Trio Appassionata - gone into night are all the eyes by Odradek

gone into night are all the eyes Trio Appassionata Ives Kirchner Moe Kotcheff

Trio Appassionata

gone into night are all the eyes

Thomas Kotcheff - gone into night are all the eyes (premiere recording) 01 evanescent 02 volatile 03 stark

5’50 5’14 11’25

Lydia Chernicoff - Violin Andrea Casarrubios - Cello Ronaldo Rolim - Piano

04 Eric Moe - We Happy Few 14’33 Leon Kirchner - Piano Trio (1954) 05 Marcato 06 Largo

8’04 6’40

Charles Ives - Piano Trio 07 Moderato 08 TSIAJ: Presto 09 Moderato con moto

5’14 6’06 12’28 TT 75’36

ENG

Though we come from three different countries – Brazil, Spain and the United States – it was in America that we first met, and began making music together. Trio Appassionata was formed in 2007 in Baltimore at the Peabody Conservatory. Since then, we have performed many masterworks for piano trio, including those by Beethoven, Schubert, Brahms, Mendelssohn, Tchaikovsky, Ravel, and Debussy. This year, we wanted to explore some of the vibrant and intriguing trios written by American composers in the 20th and 21st centuries. The discovery and exploration of these four pieces has been a rich and exhilarating process for us. Each composer has a distinct voice, and yet the pieces have many common features as well. The syntax of each piece is highly complex, with juxtaposed rhythms and themes, and layers of voices that are somehow all eventually transformed into a delicate and poignant world of sound. The first work, gone into night are all the eyes by Thomas Kotcheff, is a piece that Trio Appassionata commissioned for this project. We have known Thomas since we all studied together at the Peabody Conservatory, and have always respected and admired each other’s music making. Collaborating in the creation of this mysterious and beautiful trio has been a truly rewarding and inspiring experience. The other three works on this CD have a remarkable connection. Leon Kirchner wrote this piano trio in 1954, the same year that Eric Moe was born, and that Charles Ives passed away. We did not discover this connection until after we had chosen these pieces, however, and feel that there is a palpable energy that brought these three composers and their trios together. We had initially decided to learn Leon Kirchner’s Trio (1954) so that we would have the chance to play it for the composer himself, but he actually passed away in 2009 on the very day we began rehearsing. The stunning variety of colors and moods in this trio gives us the opportunity to use our imagination with freedom and abandon. We would like to pay tribute to and celebrate Kirchner’s life and music by including his work in this program. We love the bluesy, swinging contrast that Eric Moe’s trio We Happy Few brings to this recording. Syncopated rhythms give the piece a jazz-like ease and flow that is interrupted only by slower, dreamy passages. Intellectual, yet rebellious, Charles Ives’ Trio showcases the composer at his best. We especially take pleasure in the juxtaposition of the sacred and profane in this piece. The fact that the hilarious and tumultuous jumble of old American tunes can coexist so effortlessly with the presence of the exquisite hymn Rock of Ages makes this Trio fascinating to discover. It is our wish for this project to capture a moment in our journey as a piano trio, and to offer a new perspective on these four works by American composers from the last one hundred years. Trio Appassionata 3

The piano trio, from the simplest early classical pieces to complex later works conceived for specialist and highly professional ensembles, has always intrigued composers with the challenge of combining the potentially unequal forces of a piano and two string instruments. The works presented on this disc, from four different generations of American composers, run the full gamut of textural possibilities, from complete unity of voice, to dialogue, to opposition, and all the way to the complex layering of different voices. The music itself ranges from the delicate, fragile almost, to the boisterous and even raucous. While delight in abstract play, with different combinations of instruments within the ensemble, is a feature of all the works, they also share a strong sense of emotional content, of expression. Two of the works make this explicit by drawing on poetry, and though the other two are simply titled ‘Piano Trio’ they too are driven by expressive imperatives at least as much as structural ones. The California-based composer and pianist Thomas Kotcheff (b.1988) wrote gone into the night are all the eyes (2013) for the Trio Appassionata sponsored by the Presser Foundation. The title is taken from the opening line of a poem by Jorge Luis Borges from his collection Poems of the Night. The tone is evocative, nocturnal and ambiguous. It is not however dark in tone or melancholy, in fact it often explores the treble register of the ensemble; rather Kotcheff is concerned with the fleeting quality of things perceived at night. Marked ‘evanescent’, much of the first movement is built from short figures moving in and out of focus around sustained pitches. The harmonic language

is generally euphonious, but semitone dissonances frequently add spice and uncertainty. Similarly, though there are moments when a more sustained melodic line emerges, the end of the movement is left unresolved. The second movement presents a contrast to the first, but is also connected with it in its use of gesture, register and texture. Marked ‘volatile’ it begins with the instruments locked together in rhythmic unison, but with a mercurial quality because of the frequent silences, which seem to destabilize the music. Louder and more violent interruptions are followed by a loosening of the rhythmic unison into closely worked canonic patterns. As in the first movement, more extended melodic lines emerge. The cello then decisively detaches itself from the ensemble, playing violent outbursts derived from earlier in the movement and taking the music down to a lower register. The end of the movement is once again ambiguous. The final movement is slower and stiller; it is built from long expressive lines, punctuating bell-like sounds, and a repeating sequence of chords, which is used to underpin the structure. The melodic focus of this movement has been hinted at in the earlier movements and the lyrical climax, using the full registral range of the ensemble, seems to suggest that this is the point the music has been striving for. It proves to be a temporary state, and the piece ends with a return to more fragile sonorities and ultimately to the clear, but tonally ambiguous, opening chord. Written for the Washington Square Contemporary Music Society in 1990, We Happy Few by Eric Moe (b.1954) 4

has a title which refers to what the composer calls ‘the paradoxical artistic economics of chamber music, wherein less is generally more’. He goes on to suggest that the closing lines of Keats’s Ode to Melancholy ‘may offer an entrance to the work’s complex emotional climate’. Moe, who studied at Princeton and the University of California at Berkeley and is currently Professor of Composition at the University of Pittsburgh, clearly relishes the games that can be played with the allusiveness of titles and his output is full of colourful examples. If the initial tempo marking – ‘blues feel, rollicking, exuberant’ – seems worlds away from the poetry of Keats, it prepares us immediately for a world where cultures clash and expectations are challenged: a world in which Moe delights. We Happy Few is predominantly fast in tempo. It opens with clear musical patterns, separated by silence. The piano and strings are often in dialogue. As the work progresses the music moves towards greater continuity, longer melodic lines emerge and textures become more complex. At times the music seems on the verge of becoming something wild and unconstrained, at other times on the point of becoming lyrical. The end of the work is unexpectedly becalmed and makes what the composer calls a ‘happy-tragic’ conclusion - a paradoxical end to a paradoxical piece. Leon Kirchner (1919-2009), as one of Schoenberg’s foremost American pupils, is stylistically the most European of the composers represented here. His Piano Trio (1954) is in many ways the most conventionally expressive of the four pieces, its handling of material and texture in a direct line of descent from the Germanic 19th

century tradition. However, like Moe, Kirchner frequently uses unusual and vivid instructions for his performers: Moe marks passages ‘funky’ or ‘rock it’, Kirchner uses ‘wild’ or ‘coming from nowhere, almost out of control’. Kirchner’s Trio was commissioned by the Elizabeth Sprague Coolidge Foundation, and its two movements are beautifully balanced in size, shape and material. They are linked by the final chord of the first movement becoming the first chord of the second and thus acting like a hinge between two panels. The first movement begins with a slow introduction (which sets out the basic material for the work) but develops into impassioned, faster music. However, the slower material continues to play an active role and builds a complex structure. The second movement begins as a slow movement and seems to provide a resolution to the tensions of the first. But following a passage for the piano marked quasi cadenza, it first loses its stability then seems to regain something of the unsettled mood of the first movement. Just as the music seems on the brink of returning to a faster tempo it is cut short and the movement ends. The work uses a limited amount of thematic material, but does so with fluidity and the string writing is often lyrical. Copland described Kirchner’s music as being ‘almost frightening in intensity’ and in works like this it is possible to understand Kirchner’s stated desire to create ‘a verdant world in continuity with tradition.’ Charles Ives (1874-1954) began writing his Piano Trio in 1904, but like most of his works, it had a long gestation period: completed in 1911, revised a few years later and not performed publicly until 1948. Its three contrasted 5

