1 1
Latvian National Symphony Orchestra dir. Andris Poga
bells
SERGEI RACHMANINOFF Rhapsody on a Theme of Paganini, Op. 43 Vestards Simkus, piano 0’08
03 Tema: L’istesso tempo
0’22
04 Variation II: L’istesso tempo
0’21 0’21
05 Variation III: L’istesso tempo
0’29
07 Variation V: Tempo precedente
0’29
09 Variation VII: Meno mosso, a tempo moderato
1’19
11 Variation IX: L’istesso tempo
0’36
13 Variation XI: Moderato
1’38
15 Variation XIII: Allegro
0’34
17 Variation XV: Più vivo scherzando
1’19
06 Variation IV: Più vivo
1’46
21 Variation XIX: A tempo vivace
0’35
20 Variation XVIII: Andante cantabile
01 Introduction: Allegro vivace 02 Variation I (Precedente)
19 Variation XVII: (Allegretto)
0’30
08 Variation VI: L’istesso tempo
1’26
10 Variation VIII: Tempo I
0’38
22 Variation XX: Un poco più vivo
3’30
0’41
23 Variation XXI: Un poco più vivo
0’26
25 Variation XXIII: L’istesso tempo
0’58
24 Variation XXII: Marziale. Un poco più vivo (Alla breve) 26 Variation XXIV: A tempo un poco meno mosso
1’49
1’27
The Bells, choral symphony for soprano, tenor, baritone, chorus & orchestra, Op. 35
27 Allegro, ma non tanto (The Silver Sleigh Bells) Yevgeny Akimov, tenor
12 Variation X: L’istesso tempo
1’00
28 Lento - Adagio (The Mellow Wedding Bells) Irina Krikunova, soprano
14 Variation XII: Tempo di minuetto
1’42
29 Presto (The Loud Alarm Bells) State Choir Latvija, dir. Māris Sirmais
16 Variation XIV: L’istesso tempo
0’48
18 Variation XVI: Allegretto
1’35
30 Lento lugubre - Allegro - Andante (The Mournful Iron Bells) Egils Siliņš, bass baritone
6’27 10’32 9’02 11’03
TT 63’46 2 2
ENG
While I was selecting repertoire for this recording, I realised that Russian music is the best way to demonstrate the Latvian National Symphony Orchestra’s musical and intellectual quality. Tchaikovsky, Rachmaninoff and Scriabin are composers whose works can uncover the LNSO’s soul most visibly. The greatest challenge in the recording process, of course, was finding the genuine sound and atmosphere. And I truly sensed that the LNSO musicians’ intuition matches the character and expression of Rachmaninoff’s works perfectly. Rachmaninoff’s music has always been a source of interest and inspiration for me. It is so incredibly deep, powerful, touching and skillfully written that it can be relished and studied indefinitely. Rachmaninoff’s orchestra demands a particular sound, wide scope, broad perspective and, at the same time, that special Russian soul-ache. As regards inspiration, musical interpretation cannot appear out of thin air. There is a considerably large amount of conscious and purely intuitive information contributing to it. If we speak about Rachmaninoff, my guru is, undoubtedly, maestro Yevgeny Svetlanov, especially his recording of The Bells from the very end of his life. It is the purest and most moving interpretation of the piece that I have ever heard. The greatest challenge of interpreting and recording classical repertoire, in my view, is not the resolution to say something new or trying to be original. The main challenge is to inspire, reach out to the listener, to excite – if you succeed, the effort has been worth it. The listener is always the addressee of our work, its harshest critic and, at the same time, a friend. In this recording, I invite you to give in to the distinctive sound of the Choir Latvija: clear, extremely focused and deep, its timbre rich. I hope you enjoy the interpretations of our outstanding soloists, and the orchestra as the essence, the binding agent of the performance. It will give us pride if this recording brings a new direction to your perception of Rachmaninoff as a composer of lyrical and, at the same time, virile music. Andris Poga
LNSO Music Director
3 3
Rachmaninoff composed his Rhapsody on a Theme of Paganini in a burst
serving as a central movement. Thus, Rachmaninoff creates true variety in
of creativity between 3 July and 18 August 1934. Although 1931 had
his variations, drawing the listener in, offering contrast with an impassioned
brought the Variations on a Theme of Corelli, the Rhapsody is atypical of
central interlude, before driving the music towards its thrilling final variation
Rachmaninoff’s music during the latter part of his life, when his output was sparse and usually characterised by a tone more austere than the rich romanticism of earlier works such as the second and third piano concerti. Yet it is these works which are recalled by the Rhapsody, its lush 18th variation
in particular. Indeed, while Paganini’s Caprice No. 24 has inspired numerous sets of variations, Rachmaninoff’s set remains the most celebrated perhaps because of this variation, an ingenious and sumptuous version of the theme which has taken on an independent existence, as famous as the original itself. Rachmaninoff himself recognised the potential popularity of the melody, observing dryly, “This one is for my agent”. The ingenuity of Rachmaninoff’s approach extends well beyond the appeal of this one variation, however. He side-steps the purely episodic feel of a set of variations –a form which can occasionally result in a
and exquisitely witty ending. This mastery of variation form is apparent even in the opening bars of the work. Instead of launching into the theme, Rachmaninoff begins with an introduction which hints at Paganini’s melody without explicitly laying it out. This is, in effect, the first variation, after which Rachmaninoff unfolds the theme in the strings, with the piano articulating key notes from the melodic line. The first few variations are rapid and light, with a striking shift in tone at variation 7, when Rachmaninoff introduces the Dies irae theme from the Roman Catholic Requiem Mass, a tune he frequently brought into his compositions. It has been suggested that this was a wry allusion to the notion that Paganini’s extraordinary talents could only have been acquired by making a bargain with the Devil, but this was a theme
clunky inevitability– by giving the set an overarching structure akin
to which Rachmaninoff regularly returned, so he may not have intended
to that of a concerto. Broadly, the livelier outer sections act as the first
to convey any particular meaning. Either way, the Dies irae continues to
and final movements, with the slower material at the heart of the work
haunt the next few variations, and even recurs right at the end of the work.
