FAIR PARIS+ BY ART BASEL

The vibrant energy and the joy one felt at this fair was one of a kind. A vibe that we haven’t experienced at any other recent art fair. Sunshine, smiles, hugs, happiness and collectors in a buying mood sipping wine while overlooking the Eiffel Tower.

The new fair organised by the Swiss firm that invented the original Basel Fair (and later in Miami), took place in the temporary space Grand Palais Éphémère from October 20 to 23, 2022.

Art Basel has made Paris even more magical this Autumn... Or is it Paris that made Art Basel this magical?

The concept was to build a French Art Fair and the identity is reflected in the selection of the galleries. Out of the 156 exhibitors, 61 galleries have exhibition space in France. So that’s about 38 %.

International buyers, from US museums to Korean collectors, boosted sales at Paris+ par Art Basel but huge crowds slowed down deals. Staff from the Museum of Modern Art in New York and the Art Institute of Chicago were in attendance at the fair's inaugural edition.

One of the first things we saw, when entering the fair was American Artist Robert Motherwell’s «Je t’aime No II» (1955) at Pace Gallery. Just brilliant. Vuiton Foundation also had a well placed space with original handbags designed by artists.

An interesting part of the fair was outdoor with art in the park, under the entitled «Sites at the Jardin des Tuileries». Organised in collaboration with the Musée du Louvre and curated by Annabelle Ténèze, the exhibition titled «La Suite de l’Histoire», brought together large-scale works in the scenic grounds of the gardens of Tuileries next to the Louvre Museum.

A selection of sculptures examines the multi-layered history of the gardens through the work of artists whose practices often subvert and reimagine the role of art in the public realm. Set in a place in which history, architecture and nature converge, the show invites visitors to revisit the gardens with new eyes.

It takes place across two sites, the Jardin des Tuileries and the Musée National Eugène Delacroix. The exhibition curator designed an open-air experience at the crossroads of history, architecture and nature.

The show features 20 works, that resonate with the royal, political and public aspects of the gardens. Three major themes are addressed: alternative monuments, optical games and new forms of sculpture. Works that become original ways of occupying the garden. Here we found a selection of the most amazing pieces, from Carlos Cruz-Diez to Franz West. Our favourite outside sculpture is Niki de Saint Phalle's «Blue Obelisk with Flowers» (1992).

In his Dictionary of Received Ideas, Flaubert wrote «Erection—used only in relation to monuments». And this Obelisk by Niki de Saint Phalle is indeed a monument, a stele erected to denounce phallocrats and misogynists. This militant artwork makes use of the mirror mosaic technique de Saint Phalle invented for her Tarot Garden (Giardino dei Tarocchi, 1979) in Italy.

She also used it to evoke the AIDS epidemic that raged through the world in the 1990s.

Another sites were at Place Vendôme: German-Polish artist Alicja Kwade presented «Au cours des Mondes» (2022), curated by Jérôme Sans.

This new installation, her largest to date, is a set of spheres, a recurring motif for the artist, in dialogue with infinite staircases.

The new fair Paris+ par Art Basel grabbed a calendar slot long held by FIAC (Foire Internationale d'Art Contemporain).

Hosted in Paris since 1974, FIAC was typically held at the Grand Palais the week after FRIEZE London, though it struggled to match the blockbuster sales of its UK rival or Art BASEL's original edition in Switzerland. FIAC's future now appears uncertain, though its parent company, PARIS PHOTO, returns to the Grand Palais Éphémère in November.

«I don’t want people to say that Paris+ is just like Miami or Basel» says fair’s director Clément Delépine.

The organiser of this new Basel art fair in Paris has reported what he describes as «vigorous» sales. Although participating galleries are not obliged to disclose their figures, more than a dozen have confirmed deals in excess of $1 million.

Among them are artworks by major names like Alex Katz, Christopher Wool and George Baselitz.

«Paris already has a lot of energy, but this creates an acceleration,» said a gallerist who reported selling two works by sculptor Alberto Giacometti for $2.75 million and $1.45 million, respectively.

While it is an indisputable cultural capital, Paris has long been overlooked as a place to buy and sell contemporary art. The reason is that it has two neighbours competitors: Britain home to Europe's largest art market and

Switzerland, site of the world's largest art fair, Basel.

France has often struggled to secure its status as a hub among collectors. But after viewing the great success of this new fair PARIS + PAR BASEL we can now say «Paris is booming.»

BARCELONA

La cosmopolita capital de Cataluña, barcelona, es famosa por su arte y arquitectura. La ciudad está repleta de estructuras modernistas, incluida la espectacular iglesia de la Sagrada familia. Los museos homónimos de picasso y Joan miró exponen obras de arte contemporáneo. el museo de historia de la ciudad, muhbA, incluye numerosos yacimientos arqueológicos romanos.

en el centro del distrito comercial más exclusivo de la ciudad, el passeig de gràcia, donde se encuentran las obras maestras de la arquitectura de gaudí y los lugares históricos modernistas, es donde encontrará el lujoso mandarin Oriental, barcelona. todas nuestras distintivas habitaciones y suites incluyen un impresionante diseño interior de patricia urquiola, y el Spa es un refugio donde los visitantes pueden relajarse y alcanzar el equilibrio.

La chef del restaurante moments es Carme ruscalleda, una de las chefs más célebres del mundo y la mejor representante de la cocina catalana. el mandarin Oriental, barcelona es un verdadero paraíso culinario y un opulento punto de encuentro para visitantes y locales

mandarin Oriental, barcelona ofrece habitaciones y suites para viajeros solos, parejas y familias de cualquier tamaño. también ofrecen un montón de paquetes de experiencias, tales como

Variados tratamientos de spa y bienestar

un exclusivo viaje en barco al encantador pueblo costero de garraf

elaboración de alpargatas el hotel ofrece un entorno romántico en el famoso passeig de gràcia y está convenientemente situado cerca de las principales atracciones de barcelona.

Las opulentas habitaciones del hotel, el restaurante con estrella michelin y el excepcional spa proporcionan el escenario ideal desde el que explorar la ciudad catalana.

para llegar a ellos, puede consultar su página web: www.mandarinoriental.com/ barcelona/passeig-de-gracia

BARCELONA

Spain's Catalonia region's cosmopolitan capital, barcelona, is renowned for its art and architecture. the city is filled with modernist structures, including the spectacular Sagrada famlia church. the namesake museums of picasso and Joan miró exhibit contemporary works of art. Numerous roman archaeological sites are included in the city history museum, muhbA.

In the center of the city's most upscale retail district, passeig de gràcia, where gaudi's architectural masterpieces and historical modernist sites are located, is where you'll find the luxurious mandarin Oriental, barcelona.

All of our distinctive rooms and suites include stunning interior design by patricia urquiola, and the Spa is a haven where visitors may unwind and achieve balance.

the chef at moments restaurant is Carme ruscalleda, one of the most celebrated female chefs in the world and the best representative of Catalan cuisine. the mandarin Oriental, barcelona is a true culinary haven and an opulent gathering spot for both visitors and locals mandarin Oriental, barcelona offers rooms and suites for single travelers, couples, families of any size. they also offer tons of experience packages, such as: Various spa and wellness treatments

An exclusive boat trip to the charming seaside village of garraf espadrille making the hotel offers a romantic setting on the renowned passeig de gràcia and are conveniently placed close to all of barcelona's top attractions. these opulent hotel rooms, michelin-starred restaurant, and exceptional spa provide the ideal setting from which to explore the Catalan city.

to reach them, you may refer to to their website: www.mandarinoriental.com/ barcelona/passeig-de-gracia

LA LIBERTAD DE MOVIMIENTO DE ISSEY MIYAKE

Simplicidad llevada al extremo; armonía y dinamismo: con esta combinación de palabras podríamos definir una colección que respira arte por todas las puntadas que le dan forma. para la próxima temporada, la casa de moda japonesa Issey miyake nos invita a rendir un homenaje a su fundador a través de piezas en las que la armonía y la libertad buscan convertirse en las únicas y verdaderas protagonistas de las veladas más cálidas. piezas que se combinan a la perfección transformando el cuerpo femenino en una auténtica escultura, delicadamente moldeada por las manos del diseñador Satoshi kondo.

Issey miyake busca, y encuentra, la manera perfecta de convertir a la mujer en una auténtica musa envolviéndola en siluetas tridimensionales en las que los estampados se crean a partir de arcilla que se aplica directamente sobre las prendas para conseguir otorgarles relieve y texturas con las que convertirse en prendas únicas e irrepetibles, dignas de los coleccionistas más exigentes. piezas armoniosas que encuentran en las flores y referencias botánicas su punto de distinción, convirtiéndose en auténticos lienzos en los que la mítica casa de moda nos invita a sumergirnos.

Las curvas parecen dominar el patronaje perfecto al que Issey miyake nos tiene acostumbrados; un patronaje en el que también brillan volúmenes angulosos que parecen estar llamados a proteger al cuerpo de la mujer de aquello que pueda impedirle avanzar hasta conseguir con lo que verdaderamente sueña en su vida.

Anhelos y deseos se tiñen de una amplia paleta de color, en la que el clásico blanco y negro siempre está presente. Verdes, azules y malvas llegan dispuestos a llenar de luz una colección que, además de buscar ser símbolo del arte, también invita a apostar por la sostenibilidad al emplear una fibra innovadora, una imitación vegetal del poliéster para evitar el uso del petróleo.

Vestidos drapeados parecen superpuestos alrededor del cuerpo, mangas con originales volúmenes, hombreras excesivas, sugerentes aberturas, transparencias, cortes asimétricos que parecen romper el equilibrio… todo ha sido perfectamente orquestado por Issey miyake para crear un auténtico espectáculo en el que nos invita a sumergirnos para abandonar la sobriedad de las estancias monocromáticas y lineales propias de la estación que dejamos atrás.

una auténtica oda al arte nacido de las manos de un virtuoso Satoshi kondo, que crea momentos de emoción suspendida de forma total y absolutamente magistral. un verdadero espectáculo para los sentidos.

ISSEY MIYAKE'S FREEDOM OF MOVEMENT

Simplicity at its most extreme, harmony, and dynamism - with this combination of words we could define a collection that exudes art through all the stitches that give it shape. for the coming season, the Japanese fashion house Issey miyake invites us to pay tribute to its founder through pieces in which harmony and freedom seek to become the only true protagonists of the warmest evenings. perfectly combined, these pieces  transform the female body into an authentic sculpture, delicately moulded by the hands of the designer Satoshi kondo.

Issey miyake looks for, and finds, the perfect way to turn women into authentic muses, wrapping them in threedimensional silhouettes in which prints are created from clay that is applied directly to the garments, giving them relief and textures with which to become unique and unrepeatable garments, worthy of the most demanding collectors.

these harmonious pieces find their distinguishing feature in flowers and botanical references, becoming authentic canvases in which the legendary fashion house invites us to immerse ourselves.

Curves seem to dominate the perfect pattern that Issey miyake has accustomed us to; a pattern in which sharp volumes also shine out. they seem to be called upon to protect a woman's body from anything that might prevent her from moving forward to achieve what she truly dreams of in her life.

Longings and desires are dyed in a wide colour palette, in which the classic black and white is always present.

Shades of green, blue and mauve are ready to fill with light a collection that, besides seeking to be a symbol of art, also invites us to commit to sustainability by using an innovative fibre - a vegetable imitation of polyester - to avoid the use of petroleum.

draped dresses seem to be superimposed around the body, sleeves with unusual volumes, excessive shoulder pads, suggestive openings, transparencies, asymmetric cuts that seem to break the balance...

everything has been perfectly arranged by Issey miyake to create a true spectacle in which he invites us to dive into and leave behind the sobriety of the monochrome, linear rooms that are typical of the season we are leaving behind.

A true ode to art born from the hands of a virtuoso Satoshi kondo, who creates moments of suspended emotion in a total and absolutely masterful way. A real feast for the senses.

EXPRESIONISMO

El Expresionismo (1905-1920) fue un movimiento cultural que surgió en Alemania como respuesta a una ansiedad y angustia generalizada.

Si Francia y Rusia habían tenido sus revoluciones, esta fue, aunque mas tarde y menos violenta, una oposición de los artistas contra las ideologías políticas y culturales.

Mas que un estilo, fue una actitud de protesta y una forma de entender el arte, que aglutinó a diversos artistas de tendencias muy diversas. Se plasmó en muchos campos como pintura, arquitectura, cine, literatura, teatro, fotografía... y hasta en la danza.

Reinaba una gran desilusión por la relación cada vez más discordante de la humanidad con el mundo y el sentimiento que unía a todos era una pérdida casi total de sentimientos espirituales.

Todo esto se comprende pues esta época estuvo tristemente marcada por la Primera Guerra Mundial (1914-1918), que cambió todos los esquemas vitales y artísticos.

El movimiento expresionista fue una reacción contra la forma de vida tradicional, contra la política feudal del Kaiser Guillermo.

En el campo del arte, los pintores reaccionaron contra el Impresionismo francés, el Naturalismo y el arte clásico académico. Defendían un arte personal e intuitivo donde predominaba la visión interior del artista.

Los expresionistas se inspiraron principalmente en las corrientes esotéricas del Simbolismo de finales del siglo XIX. Coincidió en el tiempo con el Fovismo francés, hecho que convirtió a ambos en los primeros exponentes de las llamadas Vanguardias Históricas.

Con sus colores violentos, casi histéricos, y su temática de soledad y miseria, reflejaban la amargura que invadió a artistas e intelectuales. Esa tristeza provocó un deseo de cambiar la vida y de renovar los lenguajes artísticos.

Los expresionistas tenían una gran admiración por el noruego Edvard Munch, el holandés Vincent Van Gogh y el francés Paul Gauguin.

Los tres, anteriores al Expresionismo en el tiempo, defendían un concepto muy expresivo del arte y fueron los pioneros en plasmar su mundo interior en sus obras.

Estos precursores junto con James Ensor, fueron sus influencias clave. Fueron los primeros en transmitir un sinfín de ansiedades y anhelos, alentando la distorsión de la forma y utilizando el color con total y absoluta libertad.

El expresionismo no busca la belleza como fin, sino la expresión de un estado de ánimo, un sentimiento, una idea que nace del artista. Expresan el sentido dramático, un estado de ansiedad, de miedo, impotencia y soledad.

En la época, se generó un clima de negativismo y depresión. Era el momento de rebelarse contra la academia y en contra del régimen imperialista del Kaiser.

Estaban completamente en contra de la tradición. Surge así su inspiración del Arte Naif, un arte infantil que no requería estudio, ni reglas. Otro de sus artistas favoritos fue el francés Henri Rousseau.

La Primera Guerra Mundial confirmó los miedos y el decaimiento moral, contribuyendo a formar el carácter dramático y melancólico de los artistas. Buscaban enfrentarse a la realidad viviendo de manera brutalmente honesta y sin prejuicios. Todo concepto moral dejó de existir.

En el arte Expresionista la imagen de la realidad se distorsiona para expresar los sentimientos más profundos del artista. Presta especial atención a su mundo personal y plasma los efectos del subconsciente.