movements, superficially at least, recall a traditional arrangement, but despite being the earliest work on the disc, it is in many ways the most challenging. The work was conceived as a reflection of Ives’s college days at Yale. The first movement is self-consciously serious in tone and recalls a talk by an elderly Professor of Philosophy. Its structure is clear, but perhaps owes more to the type of procedure found in a medieval motet than it does to classical form. It begins with a duet for cello and the right hand of the piano, and this is followed by a duet for violin and piano left hand, before all the material is combined. The second movement brings a complete change of tone, but does take further the textural layering of the first movement. The title ‘TSIAJ’ is an acronym for ‘This Scherzo Is A Joke’ - literally, of course, a tautology. This is an extraordinary movement, which contains quotations and collisions of different materials - Ives at his wildest. The quoted tunes include those Ives associated with students on a holiday afternoon. A brisk and brutal introduction gives way to a grotesquely harmonised march. As the movement progresses the music becomes a riot of quotations (including ‘My Old Kentucky Home’, ‘Sailor’s Hornpipe’, and ‘Ta-ra-ra-boom-de-ay’) in challenging textural, harmonic and metric relationships. It is energetic, exciting and bewildering. The only moments of respite are two passages of sudden stillness quoting ‘In the Sweet Bye and Bye’, inflected with strange whole-tone harmonic colour. The second of these leads to the abrupt conclusion of the movement. This is music of student high spirits, but complex; and its combination of sacred and secular, serious and comic, aggressive and nostalgic is entirely typical of Ives. It may be a joke, but it

is not flippant. The final movement restores a more serious tone and Ives suggested it was ‘partly a remembrance of a Sunday service on the campus’. It includes music Ives wrote for the Yale Glee Club, which is turned into a ‘learned’ canon and the piece concludes with the hymn tune ‘Rock of Ages’. The anticipated final cadence is left hanging. A nocturnal ambiguity returns.

Hugh Collins Rice

Text by Hugh Collins Rice/Odradek Records, LLC is licensed under a Creative Commons Attribution-NoDerivatives 4.0 International License. Permissions beyond the scope of this license may be available at www.odradek-records.com.

Praised for its communicative power, engaging performances, and the ability to bring audiences from different cultures together through music, Trio Appassionata was formed at the Peabody Conservatory of the Johns Hopkins University in 2007. Coming from three distinct backgrounds, its members have been awarded numerous scholarships and prizes at competitions around the globe. They are highly committed to bringing music to new audiences in a variety of ways. As artists-in-residence at Chamber Music Sedona (2012), the ensemble performed in a range of venues both formal and informal, including outreach programs in public schools and concerts in libraries and churches. The trio has performed extensively throughout North America at such venues as Weill Recital Hall at Carnegie Hall, the Freer Gallery of the Smithsonian Institution, and Bard College. In December 2013, Trio Appassionata toured Europe as a part of the Project Odradek International Music Festival, which included performances in Madrid, Salamanca, and Pescara. The trio will return to Europe in the Fall of 2014 for several recitals, including a performance of the complete repertoire from its debut album at the London Festival of American Music in St. James Theatre. Additional engagements will take them to other concert halls in the United Kingdom, Spain, Italy, the United States and Brazil. Trio Appassionata has been guided by some of today’s most eminent chamber musicians including Michael Kannen, Allison Wells, Violaine Melançon, Marian Hahn, and Yellow Barn Artistic Director Seth Knopp. The trio has also performed in masterclasses for renowned ensembles such as the Miró, Orion and Brentano Quartets. Born in the Berkshire hills of Western Massachusetts, Lydia Chernicoff began her violin studies at the age of eight. Since then, Lydia has performed at Carnegie Hall, the Kennedy Center, Jordan Hall, and Seiji Ozawa Hall among other venues, as well as in China, Europe and South America. Her principal teachers have included Violaine Melançon, Weigang Li, Milan Vitek, Magdalena Richter, and Alla Zernitskaya. She has performed with the Baltimore Chamber Orchestra, and members of Alarm Will Sound, and has collaborated with artists Seth Knopp, Michael Kannen, Maria Lambros, and Courtney Orlando. Lydia has performed in master classes for noted performers and teachers including Charles Castleman, Boris Garlitsky, Ilya Kaler, and Elmar Oliveira, and members of the Brentano, Miró, Orion, Shanghai, and Takács Quartets. She has participated in summer music festivals including the Mannes Beethoven Institute, Bowdoin International Music Festival, the Heifetz International Music Institute, and California Summer Music, among others. Among prizes Lydia has won are the J.C. Van Hulsteyn award in Violin (2012), and the Grace Clagett Ranney Prize for excellence in Chamber Music (2010), both from the Peabody Conservatory, as well the Willem Willeke Memorial Prize from the South Mountain Association (2007-2011). Lydia is a graduate of the Peabody Conservatory, where she received both her Bachelor of Music and Master of Music degrees. She is pursuing her Doctor of Musical Arts degree at the University of Maryland School of Music, where she studies with Dr. James Stern. A native of Spain, cellist Andrea Casarrubios began playing the piano at the age of two and the cello at the age of five as a student of Maria de Macedo in Madrid. She developed her studies with Lluis Claret in Barcelona, before moving to the United States in 2007 to study at the Peabody Conservatory with Amit Peled. In 2011, she was invited on a full scholarship to the University of Southern California where she completed her Master of Music degree (2013), and is currently pursuing a Performance Diploma under the tutelage of Ralph Kirshbaum. Andrea is a first prize winner of several competitions including the Solo Violoncello Competition Illa de Menorca-FIDAH (2010), the American Fine Arts Festival International Concerto Competition (2012), and the SOR Solo String Concerto Competition (2009), among others. She was also awarded second and special prize at the XIV Llanes International Cello Competition (2012), and has been sponsored by the Wingate Foundation in the U.K., the Spanish Cello Forum, as well as Juventudes Musicales of Madrid. As a soloist and chamber musician, Andrea has played extensively in many countries throughout Europe, Asia and America and has performed with artists including Daniel Phillips, Ralph Kirshbaum, Ida Kavafian, Alexander Kerr, Atar Arad, Wing Ho, Amit Peled, Karine Lethiec and François Salque. Andrea’s musicianship has also been shaped by working closely with Frans Helmerson, Laurence Lesser, Gary Hoffman, Timothy Eddy, Paul Katz and Thomas Demenga. Andrea has collaborated in festivals such as the Verbier Festival and the Menuhin Festival in Switzerland, Pablo Casals Festival in France, Piatigorsky International Cello Festival in Los Angeles, Ravinia Steans Music Institute in Chicago, Heifetz International Music 7

