Roberto Álvarez •Kseniia Vokhmianina - The Whirlwind Within by Odradek

Roberto Álvarez flute

Kseniia Vokhmianina piano

The Whirlwind Within

JAMES RAE (1957)

JOSÉ ELIZONDO (1972)

Sonatina for Flute and Piano (2007) 1 . I. Aquarelle 2. II. Nocturne 3. III. Fire Dance

12. Limoncello (2018) 02'49 03'08 02'49

DANIEL SÁNCHEZ VELASCO (1972) Dance Preludes (2020) 4. I. Allegro 5. II. Vals lento 6. III. Allegro

04' 33 01' 55 02' 53

GONZALO CASIELLES CAMBLOR (1931-2020) 7. El vals de la fortuna (2014)

01' 58

03' 45

PABLO AGUIRRE (1961) 13. La fuga (1997) 14. Distancias (2002) 15. Pasión ensordecedora (1991)

MIKE MOWER

(1958)

Sonata No. 3 for Flute and Piano (2003) 16. I. Moraine 17. II. Escarpment 18. III. Plateau 19. IV. Scree

ELISENDA FÁBREGAS (1955) Sonata No. 1 for Flute and Piano (1995) 8. I. Allegro 9. II. Largo 10. III. Allegretto scherzando 1 1 . IV. Allegro molto con brio

02'01 04' 41 03' 29

01' 38 04' 11 05' 34 06' 13

Total Play Time: 6 6 ' 1 3 world premiere recordings

05' 18 03' 29 02' 15 03' 25

The Whirlwind Within Roberto Álvarez flute Kseniia Vokhmianina piano

ENG

The Whirlwind Within is our debut album. Colourful, refreshing repertoire that we hope will spin listeners’ emotions with a touch of jazz, folk, classical and latin styles. The album features compositions by Mike Mower, James Rae, Elisenda Fábregas, Daniel Sánchez Velasco, José Elizondo, Gonzalo Casielles Camblor and Pablo Aguirre. The composers themselves have praised the album for being perfectly synchronised and demonstrating an amazing ﬂexibility, changing quickly and convincingly between contrasting moods: from strong and energetic to poetic, dreamy and mysterious. On top of this, with our personal touch we aim to combine virtuosity and musicality, qualities that seem to be carried by the same wind.

The concept of the album emerged while both our concert schedules were interrupted due to the global pandemic in 2020, but that did not stop us from recording this programme in the iconic Esplanade in Singapore. Nature, technology, traditions, urban life... art is truly present in our daily lives. These influences and diversities spun together within our creativity and through our music making, while finding their reflections in this recording. Roberto Álvarez and Kseniia Vokhmianina

Composers of the 20th and 21st centuries have done much to explore the flute’s sonorities in all their variety, from virtuosity and lyricism to the potential for more robust, muscular, even percussive qualities. The works on this album embrace these various facets of the flute, combining its naturally melodic capabilities with innovative techniques such as the detuning effects and flutter-tonguing of Mike Mower’s Sonata No. 3. James Rae (b. 1957) wrote his Sonatina for flute and piano (2007) “to explore the many sound colours of the flute within a tonal and rhythmic context whilst allowing the performer to display their technical prowess and musicianship.” The work is in three highly contrasting movements: an animated, jaunty Aquarelle, contemplative Nocturne and fizzing Fire Dance. Rae was born on Tyneside in the UK, and he studied clarinet, bass clarinet, piano and composition at the Guildhall School of Music and Drama between 1975 and 1979. His career is a plait of three intertwining strands: performing (including as leader of the Phoenix Saxophone Quartet), teaching and composing. He is one of Europe’s most published writers of educational wind music, with over 250 scores to his name including studies and transcriptions. His concert band commissions include Moving On, which was performed in the presence of Princess Anne at the opening of the restored Tynemouth Station. Of this recording, he says: “I am absolutely delighted and feel highly honoured to have my Sonatina included

on this album. It is a true privilege to have a recording of my music by such world-class performers as Roberto Álvarez and Kseniia Vokhmianina”, adding that their “interpretation was exactly what I had in mind when I composed the work.” Composer-conductor Daniel Sánchez Velasco wrote his Dance Preludes in 2020; a triptych of pieces in which two intricate, agile Allegro movements frame a tender waltz, Vals lento. Daniel Sánchez Velasco says of this project: “I have known Roberto Álvarez for many years, almost since we started in music. I have always admired the passion with which he approaches new challenges and projects. Together with Kseniia Vokhmianina they have gone one step further: their interpretation of my Dance Preludes has left me speechless. I have no doubt they have improved my work with their artistry.” Gonzalo Casielles Camblor, who died in 2020 at the age of 89, was a highly esteemed teacher and composer who contributed enormously to the musical life of Avilés in the Asturias region of Spain. Roberto Álvarez said of his teacher that “his music and the memory of him as a teacher and as a friend will accompany me all my life. He has been, without a doubt, the great teacher of Avilesian musicians”. When teaching aural skills, Gonzalo Casielles Camblor used a technique of converting numbers into notes. In 1981, he turned the winning Christmas lottery number, 23786, into a melodic fragment from 4

which he developed a small piece called El vals de la fortuna (Waltz of Fortune). In an interview of 2015, he explained that this piece “was something done on the fly, so simple that I didn’t think it was worth anything”. For decades it languished unnoticed until Roberto Álvarez, one of his aural skills students, became aware of the work in August 2014. He requested a copy, and Gonzalo Casielles Camblor sent him an arrangement for flute and piano; Álvarez gave the premiere the following month. The flute’s motif is based on the original lottery number, transformed into music via the composer’s special method. This motif evolves into two main melodic ideas, which are decorated by the flute’s countermelody in the second half of the piece. As befits a teacher of harmony, the work is founded on conventional progressions, but with hints of jazz adding playfulness, especially during the last piano chord. Elisenda Fábregas (b. 1955) is a Spanish composer-pianist born in Barcelona, where she trained as a pianist at the Conservatory before heading for the United States. She began composing while studying for her master’s degree at The Juilliard School, and was soon collaborating with dance companies in New York. Her output is wide-ranging and has been hailed as “imaginatively colored” (The New York Times) and “complex and haunting” (Washington Post). Fábregas’s Sonata No. 1 for Flute and Piano (1995) is described by

