Masanori Oishi - Smoke by Odradek

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Toshio Hosokawa Spell Song (2015) for soprano saxophone 細川俊夫スペル・ソング ―呪文のうた―

5’39

Kenji Sakai Initial S (2010) for alto saxophone 酒井健治 Initial S

7’57

Akira Nishimura Water Shadows (2011) for alto saxophone 西村朗水の影

Dai Fujikura SAKANA (2007) for tenor saxophone 藤倉大 SAKANA

8’22

Yuji Takahashi Embers (2009) for baritone saxophone 高橋悠治残り火

8’52

Joji Yuasa Not I, but the Wind … (Pas moi, mais le vent … Watashideha naku Kazega, 1976) for alto saxophone 湯浅譲二私ではなく風が…

Yoichi Sugiyama Smoking Prohibited, A Bay Street Ballade (2015) for baritone saxophone 杉山洋一禁じられた煙（湾岸通りバラード）

Ichiro Nodaira Solitaire (2013) for alto saxophone 野平一郎一人ぼっち

12’51

10’14

24’21

2’27

TT 81’10 2 2

ENG

If “inheriting tradition is an act of permanent modernisation”, what are ‘tradition’ and ‘modernisation’ for me, a Japanese saxophone player? This album consists of unaccompanied saxophone pieces by Japanese composers who represent modern Japan. I find special meaning in playing contemporary music, especially saxophone pieces by Japanese composers. Today, it is quite common for Japanese musicians to play Western musical instruments, so it was nothing unusual when I started playing the saxophone at the age of 12. However, when I went to France to study music at the age of 24, I became aware of “being Japanese” for the first time in my life and started to think about the meaning, for me personally, of playing the saxophone and playing Western music. I could not find the answer easily. I interviewed my professor, Claude Delangle, a few years after I returned to Japan, and I finally found the answer in the form of those words quoted at the outset: “inheriting tradition is an act of permanent modernisation”. Instead of preserving the tradition – like keeping objects in a museum – through the process of inheritance we change tradition into something new, which entails both protecting and handing over that tradition. When I listened to these words, I felt as though nothing really mattered anymore: whether the place is France or Japan, Europe or Asia; whether we are men or women, and so on. I aim to modernise the tradition established in France by mixing it with my personal experiences and my belief in the modern world. Thus, I was able to find the meaning of playing Western saxophone music as a Japanese musician. I am very lucky to have the opportunity to encounter wonderful composers from my generation, as well as their music. They greatly enrich the potential of the saxophone, as well as my musicality, my technique, and my life. The works on this album were composed by Japanese composers ranging from the youthful to the experienced. Although they are all Japanese, they are from different eras and places, which is reflected in their identities and musicality. I hope that the power of their wonderful and unique pieces helps to forge a new style of saxophone music. Masanori Oishi

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The saxophone is an instrument with a wide range of expressive possibilities. While the saxophone can conjure up an image of a deep ocean or the water (as in the pieces by Fujikura and Nishimura), it can also relate to fire (Takahashi) or become an Uta or song (Hosokawa and Sugiyama). From Yuji Takahashi to Dai Fujikura, this compilation gathers together the works of seven musical artists from different generations. While the album exposes listeners to Masanori Oishi’s rich, expressionistic abilities as he freely manipulates the sound of the saxophone, it also showcases what Japanese composers can offer. Toshio Hosokawa (b. 1955): Spell Song (Jyumon no Uta, 2015) Toshio Hosokawa, a native of Hiroshima, has actively employed creative practices at the forefront of the European music scene for several decades. He is inspired by traditional Japanese music, especially ancient court music, and by the German avant-garde to create music that embraces dynamism in peace while appreciating thought and aesthetics typified by the Kyoto School. Hosokawa interprets music in relation to ‘spells’ that evoke supernatural creatures, such as gods and spirits. His Spell Song (Jyumon no Uta) is meant to serve as a bridge connecting us with spiritual beings. Hosokawa places a tonal center by each phrase to express the life of the sound by using a line that curves delicately in a fashion reminiscent of Japanese calligraphy. The

tonal center begins with E-flat and ascends to F-sharp, high C, high E, and high B. Ultimately, the piece concludes by moving from high E-flat back to the E-flat stated at the beginning. Oishi takes on the challenge of playing what was originally a solo oboe piece, successfully expressing the work’s rich nuances. Kenji Sakai (b. 1977): Initial S (2010) Born in Osaka, Kenji Sakai was a student of Stroppa and Lévinas at the Conservatoire de Paris and was taught by Jarrell at the Conservatoire de Musique de Genève. He is active as a composer whilst going back and forth between Europe and Japan. His various works, including electronic music, are characterised by unique ideas for the spatial placement of instruments. Oishi studied at the Conservatoire de Paris at around the same time as Sakai and has been involved in premières of his works since Sakai came to Paris. Oishi praises Sakai as “a composer who knows the saxophone in every detail”, and the Initial S is a solo piece that fully utilises his alto saxophone technique to showcase his virtuoso talent. The title is derived from the name of the first performer, Naomi Shirai. The short note at the beginning is the tonal center for the entire piece, which is E-flat, and in most sections, the melody is symmetrically placed for the ascending and descending of E-flat. As the composer describes, the piece features syncopated and spiral figures, which create aural illusions before their capacity becomes saturated and they fall silent.

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Akira Nishimura (b. 1953): Water Shadows (Mizu no Kage, 2011) Born in Osaka, Akira Nishimura has been deeply committed to Asian ethnic music and aesthetics from an early stage. Nishimura invented a unique technique of applying heterophony to his works, which are frequently based on Asian religions and worldviews. Filled with colourful energy, the music of Nishimura creates a universe reminiscent of Buddhist Mandala images. Shadows of Water (Mizu no Kage) stems from Nishimura’s saxophone concerto of 1999, Esse in Anima or The Existence of the Inner Soul (Tamashii no Uchinaru Sonzai), which was first performed by Oishi’s teacher, Nobuya Sugawa, and the NHK Symphony Orchestra. The piece slowly begins with a single note, which gradually emerges from silence and fluctuates. Described by Nishimura as “the sound of the qualities of water”, the piece maximizes the ‘moist’ sonority of the alto saxophone to create a rich mid-range melody during the central section. The combination of chords in multiphonics placed before and after the melody evokes the sensations of being in the water. In Nishimura’s words: “The vibrant flow of water fantastically creates the shadows of water, which receives temporary life after receiving sunlight as the source of life; it moves semi-translucently. The translucent shadows of water-flow are like human beings flowing through space and time while holding one’s soul”.

Dai Fujikura (b. 1977): SAKANA (2007) Dai Fujikura is a native of Osaka and has been based in London since he moved to England at the age of 15. Fujikura was recognised by European composers of the avant-garde, such as Pierre Boulez and Péter Eötvös, and he developed a progressive musical style, earning a reputation as an up-andcoming composer worth watching. What makes Fujikura’s music particularly interesting is his unconventional ideas; for example, his collaboration with rocker David Sylvian. Fujikura has also applied the ideas of electronic music in orchestration to explore music’s capacity to transcend boundaries, and will then add a touch of humour with his use of rhythmical devices. Sakana was first performed at a music recital at Tokyo Opera City Concert Hall by Oishi on 18 March 2008. According to Fujikura, “In this piece, I imagined the light reflecting upon the body of a fish swimming around in the water. The fish swims elegantly but at times quickly”. The harmony of F-sharp, G and C-sharp at the beginning disperses as the pitch ascends. The piece consists of slowly repeating multiphonic sounds and split notes, and the heavy use of microtones obtained from the multiphonics creates a feeling of floating. Yuji Takahashi (b. 1938): Embers (Nokoribi, 2009) Born in Tokyo, as an up-and-coming pianist Yuji Takahashi was amongst the first to perform the works of Iannis Xenakis.