Institute, and the Schleswig-Holstein Musik Festival in Germany. Andrea currently lives in New York City where she is a fellow at the Carnegie Hall Academy Ensemble ACJW. Described by the newspaper El Norte (Monterrey, Mexico) as an artist “specially capable of moving an audience through his interpretations,” Brazilian pianist Ronaldo Rolim has distinguished himself among the newest generation of outstanding musicians. Winner of more than 30 awards in competitions around the globe, his latest accolades include top prizes at the Bösendorfer, San Marino and James Mottram International Piano Competitions. Ronaldo has performed extensively in his native Brazil, as well as in the United States, Mexico, South Korea, Portugal, Spain, the United Kingdom, the Netherlands, Switzerland, Italy, and Austria. He has played at prestigious venues on four different continents including Carnegie Hall (New York), Steinway Hall (London), Theatro Municipal (Rio de Janeiro), and Seoul Arts Center (Seoul), among others. He has been a guest soloist with several Brazilian orchestras, including the Brazilian Symphony Orchestra, Minas Gerais Philharmonic Orchestra and São Paulo University Orchestra; in Europe, he performed with the Royal Liverpool Philharmonic Orchestra, the Republic of San Marino Symphony Orchestra and the Northern Orchestra of Portugal, and in the United States he was a guest soloist with the Phoenix Symphony, the Pontiac Symphony and the Peabody Symphony Orchestras. Ronaldo has been invited to participate in important music festivals such as the Folle Journée, the Accademia Musicale Chigiana, and Ravinia’s Steans Music Institute. Born in 1986 in Votorantim, Brazil, Ronaldo Rolim started his musical studies with his mother, giving his first public performance at the age of four. In 1998 he was admitted at the Magda Tagliaferro School, in São Paulo, as a student of professors Zilda Candida dos Santos and Armando Fava Filho. At the age of eighteen, after winning the Nelson Freire and the Magda Tagliaferro Piano Competitions, he moved to the USA to study with Flavio Varani at Oakland University (Michigan). In 2007, Ronaldo moved to Baltimore, where he attended the Peabody Conservatory as a student of Benjamin Pasternack. While at Peabody, he received his Bachelor of Music and Master of Music degrees, as well as the prestigious Artist Diploma. Ronaldo Rolim is currently a Doctor of Musical Arts candidate at the Yale School of Music, where he studies with Boris Berman. 8

ESP

Aunque provenimos de tres países diferentes – Brasil, España y Estados Unidos – fue en este último donde nos conocimos y comenzamos a tocar juntos. Trio Appassionata se formó en 2007 en el Peabody Conservatory, en Baltimore. Desde entonces, hemos interpretado numerosas obras maestras escritas para trío con piano, incluyendo las de autores como Beethoven, Schubert, Brahms, Mendelssohn, Tchaikovsky, Ravel, y Debussy. Este año, sin embargo, deseábamos explorar algunos vibrantes y fascinantes tríos escritos por compositores americanos de los siglos XX y XXI. El descubrimiento y la exploración de estas cuatro piezas ha sido para nosotros un proceso rico y estimulante. Cada compositor posee una voz diferente, una personalidad única. Sin embargo, todas las piezas también tienen muchas características en común. La sintaxis de cada composición es sumamente compleja, con ritmos y melodías yuxtapuestas y capas de sonidos que, de alguna manera, son transformados finalmente en un delicado y emotivo mundo sonoro. La primera obra, Gone into night are all the eyes de Thomas Kotcheff, es una pieza que Trio Appassionata encargó al autor para este proyecto. Conocemos a Thomas desde que estudiamos juntos en el Peabody Conservatory y siempre hemos respetado y admirado mutuamente nuestras andaduras musicales. Colaborar en la creación de este misterioso y hermoso trío ha sido una experiencia realmente inspiradora y gratificante. Las otras tres obras contenidas en este CD cuentan con una notable conexión. Leon Kirchner compuso este trío para piano en 1954, el mismo año en el que nació Eric Moe y que falleció Charles Ives. A pesar de ello, no fuimos conscientes de la existencia de este vínculo hasta después de haber elegido las piezas, cuando sentimos que existía una energía palpable que conecta a estos tres autores y sus correspondientes tríos. En un primer momento, decidimos aprender el Trio (1954) de Leon Kirchner puesto que teníamos la oportunidad de tocarla para el propio compositor. Desafortunadamente, Kirchner falleció en 2009, el mismo día en que comenzamos a ensayar. La asombrosa variedad de tonalidades y ambientes de este trío nos brinda la ocasión de emplear nuestra imaginación con libertad y desenfreno. Nos gustaría rendirle homenaje y celebrar la vida y obra de Leon Kirchner incluyendo su Trío en este programa. Nos encanta el contraste entre el swing y el aire de blues que el trío We Happy Few de Eric Moe aporta a esta grabación. Los ritmos sincopados confieren a la pieza una fluidez y un toque de jazz que únicamente se ve interrumpido por fragmentos más lentos y oníricos. Intelectual, aunque rebelde, Trio de Charles Ives nos muestra al compositor en su máximo nivel. Disfrutamos particularmente con la yuxtaposición de lo sagrado y lo profano de esta pieza. El hecho de que la mezcla hilarante y tumultuosa de viejas melodías americanas pueda coexistir fácilmente con la presencia del exquisito himno Rock of Ages, hace de este trío algo fascinante que descubrir. Con este proyecto deseamos capturar un instante de nuestra andadura como trío y ofrecer una nueva perspectiva sobre estas cuatro obras de compositores americanos de los últimos cien años.

Trio Appassionata 10

El trío para piano y cuerdas, desde las primeras y más sencillas piezas clásicas hasta las complejas obras posteriores concebidas para especialistas y conjuntos de alto nivel profesional, siempre ha intrigado a los compositores por el desafío que supone combinar las fuerzas potencialmente desiguales de un piano y dos instrumentos de cuerda. Las obras que se presentan en este disco, de cuatro generaciones diferentes de compositores americanos, abarcan la gama completa de posibilidades texturales, desde la unidad de sonido, pasando por el diálogo, la oposición, hasta llegar a la compleja superposición de diferentes voces. La música en sí misma varía desde lo delicado, casi frágil, a lo ruidoso e incluso estridente. Aunque deleitarse en el juego abstracto, con distintas combinaciones de instrumentos dentro del conjunto, es una característica de todas las obras, también comparten un fuerte sentido de contenido emocional, de expresión. Dos de las obras lo evidencian basándose en la poesía y aunque las otras dos se titulan simplemente Piano Trio, están motivadas por imperativos expresivos al menos tanto como los estructurales. El compositor y pianista radicado en California Thomas Kotcheff (nacido en 1988) compuso Gone into the night are all the eyes (2013) para Trio Appassionata financiado por la Presser Foundation. El título fue extraído del primer verso de un poema de la colección Poems of the Night de Jorge Luis Borges. El tono es evocador, nocturno y ambiguo. Sin embargo, no es oscuro o melancólico, de hecho a menudo explora el registro de agudos del conjunto; más bien a Kotcheff le preocupaba la efímera cualidad de elementos percibidos en la oscuridad de la noche. Definido como ‘evanescente’, gran parte del primer movimiento se desarrolló a partir de figuras cortas que se enfocan y se

desenfocan alrededor de tonos sostenidos. El lenguaje armónico es generalmente eufónico, pero frecuentemente las disonancias de semitono añaden chispa e incertidumbre. De igual manera, aunque hay momentos en los que emerge una línea melódica más sostenida, el final del movimiento queda inconcluso. El segundo movimiento contrasta con el primero, pero conecta con él en su uso del gesto, registro y textura. Calificado como ‘volátil’, comienza con los instrumentos entrelazados en un ritmo unísono, pero con una calidad voluble a causa de los silencios frecuentes, los cuales parecen desestabilizar la melodía. Interrupciones más ruidosas y violentas son seguidas de una disminución del ritmo unísono en favor de patrones canónicos trabajados conjuntamente. Al igual que en el primer movimiento, aparecen líneas melódicas más prolongadas. Entonces el violonchelo se separa con decisión del conjunto, tocando violentos estallidos que derivan del principio del movimiento y llevando la melodía a un registro más bajo. Una vez más, el final del movimiento es ambiguo. El movimiento final es más lento y tranquilo; construido a partir de largas líneas expresivas, acentuado por sonidos cual campanadas y una secuencia repetitiva de acordes, que sirve para sostener la estructura. El enfoque melódico de este movimiento se ha insinuado en los anteriores y el clímax lírico, utilizando la gama completa de registros del conjunto, parece sugerir que éste es el momento emocional por el que la melodía ha estado esforzándose. Se demuestra que es un estado temporal y la pieza termina con una vuelta a las sonoridades más frágiles y por último al claro, pero tonalmente ambiguo, primer acorde. Escrita para la Washington Square Contemporary Music 11

