Artur Pizarro - Rachmaninov: Complete Works for Piano Solo Vol.2

Artur Pizarro Sergei Rachmaninoff Complete Piano Works, Vol. 2 13 Preludes, Op. 32 Variations on a Theme of Chopin, Op. 22 Morceaux de Fantaisie, Op. 3 10 Preludes, Op. 23

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Artur Pizarro Disc III

Rachmaninoff: Complete Works for Piano Solo TT 76’51

01 02 03 04 05 06 07 08 09 10 11 12 13

13 Preludes, Op. 32 I Allegro vivace (C major) II Allegretto (B flat minor) III Allegro vivace (E major) IV Allegro con brio (E minor) V Moderato (G major) VI Allegro appassionato (F minor) VII Moderato (F major) VIII Vivo (A minor) IX Allegro moderato (A major) X Lento (B minor) XI Allegretto (B major) XII Allegro (G sharp minor) XIII Grave – Allegro (D flat major)

1’22 3’44 3’11 6’21 3’31 1’37 2’45 1’55 3’33 5’58 3’36 3’05 5’28

14 15 16 17 18 19 20 21 22 23 24 25 26 27 28 29

Variations on a Theme of Chopin, Op. 22 Theme - Largo Variation I - Moderato Variation II - Allegro Variation III Variation IV Variation V - Meno mosso Variation VI - Meno mosso Variation VII - Allegro Variation VIII Variation IX Variation X - Più vivo Variation XI - Lento Variation XII - Moderato Variation XIII - Largo Variation XIV - Moderato Variation XV - Allegro scherzando

1’15 0‘37 0’21 0’20 0’52 0’38 1’05 0’17 0’21 0’23 0’35 1’16 2’16 1’25 1’37 1’31

30 31 32 33 34 35 36

Variation XVI - Lento 1’15 Variation XVII - Grave 1’27 Variation XVIII - Più mosso 1’03 Variation XiX - Allegro vivace 1’46 Variation XX - Presto 1’23 Variation XXI - Andante 3’00 Variation XXII - Maestoso 5’43

Disc IV

TT 56’57

Morceaux de Fantaisie, Op. 3

01 I Elegie 02 II Prélude 03 III Mélodie (1940 version) 04 IV Polichinelle 05 V Sérénade (1940 version)

10 Preludes, Op. 23

06 07 08 09 10 11 12 13 14 15

I II III IV V VI VII VIII IX X

Largo (F sharp minor) Maestoso (B flat major) Tempo di minuetto (D minor) Andante cantabile (D major) Alla marcia (G minor) Andante (E flat major) Allegro (C minor) Allegro vivace (A flat major) Presto (E flat minor) Largo (G flat major)

5’38 4’40 4’05 3’20 3’11

3’21 3’36 4’11 4’44 4’05 3’03 2’39 4’14 2’16 3’44 2

ENG

My first contact with Rachmaninoff was through a recording given to me by my maternal grandmother, pianist Berta da Nóbrega.

It was an LP of his first and second piano concerti performed by Ashkenazy and conducted by André Previn. I was left speechless by the sounds, harmonies and textures. I knew right away that one day I would have to play these works. This eventually happened, but at the time of the dream I was only 6 years old!

Soon after this I heard my piano teacher Sequeira Costa and his then wife, the pianist Tania Achot, perform the Second Suite for two pianos, thus uniting two of my great loves: Rachmaninoff and piano duos. The only thing better than one piano playing Rachmaninoff is two pianos playing Rachmaninoff! By this point I was already falling in love with the Preludes, the Moments Musicaux and the Etudes Tableaux. The transcriptions would come later when I witnessed my teacher learn and record them. This was fascinating to witness and proved an invaluable resource when the time came to learn and record them myself.

It would be some time later, when I was 18, that I would perform Rachmaninoff in public for the first time when I played the second concerto in Lisbon, Portugal during the finals of the 1987 Vianna da Motta International Piano Competition. I was awarded the first prize. In 1990, Rachmaninoff proved once again to be my good luck charm when I played his second piano sonata and the third piano concerto at the 1990 Leeds International Pianoforte Competition, where I was fortunate enough to win once again.

So my message about Rachmaninoff is very much an emotional, personal one. This is music that has kept me company all my life and will continue to do so until my fingers can no longer play it, and even then... It is present in practically every page of my personal diary and by recording the complete works for solo piano, which encompass most of Rachmaninoff’s life, I am able to share with you many pages of his personal diary and the many surprises they hold. We really don’t know as much of his piano music as we think we do!

Through these recordings I want to invite you into the personal world of one of the great Romantics; a composer, conductor and pianist who voices his most personal thoughts, sadnesses and joys through an instrument he understands with a degree of knowledge very few have achieved. I want his music to speak for itself, through its conviction, its power and its eternal message: the endless variety of the human condition.

Artur Pizarro 3

Sergei Vasilyevich Rachmaninoff was born into an aristocratic, land-owning family on the 1st of April, 1873. Although, at the time of her marriage to his father Vasily Arkadievich, Rachmaninoff’s mother had brought five estates as her dowry it was not long before all but one of these, Oneg, had been lost as a result of Vasily’s dissolute lifestyle and mounting debts. Although born at Semyonovo (one of the other estates), Sergei Vasilyevich was brought up at Oneg, some twenty miles from Novgorod, and it was there that his talent for music began to emerge. Vasily’s father was a keen amateur musician who had once been a pupil of the Irish composer and pianist, John Field. As Sergei’s parents were also very musical, they encouraged their son to take up the piano. Some time later, a professional teacher was found for the young lad and before long he was able to enjoy playing piano duets with his grandfather.

By 1882, Vasily had managed to squander so much of the family’s money that Oneg too had to be sold. Having moved into a small flat in St Petersburg, disaster struck when Rachmaninoff, his brother Vladimir and his sister, Sofiya, all contracted diphtheria.

While the two boys eventually recovered, Sofiya died. With marital relations strained to breaking point, Vasily moved out, leaving his wife to bring up the remaining four children alone. Sergei, however, soon developed a strong bond with his maternal grandmother and it was with her that he would spend many holidays on a farm she had recently purchased near Novgorod. The sound of that city’s church bells was to have a profound effect on Rachmaninoff’s later compositions as was the singing of the choir at the Russian Orthodox services to which his grandmother took him.

Soon after moving to St Petersburg, Sergei won a scholarship to study at the conservatory there but, although his piano playing progressed, he neglected his other studies to such an

extent that, at the end-of-term examinations in 1885, he failed in all other subjects. Realising that what was needed was a more rigorous musical training, Rachmaninoff’s mother sought advice from Alexander Siloti, a highly talented musician who had been a pupil of Franz Liszt and who also happened to be Sergei’s cousin. Siloti immediately suggested that he should study with his own piano teacher, Nikolai Zverev, a professor at the Moscow Conservatory.

Zverev’s regime was a very strict one with his pupils obliged to practise from six o’clock in the morning. He insisted that his students should live in his Moscow apartment under the supervision of himself and his equally severe sister, Anna Sergeyevna. Amongst Rachmaninoff’s fellow pupils were Leonid Maximov who was the same age and Matvei Pressman who was three years older. On Sunday afternoons, Zverev would entertain well-known Moscow musicians for whom his students would be obliged to perform.

These distinguished visitors included the likes of Siloti, Sergei Tanyev, Anton Arensky, Vasily Safonov and, most significantly for Rachmaninoff, Pyotr Ilyich Tchaikovsky. While they were under his supervision, Zverev would not let his pupils go on holiday with their families but would take them instead to his dacha near Moscow or to the Crimea where he could keep an eye on them and ensure that their routine of piano practice would not be interrupted. During the 1886 ‘holiday’, he also invited a teacher of musical theory to come to the Crimea to coach his pupils for the forthcoming examinations, which they were required to pass in order to join Arensky’s classes in harmony and composition at the conservatory.

It was probably during this holiday that Rachmaninoff took his friend Pressman aside one day and played him a piece on the piano. ‘Do you know what that was?’, he asked him. ‘No’, 4

came the reply. Once he had ascertained that Pressman had been impressed by what he had heard, Rachmaninoff said ‘I composed it myself and I dedicate it to you’. Nothing about this piece is known for certain as the manuscript seems to have been lost but some say it was an étude in F sharp major whilst others believe it was in D minor. The first work of Rachmaninoff to have survived is a short scherzo for orchestra in the manner of Mendelssohn, composed in February and March 1887. Later that year, in November and December, he composed two nocturnes in F sharp minor and F major respectively which, together with a further nocturne in C minor, completed in January 1888, make up the Three Nocturnes that can be heard on the 7th disc. These Nocturnes do not bear an opus number and were not published until 1949, some six years after the composer’s death.

Another work that seems to date from 1887 is the Song Without Words in D minor, also found on the 7th disc. Thought for many years to be lost, Rachmaninoff was encouraged to rewrite it from memory in about 1933 at the behest of Oskar von Riesemann who was writing a biography of the composer at the time.

Although the author entitled his book ‘Rachmaninoff’s Recollections told to Oskar von Riesemann’ and filled it with many passages in quotation marks, thereby implying a precise record of the composer’s own words, Rachmaninoff was, apparently, not pleased with the resulting tome. That Riesemann had concocted many of these ‘recollections’ himself did not surprise Rachmaninoff’s daughter as she recalled that he never even brought a pencil when he came to interview the composer.

However, if Riesemann is to be believed when describing the Song Without Words, printed as an appendix to his book, none other than Tchaikovsky had enjoyed hearing it very much when the fourteen-year-old Rachmaninoff played it during his final harmony examination.

Also composed at about this time, and originally destined to be his opus 1, were the Four Pieces which are included on the 7th disc. They comprise a Romance, a Prélude, a Mélodie and a Gavotte. In the event, these pieces did not achieve the distinction of being the first of Rachmaninoff’s compositions to enter his official catalogue, that honour ultimately going to his First Piano Concerto. Instead, they had to wait until 1948 to be published and even then without an opus number.

By the spring of 1888, Rachmaninoff was back at the St Petersburg Conservatory, this time studying the piano with his cousin, Alexander Siloti. Later that year he also joined the classes in counterpoint and harmony taught by Sergei Taneyev and Anton Arensky respectively. During his time with Arensky, Rachmaninoff was once given the task of composing a fugue but, when it was completed, it seemed more like a canon. This piece was another of those which was eventually published posthumously in 1949 as Canon in E minor (disc seven).

At this stage in his development as a composer, Rachmaninoff, who was still living in the Zverev household, felt that he needed more privacy, indeed a room of his own away from the sound of his fellow students’ piano practice. As Zverev, who was only interested in Rachmaninoff the pianist, was not amenable to this request, Rachmaninoff moved out and went first to stay with friend Mikhail Slonov and then with his Aunt Varvara Satina (his father’s sister) and her family. In the summer he travelled with the Satin family to their county house at Ivanovka where he was also to meet and make music with several of his other cousins.

In 1890 Rachmaninoff began to compose his First Piano Concerto. This he completed the following July, shortly after graduating with honours in his piano examination, a year earlier than expected. On 1 August 1891, just two weeks after putting the finishing touches to the concerto, Rachmaninoff 5

composed a Prelude in F major which, together with a Fugue in D minor, can be heard on the 7th disc. It was also in 1891 that he composed a Suite in D minor for orchestra which for many years was thought to be lost. However, in 2002, the manuscript reappeared and it was realised that a previously unattributed piano composition was a piano reduction of this very suite. It has four movements and can be heard on disc five.

The year 1892 was to see the composition of Rachmaninoff’s best-known piece for solo piano, indeed, arguably the bestknown piece in the solo piano repertoire; the Prelude in C sharp minor. Rachmaninoff gave the first performance of this piece during a concert given on 8 October 1892, a concert the composer later claimed to have marked the beginning of his concert career. Soon he had composed four more pieces – an Elégie in E flat minor, a Mélodie in E major, a Polchinelle in F sharp minor and a Sérénade in B flat minor – which with the Prelude were to form his Morceaux de Fantaisie, Op.3. He dedicated these pieces to Arensky and gave the first performance of all five on 9 January 1893 at Kharkov. According to another of Rachmaninoff’s biographers, Victor Seroff, when asked what had inspired him to compose his Prelude in C sharp minor, he replied ‘forty roubles’. He then went on to explain that his publisher had offered him two hundred roubles for five short pieces for piano and that this prelude was one of them. Rachmaninoff was to rue the day that he accepted those forty roubles for this piece since, with international copyright not extending to Russia at that time, he was destined to earn practically no more money from it, no matter how often it was played.

According once again to Victor Seroff, so popular did it become that its composer was sometimes referred to as ‘Mr C-sharp Minor’. John McCabe, in his monograph of the composer, describes how Rachmaninoff was to become so irritated with

this piece that he used to astonish people by expressing a preference for Duke Ellington’s version of it. All five Morceaux de Fantaisie can be heard on disc four.

By the time Rachmaninoff came to compose his seven Morceaux de Salon, Op.10 during December 1893 and January 1894, the deaths had occurred of both Zverev and Tchaikovsky. By then, Tchaikovsky had been showing a great interest in Rachmaninoff’s work, in particular the one-act opera, Aleko, which had won for its composer the prestigious Gold Medal at the Conservatory.

Tchaikovsky had also accepted the dedication of Rachmaninoff’s Fantasie-tableaux (sometimes known as Suite No.1) for two pianos and was looking forward to hearing it performed for the first time by the composer and Pavel Pabst, another pupil of Liszt and professor at the Moscow Conservatory. Rachmaninoff dedicated his Op.10 pieces to Pabst and gave the first performance of four of them in Moscow on 12 February 1894. All seven can be heard on the second disc. Rachmaninoff composed his next set of pieces for solo piano – the Six Moments Musicaux, Op.16 (recorded on the first disc) - between October and December 1896, shortly after completing his First Symphony. Writing in his biography of the composer, Robert Threlfall maintains that the Moments Musicaux, which were dedicated to Rachmaninoff’s friend and fellow composer Alexander Satayevich, ‘show a considerable advance on most of the early piano pieces’ while Geoffrey Norris, in his ‘Master Musicians’ volume, notes that it was in these pieces that Rachmaninoff’s piano style ‘began to show a marked development in both technique and expression.’

