Arte - Nigromante octubre 2021 by Nigromante. Revista de la DCSyH, Facultad de Ingeniería, UNAM.

Octubre 2021

ARTE

DIRECTORIO Universidad Nacional Autónoma de México Rector Dr. Enrique Graue Wiechers

Secretario General Dr. Leonardo Lomelí Vanegas

Facultad de Ingeniería Director Dr. Carlos Agustín Escalante Sandoval Secretario General M. I. Gerardo Ruiz Solorio

Jefa de la División de Ciencias Sociales y Humanidades Ing. Carolina Garrido Morelos

Nigromante Fundador Lic. José René Gómez Rodríguez Jefes Editoriales Luis Alberto Santoyo Cruz María Fernanda Carrisoza Zamora Coordinador Jennifer Sharon Álvarez Candelario Edición y Corrección de textos Jimena Velázquez Cárdenas Aylin Citlali Bernal Velázquez Víctor Hugo Águila Miranda Laura Andrade Navarrete Diseño y arte creativo Ricardo Pavel Elvira Calderón Vincent Ramírez López Frida Arias Villanueva

Linda Karina Cordero Gordillo Ana Graciela Sánchez Palacios Montse Arroyo Lumbreras Colaboradores Samantha Lizeth Castrejón Chávez Arturo Valtierra Aguilar Andrés Alejandro Padilla Barrera Eduardo Barbosa Gómez Karen Arauco Ballesteros José Miguel Hernández Acosta Martín Cruz Sosa Ulises Abraham Martínez López Natividad Sebastián León Alejandro Duarte Solano Violeta Padilla Pineda Dharma Celeste Álvarez Martínez

Las opiniones expresadas en los artículos y colaboraciones son responsabilidad del autor y no necesariamente reflejan la posición oficial de la DCSyH de la Facultad de Ingeniería de la UNAM.

NOTA EDITORIAL

Octubre

El arte no es sólo lo que ves, sino lo que haces a otros ver - Edgar Degas Hablar de Arte es complicado. Es una disciplina multifacética tan antigua como la misma humanidad, por ello, grandes debates existen en torno a la pregunta: ¿Qué es Arte? Más allá de estos debates, este mes nos sumergimos en el mundo del arte sin titubear y te traemos interesantes reflexiones sobre temas variados en distintas áreas de éste mundo.

En portada Edición original por

En esta edición de tu revista Nigromante, compartiremos contigo, querido lector, la magia de las bellas artes, desde la danza, la escultura, la música, la pintura, y la literatura, hasta las más recientes, la arquitectura y por supuesto, el cine. Te hablaremos sobre la historia de la pintura europea, ¿cómo es que se pasó del Renacimiento al Rococó?, sin olvidar tampoco que no sólo los europeos crean arte. Nuestro país, México, fue hogar de grandiosos artistas, de mujeres pintoras como María Izquierdo, Remedios Varo y la famosa Frida Kahlo, tuvimos también a muralistas como Gerardo Murillo, a David Alfaro Siqueiros retratando la lucha revolucionaria del proletariado mexicano, cuyos murales aún prevalecen en ciudad universitaria.

Ana Sánchez El arte es la forma en que percibimos manifestaciones como: la naturaleza, la música, el baile y la pintura. Todas estas expresiones nos dan la posibilidad de sentir emociones, ya sea a través de las creaciones visuales o auditivas. Lo bello del arte es la manera en que cada quien puede percibirla, pues es subjetiva; todo es según la imaginación, los pensamientos y las experiencias que llevamos cada uno en nuestras vidas..

No. 66 2021

Para nuestros lectores con un antojo más científico les traemos un excelente ensayo sobre las metáforas como expresión científica en la obra de Unamuno y Cervantes, ¿será que el quijote ya conocía la tercera ley de Newton?. Si alguna vez yendo a un museo has tenido la tentación de tocar alguna obra, no te preocupes, no eres el único, en esta edición podrás leer un artículo sobre las personas que fueron más allá y ¡robaron obras de museos alrededor del mundo! Por último, para nuestros lectores más geeks, que gustan de la tecnología y el anime, les traemos reseñas de la conferencia Galaxy Unpacked, de animes clásicos como Kaleido Star, y animes nuevos como Vivy: Fluorite Eye’s Son. En esta edición hay contenido para todos los gustos, ¿qué esperas para comenzar a leer?

Por Jimena Velázquez

íNDICE

Cuatro tortugas llamadas como cuatro pintores del renacimiento

Samantha Castrejón

VIDAS La magia de las 7 Bellas Artes Karen Arauco

LETRAS

40 El arte y magia de las letras

de México

Alejandro Padilla

Parte 1

Galicia Pineda Isaac BE

22 El arte del que todos hablan 52 La tercera ley de Newton, Karen Arauco Unamuno y el Quijote 29 Robo de arte P 1 Miguel Hernández Hugo Germán Serrano Miranda BE 32 El arte contemporáneo 56 NIGROMANTITOS arte

Frida Arias

58 5 Colecciones de arte que te impresionaran por su precio

Natividad Sebastián

12 La historia se pinta sola 42 Dibujar para sanar Miguel Hernández Fernanda Hernández 16 Patrimonio Artístico 46 Curiosidad Galáctica

Dibujo por Marco Antonio Gómez Modragón

TOP RANDOM

Martín Cruz

62 Top fotografías más famosas

Ulises Martínez

Alumnos de Cultura y comunicación

68 Cultura y arte de Fernanda Carrisoza BE

C&T 72 ¿Por qué la fotografía

no es considerada como bella arte, solo arte?

REVIEW

76 VIVY: Fluorite Eye’s Song Eduardo Barbosa 78 Kaleido star: un anime muy artístico

Ulises Martínez

PARALELOS 84 Son los smartphones plegables el futuro?

Martín Cruz

86 Colección comics Marvel: Thor Renacido 3/10

Samantha Castrejón

Sunset BE

Octubre

1974

9 de octubre Muerte del hombre de negocios alemán Oskar Shindler. La lista de Schindler

15 de octubre

1854

16 de octubre

1953

Natalicio del matemático mexicano Ismael Herrera Revilla. K Numerical Modeling in Science and Engineering

17 de octubre

1916

1931

Mes de la Ciencia y la Tecnología

18 de octubre

Natalicio del escritor inglés Oscar Wilde. El retrato de Dorian Gray

La mujer mexicana adquiere plenitud de derechos civiles y políticos conforme a las reformas de los artículos 34 y 35 constitucionales

Muerte del pintor español Ignacio Pinazo Camarlench. Desnudo femenino

2 de octubre

1950

Aparece por primera vez el perro Snoopy de la historieta cómic Peanuts

2 de octubre

Masacre a estudiantes mexicanos en Tlatelolco

1968 5 de octubre

1864

Natalicio del inventor francés Louis Jean Lumière. Proyector cinematográfico

6 de octubre

1907

Natalicio del compositor mexicano Francisco Gabilondo Soler (Cri Cri). La patita

7 de octubre

1849

Muerte del escritor estadounidense Edgar Allan Poe. La caída de la casa Usher

7 de octubre

2020

Muerte del químico mexicano José Mario Molina Pasquel y Henríquez. Capa de ozono. PNQ 1995

EFEMÉRIDES

Octubre

Natalicio del pintor mexicano Dr. Atl (Gerardo Murillo). Cómo nace y crece un volcán. El Paricutín

1875

Natalicio de la cantante cubana Celia Cruz. Mata siguaraya

1925 1817

27 de octubre

Natalicio del pintor español Pablo Ruiz Picasso. Guernica

1881

29 de octubre

1990 1936

30 de octubre

29 de octubre

1910

Muerte del artista plástico mexicano Arturo Rivera. La belleza de lo terrible

2011

31 de octubre Muerte del muralista mexicano José Reyes Meza. El nahual herido

2020

Muerte del suizo Jean Henri Dunant. Fundador de la Cruz Roja Internacional. PNP 1901

Muerte del periodista estadunidense Joseph Pulitzer

1911

28 de octubre

Natalicio de la primera mujer piloto militar mexicana Andrea Cruz Hernández.

Natalicio del químico checoslovaco Otto Wichterle. Inventó una fibra artificial, el Silon

1913

25 de octubre

Muerte del actor mexicano Fernando Soler. Pedro Páramo /El hombre de la media luna

1979

24 de octubre

23 de octubre

Natalicio del gramático francés Pierre Athanase Larousse. Enciclopedia Larousse

24 de octubre Se ha celebrado como Día de las Naciones Unidas

1948

21 de octubre

Se inicia a nivel mundial la gran depresión económica del 29 (Jueves Negro)

1929

24 de octubre

8 de octubre

Lic. José René Gómez - Sharon Álvarez

VIDAS

Por Karen Arauco

as bellas artes son manifestaciones artísticas, creativas y con valor estético, que se agrupan en siete disciplinas: Pintura, escultura, literatura, danza, música, arquitectura y, el más actual, el cine.

Los primeros intentos que se hicieron para clasificar las disciplinas se remontan a los filósofos griegos que entraron en polémica para hacer la distinción entre cada definición de arte. A partir de estos eventos, se fue transformando la clasificación según los siglos transcurrían y la manera en que eran valoradas las artes en cada época. Te estarás preguntando entonces, ¿por qué la arquitectura o el cine se encuentran dentro de estas bellas artes? o bien, ¿por qué son consideradas de esta forma? Para ello, tenemos que adentrarnos un poco más en la definición de cada una de ellas.

pintura es una de las artes más difun-

didas, hay algunas obras que no se nos pueden olvidar, esta disciplina resalta por sus increíbles antecedentes como: La Gioconda de Leonardo Da Vinci o La Noche Estrellada de Van Gogh, etc.

La segunda bella arte es la escultura, la cual tiene un nivel de complejidad muy alto para crear obras talladas en diversos materiales como piedra, barro, hierro o cobre. Algunas de las esculturas más conocidas a nivel mundial son: La Estatua de la Libertad en Nueva York, La Venus de Milo en el Louvre en París, La Gran Esfinge de Guiza en Egipto, El David de Miguel Ángel en Florencia o El Pensador de Aguste Rodín en París.

literatura es una de las artes más antiguas que ha

acompañado al hombre a lo largo de su evolución, las palabras son parte fundamental de las siete bellas artes. En lo que coinciden todas estas bellas artes, es que no hay ninguna obra que sea mejor que otra, sino que depende del gusto individual de cada persona, así como lo que transmiten al público. Algunos ejemplos de grandes obras de la literatura podrían ser libros como: El Quijote, Orgullo y Prejuicio, La Guerra y la Paz, Cien Años de Soledad, entre muchas otras.

danza no puede faltar entre estas siete dis-

ciplinas, desde el ballet clásico, pasando por el flamenco, hasta el twerking, la danza es parte de la vida en múltiples formas. Todos bailamos a nuestra manera desde que tenemos conocimiento, pues la música es uno de los placeres más primitivos de los que podemos disfrutar. La variedad en esta disciplina es impresionante, ya que podemos elegir entre los grandes clásicos del ballet, música clásica, salsa, vals, etc., las posibilidades son ilimitadas.

De la mano con la danza, nos encontramos con que la música forma parte del listado. No importa si te gusta el rock, el pop o la electrónica, lo cierto es que no hay nada como una buena melodía para hacernos sentir bien o expresar lo que sentimos. Desde grandes obras populares como Bohemian Rhapsody de Queen o Like a Rolling Stone de Bob Dylan, sin olvidar a los clásicos, como La quinta sinfonía de Beethoven hasta el reggaetón en la actualidad, forman parte de esta disciplina.

No puede quedarse fuera la magia de la gran pantalla que podemos disfrutar en cada estreno. El cine ha sabido integrarse a estas disciplinas desde su creación, con todo tipo de contenido según el gusto del público, desde clásicos como El Padrino, pasando por El resplandor, hasta las sagas completas de Marvel.

Por último, pero no menos importante, tenemos a la arquitectura, la cual es un arte como todas las ya mencionadas, que propone obras únicas, nos brinda arte que vive en nuestras ciudades y entre nosotros. La arquitectura es considerada una bella arte por el hecho de que todos aquellos monumentos históricos son creaciones inigualables que nos transportan hasta otra época o reflejan nuestra actualidad. Un ejemplo claro de ellas son: El Coliseo Romano en Italia o el Taj Mahal en la India.

