IBERIAN IMPRESSIONS Paulo Oliveira piano
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JOSÉ VIANNA DA MOTTA (1868-1948)
ARMANDO JOSÉ FERNANDES (1906-1983) Sonatina (1941)
0 1. I. Allegretto grazioso 02. II. Tempo di Folia 03. III. Allegro non troppo
3 Cenas Portuguesas, Op. 9 (1904) 0 2 '4 6 02'59 01'37
04. I. Preludio 05. II. Tango 06. III. Malagueña 07. IV. Serenata 08. V. Capricho catalán 09. VI. Zortzico
Sonatine pour Yvette (1962) 01'57 0 2 '4 5 04'21 0 3 '4 6 0 3 '4 8 02'26
PEDRO BLANCO (1883-1919) Castilla, Op. 16
1 0 . II. Nana leonesa
0 5 '4 6 03'16 03'09
XAVIER MONTSALVATGE (1912-2002)
ISAAC ALBÉNIZ (1860-1909) España, Op. 165 (1892)
13. I. Cantiga d’Amor 14. II. Chula 15. III. Valsa Caprichosa
04'51
16. I. Vivo e spiritoso 17. II. Moderato molto 18. III. Allegretto
03'38 0 4 '4 7 02'20
Total Play Time: 6 3 ' 3 7
PAULO OLIVEIRA piano
Heures Romantiques, Op. 6 1 1 . V. Berceuse
0 4' 2 0
Galanías, Op. 10 1 2 . III. Verbena
0 4' 5 8
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ENG
This being my debut album, I wanted to dive into my roots and express my feelings and thoughts in the most genuine and authentic way. The programme presented here represents a journey through Iberian piano music, featuring composers and works that have, in some way, had an impact on my life. It starts and ends with two formally structured works, serving as foundations for the entire programme: the Sonatinas by Armando José Fernandes and Xavier Montsalvatge. In a freer style, the nationalistic suites by Isaac Albéniz (España) and José Vianna da Motta (Cenas Portuguesas) represent explorations of images, landscapes, dances, or typical scenes of Spanish and Portuguese everyday life. With two composers from each country, I felt I needed a link between them: someone who could create a bridge between the two cultures. No one better than Pedro Blanco represents the fusion between Spanish and Portuguese piano music. Born in Spain, where he formed his musical and artistic personality, he moved to Portugal where he spent most of his rather short adult life. He carried out very important cultural exchanges between Spain and Portugal, devotedly contributing to a contemporary cultural Iberianism. Pedro Blanco’s three pieces included on this album share the particularity of being dedicated to Portuguese artists. My last piano teacher, Sequeira Costa, was a great interpreter of Iberian piano music. He was a major influence on my piano playing and his very personal approach to performing this repertoire has had a profound impact on my own. I remember him as I share this recording with you. Paulo Oliveira
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Armando José Fernandes was a Portuguese composer and pianist who remained in Lisbon for much of his life, growing up there, studying composition at the Lisbon Conservatory with Costa Ferreira and, in 1940, joining the faculty of the city’s Academia de Amadores de Música. Then in 1953 he was appointed lecturer in counterpoint at the Lisbon Conservatory. In the interim he studied in Paris with illustrious figures such as Nadia Boulanger, Paul Dukas, Jean Roger-Ducasse and Alfred Cortot, and he won the Moreira de Sá Prize for composition in 1944 and the Círculo de Cultura Musical prize in 1946. Fernandes had an introspective temperament that is reflected in much of his music, which is usually for intimate chamber combinations and with a preference for Classical forms that has led to him being described as predominantly a ‘neoclassical’ composer. The Sonatina (1941) for piano is an example of this aesthetic and was composed soon after Fernandes started his role at the Academia. The work opens with radiant chords punctuated by more fluid piano writing; the effect is Impressionistic but goes beyond the pastel shades of Debussy and Ravel into more vivid terrain, anchored by a lilting recurring rhythm. The ‘Tempo di Folia’ refers to ‘La Folia’, an ancient and widespread melody and chord progression used in numerous compositions since the Middle Ages; it was especially popular during the Baroque era. The finale is an intricate, tonally ambiguous movement of great charm; at once spiky and dense, but ending with soft subtlety.