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Takahashi initially composed computer music and in the European avant-garde style, but then separated himself from the dominance of the Western music in the 1970s and 1980s. Since then, he has continued to compose music in the Suigyu Gakudan (Water Buffalo Band), to explore music for social change, and to use Asian instruments. Embers (Nokoribi) was composed for saxophonist Katsuki Tochio. The title means, according to Takashi, “A glowing ember before burning up. Although the surface is ashes, you will see flickering fire here and there”. Each phrase plays and is repeated over the end of another phrase, creating an overlapping chain, eventually calming down like a flame dying out. Because intensity and tempo are not specified, the player must control the movement of the tune at his or her own pace. With the deep tone of a baritone saxophone, Oishi’s interpretation of this piece seems to lead listeners into a world of meditation. Joji Yuasa (b. 1929): Not I, but the Wind... (Pas moi, mais le vent… / Watashideha naku Kazega, 1976) Joji Yuasa was born in 1929 in Koriyama, Japan. As a child he received lessons on the music and dance of Nō theatre, which has had a lasting impact on his compositional style. His works embrace Japanese aesthetics and performance techniques, with the intention of truly integrating Japanese musical traditions into his own, modernist musical language, rather than merely imitating Japanese musical tropes in a modernist context. Not I, but the Wind… was Yuasa’s first saxophone work, and takes

inspiration from the traditional shakuhachi flute. The saxophone is amplified by two microphones: one solely for increasing volume and a second functioning as an “echo chamber”. The title comes from a book of the same name by Frieda Lawrence, a memoir which focusses on her romantic relationship with D.H. Lawrence. The pair were drawn together despite their very different backgrounds, a potential dissonance for which Yuasa finds a parallel in his treatment of Western and Japanese elements. Yoichi Sugiyama (b. 1969): Smoking Prohibited, A Bay Street Ballade (Kinjirareta Kemuri, Wangan-Dori Ballade, 2015) A native of Tokyo, Yoichi Sugiyama studied in Italy from 1995 and has since been based in Milan. Today, in addition to being a conductor and pursuing creative activities, Sugiyama also teaches students at the Municipal School of Music Claudio Abbado in Milan. His pieces, which include unflinching messages directed at today’s society reflected in elaborate soundscapes, have been increasingly acclaimed in recent years. He is a winner of the Second Toshi Ichiyanagi Contemporary Prize and the 2017 New Face Award for Fine Arts. Forbidden Smoke (A Bay Street Ballade) or Kinjirareta Kemuri (Wangan-Dori no Ballade) is a solo baritone saxophone piece which was commissioned and first performed at a musical recital given by Oishi in January 2016. This piece was composed after the death of Eric Garner in the

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United States in 2014, after he was held in a chokehold by a policeman. To express his feelings about the racially-motivated incident, Sugiyama uses an African-American spiritual song, Lay This Body Down, which was widely sung during the Civil War era: “Oh graveyard, oh graveyard. I’m walking through that graveyard. Lay this body down. I know the moonlight. I know the starlight. I’m walking through that starlight. Lay this body down”. Gradually, feelings of mourning over Garner’s death evolve into explosive protests against the injustice behind it.

Ichiro Nodaira (b. 1953): Solitaire (Hitori Bocchi, 2013) Born in Tokyo, Ichiro Nodaira spent eight years as a pianist for Ensemble l’Itinéraire after graduating from the Conservatoire de Paris. He mostly works with orchestras, ensembles, and other musicians from Japan and Europe. Nodaira has also composed several pieces for Claude Delangle, with whom Oishi studied in France. He has composed six pieces with instruments, including the saxophone. Solitaire (Hitori Bocchi) is a small piece of only about two minutes. Nodaira uses a solo part from his 2013 concerto Mesh Patterns (Amime Moyo) for saxophone and chamber orchestra, which was first performed at a concert entitled TransMusic at the Suntory Foundation for Arts. Ancient tunes seem to be conjured up by gentle melodies of the alto saxophone. Miyuki Shiraishi

Text by Miyuki Shiraishi / Odradek Records, LLC is licensed under a Creative Commons AttributionNoDerivatives 4.0 International License. Permissions beyond the scope of this license may be available at www.odradek-records.com.

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I was born and raised in Japan, started to play the piano at the age of five, and began to play the saxophone aged 12 when I joined the high school brass band. I was fascinated by this glittering instrument with its beautifully curved shape and elaborate, complicated and cool key system, and I decided to master this instrument. Little did I know that when, as a naive 12-year-old boy, I picked up this relatively “new” instrument invented by Adolphe Sax in the 1840s, I was choosing my future as a performer of contemporary music. In 1995, I entered the Tokyo University of the Arts and studied my Master Degree with Nobuya Sugawa. In 2001, I went to Paris to study with Claude Delangle at the Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris (CNSMDP). I studied saxophone and classical music, as well as avant-garde and contemporary music. I experienced the process of “modernising tradition”, including collaborating with students of the composition faculty, and performing at IRCAM. I also studied under Alain Savouret and Alexandros Markeas at Improvisation Generative (at CNSMDP), where I learned music as a method of expression closely related to myself, and as a collaboration with the other arts. I developed a duo with Ippei Hosaka, a dancer. We were invited to Tanzfest 2008, a dance festival produced by Pina Bausch. I studied with Lazro Hadady at the chamber music faculty, and played as a member of OSMOSE, a saxophone quartet, across Europe. I returned to Japan in 2008, and have established a close relationship both with overseas composers and with Japanese composers who are active in Japan and abroad, including Kenji Sakai, with whom I have been collaborating since the Conservatoire de Paris days, Dai Fujikura, an acclaimed composer based in the UK, composer/conductor Yoichi Sugiyama, and Toshio Hosokawa, art director of the Takefu International Music Festival to which I have been invited since 2013. I have given several world-premiere performances of new saxophone works. I founded the Tokyo Gen’on project in 2013, involving saxophone, tuba, percussion, piano, and electronics. This unique ensemble has been invited to give numerous premieres, and was awarded the 13th Keizo Saji Prize of the Suntory Foundation of Arts. I teach at the Tokyo University of the Arts, Senzoku Gakuen College of Music, and Toho College of Music. I devise projects with the composition faculty at the Tokyo University of the Arts, and at the Senzoku Gakuen College of Music I give lectures on contemporary music. Based on my belief that music is a journey, international concert performances and masterclasses are essential for me. I play music in Europe, including France, the UK and Italy, and in Asia and Africa. Masanori Oishi 8 8

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JPN

「伝統の継承とは永続的に現代化しなおす行為」であるなら、サクソフォンを演奏している日本人の私にとっての「伝統」と「現代化」とはなにであるか。このアルバムは現代日本を代表する作曲家のサクソフォン無伴奏作品集です。私にとってサクソフォンで現代作品、また邦人作曲家の作品を演奏することは特別な意味を持ちます。西洋の楽器を演奏することは日常的なことである現代の日本において、12歳の私がサクソフォンを手にしたことは至極自然なことでした。24歳でフランスに渡って初めて「私は日本人である」という事実を強く意識し、それと同時に私がサクソフォンを、西洋音楽を演奏する意味を考えるようになりました。なかなか出なかったその答えは日本に戻って数年後に行った私の師、クロード・ドゥラングル氏へのインタビューで導かれました。それが冒頭の「伝統の継承とは永続的に現代化しなおす行為である」という言葉です。古い物を博物館のオブジェのようにそのまま保存するのではなく、脈々と受け継いでいく過程で新しいものへと変化させていく、それが伝統を守り伝えることであること。その言葉を聞いた後には、フランスも、日本も、ヨーロッパもアジアも、男も女もなにも関係のないことのように思えました。フランスで生まれた伝統に、現代を生きる私の個人的な経験や信念を合わせ現代化していく。そこに日本人である私はサクソフォン、西洋音楽を演奏する意味を見出すことが出来たのです。同時代を生きる素晴らしい作曲家達と彼らの音楽に出会う機会が訪れたことは私にとって大変幸運で幸せなことであり、私の音楽性、サクソフォンの可能性、テクニック、また人生を大変豊かなものにしてくれています。このアルバムに収録された作曲家達はいずれも日本を代表する若手からベテランまでの作曲家達ですが、同じ日本人といっても様々な時代や場所を生きている作曲家で、聴こえてくるアイデンティティや音楽性などは様々です。彼らの素晴らしい個性的な作品の力を借りて、サクソフォンの音楽の新しい形を作ることができたら幸せです。大石将紀