4 4
The 11 th variation ushers in slower material, but the atmosphere is
by no means static, evolving from introspection, to pungency, to brilliance, until the
16th
and
17th
variations prepare the ear for the luminous
18th,
a gorgeously expansive, long-breathed melody based on an inversion of
the original theme. The third overall section of the work begins with the rather dry 19th variation, after which Rachmaninoff effectively summarises the work’s contrasting elements, its darkness and light, including one last
allusion to the Dies irae. Even Rachmaninoff balked at the technical difficulty
of the 24th and final variation, nicknaming it the “Crème de Menthe
Variation” having imbibed a glass of the same, to steady his nerves, before
the first performance, which took place at the Lyric Opera House, Baltimore, on 7 November 1934.
Most of Rachmaninoff’s choral works are a capella, except for three: the
cantata Vesna (‘Spring’) dating from 1902, the Three Russian Songs (1926),
Konstantin Balmont to provide a version in Russian – which became more of an interpretation than a literal translation. The weight of conducting commitments in Moscow had become heavy, obstructing opportunities for composition, so Rachmaninoff decided to retreat with his family to Rome, residing in a flat once used by Tchaikovsky, on the Piazza di Spagna. In his memoirs Rachmaninoff referred to “the added stimulus of working in the room where Tchaikovsky had worked, of writing on the table on which he had written”. It was here that Rachmaninoff worked on most of The Bells, finishing the score during the following summer at his Russian estate, Ivanovka. The resultant choral symphony was dedicated to the conductor Willem Mengelberg and the Concertgebouw Orchestra, and was premiered in St Petersburg on 30 November 1913, with Rachmaninoff conducting.
and, sandwiched between them, Kolokola or The Bells of 1913. Rachmaninoff
Poe’s poetry resonated with Rachmaninoff’s own fascination with bells and
he was sent a copy of Edgar Allan Poe’s poem by the student of a friend,
of Novgorod, Rachmaninoff had been drawn to the sound of bells, as he
text to music. The first she knew of his response was when she read in the
“The sound of church bells dominated all the cities of Russia I used to
considered The Bells to be amongst his greatest achievements. In 1912
their associated emotions. Even as a child growing up in the countryside
a cellist who wrote anonymously to Rachmaninoff suggesting he set the
recalled in his memoirs:
news that the composer had indeed acted upon her suggestion. However, she had sent him a copy in English, so Rachmaninoff asked Symbolist poet
know – Novgorod, Kiev, Moscow. They accompanied every Russian from childhood to the grave and no composer could escape their influence…
5 5
All my life I have taken pleasure in the differing moods and music
Whereas in the first movement soloist and chorus overlapped, here they
of gladly chiming and mournfully tolling bells. One of my fondest
alternate, and campana (bells) evoke wedding chimes.
childhood recollections is associated with the four notes of the great
This pleasure is interrupted by the terror of the third movement, in which
bells in the St Sophia Cathedral of Novgorod, which I often heard
Rachmaninoff unleashes the brash iron bells of doom. There are no soloists,
when my grandmother took me to town on church Festival days. The
only the full force of the choir and rhythmic, dramatic orchestral writing.
bellringers were artists. The four notes were a theme that recurred
Haunting funeral bells characterise the final movement, in which a baritone
again and again, four silvery, weeping notes veiled in an ever-
solo and ghostly muted strings create a sombre, fatalistic air. A solemn
changing accompaniment woven around them…”
version of the ‘silver bells’ motif rom the first movement is heard, before
Each of the four movements of The Bells reflects an aspect of life: birth,
the despondent mood lifts in the peaceful final bars. C-sharp minor has
marriage, fear, death. The interval of a fifth, evoking the harmonics of bells,
modulated into the mellower D-flat major, and there is the sense that the
recurs throughout the work. Poe regarded silver sleigh bells as representing
soul is, at last, at peace. From Rachmaninoff’s memoirs once again:
birth and youth, and Rachmaninoff’s music echoes this in the opening
“If I have been at all successful in making the bells vibrate with human
movement with the joie de vivre of his tenor solo, radiant orchestral sonorities
emotion in my works, it is largely due to the fact that most of my life
–featuring tinkling celesta– and choral textures, the chorus humming the
was lived amid the vibrations of the bells of Moscow… In the drowsy
final few bars.
quiet of a Roman afternoon, with Poe’s verses before me, I heard the
The ravishing second movement reflects the joys of marriage, an event
bells’ voices, and tried to set down on paper their lovely tones that
poetically linked with golden bells. In the soprano solo and hushed choral
seemed to express the varying shades of human experience”.
textures, Rachmaninoff’s natural affinity with rich melodic contours shines.
Joanna Wyld Text by Joanna Wyld / Odradek Records, LLC is licensed under a Creative Commons AttributionNoDerivatives 4.0 International License. Permissions beyond the scope of this license may be available at www.odradek-records.com.
6 6
The State Choir Latvija, the largest professional choir of the Baltic States, is
programmes. The LNSO has won four Grand Music Awards, the highest classical
renowned worldwide for its versatility, and for communicating the specific
music prize in Latvia, and regularly performs on the international stage.
sound of the Latvian choral tradition. Since 1997 Māris Sirmais has been
The LNSO has performed with guest conductors including Latvians Arvīds
Artistic Director and Chief Conductor of the choir, which is the six-time
Jansons, Mariss Jansons and Andris Nelsons, as well as Valery Gergiev, Neeme
receiver of the Grand Music Award of Latvia.
Järvi, Paavo Järvi, Kirill Kondrashin, Kurt Masur, Krzysztof Penderecki, Gennady
State Choir Latvija has collaborated with such orchestras as the Royal
Rozhdestvensky, Yevgeny Svetlanov, and with an array of acclaimed soloists.
Concertgebouw, Bavarian Radio Symphony, London Philharmonic, Berlin
Andris Poga has been the Music Director of the LNSO since 2013. From 2007
Philharmonic, Israel Philharmonic, and Gustav Mahler Chamber Orchestra.
to 2010 he was the Artistic Director and Chief Conductor of the Orchestra
It has performed with such conductors as Mariss Jansons, Andris Nelsons,
Rīga. In 2007 he received the Grand Music Award for Debut of the Year
Neeme Järvi, Paavo Järvi, Vladimir Ashkenazy, David Zinman, Valery Gergiev,
with the LNSO. In 2010 Poga won the second Evgeny Svetlanov Conducting
Zubin Mehta, Vladimir Fedoseyev and Simone Young. The choir celebrates
Competition in Montpellier. From 2011 to 2014 he was assistant to Paavo
its 75th anniversary in 2017.