Unlike Fernandes, the great Spanish composer Isaac Albéniz was rejected from the Paris Conservatoire as he was considered too immature to study there. He travelled to Cuba and Puerto Rico in 1875 and then studied at the Leipzig Conservatoire for all of two months in 1876. He eventually settled into studies at the Brussels Conservatoire until 1879, after which he returned to Madrid and established himself in Spain and further afield as a great pianist, as well as a conductor of a touring Zarzuela company (Zarzuela is a Spanish lyric-dramatic genre). An adept improviser, Albéniz was able to compose quickly, and while he did write several larger-scale works much of his output was for solo piano – and has since gained an even wider audience through transcriptions for guitar. España, seis hojas de álbum, Op. 165 (1890) epitomises Albéniz’s style, with an evocative Preludio that leaves us in no doubt as to its Spanish setting. The Tango is more sunny than sultry, and the Malagueña is a proud example of a traditional style of Andalusian flamenco music that has its origins in the fandango music of Málaga on the Iberian peninsula. The Serenata is not a typical serenade, but its animated undercurrent has a suggestive, seductive quality that would surely win over its intended audience, and the Capricho catalán is a whimsical piece (deriving from the same root as ‘capricious’ or ‘capriccio’) inspired by the Catalan culture of eastern Spain. The lively Zortzico derives from a Basque rhythm based on irregular groupings of five. 4
Pedro Blanco López bridges the gap between the music of Spain and Portugal explored on this recording: he was born in León in Spain and studied piano in Madrid, but his career took him to Porto, where he lived from 1903 until his death. As a writer, Pedro Blanco produced articles in both Spanish and Portuguese and sought to encourage exchanges of ideas between the two countries, promoting a contemporary cultural Iberianism. He became part of a diverse community based in the coastal city of Espinho, and soon gained a gaggle of disciples as an inspiring piano teacher at the new Porto Conservatory of Music, where he taught from 1917 until his premature death in 1919, caused by the flu pandemic. Castilla, Op. 16 is a fourmovement work from which we hear the second, Nana leonesa. From Pedro Blanco’s six Heures Romantiques: Impressions Intimes, Op. 6 we hear the fifth movement, Berceuse – a type of lullaby – which is dedicated to sculptor António Teixeira Lopes. The piece is prefaced with the words “Aux Enfants endormis de Teixeira Lopes” (“To The Sleeping Children by Teixeira Lopes”), alluding to a particular sculpture by the artist, a photograph of which is also included in the score. From Pedro Blanco’s Galanías, Op. 10, Paulo Oliveira plays Verbena (meaning a typical Spanish open-air fair or festivity), dedicated to Portuguese pianist and composer José Vianna da Motta – one of the last students of Franz Liszt. José Vianna da Motta also studied with the conductor Hans von Bülow, whose influence lent his student’s flamboyant skill an intellectual
seriousness. In turn, Vianna da Motta taught Sequeira Costa, who taught both Paulo Oliveira and Artur Pizarro. Vianna da Motta was a highly celebrated pianist, touring Europe, where he accompanied the Navarrese violin virtuoso Pablo Sarasate, and travelling to New York where he met fellow piano virtuoso Ferruccio Busoni, with whom he remained close friends – he even wrote programme notes for Busoni’s prestigious series of concerto performances in Berlin. In 1900 the two pianists performed a concert in Weimar as a tribute to Liszt, playing a number of Liszt’s works and transcriptions including his arrangement of Beethoven’s Ninth Symphony for two pianos. Vianna da Motta made repeated trips to Buenos Aires and other parts of South America and, in 1903, performed at the Wigmore Hall in London. He was acclaimed for his virtuosity, but this was tempered by his devotion to the music of J.S. Bach and Beethoven; he played Beethoven’s 32 Piano Sonatas during a series of concerts in Lisbon in 1927, a significant occurrence in Portuguese musical life at the time. As a teacher, he rose to the heights of Director of the Lisbon Conservatory (from 1919), and as a composer his output was wide ranging; in 1906 he recorded some of his own piano pieces using piano rolls. Vianna da Motta’s 3 Cenas Portuguesas, Op. 9 start with the graceful, rather coy delights of the Cantiga d’Amor (‘Song of Love’), although there are contrasting passages when this initial modesty gives way to something more complex and ardent. 5
Chula is a percussive Portuguese folk dance dating back at least to the 18th century and inspiring in Vianna da Motta music of rhythmic vitality. The set is completed by the Valsa Caprichosa, which lives up to its name, the waltz’s momentum toyed with during a succession of subtly shifting tempi and moods. Catalan composer and critic Xavier Montsalvatge was one of the most important Spanish composers of the 20th century, studying in Barcelona and winning all of his country’s official composition prizes. A theatrical temperament attracted him to genres such as ballet and he collaborated with prominent singers including Victoria de los Ángeles and Montserrat Caballé, but he also cultivated a compositional language that embraced an array of forms and styles. An early interest in twelve-tone techniques and Wagner gave way to the influence of Olivier Messiaen and Georges Auric, with both of whom he was in regular contact, and he later absorbed the techniques of the avant-garde. Many of Montsalvatge’s works were written after the Spanish Civil War and show the modernist influence of his early teachers incorporated into his own individual voice; he was also a devoted admirer of Manuel de Falla, but balanced his desire to promote distinctive Spanish qualities in his music with a fierce, humanist intellect. Montsalvatge was adamant in resisting twee depictions of Spanish and its related cultures, explaining that he sought “to free myself from [regional] accents and Andalusian
flavour, the window to a picturesque style that horrifies me”. Montsalvatge was particularly drawn to Cuban music, which he brought into a number of his works, and his compositional procedures extended to ethnomusicology as he transcribed and adapted the music of the coastal people of Catalonia. He said of this meticulous process that “... to write down the melodies and the lyrics of what I wanted to select was very hard for me and put to test all my experience. At that time the magnetophone didn’t exist (or had not reached us yet) and we had to write it down by dictation from each of the interpretations”. In common with his fellow Catalan composer Federico Mompou, Montsalvatge combined childlike, naïve melodies with chromatic harmonies in a number of his pieces. The Sonatine pour Yvette (1962), composed for his daughter, is a fine example of this approach, blending diatonic melodies that evoke nursery rhymes or children’s games with sliding chromatic triads in the left hand and propulsive syncopation. The result is vividly colourful in a way that reveals Messiaen’s influence in particular; the dream-like second movement gives way to a fiendishly quick finale that playfully quotes Mozart’s ‘Ah! vous dirai-je, Maman’ theme, and this good humour characterises the remainder of the movement, which ends with a witty flourish. Joanna Wyld
Text by Joanna Wyld / Odradek Records, LLC is licensed under a Creative Commons Attribution-NoDerivatives 4.0 International License. Permissions beyond the scope of this license may be available at www.odradek-records.com.
