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ENG
This CD is my path, a voyage into the unknown, representing a large chapter in my life as I went abroad to fulfill dreams of making my mark in the guitar world. The journey has been filled with joy, inspiration and challenges, and has, at times, been rocky and overgrown, complete with obstacles and surprises. But the one constant has been my instrument. Each piece on this CD is an homage to my past mentors, demonstrating the evolution of ‘my’ guitar. In 2004, I met the esteemed American composer, Martin Bresnick, who introduced me to the sound world of Leoš Janáček. Originally written for the piano, Janáček’s ten movement cycle, On an Overgrown Path, is brimming with nuances that are intimately connected to the Czech language. The vivid imagery created by luscious harmonies and floating melodies constructs a more simplistic view of the world, a world that is increasingly overshadowed by the complexity of our modern world. There is nothing better, more haunting, more emotional, more sensual, than a simple major or minor chord, and this masterpiece confirms that. The Blue Guitar stands tall within the group of English compositions commissioned by Julian Bream. This monumental work is intricately written, and embedded with the style and spirit of Tippett. Yin and Yang are explored - Dark and Light, Man and Woman, Order and Chaos, Question and Answer, Real and Abstract. Sliding harmonies spiral towards moments of relaxation and clarity, only to be rudely interrupted by the raw, abrupt sounds of tension and obscurity. In the winter of 2007 I asked Eliot Fisk, “What is the most insane Castelnuovo-Tedesco piece you have ever played?” He replied without hesitation, “Suite!” So naturally, it was something that I immediately had to do. Suite Op.133 captures you, you are drawn into its charm, its neurotic twist and turns of events, its Affektenlehre, filled with hundreds of colorful opera-like characters urgently jostling for their moment in the spotlight. This virtuosic piece challenges the guitarist, and a cluster of dynamic moods, emotion, and contrast provokes the mind. Enjoy! Scott Borg
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On an Overgrown Path, by Czech composer Leos Janáček, is a cycle of pieces
of the cycle, in which Janáček sought to convey a series of memories: some tender,
inspired by Moravian folk tunes and divided into two volumes. Janáček began
some tragic.
work on the cycle in 1900, producing six pieces originally intended for the harmonium. In 1901, three of these pieces were published as part of a set of works for harmonium, but by 1908, Janáček had augmented the cycle to nine pieces, now intended for piano; it was at this time that he added titles to the pieces. Given the initial flexibility over the instrumentation of the work, and its later orchestration, it seems remarkable that a version for guitar has taken so long to appear. Thankfully, Martin Bresnick has created this latest incarnation of the work, which receives its world-premiere recording on this disc. In 1911, Janáček’s definitive cycle of ten works was published as On an Overgrown Path, volume one. Whereas volume two consists of five works which take their
The cycle begins with the tender, soporific Our evenings. In a letter written to musicologist Jan Branberger in 1908, Janáček describes A blown-away leaf as “a love song”, and Come with us! as a “letter filed away for good”. This ambiguous description offers a tantalising glimpse into the composer’s private life, in which letters could take on deep, even passionate significance – as in his ‘Intimate Letters’ Quartet written much later, in 1928. Yet there is a sacred tone to The Virgin Mary of Frýdek. Frýdek is a Moravian town situated near Janáček’s birthplace, Hukvaldy, and the Madonna is treated to reverential music, with organ-like chords and a recurrent motif which sounds as though it is being, in the composer’s words,
names from their tempo markings, every piece in volume one has a picturesque
“sung by a far-off procession”. They chattered like swallows offers an unflattering
title. The name of the whole cycle alludes to a Moravian wedding song, in which
depiction of gossiping women. Words fail me! takes as its theme “the bitterness
a bride observes wistfully that “the path to my mother’s has become overgrown
of disappointment”, and in Goodnight! Janáček sought to conjure up “the mood of
with clover”. The poignant nostalgia expressed by these words reflects the mood
parting”.
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In 1903 Janáček’s daughter Olga died from typhoid aged only 21, and the titles of
scale pieces. The title of the guitar sonata alludes both to Picasso’s painting, The
the last three pieces of volume one (titles chosen by the composer in 1908) refer
Man with the Blue Guitar, and to a poem of the same name inspired by Picasso’s
to this loss. So unutterably anxious and In tears are vivid depictions of the fear and grief bound up with Olga’s demise. Of the latter, Janáček wrote, “Do you sense crying in the penultimate piece?”, describing with unflinching, heart-rending
work, by Wallace Stevens. The result is a piece that is undoubtedly one of the finest written for the guitar in recent years. The three movements convey three
candour: “A foreboding of certain death. An angelic being lay in deathly anguish
“moods or gestures”: Transforming, Juggling, and Dreaming. To reflect both
through hot summer nights.” The owl is a portentous symbol in Czech folklore,
the title and the guitar’s own musical history, Tippett weaves blues-inflected
and Janáček creates a haunting evocation of the tawny owl’s cry in the final piece of the set, The little owl hasn’t flown away! He alternates this motif with a chordal figure said to represent “an intimate song of life”. Janáček wrote that “there is suffering beyond words contained here”, and, true enough, the fatalistic call of
harmonies into the fabric of the opening movement, Transforming. The theme of transformation comes in part from Stevens’ poem, which depicts the guitarist as a kind of alchemist who alters our perceptions:
the owl ends the work. Janáček summarised the cycle as a series of pieces which
They said, “You have a blue guitar,
“contain distant reminiscences. Those reminiscences are so dear to me that I do
You do not play things as they are.”
