BEETHOVEN THE LAST SONATAS
LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770
–1827)
Sonata No. 30 in E major, Op. 109 (1820)
1. I. Vivace ma non troppo. Adagio espressivo 03'50
2. II. Prestissimo 02'21
3. III. Gesangvoll, mit innigster Empfindung. 13'24 Andante. Molto cantabile ed espressivo Var. I (molto espressivo) – Var. II (leggiermente) – Var. III (Allegro vivace) – Var. IV (Un poco meno andante ciò è un poco più adagio come il tema) – Var. V (Allegro ma non troppo) – Var. VI (Tempo primo del tema)
Sonata No. 31 in A-flat major, Op. 110 (1821/22)
4. I. Moderato: cantabile molto espressivo 05’21
5. II. Allegro molto 02’31
6. III. Adagio ma non troppo – Recitativo 11’46
Arioso dolente – Fuga (Allegro ma non troppo)
L’istesso tempo di Arioso – L’istesso tempo della Fuga poi a poi di nuovo vivente
Sonata No. 32 in C minor, Op. 111 (1821/22)
7. I. Maestoso – Allegro con brio ed appassionato 09’23
8. II. Arietta: Adagio molto semplice e cantabile 16’51
Variations 1-4 — Coda
LEOPOLDO ERICE piano
Total Play Time: 65’31
Beethoven: a Sea of Art
My mother used to tell me that when she was pregnant with me, she went to a concert in which the orchestra played a Beethoven symphony, and that from the first bars I started jumping inside her. A few months after I was born, my parents took me to Ribadeo – a beautiful place on the northwestern coast of Spain where my family spends the summers. That is where my fascination with the sea began. We do not know for sure if Beethoven ever saw that immensity that overwhelms so many people, but there is no doubt that an ocean dwelled within him. Both Beethoven’s music and the sea share ever-changing colors and a precise and untiring rhythm; a placid calm at times, with an unstoppable, even frightening force at others; a captivating sound and an enormous beauty. What a wonder of nature! Beethoven’s music and that of the sea bathe our ears and gift us with an infinite range of emotions. With the passing of time, my early enthusiasm for both has become deeper and deeper. That is why, with great emotion and gratitude, I share with you, dear listener, the last three sonatas of a composer whose music continues to shine more than two centuries since it emanated from his soul.
when someone standing close to me heard a flute in the distance, and I heard nothing, or a shepherd singing and again I heard nothing. Such incidents brought me to the edge of despair; at times I was on the point of putting an end to my life – art alone restrained my hand. Oh, it seemed impossible to leave this world until I had produced all I felt within me, and so I continued this wretched life. 3
As time passed, Beethoven’s hearing continued to deteriorate. Doctors, whom he visited frequently, made different devices to help him compose and communicate with people. In spite of everything, these devices ceased to be useful. By 1817, Beethoven was almost completely deaf and began to use notebooks so his interlocutors could write what they wanted to tell him.
In 1820 – the year in which Beethoven started to write the Sonatas Opp. 109–111 – a friend visited him at home and reported that on the top of Beethoven’s piano was what looked like a metal dome. This gadget collected and projected the sound of the instrument directly onto the composer and helped him hear it better. The dome created a total-surround environment which Tom Beghin calls “Beethoven’s cocoon.” 4 He said, “despite, or thanks to his disability, Beethoven withdraws into his ever-smaller space of reality and becomes aware of so many other elements of his private reality.” 5
What a genius and inspiration Beethoven is! Even under very difficult circumstances, he kept searching for beauty and found it in enormous amounts ...
On the Sonatas
The first movement of Sonata Op. 109 combines two main elements: the material presented in the opening measures – improvisatory in character – and a second section which is quieter and more lyrical but also has some improvisational outbursts. The second movement is virtuosic and has tremendous momentum, two key characteristics of Beethoven’s music.
Although Beethoven was born in the Classical period, he opened wide the doors of the Romantic Era with the works composed during the last decade of his life; however, he never forgot the past, which he admired.
3 Ludwig van Beethoven. Heiligenstadt Testament (1802), fragment.
4 Maes, Inside the Hearing Machine.
5 Ibid.
For the third movement of Op. 109, Beethoven wrote a theme with variations – a form which many earlier composers had employed. The theme, serene and lyrical, has a string-quartet texture. Six variations follow. The first variation is operatic in nature, and, in a way, Chopin-like, as it sounds very similar to his nocturnes. The second variation is a composition that we could call pointillistic: its sound transports me to some of the paintings by Seurat or Van Gogh, who at times created their works by painting thousands of small dots on the canvas. The third, fourth and fifth variations are reminiscent of Bach’s inventions and fugues, being contrapuntal in nature.