Järvi, Principal Conductor of the Orchestre de Paris; from 2012 to 2014 he
The Latvian National Symphony Orchestra (LNSO) is a team of outstanding
was Assistant Conductor of the Boston Symphony Orchestra. In March 2016 he
musicians, focusing on 19th- and 20th- century masterpieces, music by Latvian
debuted with the Leipzig Gewandhaus Orchestra, and regularly collaborates
composers, concert performances of operas and musicals, and educational
with the world’s leading orchestras in prestigious venues across the globe.
7 7
Pianist-composer Vestard Shimkus has been described as “a phenomenon”
the Golden Mask Award. He has performed at the New York Metropolitan,
(Paavo Järvi), “superb” (American Record Guide), “inspired” (BBC), and “one
Covent Garden, and the Grand Opéra, and has worked with Plácido Domingo,
of the most remarkable pianists of the young generation” (Piano News).
Ferruccio Furlanetto, and conductors Valery Gergiev, Lorin Maazel, Mstislav
International recognition has grown after performances with, among others,
Rostropovich, Esa-Pekka Salonen, Jukka-Pekka Saraste, Gianandrea Noseda
the BBC Philharmonic, City of Birmingham Symphony Orchestra, Orchestre
and Semyon Bichkov.
National de France, and the Czech Philharmonic.
Egils Siliņš is among the world’s most sought-after bass-baritones and
Soprano Irina Krikunova made her debut at the Rostov State Music
Wagner interpreters. He has performed at the world’s leading opera houses,
Theatre as Neda in Leoncavallo’s Pagliacci. Her repertoire encompasses
and has collaborated with conductors Sir Colin Davis, Nikolaus Harnoncourt,
major operatic and choral works. She has performed at ve-nues including
Marcello Viotti, Christian Thielemann, Zubin Mehta, Mstislav Rostropovich,
Moscow’s Bolshoi Theatre, London’s Royal Albert Hall, New York’s Carnegie
Gennady Rozhdestvensky, Fabio Luisi, Vladimir Fedoseyev, Riccardo Muti,
Hall, and has received the Golden Mask Diploma of Merit three times.
Neeme Järvi and Mariss Jansons. He is the recipient of the Latvian Grand
Tenor Yevgeny Akimov has been a soloist with the Mariinsky Theatre since
Music Award (1996, 2002, 2014) and the Order of Three Stars (2008).
1996. He is a Meritorious Performer of Russia, and a two-time recipient of
8 8
9 9
Andris Poga
10 10
DEU
Während ich das Repertoire für diese Aufnahme auswählte, wurde mir klar, dass russische Musik den besten Weg darstellt die musikalische und intellektuelle Qualität des Lettischen Nationalen Symphonieorchesters zu präsentieren. Tschaikowsky, Rachmaninow und Scriabin sind die Komponisten, deren Werk am besten geeignet ist Geist und Seele des LNSOs freizulegen. Das Finden des originalen Klanges und der Atmosphäre war natürlich die größte Herausforderung des Aufnahmeprozesses. Und so empfinde ich wirklich, dass die Intuition der Musiker des LNSO mit dem Charakter und Ausdruck der Werke Rachmaninows perfekt übereinstimmen. Rachmaninows Musik war für mich immer eine Quelle des Interesses und der Inspiration. Sie ist so unglaublich tief, kraftvoll, berührend und kunstvoll geschrieben, dass sie immer wieder genossen und endlos studiert werden kann. Das Orchester Rachmaninows erfordert einen besonderen Klang, großen Spielraum, einen weiten Blickwinkel und zugleich jenen speziellen russischen Seelenschmerz. Was die Inspiration anbelangt, so muss man festhalten, dass musikalische Interpretation nicht aus dem Nichts erwächst. Ein beträchtlicher Umfang bewusster und rein intuitiver Information trägt dazu bei. Und wenn wir über Rachmaninow sprechen dann ist ohne jeden Zweifel Maestro Yevgeny Svetlanov mein Guru, vor allem seine Aufnahme von „Die Glocken“ kurz vor seinem Lebensende. Es ist die reinste und bewegendste Interpretation des Stückes, die ich je gehört habe. In meinen Augen ist die größte Herausforderung bei der Interpretation und Einspielung klassischen Repertoires nicht der Entschluss etwas Neues zu sagen oder originell zu sein. Die wirkliche Herausforderung ist es zu inspirieren, den Zuhörer zu erreichen, zu begeistern – und wenn man Erfolg hat, hat sich der Aufwand gelohnt. Der Hörer ist immer der Adressat unserer Arbeit, ihr schärfster Kritiker und zugleich ein wirklicher Freund. Bei dieser Aufnahme lade ich sie ein, sich auf den charakteristischen Klang des Chores Latvija einzulassen: klar, extrem fokussiert und tief, mit einem reichen Timbre. Ich hoffe Sie erfreuen sich an den Interpretationen unserer hervorragenden Solisten, sowie dem Orchester als tragendem Fundament, dem bindenden Mittel der Aufführung. Es würde uns stolz machen, wenn diese Aufnahme eine neue Richtung in der Rezeption von Rachmaninow als einem Komponisten lyrischer und zugleich kraftvoller Musik weisen würde. Andris Poga Der Musikdirektor des LNSO 11 11
Rachmaninow komponierte seine Rhapsodie über ein Thema von Paganini
plumpe Zwangsläufigkeit mündet – und gibt dem Satz eine übergreifende
in einem Ausbruch von Kreativität zwischen dem 3. Juli und dem 18. August
Struktur, ähnlich der eines Konzertes. Allgemein gesprochen, die lebhafteren
1934. Obwohl das Jahr 1931 die Variationen über ein Thema von Corelli
Außensektionen fungieren als Eröffnungs – und Schlusssatz, während die
gebracht hatte, ist die Rhapsodie untypisch für den letzten Teil seines Lebens,
langsameren Teile im Herz des Werkes als ein zentraler Satz dienen. Auf diese
als seine Produktion karger und gewöhnlich von einem strengeren Ton
Weise schafft Rachmaninow wirkliche Vielfalt in seinen Variationen, zieht den
charakterisiert wurde, als der reiche Romantizismus seiner frühen Werke, wie
Zuhörer in den Bann, bietet Kontrast mit einem leidenschaftlichen zentralen
z.B. das Zweite und Dritte Klavierkonzert. Nun ist es aber so, dass genau diese
Zwischenspiel, bevor er die Musik in die spannende finale Variation treibt und
Werke durch die Rhapsodie wieder aufgerufen werden, namentlich durch
vorzüglich witzig enden lässt.