The man replied, “Things as they are
Are changed upon the blue guitar.”
not think they will ever vanish.” Commissioned by Julian Bream, The Blue Guitar, by English composer Michael Tippett, was written in the wake of Tippett’s oratorio, The Mask of Time (1982). Having completed this ambitious work, Tippett turned his attention to smaller-
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Juggling is a quick, playful movement which exploits the virtuosic capacity of the
his guitar output that Castelnuovo-Tedesco is now best known.
guitar, exploring the full range of its sonorities including percussive taps on the
The Suite, Op.133, was composed in 1947, some years after Castelnuovo-
body of the instrument.
Tedesco, who was Jewish, had emigrated to America to avoid Mussolini’s adoption
In Dreaming (originally conceived as the final movement but sometimes placed in
of Hitler’s racial bigotry during World War Two. The opening Prelude, described
the middle of the work), Tippett juxtaposes a lyrical theme with a more forceful,
by the composer as improvisatory in style, is a wide-ranging, recitative-like
recitative-like idea, the two ideas unfolding at different pitch levels. The contrasts
movement full of intricate detail. There is ample scope for the guitarist to imbue
continue, tussling between limpid tonality and abrupt chromaticism. Tippett also
the music with his or her own personality, such is the free, spacious quality of
includes quotations from his Symphony No.4 and from Act Two of his opera, The
Castelnuovo-Tedesco’s material.
Ice Break. Ultimately, the prevailing character of this movement is of poignant,
The ‘expressive, melancholic’ second movement, inspired by Scottish folksong,
introspective beauty, its dreamlike quality mirroring that of Wallace Stevens’
begins slowly and in introspective vein. Soon, however, the pace quickens and
poem: ‘… the blue guitar / Is a form, described but difficult, / And I am merely a
the music becomes increasingly animated as though a happy memory has burst
shadow…’
in, injecting the movement with unexpected energy; dispelling the clouds.
Mario Castelnuovo-Tedesco came to prominence in the 1920s as one of the Italian
This juxtaposition of sighing nostalgia and agitation continues, lending the
‘Five’ composers, alongside, among others, Ottorino Resphigi and Gian Francesco
movement an enigmatic, searching quality that remains unresolved to the last.
Malipiero. His output spanned a range of large-scale genres and was met with
There is no mistaking the fiery nature of the finale, however, although even here,
critical acclaim; a music critic himself, he championed the music of fellow
there are moments of respite in the form of jazzy interjections and brief interludes
composers such as Stravinsky and Manuel de Falla. A turning point came in the
of tranquillity. Yet the fiendishly difficult and muscular guitar writing prevails,
1930s when Castelnuovo-Tedesco met the great guitarist Andrés Segovia, who
culminating in a final passage of scintillating, powerful brilliance.
inspired him to compose a number of significant works for the instrument. It is for
Joanna Wyld Text by Joanna Wyld / Odradek Records, LLC is licensed under a Creative Commons Attribution-NoDerivatives 4.0 International License. Permissions beyond the scope of this license may be available at www.odradek-records.com.
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Praised for his “enormous facility on the guitar, a fluent technique… with total
Guitar Society. Through these organizations, his ensembles have premiered
confidence and professional expertise, panache and artful spontaneity”, Australian
new works by esteemed composers such as Roland Dyens, Andrew York, Carlo
guitarist, arranger, and conductor Scott Borg performs extensively as a soloist
Domeniconi, Frank Wallace, and Tony De Ritis. He has presented over 200 guitar
and chamber musician, and is known for his refined and daring performances.
orchestra performances and clinics, including at the 2015 Guitar Foundation of
With a string of international scholarships and prizes under his belt, including
America Convention and Competition, Boston GuitarFest, ChamberArt Madrid, the
the Australian Music Examinations Board’s highest honor, the Fellowship in Music
Mid-Atlantic Guitar Ensembles Festival, New England Guitar Ensembles Festival,
Australia (F.Mus.A), his previous engagements have included performances at the
NHMEA All State, and Peabody Conservatory’s Fretfest. His arrangements range
Festival Internacional de Guitarra Mérida, ICPNA Guitar Festival, the Shell Darwin
from Bach to Bohemian Rhapsody, and have been praised for their sensitivity,
International Festival, the Kennedy Center, the Ateneo de Madrid, the Westminster
thoughtfulness, and intricate connection to the guitar orchestra idiom.
Kennel Club, New York’s Apollo Theatre and Alice Tully Hall in the Lincoln Center.
Scott Borg began his guitar studies at the age of seven with his father, Victor, and
In 2006 he was invited to perform for President Hu Jintao of the People’s Republic
was soon accepted into the young artists program at the Sydney Conservatorium
of China at his internationally televised address to the United States of America.
of Music. Currently a candidate in the Doctorate of Musical Arts program at New
As a winner of the Artists International competition, the New York Concert Review
England Conservatory under the tutelage of maestro Eliot Fisk, he previously
described Scott Borg’s Carnegie Hall debut as “well balanced, gracefully presented,
received his Artist Diploma (Yale University), Masters of Music (The Juilliard
and expertly played… each note was purposeful and focused, as was each rest.”
School) and a Bachelor of Creative Arts with First Class Honours (University of
His performances have been broadcast on Australian and American radio stations
Wollongong). His mentors have included Sharon Isbin, Benjamin Verdery,
including ABC Classic FM and NPR. He had also been featured on MTV2.