Un psicólogo vería claramente que fue una consecuencia del efecto deshumanizador de la industrialización y la guerra.

Tratan de captar las emociones en lugar de representar personas, eventos y objetos. Este movimiento artístico ignora la realidad objetiva para plasmar lo que pasa por la mente y el corazón.

El expresionismo fue un grito de protesta, una reacción contra la vida misma, el positivismo, el naturalismo y los estilos anteriores.

Muchos artistas incorporaron la fantasía, la violencia y el sexo casi pornográfico en sus temas para mostrar emociones extremas como ira, pasión y, a menudo, el lado mas oscuro del ser humano.

ART REPORT © MARÍA DE JUAN

Muestran el mundo desde una perspectiva puramente subjetiva y distorsionan el tema para lograr un efecto emocional.

Los artistas desean evocar estados de ánimo o ideas en la mente del espectador. Para conseguirlo emplean colores subjetivos, sin ninguna relación con el colorido real. Por ejemplo, pintan una cara verde y un cielo naranja.

En el arte expresionista, el color puede ser muy intenso y poco naturalista, la pincelada es gratuita y la aplicación de pintura tiende a ser generosa y con mucha textura. Los temas son casi siempre emocionales y, a veces, agresivos.

El periodo empezó con la fundación de un grupo en Dresde: Die Brucke que significa «El Puente» (19051913), seguido por otro grupo en Munich: Der Blaue Reiter o «El Jinete Azul» (1911-1914).

Los fundadores en Dresde fueron Kirchner, Fritz Bleyl, Erich Heckel y Karl Schmidt-Rottluff. Después se unieron Emil Nolde, Max Pechstein y Otto Mueller.

Eran contestatarios, agresivos, anti sistema y de gran nivel dramático. Deformaban la realidad plasmando fealdad, miseria, horror y dolor.

Los principales miembros de El Jinete Azul en Munich eran: Kandinsky, Franz Marc, August Macke, Paul Klee y Alexei Jawlensky.

También hubo dos mujeres cuyos nombres la historia parece haber olvidado: Gabriele Munter y Marianne von Werefkin.

Munich era más abierta que Dresde con respecto a las artes. Este segundo grupo era más poético, refinado y espiritual. En lugar deformar, optan por la depuración de las formas hasta llegar a la abstracción. Estaban interesados en el Misticismo, el Simbolismo y arte primitivo, medieval, infantil y de enfermos mentales.

Otros pintores iban por libre, sin unirse a ningún grupo, aunque mas tarde se les denominó como Nueva Objetividad: Max Beckman, Otto Dix, Georges Grosz. Ellos se centraron en plasmar temas del Berlin entre guerras como violencia, prostitución, crímenes, locura, suicidio…

Aunque fue una reacción artística contra todo lo anterior, el movimiento se debe entender como una manifestación del Nuevo Humanismo que pretendía comunicar la vida espiritual del hombre.

Fue un grito transmitido por medio del arte, para expresar la profunda inquietud intelectual causada por la destrucción del mundo hasta entonces conocido.

La Primera Guerra Mundial (19141918) truncó la confianza en el futuro, aniquilando muchas de las carreras y vidas de los mejores artistas. Muchos de ellos murieron trágicamente, como Kirchner que se suicidó y otros como Marc y Macke, fallecieron demasiado jóvenes, en el frente bélico.

FRANZ MARC

Franz Marc (1880-1916) fue miembro fundador del grupo Der Blaue Reiter junto con Kandinsky en Munich (1911).

El nombre, que significa «El jinete azul», surgió precisamente del tema favorito de su obra: sus bellísimos caballos azules.

Consideraba a los animales más dignos de representación que los seres humanos. Poco a poco caballos y zorros se convertirían en el tema predilecto de sus composiciones. Trató de plasmar su veneración mística por la naturaleza y la espiritualidad en el mundo animal.

Tiene una pintura relativamente desconocida, con un tema bucólico (pero sin animales), que está entre las mejores de su producción: «Desnudos bajo los árboles», 1911.

Sus pinturas de caballos azules muestran colores primarios brillantes. El color azul y la suave curvatura de los caballos centrales crean una sensación de armonía, paz y equilibrio contra el rojo intenso de las colinas del fondo.

Marc afirmó que este contraste mostraba la yuxtaposición entre espiritualidad tranquila y violencia, evocando una sensación de trascendencia.

Los contornos poderosamente simplificados y redondeados de los caballos se reflejan en los ritmos del fondo del paisaje, uniendo a ambos animales y estableciendo un todo orgánico vigoroso y armonioso. Las líneas curvas simbolizan una sensación de armonía, paz y equilibrio en un mundo animal espiritualmente puro.

Como Kandinsky, Franz estaba imbuido de una filosofía altruista. Ambos querían darle un sentido espiritual al arte.

Hijo de un pintor de paisajes, comenzó sus estudios en la Akademie de Múnich.

En 1903 viajó a París, donde conoció de primera mano el Impresionismo y se sintió especialmente atraído por la obra de Vincent van Gogh y Paul Gauguin. En 1906 visitó el monte Athos en Grecia junto a su hermano Paul.

Se casó con la artista Maria Franck, de quien pintó un magnífico retrato pleno de expresión subjetiva. Con ella viajó a Lenggries (Baviera), donde se intensificó su interés por el estudio de los animales.

En 1910 conoció a August Macke, con quien entabló una estrecha amistad. Gracias a él conoció a Bernhard Koehler, futuro mecenas de ambos.

Marc y Kandinsky organizaron la primera exposición del grupo Der Blaue Reiter en Munich 1911. Buscaban exponer colectivamente para mostrar su concepto artístico de la expresión del alma.

También publicaron una revista con sus ensayos que se convertiría en todo un manifiesto sobre el nuevo estilo, fundamental para el desarrollo del arte del siglo XX.

En 1912 Marc y Macke viajaron a París, donde conocieron a Robert y Sonia Delaunay y experimentaron las primeras tendencias cubistas. Su obra se distingue por colores brillantes y un estilo más cubista que sus contemporáneos. A partir de entonces las composiciones de Marc tendieron a una mayor abstracción.

Se sintió especialmente unido a Kandinsky, con quien compartía la necesidad de renovar espiritualmente el arte occidental.

Esta postura provocó divergencias con otros miembros y terminó con la escisión del grupo en 1914.

Elaboró su proyecto para ilustrar una biblia, como reflejo de sus profundas creencias religiosas. Al estallar la Primera Guerra Mundial, Franz se alistó voluntario pues creía fervientemente en la capacidad regeneradora de la guerra. Sin embargo, pronto se desilusionó y murió en la batalla de Verdún en 1916.

AUGUST MACKE

August Macke (1887-1914) es otro de los principales componentes del grupo Der Blaue Reiter junto con Kandinsky, Paul Klee y Jawlensky.

Vivió un período especialmente innovador dentro del ambiente artístico de su país. Mientras en Alemania se desarrollaban las principales tendencias expresionistas, se iban difundiendo los sucesivos movimientos de vanguardia procedentes del resto de Europa.

Como un verdadero contemporáneo de su tiempo, Macke supo asimilar e integrar en su pintura los aspectos que más le interesaron de los distintas estilos que llegó a conocer.

Vivió la mayor parte de su vida creativa en Bonn, salvo algunas estancias en el lago Thun (Suiza) y varios viajes a París, Italia y Holanda y Túnez.

En París conoció la obra de los impresionistas. Poco después, en Berlín, trabajó unos meses en el estudio de Lovis Corinth. Su estilo artístico se inició influenciado por el Impresionismo y el Postimpresionismo francés y después pasó por una fase fauvista.

En 1910, gracias a su amigo Franz Marc, conoció a Kandinsky. Desde entonces, compartió la estética no-objetiva con las preocupaciones místicas y simbólicas del grupo alemán “El jinete Azul”.

El encuentro en París con Robert y Sonia Delaunay en 1912, fue para Macke una auténtica revelación.

El cubismo cromático del artista francés, bautizado por Apollinaire como Orfismo, se impuso en su pintura.

Los Escaparates de Macke pueden ser considerados una interpretación personal de las famosas «Ventanas» de los Delaunay, combinadas con la simultaneidad de imágenes del Futurismo italiano.

En 1914 viajó a Túnez junto a Paul Klee y Louis Moilliet. El ambiente exótico fue determinante para la creación de la estética luminista del final de su vida. En esta etapa realizó una serie de obras consideradas como obras maestras del color.

Como su intimo amigo Franz Marc, su carrera se vio truncada por una muerte prematura en el frente de la Primera Guerra Mundial en 1914. Tenía solo 27 años.

KIRCHNER

Ernst Kirchner (1880-1938), pintor y grabador alemán, fue otro de los líderes del Expresionismo. Poseía un estilo de pintura maduro y personal, marcado por su tensión psicológica y erotismo.

Nacido en Aschaffenberg, quedó impactado al descubrir las obras de artistas alemanes del Gótico tardío, especialmente Alberto Durero Pero su influencia principal fue una exposición del noruego Edvard Munch. Entonces Kirchner comenzó a simplificar sus formas y alegrar sus colores. Este desarrollo se acentuó con su descubrimiento del arte africano y polinesio.

Kirchner estudió arquitectura en Dresde. Allí se hizo amigo de Fritz Bleyl, con quien compartía una visión radical del arte y la naturaleza.

Junto a otros estudiantes de arquitectura crearon un grupo artístico llamado «Die Brücke» (El puente) en 1905. Su objetivo era crear un nuevo modo de expresión artística, formando un “puente” entre las obras clásicas del pasado y las vanguardias del momento.

Sus obras muestran la influencia del Fauvismo que triunfaba en Paris. En 1906, realizaron su primera exposición en una fábrica de lámparas con el desnudo femenino como tema principal. Obras como «Mujer bajo un parasol japonés», son explícitamente eróticas. En otras, su fantasía de agresión sexual llega a alcanzar una intensidad de pesadilla. Su arte era una interpretación instantánea y poderosa de sus conflictos internos.

Kirchner plasma su preocupación por la maldad y el erotismo humano. Con ritmos curvilíneos, su obra «Calle en Berlín» muestra a agresivas prostitutas que pasean acentuando una sensualidad primitiva oculta bajo vestidos de moda. Una sensualidad que se vuelve abominable por sus contornos salvajes y sus rostros con forma de máscaras.

Kirchner se unió al ejército alemán en 1915 pero en el frente sufrió un colapso mental y físico que le llevó a ingresar en varios hospitales suizos aunque jamás se recuperó.

Los nazis tildaron su trabajo de «arte degenerado» en 1937 y llegaron a destruir 600 de sus pinturas. Esto le obligó a renunciar de la Academia de Artes de Berlín.

Los trágicos eventos y las secuelas de la guerra le llevaron a una grave depresión que finalmente culminó en suicidio cerca de Davos (Suiza).

UN AMPLIO CONCEPTO DEL EXPRESIONISMO

No fue un movimiento homogéneo. Por extraño que parezca, hay un expresionismo modernista, fovista, cubista, futurista, surrealista, abstracto, etc...

El término se asocia específicamente al arte alemán moderno, en particular los grupos Die Brücke y Blaue Reiter.

Aunque surgió en Alemania, artistas de la Escuela de Paris como Modigliani, Chagall y Soutine pintaron en su propio estilo expresionista. Franceses y alemanes expusieron juntos a principios del siglo XX.

Con una destrucción del espacio tridimensional, usaban temas simbólicos para hablar de la muerte y del dolor.

Fue un arte personal e intuitivo con colores estridentes, formas muy angulosas, pinceladas nerviosas y dramatismo. Todo para hacer entender mejor su mensaje, un grito que nunca busco ser un misterio, sino todo lo contrario.

La paradoja es que el término «expresionista» se puede aplicar a obras de arte de cualquier época, incluso anteriores. Me atrevo a decir que podría comenzar con Goya y sus pinturas negras o incluso El Bosco.

En el Siglo XX forma una corriente importante de arte moderno que incluye, entre otros, a Vincent Van Gogh, Edvard Munch, Modigliani, Soutine, Georges Rouault, Egon Schiele, Oskar Kokoschka, Paul Klee, Max Beckmann, Pablo Picasso, Henry Moore, Graham Sutherland, Francis Bacon, Alberto Giacometti, Jean Dubuffet, Georg Baselitz, Anselm Kiefer... hasta el Neoexpresionismo de los años ochenta.

Después de la Segunda Guerra Mundial, se desarrolló una nueva forma de este estilo en América, conocida como Expresionismo Abstracto.

Si tuviera que elegir un concepto final para describir el término mas amplio del Expresionismo en el arte, diría que se trata de distorsionar la visión del mundo exterior para mostrar los

sentimientos y emociones del mundo interior en el subconsciente del artista. Para resumir: El Expresionismo es cerrar los ojos a la realidad para expresar lo que sucede dentro de la mente y el corazón.

MUNCH Y VAN GOGH, PRECURSORES

Aunque nacieron casi medio siglo antes y no son alemanes, Edvard Munch y Vincent Van Gogh se consideran precursores clave del Expresionismo por la fuerte expresividad de los rostros y la psicología a flor de piel en toda su obra.

Van Gogh fue un gran loco genial, divinizado en la actualidad pero totalmente incomprendido durante su vida. Vivía para pintar lo que sentía su alma enferma y jamás pudo vender un solo cuadro.

También Munch, fue constantemente torturado por su mente tortuosa y su triste existencia. Ambos expresaban sus sentimientos más profundos, pintando tragedias humanas como soledad, angustia, muerte y erotismo. Precisamente estos serían años más tarde, los temas favoritos de los expresionistas.

«El grito» de Munch es una de las obras de arte moderno más emblemáticas pero si hay una pintura que se ha convertido en un icono cultural de nuestra era, es «Noche Estrellada» de Van Gogh.

Es interesante que dos de los iconos de la pintura encarnan el profundo sentido de angustia y ansiedad que impregnó la era modernista. Ambos se basan en las experiencias dramáticas de sus autores, que pintan, como gritando al mundo con sus pinceles, expresando su profunda desesperación.

Aunque son anteriores (1893 y 1889) y no pertenecen a ningún grupo Expresionista, sin duda fueron inspiración y plasman el espíritu que late en la filosofía de este movimiento que tanto ha influenciado a artistas de los Siglos XX y XXI.

«Igual que Leonardo Da Vinci estudió la anatomía humana diseccionando cuerpos, yo trato de diseccionar almas.»

Munch

EXPRESSIONISM

Expressionism (1905-1920) was a cultural movement that emerged in Germany in response to widespread anxiety and anguish.

If France and Russia had had their revolutions, this was, although later and less violent, an opposition of artists against political and cultural ideologies.

More than a style, it was an attitude of protest and a way of understanding art, which brought together various artists with very different tendencies. It was reflected in many fields such as painting, architecture, cinema, literature, theatre, photography... and even in dance.

Great disillusionment reigned over humanity's increasingly discordant relationship with the world, and the feeling that united everyone was an almost total loss of spiritual feelings.

All this is understandable because this period was sadly marked by the First World War (1914-1918), which changed all vital and artistic schemes.

The Expressionist movement was a reaction against the traditional way of life, against the feudal politics of Kaiser Wilhelm.

