Maija Kovalevska & Liepāja Symphony Orchestra - Majesty

1 1

Liepāja Symphony Orchestra Atvars Lakstīgala CONDUCTOR

Maija Kovalevska SOPRANO

CHRISTOPH WILLIBALD GLUCK (1714-1787) 01 Orfeo ed Euridice: Overture 02 Orfeo ed Euridice: Act III, Scene 1: Aria: ‘Che fiero momento’ (Euridice)

03’18 03’11

WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756-1791) 03 Don Giovanni, K. 527: Act II: Aria: ‘Mi tradì quell’alma ingrata’ (Donna Elvira)

06’13

GIACOMO PUCCINI (1858-1924) La Bohème: Act I: Aria: ‘Sì. Mi chiamano Mimì’ (Mimì) Manon Lescaut: Act II: Intermezzo (orchestral) La Bohème: Act III: Aria: ‘Donde lieta uscì’ (Mimì) Gianni Schicchi: Aria: ‘O mio babbino caro’ (Lauretta) Turandot: Act III, Scene 1: Aria: ‘Tu che di gel sei cinta’ (Liù)

04’47 05’02 03’07 02’18 02’42

JULES MASSENET (1842-1912) 09 Thaïs: Act II, Scene 1: Aria: ‘Dis moi que je suis belle’ (Thaïs)

06’55

PYOTR ILYICH TCHAIKOVSKY (1840-1893) 10 Iolanta, Op. 69: Scene 1a: Arioso: ‘Why haven’t I known this before?’ (Iolanta) 11 Eugene Onegin, Op.24: Act I, Scene 2: Letter Aria: ‘Let me die, but first...’, (Tatyana)

02’34 12’03

04 05 06 07 08

Total Play Time: 52’16

2 2

ENG I am a sea person; I love to be by the sea to recreate myself. It energises me, gives me a feeling of freedom. Music is my profession, but it’s also my hobby. Music for me is like the sea: eternal, infinite and powerful, yet relaxing, freeing.

I was born in Riga, by the Baltic Sea. This is my first solo album, a dream come true. It was recorded in Liepāja, on the west coast of Latvia. During recording sessions I frequently went to the sea for inspiration.

Euridice, Donna Elvira, Mimì, Liù, Thaïs, Lauretta, Iolanta and Tatiana are my favourite operatic heroines. I have performed most of these roles on stages all over the world. I am blessed to be able to live my life onstage, becoming a particular character. These women are strong, devoted to love and to their values. They remain true to themselves even in the most difficult circumstances; they are brave, but also deeply human and universally relatable. This music goes straight to the heart; it is true and profoundly emotional. Gluck, Mozart, Massenet, Puccini and Tchaikovsky all seem to have understood these women’s inner worlds very well, writing for the soprano voice some of the most beautiful music ever composed. This music is still performed around the world because audiences keep coming to see these true stories, to reflect on their own life stories by becoming involved in these operas.

To me, these arias are the diamonds of opera. The human voice is also like a gemstone, a diamond. I feel a responsibility to keep working on my instrument, to polish and to improve it, so that it shines and is eternally beautiful.

Maija Kovalevska Opera is the place where I have spent most of my musical life – as an orchestral musician and also as a conductor. Opera is part of me, an integral part of my musical existence. Maija is a very special singer and person. Every single phrase she sings has a soul, filled with true love and passion. Every moment with her on stage is a miracle. Music for me is like a wonder: we cannot touch it, but music can touch us, if we let it. This feeling cannot be replaced by anything.

Atvars Lakstīgala

3 3

Operatic heroines tell us much about changing attitudes to women during the course of music history: frail and beautiful, to be protected; fierce and spiteful, to be feared; the woman scorned, to be avoided… Yet if we look a little deeper there is room for real nuance and depth, especially when these women are brought to life by the music composed for them, and by the performers who interpret them.

Maija Kovalevska has chosen for this programme characters who represent an array of backgrounds, temperaments and experiences, conjured up by composers who, she argues, show a genuine sympathy for, and understanding of, their female protagonists.

Christoph Willibald Gluck (1714-1787) was highly cultured, spending significant portions of his life either travelling in Europe or residing in its major cities. This afforded him numerous insights into the different personalities he encountered, insights upon which he could draw in his operas. With Orfeo ed Euridice (1762) Gluck and librettist Ranieri da Calzabigi were determined to reform opera, shifting the emphasis from extraneous action to one noble, dramatic subject. They also sought to liberate music from heavy ornamentation to create cleaner, more expressive melodic lines, and from the rigidity of the da capo aria (a specific and commonly-used structure) and the wordiness of recitativo secco (which follows the rhythms of speech) to allow for a more fluid and elegant style.

This approach, which was influenced by French opera, enabled Gluck to write music of immediacy and clarity.

Orfeo ed Euridice, which he revised more than once, was

one of Gluck’s last three operas and has become his most popular. In the opera’s preface, Gluck wrote: “My intention was to purify music from all the abuses which have crept into Italian opera through the vanity of the singers and the excessive compliance of the composers, and have made the most splendid and beautiful of all arts the most ridiculous and boring. I tried therefore to bring musicians back to their real task of serving the poetry, by intensifying the expression of emotion and the appeal of every situation, without interrupting the plot or weakening it by unnecessary ornamentation.”

Orfeo ed Euridice is based on the myth of Orpheus, in which our hero is allowed to rescue his wife, Euridice, from the Underworld on condition that he not look at her until they return to earth. The work begins in the wood which is home to Euridice’s tomb, but rather than creating a melancholy mood, Gluck’s sprightly Overture arrests our attention. Euridice’s aria, Che fiero momento! (“What a proud moment!”) comes from Act III and anticipates the story’s climax: she is bewildered that Orfeo still refuses to look at her and laments his apparent indifference; soon afterwards, unable to bear it, Orfeo looks round at Euridice and she dies.

Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) and librettist Lorenzo Da Ponte based Don Giovanni (1787) on the legend of Don Juan. Its first performances in Prague were a resounding success; a Viennese critic reported that, “Herr Mozart conducted in person and was welcomed joyously and jubilantly”. Don Giovanni is a fascinating blend of comedy and drama, in which 4 4

Donna Elvira is the wronged woman: she arrives in Seville determined to find Don Giovanni after he has abandoned her following a brief love affair. Her Act II aria Mi tradì quell’alma ingrata (“Cruel heart, you have betrayed me”) was added by Mozart for the Viennese production of 1788, composed for the soprano Caterina Cavalieri, who had studied with Salieri. This aria reveals a woman at war with herself, furious at her lover’s betrayal but still longing for him against her own will.

With La Bohème (1896), Giacomo Puccini (18581924) initially puzzled both audiences and critics with his use of impressionistic scoring and a naturalistic, conversational style, devices which were designed to communicate the feelings of the protagonists with great directness, but which were not familiar to those accustomed to more stylised operatic writing. This unflinching depiction of everyday life became the operatic movement, verismo (“realism”). La Bohème is set in Paris in about 1830. When we meet the seamstress Mimì in Act I she enters timidly, bearing a candle which has gone out, requesting something with which to light it again. The consumptive Mimì is overcome by a coughing fit; the poet Rodolfo is immediately struck by her beauty and fragility. Mi chiamano Mimì (“They call me Mimi”) is characterised by the moving sincerity and lyrical simplicity of its melodic line, used to convey Mimì’s honesty and tenderness.

Manon Lescaut (1893) earned Puccini an international reputation as the successor to Verdi. Our tragic heroine elopes to Paris with the Chevalier des Grieux, but leaves him to become the mistress of the wealthy

Geronte. Manon decides to return to des Grieux, but delays by gathering the jewels given her by Geronte; she is discovered and deported. She dies in the arms of des Grieux, having recognised at last that he is her true love. The Intermezzo (“The journey to Le Havre”) comes at the end of Act II, when Manon is abducted

by Geronte after her attempt to escape and is taken to Le Havre, followed by des Grieux in hot pursuit.

By Act III of La Bohème Mimì’s tuberculosis has worsened. She overhears that her beloved Rodolfo has pretended to reject her as, in his poverty, he is unable to help her and hopes she will find a wealthier man. To spare him, Mimì suggests that they should go their separate ways but part as friends: Donde lieta uscì (“From here she happily left”).

Puccini’s Il Trittico was based on the innovative idea of joining together three one-act operas, intended to be performed together (although they are often heard separately). The first is the melodrama Il tabarro, followed by the tragic Suor Angelica. The last of the triptych is a lighter work and the most popular, Gianni Schicchi (1918), a comic opera set in medieval Florence. Lauretta is the daughter of Gianni Schicchi; in the heartfelt O, mio babbino caro she tells her father of her desire to marry her beloved Rinuccio.

Turandot (1926) is set in ancient China and is a particularly fine example of Puccini’s ability to portray contrasting women: Turandot, the exhilaratingly independent but fearsome Princess of China, and the gentle but courageous slave girl, Liù. In the third 5 5

and final act the two women’s very different worlds collide, with fatal consequences. Liù is guarding a secret which Turandot wishes to know; the princess tortures her but Liù’s resolve is unshakeable. Liù sings Tu che di gel sei cinta (“You who are girdled by ice”) to Turandot, telling her that she too will experience love. Liù then stabs herself. The words were written by Puccini himself whilst waiting for the librettists to finish the text. The opera was unfinished when Puccini died, its last two scenes completed by Franco Alfano using the composer’s sketches. At the sell-out premiere, Toscanini halted the performance where Puccini had left off, declaring: “Here the opera finishes, because at this point the Maestro died. Death was stronger than art.”

This was prompted by Puccini himself, who reportedly told the conductor: “If I don’t succeed in finishing it, at this point someone will come to the footlights and will say:‘The author composed until here, and then he died.’”

Both Puccini and Jules Émile Frédéric Massenet (1842-1912) were inspired by the Abbé Prévost’s novel, Manon Lescaut; Massenet’s Manon is one of his most enduring operas, as is Thaïs (1894), the story of a renowned Egyptian courtesan who attempts to seduce the Cenobite monk, Athanaël.