The sixth and last variation, the longest one, is extraordinary. The main theme returns, but Beethoven accompanies it with notes whose values decrease progressively from quarter-notes, to eighth-notes, to sixteenth-notes, to thirty-second-notes, to finally reach… a trill! Once Beethoven arrives at the trill, he does not release it until twenty-three measures later. During that time, the trill varies greatly. Its sound, when it appears in the bass line, is like an earthquake! This way of writing is enormously innovative. Beethoven turns a trill, which is simply an ornament, into a crucial and central element and makes this variation a monument to the trill. In the final measures, Beethoven returns to the main theme; I find this moment deeply moving, as it intimately closes the sonata.
The opening measures of Sonata Op. 110 display another string-quartet texture. Throughout the first movement, Beethoven alternates this texture with some passages of an improvisational character. The second movement seems serious, but it is in fact witty and ingenious, with accents that seem to be in the wrong place and abrupt changes of dynamics. The last movement has a kaleidoscopic nature of multiple colors, textures and emotions. It has three sections: a slow and somber introduction, an arioso whose character Beethoven tells us is dolente (sorrowful) and sounds sad and desperate, and a fugue –a contrapuntal conversation between various voices. Both the arioso and the fugue appear twice. In its second appearance, the arioso has an even more desperate character as its melody sounds like it did not have enough energy to reach the end of the phrases. When the fugue returns, its voices are inverted. The complexity and speed increase as the fugue develops, and the sonata ends with a wonderful explosion of color and sound.
The last sonata Beethoven wrote, Op. 111, is another perfect example of a composer who is a romantic, revolutionary, and futuristic artist – who also keeps one foot very much in the past. For the first movement, Beethoven finds inspiration in the French overtures from the Baroque era. These overtures had a slow first section – regal in feeling, with dotted rhythms, runs, and stable harmonies – and a second faster and contrapuntal section. Beethoven adopts this model, but right from the very first note, he starts to push its boundaries. The sonata’s slow opening is full of diminished chords, which create an enormously unstable and uncertain moment. In the contrapuntal section, Beethoven requires a virtuosity, an energy, and a complete exploration of the piano and its possibilities never before seen. It pushes the performer to the limit.
Two other revolutionary aspects of this sonata are that it has only two movements, and that the scale of the second movement is unusually massive. There, Beethoven looks again to the past and offers us another theme with variations. The theme could not be more noble and calm. As the variations evolve, the energy of the music gradually increases. At its highest point, Beethoven uses a rhythm that would be ‘rediscovered’ one hundred years later… in swing music! After that futuristic madness, Beethoven changes character abruptly and plunges us into the other end of the emotional spectrum – that is, into music that barely moves. These measures are static, but also ecstatic and hypnotizing. When Beethoven employs the highest notes of the instrument, the music also reaches the highest peak of expression. He continues to explore these different emotions, atmospheres, and colors. After a long and sustained crescendo, another endless trill appears – like in Op. 109 but, in this case, a much more difficult one to execute. After this last display of virtuosity, he concludes his collection of sonatas in the most discreet way possible. Many composers would have chosen to end their last sonata with a loud “bang!” Beethoven, however, does the opposite: he goes to the back door, opens it quietly and, without disturbing anyone and without raising a speck of dust, closes it behind him, and leaves ...
To me, these sonatas are the voice of God mentioned by Margulis, which Beethoven found in his private reality – in his cocoon, as Tom Beghin said. This music is the stunning materialization of the possibilities that emerged from Beethoven’s disability and made him one of the most admired composers in the entire history of music.
