1 1
Johann Sebastian Bach Violin Sonata No. 3 in C Major, BWV 1005 01 02 03 04
I. Adagio II. Fuga III. Largo IV. Allegro assai
04’07 09’36 03’29 04’53
Paul Hindemith Sonata for Solo Viola, Op. 11, No. 5 05 06 07 08
I. Lebhaft, aber nicht geeilt II. Mäßig schnell, mit viel Wärme vortragen III. Scherzo: Schnell V. In Form und Zeitmass einer Passacaglia: Das Thema sehr gehalten
02’51 04’52 03’11 08’27
2 2
György Ligeti Sonata for Solo Viola 09 10 11 12 13 14
I. Hora lungă II. Loop III. Facsar IV. Prestissimo con sordino V. Lamento VI. Chaconne chromatique
04’44 02’22 06’04 01’42 03’21 03’35 TT 63’21
Jesus Rodolfo viola
3 3
ENG “Once upon a time, in a hidden part of France, a handsome young prince lived in a beautiful castle. Although he had everything his heart desired, the prince was selfish and unkind. He demanded that the village fill his castle with the most beautiful objects, and his parties with the most beautiful people…” The magical music that accompanied the story of Beauty and the Beast was what aroused in me, aged 4, the love of music. From that moment, my life events had a soundtrack that would shift like a kaleidoscope. Nearly 30 years later, it feels like looking through the glass of that kaleidoscope again, and a new soundtrack plays in my head describing each of the three decades of my life. Just as it is when we go for a walk, Bach’s Adagio from his Solo Violin Sonata No. 3 builds, step by step, towards noble and divine harmonies. Like any prince, my childhood was spent chasing my dreams; in my case, learning the works of Bach, as well as conveying the beautiful message of faith through music. At this time of life, creativity is limitless, bold and innocent, and this sonata not only communicates that spirit but also delivers a message of hope for the future. Paul Hindemith was Germany’s “enfant fatale”, and although very conservatively rooted in Baroque techniques of composition, he strove for the more modern and avant-garde. When this Sonata for Solo Viola, Op. 11, No. 5 was written, Hindemith was undergoing his final and definite transition to becoming a fully-fledged viola player, establishing himself as the most famous violist and composer for viola in music history. In a similar way, my teens were a period of blossoming creatively, musically and personally. I felt like a warrior defending my identity and developing who I envisioned I wanted to be. My 20s were a time of extremes at every level: the biggest challenges and most fulfilling accomplishments. Ligeti’s Viola Sonata is also a work of extremes, renowned as the hardest solo sonata ever written for the instrument, encapsulating his compositional techniques in just one piece. And so, when I least expected it, the transformation happened. These experiences coalesced and, all of a sudden, I realised I was an adult. I am nothing but the result of what has been learned during those different phases of my life, paired with the beautiful dreams, experiences and wishes that brought about the metamorphosis of these reminiscences, producing who I am today, as an individual and as a musician. Jesus Rodolfo 4 4
J.S. Bach may have begun work on his set of six solo violin sonatas and partitas, Sei Solo á Violino senza Basso accompagnato, BWV 1001-1006, as early as 1703, while still in Weimar. He was probably at least partly influenced by Johann Paul von Westhoff’s solo violin partitas of 1696, the first volume of its kind. Bach had finished the set by around 1720, by which time he had settled in Cöthen and his first wife, Maria Barbara Bach, had died. It is possible that Bach wrote at least some of this music as a tribute to Maria. Bach’s second wife, Anna Magdalena, prepared fair copies of many of his works, including BWV 1001-6. The third of these sonatas demands a particular level of comprehension and understanding of the instrument’s technical capacity – as well as nerves of steel – for the performer fully to grasp the work and to perform it successfully. Almost beyond the bounds of human reach, this sonata would be challenging even on a polyphonic instrument like the harpsichord, let alone on a solo stringed instrument such as violin or viola. The sense of divinity which unfolds in this sonata has given it a special status even amongst this extraordinary set. The Violin Sonata, BWV 1005 is structured in four movements: Adagio – Fuga (alla breve) – Largo – Allegro Assai. The meditative first movement eschews