Gregory Pikler, and Christopher Keane. He is currently a member of the faculty at
Passionate about the guitar orchestra genre, he is currently director and conductor
Montgomery College in Rockville, Maryland.
of the Baltimore Classical Guitar Society Orchestra and the Boston Guitar
Scott Borg is an Augustine Artist and exclusively uses Augustine Regal strings. He
Orchestra, where he also serves as Director of Ensembles with the Boston Classical
plays ‘Aranda’, a guitar by Steve Connor.
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FRA
Ce CD est mon sentier, un voyage dans l’inconnu, un long chapitre de ma vie lorsque je suis parti à l’étranger pour réaliser mon rêve de laisser une trace dans le monde de la guitare. Ce voyage fut rempli de joie, d’inspiration et de défis, et, à certains moments, rocheux et recouvert, parsemé d’obstacles et de surprises. Mais la seule constante a été mon instrument. Chaque pièce de ce CD est un hommage à mes mentors, et reflète l’évolution de ‘ma’ guitare. En 2004, j’ai rencontré le compositeur américain réputé, Martin Bresnick, qui m’a initié à l’univers sonore de Leoš Janáček. Initialement écrit pour le piano, le cycle de dix-mouvement de Janáček, Sur un sentier recouvert, est riche de nuances intimement liées à la langue tchèque. L’imagerie vivante créée par les harmonies opulentes et les mélodies flottantes établit une vision plus simpliste du monde, un monde de plus en plus éclipsé par la complexité de la vie moderne. Il n’y a rien de mieux, de plus obsédant, émotionnel et sensuel qu’un accord simple, majeur ou mineur, et ce chef-d’œuvre le confirme. The Blue Guitar rayonne fièrement parmi les compositions anglaises commandées par Julian Bream. Cette œuvre monumentale est intimement écrite, et intégrée au style et à l’esprit de Tippett. Le Yin et le Yang sont explorés – l’Ombre et la Lumière, l’Homme et la Femme, l’Ordre et le Chaos, les Questions et les Réponses, le Réel et l’Abstrait. Des harmonies glissantes tourbillonnent vers des moments de détente et de clarté, avant d’être brutalement interrompues par les sons bruts et brusques de la tension et de l’obscurité. Durant l’hiver 2007, j’ai demandé à Eliot Fisk, « Quelle est la pièce la plus folle de Castelnuovo-Tedesco que vous ayez jouée ? » « la Suite ! », m’a-t-il répondu sans hésiter. Alors naturellement, c’est quelque chose qu’il m’a fallu faire immédiatement. La Suite op.133 vous captive ; vous êtes entraînés dans son charme, ses tours et ses détours, son ‘Affektenlehre’, avec ses personnages pittoresques et un brin opératiques, qui se bousculent frénétiquement pour leur petit moment de gloire. Cette pièce virtuose défie le guitariste, et un tourbillon d’humeurs, d’émotions et de contrastes provoque l’auditeur. Bonne écoute ! Scott Borg
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Sur un sentier recouvert, du compositeur tchèque Leos Janáček, est un cycle
exprimée par ces mots reflète l’humeur du cycle, dans lequel Janáček cherche à
de pièces inspirées par des airs folkloriques moraves, divisé en deux volumes.
peindre une série de souvenirs : certains tendres, d’autres tragiques.
Janáček a entamé cette œuvre en 1900 en produisant six pièces initialement destinées à l’harmonium. En 1901, trois de ces pièces furent publiées dans le cadre d’un ensemble d’œuvres pour orgue, mais en 1908, Janáček fit passer le cycle à neuf pièces, désormais destinées au piano ; c’est à ce moment que furent ajoutés les titres des morceaux. Compte tenu de la souplesse initiale concernant l’instrumentation de l’œuvre, et son orchestration ultérieure, il semble remarquable qu’une version pour guitare ait pris tant de temps à voir le jour. Fort heureusement, Martin Bresnick nous offre cette toute dernière incarnation de l’œuvre, dont cet enregistrement constitue la première mondiale. En 1911, le cycle définitif comprenant dix pièces est publié sous le titre Sur un sentier recouvert, Volume I. Alors que le deuxième volume se compose de cinq
Le cycle commence par le tendre et soporifique ‘Nos soirées’. Dans une lettre écrite au musicologue Jan Branberger en 1908, Janáček décrit ‘Une feuille emportée par le vent’ comme une « chanson d’amour », et ‘Venez avec nous’ comme une « lettre finalement envoyée ». Cette description ambiguë offre un aperçu intriguant dans la vie privée du compositeur, pour qui les lettres pouvaient prendre une signification profonde, voire passionnelle - comme dans son Quartet ‘Lettres intimes’ écrit beaucoup plus tard, en 1928. Un ton sacré enveloppe ‘La Vierge de Frýdek’. Frýdek est une ville de Moravie située près de la ville natale de Janáček, Hukvaldy, et la Madone est honorée par une musique révérencielle, avec des accords d’orgues et un motif récurrent qui semble, selon les mots des compositeurs, « comme
œuvres tirant leurs noms de leurs indications de tempo, chaque pièce du premier
chanté par une lointaine procession ». ‘Elles parlent comme les hirondelles’ offre
volume a un titre évocateur. Le nom de l’ensemble du cycle fait allusion à un chant
une représentation peu flatteuse des commères. ‘La parole manque’ a pour thème
de mariage morave, dans lequel une jeune mariée observe avec nostalgie que « le
« l’amertume de la déception », et ‘Bonne nuit’ évoque « l’atmosphère de la
sentier vers (sa) mère est désormais envahi par le trèfle ». La nostalgie poignante
séparation ».