Society en 1990, el título de la obra We Happy Few de Eric Moe (nacido en 1954) hace referencia a lo que el compositor llama ‘la paradójica economía artística de la música de cámara, donde normalmente menos es más’. Continúa sugiriendo que los versos finales de la Ode of Melancholy de Keats ‘pueden ofrecer una entrada al complejo clima emocional de la obra’. Moe, que estudió en Princeton y en la University of California en Berkeley y actualmente es profesor de composición en la University of Pittsburgh, claramente disfruta jugando a hacer alusión a los títulos y su resultado está lleno de coloridos ejemplos. Si bien el tempo inicial marcado, ‘estilo blues, alegre, exuberante’, parece estar a un mundo de distancia de la poesía de Keats, inmediatamente nos prepara para un mundo donde las culturas chocan y las expectativas son desafiadas: un mundo en el que Moe se deleita. We Happy Few es predominantemente rápida en tempo. Comienza con patrones musicales claros, separados por silencios. El piano y las cuerdas dialogan a menudo. A medida que la obra progresa, la melodía se aproxima a una mayor continuidad, aparecen líneas melódicas más largas y las texturas se vuelven más complejas. En ocasiones la música parece a punto de convertirse en algo salvaje y sin restricciones, en otras en lírica. Inesperadamente, el final de la obra es sosegado y hace lo que el compositor denomina como una conclusión ‘feliz-trágica’, un final paradójico para una pieza paradójica. Leon Kirchner (1919-2009), como uno de los alumnos americanos más destacados de Schoenberg, es estilísticamente el más europeo de los compositores aquí presentes. Su Piano Trio (1954) es en muchos aspectos la más convencionalmente expresiva de las cuatro piezas, con

su tratamiento del material y la textura en una línea directa que desciende de la tradición germánica del siglo XIX. Sin embargo, al igual que Moe, Kirchner utiliza frecuentemente instrucciones inusuales y vívidas para sus interpretaciones: Moe califica los pasajes como ‘funky’ o ‘rock it’, Kirchner como ‘salvaje’ o ‘salido de la nada, casi fuera de control’. El trío de Kirchner fue encargado por la Elizabeth Sprague Coolidge Foundation, y sus dos movimientos están perfectamente equilibrados en tamaño, forma y material. Están conectados por el acorde final del primer movimiento, convirtiéndose en el primer acorde del segundo y actuando así como una bisagra entre dos paneles. El primer movimiento comienza con una lenta introducción (la cual establece el material temático básico para la obra) que se transforma en una serie de elementos más rápidos y apasionados. Sin embargo, el material más lento de la introducción continúa desempeñando un papel activo y crea una estructura compleja. El segundo movimiento comienza con un tono filosófico y parece resolver las tensiones del primero. Pero a continuación un pasaje para piano marca la quasi cadenza, que primero pierde su estabilidad y después parece recuperar algo del ambiente inestable del primer movimiento. Justo cuando la melodía aparenta estar a punto de volver a un tempo más veloz, se interrumpe y el movimiento termina brúscamente. La obra utiliza una cantidad limitada de material temático, pero lo hace con fluidez y la composición de la cuerda es a menudo lírica. Copland describió la música de Kirchner como ‘de una intensidad casi aterradora’ y en obras como esta es posible entender el deseo expreso de Kirchner de crear ‘un mundo verde en continuidad con la tradición’. Charles Ives (1874-1954) comenzó escribiendo su Piano 12

Trio en 1904, pero como la mayoría de sus obras, tuvo un largo período de gestación: fue acabada en 1911, revisada pocos años después y no fue interpretada públicamente hasta 1948. Sus tres movimientos contrastados, al menos superficialmente, recuerdan a un arreglo tradicional, pero a pesar de ser la obra más temprana del disco, es en muchos sentidos la más estimulante. La obra fue concebida como un reflejo de la etapa universitaria de Ives en Yale. El primer movimiento es conscientemente de tono serio y evoca una charla de un anciano profesor de filosofía. Su estructura es clara, pero quizás se deba más al tipo de procedimiento basado en un motete medieval, que a la forma clásica. Inicia con un dueto para chelo y mano derecha del piano, seguido por un dueto para violín y mano izquierda del piano, antes de que todo el material se fusione. El segundo movimiento trae un completo cambio de tono, pero lleva más lejos la superposición textural del primer movimiento. El título ‘TSIAJ’ es un acrónimo de ‘This Scherzo Is A Joke’, literalmente una redundancia. Se trata de un extraordinario movimiento, que contiene citas y confrontaciones de diferentes materiales, Ives en su faceta más salvaje. Las melodías citadas incluyen aquellas que Ives asociaba con los estudiantes en una tarde de fiesta. Una brusca y brutal introducción da paso a una marcha afinada grotescamente. A medida que el movimiento avanza, la melodía se convierte en un estallido de citas de temas americanos (incluidas ‘My Old Kentucky Home’, ‘Sailor’s Hornpipe’ y ‘Ta-ra-ra-boom-de-ay’) desafiando las relaciones texturales, armónicas y métricas. Es enérgico, emocionante y desconcertante. Los únicos momentos de descanso son dos pasajes de calma repentina en los que se cita ‘In the Sweet Bye and Bye’, con una inesperada y

completa tonalidad armónica. El segundo de ellos conduce a la conclusión abrupta del movimiento. Esta es la música del entusiasmo estudiantil, pero compleja; y su combinación sagrada y secular, seria y cómica, agresiva y nostálgica es totalmente típica de Ives. Puede ser una broma, pero no es frívola. El movimiento final recupera un tono más serio e Ives sugirió que era ‘en parte un recuerdo de un servicio religioso dominical en el campus’. Incluye música que Ives compuso para el Yale Glee Club, el cual se convirtió en un canon erudito y la pieza concluye con la melodía del himno ‘Rock of Ages’. La cadencia final anticipada queda suspendida. Una ambigüedad nocturna regresa. Hugh Collins Rice Traducción: Leticia Imbernón Hidalgo

Texto escrito por Hugh Collins Rice (traducido por Leticia Imbernón Hidalgo)/ Odradek Records, LLC está autorizada por la licencia internacional Creative Commons Reconocimiento-NoComercial-SinObraDerivada 4.0. Los permisos más allá del alcance de esta licencia se encuentran disponibles en www.odradek-records.com