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サクソフォンという楽器は変幻自在である。深海や水をイメージさせたかと思えば（藤倉、西村、火（高橋）と結びつき、うた（細川、杉山）にもなる。高橋悠治から藤倉大まで、世代の異なる７人の作品を集めたこのアルバムは、サクソフォンを自在に操る大石将紀の豊かな表現力を実感させると同時に、日本人作曲家のショーケースになっている。

酒井健治： Initial S 大阪生まれの酒井健治（1977‐）はパリ高等音楽院でM・ストロッパ、M・レヴィナスに、ジュネーヴ音楽院でM・ジャレルに学び、ヨーロッパと日本を行き来しながら活動してきた。電子音楽を含む多彩な作品は、楽器の空間配置や時間構成など独創的なアイディアに溢れている。大石は酒井と同時期にパリ音楽院で学び、留学時代から彼細川俊夫：スペル・ソング―呪文のうた― の作品の初演に携わってきた。「サクソフォンを知り尽くした作曲家」（大石）と評価するとおり、《イニシャルＳ》（2010 広島生まれの細川俊夫（1955‐）は数十年あまり、ヨーロ）はアルト・サクソフォンの技巧を存分に用いた、ヴィルトゥッパ音楽界の最前線でアクティヴな創作活動を展開してきタイトルは初演者（白井奈緒た。ドイツ流の前衛的書法を受け継ぎ、日本の伝統音楽、とくオーゾ性の高い独奏曲である。美）の名前に由来するが、曲そのものにも多くのＳ（Es）がひに雅楽から影響を受け、京都学派に代表される思想や美学そんでいる。冒頭の短い１音が曲全体の中心音＝Ｅｓ（変ホを重んじながら、彼は静謐な中にダイナミズムを包含した音音）で、ほとんどのセクションでＥｓの上下に楽想がシンメト楽を生み出している。リック（Symmetry）に配置されている。作曲家の説明によ細川は音楽を神や霊といった超自然的な存在を呼び起これば、音型はシンコペーション(Syncopation)がベースのもす呪文と結びつけて捉え、《スペル・ソング―呪文のうた―》のと音階(Scale)に基づいて耳の錯覚を引き起こす螺旋状( （2015）で霊的存在との懸け橋となる「うた」を表現した。スパイラル、Spiral)のものがある。それらの音型が飽和状態フレーズごとに中心音を置き、あたかも日本の書のごとく、そ（Saturation)になったり、無音（Silence)になったりして音の音の生命を繊細に揺れ動く線で表す。中心音はEs（変ホ楽が展開される。音）で始まって、Fis(嬰へ音)、高いC（ハ音）、高いE（ホ音）、高いH（ロ音）へと上行し、最後には高いEsから冒頭のEsへと戻って終わる。大石はこのオーボエ独奏曲にサクソフォン西村朗：水の影で挑み、再演を重ねて、ニュアンスの濃やかな表現を実現し大阪生まれの西村朗（1953‐）は初期からアジアの民族ている。音楽や美学に深く傾倒し、ヘテロフォニーを応用した独自の技法を編み出すと同時に、アジアの宗教や世界観を作品のコンセプトとしてきた。西村の音楽はまるで曼荼羅のような 11 11

宇宙を形成し、色彩的なエネルギーに満ちている。《水の影》(2011)は大石の師である須川展也とＮＨＫ交響楽団によって初演されたサクソフォン協奏曲《魂の内なる存在》（1999）を母胎とする。静寂から少しずつ音量が増す単音とその揺らぎによって、ゆったりと始まる。「水質の響き」と西村が感じたアルト・サクソフォンの湿潤なソノリティを生かして、中間部ではたっぷりと中音域の旋律が歌われる。その前後に配置された重音奏法の和音連結は水の中にいる感覚をもたらす。「響きの水の流れは、生の源たる陽光を受けてひとときの命を得、半透明に揺らぐ水の影を幻想的に描き出す。水の流れの半透明の影は、魂を抱いて時空を流れゆく人間の様でもある」（西村）。藤倉大：ＳＡＫＡＮＡ大阪生まれの藤倉大（1977‐）は15歳でイギリスに渡って以来、ロンドンを拠点に活躍している。ブーレーズやエトヴェシュら、ヨーロッパの前衛作曲家たちに認められ、進歩的な書法を身につけてきたが、藤倉の音楽のおもしろさは型にはまらない発想にある。ロックのデヴィッド・シルヴィアンとコラボレーションし、電子音楽の発想をオーケストラに応用するなど、曲ごとに境界を超える広がりを模索。そこへユーモアを交え、抒情的なフレーズを織り込んでいく気鋭の作曲家だ。《ＳＡＫＡＮＡ》は2008年3月18日、東京オペラシティ・コンサートホールで行われた大石のリサイタルで初演された。「この曲では水の中で、時にしなやかに、時にすばやい動きで

動き回る魚の体に反射する光をイメージした」（藤倉）とのこと。冒頭のＦｉｓ（嬰へ音）、Ｇ（ト音）、Ｃｉｓ（嬰ハ音）のハーモニーが分散されて移高され、ゆったりと繰り返される重音とそれを切り裂くパッセージで構成される。重音奏法から得られる微分音を多用して、曲の浮遊感を生み出している。高橋悠治：残り火東京生まれの高橋悠治（1938‐）は気鋭のピアニストとして、イアニス・クセナキスの作品の初演を行い、初期にはコンピュータ音楽などヨーロッパ流の前衛音楽を作曲したが、1970年代、80年代に欧米の音楽による支配を脱し、以来、社会変革のための音楽を模索する「水牛楽団」での歌作りや、アジアの楽器による創作を続けてきた。《残り火》(2009)はサクソフォン奏者、栃尾克樹のために作曲された。タイトルは「燃えつきる前の燠火で表面は灰になっているが時々炎がちらつくような状態」（高橋）とのこと。まるでしりとりのように、一つのフレーズの終わりを次のフレーズが反復して展開し、やがて炎が静まるかのように穏やかになる。強弱と速度の指定がないので、演奏者は自分自身のペースで音の動きをコントロールしなければならない。バリトン・サクソフォンの深い音色で、大石が瞑想の世界へと誘い込むかのようだ。湯浅譲二: 私ではなく風が… 湯浅譲二は1929年、郡山市生まれ。幼時より能舞台で邦楽と舞踊の稽古を受けたことが彼の作風に綿々たる影響を与 12 12

えている。彼の作品は、単に現代主義的な流れから邦楽の綾を模倣するのではなく、その伝統を彼自身の現代人としての音楽言語と真に一体化させる意図をもって日本の美意識と演奏技法を取り入れている。私ではなく風が…は湯浅の最初のサクソフォン作品であり、古来の尺八からインスピレーションを得ている。サクソフォンは2個のマイクを通したもの: ひとつは単純に音量を増幅させ、もうひとつは「反響室」として機能している。タイトルはフリーダ·ローレンスの同名著書、彼女とD.H. ローレンスとのロマンチックな関係に纏わる回想に由来している。その全く違った生い立ちにも拘らず惹かれ合う二人、その潜在する不協和音に湯浅は、西洋的、日本的要素を表現することとの類を見出しているのである。杉山洋一：禁じられた煙（湾岸通りバラード）東京生まれの杉山洋一（1969‐）は1995年にイタリアへ留学して以来、ミラノを拠点に活動していて、現在は指揮や創作に加えて、ミラノ市立クラウディオ・アッバード音楽院で後進の指導もしている。緻密に音響を織り上げた作品に託される現代社会へのメッセージは筋金入りで、第２回一柳慧コンテンポラリー賞、2017年度芸術選奨新人賞を受賞するなど、近年、評価が高まっている。《禁じられた煙（湾岸通りバラード）》は2016年1月に大石のリサイタルで委嘱初演されたバリトン・サクソフォンの独奏曲。2014年にアメリカで起きた「エリック・ガーナー事件」をきっかけに作曲された。人種差別の事件への想いを表現するため、杉山は南北戦争時代に広く歌われていたと思われ