die überbordende 18. Variation. In der Tat, während Paganinis Caprice Nr. 24
Die Meisterschaft der Variationsform wird schon in den Eröffnungstakten des
zahlreiche Sammlungen von Variationen inspirierte, so blieb Rachmaninows
Werkes ersichtlich. Anstatt einfach mit dem Thema zu beginnen, beginnt
Bearbeitung doch die mit Abstand berühmteste, vielleicht gerade eben wegen
Rachmaninow mit einer Einführung, die auf Paganinis Melodie verweist,
dieser Variation, einer genialen und prächtigen Version dieses Themas, die
ohne sie explizit offenzulegen. In Wirklichkeit ist das die erste Variation, nach
eine quasi unabhängige Existenz gewonnen hat, so berühmt wie das Original
der Rachmaninow das Thema in den Streichern entfaltet, während das Klavier
selber. Rachmaninow erkannte durchaus die potentielle Popularität der
Leitmotive aus der melodischen Linie artikuliert. Die ersten Variationen sind
Melodie und bemerkte trocken: „Das ist für meinen Agenten“.
schnell und leicht, mit einer markanten Änderung des Tonfalles in der Variation
Der Einfallsreichtum von Rachmaninows Annäherung reicht indessen weit über
Nr. 7, wo Rachmaninow das Dies irae -Thema aus der römisch-katholischen
den Anspruch dieser einen Variation hinaus. Er umgeht das bloß episodenhafte
Totenmesse einführt, eine Melodie die er häufig in seinen Kompositionen
Gefühl eines Variationssatzes – eine Form die gelegentlich in eine etwas
einbaute. Es wurde häufig vorgebracht, dies sei eine ironische Anspielung auf
12 12
die Vorstellung, dass Paganinis außerordentlichen Talente, nur durch einen
Kantate Vesna (Frühling) aus dem Jahre 1902, die Drei russischen Volkslieder
Pakt mit dem Teufel erlangt werden konnten, aber dies war ein Thema zu
(1926) und, eingerahmt von beiden, Kolokola oder Die Glocken von 1913.
dem Rachmaninow immer wieder zurückkehrte und so mag er es wohl nicht intendiert haben, jeweils eine spezielle Bedeutung zu vermitteln. Wie auch immer, dieses Dies irae zieht sich durch die nächsten Variationen und taucht sogar am Ende des Werkes wieder auf.
Rachmaninow rechnete Die Glocken zu seinen größten Erfolgen. Im Jahre 1912 schickte ihm eine Studentin eines Freundes eine Kopie von Edgar Allan Poes Gedicht, eine Cellistin die Rachmaninow anonym anschrieb und ihn
Die 11. Variation geleitet in mehr ruhiges Material, aber die Atmosphäre ist
anregte den Text zu vertonen. Von seiner Antwort hörte sie erst als sie in den
keineswegs statisch, sondern sie entwickelt sich aus Selbstbeobachtung hin zu
Nachrichten las, dass der Komponist auf ihre Anregung reagiert hatte. Aber
beißender Schärfe und gleißender Brillanz, bis dann die 16. und 17. Variation das Ohr auf die strahlende 18. Variation vorbereiten, eine herrlich ausgreifende Melodie mit langem Atem, die auf einer Umkehrung des Originalthemas beruht. Der dritte Gesamtabschnitt beginnt mit der eher trockenen 19. Variation,
sie hatte ihm eine englische Kopie geschickt und so bat Rachmaninow den Symbolisten Konstantin Belmont eine russische Version herzustellen – die dann mehr eine Interpretation als eine wörtliche Übersetzung wurde.
nach der Rachmaninow wirkungsvoll die kontrastierenden Elemente des
Die Belastung durch Dirigierverpflichtungen in Moskau wurden immer
Werkes zusammenfasst, seine Finsternis und sein Licht, eine letzte Anspielung
schwerer und hemmte die Gelegenheit zum Komponieren, und so entschied
auf das „Dies irae“ einschließend. Selbst Rachmaninow schreckte vor den technischen Hürden der 24. Variation zurück und gab ihr den Spitznamen „ Crème de Menthe Variation“ (ein Pfefferminzlikör), da er ein Glas des selbigen getrunken hatte um seine Nerven vor der Erstaufführung zu beruhigen,
Rachmaninow sich mit seiner Familie nach Rom zurückzuziehen, wo sie in einer Wohnung bei der Piazza di Spagna residierten, die einst von Tschaikowsky genutzt wurde. In seinen Memoiren verweist Rachmaninow auf
die am 7. November 1934 im Lyric Opera House in Baltimore stattfand.