Aclamado por su poder comunicativo, sus cautivadoras interpretaciones y su refinada musicalidad, el Trio Appassionata se formó en el Peabody Conservatory de la Johns Hopkins University en el año 2007. Sus miembros han sido galardonados con numerosos premios en todo el mundo. Provenientes de tres culturas diferentes, el trío explora gran diversidad de compositores de múltiples países y épocas ofreciendo al público las cualidades artísticas de estos lugares a través del lenguaje musical. Durante la temporada 2011-2012 fueron artistas residentes en el Sedona Chamber Music Festival (Arizona), donde ofrecieron conciertos a la vez que presentaciones de diferentes programas pedagógicos. En otoño de 2010, el trío fue seleccionado como Ensemble Honorífico residente en Peabody Conservatory, y en 2012 ganó el prestigioso Presser Award. El Trio Appassionata ha actuado por todos los Estados Unidos en auditorios tales como el Carnegie Hall de Nueva York y la Smithsonian Freer Gallery de Washington D.C. En diciembre de 2013, el trío realizó una gira por Europa como parte del Proyecto Odradek International Music Festival, incluyendo conciertos en Madrid, Salamanca y Pescara. El Trio Appassionata vuelve a Europa en noviembre de 2014 para ofrecer nuevas actuaciones, incluyendo un recital con todas las obras de su CD en el London Festival of American Music en St. James Theatre. Otros compromisos les llevarán al Reino Unido, España, Italia, Estados Unidos y Brasil. El trío ha trabajado con algunos de los más relevantes intérpretes de música de cámara del momento, incluyendo al pianista Seth Knopp, Director Artístico del Yellow Barn Music Festival, así como Michael Kannen, Alison Wells, Violaine Melançon, Maria Lambros y miembros de los cuartetos Miró, Orion y Brentano. Nacida en Berkshire Hills al oeste de Massachusetts, E.E.U.U., Lydia Chernicoff comienza sus estudios de violín a los ocho años de edad. Desde entonces, Lydia ha actuado en salas como el Carnegie Hall, Kennedy Center, Jordan Hall y Seiji Ozawa Hall, así como en auditorios de China, Europa y Sudamérica. Sus profesores principales han sido Violaine Melançon, Weigang Li, Milan Vitek, Magdalena Richter y Alla Zernitskaya. Lydia ha colaborado con la Baltimore Chamber Orchestra, miembros de Alarm Will Sound, y con artistas como Seth Knopp, Michael Kannen, Maria Lambros, Courtney Orlando y Marina Piccinini. Asimismo ha participado en diversas clases magistrales con notables profesores como Charles Castleman, Boris Garlitsky, Ilya Kaler, Elmar Oliveira y miembros de los cuartetos Bretano, Miró, Orion, Shanghai y Takács. Entre los festivales en los que ha participado, caben destacar el Mannes Beethoven Institute, Bowdoin International Music Festival, Heifetz International Music Institute, y California Summer Music. Lydia ha sido galardonada con múltiples premios como el J.C. Van Hulsteyn award de violín (2012), el Premio Grace Clagett Ranney a la excelencia en Música de Cámara (2010), así como el Willem Willeke Memorial Prize de la Asociación South Mountain (2007-2011). Lydia se graduó en violín de la Universidad de Johns Hopkins, Peabody Conservatory, donde obtuvo la licenciatura y el Master en Violin Performance. En la actualidad Lydia está haciendo su Doctorado en la University of Maryland School of Music, donde estudia con Dr. James Stern. La violonchelista española Andrea Casarrubios ha ofrecido tanto conciertos de música de cámara como de solista en diversos países de Europa, Asia y América. Ha sido invitada en festivales como Ravinia RSMI Festival, Verbier Festival, Casals Festival, Piatigorsky Cello Festival y Schleswig-Holstein Musik Festival, colaborando con los artistas Ralph Kirshbaum, Ida Kavafian, Daniel Phillips, Alexander Kerr, Atar Arad, Karine Lethiec, François Salque, Frans Helmerson, Gary Hoffman y Laurence Lesser. Andrea ha sido galardonada con primeros premios en numerosos concursos incluyendo el I Concurso de Solistas de Violonchelo Illa de Menorca-FIDAH, American Fine Arts Concerto Competition 2012, SOR Solo String Competition en Montana 2009, Certamen Nacional de Piano Río del Oro en 2005, así como el segundo premio en el XIV Llanes International Cello Competition 2012. Andrea comenzó sus estudios de piano a los dos años de edad con la pianista y compositora María Escribano continuando su formación con Ludmil Angelov en Toledo. Al mismo tiempo, Andrea se formó como chelista con María de Macedo en Madrid completando sus estudios con Lluís Claret en Barcelona. Becada por Juventudes Musicales de Madrid, Forum de Violonchelos de España y The Wingate Foundation en Inglaterra, Andrea se licenció en violonchelo de la mano de Amit Peled en el Peabody Conservatory de la Johns Hopkins University en 2011. En 2014 Andrea finaliza el Master y Performance Diploma con Ralph Kirshbaum en la University of Southern California. Actualmente Andrea vive en Nueva York, donde desarrolla una carrera musical activa como chelista del Carnegie Hall Academy Ensemble ACJW. 14

Elogiado por el periódico El Norte (Monterrey, México) como astista “capaz de mover audiencias a través de sus interpretaciones”, el pianista brasileño Ronaldo Rolim es ganador de más de 30 premios en concursos internacionales. Entre sus últimos éxitos figuran el Bösendorfer, San Marino y James Mottram International Piano Competitions. Ronaldo ha actuado en su Brasil natal, así como en Estados Unidos, México, España, Portugal, Reino Unido, Corea del Sur, Países Bajos, Suiza, Italia y Austria, en auditorios como el Carnegie Hall, Steinway Hall, Teatro Municipal de Rio de Janeiro y Seoul Arts Center. Ha sido solista invitado en varias orquestas brasileñas y en Europa ha colaborado con la Royal Liverpool Philharmonic Orchestra, Republic of San Marino Symphony Orchestra y la Northern Orchestra de Portugal. Ronaldo ha participado en festivales como Accademia Musicale Chigiana, Folle Journée y Ravinia’s Steans Music Institute. Nacido en 1986 en Votorantim, Ronaldo comenzó sus estudios musicales con su madre dando su primer concierto público a la edad de cuatro años. En 1998 fue admitido en la escuela Magda Tagliaferro en São Paulo como alumno de Zilda Candida dos Santos y Armando Fava Filho. Tras ganar los concursos Nelson Freire y Magda Tagliaferro, Ronaldo se traslada a los Estados Unidos para estudiar con Flavio Varani en Oakland University, Michigan. Ronaldo obtuvo la Licenciatura y el Master en Piano (2011) a la vez que el prestigioso Artist Diploma (2013) como estudiante de Benjamin Pasternack en el Peabody Conservatory de la Johns Hopkins University. En la actualidad Ronaldo realiza un Doctorado en la Universidad de Yale School of Music, donde estudia con Boris Berman. 15