In the field of art, the painters reacted against French Impressionism, Naturalism and classical academic art. They defended a personal and intuitive art where the inner vision of the artist predominated.

The expressionists were mainly inspired by the esoteric currents of Symbolism at the end of the 19th century. It coincided in time with French Fauvism, a fact that made both of them the first exponents of the so-called Historical Vanguards.

With their violent, almost hysterical colours and their themes of loneliness and misery, they reflected the bitterness that invaded artists and intellectuals. That sadness provoked a desire to change life and to renew artistic languages.

The expressionists had a great admiration for the Norwegian Edvard Munch, the Dutch Vincent van Gogh and the French Paul Gauguin.

All three, prior to Expressionism in time, defended a very expressive concept of art and were the pioneers in capturing their inner world in their works.

These precursors, along with James Ensor, were his key influences, being the first to convey endless anxieties and longings. They encouraged the distortion of form, using color with total and absolute freedom.

Expressionism does not seek beauty as an end, but the expression of a state of mind, a feeling, an idea that is born from the artist. They express the dramatic sense, a state of anxiety, fear, helplessness and loneliness.

At the time, a climate of negativism and depression was generated. It was time to rebel against the academy and against the Kaiser's imperialist regime.

They were completely against tradition. Thus arises his inspiration from Naive Art, a children's art that did not require study or rules. Another of his favourite artists was the French Henri Rousseau.

The First World War confirmed the fears and the moral decay, contributing to form the dramatic and melancholy character of the artists. They sought to face reality by living brutally honest and without prejudice. All moral concepts ceased to exist.

In Expressionist art the image of reality is distorted to express the deepest feelings of the artist. Pay special attention to his personal world and reflect the effects of the subconscious.

A psychologist would clearly see that it was a consequence of the effects of industrialisation and war.

They try to capture emotions instead of representing people, events and objects. This artistic movement ignores objective reality to capture what goes through the mind and heart.

Expressionism was a cry of protest, a reaction against life itself, positivism, naturalism and previous styles.

Many artists incorporated fantasy, violence and quasi-pornographic sex into their themes to show extreme emotions such as anger, passion and often the darker side of being human. They show the world from a purely subjective perspective and distort the subject for emotional effect.

ART REPORT

MARÍA DE JUAN

Artists want to evoke moods or ideas in the mind of the viewer. To achieve this, they use subjective colours, without any relation to the real colour. For example, they paint a green face and an orange sky.

In Expressionist art, chromatism can be very intense and nonnaturalistic, the brushwork is gratuitous and the paint application tends to be generous and highly textured. The themes are almost always emotional and sometimes aggressive.

The period began with the founding of a group in Dresden: Die Brucke meaning «The Bridge» (1905-1913), followed by another group in Munich: Der Blaue Reiter or «The Blue Rider» (1911-1914).

The founders in Dresden were Kirchner, Fritz Bleyl, Erich Heckel and Karl Schmidt-Rottluff. Later Emil Nolde, Max Pechstein and Otto Mueller joined.

They were rebellious, aggressive, anti- system and highly dramatic. They distorted reality, depicting ugliness, misery, horror and pain. The main members of The Blue Rider in Munich were: Kandinsky, Franz Marc, August Macke, Paul Klee and Alexei Jawlensky.

There were also two women whose names history seems to have forgotten: Gabriele Munter and Marianne von Werefkin.

Munich was more open than Dresden regarding the arts. This second group was more poetic, refined and spiritual. Instead of deforming, they opt for the purification of forms until they reach abstraction.

They were interested in mysticism, symbolism, and primitive, medieval, children's, and mentally ill art.

Other painters went free, without joining any group, although they were later called «New Objectivity»: Max Beckman, Otto Dix and Georges Grosz. They focused on capturing themes of Berlin between the wars such as violence, prostitution, crimes, madness, suicide...

Although it was an artistic reaction against everything that had gone before, the movement should be understood as a manifestation of the «New Humanism», which sought to communicate the spiritual life of man.

It was a cry transmitted through art, to express the profound intellectual concern caused by the destruction of the hitherto known world.

The First World War (1914-1918) dashed confidence in the future, destroying many of the careers and lives of the best artists. Many of them died tragically, like Kirchner who committed suicide and others like Marc and Macke, who died too young, on the war front.

FRANZ MARC

Franz Marc (1880-1916) was a founding member of the Der Blaue Reiter group together with Kandinsky in Munich (1911).

The name, which means “The Blue Rider”, arose precisely from the favourite theme in his work: his beautiful blue horses.

He considered animals more worthy of representation than human beings. Little by little horses and foxes would become a main theme of his compositions.

He tried to capture his mystical reverence for nature and spirituality in the animal world.

He has a relatively unknown painting, with a bucolic theme (but without animals), which is among the best of his output: «Nudes under the Trees», 1911.

His blue horse paintings show bright primary colours. The blue tone and gentle curvature of the central horses create a sense of harmony, peace and balance against the deep red of the hills in the background.

Marc stated that this contrast showed the juxtaposition between quiet spirituality and violence, evoking a sense of transcendence.

The powerfully simplified and rounded contours of the horses are reflected in the rhythms of the landscape background, uniting the two animals and establishing a vigorous and harmonious organic whole. The curved lines symbolise a sense of harmony, peace and balance in a spiritually pure animal world.

Like Kandinsky, Franz was imbued with an altruistic philosophy. Both wanted to give a spiritual meaning to art.

The son of a landscape painter, he began his studies at the Akademie in Munich.

In 1903 he traveled to Paris, where he experienced Impressionism firsthand and was particularly drawn to the work of Vincent van Gogh and Paul Gauguin. In 1906 he visited Mount Athos in Greece together with his brother Paul.

He married the artist Maria Franck, of whom he painted a magnificent portrait full of subjective expression. With her he traveled to Lenggries (Bavaria), where he intensified his interest in the study of animals.

In 1910 he met August Macke, with whom he struck up a close friendship. Thanks to him he met Bernhard Koehler, future patron of both.

Marc and Kandinsky organised the first exhibition of the Der Blaue Reiter group in Munich in 1911. They sought to exhibit collectively to show their artistic concept of the expression of the soul.

They also published a magazine with their essays that would become a manifesto on the new style, essential for the development of 20th century art.

In 1912 Marc and Macke traveled to Paris, where they met Robert and Sonia Delaunay and experienced the first cubist tendencies. His work is distinguished by bright colours and a more cubist style than his contemporaries. From then on Marc's compositions tended towards greater abstraction.

He felt especially close to Kandinsky, with whom he shared the need to spiritually renew Western art.

This position caused differences with other members and ended with the split of the group in 1914.

He elaborated his project to illustrate a bible, as a reflection of his deep religious beliefs. At the outbreak of the First World War, Franz volunteered as he fervently believed in the regenerative capacity of war. However, he soon became disillusioned and was killed at the Battle of Verdun in 1916.

AUGUST MACKE

August Macke (1887-1914) is another of the main members of the Der Blaue Reiter group, along with Kandinsky, Paul Klee and Jawlensky.

He lived through an especially innovative period within the artistic environment of his country. While the main expressionist trends were developing in Germany, successive avant-garde movements from the rest of Europe were spreading.

As a true contemporary of his time, Macke knew how to assimilate and integrate into his painting the aspects that most interested him from the different styles that he came to know.

He lived most of his creative life in Bonn, except for a few stays at Lake Thun (Switzerland) and various trips to Paris, Italy, Holland and Tunisia.

In Paris he met the work of the Impressionists. Shortly after, in Berlin, he worked for a few months in Lovis Corinth's studio. His artistic style started out influenced by French Impressionism and PostImpressionism and then went through a Fauvist phase.

In 1910, thanks to his friend Franz Marc, he met Kandinsky. Since then, he shared the non-objective aesthetics with the mystical and symbolic concerns of the German group.

The meeting in Paris with Robert and Sonia Delaunay in 1912, was for Macke a true revelation. The chromatic cubism of the French artist, baptised by Apollinaire as Orphism, prevailed in his painting. Macke's showcases can be considered a personal interpretation of the famous «Windows» of the Delaunays, combined with the simultaneity of images of Italian Futurism.

In 1914 he traveled to Tunisia together with Paul Klee and Louis Moilliet. The exotic environment was decisive for the creation of the luminist aesthetic at the end of his life. At this stage he made a series of works considered masterpieces of color.

Like his close friend Franz Marc, his career was cut short by an untimely death on the front lines of World War I in 1914. He was only 27 years old.

KIRCHNER

Ernst Kirchner (1880-1938), a German painter and engraver, was another of the leaders of Expressionism. He had a mature and personal style of painting, marked by his psychological tension and eroticism.

Born in Aschaffenberg, he was shocked to discover the works of late Gothic German artists, especially Albrecht Dürer. But the main influence on him was an exhibition by the Norwegian Edvard Munch. So Kirchner began to simplify his forms and brighten his colours. This development was accentuated by his discovery of African and Polynesian art.

Kirchner studied architecture in Dresden. There he befriended Fritz Bleyl, with whom he shared a radical vision of art and nature.

Along with other architecture students, they created an artistic group called «Die Brücke» (The Bridge) in 1905. Their goal was to create a new mode of artistic expression, forming a “bridge” between the classic works of the past and the avant-garde of the moment.

His works show the influence of Fauvism that triumphed in Paris. In 1906, they held their first exhibition in a lamp factory with the female nude as the main theme. Works like "Woman under a Japanese parasol" are explicitly erotic. In others, his sexual assault fantasy reaches nightmarish intensity. His art was an instant and powerful rendering of her inner conflicts.

Kirchner captures his concern for evil and human eroticism. With curvilinear rhythms, his work "Street in Berlin" shows aggressive prostitutes who walk, accentuating a primitive sensuality hidden under fashionable dresses. A sensuality that becomes abominable due to its wild contours and its mask-like faces.

Kirchner joined the German army in 1915 but at the front he suffered a mental and physical collapse that led to his admission to various Swiss hospitals although he never recovered.

The Nazis branded his work «degenerate art» in 1937 and destroyed 600 of his paintings. This forced him to resign from the Berlin Academy of Arts.

The tragic events and aftermath of the war led to a serious depression that finally culminated in suicide near Davos (Switzerland).

A BROAD CONCEPT OF EXPRESSIONISM

It was not a homogeneous movement. Oddly enough, there is a modernist, fauvist, cubist, futuristic, surrealist, abstract expressionism, etc...

The term is specifically associated with modern German art, in particular the Die Brücke and Blaue Reiter groups.

Although it emerged in Germany, Paris School artists such as Modigliani, Chagall and Soutine painted in their own expressionist style. French and Germans exhibited together at the beginning of the 20th century.

With a destruction of threedimensional space, they used symbolic themes to talk about death and pain.

It was a personal and intuitive art with strident colours, very angular shapes, nervous brushstrokes and drama. All to make its message better understood, a cry that never sought to be a mystery, quite the opposite.

The paradox is that the term «expressionist» can be applied to works of art from any period, even earlier. I dare say it could start with Goya and his black paintings or even Hieronymus Bosch

In the 20th century, it forms an important current of modern art that includes, among others, Vincent Van Gogh, Edvard Munch, Modigliani, Soutine, Georges Rouault, Egon Schiele, Oskar Kokoschka, Paul Klee, Max Beckmann, Pablo Picasso, Henry Moore, Graham Sutherland, Francis Bacon, Alberto Giacometti, Jean Dubuffet, Georg Baselitz, Anselm Kiefer… up to the Neoexpressionism of the eighties.

After World War II, a new form of this style developed in America, known as Abstract Expressionism.

If I had to choose a final concept to describe the broader term of Expressionism in art, I would say that it is about distorting the vision of the outside world to show the

feelings and emotions of the inner world in the subconscious of the artist. To sum up:

Expressionism is closing one's eyes to reality in order to express what is going on inside the mind and heart.

MUNCH AND VAN GOGH, PRECURSORS

Although they were born almost half a century earlier and were not German, Edvard Munch and Vincent van Gogh are considered key forerunners of Expressionism because of the strong expressiveness of faces and the raw psychology in all their work.

Van Gogh was a great mad genius, deified today but totally misunderstood during his lifetime. He lived to paint what his sick soul felt and he could never sell a single painting.

Also Munch was constantly tortured by her devious mind and his sad existence. Both expressed their deepest feelings, painting human tragedies such as loneliness, anguish, death and eroticism. Precisely these would be years later, the favourite themes of the expressionists.

Munch's «The Scream» is one of the most iconic works of modern art, but if there is one painting that has become a cultural icon of our era, it is Van Gogh's «Starry Night.»

Interestingly, two of the painting's icons embody the deep sense of anguish and anxiety that pervaded the modernist era. Both are based on the dramatic experiences of their authors, who paint, as if shouting at the world with their brushes, expressing their deep despair.

Although they are earlier (1893 and 1889) and do not belong to any Expressionist group, they were undoubtedly an inspiration and

reflect the spirit that beats in the philosophy of this movement that has so influenced artists of the 20th and 21st centuries.

«Just as Leonardo Da Vinci studied human anatomy by dissecting bodies, I try to dissect souls.»

Munch

+ FASHION REPORT © ROCÍO ALCÁNTARA

VIVIENNE WESTWOOD Y SU MÍTICO «BORN IN ENGLAND» RENOVADO

excentricidad en mayúsculas en una colección en la que el género se diluye y se eleva sobre plataformas de vértigo con las que la reina de corazones parecía buscar despedirse haciendo un guiño a sus orígenes.

Si hay una colección con la que poder sacar nuestro lado más excéntrico y rebelde durante la próxima temporada, es la firmada por Andreas kronthaler para Vivienne westwood.

y es que cuando el calendario comience a anunciar la llegada de cálidas jornadas a nuestra rutina, será el momento de dejar atrás todo eso que durante el invierno quizás nos impida mostrar nuestro lado más punk, alocado y, por qué no decirlo, desenfrenado.

y así, casi sin darnos cuenta, la primavera se convertirá en el momento perfecto para sumergirnos de lleno en esa excentricidad tan propia de la mítica casa de moda que, para los próximos meses, nos invita a mostrarnos al mundo de esa manera alocada y alejada de los artificios y convencionalismos que el frío del invierno parece instalar en nuestras vidas. de esta manera, Vivienne westwood nos abre las puertas de un universo en el que el género no es importante y donde los volúmenes llegan dispuestos a convertirse en epicentro de todas las miradas.

miradas que, atrevidas e indiscretas, convertirán en protagonistas a todas y cada una de las puntadas que dan forma a creaciones arriesgadas en las que se persigue seguir buscando el equilibrio entre lo salvaje y lo natural.

prendas eclécticas llenas de estampados, color y construcciones emergentes, con las que no pasar inadvertidos en las cálidas tardes que están por llegar.