Also dating from 1896 are the Four Improvisations to be heard on disc seven. These short pieces came about in a most unusual way. One day in the autumn of that year, Arensky invited Rachmaninoff and Alexander Glazunov to his flat to spend time with Taneyev, who was visiting St Petersburg. After they had 6

eaten, they entered into a sort of parlour game, rather along the lines of Consequences in which a story is told by each person adding a line to it in turn. In this case, each composer was given a sheet of manuscript paper on which he was to inscribe the opening bars of a piece for piano. This was then passed to the next man who added a few bars of his own. This process continued until it reached the first composer who would then add the finishing touches to the piece. Thus, the first of these improvisations (in E minor and marked moderato) was begun by Arensky, the second (an allegretto in C major) by Glazunov, the third (an allegro scherzando in B flat minor) by Rachmaninoff while the final piece (a largo in F minor) was left to Taneyev to start and finish.

Rachmaninoff‘s First Symphony had taken him eight months to compose and he was keenly looking forward to its first performance which was to take place in March 1897.

Unfortunately, this performance, conducted by Glazunov, was a complete disaster and discouraged Rachmaninoff from composing for quite some time. Whether the orchestra had not been prepared properly or whether Glazunov was drunk, as some maintained, can no longer be determined but the critics were almost universally hostile, causing Rachmaninoff to withdraw the work immediately; it was never to be performed again during his lifetime.

Some two years were to elapse before Rachmaninoff could bring himself to compose again and, during that time, he took on the post of deputy conductor of an opera company in Moscow run by the wealthy industrialist, Savva Momontov. As well as providing him with valuable experience as a conductor, this appointment also gave Rachmaninoff the opportunity to meet an exact contemporary, the then up-and-coming Russian bass, Feodor Chaliapin. They were to be friends for life. Following

some performances with Chaliapin and the opera company in the summer of 1898, Rachmaninoff decided to go and live in the countryside near Moscow for a while where he composed the two pieces which form part of the programme of the 7th disc; the Morceau de Fantaisie in G minor, dated 23 January 1899, and the Fughetta in F major, composed three weeks later in February. During his two years of almost complete compositional silence, Rachmaninoff also made his first visit to London where, at Queen’s Hall on 19 April 1899, he conducted his orchestral fantasy, The Rock, and played two of the pieces from his opus three, including the, by then already famous, Prelude in C sharp minor.

Another important event during this period was his meeting with Dr Nicolai Dahl, a physician who used hypnosis and autosuggestion in the treatment of his patients. If Riesemann is to be believed (which he probably is not), Dr Dahl repeated the following mantra to Rachmaninoff day after day: ‘You will begin to write your concerto…You will work with great facility…The concerto will be of excellent quality’. By then Rachmaninoff had offered to write a second piano concerto for London and such was Dr Dahl’s treatment, whatever form it actually took, Rachmaninoff was indeed able to complete this concerto by 1901.

It was also in that year that, with the huge success he had had with his Prelude in C sharp minor in mind, Rachmaninoff composed another, this one in G minor. In the words of John McCabe, this piece is ‘really a fine miniature tone-poem, short but powerful’.

The following year, using Frédéric Chopin’s Prelude in C minor, Op.28 No.20, as its theme, Rachmaninoff created a set of twentytwo variations. In the opinion of Oskar von Riesemann, this prelude by Chopin is probably the only one that can compete in popularity with Rachmaninoff’s in C sharp minor and he 7

wondered whether, bearing in mind its ‘great impressiveness’, Rachmaninoff would have been better placing the theme at the end of the piece, rather than at the beginning. In his book on the composer, John Culshaw suggests that these Variations on a theme of Chopin, Op.22, found on disc three, are ‘less true variations than clever embroideries around a theme’ and claims that Riesemann’s theory is ‘hardly feasible, as few of the variations stray far from the melodic outline and there would be no mystery about its identity’. Rachmaninoff dedicated this piece to the Polish pianist Theodor Leschetizky, one of whose pupils, Vassily Safonov, had conducted Rachmaninoff in the first performance of the first movement of his First Piano Concerto, back in 1892.

By the beginning of 1903, Rachmaninoff had composed a further nine preludes which, together with the one in G minor, were to be published as the Ten Preludes, Op.23 (disc four) carrying a dedication to Siloti. Rachmaninoff gave the first performance of three of these – numbers 1, 2 and 5 (the G minor) – in Moscow on 23 February 1903 at the same concert (in aid of the Ladies’ Charity Prison Committee) during which he introduced the Variations on a theme of Chopin. He also succeeded in negotiating a far better financial deal with his publishers than had been the case with the Morceaux de Fantaisie.

During the next three years, Rachmaninoff found himself mostly concerned with opera; both composing and performing his own and conducting those of others. In the autumn of 1906, however, he extricated himself from his commitments and took his family to Dresden where he hoped to be able to concentrate solely on composition for a while. It was in May 1902 that Rachmaninoff had married his cousin, Natalia Satin and, a year later, their first daughter, Irina, was born. During the time he was in Germany, Rachmaninoff worked on an opera, Monna Vanna, (unfinished),

his Second Symphony and his First Piano Sonata in D minor Op.28 (disc six). He joined his wife back in Russia in June 1907 just in time for the birth of their second daughter, Tatiana, and it was about this time that he played the sonata to the pianist Konstantin Igumnov.

Born in the same year as Rachmaninoff, Igumnov was a pupil of Zverev, Siloti and Pavel Pabst. In 1899, he had been appointed professor at the Moscow Conservatory. Having discussed the sonata with its composer and suggested some changes to it, Igumnov went on to give the new work its first performance on 30 October 1908 in Moscow. This was one of the few of his compositions for piano to be given its first performance by a pianist other than Rachmaninoff himself. It is also unusual in having been published with no dedication. It seems that Rachmaninoff originally intended that this sonata should have been a tone poem for piano, based on Goethe’s story of Faust, Gretchen and Mephistopheles, but no further details have ever come to light.

In 1909, Rachmaninoff made his first visit to the USA and during that tour he gave the first performances of his Third Piano Concerto, one of which was under the baton of Gustav Mahler.

Back in Russia in the summer of 1910, at Ivanovka, which was now his, he decided to add thirteen new preludes to the eleven he had already composed so that, like Chopin, his catalogue would contain twenty-four, one for each of the keys, both major and minor. These Thirteen Preludes Op.32 (disc three) were composed very quickly during September, three of them (Nos 5, 11 and 12) on the fifth of the month and two (Nos 7 and 8) on the sixth. It is thought that Rachmaninoff gave the first performance of these new preludes in St Petersburg on 18 December 1911.

When Rachmaninoff was a young boy, his father would entertain him by playing ‘light’ pieces on the piano. It is quite likely that he 8

imagined that his father had composed these miniatures himself for, on 24 March 1911, he added his father’s initials (V.R. or W.R. depending on which system of transliteration is being used) to the title of his lively Polka, found on disc five, which, in fact, quotes La Rieuse (or Lachtäubchen) by the Viennese composer Franz Behr whose music was popular in many a drawing room during Rachmaninoff’s childhood. He dedicated the resulting Polka de V.R. to the virtuoso Polish pianist, Leopold Godowsky.

Just under a year after completing his second set of preludes, Rachmaninoff began to compose his first set of Étudestableaux, Op.33; the first of these pieces dated 24 August 1911, the last 24 September. As Robert Matthew-Walker has written, ‘the “tableaux” are not first and foremost “pictures” in the Mussorgskian sense, rather are they successors to Chopin’s Ballades in that they permit poetic interpretation while at the same time being composed entirely from musical (and technical) ideas.’ Rachmaninoff originally composed nine pieces for this set but subsequently withdrew three of them: number 4, which eventually appeared as Op.39, No.6, and numbers 3 and 5, which were not published until 1948 but are now often included with the remainder of Op.33, as indeed they are on disc six. ‘All day long I spent at the piano or the writing table, and not until the sinking sun gilded the pines on the monte Pincio, did I put away my pen. In this way I finished my Second Sonata for pianoforte and the Choral Symphony…The Bells’. Thus, according to Oskar von Riesemann, was how Rachmaninoff described the creation of the second of his two piano sonatas. It was 1913 and Rachmaninoff and his family were in Rome, staying in the same apartment in the Piazza di Spagna that had once been occupied

by Tchaikovsky and his brother, Modest. Later in this ‘recollection’, Rachmaninoff noted that he longed to revise this work as he was ‘not satisfied with the setting I gave it at the time’ adding that he had dedicated it to ‘the friend of my boyhood, Pressman’.

(This was Matvei Pressman, described by Robert Threlfall as ‘a fellow-inmate’ at Zverev’s.) Rachmaninoff was, indeed, to revise his Second Piano Sonata in B flat minor Op.36 (disc one) in 1931, having given the first performance of the original version in Moscow on 16 December 1913.

It was on 6 March 1917 that Rachmaninoff gave the first performance – in Petrograd, as St Petersburg had recently become – of his second set of Études-tableaux, Op.39 (disc two). Apart from No.6, which he had transferred from the original Op.33 set, he had been composing these pieces since October 1916 but one of them, No.5, had been completed just four days before their first performance. Some three weeks after that concert, Tsar Nicholas II abdicated, thereby setting in motion the October 1917 Revolution. During the few months in which Rachmaninoff was to live under the new Soviet regime he completed the revision of his First Piano Concerto and composed three short piano pieces. These were a Prelude in D minor and the Oriental Sketch (both of which were dated 27 November) and a single-page work entitled Fragments (all found on disc seven), which seems to have been composed the following day.

Originally without a name, the first of these pieces did not acquire the title Prelude until it was published in 1973, the centenary of its composer’s birth. The second was, apparently, known to family and friends as the ‘Orient Express’ after Fritz Kreisler had likened it to that great transcontinental train. Rachmaninoff gave this work its first performance in 1931 and thereafter often included it in his recitals. Fragments, in which it is said Rachmaninoff was recalling memories of pre-Soviet Russia, was first published in 1919 in the magazine The Etude.

Soon after the Revolution, it became obvious to Rachmaninoff that he would have to leave the country. Fortunately for him, he soon received an invitation to give some concerts in Scandinavia 9

and so it was that, by Christmas 1917, Rachmaninoff and his family had arrived safely in Stockholm. He was never to return to his native land.

Once the Scandinavian tour was over, Rachmaninoff and his family went to live in San Francisco. From there, and later from New York, he embarked on a series of concert tours of America and beyond. For these he made several transcriptions of songs and orchestral pieces by himself and by other composers.

One of the earliest of these was ‘The Star Spangled Banner’, his arrangement of which was first performed in Boston on 15 December 1918. The tune for what, in 1931, was to become the official National Anthem of the USA had been written by the British composer John Stafford Smith (1750-1836) for the Anacreontic Society, an eighteenth-century gentleman’s club for amateur musicians. The words were written by Francis Scott Key in September 1814 after he had witnessed the bombardment of Fort McHenry by the British Navy during the war of 1812.

Rachmaninoff’s other transcriptions include that of the Minuet from L’Arlésienne Suite No.1 by Georges Bizet, which was given its first performance on 19 January 1922 in Tulsa, Oklahoma, the Hopak from Mussorgsky’s opera ‘Sorochintsy Fair’, which is dated 1 January 1924 and Franz Schubert’s song ‘Wohin?’ This Schubert transcription was first heard in Stamford, Connecticut, on 29 October 1925 during the same concert which introduced Rachmaninoff’s version of‘Liebesfreud’by his friend, the Austrian violinist Fritz Kreisler. Some six years later, on 20 November 1931, Rachmaninoff played his arrangement of another of Kreisler’s popular pieces for violin and piano, the ‘Liebesleid’, to an audience in Chicago. Also in 1931, Rachmaninoff made his transcription of the fiendishly difficult ‘Flight of the Bumble Bee’ from Nikolai Rimsky-Korsakov’s opera, ‘The Legend of Tsar Saltan’.

The year 1933 saw the creation of two more transcriptions, one

of Felix Mendelssohn’s Scherzo from ‘A Midsummer Night’s Dream’ (first performance, San Antonio, Texas, on 23 January) and the other of three movements from Johann Sebastian Bach’s Violin Partita in E major (first heard complete in Harrisburg, Pennsylvania, on 9 November). Rachmaninoff’s final transcription of a work by another composer was of a song by Tchaikovsky: his Lullaby, Op.16 No.1. Although Tchaikovsky himself had also arranged this song for piano, Rachmaninoff’s version was conceived for a concert in Syracuse, New York, on 14 October 1941. Rachmaninoff’s two remaining transcriptions were of songs of his own: ‘Lilacs’, from his twelve songs Op.21 (1902), and ‘Daisies’ from his Op.38 set which he composed in 1916 and of which Kreisler was also to make a transcription for violin and piano. All of these transcriptions can be heard on disc five.

During his predominantly American years, Rachmaninoff wrote two more pieces for piano and orchestra – his Fourth Piano Concerto and the Rhapsody on a Theme of Paganini – but only one original work for solo piano. This was his so-called Variations on a theme of Corelli, Op.42 (disc one). It was Fritz Kreisler who had introduced Rachmaninoff to the theme he was to use for these variations, a melody known as ‘La folia’ which, although not by Arcangelo Corelli himself, was used by him in his twelfth violin sonata. This work was composed in the summer of 1931 while Rachmaninoff was staying near Paris and receiving visits from some of his old friends, notably Chaliapin. Unsurprisingly, he dedicated it to Kreisler. The first performance was given in Montreal on 12 October 1931 but it failed to enjoy instant success. Shortly after that first performance, Rachmaninoff sent a copy of the score to his friend and fellow pianist, Nikolai Medtner, explaining, in the accompanying letter, that he had already played this work fifteen times but that only one of those performances was good. He went on to say that he had not yet 10

played it in full. ‘I was guided by the coughing of the public’, he explained. ‘When the coughing increased, I would leave out the next variation. When there was no coughing, I would play them in order. In one concert (I don’t remember where – a small town) the coughing was such that I only played ten variations (out of twenty). My record was eighteen variations (in New York).’

