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Fred Thomas J.S. BACH DANCE SUITES 01 02 03 04 05 06 07 08 09 10 11 12 13 14
Sinfonia Partita No. 2 in C Minor, BWV 826 Allemande French Suite No. 5 in G Major, BWV 816 Corrente Partita No. 6 in E Minor, BWV 830 Sarabande French Suite No. 6 in E Major, BWV 817 Menuet French Suite No. 3 in B Minor, BWV 814 Aria Partita No. 4 in D Major, BWV 828 Gigue French Suite No. 1 in D minor, BWV 812 Prélude English Suite No. 1 in A Major, BWV 806 Allemande Partita No. 4 in D Major, BWV 828 Courante French Suite No. 6 in E Major, BWV 817 Sarabande Partita No. 2 in C Minor, BWV 826 Tempo di Minuetto Partita No. 5 in G Major, BWV 829 Polonaise French Suite No. 6 in E Major, BWV 817 Gigue Partita No. 1 in B-flat Major, BWV 825
4’45 3’07 4’32 4’58 1’27 2’33 4’03 3’12 8’55 1’37 7’38 2’23 1’31 2’27
TT 53’17 2 2
ENG
It took me a long time to pluck up the courage to record some of Bach’s solo keyboard music. Its emotional, intellectual, technical and spiritual demands seemed overwhelming. Twice I started only to quit the idea, daunted and feeling unready. Then, in a moment of lucidity, I wondered: when you’re dealing with the most miraculous body of human creation in all the arts, when are you ever ready? Life is short. Bach himself was not prone to procrastination. He produced a quantity and quality of music some consider literally unbelievable. I recorded alone with a huge piano, trying to coax the monster-machine into behaving well. Why the piano and not something ‘authentic’? For one thing, it’s my first instrument, but ultimately it’s a tired question, certainly in comparison with the sheer wonder of the music itself. In the end, the most scholarly ruminations on the abstractness of Bach, or on the piano’s range of articulation, or on the futility of pursuing authenticity in the absence of an authentic audience, just can’t match the sonic revelation that, played with some imagination, Bach sounds good on a tenor banjo – more on that soon. His music is the most transcendent, all-encompassing, wise and child-like thing I know. In the words of Bernard Chazelle, “Bach’s music is soft and gentle, often suffused with piercing tenderness. If his work has an unmistakable child-like quality, it’s because its spiritual aspirations, borne of faith, joy, grace, and wonder, call for the deepest seriousness – and no one is more serious than the child”. I have the immovable feeling – knowledge, almost – that Bach fathoms and encircles everything. John Cage considered music from the past useful only to the extent to which it leads to the creation of new things, a view far removed from the occasional dogmatism of the historical performance movement. Though I value both viewpoints, my aim lies somewhere in between: to derive something personal from a combination of historical enquiry and poetic imagination, using fantasy to supplement the fragmentary knowledge that contextual study reveals. Furthermore, the violation of chronology – my choice and ordering of tracks – is an attempt to give this record narrative force. Creative recording techniques also played an aesthetic role. Using many microphones and basing their blended combinations on inherent musical character enables each movement to inhabit a unique soundworld. This process became genuinely interpretative, post-production. Although relatively under-explored in classical music recording (where the goal is often to reproduce the ‘natural’ sound of a live concert), my aim is to treat recording technique as an independent, exploratory art form. Fred Thomas
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Track 1 is an epic Sinfonia in three parts, the first of which, marked
and energised voices. It was a revelation to hear Martha Argerich
Grave Adagio, shows Bach at his most monumental and religiously
play this partita, with her unbelievable swing and variety of touch.
intense – more music for organ or orchestra than for a gently-
Track 2 typifies Bach’s willingness to be naive, child-like, warm and
plucked harpsichord. Its addictively tortuous chromaticism, often
generous. This graceful Allemande, with its harmonically playful
reserved for explicitly sacred music depicting the suffering of
ending, is ideal for improvising ornaments and experimenting
Christ, is more than capable of inspiring heated spiritual fervour
with articulation, balance and overhanging voices. Track 3 is a
in even the staunchest unbeliever. The second section is more
very idiosyncratic Corrente I love very much. The leaping bass-line
detached. I hear it from a distance – elegant and cool, like a cat
remains steady while the melody, one of Bach’s most rhythmically
– with the kind of walking bass (Andante) that never stops or
complex, is mostly displaced or seemingly out of synch – the
starts. My favourite moment is from minute 2:30 to 2:40 where
Baroque equivalent of Changüí from the south-east of Cuba (to my
we glimpse Bach’s peculiar sense of humour: the high C pedal,
knowledge the most syncopated music on planet earth). I sought
bizarrely repeated more times than is perhaps reasonable, is a
a specific rhythmic identity: a deftness, a lightness of touch or
very subtle joke, but I can’t help but be touched. It reminds me of
sleight of hand necessary to make this extraordinary music really
Sonny Rollins, or that particularly insistent bit near the beginning
swing. There’s something insect-like about this running dance – I
of Beethoven’s Pastoral Symphony. The fugal third section, chunky
think of an ant on a long journey, hurtling over obstacles, quietly
and athletic, flies along in a dizzying race between two intertwined
determined, but occasionally needing a pause to catch breath.