Her fundamental purity of heart is revealed when she is converted to Christianity by the monk; but he in turn realises that his interest in Thaïs is motivated by desire. The sensuous, passionate Dis-moi que je suis belle (“Tell me I’m beautiful”) from Act II is known as the “mirror aria”; gazing at her reflection, Thaïs

fears old age and longs for her beauty to remain.

Pyotr Ilyich Tchaikovsky (1840-1893) composed 11 operas; the one-act Iolanta (1892) was his last. The libretto was written by his brother, Modest, based on a romanticised account of the medieval princess Yolande, Duchess of Lorraine. In the embellished version, Iolanta is a blind and isolated princess who has been kept ignorant of her status and even her blindness. In the first scene she questions why she has been kept in the dark, literally and metaphorically: “Why haven’t I known this before?”

Tchaikovsky wrote of his fifth opera, Eugene Onegin (1879), to Modest in May 1877: “You won’t believe how inflamed I am with this subject. How delightful it is to avoid the usual Pharaohs, Ethiopian princesses, poisoned cups, and all these other lifeless ideas. What infinite poetry there is in Onegin!” Eugene Onegin follows a conceited anti-hero loved by the modest Tatyana, who writes him a love letter which he rejects. The pivotal Letter Scene (Act I) encapsulates Tatyana’s innocence and wide-eyed hope, alongside a burgeoning passion which periodically blossoms into moments of unfettered longing.

Joanna Wyld Text by Joanna Wyld / Odradek Records, LLC is licensed under a Creative Commons Attribution-NoDerivatives 4.0 International License. Permissions beyond the scope of this license may be available at www.odradek-records.com

6 6

My name is Maija. I am a Latvian opera singer travelling around the globe.

Born in Riga, I graduated from Jāzeps Vītols Music Academy. I had many good teachers who helped to develop my personality; I am grateful to them. I am also truly grateful to my parents and family for their huge support, especially in the beginning when I made my first steps towards becoming an artist. I strongly feel my Latvian roots and feel connected to Latvian culture, often performing Latvian songs worldwide in recitals. My first opera heroine on stage was Donna Elvira at the Latvian National Opera.

I was lucky to learn from some of the great opera singers of the 20th century and to know them personally. My main inspiration and teacher was Mirella Freni; a fruitful collaboration. I learned how big a responsibility it is to work on my voice; a lifelong journey to polish my instrument like a diamond. I won the Riccardo Zandonai International Opera Competition in Riva del Garda, Italy, and I rose to international prominence after winning the Operalia Plácido Domingo World Opera Competition in 2006. I made my Metropolitan Opera debut as Mimì in Franco Zeffirelli’s production of Puccini’s La Bohème under the baton of Plácido Domingo and later as Euridice in Gluck’s Orfeo ed Euridice and other roles.

I perform worldwide in Europe, the United States, Canada, Mexico, South America, Japan, China and Australia. My main personal development as an artist has occurred in London’s Covent Garden, Vienna State Opera, the Metropolitan Opera, Munich’s Bayerische Staatsoper, Semperoper Dresden, La Scala Milan, Hamburg State Opera, Buenos Aires Teatro Colón, Sydney Opera, and the International Festivals of Sigulda, Kristiansand, Salzburg, Glyndebourne, Torre del Lago Puccini Festival, among others.

Mimì is my signature role. Tatiana is also one of my favourites together with Liù, Donna Elvira, Euridice and Iolanta. Opera is the art of arts. It is a collaboration in which so many arts and people meet, coming together and keeping this beauty alive. I love helping to sustain this beautiful art form, giving people the opportunity to fall in love with opera.

Maija Kovalevska 7 7

Atvars Lakstīgala was the Principal Conductor of the Liepāja Symphony Orchestra from 2010 to 2017. Since 2009 he has been a Guest Conductor at the Latvian National Opera. He played French horn professionally from 1997 until 2010 as soloist, chamber and orchestral musician. Lakstīgala has won several international competitions. He has also been nominated for the Latvian Music Award several times; he won the prestigious award in 2010 for best debut, and in 2017 for best concert of the year.

His work with Latvian National Opera includes the operas La Traviata, Un ballo in maschera, Macbeth, Tosca, Mikhail and Mikhail Play Chess, Eugene Onegin, and Puccini’s Il Trittico as well as the ballets Giselle, Lady of the Camellias and Three Meetings. Lakstīgala enjoyed great success conducting at the prestigious Sigulda International Opera Festival, with performances of Arvīds Žilinskis’ opera Zelta Zirgs (The Golden Horse) and Verdi’s Falstaff.

He has also conducted Prokofiev’s Cinderella performed by the Scottish Ballet in Glasgow, Inverness and Aberdeen as well as the premiere of Nikolai Kapustin’s Concerto with the Orquestra Jazz Sinfônica in São Paulo, Brazil. Recent and future engagements include the Yuri Bashmet Festival with the Belarusian State Academic Symphony Orchestra, and working as Music Director and conductor for an open-air production of Puccini’s Tosca at the Sigulda Opera Festival in July 2019.

8 8

FRA Je suis une fille de la mer. J’aime être au bord de la mer pour me recréer. Cela me stimule, me donne un sentiment de liberté. La musique est mon métier, mais c’est aussi mon passe-temps. La musique est pour moi comme la mer : éternelle, infinie, puissante, mais aussi apaisante et libre.

Je suis née à Riga, au bord de la Mer Baltique.

C’est mon premier album solo, un rêve devenu réalité. Il a été enregistré à Liepāja, sur la côte ouest de la Lettonie.

Pendant les sessions d’enregistrement, je suis souvent allée à la mer pour trouver l’inspiration.

Eurydice, Donna Elvira, Mimì, Liù, Thaïs, Lauretta, Iolanta et Tatiana sont mes héroïnes d’opéra préférées. J’ai joué la plupart de ces rôles sur des scènes du monde entier. Je suis bénie de pouvoir vivre ma vie sur scène et investir un personnage particulier. Ces femmes sont fortes, dévouées à l’amour et à leurs valeurs. Elles restent fidèles à elles-mêmes même dans les circonstances les plus difficiles. Elles sont courageuses, mais aussi profondément humaines et universellement familières. Cette musique va droit au cœur ; elle est réelle et profondément émotionnelle. Gluck, Mozart, Massenet, Puccini et Tchaïkovski semblent tous avoir parfaitement compris le monde intérieur de ces femmes, en composant pour la voix de soprano certaines des plus belles musiques jamais écrites.

Cette musique est toujours jouée dans le monde entier car le public aime écouter ces histoires vraies, et méditer sur sa propre existence en s’immergeant dans ces opéras.

Pour moi, ces arias sont les diamants de l’opéra. La voix humaine est elle aussi comme une pierre précieuse, un diamant. Je me sens responsable de continuer à travailler sur mon instrument, de le polir et de l’améliorer, pour qu’il brille et soit éternellement beau.

Maija Kovalevska L’opéra est l’univers où j’ai passé l’essentiel de ma vie musicale – en tant que musicien d’orchestre et également chef d’orchestre. L’opéra fait partie de moi, une partie intégrante de mon existence musicale. Maija est une chanteuse et une personne très spéciale. Chaque phrase qu’elle chante a une vie, pleine d’amour et de passion.

Chaque moment avec elle sur scène est un miracle. La musique pour moi est comme une merveille : nous ne pouvons pas la toucher, mais elle peut nous toucher si nous la laissons faire. Ce sentiment est sans équivalent.

Atvars Lakstīgala

9 9

Les héroïnes d’opéra nous en disent long sur le changement d’attitude envers la femme au cours de l’histoire de la musique : belle et fragile, à protéger ; cruelle et malveillante, à craindre ; femme dédaignée, à éviter… Pourtant, en observant un peu plus loin, on découvre de vraies nuances et de la profondeur, en particulier lorsque ces femmes sont animées par une musique composée pour elles et par des interprètes qui leurs donnent corps. Maija Kovalevska a choisi pour ce programme des personnages représentant un éventail de contextes, de tempéraments et d’expériences, imaginés par des compositeurs qui, affirme-t-elle, font preuve d’une compassion et d’une compréhension réelles pour leurs protagonistes féminins.

Christoph Willibald Gluck (1714-1787) était très cultivé et a passé une grande partie de sa vie à voyager en Europe ou en résidence dans les grandes cités.

Cela lui a fourni de nombreuses informations sur les différentes personnalités qu’il a rencontrées, à partir desquelles il pourra puiser dans ses opéras. Avec Orphée et Eurydice (1762), Gluck et le librettiste Ranieri da Calzabigi étaient déterminés à réformer l’opéra, faisant passer l’accent d’une action détachée à un sujet noble et dramatique. Ils ont également cherché à libérer la musique de ses ornements lourds pour créer des lignes mélodiques plus claires et plus expressives, et s’éloigner de la rigidité de l’aria da capo (structure spécifique et couramment utilisée) et de la verbosité du recitativo secco (qui suit les rythmes de la parole) pour permettre un style plus fluide et élégant. Cette approche, influencée par l’opéra français, a permis à Gluck d’écrire une musique immédiate et claire.

Orphée et Eurydice, qu’il a révisé plus d’une fois, était l’un des trois derniers opéras de Gluck et est devenu son plus populaire. Dans la préface de l’opéra, Gluck écrivait : « Mon intention était de purifier la musique de tous les abus qui se sont infiltrés dans l’opéra italien par la vanité des chanteurs et l’observance excessive des compositeurs, et ont fait du plus magnifique et du plus beau des arts le plus ridicule et le plus ennuyeux. J’ai donc essayé de ramener les musiciens à leur véritable tâche : servir la poésie, en intensifiant l’expression de l’émotion et l’attrait de chaque situation, sans interrompre l’intrigue ni l’affaiblir par des ornements inutiles. »

Orphée et Eurydice se base sur le mythe d’Orphée, dans lequel notre héros peut sauver son épouse, Eurydice, des Enfers à condition qu’il ne la regarde pas avant leur retour sur terre. L’œuvre commence dans le bois qui abrite la tombe d’Eurydice, mais plutôt que de créer une humeur mélancolique, l’Ouverture éclair de Gluck capte notre attention. L’air d’Eurydice, Che fiero momento ! (Quel moment de fierté !) vient de l’acte III et anticipe le point culminant de l’histoire : elle est déconcertée par le fait qu’Orphée refuse toujours de la regarder et déplore son apparente indifférence. Peu de temps après, Orphée succombe à la tentation et regarde Eurydice, qui meurt.

Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) et le librettiste Lorenzo Da Ponte ont fondé Don Giovanni (1787) sur la légende de Don Juan. Ses premières représentations à Prague furent un succès retentissant. Selon un critique viennois : « Herr Mozart a dirigé la scène en personne et 10 10

a été accueilli avec joie et jubilation ». Don Giovanni est un mélange fascinant de comédie et de théâtre, dans lequel Donna Elvira est la femme lésée : elle arrive à Séville avec la ferme volonté de retrouver Don Giovanni qui l’a abandonnée après une brève histoire d’amour.

Son aria de l’acte II, Mi tradì quell’alma ingrata, a été ajouté par Mozart pour la production viennoise de 1788 composée pour la soprano Caterina Cavalieri, qui avait étudié avec Salieri. Cet aria révèle une femme en guerre avec elle-même, furieuse de la trahison de son amant mais le désirant toujours contre sa volonté.

internationale en tant que successeur de Verdi. Notre héroïne tragique se rend à Paris avec le chevalier des Grieux, mais le quitte pour devenir la maîtresse du riche Géronte. Manon décide alors de rejoindre des Grieux, mais tarde à rassembler les bijoux offerts par Géronte ; elle est découverte et déportée. Elle meurt dans les bras de des Grieux, après avoir reconnu qu’il était son véritable amour. L’Intermezzo (Le voyage au Havre) intervient à la fin de l’Acte II, lorsque Manon est enlevée par Géronte après sa tentative d’évasion et qu’elle est emmenée au Havre, avec des Grieux à sa poursuite.

Avec La Bohème (1896), Giacomo Puccini (1858-1924) a tout d’abord déconcerté le public et les critiques par son recours à la notation impressionniste et à un style naturaliste et conversationnel, des dispositifs conçus pour communiquer les sentiments des protagonistes avec une grande franchise, mais non familiers de ceux habitués à une écriture d’opéra plus stylisée. Cette représentation sans faille de la vie quotidienne est devenue le mouvement d’opéra, verismo (réalisme).

La Bohème se déroule à Paris vers 1830. Lorsque nous rencontrons la couturière Mimì dans l’acte I, elle entre timidement, munie d’une bougie éteinte, demandant quelque chose pour la rallumer. La phtisique Mimì est prise d’une quinte de toux. Le poète Rodolfo est immédiatement frappé par sa beauté et sa fragilité.

Mi chiamano Mimì (Ils m’appellent Mimi) séduit par la sincérité touchante et la simplicité lyrique de sa ligne mélodique, utilisée pour exprimer l’honnêteté et la tendresse de Mimì.

Manon Lescaut (1893) a valu à Puccini sa réputation

Au troisième acte de La Bohème, la tuberculose de Mimì s’est aggravée. Elle apprend que son cher Rodolfo a prétendu la rejeter car, dans sa pauvreté, il est incapable de l’aider et espère qu’elle trouvera un homme plus riche. Pour l’épargner, Mimì suggère de se séparer mais en amis: Donde lieta uscì (D’ici, elle est partie avec joie).

Il Trittico de Puccini était basé sur l’idée novatrice de réunir trois opéras en un acte, destinés à être interprétés ensemble (bien qu’ils soient souvent entendus séparément). Le premier est le mélodrame Il tabarro, suivi du tragique Suor Angelica. Le dernier du triptyque est une œuvre plus légère et la plus populaire, Gianni Schicchi (1918), un opéra comique se déroulant dans la Florence médiévale. Lauretta est la fille de Gianni Schicchi ; dans le poignant O, mio ​​babbino caro, elle informe son père de son désir d’épouser son bien-aimé Rinuccio.

Turandot (1926) se déroule dans la Chine ancienne et constitue un exemple particulièrement frappant 11 11

de la capacité de Puccini à représenter des femmes contrastées : Turandot, la princesse extraordinairement indépendante mais redoutable de la Chine, et la douce mais courageuse esclave, Liù. Dans le troisième et dernier acte, les mondes très différents des deux femmes se croisent, avec des conséquences fatales.

Liù garde un secret que Turandot souhaite connaître ; la princesse la torture mais la résolution de Liù est inébranlable. Liù chante Tu che di gel sei cinta (Toi qui est entourée de glace) à Turandot, en lui disant qu’elle aussi fera l’expérience de l’amour. Liù se poignarde par la suite. Les paroles ont été écrites par Puccini lui-même en attendant que les librettistes terminent le texte.

L’opéra était inachevé à la mort de Puccini, et les deux dernières scènes ont complétées par Franco Alfano à l’aide des notes du compositeur. Lors de la première, Toscanini a interrompu la représentation au point où Puccini s’est arrêté en déclarant : « L’opéra se termine ici, car le Maestro est décédé. La mort était plus forte que l’art. ». C’est Puccini lui-même qui aurait dit au chef d’orchestre: « Si je ne réussis pas à la terminer, quelqu’un se mettra alors sur le devant de la scène et dira: L’auteur a composé jusqu’à ce point, puis il est mort ».

Puccini et Jules Émile Frédéric Massenet (1842-1912) se sont inspirés du roman de l’abbé Prévost, Manon Lescaut. Le Manon de Massenet est l’un de ses opéras les plus célèbres, tout comme Thaïs (1894), l’histoire d’une célèbre courtisane égyptienne qui tente de séduire le moine cénobite Athanaël. Sa pureté de cœur se révèle lorsqu’elle est convertie au christianisme par le moine ; mais il réalise à son tour que son intérêt pour Thaïs est motivé par le désir. Le sensuel et passionné Dis-moi

que je suis belle de l’acte II est connu comme « l’aria du miroir ». En regardant son reflet, Thaïs est hantée par la vieillesse et souhaite que sa beauté perdure.

Pyotr Ilitch Tchaïkovski (1840-1893) a composé 11 opéras ; son Iolanta (1892) en un acte fut le dernier. Le livret a été écrit par son frère Modest, basé sur un récit romancé de la princesse médiévale Yolande, duchesse de Lorraine. Dans la version embellie, Iolanta est une princesse aveugle et isolée qui a été tenue ignorante de son statut et même de sa cécité. Dans la première scène, elle demande pourquoi elle a été maintenue dans le noir, littéralement et métaphoriquement : « Pourquoi n’ai-je pas su cela auparavant ? »

A propos de son cinquième opéra, Eugene Onegin (1879), Tchaïkovski a écrit à Modest en mai 1877 : « Tu ne sais pas à quel point je suis enflammé par ce sujet.

Comme il est délicieux d’éviter les habituels pharaons, princesses éthiopiennes, tasses empoisonnées et toutes ces autres idées sans vie. Quelle poésie infinie il y a dans Onegin ! ». Eugene Onegin décrit un antihéros vaniteux aimé par la modeste Tatiana, qui lui écrit une lettre d’amour qu’il rejette. La Scène de la Lettre (Acte I) résume l’innocence et l’espoir de Tatiana, consumée par une passion naissante qui se transforme périodiquement en moments de désir effréné.

Joanna Wyld Texte de Joanna Wyld (Trad. : Yannick Muet) / Odradek Records, LLC est mis à disposition selon les termes de la Licence Creative Commons Attribution - Pas d’Utilisation Commerciale - Pas de Modification 4.0 France. www.odradek-records.com

12 12

Je m’appelle Maija. Je suis une chanteuse d’opéra lettonne qui tourne à travers le monde. Née à Riga, je suis diplômée de l’Académie de musique Jāzeps Vītols. J’ai eu beaucoup de bons professeurs qui m’ont aidée à développer ma personnalité, et je leur en suis reconnaissante Je suis également reconnaissante envers mes parents et ma famille pour leur immense soutien, en particulier durant mes premiers pas d’artiste. Je suis fière de mes racines lettones et me sens liée à la culture lettone, interprétant souvent des chants lettons en récitals dans le monde entier. Ma première héroïne d’opéra sur scène était Donna Elvira à l’Opéra national de Lettonie.

J’ai eu la chance d’apprendre auprès de grands chanteurs d’opéra du XXe siècle et de les connaître personnellement. Mirella Freni était ma principale source d’inspiration et ma principale enseignante – une collaboration fructueuse. J’ai appris à quel point il est essentiel de travailler sur ma voix –un voyage de toute une vie pour polir mon instrument comme un diamant. J’ai remporté le Concours international d’opéra Riccardo Zandonai en Riva del Garda, Italie, et j’ai acquis une notoriété internationale après avoir remporté le Concours mondial d’opéra Operalia Plácido Domingo en 2006. J’ai fait mes débuts au Metropolitan Opera comme Mimì dans la production de La Bohème de Puccini par Franco Zeffirelli sous la direction de Plácido Domingo, puis Eurydice dans Orphée et Eurydice de Gluck, ainsi que d’autres rôles.

Je joue dans le monde entier en Europe, aux États-Unis, au Canada, au Mexique, en Amérique du Sud, au Japon, en Chine et en Australie. Mon développement personnel en tant qu’artiste s’est déroulé à Covent Garden à Londres, à l’Opéra national de Vienne, au Metropolitan Opera, au Bayerische Staatsoper de Munich, au Semperoper de Dresde, à La Scala de Milan, à l’Opéra d’État de Hambourg, au Teatro Colón de Buenos Aires, au Sydney Opera et aux Festivals internationaux de Sigulda, Kristiansand, Salzburg, Glyndebourne, Festival Torre del Lago Puccini, entre autres.