the improvisatory quality that characterises the other movements, instead building up harmonically from a constant rhythmical pulse which creates the sense of a polyphonic wave, supporting a melody without ornamentation. This harmonic movement never impedes the fluidity and lyricism of the melody. The Fuga is conceived as a Baroque concerto fugue, based on an antiphon for Pentecost, Komm, heiliger Geist (Veni Sancte Spiritus), its structure punctuated by cadenza-like passages. Amongst the largest fugues in the musical canon, and at over 350 bars the longest ever written by Bach, this fugue has three unique characteristics. Firstly, it includes particles from the other two fugues in the set – from the Sonatas Nos. 1 and 2 – as well as from the famous Ciaccona of the second Partita, BWV 1004. Next, its subject is written “al reverso” or upside down, and is taken from the Lutheran chorale Komm, heiliger Geist, which Bach used in several contexts. Finally, we have a ‘recapitulation’ which is identical to the ‘exposition’ that opens this movement. This could be regarded as an anticipation of what will become Sonata form during the Classical period. The Largo has a declamatory, almost improvisatory quality. The motion of the melody, as well as the phrasing and definition, are more important than the tempo indication for this movement; the expression 6 6
flows organically from the material rather than from external parameters. The Allegro assai which closes this sonata has essentially the same form as those ending the other two sonatas in the set, and includes ‘bariolage’, when a melody encircles a constantly repeated note. Paul Hindemith’s Sonata for Solo Viola, Op. 11, No. 5 was written in 1919, a period when, as a performer, Hindemith finally transitioned from the violin to the viola. Hindemith grouped together several solo works under the umbrella of his Op. 11 – a very unusual gesture at the time – having begun writing the works in 1918 whilst serving on the Western Front in World War One. His approach to sonority and counterpoint, articulated using a neoclassical musical language, finds parallels with those of J.S. Bach’s Sonatas and Partitas, leavened by a purity, even a romanticism, of spirit. The first movement features a motif of two triads; this idea repeats and is developed during the course of the movement. The second movement is an excellent example of the magical and mystical realm of ethereal harmonies, the weightless slow motion, that characterize Hindemith’s style. The third movement Scherzo conveys a fresh and lively character. The double stops heard during the central section of this movement are extremely challenging for the performer. The
finale is written in form of a passacaglia, with a bass motif which repeats and is treated to many creative variations during the course of the movement, ultimately appearing at the end exactly as it did at the beginning. György Ligeti’s Viola Sonata (1991-1994) is considered perhaps the hardest solo viola work yet written. Inspired by the great German violist Tabea Zimmermann (b. 1966), Ligeti wrote this colossal sonata at the same time as his Violin Concerto and many of his Piano Études. Over the course of its expansive six-movement structure, this work creates a sense of reminiscence, an evocation of something which has gone before, without resorting to pastiche. Ligeti explores all the capacities of the instrument and stretches the skill of the performer throughout the work. The first movement, Hora lungă, draws upon a Romanian folksong of the same name. It is an elegiac melody on the C-string, nostalgic, free and full of melancholy. It bears a striking similarity to the Andalusian Saeta or Cante jondo gipsy folk style. The second movement, Loop, features a motif which repeats and shrinks over the course of the whole movement. There is always an open string in the two-note chords, which forces the performer to execute position changes of 7 7
dangerous virtuosity as it gets faster. It is supposed to be played with ‘swing’ – in other words, in a jazz style. Loop was premiered independently by Garth Knox (the Arditti Quartet’s violist at the time). Facsar may be translated from Hungarian to English as ‘to wrestle’ or ‘to distort’. Ligeti toys with tonality in this movement, in which there is a constant idea that evolves and repeats in double stops. The fourth movement, Prestissimo con sordino, is a perpetuum mobile reminiscent of Ligeti’s Continuum for harpsichord, with polyrhythmic writing creating apparently illusory melodic fragments. Facsar was
also premiered separately, by Jürg Dahler in 1993. The fifth movement, Lamento, possesses two voices which constantly move in parallel motion, in intervals of seconds or sevenths. The harmonics in the second part are particularly challenging to execute. The last movement, Chaconne chromatique, does not make any obvious allusion to Bach’s monumental Chaconne from the Second Partita, but it has the characteristic recurring bass-line acting as a constant presence throughout the movement. Jesus Rodolfo with Joanna Wyld
Text by Jesus Rodolfo with Joanna Wyld / Odradek Records, LLC is licensed under a Creative Commons Attribution-NoDerivatives 4.0 International License. Permissions beyond the scope of this license may be available at www.odradek-records.com.