I was born in northern Portugal and started my formal musical training at age 12 at the Academia de Música de S. Pio X in my hometown of Vila do Conde. Before that, I attended a small music community school founded by the Parish’s priest whose main goals were to keep the kids away from the streets and have someone to play at the church’s services. I was far from knowing that those practices would give me rather crucial knowledge and tools for my future. When I was 15 or 16, playing the famous A major Intermezzo by Brahms at a lesson with legendary pianist Vitaly Margulis, he wisely explained that our fingers should work as ten pencils of different colours: the magic starts when we mix them. These words still echo in my mind to this day. That was a turning point and I realised that I needed more than two to three hours a week of practice! My studies led me to the Escola Superior de Música de Lisboa with Tania Achot and to the University of Kansas, where I studied for nearly a decade with the person who played the most significant role in my artistic life: Sequeira Costa. There were several other teachers who also moulded my musical personality: Helena Sá e Costa, Luiz de Moura Castro, Andrei Diev, Vladimir Viardo, Aldo Ciccolini, Paul BaduraSkoda and Dmitri Bashkirov. After completing my Doctorate in the USA, I settled in Lisbon, where I began teaching. I’m currently the Head of the Piano Department of the National Academy of Orchestral Studies – Metropolitana. Most of my music studies were only possible due to the huge efforts of my parents and through several scholarships, particularly from the Gulbenkian Foundation and the Fundação para a Ciência e a Tecnologia. I believe that my late, untraditional introduction to music created a healthier relationship between myself and the piano. I don’t feel bad if I go one week (or three!) without playing. I know it will always be there for me, but I enjoy many other things, especially spending time with my children Clara and Duarte and my wife Alice. Paulo Oliveira
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POR
Sendo este o meu álbum de estreia, quis mergulhar nas minhas raízes e expressar os meus sentimentos e pensamentos da forma mais genuína e autêntica. Este programa representa uma viagem pela música ibérica para piano, com compositores e obras que, de alguma forma, marcaram o meu percurso artístico. Começa e termina com duas obras de construção mais formal, funcionando como alicerces de todo o programa: as Sonatinas de Armando José Fernandes e Xavier Montsalvatge. Num estilo mais livre, as suites nacionalistas de Isaac Albéniz (España) e José Vianna da Motta (Cenas Portuguesas) representam imagens, paisagens, danças ou cenas típicas do quotidiano ibérico. Tendo dois compositores de cada país, senti a necessidade de procurar um elo entre eles: um elemento que criasse uma ponte entre as duas culturas. Ninguém melhor do que Pedro Blanco representa a fusão entre a música espanhola e portuguesa para piano. Nascido em Espanha, onde formou a sua personalidade musical e artística, mudou-se para Portugal, passando aí grande parte da sua curta vida adulta. Realizou importantes intercâmbios culturais entre os dois países, assumindo um papel fulcral na criação e desenvolvimento de um Iberianismo cultural contemporâneo. As três peças de Pedro Blanco incluídas neste álbum têm a particularidade de serem dedicadas a artistas portugueses. Sequeira Costa é tido como um dos grandes intérpretes da música ibérica para piano. Os anos que passei sob a sua orientação e a sua abordagem muito particular a este repertório, deixaram uma profunda marca na minha forma de tocar. Recordo-o no momento em que partilho esta gravação com vocês. Paulo Oliveira
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Armando José Fernandes foi um compositor e pianista português que permaneceu em Lisboa durante grande parte da sua vida, onde cresceu, estudou composição no Conservatório Nacional com Costa Ferreira e, em 1940, integrou o corpo docente da Academia de Amadores de Música. Mais tarde, em 1953, foi nomeado professor de contraponto do Conservatório Nacional. Nesse intervalo, estudou em Paris com figuras ilustres como Nadia Boulanger, Paul Dukas, Jean RogerDucasse e Alfred Cortot, ganhando o prémio Moreira de Sá de composição em 1944 e, em 1946, o prémio do Círculo de Cultura Musical. Fernandes tinha um carácter introspectivo que se reflecte em grande parte de sua música. Grande adepto de pequenas formações de câmara e com uma preferência por formas clássicas, é normalmente descrito como um compositor predominantemente “neoclássico”.
mesmo tempo pontiagudo e denso, termina de forma suave e subtil.