る黒人霊歌「Lay this bodydown (この身体を横たえて）」を素材として使っている。歌詞は「1. おお墓地よおお墓地よ／どんどんどんどんこの墓進んでく／この身体横たえて 2．月の輝き星の光俺知ってる／どんどんどんどん星の光進んでく／この身体横たえて」。ガーナーを悼む気持ちがしだいに理不尽な死への抗議へと高まり、張り裂けんばかりの強音に至る。野平一郎：一人ぼっち東京生まれの野平一郎（1953‐）はパリ国立高等音楽院を卒業し、8年間、アンサンブル・イティネレールのピアニストを務めた。日本とヨーロッパのオーケストラやアンサンブル、演奏家からの委嘱が多く、大石がフランスで師事したクロード・ドゥラングルのためにも数曲の作品を書いていて、サクソフォンを含む編成の作品は６曲にのぼる。《一人ぼっち》はわずか2分程の小品。サントリー芸術財団のコンサート「トランスミュージック」において初演されたサクソフォンと室内オーケストラのための協奏曲《網目模様》（2013）の独奏パートから作曲家自身が一部を取り出したもの。アルト・サクソフォンの優しい調べはまるで懐かしい歌を諳んじているようだ。白石美雪

白石美雪コリンズ・ライスとオドラデック・レコーズ LLC によるこのテキストはクリエイティブ・コモンズ表示 - 非営利 - 改変禁止 2.1 日本ライセンスの下に提供されています。

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日本に生まれ育った私、大石将紀は５歳でピアノを、 12歳で多くの日本人管楽器奏者と同じく中学校の吹奏楽部に入部してサクソフォンを始めた。美しい曲線をもつ光り輝く管体、凝縮された複雑なキーシステムを持つこのクールな楽器を絶対に演奏したいと思った。何も知らない12歳の私が1840年代にアドルフ・サックスによって発明された「新しい」楽器を選んだ時、同時に将来現代音楽を演奏していく未来を選びとっていたのかもしれない。 1995年東京芸術大学に入学。須川展也氏に師事。 2001年同大学大学院入学。同年に渡仏しパリ国立高等音楽院に入学、クロード・ドゥラングル氏に師事。フランスの伝統芸能ともいえるサクソフォンのテクニック、クラシック音楽はもちろんのこと、クラシック音楽の現在形、「現代音楽」という前衛も学んだ。作曲科の学生とのコラボレーション、 IRCAM （フランス音響音楽研究所）での演奏など様々な方法で「伝統を現代化しなおす」作業を経験する。また即興演奏科にてアラン・サヴレ氏とアレクサンドロス・マルケアス氏に師事。より自分に密着した表現方法としての音楽、サクソフォンの奏法、また音楽以外での様々な芸術とのコラボレーションを学ぶ。その時デュオとして活動した舞踏家、保坂一平氏とは2008年にピナ・バウシュプロデュースのダンスフェスティバル「Tanzfest2008」に招かれている。室内楽科ではラスロ・ハダディ氏に師事。サクソフォンカルテット OSMOSEのメンバーとしてフランスを始めとするヨーロッパ各地で演奏活動を行った。 2008年に日本に帰国、東京オペラシティーでのリサイタルシリーズ「B→C」に出演してからは主に現代音楽の世界で活動の幅を広げてきた。パリ音楽院での学生時代からコラボレーションを続けている作曲家の酒井健治氏、イギリス在住の同世代の作曲家藤倉大氏、作曲家兼指揮者であるイタリア在住の杉山洋一氏、 2013年より招待されている武生国際音楽祭の芸術監督を勤める細川俊夫氏などをはじめとした世界的な作曲家、また国内外で活躍している作曲家達と親密な関係を築き、数々のサクソフォンのための作品を初演している。 2013年結成した現代音楽グループ「東京現音計画」はサクソフォン、チューバ、ピアノ、打楽器、エレクトロニクスという珍しい編成のアンサンブルで、作曲家に新曲の委嘱をし初演を続けている。その芸術性と将来性を評価され第13回サントリー芸術財団、佐治敬三賞を受賞した。教育者としては東京芸術大学、洗足学園音楽大学、東邦音楽大学で指導している。東京芸術大学では自分のパリでの経験をもとに、作曲科とのプロジェクトなどを企画。洗足学園音楽大学では「現代の音楽表現研究」という授業を担当、学生とともに新しい音楽とコンサートの創造を研究している。「音楽は旅と出会いそのものである」という信条の元、様々な場所でのコンサート出演やマスタークラスなどは私にとって必要不可欠なものである。フランス、イギリス、イタリアなどのヨーロッパ諸国を始め、アジア、アフリカでも演奏をしている。大石将紀

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FRA Si « hériter de la tradition est un acte de modernisation permanente », que représentent pour moi, saxophoniste japonais, « tradition » et « modernisation » ? Cet album se compose de pièces pour saxophone non accompagné, créées par des compositeurs japonais représentant le Japon moderne. Jouer de la musique contemporaine a une signification particulière pour moi, notamment lorsqu’il s’agit de pièces pour saxophone de compositeurs japonais. Il est aujourd’hui assez commun de voir des musiciens japonais jouer des instruments de musique occidentaux ; il n’y avait donc rien d’inhabituel lorsque j‘ai commencé à jouer du saxophone à l’âge de 12 ans. Cependant, lorsque je suis allé en France pour étudier la musique à 24 ans, j’ai pris conscience d’« être japonais » pour la première fois de ma vie, et j’ai commencé à réfléchir à ce que signifiait, pour moi, le fait de jouer du saxophone et de la musique occidentale. La réponse ne m’est pas venue facilement. J‘ai interviewé mon professeur, Claude Delangle, quelques années après mon retour au Japon, et j‘ai finalement trouvé la réponse sous la forme de ces mots cités en préambule : « hériter de la tradition est un acte de modernisation permanente ». Au lieu de préserver la tradition - comme conserver des objets dans un musée -, à travers le processus d’héritage, nous transformons la tradition en quelque chose de nouveau, ce qui implique à la fois de protéger et de transmettre cette tradition. A l’écoute de ces mots, j’ai senti que plus rien ne comptait vraiment : que ce soit la France ou le Japon, l‘Europe ou l‘Asie, que nous soyons hommes ou femmes... Je vise à moderniser la tradition établie en France en la mélangeant à mes expériences personnelles et à ma croyance dans le monde moderne. J’ai ainsi découvert ce que signifiait jouer de la musique occidentale pour saxophone en tant que musicien japonais. J’ai eu la chance et le privilège de rencontrer de merveilleux compositeurs contemporains, et de découvrir leur musique. Ils enrichissent grandement le potentiel du saxophone, ainsi que ma musicalité, ma technique et ma vie. Les œuvres de cet album ont été composées par des compositeurs japonais allant des jeunes aux plus expérimentés. Bien qu‘ils soient tous japonais, ils viennent d‘époques et de lieux différents, ce qui se reflète dans leur identité et leur musicalité. J‘espère que la puissance de leurs pièces uniques et merveilleuses contribuera à forger un nouveau style de musique pour saxophone. Masanori Oishi 16 16

Le saxophone est un instrument doté d’une immense palette de possibilités expressives. Alors qu’il peut évoquer l’image d’un océan profond ou de l’eau (comme dans les pièces de Fujikura et de Nishimura), il peut aussi être associé au feu (Takahashi) ou devenir un Uta ou un chant (Hosokawa et Sugiyama). De Yuji Takahashi à Dai Fujikura, cette compilation rassemble les œuvres de sept artistes issus de différentes générations. Alors que l’album expose les auditeurs au jeu riche et expressionniste de Masanori Oishi manipulant librement le son du saxophone, il illustre également ce que les compositeurs japonais ont à offrir. Toshio Hosokawa (né en 1955): Chanson de sort (Jyumon no Uta, 2015) Né à Hiroshima, Toshio Hosokawa utilise depuis plusieurs décennies des techniques créatives à la pointe de la scène musicale européenne. Il s’inspire de la musique traditionnelle japonaise, en particulier de la musique de cour ancienne, et de l’avant-garde allemande pour créer une musique qui embrasse le dynamisme en paix tout en appréciant la pensée et l’esthétique typiques de l’école de Kyoto. Hosokawa interprète la musique en relation avec des « sorts » évoquant des créatures surnaturelles, telles que les dieux et les esprits. Chanson de sort (Jyumon no Uta) est censée servir de pont nous reliant aux êtres spirituels. Hosokawa place un centre tonal dans chaque phrase pour exprimer la vie du