8 8
Spanish violist Jesus Rodolfo combines the spontaneity and fearless imagination of youth with the discipline and precision of a mature artist. The New York Times, Digest declared: “... Jesus Rodolfo is a star whose light transcends the stage” and his authority over the most complex technical demands of the repertoire, as well as the depth of his musical insight, mark him out as amongst the top young musicians in the world. Rodolfo made his solo debut aged 12 in the Auditorio Príncipe Felipe of Oviedo, Spain. After joining the Gustav Mahler Jugendorchester in 2008, Rodolfo became its Principal Violist and Soloist in 2010. He has given criticallyacclaimed performances with orchestras including the Mannes Orchestra, Bratislava Chamber Orchestra, León Symphony Orchestra “Odón Alonso”, Youth Asturias Symphony, Gijón Simphony, Yale Philharmonia, under conductors including Claudio Abbado, David Afkham, David Hayes, Antonio Pappano, Herbert Blomstedt, Ingo Metzmacher, Marzio Conti, Dorel Murgu, Jean Stanienda, Shink Han, Óliver Díaz, and has appeared in major concert halls throughout Europe, China and the US. He has also won numerous international competitions and awards. Jesus began his studies at the age of seven with Wieslaw Rekucki Krupa before studying at the Conservatorio Superior de Música “Eduardo Martínez Torner” in Oviedo, graduating with the prestigious Honorary Diploma. He then studied at Yale, the Juilliard, Mannes College of Music, Manhattan School of Music and Stony Brook University, from where he has graduated with his Doctoral Music Arts Degree. His mentors are Paul Neubauer, Lawrence Dutton and Nicholas Cords. Jesus has given recitals all over the world, including Carnegie Hall and the Lincoln Center in New York. He is frequently guest artist at International Music Festivals such as Music@Menlo, Bowdoin, Málaga Clásica, the Bach Festival, Chelsea Music Festival and Lucerne Festival. He is regularly invited as Guest Principal Viola of the Orquesta Nacional de España.
9 9
10 10
ESP “Érase una vez, en el corazón de Francia, un joven y apuesto príncipe que vivía en un hermoso castillo. Aunque tenía todo lo que deseaba su corazón, el príncipe era egoísta y arrogante. Cobraba al pueblo para llenar su castillo con los objetos más hermosos y sus fiestas con la gente más hermosa…” La música mágica que acompaña este verso de La Bella y la Bestia fue la que despertó, cuando tenía tan solo cuatro años, mi amor por la música. Desde entonces, todos los momentos de mi vida han estado acompañados de una banda sonora, que cambiaría de un momento a otro de manera caleidoscópica. Unos 30 años más tarde, siento que de nuevo vuelvo a mirar a través del cristal de ese caleidoscopio, y una nueva banda sonora resuena en mi mente describiendo cada una de estas tres décadas de mi vida. Como cuando vamos a dar un paseo, el Adagio de la Sonata para violín solo nº 3 de Bach construye, paso a paso, las nobles e innovadoras armonías divinas de este movimiento. Como cualquier príncipe, mi infancia consistió en perseguir mis sueños, que en mi caso fueron aprender las obras de Bach y transmitir su bello mensaje de fe a través de la música. En ese momento de la vida la creatividad no tiene límite, es audaz e inocente al mismo tiempo, y esta sonata no solamente transmite este espíritu sino también un mensaje de esperanza en el futuro. Paul Hindemith fue el enfant fatale de Alemania, y aún siendo muy conservador con técnicas compositivas firmemente enraizadas en el Barroco, él mismo se dirigió hacia lo más moderno y vanguardista. Cuando escribió su Sonata para viola sola, op.11, nº 5, Paul Hindemith estaba experimentando su transición definitiva para convertirse en un violista hecho y derecho, convirtiéndose en el violista y compositor para viola más famoso de la Historia de la Música. De manera similar, mi adolescencia fue un momento de florecimiento creativo, musical y personal. Me sentía como un guerrero defendiendo mi propia identidad y construyendo a quien yo intuía y quería ser. Mis veinte fueron un momento de extremos opuestos a todos los niveles: los retos más difíciles y los logros más gratificantes. La Sonata para viola sola de Ligeti también es una obra de extremos, es conocida como la obra más difícil jamás escrita para este instrumento, y aglutina todas sus técnicas compositivas. Y justo cuando menos lo esperaba, llegó la transformación. Todas estas experiencias se fusionaron, y de repente me di cuenta de que era un adulto. No soy sino el resultado de lo que he aprendido en esas distintas fases de mi vida junto con los maravillosos sueños, experiencias y deseos que generaron la metamorfosis de estas reminiscencias, produciendo lo que soy hoy, como individuo y como músico. Jesús Rodolfo 11 11
