Neomania #38

A I N A EOM GAZINE MA

AT / DE: 9.00 € BE / GR / IT: 7.00 € ES / FR: 6.00 € LUX / NL: 7.00 € GB: £ 4.90 PORT. CONT.: 7.00 € CH: 12.20 CHF

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AZZARO + AGNELLI + ON AURA TOUT VU + BAUHAUS + CHAUMET + FRANCK SORBIER + CARTIER TRAVEL STYLE + STEPHANE ROLLAND + GUO PEI + ARATA ISOZAKI + JULIEN FOURNIE + FOUJITA + SCHIAPARELLI + FLOATING HOMES + ZUHAIR MURAD + PRE RAPHAELITE BROTHERHOOD +

ANZIINAE NEOM MAGA

AT / DE: 9.00 € BE / GR / IT: 7.00 € ES / FR: 6.00 € LUX / NL: 7.00 € GB: £ 4.90 PORT. CONT.: 7.00 € CH: 12.20 CHF

PUBLISHER & FOUNDER Ibermaison Home Designers EDITORIAL DIRECTOR Karin Mehnert ART DIRECTION Massi Ferrachi GRAPHIC DESIGNER Pepe Barroso CREATIVE CONSULTANT JOSE ESPINAS CONTRIBUTORS maria de juan rocío alcántara Thomas Floyd CARMEN FORTES AZZARO AGNELLI ON AURA TOUT VU KNOLL CHAUMET FRANCK SORBIER CARTIER Véronique POLES STEPHANE ROLLAND GUO PEI ARATA ISOZAKI JULIEN FOURNIE SCHIAPARELLI ZUHAIR MURAD Dominique MAITRE KIM WESTON ARNOLD Elizabeth Pantaleo Piero Biaison Agape Alias Cassina Driade Extremis Flos FONTANA ARTE GERVASONI glas italia iLINE Ligne Roset MANUTTI Vitra Zanotta ON THE COVER STEPHANE ROLLAND MARBELLA OFFICE Tel. 952770675 GoldenMile, km. 176 LEGAL INFO DL:MA-1105-2001 ISSN.:1578-3251 Printed in Spain neomaniamagazine.COM www.facebook.com/Neomania.magazine issuu.com/neomaniamagazine

AZZARO + AGNELLI + ON AURA TOUT VU + BAUHAUS + CHAUMET + FRANCK SORBIER + CARTIER TRAVEL STYLE + STEPHANE ROLLAND + GUO PEI + ARATA ISOZAKI + JULIEN FOURNIE + FOUJITA + SCHIAPARELLI + FLOATING HOMES + ZUHAIR MURAD + PRE RAPHAELITE BROTHERHOOD +

IBERMAISON S.L. MADRID Serrano, 98 28006 Madrid [Spain] t: +34 91 426 28 37 madrid@ibermaison.com MARBELLA Golden Mile, km. 176 29602 Marbella Málaga [Spain] t: +34 95 277 06 75 marbella@ibermaison.com IBIZA Ctra. Ibiza-San Antonio, km. 4 Pol. Ind. Montecristo 07816 San Rafael Ibiza [Spain] t: +34 97 131 71 64 ibiza@ibermaison.com www.ibermaison.com www.facebook.com/ibermaison www.twitter.com/ibermaison

IBER ON MAIS

MARBELLA MADRID IBIZA IBERMAISON.COM

IBER ON MAIS

MARBELLA MADRID IBIZA IBERMAISON.COM

MODERNA COMO LAS OLAS ANTIGUA COMO LA MAR SIEMPRE NUNCA DIFERENTE PERO NUNCA SIEMPRE IGUAL. EDUARDO CHILLIDA

+10 AZZARO +18 AGNELLI +30 ON AURA TOUT VU +38 BAUHAUS +50 CHAUMET +60 FRANCK SORBIER +68 CARTIER TRAVEL STYLE +80 STEPHANE ROLLAND +90 GUO PEI +98 ARATA ISOZAKI +116 JULIEN FOURNIE +124 FOUJITA +140 SCHIAPARELLI +150 FLOATING HOMES +162 ZUHAIR MURAD +170 PRE RAPHAELITE BROTHERHOOD +

+ IBERMAISON

PROJECTS

I H C R A LAB

IBERSON MAI

Proyecto en venta en la mejor zona de Ibiza For sale in ther best part of Ibiza, Spain +info: realestate@ibermaison.com

+ EDITORIAL

¡SUBETE AL BARCO! Corren nuevos aires esta primavera. Empezamos nueva fase de NEOMANIA. Nuevas secciones, nuevas ideas...

Primera serie: “ISMOS”, movimientos de Arte. “Ismo” es sinónimo de innovación, por eso les damos un papel protagonista. Como sus artistas, en NEOMANIA brujuleamos y buceamos por océanos creativos. Empezamos con Prerafaelismo, precursor de movimientos posteriores.

Continuaremos con Simbolismo, Impresionismo, Puntillismo...

Segunda serie: ARTE Y DINERO. Vamos a buscar e investigar sobre colecciones privadas.

La primera en Italia: Museo Giovanni y Marella Agnelli en Turin. Tras escribir el artículo, ha fallecido Marella, “el último Cisne”, mujer exquisita que fascinó a la alta sociedad. Junto con el “tycoon” que fundó FIAT, coleccionaron Arte toda su vida.

Tercera serie: BAUHAUS, “la Atenas de Alemania”. Ahora, escogemos sus mejores Diseños de Muebles. En todo diseñador hay algo romántico y algo funcional. Cada diseño cuenta una historia que inspira emociones. Somos una fábrica de sentimientos. Un objeto debe tocarnos el corazón y funcionar a nivel práctico.

También es necesario rodearse de objetos bellos sin ninguna función.

El japonés TSUGUHARU FOUJITA fue colega de Modigliani. Celebrando el aniversario de su muerte, se organizan exposiciones en Francia y Japón: Musée Maillol, Maison de la Culture du Japon, Tokyo National Museum of Modern Art...

En Arquitectura, rendimos homenaje al recientísimo Premio Pritzker, ARATA ISOZAKI, japonés que fusiona los mundos de Oriente y Occidente con sublime elegancia.

Otro arquitecto innovador: KOEN OLTHUIS, danés, considerado por TIME, de los personajes mas influyentes del mundo, inventa Viviendas Flotantes en Miami. Proyectos tan rompedores, son los que cambiarán la vida de millones de personas y transformarán el mundo.

Esto pretendemos en NEOMANIA. Si quieres “subirte al barco”, solo tienes que suscribirte. Ahora nuestros artículos tienen un “antes y un después”, son continuación y preludio. No te los pierdas.

Siéntate cómodo y ¡disfruta del viaje!

L A I R O IT

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ED

GET ON BOARD! New Spring air is blowing. We start a new NEOMANIA phase.

New sections, new ideas ...

First series: “ISMS", Art movements. "Ism" is synonymous with innovation, that’s why we give them a leading role. Like artists, in NEOMANIA we wrestle and dive in creative oceans. We start with Pre- Raphaelites, precursors of later movements. We will continue with Symbolism, Impressionism, Pointillism ...

Second series: ART AND MONEY. We search and investigate private collections.

First in Italy: Giovanni and Marella Agnelli Museum in Turin.

After writing the article, Marella died. "The last Swan” married to Fiat Empire tycoon, Giovanni Agnelli, became a subject of high society fascination. They collected Art all their life.

Another series: BAUHAUS, “the Athens of Germany". Now we choose their best Furniture Designs. Every designer has something romantic and something functional. Each one tells a story that inspires emotions. We are a factory of feelings. A piece must touch our hearts and function on a practical level. It’s also necessary to surround ourselves with beautiful objects without function.

ÍA © MAR

AN DE JU

The Japanese TSUGUHARU FOUJITA was Modigliani’s colleague. Celebrating the anniversary of his death, exhibitions are organised in France and Japan: Musée Maillol, Maison Culture du Japon, Tokyo National Museum of Modern Art...

In Architecture, we pay tribute to most recent Pritzker Prize, ARATA ISOZAKI, Japanese who fuses East and West worlds with sublime elegance.

Another innovative architect: KOEN OLTHUIS, Danish, considered by TIME, of the most influential people in the world, invents Floating Homes in Miami. Such groundbreaking projects will change the lives of millions and transform the world.

Just what we intend in NEOMANIA. If you wish to "get on board”, just subscribe. Now our articles have "before and after", they are continuation and prelude. Do not miss them.

Feel comfortable and... enjoy the trip!

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LAB

Azzaro HION + FAS

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REPOR

Azzaro y sus noches festivas ÂżQuiĂŠn puede imaginar las noches de primavera sin la elegancia de una paleta de grises y negros que no deje a nadie indiferente?

Azzaro sabe bien de lo que hablamos.

Aunque el paso de las hojas del calendario anuncie la llegada de meses dispuestos a llenar de colores y alegrĂ­a nuestras jornadas, no hay noche que se precie sin una paleta de elegantes y sobrias tonalidades propias de un Azzaro de lo mĂĄs cautivador e incandescente.

+ FASHION

LAB

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Si hay algo que sabe Azzaro es cómo crear combinaciones espectaculares dignas de las fiestas más exclusivas y glamurosas gracias a vestidos y trajes que encuentran en el azul marino y el negro sus mejores aliados. Brillantes y festivas creaciones que poco o nada tienen que envidiar a las que durante horas y horas ocupaban la pista de la mítica discoteca neoyorquina Studio 54.

Faldas, vestidos, bléiseres y pantalones que esculpen una silueta de mujer que llega dispuesta a convertirse en reina de la fiesta sin titubeos o vacilaciones, la misma que escoge festivas creaciones con las que se siente segura y sin miedo a arriesgar. +info: neomaniamagazine.com

+ FASHION

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Azzaro HION + FAS

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REPOR

Azzaro and his festive evenings Who could imagine spring evenings without the elegance of a grey and black palette that will leave no one indifferent?

Azzaro knows this well.

Although the pages of the calendar announce the arrival of months ready to fill our days with colours and joy, every evening demands a palette made up of elegant and sober tonalities typical of the most captivating and incandescent Azzaro.

+ FASHION

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If there is one thing Azzaro knows well, it is how to create spectacular combinations worthy of the most exclusive and glamorous parties thanks to dresses and suits that find their best allies in dark blue and black. Bright and festive creations that have little or no reason to be envious of those that used to fill the dance floor of the legendary New York nightclub Studio 54 for hours on end.

Skirts, dresses, blazers, and trousers sculpt the silhouette of women who will be ready to become the centre of attention without hesitation, opting for festive creations with which they feel safe and fearless. +info: neomaniamagazine.com + 16

IBER ON MAIS

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+ ART

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I L L E N AG T REPOR T R A + AN DE JU A Í R © MA

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LA COLECCION DE ARTE AGNELLI EN TURIN La Pinacoteca Giovanni y Marella Agnelli en Turín está diseñada por el icono de la arquitectura, Renzo Piano, en la antigua pista de pruebas de coches FIAT. Un exclusivo museo donde admirar obras maestras de Matisse, Picasso, Modigliani, Tiepolo, Canaletto ...

“L’avvocato” (apodo popular de Gianni Agnelli) es conocido como el hombre de negocios número uno en Italia.

Pocos saben que fue además un apasionado coleccionista de arte, aficionado a subastas por todo el mundo.

El Museo en Turín, alberga su colección privada de Arte italiano y Europeo, desde el siglo XVIII hasta el XX. Se encuentra en una fascinante estructura colgante.

Fundado en 2002, está situado en la pista de prueba de automóviles de la antigua Fábrica FIAT que ya no existe. Allí se exhiben veinticinco obras maestras: veintitrés pinturas y dos esculturas.

La obra maestra más atractiva de la colección es un desnudo extremadamente sensual, “Nu couché", 1917, de Amadeo Modigliani, el pintor italiano más admirado que perteneció a la Escuela de París.

+ ART

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También destacan dos lienzos de Pablo Picasso y siete coloridos cuadros de Pierre Matisse, la mayoría de ellos con mujeres, un tema favorito de todos los artistas. "L’etaire" de Picasso, 1901 (Cortesana) pertenece al Período Azul y su "Hombre en una mesa", 1916, es del Período Cubista.

La pintura más delicada del museo es otro bellísimo desnudo, obra de Auguste Renoir, "Baigneuse blonde", 1882 (Bañista rubia).

Otro impresionista representado es Edouard Manet con su retrato de una mujer negra, "La Negresse", 1862.

Podemos admirar las vertiginosas obras de Balla y Severini, dos fundadores del Movimiento Futurista Italiano. Su tema más representado fue la velocidad de la vida, muy apropiado para este museo, como en la pintura de Gino Severini: “Lanceros galopantes italianos", 1915.

Además del arte del siglo XX, también hay obras de antiguos maestros.

La más intrigante es un hombre con un perro "L’alabardière" de Tiépolo y seis preciosas “Vistas de Venecia” pintadas por Antonio Canal, llamado Il Canaletto.

Dos “Vistas de la ciudad de Dresde” por Bernardo Bellotto fueron pintadas con tal precisión que sirvieron de modelos

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+ ART

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para reconstruir la ciudad alemana tras la Segunda Guerra Mundial.

Las únicas esculturas en el museo son dos delicadas estatuas estilo Neoclásico de Antonio Canova, fechadas en 1809 y 1811. Ambas representan bailarinas clásicas vestidas como ninfas griegas: una con un dedo en la barbilla y la otra con manos en la cadera.

El edificio de 1923 es una monumental arquitectura industrial muy interesante. El diseño de la Pinacoteca es del famoso arquitecto Renzo Piano. Es especialmente impresionante por su original trayectoria en espiral dentro del moderno edificio. En sus cinco pisos alberga exposiciones temporales, biblioteca, oficinas y librería.

La Pinacoteca en sí es relativamente pequeña pero, como sucede en la vida, la clave está en la calidad, no en la cantidad.

Exhibe una colección exquisita y muy personal.

Las obras que se muestran son tan hermosas como el espacio expositivo.