Por Miguel Hernández

El ser humano siempre ha buscado la forma de expresarse artísticamente, algunos a través de contar una historia, otros con el objetivo de crear conciencia o simplemente de retratar lo que sus ojos ven o su mente percibe. La pintura más antigua es la dibujada en las cuevas de Leang Tedongnge, en Indonesia. Este representa un cerdo salvaje que data de hace 45,500 años. Otro ejemplo son las esculturas talladas, siendo La Venus de Willendorf, una figura tallada en piedra caliza creada hace 30,000 años. Ya supondrás que el arte

se ha ido transformando a lo largo de la historia. Pasando por culturas como la egipcia, romana y griega, influenciadas por el contexto social o religioso, hasta llegar a nuestros días. El paso del tiempo ha dejado obras que podrían ser invaluables por su significado y relevancia en cada estilo pictográfico a lo largo de la humanidad. A principios del siglo XIV aparece el primer pintor moderno, Giotto di Bondone, él es el pionero en dar volumen a los espacios y a los personajes. Logró plasmar gestos en cara y manos, incrementó el nivel de

detalle en sus obras y usó colores brillantes y luminosos para la época, marcando así el inicio del Renacimiento. El Renacimiento y Humanismo fue un movimiento filosófico, intelectual, artístico y cultural; marcó una nueva etapa para occidente, dejando atrás el periodo medieval, ayudando a renovar el arte. Entre los pintores más destacados se puede mencionar a Leonardo Da Vinci, en sus pinturas desarrolló el uso del punto de fuga, el desenfoque y perfeccionó el manejo de la luz y la oscuridad, dando realismo a la obra, pero conteniendo las emociones de esta.Tal es el caso de La Gioconda o La Mona Lisa. Entre sus obras tenemos: La última cena, Salvador Mundi, el Hom-

breVitruvio, La Dama de Armiño, La Virgen, el Niño Jesús y Santa Ana o el Bautismo de Cristo. Otro pintor relevante de esta época es Miguel Ángel, a pesar de que hay pocos lienzos de él, existe una que probablemente identificarás, es La creación de Adán, pintura que se encuentra en la Capilla Sixtina. No hay que olvidar a Rafael Sanzio, pintor y arquitecto; el genio del Renacimiento, de sus pinturas se puede recordar el mural de La Escuela de Atenas, Los Desposorios de la Virgen, Las Gracias o La Transfiguración. A pesar de la renovación del arte en el siglo XV y XVI por el Rena-

cimiento, su capacidad de asombro fue decayendo, es aquí donde pintores como Caravaggio toman la estafeta para transicionar de estilo artístico. Michelangelo Merisi da Caravaggio fue un artista que dio mucho drama a sus pinturas. Representando cuerpos imperfectos, escenas trágicas y un manejo de la luz espectacular, ayudó a dar forma al Barroco. En esta época la pintura tuvo gran auge, en cada región de Europa se encontraban referentes del movimiento artístico; en Italia se localiza a Artemisia Gentileschi, sus pinturas más importantes son Susana y los viejos, Judith decapitando a Holofernes, Judith y su sirvienta o Lucrecia.

En España se encuentra Diego Velázquez, famoso por sus retratos realistas o sobre temáticas religiosas. Sus obras más famosas son, La fractura de Vulcano, Cristo Crucificado, La Coronación de la Virgen, La Fábula de Aracne y la más famosa, Las Meninas, un retrato múltiple de la niña Margarita Teresa de Austria y sus sirvientas, esta obra ha sido muy estudiada, pero sigue sin haber consenso en su significado. En Holanda se encuentra Rembrandt, quien pintaba cuadros históricos, con un manejo excelso de luz y sombras; su estilo es tan significativo que es llamado “iluminación Rembrandt”. Sus obras más destacadas son sus autorretratos, donde se le ve envejecer con

el paso de los años. Otros lienzos importantes son El festín de Baltasar, el Retorno del hijo pródigo, La lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp y La tormenta en el mar de Galilea, famosa por ser robada el 18 de marzo de 1990 del Museo Isabella Stewart Gardner en Boston, junto con otras 13 obras más, siendo el robo de arte más grande de la historia. Existe un periodo complicado para el arte, me refiero al Rococó. Nace en el siglo XVIII en Francia y se logra expandir por toda Europa, la pintura plasmaba el estilo de vida aristócrata, caracterizada por la opulencia y la elegancia, usaba colores claros, tocaba temas sentimentales a diferencia del Barroco.

Un gran exponente en este periodo es Francisco de Goya, pintor español influenciado por Rembrandt y Velázquez, su arte evolucionó del Rococó hasta el inicio de la pintura contemporánea, pasando por el romanticismo y el realismo. Sus obras más destacadas son: Aníbal vencedor, el Aquelarre, el coloso, Saturno devorando a su hijo, el 3 de mayo en Madrid o La maja desnuda y La maja vestida. A finales del siglo XVIII y principios del siglo XIX nace un nuevo movimiento pictográfico, la pintura Neoclásica, fomentada por el odio a la opulencia del monarquismo y la Revolución Francesa. Este estilo artístico simplifica la estética, dejando de un lado el rococó y el

oscurantismo del barroco. En esta época también pintó Goya, dando vida a sus “obras negras”. En la segunda mitad del siglo XIX nace el Impresionismo, una figura clave es Claude Monet, siempre pintando lirios, pero su estilo es característico, ya que sus pinceladas son bastantes únicas para la época. Sus pinturas más reconocidas son El Jardín de Giverny, el Campo de Amapolas, Crepúsculo de Venecia, los acantilados de Étretat o Eres. Vincent Van Gogh fue un artista muy influyente de la época, su arte transicionaba del impresionismo al postimpresionismo, sus obras estaban llenas de líneas ondulantes y pinceladas cortas que asemejan al punti-

llismo, sus piezas no solo eran muy vibrantes en sus colores, sino que resultaban bastante surrealistas. Sus lienzos más conocidos son Marina Les Saintes Maries de la Mer, Almond Blossom, La iglesia de Auvers, el autorretrato con sombrero de fieltro gris y La noche estrellada. En el siglo XX, existe una fractura en los movimientos pictográficos, empieza el Vanguardismo, caracterizado por la libertad de expresión. Los artistas dejan de alinearse al estilo de la época y nace el impresionismo, expresionismo, fauvismo, futurismo, dadaísmo, ultraísmo, surrealismo, estridentismo y cubismo. Este último fue liderado por Pablo Picasso, pintor español y con

un acervo de un aproximado de 50,000 obras, incluidas pinturas, dibujos y esculturas. Sus obras más representativas son: Las Señoritas de Avignon, Desnudo y Naturaleza muerta, Niña frente al espejo, Mujer con peras, El viejo guitarrista y Guernica, un mural de 7 metros de largo que trata de reflejar el contexto histórico de la Guerra Civil española. El Vanguardismo cambió el rumbo del arte, pues se pueden elevar elementos cotidianos a nivel de arte, como la obra Comedian de Maurizio Cattelan; ahora lo importante es la expresión. Es muy difícil decir qué corrientes serán las predominantes en este siglo, tendremos que esperar a que la historia se pinte sola.

Por Alejandro Padilla

uando nos hablan de arte, generalmente y por mala costumbre, pensamos en primer lugar en las grandes obras que se realizaron en la época del Renacimiento. No hay por qué sentirnos mal, sabemos que fue la época en la que hubo una explosión tanto de lo cultural como de lo artístico, pero volteemos y miremos a nuestro país, donde, sin lugar a duda, se han encontrado expresiones artísticas impresionantes desde tiempos de las culturas prehispánicas. Aunque la cosa no termina ahí, puesto que muchos artistas mexicanos en el siglo pasado se apoderaron por completo del arte y nos regalaron muchísimas obras que, por supuesto, pertenecen al patrimonio artístico de México. Antes de comenzar, definamos bien qué es el patrimonio artístico de una nación. El patrimonio artístico, es toda aquella manifestación artística que entra en las siguientes categorías: Pintura, escultura, literatura, arquitectura, música e incluso el cine, todo esto a su vez forma parte del patrimonio cultural e histórico. Es verdad que hablar del arte, de las manifestaciones artísticas, del mismo patrimonio cultural y artístico de México, nos llevaría muchas páginas, y quizá sea necesario abarcar toda una edición de ésta, tu revista favorita. En este artículo trataremos de hacerlo lo más breve posible, detallar lo más importante y representativo.

17 Como todos sabemos, antes de la llegada de los españoles, la conquista y 300 años como colonia española, existía una región nombrada como Mesoamérica, la cual albergó a lo largo de unos 2500 años aproximadamente, una gran cantidad de civilizaciones que dejaron su huella artística y cultural. Por mencionar algunas de las más representativas, tenemos a la cultura Olmeca, la madre de todas las culturas prehispánicas, quienes se destacaron por elaborar piezas de tamaños colosales, ya que tallaban rostros en piedras del tamaño de más de una persona de alto. En el sur del país ubicamos a la cultura Maya, otra gran civilización que nos dejó bastantes manifestaciones; entre las más destacadas se encuentran las piezas elaboradas con una piedra preciosa que abundaba en aquella zona: El jade. Y por último, quién no se queda atrás es la cultura Azteca, que nos deja como prueba de su arte esculturas de gran tamaño, tales como: La piedra del sol y las grandes esculturas de Coatlicue y Tlaloc.

Estas culturas y muchas más, entregaron piezas talladas en piedra o elaboradas en barro, donde hicieron representaciones de la misma gente que conformaba estas civilizaciones o de alguna deidad a la que veneraban. Entre las obras prehispánicas también podemos encontrar pinturas sobre vasijas, muros y telas, aquí de igual manera encontramos los famosos códices. Hay muchas piezas más, que actualmente acumulan un valor no tanto económico, sino cultural y de identidad para nuestro país.

Este periodo de nuestro país es completamente diferente, lo cual no es de extrañarse debido a la gran influencia europea traída por los conquistadores. Podemos notar en este periodo, tanto en la pintura, arquitectura y literatura, la época renacentista plasmada en las obras que se elaboraron. Un gran ejemplo de la arquitectura de esta época es el Centro Histórico de la CDMX, sus calles de aspecto colonial relucen toda la arquitectura que luego de más de 300 años permanece intacta. En la literatura tenemos a una gran representante. Así es, nos referimos a Sor Juana Inés de la Cruz, sus contemporáneos la llamaban “La Décima Musa”. Fue la protagonista de reflexiones profundas, de estudios de alto nivel de conocimiento, así como de las polémicas más inverosímiles de la época. El nivel de su arte estaba, y al parecer sigue, por encima de cualquier otra manifestación literaria, su ingenio era brillante, su poesía magnífica, su pensamiento e imaginación eran inmensos debido a la cantidad de libros que leyó desde su infancia hasta el día de su muerte, convirtiendo su cuarto en una biblioteca personal, que además le ayudaron a tener un manejo insuperable de lo alegórico y un conocimiento profundo de diferentes disciplinas intelectuales.

La época más cercana a la actualidad cuenta con la mayor representación artística en cuanto a pintura. Después de los años de Revolución y el comienzo de una nueva era, donde modernizar al país era lo primordial, una serie de artistas plásticos plasmaron todo su sentir y pensar respecto a los cambios que se suscitaron a lo largo de esos años. Entre los principales artistas a mencionar de este periodo, nos encontramos en primer lugar a María Izquierdo, pintora mexicana nacida en Jalisco, que se consolidó además como una alternativa al muralismo mexicano. Fue la primera en exponer sus obras fuera de México en el Art Center de la ciudad de Nueva York en 1930, en sus obras reflejaba el escenario de la cultura popular mexicana, explorando el alma de un México profundo, además de que en su mayoría retrató la figura femenina en diversos escenarios.

Remedios Varo, española de nacimiento, se refugió en nuestro país debido a la Segunda Guerra Mundial. Ella nos presenta obras surrealistas en las que muestra mundos mágicos donde la fantasía se proyecta y anima. Se le considera además una fantástica exponente de este movimiento cultural. No podemos dejar atrás a una de las más populares aún en la actualidad, Frida Kahlo, una de las mayores exponentes de la pintura en el país, nos presentó múltiples autorretratos, paisajes y retratos de otros personajes de gran importancia en la época. En todas sus obras plasmó y recuperó las raíces del arte popular mexicano.

Por parte de los hombres, me permito presentar primero a Gerardo Murillo, mejor conocido como Dr. Atl, quien no sólo fue pintor sino también vulcanólogo. Aunado a eso, podemos notar que la mayoría de sus obras son de paisajes, en las que capturó vistas del territorio mexicano y sus volcanes, revolucionando así la perspectiva del paisajismo, ya que recreaba en sus obras espacios geográficos desde las alturas, las cuales conocemos ahora como aeropaisajes.

David Alfaro Siqueiros, uno de los grandes exponentes del muralismo mexicano, aquel artista que reflejó la lucha revolucionaria del proletariado en el México emergente en la industria, además de mostrar el notorio progreso del país en todo aspecto. Como sabemos, los murales que permanecen en la torre de rectoría de Ciudad Universitaria son obra de Siqueiros.

Por último y no menos importante, uno más de los grandes muralistas mexicanos: José Clemente Orozco, al igual que Siqueiros, se interesó por expresar en sus obras los temas sociales, políticos y la crítica al mundo contemporáneo, así como la representación de la cotidianidad de la sociedad. También mostró interés en la época precolombina y la historia de México, prueba de ello son sus grandes obras.

Por supuesto que hacen falta mencionar a muchos artistas que han puesto el nombre de nuestro país en grande, pero como mencioné al principio, harían falta muchas más páginas para hablar a detalle de cada una de ellos. Tal sería el caso de la literatura con exponentes como: Octavio Paz, Carlos Fuentes, Rosario Castellanos, entre otros. Muchas de estas obras, principalmente las plásticas, se pueden apreciar en los museos que se encuentran en la CDMX. El museo Soumaya es uno de los que cuenta con una sala dedicada al arte mexicano, desde los años de la colonia hasta la modernidad. Otras más, que son catalogadas como “Monumento Artístico” se encuentran en el Museo de Arte Carrillo Gil, museo que posee una de las colecciones de José Clemente Orozco más completas del país, y abarca de los años 1941 a 1973. Y si aún no te has dado cuenta de lo inmenso que es el conjunto de obras artísticas elaboradas por manos mexicanas, te recomiendo que visites museos y conozcas el patrimonio artístico de nuestro hermoso país.