Leopoldo Erice
Beethoven: un mar de arte
Me contaba mi madre que, cuando estaba embarazada de mí, fue a un concierto en el que la orquesta interpretó una sinfonía de Beethoven, y que, desde los primeros compases, empecé a dar saltos en su interior. A los pocos meses de nacer, mis padres me llevaron a Ribadeo, un lugar precioso de la costa noroeste de España en el que mi familia pasa los veranos. Ahí empezó mi fascinación por el mar. No sabemos con certeza si Beethoven vio alguna vez esa inmensidad que sobrecoge a tantas personas, pero no cabe duda de que un océano habitaba en su interior: la música de Beethoven y el mar comparten un color siempre cambiante y un ritmo preciso e infatigable; una calma plácida a veces, y una fuerza imparable –incluso atemorizante– en otras; un sonido cautivador y una enorme belleza… ¡Qué prodigio de la naturaleza! Su música baña nuestros oídos y nos regala un abanico de emociones infinito. Con el paso de los años, mi temprano entusiasmo por ella se ha ido haciendo más y más profundo. Es por eso que, con gran emoción y agradecimiento, hoy comparto contigo, querido lector, las últimas tres sonatas de un compositor cuya música sigue resplandeciendo pasados más de dos siglos desde que emanó de su alma.
Acerca de Ludwig van Beethoven (1770-1827)
Cuando empecé a sumergirme en este proyecto de grabación, leí un libro de aforismos, escrito por el pianista, profesor y pensador musical Vitaly Margulis (1928-2011), con quien tuve el honor de estudiar en mi juventud. Este es uno de ellos:
La sordera de Beethoven no fue una discapacidad. Fue un regalo del cielo. Incapaz de oír el mundo exterior, Beethoven pudo escuchar la voz de Dios en su interior. 6
Asimismo, vi un documental del pianofortista e investigador Tom Beghin sobre la sordera de Beethoven que comienza con la siguiente frase:
¿Puede una discapacidad convertirse en una posibilidad? 7
Ambas frases me cautivaron de inmediato. Ya sabía que Beethoven se había quedado profundamente sordo, pero nunca había pensado en él como en una persona con discapacidad. Además, creo que tanto Margulis como Beghin interpretan dicha discapacidad de Beethoven de una manera muy hermosa. No se sabe exactamente el momento en el que Beethoven empezó a darse cuenta de su sordera, pero algunas de las cartas que escribió revelan que fue durante la última década del siglo XVIII. A partir de ahí, su audición se deterioró rápidamente. En 1802 escribió una misiva a sus dos hermanos en la que expresa su desesperación:
[…] Durante seis años he sido un caso perdido, […] nací con un temperamento ardiente y vivo, […] mas me he visto obligado a aislarme, a vivir en soledad […] No me es posible decirle a la gente: “Habla más alto, grita, que estoy sordo”. ¿Cómo admitir esa enfermedad en mi audición, en ese sentido que debería haber sido más perfecto en mí que en los demás? […] Me es imposible hacerlo. Perdonadme, pues, cuando veáis que me aparto, porque con gusto me quedaría con vosotros. Debo
6 Vitaly Margulis, Bagatelles, Op. 9 (Friburgo: Rombach Verlag, 2003), 132.
7 Steven Maes, Inside the Hearing Machine. Evil Penguin Records Classic y Orpheus Instituut, 2017. 54 minutos. https://www.insidethehearingmachine.com/documentary.
vivir como un exiliado […] Qué humillación cuando uno de mis amigos oye una flauta que suena a lo lejos y yo no oigo nada, o cuando alguien oye al pastor cantar, y, de nuevo, yo no oigo nada. Tales situaciones me han llevado al borde de la desesperación. Un poco más, y habría puesto fin a mi vida. Pero me resulta imposible dejar este mundo hasta no haber compuesto todo lo que me siento llamado a crear, y por eso soporto esta existencia miserable.8
Con el paso del tiempo, la audición de Beethoven continuó empeorando. Los médicos, a los que visitaba con frecuencia, le fabricaron diferentes artefactos para ayudarle a comunicarse con la gente y a componer. A pesar de todo, estos aparatos dejaron de serle útiles rápidamente: en 1817 Beethoven estaba casi completamente sordo, y empezó a utilizar cuadernos para que sus interlocutores pudieran escribir en ellos lo que querían decirle.
En 1820, el año en el que Beethoven empezó a componer las Sonatas op. 109-111, un amigo fue a verlo a su casa y cuenta que sobre el piano de Beethoven había una especie de cúpula de metal. Este dispositivo recogía y proyectaba el sonido del instrumento directamente hacia el compositor y le ayudaba a oírlo mejor.