La colección con la que Vivienne westwood nos invita a vestir nuestros momentos más especiales es una auténtica danza arrítmica de estampados y tejidos entre los que podemos encontrar desde el denim bordado hasta el tartán, pasando por los trajes de sastrería vanguardista de Jacquard.

pantalones amplios que emulan ser faldas construidas con telas de bandana, mallas transparentes y la reinterpretación única de las túnicas con las que la diseñadora creadora de la marca se dio a conocer en sus primeros años.

todos ellos dan forma a una colección perfecta en la que la moda masculina y femenina se fusionan de una manera casi perfecta para crear looks desde el amanecer hasta la caída de la noche, dando como resultado un nuevo punk en el que nunca se pierde de vista la esencia más pura de su mítico eslogan «born in england». toda una oda al pasado en la que el futuro se escribe, sin duda, en mayúsculas.

+ FASHION REPORT © ROCÍO ALCÁNTARA

VIVIENNE WESTWOOD AND HER LEGENDARY "BORN IN ENGLAND" REINVIGORATED

eccentricity in capital letters in a collection in which gender is dissolved and elevated on spectacular platform shoes with which the Queen of hearts seems to be saying goodbye with allusions to her beginnings.

If there is a collection with which we can bring out our most eccentric and rebellious side during the coming season, it's the one signed by Andreas kronthaler for Vivienne westwood.

because when the calendar begins to announce the arrival of warm days to our routine, it will be time to leave behind everything that during the winter may prevent us from showing our most punk, crazy and, why not say it, wild side.

And so, barely realizing it, spring will become the perfect time to immerse ourselves in the eccentricity so typical of the iconic fashion house that, for the coming months, invites us to reveal ourselves to the world in a wild way, far from the artifices and conventionalism that the winter cold seems to impose on our lives.

As such, Vivienne westwood opens the doors to a universe in which gender is not important and where volumes are ready to take their place under the spotlight.

bold and prying eyes will focus on every one of the stitches giving shape to bold creations that continue to seek a balance between wilderness and nature.

eclectic garments full of prints, colour, and emerging constructions that will make it impossible to go unnoticed in the upcoming warm afternoons.

the collection through which Vivienne westwood invites us to dress up our most special moments is an impressive arrhythmic dance of prints and fabrics, from embroidered denim to tartan and Jacquard avant-garde tailored suits.

wide trousers emulating skirts made from bandana fabrics, sheer tights, and the unique reinterpretation of tunics with which the designer and creator of the brand made her name in her early years.

All of them give shape to a perfect collection in which men's and women's fashion merge in an almost perfect way to create looks from dawn to dusk. the result is a new kind of punk that never loses sight of the purest essence of the iconic slogan "born in england."

It's an ode to the past in which the future is definitely written in capital letters.

CHARLES & RAY EAMES: DE LA PEqUEñA A LA GRAN ESCALA.

Aunque Ray & Charles Eames nacieron a principio del siglo XX, siguen siendo referentes de modernidad, innovación, industrialización y minimalismo. Ellos acuñaron el «bueno», «muy bueno» y «Eames».

Ray Kaiser comenzó su formación en Nueva York y siguió con sus estudios de pintura en la School of Fine Art de Hans Hofmann, mostrando su obra en la primera exposición de artistas abstractos estadounidenses.

Mas tarde se trasladó a la Cranbook Academy of Art de Michigan para estudiar arquitectura y diseño.

Charles Eames estudió arquitectura en la Universidad Washington, en San Luis, aunque la abandonó dos años más tarde para dedicarse a trabajar en esta disciplina.

Se trasladó junto a su familia a Michigan aconsejado por Eliel Saarinen para retomar sus estudios en Cranbook, convirtiéndose en maestro, dirigiendo el departamento industrial y participando junto a Eero Saarinen en el diseño del trofeo del premio «Diseño orgánico», la «EamesSaarinen Kleinhans Chair» y la «Eames-Saarinen Organic Chair».

Charles & Ray Eames iniciaron su andadura común como pareja en 1941, tras conocerse en la Cranbook, residiendo en Los Angeles durante el resto de sus vidas, falleciendo Charles el 21 de Agosto de 1978 y Ray exactamente 10 años después.

EAMES LCW

En 1945 gestaron la «Eames Lounge Chair Wood», donde demuestran su novedosa técnica de modelaje de la madera en una silla tan pequeña como icónica.

Su experiencia con el modelado tridimensional de la madera contrachapada hizo que diseñaran y utilizaran este material para las férulas de inmovilización de piernas de la Armada de los EE.UU.

LA CHAISE

«La Chaise» fue presentada en 1948 en el concurso del MoMA, una «sorprendente, atractiva e inventiva» tumbona, cuyas lineas se comprenden al observar la escultura «Floating Figure» y que es un símbolo del diseño orgánico. El compuesto a base de plástico y caucho que emplearon fue fruto de las nuevas tecnologías y de la II Guerra Mundial.

EAMES HOUSE

Sobre una colina con vistas al océano Pacífico, los Eames construyeron su casa en 1949: La «Eames House». Un diseño proyectado en principio por Charles Eames y Eero Saarinen y que sufrió notables modificaciones por parte de Charles & Ray durante su construcción.

La «Eames House» respondía al programa para la industrialización de viviendas «Case Study House». El resultado no fue del agrado de los promotores, ya que no supieron ver lo que la modularidad, el fácil montaje y los nuevos materiales supondrían para la arquitectura.

Charles se desprendió de los postulados que guiaban a la mayoría de los arquitectos.

Su casa debía responder a sus necesidades: un lugar donde cobijarse y un espacio para trabajar.

Los Eames desarrollaron dos edificios contiguos de doble altura: uno residencial y otro estudio-taller; sumando el factor flexibilidad y permitiendo que los espacios (usualmente denominados salón, dormitorio, comedor…), pasaran a ser estancias adaptables a las necesidades que fueran surgiendo. Prueba de ello es que hoy la «Eames House» es la sede de la «Eames Fountation».

Una casa que es contenedor y contenido. Su estructura principal de acero y estructuras compuestas, además de un pequeño muro de contención, fueron instalados en tan solo 90 horas.

Se montó en su totalidad con materiales prefabricados: acero, cristal, asbesto y paneles de cemento. En este edificio prima la estructura que se resalta a través de las texturas y los colores de los materiales.

EAMES PLASTIC ARMCHAIR & SIDE CHAIR

Las primeras sillas de plástico de la historia producidas de forma industrial aparecieron en 1950. Presentadas en 1948 en el concurso «Low-Cost Furniture design» organizado por el MoMA, la «Plastic Armchair» y la «Plastic Side Chair» responden a una de las premisas de los Eames: «Conseguir más de lo mejor para más gente y por menos»

Su investigación e innovación los llevó a utilizar la resina de poliéster reforzada con fibra de vidrio, moldeando la carcasa para que se adaptara al cuerpo humano.

Actualmente Vitra utiliza el plástico para la «Eames Plastic Chair» y reserva la composición original para la «Eames Fiberglass Chair».

Para las carcasas, disponibles en un amplio abanico de colores, los diseñadores presentaron una gran variedad de bases, como la estructura «Eiffel Tower», desarrollada con cables de acero de gran estabilidad. Nacían las «Eames Eiffel».

Charles & Ray establecieron una nomenclatura para las prácticamente infinitas opciones que se pueden conseguir combinando carcasas y bases. Por ejemplo, en la «Eames DSW» la D alude a la altura «dinning heigh», la S a «side chair» y la W a «wood base». En la «Eames LAR», la altura L corresponde a «lounge», la A a «armchair» y la R a «rod base» …y así en un sinfín de posibilidades.

EAMES LOUNGE CHAIR & OTTOMAN

La pareja de arquitectos y diseñadores concibieron y crearon otro icono del diseño en 1956, el «Lounge Chair & Ottoman», comercializado a gran escala por el fabricante Herman Miller y en la actualidad por Vitra para Europa.

No se trata de una simple butaca y reposapiés, los Eames diseñaron una pieza de arte cómoda y atemporal, en la que solo se usan materiales sostenibles, reciclados o reciclables.

La carcasa de madera contrachapada y moldeada, la tapicería en piel desenfundable… elegante y longeva. Un proceso de fabricación que se ha mantenido inmutable en el tiempo, un símbolo inspirado en un guante de béisbol y un sillón de club inglés, expuesto en el MoMA de Nueva York y en el Art Institute de Chicago.

Fabricado desde 1984 por Herman Miller, el «Sofa Eames» es la pieza póstuma de Charles Eames. Fue diseñado por la pareja como complemento para el «Soft Pad Group», sillas concebidas en 1969 y editadas por Vitra.

EAMES SOFT PAD GROUP & ALUMINIUM GROUP

Para comprender este grupo de asientos hay que remitirse a las

«Aluminium Chairs», sillas que crearon para la casa Herman Miller en 1948, que no encontraba muebles de exterior de calidad. Y ahí estaban los Eames, dándole una respuesta al fabricante estadounidense.

Si bien la silueta coincide, lo que diferencia al «Soft Pad Group» del «Aluminium Group» es el acolchado, unos cojines mullidos que aportan confort y mantienen el diseño depurado y elegante de los perfiles de aluminio que los sostiene.

A las lineas puras, a la estructura y al suave cuero que tapiza los cojines, los Eames añadieron nogal o teka al concebir el «Sofa Eames».

EAMES DESK UNIT, HANG IT ALL & ELEPHANT

Todos los diseños de Ray & Charles Eames: edificios como la «Max De Pree House», muebles como el «Desk Unit» o el «Hang it all», o juguetes como el «Eames Elephant»; buscan la funcionalidad, dar respuesta a una necesidad, la comodidad, ya que se adaptan a la anatomía humana, y el material como detalle, ya que para ellos… «Los detalles no son detalles en sí, constituyen el producto»

CHARLES & RAY EAMES:

FROM THE SMALL TO THE BIG SCALE.

Although Ray & Charles Eames were born at the beginning of the 20th century, they continue to be the modernity, innovation, industrialization and minimalism benchmarks. They coined «good»,«very good» and «Eames».

Ray Kaiser began her education in New York and continued her painting studies at the Hans Hofmann School of Fine Art, exposing her work at the first exhibition of American abstract artists.

She went later to the Michigan’s Cranbook Academy of Art to study architecture and design.

Charles Eames studied architecture at Washington University in St. Louis, although he dropped out two years later to work in this discipline.

He moved with his family to Michigan adviced by Eliel Saarinen to continue his studies at Cranbook, becoming a teacher, directing the industrial department and participating with Eero Saarinen in the design of the «Organic Design» award trophy, the «EamesSaarinen Kleinhans Chair» and the «Eames-Saarinen Organic Chair».

Charles & Ray Eames began their common life in 1941 as a couple, after meeting at the Cranbook, residing in Los Angeles for the rest of their lives. Charles died the 21th August of 1978 and Ray exactly 10 years later.

EAMES LCW

In 1945 they created the «Eames Lounge Chair Wood», where their innovative technique of modeling wood is demonstrated in a chair as small as iconic.

Their experience with threedimensional modeling of plywood allowed the design and use of this material for leg splints for the US Army.

LA CHAISE

«La Chaise» was presented in the 1948 MoMA competition, a «surprising, attractive and inventive» seat, whose lines are understood when you see the «Floating Figure» sculpture and which is a symbol of organic design. The plastic and rubberbased compound they used was the result of new technologies and Second World War .

EAMES HOUSE

On a hill overlooking the Pacific Ocean, the Eames built their home in 1949: The «Eames House». A design initially projected by Charles Eames and Eero Saarinen and which underwent modifications by Charles & Ray during its construction.

The «Eames House» responded the program for the industrialization of housing «Case Study House». The result was not what the promoters waited, they did not see what modularity, easy assembly and new materials would mean for architecture.

Charles got rid of the postulates that guided most of the architects. His house had to answer his needs: a place to shelter and a space to work.

The Eames developed two adjoining double-height buildings: one residential and the other studioworkshop; adding the flexibility factor and allowing the spaces (usually called living room, bedroom, dining room…), to become rooms adaptable to the needs that arise.

Proof of this is that today the Eames House is the headquarters of the «Eames Foundation».

A house that is container and content. Its main steel frame and composite structures, plus a small retaining wall, were installed in just 90 hours.

It was assembled entirely with prefabricated materials: steel, glass, asbestos and cement panels. In this building, the structure stands out through the textures and colors of the materials.

EAMES PLASTIC ARMCHAIR & SIDE CHAIR

The first industrially produced plastic chairs in history appeared in 1950. Presented in 1948 in the «Low-Cost Furniture design» competition organized by MoMA, the «Plastic Armchair» and «Plastic Side Chair» answered one of the premises of the Eames :

«To achieve more of the best for more people and for less»

Their research and innovation led them to use fiberglass reinforced polyester resin, molding the shell to fit the human body.

Vitra currently uses the plastic for the «Eames Plastic Chair» and reserves the original composition for the «Eames Fiberglass Chair».

For the shells, available in a wide range of colors, the designers presented a large variety of bases, such as the «Eiffel Tower» structure, developed with highly stable steel wires. The «Eames Eiffel» were born.

Charles & Ray established a nomenclature for the virtually endless options that can be achieved by combining shells and bases. For example, in the Eames DSW the «D» stands for «dining height», the «S» for «side chair» and the «W» for «wood base». In the Eames LAR, the height «L» corresponds to «lounge», the «A» to «armchair» and the «R» to «rod base»… and so on in endless possibilities.

EAMES LOUNGE CHAIR & OTTOMAN

The couple of architects and designers conceived and created another design icon in 1956, the «Lounge Chair & Ottoman», marketed on large scale by the manufacturer Herman Miller and currently by Vitra for Europe.

It is not just a simple armchair and footstool, the Eames designed a comfortable and timeless piece of art, using only sustainable, recycled or recyclable materials.

The plywood and molded shell, the removable leather upholstery, elegant and long-lasting. A manufacturing process that has remained unchanged over time, a symbol inspired by a Baseball glove and an English club chair, exhibited at MoMA in New York and the Art Institute of Chicago.

Manufactured since 1984 by Herman Miller, the «Eames Sofa» is the posthumous piece of Charles Eames. It was designed by the couple as a complement to the «Soft Pad Group», chairs conceived in 1969 and edited by Vitra.

EAMES SOFT PAD GROUP & ALUMINIUM GROUP

To understand this group of seats, we must refer to the «Aluminum Chairs», chairs that were created for the Herman Miller house, who could not find quality outdoor furniture. And there were the Eames, giving the American manufacturer an answer.

Although the silhouette matches, what differentiates the «Soft Pad Group» from the «Aluminum Group» is the padding, soft cushions that provide comfort and maintain the refined and elegant design of the aluminum profiles that support them.

To the pure lines, the structure and the soft leather that upholsters the cushions, the Eameses added walnut or teak when conceiving the «Eames Sofa».

EAMES DESK UNIT, HANG IT ALL & ELEPHANT

All Ray & Charles Eames designs: buildings like the «Max De Pree House», furniture like the «Desk Unit» or «Hang it all», toys like the «Elephant»; look for functionality, respond to a need, look for comfort, because they adapt to the human anatomy, and the material as a detail, since for them:

«The details are not details in themselves, they constitute the product»

LA BIENAL DE VENECIA, ÉXITO TOTAL

La Bienal de Venecia ha sido durante 127 años una de las instituciones culturales más prestigiosas del mundo. El mega evento que inunda la ciudad de los canales y las góndolas, ha batido el record de visitantes y de prensa.