J.S. Bach pudo haber comenzado a trabajar en el conjunto de las seis Sonatas y partitas para violín solo, Sei Solo á Violino senza Basso accompagnato, BWV 1001-1006, ya en 1703 en su etapa de Weimar. Probablemente estuvo influido parcialmente por las partitas para violín solo de Johann Paul von Westhoff de 1696, las primeras de esta categoría. Bach terminó estas obras cerca de 1720, ya establecido en Cöthen y tras morir su primera mujer, Maria Barbara, así que es posible que escribiera alguna de ellas en su memoria. Su segunda mujer, Anna Magdalena, realizó varias copias de las obras de Bach desde los manuscritos, incluyendo las BWV 1001-6. La tercera de estas sonatas requiere un particular nivel de comprensión y entendimiento de las capacidades técnicas del instrumento –así como nervios de acero– para que el intérprete pueda hacerse con la obra y tocarla con éxito. Casi al límite del alcance humano, esta sonata sería un reto incluso en un instrumento polifónico como un clave, y más aún en uno de cuerda como el violín o la viola. El aura de divinidad que se despliega en esta sonata le ha conferido un puesto especial incluso en el conjunto de obras a la que pertenece. La Sonata para violín solo, BWV 1005 está estructurada en cuatro movimientos: Adagio – Fuga (alla breve) – Largo – Allegro Assai. El meditativo
primer movimiento evita esa improvisación que caracteriza otros movimientos, construyéndose armónicamente desde un pulso rítmico constante, como una onda polifónica, apoyando la melodía sin ornamentos, con un movimiento armónico que no impide nunca la fluidez y el lirismo de la melodía. La fuga está concebida como un concierto barroco, basada en la antífona de Pentecostés Komm, heiliger Geist (Veni Sancte Spiritus) y con una estructura articulada con pasajes en estilo de cadenza. Una de las fugas canónicas más largas, con más de 350 compases, es la más larga escrita por Bach, y tiene tres características únicas. Primero, incluye partes de las otras dos fugas de las Sonatas y partitas (de la nº 1 y de la nº 2), así como de la famosa Chacona de la Segunda partita, BWV 1004. Además, su sujeto está escrito ‘al reverso’, o invertido, y está tomado del coral luterano Komm, heiliger Geist, que Bach usó en diversos contextos. Finalmente, tiene una recapitulación que es idéntica a la exposición que abre el movimiento, lo que podría incluso considerarse como una anticipación de lo que será la forma Sonata del período Clásico. El Largo tiene un aire declamado, casi improvisado. El movimiento de la melodía, así como su fraseo y definición, son más importantes que la indicación de tempo de esta sección, con una expresión que fluye orgánicamente del material más que de parámetros 12 12
externos. El Allegro assai que cierra esta sonata tiene básicamente la misma forma que los finales de las otras dos sonatas de esta colección, incluyendo bariolage, es decir, un diseño melódico que ‘circula’ alrededor de una sucesión de notas repetidas. La Sonata para viola sola, op. 11, nº 5 de Paul Hindemith fue escrita en 1919, un período en el que como intérprete Hindemith pasó del violín a la viola. En su op. 11 agrupó varias obras a solo, algo inusual en aquella época, habiéndolas comenzado a escribir en 1918 mientras servía en el Frente Occidental en la Primera Guerra Mundial. Su acercamiento a la sonoridad y al contrapunto, articulado usando un lenguaje musical neoclásico, encuentra parangón en el de J.S. Bach y sus Sonatas y partitas, impregnado de una pureza –incluso romanticismo– de espíritu. El primer movimiento contiene un motivo de dos tríadas, una idea que se repite y se desarrolla a lo largo de esta sección. El segundo movimiento es un ejemplo excelente del reino mágico y místico de las armonías etéreas, la leve cámara lenta que caracteriza el estilo de Hindemith. El Scherzo muestra un carácter fresco y vivo, y las dobles cuerdas que se oyen en la sección central de este movimiento son de una dificultad extrema para el intérprete. El Finale está escrito en forma de passacaglia, con un motivo en el bajo que se repite en numerosas ocasiones