Not long after playing the ‘Corelli’ variations in Montreal, the first performance was given of five of Rachmaninoff’s Études-tableaux in the version for orchestra by the Italian composer, Ottorino Respighi, made with Rachmaninoff’s full approval. Rachmaninoff then returned (via London where he was awarded the Royal Philharmonic Society’s Gold Medal) to the house he had built in Switzerland and which he had named Senar by combining letters from his own and his wife’s names. He returned to London in April 1933 to play his ‘Corelli’ variations and two of his transcriptions, those of the Scherzo from ‘A Midsummer Night’s Dream’ and the Prelude from Bach’s E major Partita. During the summer of that year, he was again to be found at Senar and there bought himself a motor boat which gave him as much excitement as had the first car he had bought back in 1913. It was also at Senar, the following summer, that Rachmaninoff composed his Rhapsody on a Theme of Paganini. This he played for the first time in Baltimore on 7 November 1934 in a performance conducted

by Leopold Stokowski. Further performances followed both in America and Europe with the British premiere taking place in Manchester. Back at Senar for the summer of 1935 he set to work on a new symphony, his third, but he was not to complete it until the following year. This work was given its first performance on 6 November 1936 in Philadelphia with Stokowski again as the conductor.

he offered advice about his Third Symphony to Sir Henry Wood who was about to give it its first British performances. He took part in Sir Henry’s Jubilee Concert the following October and then, on 11 March 1939, gave what was to be his last recital in the United Kingdom. Towards the end of that year, to celebrate the thirtieth anniversary of Rachmaninoff‘s debut in America, the Philadelphia Orchestra put on a special season of his works which included the first three concertos, the second and third symphonies, The Bells, the ‘Paganini Rhapsody’ and his orchestral piece, ‘The Isle of the Dead’, which he had composed in Dresden in 1909.

The summer of 1940 was spent on an estate called Orchard Point near Huntingdon on Long Island where Rachmaninoff composed his final work, the Symphonic Dances. It was Eugene Ormandy who conducted the first performance of these three pieces on 3 January 1941 in Philadelphia. After two summers at Orchard Point, Rachmaninoff decided to spend that of 1942 in California where he soon bought a house in Beverly Hills. During the remaining months of his life, although feeling tired and ill, Rachmaninoff continued to give concerts of his own and other composers’ works, performing, for example, Beethoven’s First Piano Concerto in Chicago and, in Knoxville at what was to be his last concert, Chopin’s Piano Sonata in B flat minor. It was soon after that performance that Rachmaninoff was diagnosed with cancer and, on 28 March 1943, he died at his home in Beverly Hills a few days short of what would have been his seventieth birthday.

© Peter Avis

In the autumn of the following year he embarked on a short but hectic season in the USA. He returned to England in 1938 where 11

Born in Lisbon, Portugal in 1968, Artur Pizarro gave his first public performance at the age of three and made his television début on Portuguese television at the age of four. He had been introduced to the instrument by his maternal grandmother, pianist Berta da Nóbrega, and her piano-duo partner, Campos Coelho who was a student of Vianna da Motta, Ricardo Viñes and Isidor Philipp. From 1974 to 1990 Artur studied with Sequeira Costa who had also been a student of Vianna da Motta and of Mark Hamburg, Edwin Fischer, Marguerite Long and Jacques Février. This distinguished lineage immersed Artur in the tradition of the ‘Golden Age’ of pianism and gave him a broad education in both the German and French piano schools and repertoire. During a brief interruption of his studies in the USA, Artur also studied with Jorge Moyano in Lisbon, and in Paris worked with Aldo Ciccolini, Géry Moutier and Bruno Rigutto.

Artur won first prizes in the 1987 Vianna da Motta Competition, the 1988 Greater Palm Beach Symphony Competition and won first prize at the 1990 Leeds International Pianoforte Competition, which marked the beginning of an international concert career.

Artur Pizarro performs internationally in recital, chamber music and with the world’s leading orchestras and conductors including Sir Simon Rattle, Philippe Entremont, Yan Pascal Tortelier, Sir Andrew Davis, Esa-Pekka Salonen, Yuri Temirkanov, Vladimir Fedoseyev, Ilan Volkov, Franz Welser- Most, Tugan Sokhiev, Yakov Kreizberg, Yannick Nézet-Séguin, Libor Pešek, Vladimir Jurowski, Ion Marin, John Wilson and the late Sir Charles Mackerras.

Artur is an active chamber musician and has performed at chamber music festivals throughout the world. Artur Pizarro has recorded extensively for Collins Classics, Hyperion Records, Linn Records, Brilliant Classics, Klara, Naxos, Danacord, Odradek Records, Phoenix Edition and Capriccio.

Artur Pizarro has received various awards from his native Portugal for services to classical music and culture including the Portuguese Press Award, the Portuguese Society of Authors award, the Medal of Culture of the City of Funchal and the Medal of Cultural Merit from the Portuguese Government. He has recently been awarded the Albéniz Medal in Spain.

For more information: www.arturpizarro.pt

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Image of Rachmaninoff from Artur Pizarro’s personal collection

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GER

Mein erster Kontakt mit Rachmaninoff entstand durch eine Aufnahme die mir meine Großmutter mütterlicherseits, die Pianistin Berta da Nóbrega, gab. Es handelte sich um eine LP seines ersten und zweiten Klavierkonzerts gespielt von Ashkenazy und unter der Leitung von André Previn. Ich war sprachlos von den Klängen, Harmonien und Texturen. Sofort wusste ich, dass ich diese Werke eines Tages spielen müsste. Tatsächlich passierte das auch irgendwann, aber zum Zeitpunkt dieses Traums war ich erst 6 Jahre alt!!! Die A-Seite der Platte nutzte sich dabei schneller ab, da das erste Konzert mich immer schon mehr ansprach als das zweite...und das im Alter von 6 Jahren! Später fügte ich dieser Liste das vierte Klavierkonzert hinzu. Von den Rachmaninoff Klavierkonzerten sind das meine beiden Lieblinge.

Kurze Zeit später hörte ich meinen Klavierlehrer Sequeira Costa und seine damalige Frau, Tania Achot, die zweite Suite für zwei Klaviere spielen und es verband zwei meiner großen Lieben: Rachmaninoff und zwei Klaviere! Das Einzige was besser ist als ein Klavier das Rachmaninoff spielt, sind zwei Klaviere die Rachmaninoff spielen! Zu diesem Zeitpunkt war ich bereits in die Preludes, die Moments Musicaux und die Étudestableaux verliebt. Die Transkriptionen kamen später als ich verfolgte wie mein Lehrer sie übte und aufnahm. Es war faszinierend diesen Prozess mit zu verfolgen und eine Erfahrung von unschätzbarem Wert als es darum ging diese Werke jetzt zu üben und aufzunehmen!

Es verging einige Zeit, bis ich 18 war, dass ich Rachmaninoff erstmals öffentlich spielte, und zwar als ich das zweite Klavierkonzert 1987 im Finale des Vianna da Motta Wettbewerbs in Lissabon spielte und damit den ersten Preis gewann. 1990 war Rachmaninoff wiederum mein Glücksbringer als ich seine zweite Klaviersonate und sein drittes Klavierkonzert, diesmal unter Begleitung des City of Birmingham Symphony Orchestra geleitet von Sir Simon Rattle, beim Klavierwettbewerb in Leeds spielte...auch diesen gewann ich, danke Sergei!

Anstatt also über musikwissenschaftliche und intellektuelle Erwägungen über die Aussage Rachmaninoffs zu reden, ist meine Aussage eine viel emotionalere und persönlichere. Es ist Musik die mich mein ganzes Leben begleitet hat und mich weiter begleiten wird bis meine Finger sie nicht mehr spielen können, und selbst dann...sie ist in praktisch jeder Seite meines persönlichen Tagebuchs präsent...und indem ich die gesammelten Werke für Soloklavier Rachmaninoffs aufnehme, die seinen gesamten Lebenszyklus umfassen, bin ich im Stande um viele Seiten aus seinem persönlichen Tagebuch mit Ihnen zu teilen...und die vielen Überraschungen die darin begraben liegen, da wir tatsächlich nicht soviel über seine Klaviermusik wissen wie wir denken zu wissen!

Durch diese Aufnahmen möchte ich Sie in die persönliche Welt eines der großen Romantiker einladen, einem Komponisten, Dirigenten und Pianisten der seine intimsten Gedanken, Schmerzen und Freuden durch ein Instrument mitteilt, das er zu solch einem Grad der Perfektion kennt wie nur wenige es erreicht haben. Ich möchte seine Aussage und seine Musik für sich selbst sprechen lassen.

Eine Sache die ich während diesem Projekt gelernt habe ist, dass er eine Figur ist, die von der Welt noch immer nicht gänzlich verstanden wird da er nicht in eine Schublade gesteckt werden kann...es gibt keine einfache Kategorie in die er passt. In einer Welt in der jeder eine Meinung hat, aber nur wenige zählen, sticht Rachmaninoff durch seine Überzeugung, seine Schlagkräftigkeit und seine ewige Aussage, nämlich die endlose Vielfalt des menschlichen Seins, hervor.

Artur Pizarro 14

Sergei Vasilyevich Rachmaninoff wurde am 1. April 1873 in eine aristokratische Familie mit Grundbesitz geboren. Obwohl Rachmaninoffs Mutter, zum Zeitpunkt ihrer Eheschließung mit seinem Vater Vasily Arkadievich, fünf Anwesen als Mitgift in die Ehe einbrachte, dauerte es nicht lange bis alle der Anwesen, bis auf eines in Oneg, aufgrund des ausschweifenden Lebenswandels Vasilys, und der sich dadurch türmenden Schulden, verloren waren. Obwohl Sergei Vasilyevich in Semyonovo (einem der anderen Anwesen) geboren wurde, wuchs er in Oneg – knapp 30 km von Nowgorod – auf, wo auch schon bald sein musikalisches Talent entdeckt und gefördert wurde. Vasilys Vater war ein leidenschaftlicher Amateurmusiker der selbst Unterricht beim irischen Komponisten und Pianisten John Field hatte. Und da Sergeis Eltern auch sehr musikalisch waren ermutigten sie ihn um auch mit dem Klavierspiel zu beginnen. Schon bald wurde ein professioneller Lehrer für den Knaben gefunden und es dauerte nicht lange bis er in den Genuss kam mit seinem Großvater gemeinsam Klavierduette zu spielen.

Bis 1882 hatte Vasily soviel Geld aus der Familienkasse verschwendet, dass auch das Anwesen in Oneg verkauft werden musste. Nachdem die Familie in eine kleine Wohnung in St. Petersburg gezogen war, schlug das Schicksal zu als Rachmaninoff, sein Bruder Vladimir und seine Schwester Sofiya sich die Diphterie zuzogen. Während die beiden Jungen schon bald gesundeten, verstarb Sofiya. Mittlerweile waren die ehelichen Spannungen so weit gestiegen, dass Vasily auszog und seine Frau mit ihren vier verbliebenen Kindern alleine zurückließ.

Sergei entwickelte allerdings eine ausgezeichnete Beziehung zu seiner Großmutter mütterlicherseits und verbrachte viele seiner Urlaube mit ihr auf einem Bauernhof, den sie kurz zuvor in der Nähe Nowgorods gekauft hatte. Der Klang der Kirchenglocken in dieser Stadt, als auch die Chorgesänge in den orthodoxen Messen, zu denen seine Großmutter ihn mitnahm, sollten einen

großen Einfluss auf sein späteres musikalisches Schaffen haben.

Kurz nach dem Umzug nach St. Petersburg erhielt Sergei ein Stipendium um am örtlichen Konservatorium zu studieren, doch obwohl sein Klavierspiel sich zügig entwickelte, vernachlässigte er die übrigen Studien und fiel in allen anderen Fächern bei der Jahresabschlussprüfung 1885 durch. Sergeis Mutter erkannte, dass eine strengere Ausbildung von Nöten war und wandte sich an Alexander Siloti, einen sehr talentierten Musiker und ehemaligen Schüler Franz Liszts, der gleichzeitig auch Sergeis Cousin war. Siloti schlug unmittelbar vor bei seinem eigenen Klavierlehrer Nikolai Zverev, einem Professor am Moskauer Konservatorium, zu studieren.

Zverevs System war sehr streng, denn er verlangte von seinen Schülern ab 6 Uhr morgens zu üben und dazu in seiner Moskauer Wohnung – unter der Obhut seiner selbst und seiner ebenso strengen Schwester Anna Sergeyevna – zu leben. Zu Rachmaninoffs Studienkollegen zählten unter anderem Leonid Maximov, der genauso alt war wie Sergei, und der um drei Jahre ältere Matvei Pressman. Sonntags nachmittags unterhielt Zverev bekannte Moskauer Musiker mit Darbietungen, bei denen seine Schüler verpflichtet waren etwas vorzuspielen.

Zu dieser illustren Gesellschaft gehörten Leute wie Siloti, Sergei Tanyev, Anton Arensky, Vasily Safonov und – am wichtigsten für Rachmaninoff – Pyotr Ilyich Tchaikovsky. Während der Ausbildung erlaubte Zverev seinen Schülern nicht um mit ihren Familien auf Urlaub zu fahren, sondern nahm sie mit zu seiner Dacha in der Nähe von Moskau oder auf die Krim, wo er ein Auge auf sie haben konnte und ihre Übungsroutine nicht unterbrochen wurde. Während der „Ferien“ 1886 lud er selbst einen Musiktheorielehrer ein um die Schüler für die kommenden Aufnahmeprüfungen vorzubereiten, die sie bestehen mussten um in Arenskys Harmonie- und Kompositionsklasse am 15

Konservatorium aufgenommen zu werden.

Es war wahrscheinlich während diesem Urlaub, dass Rachmaninoff seinen Freund Pressman zur Seite nahm um ihm ein Stück am Klavier vorzuspielen.„Weißt Du was das war?“, fragte er ihn. „Nein“, antwortete Pressman. Erst als Rachmaninoff sich versicherte, dass er seinen Freund beeindruckt hatte, enthüllte er ihm: „Ich habe es selbst geschrieben und widme es Dir.“ Über diese Komposition ist leider nichts genaues bekannt, da das Manuskript verloren ging, aber manche gehen davon aus, dass es eine Etüde in Fis-Dur war, während andere meinen sie war in d-Moll. Die erste überlieferte Komposition Rachmaninoffs ist ein kurzes, im Februar und März 1887 geschriebenes Scherzo für Orchester im Stile Mendelssohns. Im November und Dezember desselben Jahres komponierte er zwei Nocturnes in Fis-Dur und fis-Moll. Zusammen mit der Nocturne in c-Moll vom Januar 1888 formen sie die auf der 7. CD festgelegten Drei Nocturnes. Die Nocturnes tragen keine Opuszahl und wurden erstmals 1949, sechs Jahre nach dem Tod des Komponisten, veröffentlicht.