Mimì est mon rôle signature. Tatiana fait également partie de mes préférées avec Liù, Donna Elvira, Eurydice et Iolanta. L’opéra est l’art des arts. C’est une collaboration dans laquelle tant de disciplines et d’individus se rencontrent, se réunissent et entretiennent cette beauté. J’aime participer à la préservation de cette belle forme d’art, en donnant aux gens l’occasion de tomber amoureux de l’opéra.

Maija Kovalevska 13 13

Atvars Lakstīgala a été chef principal de l’Orchestre Symphonique Liepāja de 2010 à 2017. Depuis 2009, il est chef invité de l’Opéra national de Lettonie. Il a joué du cor français de 1997 à 2010 en tant que soliste, musicien de chambre et d’orchestre. Lakstīgala a remporté plusieurs compétitions internationales. Il a également été nominé pour le prix de la musique lettone à plusieurs reprises. Il a remporté ce prix prestigieux en 2010 pour le meilleur premier album et en 2017 pour le meilleur concert de l’année.

Sa collaboration avec l’Opéra national de Lettonie comprend les opéras La Traviata, Un ballo in maschera, Macbeth, Tosca, Mikhail et Mikhail Play Chess, Eugene Onegin et Il Trittico de Puccini, ainsi que les ballets Giselle, La Dame aux Camélias et Three Meetings. Lakstīgala a connu un grand succès au prestigieux festival international d’opéra Sigulda, avec les représentations de l’opéra Zelta Zirgs (Le cheval d’or) d’Arvīds Žilinskis et du Falstaff de Verdi.

Il a également dirigé Cendrillon de Prokofiev interprété par le Scottish Ballet à Glasgow, Inverness et Aberdeen, ainsi que la création du Concerto de Nikolai Kapustin avec l’Orquestra Jazz Sinfônica à São Paulo, au Brésil. Ses engagements récents et futurs incluent le Festival Yuri Bashmet avec l’Orchestre symphonique académique d’État de Biélorussie, et son rôle de directeur musical et chef d’orchestre pour une production en plein air de la Tosca de Puccini au Festival de l’opéra de Sigulda en juillet 2019.

14 14

15 15

DEU Ich bin ein Seemensch. Ich liebe es, am Meer zu sein, um mich zu erholen. Es regt mich an und gibt mir ein Gefühl der Freiheit. Musik ist mein Beruf, aber auch mein Hobby. Musik ist für mich wie das Meer: ewig, unendlich, kraftvoll und doch entspannend, befreiend.

Ich wurde in Riga an der Ostsee geboren.

Dies ist mein erstes Soloalbum, ein wahr gewordener Traum. Es wurde in Liepāja an der Westküste Lettlands aufgenommen. Während der Aufnahmen wanderte ich häufig ans Meer, um mich inspirieren zu lassen.

Euridice, Donna Elvira, Mimì, Liù, Thaïs, Lauretta, Jolanthe und Tatiana sind meine liebsten Opernheldinnen. Ich bin mit den meisten dieser Rollen weltweit aufgetreten. Ich bin eine privilegierte Person, weil ich mein Leben auf Bühnen verbringen und in besondere Charaktere schlüpfen darf. Diese Frauen sind stark, der Liebe und ihren Werten verpflichtet. Sie bleiben sich auch unter schwierigsten Umständen treu. Sie sind mutig, aber auch zutiefst menschlich und nahe. Die Musik geht direkt ins Herz; sie ist authentisch und zugleich emotional. Gluck, Mozart, Massenet, Puccini und Tschaikowsky scheinen die inneren Welten dieser Frauen sehr gut verstanden zu haben und schrieben für Sopran einige der schönsten Werke aller Zeiten. Diese Musik wird nach wie vor auf der ganzen Welt aufgeführt, weil das Publikum die in den Opern erzählten Geschichten immer wieder braucht, um über das eigene Leben nachzudenken.

Für mich sind diese Arien die Diamanten der Oper. Die menschliche Stimme ist auch wie ein Edelstein, ein Diamant.

Ich fühle eine Verantwortung, an meinem Instrument weiterzuarbeiten, es zu polieren und zu verbessern, damit es strahlt und ewig schön bleibt.

Maija Kovalevska Ich habe den größten Teil meines musikalischen Lebens an der Oper verbracht - als Orchestermusiker und auch als Dirigent. Die Oper ist ein Teil von mir, ein wesentlicher Bestandteil meiner musikalischen Existenz. Maija ist als Sängerin und als Mensch etwas ganz Besonderes. Jede einzelne Phrase, die sie singt, hat eine Seele, die von wahrer Liebe und Leidenschaft erfüllt ist. Jeder Moment mit ihr auf der Bühne ist wie ein Wunder. Musik ist für mich wie ein Wunder: Wir können sie nicht berühren, aber Musik kann uns berühren, wenn wir es zulassen.

Dieses Gefühl kann durch nichts ersetzt werden.

Atvars Lakstīgala

16 16

ITA Opernheldinnen erzählen viel über die Einstellung gegenüber Frauen im Laufe der Musikgeschichte: zerbrechlich und schön, schutzbedürftig, wild und boshaft, furchterregend; die Frau wurde verachtet und gemieden... Schauen wir jedoch etwas tiefer hinein, sieht die Sache anders aus, besonders wenn diese Frauen durch die für sie komponierte Musik zum Leben erweckt wurden, sowie durch die Sängerinnen, die in ihre Rollen schlüpften. Maija Kovalevska hat für dieses Programm Rollen ausgewählt mit Hintergründen, Temperamenten und Erfahrungen, die, wie sie selber argumentiert, von den jeweiligen Komponisten mit echtem Mitgefühl porträtiert wurden.

Christoph Willibald Gluck (1714-1787) war hoch umfassend gebildet und verbrachte bedeutende Teile seines Lebens entweder auf Reisen oder in den wichtigsten Städten Europas. So entwickelte sich in ihm das Verständnis für Charaktere, auf die er stieß und auf die er in seinen Opern zurückgreifen konnte. Mit Orfeo ed Euridice (1762) waren Gluck und der Librettist Ranieri da Calzabigi entschlossen, die Oper zu reformieren und den Schwerpunkt von einer belanglosen Handlung auf ein nobles, dramatisches Thema zu verlagern. Sie versuchten auch, die Musik von pompöser Ornamentik zu befreien, um deutlichere, ausdrucksstärkere Melodien zu schaffen, sowie von der Steifheit der DaCapo-Arie (einer spezifischen und häufig verwendeten Form) und der Langatmigkeit des Recitativo secco (die den Sprachrhythmen folgt), um einen fließenderen und eleganteren Stil zu ermöglichen. Dieser Ansatz, der von der französischen Oper beeinflusst wurde, half Gluck, eine unmittelbare und klare Musik zu schreiben.

Orfeo ed Euridice, mehrmals überarbeitet, ist eine der letzten drei Opern von Gluck und die beliebteste. Im

Vorwort schrieb Gluck: „Meine Absicht war es, all jene Missbräuche, welche die falsch angebrachte Eitelkeit der Sänger und die allzu grosse Gefälligkeit der Komponisten in die italienische Oper eingeführt hatten, sorgfältig zu vermeiden, Missbräuche, die eines der schönsten und prächtigsten Schauspiele zum langweiligsten und lächerlichsten herabgewürdigt hatten. Ich suchte daher, die Musik zu ihrer wahren Bestimmung zurückzuführen, das heißt: die Dichtung zu unterstützen, um den Ausdruck der Gefühle und das Interesse für die Situationen zu verstärken, ohne die Handlung zu unterbrechen oder durch unnütze Verzierungen zu entstellen.“ Orfeo ed Euridice basiert auf dem Mythos von Orpheus, in dem der Held seine Frau Euridice aus der Unterwelt nur retten darf, sofern er sie erst nach Rückkehr auf die Erde anschaut. Das Werk beginnt im Wald, in dem sich das Grab von Euridice befindet, aber anstatt eine melancholische Stimmung zu erzeugen, lenkt Gluck unsere Aufmerksamkeit auf eine lebhafte Ouvertüre. Euridices Arie, Che fiero momento! („Was für ein fürchterlicher Augenblick!“), stammt aus dem 3. Akt und nimmt den Höhepunkt der Geschichte vorweg: Sie ist verstört, weil Orpheus sich immer noch weigert, sie anzusehen, und beklagt seine scheinbare Gleichgültigkeit. Unfähig, dies zu ertragen, sieht sich Orpheus nach ihr um, worauf sie stirbt.

Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) und der Librettist Lorenzo Da Ponte basierten Don Giovanni (1787) auf der Legende von Don Juan. Die ersten Aufführungen in Prag waren ein voller Erfolg. Ein Wiener Kritiker berichtete, dass „Herr Mozart persönlich dirigiert und freudig und jubelnd empfangen wird.” Don Giovanni ist eine faszinierende Mischung aus Komödie und Drama, in der Donna Elvira eine gekränkte Frau spielt: Sie kommt 17 17

in Sevilla an und ist entschlossen, Don Giovanni zu finden, der sie nach einer kurzen Liebesaffäre verlassen hatte. Ihre Arie Mi tradì quell’alma ingrata („Er hat mich betrogen, dieser undankbare Geist“) aus dem 2.

Akt wurde von Mozart für die Wiener Aufführung von 1788 hinzugefügt, die für die Sopranistin und ehemalige Salieri-Schülerin Caterina Cavalieri komponiert wurde.

Diese Arie zeigt eine Frau im Zwiespalt mit sich selbst, die wütend über den Verrat ihres Geliebten ist, sich aber immer noch entgegen ihrem eigenen Willen nach ihm sehnt.

In La Bohème (1896) verblüffte Giacomo Puccini (1858-1924) Publikum und Kritiker zunächst mit seiner impressionistischen Partitur und einem ungezwungenen Gesprächsstil, zwei Mittel, die die Gefühle der Hauptdarsteller mit großer Direktheit beschreiben, jedoch diejenigen abschrecken, die gängige Schreibweisen für die Oper gewohnt waren.