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En 1903, la fille de Janáček Olga meurt de la typhoïde âgée de seulement 21 ans,
Après cette œuvre ambitieuse, Tippett se consacra à des pièces de plus petite en-
et les titres des trois derniers morceaux du premier volume (titres choisis par le
vergure. Le titre de la sonate pour guitare fait allusion à la fois au tableau de Picas-
compositeur en 1908) évoquent cette perte. ‘Anxiété indicible’ et ‘En pleurs’ sont
so, L’Homme à la guitare bleue, et à un poème du même nom de Wallace Stevens
des représentations vives de la peur et la douleur liées à la disparition d’Olga. Au
inspiré par l’œuvre de Picasso. Le résultat est une œuvre qui est sans aucun doute
sujet de ces pièces, Janáček écrit : « Ressentez-vous les pleurs dans l’avant-der-
l’une des plus belles pièces pour guitare de ces dernières années. Les trois mou-
nier morceau ? », et décrit avec une candeur déchirante: « Un pressentiment de
vements véhiculent trois « humeurs ou gestes » : ‘Transforming’, ‘Juggling’, et
la mort certaine. Un être angélique hanté par la mort à travers les chaudes nuits d’été ». La chouette est un symbole de mauvais augure dans le folklore tchèque et Janáček crée une évocation envoûtante du cri de la chouette hulotte dans la dernière pièce de l’ensemble, ‘La chouette ne s’est pas envolée’. Il alterne ce motif avec une progression d’accords représentant « le chant intime de la vie ». Janáček évoque « une souffrance au-delà de mots contenus ici », et l’appel fataliste de la
‘Dreaming’. Pour refléter à la fois le titre et l’histoire musicale de la guitare, Tippett développe des harmonies imprégnées de blues dans le mouvement d’ouverture, ‘Transforming’. Le thème de la transformation vient en partie du poème de Stevens, qui dépeint le guitariste comme une sorte d’alchimiste modifiant nos perceptions:
They said, “You have a blue guitar,
You do not play things as they are.”
je ne pense pas qu’ils disparaîtront un jour ».
The man replied, “Things as they are
Commandée par Julian Bream, The Blue Guitar, du compositeur anglais Michael
Are changed upon the blue guitar.”
chouette conclut en effet cette œuvre. Janáček résume ce cycle comme une série de pièces comportant « des souvenirs lointains. Ces souvenirs me sont si chers que
Tippett, fut composée à la suite de l’oratorio de Tippett, The Mask of Time (1982).
‘Juggling’ est un mouvement rapide et enjoué qui exploite les aptitudes virtuoses
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de la guitare, explorant toute la gamme de ses sonorités, dont des frappes
La Suite, op.133, fut composée en 1947, quelques années après que Castelnuovo-
percussives sur le corps de l’instrument.
Tedesco, qui était juif, émigra en Amérique pour éviter l’adoption par Mussolini
Dans ‘Dreaming’ (initialement conçu comme le dernier mouvement mais parfois
des politiques raciales d’Hitler pendant la Seconde Guerre mondiale. Le Prélude
placé au milieu de l’œuvre), Tippett juxtapose un thème lyrique avec une idée
d’ouverture, décrit par le compositeur comme de style improvisé, est un grand
de style récitatif plus énergique, deux idées développées à différentes hauteurs.
mouvement récitatif aux détails complexes. Le guitariste a tout loisir d’y insuffler
Les contrastes se poursuivent, voyageant entre tonalité limpide et chromatisme
sa propre personnalité, tant le matériel de Castelnuovo-Tedesco est libre et
abrupt. Tippett inclut également des citations de sa Symphonie n ° 4 et du
spacieux.
deuxième acte de son opéra, The Ice Break. En fin de compte, le caractère dominant
Le deuxième mouvement « mélancolique et expressif » inspiré par la chanson
de ce mouvement est d’une beauté introspective et poignante, sa qualité onirique
folklorique écossaise, commence lentement et dans une veine introspective.
reflétant celle du poème de Wallace Stevens : ‘… the blue guitar / Is a form, described but difficult, / And I am merely a shadow…’
Bientôt, cependant, le rythme s’accélère et la musique devient de plus en plus animée, comme si un souvenir heureux éclatait, imprégnant le mouvement
Mario Castelnuovo-Tedesco est devenu célèbre dans les années 1920, comme l’un
d’une énergie inattendue, dissipant tout nuage. Cette juxtaposition de nostalgie
des « cinq » compositeurs italiens, aux côtés, entre autres, d’Ottorino Resphigi
soupirante et d’agitation continue donne au mouvement un ton énigmatique qui
et Gian Francesco Malipiero. Saluée par la critique, son œuvre englobe tout un éventail de genres à grande échelle. Lui-même critique, il a défendu la musique d’autres compositeurs comme Stravinsky et Manuel de Falla. Un point tournant survint dans les années 1930, lorsque Castelnuovo-Tedesco rencontra le grand guitariste Andrés Segovia, qui l’inspira à composer plusieurs œuvres importantes pour l’instrument. Aujourd’hui, Castelnuovo-Tedesco est surtout célèbre pour ses œuvres pour guitare.