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The first time I heard Glenn Gould play Track 4 I was blown away
appallingly satisfying to get stuck into. Concluding the first ‘suite’ in
by the dignity of this Sarabande. It’s a special place where Bach
this program is Track 7, an imperious fugal Gigue in the old French
talks to Ray Charles. The way the chords move is so satisfying, so
style. Its character evokes one of my favourite pianists, the awe-
generous, and I tried to give this richness to the piano sound:
inspiring Grigory Sokolov.
what Albert Schweitzer called a beautiful but full forte. It’s pure
Like so much Bach, Track 8 is music to nourish or comfort your soul.
joy to play. Seemingly just another elegant Menuet, Track 5 is a
Better than any drug, he is always there, steady, never despairing.
gem littered with playful moments, especially in the notated
Sometimes I even crave melancholy as an excuse to visit him in
ornamentation. Nevertheless, there are dangers in being too cute
search of the addictive sensation of grief soothed. The calmness
– Bach, after all, was from Eisenach not Vienna – and my sense of
of this kind of Prélude is more reassuring than anything else I can
taste was challenged by this deceptive little dance.
think of and, in gratitude, I gave it all the warmth and repose I
In the next Aria we meet Bach the comic story-teller. Track 6
could muster.
evokes in my mind a drunken and flatulent noblewoman. Or
Similar in its composure, Track 9 is one of Bach’s works with which
perhaps a farmer, in turn beaming, stern, jolly, sly – a crinkly-eyed
I have the longest and deepest relationships; yet my view of this
cider drinker. The fat chord at minutes 1:28 and 2:10, a startling
Allemande is constantly changing. The writing is busy yet remains
punch in the stomach, is a remarkable twist in this theatrical short
serene, an artistic feat not easily achieved, and something usually
story. One of my favourite Bach moments, it makes me wonder
associated with music from elsewhere – say, griot kora music from
whether the ending it precedes is as happy as it seems; perhaps it’s
West Africa or Shona mbira music from Zimbabwe. The necessity
more stab in the back than punch in the stomach. In any case, it’s
for restraint comes into sharp focus. Very little rubato, a tempo
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neither rushed nor sentimental, an unflinchingly dark and muted
Production techniques are especially transparent here, exploiting
tone and a refusal to be drawn: these were some of the devices
the binary form of the piece. The first time you hear each half there
I used in an attempt at total tranquillity. There’s an emotional
is a ‘wet’ sound: wide, distant, as if in a big space. On the repeat
dependability about this writing, hard to express in words,
there is a close, in-your-ear feeling, and listening with headphones
that challenges the interpreter to remain mentally disciplined,
(something I recommend) reveals the extra resonance of these
obsessively engaged but not excited into a false move or show of
overhanging notes mingling with the sound of piano hammers
her hand. Somehow this kind of Bach is the place where all I really
creaking.
want to hear is him, not myself or some other imposing interpreter.
Another sudden change of direction, Track 12 makes me feel like a
For obvious existential reasons, it’s a tricky subject.
kid; there are so many games to be played. Predictably, I tortured
Bach’s relationship with the colour and feeling of different keys
myself over how to articulate this cheeky and untroubled Tempo
was extremely sophisticated. Whilst F minor might be the darkest,
di Minuetto. Another movement I recorded thanks to Glenn
E major, home of Track 10, is often his key of unadulterated joy,
Gould, Track 13 is a beautiful Polonaise with a wit characteristic of
and this Courante showers the listener with cascading notes
E major. The turns at minute 0:35 and 1:04 really crack me up. I like
and radiant light. Track 11 is a deep and focussed Sarabande:
to imagine this is Bach predicting the future and parodying the
Bach at his most philosophical. This slow-motion dance is like a
music that supplanted him. Aged eight, my piano teacher gave
fossilised monolith or a pithy soup boiled down to its purest
me a CD of Dinu Lipatti playing Track 14 (which I still own): the
essence. Haunting voices hang over and cling on like shadows.
grainy old sound and concentrated playing really affected me.
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There are so many things to balance in this texturally unique
Rosalyn Tureck, whose Bach playing I love so much. Thank you to
Gigue: how fast without being fuzzy, how steady, literal or playful.
all those people who offered me the ultimate gift of bringing a
That interpreting Bach is so open is a beautiful headache, a
piece of their own Bach into my life, in particular Peter Thomas,
complex, tortuous gift.
Ezekiel Lezama, Trish Keelan, Jiri Slavik and Sophie Fetokaki.
I tried to play this music my own way, inspired by the artists already mentioned as well as Rachel Podger, Masaaki Suzuki and especially
Fred Thomas
Text by Fred Thomas / Odradek Records, LLC is licensed under a Creative Commons Attribution-NoDerivatives 4.0 International License. Permissions beyond the scope of this license may be available at www.odradek-records.com.