A Sonatina (1941) para piano é um exemplo dessa corrente estética, tendo sido composta logo após Fernandes ingressar na Academia. A obra começa com acordes radiantes que são intercalados por uma escrita mais fluída. De efeito impressionista, vai além dos tons pastel de Debussy e Ravel para um terreno mais vívido, ancorado por um ritmo cadenciado e recorrente. O ‘Tempo di Folia’ referese a ‘La Folia’, uma famosa melodia e sequência de acordes antiga, usada em inúmeras composições desde a Idade Média, sendo especialmente popular durante a era barroca. O final é um fugato intrincado e tonalmente ambíguo, com grande charme; ao
España, seis hojas de álbum, Op. 165 (1890) resume o estilo de Albéniz, com um evocativo Preludio que não nos deixa qualquer dúvida relativamente ao cenário espanhol que se apresenta. O Tango é mais brilhante do que sombrio, e a Malagueña é um orgulhoso exemplo de um estilo tradicional de música flamenca andaluza com origens no fandango de Málaga. A Serenata não é uma serenata típica, mas o seu estilo animado e sedutor certamente conquistaria o seu público-alvo. O Capricho catalán é uma peça fantasiosa (derivada da mesma raiz de ‘caprichoso’ ou ‘capricho’) inspirado na cultura catalã. O animado
Ao contrário de Fernandes, o grande compositor espanhol Isaac Albéniz não foi admitido no Conservatório de Paris por ser considerado demasiado imaturo. Em 1875 viajou para Cuba e Porto Rico e, em seguida, estudou no Conservatório de Leipzig por dois meses, em 1876. Por fim, baseou os seus estudos no Conservatório de Bruxelas, onde permaneceu até 1879. Depois disso, retorna a Madrid e estabelece-se enquanto pianista, bem como maestro de uma companhia itinerante de Zarzuela (género lírico-dramático espanhol). Um grande improvisador, Albéniz era capaz de compor rapidamente e, embora tenha escrito várias obras de larga escala, grande parte da sua produção foi para piano solo. A amplitude do seu público alargouse através de inúmeras transcrições para guitarra.
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Zortzico deriva de um ritmo basco baseado em grupos irregulares de cinco notas. Pedro Blanco López faz a ligação entre a música de Espanha e Portugal explorada nesta gravação: nasceu em León, Espanha, e estudou piano em Madrid, mas a sua carreira levou-o ao Porto, onde viveu a partir de 1903. Como escritor, Pedro Blanco produziu artigos em espanhol e português e procurou fomentar o intercâmbio de ideias entre os dois países, promovendo o Iberianismo cultural contemporâneo. Integrou-se numa comunidade diversificada com base na cidade costeira de Espinho e cedo ganhou reputação enquanto um inspirador professor de piano, tendo mais tarde feito parte do primeiro corpo docente no novo Conservatório de Música do Porto, onde leccionou desde 1917 até à sua morte prematura em 1919, causada pela gripe espanhola. Castilla, Op. 16 é uma obra em quatro andamentos da qual ouvimos o segundo, Nana leonesa. Das seis Heures Romantiques: Impressiones Intimes, Op. 6 ouvimos o quinto andamento, Berceuse – uma canção de embalar – que é dedicada ao escultor António Teixeira Lopes. A peça é precedida das palavras “Aux Enfants endormis de Teixeira Lopes” (“Às Crianças Adormecidas de Teixeira Lopes”), alusivas a uma escultura do artista, cuja fotografia também faz parte da partitura. De Galanías, Op. 10, Paulo Oliveira interpreta Verbena (uma típica festa espanhola ao ar livre), dedicada ao pianista e compositor português José Vianna da Motta – um dos últimos discípulos de Franz Liszt. José Vianna da Motta também estudou com Hans von Bülow, cuja influência transmitiu um grau de