son en utilisant une ligne qui se courbe délicatement d’une manière qui rappelle la calligraphie japonaise. Le centre tonal commence en mi bémol et monte en fa dièse, do aigu, mi aigu, et si aigu. Finalement, la pièce conclut en passant du mi bémol aigu au mi bémol du début. Oishi relève le défi de jouer ce qui était à l’origine une pièce pour hautbois solo, exprimant avec succès toutes les nuances de la pièce. Kenji Sakai (né en 1977): Initiale S (2010) Né à Osaka, Kenji Sakai a été l’élève de Stroppa et Lévinas au Conservatoire de Paris et a été formé par Jarrell au Conservatoire de Musique de Genève. Il est actif en tant que compositeur et partage sa vie entre l’Europe et le Japon. Ses différentes œuvres, incluant musique électronique, sont caractérisées par des idées uniques pour le placement spatial des instruments. Oishi a étudié au Conservatoire de Paris à la même époque que Sakai et a participé aux premières de ses œuvres depuis la venue Sakai à Paris. Oishi décrit Sakai comme « un compositeur qui connaît le saxophone dans les moindres détails », et Initiale S est une pièce solo qui utilise pleinement sa technique de saxophone alto pour mettre en valeur sa virtuosité. Le titre est dérivé du nom du premier interprète, Naomi Shirai. La note courte au début est le centre tonal pour l’ensemble de la pièce, qui est en mi bémol, et dans la plupart des sections, la mélodie est placée symétriquement pour le mi bémol ascendant et descendant. Comme le précise le compositeur,

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la pièce présente des figures syncopées et en spirale, créant diverses illusions sonores avant que leur capacité ne devienne saturée et se taise. Akira Nishimura (né en 1953): Ombres d’eau (Mizu no Kage, 2011) Né à Osaka, Akira Nishimura s’est profondément investi dans l’univers musical et esthétique asiatique à un stade précoce. Nishimura a inventé une technique unique d’hétérophonie à travers ses œuvres, souvent basées sur les religions et les visions du monde asiatiques. Remplie d’énergie colorée, la musique de Nishimura crée un univers qui rappelle les images du Mandala bouddhiste. Ombres d’eau (Mizu no Kage) provient de son concerto pour saxophone de 1999, Esse in Anima ou The Existence of the Inner Soul (Tamashii no Uchinaru Sonzai), qui fut interprété pour la première fois par le professeur d’Oishi, Nobuya Sugawa, et le NHK Symphony Orchestra. La pièce commence lentement avec une seule note, qui émerge peu à peu du silence et fluctue. Décrit par Nishimura comme « le son des qualités de l’eau », la pièce maximise la sonorité « humide » du saxophone alto pour créer une riche mélodie en médium dans la section centrale. La combinaison d’accords en multiphoniques placés avant et après la mélodie évoque les sensations d’être dans l’eau. Comme l’explique Nishimura : « le flux vibrant de l’eau crée de manière fantastique les ombres de l’eau, laquelle reçoit la vie temporaire après avoir reçu la

lumière du soleil comme source de vie ; elle se déplace de manière semi-translucide. Les ombres translucides du flux d’eau sont comme des êtres humains traversant l’espace et le temps tout en gardant l’âme». Dai Fujikura (né en 1977): SAKANA (2007) Dai Fujikura est originaire d’Osaka et vit à Londres depuis son arrivée en Angleterre à l’âge de 15 ans. Fujikura a été salué par des compositeurs de l’avant-garde européenne, comme Pierre Boulez et Péter Eötvös, et a développé un style musique progressif consolidant faisant de lui une étoile montante de la composition. Ce qui rend la musique de Fujikura particulièrement intéressante sont ses idées non conventionnelles, comme par exemple sa collaboration avec le rocker David Sylvian. Fujikura a également appliqué les idées de la musique électronique dans l’orchestration pour explorer la capacité de la musique à transcender les frontières, et ajouté parfois une touche d’humour à travers ses rythmes. Sakana a été créée pour la première fois lors d’un récital de musique au Tokyo Opera City Concert Hall par Oishi le 18 mars 2008. Selon Fujikura : « dans cette pièce, j’ai imaginé la lumière se reflétant sur le corps d’un poisson nageant dans l’eau. Le poisson nage élégamment mais parfois rapidement ». L’harmonie de fa dièse, sol et do dièse au début se disperse à mesure que la hauteur monte. La pièce se compose de sons multiphoniques et de notes fractionnées se répétant lentement, et l’utilisation

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massive de micro-tons obtenus à partir des multiphoniques crée une sensation de flottement. Yuji Takahashi (né en 1938): Braises (Nokoribi, 2009) Né à Tokyo, Yuji Takahashi fut en tant que pianiste précoce l’un des premiers à interpréter les œuvres d’Iannis Xenakis. Takahashi a d’abord composé de la musique sur ordinateur et dans le style avant-gardiste européen, mais s’est ensuite démarqué de la domination de la musique occidentale dans les années 1970 et 1980. Depuis lors, il a continué à composer de la musique dans le Suigyu Gakudan (Water Buffalo Band), en explorant la musique pour le changement social, et utilisant des instruments asiatiques. Braises (Nokoribi) a été composé pour le saxophoniste Katsuki Tochio. Le titre signifie, selon Takashi : « une braise rougeoyante avant de se consumer. Bien que la surface soit faite de cendres, vous verrez un feu scintillant ici et là ». Chaque phrase joue et se répète à la fin d’une autre phrase, créant une chaîne qui se chevauche, pour finalement se calmer comme une flamme qui s’éteint. Parce que l’intensité et le tempo ne sont pas spécifiés, le joueur doit contrôler le mouvement de la mélodie selon son propre rythme. A travers le ton grave du saxophone baryton, l’interprétation de cette pièce par Oishi semble guider les auditeurs vers un monde de méditation.

Joji Yuasa (né en 1929): Not I, but the Wind... (Pas moi, mais le vent… / Watashideha naku Kazega, 1976) Joji Yuasa est né en 1929 à Koriyama, au Japon. Enfant, il a suivi des cours sur la musique et la danse du théâtre Nō, ce qui a eu un profond impact sur son style de composition. Ses œuvres englobent l’esthétique et les techniques d’interprétation japonaises, de manière à intégrer véritablement les traditions musicales japonaises dans son propre langage musical moderniste, plutôt que de simplement imiter les tropes musicaux japonais dans un contexte moderniste. Pas moi, mais le vent… est la première œuvre de Yuasa pour saxophone et s’inspire de la flûte traditionnelle shakuhachi. Le saxophone est amplifié par deux microphones : l’un destiné uniquement à accroître le volume et l’autre fonctionnant comme une « chambre d’écho ». Le titre provient d’un livre du même nom de Frieda Lawrence, un mémoire évoquant sa relation amoureuse avec D.H. Lawrence. Les deux amants se sont liés malgré des origines très différentes, une dissonance potentielle pour laquelle Yuasa trouve un parallèle dans son traitement des éléments occidentaux et japonais. Yoichi Sugiyama (né en 1969): Interdiction de fumer, La ballade de Bay Street (Kinjirareta Kemuri, Wangan-Dori Ballade, 2015) Originaire de Tokyo, Yoichi Sugiyama a étudié en Italie à partir de 1995 et vit depuis à Milan. Aujourd’hui, outre sa carrière de

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chef d’orchestre et ses activités créatives, Sugiyama enseigne également à l’école municipale de musique Claudio Abbado à Milan. Ses pièces, qui incluent des messages sans compromis sur la société actuelle, reflétés dans des paysages sonores élaborés, ont été de plus en plus saluées ces dernières années. Il est lauréat du deuxième prix contemporain Toshi Ichiyanagi et du prix New Face 2017 pour les beaux-arts. Interdiction de fumer (La ballade de Bay Street ) or Kinjirareta Kemuri (WanganDori no Ballade) est une pièce pour saxophone baryton solo commandée et donnée pour la première fois lors d’un récital d’Oishi en janvier 2016. Cette pièce a été composée après la mort d’Eric Garner aux États-Unis en 2014, mort étouffé par un policier. Afin d’exprimer ses sentiments sur l’incident racialement motivé, Sugiyama utilise une chanson spirituelle afro-américaine, Lay This Body Down, chantée du temps de la guerre civile américaine : “Ô cimetière, ô cimetière. Je marche dans ce cimetière. Dépose ce corps à terre. Je connais le clair de lune. Je connais la lumière des étoiles.