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Fred Thomas studied jazz piano and composition at the Royal Academy of Music and is one of London’s most sought after multi-instrumentalists and composer / arranger / producers. A member of the F-IRE Collective, he recently embarked on a quartet of J.S. Bach recordings. His first is a trio with Aisha Orazbayeva and Lucy Railton which plays Thomas’ transcriptions of Bach’s Chorale Preludes, the scores of which are published by Edition Wilhelm Hansen. His second, Electrofeit, is a solo organ record and features the multi-tracking of fugues inspired by the work of historian Hayden White. Other projects include The Beguilers, a sextet that interprets Thomas’ song settings of poetry; his Polyphonic Jazz Band, a quintet that explores improvised counterpoint; an ongoing recording of contemporary interpretations of the medieval Chantilly Codex; a duo with his violinist father Peter Thomas; and a Richard Wagner tribute band. Fred Thomas has appeared or collaborated with a wide variety of artists, including Ethan Iverson, Pierre-Laurent Aimard, Jordi Savall, Jarvis Cocker, Tamara Stefanovich, Olivia Chaney, Basquiat Strings, Kadialy Kouyate, Leo Abrahams, Lisa Knapp, Mor Karbasi, CBSO, Elysian Quartet, Jason Yarde, Alice Zawadzki, The Magic Lantern, Seb Rochford, Maurizio Ravalico, Oren Marshall, Martin Speake, and Liam Noble, as well as record labels Harmonia Mundi and Realworld. He has toured worldwide with Filter Theatre and as musical director with Shakespeare’s Globe. He teaches at Trinity Laban and as a producer has recorded albums for many artists in Europe. His most recent compositions were commissioned by BitterSuite and Phaedra Ensemble and are being performed internationally and at the Royal Opera House, London.
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DEU
Es dauerte lange, bis ich den Mut aufbrachte, einige von Bachs Solo-Klavierstücken aufzunehmen. Sein emotionaler, intellektueller, technischer und spiritueller Anspruch schien überwältigend. Zweimal nahm ich die Idee auf, nur um sie sofort wieder zu verwerfen; ich fühlte mich eingeschüchtert und noch nicht reif dazu. Dann, in einem Moment von Klarheit, fragte ich mich: Wenn du dich mit dem größten Vertreter menschlichen Schaffens aller Künste befassen möchtest, wann wirst du je dazu bereit sein? Das Leben ist kurz. Bach selbst konnte sich keine Verzögerungen leisten. Die Menge und Qualität seiner Musik erscheint geradezu unglaublich. Ich machte diese Aufnahmen allein mit einem riesigen Klavier und bemühte mich, beim Spielen dieses Monster-Instruments ein gewisses Behagen zu empfinden. Warum das Klavier und nicht ein irgendwie authentisches Instrument? Einerseits ist es mein liebstes Instrument, aber letztlich ist das eine müßige Frage im Vergleich zum reinen Wunder der Musik an sich. Schlussendlich kann das schulmeisterliche Wiederkäuen der Abstraktheit von Bachs Musik oder der Sinnlosigkeit, Authentizität in Abwesenheit eines tatsächlichen Publikums vorzutäuschen, einfach nicht die akustische Offenbarung widerlegen, dass Bach - mit einiger Imagination gespielt - auch auf einem Tenorbanjo gut klingen würde. Doch darüber bald mehr. Seine Musik ist das Herrlichste, Allumfassendste, Weiseste und Ursprünglichste, das ich kenne. Mit den Worten von Bernard Chazelle ist „Bachs Musik sanft und freundlich, oft von tiefgreifender Zartheit durchflutet. Wenn sein Werk unmissverständlich kindhafte Eigenschaften aufweist, so weil sein spirituelles Bestreben - geboren aus Glaube, Freude, Gnade und Wunder - nach tiefster Ernsthaftigkeit verlangt, und niemand ist ernsthafter als das Kind“. Ich habe das unerschütterliche Gefühl, ja fast die Gewissheit, dass Bach einfach alles ergründet und erfasst. John Cage betrachtete Musik aus der Vergangenheit nur bis zu dem Punkt als nützlich, an welchem sie zur Schöpfung neuer Dinge führt, eine Sichtweise weit entfernt von der der gelegentlichen Rechthaberei der historischen Aufführungspraxis. Obwohl ich beide Gesichtspunkte respektiere, liegt meine Idealvorstellung irgendwo dazwischen: Etwas Persönliches abzuleiten aus einer Kombination von historischer Forschung und poetischer Vorstellungskraft, um das bruchstückhafte Wissen, das das fachliche Studium uns erkennen lässt, mit Fantasie zu ergänzen. Außerdem stellt die chronologische Abänderung - meine Wahl und Anordnung der Stücke - einen Versuch dar, dieser CD ein erzählerisches Gewicht zu verleihen. Auch kreative Aufnahmetechniken spielten eine ästhetische Rolle. Indem man viele Mikrofone benutzt und ihre vielseitige Kombination auf den ihnen eigenen akustischen Besonderheiten aufbaut, ermöglicht man jedem Satz, eine einzigartige Klangwelt zu entwickeln. Dieser Prozess wurde beim Abmischen kreativ genutzt. Obwohl bei klassischen Musikaufnahmen noch relativ selten angewandt (wo es oft darum geht, den ‚natürlichen‘ Sound eines klassischen Livekonzerts wiederzugeben), ist es mein Ziel, die Aufnahmetechnik als eine unabhängige, schöpferische Kunstform zu behandeln. Fred Thomas 10 10
Track 1 ist eine gewaltige Sinfonia in drei Teilen. Der Erste (Grave
Wettlauf zwischen zwei miteinander verflochtenen und erregten
Adagio) zeigt den eindrucksvollsten und zutiefst religiösen Bach
Stimmen dahin. Es war eine Offenbarung, Martha Argerich diese
– eigentlich eignet sich die Musik mehr für Orgel oder Orchester
Partita mit ihrem unglaublichen Swing und ihrer Anschlags-Vielfalt
als für ein sanft gespieltes Cembalo. Sein verschlungener
spielen zu hören.