Aus dieser realistischen Darstellung des Alltags entstand der Verismus. La Bohème spielt im Paris der 1830er Jahre. Die Näherin Mimì bittet im 1. Akt schüchtern um Feuer, da ihre Kerze erloschen ist. Die durch Krankheit geschwächte Frau erleidet einen Hustenanfall. Der Dichter Rodolfo ist sofort beeindruckt von ihrer Schönheit und Zerbrechlichkeit. Mi chiamano Mimì („Man nennt mich Mimi“) zeichnet sich durch die rührende Ehrlichkeit und lyrische Einfachheit ihrer melodischen Linie aus, die hier angewandt wird, um Mimis Aufrichtigkeit und Zärtlichkeit zum Ausdruck zu bringen.

Manon Lescaut (1893) brachte Puccini als Nachfolger von Verdi seinen internationalen Ruf ein. Die tragische Heldin flieht mit dem Chevalier des Grieux nach Paris, verlässt ihn jedoch, um die Mätresse des reichen

Geronte zu werden. Manon beschließt, zu des Grieux zurückzukehren, verspätet sich jedoch, während sie die Juwelen einpackt, die ihr Geronte geschenkt hatte.

Sie wird entdeckt, abgeführt und stirbt am Ende in den Armen von des Grieux, nachdem sie ihn endlich als ihre wahre Liebe erkannt hat. Das Intermezzo („Die Reise nach Le Havre“) findet am Ende des 2. Aktes statt, als Manon nach ihrem Fluchtversuch von Geronte entführt und nach Le Havre gebracht wird, während des Grieux ihr heimlich folgt.

Im 3. Akt von La Bohème verschlechtert sich Mimis Lungenleiden. Sie erfährt, dass ihr geliebter Rodolfo sich von ihr trennen will, weil er ihr in seiner Armut nicht helfen kann und hofft, dass sie einen reicheren Mann findet. Um ihn zu schonen, schlägt Mimì ihm vor, getrennte Wege einzuschlagen, jedoch Freunde zu bleiben: Donde lieta uscì („Von wo sie freudig wegging“).

Puccinis Il Trittico basierte auf der innovativen Idee, drei Einakter zusammenzufügen, die gemeinsam aufgeführt werden sollen (obwohl sie oft getrennt zu hören sind).

Der erste ist das Melodram Il tabarro, gefolgt von der tragischen Suor Angelica. Der dritte und letzte Akt ist nicht so tiefgründig und am beliebtesten: Gianni Schicchi (1918), eine Opera buffa aus dem mittelalterlichen Florenz. Lauretta ist die Tochter von Gianni Schicchi; im innigen O, mio babbino caro erzählt sie ihrem Vater von dem Wunsch, ihren geliebten Rinuccio zu heiraten.

Turandot (1926) spielt im alten China und ist ein besonders schönes Beispiel für Puccinis Fähigkeit, entgegengesetzte Frauentypen darzustellen: Turandot, die aufregend unabhängige, aber gefürchtete chinesische Prinzessin, und die sanfte, jedoch mutige 18 18

Sklavin Liu. Im dritten und letzten Akt stoßen die sehr unterschiedlichen Welten der beiden Frauen mit fatalen Folgen aufeinander. Liu hütet ein Geheimnis, das Turandot wissen möchte. Die Prinzessin quält sie, aber Lius Entschlossenheit ist unerschütterlich.

Liu singt Turandot Tu che di gel sei cinta („Du, die von Eis umschlossen ist“) vor und kündigt ihr an, dass auch sie Liebe erfahren wird. Danach ersticht sich Liu. Die Worte wurden von Puccini selbst geschrieben, während er darauf wartete, dass der Librettist den Text abschloss. Die Oper blieb unvollendet, als Puccini starb.

Die letzten beiden Szenen wurden von Franco Alfano anhand der Skizzen des Komponisten fertiggestellt. Bei der ausverkauften Premiere unterbrach Toscanini die Aufführung an der Stelle, bis zu der es Puccini gebracht hatte und erklärte: „Hier endet die Oper, weil der Meister hier starb. Der Tod war stärker als die Kunst.“ Puccini hatte dies selbst veranlasst, indem er dem Dirigenten folgende Worte auftrug: „Sollte es mir nicht gelingen, die Oper zu beenden, muss an dieser Stelle jemand ins Rampenlicht treten und sagen: Der Autor hat bis hierher komponiert, und dann ist er gestorben.”

Sowohl Puccini als auch Jules Émile Frédéric Massenet (1842-1912) ließen sich vom Roman Manon Lescaut von Abbé Prévost inspirieren. Massenets Manon ist eine seiner meist gespielten Opern, ebenso wie Thaïs (1894), die Geschichte einer bekannten ägyptischen Kurtisane, die den zönobitischen Mönch Athanaël zu verführen versucht. Die tiefe Reinheit ihres Herzens zeigt sich bei der Konversion zum Christentum durch den Mönch.

Dieser erkennt aber, dass sein Interesse an Thaïs durch Begierde motiviert ist. Die sinnliche, leidenschaftliche Arie Dis-moi que je suis belle („Sag mir, ich bin schön“) aus dem 2. Akt ist als „Spiegelarie“ bekannt. Thaïs blickt

auf ihr Spiegelbild; sie fürchtet sich vor dem Alter und sehnt sich nach bleibender Schönheit.

Pjotr Iljitsch Tschaikowski (1840-1893) komponierte 11 Opern. Der Einakter Jolanthe (1892) war seine letzte. Das Libretto wurde von seinem Bruder Modest geschrieben, basierend auf einem romantisierten Bericht der mittelalterlichen Prinzessin Yolande, Herzogin von Lothringen. In der verschönerten Fassung ist Jolanthe eine blinde und einsame Prinzessin, die sich ihres Status und sogar ihrer Blindheit nicht bewusst ist. In der ersten Szene fragt sie, warum sie, wörtlich und metaphorisch, im Dunkeln gehalten wurde: „Warum habe ich das vorher nicht gewusst?“

Tschaikowsky schrieb über seine fünfte Oper Eugene Onegin (1879) an Modest im Mai 1877: „Sie werden nicht glauben, wie mich dieses Thema beschäftigt.“ Wie herrlich ist es, die üblichen Pharaonen, äthiopischen Prinzessinnen, vergifteten Becher und all diese anderen veralteten Ideen zu meiden. Was für eine unendliche Poesie gibt es in Onegin! Eugene Onegin folgt einem eingebildeten Antihelden, der von der bescheidenen Tatjana geliebt wird und von ihr einen Liebesbrief erhält, den er zurückweist. Die entscheidende Briefszene (1. Akt) verkörpert Tatjanas Unschuld und Hoffnung, zusammen mit einer aufkeimenden Leidenschaft, die sich gelegentlich zu Momenten tiefempfundener Sehnsucht steigert.

Joanna Wyld Autor des Textes Joanna Wyld (Übers. Antonio Gómez Schneekloth) / Odradek Records, LLC ist im Besitz einer Creative Commons-NamensnennungKeine Bearbeitungen-4.0 Internationalen Lizenz. Genehmigungen, die über den Geltungsrahmen dieser Lizenz hinausgehen, kann man bei www.odradek-records.com erhalten.

19 19

Ich heiße Maija. Ich bin eine lettische Opernsängerin, die rund um den Globus reist. In Riga geboren, habe ich die Jāzeps Vītols Musikakademie besucht. Ich hatte viele gute Lehrer, die mir halfen, meine Persönlichkeit zu entwickeln. Ich bin ihnen dankbar. Auch meinen Eltern und meiner Familie bin ich wirklich dankbar für ihre enorme Unterstützung, besonders zu Beginn, als ich meine ersten Schritte in Richtung Künstlerin machte. Ich fühle mich stark mit meinen lettischen Wurzeln und der lettischen Kultur verbunden. Oft singe ich lettische Lieder weltweit in Konzerten. Meine erste Opernheldin auf der Bühne war Donna Elvira an der Lettischen Nationaloper.

Ich hatte das Glück, von einigen der großen Opernsänger des 20. Jahrhunderts zu lernen und sie persönlich zu kennen.

Meine größte Inspirationsquelle und Lehrerin war Mirella Freni. Mit ihr ergab sich eine sehr fruchtbare Zusammenarbeit.

Ich lernte, wie groß die Verantwortung ist, an der Stimme zu arbeiten: Ein lebenslanges Unterfangen, um das Instrument wie einen Diamanten zu polieren. Ich gewann den Internationalen Opernwettbewerb Riccardo Zandonai in Italien (Riva del Gard), und meine weltweite Anerkennung begann, nachdem ich den ersten Preis beim Internationalen Opernwettbewerb Operalia Plácido Domingo 2006 erhalten hatte. Ich debütierte in der Metropolitan Opera unter der Leitung von Plácido Domingo als Mimì in Franco Zeffirellis Produktion von Puccinis La Bohème, später als Euridice in Glucks Orfeo und Euridice, usw.

Ich trete weltweit in Europa, den USA, Kanada, Mexiko, Südamerika, Japan, China und Australien auf. Als Künstlerin habe ich mich vor allem im Londoner Covent Garden, der Wiener Staatsoper, der Metropolitan Opera, der Bayerischen Staatsoper München, der Semperoper Dresden, der Mailänder Scala, der Hamburgischen Staatsoper, dem Teatro Colón in Buenos Aires, der Sydney Opera und unter anderem an den Internationalen Festivals von Sigulda, Kristiansand, Salzburg, Glyndebourne und Torre del Lago Puccini weiterentwickelt.

Mimì ist meine Lieblingsrolle. Tatiana ist neben Liu, Donna Elvira, Euridice und Jolanthe auch eine meiner Favoritinnen.

Oper ist die Kunst der Künste. Es ist die Vereinigung von Künsten und Menschen, die die Schönheit des Lebens zeigen. Ich bin gerne dabei behilflich, diese schöne Kunstform aufrechtzuerhalten und biete den Menschen die Möglichkeit, sich in die Oper zu verlieben.