La cúpula creaba un sonido envolvente al que Tom Beghin llama el “refugio de Beethoven” 9, y dice: “[...] debido –o gracias– a su discapacidad, Beethoven se recluye en su refugio, que cada vez es más pequeño, y, dentro de él, descubre muchas otras facetas de ese entorno, su entorno más íntimo e interior”. 10
¡Qué genio y qué inspiración es Beethoven! Incluso en circunstancias enormemente difíciles, siguió buscando la belleza, y la encontró en cantidades enormes…
Acerca de las sonatas
El primer movimiento de la Sonata op. 109 combina dos elementos principales: por un lado, el tema presentado en el comienzo de la sonata, que tiene un carácter improvisado; en segundo lugar, una sección más tranquila y lírica, pero con arrebatos de improvisación intercalados. El segundo es un movimiento virtuosístico y de un impulso tremendo, dos elementos muy característicos de la música de Beethoven.
8 Ludwig van Beethoven. Testamento de Heiligenstadt (1802), fragmento.
9 Maes, Inside the Hearing Machine.
10 Ibid.
La Sonata op. 111, la última que Beethoven escribió, es otro ejemplo perfecto de un compositor romántico, revolucionario, que mira hacia el futuro, mientras que, al mismo tiempo, mantiene un pie arraigado en el pasado. Para componer el primer movimiento se inspira en las oberturas francesas del Barroco. Esas obras comienzan con una sección lenta –de carácter regio, con un ritmo punteado, gestos rápidos y armonías estables– a la que le sigue una más rápida y contrapuntística. Beethoven adopta este modelo pero, desde la primera nota, desafía sus fronteras: la sección lenta con la que empieza la sonata está plagada de acordes disminuidos, que generan momentos de enorme inestabilidad e incertidumbre. En la sección contrapuntística, Beethoven exige un virtuosismo, una energía y una exploración completa del piano y sus posibilidades nunca vistas antes y que llevan al intérprete al límite.
Otros dos aspectos revolucionarios de esta sonata son que comprende sólo dos movimientos y que la magnitud del segundo es inmensa. En él, Beethoven vuelve a mirar al pasado y nos ofrece otro tema con variaciones. El tema no puede sonar más noble y tranquilo. A medida que las variaciones se van sucediendo, la energía de la música aumenta de forma gradual hasta que, en el punto más alto, Beethoven utiliza un ritmo que sería “redescubierto” más de un siglo después… ¡en la música swing! Tras esta locura futurista, Beethoven cambia de carácter bruscamente y nos sumerge en el otro extremo del espectro emocional, en una música que apenas se mueve. Estos compases son estáticos pero también extáticos e hipnotizantes: en un momento dado, cuando Beethoven explora el registro más agudo del piano, la música alcanza también la cima más alta de expresión. El compositor sigue profundizando en las diferentes emociones, atmósferas, colores y, después de un largo y sostenido crescendo, aparece otro trino interminable, como el de la Sonata Op. 109, pero en este caso mucho más difícil de ejecutar.
Después de este despliegue de virtuosismo, Beethoven concluye su colección de sonatas de la manera más discreta posible: muchos artistas habrían elegido terminar su última sonata con un fuerte “¡boom! ”. Él, sin embargo, hace lo contrario: se dirige a la puerta trasera, la abre silenciosamente y, sin molestar a nadie y sin que se levante una mota de polvo del suelo, la cierra tras de sí, y se va.
Para mí, estas sonatas son la voz de Dios de la que Margulis habla, que Beethoven escuchó en su entorno más íntimo, en su refugio, como dice Tom Beghin. Esta música es la materialización de las posibilidades que emergieron de la discapacidad de Beethoven, y lo convirtió en uno de los compositores más admirados de la historia de la música.
Leopoldo Erice Texto de Leopoldo Erice / Odradek Records, LLC bajo licencia Creative Commons Attribution-NoDerivatives 4.0 International License. Permisos más allá del ámbito de esta licencia disponibles en www.odradek-records.com
Uno de mis hermanos dice que mis padres tuvieron “7+1 hijos”, ya que mis siete hermanos nacieron en poco más de ocho años, pero luego pasaron… ¡catorce! hasta que nací yo. Cuando mis padres se casaron, alguien les regaló un piano vertical Chassaigne Frères, que estuvo durante años en el salón de casa hasta que nos lo llevamos a Ribadeo. Son innumerables las veces que recuerdo a mi madre sentada al teclado –durante su juventud estudió la carrera e impartió clases de piano–, y también cantando acompañándose con la guitarra. Mi padre sólo tocaba un instrumento –la armónica– como afición, pero era un verdadero melómano: a diario ponía grabaciones de una colección de vinilos buena y variada que ambos tenían en casa.