seriedade intelectual ao seu exuberante talento. Por sua vez, Vianna da Motta ensinou Sequeira Costa, que foi professor de Paulo Oliveira e de Artur Pizarro. Vianna da Motta foi um pianista célebre, viajando pela Europa, onde acompanhou o virtuoso violinista de Navarra Pablo Sarasate, e em Nova York onde conheceu o também virtuoso pianista Ferruccio Busoni, de quem se tornou grande amigo – chegando a escrever notas de programa para a prestigiada série de concertos de Busoni em Berlim. Em 1900, os dois pianistas realizaram um concerto de homenagem a Liszt em Weimar onde tocaram uma série de obras e transcrições do compositor húngaro, incluindo a sua versão da Nona Sinfonia de Beethoven para dois pianos. Vianna da Motta fez várias viagens a Buenos Aires e a outras cidades da América do Sul e, em 1903, apresentou-se no Wigmore Hall em Londres. Aclamado pelo seu virtuosismo, a sua devoção à música de J.S. Bach e Beethoven não foi menos celebrada; tocou as 32 Sonatas para Piano de Beethoven durante uma série de concertos em Lisboa em 1927, um acontecimento ímpar na vida musical portuguesa da época. Foi um importante pedagogo, Diretor do Conservatório Nacional (desde 1919) e como compositor a sua produção foi vasta; em 1906 gravou algumas de suas obras para piano, registadas em rolos. As 3 Cenas Portuguesas, Op. 9 começam com a graciosa, um tanto recatada, Cantiga d’Amor, embora a modéstia inicial dê mais tarde lugar a algo mais complexo e ardente. Chula é uma ritmada dança folclórica portuguesa que remonta pelo 11
menos ao século XVIII e inspira Vianna da Motta nesta peça de grande vitalidade rítmica. O conjunto é rematado pela Valsa Caprichosa, que faz jus ao seu nome, com o ímpeto da valsa a ser constantemente quebrado por uma sucessão de subtis mudanças de tempo e humor. O compositor e crítico catalão Xavier Montsalvatge foi um dos mais importantes compositores espanhóis do século XX. Estudou em Barcelona e ganhou todos os prémios oficiais de composição do seu país. Com um temperamento teatral, sentiuse atraído por géneros como o ballet e colaborou com importantes cantores, como Victoria de los Ángeles e Montserrat Caballé, tendo igualmente cultivado uma linguagem composicional que abraçou uma pluralidade de formas e estilos. O interesse precoce pelas técnicas dodecafónicas e pela música de Wagner deu lugar à influência de Olivier Messiaen e Georges Auric, com os quais mantinha contacto regular, tendo posteriormente absorvido as técnicas da vanguarda. Muitas das obras de Montsalvatge foram escritas após a Guerra Civil Espanhola e mostram a influência modernista dos seus primeiros professores, incorporada com a sua própria linguagem; era um grande admirador de Manuel de Falla, mas equilibrava o seu desejo de promover características espanholas distintas na sua música com um intelecto ardente e humanista. Montsalvatge resistiu sempre às representações exageradas da cultura espanhola e outras a ela
associadas, explicando que procurava “libertarme dos sotaques [regionais] e do sabor andaluz, a janela para um estilo pitoresco que me horroriza”. Montsalvatge era particularmente atraído pela música cubana, que incorporou em várias das suas obras. Os seus caminhos composicionais estenderam-se à etnomusicologia e transcreveu e adaptou a música do povo costeiro da Catalunha. Acerca deste meticuloso processo, disse que “… escrever as melodias e as letras do que eu queria selecionar foi muito difícil para mim e colocou à prova toda a minha experiência. Naquela época não existia o magnetofone (ou ainda não havia chegado até nós) e tivemos que fazer anotações de cada uma das interpretações através de ditados”. A par do seu colega catalão Federico Mompou, Montsalvatge combinou “ingénuas” melodias infantis com harmonias cromáticas em várias das suas obras. A Sonatine pour Yvette (1962), composta para a sua filha, é um belo exemplo dessa abordagem, combinando melodias diatónicas que evocam canções ou jogos infantis com tríades cromáticas que deslizam na mão esquerda acopladas a uma sincopação constante. O resultado é vivo e colorido de uma forma que revela a influência muito particular de Messiaen; o onírico segundo andamento dá lugar a um final diabolicamente rápido que cita alegremente o tema ‘Ah vous dirai-je, Maman’ de Mozart, e esse bom humor caracteriza todo o andamento, que termina com um espirituoso esplendor. Joanna Wyld
Texto de Joanna Wyld (trad. Paulo Oliveira) / Odradek Records, LLC possui uma Licença Internacional Creative Commons Attribution- NoDerivatives 4.0. Permissões fora do âmbito desta licença disponíveis em www.odradek-records.com.