Maija Kovalevska

20 20

Atvars Lakstīgala war von 2010 bis 2017 Chefdirigent des Liepāja-Sinfonieorchesters. Seit 2009 ist er Gastdirigent an der Lettischen Nationaloper. Von 1997 bis 2010 spielte er Waldhorn als Solist, Kammer- und Orchestermusiker. Lakstīgala hat mehrere internationale Wettbewerbe gewonnen. Er wurde auch mehrmals für den lettischen Musikpreis nominiert. 2010 gewann er den prestigeträchtigen Preis für das beste Debüt und 2017 für das beste Konzert des Jahres.

Seine Arbeit mit der lettischen Nationaloper umfasst die Opern La Traviata, Un ballo in maschera, Macbeth, Tosca, Mikhail und Mikhail spielen Schach, Eugene Onegin und Puccinis Il Trittico sowie die Ballette Giselle, Die Kameliendame und Three Meetings. Lakstīgala dirigierte mit großem Erfolg das renommierte Sigulda International Opera Festival, bei dem die Oper Zelta Zirgs (Das goldene Pferd) von Arvīds Žilinskis und Falstaff von Verdi aufgeführt wurden.

Er dirigierte auch Prokofievs Aschenbrödel, aufgeführt vom Scottish Ballet in Glasgow, Inverness und Aberdeen, sowie die Uraufführung von Nikolai Kapustins Concerto mit dem Orquestra Jazz Sinfônica in São Paulo, Brasilien. Zu den jüngsten und zukünftigen Engagements gehören das Yuri Bashmet Festival mit dem Belarussischen Staatlichen Akademischen Symphonieorchester und die Vorbereitung als Musikdirektor und Dirigent für eine Open-Air-Produktion von Puccinis Tosca beim Sigulda Opera Festival im Juli 2019.

21 21

Christoph Willibald Gluck Orfeo ed Euridice: Aria: ‘Che fiero momento’ (Euridice) Che fiero momento!

Che barbara sorte!

Passar dalla morte a tanto dolor!

Oh bitter moment!

Oh cruel fate!

To pass from death to such sorrow!

Oh martervoll Geschick, was riefst Du mich zurück vom Frieden des Todes ins Leben voll Pein?

Fortune ennemie, Quelle barbarie !

Ne me rends-tu la vie Que pour les tourments ?

Avvezzo al contento d’un placido oblio, fra queste tempeste si perde il mio cor.

I was used to the peace of a tranquil oblivion; but in these tempests my heart is shattered.

Schon fühlt ich vor Sorgen mich sicher geborgen, nun schwellen die Wellen des Unheils aufs neu.

Je goûtais les charmes D’un repos sans alarmes, mais dans ces tempêtes mon cœur est brisé.

Vacillo, tremo…

I sway, I tremble …

Ich wanke, bebe, ich wanke, bebe...

Je frissonne, je tremble...

Wolfgang Amadeus Mozart Don Giovanni: Aria: ‘Mi tradì quell’alma ingrata’ (Donna Elvira) In quali eccessi, o Numi, in quai misfatti orribili, tremendi è avvolto il sciagurato!

Ah no! non puote tardar l’ira del cielo, la giustizia tardar.

Sentir già parmi la fatale saetta, che gli piomba sul capo!

Aperto veggio il baratro mortal!

Misera Elvira!

Che contrasto d’affetti, in sen ti nasce!

Perchè questi sospiri? e queste ambascie?

In what abysses of error, into what dangers, Thy reckless path pursuing, Have guilt and folly brought thee!

The wrath of heaven will surely overwhelm thee, It is swift to destroy.

The lightning flash of retribution impendeth, It will soon be upon thee!

Eternal ruin at last will be thy doom. Wretched Elvira!

What a tempest within thee, thy heart divideth!

Ah, wherefore is this longing?

These pangs of sorrow?

In welche Abgrund, o Himmel, in welchem Pfuhle Abscheulicher Verbrecher versank der Unglücksel’ge!

Nein, nein! Nicht länger wird Gottes Langmut hemmen der Gerechtigkeit Arm. Schon seh’ich flammen den vernichtenden Blitzstrahl, Ihm das Haupt zu zerschmettern.

Schon seh ich offen der Hölle grausen Schlund! Arme Elvira!

Welch ein Kampf der Gefühle bewegt das Herz dir?

Weshalb noch diese Seufzer, dies bange Sehnen?

Dans quels excès, ô Dieux, dans quels méfaits horribles, effroyables, est compromis le misérable !

Ah non ! la colère du ciel, la justice ne peut tarder.

Il me semble déjà entendre le trait fatal qui s’abat sur sa tête !

Je vois ouvert l’abîme mortel !

Malheureuse Elvira !

Quel contraste de sentiments dans ton sein se fait jour !

Pourquoi ces soupirs ?

Et ces angoisses ?

Mi tradì, quell’alma ingrata, infelice, o Dio, mi fa.

Ma tradita e abbandonata, provo ancor per lui pietà.

Quando sento il mio tormento, di vendetta il cor favella, ma se guardo il suo cimento, palpitando il cor mi va.

That ungrateful wretch betrayed me, made me miserable, O Lord.

He betrayed and abandoned me, but I still would forgive him.

When I feel my dreadful anguish, my heart cries out for vengeance.

But if I gaze upon his features, my heart still beats with excitement.

Mich verriet der Undankbare, Gab dem Jammer, der Schmach mich hin.

Doch verraten, von ihm verlassen Fühl’ich Mitleid noch für ihn.

Wenn ich denke alles Leid’s Dann entflammt die Brust von Rache, Doch erblick ich ihn in Gefahren, Ach, dann zagt dies schwache Herz.

Cette âme ingrate m’a trahie et me rend malheureuse, ô Dieu.

Mais trahie et abandonnée, j’éprouve encore pour lui de la pitié.

Quand je perçois mes tourments, de vengeance mon cœur me parle, mais quand je vois ce qu’il encourt, mon cœur se met à palpiter.

22 22

Giacomo Puccini La Bohème: Aria: ‘Sì, mi chiamano Mimì’ (Mimì) Sì. Mi chiamano Mimì, Yes. They call me Mimi, ma il mio nome è Lucia. but my real name’s Lucia.

La storia mia è breve.

My story is brief.

A tela o a seta I embroider silk and satin ricamo in casa e fuori... at home or outside.

Son tranquilla e lieta I’m tranquil and happy, ed è mio svago and my pastime far gigli e rose. is making lilies and roses.

Mi piaccion quelle cose I love all things che han sì dolce malìa, that have gentle magic, che parlano d’amor, that talk of love, di primavere, of spring, di sogni e di chimere, that talk of dreams and fancies, quelle cose the things che han nome poesia. called poetry.

Lei m’intende?

Do you understand me?

Ja. Man nennt mich Mimi, doch mein Name ist Lucia.

Meine Geschichte ist kurz.

Auf Leinen oder auf Seide sticke ich daheim und auswärts.

Ich bin ruhig und heiter und am liebsten sticke ich Lilien und Rosen.

Mich freuen diese Dinge, die solchen süssen Zauber besitzen, die von der Liebe sprechen und vom Frühling; die von Träumen sprechen und von Chimären, diese Dinge, die Poesie heissen.

Sie verstehen mich?

Oui. On m’appelle Mimì, mais mon nom est Lucie.

Mon histoire est très courte : sur la toile et la soie, je brode chez moi ou à l’extérieur.

Je suis tranquille et gaie et mon plaisir est de faire des lys et des roses.

Les choses qui me plaisent sont celles qui sont pleines d’un si doux charme, qui parlent d’amour, du printemps, de rêves et de chimères, toutes ces choses qu’on nomme poésie.

Comprenez-vous ?

Mi chiamano Mimì, il perché non so.

Sola, mi fo il pranzo da me stessa.

Non vado sempre a messa, ma prego assai il Signore.

Vivo sola, soletta là in una bianca cameretta: guardo sui tetti e in cielo; ma quando vien lo sgelo il primo sole è mio, il primo bacio dell’aprile è mio!

Il primo sole è mio.

Germoglia in un vaso una rosa...

Foglia a foglia la spio!

Cosi gentile il profumo d’un fiore!

Ma i fior ch’io faccio, ahimè! non hanno odore.

Altro di me non le saprei narrare.

Sono la sua vicina che la vien fuori d’ora a importunare.

Man nennt mich Mimi, warum, weiss ich nicht.

Allein für mich koch ich mein Essen.

Ich gehe nicht immer in die Messe, doch bete ich oft zu Gott.

Ich lebe allein, ganz allein hier in einem weissen Kämmerchen; schau über die Dächer und in den Himmel, doch fängt es an zu tauen, mein ist die erste Sonne; der erste Kuss des Aprils ist mein.

Die erste Sonne ist mein!

In einer Vase spriesst eine Rose; Blatt um Blatt seh ich erblühn.

So hold ist der Duft der Blumen!

Doch die Blumen, die ich sticke, ach, die haben keinen Duft!

Sonst weiss ich von mir nichts zu berichten; ich bin Ihre Nachbarin, die eben hier eintrat, um Sie zu belästigen.

On m’appelle Mimì, mais je ne sais pas pourquoi, je me prépare moi-même tous mes repas.

Je ne vais pas toujours à la messe, mais je prie souvent le bon Dieu.

Je vis seule, toute seule, là-bas dans une petite chambre blanche.

Je donne sur les toits et le ciel ; mais quand vient le printemps, le premier soleil est mien.

Le premier baiser d’avril est mien !

Le premier soleil est mien.

Une rose éclôt dans un vase, et je la respire, pétale par pétale !

Car le parfum d’une fleur est si délicieux.

Mais les fleurs que je fais, hélas ! sont inodores.

Je ne pourrais rien vous dire de plus.

Je suis votre voisine qui vient vous ennuyer à cette heure indue.

They call me Mimi, I don’t know why.

I live all by myself and I eat all alone.

I don’t often go to church, but I like to pray.

I stay all alone In my tiny white room, I look at the roofs and the sky.

But when spring comes the sun’s first rays are mine.

April’s first kiss is mine, is mine!

The sun’s first rays are mine!

A rose blossoms in my vase, I breathe it petal by petal.

So sweet is the flower’s perfume.