Obwohl wir aus drei verschiedenen Ländern – Brasilien, Spanien und den Vereinigten Staaten – kommen, haben wir uns das erste Mal in Amerika kennengelernt und begonnen Musik zu machen. Trio Appassionata wurde 2007 am Peabody Conservatory in Baltimore gegründet. Seitdem haben wir viele Meisterwerke des Klaviertrio-Repertoires, von Komponisten wie Beethoven, Schubert, Brahms, Mendelssohn, Tchaikovsky, Ravel und Debussy, aufgeführt.Heuer wollten wir die dynamischen und faszinierenden Trios amerikanischer Komponisten des 20. und 21. Jahrhunderts erkunden. Es war ein bereichernder und aufregender Prozess diese vier Werke zu entdecken und zu erforschen. Jeder der Komponisten hat eine erkennbare Stimme, und dennoch haben die Stücke viele Gemeinsamkeiten. Der Aufbau jedes Werkes ist höchst komplex, mit kontrastierenden Rhythmen und Themen, sowie verschiedenen Schichtungen der Stimmen, die letzten Endes irgendwie zu einer delikaten und ergreifenden Klangwelt verschmelzen. Das erste Werk ist Gone into Night Are All the Eyes von Thomas Kotcheff, eine Komposition, die vom Trio Appassionata speziell für dieses Projekt in Auftrag gegeben wurde.Wir kennen Thomas seit unserer gemeinsamen Studienzeit im Peabody Conservatory und hatten schon immer gegenseitigen Respekt für unsere musikalischen Errungenschaften. Es war sehr eine sehr lohnende und inspirierende Erfahrung um an der Schöpfung dieses mysteriösen und schönen Trios mitzuarbeiten. Die drei weiteren Werke auf dieser CD haben eine besondere Verbindung. Leon Kirchner schrieb dieses Klaviertrio 1954, im selben Jahr in dem Eric Moe geboren wurde und in dem Charles Ives starb. Diese Verbindung fiel uns erst auf, als wir die Stücke bereits gewählt hatten, jedoch spüren wir, dass eine beinahe greifbare Energie diese drei Komponisten und ihre Trios zusammengeführt hat. Ursprünglich beschlossen wir Leon Kirchners Trio (1954)einzustudieren, sodass wir die Möglichkeit hätten um es dem Komponisten selbst vorzuspielen, doch leider verstarb er 2009 an jenem Tag an dem wir zu proben begannen. Die beeindruckende Vielfalt an Farben und Stimmungen in diesem Trio gibt uns die Möglichkeit unserer Phantasie freien Lauf zu lassen. Wir möchten Kirchners Leben und Werk durch die Aufnahme dieser Komposition in unser Programm ehren. Wir lieben den bluesigen, swingenden Kontrast, den Eric Moes Trio We Happy Few dieser Aufnahme verleiht. Die synkopierten Rhythmen geben dem Stück eine jazzige Leichtigkeit und einen Fluss, der nur durch langsamere, verträumtere Passagen unterbrochen wird. Intellektuell, und doch rebellisch – das Trio von Charles Ives zeigt den Komponisten von seiner besten Seite. Dabei genießen wir vor allem die Gegenüberstellung von Heiligem und Weltlichem in dieser Komposition. Es ist faszinierend zu hören,wie das übermütige und tumultartige Wirrwarr alter amerikanischer Lieder so mühelos mit der erhabenen Hymne Rock of Ages verschmelzen kann. Wir wünschen uns, dass dieses Projekt eine Momentaufnahme unserer gemeinsamen Reise als Klaviertrio ist, und dass wir einen neuen Blickwinkel auf diese vier Kompositionen amerikanischer Komponisten der letzten hundert Jahre werfen können. Trio Appassionata 16

Das Klaviertrio hat – von den einfachsten klassischen Stücken bis hin zu späteren komplexen Werken, die für professionelle Spezialistenensembles geschrieben wurden – immer wieder Komponisten fasziniert sich der Herausforderung zu stellen für die potentiell ungleichen Kräfte eines Klaviers und zweier Streichinstrumente zu schreiben. Die auf der vorliegenden CD präsentierten Werke stammen von vier Generationen amerikanischer Komponisten und präsentieren die gesamte Bandbreite struktureller Möglichkeiten, von komplettem Einklang, über Dialog und Widerstreit, bis hin zu komplexer Schichtung der verschiedenen Stimmen. Die Musik selbst umfasst die gesamte Palette, vom Delikaten, ja beinahe Zerbrechlichen, bis hin zum Ausgelassenen und selbst Rauen. Wiewohl die Freude an abstrakten Spielen zwischen verschiedenen Gruppen innerhalb des Ensembles allen Stücken eigen ist, so verbindet sie auch ein starkes Gefühl des emotionalen Inhalts, des Ausdrucks. In zwei Werken wird dies besonders deutlich durch den Bezug zur Poesie, doch obwohl die anderen Beiden einfach nur “Klaviertrio” heißen, so sind auch sie mindestens ebenso stark von den Geboten des Ausdrucks bestimmt, wie von den Regeln der Form. Der kalifornische Komponist und Pianist Thomas Kotcheff (geb.1988) schrieb, unter der Patenschaft der Presser Foundation, für das Trio Appassionata Gone into the Night Are All the Eyes (2013). Der Titel ist dem Anfang eines Gedichtes von Jorge Luis Borges, aus seiner Sammlung Poems of the Night, entlehnt. Die Atmosphäre ist evokativ, nächtlich und zweideutig. Sie ist jedoch nicht düster oder melancholisch, denn tatsächlich werden oftmals die hohen Register des Ensembles erforscht; stattdessen beschäftigt Kotcheff die flüchtige Natur der Dinge, die man in der Nacht wahrnimmt.

Als “Vergänglich” betitelt, ist ein Großteil des ersten Satzes aus kurzen Figuren aufgebaut, die um anhaltende Tône ein- und ausgeblendet werden. Die Tonsprache ist im Allgemeinen wohlklingend, doch Halbton-Dissonanzen verleihen dem Werk Würze und Ungewissheit. Auch wenn es Momente einer längeren melodischen Linie gibt, so endet der Satz ebenso unaufgelöst. Der zweite Satz bildet zwar einen Kontrast zum Ersten, ist mit ihm aber auch durch den Gebrauch bestimmter Gesten, Stimmlagen und Texturen, verwandt. Überschrieben mit der Bezeichnung “flüchtig”, erklingen die Instrumente zu Beginn geschlossen in rhythmischem Einklang, sind dabei allerdings, aufgrund der häufigen Pausen, von einer Sprunghaftigkeit, die scheinbar die Musik destabilisiert, geprägt. Auf stärkere und immer gewaltigere Unterbrechungen folgt die Auflösung des rhythmischen Einklangs in eng geführte kanonische Muster. Wie auch im ersten Satz erscheinen nun ausgeprägtere melodische Linien. Das Cello hebt sich dann entschieden vom Ensemble ab, indem es die heftigen Ausbrüche vom Satzanfang spielt und die Musik in ein tieferes Register führt. Das Ende des Satzes ist wiederum zweideutig. Der letzte Satz ist langsamer und ruhiger; er baut auf langen expressiven Linien, markierenden Glockenklängen und einer sich wiederholenden Sequenz von Akkorden, welche zur Untermauerung der Struktur dient, auf. Der melodische Mittelpunkt dieses Satzes wurde in den vorangegangenen Sätzen angedeutet und der lyrische Höhepunkt, in dem der volle Tonumfang des Ensembles ausgelotet wird, suggeriert, dass dies der Punkt ist, auf den das gesamte Werk zugestrebt hat. Doch es erweist sich als temporärer Zustand und das Werk kehrt zurück zu den zerbrechlichen 17

Klängen des Beginns und endet mit dem reinen, aber tonal zweideutigen, Eröffnungsakkord. We Happy Few von Eric Moe (geb.1954) wurde 1990 für die Washington Square Contemporary Music Society geschrieben und verweist in seinem Titel auf den Ausspruch des Komponisten über “die paradoxe künstlerische Wirtschaft der Kammermusik, in der weniger üblicherweise mehr ist”. Weiters suggeriert er, dass die Schlusszeilen von Keats’s Ode an die Melancholie“einen Zugang zum komplexen emotionalen Klima des Werkes ermöglichen können”. Moe, der in Princeton und der University of California in Berkeley studierte und momentan Kompositionsprofessor an der University of Pittsburgh ist, genießt offensichtlich das Spiel mit Verweisen in seinen Titeln und sein kompositorisches Schaffen ist voll von auffälligen Beispielen. Wenn auch die anfängliche Tempobezeichnung – “blues Gefühl, ausgelassen, überschwänglich” – weit entfernt von der Poesie von Keats erscheint, so bereitet sie uns unmittelbar auf eine Welt vor, in der Kulturen aufeinander prallen und Erwartungen in Frage gestellt werden: eine Welt nach Moe’s Geschmack. We Happy Few ist überwiegend in einem schnellen Tempo. Es beginnt mit eindeutigen musikalischen Mustern, die durch Stille getrennt sind. Das Klavier und die Streicher dialogisieren oft. Mit Fortgang des Stücks jedoch gewinnt die Musik an Kontinuität, längere melodische Linien entstehen und die Texturen werden komplexer. Manchmal bewegt sich die Musik an der Grenze dazu etwas Wildes und Ungebändigtes zu werden, andere Male wieder nimmt sie lyrische Züge an. Das Ende der Komposition ist unerwartet ruhig und erzeugt damit was der Komponist als ein “glücklich-tragisches” Ende bezeichnet – ein paradoxer Schluss zu einem paradoxen Werk.