La exquisita colección de arte expuesta en su museo personal es, sin duda, el símbolo más admirado y tangible del legado que Gianni y Marella Agnelli dejaron para generaciones futuras. +info: neomaniamagazine.com

+ ART

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AGNELLI ART COLLECTION IN TURIN The Pinacoteca Giovanni e Marella Agnelli in Turin is designed by iconic architect, Renzo Piano in the old car track of FIAT. A unique museum to admire masterpiece paintings

by Matisse, Picasso, Modigliani, Tiepolo, Canaletto...

“L’avvocato" was the popular nickname for Gianni Agnelli, the number one business man in Italy.

Very few know that he was also a passionate art collector, fond of worldwide auctions.

The Museum in Turin, Pinacoteca Giovanni e Marella Agnelli, houses permanently their private collection of Italian and European Art from the eighteenth to the twentieth century. It’s in a fascinating hanging structure in Turin, on the roof of the Lingotto building, the first great FIAT Factory.

I L L E N AG T REPOR T R A + JUAN ÍA DE R A M ©

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Founded in 2002, it is located in a car track from the old fabric which doesn’t exist anymore. It exhibits twenty five extraordinary masterpieces: twenty three paintings and two sculptures.

The top masterpiece in the collection is an extremely sensual “Laying nude”, 1917, by Amadeo Modigliani, the most admired Italian painter who belonged to the School of Paris.

+ ART

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Also outstanding are two canvases by Pablo Picasso and seven colourful pictures by Pierre Matisse, most of them featuring women, a favourite subject for all artists. Picasso’s “L’etaire”, 1901 (Courtesan) belongs to the Blue Period and his “Man on a table”, 1916 is from the Cubist Period.

The most delicate picture in the museum is the impressionist nude by Auguste Renoir, “Baigneuse blonde”, 1882 (Blonde Bather). Another impressionist represented is Edouard Manet with an portrait of a black woman, “La Negresse”, 1862.

We can admire speedy works by Balla and Severini, two founders of the Italian Futurist Movement. Their most depicted subject was the speed of life, very appropriate for this museum, such as in Gino Severini’s painting: “Galloping Italian lancers”, 1915.

Besides XX Century art, there are also precious old master paintings. The most intriguing is a man with a dog “L’alabardière” by Tiepolo and six precious views of Venice painted

by Antonio Canal, called Il Canaletto.

Two city views of Dresden

by Bernardo Bellotto were painted with such precision that they served as models for the reconstruction of the german city after Second World War World.

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The only sculptures in the museum are two delicate Neoclassical Style statues

by Antonio Canova, dated 1809 and 1811. They both represent classical dancers dressed as Greek nymphs: one with a finger at her chin and the other one with hands on her hips.

The 1923 building is a very interesting architectural and industrial monument.

The museum modern design is by famous architect Renzo Piano.

Especially impressive is his original spiral roadway within the modern building. Through its five floors, the construction houses temporary exhibitions, as well as a library, offices and a bookshop.

The Pinacoteca itself is relatively small but, as always in life, the key lays in quality, not in quantity.

It has an exquisite and very personal collection on display. The artworks shown are as beautiful as the exhibition space itself.

This exquisite art collection exhibited at their personal museum is indeed the most admired and tangible symbol of the legacy that Gianni and Marella Agnelli left for future generations. +info: neomaniamagazine.com

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ura A On Tout Vu HION + FAS

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REPOR

On Aura Tout Vu y su esoterismo desmedido Porque veinte años no son nada, On Aura Tout Vu llega decidido a celebrar por todo lo alto dos décadas de sofisticación y mágica belleza a través de diseños artesanales.

Hablar de On Aura Tout Vu es hacerlo de una casa de moda francesa con una tradición más que amplia en el universo de la elegancia y la alta costura.

Para la próxima temporada primavera-verano 2019, la maison quiere celebrar su vigésimo cumpleaños por todo lo alto y busca a una mujer aventurera y arriesgada que vista sus creaciones más excesivas, místicas e hipnóticas.

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A través de cortes limpios y sugerentes, On Aura Tout Vu apuesta por una asociación mágica de elementos que evocan las historias más arriesgadas y singulares ante las que todos y cada uno de los poros femeninos caerán plenamente rendidos.

Prueba de ello es el nombre elegido para la colección que llenará los armarios femeninos durante los meses venideros: Alchimia. Y es que, cuando el calendario anuncie la llegada de los días largos y las terrazas comiencen a llenarse de espíritus deseosos de dejarse seducir por el sol más cálido, la mujer de On Aura Tout Vu buscará convertirse en protagonista de excepción de los momentos más místicos y bellos a través de combinaciones en su estilo propias de las mezclas más espontáneas que nos llegan de los laboratorios más atrevidos. +info: neomaniamagazine.com + 32

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ura A On Tout Vu HION + FAS

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On Aura Tout Vu and its unrestrained esotericism Because twenty years is really something, On Aura Tout Vu will be ready to hold a big celebration of two decades of sophistication and magical beauty through handcrafted designs.

Talking about On Aura Tout Vu is getting into a French fashion house with quite a long tradition in the universe of elegance and haute couture. For next spring-summer 2019, the fashion house wants to hold a true celebration of its 20th birthday, searching for adventurous and risky women who would wear its most excessive, mystical and hypnotic creations.

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Through neat and suggestive cuts, On Aura Tout Vu opts for a magical association of elements evoking the most risky and one-of-a-kind stories for which every single female pore will give in. Proof of this can be found in the name chosen for the collection, which will fill feminine wardrobes during the coming months: Alchimia. Thus, when the calendar announces the arrival of long days and terraces begin to fill with spirits keen to be seduced by the warmest sun, On Aura Tout Vu's women will seek to become the unquestionable stars of the most mystical, lovely moments. Their transformation will take place through combinations in their own style, representative of the most spontaneous mixtures that are coming to us from the most daring laboratories. +info: neomaniamagazine.com

+ DESIGN

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Muebles Bauhaus Las reproducciones de muebles de la Escuela Bauhaus se siguen fabricando por todo el mundo. Su estilo, funcional y funky, es reinventado una y otra vez en diseños modernos.

Bauhaus significa en Diseño lo que la rueda es en tecnología.

Mencione Bauhaus a un diseñador actual y es probable que observe su rostro suavemente cubierto por cierto resplandor, casi un gesto de devoción. Por ejemplo, es difícil observar un mueble de Ikea, sin percibir que sus líneas simples y limpias recuerdan al estilo alemán.

S U A H AU

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PORT IGN RE AN S E D + JU ÍA DE © MAR

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De hecho, el diseñador estratega de Ikea, Mats Nilson, reconoce que la ideología de su compañía está inspirada en la Escuela Bauhaus.

En cuanto a su diseño, los artistas de Bauhaus se apartaron de todo concepto demasiado exigente o pretencioso.

Querían líneas limpias, modernas y despejadas de cualquier exageración estilística.

Muy influenciados por el Modernismo, rechazaron toda tradición.

Prácticamente reinventaron el diseño de muebles.

+ DESIGN

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TOP DISEÑOS DE BAUHAUS Silla Wassily de Marcel Breuer.

También conocido como Modelo B3 (Knoll), fue diseñado por el arquitecto y diseñador modernista húngaro (1925). Se inspiró para crearla, mientras montaba en bicicleta.

Imaginó el acero tubular del manillar, doblado para crear un mueble. Adoptó la forma tradicional de una butaca mullida y la simplificó hasta un contorno, con asiento de lona, respaldo y brazos.

Fue conocida como la Wassily Chair, por el pintor ruso que elogió su diseño.

Wassily Kandinsky, fue amigo de Breuer y profesor como él, en la Bauhaus.

"Eventualmente, las sillas se volverán obsoletas, para ser reemplazadas por columnas de apoyo de aire".

Cuna de bebé de Peter Keler.

Ultra moderna y colorida, fue diseñada por el arquitecto alemán (1922).

La obra de Kandinsky fue su inspiración. Su libro sobre Teoría del color describía sentimientos sobre el cromatismo + 40

y efectos psicológicos en el ser humano. Está compuesta por formas simples, triángulos y rectángulos, en colores primarios: cuerpo en rojo y amarillo, con balancín circular azul, una paleta casi marca registrada de Bauhaus. Su reproducción moderna está disponible en Tecta. Es difícil creer que fue diseñada hace un siglo, pues parece tan fresca y moderna como cualquier pieza salida de un estudio de diseño contemporáneo.

Juego de Ajedrez Bauhaus de Josef Hartwig.

Este artista nacido en Múnich diseñó un tablero de ajedrez futurista (1923), usando líneas, círculos y cubos mínimos, reduciendo las piezas a su función básica. El alfil en forma de X representa sus movimientos diagonales, mientras que los movimientos casi ilimitados de la reina se representan con una esfera encima de un cubo. Al eliminar los símbolos monárquicos, típicos del ajedrez, intentó reinventar el aspecto del tablero para los tiempos futuros. Expuesto en el Cooper Hewitt Museum de Nueva York.

Silla Brno de Mies van der Rohe.

Armario de Soltero de Josef Pohl.

Diseñado por este arquitecto modernista (1929), ejemplifica el principio de Bauhaus: reducir objetos a sus elementos básicos. Su diseño se basa en la idea de que no es necesario que una silla tenga cuatro patas cuando se puede construir en un estilo de voladizo, utilizando una única barra en forma de C para sostener todo el asiento.

Este sencillo armario de madera contrachapada creado por el diseñador checo (1929) se conoció como el "Armario sobre ruedas" por sus cualidades móviles y ahorro de espacio. Diseñado para ser versátil y práctico, el armario rectangular está montado sobre ruedas, para facilitar su traslado. El guardarropa es compacto, eficiente y se ajusta a un marco mínimo sin ningún tipo de enganche.

Tetera de Marianne Brandt.

Esta artista alemana tomó el diseño de una tetera convencional y la despojó de cualquier adorno para crear su tetera-colador geométrica (1924). Con siete centímetros de altura, el recipiente metálico es pequeño como resultado de su función. Simple en forma y color, el cuerpo del hemisferio plateado va soportado por una estructura de barra transversal. Un mango de ébano en forma de D sobre el cuerpo, facilita el vertido. Fue subastada recientemente en Sotheby's.

Silla Barcelona de Mies van der Rohe y Lilly Reich.

Creada en 1929 para la Exposición Internacional de Barcelona fue diseñada por el director de la Bauhaus y el arquitecto Van der Rohe en colaboración con la arquitecta Lilly Reich.

Tiene dos finos cojines rectangulares sobre un ligero marco de acero inoxidable. El marco de la silla fue diseñado para ser atornillado, pero fue rediseñado en 1950 para Knoll. También se usó piel bovina en lugar de piel de cerdo del color marfil original.

+ DESIGN

LAB

Lámpara MT8 de William Wagenfeld y Carl Jakob Jucker.

Esta lámpara de mesa, creada por estos diseñadores, alemán y suizo, se conoció como la Lámpara Bauhaus, incorporando un principio clave de la escuela: "La forma sigue a la función".

Con una base circular, un eje cilíndrico y una pantalla esférica, esta luz, de simple geometría, es minimalista en tiempo y materiales. La lámpara es de vidrio y metal, con una pantalla opaca, algo que antes solo se usaba para iluminación industrial.

Disponible en Tecnolumen.

Pomo de puerta por Walter Gropius.

Este moderno tirador es del fundador de Bauhaus y arquitecto alemán, Gropius. Se produjo por primera vez en 1923, siendo diseñado originalmente para la Fábrica Fagus en Alfeld.

Fabricado en latón niquelado y producido por el fabricante de ferretería Izé, la manija de la puerta, de estilo industrial, tiene un mango cilíndrico y una base cuadrada en la manivela. Disponible en Tecnoline. + 42

Mesas nido de Josef Albers.

El pintor estadounidense nacido en Alemania, diseñó este conjunto de mesas auxiliares, siendo Director artístico del taller de muebles en la Bauhaus (1926). Cada mesa estaba hecha de roble macizo y vidrio acrílico lacado.

Conocido por sus coloridas pinturas geométricas, Albers aplicó el mismo estilo a las maderas, otorgando a cada mesita un color distintivo: azul, rojo, amarillo y blanco.

Fabricadas por Daimler.

La serie Bauhaus para NEOMANIA explora la influencia perdurable de este movimiento. Bauhaus es la escuela de arte y diseño más influyente de la historia. Para celebrar su centenario, publicamos una serie de artículos sobre los artistas clave de esta escuela.

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BAUHAUS FURNITURE Bauhaus furniture reproductions continue to be manufactured in many parts of the world. Their style, functional and funky, is reinvented everywhere in modern design.

Bauhaus is to design what the wheel is to technology.

Mention Bauhaus to a contemporary designer and chances are a devotional glow will sweep gently across their expression. Maybe an exageration but not too much. As an example, it’s hard to look at a piece of Ikea furniture, without noting how much the clean, simple lines are reminiscent of the German style. Indeed, Ikea design strategist Mats Nilson, recognizes that his company’s ideology is inspired by the Bauhaus School.

Design-wise, the artists turned away from anything overly fussy and pretentious. They wanted clean, modern lines uncluttered by stylistic affectations. The school was greatly influenced

by Modernism, rejecting tradition. They virtually reinvented furniture design.

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PORT IGN RE AN S E D + JU ÍA DE © MAR

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TOP BAUHAUS DESIGNS Wassily Chair by Marcel Breuer Also known as Model B3 (Knoll), it’s designed

by Hungarian modernist architect-designer in 1925.

He was inspired to create the chair while riding his bicycle. He envisioned taking the tubular steel used for the handlebars and bending it into pieces of furniture. Breuer took the traditional form of an overstuffed club chair and simplified it down until it was just an outline, with a canvas seat, back and arms. It became known as Wassily Chair, after the Russian painter who praised the design.

Wassily Kandinsky, was Breuer’s friend and fellow Bauhaus instructor.

"Eventually chairs will become obsolete, replaced by supportive columns or air.”

Baby Cradle by Peter Keler Ultra modern, colourful cradle designed by the German architect in 1922. Kandinsky's work was his inspiration. His book on colour theory outlined his feelings + 46

about chromatism and its psychological effects on humans. Composed of simple shapes, triangle and rectangle, with primary colours: block body in red and yellow, with blue circular rocker, a trademark palette of Bauhaus. Modern reproductions are available at Tecta. It's hard to believe it was designed a century ago, as it seems as fresh and modern as anything that could come out of a contemporary design studio.