Peu à peu, les sentiments de peine autour la mort de Garner se transforment en manifestations explosives contre l’injustice qui se cache derrière. Ichiro Nodaira (né en 1953): Solitaire (Hitori Bocchi, 2013) Né à Tokyo, Ichiro Nodaira a passé huit ans en tant que pianiste de l’Ensemble l’itinéraire après avoir été diplômé du Conservatoire de Paris. Il travaille principalement avec des orchestres, des ensembles et d’autres musiciens du Japon et d’Europe. Nodaira a également composé plusieurs pièces pour Claude Delangle, avec qui Oishi a étudié en France. Il a composé six pièces pour instruments, dont le saxophone. Solitaire (Hitori Bocchi) est un petit morceau de seulement deux minutes. Nodaira utilise une partie solo de son concerto de 2013 Mesh Patterns (Amime Moyo) pour saxophone et orchestre de chambre, créée pour la première fois lors d’un concert intitulé TransMusic à la Suntory Foundation for Arts. Les airs anciens semblent être évoqués par les douces mélodies du saxophone alto.

Je traverse cette lumière. Dépose ce corps à terre”. Miyuki Shiraishi

Texte de Miyuki Shiraishi (Trad. : Yannick Muet) / Odradek Records, LLC est mis à disposition selon les termes de la Licence Creative Commons Attribution - Pas d’Utilisation Commerciale - Pas de Modification 4.0 France. www.odradek-records.com

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Je suis né et j’ai grandi au Japon ; j’ai commencé à jouer du piano à l’âge de cinq ans et du saxophone à l’âge de 12 ans quand j’ai rejoint le groupe de cuivres du lycée. Fasciné par cet instrument scintillant avec sa forme magnifiquement courbée et son système de touches complexe, sophistiqué, je décide alors de maîtriser cet instrument. Enfant naïf de 12 ans, j’ignorais en adoptant cet instrument relativement « nouveau », inventé par Adolphe Sax dans les années 1840, que je choisissais ainsi ma carrière d’interprète de musique contemporaine. En 1995, je suis entré à l’Université des Arts de Tokyo et j’y ai étudié jusqu’en Master avec Nobuya Sugawa. En 2001, je suis allé à Paris pour étudier avec Claude Delangle au Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris (CNSMDP). J’y ai étudié le saxophone et la musique classique, ainsi que la musique d’avant-garde et contemporaine. J’ai vécu le processus de « modernisation de la tradition », notamment en collaborant avec des étudiants de la faculté de composition et en jouant à l’IRCAM. J’ai également suivi au CNSMDP la classe d’Improvisation Générative d’Alain Savouret et d’Alexandros Markeas, avec lesquels j’ai appréhendé la musique comme méthode d’expression étroitement liée à moi-même, et en collaboration avec les autres disciplines artistiques. J’ai développé un duo avec le danseur Ippei Hosaka. Nous avons été invités à Tanzfest 2008, un festival de danse produit par Pina Bausch. J’ai ensuite suivi la classe de musique de chambre de Lazro Hadady et joué à travers l’Europe en tant que membre d’OSMOSE, un quatuor de saxophones. Je suis retourné au Japon en 2008 et j’ai établi des liens étroits tant avec des compositeurs étrangers qu’avec des compositeurs japonais actifs au Japon et à l’étranger, tels que Kenji Sakai, avec lequel je collabore depuis les années du Conservatoire de Paris, Dai Fujikura, compositeur acclamé basé au Royaume-Uni, le compositeur et chef d’orchestre Yoichi Sugiyama, et Toshio Hosokawa, directeur artistique du Festival International de Musique de Takefu, où je suis invité depuis 2013. J’ai donné plusieurs premières mondiales de nouvelles œuvres pour saxophone. J’ai fondé le projet Tokyo Gen’on en 2013, intégrant saxophone, tuba, percussions, piano et électronique. Cet ensemble unique a été invité à donner de nombreuses premières et a reçu le 13e prix Keizo Saji de la Suntory Foundation of Arts. J’enseigne à l’Université des Arts de Tokyo, au Collège de Musique Senzoku Gakuen et au Collège de Musique de Toho. Je conçois des projets avec la faculté de composition de l’Université des Arts de Tokyo, et je donne des conférences sur la musique contemporaine au Collège de Musique de Senzoku Gakuen. Fort de ma conviction que la musique est un éternel voyage, les concerts internationaux et les master classes sont essentiels pour moi. Je joue de la musique en Europe, notamment en France, au Royaume-Uni et en Italie, ainsi qu’en Asie et en Afrique. Masanori Oishi

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DEU Wenn „Tradition zu bewahren ein Akt der permanenten Modernisierung“ ist, welche Bedeutung haben dann „Tradition“ und „Modernisierung“ für mich, einen japanischen Saxophonisten? Dieses Album besteht aus unbegleiteten Saxophon-Stücken japanischer Komponisten, die das moderne Japan repräsentieren. Ich messe dem Spielen zeitgenössischer Musik eine besondere Bedeutung bei, namentlich bei Saxophon-Stücken japanischer Komponisten. Heute ist es für japanische Musiker ganz normal, abendländische Musikinstrumente zu spielen. Es war also nichts Ungewöhnliches, dass ich mit 12 Jahren Saxophon spielte. Als ich jedoch mit 24 Jahren für mein Musikstudium nach Frankreich kam, wurde mir zum ersten Mal bewusst, dass ich „Japaner“ war, und ich begann darüber nachzudenken, was es für mich persönlich bedeutete, Saxophon und abendländische Musik zu spielen. Die Antwort war nicht leicht zu finden. Als ich einige Jahre nach meiner Rückkehr nach Japan meinen Mentor Claude Delangle interviewte, fand ich die Antwort schließlich in Form der eingangs zitierten Worte:„Tradition zu bewahren ist ein Akt der permanenten Modernisierung“. Anstatt die Tradition in Form der Erhaltung eines Erbes beizubehalten - wie das Aufbewahren von Objekten in einem Museum - verändern wir sie zu etwas Neuem, das diese Tradition sowohl schützt als auch weitergibt. Diese Worte gaben mir das Gefühl, dass nichts mehr wirklich wichtig sei: ob der Ort Frankreich oder Japan, Europa oder Asien ist; ob wir Männer oder Frauen sind und so weiter. Ich möchte die in Frankreich etablierte Tradition modernisieren, indem ich sie mit meinen persönlichen Erfahrungen und meinem Glauben an die moderne Welt vermenge. So wurde mir klar, was es bedeutete, als japanischer Musiker abendländische Saxophonmusik zu spielen. Ich bin sehr glücklich über die Möglichkeit, wunderbare Komponisten meiner Generation sowie ihre Musik kennenzulernen. Sie bereichern das Potential des Saxophons sowie meine Musikalität, meine Technik und mein Leben. Die Werke auf diesem Album wurden sowohl von jungen, als auch von erfahrenen japanischen Komponisten geschrieben. Sie sind zwar alle Japaner, stammen jedoch aus verschiedenen Epochen und Orten, was sich in ihrer Persönlichkeit und ihrer musikalischen Sprache widerspiegelt. Ich hoffe, dass die Kraft ihrer wundervollen und einzigartigen Kompositionen hilft, einen neuen Stil der Saxophon-Musik zu schaffen. Masanori Oishi 23 23