Chromatismus mit magischer Anziehungskraft, oft ausdrücklich
Track 2 bezeugt Bachs Bereitschaft zur Naivität, Kindlichkeit,
dem Leiden Christi in der Kirchenmusik vorbehalten, ist dazu fähig,
Herzlichkeit und Großzügigkeit. Diese anmutige Allemande
die spirituelle Inbrunst selbst des überzeugtesten Ungläubigen
mit ihrem harmonisch verspielten Ende eignet sich ideal zur
zu inspirieren. Der zweite Teil ist nüchterner. Aus der Ferne
Improvisation mit Verzierungen und zum Experimentieren mit
wahrgenommen wirkt er vornehm und gelassen - wie eine Katze,
der Artikulation, der Balance und der „overhanging voices1“. Track
in der Art von Walking Bass (Andante), der weder Anfang noch
3 ist eine sehr idiosynkratische Corrente, die ich sehr liebe. Die
Ende hat. Meine Lieblingspassage reicht von Minute 2:30 bis 2:40,
sprunghafte Basslinie bleibt unverändert, während hier eine
wo wir einen flüchtigen Blick auf Bachs eigentümlichen Sinn für
von Bachs rhythmisch kompliziertesten Melodien größtenteils
Humor erhaschen können: Der seltsamerweise vielleicht öfter als
verschoben wird oder scheinbar nicht synchron ist - das barocke
nötig wiederholte Pedalton auf dem hohen C entpuppt sich als
Äquivalent von Changüí aus Kubas Südosten (nach meiner
ausgesprochen subtiler Scherz, der mich immer wieder berührt.
Kenntnis die am meisten synkopierte Musik auf dem Planeten
Er erinnert mich an Sonny Rollins oder die besonders beharrliche
Erde). Ich suchte eine spezifische rhythmische Identität: eine
Sektion am Anfang von Beethovens pastoraler Sinfonie. Der fugierte
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dritteTeil, klobig und athletisch, fliegt in einem schwindelerregenden
„Overhanging voices“ oder „notes“ sind mehrere oder einzelne im Unisono gespielten Töne, die dann in einer Stimme beibehalten, in der anderen aber verlassen werden.
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Geschicklichkeit, die Leichtigkeit im Anschlag oder in der
von diesem trügerischen kleinen Tanz herausgefordert.
Handbewegung, die notwendig ist, um diese außergewöhnliche
In der nächsten Aria begegnen wir Bach, dem lustigen
Musik wirklich zum Schwingen zu bringen. Es ist etwas
Geschichtenerzähler. Track 6 erweckt in meinem Kopf die
Insektenähnliches an diesem schnellen Tanz - ich denke an eine
Vorstellung einer betrunkenen, aufgeblähten adligen Dame - oder
Ameise auf einer langen Reise, die unbeirrt über Hindernisse eilt,
vielleicht von einem Bauern, der mal freudestrahlend, mal ernst,
entschlossen, aber mit gelegentlichen Atempausen.
mal lustig oder schlau ist - ein augenzwinkernder Apfelweintrinker.
Als ich zum ersten Mal Glenn Gould Track 4 spielen hörte, war ich
Der fette Akkord in den Minuten 1:28 und 2:10, ein überraschender
von der Erhabenheit dieser Sarabande überwältigt. Es ist eine
Schlag in den Magen, ist eine bemerkenswerte Wendung in dieser
ganz besondere Stelle, wo Bach zu Ray Charles spricht. Die Art, wie
theatralischen Kurzgeschichte. Dies ist einer meiner Lieblings-
die Akkorde sich bewegen, ist so befriedigend, so großzügig, und
Bach-Momente, doch er lässt mich fragen, ob das Ende so glücklich
ich habe versucht, diesen klanglichen Reichtum mit dem Klavier
ausgehen wird, wie es anfänglich scheint. Vielleicht ist es eher ein
zum Ausdruck zu bringen: Was Albert Schweitzer ein schönes, aber
Dolchstich in den Rücken als ein Schlag in den Magen. Auf jeden
volles Forte nannte. Es ist eine reine Freude, dies zu spielen. Nur
Fall ist es ungeheuer befriedigend sich da reinzustürzen. Mit Track
scheinbar ein weiteres elegantes Menuett, ist Track 5 ein Edelstein
7 endet die erste „Suite“ der CD, eine großartig fugierte Gigue im
mit verspielten Momenten, besonders in der notierten Ornamentik.
alten französischen Stil. Ihr Charakter erinnert an einen meiner
Trotzdem könnte es leicht zu süßlich klingen. Bach war schließlich
Lieblingspianisten, den beeindruckenden Grigory Sokolov.
aus Eisenach - nicht aus Wien - und mein Geschmackssinn wurde
Wie so oft bei Bach, ist Track 8 Musik, die die Seele stärken oder
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trösten soll. Besser als jede Droge ist Bach immer gegenwärtig,
Mittel, die ich im Bestreben anwendete, zu vollkommener Ruhe
beständig, niemals zweifelnd. Manchmal nutze ich sogar eine
zu gelangen. Es gibt eine emotionale Verpflichtung für diese Art
melancholische Stimmung als Vorwand, um ihn wegen dem
des Komponierens, schwierig in Worten auszudrücken, die die
süchtig machenden Gefühl der Beruhigung und des Trostes
Interpretin herausfordert, geistig diszipliniert zu bleiben, aufs
aufzusuchen. Die Gelassenheit dieser Art von Prélude wirkt
äußerste engagiert, und sich nicht zu einer falschen Bewegung
aufbauender als alles andere mir Bekannte, und in Dankbarkeit
oder einer unruhigen Hand verleiten zu lassen. Irgendwie ist dies
gab ich ihr die ganze Wärme und Ruhe, die ich aufbringen konnte.
die Stelle, wo ich wirklich Bach hören will und nicht mich selbst oder
Ähnlich in seiner Fassung ist Track 9, eines von Bachs Werken, zu
einen anderen namhaften Interpreten. Dies ist aus naheliegenden
denen ich die längsten und tiefsten Beziehungen habe; doch
existenziellen Gründen ein heikles Thema.