the composer as a “challenging Sonata in which the piano is an equal partner with the flute”. There are “strong and energetic moods” in the outer movements – the final movement is especially technically demanding – as well as a “poetic, dreamy and mysterious” Largo and “a playful interaction” in the third-movement scherzo. Elisenda Fábregas has praised the artists on this album, who “clearly understood the spirit of the music and were able to bring it out with extraordinary musical confidence and precise technique… The ensemble dynamics were also perfectly well balanced, especially in passages where the flute and the piano are in a kind of dialogue, responding to each other.” Mexican composer and engineer José Elizondo (b. 1972) studied at Harvard and has since developed an impressive international career, with works performed by the likes of Sheku Kanneh-Mason and Yuri Revich. The lilting single-movement piece Limoncello (2018) is at once a tribute to Italy and a representation of processing grief. It is a companion piece to Elizondo’s The Dawn of Hope, an immediate reaction to loss; Limoncello “takes place further down the road in that same psychological journey, symbolising the first moment in which the person that has experienced loss is able to smile again and feel sunlight fill the soul”. Elizondo “envisioned the gentle Mediterranean breeze, the sparkling reflection of sunlight on a beautiful Italian fountain, and the beautiful colour of the Limoncello drink that evokes the splendid midday sun”. 5

The result “challenges the performers interpretatively because it needs to be tender but not overly sweet, free flowing with occasional spontaneous sparkling outbursts but not capricious, serene but neither sad nor melancholic”. For Elizondo, the artists on this album “found the perfect sensitivity and balance. They approach the piece with elegance and grace. Their performance evokes a sense of peace, innocence, contentment and joyful serenity compatible with the mental images that inspired this piece.” Argentine composer Pablo Aguirre (b. 1961) was born and studied in Buenos Aires and has come to specialise in music for flute and piano. His output fuses characteristic Argentine styles, including folk music and tango, with contemporary classical techniques; the breathless La fuga (1997) is a malambo, using traditional Argentine rhythms. According to Aguirre, “the music describes a situation of imminent rush to leave a place.” With its rich piano harmonies and melancholic flute line, Distancias (2002) “is a song without words” inspired by the music of Buenos Aires as well as “a distant love, thousands of kilometres away.” The nervy momentum of Pasión ensordecedora (1991) “is based on the rhythm of milonga” – a lively South American dance style – and “describes the story of a boy overwhelmed by his impulses”, which ultimately “lead him to achieve his goals.”

For Aguirre, Roberto Álvarez and Kseniia Vokhmianina “add a regional and national touch from other countries” to his music, as well as enhancing these works with their own personal interpretations of the original material. British composer Mike Mower (b. 1958) studied flute at the Royal Academy of Music in London. He also plays saxophone and clarinet, and like James Rae is the leader of a saxophone quartet, in this case the ensemble ‘Itchy Fingers’. He has performed widely as a session musician with figures from Gil Evans to Björk, and has composed for the BBC Big Band and Stockholm Jazz Orchestra, among others. Mower’s Sonata No. 3 for flute and piano (2003) won first prize at the National Flute Association’s Newly Published Music Competition in 2004, and takes its movement titles from geological phenomena. A ‘Moraine’ is an accumulation of rock on the surface of a glacier, evoked by Mower in the first movement’s haunting sustained flute notes, widelyspaced intervals and bare piano texture. The steep slope of an ‘Escarpment’ prompts music of jazzy spontaneity, with precipitous ascents and descents through the flute’s range. The hypnotic relative stasis of ‘Plateau’, which opens with an extended and beautifully crafted flute solo, is followed by the loose stones of ‘Scree’, which bounce and scatter in music of skittish energy. Joanna Wyld

Text by Joanna Wyld / Odradek Records, LLC is licensed under a Creative Commons Attribution-NoDerivatives 4.0 International License. Permissions beyond the scope of this license may be available at www.odradek-records.com.

I was always fascinated by the sea. Since I was a kid in Asturias, on the northern coast of Spain, I have spent hours looking at the ocean, feeling its breeze, and wondering what life would be like on the other side. The ocean would help me ﬁnd inner peace but would also trigger my curiosity and my hunger to explore the world. I had a similar feeling when I picked the ﬂute as my instrument. I found this fascinating extension of time and territory in the shape of music, and felt the need to explore the differences and similarities between styles.

Years in the conservatory and meeting some of the most wonderful musicians – such as Gonzalo Casielles, Myra and Peter Pearse, Peter Lloyd, Richard Davis and Patricia Morris – made the decision of becoming a professional musician a natural one. My studies at the Asturias Conservatory and the Royal Northern College of Music helped me to realise that music would always be part of my life. Winning international awards was paralleled by my experience performing in orchestras like the Singapore Symphony Orchestra, Asturias Symphony Orchestra, Oviedo Filarmonía, Bach-Akademie, Algarve Orchestra, Barcelona Symphony and Malaysian Philharmonic Orchestra. It’s through a diversity of styles and the premiering of new music that I feel I’m connecting with the world around me. Teaching what I have learnt – and what I keep learning – is a big part of this connection. That’s why I consider my students at the School of the Arts, the Nanyang Academy of Fine Arts in Singapore, and at the Princess Galyani Vadhana Institute of Music in Thailand, to be travel companions, just like my fellow musicians. Roberto Álvarez

My upbringing was utterly indulged in the musical arts as I was growing up on the same street where the legendary Vladimir Horowitz lived in my native Kharkiv, Ukraine; hearing my mum practising piano at home – she was a music pedagogy professor at the University; studying at the specialised music school from age ﬁve to 18. Debuting with a piano concerto in Russia at eight and winning my ﬁrst international piano competition in Italy at the age of 12, I envisioned so many beautiful places where I wanted to perform. Music has become my window on the world since then.