La 59 Muestra Internacional de Arte, titulada “Il latte dei sogni”, curada por Cecilia Alemani, con múltiples pabellones y proyectos, cerró el 27 de noviembre. Una Bienal que este año registró récord de participación de público, con más de 800 mil entradas vendidas, además de las 23.000 durante la pre- inauguración. Considerando la mayor duración de la exposición (de mayo a noviembre) el aumento es sustancial en comparación con 2019.

Esta edición ha sido un mayor éxito de público (a pesar del bajo número de visitantes de Asia) y ha acaparado la atención de la prensa italiana e internacional.

La Biennale ha querido garantizar la presencia de artistas ucranianos, apoyando la construcción del Pabellón de Ucrania y poniendo a su disposición un espacio gratuito en los Jardines, "Piazza Ucrania”, para la presentación de obras en cualquier formato (transmitido digitalmente), de artistas que permanecieron en su país y están directamente involucrados en la resistencia a la agresión rusa.

BIENAL DEVENECIA

VENECIA

En la Bienal que volvió tras la pandemia hubo mucha cultura negra y gusto tribal con artes aplicadas como el bordado y el lenguaje gráfico, pasado y futuro. Y había mucho color, todos los colores del mundo. Pero lo mas especial, es que aporta una mirada diferente, como si el hilo de la historia buscara algo que creías no haber visto nunca. La llaman Bienal de la Mujer pues entre casi 1500 obras, la presencia femenina es un récord del 80 %.

Hemos visto escenarios futuristas, mundos oníricos, máscaras y criaturas mitológicas, dentro de la luz y la oscuridad, entre el silencio y el ruido, disfrutando de los misterios y secretos incomprensibles de la belleza. Es la primera vez que la muestra está dedicada principalmente a la mujer. Hubo muchas otras primicias este año. Nunca antes un artista británico negro había ganado el León de Oro al Mejor Pabellón Nacional. Y se le cerraron las puertas a Rusia para ponerle alfombra roja a Ucrania.

La gran protagonista de la Bienal, ha sido Leonora Carrington, noble inglesa, brillante pintora y escritora del movimiento Surrealista.

El título de la muestra está tomado de un librito suyo. Son cuentos de hadas envueltos en su dimensión onírica, que nos transporta en un viaje imaginario a través de la metamorfosis del cuerpo en busca de la propia identidad. La inocencia fantástica de la infancia busca cobijo en el universo visionario de los sueños, con una dimensión lúdica, a la vez humana y monstruosa. En esa huida al encantamiento, esa visión imaginativa de una realidad transfigurada de raíz popular, está la "cuna de las brujas", que son

Leonora Carrington, Dorothea Tanning, Remedios Varo y Paula Rego, alistadas en el magma del grupo surrealista. Brujas del pincel y hechizos del arte que se entrecruzan con fantasías populares y la nostalgia del Tercer Mundo.

La curadora Cecilia Alemani es una italiana que vive en Nueva York. Subrayó las dificultades para montar el evento en un momento histórico tan complejo: «Fue un camino muy largo, que nos llevó a través de una pandemia, una guerra cruel y una sensación colectiva de incertidumbre. Organizar esta exposición fue una gran aventura. Concebí la exposición de forma remota, con cientos de videoconferencias por zoom con artistas en sus estudios de todo el mundo. Muy pocos pudieron venir a ver los espacios de exhibición. Nadie sabía si las obras llegarían a tiempo a Venecia. Ha sido un esfuerzo extraordinario con más de dos años de un trabajo titánico en grupo. Haber podido inaugurar a tiempo, es un milagro».

LA EXPOSICIÓN EN NUMEROS

213 artistas invitados

58 países de origen 180 primeras participaciones en la Bienal

1500 obras de arte

2 Proyectos Especiales:

· Pabellón de Artes Aplicadas en colaboración con el Victoria and Albert Museum de Londres

· Proyecto Especial Forte Marghera en Mestre

13 Encuentros de Arte

80 participaciones nacionales

27 participaciones nacionales en los pabellones históricos de los Jardines (Giardini)

26 participaciones nacionales en las naves del Arsenal (Arsenale)

27 Muestras del Patrimonio Nacional en el centro histórico de Venecia

5 naciones presentes por primera vez: República de Camerún, Namibia, Nepal, Omán y Uganda

3 Repúblicas que participan por primera vez con pabellón propio: Kazajstán, Kirguistán y Uzbekistán

30 eventos colaterales por toda la ciudad

PREMIOS “LEON DE ORO”

“Leone d’Oro” es el premio de la Bienal a la Trayectoria atribuido a dos artistas: la alemana Katharina Fritsch y la chilena Cecilia Vicuña.

El Jurado Internacional, integrado por Adrienne Edwards (EEUU), Presidente del Jurado, Lorenzo Giusti (Italia), Julieta González (México), Bonaventure Soh Bejeng Ndikung (Camerún), Susanne Pfeffer (Alemania), decidió otorgar los premios oficiales a:

Leone d’Oro a la Mejor Participación Nacional en Gran Bretaña, Sonia Boyce: “Feeling Her Way” 2 menciones especiales a Francia y Uganda (nueva participación)

Leone d'Oro a la mejor participante: Simone Leigh Leone d’Argento (León de Plata) para joven promesa: Ali Cherri

2 menciones especiales a las participantes Lynn Hershman Leeson y Shuvinai Ashoona. Venecia es sin duda, un centro cultural clave en todos los sentidos, no solo para pintura, escultura y artes visuales sino también para otras formas de cultura. Estamos orgullosos de ver que realmente hay cinco Bienales. El mega evento de arte, conocido simplemente como La Biennale (de abril a noviembre) es hermano de otros grandes encuentros: Biennale Musica (septiembre), Biennale Cinema (agosto y septiembre), Biennale Danza (julio) y Biennale Teatro (junio y julio) y Biennale Architettura (mayo-noviembre).

“Il latte dei sogni” aspira a ser una exposición optimista, que celebra el arte y su capacidad de crear cosmologías alternativas y nuevas condiciones de existencia. Roberto Cicuta, presidente de la feria, retoma su filosofía:

“Hoy el punto de partida de la próxima Bienal de Arte es la reinvención de relaciones nuevas y más sostenibles entre los individuos y el universo en el que vivimos”.

LA BIENNALE DI VENEZIA, A TOTAL SUCCESS

The Venice Biennale has been for 127 years one of the most prestigious cultural institutions in the world. The mega event that floods the city of canals and gondolas has broken the record for visitors and press.

The 59th International Art Show, entitled "Il latte dei sogni", curated by Cecilia Alemani, with multiple pavilions and projects, closed on November 27. A Biennial that this year reached a record of public participation, with more than 800,000 tickets sold, in addition to the 23,000 during the preopening. Considering the longer duration of the exhibition (may to November), the increase is substantial compared to 2019. This edition has been a greater public success (despite the low number of visitors from Asia) and has captured the attention of the Italian and international press.

The Biennale wanted to guarantee the presence of Ukrainian artists, supporting the construction of the Ukrainian Pavilion and making available a free space in the Gardens, "Piazza Ukraine", for the presentation of works in any format (digitally transmitted), by artists who remained in their country and are directly involved in resisting Russian aggression.

In the Biennale that returned after the pandemic, there was a lot of black culture and tribal taste with applied arts such as embroidery and graphic language, past and

future. And there was a lot of colour, all the colours in the world. But the most special thing is that it provides a different look, as if the thread of history was looking for something that you thought you had never seen. They call it the Women's Biennial because among almost 1,500 works, the female presence is a record with 80%.

We have seen futuristic settings, dream worlds, masks and mythological creatures, within light and darkness, between silence and noise, enjoying the mysteries and incomprehensible secrets of beauty. It is the first time that the exhibition is dedicated mainly to women. There were many other firsts this year. Never before has a black British artist won the Golden Lion for Best National Pavilion.

And the doors were shut to Russia but a red carpet was offered to Ukraine.

The great protagonist of the Biennial is Leonora Carrington, English noblewoman, brilliant painter and writer of the Surrealist movement. The title of the sample is taken from one of her books It’s fairy tales wrapped in a dreamlike dimension, which transports us on an imaginary journey through the metamorphosis of the body in search of our own identity.

The fantastic innocence of childhood seeks shelter in the visionary universe of dreams, with a playful dimension, both human and monstrous. In this flight into enchantment, this imaginative vision of a transfigured reality of popular roots. The "cradle of witches”, is where Leonora Carrington, Dorothea Tanning, Remedios Varo and Paula Rego enrolled in the magma of the Surrealist group. Witches of the brush and spells of art that intertwine with popular fantasies and the nostalgia of the Third World.

Curator Cecilia Alemani is an italian based in New York. She underlined the difficulties in staging the event at such a complex historical moment: “It was a very long road, which took us through a pandemic, a cruel war and a collective sense of uncertainty. Organising this event was a great adventure. I conceived this exhibition remotely, with hundreds of zoom studio visits with artists from around the world. Very few were able to come to see the exhibition spaces. No one knew if the works would arrive in Venice on time. Although things now seem to be back to some kind of normality, it has been an extraordinary effort with more than two years of titanic group work. Being able to open on time is a miracle."

THE EXHIBITION IN NUMBERS

213 invited artists

58 countries of origin of the artists

180 first participations in the Biennial 1500 works of art

2 Special Projects:

· Pavilion for Applied Arts in collaboration with the Victoria and Albert Museum in London

· Special Project Forte Marghera in Mestre

13 Art Encounters

80 national participations

27 national participations in the historic pavilions of the Gardens (Giardini)

26 national participations in the ships of the Arsenal (Arsenale) with artists from Italy

27 Samples of National Heritage in the historic center of Venice

5 Participations of nations present for the first time: Republic of Cameroon, Namibia, Nepal, Oman and Uganda

3 Republics participating for the first time with their own flag: Kazakhstan, Kyrgyzstan and Uzbekistan

30 side events throughout the city

GOLDEN LIONS AWARDS

“Leone d’Oro” is the Biennial Award for Lifetime Achievement attributed to two artists: the German Katharina Fritsch and the Chilean Cecilia Vicuña.

The International Jury, made up of Adrienne Edwards (USA), President of the Jury, Lorenzo Giusti (Italy), Julieta González (Mexico), Bonaventure Soh Bejeng Ndikung (Cameroon), Susanne Pfeffer (Germany), decided to award the official prizes to:

Leone d'Oro for Best National Participation in Great Britain, Sonia Boyce: "Feeling Her Way"

2 special mentions to France and Uganda (new participation)

Leone d'Oro for the best participant: Simone Leigh Leone d'Argento (Silver Lion) for young promise: Ali Cherri

2 special mentions to the participants Lynn Hershman Leeson and Shuvinai Ashoona

Venice is no doubt, a key cultural centre in all senses, not only for painting and sculpture but also for other forms of culture. We are proud to see that there are really six Biennales. The mega art event, known simply as La Biennale (from April to November) is the sister of other major gatherings: Biennale Musica (September), Biennale Cinema (August and September), Biennale Danza (July) and Biennale Teatro (June and July) and Biennale Architettura (MayNovember).

“The Milk of Dreams" aspires to be an optimistic exhibition, celebrating art and its capacity to create alternative cosmologies and new conditions of existence.

Roberto Cicuta, President of the fair, resumes its philosophy:

“Today the starting point for the next Biennale Arte seems to be the reinvention of new and more sustainable relations between individuals and the universe we live in.”

LEONARD PARIS Y SU JOYA TURqUESA DEL CARIBE

¿Qué dirías si te propusieran sumergirte en un entorno paradisíaco en el que las tonalidades turquesas se conviertan en la paleta de color de tu día a día?

¡Atrévete a vivir ese sueño de la mano de Leonard paris esta temporada!

Al más puro estilo bohemian chic: así imagina Leonard paris a la mujer que, en los próximos meses, dará la bienvenida a una de las estaciones más bonitas y vivas del año, la primavera.

una mujer que busca zambullirse en un entorno lleno de color y diversión en el que el glamur emana a raudales y donde, envuelta, en formas laxas y volúmenes perfectos, busca vivir la libertad más pura que solo puede disfrutarse en un entorno paradisíaco.

Sin prisa pero sin pausa, Leonard paris, a través de su director creativo, george Lux, nos invita a trasladarnos al Caribe de la década de los setenta, cuando las fiestas se llenaban de personajes icónicos ansiosos de exprimir la vida al máximo.

A esto nos invita Leonard paris a través de todas y cada una de las creaciones que dan forma a su próxima colección de primavera-verano.

una colección creada para hacernos beber la vida a sorbos y para invitarnos a saborear todos los momentos a través de unas exclusivas y elegantes creaciones llenas de puntadas de vida. puntadas combinadas a la perfección en una elegante paleta de colores brillantes en la que destacan las tonalidades acuáticas entre las que tonos vibrantes como el rosa, el naranja o el amarillo ocupan un lugar más que destacado.

Leonard paris nos invita a llenar las veladas primaverales y estivales de caftanes, vaporosos vestidos de corte mini y pantalones piratas que encuentran en los volantes ese toque de distinción chic que hará que quien se decante por ellos no pase inadvertida. todo salpicado de detalles exclusivos que convierten cada creación en una pieza única y que hacen que todo respire un ambiente de verano despreocupado y divertido. una mezcla perfecta en la que la sensualidad se escribe con mayúsculas y en la que el cuerpo femenino se deja envolver y seducir por una opulencia tan propia del estilo de george Lux, que viene a definir a la firma de Leonard paris del presente.

una opulencia en la que también tienen cabida looks más casuales entre los que el denim se convierte en una novedad arriesgada a través de estampados y rotos con motivos de la temporada en relieve.

¿te atreves a dejarte seducir por una colección con sabor a playa, a verano y a vida?

LEONARD PARIS AND HIS CARIBBEAN TURqUOISE JEWEL

what would you say if you were offered the chance to immerse yourself in a paradisiacal setting where turquoise tones would become the colour palette of your everyday life?

don't be afraid and take the plunge to live that dream with Leonard paris this season.

In the purest bohemian chic style - this is how Leonard paris imagines women who, in the coming months, will embrace one of the most beautiful and lively seasons of the year, spring.

women are looking to immerse themselves in an environment full of colour and fun, where glamour radiates. wrapped in loose shapes and perfect volumes, they seek to experience the purest freedom that can only be enjoyed in an idyllic setting.

Slowly but surely, Leonard paris, through its creative director, george Lux, invites us back to the Caribbean in the 1970s, when parties were filled with iconic characters eager to make the most of life.

this is what Leonard paris invites us to do through every one of the creations that constitute its next springsummer collection.

this is a collection created to make us take life in sips and savour every moment through exclusive and elegant creations full of stitches of life.

each stitch is perfectly combined in an elegant palette of bright colours in which aquatic tones stand out, with vibrant shades such as pink, orange, and yellow taking an outstanding place.

Leonard paris invites us to fill spring and summer evenings with kaftans, flowing mini dresses, and cropped trousers that find in frills that touch of distinction that will keep anyone who chooses them from going unnoticed.

everything is sprinkled with exclusive details that turn each creation into a unique piece and make it all smell like a carefree and fun summer atmosphere.