Brno Chair by Mies van der Rohe

Bauhaus Chess Set by Josef Hartwig

In 1924, this German artist took the design of a conventional teapot and stripped it of any ornament to create her geometric metal tea infuser and strainer. Seven centimetres high, the tea infuser is petite as a result of its function. Simple in form and colour, the silver hemisphere body is supported by a crossbar structure. A D-shaped ebony handle is high up on the body for easy pouring. One was recently auctioned at Sotheby’s.

This Munich-born artist designed a futuristic chess set in 1923 using minimal lines, circles and squares, reducing the pieces to their basic function. The X-shaped bishop represents its diagonal movements, while the near-limitless movements of the queen are represented with a sphere on top of a cube.

By eliminating monarchical symbols, typical of chess, he aimed to redesign the game for modern ages.

Exhibited at Cooper Hewitt Museum in New York.

Tesigned by this modernist architect in 1929, it exemplifies the Bauhaus principle of reducing objects to their basic elements. Its design is based on the idea that it is not necessary for a chair to have four legs when it can be built in a cantilever-style, using a single C-shaped bar to support the entire seat.

Tea pot by Marianne Brandt

+ DESIGN

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Bachelor’s Wardrobe by Josef Pohl This simple plywood wardrobe created by the Czech designer in 1929 became known as the “Wardrobe on wheels" due to its mobile and space-saving qualities.

Designed to be versatile and convenient, the rectangular wardrobe is mounted on castors wheels, making it easy to move to different locations. Designed to enable people to furnish their apartments at an affordable price. The wardrobe is compact and efficient, set in a minimal frame without any complex gadgets.

Barcelona Chair by Mies van der Rohe and Lilly Reich Created in 1929 for the Barcelona International Exhibition, the Barcelona Chair (Knoll) was designed

by Bauhaus director and architect Van der Rohe in collaboration with architect Lilly Reich.

It features two slim rectangular cushions over a light, stainlesssteel frame. The chair frame was designed to be bolted together, but it was redesigned in 1950 using + 48

stainless steel. Bovine leather was also used in place of the original ivorycoloured pigskin.

door handle comprises a cylindrical grip and a cranked, squared stem.

Available at Tecnoline.

MT8 Lamp by William Wagenfeld and Carl Jakob Jucker

Nesting Tables by Josef Albers

This table lamp created by these German and Swiss designers, became known as the Bauhaus Lamp, embodying a key school principle: "form follows function". Comprising a circular base, a cylindrical shaft and a spherical shade, the light boasts a simple, geometric shape that is as economical as possible in terms of time and materials. The lamp is made from precisely cut glass and metal with an opaque lamp shade, a type formerly used only for industrial lighting.

Available at Tecnolumen.

Door Knob by Walter Gropius This modernist door handle by Bauhaus founder and German architect, Gropius, was first put into mass production in 1923, after being originally designed for the Fagus Factory in Alfeld.

Made from nickel- plated brass and produced by ironmongery manufacturer Izé, the industrial-style

German-born American painter, Albers, designed this set of modern accent tables while serving as the artistic director of the furniture workshop at Bauhaus in 1926. Each table was made from solid oak and lacquered acrylic glass. Known for his colourful, geometric artworks, Albers applied the same style to the tables, giving each a distinctive colour of blue, red, yellow and white. Still produced by Daimler.

Bauhaus series for NEOMANIA explores the enduring influence of this movement. Bauhaus is the most influential art and design school in history. To celebrate their centenary, we publish a series of articles rediscovering the school's key artists.

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Chaumet permitirá al público contemplar su majestuosidad imperial Si este año piensas hacer una visita al país del amor, no puedes dejar de visitar alguna de las exposiciones que Chaumet mantendrá abiertas al público.

A lo largo de este año 2019, la casa Chaumet va a presentar en el palacete privado de Saint-Germaindes-Prés, en París, una serie de exposiciones temporales con el claro objetivo de acercar al público la grandilocuencia de muchas de las piezas más clásicas y relevantes de la firma de joyería más selecta. Para quien aún no haya oído hablar de Chaumet —todo amante del lujo que se precie lo habrá hecho en algún momento de su vida—, la firma de joyería puso su primera piedra allá por el año 1780 y su historia siempre ha discurrido paralela al devenir de la historia de Francia. La casa se convirtió rápidamente en la firma de cabecera de la emperatriz Joséphine.

Es el espíritu de Joséphine el que ha inspirado la exposición Joséphine, Joséphine - Chaumet au Firmament, la primera de las tres exposiciones que la mítica casa de joyería acercará al público a lo largo de este año, y en la que los amantes de la joyería podrán contemplar diversas colecciones de lo más curiosas, elegantes y exclusivas. En ella, entre otros elementos, los curiosos y visitantes podrán deleitarse con la sofisticación de numerosas diademas y tiaras en las que queda plasmado un gusto más que exquisito por piedras preciosas totalmente excepcionales.

Chaumet HION + FAS

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Si hay algo que encandiló a la emperatriz fue la maestría indiscutible de Chaumet a la hora de crear tiaras exclusivas para ella, convirtiéndola en inspiración indiscutible de todas las creaciones de la firma. Sin embargo, y aunque la que fuera primera mujer de Napoleón Bonaparte fuese su principal musa, Chaumet siempre ha dedicado todas sus creaciones a aquellas mujeres que elevan a la categoría de arte su máxima feminidad y elegancia.

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+ FASHION

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De todas las piezas expuestas son las tiaras las que muestran, en mayor medida, la grandilocuencia y majestuosidad de la joyería de Chaumet. Zafiros de un azul intenso, rubíes majestuosos, esmeraldas de un verdor radiante y diamantes blancos impolutos son solo algunas de las piedras preciosas escogidas por la firma para convertirse en anhelo de todo aquel que, aunque sea por un instante, se pare perplejo ante cualquiera de sus creaciones.

También lo hará ante las tiaras, collares, anillos y pendientes de formas redondeadas y elegantes que ponen de manifiesto el gusto exquisito de la emperatriz por todo aquello que tuviese que ver con la botánica y la naturaleza, un guiño claro a las tierras que la vieron nacer.

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La segunda exposición firmada por Chaumet en Saint-Germain-des-Prés, en París, busca rendir homenaje a las artes a través de la muestra Dess(e)in de nature, en la que ofrece a los visitantes la oportunidad de pasear por elementos propios de la flora y la fauna, que tan inspiradores han sido para Chaumet a lo largo de los siglos en los que se han convertido en auténticos maestros de la alta joyería.

Lirios, rosas, mariposas… elementos llenos de una belleza indescriptible a través de los que Chaumet consigue transportarnos a un mundo vibrante y fértil en plena naturaleza, gracias a la majestuosa técnica que emplea para pulir y dar forma a piedras preciosas a las que convierte en joyas capaces de convertirse en auténticas piezas cargadas de historia.

Brillantes Écritures, la tercera de las exposiciones de Chaumet en el boulevard Saint-Germain se centra este año en la relación de la firma de joyería con personajes de la literatura más clásica. Y es que, desde Honoré de Balzac hasta Alexandre Dumas, pasando por personajes tan conocidos en la historia como lo son Edith Wharton, Edmond Rostand, Alfred de Musset, Colette u Olga Picasso, Chaumet siempre ha atraído a personajes literarios y ha inspirado a los escritores más relevantes de cada momento histórico. De ahí nace la colección Brillantes Écritures, con el objetivo de rendir homenaje a esos lazos y conexiones con importantes autores y personajes clave del mundo de las letras.

Independientemente del motivo que haya originado cada una de las exposiciones de Chaumet, si hay algo que el visitante podrá percibir en todas es el savoir faire de una casa de joyas exclusiva que ha conseguido mantener su espíritu vivo a lo largo de la historia y saber transmitirse de generación en generación con el único objetivo de, en pleno siglo xxi, seguir labrando piezas tan exquisitas como las que lució la emperatriz Joséphine en la corte francesa mucho tiempo atrás.

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Chaumet HION + FAS

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Chaumet will permit the public to contemplate its imperial majesty If you plan to visit the country of love this year, don't miss some of the exhibitions that Chaumet will keep open to the public.

Throughout this year of 2019, the Chaumet house will introduce at the private palace of Saint-Germaindes-Prés, in Paris, a series of temporary exhibitions with the clear objective of bringing to the public the grandiloquence of many of the most classic and relevant pieces from the finest jewellery firm.

For those who may not have heard of Chaumet yet — any lover of luxury worthy of the name might have done so at some point during their life — the cornerstone of the jewellery firm was laid in 1780 and its history has always run parallel to the future of the history of France.

The house quickly became the main firm of the Empress Joséphine.

If there is one thing that dazzled the Empress, it was Chaumet's indisputable artistry in creating exclusive tiaras for her, making her the unquestionable inspiration of all the firm's creations.

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However, although Napoléon Bonaparte's wife was its main muse, Chaumet has always dedicated all its creations to those women who ennoble their maximum femininity and elegance.

It is the spirit of Joséphine that has inspired Joséphine, Joséphine - Chaumet au Firmament, the first of three exhibitions that the legendary jewellery house will bring to the public throughout the year, in which lovers of jewellery may contemplate the most curious, elegant and exclusive collections.

Amongst other elements, visitors and curious amateurs are invited to delight in the sophistication of many tiaras and diadems where the most exquisite taste is reflected in exceptional precious stones.

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Among all the pieces exhibited, tiaras are the ones that show the grandiloquence and majesty of Chaumet's jewellery to the greatest extent.

Sapphires of an intense blue, majestic rubies, emeralds of radiant greenery and spotless white diamonds are just a few of the precious stones chosen by the firm to be the object of desire for all those who, even for a short moment, stop puzzled before any of its creations.

They will do so before tiaras, necklaces, rings, and earrings of rounded and elegant shapes that reveal the exquisite taste of the Empress for anything relating to botany and nature, a clear nod to the land where she was born.

The second exhibition signed by Chaumet in Saint-Germain-des-Prés, in Paris, seeks to pay homage to arts through the exhibition Dess(e) in de nature. Visitors have the opportunity there to walk by flora and fauna elements, a great inspiration for Chaumet's designers over the centuries that have turn them into true masters of fine jewellery.

Lilies, roses, butterflies — elements of beauty beyond description through which Chaumet transport us to an exciting, fertile world in the heart of nature. Thanks to the majestic technique they use to polish and shape precious stones, they turn them into jewels capable of becoming authentic pieces full of history.

Brilliant Écritures, the third of Chaumet's exhibitions on boulevard SaintGermain focuses this year on the relation between the jewellery firm and personalities from the most classical literature.

Thus, from Honoré de Balzac to Alexandre

Dumas, through characters as well-known to history as Edith Wharton, Edmond Rostand, Alfred de Musset, Colette, or Olga Picasso, Chaumet has always attracted literary characters and has inspired the most relevant writers of any historical period.

This is the origin of Brilliant Écritures collection, whose aim is to pay tribute to these ties and connections with important authors and key figures in the literary scene.

Regardless of the reasons that led to each of the Chaumet's exhibitions, if there is anything the visitor will be able to perceive in all of them, it is the savoir-faire of an exclusive jewellery house that has managed to keep its spirit alive throughout history. They know how to transmit from generation to generation for the sole purpose of, in the middle of the 21st century, continuing to work pieces as exquisite as those worn by the Empress Joséphine at the French court a long time ago.

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PROJECTS

I H C R A LAB

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Proyecto en venta en la mejor zona de La Moraleja, Madrid.

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Frank Sorbier HION + FAS

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Franck Sorbier y su excéntrico teatro Para Franck Sorbier, la alta costura es un arte. El diseñador francés busca una mujer dispuesta a no dejar indiferente a nadie, ni siquiera a ella misma.

Considerado un auténtico poeta de la aguja y el patronaje entre los diseñadores de su época, Franck Sorbier no solo crea combinaciones de vértigo a la hora de vestir el universo femenino, sino que, además, busca la más pura espectacularidad de sus figuras convirtiéndolas en epicentro de todas las miradas curiosas que acuden a escenarios cuanto menos particulares a disfrutar de la vida. Así es cómo Franck Sorbier ha decidido presentar la colección de alta costura para la próxima temporada veraniega de 2019. Con una delicadeza y elegancia propia de su trabajo como diseñador, que busca la perfección en cada puntada, en cada corte, en cada superposición de tejidos y en cada combinación de formas imposibles que dan como resultado piezas indescriptibles e inimitables.

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Nacido en 1961, y tras más de una década de su llegada al trepidante mundo de la alta costura, Franck Sorbier ha conseguido un hueco más que merecido. A través de las delicadas y originales creaciones a las que nos tiene acostumbrados, Franck Sorbier busca que, durante los próximos meses de calor estival, la mujer baile por doquier con su existencia de la manera más sugerente, alocada y provocativa posible. Una mujer que buscará convertirse en protagonista de una ópera impregnada de tintes procedentes de los míticos y históricos ancestros orientales. Un auténtico deleite para los sentidos más exigentes, que convertirán el día a día de aquella que elija los diseños de Sorbier en un delicado baile con la mismísima vida y todo lo que la rodea y le da forma. +info: neomaniamagazine.com + 62

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Frank Sorbier HION + FAS

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Franck Sorbier and his eccentric theater To Franck Sorbier, haute couture is an art. The French designer looks for women willing to leave no one indifferent, not even themselves.

Considered among the dressmakers of his time as a true poet of stitching and pattern designing, Franck Sorbier not only creates vertiginous combinations when he comes to dress the feminine universe, but also searches for the spectacular of his figures, turning them into the centre of attention of all the curious looks that aim to enjoy life in some peculiar places. This is how Franck Sorbier has decided to introduce the haute couture collection for the next 2019 summer season.

With the characteristic sensitivity and elegance of his work a designer, he seeks perfection in every stitch, in every cut, in each layering, and in every combination of impossible shapes resulting in indescribable, one-of-akind pieces.

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Born in 1961, after more than a decade from his arrival in the frenetic haute couture business, Franck Sorbier has achieved a well-deserved place.