Ein weiteres Werk, das wahrscheinlich aus 1887 stammt, ist das Lied ohne Worte in d-Moll, welches ebenfalls auf der 7. CD zu finden ist. Für viele Jahre galt dieses Werk als verschollen bis Rachmaninoff es 1933 auf Geheiß von Oskar von Riesemann, der zu diesem Zeitpunkt eine Biographie des Komponisten verfasste, aus seiner Erinnerung wieder niederschrieb.

Obwohl der Autor das Buch „Rachmaninoff’s recollections told to Oskar von Riesemann” nannte, es mit vielen Passagen unter Anführungszeichen füllte und damit den Eindruck einer genauen Aufzeichnung der Worte des Komponisten erweckte, so war Rachmaninoff scheinbar nicht zufrieden mit dem Resultat. Rachmaninoffs Tochter war nicht sehr überrascht von der Tatsache, dass Riesemann viele dieser “Erinnerungen” selbst zusammengebraut hatte, denn sie erinnerte sich, dass er nicht

einmal einen Bleistift mitgebracht hatte als er vorbeikam um den Komponisten zu interviewen. Glaubt man jedoch Riesemanns Beschreibung des Lieds ohne Worte, welches als Anhang in seinem Buch abgedruckt ist, so war kein Geringerer als Tchaikovsky selbst von diesem Stück sehr angetan als der 14-jährige Rachmaninoff es bei seiner letzten Harmonielehreprüfung spielte.

Aus der selben Zeit stammen die Vier Stücke, die ursprünglich als Opus 1 veröffentlicht werden sollten und auf der 7. CD zu finden sind. Sie bestehen aus einer Romance, einem Prélude, einer Mélodie und einer Gavotte. Jedoch wurden diese Stücke letzten Endes doch nicht als erste Werke in den offiziellen Katalog Rachmaninoffs aufgenommen – diese Ehre kam dem 1. Klavierkonzert zu teil. Stattdessen wurden sie erst 1948 veröffentlicht, und dann ohne Opuszahl.

Im Frühjahr 1888 war Rachmaninoff zurück am Konservatorium in St. Petersburg um bei seinem Cousin Alexander Siloti Klavier zu studieren. Im Laufe des Jahres trat er auch in die Kontrapunkt- und Harmonielehreklassen von Sergei Taneyev und Anton Arensky ein. Während seiner Zeit bei Arensky erhielt Rachmaninoff einmal die Aufgabe um eine Fuge zu schreiben, das Ergebnis schien jedoch mehr ein Kanon zu sein. Auch dieses Stück zählt zu jenen Werken die 1949 posthum erschienen, und zwar unter dem Titel Kanon in e-Moll (CD 7).

Es war zu diesem Zeitpunkt in seiner Entwicklung als Komponist, dass Rachmaninoff, der damals noch im Zverev Haushalt wohnte, die Notwendigkeit von mehr Privatsphäre spürte, ja er brauchte einen Raum fernab von den Übungsklängen seiner Kommilitonen. Da Zverev, der nur Interesse an Rachmaninoff dem Pianisten hatte, diesem Wunsch nicht positiv gegenüber stand, zog Rachmaninoff aus und wohnte zunächst bei seinem Freund Mikhail Slonov, und später bei seiner Tante Varvara Satina (der Schwester seines Vaters) und ihrer Familie. Im Sommer reiste 16

er mit der Satin Familie zu ihrem Landhaus in Ivanovka und traf dort weitere Cousins mit denen er musizierte.

1890 begann Rachmaninoff sein erstes Klavierkonzert zu schreiben. Er vollendete es im Juli des darauffolgenden Jahres, kurz nachdem er mit Auszeichnung sein Klavierstudium ein Jahr früher als erwartet abschloss. Am 1. August 1891, nur zwei Wochen nachdem er letzte Hand an das Klavierkonzert gelegt hatte, schrieb er ein Präludium in F-Dur, das zusammen mit einer Fuge in d-Moll auf der 7. CD gehört werden kann. Auch die Suite in d-Moll für Orchester, die für viele Jahre als verschollen galt, stammt aus 1891. 2002 tauchte das Manuskript jedoch wieder auf und es stellte sich heraus, dass ein bis dato nicht zugewiesenes Klavierwerk eigentlich eine Klavierreduktion gerade dieser Suite war. Die Suite besteht aus 4 Sätzen und ist auf CD 5 zu hören.

1892 erschien auch Rachmaninoffs bekanntestes Werk für Soloklavier, ja vielleicht sogar das bekannteste Werk für Soloklavier überhaupt: das Prelude in cis-Moll. Rachmaninoff selbst spielte die Uraufführung während eines Konzerts am 8.

Oktober 1892. Rachmaninoff behauptete später, dass dieses Konzert den Auftakt zu seiner Konzertlaufbahn bedeutete.

Schon bald hatte er vier weitere Stücke – eine Elégie in es-Moll, eine Mélodie in E-Dur, eine Polchinelle in fis-Moll und eine Sérénade in b-Moll – geschrieben, die zusammen mit dem Prelude die Morceaux de Fantaisie, Op. 3, bildeten. Er widmete diese Stücke Arensky und spielte die Uraufführung aller fünf Stücke am 9. Januar 1893 in Kharkov. Laut einem weiteren Biographen Rachmaninoffs, Victor Seroff, antwortete Rachmaninoff auf die Frage, was ihn denn zur Komposition des Preludes in cis-Moll inspiriert hätte, mit den Worten „vierzig Rubel“. Er erklärte des Weiteren, dass ihm sein Verleger für die Komposition von fünf kleinen Klavierstücken 200 Rubel geboten hätte, und dass das

Prelude eines dieser Stücke wäre. Rachmaninoff sollte den Tag bedauern an dem er die vierzig Rubel für dieses Stück annahm, denn da das Internationale Urheberrecht sich damals nicht bis Russland erstreckte, verdiente er praktisch nichts mehr an der Komposition, egal wie oft sie gespielt wurde.

Schenkt man Victor Seroff Glauben, so wurde das Werk so populär, dass der Komponist manchmal selbst als „Mr. cisMoll“ bezeichnet wurde. John McCabe beschreibt in seiner Monographie des Komponisten, dass Rachmaninoff von diesem Stück so genervt wurde, dass er Menschen regelmäßig verblüffte indem er seine Vorliebe für Duke Ellingtons Version zu erkennen gab. Alle fünf Morceaux de Fantaisie sind auf der vierten CD zu hören.

Zu dem Zeitpunkt als Rachmaninoff im Dezember 1893 und Januar 1894 seine sieben Morceaux de Salon, Op. 10, schrieb waren sowohl Zverev, als auch Tchaikovsky, gestorben. Zuvor hatte Tchaikovsky großes Interesse am Schaffen Rachmaninoffs gezeigt, vor allem an dessen 1-aktigen Oper Aleko, die ihm die Goldmedaille am Konservatorium eingebracht hatte.Tchaikovsky hatte auch die Widmung von Rachmaninoffs Fantasie-tableaux (auch bekannt als Suite Nr. 1) für zwei Klaviere angenommen und hatte sich auf die Uraufführung durch den Komponisten und Pavel Pabst, einen weiteren Schüler Liszts und Professor am Moskauer Konservatorium, gefreut. Rachmaninoff widmete seine Stücke Op. 10 Pabst und führte vier davon erstmals am 12.

Februar 1894 in Moskau auf. Alle sieben dieser Stücke sind auf der zweiten CD zu hören. Im Zeitraum von Oktober bis Dezember 1896 schrieb Rachmaninoff kurz nach Vollendung seiner ersten Symphonie seine nächste Sammlung von Soloklavierstücken – den sechs Moments Musicaux, Op. 16 (aufgenommen auf der ersten CD). In seiner Biographie des Komponisten schreibt Robert Threlfall, dass die Moments Musicaux, die Rachmaninoff 17

seinem Komponistenkollegen und Freund Alexander Satayevich widmete, einen „bedeutenden Fortschritt gegenüber den frühen Klavierstücken darstellten“, während Geoffrey Norris in seinem Buch „Master Musicians“ anmerkt, dass in diesen Stücken Rachmaninoffs Klavierstil eine „deutliche Entwicklung in sowohl Technik, als auch Ausdruckskraft“ festzustellen ist.

Die vier Improvisationen auf der siebten CD datieren ebenfalls aus 1896. Diese Stücke entstanden auf eine sehr unübliche Art und Weise. An einem Herbsttag dieses Jahres lud Arensky Rachmaninoff und Alexander Glazunov in seine Wohnung ein um Zeit mit Taneyev, der soeben St. Petersburg besuchte, zu verbringen. Nachdem sie gegessen hatten, begannen sie eine Art Gesellschaftsspiel, ein wenig im Stil von Consequences wobei eine Geschichte erzählt wird indem jede Person der Reihe nach eine Zeile hinzufügt. In diesem Fall erhielt jeder Komponist ein Stück Notenpapier und sollte die Eröffnungstakte eines Klavierstücks aufschreiben. Danach wurde dieses Notenblatt zum Nächsten weitergegeben der wiederum einige Takte hinzufügte. Das Spiel ging so weiter bis es zum ersten Komponisten zurückkam der dann einen Schluss hinzufügte.

Die erste dieser Improvisationen (ein Moderato in e-Moll) wurde von Arensky begonnen, die zweite (ein Allegretto in C-Dur) von Glazunov, die dritte (ein Allegro scherzando in b-Moll) von Rachmaninoff und das letzte Stück (ein Largo in f-Moll) wurde von Taneyev begonnen und beendet.

Rachmaninoff hatte acht Monate benötigt um seine erste Symphonie zu schreiben und sah der Uraufführung im März 1897 mit Vorfreude entgegen. Leider Gottes war diese Aufführung, unter der Leitung von Glazunov, ein komplettes Desaster und entmutigte Rachmaninoff vom Komponieren in der darauffolgenden Zeit. Es kann im Nachhinein nicht mehr festgestellt werden ob das Orchester schlecht vorbereitet

war, oder ob Glazunov, wie einige behaupten, betrunken war, jedenfalls waren die Kritiker durchwegs feindselig, sodass Rachmaninoff das Werk sofort zurückzog; es sollte Zeit seines Lebens nie wieder aufgeführt werden.

Es sollten zwei Jahre vergehen bis Rachmaninoff sich selbst wieder überzeugen konnte zu komponieren. In der Zwischenzeit hatte er eine Stelle als stellvertretender Dirigent einer Operngesellschaft in Moskau, die dem reichen Industriellen Savva Momontov gehörte, angenommen. Nicht nur gab ihm diese Anstellung die Möglichkeit wertvolle Dirigiererfahrung zu sammeln, er lernte dabei auch einen Altersgenossen kennen, den aufstrebenden Bass Feodor Chaliapin. Es entwickelte sich eine Freundschaft auf Lebenszeit. Nach einigen Auftritten mit Chaliapin und der Operngesellschaft im Sommer 1898 entschloss sich Rachmaninoff um auf dem Lande in der Nähe Moskaus zu leben und dort zwei Stücke zu schreiben die auf der siebten CD zu hören sind: das Morceau de Fantaisie g-Moll (datierend vom 23. Januar 1899) und die Fughetta in F-Dur (3 Wochen später im Februar vollendet). Während der zwei Jahre kompositorischer Stille besuchte Rachmaninoff auch erstmals London, wo er am 19. April 1899 in der Queen´s Hall seine Orchesterfantasie „Der Fels“ dirigierte und zwei Stücke aus seinem Opus 3, inklusive dem damals bereits bekannten Prelude in cis-Moll, spielte.

Ein weiteres wichtiges Ereignis aus dieser Periode ist sein Treffen mit Dr. Nicolai Dahl, einem Arzt der Hypnose und Autosuggestion zur Behandlung seiner Patienten verwendete.

Wenn man Riesemann glauben kann (was zweifelhaft ist), dann wiederholte Dr. Dahl täglich folgendes Mantra für Rachmaninoff: „Du wirst anfangen Dein Konzert zu schreiben...Du wirst mit großer Leichtigkeit arbeiten...Das Konzert wird exzellent sein“.

Zu diesem Zeitpunkt hatte Rachmaninoff bereits angeboten ein zweites Klavierkonzert für London zu schreiben und Dr. Dahls 18

Behandlung war insofern erfolgreich – in welcher Form auch immer sie stattgefunden hat – als dass Rachmaninoff tatsächlich bis 1901 sein zweites Klavierkonzert fertiggestellt hatte.

Thema von Chopin vorstellte. Es gelang ihm dabei mit seinem Verleger ein wesentlich besseres finanzielles Arrangement als bei seinen Morceaux de Fantaisie auszuhandeln.

Es war auch im selben Jahr, dass Rachmaninoff – den großen Erfolg des cis-Moll Preludes im Hinterkopf habend – ein weiteres Prelude, diesmal in g-Moll, schrieb. John McCabe nannte das Werk „eine wirklich feine Miniatur-Tondichtung, kurz aber kraftvoll“. Im darauffolgenden Jahr schuf Rachmaninoff einen Satz von 22 Variationen über Frédéric Chopins Prelude in c-Moll Op. 28 No. 20. Geht man nach der Meinung von Oskar von Riesemann, so war das Prelude von Chopin das einzige Werk das in seiner Popularität an Rachmaninoffs cis-Moll Prelude heranreichte, sodass er die Frage aufwarf, ob es aufgrund seines „großen Eindrucks“ nicht besser am Ende, statt am Anfang des Werkes, erklingen sollte. John Culshaw schreibt in seinem Buch über den Komponisten, dass die Variationen über ein Thema von Chopin Opus 22 (zu hören auf der dritten CD) „nicht so sehr Variationen, als vielmehr kluge Ausschmückungen eines Themas“ sind, und dass Riesemanns Theorie„wenig glaubwürdig ist, da nur wenige Variationen vom melodischen Grundgerüst abweichen und es somit kein Mysterium über die Identität gäbe“. Rachmaninoff widmete das Stück dem polnischen Pianisten Theodor Leschetitzky, dessen Schüler Vassily Safonov Rachmaninoff bei der Uraufführung des ersten Satzes des ersten Klavierkonzerts in 1892 dirigiert hatte.