A perfect mixture in which sensuality is written in capital letters and where the female body is wrapped and seduced by george Lux's opulence, which defines today's Leonard paris style.

this opulence also includes more casual looks in which denim becomes a bold innovation through prints and tears with seasonal motifs in relief.

do you dare let yourself be seduced by a collection with the taste of the beach, summer, and life?

río de Janeiro: una gran ciudad brasileña en primera línea de playa, conocida por sus playas de Copacabana e Ipanema, la estatua del Cristo redentor de 38 metros de altura en la cima del monte Corcovado y el pan de Azúcar, un pico de granito al que se puede acceder en teleférico.

La ciudad es conocida por sus extensas favelas. Su bullicioso festival de Carnaval cuenta con bailarines de samba, disfraces extravagantes y desfiles de carrozas. Los ricos y famosos han disfrutado en este histórico hotel desde que abrió sus puertas por primera vez en 1923.

en este bullicioso lugar se puede mezclar con la élite brasileña mientras se toman caipirinhas. Además, ofrece la mejor vista de los acontecimientos teatrales de río, como el exuberante carnaval de primavera y los fuegos artificiales de año nuevo. bienvenido al Copacabana palace.

el Copacabana palace cuenta con 239 habitaciones y suites. disponen de los restaurantes mee y ristorante hotel Cipriani, con estrellas michelin, el piano bar, el internacional pérgula y el pool bar. también ofrecen las siguientes comodidades y características:

piscina medio olímpica Spa del Copacabana palace Centro de fitness tenis en la azotea Visitas exclusivas a la ciudad 13 salas de reuniones con capacidad para 2.000 personas

el Copacabana palace está a 28 km del aeropuerto internacional de río de Janeiro.

empiece desde el Copacabana palace y explore la maravillosa ciudad de maneras que nunca pensó.

hay muchas cosas que hacer en río de Janeiro, como excursiones a islas y playas solitarias, así como tentadoras experiencias gastronómicas.

rio de Janeiro — a sizable beachfront city in brazil that is well-known for its Copacabana and Ipanema beaches, the 38-meter-tall Christ the redeemer statue atop mount Corcovado, and Sugarloaf mountain, a granite peak accessible by cable cars.

the city is renowned for its extensive favelas (shanty towns). Its boisterous Carnaval festival features samba dancers, extravagant costumes, and parade floats. the affluent and famous have enjoyed themselves at this historic hotel ever since its doors first opened in 1923.

this bustling location is where you can mingle with brazil's elite over caipirinhas. Additionally, it offers the greatest view of rio's theatrical highlights, including the exuberant spring carnival and the new year's fireworks display. welcome ot Copacabana palace.

the Copacabana palace has 239 rooms and suites. they have michelin-starred restaurants mee and ristorante hotel Cipriani, piano bar, the international pérgula and pool bar. they also offer the following amenities and features:

half-Olympic-sized swimming pool

Copacabana palace Spa fitness centre rooftop tennis exclusive city tours

13 meeting rooms hosting up to 2,000 guests

Copacabana palace is 28km from rio de Janeiro International Airport.

Start from Copacabana palace and explore the wonderful city in ways you never thought possible.

there are plenty of things to do in rio de Janeiro, including excursions to islands and secluded beaches as well as enticing gastronomic experiences.

MATISSE, GENIO DEL COLOR

“Matisse en la década de 1930”, una magnífica exposición en el Museo de Arte de Filadelfia, procedente de dos museos franceses.

La muestra es un gran logro curatorial del Musée de l’Orangerie de París, donde el artista alcanzó la fama, y del Musée Matisse de Niza, donde vivió en sus últimos años. El Philadelphia Art Museum albergará esta exposición desde octubre 2022 hasta enero 2023.

Henri Matisse es considerado el padre del movimiento francés Fauvismo y es considerado el mejor colorista del siglo XX. Rivaliza con Picasso en la importancia de sus innovaciones. Emergió como Postimpresionista y alcanzó prominencia por primera vez como líder de los Fauvistas (“fauve” significa bestia salvaje). Aunque interesado por el Cubismo, pronto lo rechazó. En cambio, buscó investigar el color como base para sus pinturas expresivas, decorativas y monumentales.

“Busco crear un arte que pueda ser una influencia relajante y calmante para la mente, como un buen sillón”.

La naturaleza muerta y el desnudo femenino fueron sus temas favoritos a lo largo de su carrera. El norte de África también fue una inspiración importante. Hacia el final de su vida, realizó una importante contribución al collage con una serie de obras en las que utilizaba formas recortadas de color. También es muy apreciado como escultor.

Matisse comenzó a pintar, a los 20 años, en 1889. Aunque comenzó relativamente tarde, se enamoró por completo del arte. Su madre le compró un juego de pinturas para mantenerse ocupado mientras se recuperaba de apendicitis. Sus primeros trabajos muestran que se inspiró en Van Gogh, Gauguin, Cezanne y Rodin. Pero un pintor se ganó su devoción: Cézanne. Sus primeras pinturas exhiben un estilo divisionista, con parches de color sin mezclas aparentes en el lienzo, dejando la fusión cromática a la vista.

En 1906, Matisse conoció a Picasso, quien se convirtió en su amigo de toda la vida y en competencia artística. Fueron comparados a menudo. A diferencia de Picasso, Matisse pintaba del natural y sus figuras fluían en escenarios completamente acabados. Impartió clases en la Académie Matisse de París, financiada por sus amigos adinerados. Estuvo cercano a la coleccionista Gertrude Stein y su círculo. En 1908 expuso en Nueva York, Moscú y Berlín.

El estilo fauvista era conocido por su color salvaje e incontrolado sin base en la naturaleza. La aplicación de la pintura era cruda y sin refinar.

La obra de Matisse es de colores brillantes y expresivos y planos cromáticos con atención particular a la línea. Cuando el Fauvismo se desvanece, estaba bien encaminado y continuaba absorbiendo el lenguaje visual del Primitivismo y el Arte Africano. Viajó a lugares exóticos como Argelia, Marruecos y España. En 1917, Matisse se mudó definitivamente a Niza, donde encontró comodidad en temas más relajados y suaves. Algunos críticos llamaron a las obras de este período decorativas y superficiales, pero Matisse no estaba solo. Esta actitud fue un fenómeno entre artistas del período de posguerra, incluidos Picasso y Stravinsky. Matisse podría haber huido de Francia durante la Segunda Guerra Mundial, pero decidió quedarse. Continuó creando y pudo exhibir su trabajo. También fue artista gráfico, creando ilustraciones de libros en blanco y negro y cientos de litografías. En la década de 1940, después de una cirugía, Matisse convaleciente, descubrió su amor por una nueva forma de arte. Con papel y tijeras, creó recortes y collages que eventualmente reemplazaron su pintura. Comenzaron a pequeña escala y llegaron a ocupar habitaciones enteras con murales recortados de enorme tamaño. Matisse terminó desde la cama su último collage en 1951. Los papeles recortados fueron las últimas obras que hizo.

“Deseo que mi arte sea equilibrio, pureza y serenidad, desprovisto de temas preocupantes o deprimentes”.

Esta aspiración fue una influencia importante en los futuros creadores que buscaron en el arte un refugio de la desorientación del mundo moderno. Matisse usó colores puros y el blanco del lienzo expuesto para crear una atmósfera llena de luz en sus pinturas. En lugar de utilizar modelado o sombreado para dar volumen a sus imágenes, usó áreas contrastadas de color puro y sin modular.

Su arte fue importante para respaldar el valor de la decoración en el arte moderno. Sin embargo, aunque popularmente se le considera un pintor dedicado al placer y la satisfacción, su uso del color y sus patrones a menudo nos desorientan deliberadamente. Matisse estuvo fuertemente influenciado por el arte de otras culturas.

Vio varias exposiciones de arte asiático y viajó al norte de África, incorporando los patrones decorativos del arte islámico, la angulosidad de la escultura africana y los planos de los grabados japoneses en su propio estilo.

La figura humana fue central en su obra tanto en escultura como en pintura. Su estilo Fauvista refleja su sentimiento de que el tema había sido descuidado en el Impresionismo y seguía siendo importante para él. A veces fragmentaba la figura con dureza. Otras veces la trataba casi como un elemento curvilíneo y decorativo. Su trabajo refleja el estado de ánimo y la personalidad de sus modelos, pero a menudo los utilizó simplemente como vehículos para sus propios sentimientos.

A Matisse le apasionaba pintar mujeres en reposo. Pintó odaliscas para hacer desnudos. Sus temas son mas su invención pictórica que las figuras reales, lujosamente dispuestas con patrones de trajes, plantas y una decoración brillante. Matisse comenzó a utilizar la fotografía en su estudio, documentando el progreso de una pintura y luego estudiando la secuencia de fotos para comprender mejor las partes esenciales de la imagen. El collage y la fotografía ofrecieron a Matisse una forma de dejar de lado el realismo y pensar en las imágenes de formas más abstractas. Las figuras pueden estar compuestas de formas y colores simples. Los interiores pueden basarse en patrones. Toda su vida experimentó meticulosamente con el arte, probando y reintentando sus ideas. Realmente merece ser llamado genio del color. "Siempre he tratado de ocultar mis esfuerzos y deseaba que mis obras tuvieran una ligera alegría de primavera que nunca deje que nadie sospeche los trabajos que me ha costado".

MATISSE, COLOUR GENIUS

“Matisse in the 1930s”, a superb exhibition in Philadelphia Museum of Art from two French museums. “Matisse in the 1930s” is a major curatorial achievement from the Musée de l’Orangerie in Paris, where the artist found fame, and the Musée Matisse in Nice, where he lived in his later years. The Philadelphia Museum of Art will host this exhibition from October 2022 till January 2023.

Henri Matisse is considered the father of Fauvism and is widely regarded as the greatest colourist of the 20th century. He rivals with Picasso in the importance of his innovations. He emerged as a PostImpressionist and first achieved prominence as the leader of the French Fauvists (wild beasts). Although interested in Cubism, he rejected it. Instead, he sought to use colour as the foundation for expressive, decorative and monumental paintings.

“I search to create an art that can be a soothing, calming influence on the mind, rather like a good armchair."

Still life and the nude remained favourite subjects throughout his career. North Africa was also an important inspiration. Towards the end of his life, he made an important contribution to collage with a series of works using cut-out shapes of colour. He is also highly regarded as a sculptor.

Matisse began painting, 20 years old, in 1889. Though he started relatively late in life, he soon became completely enamoured with art. His mother bought him a set of paintings to keep himself occupied while recovering from appendicitis. The early works show Matisse was inspired by Van Gogh, Gauguin, Cezanne and Rodin. But one painter gained his devotion: Cezanne. Many of his early paintings exhibit a Divisionist style, with unblended patches of colour apparent on the canvas, leaving the “mixing” to the eye.

In 1906, Matisse met Picasso, who became a lifelong friend and foil when it came to art. The two were often compared. In contrast to Picasso, Matisse often painted from life and his figures appeared in fully realised settings. He came to teach at the Académie Matisse in Paris, funded by wealthy friends. He became close with collector Gertrude Stein and her circle. In 1908 he exhibited in New York, Moscow and Berlin.

The Fauvist style was known for its wild, uncontrolled colour that had no basis in nature. The application of the paint was thought to be raw and unrefined.

Matisse’s work is all about bright, expressive colour and chromatic planes with a particular attention to line. When Fauvism fades, he was well on his way, continuing to absorb the visual language of Primitivism and African Art. He travelled far and wide to exotic places like Algiers, Morocco and Spain. In 1917, Matisse moves to Nice where he found comfort in more relaxed, softer subjects and depictions. Some critics called the works of this period decorative and shallow, but Matisse was not alone. This pulling back was a phenomenon seen among many artists in post War period, including Picasso and Stravinsky. In 1930 he created Large Reclining Nude, indicating his next big thing: simplified forms and cutouts. Matisse could have fled France during World War II but chose to stay.

He continued creating and was able to display his work. He also worked as a graphic artist, creating black and white book illustrations and hundreds of lithographs. In the 1940s, after surgery, Matisse discovered his love for a new art form while convalescing. With paper and scissors, he created cutouts and collages that eventually replaced his painting.

These started on small scale and came to occupy entire rooms as full-size cutout murals. Matisse finished from bed his last painting in 1951 and the cutouts were the last artworks he ever made.

“I want my art to be one of balance, purity and serenity, devoid of troubling or depressing subject matter ”.

This aspiration was an important influence on future creators who looked to art to provide shelter from modern world disorientation. Matisse used pure colours and the white of exposed canvas to create a light-filled atmosphere in his paintings. Rather than using modelling or shading to lend volume to his pictures, he used contrasting areas of pure, unmodulated colour.

His art was important in endorsing the value of decoration in modern art. However, although he is popularly regarded as a painter devoted to pleasure and contentment, his use of colour and pattern is often deliberately disorientating.

Matisse was heavily influenced by art from other cultures. He saw several exhibitions of Asian art and traveled to North Africa, incorporating the decorative patterns of Islamic art, the angularity of African sculpture and the flatness of Japanese prints into his own style.

The human figure was central to his work both in sculpture and painting. Its importance for his Fauvist style reflects his feeling that the subject had been neglected in Impressionism and it continued to be important to him. At times he fragmented the figure harshly. Other times he treated it almost as a curvilinear, decorative element. His work reflects the mood and personality of his models, but more often he used them merely as vehicles for his own feelings. Matisse was passionate about painting women in repose.

He painted odalisques in order to do nudes. His subjects are more his painterly invention than the real figures, lushly arranged with dress patterns, plants and bright décor.

Matisse began to embrace photography in his studio, documenting the progress of a painting then studying the sequence of photos to better understand the essential parts of the picture.

Collage and photography offered Matisse a way to put aside realism and think about images in more abstract ways. Figures could be composed of simple shapes and colours, interiors could be based on patterns. He meticulously experimented with art, trying and retrying ideas. He really deserves to be called colour genius.

"I have always tried to hide my efforts and wished my works to have a light joyousness of springtime which never lets anyone suspect the labours it has cost me.”

VICTORIATOMAS

VICTORIA/TOMAS

Y SU FIESTA DEL AMOR

diez años bien valen una auténtica fiesta. Con esta idea, y tras todos los sinsabores vividos durante la pandemia, Victoria/tomas nos invita a llenar de amor las tardes de primavera.

un soplo de aire fresco. No hay mejor manera de definir la colección creada por Victoria/ tomas para la próxima temporada.

una colección que respira, además, amor en todas y cada una de las piezas, que encuentran en el corazón un verdadero símbolo de distinción.

y es que la marca, nacida en septiembre de 2012 y convertida en un soplo de aire nuevo y diferente dentro del, en ocasiones, anquilosado e inmóvil universo de la alta costura, ha optado por incluir un corazón en patrones, insignias y bordados para celebrar una década formando parte del mundo de la moda.