Through the delicate and original creations he has accustomed us to, Franck Sorbier aims to, during the next months of summer heat, let women dance everywhere with their existence in a way that is as suggestive, crazy, and provocative as possible. Thus, women will become protagonists of an opera impregnated with dyes from mythical and historical oriental ancestors. A real delight for the most demanding senses, that will turn the day-to-day of women who choose Sorbier's designs into a delicate dance with the life itself and everything that surrounds and shapes it. +info: neomaniamagazine.com + 66

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TRAVEL

Cartier Travel tyle S with +

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La sexta edición de viajar con estilo de Cartier ya es un hecho, tanto como que el propio lema «Travel with Style» puede resultar innecesario e incluso demasiado discreto, modesto. No cabe duda de que Cartier es el mejor embajador y representante para viajar con estilo y a todo lujo.

En esta sexta edición, Jaipur ha sido el enclave para unos participantes que, poseedores de automóviles y motocicletas clásicas, iban clasificándose según sus características.

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TRAVEL

Para los coches se hicieron varios grupos: · coches previos a la Segunda Guerra Mundial, durante su desarrollo y hasta 1945; · posteriores al conflicto, en el periodo entre 1946 y 1965; · patrimonio indio, es decir, realizados ensamblados en la India entre 1947 y 1965; · preservación, entre 1945 y 1965; · turismos, entre 1946 y 1969; · clase especial para aquellos previos a la Segunda Guerra Mundial, durante su desarrollo y hasta 1945.

Como novedad, una mención especial a la categoría Ford Thunderbird.

En el caso de las motocicletas, los grupos se establecieron de la siguiente forma: · veteranos o vintage, hasta 1930 inclusive; · anteriores a la guerra, desde 1931 hasta 1945 inclusive; · posteriores a la guerra, desde 1946 hasta 1969 inclusive.

Este evento, que nos transporta hacia una época del pasado en la que el lujo de viajar en coches clásicos era todo un privilegio, ha tenido como marco incomparable un entorno ideal, de grandes connotaciones y reminiscencias románticas. Jaipur, en la India, ha servido de telón de fondo, o de asfalto verde, para esta concentración.

Cartier, una de las grandes marcas del universo de lujo, viene preparando este evento desde 2008. Gracias a él, la reunión de coches clásicos y la participación de una marca de + 70

joyería de lujo se convierten en un buen maridaje. Chopard, por ejemplo, ya lo venía realizando desde 1989 durante la Mille Miglia.

Ha sido en la tierra de los maharajás donde el glamur y lujo con ruedas ha tenido este año anfitriones incluso de origen real, como fue el caso de su graciosa majestad Diya Kumari de Jaipur al introducir el Daimler-24EL de 1937.

Hubo también otros invitados de excepción entre los que podríamos destacar a su alteza el maharajá Sawai Padmanabh Singh de Jaipur y el maharajá Gaj Singh Ji de Jodhpur.

Esta colección, única e irrepetible, tuvo como jueces a los principales diseñadores del mundo, que, junto a los industriales de mayor éxito y más expertos coleccionistas de autos clásicos, superó con creces toda expectativa inicial.

Christopher Massoni, director de la marca Cartier en Oriente Medio, África y la India, fue el anfitrión de esta sexta edición del concurso, además patrocinada por Mr. Manvendra Singh Barwani, quien ya tiene en su haber el recopilar y editar, entre otros, el libro The Automobiles Of The Maharajas (Sharada Dwivedi, Eminence Designs Pvt. Ltd., 2003).

Ochenta y seis automóviles clásicos de las nueve clases distintivas y veintiséis motocicletas de tres firmas distintas participaron en este «Cartier Travel». Y como no podía ser de otra forma, el origen de estos caballos de

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raza y pura sangre de motor provinieron de los reales establos de la India y de coleccionistas privados.

Es aquí donde los últimos diez años han supuesto un gran cambio ya que la proyección internacional de la India se ha establecido con fuerza, llevada a un nivel de vanguardia nunca visto antes.

El alto nivel y la potencialidad de clientes indios, sobre todo maharajás, han traído espectáculos mundialmente renombrados tales como el Salón Retromobile o el Pebble Beach Concours.

Sirva como ejemplo para comprobar el nivel de «caballos» participantes la categoría de los premios, como el Rolls Royce Phantom 2 de 1935, propiedad del Sr. Amir Jetha, que ganó como el mejor automóvil del concurso.

Una Indian Scout de 1940, propiedad del Sr. Sandeep Kapoor, fue la motocicleta ganadora.

La Copa de la Resurrección de Cartier se entregó al vehículo Ansaldo-Tipo F de 1922, propiedad del Sr. Nittin Dossa. Por otra parte, el premio especial, antes mencionado y presentado de forma real por la princesa Diya Kumari de Jaipur, fue para el Daimler 24EL de 1937, propiedad del Sr. Ravi Pittie.

El Ford Thunderbird Convertible de 1960, actualmente propiedad de su alteza el maharajá Sawai Padmanabh Singh, fue exhibido en la clase Thunderbird. Esta + 72

edición también mostró los tres autos de Maharani Gayatri Devi: un Mercedes Saloon 1968 280-S que ahora es propiedad de Sudhir Kasliwal, un Buick Super 8 Convertible de 1947, que también ganó el premio de mejor en su categoría, un clásico estadounidense de posguerra y actualmente en manos del Sr. Dinesh Lal y 1951 Cadillac Series 62 Convertible, cuyo dueño actual es Vikram Singh.

Entre los jueces de la edición cabe destacar al principal, Simon Kidston, quien también aportó criterio y sirvió como juez en el concurso Pebble Beach. Sandra Button fue la presidenta del concurso de elegancia Pebble Beach.

Algunos jueces tomaban posesión de tan insigne cargo por primera vez. Nombres como Charles Richmond, fundador del Festival de Velocidad y Renacimiento de Goodwood, Lorenzo Ramaciotti, Stefano Domenicali, presidente y director ejecutivo de Automobili Lamborghini, Giacomo Agostini, Nicholas Coleridge, Sir Michael Kadoorie, etc., aportaron aún más prestigio, lujo y elegancia al evento.

Deseamos volver a viajar con Cartier para que nos traiga los aromas a especias de otros países, siempre desde el lujo de viajar con un clásico y acompañados de compañeros tan insignes como los que nos honraron con su presencia en Jaipur.

Travel with Cartier... forever…

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Cartier Travel tyle S with +

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The 6th edition of Cartier Travel with Style is already a reality, to such an extend that the motto "Travel with Style" may be unnecessary and even too discreet, too modest.

There is no doubt that Cartier is the best ambassador and representative of travel with style and luxury.

In this 6th edition, Jaipur has been the spot chosen for some participants whose classic cars and motorcycles were classified according to their characteristics.Â

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With regards to the car classification, several groups were created: · vehicles manufactured prior to World War II, during development and until 1945; · post-conflict vehicules, in the period between 1946 and 1965; · Indian heritage, that is, assembled in India between 1947 and 1965; · preservation, between 1945 and 1965; · private cars, between 1946 and 1969; · special class for those prior to World War II, during development and until 1945.

This year, for the first time, special mention for the Ford Thunderbird category.

In the case of motorcycles, the groups were established as follows: · veterans or vintage, up to and including 1930; · pre-war motorcycles, from 1931 to 1945 inclusive; · post-war motorcycles, from 1946 to 1969 inclusive.

This event, transporting us to a time when the luxury of traveling in classic cars was quite a privilege, has had an ideal environment as an unparalleled setting, with grand connotations and romantic reminiscences. Jaipur, in India, has served as a backdrop, or as green asphalt, for this concentration.

Cartier, one of the biggest brands in the universe of luxury, has been preparing this event since 2008. Thanks to this edition, the meeting + 76

of classic cars and the participation of a luxurious jewellery brand become a good pairing. Chopard, for example, had been doing it since 1989 during the Mille Miglia.

It has been in the Land of the Maharajas where this year glamour and luxury on wheels have even had hosts of kingly birth, as was the case with her graceful majesty Diya Kumari of Jaipur when introducing the Daimler-24EL from 1937. There were other special guests, among which we can mention His Highness the Maharaja Sawai Padmanabh Singh of Jaipur and the Maharaja Gaj Singh Ji of Jodhpur.

This once-in-a-lifetime collection had as judges the world's leading designers, who, along with the most successful industrialists and most experienced classic cars collectors, far exceeded initial expectations.

Christopher Massoni, CEO of Cartier in the Middle-East, Africa, and India, hosted this 6th edition of the contest, also sponsored by Mr Manvendra Singh Barwani, who already has to his credit the compilation and editing of, among others, the book The Automobiles Of The Maharajas (Sharada Dwivedi, Eminence Designs Pvt. Ltd., 2003).

Eighty six classic cars of the nine categories and twenty-six motorcycles from three different companies participated in this "Cartier Travel". Naturally, these motor "thoroughbreds" had to come

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TRAVEL

from the royal stables of India and other private collectors.

Here we can see how the last ten years have brought a great change since the international repute of India has been firmly established, taken to a state-ofthe-art level never seen before.

The high level and potentiality of Indian clients, especially Maharajas, have brought worldrenowned spectacles such as the Retromobile Show or the Pebble Beach Concours.

May the category of awards, such as the Rolls Royce Phantom 2 of 1935, owned by Mr. Amir Jetha, which won Best Car of the contest, serve as an example to confirm the level of the "horses" participating. An Indian Scout from 1940, owned

by Mr. Sandeep Kapoor, was the winning motorcycle.

The Cartier Resurrection Cup was given to the Ansaldo-Type F vehicle of 1922, owned by Mr. Nittin Dossa. On the other hand, the aforementioned Special Prize, introduced and royally presented by Princess Diya Kumari of Jaipur, was given to the Daimler 24EL of 1937, owned by Mr. Ravi Pittie.

The 1960 Ford Thunderbird Convertible, currently owned

by His Highness the Maharaja Sawai Padmanabh Singh, was exhibited in the Thunderbird class. This edition also showed the three cars of Maharani Gayatri Devi: a 1968 Mercedes Saloon 280 S that is now owned by Sudhir Kasliwal, a 1947 Buick Super 8 Convertible, which also won the prize of best in its class, a classic + 78

American postwar car and currently in the hands of Mr. Dinesh Lal, and 1951 Cadillac Series 62 Convertible, whose current owner is Vikram Singh.

Among the judges of this edition the main one is worth mentioning: Simon Kidston, who also provided discretion and served as judge in the Pebble Beach contest. Sandra Button was the President of the Pebble Beach Elegance Contest. Some judges took possession of this distinguished post for the first time. Names like Charles Richmond, founder of the Goodwood Festival of Speed and Revival, Lorenzo Ramaciotti, Stefano Domenicali, president and CEO of Automobili Lamborghini, Giacomo Agostini, Nicholas Coleridge, Sir Michael Kadoorie, etc., provided even more prestige, luxury, and elegance to the event. We hope to travel again with Cartier to bring us the aromas of spices from far-away countries, always with the luxury of travelling in a classic car and accompanied by such distinguished companions as those who honored us with their presence in Jaipur.

Travel with Cartier... forever...

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Stephane Rolland HION + FAS

+ 80

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Contrastes majestuosos de Stéphane Rolland Cuando la sensualidad fluye a raudales, la mujer de Stéphane Rolland se convierte en musa indiscutible de las veladas más elegantes.

Si hay alguien que sabe envolver a la mujer en una sensualidad más que sofisticada y elegante, ese es Stéphane Rolland. Para conseguirlo, el diseñador de moda francés busca que las curvas del universo femenino se envuelvan con los cortes más delicados y sugerentes y dejen entrever la belleza que esconden. De forma suave y delicada, Rolland viste a una mujer soñadora, que anhela un mundo lleno de distinción y, en ocasiones, por qué no, también de misterio.

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Stéphane Rolland ansía que, en la próxima temporada primaveraverano 2019, la mujer busque sus diseños para convertirse en protagonista indiscutible de las noches más sugerentes y mágicas.

Una mujer atrevida que encuentra en looks exquisitos, salpicados de sugerentes transparencias, la mejor de las herramientas para conseguir atraer todas las miradas. Unas miradas que escudriñarán meticulosamente cada rincón, cada poro de su piel. Una piel que consigue erizarse al contacto de delicadas piezas de cortes perfectos, propias de un maestro incansable de la moda como es Stéphane Rolland. +info: neomaniamagazine.com

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Stephane Rolland HION + FAS

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Majestic Contrasts by StĂŠphane Rolland When sensuality flows in abundance, StĂŠphane Rolland's women become the undisputed muses of the most elegant soirees.

If there is anyone who knows how to wrap women in the most sophisticated and elegant sensuality, it is StĂŠphane Rolland. In order to achieve this, the French fashion designer wants curves from the feminine universe to be wrapped with the most delicate and suggestive cuts, revealing the beauty they hide. In a soft and delicate manner, Rolland dresses a daydreamer, who yearns for a world full of distinction and sometimes, why not, filled with mystery as well.

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LAB

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StĂŠphane Rolland hopes that, for next springsummer 2019 season, women will choose their designs in order to become the undisputed stars of the most suggestive and magical evenings. Daring women who find their best tool in the finest outfits, dotted with suggestive transparencies, so that all eyes will be on them. And those eyes will examine every corner, every pore of their skin. He will make their toes curl in contact at the touch of delicate pieces with perfect cuts, as might be expected from a tireless fashion master like StĂŠphane Rolland. +info: neomaniamagazine.com

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Proyecto en venta en la mejor zona de Ibiza For sale in ther best part of Ibiza, Spain +info: realestate@ibermaison.com

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ei P Guo HION + FAS

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EPORT

Guo Pei y su elegancia oriental Si hay alguien que sabe magnificar la elegancia, esa es Guo Pei. La diseñadora china nos vuelve a transportar a su origen más tradicional.

Guo Pei lo ha vuelto a hacer. Una vez más, y como hace con cada nueva colección que da a conocer al mundo, ha retomado su origen más puro y apuesta por envolver a una mujer en reflejos dorados plenos de la más elegante sintonía.

En esta ocasión, además, lo consigue de una manera incluso más espectacular.

Y es que, para la próxima temporada primaveraverano, Guo Pei demuestra que la alta costura por la que ella apuesta tiene poco o nada que envidiar a la alta costura que triunfa en la parte occidental del mundo.

Así, todos y cada uno de los detalles que dan forma a cada prenda están finamente hilados y cuentan con la capacidad de transportar a quien la lleva al interior de un libro con la más increíble de las historias.