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Nasci no norte de Portugal e comecei a minha formação musical formal aos 12 anos na Academia de Música de S. Pio X, na minha cidade natal, Vila do Conde. Antes disso, frequentei uma pequena escola de música fundada pelo padre da minha paróquia, cujo principal objetivo era manter as crianças afastadas das ruas e ter alguém para tocar nos serviços religiosos da igreja. Estava longe de imaginar que esses ensinamentos me proporcionariam conhecimentos e ferramentas cruciais para o meu futuro. Quando tinha 15 ou 16 anos, numa aula com o pianista e pedagogo Vitaly Margulis, a tocar o famoso Intermezzo em Lá maior de Brahms, ele sabiamente explicou que os nossos dedos deveriam funcionar como dez lápis de cores diferentes: a magia começa quando os misturamos. Estas palavras ecoam na minha mente até hoje. Esse momento foi um ponto de viragem e fez-me perceber que precisava de mais de duas ou três horas por semana de estudo! Os meus estudos levaram-me à Escola Superior de Música de Lisboa com Tania Achot e à Universidade do Kansas, onde estudei durante quase uma década com a pessoa que desempenhou o papel mais significativo na minha vida artística: Sequeira Costa. Vários outros professores moldaram também a minha personalidade musical: Helena Sá e Costa, Luiz de Moura Castro, Andrei Diev, Vladimir Viardo, Aldo Ciccolini, Paul Badura-Skoda, Dmitri Bashkirov. Depois de terminar o doutoramento nos EUA, fixeime em Lisboa, onde comecei a dar aulas. Actualmente sou Coordenador do Departamento de Piano da Academia Nacional Superior de Orquestra – Metropolitana. Grande parte dos meus estudos musicais só foi possível graças ao enorme esforço dos meus pais e através de várias bolsas de estudo, nomeadamente da Fundação Calouste Gulbenkian e da Fundação para a Ciência e a Tecnologia. Acredito que a minha entrada tardia no ensino formal da música acabou por criar uma relação mais saudável entre mim e o piano. Não me sinto mal se ficar uma semana (ou três!) sem tocar. Sei que o piano vai sempre estar lá para mim, mas gosto de muitas outras coisas, principalmente de passar tempo com os meus filhos, Clara e Duarte, e com a minha esposa Alice. Paulo Oliveira
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Siendo este mi primer disco, he querido bucear en mis raíces y expresar mis sentimientos y pensamientos de la forma más genuina y auténtica. El programa que aquí ofrezco representa un viaje por la música ibérica para piano, con compositores y obras que de alguna manera han tenido un impacto en mi vida. Comienza y termina con dos obras formalmente estructuradas, que sirven de base a todo el programa: las Sonatinas de Armando José Fernandes y de Xavier Montsalvatge. En un estilo más libre, las suites nacionalistas de Isaac Albéniz (España) y José Vianna da Motta (Cenas portuguesas) representan exploraciones de imágenes, paisajes, danzas o escenas típicas de la vida cotidiana española y portuguesa. Con dos compositores de cada país, sentí que necesitaba un vínculo entre ellos: alguien que pudiera crear un puente entre las dos culturas. Nadie mejor que Pedro Blanco representa la fusión entre la música de piano española y portuguesa. Nacido en España, donde formó su personalidad musical y artística, se trasladó a Portugal, donde pasó la mayor parte de su más bien corta vida adulta. Llevó a cabo intercambios culturales muy importantes entre España y Portugal, contribuyendo con dedicación a un iberismo cultural contemporáneo. Las tres piezas de Pedro Blanco incluidas en este álbum tienen la particularidad de estar dedicadas a artistas portugueses. Mi último profesor de piano, Sequeira Costa, fue un gran intérprete de la música ibérica para piano. Tuvo una gran influencia en mi forma de tocar el piano, y su enfoque tan personal de interpretar este repertorio ha tenido un profundo impacto en el mío. Con él en mi recuerdo comparto con ustedes esta grabación. Paulo Oliveira
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Armando José Fernandes fue un compositor y pianista portugués que permaneció en Lisboa durante gran parte de su vida, donde creció, estudió composición en el Conservatorio de Lisboa con Costa Ferreira y, en 1940, se incorporó al cuerpo docente de la Academia de Amadores de Música de la ciudad. En 1953 fue nombrado profesor de contrapunto en el Conservatorio de Lisboa. Mientras tanto, estudió en París con figuras ilustres como Nadia Boulanger, Paul Dukas, Jean Roger-Ducasse y Alfred Cortot, y ganó el Premio Moreira de Sá de composición en 1944 y el premio del Círculo de Cultura Musical en 1946. Fernandes tenía un temperamento introspectivo que se refleja en gran parte de su música, que suele ser para combinaciones íntimas de cámara y con una preferencia por las formas clásicas que ha hecho que se le describa como un compositor predominantemente “neoclásico”. La Sonatina (1941) para piano es un ejemplo de esta estética, y fue compuesta poco después de que Fernandes comenzara a trabajar en la Academia. La obra se abre con radiantes acordes seguidos de una escritura pianística más fluida. El efecto es impresionista, pero va más allá de los tonos pastel de Debussy y Ravel hacia un terreno más vivo, anclado por un ritmo recurrente y cadencioso. El “Tempo di Folia” hace referencia a la folía, una antigua y conocida melodía y progresión de acordes utilizada en numerosas composiciones desde la Edad Media, que fue especialmente popular durante la época barroca. El final es un movimiento intrincado, tonalmente ambiguo y de gran encanto, a la vez punzante y denso, pero que termina con suave sutileza.