Así, Victoria feldman y tomas berzins, diseñadores de Victoria/ tomas, construyen una colección a la que ellos mismos han bautizado como la «década del amor» y que, para ellos, supone un nuevo comienzo tras todas las dificultades y sinsabores vividos durante la pandemia.

una colección que nace, por lo tanto, para celebrar su décimo aniversario y, por qué no decirlo, el renacer a una vida que los jóvenes diseñadores buscan vestir de sensualidad y energía a través de sus originales combinaciones. piezas diseñadas y combinadas con las que Victoria/tomas buscar contar al mundo una historia real, sincera y auténtica.

para conseguirlo, Victoria/ tomas, en su afán de destacar en el saturado mundo de la moda, apuesta por un vestuario especialmente sensual y atrevido a través de mallas negras transparentes o bodys de encaje y lencería, que se combinan a la perfección con faldas con flecos, camisas de algodón a rayas, sudaderas que se acortan en su parte delantera dejando ver de manera sugerente el ombligo, chalecos o chaquetas saharianas. estas mezclas, a pesar de parecer imposibles, dan como resultado looks perfectos en los que la originalidad se escribe con mayúsculas. y todo en una paleta de color llena de azules, rosas, amarillos y verdes en la que la luz está asegurada.

Como curiosidad, la mayoría de las prendas con las que Victoria/ tomas nos invita a vestir los próximos meses son reversibles, aportando esa versatilidad tan necesaria en nuestro día a día; una versatilidad que nos permite crear mil y una combinaciones con las que llenar de luz y diversión la vida.

y como rey de la fiesta, ese corazón del que ya hemos hablado antes y que Victoria/ tomas convierte en el verdadero protagonista de su colección.

un símbolo de amor y vida que tiene cabida en chaquetas, camisas y suéteres, pero que también quiere estar presente en pantalones, minivestidos y tops. un verdadero homenaje de la firma a ese amor que sienten hacia un mundo, el de la moda, al que tanto le deben y que tanto aman.

VICTORIATOMAS

VICTORIA/THOMAS AND THEIR FESTIVAL OF LOVE

ten years are worth a real party. with this idea in mind, and after all the heartaches experienced during the pandemic, Victoria/ tomas invites us to fill spring afternoons with love.

A breath of fresh air. there is no better way to define the collection created by Victoria/tomas for the coming season.

A collection that exudes love in each and every one of the pieces, which find in the heart a true symbol of distinction.

the brand, born in September 2012 and converted into a breath of new and different air in the sometimes stagnant and immobile universe of haute couture, has chosen to include a heart in patterns, badges, and embroidery to celebrate a decade of being part of the fashion world.

thus, Victoria feldman and tomas berzins, designers of Victoria/ tomas, build a collection which they have baptised as the "decade of love" and which, for them, represents a new beginning after all the difficulties and heartaches experienced during the pandemic. this collection is born, therefore, to celebrate their tenth anniversary and, why not say it, the rebirth of a life that the young designers seek to dress up with sensuality and energy through their original combinations.

Victoria/tomas's designed and combined pieces seek to tell the world a real and honest story.

to achieve this, Victoria/tomas, in their desire to stand out in the overcrowded world of fashion, have opted for a particularly sensual and daring wardrobe through transparent black tights, lace bodysuits, and lingerie, which are perfectly combined with fringed skirts, striped cotton shirts, sweatshirts that are shortened at the front, revealing the navel in a suggestive way, waistcoats, or safari jackets. these mixtures, despite seeming impossible, result in perfect looks into which originality is written in capital letters. And all in a colour palette full of shades of blue, pink, yellow, and green in which light is guaranteed.

As an interesting fact, most of the garments that Victoria/ tomas invites us to wear in the coming months are reversible, providing that versatility so needed in our daily lives and allowing us to create a multitude of combinations with which to fill our lives with light and fun.

And as the king of the party, the aforementioned heart that Victoria/tomas makes the true protagonist of their collection.

A symbol of love and life that has a place in jackets, shirts, and jumpers, but that also wants to be present in trousers, mini-dresses, and tops.

A true homage from the firm to the love they feel for a world, the world of fashion, to which they owe a lot and which they love so much.

SEGUNDO MUSEO POMPIDOU DEL ARqUITECTO JAPONES

SIGERU BAN

Si el Centro pompidou de parís es aclamado por su espectacular fachada, su hermano pequeño, el pompidou-metz, tiene una identidad propia gracias a su original cubierta de madera. es obra del afamado arquitecto japonés Sigeru ban.

en 2014 fue premio pritzker y este año ha recibido el premio princesa de Asturias 2022.

el edificio pompidou-metz está formado por una gran estructura hexagonal con tres galerías en voladizo que se extienden a lo largo de toda la construcción. el espacio se organiza alrededor de una torre central de madera de 77 metros. el número hace referencia a 1977, cuando se inauguró el pompidou original en parís.

POMPIDOU METZ

+ ARCHITECTURE REPORT © MARÍA DE JUAN

este “segundo pompidou”, es el mayor espacio de exposiciones temporales en francia fuera de parís con tres galerías, teatro y auditorio. fue inaugurado por el presidente Sarkozy en 2010.

el aspecto más emblemático del museo es su cubierta de madera, por su complicada ejecución y gran tamaño: 8.000 m2. La cubierta, compuesta por vigas de madera laminada que forman una retícula hexagonal, pretende imitar el patrón de los sombreros chinos tejidos con paja. para cubrir la estructura de madera que permitiera el paso de luz al espacio interior, utilizó una membrana de fibra de vidrio translúcido.

el museo emerge como una inmensa carpa rodeada de una plaza frontal y dos jardines, con 10.700 m2. en definitiva, un museo digno de ser anexo del pompidou parisino.

“Cualquier cosa disponible es material de construcción. Al margen o dentro del sistema, todo está conectado.”

La primera vocación de Sigeru ban (tokio 1957), hijo de una modista y un empleado de toyota, fue de carpintero. estudió en California Institute of Architecture y trabajó dos años en el estudio de otro japonés Arata Isozaki. pionero de la arquitectura con conciencia ecologista de los 80, Sigeru ban es célebre por el uso de materiales no convencionales, como cartón, papel y otros reciclables. destaca por construir de manera rápida y eficiente edificaciones para dar cobijo a víctimas de desastres naturales.

en 1995 fue nombrado asesor de Naciones unidas para los refugiados y fundó Voluntary Architect's Network, una ONg que trabaja en situaciones de emergencia.

"Las viviendas de emergencia no dan dinero, las construyo por responsabilidad.”

Sigeru ban tiene sus estudios de arquitectura en tokio, parís y Nueva york. Además imparte clases en universidades como harvard y Cornell. Su obra se ha expuesto en museos como el momA de Nueva york. es autor del pabellón de Japón en la expo 2000 de hannover. Su único trabajo en españa es el pabellón de tubos de papel prensado situado en el jardín del Instituto de empresa de madrid.

“Los edificios eran mejores hace 100 años, hace 200 años, cuando no había tanta tecnología.”

SECOND POMPIDOU MUSEUM BY JAPANESE ARCHITECT SIGERU BAN

If the Centre pompidou in paris is acclaimed for its spectacular façade, his little brother, pompidou-metz, has its own identity with a very original wooden roof. It is the work of the famous Japanese architect Sigeru ban.

In 2014 he was awarded the pritzker prize and this year he received the 2022 princess of Asturias Award.

the pompidou-metz building is made up of a large hexagonal structure with three cantilevered galleries that run the length of the entire construction. the space is organised around a central wooden tower 77 meters high. the number refers to the year 1977, when the original pompidou in paris opened.

POMPIDOU METZ

the most emblematic aspect of the museum is its wooden roof, due to its complicated execution and large size: 8,000 m2. the roof, made up of laminated wooden beams that form a hexagonal grid, aims to imitate the pattern followed by Chinese hats woven with straw.

A translucent fiber glass membrane was used to cover the wooden structure that allows the passage of light into the interior space. the museum emerges as a huge tent surrounded by a front square and two gardens, with 10,700 m2. this “second pompidou” is the largest temporary exhibition space in france outside of paris. It is divided into galleries, theatre and auditorium. Inaugurated by president Sarkozy in 2010, the building is worthy of being annexed to the parisian pompidou.

“Anything available is building material. Outside or inside the system, everything is connected.”

the first vocation of Sigeru ban (tokyo 1957), the son of a seamstress and a toyota employee, was that of a carpenter. he studied at California Institute of Architecture and worked for two years in the studio of another Japanese, Arata Isozaki.

A pioneer of eco-conscious architecture in the 1980s, Sigeru is famous for his use of unconventional materials, such as cardboard and other recyclables. he stands out for quickly and efficiently building buildings to shelter victims of natural disasters.

In 1995 he was appointed uN refugee Advisor and founded the Voluntary Architect's Network, an NgO that works in emergency situations.

"emergency housing does not give money, I build it out of responsibility.”

Sigeru ban has architecture studios in tokyo, paris and New york. he also teaches at harvard and Cornell universities. his work has been exhibited in museums such as mOmA in New york. he is the author of the Japan pavilion at expo 2000 in hannover. his only work in Spain is the pavilion made of pressed paper tubes located in the garden of Instituto de empresa in madrid. "buildings were better 100 years ago, 200 years ago, when there wasn't so much technology."

Viena, la capital de Austria, está situada a orillas del río danubio, en el este del país. mozart, beethoven y Sigmund freud fueron algunos de los personajes que contribuyeron a conformar el legado cultural e intelectual de la ciudad.

Viena es conocida por sus palacios imperiales, entre los que se encuentra Schönbrunn, la residencia de verano de los habsburgo.

el rosewood Vienna se ubica en una estructura histórica del siglo XIX magníficamente renovada y su estreno fué en el verano de 2022.

el rosewood Vienna está idealmente situado en la petersplatz, una de las plazas más conocidas del casco antiguo de Viena, a pocos minutos de las opciones más opulentas para comer y comprar y de los monumentos históricos más conocidos de la ciudad.

Las 99 habitaciones y suites decoradas con buen gusto, las opciones gastronómicas únicas y el Asaya Spa se encuentran en esta estructura histórica del siglo XIX magníficamente renovada. el rosewood Vienna ofrece habitaciones y suites para viajeros individuales, parejas y familias de cualquier tamaño, así como una selección de servicios y comodidades diseñados para mejorar todos los aspectos de su estancia.

Spa Asaya Salón de belleza

Acceso gratuito a Internet de alta velocidad

Artículos de baño de lujo gimnasio

Servicio de limpieza diario, incluyendo el servicio nocturno

Comedor en la habitación las 24 horas del día

Servicio de mayordomo en las suites superiores Servicio de conserjería Servicio de lavandería Coche de la casa de cortesía el pavilion at rosewood

Vienna ofrece un espacio con un concepto distintivo para eventos que es perfecto tanto para eventos corporativos formales como para animadas reuniones sociales. Con un equipo de audio y vídeo de primera categoría, servicios personalizados y un diseño distintivo y adaptable, refleja un enfoque más residencial y privado de los eventos.

Vienna — Austria's capital, is situated on the danube river in the east of the nation. mozart, beethoven, and Sigmund freud were among the people who helped to shape the city's cultural and intellectual legacy. the city is renowned for its Imperial palaces, which include Schönbrunn, the summer home of the habsburgs.

rosewood Vienna will be located in a gorgeously renovated, historic 19thcentury structure and is scheduled to debut in the summer of 2022.

rosewood Vienna will be ideally placed on petersplatz, one of Vienna's Old town's most well-known squares, just moments from the city's most opulent eating and shopping options and most renowned historical monuments.

ROSEWOODVIENNA

the 99 tastefully decorated guest rooms and suites, unique dining options, and Asaya Spa are all located in the magnificently renovated 19th-century historical structure.

rosewood Vienna offers rooms and suites for single travelers, couples, families of any size.they also offer a selection of services and amenities designed to enhance every aspect of their stay.

Asaya Spa hair salon

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butler service in top suites

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Complimentary house car the pavilion at rosewood Vienna offers a distinctive event concept space that is perfect for both formal corporate events and lively social gatherings.

with top-notch audio and video equipment, customized services, and a distinctive and adaptable design, it reflects a more residential and private approach to events.

FASHION REPORT © ROCÍO ALCÁNTARA

ANREALAGE Y SU PARTICULAR PATCHWORK

La vuelta a los orígenes es el punto de partida de una impresionante colección en la que los detalles vienen dispuestos a convertirse en epicentro de todas las miradas.

Anrealage celebra su vigésimo aniversario por todo lo alto y organiza su particular fiesta de cumpleaños con el patchwork como anfitrión de excepción.

y es que la marca de moda japonesa apuesta por llenar nuestros armarios de creaciones y combinaciones en las que este meticuloso trabajo artesanal viene a no dejar indiferente a nadie. de esta manera, el patchwork da como resultado piezas únicas e inimitables con las que Anrealage vuelve a demostrar una pasión desmedida por los detalles. unos detalles nacidos para vestir nuestras veladas de combinaciones donde la sofisticación y la originalidad se escriben en mayúsculas. todas y cada una de las piezas que dan forma a la colección de kunihiko morinaga para los próximos meses evidencian su pasión por el arte al construir verdaderos cuadros impresionistas.

Vestidos de mosaicos acampanados con mangas llenas de volantes, abrigos de arlequín, faldas y camisas totalmente recompuestas a partir de trozos de tela de las mismas tonalidades... prendas creadas a partir de un sinfín de pequeñas piezas de tela impregnan el universo femenino de sofisticación.

Anrealage construye una colección muy especial nacida a partir de piezas de temporadas anteriores y dando forma a un homenaje perfecto a sus orígenes en el mundo de la alta costura. estas creaciones, eso sí, son creaciones totalmente distintas a las originales. en ellas, los volúmenes y las superposiciones se suceden y rosas, azules, celestes, amarillos y violetas construyen un mundo de color en un universo fragmentado y de corte impresionista.

FASHION REPORT © ROCÍO ALCÁNTARA

ANREALAGE AND ITS UNIqUE PATCHWORK

the return to the origins is the starting point of an impressive collection in which the smallest details are ready to become the centre of attention.

Anrealage is celebrating its twentieth anniversary with class and organising its own birthday party with patchwork as the exceptional host.

the Japanese fashion brand is committed to filling our wardrobes with creations and combinations in which this meticulous craftsmanship leaves no one indifferent.

thus, patchwork results in unique and inimitable pieces with which Anrealage once again demonstrates an excessive passion for details. these details were born to dress up our evenings with combinations where sophistication and originality are written in capital letters. each and every one of the pieces that comprise kunihiko morinaga's collection for the coming months is proof of his passion for art as he constructs true impressionist paintings.

flared mosaic dresses with frilled sleeves, harlequin coats, skirts, and shirts entirely reassembled from pieces of fabric in the same shades...

these garments, created from a myriad of small pieces of fabric, imbue the feminine universe with sophistication. Anrealage builds a very special collection based on pieces from previous seasons, giving shape to a perfect homage to its origins in the world of haute couture.

these creations, however, are totally different from the originals. In them, volumes and overlays appear one after the other, and pinks, blues, sky blues, yellows, and violets build a world of colour in a fragmented, impressionist universe.