My piano professor and mentor, Boris Kraljevic, (a loyal continuer of Neuhaus’ pianistic lineage through his years of study with Lev Naumov), became my “ﬂambeau” to overseas musical travel after I met him at the age of 16 at a competition in Serbia. Instead of the expected European conservatory experiences, my path brought me to an exotic Singapore horizon. This next milestone in my global lifestyle opened doors to further study at the Royal College of Music in London as well as the Zurich University of the Arts.

The accumulated experience I gained at international piano competitions and recitals is now shaping the way I teach my students. Alongside the excitement of being on stage, teaching is my other passion. I realise it through various means, including my position at the Music Faculty, School of the Arts in Singapore. The art of musical collaboration has genuinely interested me since I was young. Playing a diverse repertoire, hearing different timbres of instruments or voice colours, is totally magical. Perhaps this led me to create the “By Candlelight” chamber music series where I play two roles: programme curator and performer. I have never thought of music as my profession. It is my life; it comes to me as naturally as breathing, whether I am rehearsing, giving a lecture or masterclass, or touring. I see music as my way of expressing emotions as well as sharing energy with others, giving something that can touch the heart and soul of another human being.

Kseniia Vokhmianina

DEU

The Whirlwind Within ist unser Debütalbum: Ein farbenfrohes, erfrischendes Repertoire, von dem wir hoffen, dass es mit einem Hauch von Jazz, Folk, Klassik und lateinamerikanischen Stilen unsere Hörer bewegen wird. Die CD enthält Kompositionen von Mike Mower, James Rae, Elisenda Fábregas, Daniel Sánchez Velasco, José Elizondo, Gonzalo Casielles Camblor und Pablo Aguirre. Die Komponisten selbst haben die CD für die perfekte Interpretation der Werke und ihre erstaunliche Vielfalt gelobt, mit der sie schnell und überzeugend zwischen kontrastreichen Stimmungen wechselt: von stark und energisch bis hin zu poetisch, verträumt und geheimnisvoll. Darüber hinaus versuchen wir mit unserer persönlichen Note, Virtuosität und Musikalität zu verbinden, Eigenschaften, die von derselben Strömung getragen zu werden scheinen. Das Konzept entstand, als unsere beiden Konzertpläne aufgrund der weltweiten Pandemie im Jahr 2020 abgesagt wurden, was uns aber nicht davon abhielt, dieses Programm in der kultigen Esplanade in Singapur aufzunehmen. Natur, Technologie, Traditionen, städtisches Leben... Kunst spielt für uns in allen Bereichen stets eine vorrangige Rolle. Diese Einﬂüsse und Vielfalt spiegeln sich in unserer Kreativität und unserer Musik wieder und sind in dieser Aufnahme präsent.

Roberto Álvarez und Kseniia Vokhmianina

Die Komponisten des 20. und 21. Jahrhunderts haben viel getan, um die Klangmöglichkeiten der Flöte in ihrer Vielfalt zu erforschen, von Virtuosität und Lyrik bis hin zu ihren perkussiven Eigenschaften. Die Werke auf dieser CD greifen diese verschiedenen Facetten der Flöte auf und kombinieren ihre melodischen Möglichkeiten mit innovativen Techniken wie das Verstimmen des Instruments und dem Flatterzungenspiel in Mike Mowers Sonate Nr. 3. James Rae (geb. 1957) schrieb seine Sonatina für Flöte und Klavier (2007), „um die vielen Klangfarben der Flöte in einem tonalen und rhythmischen Kontext zu erforschen und gleichzeitig dem Interpreten die Möglichkeit zu geben, sein technisches Können und seine Musikalität zu zeigen”. Das Werk besteht aus drei stark kontrastierenden Sätzen: einer lebhaften, fröhlichen Aquarelle, einem kontemplativen Nocturne und einem spritzigen Fire Dance. Rae wurde in Tyneside in UK geboren und studierte zwischen 1975 und 1979 Klarinette, Bassklarinette, Klavier und Komposition an der Guildhall School of Music and Drama. Seine Karriere besteht aus drei ineinander greifenden Strängen: Auftreten (u. a. als Leiter des Phoenix Saxophone Quartett), Unterrichten und Komponieren. Mit über 250 Partituren, darunter Etüden und Arrangements, ist er einer der meist veröffentlichten Komponisten in Europa mit Lehrstoff für Blasmusik. Zu seinen Auftragskompositionen

gehört Moving On, das im Beisein von Prinzessin Anne bei der Eröffnung des restaurierten Bahnhofs Tynemouth aufgeführt wurde. Zu dieser Aufnahme äußert er sich wie folgt: „Ich bin absolut begeistert und fühle mich sehr geehrt, dass meine Sonatina auf dieser CD enthalten ist. Es ist ein wahres Privileg, eine Aufnahme meiner Musik mit so erstklassigen Interpreten wie Roberto Álvarez und Kseniia Vokhmianina zu haben”, und fügt hinzu, dass ihre „Interpretation genau dem entsprach, was ich im Sinn hatte, als ich das Werk komponierte”. Der Komponist und Dirigent Daniel Sánchez Velasco schrieb seine Dance Preludes 2020, ein Triptychon, in dem zwei komplizierte, agile AllegroSätze einen zarten Walzer, Vals lento, einrahmen. Daniel Sánchez Velasco sagt über dieses Projekt: „Ich kenne Roberto Álvarez seit vielen Jahren, fast seit wir mit der Musik angefangen haben. Ich habe immer die Leidenschaft bewundert, mit der er neue Herausforderungen und Projekte angeht. Zusammen mit Kseniia Vokhmianina sind sie noch einen Schritt weiter gegangen: Ihre Interpretation meiner Tanzpräludien hat mich sprachlos gemacht. Ich habe keinen Zweifel, dass sie meine Arbeit durch ihre Kunstfertigkeit verbessert haben”. Gonzalo Casielles Camblor, der 2020 im Alter von 89 Jahren verstarb, war ein hoch geschätzter Lehrer und Komponist, der einen großen Beitrag zum 11