con creativas variaciones a lo largo del movimiento, apareciendo al final exactamente igual que al principio. La Sonata para viola de György Ligeti (1991/94) es quizá la obra más difícil para viola sola jamás escrita. Inspirada por la gran violista Tabea Zimmermann (1966), Ligeti escribió esta colosal sonata a la vez que su Concierto para violín y muchos de sus estudios para piano. A lo largo de una estructura expansiva en seis movimientos, esta obra recrea un sentimiento de reminiscencia, evoca algo que ha pasado ya pero sin caer en el popurrí. Ligeti explora todas las capacidades del instrumento y la habilidad del intérprete durante la totalidad de la obra. El primer movimiento, Hora lungă, recurre a una canción popular rumana del mismo nombre. Es una melodía elegíaca en la cuerda de do, nostálgica, libre y llena de melancolía, con una curiosa similaridad con la saeta andaluza o el cante jondo popular gitano. El segundo movimiento, Loop (bucle), utiliza un motivo que se repite y se va encogiendo a lo largo del movimiento. Los acordes de dos notas siempre tienen una cuerda al aire, lo que hace que el intérprete tenga que cambiar de posición de manera ‘peligrosamente virtuosística’ a medida que acelera. Se da por hecho que este movimiento ha de tener ‘swing’, al estilo del Jazz. Loop fue estrenado como obra independiente por Garth Knox, el 13 13
violista del Cuarteto Arditti en aquel momento. Facsar se puede traducir del húngaro como ‘luchar’ o ‘distorsionar’. Ligeti juega con la tonalidad en este movimiento, en el que hay una idea constante que evoluciona y se repite en dobles cuerdas. El cuarto movimiento, prestissimo con sordino, es un perpetuum mobile que recuerda a Continuum para clave, de Ligeti, con una escritura polirrítmica que crea fragmentos melódicos aparentemente ilusorios. Facsar fue también estrenado independientemente por Jürg Dahler en 1993. El quinto movimiento, Lamento,
consta de dos voces que se mueven constantemente en movimiento paralelo en intervalos de segundas o séptimas, con unos armónicos de la segunda parte que son particularmente difíciles de ejecutar. El último movimiento, Chaconne chromatique, no hace una alusión particular a la monumental Chacona de la Segunda partita, pero sí que tiene la característica línea de bajo que actúa como una presencia constante durante todo el movimiento. Jesús Rodolfo con Joanna Wyld
Texto de Jesús Rodolfo con Joanna Wyld / Odradek Records, LLC bajo una licencia internacional de Creative Commons Attribution-NoDerivatives 4.0. Permisos más allá del ámbito de esta licencia pueden solicitarse a través de www.odradek-records.com
14 14
El violista español Jesús Rodolfo combina la espontaneidad y la imaginación intrépida de la juventud con la disciplina y precisión de un artista maduro. El periódico The New York Times Digest declaró “[...] Jesús Rodolfo es una estrella cuya luz trasciende el escenario”, y su autoridad sobre las más complejas cuestiones técnicas del repertorio, así como la profundidad de su inteligencia musical, hacen de él uno de los jóvenes artistas más importantes del momento. Rodolfo debutó a los doce años en el Auditorio Príncipe Felipe de Oviedo (España). Tras entrar a formar parte de la Gustav Mahler Jugendorchester en 2008, se convirtió en su Viola Principal y Solista en 2010. Ha actuado con gran elogio de la crítica junto a orquestas como la Mannes Orchestra, Bratislava Chamber Orchestra, Sinfónica de León “Odón Alonso”, Joven Orquesta del Principado de Asturias, Sinfónica de Gijón, Yale Philharmonia y Orquesta Nacional de España con directores como Claudio Abbado, David Afkham, David Hayes, Antonio Pappano, Herbert Blomstedt, Ingo Metzmacher, Marzio Conti, Dorel Murgu, Jean Stanienda, Shink Han y Óliver Díaz. Ha actuado en los principales auditorios en Europa, China y los EEUU, y ha ganado varios concursos y galardones internacionales. Comenzó sus estudios musicales a los siete años con Wieslaw Rekucki Krupa antes de entrar al Conservatorio Superior de Música “Eduardo Martínez Torner” de Oviedo, donde se graduó con el Premio Fin de Carrera. Más tarde estudió en Yale, Juilliard, Mannes College of Music, Manhattan School of Music y Stony Brook University, en donde se ha graduado con su Doctoral Music Arts Degree. Sus mentores son Paul Neubauer, Lawrence Dutton y Nicholas Cords. Jesús ha dado recitales por todo el mundo, incluyendo el Carnegie Hall y el Lincoln Center de New York. Es invitado frecuentemente a festivales internacionales como el Music@Menlo, Bowdoin, Málaga Clásica, el Bach Festival, el Chelsea Music Festival y el Festival de Lucerna, y a la Orquesta Nacional de España como Principal Viola invitado.