LAS OLAS MARAVILLOSAS DE CHAUMET

Como no hay nada más placentero que contemplar el mar, Chaumet da forma a una colección en la que nos invita a relajarnos dejándonos seducir por piezas en las que el agua salada desempeña un papel trascendental. 1780. Chaumet daba sus primeros pasos en el mundo de la alta joyería y elegía la naturaleza como fuente de inspiración. una fuente de inspiración que ha seguido empleando hasta nuestros días dando forma a colecciones increíblemente bellas y exclusivas. para la próxima temporada, Chaumet ha hecho lo propio y ha vuelto a elegir la naturaleza para inspirar creaciones en las que la sensualidad y la exclusividad son uno.

Sin embargo, es la primera vez que la maison de alta joyería elige el mar como inspiración para todas las joyas con las que sueña vestir las tardes de primavera.

Así, con el nombre de «Ondes et merveilles», Chaumet nos invita a viajar a través de las distintas evocaciones del mar, con las que la maison busca que caigamos rendidos a sus pies.

Chaumet nos invita a disfrutar de un placentero viaje a lo largo y ancho del mar a través de las 69 piezas de su colección impregnadas de matices nacidos de las piedras que las colorean y que narran una historia única llena de emoción. de esta manera nacen «À fleur d´eau», con diamantes evocadores de esa superficie cristalina tan típica de la superficie marina; «gulfstream», con creaciones en las que se alternan de manera más que magistral colores cálidos y fríos en dos combinaciones tonales: verde y azul, naranja y azul; «escales», que se basa en la tonalidad fundamental para la maison, el rojo ladrillo; «Chant de Sirenes», que busca que quienes contemplen sus

piezas no tarden demasiado en caer rendidos a sus pies; «Comètes des mers», nacidas para unir las estrellas del cielo y del mar en una sola, la de la casa Chaumet, que busca seguir irradiando lujo y sofisticación sin medida; «galets d´Or», que nos transporta a la orilla del mar, donde los guijarros bañados por las olas brillan bajo el sol emanando destellos imposibles de olvidar; «Chasse aux trésors», que emula las formas inspiradoras existentes en lo más profundo del mar; «Sous le Soleil», a través de la que la maison narra la historia de todo lo que acontece en la playa sobre la cálida arena; y «encres», broches unisex que rememoran los clásicos y fácilmente reconocibles tatuajes de los marineros. 69 piezas llenas de singularidad nacidas con un único objetivo: llenar de distinción a quienes, ansiosos de aventuras, se embarcan en la de navegar en alta mar dejándose seducir por la cálida espuma de las olas.

CHAUMET'S WONDERFUL WAVES

because there’s nothing more pleasant than contemplating the sea, Chaumet has created a collection that invites us to relax by letting ourselves be seduced by pieces in which salt water plays a key role. 1780. Chaumet was taking its first steps into the world of fine jewellery and chose nature as its source of inspiration. A source of inspiration that it has continued to use until today, giving shape to incredibly beautiful and exclusive collections.

for the coming season, Chaumet has done the same and has once again chosen nature to inspire creations in which sensuality and exclusivity are one.

however, this is the first time that the high jewellery house has chosen the sea as its inspiration for dressing up spring evenings.

thus, with the name "Ondes et merveilles", Chaumet invites us to travel through different evocations of the sea with which the maison seeks to make us fall at its feet.

Chaumet invites us to enjoy a delightful journey across the vast sea through the 69 pieces in its collection, which are impregnated with nuances born of the stones that colour them, telling a unique story full of emotion.

the result is "À fleur d'eau," with diamonds recalling the crystalline surface of the sea; "gulfstream," with creations in which warm and cold colours masterfully alternate in two tonal combinations, green and blue and orange and blue; "escales," which is based on the basic tonality for the maison, brick red; "Chant de Sirenes," which seeks to ensure that those who contemplate its pieces soon are on their knees; "Comètes des mers," born to unite the stars of the sky and the sea in a single one, the Chaumet house, which seeks to continue to radiate

luxury and sophistication beyond measure; "galets d'Or," which transports us to the seashore, where the wave-washed pebbles glisten in the sun, emanating unforgettable sparkles; "Chasse aux trésors," which emulates the suggestive shapes found in the depths of the sea; "Sous le Soleil," through which the maison tells the story of everything that happens on the beach on the warm sand; and "encres," unisex brooches that recall the classic and easily recognisable sailors' tattoos.

69 pieces full of singularity born with a single purpose: to fill with distinction those who, eager for adventure, sail the high seas and let themselves be seduced by the warm sea foam.

JEAN PROUVÉ

Ingeniero y constructor francés nacido en Nancy (Francia) el 8 de abril de 1901 y fallecido allí el 23 de marzo de 1984, fue conocido sobre todo por sus aportaciones al arte y la ciencia de la construcción metálica prefabricada.

Prouvé, metalúrgico de formación, dirigió un taller de creación de artefactos de hierro forjado desde 1922 hasta 1954. Hizo hincapié en los métodos vanguardistas de trabajo del metal y se interesó especialmente por la creación de muebles y elementos arquitectónicos.

Sus primeras obras destacadas fueron la Maison du Peuple en Clichy (Francia) y la casa club del aeropuerto de Buc (1937-1939), que utilizaban paneles metálicos como muros cortina (1938-39).

Algunas viviendas experimentales, una escuela y la sede de la Federación de Industrias de la Construcción de París (1947-1951) son ejemplos de la dedicación de Prouvé al concepto de componentes de construcción prefabricados.

La Sala del Meridiano del Observatorio de París (1951), la Sala de Exposiciones de Nanterre (Francia) (1956-58) y la Iglesia del Sacré-Coeur de Bonnecousse en Mazamet (Francia) (1959-60) son sólo algunos de los impresionantes diseños que produjo como resultado de su notable dominio de la tecnología de la construcción.

Prouvé inventó métodos estructurales innovadores que permitían construir estructuras de forma rápida y asequible

utilizando piezas prefabricadas y manteniendo la calidad estética y la singularidad del diseño.

De 1958 a 1971, Prouvé fue profesor en el Conservatoire National des Arts et Matières, también conocido como Escuela de Artes y Oficios. En 1972 fue elegido para formar parte de la Academia de Arquitectura de París. He aquí algunas de sus creaciones:

Trapèze - La mesa Trapèze fue creada inicialmente por Jean Prouvé para la Ciudad Universitaria de Antony, cerca de París. El nombre de la mesa y su estilo característico se inspiran en la forma trapezoidal de las patas de chapa de acero.

Lampe de Bureau - La Lampe de Bureau (1930), una lámpara de mesa compacta de chapa de acero, fue creada por Jean Prouvé para los salones de la Cité Universitaire de Nancy.

Standard SP - Al revisar la emblemática silla Standard de Prouvé sin cambiar su diseño, Standard SP (Siège en Plastique) crea un vínculo entre el pasado y el presente. La superficie del asiento y el respaldo de Standard SP son de plástico resistente, lo que le da un aspecto moderno.

Durante los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial (19391945) aumentó el interés por emplear técnicas y materiales novedosos para la producción en serie de muebles. Los salones de la Société des arts décorateurs estaban patrocinados por productores de materiales como la fórmica, el contrachapado, el aluminio y el acero.

Prouvé, Pierre Guariche, RenéJean Caillette, Joseph-André Motte, Charlotte Perriand, Antoine Philippon y Jacqueline Lecoq fueron algunos de los diseñadores que expusieron su trabajo experimental en los salones durante esta época.

En 1947, Prouvé construyó la fábrica de Maxéville, donde produjo muebles y realizó una profunda investigación arquitectónica sobre los usos del aluminio.

Los pórticos de acero constituyen el núcleo estructural de la Casa Desmontable Ferembal (1948), creada como oficinas del fabricante de artículos de hojalata del mismo nombre.

En 1949, Prouvé y su hermano Henri recibieron un contrato del Ministerio de Reconstrucción y Urbanismo para construir una subdivisión de 14 parcelas en Meudon, a las afueras de París, para mostrar su prototipo de sistema de construcción metálica prefabricada ligera.

Prouvé dio clases en el Conservatorio de Artes y Oficios de París de 1957 a 1970.

El edificio para el Ministère de l'Éducation Nationale (1970), un rascacielos metálico estructurado en torno a un gran patio interior, que debía construirse en La Défense, fue el proyecto más ambicioso en el que trabajó durante los últimos años de su vida.

Prouvé presidió el jurado encargado de seleccionar al arquitecto del Centro Pompidou de París en 1971. Fue un factor clave en la elección del proyecto ganador por parte de Richard Rogers y Renzo Piano, junto con su compañero de jurado Philip Johnson.

En 1984 falleció en Nancy.

JEAN PROUVÉ, THE DESIGNER BUILDER

French engineer and builder who was born in Nancy, France, on April 8, 1901, and died there on March 23, 1984, was most known for his contributions to the art and science of prefabricated metal construction.

Prouvé, a trained metalworker, ran a workshop for the creation of wrought-iron artifacts from 1922 to 1954. He placed an emphasis on cutting-edge metalworking methods and was especially interested in the creation of furniture and architectural elements.

His early works of note were the Maison du Peuple in Clichy, France, and the clubhouse at Buc Airport (1937–1939), both of which used metal panels as curtain walls (1938–39).

A few experimental homes, a school, and the headquarters of the Federation of Building Industries in Paris (1947–1951) are examples of Prouvé's dedication to the concept of prefabricated building components.

The Meridian Room of the Paris Observatory (1951), the Exhibition Hall in Nanterre, France (1956–58), and the Church of the Sacré-Coeur de Bonnecousse in Mazamet, France (1959–60) are just a few of the stunning designs he produced as a result of his remarkable command of construction technology.

Prouvé invented innovative structural methods that would make it possible to construct structures quickly and affordably using prefabricated parts while still maintaining the aesthetic quality and uniqueness of the design.

From 1958 to 1971, Prouvé served as a professor at the Conservatoire National des Arts et Matières, also known as the School of Arts and Crafts. He was chosen in 1972 to join the Paris Academy of Architecture. Here are a few of his creations currently published by Vitra:

Trapèze - The Trapèze table was initially created by Jean Prouvé for the Cité Universitaire in Antony, close to Paris. The table's name and distinctive style were both inspired by the trapezoidal shape of the sheet steel legs.

Lampe de Bureau - The Lampe de Bureau (1930), a compact table lamp made of sheet steel, was created by Jean Prouvé for the residential halls at the Cité Universitaire in Nancy.

Standard SP - By revisiting Prouvé's iconic Standard chair without changing its design, Standard SP (Siège en Plastique) creates a link between the past and the present. The seat surface and backrest of Standard SP are made of durable plastic, giving it a modern appearance.

There was an increased interest in employing novel techniques and materials for the mass production of furniture during the years following World War II (1939–1945). The salons of the Société des arts décorateurs were sponsored by producers of materials like formica, plywood, aluminum, and steel.

Prouvé, Pierre Guariche, RenéJean Caillette, Joseph-André Motte, Charlotte Perriand, Antoine Philippon, and Jacqueline Lecoq were among the designers who displayed their experimental work at the salons during this time.

In 1947, Prouvé constructed the Maxéville factory, where he produced furniture and conducted in-depth architectural research on the uses of aluminum.

Steel portal frames serve as the structural core of the Ferembal Demountable House (1948), which was created as the offices of the eponymous tin goods manufacturer.

In 1949, Prouvé and his brother Henri were awarded a contract by the Ministry of Reconstruction and Urbanism to construct a 14-lot subdivision at Meudon, just outside of Paris, to showcase their prototype lightweight prefabricated metal building system.

Prouvé gave lectures at the Paris Conservatoire des Arts et Métiers from 1957 to 1970.

The building for the Ministère de l'Éducation Nationale (1970), a metal skyscraper structured around a sizable internal patio, which was to be constructed at La Défense, was the most ambitious project he worked on during the last years of his life.

Prouvé presided over the jury in charge of selecting the architect for the Centre Pompidou in Paris in 1971. He was a key factor in how Richard Rogers and Renzo Piano chose their winning project, along with fellow panel member Philip Johnson.

1984 saw his passing in Nancy.

EENK Y SU WORLD WILD WEST

¿te gustaría que durante los próximos meses tus tardes y noches se llenaran de aventuras deseosas de ser exploradas?

eenk nos da la oportunidad de hacerlo a través de una colección que no dejará indiferente a nadie.

La casa de moda coreana eenk lo ha vuelto a hacer. eenk ha conseguido, de manera más que magistral, dar forma a una colección basada en el espíritu pionero del lejano y salvaje oeste. de esta forma, eenk convierte sus prendas en herramientas más que perfectas para que nos lancemos a la conquista de territorios desconocidos, tierras lejanas deseosas de ser exploradas; rincones mágicos del mundo a los que, en ocasiones, solo podemos visitar y disfrutar a través de nuestra imaginación.

eenk dibuja una colección destinada tanto a hombres como a mujeres aventureros que eligen combinaciones perfectas con las que conquistar espacios inexplorados a lo largo y ancho del globo.

Creaciones ideadas para los amantes del cambio y de lo desconocido; para los que, sin miedo, afrontan el día a día como si de una auténtica aventura se tratase.

para vivirla, y disfrutarla, larguísimas faldas creadas a través de superposiciones; anchos pantalones que rodean el cuerpo de una mujer que, para la próxima temporada, no buscar marcar sus curvas, sino simplemente dejarse envolver, sin deseos de insinuar ni mostrar; camisas, suéteres, chaquetas y abrigos que caen sobre los hombros de una mujer que camina con paso firme y sin titubeos.

y, como complemento a este Street Style, un estilo con el que brillar tanto o más que las estrellas de cualquier noche de verano.

flecos, lamé, organza y transparencias perfectamente combinados para dar forma a auténticas experiencias en las que largos, cortos y volúmenes, que parecen no tener siquiera control, sacan lo mejor de sí mismos para construir un universo femenino con sabor a libertad y aventuras.

EENK AND THEIR FAR WEST

would you like your afternoons and evenings to be filled with adventures begging to be explored during the coming months?

eenk gives us the opportunity to do so through a collection that will leave no one indifferent.

the korean fashion house eenk has done it again. eenk has masterfully succeeded in giving shape to a collection based on the pioneering spirit of the wild west.

In this way, eenk turns its garments into the perfect tools for conquering unknown territories, distant lands longing to be explored; magical corners of the world that, sometimes, we can only visit and enjoy through our imagination.

eenk designs a collection for adventurous men and women who choose perfect combinations with which to conquer unexplored spaces across the globe.

for those who love change and the unknown, for those who, without fear, face everyday life as if it were a real adventure.

to live it, and enjoy it, very long skirts are created through overlapping. wide trousers wrap around the body of women who, for the next season, don't want to emphasise their curves, but simply let themselves be draped without any desire to suggest or show. finally, shirts, jumpers, jackets, and coats fall on the shoulders of women who walk steadily and without hesitation.

In addition to this Street Style, there's a look that will make you shine as brightly as the stars of any summer night, if not brighter.

fringes, lamé, organza, and transparencies perfectly combine to give shape to authentic experiences in which longs, shorts, and volumes, seemingly out of control, bring out the best of themselves to build a feminine universe flavoured with freedom and adventure.