Musikleben von Avilés in der spanischen Region Asturien leistete. Roberto Álvarez behauptet über seinen Lehrer: „Seine Musik und die Erinnerung an ihn als Lehrer und Freund werden mich mein ganzes Leben lang begleiten. Er war zweifellos der größte Lehrer der avilesischen Musiker”. Im Gehörbildungsunterricht setzte Gonzalo Casielles Camblor eine Technik zur Umwandlung von Zahlen in Noten ein. Im Jahr 1981 verwandelte er die Gewinnzahl der Weihnachtslotterie, 23786, in ein melodisches Fragment, aus dem er ein kleines Stück namens El vals de la fortuna (Walzer des Glücks) entwickelte. In einem Interview aus dem Jahr 2015 erklärte er, dass dieses Stück „etwas war, das spontan entstand, so einfach, dass ich nicht dachte, es sei etwas wert”. Jahrzehntelang blieb es unbemerkt, bis Roberto Álvarez, einer seiner Studenten für Gehörbildung, im August 2014 auf das Werk aufmerksam wurde. Er bat um eine Kopie, und Gonzalo Casielles Camblor schickte ihm ein Arrangement für Flöte und Klavier; Álvarez brachte es im folgenden Monat zur Uraufführung. Das Motiv der Flöte basiert auf der ursprünglichen Lottozahl, die der Komponist mit einer speziellen Methode in Musik verwandelt hat. Aus diesem Motiv entwickeln sich zwei melodische Hauptideen, die in der zweiten Hälfte des Stücks von der Gegenmelodie der Flöte verziert werden. Wie es

sich für einen Harmonielehrer geziemt, basiert das Werk auf konventionellen Progressionen, die jedoch durch Anklänge an den Jazz immer verspielter werden, insbesondere beim letzten Klavierakkord. Elisenda Fábregas (geb. 1955) ist eine spanische Komponistin und Pianistin, die in Barcelona geboren wurde, wo sie am Konservatorium eine Ausbildung als Pianistin absolvierte, bevor sie in die Vereinigten Staaten ging. Während ihres Masterstudiums an der Juilliard School begann sie zu komponieren und arbeitete schon bald mit Tanzgruppen in New York zusammen. Ihr Schaffen ist breit gefächert und wurde als „phantasievoll gefärbt” (The New York Times) und „komplex und eindringlich“ (Washington Post) gelobt. Fábregas’ Sonate Nr. 1 für Flöte und Klavier (1995) wird von der Komponistin als eine „anspruchsvolle Sonate, in der das Klavier ein gleichberechtigter Partner der Flöte ist”, beschrieben. Es gibt „starke und energische Stimmungen” in den Ecksätzen – der Schlusssatz ist technisch besonders anspruchsvoll – sowie ein „poetisches, verträumtes und geheimnisvolles” Largo und „eine spielerische Interaktion” im Scherzo des dritten Satzes. Elisenda Fábregas lobt die Künstler dieser CD, die „den Geist der Musik klar verstanden haben und ihn mit außerordentlicher musikalischer Sicherheit und präziser Technik zum Ausdruck bringen... Auch die Dynamik des Ensembles war perfekt ausbalanciert,

vor allem in den Passagen, in denen die Flöte und das Klavier in einer Art Dialog stehen und aufeinander reagieren”. Der mexikanische Komponist und Ingenieur José Elizondo (geb. 1972) studierte in Harvard und hat seither eine beeindruckende internationale Karriere hinter sich, deren Werke von Künstlern wie Sheku Kanneh-Mason und Yuri Revich aufgeführt wurden. Das beschwingte einsätzige Stück Limoncello (2018) ist zugleich eine Hommage an Italien und eine Verarbeitung von Trauer. Es ist ein Begleitstück zu Elizondos The Dawn of Hope, einer unmittelbaren Reaktion auf einen Verlust; Limoncello „findet auf der gleichen psychologischen Ebene statt und symbolisiert den ersten Moment, in dem die Person, die einen Verlust erlebt hat, wieder lächeln und das Sonnenlicht in der Seele spüren kann”. Elizondo „stellte sich die sanfte mediterrane Brise vor, die funkelnde Reflexion des Sonnenlichts auf einem schönen italienischen Brunnen und die schöne Farbe des Limoncello-Getränks, die an die herrliche Mittagssonne erinnert”. Das Ergebnis „stellt die Musiker vor eine interpretatorische Herausforderung, denn das Stück muss zart, aber nicht übermäßig süß sein; frei fließend mit gelegentlichen spontanen, funkelnden Ausbrüchen, aber nicht kapriziös; ernst, aber weder traurig noch melancholisch”. Für Elizondo haben die Musiker auf dieser CD „die perfekte Sensibilität und Balance

gefunden. Sie gehen das Stück mit Eleganz und Anmut an. Ihre Darbietung ruft ein Gefühl des Friedens, der Unschuld, der Zufriedenheit und der freudigen Heiterkeit hervor, das mit den geistigen Bildern, die dieses Stück inspiriert haben, übereinstimmt”… Der argentinische Komponist Pablo Aguirre (geb. 1961) wurde in Buenos Aires geboren und studierte dort. Er hat sich auf Musik für Flöte und Klavier spezialisiert. In seinem Werk verschmelzen charakteristische argentinische Stile, darunter Volksmusik und Tango, mit zeitgenössischen klassischen Techniken; das atemlose La fuga (1997) ist ein Malambo, der traditionelle argentinische Rhythmen verwendet. Laut Aguirre „beschreibt die Musik den Moment einer eiligen, unmittelbar bevorstehenden Abreise“. Mit seinen reichen Klavierharmonien und der melancholischen Flötenlinie ist Distancias (2002) „ein Lied ohne Worte”, inspiriert von der Musik von Buenos Aires sowie von „einer fernen Liebe, Tausende von Kilometern weit weg”. Der nervöse Schwung von Pasión ensordecedora (1991) „basiert auf dem Rhythmus der Milonga” – einem lebhaften südamerikanischen Tanzstil – und „beschreibt die Geschichte eines jungen Mannes, der von seinen Gefühlen überwältigt wird”, die ihn schließlich „zum Erreichen seiner Ziele führen”. Für Aguirre fügen Roberto Álvarez und Kseniia Vokhmianina seiner 13