reste en suspens jusqu’à la fin. La nature féroce du finale ne laisse cependant aucun doute, malgré des moments de répit sous forme d’interjections jazzy et brefs intermèdes de tranquillité. Mais l’écriture pour guitare diaboliquement difficile et musclée triomphe, aboutissant à un passage final d’une beauté puissante et scintillante. Joanna Wyld Trad: Yannick Muet Texte de Joanna Wyld (Trad. : Yannick Muet)/Odradek Records, LLC est mis à disposition selon les termes de la Licence Creative Commons Attribution - Pas d’Utilisation Commerciale - Pas de Modification 4.0 France. www.odradek-records.com
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Loué pour sa « grande virtuosité à la guitare, une technique fluide ... sa confiance
Guitar Society. A travers ces organisations, ses ensembles ont joué en première de
et son expertise professionnelle totales, son panache et sa spontanéité agile »,
nouvelles œuvres de compositeurs réputés tels Roland Dyens, Andrew York, Carlo
le guitariste, arrangeur et chef d’orchestre australien Scott Borg se produit
Domeniconi, Frank Wallace et Tony De Ritis. Il a présenté plus de 200 spectacles
régulièrement en tant que soliste et musicien de chambre, et est réputé pour ses
et ateliers pour ensemble de guitare, tels que : 2015 Guitar Foundation of America
spectacles raffinés et audacieux.
Convention & Competition, Boston GuitarFest, ChamberArt Madrid, Mid-Atlantic
Avec plusieurs bourses d’études et prix internationaux à son actif, dont la plus
Guitar Ensembles Festival, New England Guitar Ensembles Festival, NHMEA All
haute récompense de l’Australian Music Examinations Board, le Fellowship in
State, et Fretfest du Peabody Conservatory. Ses arrangements vont de Bach à
Music Australia (F.Mus.A), il s’est produit au Festival Internacional de Guitarra
Bohemian Rhapsody, et ont été salués pour leur sensibilité, leur délicatesse et leur
Mérida, à l’ICPNA Guitar Festival, au Shell Darwin International Festival, Kennedy
relation complexe au langage de la guitare d’ensemble.
Center, Ateneo de Madrid, Westminster Kennel Club, l’ Apollo Theatre de New
Scott Borg a commencé ses études de guitare à l’âge de sept ans avec son père,
York et l’Alice Tully Hall du Lincoln Center. En 2006, il a été invité à jouer pour le
Victor, et a rapidement été accepté dans le programme pour jeunes artistes
discours mondialement retransmis du président chinois Hu Jintao aux Etats-Unis.
au Sydney Conservatorium of Music. Actuellement candidat au doctorat du
En tant que lauréat du concours Artists International, la New York Concert Review
programme d’Arts Musicaux du New England Conservatory sous la tutelle du
a décrit sa première performance au Carnegie Hall comme « bien équilibrée,
maestro Eliot Fisk, il est déjà titulaire d’un diplôme d’artiste (Université de Yale),
gracieusement présentée, et expertement interprétée ... chaque note était
d’une maîtrise en musique (la Juilliard School) et d’un baccalauréat des arts
délibérée et précise, ainsi que chaque silence ». Ses performances ont été diffusées
créatifs avec excellence (Université de Wollongong). Ses mentors ont inclus Sharon
sur les radios australiennes et américaines, dont ABC Classic FM, NPR et MTV2.
Isbin, Benjamin Verdery, Gregory Pikler et Christopher Keane. Il est actuellement
Passionné par les ensembles de guitare, il est actuellement directeur et chef
membre de la faculté à Montgomery College, à Rockville, Maryland.
d’orchestre du Baltimore Classical Guitar Society Orchestra et du Boston Guitar
Scott Borg est un Artiste Augustine et utilise exclusivement les cordes Augustine
Orchestra, ainsi que directeur de la musique d’ensemble avec la Boston Classical
Regal. Il joue sur ‘Aranda’, une guitare de Steve Connor.