ändert sich meine Ansicht über diese Allemande ständig. Die
Bachs Beziehung zu Färbung und Stimmung der verschiedenen
Schreibweise ist lebhaft und dennoch ruhig, eine selten erreichte
Tonarten war äußerst anspruchsvoll. Während F-Moll wohl die
künstlerische Leistung, wie sie gewöhnlich mit Musik ganz
dunkelste Farbe darstellt, drückt E-Dur in Track 10 wie so oft seine
anderer Herkunft in Verbindung gebracht wird - zum Beispiel
ungetrübte Freude aus, und diese Courante überschüttet den
Griot kora Musik aus Westafrika oder Shona mbira Musik aus
Zuhörer förmlich mit kaskadenartigen Tonfolgen und strahlendem
Simbabwe. Die Notwendigkeit zur Zurückhaltung steht hier im
Licht. Track 11 ist eine profunde und fokussierte Sarabande:
Vordergrund. Sehr wenig Rubato, ein Tempo weder stürmisch
Bach zutiefst philosophisch. Dieser Zeitlupen-Tanz ist wie ein
noch sentimental, ein anhaltend dunkler und gedämpfter Ton
versteinerter Monolith oder wie eine kräftige Suppe, durch Kochen
und die Vermeidung überzogener Länge: Das waren einige der
bis auf ihre reinste Essenz reduziert. Wie Schatten schweben
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darüber eindringliche Stimmen. Die Produktionstechniken sind
mir mein Klavierlehrer eine CD, auf der Dinu Lipatti Track 14 spielt
hier besonders transparent, wobei die Binärform des Stückes
(ich besitze sie noch): Der kernige alte Klang und das konzentrierte
genutzt wird. Beim ersten Anhören vernimmt man einen
Spiel haben mich wirklich beeindruckt. In dieser einzigartigen
gewissermaßen ‚nassen‘ Klang: Breit, fern, wie aus einem großen
Gigue gibt es so viele Möglichkeiten um die Balance zu halten;
Raum. Bei der Wiederholung empfindet man ein Dicht-am-Ohr-
wie schnell darf man sie spielen, ohne ungenau zu werden, wie
Gefühl, und mit Kopfhörern (was ich empfehle) erkennt man, wie
stetig, wie notengetreu oder wie verspielt. Bach in dieser Weise zu
sich die zusätzliche Resonanz dieser „overhanging notes“ mit dem
spielen ist beglückend, es ist eine Herausforderung für den Geist,
Knarren der Klavierhämmer vermischt.
ein komplexes, heikles Geschenk.
Ein weiterer plötzlicher Richtungswechsel bei Track 12 lässt
Ich habe versucht, diese Musik auf meine eigene Weise zu spielen,
mich wie ein Kind fühlen; es gibt so viele Spiele zu spielen.
inspiriert von den bereits erwähnten Künstlern sowie von Rachel
Erwartungsgemäß quälte ich mich damit ab, wie man dieses freche
Podger, Masaaki Suzuki und vor allem Rosalyn Tureck, deren Bach
und unbekümmerte Tempo di Minuetto artikulieren sollte. Track
ich so sehr liebe. Vielen Dank an alle, die mir das ultimative Geschenk
13, ein weiterer Satz, den ich dank Glenn Gould aufgenommen
angeboten haben, Teile ihrer eigenen Bach-Interpretationen in
habe, ist eine wunderschöne Polonaise mit einem Esprit, der für
mein Leben zu bringen, besonders auch an Peter Thomas, Hesekiel
E-Dur charakteristisch ist. Die Doppelschläge bei Minute 0:35 und
Lezama, Trish Keelan, Jiri Slavik und Sophie Fetokaki.
1:04 haben mich regelrecht aufgerüttelt. Ich stelle mir gern vor, dies ist Bach, der die Zukunft voraussagt, indem er die Musik, die
Fred Thomas
nach ihm kommen wird, parodiert. Im Alter von acht Jahren gab
Übers. Antonio Gómez Schneekloth Dieses Werk von Fred Thomas (Übers. Antonio Gómez Schneekloth) / Odradek Records, LLC ist lizensiert unter einer Creative Commons-Namensnennung-Keine Bearbeitungen-4.0 Internationalen Lizenz. Über diese Lizenz hinausgehende Erlaubnisse können Sie unter www.odradek-records.com erfragen.