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A través de sus diseños, Guo Pei nos invita a viajar en los próximos meses a un mundo de ensueños y anhelos. A un lugar lejano y lleno de poesía en el que las reminiscencias chinas abrazan las tonalidades tornasoladas para no dejar a nadie indiferente.

Piezas complejamente abrumadoras en las que se mezclan la majestuosidad de Pekín con elementos de tradición ancestral. Para conseguirlo, la diseñadora nos invita a convertirnos en princesas caprichosas de fastuosos palacios y dejarnos llevar por el equilibrio espiritual del universo. Así, la mujer soñada por Pei para los meses que están por venir apuesta por piezas con las que contar al mundo historias de misterio y sofisticación. +info: neomaniamagazine.com

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ei P Guo HION + FAS

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EPORT

Guo Pei and her oriental elegance If there is anyone who knows how to magnify elegance, it is Guo Pei. The Chinese designer transports us once again to her most traditional origins.

Guo Pei has done it again.

Once more, and as she does with every new collection she presents to the world, she has returned to her purest origin and now opts for wrapping women in golden reflections filled with the most elegant harmony. On this occasion, in addition, she achieves it in an even more spectacular way. Thus, for next spring-summer season, Guo Pei shows that the haute couture she is opting for has little or no reason to be envious of the haute couture that triumphs in the Western world. Finely spun, every single one of the details that give shape to each garment have the capacity to transport whoever wears it to the interior of a book with the most incredible of stories.

+ FASHION

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Through her designs, Guo Pei invites us to travel in the coming months to a world of fantasies and yearnings. We will travel to a distant place full of poetry in which Chinese reminiscences embrace iridescent tonalities so as not to go unnoticed.

Intricately overwhelming pieces in which Beijing's majesty is mixed with ancestral traditional elements. The designer thus invites us to become whimsical princesses of lavish palaces and let ourselves be carried away by the spiritual balance of the universe.

Women dreamed by Pei for the coming months opt for pieces with which to tell the world stories of mystery and sophistication. +info: neomaniamagazine.com

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Arata Isozaki

EPORT

ER ECTUR T I H C + AR JUAN ÍA DE R A M ©

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“Premio Nobel” de Arquitectura Este prolífico creador japonés, conocido por fusionar la estética oriental y occidental, ha recibido el Pritzker Prize 2019, el mayor honor para un arquitecto. Arata Isozaki, de 87 años, planificador y teórico, ha creado más de 100 proyectos en Asia, Europa, América del Norte, Australia y Oriente Medio durante más de seis décadas.

Isozaki, nació en 1931 en la ciudad de Oita, junto al Golfo de Hiroshima. Era un adolescente cuando presenció la destrucción de Japón durante la Segunda Guerra Mundial. Vivió intensamente el drama después de los devastadores eventos de Hiroshima y Nagasaki, totalmente destruidos por dos bombas atómicas.

“Crecí en la zona cero. Todo estaba en ruinas. No había arquitectura, ni edificios, ni siquiera una ciudad... Sólo me rodeaban cuarteles y refugios.

Así que mi primera experiencia fue el vacío de la arquitectura.

Entonces comencé a preguntarme cómo podría la gente reconstruir sus hogares y ciudades".

Tras la ocupación aliada de Japón, Isozaki se graduó en la Universidad de Arquitectura de Tokio en 1954. Después pasó años viajando, escapando del drama en su país.

“Quería ver el mundo con mis propios ojos, por lo que viajé por todo el mundo al menos diez veces antes de cumplir los treinta. Quería sentir la vida de personas en diferentes lugares.

Visité extensamente Japón y el mundo islámico, pueblos en montañas profundas y ciudades de China, el sudeste asiático y los Estados Unidos. Trataba de encontrar alguna oportunidad y me preguntaba "¿Qué es la arquitectura?”

En sus primeros años trabajó localmente para reconstruir su ciudad natal, Oita, tras la bomba de Hiroshima. Creó un centro médico, una biblioteca y otras instalaciones a raíz de la crisis económica y cultural de la posguerra en su país.

“Para encontrar la manera más adecuada de resolver estos problemas, no podía detenerme en un solo estilo.

El cambio se hizo constante.

Paradójicamente, esto se convirtió en mi propio estilo".

Algunos de sus proyectos estrella en Asia son: Art Tower Mito, Shanghai Symphony Hall, Ceramic Park Mino y Tokyo School of Music.

+ ARCHITECTURE

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Pronto comenzaron a llegar comisiones por toda Asia y después por todo el mundo.

Esto le permitió formar un puente creativo entre las culturas oriental y occidental.

Muy joven, Isozaki se convirtió en ciudadano del planeta, creador internacional. Con 87 años todavía trabaja desde su estudio en Okinawa. Fue uno de los primeros arquitectos japoneses en construir en el extranjero.

Su primera comisión internacional fue el Museum of Contemporary Art en Los Angeles (MOCA). Entre sus proyectos más emblemáticos en el extranjero: Palau Sant Jordi, Estadio Olímpico de Barcelona, Disney Team Building en Orlando, Qatar National Convention Center en Doha, Pala Alpitour y Allianz Tower en Milan...

Su proyecto más original fue Ark Nova, el primer auditorio inflable, a gran escala jamás construido. Este edificio redondo de plástico gigante, se usó para actuaciones musicales del Lucerne Festival en el parque Grass Square de Tokyo. Fue una colaboración de diseño especial de Isozaki con el artista y escultor indio Anish Kapoor.

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Otra colaboración espectacular, también relacionada con la música, fue Shanghai Symphony Hall. Se inauguró en 2014, celebrando el 135 aniversario de la orquesta más antigua de Asia. Un aspecto clave fue el trabajo conjunto entre Isozaki y el maestro acústico Yasuhisa Toyota.

Para la Orquesta Sinfónica de Singapur lo primero era la música. Se convirtieron en la primera organización China en contratar a un experto acústico antes de elegir arquitecto. Isozaki y Toyota combinaron estructuras de una caja de zapatos con un campo de viñedos. Seis tableros reflectores parabólicos están cubiertos por tejidos de bambú y el piso del escenario es de ciprés Hokkaido de Japón. Los colores de los materiales le dan a la sala un tinte dorado, que aporta gran calidez al interior.

La sala principal, con capacidad para 1200 personas, se asienta sobre gigantes muelles, que actúan como resortes para proteger de las vibraciones del metro bajo tierra.

+ ARCHITECTURE

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En 1915, el Museo Watari de Arte Contemporáneo en Tokio dedicó una exposición a Arata Isozaki. Transmitía la imagen de un hombre de letras, posthumanista, un manierista crítico con su espíritu reflejado en su propia teoría y práctica.

La muestra se centró en el enfoque de “performance” del espacial del creador. Su mensaje es leído, escrito y experimentado en disonancia, diálogo, a veces, en silencio. Un diseño irónico de Hans Hollein para la exposición de 1976 MAN transFORMS, presentaba a Isozaki, despojado de piel, disecado en una anatomía irreal donde sus órganos vitales se atribuyen a iconos, como Michelangelo (el corazón) y Marilyn Monroe (las nalgas).

La exposición transmitió la imagen de un hombre del Renacimiento, un manierista de espíritu crítico.

Sobre su decisión de honrar a Isozaki, el jurado de Pritzker dijo: “Poseedor de un profundo conocimiento de la historia y teoría de la Arquitectura, y abrazando la vanguardia, Isozaki nunca replicó el status quo. Su búsqueda de una Arquitectura con significado se refleja en sus edificios. Hasta hoy, desafía catalogaciones estilísticas pues está en constante evolución y su enfoque es siempre fresco.”

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Otro de sus edificios más conocidos es Palau Sant Jordi en Barcelona, el mayor centro deportivo cubierto para las Olimpiadas 1992. Es una cúpula gigantesca con capacidad para 17.000 personas. Su enorme techo hace referencia a las técnicas catalanas de construcción de bóvedas, como las utilizadas por Gaudí, mientras que su forma inclinada se inspiró en los antiguos templos budistas. Se utilizaron materiales locales: ladrillo, azulejo, zinc y travertino.

La Escuela de Música de Tokio ha sido elegida uno de los mejores edificios del mundo.

Controvertido y desafiante, está construido con arenisca roja de la India. Isozaki resolvió elocuentemente el espacio jugando con volúmenes y teorías. Utilizó la Proporción Aurea del Renacimiento y la teoría Zen del Yin Yang, evocando la naturaleza complementaria de las relaciones occidentales y orientales.

Si bien el Premio Pritzker se considera tradicionalmente centrado en Occidente, Isozaki es el octavo arquitecto japonés en ganarlo. Contando los ganadores conjuntos de 2010, Kazuyo Sejima y Ryue Nishizawa y los premiados recientes Tadao Ando (1995) y Shigeru Ban (2014). El logro de Isozaki pone a Japón al mismo nivel que Estados Unidos, con ocho ganadores. Incluyendo a Frank Gehry, nacido en Canadá, con nacionalidad americana.

El jurado de Pritzker de siete miembros, fundado en 1979, incluyó al juez de la Corte Suprema de USA, Stephen Breyer, el arquitecto británico (laureado en 2007) Richard Rogers y a Ratan Tata, ex presidente del conglomerado indio Tata Group.

Isozaki siempre ha sido un artista de mentalidad global con una mente creativa del Renacimiento. Es sin duda un visionario cuyo original enfoque es conocido por concebir formas vanguardistas, mezcladas con la esencia de las antiguas filosofías orientales.

Los mayores elogios de los jueces fueron para el Museo de Arte Contemporáneo de Los Angeles y la Escuela de Música de Tokio. Realmente tiene sentido que este respetado artista sea galardonado con el premio de mayor honor del mundo para arquitectos.

Isozaki demuestra ser maestro combinando los estilos de Oriente y Occidente, Moderno y Postmoderno. Me atrevo a decir que es mucho mas: es el gran maestro de su propia alma, desde la destrucción hasta la creación. Incluso le nombro Emperador de la Arquitectura Japonesa.

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Arata Isozaki

EPORT

ER ECTUR T I H C + AR JUAN ÍA DE R A M ©

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“Nobel Prize” of Architecture This year’s Pritzker Prize 2019, considered the highest honor for architects, goes to this prolific Japanese creator who is known for masterfully blending Eastern and Western aesthetics.

The 87 year old, planner and theorist, Arata Isozaki has completed over 100 projects throughout Asia, Europe, North America, Australia and Middle East in a span of over six decades.

Born in 1931 in the city of Oita, across the gulf from Hiroshima, Isozaki was a teenager when he witnessed the destruction of Japan during World War II. He lived intensively the drama following the devastating events of Hiroshima and Nagasaki totally destroyed by two atomic bombs.

“I grew up on ground zero. Everything was in complete ruins. There was no architecture, no buildings, not even a city. Only barracks and shelters surrounded me. So my first experience was the void of architecture. Then I began to consider how people might rebuild their homes and cities.”

Following Japan’s Allied occupation, Isozaki graduated from Tokyo Architecture University in 1954. After that, he spent years traveling, escaping from the drama in his country.

“I wanted to see the world through my own eyes, so I traveled around the globe at least ten times before I turned thirty. I wanted to feel the life of people in different places.

I visited extensively Japan and the Islamic world, villages in the deep mountains and metropolitan cities of China, South East Asia and USA. I was trying to find any opportunities and I kept questioning “What is architecture?”

In his early years he worked locally to rebuild his hometown, Oita, after Hiroshima bomb.

He created a medical center, a library and other facilities in the wake of the country’s postwar economic and cultural turmoil.

“In order to find the most appropriate way to solve these problems, I could not dwell upon a single style. Change became constant. Paradoxically, this became to be my own style.”

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Some of his star projects in Asia are: Art Tower Mito, Shanghai Symphony Hall, Ceramic Park Mino and Tokyo School of Music.

After building his first constructions in Japan, commissions began coming in from around the country and ultimately across the world.

This allowed Isozaki to form a creative bridge between Eastern and Western societies.

Very early in his life, Isozaki became a citizen of our planet, an international creator. The 87-year-old still practices out of his studio in Okinawa. He was one of the first Japanese architects to build abroad.

His first international commission was the Museum of Contemporary Art in Los Angeles (MOCA).

Among his most iconic finished projects abroad: the Olympics Sports Hall in Barcelona, Disney Team Building in Orlando, Qatar National Convention Center in Doha, Pala Alpitour and Allianz Tower in Milan...

His most original project was Ark Nova, the first largescale inflatable concert hall ever constructed (2013). This giant plastic round shape building was used for musical performances at Lucerne Festival in Grass Square Park, Tokyo. The unique design was a collaboration of Isozaki with Indian performance artist and sculptor Anish Kapoor. + 108

Another spectacular collaboration was also related to music. In 2014, he inaugurated Shanghai Symphony Hall, marking the 135th anniversary of Asia’s oldest orchestra. A key aspect was a long-awaited collaboration between Isozaki and acoustic master Yasuhisa Toyota. The Singapore Symphony Orchestra placed music first. They became China’s first organisation to hire an acoustician before choosing the architect. Isozaki and Toyota combined both shoebox and vineyard structures for the shape of the hall. The six large parabolic reflector boards are covered by weaved bamboo and the stage floor is made of Hokkaido cypress from Japan.

The colours of the materials used give the hall a gold tint, bringing much warmth to the interior. The main chamber hall, fits 1,200 people and sits on giant springs to protect against the vibrations from the subway that runs underground.

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In 1915, Tokyo’s Watari Museum of Contemporary Art, dedicated an exhibition to Arata Isozaki. It conveyed the image of a posthumanist man of letters and a critical mannerist with a spirit reflected in his own theory and practice. The small scale show focused for once on Isozaki’s performative approach to space. His contingent texture is read, written, experienced, eventually produced in dissonance, dialogue and sometimes, in silence. An ironic poster design by Hans Hollein on occasion of the 1976 exhibition MAN transFORMS placed as prelude at the entrance of the show introduced Isozaki stripped off his skin, dissected in an unreal anatomy where vital organs and muscles are attributed to icons, such as Michelangelo (the heart) and Marilyn Monroe (the buttocks). The exhibition conveyed the image of a Renaissance man.