Musik „einen regionalen und nationalen Touch aus anderen Ländern” hinzu und bereichern diese Werke mit ihren eigenen persönlichen Interpretationen des Originalmaterials. Der britische Komponist Mike Mower (geb. 1958) studierte Flöte an der Royal Academy of Music in London. Er spielt auch Saxophon und Klarinette und ist wie James Rae Leiter eines Saxophonquartetts, in diesem Fall des Ensembles Itchy Fingers. Er hat als Studio-Musiker mit Persönlichkeiten von Gil Evans bis Björk zusammengearbeitet und u. a. für die BBC Big Band und das Stockholm Jazz Orchestra komponiert. Mowers Sonate Nr. 3 für Flöte und Klavier (2003) gewann 2004 den ersten Preis beim

Newly Published Music Competition der National Flute Association und bezieht seine Satztitel aus geologischen Phänomenen. Eine „Moräne” ist eine Ansammlung von Gestein auf der Oberﬂäche eines Gletschers, die Mower in den eindringlichen, anhaltenden Flötentönen, den großen Intervallen und der kahlen Klavierstruktur des ersten Satzes evoziert. Der steile Abhang eines „Escarpment” führt zu einer Musik von jazziger Spontaneität, mit heftigen Auf- und Abstiegen durch den Tonumfang der Flöte. Der hypnotischen relativen Stasis von „Plateau”, das mit einem ausgedehnten und wunderschön ausgearbeiteten Flötensolo beginnt, folgen die losen Steine von „Scree”, die in einer Musik von lebhafter Energie abwärts hüpfen. Joanna Wyld

Autor des Textes Joanna Wyld (Übers. Antonio Gómez Schneekloth) / Odradek Records, LLC ist im Besitz einer Creative Commons-Namensnennung-Keine Bearbeitungen-4.0 Internationalen Lizenz. Genehmigungen, die über den Geltungsrahmen dieser Lizenz hinausgehen, kann man bei www.odradek-records.com erhalten.

Ich war schon immer vom Meer fasziniert. Seit meiner Kindheit in Asturien, an der Nordküste Spaniens, habe ich stundenlang auf den Ozean geschaut, seine Brise gespürt und mich gefragt, wie das Leben auf der anderen Seite wohl sein mag. Das Meer half mir, inneren Frieden zu ﬁnden, weckte aber auch meine Neugierde und meinen Hunger, die Welt zu erkunden. Ein ähnliches Gefühl hatte ich, als ich die Flöte als Instrument wählte. Ich fand diese faszinierende Ausdehnung von Zeit und Territorium in Form von Musik faszinierend und verspürte das Bedürfnis, die Unterschiede und Ähnlichkeiten zwischen den Stilen zu erforschen. Die Jahre am Konservatorium und die Begegnung mit einigen der wunderbarsten Musiker wie Gonzalo Casielles, Myra und Peter Pearse, Peter Lloyd, Richard Davis und Patricia Morris machten die Entscheidung, Berufsmusiker zu werden, zur Selbstverständlichkeit. Meine Studien am Konservatorium von Asturien und am Royal Northern College of Music halfen mir zu erkennen, dass Musik immer ein Teil meines Lebens sein würde. Der Gewinn internationaler Preise ging einher mit meiner Erfahrung in Orchestern wie dem Singapore Symphony Orchestra, dem Orquesta Sinfónica de Asturias, der Oviedo Filarmonía, der Bach-Akademie, dem Algarve Orchestra, dem Sinfónica de Barcelona und dem Malaysian Philharmonic Orchestra.

Durch die Vielfalt der Stile und die Uraufführung neuer Musik habe ich das Gefühl, dass ich mit der Welt um mich herum in Verbindung stehe. Das zu lehren, was ich gelernt habe – und was ich weiter lerne – ist ein wichtiger Teil dieser Verbindung. Deshalb betrachte ich meine Studenten an der School of the Arts, der Nanyang Academy of Fine Arts in Singapur und am Princess Galyani Vadhana Institute of Music in Thailand als Reisegefährten, genau wie meine Musikkollegen. Roberto Álvarez

In meiner Erziehung kam ich schon früh mit Musik in Berührung, denn ich wuchs in derselben Straße auf, in der der legendäre Vladimir Horowitz in meiner ukrainischen Heimatstadt Charkiw lebte. Ich hörte meine Mutter zu Hause Klavier üben – sie war Professorin für Musikpädagogik an der Universität – und ich besuchte von fünf bis 18 Jahren eine Musikschule. Ich war acht Jahre alt als ich mit einem Klavierkonzert in Russland debütierte und gewann mit 12 Jahren meinen ersten internationalen Klavierwettbewerb in Italien. Damals hatte ich schon viele schöne Orte vor Augen, an denen ich auftreten wollte. Seitdem ist die Musik mein Fenster zur Welt geworden. Mein Klavierprofessor und Mentor, Boris Kraljevic (ein treuer Fortsetzer der Lehren von Neuhaus durch seine Studienjahre bei Lev Naumov), wurde mein „Leuchtturm” für musikalische Reisen nach Übersee, nachdem ich ihn im Alter von 16 Jahren bei einem Wettbewerb in Serbien kennengelernt hatte. Anstelle der erwarteten Erfahrungen an einem europäischen Konservatorium führte mich mein Weg in das exotische Singapur. Dieser nächste Meilenstein in meinem globalen Lebensstil öffnete mir die Türen zu weiteren Studien am Royal College of Music in London und an der Zürcher Hochschule der Künste.