Leon Kirchner (1919-2009) ist, als einer der führenden amerikanischen Schüler Schönbergs, stilistisch der wohl europäischte Komponist auf dieser Aufnahme. Sein Klaviertrio (1954) ist in vielerlei Hinsicht das konventionellste der hier festgelegten Stücke, denn in seiner Behandlung des Tonmaterials und der Struktur steht es direkt in der Tradition der deutschen Musik des 19. Jahrhunderts. Allerdings gebraucht Kirchner, wie auch Moe, oft ungebräuchliche und anschauliche Anweisungen für die Interpreten: Moe bezeichnet Passagen als “funky” oder “rock it”, Kirchner gebraucht “wild” oder “aus dem Nichts, beinahe ausser Kontrolle”. Kirchner’s Trio wurde von der Elizabeth Sprague Coolidge Foundation in Auftrag gegeben und die zwei Sätze sind wunderbar ausbalanciert in ihrer Länge, Form und dem gebrauchten Material. Sie sind verbunden durch den Schlussakkord des ersten Satzes, der zum ersten Akkord des zweiten Satzes wird und somit als Scharnier zwischen zwei Platten fungiert. Der erste Satz beginnt mit einer langsamen Einführung (in der das Tonmaterial der Komposition vorgestellt wird), aber entwickelt sich zu leidenschaftlicher, schnellerer Musik. Das langsamere Material jedoch spielt nach wie vor eine aktive Rolle und erbaut eine komplexe Struktur. Der zweite Satz beginnt als langsamer Satz und scheint die Auflösung zu den Spannungen des ersten Satzes zu bieten. Aber in Folge einer als quasi cadenza bezeichneten Passage im Klavier verliert das Stück zunächst seine Stabilität, und scheint danach etwas von der unruhigen Stimmung des ersten Satzes zurück zu gewinnen. Gerade als die Musik zu einem schnelleren Tempo zurück zu kehren scheint, bricht sie ab und der Satz endet. Die Komposition benutzt eine beschränkte Menge 18

thematischen Materials, gebraucht dieses jedoch fließend. Die Schreibweise für die Streicher ist oftmals sehr lyrisch. Copland beschrieb Kirchners Musik als “beinahe erschreckend intensiv” und es ist in Werken wie diesen, dass es möglich ist Kirchners ausgesprochenen Wunsch nach einer “grünen Welt in Kontinuität mit der Tradition” zu verstehen. Charles Ives (1874-1954) begann sein Klaviertrio 1904 zu schreiben, doch wie viele seiner Werke durchlief es einen langen Reifungsprozess: fertigstellt 1911, einige Jahre später überarbeitet und letzten Endes erstmals im Jahre 1948 öffentlich aufgeführt. Die drei kontrastierenden Sätze erscheinen oberflächlich betrachtet wie eine traditionelle Anordnung, doch obwohl es das älteste aufgenommene Werk ist, ist es in vielerlei Hinsicht das Herausforderndste. Das Werk wurde als Reflektion von Ives’ Studententagen in Yale erdacht. Der erste Satz ist in einem selbstbewusst ernsthaften Ton geschrieben und steht für einen Vortrag eines älteren Philosophieprofessors. Die Struktur ist klar, aber sie ähnelt in ihrem Aufbau mehr einer mittelalterlichen Motette, als einer klassischen Form. Der Satz beginnt mit einem Duett für Cello und die rechte Hand des Klaviers, dem ein Duett für Violine und die linke Hand des Klaviers folgt, bevor das gesamte Material kombiniert wird. Im zweiten Satz verändert sich die Stimmung grundlegend, wobei jedoch die strukturelle Schichtung des ersten Satzes fortgesetzt wird. Der Titel ‘TSIAJ’ ist ein Akronym für This Scherzo Is A Joke (Dieses Scherzo ist ein Scherz) –wortwörtlich eine Tautologie. Es ist ein aussergewöhnlicher Satz, der sowohl Zitate, als auch Zusammenstöße verschiedener Materialien, beinhaltet – Ives bis zu seinem Äußersten! Die zitierten Melodien beinhaltet jene, die Ives Studenten

während eines Nachmittags in den Ferien zuwies. Eine lebhafte und brutale Einführ einen grotesk harmonisierten Marsch. Mit Fortdauer des Satzes wird die Musik zu einer Orgie von Zitaten (inklusive My Old Kentucky Home, Sailor’s Hornpipe und Ta-ra-ra-boom-de-ay) die in herausfordernden strukturellen, harmonischen und metrischen Beziehungen zu einander stehen. Es ist energisch, aufregend und verwirrend zugleich. Die einzigen Atempausen sind zwei Passagen plötzlicher Ruhe in denen In the Sweet Bye and Bye, mit merkwürdiger Ganz-Ton Harmonik gefärbt, zitiert wird. Die zweite dieser Atempausen führt zum abrupten Abschluß des Satzes. Dies ist Musik geprägt von studentischem Übermut, aber sehr komplex; und die Kombination von Geistlichem und Profanem, Seriösität und Komik, sowie Aggression und Nostalgie ist sehr typierend für Ives. Die Musik mag ein Scherz sein, aber sie ist nicht leichtfertig. Der letzte Satz kehrt zu einer ernsthafteren Stimmung zurück und Ives ließ anklingen, dass es “teilweise eine Erinnerung an den Sonntagsgottesdienst am Campus war”. Dieser Satz beinhaltet Musik, die Ives für den Yale Glee Club geschrieben hatte und weiterentwickelt wird in einen “gelehrten” Kanon. Das Stück endet mit der Hymne “Rock of Ages”. Die erwartete Schlußkadenz bleibt unvollendet im Raum hängen, und eine nächtliche Zweideutigkeit kehrt zurūck. Hugh Collins Rice Übersetzung: David Boos Dieses Werk von Hugh Collins Rice (Übers. David Boos)/Odradek Records, LLC ist lizenziert unter einer Creative Commons Namensnennung - Keine Bearbeitungen 4.0 International Lizenz. Über diese Lizenz hinausgehende Erlaubnisse können Sie unter www.odradek-records.com erfragen.