den „zusätzlichen Stimulus in dem Raum zu arbeiten, in dem Tschaikowsky
Die meisten von Rachmaninows Chorwerken sind a capella, bis auf drei: Die
gearbeitet hatte und an dem Tisch zu schreiben, an dem er geschrieben hatte.“
13 13
Es war genau hier, wo Rachmaninow am meisten an Die Glocken arbeitete
Töne bildeten ein Thema, das wieder und wieder erklang – vier
und er beendete die Partitur während des folgenden Sommers auf seinem
silbrig klagende Töne, umwoben von einem Schleier sich ständig
russischen Anwesen Ivanovka. Die entstandene Chorsymphonie war dem
wandelnder Begleitung.“
Dirigenten Willem Mengelberg und dem Concertgebouw-Orchester gewidmet und wurde am 30. November 1913 in St. Petersburg unter dem Dirigat von Rachmaninow uraufgeführt. Poes Dichtung war im Gleichklang mit Rachmaninows eigener Faszination von Glocken und den damit verbundenen Gefühlen. Schon als Kind, das in der Umgebung von Nowgorod aufwuchs, war Rachmaninow in den Bann der Glocken gezogen worden, wie er in seinen Memoiren erinnert: “Der Klang von Kirchenglocken beherrschte alle russischen Städte, die ich kannte – Nowgorod, Kiew, Moskau. Sie begleiteten jeden Russen von der Kindheit bis ins Grab und kein Komponist konnte sich ihrem Einfluss entziehen … Mein ganzes Leben lang habe ich mich an den verschiedenen Stimmungen und der Musik fröhlich helltönender und düster klagender Glocken erfreut. Eine meiner
Jeder der vier Sätze von Die Glocken reflektiert einen Aspekt des Lebens: Geburt, Hochzeit, Furcht und Tod. Das Intervall der Quint, das an die Obertöne der Glocken erinnert, erscheint immer wieder in dem Werk. Poe dachte an die silbernen Glöckchen des Pferdegespannes als Sinnbilder von Geburt und Jugend, und Rachmaninows Musik spiegelt dies im Eröffnungssatz durch die joie de vivre (Lebensfreude) des Tenorsolos, glänzenden Orchesterklänge – mit dem Gebimmel von Celesta – und Chortexturen, bei denen der Chor die letzten paar Takte summt. Der hinreißende zweite Satz verweist auf die Freuden der Ehe, ein Ereignis das poetisch mit goldenen Glocken verbunden ist. In dem Sopran-Solo und den gedämpften Chortexturen erscheint Rachmaninows natürliche Affinität für reiche melodische Konturen. Wo immer im ersten Satz der Solist und
liebsten Kindheitserinnerungen ist mit den vier Tönen der großen
der Chor sich überlappen, hier wechseln sie einander ab – und campana
Glocken der Kathedrale von St. Sophia in Nowgorod verbunden, die
(Glocken) beschwören hochzeitliches Glockenspiel.
ich oft hörte wenn meine Großmutter mich an kirchlichen Festtagen
Dieses Idyll wird durch die Schrecken des dritten Satzes unterbrochen, in
mit in die Stadt nahm. Die Glöckner waren wahre Künstler. Die vier
dem Rachmaninow die schrillen Eisenglocken des Schicksals entfesselt.
14 14
Da gibt es keine Solisten, nur die geballte Kraft des Chores und rhythmisches, dramatisches Orchesterspiel. Eindringliche Totenglocken charakterisieren den Schlusssatz, in dem ein Bariton-Solo und geisterhafte, gedämpfte Streicher eine düstere, fatalistische Atmosphäre schaffen. Eine feierliche Version des „Silberglöckchen“-Motivs aus dem ersten Satz ist zuhören, bevor die mutlose Stimmung sich in den friedvollen letzten Takten hebt. C-Moll moduliert ins mildere D-Dur, und es entsteht das Gefühl, dass die Seele letztendlich Frieden gefunden hat. Noch einmal aus Rachmaninows Memoiren: „… wenn es mir überhaupt gelungen sein sollte die Glocken in meinen Werken mit menschlichen Emotionen zum Vibrieren zu bringen, so ist dies vor allem der Tatsache zuzuschreiben, dass ich einen Großteil meines Lebens inmitten der Schwingungen der Glocken von Moskau verbracht habe … In der schläfrigen Stille eines römischen Nachmittags, vor mir die Gedichte [Edgar Allan] Poes, hörte ich die Stimmen der Glocken und versuchte, ihre lieblichen Töne zu Papier zu bringen, die die verschiedenen Nuancen menschlicher Erfahrungen auszudrücken schienen.“ Joanna Wyld Übers. Klaus Boos
Der Staatschor Latvija ist der größte professionelle Chor der Baltischen Staaten und weltweit bekannt für seine Vielseitigkeit und dafür, den speziellen Klang der lettischen Chortradition zu transportieren. Seit 1997 ist Māris Sirmais der künstlerische Direktor und Chefdirigent des Chores, der 6-mal den Grand Music Award of Latvia erhalten hat. Der Staatschor Latvija hat mit Orchestern, wie dem Royal Concertgebouw, der Bayrischen Radio Symphonie, den Londoner Philharmonikern, den Berliner Philharmonikern, dem Israel Philharmonic, und dem Gustav Mahler Chamber Orchestra zusammen gespielt. Dabei ist er mit Dirigenten wie Mariss Jansons, Andris Nelsons, Neeme Järvi, Paavo Järvi, Vladimir Ashkenazy, David Zinman, Valery Gergiev, Zubin Mehta, Vladimir Fedoseyev und Simone Young aufgetreten. Der Chor feiert 2017 seinen 75-jährigen Geburtstag. Das Lettische Nationale Symphonieorchester (LNSO) ist eine Riege außergewöhnlicher Musiker, die sich auf Meisterwerke des 19. und 20. Jahrhunderts, auf Musik lettischer Komponisten, konzertante Aufführungen von Opern und Musicals, sowie Bildungsprogramme, fokussieren. Das LNSO hat 4 Grand Music Awards gewonnen, den höchsten Preis für klassische Musik in Lettland, und ist regelmäßig auf internationalen Podien zu hören.
Das LNSO ist mit Gastdirigenten wie den Letten Harvards Jansons, Mariss Jansons and Andris Nelsons aufgetreten, aber ebenso mit Valery Gergiev, Neeme
Dieses Werk von Joanna Wyld (Übers. Klaus Boos) / Odradek Records, LLC ist lizensiert unter einer Creative Commons-Namensnennung-Keine Bearbeitungen-4.0 Internationalen Lizenz. Über diese Lizenz hinausgehende Erlaubnisse können Sie unter www.odradek-records.com erfragen.
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Järvi, Paavo Järvi, Kirill Kondrashin, Kurt Masur, Krzysztof Penderecki, Gennady
Die Sopranistin Irina Krikunova gab ihr Debüt als Neda in Leoncavallos
Rozhdestvensky, Yevgeny Svetlanov und mit einer Reihe gefeierter Solisten.