15 15
16 16
DEU „Es war einmal ein hübscher junger Prinz, der in einem entlegenen Teil Frankreichs ein wunderschönen Schloss bewohnte. Obwohl er alles hatte, was sein Herz begehrte, war der Prinz selbstsüchtig und grausam. Er verlangte, dass das Dorf seine Burg mit den edelsten Objekten und seine Feste mit den schönsten Menschen versorgte...“ Die zauberhafte Musik aus dem Märchen Die Schöne und das Biest war es, die meine Liebe zur Musik weckte, als ich vier Jahre alt war. Von diesem Moment an wurde mein Leben von einer Art Soundtrack begleitet, der sich wie ein Kaleidoskop veränderte. Fast 30 Jahre später habe ich noch das Gefühl, als würde ich wieder durch dieses Kaleidoskop schauen; eine neue Filmmusik erklingt in meinem Kopf und beschreibt jedes der drei Jahrzehnte meines Lebens. Wie bei einem Spaziergang, Schritt für Schritt, baut Bachs Adagio in seiner Sonate Nr. 3 für Violine solo edle und göttliche Harmonien auf. Wie bei jedem Prinzen war meine Kindheit mit Träumen angefüllt; in meinem Fall damit, die Werke von Bach zu studieren sowie die schöne Botschaft des Glaubens durch die Musik zu erfahren. In dieser Zeit des Lebens ist die Kreativität grenzenlos, kühn und unbelastet. Die Sonate übermittelt nicht nur diesen Geist, sondern ist auch eine Botschaft der Hoffnung für die Zukunft. Paul Hindemith war Deutschlands „enfant terrible“, und obwohl er sehr konservativ in barocken Kompositionstechniken verwurzelt war, strebte er nach Modernität und Avantgarde. Als die Sonate für Viola solo, Op. 11, Nr. 5 geschrieben wurde, erlebte Hindemith seinen endgültigen und definitiven Durchbruch zum anerkannten Viola-Interpreten und etablierte sich als der berühmteste Bratschist und Komponist für Viola in der Musikgeschichte. In ähnlicher Weise war meine Jugend eine kreative Blütezeit, sowohl in musikalischer als auch in persönlicher Hinsicht. Ich fühlte mich wie ein Krieger, entwickelte und verteidigte meine Identität und versuchte der zu sein, der ich sein wollte. Meine 20er Jahre waren eine Zeit der Extreme auf allen Ebenen: Größte Herausforderungen und deren befriedigende Verwirklichung. Ligetis Viola-Sonate ist auch ein Werk der Extreme, bekannt als die schwierigste Solosonate, die jemals für dieses Instrument geschrieben wurde und die all seine kompositorischen Techniken in nur einem Stück vereint. Und als ich es am wenigsten erwartete, geschah die Verwandlung. Diese Erkenntnisse verschmolzen miteinander, und plötzlich wurde mir klar, dass ich erwachsen war. Ich bin nichts anderes als das Ergebnis dessen, was ich in den verschiedenen Phasen meines Lebens gelernt habe, gepaart mit den schönen Träumen, Erfahrungen und Wünschen, die die Metamorphose dieser Erinnerungen hervorgebracht und mich geprägt haben als das Individuum und den Musiker, der ich heute bin. Jesus Rodolfo 17 17
J.S. Bach hatte vielleicht schon 1703 in Weimar begonnen, an seinem Satz von sechs Soloviolinsonaten und Partitas (Sei Solo à Violino senza Basso accompagnato, BWV 1001-1006) zu arbeiten. Er war wahrscheinlich zumindest teilweise von Johann Paul von Westhoffs Partiten für Violine solo von 1696, der ersten Veröffentlichung ihrer Art, beeinflusst. Bach hatte die Sammlung um 1720 fertiggestellt. Zu der Zeit lieβ er sich in Köthen nieder; seine erste Frau, Maria Barbara Bach, war verstorben. Es ist möglich, dass Bach zumindest einen Teil dieser Musik als eine Hommage an Maria schrieb. Bachs zweite Frau, Anna Magdalena, fertigte von vielen seiner Werke Kopien an, darunter auch BWV 1001-6. Die dritte dieser Sonaten erfordert ein besonderes Maß an Verständnis für die technischen Möglichkeiten des Instruments – sowie eiserne Nerven –, damit der Interpret das Stück vollständig erfassen und erfolgreich spielen kann. Diese Sonate wäre selbst für ein polyphones Instrument wie das Cembalo, und wieviel mehr noch für ein Saiteninstrument wie Violine oder Viola, eine Herausforderung. Das Gefühl der Göttlichkeit, das sich in dieser Sonate einstellt, hat ihr sogar in dieser außergewöhnlichen Bearbeitung einen besonderen Stellenwert gegeben. Die Violinsonate, BWV 1005 ist in vier Sätze gegliedert: Adagio - Fuga (alla breve) - Largo -
Allegro Assai. Der meditative erste Satz verzichtet auf die improvisatorischen Feinheiten, die die anderen Sätze auszeichnen, baut sich aber harmonisch aus einem konstanten rhythmischen Puls auf, der den Eindruck einer polyphonen Welle erzeugt und eine Melodie ohne Verzierungen unterstützt. Diese harmonische Bewegung verhindert jedoch keineswegs die Fluidität und Lyrik der Melodie. Die Fuga ist als barocke Konzertfuge konzipiert, basierend auf dem Wechselgesang für die Pfingstzeit Komm, heiliger Geist (Veni Sancte Spiritus), deren Struktur von kadenzartigen Passagen durchsetzt ist. Unter den größten Fugen des musikalischen Kanons und mit über 350 Takten – die längste, die jemals von Bach geschrieben wurde – besitzt diese Fuge drei besondere Eigenschaften. Zum einen enthält sie Elemente aus den anderen beiden Fugen der Sammlung – Sonaten Nr. 1 und 2 – sowie aus der berühmten Chaconne der zweiten Partita, BWV 1004. Zum anderen wird das Thema „al reverso“ oder „umgekehrt“ geschrieben und rührt von dem lutherischen Choral Komm, Heiliger Geist her, den Bach bei verschiedenen Gelegenheiten verwendete. Schließlich haben wir eine „Rekapitulation“, die mit der „Exposition“ identisch ist, die diesen Satz eröffnet. Dies könnte als eine Vorwegnahme dessen angesehen werden, 18 18