But the flowers I make, alas, have no scent.

What else can I say?

I’m your neighbour, disturbing you at this impossible hour.

23 23

Giacomo Puccini La Bohème: Aria: ‘Donde lieta uscì’ (Mimì) Donde lieta uscì al tuo grido d’amore, torna sola Mimì al solitario nido.

Ritorna un’altra volta a intesser finti fior.

Addio, senza rancor.

Ascolta, ascolta.

Le poche robe aduna che lasciai sparse.

Nel mio cassetto stan chiusi quel cerchietto d’or e il libro di preghiere.

Involgi tutto quanto in un grembiale e manderò il portiere.

Bada, sotto il guanciale c’è la cuffietta rosa.

Se vuoi, serbarla a ricordo d’amor!

Addio, senza rancor.

Whence happily she came at your call of love

Mimì will return to her lonely nest.

She’ll return once again to embroidering imitation flowers.

Goodbye; and no hard feelings.

Listen.

Gather up the few things I left about.

Shut in my drawer is that little gold ring, and my prayer book.

Bundle everything up in an apron and I’ll send the concierge.

Look, under the pillow you’ll find the pink bonnet.

If you want to, keep it as a souvenir of our love!

Goodbye, and no hard feelings!

Von wo sie froh einst kam, deinem Liebesruf folgend, dorthin kehrt nun Mimi

zum einsamen Nest zurück.

Sie kehrt zurück, um wiederum künstliche Blumen zu sticken!

Leb wohl, ohne Groll.

Eine Bitte nur, höre!

Die wenigen Kleider, die ich lasse, leg’ zusammen.

In meiner Schublade sind verschlossen der goldene Ring und mein Gebetbuch.

Wickle all diese Dinge in eine Schürze, übergib sie dem Portier.

Und höre! Unter dem Kopfkissen liegt das rosa Häubchen.

Wenn du willst, behalte es zum Angedenken.

Leb wohl, leb wohl ohne Groll.

Mimì retourne seule vers le nid solitaire d’où elle sortit, joyeuse, à ton appel amoureux.

Elle retourne encore une fois broder ses fausses fleurs.

Adieu, et sans rancune. Écoute, écoute, rassemble les quelques effets que j’ai laissés épars.

Dans mon coffret sont enfermés le petit bracelet d’or et mon livre de prière.

Enveloppe le tout dans un tablier et j’enverrai le concierge.

Tu sais, sous l’oreiller il y a mon bonnet rose.

Si tu veux, garde-le en souvenir de notre amour.

Adieu, et sans rancune.

24 24

Giacomo Puccini Gianni Schicchi: Aria: ‘O mio babbino caro’ (Lauretta) O mio babbino caro, mi piace è bello, bello; vo’andare in Porta Rossa a comperar l’anello!

Oh my dear papa, I love him, he is handsome, handsome.

I want to go to Porta Rossa To buy the ring!

O mein lieber Papa, er gefällt mir, er ist so hübsch!

Ich gehe zur Porta Rossa und kaufe dort den Ring!

Ô mon cher petit papa, Il me plaît, il est beau, il est beau !

Je veux aller à Porta Rossa pour acheter l’anneau.

Sì, sì, ci voglio andare! e se l’amassi indarno, andrei sul Ponte Vecchio, ma per buttarmi in Arno!

Yes, yes, I want to go there!

And if I loved him in vain, I would go to the Ponte Vecchio, but to throw myself in the Arno!

Jawohl, da will ich hingehen, und wenn ich ihn nicht lieben darf, geh ich zum Ponte Vecchio, um mich in den Arno zu stürzen!

Oui, oui, je veux y aller !

Et si mon amour était vain J’irais sur le Ponte Vecchio pour me jeter dans l’Arno !

Mi struggo e mi tormento!

O Dio, vorrei morir!

Babbo, pietà , pietà!

Babbo, pietà , pietà!

I am anguished and tormented!

Oh God, I’d want to die!

Papa, have pity, have pity!

Papa, have pity, have pity!

Ich leide und quäle mich!

O Gott, lieber möchte ich sterben!

Papa, hab Erbarmen!

Papa, hab Erbarmen!

Je me consume, je me tourmente ! Ô Dieu ! je voudrais mourir !

Papa, pitié, pitié !

Papa, pitié, pitié !

Giacomo Puccini Turandot: Aria: ‘Tu che di gel sei cinta’ (Liù) Tu che di gel sei cinta, da tanta fiamma vinta, l’amerai anche tu!

Prima di questa aurora io chiudo stanca gli occhi, perché egli vinca ancora…

Per non vederlo più!

You who are bound by ice, overcome by so much flame, you will love him!

Before this dawn, I close (my) tired eyes, so that he may win again...

Never to see him anymore!

Du bist von Eis umgürtet, doch solcher Glut wirst du erliegen, und dann wirst lieben ihn auch du!

Eh’ noch der Morgen dämmert, schließ müde ich die Augen, damit er nochmals siege...

Und ich ihn nimmer wiederseh’!

Toi qui es ceinte de glace, Vaincue par une telle flamme Toi aussi tu l’aimeras !

Avant cette aurore, Fatiguée, je ferme les yeux, Pour qu’il soit encore vainqueur...

Pour ne plus le voir !

25 25

Jules Émile Frédéric Massenet Thaïs: Aria: ‘Dis moi que je suis belle’ (Thaïs) Dis-moi que je suis belle Et que je serai belle éternellement !

Que rien ne flétrira les roses de mes lèvres, Que rien ne ternira l’or pur de mes cheveux !

Dis-le moi! Dis-le moi !

Tell me that I am beautiful and that I shall always be beautiful.

That nothing will wither the rose of my lips, that nothing will tarnish the pure gold of my hair, Tell me! Tell me!

Sag mir, dass ich schön bin und immer schön sein werde.

Dass nichts die Rose meiner Lippen verdorren lässt, dass nichts das reine Gold meiner Haare trübt.

Sag es mir! Sag es mir!

Ah! Tais-toi, voix impitoyable, Voix que me dis: ‘Thaïs, tu vieilliras’ !

Un jour, ainsi, Thaïs ne serait plus Thaïs !

Non ! Non ! je n’y puis croire, Toi Vénus, réponds-moi de ma beauté !

Vénus réponds-moi de mon éternité !

Vénus, invisible et présente !

Vénus, enchantement de l’ombre !

Vénus! Réponds-moi !

Ah, keep silent, pitiless voice.

The voice that tells me: ‘Thaïs, you will grow old’!

And so, one day, Thaïs will no longer be Thaïs!

No! No! I will not believe it!

Venus, tell me I am beautiful!

Venus, tell me that my beauty is immortal!

Venus, invisible yet present!

Venus, spell of the darkness, Venus, speak to me!

Ah, schweige, erbarmungslose Stimme.

Die Stimme, die mir sagt: ‘Thaïs, du wirst alt werden’!

Und so wird Thaïs eines Tages nicht mehr Thaïs sein!

Nein! Nein! Ich werde es nicht glauben!

Venus, sag mir, dass ich wunderschön bin!

Venus, sag mir, dass meine Schönheit unsterblich ist!

Venus, unsichtbar und doch präsent!

Venus, Zauber der Dunkelheit, Venus, sprich zu mir!

26 26

Pyotr Ilyich Tchaikovsky (1840-1893) Iolanta: Arioso: ‘Why haven’t I known this before’ (Iolanta) Why before didn’t I know not sorrow, trouble, nor tears, and all the days that went by were filled with heavenly sounds and roses?

Warum kannte ich früher keine Sehnsucht, keinen Kummer, keine Tränen und flossen einst alle Tage zwischen himmlischen Klängen und Rosen dahin?

Pourquoi n’ai-je pas souffert autrefois ni la mélancolie, ni la peine, ni les larmes, tandis que je vivais des jours tranquilles, parmi ces harmonies célestes et les roses ?

Barely would I hear birds twittering and warmly the far forest awakening, and everywhere resonating celebration, I joined in the triumphant chorus.

Kaum hörte ich das Zwitschern der Vögel, kaum belebte die warme Luft den fernen Nadelwald und erklang allerorts ein Jubilieren, fiel ich ein in den feierlichen Chor!

Au doux chant des oiseaux, aux réveils des pins lointains, À la joie des chaleurs naissantes, je m’unissais aussitôt à cette liesse joyeuse.

But now all the day brings to me is unclear, deep reproach, and birds’ songs and noisy floods, echo fate’s reproach.

Und jetzt erweckt in mir bei Tage alles einen unerklärlichen, tiefen Vorwurf, und Tadel senden dem Schicksal der Chor der Vögel und der rauschende Strom.

Tandis que maintenant le chœur des oiseaux, le bruissement du ruisseau évoquent en moi comme une violente semonce obscure tel un avertissement adressé au destin.

Why is it, that the quiet of night and cool air are now please me?

Why, when I hear the nightingale, it seems a cry and not singing?

Why? Why, tell me?

Why? Tell me, Marta?

Warum sind das Schweigen der Nacht und die Kühle mir lieber geworden?

Warum ist mir, als hörte ich ein Schluchzen, wo die Nachtigall singt!

Warum? Warum?

Warum? Sprich, Martha!

Pourquoi donc la nuit froide et silencieuse me sied-elle davantage maintenant ?

Comment donc expliquer cette souffrance ressentie au moment où jadis chantait le rossignol ?

Pourquoi ? Dis-moi, pourquoi ?

Pourquoi ? Dis-le-moi, Martha ?

27 27

Pyotr Ilyich Tchaikovsky Eugene Onegin: Letter Aria: ‘Let me die, but first...’ (Tatyana) Let me perish, but first let me summon, in dazzling hope, bliss as yet unknown.

Life’s sweetness is known to me!

I drink the magic potion of desire!

I am beset by visions!

Everywhere, everywhere I look, I see my fatal tempter!

Wherever I look, I see him!

Und wär’s mein Untergang, erfahren will ich zuvor, was schon seit Jahren verschwiegne Wünsche in mir fragen, die ungestüm ans Licht sich wagen.