Während der drei nächsten Jahre war Rachmaninoff hauptsächlich mit Opern beschäftigt; sowohl dem Schreiben und Aufführen seiner eigenen, als auch dem Dirigieren der Opern Anderer. Im Herbst 1906 jedoch gelang es ihm sich von seinen Verpflichtungen zu befreien und mit seiner Familie nach Dresden, wo er sich die nötige Ruhe zum Komponieren erhoffte, zu reisen. Im Mai 1902 hatte Rachmaninoff seine Cousine Natalia Satin geheiratet und ein Jahr später wurde ihre erste Tochter, Irina, geboren. Während seiner Zeit in Deutschland arbeitete Rachmaninoff an seiner Oper Monna Vanna (unvollendet), seiner zweiten Symphonie und seiner ersten Klaviersonate in d-Moll, Opus 28 (CD 6). Im Juni 1907, gerade rechtzeitig zur Geburt ihrer zweiten Tochter, Tatiana, kehrte er zu seiner Frau nach Russland zurück. Es begab sich zu dieser Zeit, dass er die Sonate dem Pianisten Konstantin Igumnov vorspielte.

Bis 1903 hatte Rachmaninoff neun weitere Preludes komponiert die, zusammen mit dem Prelude in g-Moll, als Zehn Preludes Op. 23 (CD 4) veröffentlicht wurden und Siloti gewidmet waren.

Rachmaninoff spielte die Premiere dreier dieser Stücke, nämlich der Nummern 1, 2 und 5 (g-Moll), am 23. Februar 1903 im selben Konzert in Moskau (zugunsten einer Wohlfahrtseinrichtung für Frauen im Gefängnis) in dem er die Variationen über ein

Igumnov wurde im selben Jahr wie Rachmaninoff geboren und war ein Schüler von Zverev, Siloti und Pavel Pabst. 1899 wurde er zum Professor am Moskauer Konservatorium ernannt.

Nachdem er die Sonate mit dem Komponisten besprochen, und einige Veränderungen vorgeschlagen, hatte, spielte er die Uraufführung des neuen Werkes am 30. Oktober 1908 in Moskau. Es war eines der wenigen Klavierwerke Rachmaninoffs, das von einem anderen Pianisten als ihm selbst uraufgeführt wurde. Auffallend ist auch, dass das Stück ohne eine Widmung erschien. Es scheint, dass Rachmaninoff das Werk ursprünglich als Tondichtung für Klavier, basierend auf der Handlung von Goethes Faust, geschrieben hatte, aber genauere Details sind dazu nicht bekannt.

1909 unternahm Rachmaninoff seine erste Reise in die USA 19

und spielte während seiner dortigen Tour die Uraufführungen seines dritten Klavierkonzerts, wobei eine dieser Aufführungen von Gustav Mahler dirigiert wurde. Nach seiner Rückkehr nach Russland im Sommer des Jahres 1910 entschloss er sich in Ivanovka, das jetzt ihm gehörte, den von ihm geschriebenen 11 Preludes 13 weitere hinzuzufügen, sodass sein Katalog wie bei Chopin 24 Preludes in allen Tonarten, in Dur und Moll, umfasste. Rachmaninoff schrieb diese 13 Preludes (CD 3) sehr schnell im September, drei alleine am 5. (Nr. 5, 11 und 12) und zwei weitere (Nr. 7 und 8) am 6. September. Man nimmt an, dass Rachmaninoff die Uraufführung dieser Werke am 18. Dezember 1911 in St. Petersburg versah.

Als Rachmaninoff ein kleiner Junge war spielte sein Vater ihm „leichte“ Stücke am Klavier vor. Man kann sich vorstellen, dass Rachmaninoff dachte sein Vater hätte diese Miniaturen selbst geschrieben, denn am 24. März 1911 fügte er die Initialen seines Vaters V.R. (oder W.R., abhängig davon welches Transkriptionssystem man benutzt) dem Titel seiner lebendigen Polka (CD 5) hinzu. In diesem Stück zitiert er auch La Rieuse (oder Lachtäubchen) des Wiener Komponisten Franz Behr, dessen Musik in den Salons aus Rachmaninoffs Kindheit große Popularität besaß. Rachmaninoff widmete die daraus resultierende Polka de V.R. dem polnischen Klaviervirtuosen Leopold Godowsky.

Weniger als ein Jahr nach Beendigung seiner zweiten Sammlung von Preludes begann Rachmaninoff mit der Arbeit an seiner ersten Sammlung Études-tableaux Opus 33, wobei das erste dieser Stücke vom 24. August, und das letzte vom 24. September 1911, datiert. Robert Matthew-Walker schrieb über diese Stücke: „Die „tableaux“ sind keine „Bilder“ im Sinne Mussorgskys, sondern stehen vielmehr in der Tradition von Chopins Balladen, nämlich insofern als dass sie eine poetische

Interpretation ermöglichen, währenddessen sie gleichzeitig aus rein musikalischen (und technischen) Gesichtspunkten komponiert wurden.“ Rachmaninoff komponierte ursprünglich neun Stücke für diese Sammlung, entfernte allerdings nach und nach wieder drei: das vierte Stück, das letzten Endes als Opus 39, Nr. 6 ,erschien, und das dritte und fünfte Stück, die erst 1948 erschienen, mittlerweile aber sehr oft zusammen mit dem Rest von Opus 33 erscheinen, so wie es auch auf der sechsten CD zu hören ist. „Den ganzen Tag verbrachte ich am Klavier oder am Schreibtisch und ich legte die Feder nicht nieder bis die sinkende Sonne den Monte Pincio im goldenen Glanz erstrahlen ließ. Auf diese Art und Weise beendete ich meine zweite Klaviersonate und die Choralsymphonie...die Glocken.“ So beschrieb Rachmaninoff, laut Oskar von Riesemann, die Fertigstellung seiner zweiten Klaversonate. Es war das Jahr 1913 und die Familie Rachmaninoff befand sich in Rom, in der selben Wohnung an der Piazza di Spagna in der einst Tchaikovsky und sein Bruder Modest Aufenthalt hatten. Rachmaninoff erwähnt später in seinen „Erinnerungen“, dass er das Stück überarbeiten wollte da er „nicht zufrieden war mit dem Rahmen den er ihm damals gab“ und fügte hinzu, dass es „dem Freund seiner Kindheit, Pressman“ gewidmet war (es ging dabei um Matvei Pressman, den Robert Threlfall als einen „Mitgefangenen“ bei Zverev beschrieb). Tatsächlich überarbeitete Rachmaninoff seine zweite Klaviersonate in b-Moll, Opus 36, (CD 1) 1931, die Uraufführung der ersten Fassung hatte er bereits am 16.

Dezember 1913 in Moskau gespielt.

Es war am 6. März 1917 dass Rachmaninoff die Uraufführung seiner zweiten Sammlung Études-tableaux Opus 39 (CD 2) in Petrograd – wie St. Petersburg seit Kurzem hieß – spielte.

Abgesehen von Nr. 6, die aus der ersten Sammlung Op. 33 übernommen wurde, hat er seit Oktober 1916 an diesen Stücken gearbeitet, eines jedoch, Nr. 5, wurde erst vier Tage vor der 20

Uraufführung fertiggestellt. Knapp 3 Wochen nach dem Konzert dankte Zar Nikolaus II. ab und setzte somit die Oktoberrevolution 1917 in Gang. In den wenigen Monaten, in denen Rachmaninoff unter dem neuen Sowjetregime lebte, vervollständigte er seine Überarbeitung des ersten Klavierkonzerts und schrieb drei kurze Klavierstücke. Dabei handelt es sich um ein Präludium in d-Moll, eine orientalische Skizze (beide datierend vom 27.

November) und ein einseitiges Werk mit dem Titel Fragmente (alle drei Werke sind auf CD 7 zu finden), das wahrscheinlich am nächsten Tag entstand. Ursprünglich war das erste Stück titellos und erhielt den Namen Präludium erst als es 1973 anlässlich des 100. Geburtstags von Rachmaninoff veröffentlicht wurde.

Das zweite Stück war im Kreise von Freunden und Familie als der „Orient Express“ bekannt nachdem Fritz Kreisler es mit dem berühmten transkontinentalen Zug verglichen hatte.

Rachmaninoff führte es erstmals 1931 in einem Konzert auf und nahm es danach regelmäßig in seine Konzertprogramme auf. Das Stück Fragmente, in dem Rachmaninoff angeblich Erinnerungen an das vorsowjetische Russland verarbeitete, erschien erstmals 1919 in der Zeitschrift „Die Etüde“.

Schon bald nach der Revolution wurde für Rachmaninoff deutlich, dass er das Land verlassen müsste. Zum Glück erhielt er schon bald eine Einladung um einige Konzerte in Skandinavien zu spielen, sodass er bereits im Dezember 1917 mit seiner Familie nach Stockholm reiste. Er sollte sein Heimatland danach nie wieder betreten.

Nach Beendigung seiner Tour in Skandinavien wurden Rachmaninoff und seine Familie in San Francisco sesshaft. Von dort aus, und später von New York aus, begab er sich auf viele Konzerttourneen in den USA und darüberhinaus. Für diese Tourneen schrieb er viele Transkriptionen von Liedern und Orchesterwerken anderer Komponisten, als auch seiner eigenen

Kompositionen. Die erste dieser Bearbeitungen war „The Star Spangled Banner“ und wurde erstmals am 15. Dezember 1918 in Boston uraufgeführt. Die Melodie dieses Werks, das 1931 zur offiziellen Nationalhymne der Vereinigten Staaten werden sollte, stammte aus der Feder des Briten John Stafford Smith (1750-1836), der das Werk für die Anakreontische Gesellschaft, einen Herrenklub für Amateurmusiker im 18. Jahrhundert, geschrieben hatte. Der Text wurde von Francis Scott Key 1814 geschrieben nachdem er während des Krieges von 1812 Zeuge des Bombardements Fort McHenrys durch die Britische Flotte wurde.

Rachmaninoffs weitere Transkriptionen beinhalten das Menuett aus der L´Arlésienne Suite Nr. 1 von George Bizet, das am 19. Januar 1922 in Tulsa, Oklahoma, uraufgeführt wurde, den Hopak aus Mussorgskys Oper „Der Jahrmarkt von Sorotschinzy“, der vom 1. Januar 1924 datiert, und die Bearbeitung von Franz Schuberts Lied„Wohin?“ Die Transkription dieses Schubertliedes erklang erstmals am 29. Oktober 1925 in Stamford, Connecticut, und zwar im selben Konzert in dem Rachmaninoffs Version von „Liebesfreud“, von seinem Freund, dem österreichischen Violinisten Fritz Kreisler, uraufgeführt wurde. Ungefähr sechs Jahre später, am 20. November 1931, spielte Rachmaninoff bei einem Auftritt in Chicago seine Bearbeitungen eines weiteren populären Werkes von Kreisler, nämlich „Liebesleid“ für Klavier und Violine. Ebenfalls im Jahr 1931 schrieb Rachmaninoff seine Bearbeitung des teuflisch schweren „Hummelflugs“ aus Nikolai Rimski-Korsakovs Oper „Das Märchen vom Zaren Saltan“. 1933 entstanden zwei weitere Transkriptionen, nämlich von Felix Mendelssohns „Scherzo“ aus dem „Sommernachtstraum“ (uraufgeführt am 23. Januar in San Antonio, Texas), sowie von drei Sätzen aus Johann Sebastian Bachs Partita in E-Dur für Violine solo, die in ihrer Vollständigkeit erstmals am 9. November in Harrisburg, Pennsylvania, zu hören waren. Rachmaninoffs letzte 21

Transkription eines Werks eines anderen Komponisten war die Bearbeitung eines Liedes von Tchaikovsky: sein Wiegenlied Opus 16, Nr.1. Obwohl Tchaikovsky selbst eine Bearbeitung dieses Liedes für Solo-Klavier geschrieben hatte wurde Rachmaninoffs Version speziell für ein Konzert in Syracuse, New York, am 14. Oktober 1941 geschrieben. Die restlichen zwei Bearbeitungen Rachmaninoffs sind Bearbeitungen seiner eigenen Lieder, nämlich „Flieder“ aus den Romanzen Opus 21 (1902) und „Gänseblümchen“ aus der Opus 38 Sammlung.

Letzteres Stück datiert ursprünglich von 1916 und wurde auch von Fritz Kreisler für Violine und Klavier bearbeitet. Alle diese Transkriptionen sind auf CD 5 zu hören.

Während seiner hauptsächlich amerikanischen Jahre schrieb Rachmaninoff zwei weitere Werke für Klavier und Orchester – sein Viertes Klavierkonzert und die Rhapsodie über ein Thema von Paganini – aber nur ein weiteres Werk für Soloklavier. Es handelt sich dabei um die sogenannten Variationen über ein Thema von Corelli Opus 42 (CD 1). Fritz Kreisler machte Rachmaninoff mit dem Thema dieser Variationen, der sogenannten „La Folia“Melodie, bekannt. Die Melodie stammt zwar ursprünglich nicht von Corelli, findet aber in dessen 12. Violinsonate Verwendung.

Das Werk entstand im Sommer 1931 als Rachmaninoff in der Nähe von Paris verblieb und von vielen alten Freunden, unter anderem von Chaliapin, besucht wurde. Wenig überraschend widmete er dieses Werk Fritz Kreisler. Die Uraufführung fand am 12. Oktober 1931 in Montreal statt, dem Werk blieb jedoch anfänglich der Erfolg verwehrt. Kurze Zeit nach der Uraufführung schickte Rachmaninoff eine Kopie der Noten an seinen Freund und Pianistenkollegen Nikolai Medtner. Im beigelegten Brief erklärte er, dass er das Werk schon 15 Mal gespielt hatte, aber nur eine dieser Aufführungen ein Erfolg war. Des weiteren schrieb er, dass er das Stück noch nicht vollständig aufgeführt hätte. „Ich wurde vom Husten des Publikums geleitet“, erklärte

er. „Wenn das Husten zunahm ließ ich die nächste Variation aus.