On their decision to honor Isozaki, the Pritzker jury gave a speach:

“Possessing a profound knowledge of architectural history and theory, and embracing the avant-garde, Isozaki never merely replicated the status quo. His search for meaningful architecture was reflected in his buildings. To this day, they defy stylistic categorisations which are constantly evolving and always fresh in their approach.”

Another of his best-known buildings is Palau Sant Jordi, the largest covered sports center in Barcelona, Spain.

It was designed for the 1992 Summer Olympic Games and reflects his work's global influences. A giant dome has room for 17,000 people. It’s huge roof references Catalan vault-building techniques, such as those used by Gaudi, while its sloped form was inspired

by Buddhist temples. Local materials, including brick, tile, zinc and travertine, were used as finishes.

+ ARCHITECTURE

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Unconventional Tokyo School of Music has been chosen as one of the world’s best new buildings. Though controversial and geographically challenging, the red Indian sandstone building was resolved by Isozaki's eloquent awareness of scale through an assemblage of volumes. He employed Renaissance Golden Ratio and Yin Yang theory throughout, evoking the complementary nature of Western and Eastern cultures.

While the Pritzker Prize has traditionally been considered as Western-centric, Isozaki is the eighth Japanese architect to claim the award in the last 10 years.

Japan has now produced eight laureates, counting 2010's joint winners, Kazuyo Sejima and Ryue Nishizawa, and including recent winners Tadao Ando (1995) and Shigeru Ban in 2014. Isozaki's achievement puts Japan on the same level as with United States, which has produced eight winners.

That is including Frank Gehry, Canadian-born with American nationality.

The seven member Pritzker jury, founded in 1979, included US Supreme Court Justice Stephen Breyer, British architect (also 2007 laureate) Richard Rogers and Ratan Tata, former chairman of the Indian conglomerate, Tata Group.

Isozaki has always been a globally minded artists with a Renaissance creative mind. He is certainly a visionary whose original approach is known for conceiving avant-garde forms, mingled with the essence of ancient oriental philosophies.

Specific praise from Pritzker judges was mentioned for Museum of Contemporary Art in Los Angeles and Tokyo School of Music.

It truly makes sense that this respected artist has just been awarded winning the industry world’s top honour. He proved best as master in combining East and West, Modern and Postmodern styles. Even more: he is master of his soul from destruction to creation. I dare to name him as the Emperor of Japanese Architecture.

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PROJECTS

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IBERSON MAI

Proyecto en venta en la mejor zona de La Moraleja, Madrid.

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Julien Fournie HION + FAS

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Julien Fournié y su primera plenitud Lanzarote y sus veladas interminables se convierten en la inspiración perfecta para una mujer que busca encontrar respirar y encontrar su yo interior.

Encontrar el bienestar interior, respirar a sus anchas y encontrar nuevos motivos de inspiración.

Estas son las poderosas razones que llevaron a Julien Fournié a disfrutar de unas idílicas vacaciones en la isla de Lanzarote. ¿Son las mismas que empujan a la mujer a elegir los elegantes diseños pensados por el creador francés?

Poco podría imaginar la isla de Lanzarote que uno de sus huéspedes más ilustres durante las pasadas vacaciones estivales la elegiría musa perfecta para dar forma a una colección plagada de creaciones exclusivas en las que todos y cada uno de los diseños están llamados a envolver las curvas femeninas con una sensualidad desbordante y desmedida.

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Para la próxima temporada primavera-verano, Julien Fournié esculpe una mujer elegante que encuentra en las tonalidades propias de las cálidas islas Canarias la paleta más sensual para convertirse en epicentro de todas las miradas.

Así, el modisto de alta costura no duda en elegir el color de la lava, de la arena tostada y el verde de la vegetación isleña para convertir cada una de las combinaciones en piezas exclusivas llenas de distinción. Y en medio de esta paleta llena de sobriedad desmedida, azules, verdes, morados y grises que se alzan como alternativas perfectas llamadas a deslumbrar en cualquiera de las terrazas de moda de los meses venideros. +info: neomaniamagazine.com

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Julien Fournie HION + FAS

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Julien Fournié in the first prime of life Lanzarote and its endless soirees become the perfect inspiration for women who search to breathe and find their inner selves.

Find inner harmony, breathe freely and find new reasons for inspiration. These are the powerful reasons that led Julien Fournié to enjoy idyllic vacations on the island of Lanzarote. Are they the same that push women to choose the elegant designs imagined by the French creator?

Little did the island of Lanzarote imagine that one of its most distinguished guests during the last summer holidays would choose it as his perfect muse.

Julien Fournié thus gives shape to a collection full of exclusive creations in which every single design is called on to wrap female curves with an overflowing and excessive sensuality.

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For next spring-summer, Julien FourniĂŠ sculpts elegant women who find in the tonalities characteristic of the warm Canary Islands the most sensual palette to become the centre of attention. The haute couture designer does not hesitate to choose the colour of lava, the toasted sand and the green of the indigenous vegetation to turn each combination into an exclusive piece full of distinction. And in the midst of this palette full of excessive sobriety, blues, greens, purples, and greys stand as perfect alternatives called on to dazzle on every trendy terrace during the coming months. +info: neomaniamagazine.com + 122

IBER ON MAIS

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UN JAPONES EN PARIS Seis museos dedican exposiciones a Foujita.

Trabajó con sus amigos artistas, Modigliani, Kisling, Pascin y Van Dongen en el Paris mas bohemio. Su arte exquisito es una simbiosis entre dos culturas: la japonesa y la europea.

El aniversario de su muerte, se celebra con exposiciones en museos de París, Reims, Tokio, Osaka y Kioto.

Comienzan con una gran exposición en el Musée Maillol de Paris, centrada en su período mas prolífico (1913-1930) cuando vivió en Montparnasse.

Tsuguharu Foujita fue uno de los artistas de mas éxito en la década de 1920 y se le clasifica dentro de la Ecole de Paris. Este término se refiere a un grupo de artistas "inmigrantes" o extranjeros que vivieron y trabajaron en Paris durante la primera mitad del siglo XX.

La Escuela de Paris no fue solo un movimiento artístico, sino que se refiere a Paris como centro de actividad artística. Entre 1900 y 1940, la ciudad atrajo a artistas de todo el mundo. Describe a una comunidad flexible de creadores, en su mayoría no franceses, que se mezclaban en cafés y salones. Eran un grupo de amigos bohemios que vivían noches intensas, compartiendo modelos, amantes, lugares de trabajo y galerías en el distrito parisino de Montparnasse.

Antes de la Primera Guerra Mundial, estos artistas estaban involucrados en el fermento de nuevos movimientos artísticos: Posimpresionismo, Puntillismo, Orfismo, Fauvismo, Cubismo... Ocurrió en el barrio de Montmartre, pero la guerra dispersó a casi todos y en la década de 1920 Montparnasse se convirtió en el nuevo centro de vanguardia.

A T I J U FO

T REPOR AN U + ART J ÍA DE © MAR

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Foujita, hijo de un general del Ejército Imperial Japonés, fue educado en una familia abierta a la cultura occidental. Desde niño recibió clases de arte y francés. Después de estudiar Arte Europeo en la Escuela de Bellas Artes de Tokio, viajó a Paris. En cuanto llegó, supo inmediatamente que se quedaría allí. El día después de su llegada, fue invitado a conocer a Picasso en su estudio. Pablo se sintió intrigado por su distinguido y elegante aspecto. Foujita se sintió electrificado por las pinturas del artista español y su colección de cuadros del naif Henri Rousseau.

Demasiado viejo para inscribirse en la Escuela de Bellas Artes, se hizo copista en el Museo del Louvre. Allí, se sintió fascinado por la arqueología y su estilizada belleza.

Foujita se dio cuenta de que necesitaba adaptar su visión, en oposición o en conciliación con el arte occidental. Eligió una especie de hibridación, un camino que ningún otro artista japonés se había atrevido a tomar antes. Su estilo absolutamente único fascinó al público y a la crítica.

Su primera exposición individual cerca de los Campos Elíseos, fue un triunfo total. Todas sus 110 acuarelas, fueron vendidas en una noche. Picasso compró tantas como pudo.

Su galerista, Chéron, que también representaba a

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Modigliani y a Soutine, le pidió que pintara dos acuarelas al día. Foujita tenía dos secretos. Una era Fernande Barrey, una joven prostituta y modelo que solía posar para Modigliani. Se casó con ella 13 días después de conocerse en el Café de la Rotonde. El segundo era un pincel finísimo, tintas en blanco y negro y un esmalte blanco, su receta secreta durante años. Fabricado con aceite de linaza, tiza triturada y silicato de magnesio, era desconocido en el oeste y le dió a sus pinturas una iridiscencia hipnótica que fascinaba a los espectadores. Su trabajo contrastaba enormemente con las pinturas de Matisse y Braque, que usaban pinceles grandes y colores brillantes y gruesos. Foujita, como su ilustre predecesor japonés, Hokusai, tenía un increíble habilidad para el dibujo fino.

Otros artistas pertenecientes a la Escuela de Paris experimentaron con varios estilos artísticos, incluyendo Cubismo, Orfismo, Surrealismo y Dadá. Entre estos artistas extranjeros se encontraban el español Joan Miró, los rusos Chagall, Jacques Lipchitz, el príncipe Alexis Arapoff, el alemán Jean Arp, el polaco Marek Szwarc ... Muchos de ellos eran judíos por lo que no podían exponer y las publicaciones de arte dejaron de mencionarles. En cambio, Foujita, exhibía y vendía su obra por todo el mundo.

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Entre todos estos “emigrantes”, Foujita are el único asiático y uno de los más prestigiosos. Pronto fue adorado por críticos y amantes del arte que pagaban una fortuna por sus dibujos, acuarelas y pinturas al óleo. Se convirtió en la estrella del arte mas brillante de París, tuvo incluso mas éxito que Picasso y Matisse.

A Foujita le encantaba dibujar gatos y mujeres desnudas. Kiki de Montparnasse posó para él y también su nuevo amor, Lucie, de 20 años.

Su piel era tan blanca que la apodó Youki, "nieve" en japonés. En su cumpleaños, el artista le regaló un coche descapotable rematado con una escultura de bronce de Auguste Rodin. Disfrutó de una vida extravagante, tenía un aspecto exótico perfecto, se fotografiaba y filmaba dibujando.

Inconscientemente, construyó su marca de dandy. En sus autorretratos parece inescrutable pero... ¿qué pensaba realmente del avatar que creó?

Youki se convirtió en la amante de su mejor amigo, el poeta francés Robert Desnos. Debido a sus deudas de impuestos franceses, Foujita escapó de París a Sudamérica con otra joven modelo llamada Madeleine.

En la Segunda Guerra Mundial, regresó a su país, convirtiéndose en pintor oficial del Ejército Imperial Japonés, protegido por el General MacArthur y los

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ricos coleccionistas de arte estadounidenses.

En 1950 se le permitió regresar discretamente a Paris, acompañado por Kimiyo, su quinta esposa japonesa. La pareja se instaló en Montparnasse y llevó una vida tranquila.

Foujita obtuvo la nacionalidad francesa y se convirtió al catolicismo. Escogió el nombre de Leonard, como un homenaje a su admirado Leonardo Da Vinci. En 1968 Foujita fue enterrado casi como un rey francés.

Cincuenta años después de su muerte, más de seis museos en Francia y Japón, destacan la obra luminosa y única del pintor más oriental de Montparnasse.

Sin duda merece las celebraciones de este homenaje francojaponés.

Principales museos con exposiciones de Foujita: Musée Maillol, París Maison de la Culture du Japon, París Museo Nacional de Arte Moderno de Tokio

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A JAPANESE IN PARIS Six museums devote exhibitions to Foujita. He worked with his artists friends, Modigliani, Kisling, Pascin and Van Dongen in the Roaring Twenties. His exquisite art is a symbiosis between two cultures: Japanese and European.

The anniversary of his death, is celebrated with museum shows in Paris, Reims, Tokyo, Osaka and Kyoto. They start with a major exhibition at Musée Maillol in Paris focusing on his most prolific period, between 1913 and 1930, the time he lived in Montparnasse.

Tsuguharu Foujita was one of the most successful artists of the 1920s, is considered as a member of the Ecole de Paris. This term refers to a group of French and “émigré” or foreign artists who lived and worked in Paris in the first half of the 20th century.

The School of Paris was not a single art movement or institution, but refers to Paris as center of artistic activity.

Between 1900 and 1940 the city drew artists from all over the world. It describes a loose community, of mainly non-French artists, mingling in cafes and salons. They were a friendly bohemian crowd, living intense nights, sharing models, lovers, studios and galleries in the Parisian district of Montparnasse.

Before World War I the name applied to artists involved in the artistic ferment of new art movements: PostImpressionism, Pointillism, Orphism, Fauvism, Cubism...

It took place in Montmartre but the war scattered almost everyone and by the 1920s Montparnasse become the new center of the avantgarde.

A T I J U FO

T REPOR AN U + ART J ÍA DE © MAR

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Foujita, the son of a general in the Imperial Japanese Army, was brought up in a family open to western culture. From an early age, he received art and French lessons. After studying Western Art at Tokyo’s Fine Arts School, he travelled to Paris. The moment he arrived, he knew immediately that he would stay. The day after his arrival, he was invited to meet Picasso at his studio. Pablo felt intrigued by his distinctive elegant look and Foujita felt electrified by the Spanish artist’s paintings and his collection of naif pictures by Henri Rousseau.

Too old to enrol in the Beaux-Arts School, he became a copyist at the Musée du Louvre. There, he felt transfixed by antiquities and their stylised beauty.

Foujita realised that he needed to adapt his vision, either in opposition to, or in conciliation with western art. He chose hybridisation, a path that no other Japanese artist had dared to take before. His absolutely unique style fascinated both public and critics.

His first solo exhibition near Champs-Élysées, was a triumph. All his 110 watercolours, were sold instantly. Picasso bought as many as he could afford. His gallerist, Chéron, who also represented Modigliani and Soutine, asked him to paint two watercolours a day.

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Foujita had two secrets.

One was Fernande Barrey, a young prostitute and model and used to pose for Modigliani. He married her 13 days after they meet at CafĂŠ de la Rotonde. The second was a thin brush, black and white paints, and a white glaze, his secret recipe for years. Made of mixed flaxseed oil, crushed chalk and magnesium silicate, it was unheard of in the west and gave his paintings a hypnotic, milky iridescence that fascinated viewers.