was in der Klassik zur Sonatenform werden wird. Das Largo hat einen deklamatorischen, fast improvisatorischen Charakter. Die Bewegung der Melodie sowie die Phrasierung sind wichtiger als die Tempoangabe für diesen Satz. Der Ausdruck entwickelt sich organisch aus dem Material und nicht aus externen Parametern. Das Allegro assai, das diese Sonate abschließt, besitzt im Wesentlichen die gleiche Form wie der Schlussteil der anderen beiden Sonaten und darin erscheint die Bariolage-Technik, sobald eine Melodie einen ständig wiederholten Ton umkreist. Paul Hindemiths Sonate für Viola solo, Op. 11, No. 5 entstand 1919, als er endgültig als Interpret von der Geige zur Viola wechselte. Hindemith fasste mehrere Solowerke unter seinem Op. 11 zusammen – eine sehr ungewöhnliche Geste zu jener Zeit. Er hatte mit der Niederschrift dieser Werke im Jahr 1918 begonnen, als er im Ersten Weltkrieg an der Westfront diente. Sein Herangehen an Klangfülle und Kontrapunkt, deutlich gemacht durch die Verwendung einer neoklassischen musikalischen Sprache, findet Parallelen zu J.S. Bachs Sonaten und Partiten und ist durchdrungen von einer Reinheit, ja sogar Romantik des Geistes. Der erste Satz enthält ein Motiv von zwei Dreiklängen; diese Idee wiederholt sich und wird im Laufe des Satzes weiterentwickelt. Der zweite Satz ist ein hervorragendes Beispiel für die magische und
mystische Wiederaufnahme ätherischer Harmonien, der schwerelosen Verlangsamung, die Hindemiths Stil auszeichnen. Der dritte Satz, Scherzo, vermittelt einen frischen und lebendigen Charakter. Die Doppelgriffe, die während des zentralen Abschnitts dieses Satzes zu hören sind, stellen eine extreme Herausforderung für den Interpreten dar. Das Finale ist in Form einer Passacaglia geschrieben mit einem sich wiederholenden Bassmotiv, das im Laufe des Satzes zu vielen einfallsreichen Variationen verarbeitet wird und schließlich genau wie der Anfang endet. György Ligetis Sonate für Viola (1991-1994) gilt als das vielleicht anspruchsvollste für Solobratsche geschriebene Werk. Inspiriert von der großen deutschen Bratschistin Tabea Zimmermann (geb. 1966) schrieb Ligeti diese großartige Sonate zeitgleich mit seinem Violinkonzert sowie vielen seiner KlavierEtüden. Im Verlauf der raumgreifenden sechssätzigen Struktur verschafft dieses Werk ein Gefühl der Reminiszenz, eine Heraufbeschwörung von etwas Vorhergegangenem, ohne dabei auf den Pastiche zurückzugreifen. Ligeti erkundet alle Möglichkeiten des Instruments und fordert dem Interpreten während des gesamten Werkes das Äußerste ab. Der erste Satz, Hora lungă, greift auf ein gleichnamiges rumänisches Volkslied zurück. Es ist eine elegische Melodie auf der C-Saite, nostalgisch, ungebunden 19 19
und voller Melancholie. Sie weist eine frappierende Ähnlichkeit mit dem Zigeuner-Stil der andalusischen Saeta oder des Cante Jondo auf. Der zweite Satz, Loop, basiert auf einem Motiv, das sich während des gesamten Verlaufs wiederholt und dabei schrumpft. Die Doppelgriffe verwenden stets eine leere Saite, die den Interpreten dazu zwingt, Fingersätze von atemberaubender Virtuosität auszuführen, sobald sich das Tempo beschleunigt. Es soll mit „Swing“ gespielt werden – also im Jazz-Stil. Loop wurde unabhängig vom Gesamtwerk von Garth Knox (damals Bratscher des Arditti Quartetts) uraufgeführt. Faksar kann aus dem Ungarischen übersetzt werden mit „ringen“ oder „verzerren“. Ligeti spielt in diesem Satz mit der Tonalität, in der es eine Kernidee gibt, die sich in Doppelsaiten entwickelt und wiederholt. Der
vierte Satz, Prestissimo con Sordino, ist ein perpetuum mobile, das an Ligetis Continuum für Cembalo erinnert, wobei die polyrhythmische Schreibweise scheinbar illusorische melodische Fragmente erzeugt. Faksar wurde 1993 von Jürg Dahler ebenfalls separat uraufgeführt. Der fünfte Satz, Lamento, besteht aus zwei Stimmen, die sich in Intervallen von Sekunden oder Septimen ständig parallel bewegen. Die Flageoletttöne im zweiten Teil sind besonders schwierig. Der letzte Satz, Chaconne Chromatique, macht zwar keine deutliche Anspielung auf Bachs monumentale Chaconne aus der Partita Nr. 2, weist aber die charakteristische wiederkehrende Basslinie als ständige Konstante auf. Jesus Rodolfo mit Joanna Wyld
Autor des Textes Jesus Rodolfo mit Joanna Wyld (Übers. Antonio Gómez Schneekloth) / Odradek Records, LLC ist im Besitz einer Creative Commons-Namensnennung-Keine Bearbeitungen-4.0 Internationalen Lizenz. Genehmigungen, die über den Geltungsrahmen dieser Lizenz hinausgehen, kann man bei www.odradek-records. com erhalten.