Die Erfahrungen, die ich bei internationalen Klavierwettbewerben und Konzerten gesammelt habe, prägen jetzt die Art und Weise, wie ich meine Schüler unterrichte. Neben der Freude, auf Bühnen zu stehen, ist das Unterrichten meine andere Leidenschaft. Das zeigt sich auf mannigfaltigen Wegen, einschließlich dank meiner Position an der Musikfakultät der School of the Arts in Singapur. Die Kunst des musikalischen Zusammenspiels hat mich schon in jungen Jahren sehr interessiert. Ein vielfältiges Repertoire zu spielen, verschiedene Klangfarben von Instrumenten oder Stimmen zu hören, ist einfach magisch. Vielleicht hat mich das dazu bewogen, die Kammermusikreihe „By Candlelight” ins Leben zu rufen, bei der ich zwei Rollen spiele: Programmkuratorin und Interpretin. Ich habe die Musik nie als meinen Beruf betrachtet. Sie ist mein Leben; sie gehört zu mir so selbstverständlich wie das Atmen, ob ich nun übe, einen Vortrag oder einen Meisterkurs gebe oder auf Tournee bin. Ich sehe Musik als meine Möglichkeit, Gefühle auszudrücken und Energie mit anderen zu teilen: etwas zu geben, das das Herz und die Seele eines anderen Menschen berühren kann. Kseniia Vokhmianina

ESP

The Whirlwind Within es nuestro primer álbum. Un repertorio colorista y fresco que esperamos que remueva las emociones del oyente, con toques de jazz, folk y estilos clásico y latino. El álbum incluye composiciones de Mike Mower, James Rae, Elisenda Fábregas, Daniel Sánchez Velasco, José Elizondo, Gonzalo Casielles Camblor y Pablo Aguirre. Los mismos compositores han elogiado el álbum considerándolo perfectamente sincronizado y demostrando una ﬂexibilidad asombrosa, alternando estados de ánimo diferentes de forma rápida y convincente: desde fuerte y enérgico hasta poético, soñador y misterioso. Por otra parte, aportando nuestro toque personal buscamos combinar virtuosismo y musicalidad, cualidades que parecen ir juntas en la misma dirección.

La idea de este álbum surgió cuando nuestro calendario de conciertos se vio interrumpido por la pandemia global en 2020, si bien esto no nos impidió grabar este programa en la emblemática Explanada de Singapur. Naturaleza, tecnología, tradiciones, vida urbana… el arte está realmente presente en el día a día de nuestras vidas. Estas inﬂuencias y diversidad se entrelazaron en nuestra creatividad y en la creación de nuestra música, hallando reﬂejos de ellas en esta grabación. Roberto Álvarez y Kseniia Vokhmianina

Compositores de los siglos XX y XXI han explorado las sonoridades de la flauta en toda su variedad, desde el virtuosismo y el lirismo hasta la capacidad de conseguir cualidades más robustas, recias e incluso percusivas. Las obras de este álbum abarcan estas variadas facetas de la flauta combinando sus cualidades, por naturaleza melódicas, con técnicas innovadoras tales como efectos de detuning y de frullato en la Sonata nº 3 de Mike Mower. James Rae (1957) escribió su Sonatina para flauta y piano (2007) “para explorar los numerosos colores sonoros de la flauta en un contexto tonal y rítmico permitiendo al intérprete exhibir su destreza y talento musical”. La obra se compone de tres movimientos de gran contraste: una animada y desenfadada Aquarelle, un contemplativo Nocturne y una chispeante Fire Dance. Rae nació en Tyneside en Reino Unido y estudió clarinete, clarinete bajo, piano y composición en la Guildhall School of Music and Drama entre 1975 y 1979. En su carrera aparecen tres facetas entrelazadas: la interpretación (también como líder del Phoenix Saxophone Quartet), la enseñanza y la composición. Es uno de los escritores con más publicaciones en Europa sobre la didáctica de la música de viento, con más de 250 partituras a su nombre, además de estudios y transcripciones. Sus encargos para banda de conciertos incluyen Moving On, interpretada en presencia de la Princesa Ana en la inauguración de la recién restaurada Estación de Tynemouth. Sobre esta grabación él declaró: “Estoy absolutamente encantado y me siento plenamente honrado de que se incluya mi Sonatina en este álbum. Es un verdadero privilegio que realicen una grabación

de mi música unos intérpretes de primer orden como Roberto Álvarez y Kseniia Vokhmianina”, añadiendo también que su “interpretación era exactamente lo que yo tenía en mi mente cuando compuse la obra.” El compositor y director Daniel Sánchez Velasco escribió Dance Preludes en 2020. Se trata de un tríptico de obras en las que dos movimientos Allegro, ágiles y complejos, enmarcan un tierno vals, Vals lento. Daniel Sánchez Velasco dice sobre este proyecto: “Hace muchos años que conozco a Roberto Álvarez, casi desde que comenzamos en la música. Siempre he admirado la pasión con la que aborda nuevos retos y proyectos. Junto con Kseniia Vokhmianina ha conseguido ir un paso más allá: su interpretación de mis Dance Preludes me ha dejado sin palabras. No me cabe duda de que ellos han mejorado mi obra con su arte.” Gonzalo Casielles Camblor, que murió en 2020 a la edad de 89 años, fue un profesor y compositor muy apreciado que contribuyó enormemente a la vida musical de la localidad asturiana de Avilés. Roberto Álvarez dijo sobre su maestro que “su música y su recuerdo como profesor y como amigo me acompañará toda la vida. Ha sido, sin duda, el gran maestro de los músicos avilesinos”. Cuando enseñaba Educación auditiva, Gonzalo Casielles Camblor utilizaba la técnica de convertir los números en notas. En 1981 transformó el número ganador de la lotería de Navidad, 23786, en un fragmento melódico, a partir del cual desarrolló una pequeña pieza llamada El vals de la fortuna. En una entrevista en el año 2015 explicaba que esta pieza 19