22 Por Karen Arauco

Cada año, miles de personas viajan desde muy lejos para visitar museos, ciudades, países, etc., para contemplar las pinturas y esculturas más famosas en el mundo. Y es que, el arte ha estado con nosotros desde el inicio de los tiempos.

i bien es cierto que pocas pinturas y esculturas logran la fama requerida para ser realmente consideradas con nombres conocidos, entre las pinturas y esculturas que se encuentran en la lista, está “La Mona Lisa”, en el Museo del Louvre en París desde el año 1804. No debería ser una sorpresa que la pintura más famosa del mundo sea esa misteriosa mujer con la enigmática sonrisa. No se sabe a ciencia cierta quién es realmente la mujer retratada, pero se cree que se trata de Lisa Gherardini.

Probablemente, El David, ubicado en la Galería de la Academia de Florencia, es la escultura más conocida de Miguel Ángel y del mundo. No es para menos el reconocimiento que se le da a esta gran obra de arte de 5.17 m, esculpida en mármol, que nos muestra la belleza del hombre con gran calidad en los detalles de su figura, la cual, fue un encargo de la Opera del Duomo para la catedral de Santa María del Fiore, donde se representa al David de la Biblia que después se convertiría en el rey David. El David es un claro ejemplo de la importancia de la religión en nuestra cultura, sin embargo, no es un caso aislado, puesto que otra de las pinturas más reconocidas es precisamente La última cena, de Leonardo da Vinci, ubicada en Santa María delle Grazie en Milán, Italia. En esta pieza se muestra la última vez en que Jesús compartió el pan con sus discípulos antes de que fuera crucificado.

Adentrándonos un poco más, pero ahora en la mitología griega, el Museo de Louvre en París también alberga una de las esculturas griegas más reconocidas, la Venus de Milo, la cual debe su nombre a la isla griega en donde se le encontró semienterrada y carente de dos brazos en 1820. Dicha obra representa el periodo helenístico, por lo que se estima que fue esculpida en el año 100 a.C.

En América también podemos encontrar pinturas emblemáticas como La noche estrellada, una de las favoritas de los apasionados por el arte, que a pesar de tener un autor holandés, Vincent van Gogh, en el año de 1889, podemos encontrarla en el Museo de Arte Moderno en Nueva York. Sin lugar a dudas, la pintura abstracta de este autor se ve reflejada en los colores llamativos de los remolinos, que fue inspirada por la vista del propio Van Gogh desde la habitación del hospital psiquiátrico donde se encontraba internado.

25 Un poco más al sur del mapa, en el Parque Nacional de la Tijuca en Brasil, nos encontramos con una escultura imponente a 710 m sobre el nivel del mar en la cima del cerro Corcovado, El Cristo Redentor. Con 38 m de altura y casi 1200 toneladas, se trata de la escultura más grande de todos los tiempos, siendo declarada en 2007 una de las siete maravillas del mundo.

La última, pero no menos importante, nos hace enfocarnos nuevamente en Miguel Ángel, pero ahora con la pintura de La Creación de Adán que se encuentra en el techo de la Capilla Sixtina, en la Ciudad del Vaticano. La escena emblemática representa a Dios y a Adán extendiendo sus dedos a punto de tocarse, fue realizada entre los años 1508-1512. Lo intrigante de esta obra es que fue hasta 1989 que se pudo apreciar el legado que Miguel Ángel había dejado siglos atrás, dado que se realizó una limpieza en la capilla Sixtina, retirando daño por el humo de vela que habría opacado la exposición por años.

Por Samantha Castrejón

urante años, las Tortugas Ninja han sido parte de la cultura popular, ya sea en cómics, caricaturas, videojuegos o películas, ellas siguen presentes hasta ahora. Pero un misterio las rodea, así como el chiste constante de: ¿Por qué se llaman como cuatro pintores del renacimiento?, son ninjas, ¿no deberían tener nombres asiáticos?, ¿por qué te acabas de dar cuenta de esto?

Pues la respuesta es más fácil de lo que crees, para empezar, los creadores de las tortugas amantes de las pizzas y causantes de guerra entre cadenas pizzeras como: Dominos o Pizza hot, pues éstas se peleaban para patrocinarlas, fueron Kevin Eastman y Peter Laird; en 1980 ellos eran aspirantes a crear cómics, una noche Eastman hizo una tortuga en dos patas con unos chacos en las manos y con una máscara, arriba de ella tenía la leyenda tortuga ninja, esto lo hizo simplemente para hacer reír a su compañero, éste le contestó con otra tortuga diferente y Kevin ahora hizo cuatro tortugas como la primera, pero con diferentes armas, y en donde decía tortugas ninjas se le agregó: “Mutantes adolescentes”.

Naciendo esta idea como una fuente genial para un cómic, llegó el momento de nombrarlas y pues eran ninjas, debían tener nombres asiáticos, pero esto se les hizo tonto, ya que no se estaban tomando en serio el proyecto, así que como ambos creadores eran grandes fanáticos y admiradores del arte, se les ocurrió llamar a cada héroe como un artista famoso del renacimiento:

· Leonardo es por Leonardo da

Vinci, es la tortuga con la máscara azul.

· Rafael es por Rafael Sanzio, es la tortuga con la máscara roja.

· Miguel Ángel

por Michelangelo Buonarroti, es el de la máscara naranja y por más de 20 años su nombre estuvo mal escrito hasta que lo pudieron cambiar legalmente.

· Donatello

por Donato di Betto Bardi, que es la tortuga con máscara morada, casi se llama Gian lorenzo Bernini, pero se cambió a última hora. Cabe aclarar que estos no influyeron en la personalidad de las tortugas, pues Rafael y Leonardo pelean por el liderazgo, el ingeniero del equipo es Donatello y Miguel pues es el bromista, o sea nada que ver con sus contrapartes reales.

Para desgracia del artista, Donatello es más conocido por la tortuga ninja que por sus logros como la pintura o la escultura, al contrario de sus otros compañeros pintores, como se puede ver en varias gráficas en internet que comparan la popularidad de tortugas ninja vs su artista:

Pero las tortugas no son las únicas con nombres de un pintor, también el nombre de su maestro, Splinter, proviene del pintor Giovanni di Ser Giovanni, apodado en italiano «el Scheggia», es decir “El Astilla”, que pasó al inglés: Splinter.

En la serie o cómics, los nombres se atribuyen a que el maestro Splinter es fanático del renacimiento y así les pone nombres de sus pintores favoritos de esta época, pero en cada versión varía.

Ahora que ya sabes, puedes presumir con tus amigos o si te piden nombres de pintores famosos para un examen, acordarte de las tortugas ninja.

29 29

Por Miguel Hernández

¿Qué tan difícil es robar una pintura? Probablemente con la tecnología de seguridad actual sea casi imposible, pero antes de tener tantos sistemas de protección era relativamente sencillo. En el transcurso de la historia se han producido muchos robos de piezas de arte, algunos de estos eventos han pasado de largo del consciente colectivo y otros han colocado a pinturas como las más reconocidas por la humanidad.

“El Grito” de Edvard Munch Este es probablemente el robo más rápido de la historia. El 12 de febrero de 1994, la pintura fue robada de la Galería Nacional de Oslo, Noruega, por Pal Enger, en un tiempo récord de 50 segundos. El famoso ladrón ya había cometido otros robos dirigidos a piezas de Edvard Munch, en 1988 robó “Amor y Dolor”, mejor conocida cómo “El Vampiro”. El hurto se perpetró a las 6:30 de la mañana, justo el día en que tenía lugar la inauguración de los XVII Juegos Olímpicos de Invierno celebrados en el mismo país; Enger, junto con otro ladrón, saltaron la cerca de la Galería Nacional y con ayuda de una escalera accedieron por una ventana a la sala donde se resguardan las

obras de Munch. El robo simplemente consistió en descolgar la obra de la pared y volver a salir por la ventana. Enger y su ayudante lograron salir del edificio por la misma ventana, sin ningún tipo de contratiempo, no sin antes dejar una nota que decía: “Gracias por la escasa seguridad”. Si te preguntas sobre la seguridad, ¿no había alarmas, cámaras o guardias de seguridad? La respuesta es sí, sí había equipo y personal, solo que a nadie le importó. El robo se descubrió 30 minutos después, por dos guardias. Al parecer se les hizo extraño que hubiera una escalera apoyada en el edificio, y que la ventana de la sala estuviera abierta. Esta historia tuvo un final feliz, luego de que el go-

30 bierno noruego recibiera una carta donde se pedía el rescate de la obra a cambio de 300,000 euros. La policía británica encontró a Pal Enger en un hotel de Oslo, justo cuando trataba de venderla a unos policías encubiertos.

“La Gioconda” de Leonardo da Vinci A 110 años de este robo, perpetrado el 21 de agosto de 1911, un ladrón llamado Vicenzo Perrugia, un simple carpintero y ex empleado, sacó del Museo de Louvre, la obra más notable y reconocida de da Vinci. La pintura fue robada una mañana por Perrugia, la fecha coincidía en lunes, día que el Louvre cerraba al público. Vicenzo simplemente quitó la obra del marco, la escondió debajo de su camisa y se marchó a su casa donde la resguardó durante 2 años. La mañana del siguiente día fue cuando se dieron cuenta las autoridades que la “Mona Lisa” había desaparecido. La noticia se esparció rápidamente, el robo estaba en boca de todos los parisinos y en las portadas de los principales periódicos. Esto hizo que la “Gioconda” adquiriera esa popularidad que la caracteriza, volviéndose un ícono de la cultura moderna.

Luego de 2 años de búsqueda y darla por perdida, Perrugia intentó vender la pintura por un monto de un millón de francos a un anticuario de Florencia, Italia. La obra fue recuperada el 13 de diciembre de 1913 y el ladrón con el seudónimo de “Leonardo”, finalmente detenido.

Robo al Museo Isabella Stewart Gardner 500 millones de dólares en arte fueron robados la madrugada del 18 de marzo de 1990, del Museo Isabella Stewart Gardner de Boston, Estados Unidos. El robo se celebró coincidiendo con la fiesta de San Patricio, es así como dos hombres con disfraz de policía, lograron entrar

31 Hasta la fecha este crimen no se ha podido resolver, para los investigadores es curioso la selección de piezas robadas, ya que en el museo había obras de Miguel Angel, Rafael, Tiziano o Botticelli que no fueron sustraídas o dañadas. Recientemente Netflix estrenó un documental en el que se muestra la investigación de Colin Barnicle titulado: “Esto es un atraco. El mayor robo de arte del mundo”, esta investigación aporta nuevas pistas del hurto, si te interesó este artículo te recomendamos verlo.

a la galería con la excusa de que había una queja por exceso de ruido, los ladrones entraron sin ninguna complicación y por la puerta principal. Los jóvenes guardias fueron esposados, vendados de los ojos y llevados al sótano para que no causaran problemas, los ladrones tuvieron alrededor de 80 minutos para preparar su botín de 13 obras, las cuales siguen desaparecidas. Las pinturas robadas fueron: “Tormenta en el mar de Galilea”, “Dama y caballero de negro” y un autorretrato de Rembrandt, “El concierto” de Vermeer, el “Chez Tortoni” de Manet, el “Paisaje con Obelisco” de Govert Flinck, 5 dibujos de Degas, una vasija china y un águila de Napoleón.

Cómo ya has leído, no todos los crímenes relacionados con robo de arte tienen un final feliz, a algunos los atrapan, a otros no; unos son impresionantes, parecieran películas de Hollywood, por ejemplo el asalto al National Museum de Estocolmo; otros son simples personas escabulléndose entre pasillos o trepando por ventanas a pleno amanecer o al cobijo de la oscuridad. Otros son tan misteriosos que nadie sabe cómo pasó, es el caso del asalto a la Whitworth Art Gallery de Manchester y aunque pareciera que todos esos robos solo se cometen en países europeos o en Estados Unidos, en México también se han cometido, por ejemplo, el robo al Museo Nacional de Antropología en el año de 1985, el cual ha sido olvidado con el paso de los años.

“La contemporaneidad es el atributo más evidente de la actual representación del mundo” (Smith, 2009, #20 ).

EL ARTE

Por Frida Arias

CONTEMPORÁNEO

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Qué es el arte contemporáneo?, ¿Una sátira a la academia de lo clásico?, ¿Un coraje para Avelina Lesper?, ¿Una caja de zapatos vacía?. Definir el arte en general es complicado. Pues esta se conjuga con la época, discurso, artista, entre otras cosas. Hablar de ello implica saber que hay diversidad de visiones tanto de la academia como del artista, y también del espectador. Avelina Lésper es historiadora, columnista y crítica del arte, opositora de algunas corrientes del arte contemporáneo. Para ella, el arte contemporáneo es un fraude y carece de creatividad e inteligencia. Cuando se habla de lo contemporáneo se hace referencia a lo que acontece en nuestra época. Al definir algo como “contemporáneo” hablamos de una momento específico. Caravaggio era un contemporáneo en la época del barroco y Miguel Angel del renacimiento. La clasificación de algo “contem-

poráneo” es vigente en la época que transcurre, como estos dos artistas en su momento, a su vez existe la clasificación “contemporánea” referente a la corriente artística. Antes que nada, entendamos un poco aquello que se denomina arte, pues en cada persona cabe una definición totalmente distinta, y dependerá mucho de a quién le preguntemos o donde lo leamos para la respuesta que obtendremos. El arte es una forma de expresión del ser humano sin lineamientos o normativas de creación, El carácter específico del arte es el de reflejar, de reproducir la realidad bajo la forma de imágenes artísticas perceptibles por medio de los sentidos. (M. Rosental & Pudin, 1960).