His work stood in marked contrast to paintings by Matisse and Braque, who used large brushes and thick bright colours. Foujita, like his illustrious Japanese predecessor, Hokusai, loved fine drawing with great skill.

Other artists that belong to the School of Paris experimented with various artistic styles including Cubism, Orphism, Surrealism and Dada. Foreign artists of the School of Paris included Spanish Joan MirĂł, Russians Chagall, Jacques Lipchitz, prince Alexis Arapoff, German Jean Arp, Polish Marek Szwarc... Many of them were Jewish and could not exhibit and art publications stoped writting about them. Foujita was being exhibited and sold worldwide.

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Among all these “émigrés”, Foujita was the only asiatic and one of the most succesful. He was soon worshipped by critics and art lovers who paid a fortune for his drawings, watercolours and oil paintings. He was the shining art star in Paris, even more successful than Picasso and Matisse.

Foujita loved drawing cats and naked women. Kiki de Montparnasse posed for him and so did his new love, Lucie, barely 20 years old.

Her skin was so white that he nicknamed her Youki, “snow” in Japanese. At her birthday, the artist presented to her a convertible car with a small bronze sculpture on top by Auguste Rodin. He enjoyed an extravagant life. Foujita had a perfect exotic look: short bowl haircut and small round glasses. His celebrity status landed him in gossip columns and fashion magazines. He photographed and filmed himself as he worked. A great painter, he was also, unconsciously perhaps, building a brand.

Increasingly, the artist became overshadowed by his dandy personality. In selfportraits, he always appears composed and inscrutable... but what did he really think of the avatar he created?

Youki became the mistress of his best friend, the French poet Robert Desnos. Due to his debts of French taxes, Foujita escaped from Paris to South America with another young model called Madeleine.

In the Second World War, he returned to Japan, becoming an official painter for the Imperial Army and protected

by General MacArthur and rich American art collectors. In 1950 he was allowed to return discreetly to Paris, accompanied by Kimiyo, his Japanese fifth wife. The couple settled in Montparnasse and led a quiet life. Foujita obtained French nationality and converted to Catholicism. He choose the name Leonard, as a tribute to his much admired Leonardo Da Vinci. In 1968 Foujita was buried almost like a French king.

Fifty years after his death, more than six museums in France and Japan, highlight the luminous and unique work of the most oriental painter in Montparnasse.

He certainly deserves the celebrations of this FrenchJapanese homage.

Main museums with Foujita exhibitions: Musée Maillol, Paris Maison de la Culture du Japon, Paris Tokyo National Museum of Modern Art.

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Schiaparelli HION + FAS

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Schiaparelli y sus constelaciones de color Schiaparelli invita a la mujer a sumergirse en un universo de color, fantasía y diversión en el que disfrutar de la vida sin miedos ni tabúes.

Para la próxima temporada primavera-verano 2019, Bertrand Guyo, diseñador francés que hoy lleva las riendas de Schiaparelli, consigue recrear una auténtica fábrica de sueños en la que la mujer consiga todo lo necesario para volar muy lejos del mundanal ruido, para desplazarse a lugares recónditos que poco o nada tienen que ver con el asfalto aburrido al que está acostumbrada y por el que pasea cada día. Y es que el maestro de la alta costura de origen francés ha sabido impregnarse como nadie del espíritu de Elsa Schiaparelli, quien, allá por 1927, abría las puertas de la mítica casa de moda con su nombre.

Mujer culta y supersticiosa desde la infancia, se movía como pez en el agua entre artistas surrealistas de la talla del mismísimo Salvador Dalí, quien inspiró algún que otro estampado ideado por la virtuosa de la moda.

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Años después del nacimiento de la maison, Guyo vuelve a hacer uso de los signos del zodíaco, las estrellas y otros astros, que se convierten en protagonistas indiscutibles de la colección y de las veladas más atrevidas y divertidas, para unos meses en los que la mujer se mostrará más que decidida a arrasar allá por donde pise. Una mujer que, no obstante, se presenta mucho más rockera y que se deja envolver por estrellas bordadas y lentejuelas que la transformarán en la verdadera reina de la pista.

Schiaparelli busca a una mujer sensual, sin miedos ocultos; una mujer capaz de dejarse envolver por las creaciones más locas y desenfadadas con el único objetivo de disfrutar de la vida. Una vida en la que las curvas femeninas se dejan seducir por pantalones cortos que cincelan una silueta escultural en la que el volumen de las caderas se envuelve de un erotismo desmedido; una existencia que camina de la mano de faldas trapecio con mucho volumen sobre tutús en ingenuas tonalidades rosadas, las favoritas de Schiaparelli. +info: neomaniamagazine.com

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Schiaparelli HION + FAS

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Schiaparelli and its coloured constellations Schiaparelli invites women to immerse themselves in a universe of colour, fantasy, and fun to enjoy life free from fear or taboos.

For next spring-summer 2019, Bertrand Guyo, the French designer who currently holds the reins of Schiaparelli, is able to recreate a real factory of dreams in which women obtain whatever it takes to fly far away from the worldly noise, to go to unexplored places that have little or nothing to do with the boring asphalt she is used to, where she walks every day. It is a fact that the French haute couture master has known how to impregnate himself like no one else with the spirit of Elsa Schiaparelli, who, back in 1927, opened the doors of the legendary fashion house that carries her name. An educated and superstitious woman since her childhood, she was in her element among outstanding surrealist artists like Salvador DalĂ­, who inspired some of the patterns created by the virtuoso of fashion.

+ FASHION

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Some years after the fashion house's birth, Guyo once again uses the signs of the zodiac, stars, and other celestial bodies, which become the undisputed protagonists of the collection and of the most daring and entertaining soirees.

Especially given that, in the coming months, women will be determined more than ever to triumph wherever they go. These women will appear with a style that’s more rock n’ roll, letting themselves be surrounded by embroidered stars and sequins that will transform them into real queens of the dance floor.

Schiaparelli searches sensual women free from hidden fears, women capable of letting themselves be wrapped in the craziest, most casual creations with the sole purpose of enjoying life.

In this reality, feminine curves are seduced by shorts that carve a sculptural silhouette where their hips' volume is wrapped in an excessive eroticism; this existence goes hand in hand with trapezoid skirts full of volume on top of naive pink tutus: Schiaparelli favourites. +info: neomaniamagazine.com

IBER ON MAIS

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Un innovador concepto de hogar ha sido presentado en el Salón Náutico de Fort Lauderdale por los arquitectos Koen Olthuis y Arkup. El primer prototipo se construyó en el río de Miami en 2018. Seguramente vamos a ser testigos de una revolución en la historia de la arquitectura de viviendas.

El sur de la Florida, especialmente Miami y los Cayos, fue una de las regiones devastadas por el Huracán Irma a principios de septiembre del año pasado. La tormenta de categoría 4 atacó con vientos de hasta 70 mph, destruyendo cientos de casas e interrumpiendo la energía eléctrica para 5.8 millones de hogares y negocios en Florida. Un nuevo tipo de hogar alimentado con energía solar, podría soportar futuras tormentas y el aumento del nivel del mar.

S A CASTANTES FLOMIAMI EN

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POR RE RE U T C E HIT + ARC JUAN ÍA DE R A M ©

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Creado por el arquitecto Koen Olthuis y una empresa de viviendas llamada Arkup, el nuevo diseño causó un gran impacto en el Salón Náutico Internacional de Fort Lauderdale en 2018.

Las casas flotantes están completamente alimentadas por paneles solares en el techo. Incluyen sistemas que recolectan y purifican el agua de lluvia para que los residentes la utilicen para sus necesidades en el baño y la cocina. El diseño de cada casa puede ser personalizado.

Estas casas móviles podrían soportar vientos de hasta 156 mph, clasificados como un huracán de categoría 4. Están diseñadas para flotar sobre el agua de modo que cuando los niveles del mar aumentan durante una tormenta, la construcción se balancea con el agua.

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Las casas de lujo, que Olthuis y Arkup llaman "yates habitables", contarán con sistemas hidráulicos de elevación para anclarlos y estabilizarlos durante tormentas y huracanes. Están diseñados para elevarse 40 pies sobre el océano para evitar inundaciones.

El equipo calcula que cada hogar costará entre 2 y 3 millones de dolares. Olthuis es conocido por diseñar casas sobre el agua. Su innovadora firma de arquitectura, Waterstudio, se ha concentrado desde hace más de una década, en diseñar exclusivamente edificios flotantes. En 2006, Waterstudio creó y construyó una casa similar frente a la costa de De Hoef, en los Países Bajos. A diferencia del concepto de yate habitable y otros tipos de casas flotantes, en este caso, su propietario no puede moverlo de lugar.

Waterstudio también diseñó una villa flotante, un hotel flotante en Dubai y una torre flotante que protege la vida silvestre en el Lago Dianchi, cerca de Kunming, China, todo finalizado en 2018.

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Koen Olthuis es un joven arquitecto holandés nacido en 1971. Estudió Arquitectura y Diseño Industrial en la Universidad Tecnológica de Delft. Es el fundador de la firma de arquitectura holandesa Waterstudio, que se especializa en estructuras flotantes para resolver los problemas de inundaciones y el aumento del nivel del mar. La empresa tiene su base en Rijswijk, Países Bajos.

En 2005 Olthius, junto con Paul Van de Camp, fundó otra compañía enfocada en la creación de estructuras flotantes. En 2010, junto con David Keuning, Olthuis fue co-autor de un innovador libro llamado "¡Flotando!: Construir sobre el agua para combatir la congestión urbana y el cambio climático" (Frame Publishers, 2010).

Olthuis es miembro del Floil Resilience Group, UNESCO. Este Group basado en Delft, trabaja para gestionar soluciones a los problemas del agua en las ciudades. Asociándose con organizaciones privadas y públicas, el Grupo adopta un enfoque disciplinario para mejorar la resistencia de las ciudades a fenómenos meteorológicos extremos.

Se ocupan de organizar la planificación, el diseño y las leyes del sistema de agua urbano.

Koen Olthuis tiene ocho derechos de patente sobre los distintos métodos que ha inventado para producir bases flotantes. El joven arquitecto, inventor y escritor apareció en la revista TIME, en el artículo “Are they worthy?”. En 2007, Koen Olthuis fue clasificado como el número 122 en la encuesta de los lectores de TIME Magazine como una de "las personas más influyentes del año", con una calificación de 45 de 100 puntos posibles.

Reapareció en el mismo ranking en noviembre de 2011.

Los yates habitables y las casas flotantes son el futuro de la arquitectura de viviendas, especialmente ahora que nos enfrentamos al cambio climático. Podemos suponer que vamos a ser testigos de nuevas urbanizaciones flotantes en los próximos 5 a 10 años.

Esto sucederá probablemente en Miami, Nueva York y Tokio.

Las ciudades comenzarán a ver el agua como un activo para la arquitectura del futuro.

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A innovating form of home has been presented at Fort Lauderdale Boat Show by architects Koen Olthuis and Arkup. The first prototype has been built on Miami River in 2018 and is expected to make a revolution in housing history.

South Florida, especially Miami and the Keys, was one of several regions that Hurricane Irma pummeled in early September last year. The Category 4 storm brought winds of up to 70 mph, destroying hundreds of houses and knocking out electric power for 5.8 million homes and businesses in Florida. A new type of solar-powered home could withstand future storms and rising sea levels.

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POR RE RE U T C E HIT + ARC JUAN �A DE R A M Š

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+ ARCHITECTURE

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Created by the architect Koen Olthuis and a housing startup called Arkup, the new design caused great impact at Fort Lauderdale International Boat Show in 2018.

Floating houses are completely powered by roof solar panels and have systems to collect and purify rainwater. They include systems that collect and purify rainwater for residents to use for their bathing, kitchen and plumbing needs. Each home's layout can be customized.

These moveable homes would be able to withstand winds of up to 156 mph, classified as a Category 4 hurricane. They are designed to be buoyed so that when water levels rise during a storm, they will bob with the water.

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The luxury homes, which Olthuis and Arkup call "livable yachts," will feature hydraulic jack-up systems to anchor and stabilise them during storms and hurricanes. They are designed to lift 40 feet above the ocean to prevent flooding.

The team expects each home to cost $2 million to $3 million.

Olthuis is known for designing homes on water. His innovating architecture firm, Waterstudio, has concentrated exclusively in floating buildings for over a decade. In 2006, they created and built a similar house off the coast of De Hoef, in the Netherlands. Unlike with the livable yacht concept and other kinds of houseboats, its owner can't drive it away. Waterstudio also designed a floating villa, a floating hotel in Dubai and a floating wildlife habitat tower in Dianchi Lake, near Kunming, China, all completed in 2018.

+ ARCHITECTURE

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Koen Olthuis is a young Dutch architect born in 1971.

He studied Architecture and Industrial Design at Delft University of Technology.

He is founder of the Dutch architectural firm, Waterstudio which specialises in floating structures to counter concerns of floods and rising sea levels.

The firm is currently based in Rijswijk, The Netherlands.

In 2005, together with Paul Van de Camp, Olthuis cofounded another company that focuses in developing floating structures. In 2010, together with David Keuning, Olthuis is the author of an innovating book called “Float!: Building on Water to Combat Urban Congestion and Climate Change” (Frame Publishers, 2010).

Olthuis is currently a member of the Flood Resilience Group UNESCO-IHE. The Group in Delft, focuses on establishing resilient urban water management. Often partnering with both private and public organisations, this Group takes a trans-disciplinary approach to enhance te resistance of cities to extreme weather events by incorporating urban water system planning, design and governance.

Koen Olthuis owns eight patent rights on the method for producing floating bases. The young architect, inventor and book writer was protagonist in TIME Magazine in the article “Are they worthy?”. In 2007, Olthuis was ranked as number 122 in TIME readers' poll as "the most influential people of the year", with a rating of 45 out of 100 possible points. He reappeared in the same ranking on November 2011.

Livable yachts and other floating homes are the future of housing, especially in the face of climate change. We can guess to see more floating neighbourhoods in the next 5 to 10 years. They will probably happen in Miami, New York and Tokyo. Cities will start to see the water as an asset for the architecture of the future.