Wenn es kein Husten gab, spielte ich alles der Reihe nach. In einem Konzert (ich weiß nicht mehr wo – in einer kleinen Stadt) war das Husten so stark, dass ich nur 10 Variationen (von 20 insgesamt) spielte. Mein Rekord waren 18 Variationen (in New York).“ Nicht lange nach der Aufführung der „Corelli“ Variationen in Montreal fand die Uraufführung von fünf Études-tableaux von Rachmaninoff in der Bearbeitung für Orchester von Ottorino Respighi, die mit vollem Einverständnis Rachmaninoffs entstanden war, statt. Anschließend kehrte Rachmaninoff (nach einem kurzen Abstecher nach London, wo er die Goldmedaille der Royal Philharmonic Society erhielt) in die Schweiz zurück, wo er ein Haus hatte bauen lassen, das er Senar nannte – eine Kombination aus seinem eigenen Vornamen und dem seiner Frau. Im April 1933 kehrte er nach London zurück um seine „Corelli“ Variationen, sowie zwei seiner Transkriptionen, dem „Scherzo“ aus dem „Sommernachtstraum“ und dem Präludium aus Bachs E-Dur Partita, zu spielen. Den Sommer desselben Jahres verbrachte er wieder in Senar wo er sich ein Motorboot kaufte, das ihm soviel Freude bereitete wie einst sein erstes Auto, das er sich 1913 zugelegt hatte. Im darauffolgenden Jahr, ebenfalls in Senar, komponierte er seine Rhapsodie über ein Thema von Paganini, die er am 7. November 1934 in Baltimore, unter dem Dirigat von Leopold Stokowski, uraufführte. Weitere Aufführungen folgten sowohl in Amerika, als auch in Europa, wobei die britische Premiere in Manchester stattfand. Nach seiner Rückkehr nach Senar im Sommer 1935 begann er seine dritte Symphonie zu schreiben, die allerdings erst im darauffolgenden Jahr vollendet wurde. Die Symphonie wurde am 6. November 1936 in Philadelphia, wiederum unter der Leitung von Leopold Stokowski, uraufgeführt.

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Im Herbst 1937 brach er zu einer kurzen und hektischen Saison in den USA auf. 1938 kehrte er nach England zurück wo er Sir Henry Wood über seine dritte Symphonie, die demnächst ihre britische Premiere erhalten sollte, beriet. Er nahm an Sir Henrys Jubiläumskonzert im Oktober teil und spielte am 11. März 1939 sein letztes Konzert in Großbritannien. Gegen Ende desselben Jahres veranstaltete das Philadelphia Orchester, anlässlich des 30-jährigen Jubiläums von Rachmaninoffs Debütkonzert in den USA, eine Reihe von Konzerten in denen die drei ersten Klavierkonzerte, die zweite und dritte Symphonie, die Glocken, die „Paganini Rhapsodie“ und sein Orchesterwerk „Die Insel der Toten“, das er 1909 in Dresden geschrieben hatte, erklangen.

Den Sommer 1940 verbrachte Rachmaninoff auf Orchard Point, einem Anwesen in der Nähe von Huntingdon auf Long Island, wo Rachmaninoff sein letztes Werk, die symphonischen Tänze, komponierte. Eugene Ormandy dirigierte die Uraufführung dieser drei Stücke am 3. Januar 1941 in Philadelphia. Nachdem

er zwei Sommer in Orchard Point verbracht hatte, beschloss er den Sommer 1942 in Kalifornien, wo er alsbald ein Haus in Beverly Hills kaufte, zu verbringen. Während der letzten Monate seines Lebens spielte Rachmaninoff, obwohl er sich müde und krank fühlte, weiter Konzerte mit eigenen Kompositionen und Werken anderer Komponisten. So führte er z.B. in Chicago Beethovens erstes Klavierkonzert auf und spielte in Knoxville Chopins b-Moll Sonate. Dies sollte sein letztes Konzert werden, denn kurz danach wurde Rachmaninoff mit Krebs diagnostiziert und verstarb am 28. März 1943 in seinem Haus in Beverly Hills, wenige Tage vor seinem 70. Geburtstag.

© Peter Avis Übers: David Boos

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Artur Pizarro wurde 1968 in Lissabon, Portugal, geboren und gab sein erstes Konzert im Alter von drei Jahren und trat im Alter von vier Jahren bereits im portugiesischen Fernsehen auf. Seine Liebe zum Klavier empfing er von seiner Großmutter mütterlicherseits, der Pianistin Berta da Nóbrega, und dem Partner ihres gemeinsamen Klavierduos, Campos Coelho, einem ehemaligen Studenten von Vianna da Motta, Ricardo Viñes und Isidor Philipp. Von 1974 bis 1990 studierte Artur bei Sequeira Costa, der ebenfalls ein Student von Vianna da Motta, aber auch von Mark Hamburg, Edwin Fischer, Marguerite Long und Jacques Février, war.

Durch diese bedeutende Abstammung ist Artur mit dem “Goldenen Zeitalter” des Klavierspiels verbunden und erhielt dadurch eine Ausbildung, die ihn mit den Schulen Frankreichs und Deutschland, sowie deren Repertoire, bekannt machte.

Während einer kurzen Unterbrechung seiner Studien in den USA nahm er in Lissabon Unterricht bei Jorge Moyano, sowie mit Aldo Ciccolini, Géry Moutier und Bruno Rigutto in Paris.

Artur gewann 1987 den ersten Preis beim Vianna da Motta Wettbewerb, 1988 den Greater Palm Beach Symphony Wettbewerb, sowie 1990 den ersten Preis beim Internationalen Klavierwettbewerb in Leeds, der den Anfang seiner internationalen Konzertkarriere markierte.

Artur Pizarro tritt international regelmässig als Solist, Kammermusiker und mit führenden Orchestern und Dirigenten, wie z.B. Sir Simon Rattle, Philippe Entremont, Yan Pascal Tortelier, Sir Andrew Davis, Esa-Pekka Salonen, Yuri Temirkanov, Vladimir Fedoseyev, Ilan

Volkov, Franz Welser-Möst, Tugan Sokhiev, Yakov Kreizberg, Yannick Nézet-Séguin, Libor Pešek, Vladimir Jurowski, Ion Marin, John Wilson und dem späten Sir Charles Mackerras, auf.

Artur ist als Kammermusiker sehr aktiv und trat weltweit bei vielen Kammermusikfestivals auf. Artur Pizarros hat eine umfangreiche Aufnahmetätigkeit bei Collins Classics, Hyperion Records, Linn Records, Brilliant Classics, Klara, Naxos, Danacord, Odradek Records, Phoenix Edition und Capriccio, aufgebaut.

Artur Pizarro hat in seiner Heimat Portugal viele Auszeichnungen für seine Verdienste um die klassische Musik und die Kultur erhalten, unter anderem den Portugiesischen Pressepreis, den Preis der Portugiesischen Gesellschaft von Autoren, die Kulturmedaille der Stadt Funchal und die Medaille für kulturelle Leistungen der portugiesischen Regierung. Vor kurzem erhielt er in Spanien die Albéniz Medaille.

Für weitere Informationen: www.arturpizarro.pt

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日本語

私が初めてラフマニノフに接したのは、母方の祖母でピア二ストのベルタ・ダ・ノブレガから贈られたＬＰでした。 ラフマ ニノフのピアノ協奏曲第一番と第二番で、ピアノはアシュケナージ、指揮はアンドレ・プレヴィン。音そのもの、ハーモニー、 そのダイナミックなアレンジメント、すべてに圧倒されました。いつかこれを自分でも弾きたい、 という切なる願いは後に 叶えられましたが、当時の私はまだ6歳。 でも6歳とはいえ好みがはっきりしていて、第一番の方により強く惹かれてＡ面を すり減らしてしまったんです！その後、協奏曲第四番を加えて、私の好みの協奏曲はこの2曲となりました。 その後まもなく、私のピアノの先生 セケイラ・コスタと当時彼の夫人だったピア二ストのタニア・アショットがピアノ組曲 第二番を演奏するのにすっかり魅せられ、 ラフマニノフと2台ピアノ協奏という、私の生涯の｢二つの情熱」が私の中に芽 生えたことなります。 ラフマニノフのピアノソロに勝るのはラフマニノフのピアノデュオしかありません。少年の私は前奏 曲、組曲、｢音の絵」など全てに魅了されたわけです。それから少し経って、先生がトランスクリプトのレコードを録音するの を一緒に座って聴き、 これらの経験が後に私の中のラフマニノフを育み、いかに演奏して録音すべきかを学ぶ重要な出 発点となりました。

かなり経って私が18歳の時、 ラフマニノフを演奏する機会が訪れました。1987年ポルトガルのリスボンで行われたヴィア ナ・ダ・モッタ国際ピアノコンクールの最終審査でピアノ協奏曲第二番を弾き優勝したのです。さらに1990年、イギリスの リーズ国際ピアノコンクールでもラフマニノフは私の幸運のお守り役を果たし、 ソナタ第二番と協奏曲第三番で優勝しま した。 ラフマニノフに感謝！

だから、 ラフマニノフの音楽性などを知的レベルで論じるよりも、私にとってのラフマニノフは、個人的、そして感情的な 体験に他なりません。 ラフマニノフの音楽は、私の生涯の初めから、そして今後指が動かなくなって弾けなくなるまで、も しかしたらその後にも、私と一心同体、 と言ったら言い過ぎでしょうか。今回こうしてラフマニノフのピアノ曲全曲を録音す ることで、彼の生涯、そしてその中に思いがけない発見を繰り返している私自身の人生すら、皆さんと一緒に体験できるよ うになりました。それは、 ラフマニノフのピアノ音楽のあまり知られていない部分を、一緒に発見することでもあります。 このＣＤで、ロマン派最大の作曲家、指揮者、そしてピア二ストであるラフマニノフの、想念、悲しみ、喜び、そして彼の楽 器としてのピアノに対する比類ない知識、などを、パーソナルなレベルで聴いていただけたら、 と思います。彼の音楽がそ れを語ってくれる、 と信じます。

今回の録音を通して私が新たに認識したのは、 ラフマニノフは、 ジャンルやカテゴリーには入りきれない大きさを持った、 そして未だに十分に理解されていない作曲家だ、 ということです。現代は、皆が一家言ある世の中ですが、 ラフマニノフの ピアノ曲にある特別なもの、信念、パワー、恒久的な真理、など、つまり普遍的な人間の条件、 とでも言えるものを見出して いただければ幸いです。 アルトゥール・ピサロ

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セルゲイ・ヴァシリエヴィチ・ラフマニノフは1873年4月1 日大地主の貴族の家庭に生まれた。生誕地は母親の結婚 時の持参金であった五箇所の広大な所有地の内のひと つ、セミヨノヴォであったが、幼少期をノブゴロドに近い オネグで過ごしたのは、放蕩と賭け好きで知られた父ヴ ァシーリ・アルカジエヴィチがこのオネグ以外全ての農地 を手離さざるを得ない状況に陥ったためでる。彼の稀な 音楽の才能が育まれたのはこのオネグでであり、両親共 音楽の素養豊かで息子にもピアノのレッスンを早くから 始めさせ、父方の祖父(かつてはアイルランド人ピア二ス トのジョン・フィールドに師事した)との連弾もすぐに楽し めるようになった。 1882年には、父のヴァシーリの荒い金遣いが高じて最後 のオネグの領地さえ競売にかけられ、家族はペテルブル クに移住し小さな借家住まいを余儀なくされる辛い生活 でセルゲイは兄のウラジミール姉のソフィアと共にジフ テリアに罹り、それはソフィアの命を奪う。両親はまもなく 離婚。母が女手ひとつで子供達を育てることになった。そ んな中セルゲイは母方の祖母との絆を深め、その祖母が ノブゴロド近くに買い取った農園で休暇を過ごすように なる。 ノブゴロドの教会の鐘の音、そして祖母に連れられ てロシア正教会で聴いた聖歌合唱は後のラフマニノフの 作風に大きな影響を与えることになった。 ペテルブルクに移住してまもなく、セルゲイは奨学金を得 て音楽院に入学したが、ピアノでは進歩したものの他の 科目を怠けたため全ての学科で落第。そこで母親は、 フラ ンツ・リストに師事した才能豊かなピア二ストでありセル ゲイの従兄弟でもあったアレクサンドル・ジロテイに相談 し、そのジロティの勧めで、セルゲイはジロティ自身の教 師であるモスクワ音楽院のニコライ・ズヴェーレフ教授の 門下生となった。

ズヴェーレフの指導は厳格そのもので、門下生を全て自 分の邸宅に寄宿させ、 これも厳しい姉のアンナ・セルゲー ブナの監視のもとで生徒は朝の6時からの練習を義務付 けられた。同じ門下に、セルゲイと同い年のレオニード・ マクシモフ、３歳年長のマトヴェイ・プレスマンもいた。 日 曜の午後にはズヴェーレフはモスクワの著名な音楽家を 招いて生徒達のコンサートを開く習慣だった。 こうした名高い音楽家達とは、ジロティ、セルゲイ・タニエ フ、 アントン･アレンスキー、ヴァシーリ・サフォノフなどだ が、中でもラフマニノフにとって重要だったのはピョート ル・イリッチ・チャイコフスキーとの出会いであった。休暇 が来るとズヴェーレフは生徒達が家族と旅行に出ること を禁じ、その代わりモスクワ近郊のズヴェーレフ家の別荘 やクリミアにある別荘に連れていってピアノの稽古を怠 らないようにさせた。1886年のこのようなクリミアの｢夏 休み｣には和声の教師も同行し、新学期のアレンスキーの 和声の授業への出席許可試験に備える、 という徹底教育 ぶりだった。 ラフマニノフが友人、 プレスマンに自分の作曲を聴かせ たのも、 こういう休暇の間だったろうか。｢この曲、知って る？｣と聞くラフマニノフ。｢知らないな｣。 プレスマンがそ の曲に感動したのを確かめてから、それは自分の作曲で プレスマンに捧ぐものだと告白。自筆譜が残されていな い為、 これがどんな曲だったのかは不明だか、後の練習 曲の嬰へ長調であるとも、またニ短調であるとも言われ ている。 ラフマニノフの作曲として残されている一番古い ものは1887年2月から3月の短かい管弦楽スケルツォで、 メンデルスゾーンの影響が濃い。同年11月から12月には 夜想曲2曲(嬰へ短調とヘ長調)を書いている。1888年1月 にはこれにハ短調を加えてこの3曲が完成、 これがこのＣ これらの夜想曲に ＤのDisc 7にある三つの夜想曲である。 26