El arte (igual que todo), se ha transformado con el paso del tiempo en conjunto a la necesidad constante del ser humano de expresarse. Podemos verlo en la Prehistoria con las pinturas rupestres que fueron los primeros indicios de sociedad. Posterior a ello, la Edad Antigua, donde el desarrollo de dichas civilizaciones (Egipto, Mesopotamia, China, India, Egipto, Oceanía, Grecia y Roma, siendo los principales) dejándonos la posibilidad de comprender el desarrollo de las creencias de las sociedades y el impacto que representan en el proceso de creación artística. Se encuentran con mayor presencia los simbolismos y códigos (que en la actualidad siguen existiendo, pero con el lenguaje del presente). Las “formas bellas” fueron un punto central de partida para el arte, marcando una línea de producción para el artista. Esto de las “formas bellas” hay que recordarlo para entender que fue un estilo al que el arte contemporáneo buscaba oponerse.

Algunos textos apuntan que el arte contemporáneo comienza a finales del siglo XIX, otros que es a principios del XX. El desarrollo industrial ocasiona la búsqueda de la ruptura con los estilos del pasado. Un rechazo a la máquina, en consecuencia de la revolución industrial y la aceptación de la inmersión de nuevas tecnologías, detonando una crisis en el arte y la sociedad dando como resultado las vanguardias. Con propuestas que generan ruptura con la academia y arte clásico (lo bello deja de ser funcional, predomina la actitud más allá de la estética) que conlleva a una revolución en el mundo de las artes plásticas.

La historia del arte en sí es complicada y es por eso que me gustaría extenderme para explicar de manera lineal el suceso del “arte”, pero hay lapsos de tiempo, y también zonas geográficas que se están dejando a un lado en este texto, por lo que este no se debe tomar como una verdad absoluta o afirmación sobre la historia del arte contemporáneo o antecedentes. Es más allegado a un resumen para poder comprender un poco este concepto la siguiente vez que visitemos un m u s e o o e s c u ch e m o s d e l t e m a .

Se abandona la imitación de la naturaleza para crear un lenguaje de formas y colores, por lo que se vuelve más exigente para el espectador.Ya no hay estilos internacionales, sino que ahora las características surgen de un grupo de artistas, haciendo una especie de élite en el mundo del arte. Vanguardia es un término que implica la idea de lucha, una postura de protesta, siendo movimientos provocadores para el orden establecido por la clase alta y criterios asumidos. Su finalidad era reinventar el arte, separándose del pasado, creando la revolución semántica (significado) de las formas, de la fractura epistemológica (origen del conocimiento) y también insurrección (rebelión) ideológica. El término vanguardia surge por primera vez en el primer cuarto de siglo XIX en los textos de los socialistas utópicos. El concepto puede hacerse extensivo para nombrar a la avanzada de un movimiento artístico, político o ideológico donde la vanguardia es algo novedoso que escapa de la tendencia dominante y que podría sentar las bases del desarrollo futuro (Guzmán Ramírez, 2016).

En el siglo XX, por cuestiones beligerantes, sobre todo la primera guerra mundial y la revolución rusa, ocasionaron que el mundo estuviera en constante cambio. Se trazaba un nuevo mapa sociopolítico. Las vanguardias buscan ser movimientos de poca duración, que no quieren perdurar, más bien ser innovadores y con libre expresión.

Algunos ejemplos de estos movimientos son: el dadaísmo, que hace hincapié en lo poco razonable, en la rebeldía y en lo destructivo; el surrealismo, que se sustenta en los postulados de Freud acerca del inconsciente pretendiendo reflejar en la obra; el futurismo, que se inspiraba en adelantos técnicos; el ultraísmo, que favoreció el verso libre y la elaboración de la metáfora; el cubismo, que representaba la realidad a través de formas geométricas; el fauvismo, que pretendía expresar sentimientos mediante la explosión de colores y el expresionismo, que hace hincapié en las experiencias interiores (Guzmán Ramírez, 2016).

Un dato interesante es que a partir de las vanguardias fue mucho más visible la relación del estereotipo del artista. Individuo incomprendido con valores de continuidad al sistema. También la inserción política del arte fue el texto del manifiesto artístico, en donde a modo de declaración pública, se expresaba el propósito del artista en su obra, un resumen de su propuesta. El cual ya existía, sin embargo, esto lo hizo mayormente visible.

Las vanguardias fracasaron por ser una utopía social y cultural, pero cumplieron con el objetivo de dejar a un lado lo establecido en el mundo del arte, esto le abrió las puertas al arte contemporáneo. Algunos textos le llaman “las segundas vanguardias” y en otros se menciona que este es el verdadero arte contemporáneo, aunque se diga que las vanguardias están incluidas dentro del movimiento contemporáneo, ahí ya es una cuestión de relación histórica que el lector mismo puede pensar.

Posterior a la Segunda Guerra Mundial, Europa entra en crisis, no obstante favorece a las nuevas posibilidades artísticas, mudando al arte de París a Nueva York, que se convierte en la nueva capital de arte. Estas segundas tendencias tuvieron mayor auge gracias a los medios de comunicación y tecnologías, todo un proceso menos brusco que el anterior, aproximando al espectador con mayor facilidad de digerir las nuevas propuestas. La imagen del artista incomprendido cambia para traer consigo un nuevo estilo, mucho más moderno y exclusivo (cada vez más elitista), para así entrar al punto exacto para ser consumidos (el arte como objeto de consumo). Esto trae consigo las siguientes tendencias, en las que hay diversas corrientes que a continuación trataré de resumir y hacer un poco más entendibles.

Tendencias informalistas. El informalismo (tachismo u abstracción lírica). La revelación del mundo subjetivo del artista.

-Expresionista abstracto: influenciado por el surrealismo, expresionismo y abstracción, y es una reflexión acerca del movimiento. Jackson Pollock, con su nuevo modo de pintura dripping expresa su función . Esto habla del poco interés del artista de lo controlable y el azar. También Mark Rotcko con el “Color Field Painting, haciendo grandes superficies de color (lienzos de 3 m x 4.5 cm), obteniendo colores expresivos en gran formato. -Povera: vanguardia influenciada por el dadaísmo proveniente de Italia. Miguel Ángelo Pistoletto, su máximo representante con la utilización de materiales tecnológicamente poco avanzados. Lo que busca este tipo de arte es dar a entender al espectador que la materia que aparentemente no sirve (naturaleza en ocasiones) hace que esta obra se aleje de la comercialización.

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Tendencias Racionalistas. -Nueva abstracción Americana: Composición en la que destaca la composición más que la anécdota de los objetos. Cuenta con figuras con colores llamativos que al fin y al cabo son lo más importante de la obra. Frank Stella fue de los primeros representantes del movimiento.

-Minimal art: inspirado en el arte oriental. Su lema es “menos es más”, por lo que la mínima cantidad de elementos en la obra la enriquecen, produciendo un visual limpio, con una carga más estética que funcional. Sol le Witt es de sus máximos representantes.

-Arte cinética: su principio básico es el movimiento. Éste está mucho más presente en esculturas. Cuenta con subcategorías, ya sea obras que ejercen movimiento propio por algún mecanismo (electricidad, motores, etc.), o algún objeto independiente ya sea de viento, música, temperatura, y obras interactivas en las que implica el espectador acciones sobre ella. Podemos verlo presente en algunas obras de Marcel Duchamp.

Tendencias Neorrepresentativas. -Pop art: este concepto es la réplica de figuras populares u objetos representativos del consumismo, intenta retratar la realidad del momento y se relaciona con la publicidad. Su formato utiliza el cartel, litografía y serigrafía. Londres y Estados Unidos son pioneros en ejercerlo. Un ícono del Pop Art fue Andy Warhol. -Hiperrealismo: posterior al pop art, surge en Estados Unidos, y es el arte que busca reproducir con el mayor parecido posible en la obra la imagen real de las cosas. Es un arte que requiere meticulosidad para a veces hacerse pasar por fotografías. Las esculturas de Ron Muek en gran formato destacan en el mundo Hiperrealista.

Tendencias conceptuales

-Arte conceptual: Comparte tendencias dadaístas (movimiento que cuestiona la existencia del arte, literatura y poesía). Es una reflexión a la sociedad poco crítica de lo que se consume en los espacios artísticos (museos principalmente), trata de incitar a la reflexión del mundo del arte. También es la obra que expresa un concepto y su forma de realización de la misma. -Happenings: Es parte del arte conceptual (con concepto específico de algo). Es alguna acción o acto que en sí misma es considerada una obra de arte. Es parecido a una obra de teatro, contiene un guión y en ocasiones hace que el público sea partícipe de la acción. En 1957, Allan Kaprow fue el primero en utilizar el término “Happening”. -Body Art: esta corriente comparte ideas del arte conceptual y el happening. Está enfocado en la conciencia y reflexión del cuerpo humano, y la obra se ejecuta a través de él mismo. Bruce Nauman es de los artistas que exploran lo físico a través de obras tanto tangibles, y otras provenientes de su cuerpo en relación al lenguaje. -Land Art: surgida a finales de los 60 en Estados Unidos. Es la creación de arte llevado a los espacios naturales. Suelen ser de gran formato. Robert Sithson trabajaba con el concepto de “Entropía” (energía que no puede utilizarse para producir trabajos) en espacios naturales, produciendo obras con la ayuda de maquinaria en lugares retirados con el tema de orden-caos. Quiero hacer énfasis en que usualmente la historia del arte en la mayoría de lo textos es eurocentrista (Europa como el centro del mundo) y sí, la verdad es que influenció a grandes rasgos, ya que fue la pauta del comienzo de la academia del arte, pero, también fue la puerta de salida a nuevas ideas y formas de representación del arte. Con esto no le resta importancia, pero sí es una invitación para comprender que hay más historia fuera del continente Europeo.

Hoy se dice que la modernidad artística ha agotado su capacidad de renovación y de crítica, su impulso creador. En consecuencia, reina el escepticismo. (Subirats, 1985) Hay quienes dicen que el arte contemporáneo no es arte, son objetos basura y sin valor. Ideas de espontaneidad con las que el artista quiere engañar al espectador y cumplir con con la finalidad de vender por la idea de un concepto “bien pensado” y ejecutado a través de obras de complejidad visual. Hay quienes lo aplauden y es lo que usualmente en la actualidad encontramos en la enseñanza de aulas, y espacios del arte. Una gran ventaja del arte contemporáneo es que no existe limitante alguna para su creación, esto detona la rebelión de expresión que es sumamente importante, ya que no existe lineamiento alguno para el arte, que considero es meramente una reflexión de la vida y la visión del artista.

En un mundo capitalista, podríamos romantizar el arte como la creación más pura del ser humano por provenir de sus sentires, pero seamos muy sinceros acerca de que los objetos y la exclusividad de creación vende, se ha labrado una élite en el mundo del arte (y en el mundo en general) para que esto suceda. El arte contemporáneo es una sátira a lo clásico y a la academia. Permite que cualquiera se introduzca en su mundo a través de un discurso o alguna reflexión acerca del momento en el que vivimos. Considero que la diversidad de corrientes, creaciones y artistas enriquecen a los nuevos códigos culturales que el consumismo nos ha dictado. Podemos criticar de pies a cabeza, pero todos estamos dentro de un sistema que engloba el resultado de las nuevas tendencias, tanto artísticas como también de nuestra vida.

LETRAS

El arte y magia de las letras Por Natividad Sebastián

l arte es una forma de expresión que se hace presente en nuestras vidas para enriquecer nuestros sentidos y sentimientos. La literatura es una de ellas, ya que a través de las letras que se plasman en las novelas o poemas, los autores nos regalan historias en donde expresan sus sentimientos, emociones y pensamientos. Además, muchas veces se han sacado a relucir temas políticos y luchas sociales a través de la literatura, haciendo ver y reflexionar a la sociedad sobre las carencias e injusticias que se han presentado a lo largo de la historia.

La literatura también nos hace pensar sobre lo que significa estar vivos, pues algunas obras hacen referencias a nuestras experiencias y fantasías, otras más nos permiten desahogar nuestras emociones, y todo en conjunto nos ayuda a definir tanto nuestra identidad como nuestra forma de vida, para poder hacer de ella un goce y disfrute. Por otro lado, tenemos la poesía, que nos muestra su magia, porque a través de ella se resalta la belleza, la pasión, el amor y los sentimientos. La poesía nos cultiva el alma y nos hace conectar con lo más profundo de nuestro ser, por eso favorece cualquier circunstancia y en los momentos más tristes, puede ser la luz de esperanza, esa que nos consuela y anima, la que llena esa extraña sensación de vacío de nuestra existencia.