20 20
Der spanische Bratschist Jesus Rodolfo verbindet Spontaneität und die unerschrockene Phantasie der Jugend mit der Disziplin und Präzision eines reifen Künstlers. Die New York Times Digest schrieb: „...Jesus Rodolfo ist ein Star, dessen Licht die Bühne überstrahlt“, und seine Meisterschaft über die komplexesten technischen Anforderungen des Repertoires sowie die Tiefe seines musikalischen Einfühlungsvermögens zeichnen ihn als einen der weltweit besten jungen Musiker aus. Jesus Rodolfo gab sein Solo-Debüt im Alter von 12 Jahren im Auditorio Príncipe Felipe in Oviedo, Spanien. Nach seinem Eintritt in das Gustav-Mahler-Jugendorchester im Jahr 2008 wurde Rodolfo Solobratscher und 2010 Solist. Er gab von der Kritik gefeierte Auftritte mit Orchestern wie dem Mannes Orchestra, dem Kammerorchester Bratislava, dem Orquesta Sinfónica de León „Odón Alonso“, dem Jugendorchester von Asturias, Sinfónica de Gijón und Yale Philharmonia unter Dirigenten wie Claudio Abbado, David Afkham, David Hayes, Antonio Pappano, Herbert Blomstedt, Ingo Metzmacher, Marzio Conti, Dorel Murgu, Jean Stanienda, Shink Han, Óliver Díaz, und trat in großen Konzerthallen in ganz Europa, China und den USA auf. Er hat auch zahlreiche internationale Wettbewerbe und Auszeichnungen gewonnen. Jesus Rodolfo begann sein Studium im Alter von sieben Jahren bei Wieslaw Rekucki Krupa, bevor er am Conservatorio Superior de Música „Eduardo Martínez Torner“ in Oviedo studierte und mit dem angesehenen Ehrendiplom abschloss. Danach studierte er in Yale, an der Juilliard School, am Mannes College of Music, an der Manhattan School of Music und an der Stony Brook University, wo er seinen Abschluss als Doctoral Music Arts machte. Seine Mentoren sind Paul Neubauer, Lawrence Dutton und Nicholas Cords. Jesus Rodolfo ist auf der ganzen Welt aufgetreten, darunter in der Carnegie Hall und dem Lincoln Center in New York. Er ist häufig Gastkünstler bei internationalen Musikfestivals wie Music@Menlo, Bowdoin, Málaga Clásica, Bach Festival, Chelsea Music Festival und Lucerne Festival, und er wird regelmäßig als Solo-Bratschist des Orquesta Nacional de España eingeladen.
22 22
23 23
d ODRCD367
www.jesusrodolfo.com www.odradek-records.com
Photos: Tommaso Tuzj Video: David Boos Art Director: Shin Yu Chen Executive Producer: Ricardo López
Recorded at Studio Odradek 21-28 March 2018 Producer & Engineer: John Clement Anderson Mixing and Mastering: Thomas Vigntrinier, Sequenza Studio, Paris
Translations: Antonio Gómez Schneekloth (German) Booklet in English. Librete en Español. Booklet auf Deutsch. ℗ & © 2017 Odradek Records, LLC, Lawrence (KS) USA. All rights reserved. Unauthorized copying, hiring, lending, public performance, and broadcasting of this sound recording are strictly prohibited.
24 24