Das Saxophon ist ein Instrument mit einer breiten Palette an Ausdrucksmöglichkeiten. Es kann das Bild eines tiefen Ozeans oder von Wasser heraufbeschwören (wie in den Stücken von Fujikura und Nishimura), es kann sich auf Feuer beziehen (Takahashi) oder auch zu einem Uta oder Lied werden (Hosokawa und Sugiyama). Von Yuji Takahashi bis Dai Fujikura vereint diese Zusammenstellung die Werke von sieben Künstlern verschiedener Generationen. Während das Album Masanori Oishis reiches expressionistisches Können offenbart, indem er den Klang des Saxophons frei manipuliert, zeigt es auch, was japanische Komponisten zu bieten haben. Toshio Hosokawa (geb. 1955): Spell Song (Jyumon no Uta, 2015) Toshio Hosokawa, gebürtig aus Hiroshima, beschäftigt sich seit mehreren Jahrzehnten aktiv an der Spitze der europäischen Musikszene. Inspiriert wird er von traditioneller japanischer Musik, insbesondere der altertümlichen Hofmusik, und von der deutschen Avantgarde, um eine Musik zu schaffen, die den musikalischen Dynamismus mit Frieden besänftigt und gleichzeitig Gedanken und Ästethik der Kyoto-Schule berücksichtigt. Hosokawa versteht Musik als„Zaubersprüche“, die übernatürliche Kreaturen wie Götter und Geister heraufbeschwören. Sein Spell Song (Jyumon no Uta) soll als Brücke dienen, die uns mit spirituellen Wesen verbindet. Hosokawa lässt jede Phrase um

ein tonales Zentrum kreisen, um die Lebendigkeit des Klangs auszudrücken. Er verwendet eine melodische Linie, die mit ihren sanften Kurven an japanische Kalligrafie erinnert. Das tonale Zentrum beginnt mit Es und steigt auf Fis, das hohe C, E und B an. Schließlich endet das Stück mit einem Übergang vom hohen Es zurück zum ursprünglichen Es. Oishi nimmt die Herausforderung an, ein ursprünglich für Solo-Oboe geschriebenes Stück auf dem Saxophon zu spielen, das die reichen Nuancen des Werkes erfolgreich zum Ausdruck bringt. Kenji Sakai (geb. 1977): Initial S (2010) Der in Osaka geborene Kenji Sakai war Schüler von Stroppa und Lévinas am Conservatoire de Paris und wurde von Jarrell am Conservatoire de Musique de Genève unterrichtet. Während er zwischen Europa und Japan hin und her pendelt, ist er auch als Komponist aktiv. Seine verschiedenen Werke einschließlich elektronischer Musik zeichnen sich durch einzigartige Ideen für die räumliche Verteilung von Instrumenten aus. Oishi studierte etwa zur gleichen Zeit wie Sakai am Conservatoire de Paris und war an den Uraufführungen seiner Werke beteiligt. Oishi lobt Sakai als „einen Komponisten, der das Saxophon bis ins kleinste Detail kennt“, und Initial S ist ein Solo-Stück, das seine Altsaxophon-Technik voll einsetzt, um sein virtuoses Talent zu zeigen. Der Titel leitet sich von dem Namen des ersten Interpreten, Naomi Shirai ab. Der kurze Ton am Anfang - nämlich Es - ist das tonale Zentrum des gesamten Stückes, und in den meisten Abschnitten ist die Melodie für das An- und Absteigen

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von Es symmetrisch angeordnet. Wie der Komponist beschreibt, enthält das Stück synkopierte und spiralförmige Figuren, die akustische Illusionen erzeugen, bis sie sich erschöpft haben und verstummen. Akira Nishimura (geb. 1953): Water Shadows (Mizu no Kage, 2011) Akira Nishimura wurde in Osaka geboren und hat sich schon früh für asiatische ethnische Musik und Ästhetik eingesetzt. Nishimura erfand eine einzigartige Technik der Anwendung von Heterophonie auf seine Werke, die häufig auf asiatischen Religionen und Weltanschauungen basieren. Angefüllt mit farbenreicher Energie schafft die Musik von Nishimura ein Universum, das an buddhistische Mandala-Bilder erinnert. Water Shadows (Mizu no Kage - Wasserschatten) stammt aus Nishimuras Saxophonkonzert von 1999, Esse in Anima or The Existence of the Inner Soul (Tamashii no Uchinaru Sonzai), das von Oishis Lehrer Nobuya Sugawa und dem NHK Symphony Orchestra uraufgeführt wurde. Das Werk beginnt langsam mit einem einzelnen Ton, der an- und absteigend allmählich aus der Stille hervortritt. Von Nishimura als „der Klang der Eigenschaften des Wassers“ beschrieben, maximiert das Stück die „feuchte“ Klangfülle des Altsaxophons, um im Mittelteil eine reiche zentrale Melodie zu schaffen. Die Kombination von Akkorden in Form von Mehrklängen vor und nach der Melodie vermittelt die Empfindung, im Wasser zu sein. Mit Nishimuras Worten: „Die lebendige Bewegung des Wassers erzeugt auf

phantastische Weise die Schatten des Wassers, das zeitweilig zum Leben erwacht, nachdem es Sonnenlicht als Quelle des Lebens empfangen hat; es bewegt sich fast durchsichtig. Die durchscheinenden Schatten im Wasser wirken wie Menschen, die beseelt durch Raum und Zeit gleiten“. Dai Fujikura (geb.1977): SAKANA (2007) Dai Fujikura stammt aus Osaka und lebt seit seinem Umzug nach England im Alter von 15 Jahren in London. Fujikura wurde von europäischen Komponisten der Avantgarde wie Pierre Boulez und Péter Eötvös anerkannt und entwickelte einen progressiven musikalischen Stil, der ihm den Ruf eines aufstrebenden Komponisten einbrachte, der Aufmerksamkeit verdient. Was Fujikuras Musik besonders interessant macht, sind seine unkonventionellen Ideen wie beispielsweise seine Zusammenarbeit mit dem Rocker David Sylvian. Fujikura hat auch die Ideen der elektronischen Musik in der Orchestrierung angewendet, um ihre vielfältigen Möglichkeiten zu erforschen und Grenzen zu überschreiten. Schließlich fügt er durch den Einsatz von rhythmischen Instrumenten einen Touch von Humor hinzu. Sakana wurde am 18. März 2008 von Oishi bei einem Konzert in der Tokyo Opera City Concert Hall uraufgeführt. Fujikura kommentiert: „In diesem Stück stellte ich mir das Licht vor, das vom Körper eines elegant und wendig im Wasser schwimmenden Fisches reflektiert wird“. Die aus Fis, G und Cis bestehende Harmonie am Anfang löst mit dem Ansteigen der Töne auf. Das Stück besteht aus sich langsam wiederholenden

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Mehrklängen und ähnlichen Tönen, und die intensive Verwendung von Mikrotönen, die aus den Mehrklängen gewonnen werden, erzeugt ein Gefühl des Schwebens. Yuji Takahashi (geb. 1938): Embers (Nokoribi, 2009) In Tokio geboren, war Yuji Takahashi als aufstrebender Pianist einer der Ersten, der die Werke von Iannis Xenakis aufführte. Takahashi komponierte zunächst Computermusik und im europäischen Avantgarde-Stil, distanzierte sich dann aber von der Vorherrschaft der abendländischen Musik der 70er und 80er Jahre. Seither komponiert er Musik in der Suigyu Gakudan (Wasserbüffelband), um Musik für den sozialen Umbruch zu propagieren und asiatische Instrumente zu verwenden. Embers (Nokoribi) wurde für den Saxophonisten Katsuki Tochio komponiert. Der Titel bedeutet laut Takashi „Lohende Glut vor dem Erlöschen. Durch die Asche der Oberfläche sieht man hier und da Feuer aufflackern“. Jede Phrase wird am Ende der nächsten wiederholt, wodurch eine überlappende Kette erzeugt wird, die schließlich wie eine ersterbende Flamme erlischt. Da Dynamik und Tempo nicht spezifiziert sind, muss der Spieler den Lauf der melodischen Linie in seinem eigenen Tempo steuern. Mit dem tiefen Ton eines Baritonsaxophons scheint Oishis Interpretation dieses Stückes den Zuhörer in eine Welt der Meditation zu führen. Joji Yuasa (geb. 1929): Not I, but the Wind...