Pagliacci am staatlichen Musiktheater in Rostov. Ihr Repertoire umfasst
Andris Poga ist seit 2013 der musikalische Direktor des LNSO. Von 2007 bis 2010 war er der künstlerische Leiter und Chefdirigent des Orchesters von Riga. 2007 erhielt er den Grand Music Award für das Debüt des Jahres mit dem LNSO. 2010 gewann Poga den zweiten Evgeny Svetlanov Dirigier-Wettbewerb in Montpellier. Von 2011 bis 2014 war er Assistent von Paavo Järvi, dem ersten Dirigenten des Orchestre de Paris; von 2012 bis 2014 war er assistierender Dirigent des Boston Symphonie Orchesters. Im März 2016 debütierte er mit dem Leipziger Gewandhaus Orchester und arbeitet regelmäßig mit führenden Orchestern an den prestigeträchtigsten Veranstaltungsorten der Welt zusammen. Der Pianist und Komponist Vestard Shimkus wird als „Phänomen“ (Paavo Järvi), „superb“ (American Record Guide), “inspiriert” (BBC) und als “einer der bemerkenswertesten Pianisten der jungen Generation” (Piano News) beschrieben. Die internationale Anerkennung hat nach zahlreichen Auftritten, darunter mit dem BBC Philharmonic Orchester, dem City of Birmingham Symphony Orchester, dem Orchestre National de
France
und
der
Tschechischen
Philharmonie
zugenommen.
Hauptwerke der Opern- und Chorliteratur. Sie ist an Veranstaltungsorten, wie dem Moskauer Bolshoi Theater, der Londoner Royal Albert Hall und der New Yorker Carnegie Hall aufgetreten und hat dreimal das Golden Mask Diplom für Verdienste erhalten. Der Tenor Yewgeny Akimov ist seit 1996 Solist am Mariinsky Theater. Er ist ein “Verdienter Künstler Russlands” und zweimaliger Preisträger des Golden Mask Awards. Aufgetreten ist er an der Metropolitan Opera in New York, im Covent Garden und der Grand Opéra und hat dabei mit Plácido Domingo, Ferruccio Furlanetto und den Dirigenten Valery Gergiev, Lorin Maazel, Mstislav Rostropovich, Esa-Pekka Salonen, Jukka-Pekka Saraste, Gianandrea Noseda und Semyon Bichkov zusammengearbeitet. Egils Siliņš gehört zu den gesuchtesten Bass-Baritonen und Wagner-Sängern der Welt. Er ist an den führenden Opernhäusern der Welt aufgetreten und hat mit Dirigenten wie Sir Colin Davis, Nikolaus Harnoncourt, Marcello Viotti, Christian Thielemann, Zubin Mehta, Mstislav Rostropovich, Gennady Rozhdestvensky, Fabio Luisi, Vladimir Fedoseyev, Riccardo Muti, Neeme Järvi und Mariss Jansons zusammengearbeitet. Er hat den Latvian Grand Music Award (1996, 2002, 2014) erhalten und ist seit 2008 Träger des “Drei-Sterne-Ordens”.
16 16
Vestard Shimkus
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En sélectionnant le répertoire de cet enregistrement, j’ai réalisé que la musique russe était le médium idéal pour démontrer la qualité musicale et intellectuelle de l’Orchestre symphonique national de Lettonie (LNSO). Tchaïkovski, Rachmaninov et Scriabine sont des compositeurs dont les œuvres révèlent parfaitement la personnalité du LNSO. Le plus grand défi du processus d’enregistrement était, bien sûr, de trouver le son et l’atmosphère authentiques. Et j’ai vraiment ressenti que l’intuition des musiciens du LNSO correspondait parfaitement au caractère et à l’expression des œuvres de Rachmaninoff. La musique de Rachmaninoff a toujours représenté une source d’intérêt et d’inspiration pour moi. Elle est si incroyablement profonde, puissante, touchante et habilement écrite qu’elle peut être savourée et étudiée indéfiniment. L’orchestre de Rachmaninoff exige un son particulier, une grande amplitude, une vaste perspective et, en même temps, cette âme russe si spéciale. En ce qui concerne l’inspiration, l’interprétation musicale ne peut apparaître de nulle part. Une quantité considérable d’informations conscientes ou purement intuitives y contribue. Lorsqu’il s’agit de Rachmaninoff, mon maître est sans aucun doute le maestro Yevgeny Svetlanov, en particulier son enregistrement des Cloches vers la fin de sa vie. C’est à mes yeux l’interprétation la plus pure et la plus émouvante de cette pièce. Le plus grand défi concernant l’interprétation et l’enregistrement du répertoire classique n’est pas nécessairement de dire quelque chose de nouveau ou d’essayer d’être original. Le principal défi est d’inspirer, de tendre la main à l’auditeur, pour l’animer - si vous réussissez cela, l’effort en aura valu la peine. L’auditeur est toujours le destinataire de notre travail, le critique le plus sévère, et en même temps, un ami. Avec cet enregistrement, je vous invite à découvrir le son distinctif de la chorale Latvija: clair, extrêmement concentré et profond, au timbre riche. J’espère que vous apprécierez les interprétations de nos solistes remarquables et de l’orchestre, qui est en quelque sorte l’essence, le coagulant de la performance. Nous serons particulièrement fiers si cet enregistrement apporte une nouvelle orientation à votre perception de Rachmaninoff, comme le compositeur d’une musique lyrique mais néanmoins énergique. Andris Poga directeur musical du LNSO 18 18
Rachmaninoff a composé sa Rhapsodie sur un thème de Paganini dans un
plus dynamiques font office de premier et dernier mouvements, et le
élan de créativité entre le 3 Juillet et 18 Août 1934. Bien qu’ayant offert
matériel plus lent au cœur de l’œuvre, de mouvement central. Rachmaninoff
en 1931 les Variations sur un thème de Corelli, la Rhapsodie n’est pas
crée ainsi une réelle variété dans ses variations, captivant l’auditeur, offrant
représentative de la musique de Rachmaninoff au cours de la dernière partie de sa vie, au répertoire clairsemé et généralement plus austère que le romantisme des œuvres antérieures telles que les Concertos n°2 et 3 pour piano. Ce sont ces œuvres que rappelle la Rhapsodie, en particulier l’opulente 18ème variation. En effet, même si le Caprice n° 24 de Paganini a inspiré de nombreuses suites de variations, celle de Rachmaninoff reste la plus célèbre, peut-être à cause de cette variation, une version ingénieuse et somptueuse du thème qui prend une existence indépendante, aussi célèbre que l’original lui-même. Rachmaninoff lui-même, reconnaissant la popularité potentielle de la mélodie, observa sèchement : « celle-ci est pour mon agent ». L’ingéniosité de Rachmaninoff va cependant bien au-delà de cette variation au charme immédiat. Il contourne la sensation purement épisodique des variations sur thème – une forme qui entraîne parfois une sorte d’inéluctabilité maladroite – en donnant à l’ensemble une structure globale semblable à celle d’un concerto. De façon générale, les sections extérieures
un contraste avec un intermède central passionné, avant d’aboutir à une dernière variation palpitante et un final délicieusement spirituel. Cette maîtrise de la forme de variation est apparente dès les premières mesures de l’œuvre. Au lieu de se lancer dans le thème, Rachmaninoff commence par une introduction qui fait allusion à la mélodie de Paganini sans l’exposer explicitement. Il s’agit effectivement de la première variante, après quoi Rachmaninoff déroule le thème dans les cordes, le piano articulant les notes clés de la ligne mélodique. Les premières variations sont rapides et légères, avec un changement de ton frappant dans la variation 7, lorsque Rachmaninoff introduit le Dies irae du Requiem de la liturgie catholique, un air qu’il a souvent intégré à ses compositions. On a parfois suggéré qu’il s’agissait d’une allusion ironique aux talents extraordinaires de Paganini, uniquement rendus possibles après un pacte avec le diable ; mais il s’agit d’un thème vers lequel Rachmaninoff s’est régulièrement tourné, et peut-être ne lui a-t-il pas attribué de sens particulier.