La literatura y la poesía van más allá de ser composiciones de letras, reflejan los sentimientos, nos enseñan valores y todo aquello que nos hace sentir vivos. ¿Qué sería de nosotros sin la poesía y la literatura? Definitivamente, tendríamos esa sensación de vacío y sentimiento, además que no tendríamos esa vía de conocimiento, esa arma poderosa de lucha como medio de manifestación y expresión.

Sin lugar a duda, debemos de apreciar a la literatura y la poesía como el arte que nos hace sentir lo maravillosa que es la vida. Se nos enchina la piel cuando sentimos el amor y la pasión, cuando nos identificamos con algún relato y poco a poco nos vamos encontrando con nosotros mismos, también resalta cuando estamos tristes y con el corazón roto, nos da un aliento de consuelo combinado con esperanza. Esos sentimientos tan íntimos y profundos a los que no cualquiera puede llegar, pero cuando ocurre ese trasfondo de las letras, se puede alcanzar toda la magia, esa sensación de paz y tranquilidad que nos hace conectar con lo más profundo de nuestro ser.

Dibujar para sanar Por Fernanda Hernández

rteterapia, ésta es una forma de psicoterapia que utiliza las artes como medio para recuperar o mejorar la salud mental, el bienestar emocional y social.Se comenzó a utilizar a finales de la Segunda Guerra Mundial como mecanismo para ayudar a los soldados que tenían trastornos psicológicos ocasionados por la guerra. Con el paso de los años fue evolucionando éste término y sus fines. Actualmente, la arteterapia es reconocida como una técnica de desarrollo personal, de autoconocimiento y de expresión emocional.

G ra c i a s a su proceso creativo y de expresión es una herramienta de satisfacción y mejoramiento personal; que puede ayudar a resolver problemas, desarrollar habilidades interpersonales; manejar el comportamiento; reducir el estrés; aumentar la autoestima y la conciencia de sí mismo para ayudar a lograr la introspección.

La OMS la ha categorizado como una herramienta multidisciplinaria, es decir que puede llevarse a cabo por diferentes profesionistas de las siguientes áreas:

Como se mencionó, en un principio, se utilizaba únicamente para personas con trastornos mentales, pero con el paso del tiempo se ha llevado a más lugares como:

Psicoterapia

Residencias de ancianos

Educación

Colectivos con problemas de integración social

Rehabilitación y prevención de salud mental

Centros penitenciarios

Terapia ocupacional

Colectivos con deficiencias psíquicas

Clínica médica

Los problemas de aprendizaje

Intervención social y comunitaria

El tratamiento de enfermedades como estrés, ansiedad o trastornos alimenticios

Ahora bien, conocemos diferentes tipos de arte, la más utilizada en la arteterapia son las artes plásticas (dibujo, pintura, arcilla, fotografía, etc.), ya que ayuda a la persona a crear una obra con diferentes materiales y expande su imaginación, sin embargo, también se utiliza la danza y teatro (expresión corporal), cuentos, poesía (expresión a través de la palabra) y música (expresión a través de los sonidos y melodías). Esto depende de qué tipo de conflicto se quiera resolver o también con cuál se siente más cómoda la persona. Ya que vimos de qué trata la arteterapia, te hablaré de su uso en un área en específico: la educación. Mi enfoque se dirige al ambiente escolar de niños y adolescentes. La arteterapia es un campo muy amplio, sin embargo, al centrarse en un salón de clases lo más utilizado son las artes plásticas como pintura y dibujo, esto, porque los niños en edades tempranas, y al irse desarrollando, tienden a tener una mejor expresión gráfica que oral, por lo que sus dibujos pueden reflejarnos lo que el niño vive: ya sea problemas en casa, de aprendizaje, de inserción o emocionales.

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A continuación te dejaré algunas de las técnicas más utilizadas en el aula que podrían ayudarte:

También puede ser utilizada en niños que tienen trastornos de aprendizaje, como lo son la dislexia, disfasia, trastornos del habla e incluso autismo, puesto que son personas con problemas de expresión oral y escrita, por lo que el arte nos ayuda a aproximarnos a ellos.

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Como puedes ver, son técnicas muy sencillas con material que tienes a tu alcance, entonces, si un día te identificas con cualquiera de los sentimientos anteriores puedes intentar técnicas de arteterapia para ayudarte a resolverlo.

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Curiosidad Galáctica

Augusto, como todo chico nacido en la Tierra, asistía más por obligación que por otra razón, a la Secundaria Planetaria de Calisto. Ubicada en un satélite de Júpiter. Estaba por iniciar su último año y, para ser un chico humano, eran bastante buenas sus calificaciones. No eran las mejores porque sus compañeros de Venus, o de otros sistemas solares, arrasaban con dieces perfectos. A Augusto más que no importarle, simplemente pensaba que había cosas de más valor: cómo hacer amigos, leer temas que no eran de la escuela o meterse en situaciones que, aunque él no lo supiera, le daban más experiencia. Por Galicia Pineda Isaac BE

ara él era una faena cada inicio de ciclo escolar, junto con su mejor amigo, Tresio de Plutón, vivián un sube y baja de emociones por la alegría al ver a los antiguos amigos, pánico por los nuevos maestros e intriga por los chicos nuevos que llegaban; ya sea por un año o para concluir la escuela con ellos. Sea cual sea la razón, Augusto creía que un día llegaría un chico de verdad extraño, que volara totalmente su cabeza en cuanto formas de vida, y eso siempre lo incitaba a estar en búsqueda de nuevos compañeros. Estaba Charon que Augusto conocía más como Sharon un niño nacido en el enano Ceres, pero con orígenes en un asteroide del Cinturón de Orión, que aunque no salía de lo normal lo más característico en él es que medía menos de un metro y era de color azul.

Otra más era Jizmin, que por comodidad Augusto le decía Jazmín, una niña que se había mudado de un planeta llamado Gladion, en la constelación de Eridanus. (Por cuestiones de guerra en esa parte de la galaxia). Aquí hay algo curioso. Nos damos cuenta que la vida muchas veces es solo una repetición infinita de cartas en un juego que Dios reparte y vuelve a repartir, porque Jizmín era casi idéntica a los humanos; dos ojos, una boca, nariz, etc. Sin embargo, lo distinto radica a la hora de expresar sus sentimientos. Jiz, cuando se sentía triste, reía, cuando lloraba, sonreía, cuando tenía sueño se mostraba más activa que nunca y cuando estaba pensativa parecía más ida que concentrada. Y así, cientos de niños divertían y entretenían a Augusto. Año con año llegaban más a su escuela, tanto que por casi un mes Augusto se deleitaba escuchando y descubriendo costumbres de todos los rincones

de la galaxia, además de relatos de sus viejas y nuevas glorias, obviamente con el maquillaje heroico de todo infante, porque esa era una constante en toda la galaxia, los pequeños podían ser agresivos desde que nacían, genios que realizaban transformadas de Laplace como diversión o que no hablaban hasta los diez años pero todos, absolutamente todos, eran curiosos y tenían una etapa de infancia. Con todo lo anteriormente señalado, inició su último año en la secundaria, conoció a un chico llamado Renov; una masa gelatinosa anaranjada transportada por una cápsula movida a su propia voluntad. Aunque lo más sorprendente fue su procedencia. Era de una de las periferias más cercanas a la galaxia. Debido a su cercanía, en dónde la REVILAC (República de la Vía Láctea) había comenzado su poderío. Augusto estaba fascinado escuchando la historia de la especie de Renov: ¡Si, amigo Augusto! Así como lo escuchas, a mi especie le costó casi ochocientos mil años llegar al grado C, pero no es algo que vayamos presumiendo por todos lados. Realmente cuando más vas subiendo, más te das cuenta que el nivel es un mero trámite, cada especie es única y sube de la mejor forma que puede, eso los hace quienes son. Aunque te diré que tu especie podría subir más rápido, ¿quieres saber cómo? ¿Hola? ¿Augusto? ¡¿Me estás escuchando?! Augusto perdió su atención para fijarla en la criatura más fascinante que jamás habían visto sus jóvenes ojos. Para Augusto fue como si el mundo y el tiempo se detuvieran y no existiera nada más que esos ojos color ópalo que se transformaban en un torrente de colores. Augusto los vio de tal forma que lo dejaron totalmente desarmado. Como si hubiera visto el nacimiento de una galaxia y al mismo

tiempo él era la energía con la que se formaban los planetas y estrellas. Renov se sentía un poco indignado por la indiferencia de Augusto. Estaba a punto de revelar algunos secretos que ayudarían a su especie, pero se detuvo al ver que lo ignoraban. Vio por dos segundos a dónde se dirigía su mirada y lo entendió todo. Típico humano, no puede ver unos ojos poderosos sin quedarse boquiabierto. Dijo Renov en tono de burla. Rayos amigo, perdona, no sé qué me pasó. Jamás me había pasado esto. Era cierto, para un chico de esa edad, esa clase de emociones eran un mundo muy distinto y no reaccionar era la respuesta más obvia (más para un humano). ¿Quieres saber su nombre? Renov empezó a mostrar interés; ver esta clase de comportamientos era perfecto para su doctorado en sociología. (Esa era la razón por la que estaba en esa parte de la REVILAC.) Rayos no, ¿Por qué quisiera saberlo? Solo que sus ojos eran algo que jamás había visto o sentido, sé que parece una locura, pero ¡¿no lo notas?! Me deslumbraron, jamás había visto ojos que relucían a la luz, nada más. Pero ¿Cómo es que sabes su nombre? Augusto intentaba reponerse del manojo de emociones que era en ese momento. Ventajas de ser un nivel C. Renov se mostraba más amigable. Vamos amigo, no es raro sentirte así por alguien más, es totalmente natural y parte de ir creciendo. Pero nunca lo había sentido por alguien. ¿Cómo decirlo? No humano, ¿me entiendes? Mis padres siempre me han dicho que debo tener contacto solamente de amistad con toda clase de ser vivo distinto de la humana, son un poco conservadores…

Esas son tonterías. Renov sentenció. Lo que quiero decir amigo mío es que te acaban de flechar, y eso trasciende prejuicios, tiempo y cualquier tipo de lógica racional. ¿Y ahora qué hago? No sé qué hacer amigo Renov, es como si me congelara tan solo de pensar en esos ojos de nuevo. Augusto estaba en lo más álgido de sus pensamientos, y eso lo agotaba. Puedes ir a platicar con ella. Renov lo tomó y le arrastró hacía donde Ársula se encontraba. ¡No, espera! No puedo llegar como si nada, ¡no sé ni su nombre! Augusto intentaba soltarse del brazo metálico que crujía de la cápsula de Renov. Se llama Ársula, es de Karion, a ocho años luz de aquí, nada fuera de la galaxia y de tu categoría. Renov intentaba tranquilizarlo. ¿Quieres saber algo más de mi parte o directamente de ella? ¡¿No vas a decirme que es algo anormal?! ¿Que un humano es y debe estar con los suyos en aspectos de ese tipo? Augusto ahora estaba aterrado. Tienes una visión muy primitiva respecto a ese nivel de pensamientos, no solo tú, toda tu especie. En primera, no tiene nada de malo sentir algo por otro ser vivo con el mismo nivel racional que tú, lo del nivel racional es importante. Segundo, y eso es muy interesante, ¿cómo lo conocen ustedes? ¿amor? Sí, ¿verdad? Bueno, el amor es la expresión más típica del universo. Mmm tal vez exagero, ¡pero lo es a lo largo de la galaxia! Solo que ustedes todo lo ven como algo basado en lo carnal y que solo se da entre humanos, y solo en humanos, cuando existen al menos

un quintillón a la n más uno de formas de expresarlo. Te las enumeraría, aunque sin ánimos de ofender, no conocen ni diez. Augusto estaba impresionado. qué rayos hago!

¡Entonces

Lo que tú creas mejor. Esa pequeña vocecita que te dice con fervor que hagas algo cuando los otros sentidos se aterran o la detienen, es a la que debes escuchar. ¿Como lo dicen ustedes? Renov odiaba olvidar algo. ¿Seguir tu corazón? ¡Lo sabía! Esa voz es el siguiente paso en su evolución como especie. Esa especie de corazonada o intuición, cuando deje de ser un mero destello que sale de vez en cuando en momentos críticos y en su lugar sea la que domine sus decisiones, habrán evolucionado. ¡Sí, sí, sí!, luego hablamos de eso. Augusto empezaba a respirar más tranquilo. Está bien, iré, solo porque creo que tienes razón. No se lo digas a nadie, por favor. Déjame procesarlo antes yo solo. Yo no diré nada amigo mío, solo que no deberías esconder tus sentimientos cuando son totalmente sinceros, sin alevosía o ventaja, ¡como ahora! Augusto solo escuchó el inicio de lo que dijo Renov, lo dejó divagar y comenzó a caminar hacía Ársula. Mientras más se acercaba, una fuerza le oprimía todo el cuerpo sin razón, haciendo cada paso más difícil dar el otro, pero no cedía. Llegó hasta Ársula y la vio con total plenitud, sin el estorbo de los demás chicos. Y ahí estaba. A solo tres pasos de distancia de ella. Augusto notó que era más alta que él, al menos por cuatro centímetros, espera-

ba que no lo notara. En ese momento estaba de espaldas a él, con un largo cabello rizado de un tono parecido a la cáscara de una almendra que además parecía soltar destellos de oro cada vez que se movía con la brisa del viento. Augusto tocó su hombro con el dedo y Ársula volteó de inmediato.