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Fred Thomas studierte Jazz-Piano und Komposition an der Royal Academy of Music und ist einer der gefragtesten MultiInstrumentalisten und Komponisten/Arrangeuren/Produzenten Londons. Als Mitglied des F-IRE Collective brachte er kürzlich vier CDs mit J.S. Bach-Aufnahmen heraus. Die Erste ist ein Trio mit Aisha Orazbayeva und Lucy Railton mit Thomas‘ Transkription von Bachs Chorale Preludes, die bei Edition Wilhelm Hansen veröffentlicht wurde. Die Zweite, Electrofeit, ist eine Orgel-Solo-Aufnahme mit dem Multi-Tracking von Fugen, inspiriert von der Arbeit des Historikers Hayden White. Andere Projekte beinhalten The Beguilers, ein Sextett, das Thomas’ Vertonungen von Gedichten interpretiert; seine Polyphonic Jazz Band, ein Quintett, welches improvisierte Polyphonie erforscht; eine aktuelle Aufnahme zeitgenössischer Interpretationen des mittelalterlichen Chantilly Codex; ein Duo mit seinem Vater, dem Geiger Peter Thomas; sowie eine Richard-Wagner-Tribute Band. Fred Thomas ist mit vielerlei Artisten aufgetreten oder hat mit ihnen zusammengearbeitet wie zum Beipiel Ethan Iverson, Pierre-Laurent Aimard, Jordi Savall, Jarvis Cocker, Tamara Stefanovich, Olivia Chaney, Basquiat Strings, Kadialy Kouyate, Leo Abrahams, Lisa Knapp, Mor Karbasi, CBSO, Elysian Quartet, Jason Yarde, Alice Zawadzki, The Magic Lantern, Seb Rochford, Maurizio Ravalico, Oren Marshall, Martin Speake und Liam Noble, sowie auch mit den Plattenfirmen Harmonia Mundi und Realworld. Er war weltweit auf Tourneen mit dem Filter Theatre und als Dirigent mit Shakespeare‘s Globe. Er lehrt am Trinity Laban-Konservatorium und hat als Produzent Alben für viele Artisten in Europa aufgenommen. Seine neuesten Kompositionen wurden von BitterSuite und Phaedra Ensemble in Auftrag gegeben und werden international sowie am Royal Opera House, London, gespielt.
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FRA
Il m’a fallu du temps pour avoir le courage d’enregistrer une partie du répertoire de Bach pour clavier solo. Ses exigences émotionnelles, intellectuelles, techniques et spirituelles semblaient colossales. A deux reprises j’ai commencé, avant d’abandonner l’idée, intimidé et ne me sentant pas prêt. Puis dans un moment de lucidité, je me suis demandé : lorsqu’il s’agit de la création artistique humaine la plus miraculeuse qui soit, peut-on jamais être prêt ? La vie est courte. Bach lui-même n’était pas enclin à la procrastination. Il a produit une quantité et une qualité de musique que certains considèrent comme littéralement incroyables. J’ai enregistré seul avec un énorme piano, essayant de convaincre la machine-monstre de bien se conduire. Pourquoi le piano et pas quelque chose d’authentique? D’une part, c’est mon premier instrument, mais en fin de compte, c’est une question usée, certainement par rapport à la merveille de la musique elle-même. Après tout, les ruminations les plus savantes sur l’abstraction de Bach, ou sur la gamme de l’articulation du piano, ou sur la futilité de l’authenticité de performance en l’absence d’un public authentique, ne peuvent pas correspondre à la révélation que Bach, avec un peu d’imagination, sonne également bien sur un banjo ténor – plus sur ce sujet prochainement ! Sa musique est la plus transcendante, la plus totale, la plus sage et la plus enfantine qui soit. Selon les mots de Bernard Chazelle, « la musique de Bach est douce et délicate, infuse d’une tendresse perçante. Si son travail a une qualité enfantine indéniable, c’est parce que ses aspirations spirituelles, nées de la foi, la joie, la grâce et l’émerveillement, exigent la plus grande gravité – et personne n’est plus grave que l’enfant ». J’ai le sentiment inamovible – la connaissance, presque – que Bach pénètre et encercle tout. John Cage jugeait la musique du passé utile uniquement dans la mesure où elle conduit à la création de choses nouvelles, une vue très éloignée du dogmatisme occasionnel du mouvement d’interprétation historique. Bien que j’apprécie les deux points de vue, mon but est quelque part entre les deux : tirer quelque chose de personnel d’une combinaison d’étude historique et d’imagination poétique, en utilisant la fantaisie pour compléter les connaissances fragmentaires que révèle l’étude contextuelle. En outre, la violation de la chronologie – mon choix en agençant les titres – est une tentative de donner à ce disque une force narrative. Les techniques créatives d’enregistrement ont également joué un rôle esthétique. En utilisant de nombreux microphones et en basant leurs combinaisons sur le caractère musical inhérent, chaque mouvement habite un monde sonore unique. Ce processus est devenu véritablement interprétatif en post-production. Bien que relativement peu exploré dans l’enregistrement de musique classique (où l’objectif est souvent de reproduire le son « naturel » d’un concert live), j’ai souhaité traiter la technique d’enregistrement en tant que forme d’art exploratoire indépendante. Fred Thomas
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Le premier titre est une Sinfonia épique en trois parties, dont la
voix entrelacées et énergiques. Entendre Martha Argerich jouer
première, Grave Adagio, nous montre un Bach monumental et
cette partita avec son swing incroyable et sa variété de toucher fut
religieusement intense : une musique pour orgue ou orchestre
une vraie révélation.