A diferencia de Fernandes, el gran compositor español Isaac Albéniz fue rechazado en el Conservatorio de París por considerarlo demasiado inmaduro para estudiar allí. Viajó a Cuba y Puerto Rico en 1875 y luego estudió en el Conservatorio de Leipzig durante dos meses en 1876. Finalmente, estudió en el Conservatorio de Bruselas hasta 1879, tras lo cual regresó a Madrid y se estableció en España y en el extranjero como un gran pianista, así como director de una compañía de zarzuela itinerante. Albéniz era un experto improvisador y componía rápidamente, y aunque escribió varias obras de mayor envergadura la mayor parte de su producción fue para piano solo. Desde entonces ha ganado un público aún más amplio gracias a las transcripciones para guitarra. España, seis hojas de álbum, op. 165 (1890) es el epítome del estilo de Albéniz, con un evocador Preludio que no deja lugar a dudas sobre su ambientación española. El Tango es más soleado que sensual, y la Malagueña es un orgulloso ejemplo de un estilo tradicional de música flamenca andaluza que tiene sus orígenes en la música del fandango de Málaga. La Serenata no es una serenata típica, pero su animado trasfondo tiene una cualidad sugerente y seductora que seguramente conquistaría a su público, y el Capricho catalán es una pieza caprichosa inspirada en la cultura catalana. El animado Zortzico deriva de un ritmo vasco basado en agrupaciones irregulares de cinco tiempos. Pedro Blanco López tiende un puente entre la música de España y la de Portugal que se explora en esta 16
grabación: nació en León y estudió piano en Madrid, pero su carrera le llevó a Oporto, donde vivió desde 1903 hasta su muerte. Como escritor, Pedro Blanco escribió artículos en español y portugués y trató de fomentar el intercambio de ideas entre los dos países, promoviendo un iberismo cultural contemporáneo. Formó parte de una comunidad diversa con sede en la ciudad costera de Espinho, y pronto se ganó un grupo de discípulos como inspirador profesor de piano en el nuevo Conservatorio de Música de Oporto, donde enseñó desde 1917 hasta su prematura muerte en 1919, causada por la pandemia de gripe. Castilla, op. 16 es una obra de cuatro movimientos de la que escuchamos el segundo, Nana leonesa. De sus seis Heures Romantiques: Impressions Intimes, op. 6, escuchamos el quinto movimiento, Berceuse –una especie de canción de cuna– dedicado al escultor António Teixeira Lopes. La pieza está precedida por las palabras “Aux Enfants endormis de Teixeira Lopes” (“A los Niños dormidos de Teixeira Lopes”), en alusión a una escultura particular del artista, cuya fotografía también se incluye en la partitura. De las Galanías, op. 10, de Pedro Blanco, Paulo Oliveira interpreta Verbena, dedicada al pianista y compositor portugués José Vianna da Motta, uno de los últimos alumnos de Franz Liszt.
Pizarro. Vianna da Motta fue un pianista muy célebre, que realizó giras por Europa acompañando al virtuoso violinista navarro Pablo Sarasate, y viajó a Nueva York, donde conoció al también virtuoso del piano Ferruccio Busoni, con el que mantuvo una estrecha amistad e incluso escribió las notas al programa para la prestigiosa serie de conciertos de Busoni en Berlín. En 1900, los dos pianistas ofrecieron un concierto en Weimar en homenaje a Liszt, en el que interpretaron varias obras y transcripciones de Liszt, incluido su arreglo de la Novena Sinfonía de Beethoven para dos pianos.
José Vianna da Motta también estudió con el director de orquesta Hans von Bülow, cuya influencia dio a la extravagante habilidad de su alumno una seriedad intelectual. A su vez, Vianna da Motta enseñó a Sequeira Costa, quien a su vez enseñó a Paulo Oliveira y a Artur
Las 3 Cenas Portuguesas, op. 9 de Vianna da Motta comienzan con las elegantes y tímidas delicias de la Cantiga d’Amor (‘Canción de Amor’), aunque hay pasajes contrastantes en los que esta modestia inicial da paso a algo más complejo y ardiente. La Chula es
Vianna da Motta realizó repetidos viajes a Buenos Aires y otras partes de Sudamérica y, en 1903, actuó en el Wigmore Hall de Londres. Fue aclamado por su virtuosismo, pero éste se vio relegado a un segundo plano por su devoción por la música de J.S. Bach y Beethoven: tocó las 32 sonatas para piano de Beethoven durante una serie de conciertos en Lisboa en 1927, un hecho significativo en la vida musical portuguesa de la época. Como profesor, llegó a ser director del Conservatorio de Lisboa (a partir de 1919), y como compositor su producción fue muy amplia. En 1906 grabó algunas de sus propias piezas para piano utilizando rollos.