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Quoi qu’il en soit, le Dies irae continue de hanter les variations suivantes, et
1912, il reçu une copie du poème d’Edgar Allan Poe de la part de l’élève
réapparaît même à la fin de l’œuvre.
d’un ami – un violoncelliste qui suggéra anonymement à Rachmaninoff de
La 11ème variation s’annonce plus lente, mais l’atmosphère est loin d’être
mettre le texte en musique. Elle ne prit connaissance de sa réponse qu’en
statique, allant de l’introspection à l’âcreté, puis la brillance, jusqu’à
découvrant dans la presse que Rachmaninoff suivit en effet son conseil. Elle
ce que les 16ème et 17ème variations nous préparent à l’éclat de la
lui avait cependant envoyé une version anglaise, et Rachmaninoff demanda
18ème, basée sur une mélodie impérieuse et une inversion du thème d’origine. La troisième section globale de l’œuvre commence par la 19ème variation, plutôt sèche, après quoi Rachmaninoff résume efficacement les éléments contrastés de la pièce – son obscurité et sa lumière – avec une dernière allusion au ‘Dies irae’. Rachmaninoff lui-même a hésité devant la difficulté technique de la 24ème et dernière variation, et l’a surnommait « Variation Crème de Menthe », ayant imbibé un verre dudit
au poète symboliste Konstantin Balmont de produire une version russe – devenue en fait davantage une interprétation qu’une traduction littérale. La contrainte de ses engagements de chef d’orchestre à Moscou devenue un obstacle à la composition, Rachmaninoff décida de se retirer avec sa famille à Rome, dans un appartement auparavant utilisé par Tchaïkovski sur la Piazza di Spagna. Dans ses mémoires, Rachmaninoff évoque « la motivation
breuvage pour calmer ses nerfs avant la première représentation, qui
supplémentaire de travailler dans la salle où Tchaïkovski a travaillé, sur la
s’est déroulée à l’Opéra lyrique de Baltimore le 7 Novembre 1934.
table sur laquelle il a écrit ». C’est en ce lieu que Rachmaninoff composa
La plupart des œuvres chorales de Rachmaninov sont a capella, sauf trois : la
l’essentiel des Cloches, et il finit la partition l’été suivant dans son domaine
cantate Vesna (Printemps) datant de 1902, les Trois Chansons russes (1926),
russe d’Ivanovka. La symphonie chorale résultante fut dédiée au chef
et, pris en sandwich, Kolokola ou Les Cloches de 1913. Rachmaninoff
Willem Mengelberg et à l’Orchestre du Concertgebouw, et donnée à Saint-
considérait Les Cloches comme l’une de ses plus grandes réalisations. En
Pétersbourg le 30 Novembre 1913, sous la conduite de Rachmaninoff.
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La poésie de Poe coïncidait avec la fascination de Rachmaninoff pour les
les grelots d’argent comme symboles de naissance et de jeunesse, et la
cloches et les émotions leur étant associées. Dans son enfance dans la
musique de Rachmaninoff reflète cela dans le mouvement d’ouverture
campagne de Novgorod, Rachmaninoff a longtemps été attiré par le son des
joyeux de son solo de ténor, les sonorités orchestrales radieuses – avec
cloches, comme il le rappelle dans ses mémoires :
célesta au premier plan – et ses textures chorales, avec le chœur fredonnant
“Le son des cloches de l’église dominait toutes les villes de la Russie
les quelques dernières mesures.
que je connaissais - Novgorod, Kiev, Moscou. Elles ont accompagné
Le deuxième mouvement, enchanteur, reflète les joies du mariage, un
tous les Russes de l’enfance à la tombe et aucun compositeur ne put échapper à leur influence ... Toute ma vie, j’ai pris plaisir à écouter les humeurs différentes et la musique tantôt joyeuse ou plaintive des cloches. L’un de mes souvenirs d’enfance les plus chers est associé à quatre notes des grandes cloches de la cathédrale Sainte-Sophie de Novgorod, souvent entendues quand ma grand-mère m’emmenait à
événement poétiquement lié aux clochettes d’or. Dans le solo de soprano et les textures chorales feutrées, l’aisance mélodique naturelle de Rachmaninoff est en évidence. Alors que dans le premier mouvement soliste et chœur se chevauchent, ici ils alternent, et les campanas (cloches) évoque les carillons de mariage.