Ich schlürf das süsse Gift Verlangen, der Sehnsucht Bann hält mich gefangen. Überall, wo ich hinschaue, Ich seh ihn stets, an jedem Ort verfolgen mich sein Blick, sein Wort.

Même si je meurs, je dois d’abord En un brûlant espoir, Éprouver le bonheur inconnu, Goûter l’ivresse de la vie !

Je bois le philtre magique du désir !

Je suis remplie de rêves !

Partout, partout se dresse devant moi Mon funeste tentateur !

Partout, partout, je le vois.

No, that’s all wrong!

I’ll begin again!

Nein, das ist nichts, geschwind ein andres!

Non, ça ne va pas !

Je recommence !

Ah, what’s the matter with me! I’m all on fire!

I don’t know how to begin!

Wie sonderbar! Ich weiss nicht Rat, ich weiss nicht, wie beginnen!

Ah, qu’est ce qui m’arrive, je brûle...

Je ne sais comment commencer !

‘I write to you, - and then?

What more is there to say?

Now, I know, it is within your power to punish me with disdain!

But if you nourish one grain of pity for my unhappy lot, you will not abandon me.

At first I wished to remain silent; then, believe me, you would never have known my shame, never!’

»Ich schreib an Sie ohn’ all Bedenken, ist damit alles nicht gesagt?

Sie dürfen ungestraft mich kränken, ich beug mich wehrlos Ihrer Macht.

Jedoch glimmt für mein traurig Los ein kleiner Funke Mitleid bloss, so werden Sie mich wohl verstehen.

Erst wollt’ ich mein Geheimnis wahren, und niemals, niemals gäb’ mein Mund des Herzens Wünschen Ihnen kund.

Nimmermehr! «

« Je vous écris, que dire d’autre ?

Que puis-je dire de plus ?

Je sais à présent qu’il est en votre pouvoir De me punir de votre mépris !

Mais si vous avez une once de pitié Pour mon triste sort Vous ne me repousserez point.

J’ai d’abord voulu me taire ; ainsi, Croyez-le, vous n’auriez pas su ma honte Jamais, jamais ! »

O yes, I swore to lock within my breast this avowal of a mad and ardent passion.

Alas, I have not the strength to subdue my heart!

Come what may, I am prepared!

I will confess all! Courage!

He shall know all!

Ja, tief im Herzen soll’s verschlossen sein, von andern ungeahnt soll’s glühen, brennen.

Doch ach, es füllt die Seele mir ein Überschwang, gebieten kann ich nicht des Herzens Drang.

Mag kommen, was da will! Wohlan, ich will’s bekennen!

Oh oui, je me jurai de cacher en mon âme L’aveu de cette passion folle et brûlante !

Hélas, je ne puis soumettre mon cœur !

Advienne que pourra, je suis prête !

Je dirai tout ! Courage !

Il saura tout !

28 28

‘Why, oh why did you visit us?

Buried in this remote countryside, I should never have known you, nor should I have known this torment.

The turbulence of a youthful heart, calmed by time, who knows? – most likely I would have found another, have proved a faithful wife and virtuous mother...’

»Was führte Sie in unsre Einsamkeit?

Was war’s? Welch Wünschen, welch Verlangen?

Verschont wär’ ich von allem Leid, von allem Zweifel, Hoffen, Bangen, des unerfahrnen Herzens Wallen hätt’ wohl dereinst geheilt die Zeit.

Ein andrer hätte mir gefallen.

Ihn hätte ich geliebt vor allen, der Hausfrau Pflichten mich geweiht. «

« Pourquoi, pourquoi êtes-vous venu ?

Cachée dans ma campagne tranquille, Je ne vous aurais jamais connu, Ni jamais connu cette torture.

Le tourment d’un jeune cœur, Le temps, qui sait, l’aurait calmé ?

J’en aurais connu un autre J’aurais été épouse fidèle Et mère vertueuse... »

Another! No, not to any other in the world would I have given my heart!

It is decreed on high, It is the will of heaven: I am yours!

My whole life has been a pledge of this inevitable encounter; I know this: God sent you to me, you are my keeper till the grave!

You appeared before me in my dreams; as yet unseen, you were already dear, your wondrous gaze filled me with longing, your voice resounded in my heart long ago ... no, it was no dream!

As soon as you arrived, I recognized you, I almost swooned, began to blaze with passion, and to myself I said: ‘Tis he! ‘Tis he!

I know it! I have heard you ...

Have you not spoken to me in the silence when I visited the poor or sought in prayer some solace for the anguish of my soul?

And just this very moment, was it not you, dear vision, that flamed in the limpid darkness, stooped gently at my bedside and with joy and love whispered words of hope?

Ein andrer!? Nein, nimmer hätt’ auf Erden ich einen andren mir erwählt.

Du musstest mir vom Schicksal werden, vom Himmel bin ich dir vermählt.

Nicht hat das Schicksal mich verblendet mit sel’ger Hoffnung Morgenrot, Gott selbst hat dich zu mir gesendet, mein Hort bist du bis in den Tod. Ich sah im Traume dich schon lange, ich liebte dich, eh ich dich sah, du warest mir schon immer nah, ich folgte deiner Stimme Klange.

Schon längst ... nein, nein, es war kein Traum.

Du nahtest dich, ich sah dich kommen, mein Herzschlag stockte, ich erglühte, und jubelnd rief’s in mir: er ist’s!

Fürwahr, du warst mein Schlummersegen, beschwingtest mich zu jeder Tat, du warst’s, der mir auf allen Wegen, bei Arme und beim Krankenpflegen zur Seite trat.

Du warst’s, den ich beständig hörte, der all mein Sinnen mir betörte, des Gruss mich eingewiegt zur Nacht.

Hast holde Namen mir gegeben, erweckt in mir ein neues Leben und neues Hoffen angefacht.

Un autre ! Non, aucun autre N’aurait reçu mon cœur !

C’est un décret du ciel, C’est la volonté d’en-haut : je suis à toi.

Toute ma vie fit le serment De cette rencontre inévitable ; Je le sais : Dieu t’a envoyé à moi Tu me protègeras jusqu’à la tombe !

Tu m’es apparu dans mes rêves, Même inconnu, je te chérissais, Ton regard clair m’emplissait de désir, Ta voix résonnait dans mon cœur, Autrefois...

Non ce n’était pas un rêve !

Je t’ai reconnu dès ta venue, Foudroyée, je brûlais, Et me disais : c’est lui ! C’est lui !

Pas vrai ? Je t’ai entendu...

Ne m’as-tu point parlé dans le silence, Alors que je visitais les pauvres, Ou que, par la prière, je cherchais L’apaisement de mon âme angoissée ?

Et dans ce moment précis, N’était-ce pas toi, chère image, Qui éclaira la transparente nuit, Se pencha doucement sur ma couche, Et avec joie et amour, Me murmura des mots pleins d’espérance ?

29 29

Who are you’? My guardian angel or a wily tempter?

Put my doubts at rest.

Maybe this is all an empty dream, the self?deception of an inexperienced soul, and something quite different is to be ...’

Sag, nahst als Schutzgeist du und Führer, bist gar ein listiger Verführer?

Gib Antwort, lös die Zweifel mir.

Raubst du mir meinen Seelenfrieden, lockt mich ein Trugbild nur in dir?

Ist anderes mir zubeschieden?

« Qui es-tu : mon ange gardien Ou un tentateur malin ?

Détruis mes doutes.

Peut-être n’est-ce qu’un rêve vide, L’illusion d’un cœur sans expérience, Et arrivera tout autre chose... »

But so be it! My fate henceforth I entrust to you; in tears before you, your protection I implore, I implore.

Imagine: I am all alone here!

No one understands me!

I can think no more, and must perish in silence!

I wait for you, I wait for you! Speak the word to revive my heart’s fondest hopes or shatter this oppressive dream with, alas, the scorn, alas, the scorn I have deserved!

Sei’s, wie es will. Mein ganzes Los ist an das Traumgesicht gebunden, ich komme niemals davon los, durch dich allein kann ich gesunden.

Bedenke nur, bin ganz allein, und niemand will mich hier verstehen.

Verlassen muss ich untergehen, wenn du nicht wirst mein Retter sein.

Ich bau auf dich, Ich bau auf dich, du wirst mich hören, ein einzig Wort des Trostes sprich; doch straft verdienter Vorwurf mich, so wird dein Wort den Traum zerstören.

Qu’il en soit ainsi ! Mon destin Je le pose entre tes mains, En pleurs à tes pieds, J’implore ta protection, J’implore.

Penses-y : je suis seule ici !

Personne ne me comprend !

Mes pensées se dérobent, Je dois mourir en silence !

Je t’attends, je t’attends !

Dis le mot qui fera renaître Le plus bel espoir de mon cœur Ou détruis ce rêve oppressant Avec, hélas, le mépris, Avec, hélas, le mépris que je mérite !

Finished! It’s too frightening to read over, I swoon from shame and fear, but his honour is my guarantee and in that I put my trust!

Ich schliesse. Oh, verstoss mich nicht, missbrauche nimmer mein Vertrauen, Auf dich, du holdes Traumgesicht, auf deine Ehre will ich bauen.

Fini ! J’ai peur de me relire.

J’ai peur et j’ai honte, Mais son honneur est ma protection.

Et je lui fais confiance !

30 30

Recorded at Great Amber Concert Hall in Liepāja (Latvia) 29 - 31 August 2018 Producer: John Clement Anderson Sound Engineer: Normunds Slava Mixing and Mastering: Thomas Vigntrinier, Sequenza Studio, Paris

Translations: Yannick Muet (French) Antonio Gómez Schneekloth (German) Photos: Tommaso Tuzj.com Art Director: Tommaso Tuzj Executive Producer: John Clement Anderson www.lso.lv www.maijakovalevska.com www.odradek-records.com

℗ & © 2019 Odradek Records, LLC, Lawrence (KS) USA. All rights reserved. Unauthorized copying, hiring, lending, public performance, and broadcasting of this sound recording are strictly prohibited.

31 31