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una danza folclórica de percusión portuguesa que se remonta al menos al siglo XVIII y que inspira en Vianna da Motta una música de vitalidad rítmica. El conjunto se completa con la Valsa Caprichosa, que hace honor a su nombre, ya que se juega con el impulso del vals durante una sucesión de tempos y estados de ánimo sutilmente cambiantes. El compositor y crítico catalán Xavier Montsalvatge fue uno de los compositores españoles más importantes del siglo XX, estudió en Barcelona y ganó todos los premios oficiales de composición de su país. Su temperamento teatral le atrajo a géneros como el ballet y colaboró con destacadas cantantes como Victoria de los Ángeles y Montserrat Caballé, pero también cultivó un lenguaje compositivo que abarcaba una gran variedad de formas y estilos. Su temprano interés por las técnicas dodecafónicas y por Wagner dio paso a la influencia de Olivier Messiaen y Georges Auric, con los que mantuvo un contacto regular, y más tarde absorbió las técnicas de vanguardia. Muchas de las obras de Montsalvatge fueron escritas después de la Guerra Civil española y muestran la influencia modernista de sus primeros maestros incorporada a su propia voz. También fue un devoto admirador de Manuel de Falla, pero equilibró su deseo de promover cualidades españolas distintivas en su música con un intelecto feroz y humanista. Montsalvatge se resistía firmemente a las representaciones cursis de España y sus culturas afines, explicando que
buscaba “liberarme de los acentos [regionales] y del sabor andaluz, la ventana a un estilo pintoresco que me horroriza”. Montsalvatge se sintió especialmente atraído por la música cubana, que introdujo en varias de sus obras, y sus procedimientos compositivos se extendieron a la etnomusicología, ya que transcribió y adaptó la música de los pueblos costeros de Cataluña. De este meticuloso proceso dijo que “... escribir las melodías y las letras de lo que quería seleccionar me resultó muy duro y puso a prueba toda mi experiencia. En aquella época no existía el magnetofón (o no había llegado aún) y teníamos que escribirlo al dictado de cada una de las interpretaciones”. Al igual que su colega catalán Federico Mompou, Montsalvatge combinó melodías infantiles e ingenuas con armonías cromáticas en varias de sus obras. La Sonatine pour Yvette (1962), compuesta para su hija, es un buen ejemplo de este enfoque, que combina melodías diatónicas que evocan rimas infantiles o juegos de niños con tríadas cromáticas deslizantes en la mano izquierda y síncopas que propulsan la música. El resultado es muy colorido y revela la influencia de Messiaen. El segundo movimiento, de carácter onírico, da paso a un final endiabladamente rápido que cita juguetonamente el tema “Ah! vous dirai-je, Maman” de Mozart, y este buen humor caracteriza el resto del movimiento, que termina con una ingeniosa floritura. Joanna Wyld
Texto de Joanna Wyld (Trad. Enrique Valverde Tenreiro) / Odradek Records, LLC bajo licencia Creative Commons AttributionNoDerivatives 4.0 International License. Permisos más allá del ámbito de esta licencia disponibles en www.odradek-records.com
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Nací en el norte de Portugal y comencé mi formación musical formal a los doce años en la Academia de Música de S. Pio X en mi ciudad natal, Vila do Conde. Antes de eso, asistí a una pequeña escuela comunitaria de música fundada por el cura de la parroquia, cuyos principales objetivos eran mantener a los niños alejados de las calles y tener a alguien que tocara en los servicios de la iglesia. No me imaginaba en ese momento que esas prácticas me darían conocimientos y herramientas que serían cruciales para mi futuro. Cuando tenía 15 o 16 años, tocando el famoso Intermezzo en la mayor de Brahms en una clase con el legendario pianista Vitaly Margulis, éste me explicó sabiamente que nuestros dedos deben trabajar como diez lápices de diferentes colores: la magia empieza cuando los mezclamos. Estas palabras siguen resonando en mi mente hasta el día de hoy. Ese fue un punto de inflexión y me di cuenta de que necesitaba más de dos o tres horas semanales de práctica. Mis estudios me llevaron a la Escola Superior de Música de Lisboa con Tania Achot y a la Universidad de Kansas, donde estudié durante casi una década con la persona que desempeñó el papel más importante en mi vida artística: Sequeira Costa. Hubo otros profesores que también moldearon mi personalidad musical: Helena Sá e Costa, Luiz de Moura Castro, Andrei Diev, Vladimir Viardo, Aldo Ciccolini, Paul Badura-Skoda y Dmitri Bashkirov. Tras completar mi doctorado en los Estados Unidos, me instalé en Lisboa, donde comencé a dar clases. Actualmente soy el Jefe del Departamento de Piano de la Academia Nacional de Estudios Orquestales – Metropolitana. La mayor parte de mis estudios musicales sólo fueron posibles gracias al enorme esfuerzo de mis padres y a varias becas, en particular de la Fundación Gulbenkian y de la Fundação para a Ciência e a Tecnologia. Creo que mi introducción tardía y poco tradicional a la música creó una relación más sana entre el piano y yo. No me siento mal si paso una semana (¡o tres!) sin tocar. Sé que siempre estará ahí para mí, pero disfruto de muchas otras cosas, especialmente de pasar tiempo con mis hijos Clara y Duarte y con mi mujer Alice. Paulo Oliveira
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To Daniel
Recorded at Studio Odradek 22-23 November 2021 Piano: Steinway D (Fabbrini Collection) Piano technician: Francesco Tufano Producer, Editor & Sound Engineer: Marcello Malatesta Recording assistant: João Lima Mastering: Thomas Vingtrinier, Sequenza Studio, Paris
Translations: Paulo Oliveira (Portuguese) Enrique Valverde Tenreiro (Spanish) Photos: TommasoTuzj.com Graphics: marcoantonetti.com
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