Tenemos un sol muy poco radiante, cuando llegué aquí fue como estar en verano siempre, ¡este sol es muy brillante! Puedes ver que mi piel es mucho más pálida que la tuya por esa razón, pero con tres años que esté aquí, verás que la tendré más bronceada que tú. Ársula se sentía bastante cómoda.

Ahhh hola, soy Augusto. Estaba aterrado, sus intentos por no demostrarlo no estaban dando frutos. Disculpa por molestarte, solo que nunca te había visto y supongo que eres nueva… Quería saber si te gustaría que te diera un recorrido por toda la escuela. Ya sabes, para ¿acoplarte? Augusto jamás se había presentado con tantos titubeos y con una excusa tan mal elaborada, había hecho esto miles de veces y siempre llegaba confiado y preguntando si podía platicar con ellos, ya que le fascinaba conocer otras formas de pensar. Esta vez era diferente.

Yo soy de aquí… quiero decir, de este sistema solar, de la Tierra, a media hora luz.

Ársula con un tono de voz directo pero suave, con señas de un gran carácter, vio al nervioso chico. Intentó responderle de la forma más tranquila que pudo para no aterrar más al chico. Hola Augusto, eres muy amable, justamente estaba preguntándole a mis nuevas amigas. (Señaló a dos pequeñas niñas que no tenían más de once años.) No entiendo dónde debo ir a tomar clases, pero creo que ni ellas saben. ¿me ayudarías? No podía creer que había funcionado. Augusto sonrió aliviado en sus adentros. ¡Claro, mientras te enseño dónde está todo lo demás! Sin la menor muestra de desconfianza, Ársula tomó del brazo a Augusto y comenzó a caminar mientras lo bombardeaba con cientos de preguntas. Cuéntame, ¡¿de dónde eres?! Yo soy de Karion, a más o menos ocho años luz de aquí.

Ohh eres de aquí, ¡de este sistema!, ¡Eres un humano! No había conocido a nadie que viviera en su propio sistema desde hace mucho tiempo. Debe ser genial sentirte parte de algo todo el tiempo, ser foráneo es pesado, nuevas personas, dejar lo que conoces, todo desde cero. Yo creo lo contrario, ¡debe ser genial conocer cosas nuevas e iniciar desde cero! No en otro planeta, más bien, ¡en otro sistema! Eso debe ser fascinante. Ya no quedaba ni un rastro de nerviosísimo en Augusto. Bueno, esta es la dirección y tus clases son en el grupo 3-14, espera ¡estarás al lado de mi salón! Espero verte más seguido para saber más de dónde vienes, sería perfecto. Puedo decirte que soy una Neroniana, Karion es el planeta natal de mi especie. Aunque suene muy lejano, somos de alguna forma de la misma base de vida, el carbono. Mi padre me ha contado muchas veces que al menos en este brazo de la galaxia, casi todas las formas de vida se formaron a base del carbono, obvio por factores totalmente dispares, pero por esta razón, no somos tan distintos, al menos no en todo. Ya te contaré más, tengo que ir a mi clase, ¡nos vemos pronto Augusto! Y con un pequeño abrazo, se despidió Ársula de un Augusto totalmente en trance.

Así fue como inició una de las amistades más interesantes y poderosas para Augusto. A partir de ese momento, obviamente en secreto, su interés disminuyó sustancialmente en conocer nuevos chicos foráneos. Y se dedicó en mente y alma a descubrir más de la dueña de esos ojos color iridiscente.

continuará...

Por Hugo Germán Serrano Miranda BE Profesor de la Facultad de Ingeniería

ewton, el que llegó a ver más lejos por estar en hombros de gigantes; Unamuno, el filósofo, poeta, pedagogo y disidente en la España convulsa, y Miguel Cervantes de Saavedra, el creador del Quijote, el otrora Alonso Quijano que se le secó el cerebro de tanto leer libros de caballería y que con su ánimo de Caballero de la Fe nos hace cuerdos con su manchega locura (Unamuno). Pero, ¿quiénes fueron estos ilustres personajes?, ¿qué tienen en común las obras de estas tres maravillosas inteligencias? Para algunas respuestas plausibles a estas preguntas, que inspira el título del presente artículo, es conveniente ubicar brevemente el contexto histórico en que estos eruditos desarrollaron sus principales creaciones y, posteriormente, mediante relaciones de semejanza (metáforas), relacionar el tercer principio newtoniano con las figuras del pensamiento literario de Unamuno y Cervantes.

Dicho lo anterior, Isaac Newton fue profesor de Matemáticas en el Trinity College de Cambridge, formuló el tratado Philosophiae naturalis principia mathematica (Principios matemáticos de la filosofía natural) en 1687, señalado como el texto más influyente de la ciencia moderna, y es, para muchos especialistas en esta disciplina, la obra científica más importante jamás publicada. Esta monumental obra presenta los fundamentos de la física y de la astronomía formulados en el lenguaje de la geometría de Euclides. Se trata de una obra deductiva donde, a partir de unas proposiciones muy generales, se pueden demostrar propiedades mecánicas a modo de teoremas. Por su parte, Miguel de Unamuno fue filósofo, pedagogo y poeta disidente español. Escribió en 1904, Vida de Don Quijote y Sancho, uno de sus libros más representativos. En este ensayo, hace una interpretación aguda, crítica y completa de la obra cumbre de Cervantes, texto que constituye una sólida exposición de un gran número de las ideas más características de la filosofía del escritor vasco. Una obra muy original en la que logra realizar una nueva novela en la que el propio Unamuno se convierte en un tercer personaje que acompaña a lo largo de todas sus peripecias y salidas a Don Quijote

y Sancho. El doctor Martín de Riquer, erudito que durante 60 años ha estudiado la obra de Cervantes, la recomienda leer de manera simultánea con la novela del Quijote para que el lector moderno e inteligente, pero no especializado en literatura clásica, pueda comprender las intenciones del caballero de la triste figura desde una perspectiva ética y con gran encanto poético, sello distintivo de don Miguel. El español Miguel de Cervantes Saavedra, escribió Don Quijote de la Mancha a comienzos de 1605, es la obra más destacada de la literatura española y una de las principales de la literatura universal, además de ser la más leída después de La Biblia, es un libro clásico en el sentido de cómo lo concibe el escritor italiano, Ítalo Calvino: un libro que no cesa y nunca termina de decir lo que tiene que decir. Es la primera obra que desmitifica la tradición caballeresca por su tratamiento burlesco, representa la primera novela moderna y se considera el mejor trabajo literario jamás escrito.

En otro orden de ideas, muy diferentes, la tercera ley de Newton o principio de acción y reacción, establece que siempre que un objeto ejerce una fuerza sobre un segundo objeto, este ejerce una fuerza de igual magnitud y dirección, pero en sentido opuesto sobre el primero. Esta ley representa una cierta simetría en la naturaleza: las fuerzas siempre ocurren en pares y un cuerpo no puede ejercer fuerza sobre otro sin experimentar él mismo una fuerza. A veces, coloquialmente nos referimos a esta ley como una de acción-reacción, donde la fuerza ejercida es la acción y la fuerza experimentada como consecuencia es la reacción.

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La formulación original de Newton es: con toda acción ocurre siempre una reacción igual y contraria, quiere decir que las acciones mutuas de dos cuerpos siempre son iguales y dirigidas en sentido opuesto. Esta ley no es nada sencilla de entenderla, interpretarla y aplicarla en los cursos de mecánica de nuestra Facultad, en esa pesadilla llamada Anexo. Nuestros alumnos sufren tal desconcierto y nosotros, los profesores, también al tratar de enseñarla; al grado de no poder dar una interpretación satisfactoria y convincente del elemento fundamental que se necesita para resolver los problemas de mecánica: ¡la elaboración del diagrama de cuerpo libre!, ¿recuerda usted las iniciales DCL?... ¡Felicidades chamacos! Veamos el siguiente ejemplo, aunque un poco ortodoxo para exponer en clase, usted puede darle otra variante menos trágica:

Considere un individuo hipotético que está pasando por una muy grave decepción amorosa y llega a su casa en inmaculado estado etílico, y entra al baño dispuesto a vomitar en el lavabo. Levanta el rostro y se ve reflejado en el espejo, una horrenda cara desencajada, patética y triste. Se queda pensativo y después de varios segundos grita colérico: ¡cómo serás pendejo!, y después de proferir este señalamiento para sí, lanza un terrible puñetazo a su propio rostro que se refleja el espejo, después del estruendo ocasionado por el desenfrenado golpe, el resultado obvio: fragmentos del espejo regados en el lavabo y en el piso del baño, y un puño con piel desgarrada por donde se asoman huesos expuestos de los nudillos y por donde brotan ríos de sangre.

La moraleja de esta caricatura de cuento tiene tres consideraciones mecánicas y dos observaciones: 1. En este fenómeno existencial participan la interacción de dos cuerpos, el espejo (E) y el puño del sujeto decepcionado (P), ¡esta idea es justamente los requisitos para la definición de lo que es una fuerza: justo la participación de dos cuerpos! 2. La acción de P sobre E ocasiona que el espejo se quiebre, es decir, es el efecto interno que el puño le ocasiona al espejo (el trancazo del puño sobre el espejo) 3. La reacción de E sobre P ocasiona la grave herida en el puño del sujeto decepcionado, es decir, el efecto interno que sufre la mano debido al espejo después de que se quebró (el trancazo que le proporciona el espejo al puño, así de simple, también los espejos… pegan ¿?)

Observaciones: 1. A la acción de P sobre E, le corresponde una reacción de E sobre P, de igual magnitud, de igual dirección, pero de sentido contrario. Este principio es independiente del vidrio quebrado y de lo que quedó de la mano del infortunado individuo. 2. Si la descripción de este ejemplo se hubiera escenificado mediante el empleo del modelo de cuerpo rígido, es decir, puño y espejo, ambos indeformables, el ejemplo pierde su perverso encanto, ya que el vidrio y la mano jamás sufrirían efectos internos en los cuerpos participantes: deformaciones, quebrantos, desgarros, etc. En estas circunstancias jamás existirían tragedias materiales ocasionadas por desencuentros pasionales… ¡Oh, desencanto!, que terrible realidad.

Conclusión: Si el puño de un sujeto desquiciado, golpea vigorosamente contra un espejo… peor para el puño. Esta tercera ley de Newton es completamente original, pues las dos primeras ya habían sido propuestas de otra manera por Galileo, Hooke y Huygens. Ahora, veamos las relaciones que tiene esta ley con algunos pasajes de las obras de Cervantes y Unamuno. Ciertamente, Cervantes, y hay que aceptarlo, fue un lego en esto de la filosofía natural y de los principios de la geometría de Euclides que se estilaba en su época antes de Newton, pero veamos el siguiente pasaje del Quijote. Les recuerdo a los lectores que este pasaje de la obra es de 1605, fue escrito por este genio de la literatura 82 años antes de que Newton formulara su Principia.

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El Pipila

Dibujo por Marco Antonio Gómez

TOP RANDOM

ara tener una colección de arte, debes tener un gran patrimonio, pues una sola pieza cuesta millones de dólares. Tal es el caso del Salvator Mundi, pintado por Leonardo da Vinci, el cual fue subastado por la módica cantidad de 450.3 millones de dólares en 2017, ajustando el precio con la inflación del 2020 serán 475.4 millones de dólares. El comprador fue el príncipe Bader bin Abdullah bin Mohammed bin Farhan al-Saud, de hecho, fue toda una sorpresa que él comprara dicha pintura. Teniendo en cuenta lo anterior, hoy vamos a revisar cinco de las colecciones de arte más caras del mundo.

COLECCIONES DE ARTE QUE TE IMPRESIONARAN POR SU PRECIO Por Martín Cruz

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5. Francois Pinault Su colección de arte está valorada en 1,400 millones de dólares. Presidente y fundador del grupo Artémis Kering, quien administra varias marcas como Puma, Balenciaga, entre otras. Su colección incluye cerca de 2,000 piezas de arte de diferentes artistas como: Mark Rothko, Andy Warhol, Damien Hirst, Gerhard Richter, Cindy Sherman, Agnes Martin, Jeff Koons, Cy Twombly, etc. Su primera compra fue Tableau Losangique II de Piet Mondrian, comprada por 8.8 millones de dólares.

4. Philip Niarchos Su fortuna viene de la herencia de su padre, quien era un gran coleccionista de arte. La colección de Philip asciende a un valor de 2,200 millones de dólares. Existen rumores que en la colección se encuentra la mayor cantidad de trabajos de Van Gogh en manos privadas, entre ellos destaca el autorretrato de Van Gogh después de haberse mutilado la oreja, comprado por la cantidad de 71.5 millones de dólares.