“era algo compuesto sobre la marcha, tan sencilla que creía que no valía nada”. Durante décadas languideció pasando desapercibida hasta que Roberto Álvarez, uno de sus estudiantes de Educación auditiva, tomó conciencia de la importancia de la obra en agosto de 2014. Solicitó una copia y Gonzalo Casielles Camblor le envió un arreglo para flauta y piano. Álvarez la estrenó al mes siguiente. El tema de la flauta está basado en el número de lotería inicial, transformándolo en música a través del método especial del compositor. Este tema evoluciona hacia dos ideas melódicas principales, decoradas mediante la contramelodía de la flauta en la segunda mitad de la obra. Como corresponde a un profesor de Armonía, la obra tiene como base progresiones convencionales pero con toques de jazz, lo que le presta un carácter lúdico, especialmente en el último acorde del piano. Elisenda Fábregas (1955) es una compositora y pianista nacida en Barcelona, donde se formó como pianista en el Conservatorio antes de trasladarse a Estados Unidos. Comenzó a componer durante sus estudios de máster en The Juilliard School y enseguida empezó a colaborar con compañías de danza en Nueva York. Su producción es muy variada y ha sido reconocida como “imaginativamente colorista” (The New York Times) y “compleja e inquietante” (Washington Post). La compositora describe su Sonata nº 1 para flauta y piano (1995) como una “sonata desafiante en la que el piano y la flauta están en un plano de igualdad”. Hay “estados

de ánimo fuertes y enérgicos” en los movimientos extremos –el movimiento final es especialmente exigente técnicamente– así como un largo “poético, imaginativo y misterioso” y “una interacción lúdica” en el tercer movimiento scherzo. Elisenda Fábregas ha elogiado a los artistas de este álbum, que “entendieron claramente el espíritu de la música y fueron capaces de extraerlo con una confianza musical extraordinaria y una técnica concisa… La dinámica del conjunto resultaba perfectamente equilibrada, sobre todo en los pasajes donde la flauta y el piano están en una especie de diálogo contestándose la una al otro.” El compositor e ingeniero mejicano José Elizondo (1972) estudió en Harvard y desde entonces ha desarrollado una impresionante carrera internacional, con obras ejecutadas por intérpretes tales como Sheku Kanneh-Mason y Yuri Revich. La rítmica obra en un solo movimiento Limoncello (2018) es un homenaje a Italia a la vez que una representación del proceso del dolor. Es una obra asociada a The Dawn of Hope (La alborada de la esperanza), también de Elizondo, una reacción inmediata a la pérdida. Limoncello “ocurre más adelante durante el mismo viaje psicológico, simbolizando que la persona que ha experimentado una pérdida puede sonreír de nuevo y sentir que la luz del sol llena su alma”. Elizondo “imaginaba la suave brisa mediterránea, el reflejo brillante de la luz del sol sobre una bella fuente italiana, y el precioso color de la bebida de limoncello que evoca el espléndido sol del mediodía”. El resultado “reta a los músicos desde el punto de vista interpretativo porque necesita 20

ser tierno pero no abiertamente dulce, fluido con arrebatos ocasionales brillantes y espontáneos pero no caprichoso, sereno pero ni triste ni melancólico”. Según Elizondo los artistas en este álbum “consiguieron una sensibilidad y un equilibrio perfectos. Se acercan a la obra con elegancia y gracia. Su interpretación evoca un sentido de paz, inocencia, complacencia y alegre serenidad compatibles con las imágenes mentales que inspiraron la obra”. El compositor argentino Pablo Aguirre (1961) nació y estudió en Buenos Aires, y se ha especializado en música para flauta y piano. Su producción fusiona estilos característicos argentinos que incluyen música folk y tango con técnicas clásicas contemporáneas. La fuga (1997), agitadísima, es un malambo que usa ritmos tradicionales argentinos. Según Aguirre, “la música describe una situación de prisa inminente para irse de un lugar”. Con sus ricas armonías de piano y la melancólica parte de flauta, Distancias (2002) “es una canción sin palabras” inspirada en la música de Buenos Aires, además de “un amor lejano a miles de kilómetros de distancia”. El impulso vigoroso de Pasión ensordecedora (1991) “está basado en el ritmo de la milonga”, un estilo de danza sudamericano muy vivo, y “describe la historia de un chico abrumado por sus impulsos”, lo cual finalmente “le lleva a conseguir sus objetivos”. Para Aguirre, Roberto Álvarez y Kseniia Vokhmianina “añaden un toque regional y nacional de

otros países” a su música además de realzar estas obras con sus interpretaciones personales del material original. El compositor británico Mike Mower (1958) estudió flauta en la Royal Academy of Music en Londres. También toca el clarinete y el saxofón y, como James Rae, es el líder de un cuarteto de saxofones, en este caso el conjunto ‘Itchy Fingers’. Ha actuado por todas partes como músico de sesión con figuras como Gil Evans o Björk, y ha compuesto para la BBC Big Band y la Stockholm Jazz Orchestra entre otras. Su Sonata nº 3 para flauta y piano (2003) ganó el primer premio de la Newly Published Music Competition organizado por la Asociación Nacional de Flauta británica en 2004. La obra toma el título de sus movimientos de fenómenos geológicos. Una ‘Moraine’ (morrena) es una acumulación de roca sobre la superficie de un glaciar que Mower evoca con las notas de flauta sostenidas e inquietantes del primer movimiento, los intervalos espaciados y una textura simple del piano. La pendiente escarpada de un ‘Escarpment’ (escarpe) sugiere música espontánea jazzística, con ascensos y descensos abruptos a lo largo del registro flautístico. La estasis relativa e hipnótica de ‘Plateau’ (meseta), que se abre con un solo de flauta extenso y bellamente elaborado, continúa con las piedras sueltas de ‘Scree’ (talud) que rebotan y se desparraman en una música de caprichosa energía. Joanna Wyld