は作品番号がつけられておらず、出版されたのはラフマ ニノフ没後6年の1949年になってからだった。 1887年作と言われる作品の中には、Disc 7収録の｢無言 歌｣の二短調もある。オリジナルは消失したが、1993年に なって当時ラフマニノフの伝記を書いていたオスカー･ フォン･リースマンに薦められ、 ラフマニノフが記憶を辿 って書き直した。 リースマンのこの伝記は｢ラフマニノフ がオスカー・フォン･リースマンに語った回想記｣と名づけ れ、ラフマニノフの生の言葉をたくさん引用したとされ るが、 ラフマニノフ自身は気に入らなかったといわれる。 後年ラフマニノフの娘が、 リースマンは取材に鉛筆一本 さえ持って来なかったくらいだからラフマニノフの｢回想 記｣からはほど遠い、 と批判するが、付記にはこの｢無言 歌｣が載せられており、14歳のラフマニノフがこれを和声 の試験で弾いた時に巨匠チャイコフスキーが絶賛した、 とリースマンは書いている。同じDisc 7収録に、同じ頃作 曲され、 ラフマニノフ自身は作品1と記した｢四つの小品｣ (ロマンス｣､｢前奏曲｣､｢メロディー｣､｢ガヴォット｣)があ る。公には後に作曲されたピアノ協奏曲第一番が正式に 作品1となった。｢四つの小品｣が出版されたのは1948年、 しかも作品番号はつけられていない。 1888年の春にはペテルブルク音楽院に戻って従兄のア レクサンドル･ジロティに師事、同年暮れからはセルゲイ・ タネーエフに対位法を、アントン･アレンスキーに和声を 学んだ。アレンスキーの出題でフーガを作曲したところ、 むしろカノンであったことからホ短調のカノンと呼ばれる が、出版されたのはラフマニノフ没後の1949年であった (Disc 7)。 作曲家への道を歩き始めたラフマニノフは、ズヴェーレ フ邸で他の生徒のピアノの練習から離れられるような一 人部屋を希望したが、ラフマニノフのピアノ演奏の才能

以外には興味のなかったズヴェーレフがそんな希望を受 け入れるはずもなく、 ラフマニノフは友人ミハイル･スロ ノフのところに身を寄せ、さらに父方の叔母、バルバラ･ サーチンの家に移った。夏はサーチン家のイワノフカの 別荘で従兄弟達と暮らし、作曲に専念する快適な日を過 ごすのが恒例となった。 1890年にはピアノ協奏曲第一番の作曲を始め、完成は 翌年の卒業試験直後の7月。卒業は予定より一年早かっ た。1891年8月１日には前奏曲へ長調を作曲(フーガ二 短調と共に、二作品としてDisc 7に収録)。同年に、交響 曲ニ短調を書く。これは長いこと消失したとされていた が、2002年に自筆譜が発見され、それまで出所不明だっ たピアノ曲が実はこの交響曲のピアノ版であったことが 判明した。四楽章から成る(Disc 5)。 1892年10月8日には、ラフマニノフのピアノソロでは最 も有名な（あるいはピアノソロ史上最も有名なと言って もよい）前奏曲嬰ハ短調がラフマニノフの演奏で初演を 迎える。 ラフマニノフはこの初演が作曲家としてのデビュ ーだったと後に述べている。時を移さず、｢エレジー｣変ホ 短調、｢メロディー｣ホ長調、｢道化師｣嬰へ短調、｢セレナー ド｣変ロ短調を作曲。 これが後に前奏曲を加えて｢幻想的 小品集｣(作品3) となる。 これら5曲をラフマニノフは師の アレンスキーに捧げ、1893年1月9日にカルコフで初演。 ラ フマニノフのもう一人の伝記作家、ビクトール･セロフに よると、前奏曲嬰ハ短調のインスピレーションは何かと聞 かれたラフマニノフは｢40ルーブル｣と答え、楽譜出版社 が4曲の作曲で200ルーブルを約束しておりこの曲がその ひとつだったと説明したという。当時は国際著作権の圏 外であったロシアとはいえ、 この有名な曲がその後何度 演奏されてもラフマニノフの懐には一銭も入らなかった ことを考えれば、40ルーブルはとんでもない安値だった 27

ことになる。 この前奏曲はラフマニノフの代名詞的存在 となり、 ラフマニノフは「ミスター嬰ハ短調」 と呼ばれるに 至った、 とセロフは書いている。 ラフマニノフ研究論文の 中でジョン・マッケーブは、嬰ハ短調に嫌気が差したラフ マニノフはオリジナルの自作よりもデューク・エリントン の編曲の方がいいといって周囲を驚かせた、 と書いてい る。｢幻想的小品集｣全曲はDisc 4に収録。 ｢サロン小品集｣作品10を1893年の12月から94年1月に かけて作曲する頃には、 ズヴェーレフもチャイコフスキー も既にこの世に無かったが、生前ラフマニノフの作品を 高く評価したチャイコフスキーが特に注目していた一幕 オペラ｢アレコ｣は、音楽院で金メダルを受賞。チャイコフ スキーはまた、２台のピアノのための｢幻想的絵画｣(組 曲第一番とも呼ばれる。チャイコフスキーに献呈)を、 ラフ マニノフ自身が、モスクワ音楽院教授でありリストの弟子 であったパヴェル・パブストと共に演奏するのを楽しみに していたという。 このパブストに、 ラフマニノフは作品10 を捧げ、1894年2月12日に初演。7曲全曲がDisc 2に。 さら に、交響曲第一番のすぐあと1896年10月から12月にかけ て、ピアノ・ソロ｢楽興の時｣作品16(Disc 1)が作曲された。 ラフマニノフの伝記作者ロバート・スレルフォールは、友 人で作曲家のアレクサンドル・サタイエヴィッチに捧げ た｢楽興の時｣は｢それまでのピアノ作品からかなりの進 歩を示している｣と言っており、 また、ジェフリー・ノリスは 著書｢偉大な音楽家達｣の中で、ラフマニノフは「これら の作品の中で技巧と表現力の大きな展開を見せ始めた」 と書いている。1896年には「四つの即興曲」も書かれてお り、Disc 7に収録されている。 これらの小品の出自がかなり面白い。秋のある日、 アレン スキーがラフマニノフ、アレクサンドル・グラスノフ、そし てペテルブルク訪問中だったタネーエフを自宅に招待

し、食事のあと、いわゆる｢成り行き｣ゲームが始まった。 し かし話の筋を書くのとは異なって皆が五線紙を与えられ、 一人がピアノ曲の最初の部分を作曲、次の一人がさらに 数小節というように続けて行き、それが最初の人に戻っ てきた時に最後の部分を書いて完成させる、 というもの。 つまり、最初の即興曲はホ短調モデラートでアレンスキ ーが、次はハ長調アレグレットでグラスノフ、３曲目は変 ロ短調アレグロ・スケルツァンドでラフマニノフ、４曲目 はヘ短調ラルゴでタネーエフが、それぞれ始めと終わり を書いたわけである。交響曲第一番は作曲に8ヶ月もか かり、 ラフマニノフは1897年3月予定だった初演を待ち望 んでいたとあるが、 グラスノフの指揮のこの初演は記録 的な大失敗に終わり、ショックのラフマニノフはしばらく 作曲のペンを取ることができなかった。失敗の原因として は、オーケストラの準備が怠慢だったとか、 グラスノフが 酒に酔っていた、 とか言われるが、いずれにしても批評家 は口を揃えてこきおろし、挫折のラフマニノフはすぐには 立ち直れず、｢第一番｣は存命中は二度と演奏されること はなかった。 作曲活動再開までに数年を要したが、この間、モスクワ の富裕な実業家サーヴァ・モモントフ主宰の私設オペラ の第二指揮者に着任、 これは指揮者としての経験に大い に役立っただけでなく、ロシア人新鋭バス歌手、 フョード ル・シャリアピンと生涯の友情を結ぶきっかけともなっ た。1898年の夏、 このオペラ団でシャリアピンと共演した 後、 ラフマニノフはモスクワ郊外に移り住み、そこでDisc 7収録の二つの作品、｢幻想小曲集｣のト長調(1989年1月 23日)と、その3週間後に｢フゲッタ｣ヘ長調を書いた。作曲 活動を断念したかに見えた2年の間にラフマニノフはロ ンドンを訪れ、1899年4月19日には当時のクィーンズ・ホ ールで幻想曲｢岩｣を指揮し、また作品3の中から既に有 名になっていた嬰ハ短調前奏曲を演奏した。 28

この時期にもうひとつ注目に値するのが、催眠暗示療法 で知られた精神科医ニコライ・ダーリとの出会い。 リース マンに依ると(つまり信憑性は高くないが）ダーリ医師は ラフマニノフに毎日次のように繰り返したという。 「あな たは協奏曲を書き始める...素晴らしい才能をもって...結 果は優れた作品となる...」。既にロンドンでピアノ協奏曲 第二番の作曲を勧められていたラフマニノフは、 この暗 示が効いたかどうかは別として、1901年に第二番を完成 している。 同年、嬰ハ短調前奏曲の成功に乗じてラフマニノフは今 度はト短調を完成。ジョン・マッケーブに言わせると、｢こ の曲は音で書いた詩。短いがパワーフルである｣。 翌 年、ショパンの前奏曲ハ短調作品28の2の主題による22 の変奏曲を書いた。オスカー・フォン・リースマンは、｢ショ パンのこの前奏曲はラフマニノフの嬰ハ短調と唯一互角 をなせる優れた作品｣とし、｢ショパンの主題を一番最後 に置いたほうが、最初に使うよりも聴衆に深い感銘を与 えただろう｣と言っている。 レコードプロデューサーのジョ ン・カルショーは、 このショパンの主題による変奏曲(Disc 3)は、｢変奏曲というよりも主題を中心に非常に賢い装飾 を凝らしたというのが正しいだろう｣とし、｢変奏のほとん どが主題のメロディーを使っており、主題の出所がいず れも明らかである」 と言ってリースマン論には懐疑的であ る。 この変奏曲をラフマニノフはポーランド人ピア二スト のテオドール・レシェティツキに捧げている。以前の1892 年のピアノ協奏曲第一番初演の指揮をしたのは、 このレ シェティツキの弟子ワシーリー・サフォーノフである。 1903年初めまでには、ラフマニノフはさらに9つの前奏 曲を書いており、 これにト短調を加えたのが前奏曲集作 品23 (Disc 4)で、 ジローティへ捧げられている。1903年2 月23日にこのうちの1､2､5番 (ト短調)と、 ショパンの主題

による変奏曲を、モスクワの婦人奉仕団体援助コンサー トで披露。さらに、以前の｢幻想的絵画｣の時よりもずっと 良い条件を出版社から勝ち取っている。 その後3年ほどラフマニノフはオペラに集中。作曲、指揮、 演奏(他の作曲家の作品も)を手がけた。 しかし1906年秋 には作曲活動に没頭する目的で家族と共にドイツのド レスデンに移る。1902年5月にラフマニノフは従姉妹の ナターリヤ・サーチナと結婚しており、翌年には長女のイ リーナが誕生。 ドイツ滞在中にはオペラ｢モンナ・ヴァン ナ｣(未完)、交響曲第二番、ピアノ・ソナタ第一番ニ短調作 品28(Disc 6)を書いた。1907年6月、既にロシアに戻って いた妻が次女タチアナを出産するためラフマニノフも帰 国。 このソナタを、ピア二ストのコンスタンチン・イグーム ノフに披露したのもこの頃である。イグームノフはラフマ ニノフと同い年で、 ズヴェーレフ、ジロティ、パブストに師 事し、1899年にはモスクワ音楽院の教授。 ラフマニノフに このソナタに少し手を加えるよう勧め、その結果を1908 年10月30日のモスクワ初演で弾いている。 これは、 ラフマ ニノフ以外のピア二ストがラフマニノフ作品を初演した 数少ない例。また、献呈のないまま出版されたのも珍し い。当初、 ラフマニノフはこのソナタを、ゲーテのファウス ト、 グレッチェン、メフィストフェレスを基にした楽興詩に しようとしていたと言われるが、詳細はわかっていない。 1909年、 ラフマニノフは、初のアメリカ演奏旅行でピアノ 協奏曲第三番をグスタフ・マーラーの指揮で演奏。1910 年にはロシアの既に買い取ってあったイワノフカの別荘 で、 これまでの11曲の前奏曲にさらに13曲を加えようと 思い付く。 これは、ショパンに倣って、24､つまり全ての音 階それぞれ長調と短調の曲を作曲するためだった。新し い13曲(作品32)(Disc 3)は非常な短期間で完成された。5 番､11番､12番は9月5日に、そして7番と8番は6日に書か 29

れた。前奏曲作品32の初演は1911年12月18日、ペテルブ ルクであったといわれる。ラフマニノフの幼少の頃には 父親がよく軽音楽をピアノで弾いたことがあり、1911年3 月24日にエネルギッシュなポルカを｢V.R.(翻訳によっては W.R.)のポルカ｣(Disc 5)と名づけた理由は、おそらく父親 の姿が念頭にあってその頭文字を題としたと考えられる。 確かに、 ラフマニノフの少年時代に家庭で好まれたピア ノ曲には、人気のドイツ・ロマン派作曲家フランツ・ベー アのポルカ「笑う小娘」があり、 この「V.R.のポルカ」の原曲 に他ならない。 ラフマニノフはこのポルカをポーランド人 で技巧の巨匠といわれるピア二スト、 レオポルド・ゴドフ スキーに捧げている。 これらの前奏曲作品32の完成から一年足らずのうちに、 ラフマニノフは作品33｢音の絵｣の作曲を始める。その最 初は1911年8月24日、その最後は9月24日に完成。ロバー ト・マシュー・ウォーカーが書いているように、｢この絵と は、ムゾルグスキーの展来会の絵のように実際の絵画を 意味するのではなく、むしろショパンのバラードのように、 音楽(とそれに必要な技術)で描かれた詩的インスピレー ションである｣。当初は9曲から成ったが、 ラフマニノフが そのうち3曲を削除して. 第四曲は後に作品39の６に登 場することになり、第三と第五曲は1948年まで出版され なかったが現在では作品33の中でよく演奏されるように なって、いずれもDisc 6に収録されている。オスカー・フォ ン・リースマンによると、 ラフマニノフは｢一日中ピアノか 机に向かって作曲をし、モンテ・ピンチョの松林に日が翳 るまでペンを置くことがない。 こうしてピアノ・ソナタ第二 番と合唱交響曲｢鐘｣を完成させるに至った。｣1913年、 ラ フマニノフ一家はローマに移り、 スペイン広場近くの、か つてチャイコフスキーが弟のモデストと滞在したその同 じ家に住む。 ラフマニノフは、 ソナタ第二番に不満で修正 を考え、またこれを少年時代の友人マトヴェイ・プレスマ