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3. Eli Broad Fundador de dos compañías pertenecientes al Fortune 500, KB Home y SunAmerica, ambas relacionadas a las finanzas. Su primera obra de arte fue adquirida en 1973 y fue un dibujo de Van Gogh titulado “Cabanes a Saintes-Maries”. Por otra parte, su colección incluye obras de: Jasper Johns, Jeff Koons, Roy Lichtenstein, Damien Hirst, Ed Ruscha, Cindy Sherman, Andy Warhol. El tamaño de la colección es de cerca de 8,000 obras.

2. David Geffen De los norteamericanos más ricos, según la revista Forbes, con un patrimonio neto de aproximadamente 7,000 millones de dólares gracias a su trabajo en la producción musical. El valor de su colección de arte asciende a 2,300 millones de dólares. Esta incluye sobre todo piezas de artistas norteamericanos, por ejemplo: Jackson Pollock, Willem de Kooning, Rothko. Es considerado, por muchos, como el comprador y vendedor más listo dentro del mundo del arte.

1. Ezra y David Nahmad Estos dos hermanos poseen la colección de arte más valiosa de todo el mundo. Su colección asciende a los 3,000 millones de dólares. Algo curioso es que ellos no son considerados amantes del arte y más bien gozan de una reputación temible dentro del mundo del arte. Para ellos, cada obra de arte es como un título en el mercado de valores que con el tiempo irá ganando valor; tal es el motivo que lleva a ambos a comprar una pieza, la guardan unos años y finalmente la venden por mucho más de lo que les costó. Dicha colección está compuesta por aproximadamente 5,000 piezas de Monet, Matisse, Renoir, Rothko, entre muchos más. De éstas, 300 son solo de Picasso, se considera la colección más grande de Picasso en el mundo, solo estos cuadros tienen un valor aproximado de 900 millones de dólares. Tal vez estés pensando que en realidad sí son grandes admiradores de Picasso, pero la verdad es que no, ya que en una entrevista se le preguntó a David por qué tenía muchos más trabajos de artistas como Picasso. Él respondió que artistas como Monet y Picasso son como Microsoft y Coca-Cola, ellos saben que el retorno de su inversión será mucho menor en comparación al de algún artista contemporáneo, pero este será mucho más seguro. La colección se localiza en un almacén en Ginebra, por lo que el público general no puede gozar de esta, la razón no es otra más que la de evitar impuestos.

Así concluimos este top de las colecciones más caras del mundo, ¿conocías a alguno de los empresarios?, ¿si tuvieras el dinero, tendrías una colección de arte como alguna de estas?

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Inmolación de monje budista, 1963. Fotografía de Malcolm Browne.

En junio del año 1963, Browne logró capturar el acto de inmolación del monje Thich Quang Duc, quien decidió sentarse en medio de la calle en una posición muy representativa de su cultura: la postura de loto, posteriormente se prendió en fuego hasta morir. Esto lo realizó como protesta contra las persecuciones budistas realizadas por el presidente Ngo Dihn Diem. Es una foto impresionante, más que por el acto, por el contexto, pues se cuenta que el monje jamás gritó ni mostró ningún tipo de dolor. Además de esto, saber que él consideraba que su vida valía menos que luchar por sus ideales es algo que me deja reflexionando, ¿existe algo que posea más valor que la vida misma?

Por Ullises Martínez

1963

1932

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Almuerzo en lo alto de un rascacielos, 1932. Fotografía de Charles C. Ebbets. En la fotografía se pueden observar a 11 trabajadores durante su tiempo de descanso, el cual ocupan para comer, platicar e incluso se dan el tiempo de fumar. Todo esto mientras están a 256 metros sobre las calles de Manhattan, además de esto, no tienen ningún tipo de seguridad. La confianza de los trabajadores en su sentido del equilibrio es extraordinaria. Algo que muy pocas personas saben es que la viga es de uno de los edificios más importantes del mundo: El Empire State.

1934

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Monstruo del lago Ness, 1934. Fotografía de Ian Wetherell. En 1934 salió a la luz la fotografía de un supuesto monstruo en medio de un lago en un día nublado. No solo es la fotografía más icónica en la historia del lago Ness, también es una gran estrategía de marketing. Después de esta foto muchos aventureros vieron a un animal que no existe. Hasta nuestros días hay personas que aseguran la existencia de la criatura. ¿Ustedes qué piensan?, ¿existe o solo es una elaborada mentira para atraer turistas?

Plaza de Tiananmen, 1989. Fotografía de Stuart Franklin Magnum En la imagen captada el 5 de junio de 1989 se ve cómo un joven decide arriesgar su vida al interponerse en el camino de tanques militares. Éstos fueron enviados por el ejército chino con la orden de acabar la protesta ciudadana que llevaba casi siete semanas ocupando la emblemática plaza de Tiananmen, en el corazón de Pekín. Podemos asumir que el protagonista está cansado de la situación en su país, por lo que decide arriesgar su vida con el propósito de realizar cualquier cambio. No sólo logró su cometido, pues hizo que los tanques retrocedieran, sino que gracias a la fotografía que viralizó su acción, provocó cambios positivos en la situación de la ciudad y la percepción de la vida de algunas personas.

1989

1945

Bomba de Nagasaki, 1945. Fotografía del archivo de la U.S. Air Force. Sin duda alguna, esta foto representa más que solo una guerra; demuestra que podemos desaparecer en segundos; que la vida de las personas no vale nada para quienes se consideran sus enemigos; y que un arma tan destructiva es la culminación de lo peor del ser humano. Una voz ingenua diría que sólo es otro artefacto más para la guerra, pero es más que eso: también es sufrimiento, pérdidas, tristeza y muerte.

Falling man en los atentados del 11S de Nueva york, Richard Drew La siguiente foto es una de las más impresionantes que he visto. Intentemos imaginar los pensamientos de una persona que prefirió saltar al vacío, a morir por la falta de oxígeno. La verdad, me gustaría saber si al momento de hacerlo pensó lo qué hacía o solo lo hizo por desesperación. Esta imagen me genera muchas preguntas que nunca tendrán respuesta...

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Celis Peralta Paola Yunnuen 68 68

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Por Alumnos de Fe de Cultura y C

tura arte

ernanda Carrisoza Comunicación

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Lorena Ordóñez Martínez

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Luna Magin Dana Paola

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Por Ullises Martínez

ara empezar, hay que definir qué es una bella arte, se conoce como bellas artes a un conjunto de manifestaciones artísticas de una naturaleza creativa y con un valor estético, lo cual es demasiado ambiguo, pues depende de la región, cultura, ideologías y mentalidades. Las bellas artes se agrupan en siete disciplinas: Pintura, Escultura, Literatura, Danza, Música, Arquitectura y, desde el siglo XX, el Cine.

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Es importante mencionar que hay un gran debate sobre si la fotografía debe de contar como bella arte, pero, para esto hay algunos puntos que debe cumplir para poder ser parte de esta clasificación.

Están destinadas estrictamente a la contemplación. Esto claramente depende de la percepción de las personas y solo existen muy pocas cosas que se puedan nombrar, que a la mayoría les parezcan así (99%).

Han sido deliberadamente concebidas en el contexto de una tradición estética consagrada, a lo cual la fotografía no puede aspirar, ya que esta disciplina es muy reciente.

Se disfrutan por medio de los sentidos visual y auditivo.

Se enfocan en valores estéticos, esto al igual que el punto uno, depende de la región y de las ideologías de cada persona.

Ya que sabemos esto, es necesario analizar los aspectos que puede cubrir la fotografía. Hay un problema grande, pues los aspectos son subjetivos, y como todas las cosas subjetivas hay puntos a favor y en contra. En seguida, daré mi opinión, además de lo que está estandarizado.

74 74 La fotografía no debería ser clasificada como una “Bella arte”, excepto por los autorretratos o retratos al medio ambiente, debido a que estas fotografías son creativas, pues se busca el mejor ángulo, iluminación y diversos aspectos que nos hacen ver las cosas de una forma espectacular, diferente, contrario a las fotografías de monumentos o maravillas, ya que considero que la verdadera belleza reside en el objeto mismo al que se le toma una foto y no a la foto como tal. Pero, tal vez nos estamos enfocando de una manera “errónea” al hablar de esto, por la razón de que hay muchas personas a las que les gusta tomar fotografías, y lo hacen muy bien, sin embargo, ¿creen que sea necesario que sea considerada como una bella arte? En lo personal, no considero que sea necesario esta clasificación para que lo que hagas incite a más personas a intentarlo o tal vez, solo a admirar tu obra.

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Además, para mí no es importante una clasificación, sino que lo que hagas te guste y te esfuerces para ser lo mejor que puedas en ello, de tal modo, que en algún punto con el esfuerzo y dedicación de más personas interesadas en la fotografía logren llegar a posicionarla como la 8va bella arte. Solo piensen una cosa, ¿recuerdan alguna fotografía que les marcará la vida?, estoy seguro que sí y estoy aún más seguro que esa fotografía es más bella que cualquier otra cosa que puedan ver, ya sea por los recuerdos o el valor sentimental que tenga ese lugar o persona y eso la hace lo más hermoso que pueden ver en la vida. No sé qué pase en el futuro respecto a la fotografías y la clasificación que llegue a tener, pero un hecho es que estamos rodeados por ellas.

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REVIEW

¿Qué significa para ti poner el corazón? Este anime tiene de todo un poco, en un principio pudiera parecer otro más

Por Eduardo Barbosa

del montón, pero no es así. Vivy parte de dos premisas ya anteriormente explotadas, las cuales son: Los viajes en el tiempo y la rebelión de las inteligencias artificiales contra los humanos; pero las lleva por buen camino, conjuntando ambas y logrando algo memorable.

Sinopsis En un mundo futurista las IA llegan a la conclusión de que los humanos ya no son necesarios para su supervivencia, es ahí cuando deciden exterminarlos. Para evitar esto, un científico de apellido Matsumoto plantea enviar la conciencia de una IA cien años al pasado, para que lleve a cabo la misión: “Plan de singularidad”, y así salvar a la humanidad. La conciencia que llega al pasado está en busca de Vivy, quién es la primera IA (Inteligencia Artificial), es una inteligencia cantante y totalmente autónoma. El propósito de Vivy es simple, hacer a todos felices con su canto, sin embargo, su propósito se ve afectado por la IA del futuro, quien lleva por nombre el mismo que su creador, “Matsumoto”, y tiene como finalidad evitar que el futuro apocalíptico del que proviene ocurra.

Título: Vivy: Fluorite Eye’s Song Productores Ejecutivos: Takahashi, Y., Itou, H., Wit Studio Fecha de emisión: 3 de abril de 2021 - 19 junio de 2021 Episodios: 13

Opinión Se puede ver el cuidado de muchos aspectos en este anime, iniciando con la historia que está llena de ciencia ficción, peleas, música y artes visuales. La música tiene mucha calidad, sabe cómo hacernos sentir profundamente lo que vemos, nos transmite dolor, emoción y tristeza. La música es algo muy importante en éste aspecto, ya que al ser la protagonista una cantante, escuchamos sus canciones e instrumentales de calidad y de alto nivel, así mismo, las letras de éstas son un claro reflejo de los pasajes de vida de los personajes. Todo esto está acompañado de visuales que tienen muchos detalles y hermosos colores, en lo personal pocas veces he llegado a ver un ánime tan bien ejecutado.

Este anime tan sólo cuenta con 13 episodios, pero es su historia original la que lo llevó a ocupar un puesto en la lista de los animes originales mejores rankeados, según la plataforma MyAnimeList. Es una historia fresca e innovadora que recomiendo ampliamente, vale la pena cada minuto. De igual manera puedes consultar el soundtrack de la serie en Spotify.

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un anime muy artístico Por Samantha Castrejón

En la época de los 2000 muchas televisoras discutían por cuál anime atraía más audiencia; dentro de los cuales se encontraban: “Sakura card captor”, “Digimon”, “Pokemon”, “Tokyo mew mew”, entre otros. Dichos animes, fueron parte de esta guerra, pero “Canal Once” y “Cartoon Network” transmitieron uno cuya propuesta era algo diferente a cualquiera de los demás, ya que en los 90s era algo más artístico, literalmente.

“

Kaleido Star” nos presenta la historia de Sora Naegino, una jovencita de 16 años que busca convertirse en una estrella del escenario Kaleido, este escenario es como el conocido Cirque du Soleil. En éste, básicamente, se presenta una obra adaptada para que tenga maniobras circenses sumamente complicadas, en donde los artistas principales no solo deben interpretar su papel, sino también deben hacer los actos más complicados. El día de su audición, Sora tendrá un percance que ocasionará que no llegue a tiempo. Decepcionada, se queda a ver el espectáculo, pero en un giro del destino es incluida en la escena como reemplazo, ocasionando que sea aceptada por el dueño del escenario. Pero, no todo va a ser fácil, pues debido a este giro muchos de sus compañeros no la quieren en el elenco, sobre todo la estrella principal, Layla Hamilton, la cual duda de la capacidad de Sora, pues, aunque ella tiene talento, desconoce muchas cosas como: Columpiarse en el trapecio; saltar en el trampolín; malabares y además no sabe ballet.