plutôt que pour un clavecin délicatement effleuré. Son chromatisme
Le titre 2 nous montre un Bach volontairement naïf, enfantin,
tortueux et enivrant, souvent réservé à une musique explicitement
chaleureux et généreux. Cette charmante Allemande, avec sa
sacrée représentant la souffrance du Christ, peut inspirer une ferveur
fin harmonieusement ludique, est idéale pour l’improvisation
spirituelle intense même chez les plus mécréants. La seconde
d’ornements et l’expérimentation d’articulations, équilibres et voix
section est plus détachée. Je l’entends à distance – élégante et
en surplomb. Le titre 3 est une Corrente très idiosyncrasique que
calme, comme un chat – avec une sorte de walking bass (Andante)
j’aime beaucoup. La ligne de basse sautillante reste stable alors
qui jamais ne s’arrête ni ne commence. Mon moment préféré
que la mélodie, l’une des plus rythmiquement complexes de Bach,
est de 2:30 à 2:40 où le sens de l’humour si particulier de Bach
semble souvent déplacée ou apparemment non synchronisée
se révèle : la pédale haute C, répétée bizarrement plus souvent
– l’équivalent baroque du Changüí du sud-est de Cuba (à ma
que peut-être raisonnable, est une plaisanterie très subtile, mais
connaissance la musique la plus syncopée au monde). J’ai cherché
je ne peux m’empêcher d’en être touché. Cela me rappelle Sonny
une identité rythmique spécifique : une habileté, une légèreté de
Rollins, ou ce passage particulièrement insistant au début de la
toucher ou un jeu de main nécessaire pour donner à cette musique
Symphonie Pastorale de Beethoven. La troisième section en fugue,
extraordinaire tout son swing. Cette danse nous rappelle parfois le
ample et athlétique, mène une course vertigineuse entre deux
mouvement d’un insecte – je pense à une fourmi dans un long
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voyage, se heurtant aux obstacles, calmement déterminée mais
sévère, joyeux, sournois – un buveur de cidre aux yeux plissés.
nécessitant parfois une pause pour respirer.
L’accord épais à 1:28 et 2:10, tel un soudain coup de poing dans
La première fois que j’ai entendu Glenn Gould jouer le titre 4, j’ai
l’estomac, est une touche inhabituelle dans cette petite histoire
été ébloui par la dignité de cette Sarabande. C’est un moment
théâtrale. C’est l’un de mes moments préférés de Bach, qui me
particulier où Bach parle à Ray Charles. La façon dont les accords
fait douter que la fin qu’il précède soit aussi heureuse qu’elle n’y
se déplacent est si satisfaisante, si généreuse… et j’ai essayé
paraît ; peut-être est-ce plus un poignard dans le dos qu’un coup
d’apporter cette richesse au son du piano : ce qu’Albert Schweitzer
de poing dans l’estomac. En tout cas, il est terriblement satisfaisant
appelait un forte magnifique mais plein. Le jouer fut une grande
de s’y immerger. La conclusion de la première « suite » dans ce
joie. A première vue un Menuet simple et élégant, le titre 5 est
programme est le titre 7, une impériale Gigue en fugue dans
un petit joyau rempli de moments ludiques, en particulier dans
l’ancien style français. Son caractère évoque l’un de mes pianistes
les ornements annotés. Néanmoins, le danger serait d’être trop
préférés, l’illustre Grigory Sokolov.
mignon – Bach, après tout, était d’Eisenach et non de Vienne – et
Comme si souvent avec Bach, le titre 8 est une musique pour nourrir
mon sens du goût a été mis en question par cette petite danse
ou consoler son âme. Mieux que n’importe quel médicament, Bach
trompeuse.
est toujours là, dépendant, jamais désespérant. Parfois, je souhaite
Dans l’Aria suivant, nous rejoignons Bach le conteur comique.
même éprouver une certaine mélancolie en guise d’excuse pour
Le titre 6 évoque dans mon esprit une dame de la noblesse ivre
lui rendre visite et retrouver cette sensation de douleur apaisée.
et flatulente. Ou peut-être un agriculteur, tour à tour rayonnant,
Le calme de ce genre de Prélude est plus rassurant que tout autre
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chose à laquelle je puisse penser et, en gratitude, je lui ai donné
Bach est un espace où tout ce que je souhaite vraiment entendre,
toute la chaleur et la détente que j’ai pu conjurés.
c’est lui, et non moi-même ou tout autre interprète imposant. Pour
Similaire dans son aplomb, le titre 9 est l’une des œuvres de
des raisons existentielles évidentes, c’est un sujet délicat.
Bach avec lesquelles j’ai la relation la plus longue et la plus
La relation de Bach avec la couleur et la sensation des différentes
profonde ; pourtant, mon opinion sur cette Allemande change
clés était extrêmement sophistiquée. Alors que Fa mineur pourrait
constamment. L’ écriture est dense mais demeure sereine, un
être le plus sombre, Mi majeur, comme sur le titre 10, est souvent
exploit artistique pas si facile, et quelque chose davantage associé
la clé de sa joie non édulcorée, et cette Courante submerge
à la musique d’ailleurs – par exemple, la musique griot kora de
l’auditeur par ses notes en cascade et sa lumière rayonnante. Le
l’Afrique de l’Ouest ou la musique Shona mbira du Zimbabwe.
titre 11 est une Sarabande profonde et concentrée : un Bach
Le besoin de retenue est au premier plan. Très peu de rubato, un
devenu philosophe. Cette danse au ralenti s’apparente à un
tempo ni précipité ni sentimental, un ton irréductiblement sombre
monolithe fossilisé ou à une alchimie ramenée à sa pure essence.
et silencieux et un refus de se laisser emporter ; ce sont quelques-
Des voix hantées s’accrochent telles des ombres. Les techniques de
uns des outils utilisés dans ma tentative de tranquillité totale.