la ville les jours de fête religieuse. Les sonneurs étaient des artistes. Les
Ce plaisir est interrompu par la terreur du troisième mouvement, dans
quatre notes étaient un thème qui revenait encore et encore, quatre
lequel Rachmaninoff déchaîne les cloches impétueuses du désespoir. Il
notes argentées, plaintives, voilées d’un accompagnement toujours
n’y a pas de solistes, seule la force du chœur et une écriture orchestrale
changeant autour d’elles...“
rythmique et dramatique. Les cloches funéraires caractérisent le mouvement
Chacun des quatre mouvements des Cloches reflète un aspect de la vie : la
final, dans lequel un solo de baryton et cordes en sourdine fantomatiques
naissance, le mariage, la peur, la mort. L’intervalle d’une quinte, évoquant
créent une atmosphère tragique et sombre. Une version solennelle du
les harmoniques de cloches, revient tout au long de la pièce. Poe considérait
motif des « cloches d’argent » du premier mouvement se fait entendre,
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avant que l’humeur ne s’allège à travers les dernières mesures paisibles. Le do dièse mineur se module en un ré bémol majeur, et il semble que l’âme soit, enfin, en paix. Comme l’écrit Rachmaninoff dans ses mémoires : « Si j’ai réussi à faire vibrer les cloches d’une émotion humaine dans mes œuvres, c’est en grande partie dû au fait que la plupart de ma vie a été vécue au milieu des vibrations des cloches de Moscou ... Dans le calme somnolent d’un après-midi romain, avec les vers de Poe devant moi, j’ai entendu la voix des cloches, et essayé de mettre sur papier
Le Chœur National Latvija, le plus grand chœur professionnel des Etats
baltes, est renommé dans le monde entier pour sa polyvalence et son aptitude à reproduire le son spécifique de la tradition chorale lettone. Depuis 1997, Māris Sirmais a été directeur artistique et chef d’orchestre de la chorale, et a reçu à six reprises le Grand Prix de Musique de Lettonie. Le chœur Latvija a collaboré avec des orchestres tels que : Royal Concertgebouw, Bavarian Radio Symphony, London Philharmonic, Philharmonique de Berlin, Orchestre philharmonique d’Israël et Gustav Mahler Chamber Orchestra. Il a joué avec des chefs tels que Mariss Jansons,
leurs belles tonalités qui semblait exprimer les différentes nuances de
Andris Nelsons, Neeme Järvi, Paavo Järvi, Vladimir Ashkenazy, David
l’expérience humaine ».
Zinman, Valery Gergiev, Zubin Mehta, Vladimir Fedoseyev et Simone Young. Joanna Wyld
Le chœur célèbrera son 75ème anniversaire en 2017.
L’Orchestre Symphonique National de Lettonie (LNSO) est une équipe de musiciens exceptionnels au service des chefs-d’œuvre de la musique des
XIXème et XXème siècles par des compositeurs lettons, à travers des concerts, opéras, comédies musicales et programmes éducatifs. Le LNSO a remporté quatre Grand Prix de la Musique, la récompense classique la plus prestigieuse en Lettonie, et se produit régulièrement sur la scène internationale. Le LNSO a joué avec des chefs invités, tels les lettons Arvīds Jansons, Mariss Jansons et Andris Nelsons, ainsi que Valery Gergiev, Neeme Texte de Joanna Wyld (Trad: Yannick Muet) /Odradek Records, LLC est mis à disposition selon les termes de la Licence Creative Commons Attribution - Pas d’Utilisation Commerciale - Pas de Modification 4.0 France. www.odradek-records.com
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Järvi, Paavo Järvi, Kirill Kondrachine, Kurt Masur, Krzysztof Penderecki, Gennady Rozhdestvensky, Evgueni Svetlanov, et avec plusieurs grands solistes. Andris Poga est directeur musical du LNSO depuis 2013. De 2007 à 2010, il a été directeur artistique et chef principal de l’Orchestra Rīga. En 2007, il a reçu le Grand Prix de la musique pour la meilleure première performance avec le LNSO. En 2010, Poga a remporté le second concours Mener Evgeny Svetlanov à Montpellier. De 2011 à 2014, il a été assistant de Paavo Järvi, chef principal de l’Orchestre de Paris ; en 2012-2014, il était chef assistant de l’Orchestre Symphonique de Boston. En Mars 2016, il a fait ses débuts avec l’Orchestre du Gewandhaus de Leipzig, et collabore régulièrement avec les plus grands orchestres mondiaux dans des lieux prestigieux à travers le monde. Le pianiste-compositeur Vestard Shimkus a été décrit comme “un phénomène” (Paavo Järvi), “sublime” (American Record Guide), “inspiré” (BBC), et “l’un des pianistes les plus remarquables de la jeune génération” (Piano News). Sa réputation internationale a grandi après ses concerts avec, entre autres, le BBC Philharmonic, le City of Birmingham Symphony Orchestra, l’Orchestre National de France et l’Orchestre philharmonique tchèque.
La soprano Irina Krikunova a fait ses débuts au Théâtre musical de Rostov, interprétant Neda dans Pagliacci de Leoncavallo. Son répertoire comprend des œuvres majeures d’opéra et de chœur. Elle a joué dans des salles telles que le Théâtre du Bolchoï de Moscou, le Royal Albert Hall de Londres, le Carnegie Hall de New York, et a reçu le diplôme de mérite du Masque d’or à trois reprises. Le ténor Yevgeny Akimov est soliste avec le Théâtre Mariinsky depuis 1996. Il est Interprète du Mérite Russe, et récipiendaire à deux reprises du prix
du Masque d’Or. Il a joué au Metropolitan de New York, à Covent Garden, au Grand Opéra, et a travaillé avec Plácido Domingo, Ferruccio Furlanetto et des chefs d’orchestre tels que Valery Gergiev, Lorin Maazel, Mstislav Rostropovich, Esa-Pekka Salonen, Jukka-Pekka Saraste, Gianandrea Noseda et Semyon Bichkov. Egils Siliņš figure parmi les barytons-basses et interprètes de Wagner les
plus prisés au monde. Il a joué dans les plus grandes salles d’opéra du monde, et a collaboré avec des chefs tels que Sir Colin Davis, Nikolaus Harnoncourt, Marcello Viotti, Christian Thielemann, Zubin Mehta, Mstislav Rostropovich, Gennady Rozhdestvensky, Fabio Luisi, Vladimir Fedoseyev, Riccardo Muti, Neeme Järvi et Mariss Jansons. Il est le récipiendaire du Grand Prix de Musique de Lettonie (1996, 2002, 2014) et de l’Ordre des Trois Étoiles (2008).
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Egils Siliņť
Irina Krikunova
Yevgeny Akimov
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The Bells Concert Hall GORS, Rēzekne (Latvia) 13 March 2015 Rhapsody on a Theme of Paganini Great Guild Hall, Riga (Latvia) 21 - 23 October 2015 Producer, Engineer, Mixing & Mastering: Normunds Šnē
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ODRCD345 www.lnso.lv www.odradek-records.com Photos: Tommaso Tuzj
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