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DEU
Diese CD ist mein Weg, eine Reise ins Unbekannte und repräsentiert ein umfangreiches Kapitel meines Lebens, als ich ins Ausland ging um mir meine Träume zu erfüllen um eine Spur in der Gitarrenwelt zu hinterlassen. Dieser Weg ist gepflastert mit Freude, Inspiration und Herausforderungen und war zuweilen steinig, voller Hindernisse und Überraschungen. Doch die wahre Konstante war mein Instrument. Jedes Stück auf dieser CD ist eine Hommage an meine ehemaligen Lehrer und zeigt die Entwicklung „meiner“ Gitarre. 2004 traf ich den angesehenen amerikanischen Komponisten Martin Bresnick, der mich in die Klangwelt von Leoš Janáček einführte. Ursprünglich für Klavier geschrieben, ist Janáčeks 10-sätziger Zyklus, Auf verwachsenem Pfade, voll von Nuancen, die eng mit der tschechischen Sprache verbunden sind. Die lebendige Bildsprache, die durch üppige Harmonien und schwebende Melodien geschaffen wird, zeichnet eine einfachere Sicht auf die Welt, eine Welt, die zunehmend von der Komplexität modernen Lebens überschattet wird. Es gibt nichts, das besser, eindringlicher, emotionaler, sinnlicher ist, als ein einfacher Dur- oder Mollakkord und dieses Meisterwerk bestätigt dies. The Blue Guitar ragt aus der Gruppe an englischen Kompositionen, die von Julian Bream in Auftrag gegeben wurden, heraus. Dieses monumentale Werk ist komplex geschrieben und beseelt vom Stil und Geist Tippetts. Yin und Yang werden ausgelotet – dunkel und hell, Mann und Frau, Ordnung und Chaos, Frage und Antwort, real und abstrakt. Gleitende Harmonien winden sich spiralförmig in Richtung von Momenten der Entspannung und Klarheit, nur um wieder durch grobe, abrupte Klänge von Spannung und Finsternis unterbrochen zu werden. Im Winter 2007 fragte ich Eliot Fisk „Was ist das irrsinnigste Stück von Castelnuovo-Tedesco, das du jemals gespielt hast?“. Er antwortete ohne Zögern „Die Suite!“. Und somit war deutlich, dass ich sie unverzüglich spielen musste. Die Suite Op. 133 zieht einen in ihren Bann; man wird von ihrem Charme angezogen, ihren neurotischen Windungen und Wendungen der Ereignisse, seiner „Affektenlehre“, mit hunderten von farbigen opernhaften Charakteren, die sich eilig zu ihrem Moment im Rampenlicht drängen. Dieses virtuose Stück ist eine Herausforderung für den Gitarristen und eine Anhäufung von dynamischen Stimmungen, Emotionen und Kontrasten, die die Psyche herausfordern. Genießen Sie es! Scott Borg
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Auf verwachsenem Pfade von dem tschechischen Komponisten Leos Janáček ist ein
reflektiert die Stimmung des Zyklus, in dem er eine Reihe von manchmal zarten und
Zyklus von Stücken, die von mährischen Volksliedern inspiriert wurden, und der in zwei
manchmal tragischen Erinnerungen vermittelt.
Bände geteilt ist. Janáček begann 1900 an dem Zyklus zu arbeiten und produzierte sechs Stücke, die ursprünglich für das Harmonium vorgesehen waren. Es war 1901, als drei dieser Stücke als Teil einer Werkserie für das Harmonium veröffentlicht wurden, bis 1908 Janáček den Zyklus auf neun Stücke erweiterte, nur diesmal für Klavier;
Der Zyklus beginnt mit dem zarten, einschläfernden „Unsere Abende“. In einem Brief von 1908 an den Musikwissenschaftler Jan Branberger beschreibt Janáček „Ein verwehtes Blatt“ und „Komm mit!“ als einen „für immer abgelegten Brief“. Diese mehrdeutige
in dieser Zeit erhielten die Stücke auch ihre Titel. Angesichts seiner anfänglichen
Beschreibung gibt uns einen vielschichtigen Blick in das Privatleben des Komponisten
Flexibilität bei der Instrumentierung des Werkes und der späteren Orchestrierung,
in dem seine Briefe eine tiefe, sogar leidenschaftliche Bedeutung annehmen konnten
ist es bemerkenswert, dass es so lange brauchte bis eine Version für Gitarre erschien.
– wie dies in seinem Werk „Intime Briefe“ für ein Quartett aus dem Jahre 1928 der
Glücklicherweise schuf Martin Bresnick diese neueste Version des Werkes, die mit
Fall ist. Und so finden wir einen heiligen Klang in „Die Friedeker Mutter Gottes“. Frýdek
dieser Aufnahme auf unserer CD Weltpremiere feiert. 1911 wurde Janáčeks endgültiger Zyklus von zehn Werken unter dem Titel Auf verwachsenem Pfade, Band 1, veröffentlicht. Während Band 2 aus fünf Teilen besteht, die ihre Namen ihren Tempobezeichnungen verdanken, hat im ersten Band jedes Stück einen malerischen Titel. Der Name des ganzen Zyklus spielt auf ein mährisches
ist eine mährische Stadt nahe Janáčeks Geburtsort Hukvaldy und die Madonna wird bei ehrfürchtiger Musik mit orgelartigen Akkorden und wiederkehrenden Motiven verehrt, die klingen, als ob es, in den Worten des Komponisten, „von einer weit entfernten Prozession gesungen würde“. „Sie schwatzen wie die Schwalben“ bietet
Hochzeitslied an, in dem die Braut bemerkt, dass „der Weg zu meiner Mutter von
eine ungeschminkte Darstellung von schwatzenden Frauen. In „Es stockt das Wort!“
Klee überwuchert ist“. Die schmerzliche Nostalgie, die von diesen Wörtern ausgeht,
nimmt er sich dem Thema „Bitterkeit aus Enttäuschung“ an und in „Gute Nacht!“ ist es
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Janáčeks Bestreben “die Stimmung sich zu trennen” heraufzubeschwören.
Im Auftrag von Julian Bream wurde The Blue Guitar vom englischen Komponisten
1903 starb Janáčeks Tochter Olga an Typhus im Alter von nur 21 Jahren, was an den
Michael Tippett, in Folge von Tippetts Oratorium The Mask of Time (1982), geschrieben.