Das Trio Appassionata wurde 2007 am Peabody Konservatorium der Johns Hopkins University gegründet und wurde seitdem für seine kommunikative Stärke, mitreißenden Aufführungen und die Fähigkeit Menschen verschiedener Kulturen durch Musik zu vereinen, gepriesen. Die Mitglieder des Trios kommen aus drei verschiedenen Hintergründen und haben weltweit viele Stipendien und Preise bei Wettbewerben gewonnen. Es ist den Mitgliedern des Trio Appassionata sehr wichtig um Musik auf verschiedenen Wegen einem neuen Publikum zu bringen. Während ihrer Zeit als “Artists-in-residence” beim Festival Kammermusik Sedona (2012) spielte das Ensemble in vielen verschiedenen – förmlichen wie informellen – Umgebungen, wozu auch Auftritte in öffentlichen Schulen, Büchereien und Kirchen zählten. Das Trio trat in weiten Teilen Nordamerikas auf, darunter in der Weill Recital Hall der Carnegie Hall, der Freer Gallery der Smithsonian Institution, und dem Bard College. Im Dezember des Jahres 2013 reiste das Trio Appassionata als Teil des Project Odradek International Music Festival durch Europa und spielte Konzerte in Madrid, Salamanca und Pescara. Im Herbst 2014 wird das Trio wiederum in Europa zu hören sein, nämlich während dem Londoner Festival der amerikanischen Musik im St. James Theater, bei dem sie das komplette Programm ihres Debütalbums zum Besten geben. Weitere Auftritte sind demnächst in Konzertsälen in Großbritannien, Spanien, Italien, den Vereinigten Staaten von Amerika und Brasilien, geplant. Das Trio Appassionata wurde von einigen der bedeutendsten Kammermusikern der Gegenwart unterwiesen, worunter so klingende Namen wie Michael Kannen, Allison Wells, Violaine Melançon, Marian Hahn, und der künstlerische Leiter von Yellow Barn, Seth Knopp. Das Trio nahm auch an Meisterkursen mit bekannten Ensembles, wie dem Miró, dem Orion und dem Brentano Quartett, teil. Lydia Chernicoff wurde in den Hügeln von Berkshire in Western Massachusetts geboren und erhielt im Alter von 8 Jahren ihren ersten Geigenunterricht. Seitdem trat Lydia in der Carnegie Hall, dem Kennedy Center, der Jordan Hall, und der Seiji Ozawa Hall, sowie weiteren Sälen in China, Europa und Südamerika, auf. Zu ihren wichtigsten Lehrern zählten Violaine Melançon, Weigang Li, Milan Vitek, Magdalena Richter und Alla Zernitskaya. Sie war mit dem Baltimore Chamber Orchestra, sowie Mitgliedern von Alarm Will Sound, zu hören und arbeitete mit Künstlern wie Seth Knopp, Michael Kannen, Maria Lambros und Courtney Orlando. Lydia nahm auch an Meisterkursen mit anerkannten Lehrern wie Charles Castleman, Boris Garlitsky, Ilya Kaler, Elmar Oliveira, sowie Mitgliedern des Brentano, Miró, Orion, Shanghai und Takács Quartetts, teil. Sie war auch in Sommermusikfestivals wie u.a. dem Mannes Beethoven Institute, Bowdoin International Music Festival, dem Heifetz International Music Institute und dem California Summer Music, zu hören. Lydia gewann am Peabody Konservatorium den J.C. Van Hulsteyn Award für Violine (2012) und den Grace Clagett Ranney Preis für Vortrefflichkeit in Kammermusik (2010), als auch den Willem Willeke Memorial Preis der South Mountain Association (2007-2011). Lydia ist Absolventin des Peabody Konservatoriums und erhielt sowohl ihren Bachelor of Music, als auch Master of Music Titel. Momentan absolviert sie ihre Doktorratsstudien an der University of Maryland School of Music unter Dr. James Stern. Cellistin Andrea Casarrubios ist geborene Spanierin und begann im Alter von 2 Jahren Klavier zu spielen, sowie im Alter von 5 Jahren ihren ersten Cellounterricht bei Maria de Macedo in Madrid. Sie entwickelte sich bei Lluis Claret in Barcelona weiter bevor sie im Jahre 2007 in die Vereinigten Staaten von Amerika umzog um am Peabody Konservatorium der Johns Hopkins Universität bei Amit Peled zu studieren. 2011 erhielt sie ein volles Stipendium um an der University of Southern California ihre Studien fortzusetzen und erhielt 2013 ebenda ihr Masters. Momentan folgt sie an dieser Universität ihr Konzertdiplom unter der Leitung von Ralph Kirshbaum. Andrea gewann erste Preise bei einer Vielzahl von Wettbewerben, u.a. beim Solo Violoncello Wettbewerb Illa de Menorca-FIDAH 2010, dem American Fine Arts Festival International Concerto Wettbewerb 2012 und dem SOR Solo String Concerto Wettbewerb 2009. Weiters erhielt sie den zweiten Preis, sowie den Spezialpreis, beim XIV Llanes International Cello Wettbewerb 2012 und wurde von der Wingate Foundation in Großbritannien, dem spanischen Cello Forum, als auch von Juventudes Musicales in Madrid, gesponsert. Andrea trat sowohl als Solistin, als auch als Kammermusikerin, in vielen Ländern Europas, Asiens und Amerikas auf. Dabei war sie mit Künstlern wie Daniel Phillips, Ralph Kirshbaum, Ida Kavafian, Alexander Kerr, Atar Arad, Wing Ho, Amit Peled, Karine Lethiec und François Salque zu hören. Andreas Musikalität wurde stark durch ihre Zusammenarbeit mit Frans Helmerson, Laurence Lesser, Gary Hoffman, Timothy Eddy, Paul Katz und Thomas Demenga geprägt. Sie trat bei bedeutenden Festivals wie dem Verbier Festival und dem Menuhin Festival in der Schweiz, dem Pablo Casals Festival in Frankreich, dem Piatigorsky International Cello Festival in Los Angeles, dem Ravinia Steans Music Institute in Chicago, dem Heifetz International Music Institute und dem Schleswig-Holstein Musik Festival in Deutschland, auf. Andrea lebt zur Zeit in New York City und ist Mitglied des Carnegie Hall Academy Ensembles ACJW. Die Zeitung El Norte (Monterrey, Mexiko) bezeichnet Ronaldo Rolim als einen Künstler, der “besonders befähigt ist das Publikum durch seine Interpretationen zu bewegen“. Er ist Preisträger bei mehr als 30 Wettbewerben weltweit und zu seinen letzten Errungenschaften zählen Preise beim Bösendorfer Wettbewerb, sowie den Internationalen Wettbewerben in San Marino und dem James Mottram Wettbewerb. Ronaldo blickt zurück auf eine Reihe von Auftritten in seiner Heimat Brasilien, sowie in den Vereinigten Staaten von Amerika, Mexiko, Südkorea, Portugal, Spanien, Großbritannien, Holland, der Schweiz, Italien und Österreich, und hat dabei in prestigeträchtigen Sälen vierer Kontinente, worunter die Carnegie Hall (New York), Steinway Hall (London), das Theatro Municipal (Rio 20

de Janeiro) und das Seoul Arts Center (Seoul), gespielt. Er trat als Gastsolist mit verschiedenen brasilianischen Orchestern auf, u.a. dem Brasilianischen Symphonieorchester, dem Minas Gerais Philharmonischen Orchester und dem São Paulo Universitätsorchester auf; in Europa trat er mit dem Royal Liverpool Philharmonic Orchestra, dem Symphonieorchester der Republik San Marino und dem Nördlichen Orchester von Portugal auf; in den Vereinigten Staaten war er Gastsolist der Phoenix Symphony, der Pontiac Symphony und des Peabody Symphony Orchestras. Darüberhinaus wurde Ronaldo eingeladen an wichtigen Festivals, wie dem Folle Journée, der Accademia Musicale Chigiana und Ravinia‘s Steans Music Institute, teilzunehmen. Ronaldo Rolim wurde 1986 in Votorantim, Brasilien, geboren, erhielt seinen ersten Musikunterricht von seiner Mutter und trat im Alter von vier Jahren erstmals öffentlich auf. 1998 wurde er aufgenommen an der Magda Tagliaferro Schule in São Paulo als Student der Professoren Zilda Candida dos Santos und Armando Fava Filho. Im Alter von 18 Jahren, nachdem er den Nelson Freire und den Magda Tagliaferro Klavierwettbewerb gewonnen hatte, zog er in die Vereinigten Staaten von Amerika um mit Flavio Varani an der Oakland University in Michigan zu studieren. 2007 zog Ronaldo nach Baltimore um am Peabody Konservatorium als Schüler von Benjamin Pasternack zu studieren, wobei er neben dem prestigeträchtigen künstlerischen Diplom, auch seinen Bachelor und Master of Music absolvierte. Ronaldo Rolim ist momentan ein Doktoratskandidat an der Yale School of Music (New Haven, CT), wo er bei Boris Berman studiert. photo: Lauren Shusterich

Artist photos: Jiyang Chen, www. jiyangchen.com Graphic Design: www.studioalice.it Recorded at Oktaven Audio, 7-10 August 2013 www.oktavenaudio.com Piano: Hamburg Steinway D Piano Technician: Arlan Harris, RPT, MPT Sound Engineer: Ryan Streber Mastering and Mixing Engineer: Thomas Vingtrinier, Sequenza Studio, Paris.

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