Texto de Joanna Wyld (Trad. Gregory & Louisa Starkey) / Odradek Records, LLC bajo licencia Creative Commons AttributionNoDerivatives 4.0 International License. Permisos más allá del ámbito de esta licencia disponibles en www.odradek-records.com

Siempre me ha fascinado el mar. Desde niño en Asturias, en la costa norte de España, he pasado horas mirando el océano, sintiendo la brisa y preguntándome cómo sería la vida al otro lado. El océano me ayudaba a encontrar la paz interior pero también me provocaba la curiosidad y el ansia de explorar el mundo. Sentí algo similar cuando elegí la ﬂauta como mi instrumento. Descubrí esta misma fascinante extensión de tiempo y espacio en forma de música y sentí la necesidad de explorar las diferencias y similitudes entre distintos estilos. Años en el conservatorio y conocer a algunos de los músicos más admirables como Gonzalo Casielles, Myra y Peter Pearse, Peter Lloyd, Richard Davis y Patricia Morris, me inclinaron a tomar la decisión, de forma natural, de convertirme en músico profesional. Mis estudios en el Conservatorio de Asturias y en el Royal Northern College of Music me ayudaron a comprender que la música sería siempre una parte de mi vida. La obtención de premios internacionales fue simultánea a mi experiencia interpretando en orquestas como la Singapore Symphony Orchestra, Orquesta Sinfónica del Principado de Asturias, Oviedo Filarmonía, Bach-Akademie, Orquestra Sinfónica do Algarve, Orquestra Simfònica de Barcelona y Malaysian Philharmonic Orchestra. A través de la diversidad de estilos y de estrenar música nueva me encuentro conectado con el mundo que me rodea. Enseñar lo que he aprendido –y sigo aprendiendo– es gran parte de esta conexión. Por eso considero a mis alumnos de la School of the Arts, la Nanyang Academy of Fine Arts de Singapur y del Princess Galyani Vadhana Institute of Music de Tailandia compañeros de viaje así como compañeros en la música. Roberto Álvarez

Mi educación ha estado totalmente entregada al arte musical ya que me crié en la misma calle en la que el legendario Vladimir Horowitz vivía en mi Kharkiv natal en Ucrania. Escuchaba a mi madre tocando el piano en casa –era profesora de pedagogía musical en la universidad– y estudié en una escuela especializada de música desde los cinco hasta los dieciocho años. Mi debut en Rusia con un concierto de piano a los ocho años y la obtención de mi primer premio internacional de piano en Italia a los doce me hicieron imaginar tantos lugares hermosos en los que me gustaría tocar. La música se ha convertido en mi ventana al mundo desde entonces.

Mi profesor de piano y mentor, Boris Kraljevic (un ﬁel seguidor del linaje pianístico de Neuhaus a través de sus años de estudio con Lev Naumov) se convirtió en la “antorcha” que guiaba mis viajes musicales al extranjero después de conocerle a los dieciséis años en un concurso en Serbia. En vez de las esperadas experiencias en conservatorios europeos, mi camino me llevó hacia el horizonte exótico de Singapur. El siguiente peldaño de mi caminar por el mundo me abrió las puertas a realizar estudios en el Royal College of Music de Londres y también en la Zurich University of the Arts. La experiencia acumulada adquirida en los concursos internacionales de piano y recitales me sirve ahora para moldear la manera de enseñar a mis estudiantes. Junto a la emoción de estar sobre un escenario, la enseñanza es mi otra pasión. La llevo a cabo de varias maneras, una de ellas desde mi puesto en la Music Faculty de la School of the Arts de Singapur. El arte del acompañamiento musical me ha interesado desde joven: tocar un repertorio variado, oír diferentes timbres de instrumentos musicales o colores de voz es absolutamente mágico. Quizás esto me llevó a crear el ciclo de música de cámara “By Candlelight” en la que tengo dos funciones: comisariado del programa e intérprete.

Nunca he considerado la música como mi profesión. Es mi vida, me resulta tan natural como respirar, tanto si estoy ensayando, dando una conferencia o una clase magistral, o haciendo una gira. Considero la música como una forma de expresar mis emociones y a la vez compartirlas con otros, de ofrecer algo que conmueva el corazón y el alma de otro ser humano. Kseniia Vokhmianina

Recorded at Yong Siew Toh Conservatory of Music Recording Studio 5 & 6 September 2020 Producers: Roberto Álvarez and Kseniia Vokhmianina Editor & Sound Engineer: Zhou Xiaodong Mastering: Zhou Xiaodong Translations: Gregory & Louisa Starkey (Spanish) Antonio Gómez Schneekloth (German) Publishers: James Rae: © Reedimensions, 2007 Elisenda Fábregas: © Leduc, 1995 José Elizondo: © BMI, 2018 Mike Mower: © Itchy Fingers Publications, 2003 Cover image: Sol LeWitt: Wall Drawing #915, Arcs, Circles and Irregular Bands (1999) at Marina Bay Sands station, Singapore Photos: Lenny Pacheco odradek-records.com robertoalvarezﬂute.com kseniiavokhmianina.com franziskapietsch.online makihayashida.de odradek-records.com ℗ & © 2021 Odradek Records, LLC, Lawrence (KS) USA. ODRCD419 All rights reserved. Unauthorized copying, hiring, lending, public performance, and broadcasting of this sound recording are strictly prohibited.