production sont particulièrement transparentes ici, en exploitant la
Cette écriture inspire une fiabilité émotive difficile à exprimer par
forme binaire de la pièce. La première fois que l’on entend chaque
les mots, qui défie l’interprète de rester mentalement discipliné,
moitié, on découvre un son « humide » : large, lointain, comme
déterminément engagé mais non excité par un faux mouvement
dans un grand espace. Avec la répétition, il existe un sentiment
ou le spectacle de sa main. D’une certaine manière, ce genre de
de proximité, dans l’oreille même, et l’écoute au casque (que je
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recommande) révèle la résonance supplémentaire de ces notes en
concentré m’ont vraiment affecté. Il y a tant de choses à équilibrer
surbrillance qui se mêlent au grincement des marteaux du piano.
dans cette Gigue à la texture unique : à quelle vitesse sans devenir
Insufflant un autre changement de direction soudain, le titre 12
flou ? Stable, littéral ou ludique ? Que l’interprétation de Bach soit si
me replonge en enfance ; il y a tant de jeux à jouer. De manière
ouverte est un beau mal de tête, un cadeau complexe et tortueux.
prévisible, je me suis torturé sur la manière d’articuler ce Tempo
J’ai essayé de jouer cette musique à ma façon, inspiré par les
et Minuetto effronté et sans encombre. Un autre mouvement
artistes déjà mentionnés ainsi que Rachel Podger, Masaaki Suzuki
que j’ai enregistré grâce à Glenn Gould, le titre 13 est une belle
et surtout Rosalyn Tureck, dont j’aime tant le Bach. Merci à tous
Polonaise avec l’esprit caractéristique du Mi majeur. Les virages à
ceux qui m’ont offert le cadeau ultime d’apporter un peu de leur
0:35 et 1:04 m’exaltent. J’aime imaginer que c’est Bach prédisant
propre Bach dans ma vie, en particulier Peter Thomas, Ezekiel
l’avenir et parodiant la musique qui l’a supplanté. A l’âge de huit
Lezama, Trish Keelan, Jiri Slavik et Sophie Fetokaki.
ans, mon professeur de piano m’avait donné un CD de Dinu Lipatti
Fred Thomas
jouant le titre 14 (que je possède encore) : le vieux son et le jeu
Trad. : Yannick Muet
Text by Joanna Wyld (Tran.:Dr. Kyung-Hye Baek) / Odradek Records, LLC is licensed under a Creative Commons Attribution-NoDerivatives 4.0 International License. Permissions beyond the scope of this license may be available at www.odradek-records.com
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Fred Thomas a étudié le piano jazz et la composition à la Royal Academy of Music et est l’un des multi-instrumentistes et compositeurs/arrangeurs/producteurs les plus prisés de Londres. Membre du Collectif F-IRE, il s’est récemment embarqué dans une série d’enregistrements de J.S. Bach. Le premier est un trio avec Aisha Orazbayeva et Lucy Railton interprétant les transcriptions de Thomas des Préludes de Choral de Bach, dont les partitions sont publiées par Edition Wilhelm Hansen. Le second, Electrofeit, est un enregistrement d’orgue solo et présente l’enregistrement multipistes des fugues, inspiré des travaux de l’historien Hayden White. Parmi ses autres projets figurent The Beguilers, un sextet qui interprète ses arrangements de poèmes pour chant ; le Polyphonic Jazz Band, un quintette avec Martin Speake explorant la polyphonie improvisée ; un enregistrement en cours des interprétations contemporaines du Codex Chantilly médiéval ; un duo avec son père violoniste Peter Thomas ; et un groupe d’hommage à Richard Wagner avec le pianiste de jazz Liam Noble. Fred Thomas s’est produit ou a collaboré avec une grande variété d’artistes, dont Ethan Iverson, Pierre-Laurent Aimard, Jordi Savall, Jarvis Cocker, Tamara Stefanovich, Olivia Chaney, Basquiat Strings, Kadialy Kouyate, Leo Abrahams, Lisa Knapp, Mor Karbasi, CBSO, Elysian Quartet, Jason Yarde, Alice Zawadzki, The Magic Lantern, Seb Rochford, Maurizio Ravalico, Oren Marshall, Martin Speake et Liam Noble, ainsi que pour les labels Harmonia Mundi et Realworld. Il a tourné dans le monde entier avec Filter Theatre et en tant que directeur musical avec le Shakespeare’s Globe. Il enseigne à Trinity Laban et en tant que producteur a enregistré des albums pour de nombreux artistes à travers l’Europe. Ses compositions les plus récentes ont été commandées par BitterSuite et Phaedra Ensemble et sont interprétées à travers le monde et à la Royal Opera House de Londres.
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d ODRCD357
www.fred-thomas.co.uk www.odradek-records.com Photos: Tommaso Tuzj Art Director: Antonia Chantzi Executive Producer: Enrique Valverde Tenreiro
Recorded at the Royal Academy of Music, London March & June 2015 Piano: Steinway D Piano Technician: Clive Ackroyd Engineered and Mixed by Alex Bonney Produced by Fred Thomas Mastered by Thomas Vigntrinier, Sequenza Studio, Paris
Booklet in English. Booklet auf Deutsch. Livret en français. ℗ & © 2017 Odradek Records, LLC, Lawrence (KS) USA. All rights reserved. Unauthorized copying, hiring, lending, public performance, and broadcasting of this sound recording are strictly prohibited.
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