ンに捧げた、 と後に｢回想｣で述べている。(ロバート・セル フォールはプレスマンを｢ズレーエフ専制時代の同士｣と 表現｡）実際ラフマニノフは、1913年12月16日にモスクワ で初演済みだったピアノ・ソナタ第二番変ロ短調作品36 (Disc 1)に、1931年になって修正のペンを加えている。 1917年3月6日、ペトログラード(それまでのペテルブルク から改称)で｢音の絵｣作品39(Disc 2)の初演。 この作品39 は、もともと作品33にあった3番以外は全て1916年の10 月以降に書かれたものであるが、特に5番は初演の4日前 に完成というスピード。その3週間後に、皇帝ニコライ二 世が退位、ロシア革命が急速に発展する。その後数ヶ月ラ フマニノフは新しいソビエト体制のもとでピアノ協奏曲 第一番の修正と、三つのピアノ小品を作曲している。 これ は、前奏曲ニ短調と｢東洋のスケッチ｣(どちらも11月27日 完成)、それに、おそらく翌日に書かれた単ページ作品｢断 このニ短調が前奏曲と呼ばれるよう 章｣(いずれもDisc 7)。 になったのは1973年(ラフマニノフ生誕百周年)の出版時 になってからであった。｢東洋｣は、 フリッツ・クライスラー がつけたオリエンタル急行というあだ名で周囲の者たち に知られており、1931年の初演後、 ラフマニノはこれを度 々好んで演奏した。｢断章｣は、 ソヴィエト以前の思い出を 記したとし、Etudeという音楽雑誌に掲載・発表されたの は1919年になってからである。 革命勃発まもなくラフマニノフは移住を覚悟、おりしも 招聘されていたスカンジナビア諸国演奏旅行を機会とし て、家族と共に1917年のクリスマスに出国。ストックホル ムに無事に到着し、その後二度と祖国の土を踏むことは なかった。 このスカンジナビア演奏旅行終了後一家はサ ンフランシスコへ渡り、そこから、 また後にはニューヨーク を基点として、 ラフマニノフは盛んにアメリカ各地で演奏 活動を続け、その為に自身や他の作曲家による歌や管弦 30

楽を編曲した。中でも早くに手がけたのが｢星条旗｣の編 曲で、初演は1918年ボストン。原曲はイギリス人ジョン・ スタッフォード・スミス(1750-1836)が、18世紀のアマチ ュア音楽家たちのクラブであったアナクレオンティック・ ソサエティーのために作曲した｢天国のアナクレオンへ｣ で、 そのメロディーは後､1931年にアメリカ国歌となった。 ちなみに国家の歌詞は、ボルティモア港口のマックヘン リー要塞が1812年にイギリス艦隊の砲撃を受けた際の 感銘を、1814年9月にフランシス・スコット・キーが書いた もの。 ラフマニノフの著名な編曲には他にジョルジュ・ビゼー の｢アルルの女 組曲｣第1番 - メヌエット(オクラホマ州、 タ ルサで1922年1月19日初演)、ムゾルグスキーのオペラ、｢ ソロチンスキー・フェスティバル｣のホパーク(1924年1月 1日)、 また、シューベルトの｢何処へ？｣などがある。 この､｢ 何処へ？｣の編曲の初演はコネティカット州スタンフォー ドで1925年10月29日、ラフマニノフと親しいオーストリ ア人バイオリニスト、 フリッツ・クライスラーの｢愛の喜び｣ の編曲発表と同時であった。その6年ほど後、1931年11月 20日シカゴで、 ラフマニノフはクライスラーのもうひとつ の人気作でバイオリンとピアノの為の｢愛の悲しみ｣の編 曲を演奏、また同年にニコライ・リムスキー・コルサコフ のオペラ｢サルタン王の物語｣から、難しいことで有名な ｢熊蜂の飛行｣の編曲、 また1933年にはフェリックス・メン デルスゾーンの｢真夏の夜の夢｣から｢スケルツォ｣(テキサ ス州サン・アントニオ、1月23日初演)、ＪＳバッハの無伴 奏バイオリンのためのパルティータより３曲のそれぞれの 編曲(ペンシルバニア州ハリスバーグ、11月9日初演)を発 表。他の作曲家の作品の編曲で最後を飾るのは、チャイ コフスキーの子守唄(作品16の1)。チャイコフスキーは自 身の手でこの歌をピアノの為にアレンジしてあったが、 ラ フマニノフ版は1941年10月14日のニューヨーク州シラキ

ューズでのコンサートのために書かれた。あと二つの編 曲はラフマニノフ自身の歌曲をアレンジしたもので、｢十 二の歌曲｣の中から｢リラの花｣作品21(1902年)と、1916 年作曲で当時はクライスラーがバイオリンとピアノの為 に編曲する予定であった｢ひなぎく｣作品38がある。 これ ら編曲の全てはDisc 5に収録。 アメリカ時代にラフマニ ノフはピアノ協奏曲を2曲書いている。協奏曲第四番と｢ パガニーニの主題による狂詩曲｣である。 しかしソロのピ アノ曲は、いわゆる｢コレルリの主題による変奏曲｣作品 42(Disc 1)だけである。｢ラ・フォリア｣と呼ばれるこの主題 のメロディをラフマニノフに紹介したのはクライスラー で、実はアルカンジェロ・コレルリの創作ではないが、コ レルリがこのメロディを自身のバイオリンのための十二 の独奏曲で使っていることからこう呼ばれる。｢コレルリの 主題による変奏曲｣は1931年の夏、パリ郊外で旧友達、特 にシャリアピンを招いての滞在中に書かれたもので、言 うまでも無くクライスラーに捧げられている。初演はモン トリオールで1931年10月12日、 しかし反響は今ひとつで、 ラフマニノフはこの楽譜を友人でピア二ストのニコライ・ メトネルに送り、同封した手紙の中で｢これを既に１５回 も弾いたが満足な演奏は一回きり｣｢通して弾いたことは 無く｣｢聴衆があまり咳きをすると次の変奏を飛ばしてしま う｣｢咳きがなければ順番通りに弾ける」 と書いている。 ま た、｢どこか覚えていないが小さな町のコンサートではあ まりに咳きがひどかったために20の内10の変奏しか弾か なかった｣そして｢最高記録はニューヨークで18の変奏だ った｣としている。 モントリオールでの｢コレルリ｣の初演からまもなく、 ラフ マニノフの承認を得て｢音の絵｣のうち5曲をイタリア人 作曲家オトリアーノ・レスピーギが管弦楽に編曲した。 ラ フマニノフはロンドンでロイヤル・フィルハーモニック協 会から金メダルを授与された後、すでにスイスに建てて 31

あった別荘(自身と妻の頭文字を混ぜてセナールと呼ぶ) に戻った。1933年4月にはロンドンで｢コレルリ｣と二つの 編曲｢真夏の夜の夢｣スケルツォとバッハのパルティータ ホ長調を演奏した。 この年の夏、セナールでモーターボー トを買い入れ、1913年に買った最初の自動車に劣らぬ興 奮と喜びを見出したという。その翌夏、やはりセナールで ラフマニノフは｢パガニーニの主題による狂詩曲｣作品 43を書いた。 この初演はバルティモアで1934年11月7日、 レオポルド・ストコフスキー指揮。 さらにアメリカとヨーロ ッパ各地で演奏され、イギリスでの初演はマンチェスタ ーでだった。セナールに帰って1935年夏、交響曲第三番 に着手、 しかし完成は翌年となる。初演はやはりストコフ スキー指揮で、 フィラデルフィア、1936年11月6日。 翌年の秋から、ラフマニノフはアメリカ演奏旅行を勢力 的にこなし、さらに1938年にはイギリスで自身の交響曲 第三番の演奏についてイギリス初演の指揮をするヘンリ ー・ウッド卿にアドバイスをし、10月には同じウッド卿の 指揮歴五十周年記念コンサートに参加。1939年3月11日 の演奏はイギリスでの最後のコンサートとなった。同年 暮れ、アメリカでのデビュー三十周年を記念して、フィラ

デルフィア・オーケストラがラフマニノフ・シーズンとして 協奏曲の最初の３曲、管弦楽第二番と第三番、｢鐘｣、｢パ ガニーニの主題による狂詩曲｣、そして1909年にドレス デンで書いた交響詩｢死の島｣を演奏した。1940年夏、ロ ングアイランドのハンティングドン近くにあるオーチャー ド・ポイントで最後の作品となる｢交響的舞曲｣を作曲。初 演は1941年1月3日フィラデルフィアで指揮はユージン・ オーマンディ。オーチャード・ポイントでふた夏を過ごし た後、1942年ビバリー・ヒルズに家を買って移り住む。疲 労と病気に悩まされながらも休むことなく演奏活動を続 け、自作だけでなく他の巨匠の作品も、たとえばシカゴで ベートーベンのピアノ協奏曲第一番を、そして最後のコ ンサートとなるノックスビルではショパンのピアノソナタ 変ロ短調、などを弾いた。その後まもなく癌の診断を下さ れ、1943年3月28日、70歳の誕生日よりわずか数日前に、 ビバリー・ヒルズの自宅で息を引き取った。 © Peter Avis

翻訳：Kumi Liley

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1968年ポルトガルのリスボン生まれ。3歳の時にプロの ピア二ストとしてデビュー、また翌年4歳でポルトガル国 営テレビ放送に出演。ピアノに導いたのは母方の祖母で ピア二ストのベルタ・ダ・ノブレガと、そのピアノ・デュオ の相手で巨匠ヴィアナ・ダ・モッタ、 リカルド・ヴィネス、イ シドール・フィリップの弟子であったカンポス・コエルホ であった。1974年から1990年にかけては、同じくヴィア ナ・ダ・モッタ、マーク・ハンブルグ、エドウィン・フィッシャ ー、マルグリット・ロング、ジャック・フェヴリェに師事した セケイラ・コスタの門下生となる。ピアノ演奏の黄金時代 と言えるこれら優秀なピアニストの伝統の中で育ったこ とは、 アルトゥールにドイツとフランスの両方の流れを汲 む幅広いピアノ教育を与えたことになる。その後短期間 のアメリカでの教育を経て、再度リスボンでホルヘ・モヤ ノに、そしてパリでアルド・チッコリーニ、ジェリー・ムティ エ、 ブルーノ・リグットに師事した。1987年にヴィアナ・ダ・ モッタ国際ピアノコンクールで第一位、また1987年には グレーターパームビーチ交響楽団コンクールでも優勝、 さらに1990年にはリーズ国際ピアノコンクールで優勝を 果たして国際的なピア二ストとして知られるようになる。 アルトゥール・ピサロは、 ソロだけでなく室内楽や世界の 有名なオーケストラとの協奏を盛んにこなし、一緒に演

奏した指揮者は、サイモン・ラトル、 フィリップ・アントルモ ン、ヤン・パスカル・トルトゥリエ、アンドリュー・デイヴィ ス、エサ・ペッカ・サロネン、ユリ・テミルカーノフ、 ウラディ ミール・フェドセイエフ、イラン・フォルコフ、ウェルザー・ メスト、 トゥガン・ソキエフ、ヤコフ・クライツベルク、ヤニッ ク・ネゼ・セガン、 リボール・ペセック、 ウラディミール・ユロ フスキ、イオン・マリン、ジョン・ウィルソン、そして故チャ ールズ・マッケラスなどがある。 また世界中の室内楽フェルティバルで活躍。ＣＤも非常 に多く、コリンズ・クラシック、ハイぺリオン・レコード、 リ ン・レコード、 ブリリアント・クラシックス、Klara、ナクソス、 デイナコード、オドラデック・レコーズ、 フェニックス・エデ ィション、 カプリッチオなどからリリースしている。 盛んな音楽活動で数々の受賞、その中に、 クラシック音楽 と文化への貢献でポルトガル・プレス賞、 またポルトガル 社会著作者賞、 フンシャル市（マデイラ）文化勲章、ポルト ガル政府からの文化貢献勲章など。 スペインでの最近の 受賞に、誉れ高いアルベニス・メダルもある。 アルトゥール・ピサロの最新情報は、 www.arturpizarro.pt

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www.arturpizarro.pt www.odradek-records.com Artist photos: Tiago Figueiredo Artist photo (this page): Tommaso Tuzj, Hoshi Studio Graphic Design: Studio Alice Recorded at Studio Odradek Disc I (excl. tr.5) & VII (tracks 18-20) 11-13 December 2013 * II 22-24 January 2014 * † III & VII (tracks 6 & 7) 28-30 May 2014 **‡ IV & VII (tracks 5, 8, 9, 10-17) 17-19 September 2014 ** I (track 5) 17 September 2014 * V, VI & VII (tracks 1-4) 10-18 Februrary 2015 **‡

Piano: Yamaha CF6 Piano Technicians: * Luigi Fusco † Donato Remigio ‡ Francesco Tufano Sound Engineer: Thomas A. Liebermann Mastering and Mixing Engineer: Thomas Vingtrinier, Sequenza Studio, Paris.

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Image of Rachmaninoff from Artur Pizarro’s personal collection www.odradek-records.com Artist photos taken with kind permission of www.arturpizarro.pt Museu Nacional Ferroviário, Lisbon.

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