A pesar de eso, Sora tiene un talento nato, un carisma inigualable, la ayuda de sus amigos, un chico enamorado y sobre todo del fantasma del escenario; éste es un espíritu que lee el futuro y dice llamarse Fool, quien solamente puede ser visto por la gente que ejecuta “la técnica fantástica”. La historia básicamente nos cuenta el camino de Sora para convertirse en una estrella, lograr el reconocimiento de Laila y sobre todo el del público con su ánimo, pero resaltando el esfuerzo que esto conlleva. No sólo tiene que enfrentar rivales, el desdén del público o a ella misma, sino también al mundo real, en donde algunas veces la vida es muy cruel, la gente no es lo que aparenta ser y cuando todo parece mejorar, cosas inesperadas suceden. Durante su trayecto no sólo veremos cómo Sora pasa por varias pruebas emocionales y físicas para conseguir los papeles, sino, también las de varios miembros del elenco. Éstos son:

La estrella principal de “Kaleido” que desea complacer a su padre en todo, pero ella solo quiere actuar en el escenario.

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Un chico que desea venganza, porque su padre murió en una obra.

Una chica que, aunque es acróbata, también es una buena escritora.

Una comediante a quien no se le dan las bromas y quiere ser como su padre.

La campeona nacional de diábolo y que quiere ser parte de Kaleido.

Un trapecista muy bueno, pero que no puede tener ninguna compañera, porque terminan lastimadas.

Una rival de Sora que solo piensa en ganar y se cree mejor en todo. Ella dejó el patinaje para entrar a los escenarios.

Perdió a su madre en un espectáculo y, aunque quiere seguir sus pasos, piensa que terminará igual que ella.

Como puedes leer, cada personaje tiene un camino diferente y distintos motivos para luchar, igual que en la vida real. Aunque Sora sea el personaje principal, se nos dejará ver parte de ellos y cómo afectan a la protagonista. También veremos la preparación de cada espectáculo, desde cómo se concibe la idea, la elección de artistas, la preparación de acrobacias y fragmentos de cómo quedó la obra, dentro de las cuales eligieron clásicos muy conocidos como: “Cenicienta”, “La sirenita”, “Romeo y Julieta”, “Drácula”, “Alicia en el país de las Maravillas”, “El viaje al oeste” y “El lago de los cisnes”. Además de adaptarse a varios estilos circenses lo como son: Equilibrio, trapecio, diábolos, patinaje, trapecios giratorios, trampolines, malabares, puntería, entre otras cosas. Los capítulos son autoconclusivos con casi la misma temática de dominar una técnica para una obra en un tiempo determinado, pero debes verlos en un orden, ya que la serie puede dividirse en

dos temáticas: el de la técnica fantástica (primera temporada) y la técnica angelical (segunda temporada). En total son 51 capítulos con tres especiales, que cuentan con doblaje colombiano, al cual no se le nota el acento característico del país. En japonés solo encontrarás dos capítulos llamados “El increíble prólogo del estrellato” parte uno y dos, además de dos especiales llamados “La Historia de Layla Hamilton” y “¡Buenos días! ¡Bueeenos!”. Como dato curioso uno de los intros originales en japonés fue doblado y no como algunos otros que fueron traducidos del inglés. A partir de la serie de anime se hizo su manga (y no al revés como suele hacerse). Una novela ligera con una historia extra y una continuación llamada “Kaleido Star ~Wings of the Future”, donde la hermanita de Sora llega a “Kaleido” en busca de ella, cuyo paradero es desconocido. Sin embargo, por desgracia la novela fue cancelada, debido a que su editorial quebró.

Por otro lado, la música es algo muy destacable, pues cada canción del soundtrack transmite sentimientos para cada escena, como tristeza, alegría o tensión; logrando no solo adaptarse a las obras, ya que una que otra podría terminar en una playlist.

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La animación fue algo sencilla para la época, pues se tenían que animar acrobacias complicadas y vistosas, así que no esperes algo muy complicado, pero sí estético. Si la empiezas a ver en esta época de pandemia, tal vez se te haga un poco lenta, pero realmente vale la pena, ya que, aunque parece muy tierna y linda, muestra un lado muy real del mundo artístico, laboral y la cara más cruel de la humanidad; pero entre tanta oscuridad existe un brillo de felicidad, amistad y esfuerzo que combate todo. Puedes encontrarla en varias páginas dedicadas a subir series retro como: Serieland, YouTube, Amazon Prime o Anime FLV, la mayoría cuenta con doblaje.

Ve “Kaleido star”, ya sea para recordar tu infancia o porque quieres ver algo que te distraiga de tanto problema en esta época, o simplemente para recordar que “tus sueños son las alas que te ayudaran a volar”.

Ficha Técnica. Director: Junichi Sato. Yoshimasa Hiraike (temporada 2). Estudio: Gonzo. Licenciado por: Bandera de Estados Unidos Funimation. Bandera de la Unión de Naciones Suramericanas Televix Entertainment. Primera emisión: 4 de abril de 2003. Última emisión: 27 de marzo de 2004. Episodios 51 y 3 especiales.

PARALELOS

Por Martín Cruz

Ésta es una pregunta que me hice el 11 de agosto del 2021, al terminar el Galaxy Unpacked. En éste evento, Samsung presentó sus últimos dispositivos: Los Buds 2 y el Samsung Galaxy Watch 4; pero los que realmente se robaron las miradas fueron los nuevos Galaxy Z Fold 3 y Galaxy Z Flip 3. Ambos son celulares plegables que se distinguen por su formato. El primero, el Z Fold 3, destaca por su inmensa pantalla abierta de 7.6 pulgadas con una resolución de 2208 x 1786 y una frecuencia de refresco de 120Hz. Una pantalla impresionante en especificaciones y por los videos mostrados, tanto por Samsung como de la prensa que tuvo acceso al dispositivo, se ve deslumbrante. En mi opinión, es un imán de miradas. No nos engañemos, igual de impresionante fue su predecesor, puesto que comparten especificaciones en cuanto a pantalla y diseño. El verdadero cambio en ésta nueva generación fue en cosas más sutiles, imperceptibles, como el cambio de material de la bisagra o que la cámara frontal es “invisible”, esto con sus desventajas.

El verdadero cambio fue en su precio, que en lugar de aumentar, disminuyó. El descuento fue de 200 dólares. En éste caso la estrategia de Samsung es atraer a más público: sumando a la reducción de precio se lanzó una campaña de intercambio de dispositivos por descuento para adquirir alguno de los dos nuevos Galaxy Z, si se llega a obtener el máximo descuento, el precio final para la versión básica del Galaxy Z Fold 3 es de 999.99 dólares. Un precio similar al de otros dispositivos no plegables de otras marcas, o en el caso de la propia Samsung, hasta por debajo del precio si lo comparamos con uno de sus modelos icónicos, como lo es el Galaxy Note 20 Ultra, el cual tiene un precio base de 1049.99 dólares.

Por otro lado, habiendo mencionado a la serie Note, desde hace ya varios meses se planteaba su inevitable muerte debido a que ya no tiene razón de existir y el pasado 11 agosto la marca puso otro clavo a su tumba. La serie Note se distinguió desde sus inicios por dos cosas principales: La primera fue su enorme pantalla, hoy algunas personas podrían considerar al primer Note como un celular pequeño con sus 5.3 pulgadas de pantalla. La segunda fue el S pen, un lápiz óptico que servía para tomar notas y dibujar, que en generaciones posteriores Samsung fue actualizando con más funciones, como los puntos de presión y hasta la conectividad Bluetooth para usarlo como botón a distancia. Éstas dos características ya no son propias del Note, ya que el S21 Ultra es compatible con el S pen y ahora, el Z Fold 3, es quien tiene la corona de la pantalla más grande dentro de la marca y también es compatible con el S pen.

Así que, ¿cuál sería la razón de comprarse un Note en estos días? Ninguna, esa es la respuesta en mi opinión. Como antiguo usuario de un Note 3, que fue mi celular favorito, y que actualmente todo lo que escribo a mano es con el Apple Pencil, puedo decir que no me compraría un Note nuevo, en cambio escogería el Z Fold 3, que es más grande, llamativo y su Stylus, al ser más largo, es más cómodo para escribir; lo sé por experiencia. Retomando la pregunta que da título a este artículo: “¿Son los smartphones plegables el futuro?” Mi respuesta es que efectivamente, el futuro va encaminado hacia una transición a los celulares plegables. Debido a sus ventajas intrínsecas como que son más grandes en tamaño de pantalla; puedes hacer multitasking más fácilmente por la división de pantalla; puedes usar la mitad de la pantalla como teclado. Es claro que también para Samsung el futuro de los celulares está en los celulares plegables y así lo dejó ver en el pasado Galaxy Unpacked.

COLECCIÓN DEFINITIVA DE RESEÑAS DE LAS MEJORES NOVELAS GRÁFICAS DE MARVEL

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Thor Renacido J

Por sunset BE

oseph Michael Straczynski, uno de los autores más talentosos de la industria, y quien hiciera que Thor renaciera, no por el título del cómic, sino porque hizo que fuera relevante de nuevo, junto a Olivier Coipel con su estilo mixto de fantasía y realismo en los paisajes. Era una época en donde casi no había cómics de Thor y solo se le veía como un integrante de los “Avengers”, pero nadie lo veía como personaje independiente… Hasta que este autor llegó y le dio un nuevo aire. Thor Reborn toma lugar luego del arco del Ragnarok (Thor 2007), cuando todo Asgard quedó hecha nada, ahora Thor, en el limbo, se encuentra con su otro yo, el Dr. Donald Blake que le hace decidir volver a la vida, dado que Odin está muerto Thor ya no está atado a su voluntad, es libre. Así, regresa a la Tierra, como el humilde Donald Blake y su palo de madera (la forma “terrícola” del Mjolnir). Ya en un pueblo humilde, convoca su poder de dios y restaura lo que era Asgard, donde ahora va en busca de sus compañeros que igual renacieron en cuerpos de mortales.

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Con todo eso en mente, uno pensaría que es el Thor bonachón de las películas o el de los cómics clásicos, que habla y exclama como escritor romántico… Pero no, este Thor es más duro y más adulto.Y entra en conflicto, ¿por qué debería seguir en la Tierra si ya nadie cree en los dioses?, sintió la traición de Iron Man a tal punto de ponerle una buena paliza (el contexto completo está en Civil War). Bueno ese es Thor, pero Donald Blake es un hombrecillo manso, tranquilo, pacífico que no le haría daño a nadie. Es la dualidad de Thor lo que lo hace pensar más humanamente.

Es una historia de cómo hasta los dioses tienen problemas y deben comprender cosas más allá de su divinidad. Thor no se ha caracterizado precisamente por tener historias excelentes, por el hecho de que procede de una mitología ya escrita y es fácil ver con los mitos, de qué van algunas tramas. Por ejemplo: con decir Ragnarok ya sabes que es el fin de Asgard (esto aplica si ya sabías del mito). Pero se puede decir que la era moderna de los cómics, es su era, porque ya se reescriben con mayor libertad esos mitos, resurgiendo y mejorando al héroe. Algo a destacar en especial, es que el arte dentro del cómic es algo increíblemente trabajado; planos dinámicos, paneles llamativos, fondos que sí son fondos, los paisajes de una tierra fantástica realista, el diseño de los personajes contrasta con el de los paisajes, pero a la vez están puestos ahí de manera orgánica, es simplemente genial el trabajo del señor Olivier. Un arco un tanto emocional, Thor God Of Thunder: Jason Aaron y Esad Ribic son una dupla a la que se le da bien Thor, parecido a Reborn, se le da diferentes enfoques psicológicos al personaje, pero igual hay peleas dignas de un dios. La trama es derrotar al Dios de la masacre: Goor.

Fear Itself: Es más un evento, pero igual Thor es el principal héroe. La serpiente ha despertado, y la única manera de detenerla es cumpliendo la profecía de la muerte de Thor en una batalla, defendiendo la existencia; los Avengers parecen inútiles contra la nueva amenaza que posee a los que tocan armas mágicas de la Serpiente, pero Odín le da la última oportunidad a la humanidad de defenderse.

Thor (por Donny Cates): Al igual que Venom, Thor recibió el tratamiento de Cates, revitalizando otra vez al personaje. La amenaza, es el Invierno Negro, que es Galactus derrotado, siendo ahora él el heraldo de un peligro aun más grande.

Thor Ragnarok:

Esta historia cuenta el primer Ragnarok, en el Vol. 1 de Mighty Thor #272-#278 en 1978, es más que heróica y de acción, aunque de hecho, sirvió como inspiración para la primera película de Thor en el Universo Cinematográfico de Marvel, aunque la verdad parece que no tomaron lo que la hacía especial y solo querían presentar al personaje para ganar dinero.

El enfoque de este Thor es el que más quisiéramos ver y de hecho lo hay, si te quedaste con ganas de más del personaje, aquí están las recomendaciones que no te puedes perder del Dios del trueno: Escrita por Roy Ths e ilustrada por John Buscema, narra cómo Loki hace su traición máxima, también muestra cómo Thor pierde sus poderes y la devastación total. Thor Reborn es una joyita escondida entre toda la saturación de Spider-Man, Iron Man, Capitán América y otros que opacan al Dios del trueno solo por las malas películas que le han hecho… Pero no por nada es el mejor Vengador y lo demuestra con estas y muchas más historias.

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La magia de las siete bellas artes

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Arte - Nigromante octubre 2021

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