Titeln seiner drei letzten Stücke des ersten Bandes (die Titel wurden vom Komponisten
Nachdem er dieses ehrgeizige Werk vollendet hatte, richtete Tippett seine
1908 ausgewählt) erkennbar ist, da sie sich auf seinen Verlust beziehen. „So namenlos
Aufmerksamkeit auf kleinere Stücke. Der Titel der Sonate für Gitarre spielt auf Picassos
bang“ und „In Tränen“ sind eindringliche Darstellungen der Angst und Trauer, die mit
Gemälde The Man with the Blue Guitar und auf ein Gedicht von Wallace Stevens an, das
Olgas Ableben verbunden waren. Über Letzteres schrieb Janáček “Spürst du das Weinen
angelehnt an Picassos Werk, denselben Namen erhielt. Das Resultat ist ein Stück, das
im vorletzten Stück?” und beschreibt mit unbeirrter, herzzerreißender Offenheit: „Eine
zweifellos zu einem der feinsten für Gitarre geschriebenen Stücke in den letzten Jahren
Vorahnung eines sicheren Todes. Eine Engelsgleiche liegt warme Sommernächte
gehört. Die drei Sätze vermitteln drei „Stimmungen oder Gesten: „Verwandlung“,
hindurch in tödlicher Angst.“ Die Eule ist ein unheilvolles Symbol tschechischen
„Jonglieren“ und „Träumen“. Um dem Titel und der eigenen musikalischen Geschichte
Volkstums und Janáček schafft eine uns nicht mehr loslassende Beschwörung des
der Gitarre gerecht zu werden, verflechtet Tippett vom Blues beeinflusste Harmonien
Rufs eines Waldkauzes in „Das Käuzchen schreit noch“, dem letzten Stück dieser Reihe. Er wechselt seine Motive mit der bereits erwähnten akkordischen Figur ab um „ein intimes Lied über das Leben“ darzustellen. Janáček schrieb, dass “hier Leid jenseits von Wörtern enthalten ist” und tatsächlich wird das Werk durch den fatalistischen Ruf
in die Struktur des Eröffnungssatzes „Verwandlung“. Das Thema der Transformation ergibt sich teilweise aus Stevens Gedicht, das den Gitarristen als eine Art Alchemisten beschreibt, der unsere Sicht der Welt verändert:
Sie sagten, „Du hast eine blaue Gitarre,
Du spielst nicht Dinge, wie sie sind.“
Erinnerungen enthalten. Diese Erinnerungen sind mir so lieb, dass ich nicht glaube, das
Der Mann antwortete: „Die Dinge, so wie sie sind,
sie jemals vergehen.“
sind verändert auf der blauen Gitarre.“
einer Eule beendet. Janáček fasst den Zyklus als eine Serie von Liedern, die “weitläufige
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„Jonglieren“ ist ein schneller, verspielter Satz, der die virtuosen Möglichkeiten
Die Suite Op. 133 wurde 1947 komponiert, einige Jahre nachdem Castelnuovo-
der Gitarre erschließt und die gesamte Bandbreite seiner Klangfülle präsentiert
Tedesco, der jüdischer Herkunft war und nach Amerika auswanderte um Mussolinis
einschließlich perkussiver Schläge auf den Korpus des Instruments.
Übernahme von Hitlers rassischem Fanatismus während des Zweiten Weltkrieges
In „Träumen“ (ursprünglich als letzter Satz gedacht, jedoch zuweilen in der Mitte des
auszuweichen. Das eröffnende Prélude wird von dem Komponisten als improvisatorisch
Werkes platziert) stellt Tippett ein lyrisches Thema einer kraftvolleren, rezitativartigen
im Stil beschrieben und ist ein vielseitiger, rezitativartiger Satz voll von verzwickten
Idee gegenüber, während sich beide Ideen auf unterschiedlichen Tonhöhen entfalten.
Details. Hier gibt es ausreichenden Spielraum für den Gitarristen die Musik mit seiner
Der Kontrast besteht fort und taumelt zwischen klarer Tonalität und abrupter
eigenen Persönlichkeit zu durchdringen und dergestalt ist die freie, geräumige Qualität
Chromatik. Ebenso bringt Tippett Zitate aus seiner Symphonie Nr. 4 und aus dem
von Castelnuovo-Tedescos musikalischem Material.
Zweiten Akt seiner Oper The Ice Break. Letztendlich ist der herrschende Charakter dieses
Der „ausdrucksvolle, melodische“ zweite Satz, inspiriert von schottischen Volksliedern,
Satzes von ergreifender, introspektiver Schönheit, seine traumgleiche Qualität spiegelt
beginnt langsam und in introspektiver Stimmung. Schon bald beschleunigt sich das
sich mit der in Wallace Stevens Gedicht: “…die blaue Gitarre/ ist eine Form, beschrieben,
Tempo und die Musik wird zunehmend belebter, als ob eine fröhliche Erinnerung
aber schwierig,/ und ich bin nur ein Schatten…“
hereingestürzt ist und den Satz mit unerwarteter Energie versieht; und die Wolken
Besondere Bedeutung erlangte Mario Castelnuovo-Tedesco in den 1920er-Jahren als
vertreibt. Diese Gegenüberstellung von seufzender Nostalgie und Rastlosigkeit dauert
einer der italienischen „fünf“ Komponisten, zusammen mit u.a. Ottorino Resphigi
an, verleiht dem Satz eine rätselhafte, suchende Qualität, die bis zum Schluss ungelöst
und Gian Francesco Malipiero. Sein Schaffen umfasst eine erhebliche Bandbreite
bleibt. Zweifelsohne ist die feurige Natur des Finales außer Frage gestellt, aber auch
von Gattungen und traf bei der Kritik auf Beifall; er selbst ein Musikkritiker, setzte
hier gibt es Momente mit Pausen in der Form jazziger Zwischenrufe und kurzen
er sich für die Musik von Kompositionskollegen, wie Strawinsky und Manuel de Falla
Zwischenspielen der Beschaulichkeit zu finden. Dennoch dominieren jene Passagen,
ein. Einen Wendepunkt gab es in den 1930er-Jahren, als Castelnuovo-Tedesco auf
die teuflisch schwer und geradezu körperlich anstrengend sind und die in einer letzten
den großartigen Gitarristen Andrés Segovia traf, der ihn inspirierte eine Reihe von
Passage von funkelnder, kraftvoller Brillanz gipfeln.