(Nicht ich, sondern der Wind... / Watashideha naku Kazega, 1976) Joji Yuasa wurde 1929 in Koriyama, Japan geboren. Als Kind erhielt er Unterricht in Musik und Tanz des Nō-Theaters, was seinen Kompositionsstil nachhaltig beeinflusste. Seine Werke umfassen japanische Ästhetik und Aufführungstechniken, mit dem Ziel, japanische Musiktraditionen wirklich in seine eigene, moderne Musiksprache zu integrieren, anstatt japanische Musik-Tropen in einem modernen Kontext einzugliedern. Not I, but the Wind... ist Yuasas erste Komposition für Saxophon und lässt sich von der traditionellen Shakuhachi-Flöte inspirieren. Das Saxophon wird durch zwei Mikrofone verstärkt: eines nur zur Volumenvergrößerung und ein zweites als ist als „Echo“ gedacht. Der Titel stammt aus dem gleichnamigen Buch von Frieda Lawrence, wobei es sich um Memoiren handelt, die sich auf ihre romantische Beziehung zu D. H. Lawrence beziehen. Beide Autoren wurden trotz ihres sehr unterschiedlichen Hintergrunds nebeneinander gestellt und erzeugen eine potenzielle Dissonanz, die für Yuasa Parallelen zu seiner Art und Weise mit westlichen und japanischen Elemente umzugehen, aufweist. Yoichi Sugiyama (geb. 1969): Smoking Prohibited, A Bay Street Ballade (Kinjirareta Kemuri, Wangan-Dori Ballade, 2015) Der aus Tokio stammende Yoichi Sugiyama studierte ab 1995 in Italien und lebt seitdem in Mailand. Heute unterrichtet

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Sugiyama neben seiner Tätigkeit als Dirigent und seiner kreativen Arbeit auch Studenten an der Städtischen Musikschule Claudio Abbado in Mailand. Seine Stücke, die durch ausgeklügelte Klanglandschaften eindeutige Botschaften an die heutige Gesellschaft enthalten, wurden in den letzten Jahren zunehmend gefeiert. Er ist Preisträger des zweiten Toshi Ichiyanagi Contemporary Prize und des New Face Awards für Bildende Künste. Smoking Prohibited, A Bay Street Ballade (Kinjirareta Kemuri (Wangan-Dori no Ballade) ist ein Stück für Solo-Baritonsaxophon, das bei Oishi im Januar 2016 in Auftrag gegeben und uraufgeführt wurde. Dieses Stück wurde nach dem Tod von Eric Garner komponiert, der 2014 in den Vereinigten Staaten durch den Würgegriff eines Polizisten ums Leben kam. Um seine Gefühle über den rassistisch motivierten Vorfall zum Ausdruck zu bringen, verwendet Sugiyama ein afroamerikanisches Spiritual, Lay This Body Down, das während der Zeit des Bürgerkriegs häufig gesungen worden war: „Oh Friedhof, oh Friedhof. Ich gehe durch diesen Friedhof. Lege diesen Körper nieder. Ich kenne das Mondlicht. Ich kenne das Sternenlicht. Ich gehe durch das Sternenlicht. Lege diesen Körper nieder“.

Nach und nach entwickeln sich Trauergefühle über Garners Tod zu explosiven Protesten gegen diese Ungerechtigkeit. Ichiro Nodaira (geb. 1953): Solitaire (Hitori Bocchi, 2013) In Tokio geboren, verbrachte Ichiro Nodaira nach seinem Abschluss am Conservatoire de Paris acht Jahre als Pianist beim Ensemble l’Itinéraire. Er arbeitet hauptsächlich mit Orchestern, Ensembles und anderen Musikern aus Japan und Europa zusammen. Nodaira hat auch mehrere Stücke für Claude Delangle komponiert, mit dem Oishi in Frankreich studiert hatte. Er komponierte sechs verschiedene Instrumental-Werke, darunter für Saxophon. Solitaire (Hitori Bocchi) ist ein kleines Stück von nur etwa zwei Minuten. Nodaira verwendet einen Solopart aus seinem Konzert Mesh Patterns (Amime Moyo) aus dem Jahr 2013 für Saxophon und Kammerorchester, das erstmals bei einem Konzert mit dem Titel TransMusic in der Suntory Foundation for Arts aufgeführt wurde. Alte Weisen scheinen durch sanfte Melodien des Altsaxophons heraufbeschworen zu werden. Miyuki Shiraishi

Autor des Textes Miyuki Shiraishi (Übers. Antonio Gómez Schneekloth) / Odradek Records, LLC ist im Besitz einer Creative Commons-Namensnennung-Keine Bearbeitungen-4.0 Internationalen Lizenz. Genehmigungen, die über den Geltungsrahmen dieser Lizenz hinausgehen, kann man bei www.odradek-records.com erhalten.

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Ich bin in Japan geboren und aufgewachsen, habe im Alter von fünf Jahren angefangen Klavier zu spielen und begann mit 12 Jahren mit dem Saxophon, als ich der High School Brass Band beitrat. Ich war fasziniert von diesem glitzernden Instrument mit seiner schön geschwungenen Form und dem komplizierten und coolen Klappen-System, und ich beschloss, dieses Instrument zu erlernen. Als naiver 12-jähriger Junge, der sich dieses relativ „neue“ - von Adolphe Sax in den 1840er Jahren erfundene - Instrument erwählte, ahnte ich damals nicht, dass ich mich damit für eine Zukunft als Interpret zeitgenössischer Musik entschieden hatte 1995 ging ich an die Tokyo University of the Arts und machte mein Master Degree bei Nobuya Sugawa. 2001 zog ich nach Paris, um bei Claude Delangle am Conservatoire National Supérieur de Musique zu studieren. Dort studierte ich Saxophon und klassische Musik sowie Avantgarde- und zeitgenössische Musik. Ich erlebte den Prozess der „Modernisierung der Tradition“, einschließlich der Zusammenarbeit mit Kompositions-Studenten und anderen Interpreten am IRCAM. Ich habe auch bei Alain Savouret und Alexandros Markeas bei Improvisation Generative studiert (CNSMDP). Dort lernte ich Musik als eine Ausdrucksform kennen, die eng mit mir selbst und mit anderen Künsten in Verbindung steht. Ich habe ein Duo mit der Tänzerin Ippei Hosaka entwickelt. Wir waren zum Tanzfest 2008, einem Tanzfestival von Pina Bausch eingeladen. Ich studierte bei Lazro Hadady Kammermusik und spielte als Mitglied von dem Saxophon-Quartett OSMOSE in ganz Europa. 2008 kehrte ich nach Japan zurück und habe eine enge Beziehung sowohl zu ausländischen als auch zu japanischen Komponisten aufgebaut, die in und außerhalb Japans tätig sind, einschließlich Kenji Sakai, mit dem ich seit den Tagen des Konservatoriums in Paris zusammenarbeite; ebenso mit Dai Fujikura, dem gefeierten Komponisten aus Großbritannien, mit dem Komponisten und Dirigenten Yoichi Sugiyama und mit Toshio Hosokawa, Art Director des Takefu International Music Festivals, zu dem ich seit 2013 eingeladen werde. Ich habe mehrere neue Saxophon-Werke uraufgeführt. Ich habe 2013 das Projekt Tokyo Gen’on gegründet, das Saxophon, Tuba, Percussion, Piano und Elektronik umfasst. Dieses einzigartige Ensemble wurde zu zahlreichen Uraufführungen eingeladen und wurde beim 13. Keizo Saji Preis der Suntory Foundation of Arts ausgezeichnet. Ich unterrichte an der Tokyo University of the Arts, am Senzoku Gakuen College of Music und am Toho College of Music. Ich entwerfe Projekte an der Fakultät für Komposition der Tokyo University of the Arts, und am Senzoku Gakuen College of Music halte ich Vorträge über zeitgenössische Musik. Basierend auf meiner Überzeugung, dass Musik eine Lebenserfahrung ist, sind internationale Konzertauftritte und Meisterkurse für mich essentiell. Ich gebe Konzerte in Europa einschließlich Frankreich, Großbritannien und Italien sowie in Asien und Afrika. Masanori Oishi

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Recorded at Studio Odradek 27th February - 2nd March 2018 Producer: John Clement Anderson Sound Engineers: Sumihisa Arima and Marcello Malatesta Editing: Marcello Malatesta Mixing and Mastering: Dai Fujikura (track 4 mix) and Thomas Vigntrinier (Sequenza Studio, Paris) Special thanks to Hiroko Sato, Emiko Shinki, Stéphane Kébé.

www.m-oishi.com www.odradek-records.com Photos: Tommaso Tuzj Art Director: Shin Yu Chen Executive Producer: Enrique Valverde Tenreiro

Translations: Rozetta Corp. (English) Yannick Muet (French) & Antonio Gómez Schneekloth (German) Booklet in English. 日本の小冊子. Livret en français. Booklet auf Deutsch