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Zuhair Murad HION + FAS

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REPOR

Zuhair Murad nos invita a su particular mundo acuático Déjate envolver por un océano de elegancia y sofisticación donde convertirte en una seductora sirena.

Zuhair Murad no ha defraudado: lo ha vuelto a hacer, de manera más magistral —si cabe— a la que nos tiene acostumbrados.

Una vez más, no quiere dejar a nadie indiferente y vuelve a hacer uso de su romanticismo y sensualidad más puros convirtiendo a la mujer en epicentro de todas las miradas durante la próxima temporada de primavera-verano. Para conseguirlo, el diseñador libanés ha dado forma a un océano más que particular donde las curvas femeninas nadan por doquier, situándolas en las dueñas indiscutibles de las veladas más arrebatadoras y sensuales.

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La mujer soñada por Zuhair Murad para los próximos meses estivales encuentra en el fondo del mar ese hábitat perfecto en el que sentirse cómoda y navegar cual ninfa envuelta en la feminidad más espectacular y desbordante. Una mujer sumamente erótica, excesiva y recargada que no quiere pasar desapercibida y que, como si de una mítica sirena se tratase, emplea todas sus armas para atraer hacía sí a los marineros más inocentes. +info: neomaniamagazine.com

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Zuhair Murad HION + FAS

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REPOR

Zuhair Murad invites us to his particular aquatic world Let yourself be wrapped in an ocean of elegance and sophistication where you can become a seductive mermaid.

Zuhair Murad has not disappointed: he has done it again, in an even more masterful way —if possible— than what we are used to. Once again, he does not want to leave anyone indifferent and uses his purest romanticism and sensuality, turning women into the centre of attention during the upcoming spring-summer season.

Thus, the Lebanese designer has given shape to the most particular ocean where feminine curves swim all around, positioning them to rule the most captivating and sensual soirees.

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The women dreamed

by Zuhair Murad for the coming summer months find on the sea bed the perfect habitat to feel comfortable and to sail like a nymph wrapped in the most spectacular and overflowing femininity. Extremely erotic, excessive, and overly elaborate women who don't want to go unnoticed, using, as mythical mermaids, all their weapons to attract the most innocent sailors. +info: neomaniamagazine.com

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Casamilano

IBER ON MAIS

MARBELLA MADRID IBIZA IBERMAISON.COM

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Este movimiento pictórico fue una revolución artística en la Inglaterra Victoriana.

Sus jovencísimos miembros, todos en torno a los 20 años, innovaron pintando cuadros de gran sensualidad con temas basados en la Edad Media y la literatura romántica.

Los principales artistas fueron Dante Gabriel Rossetti, William Holman Hunt y Everett Millais. En contra del amaneramiento académico, se sentían atraídos por el Arte Medieval y especialmente por los primitivos Renacentistas italianos, que consideraban modelo de pureza y libertad.

Pretendían desafiar la moralidad victoriana y estaban en contra de la industrialización. Tenían la convicción de poder crear una nueva filosofía renovando el arte con poesía y espiritualidad.

Dotados de gran naturalismo y una minuciosa perfección

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técnica, sus cuadros están habitados por delicadas doncellas, caballeros con armaduras y eróticas sirenas.

Su temática alegórica, basada en historia y literatura, rompió con el realismo imperante. Su lenguaje pictórico es de una extraordinaria riqueza ornamental y cromática.

Introducen vestuarios y decorados casi teatrales para narrar escenas épicas situadas en ambientes llenos de misterio. Años mas tarde, la esencia de su legado artístico, fue una enorme influencia para otro movimiento de espiritualidad enigmática: el Simbolismo francés con artistas como Odilon Redon, Gustave Moreau y Puvis de Chavannes (1885-1919). También recibió su influencia el simbolista suizo Arnold Bocklinm, gran pintor de sirenas, quien seguramente conoció la enigmática “Mermaid”, obra de John William Waterhouse.

A F A R R E PR

O M S I L E

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T REPOR AN U + ART J ÍA DE R A M ©

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Ambos movimientos, introducen temas mitológicos y literarios, pintando personajes imaginarios, como inspirados por sueños. Estas creaciones de extraños mundos de fantasía, serán reinventadas por los Surrealistas del Siglo XX, que se adentrarán en mas profundidad en una inmersión hacia mundos oníricos.

Estaban en contra de la industrialización, creían poder desafiar el moralismo victoriano y que la vida moderna podía ser renovada por la libertad artística, la poesía y la espiritualidad. Los prerrafaelitas establecieron sus principios: 1. Expresar sus propias ideas con temas nuevos.

2. Estudiar la naturaleza y pintar al aire libre con minucioso detallismo.

3. Rechazar el arte académico tradicional volviendo al luminoso colorido anterior a Rafael.

Durante una visita a la Royal Academy de Londres en 1848, el jovencísimo artista y poeta Dante Gabriel Rossetti fue profundamente impresionado por una pintura de William Holman Hunt. Su tema medieval, una poesía de John Keats, era una rareza. Ambos se hicieron íntimos amigos y junto con John Everett Millais, crearon un grupo decidido a reformar la corriente artística de la Inglaterra victoriana: La Hermandad Prerrafaelita (PRB) cuyo nombre alude a los gremios de artesanos en

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la Edad Media. Los jóvenes apreciaban la simplicidad de líneas y los colores brillantes de los primeros pintores del Renacimiento Italiano, antes de Rafael, así como en el Arte Flamenco del siglo XV. Estaban en contra de la Royal Academy, que promulgaba los claroscuros de la pintura antigua. Los jóvenes pintores salieron a la naturaleza y desarrollaron la técnica sobre una base blanca que producía colores mas brillantes. Fueron los primeros en pintar sus lienzos al aire libre, en un esfuerzo por capturar los minuciosos detalles de cada hoja y brizna de hierba como lo harán, años mas tarde, los Impresionistas franceses.

En numerologia, siete representa a Dios, el misticismo y la sabiduría.

Por eso decidieron que era el número apropiado para su grupo. El líder fue Dante Gabriel Rossetti, inglés de origen italiano, con gran carisma, erudito en nociones artísticas y lleno de ideas pictóricas y literarias. La selección de miembros aún desconcierta a los historiadores del arte.

James Collinson, un pintor, estaba comprometido con la hermana de Rossetti.

Thomas Woolner, era escultor más que un pintor.

William Michael Rossetti y Frederic George Stephens se convirtieron en críticos de arte, pero no eran verdaderos artistas. Sin embargo, Walter Howell Deverell y Charles Collins abrazaron sus ideales aunque nunca fueron miembros.

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Los Prerrafaelitas decidieron hacer su debut público enviando varias pinturas anónimas, todas con sus iniciales "PRB", a la exposición de la Royal Academy en 1849.

Inmediatamente provocaron un escándalo artístico.

A pesar de que la Hermandad duró solo unos pocos años (1848-1890), su impacto fue inmenso y duradero.

Dos movimientos artísticos posteriores, claramente influenciados por su estética, son el Simbolismo y el Surrealismo.

Los vestidos medievales, diseñados con precisión y los colores brillantes produjeron rechazo. La crítica escribió: "Las imágenes imitan iluminaciones medievales de una crónica o un romance".

No se hizo mención de la misteriosa inscripción "PRB", pero muchas personas sabían acerca de la Sociedad supuestamente secreta. El grupo había publicado sus ideas en una revista literaria, “The Seed". Después de su humillante recibimiento, Collinson abandonó y Rossetti decidió nunca más exponer en público.

Afortunadamente, el crítico John Ruskin acudió en su ayuda, admirando su técnica y su original relación con el arte italiano primitivo.

Sus artículos de alabanza ayudaron a catapultar a los jóvenes artistas a un nuevo nivel. Sin embargo, la Hermandad se disolvió lentamente. Hunt decidió visitar la Tierra Santa para pintar cuadros religiosos.

Woolner emigró a Australia.

Millais fue elegido Presidente de la Royal Academy uniéndose al establecimiento de arte contra el que tanto habían luchado. Rossetti se convirtió en mentor de un grupo de artistas más jóvenes como Edward Burne-Jones y William Morris, fundador del movimiento Arts & Crafts.

Las mujeres hermosas y sensuales de Rossetti ayudaron a inaugurar la estética moderna con un nuevo gusto del "arte por el arte". Aunque comenzó con la pintura, el movimiento tuvo gran impacto en las artes modernas, influyendo en la literatura, el diseño y la ilustración. Algunos artistas directamente relacionados con el grupo fueron grandes figuras del Simbolismo, el movimiento Arts & Crafts, el Surrealismo y los pioneros de la Fotografía.

Los prerrafaelitas lograron algo revolucionario para su época. Fueron el primer grupo en pintar al aire libre, valorando una intima unión con la naturaleza. Su concepto de crear un grupo para rebelarse contra el arte establecido, ayudó a allanar el camino para movimientos posteriores como el Impresionismo Francés.

Principales museos con artistas Prerrafaelitas: Tate Gallery, Londres Manchester Art Gallery Birmingham Museum Museo Ponce, Puerto Rico

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This pictorial movement was an artistic revolution in Victorian England. Their very young members, all around the age of 20, innovated by painting pictures of great sensuality with themes based on the Middle Ages and romantic literature.

The main pre Raphaelites were Dante Gabriel Rossetti, William Holman Hunt and Everett Millais. Against the academic affectation, they were attracted by Medieval Art and especially

by Renaissance Italian primitives, whom they considered model of artistic purity. Endowed with great naturalism and meticulous technical perfection, their paintings are inhabited by delicate maidens, knights in armour and erotic mermaids. Their allegorical

topics, based on history and literature, broke with the prevailing realism. They were characterised by a pictorial language of extraordinary ornamental and chromatic richness. They introduced costumes and rather theatrical sets to narrate epic scenes set in environments full of mystery.

Years later, the essence of their artistic legacy would be an enormous influence for another movement of enigmatic spirituality: the French Symbolism with artists such as Odilon Redon, Gustave Moreau and Puvis de Chavannes.

Their influence also reached the Swiss, Arnold Bocklim, the great painter of sirens, who probably knew the enigmatic”Mermaid" by John William Waterhouse.

E E T R I P PHAEL D O O A H R R E H T O BR T REPOR AN T R A + JU ÍA DE © MAR

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Both movements introduced mythological and literary themes, depicting imaginary characters, as if inspired from dreams. These creations of strange fantasy worlds will be reinvented by twentieth century Surrealists, who will deeply delve into an immersion in dream worlds.

They were against industrialisation, believed in challenging Victorian moralism and that modern life could be renewed by artistic freedom, poetry and spiritualism. The preraphaelits established their principles: 1. To express their own genuine ideas with new topics.

2. To study nature carefully, painting outdoors with meticulous details.

3. To reject traditional academic art, going back to the luminous colours before Raphael.

During a visit to London Royal Academy exhibition of 1848, the very young artist and poet Dante Gabriel Rossetti was deeply impressed by a painting by William Holman Hunt. Its medieval subject, from the poetry of John Keats, was a rarity at the time. Rossetti searched for Hunt and they immediately became friends with John Everett Millais. The trio formed a group determined to reform the artistic establishment of Victorian England. The name “Pre Raphaelite Brotherhood” (PRB) hints at Middle Ages arts & craft guilds.

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The young artists appreciated the simplicity of line and brilliant colours found in the early Italian painters before Raphael, as well as in XV century Flemish Art. These were not qualities favoured at the Royal Academy, which stressed strong light and dark shading of the Old Masters. The PRB painters went out to nature, paying extreme attention to detail and the development of wet white ground technique that produced the most brilliant colours.

The artists became the first to complete their canvases outdoors in an effort to capture the minute detail of every leaf and blade of grass as the French Impressionists will do years later.

In numerology, seven is the number of God, mysticism and wisdom. So they decided that this was the appropriate number for a rebellious group. The leader was Dante Gabriel Rossetti, British of Italian origin. He had charisma, abundance of pictorial and literary ideas and was full of artistic notions. The selection of additional members has long mystified art historians.

James Collinson, a painter, was engaged with Rossetti’s sister. Thomas Woolner, was a sculptor rather than a painter. William Michael Rossetti and Frederic George Stephens, became art critics, but were not real artists. However, Walter Howell Deverell and Charles Collins embraced their ideals although they were never members.

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The Pre Raphaelites decided to make their public debut by sending a group of anonimous paintings, all bearing the initials “PRB”, to the Royal Academy exhibition in 1849. They immediately made an artistic scandal.

The accurately designed medieval costumes and bright colours produced criticism. Critics wrote “Pictures mimicked mediaeval illuminations of a chronicle or a romance”.

No mention was made of the mysterious “PRB” inscription but many people knew about the supposedly secret society. The group had published their ideas in a literary magazine, “The Germ”. After their humiliating reception at the Royal Academy, Collinson resigned and Rossetti decided never again to exhibit in public.

Fortunately, the critic John Ruskin came to their rescue, admiring their technique and original relationship to early Italian art. Ruskin’s praise articles helped catapult the young artists to a new level. The Brotherhood, however, dissolved slowly.

Hunt decided to visit the Holy Land to paint religious pictures. Woolner emigrated to Australia. Millais was elected President of the Royal Academy, joining the art establishment they had fought hard to change.

Rossetti became a mentor to a group of younger artists like Edward Burne-Jones and William Morris, founder of the Arts & Crafts movement.

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Despite the fact that the Brotherhood lasted only a few short years (18481890), its lasting impact was immense. Two later art movements which are clearly influenced by their aesthetics, are Symbolism and Surrealism.

Rossetti’s paintings of lustful beautiful women also helped inaugurate modern aesthetics with a new taste for “art for art’s sake”. The extreme attention to detail, the brilliant colours and the literary subjects sets their works totally apart. Although it began with painting, this movement had a significant impact on modern arts, influencing literature, design and illustration. Some artists directly connected to the group were major figures in Symbolism, the Arts & Crafts movement, early fine art Photography and Surrealism.

In their own time, the Pre Raphaelite Brotherhood accomplished something revolutionary. They were one of the first groups to paint outdoors, valuing their truth to nature. Their concept of banding together as a rebellion against the art establishment helped to pave the way for later groups such as French Impressionism.

Main museums with Pre Raphaelite art: Tate Gallery, London Manchester Art Gallery Birmingham Museum Museo Ponce, Puerto Rico

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