bedeutsamen Werken für dieses Instruments zu komponieren. Es sind diese Werke für Gitarre, für die Castelnuovo-Tedesco heute bekannt ist.
Joanna Wyld Übersetzung: Bianca Boos
Dieses Werk von Joanna Wyld (Übers. Bianca Boos)/Odradek Records, LLC ist lizensiert unter einer Creative Commons-Namensnennung-Keine Bearbeitungen-4.0 Internationalen Lizenz. Über diese Lizenz hinausgehende Erlaubnisse können Sie unter www.odradek-records.com erfragen.
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Der australische Gitarrist, Arrangeur und Dirigent Scott Borg, der für seine „enormen Fähigkeiten auf der Gitarre, einer flüssigen Technik... mit dem absoluten Vertrauen und professioneller Expertise, Elan und kunstvoller Spontanität“ gelobt wird, tritt ausgiebig als Solokünstler und Kammermusiker auf und ist für seine verfeinerten, aber auch gewagten Bühnenauftritte bekannt.
Guitar Orchesters, wo er ebenso als Leiter der Ensembles mit der Boston Classical Guitar
Mit einer ganzen Reihe internationaler Stipendien und Preisen in der Tasche, darunter die Austalian Music Examinations Board mit höchster Auszeichnung, die Fellowship in Music Australia (F.Mus.A) haben seine bisherigen Engagements folgende Auftritte beinhaltet: Das Festival Internacional de Guitarra Mérida, das ICPNA Guitar Festival, das Shell Darwin International Festival, das Kennedy Center, das Ateneo de Madrid, den Westminster Kennel Club, das Apollo Theatre in New York und die Alice Tully Hall im Lincoln Center. 2006 war er eingeladen für den Präsidenten der Volksrepublik China, Präsident Hu Jintao für eine international übertragene Grußadresse an die Vereinigten Staaten von Amerika zu spielen.
Convention and Competition, das Boston GuitarFest, die ChamberArt Madrid, das Mid-
Als Gewinner der Artists International Competition, beschreibt ihn die New York Concert Review bei seinem Debut in der Carnegie Hall als „ausgewogen, anmutig präsentiert und meisterhaft gespielt…jeder Ton war zielführend und gezielt gesetzt, so wie alles andere auch.“ Seine Auftritte wurden von australischen und amerikanischen Radiosendern übertragen, darunter ABC Classic FM und NPR. Er hat auch bei MTV2 mitgewirkt. Als leidenschaftlicher Verfechter des Gitarrenorchester-Genres, ist er gegenwärtig Leiter und Dirigent des Baltimore Classical Guitar Society Orchesters und des Boston
Gesellschaft wirkt. Durch diese Institutionen haben seine Ensembles die neuen Werke hoch angesehener Komponisten uraufgeführt; darunter Roland Dyens, Andrew York, Carlo Domeniconi, Frank Wallace und Tony De Ritis. Er hat über 200 Gitarrenorchester Aufführungen und Kurse gehalten, dabei die 2015 Guitar Foundation of America Atlantic Guitar Ensembles Festival, das New England Guitar Ensembles Festival, NHMEA All State und das Peabody Conservatory’s Fretfest. Seine Arrangements reichen von Bach bis zur Bohemian Rhapsody und wurden für ihre Empfindsamkeit, Nachdenklichkeit und komplexe Verbindung zur Ausdrucksweise eines Gitarrenorchesters gelobt. Scott Borg begann seine Gitarrenstudien im Alter von 7 Jahren mit seinem Vater Viktor und wurde bald für das Programm für junge Künstler am Sydney Conservatorium of Music akzeptiert. Zur Zeit ist er Anwärter für das Doctorate of Musical Arts Programm am New England Conservatory unter der Anleitung von Maestro Eliot Fisk, zuvor erhielt er sein Künstlerdiplom (Yale University), seinen Master of Music (The Juilliard School) und einen Bachelor of Creative Arts mit First Class Honours (University of Wollongong). Seine Mentoren waren u.a. Sharon Isbin, Benjamin Verdery, Gregory Pikler und Christopher Keane. Gegenwärtig ist er Mitglied der Fakultät des Montgomery College in Rockville, Maryland. Scott Borg ist ein Augustine-Künstler und benutzt ausschließlich Sätze von AugustineSaiten. Er spielt eine „Aranda“, eine Gitarre von Steve Connor.
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Recorded July 12-20, 2008 United Parish Brookline, MA, USA. Guitar: 2006 Greg Smallman and Son’s Recorded by VGo Recordings Sound Engineer: Vincent Go Mastering: Thomas Vingtrinier, Sequenza Studio, Paris.
d ODRCD328 www.odradek-records.com www.borgguitar.com Photos: Jiyang Chen
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