Mis hermanos y yo heredamos el gusto de mis padres por la música, y fue algo natural que yo empezara a recibir clases de piano a una edad temprana. Mi primer profesor fue José Ramón Martínez Reyero, y estoy convencido de que es en gran parte gracias a él –¡me divertía tanto en sus clases!– que soy músico hoy en día. Mis padres fueron a infinidad de conciertos, a veces porque estaban abonados, pero la mayoría por disponer de entradas que les regalaban familiares y amigos, y, siempre que podían, me llevaban con ellos. Haber estado constantemente expuesto a conciertos de gran calidad durante mi infancia y juventud fue enormemente beneficioso.
Otro de mis hermanos cantaba en un buen coro amateur llamado San Jorge. Cuando su director supo que yo estaba aprendiendo a tocar el piano, le pidió a mi hermano que me llevara a los ensayos. Eso dio lugar a una colaboración que duró más de una década, y a una amistad especial con muchos de los coralistas. Ambas cosas fueron cruciales en mi formación musical y personal, e hicieron que, de forma natural, me enamorara de la voz humana como instrumento y, por extensión, de la música de cámara vocal e instrumental.
A la edad de diez años actué en público por primera vez y di mi primer recital a los dieciséis. Desde entonces, he ofrecido numerosos conciertos en todos los continentes (menos en Australia, ¡a donde espero ir pronto!). A finales de los años noventa me marché al extranjero para continuar mis estudios, y poco tiempo después empecé a impartir clases en la universidad. La enseñanza me ha acompañado desde entonces y me ha llevado a vivir en distintos países. La combinación de interpretación y docencia me fascina, pues el escenario y las personas con las que lo comparto, el público para el que actúo y mis alumnos son fuentes constantes de aprendizaje para mí. Disfruto organizando eventos culturales y tengo el privilegio de estar al frente de proyectos preciosos.
Cuando no estoy inmerso en la música, me encanta disfrutar de la vida con mi mujer, mi familia, mis amigos. Soy un apasionado de la buena literatura, del senderismo, de la fotografía, y me siento como en casa navegando a vela.
Leopoldo Erice
To my parents, María Rosa and Luis, for bringing me into this world, for the education they gave me, and for the values they instilled in me. When we traveled, they used to cut the trip in two, to “see stones,” as they said: churches and cathedrals, and also museums and exhibits. Often, as a kid, I would think: “Oh, no, please, no more stones!” However, during my teen years, I started to realize how important those life experiences were. Today, I am deeply grateful to them for exposing me to all that culture.
To my siblings, my family and friends, for their constant love and for always being there.
To all my music teachers – with a special mention to José Ramón, Beata, Luis, Joaquín, Vitaly, Rian, Leonard, Jim, Emile, Annie and James – for their never-ending patience and inspiration.
To my students and to my companions on the stage.
To all of those whom I have been lucky to meet in this life and, in many different ways, have helped make me who I am today.
To Anne-Marie, my wife, for her love and constant support.
A mis padres, María Rosa y Luis, por traerme a este mundo, por la educación que me dieron y por los valores que me inculcaron. En muchos de nuestros viajes insistían en partir el trayecto para, como ellos decían, “ver piedras”: iglesias y catedrales, y también museos y exposiciones. A menudo, y desde mi mentalidad de niño, yo pensaba: “¡Oh, no, por favor, no más piedras!”. Sin embargo, a partir de mi juventud, empecé a darme cuenta de la importancia de esas vivencias. Hoy en día les estoy profundamente agradecido por toda la cultura que me enseñaron.
A mis hermanos, a mi familia y a mis amigos, por su cariño constante y por estar siempre ahí.
A todos mis profesores de música –con una mención especial a José Ramón, Beata, Luis, Joaquín, Vitaly, Rian, Leonard, Jim, Emile, Annie y James–, por su paciencia e inspiración infinitas.
A mis alumnos y a mis compañeros de escenario.
A todos aquellos a los que he tenido la suerte de conocer en esta vida y que, de formas muy diversas, me hacen ser como soy.
A Anne-Marie, mi mujer, por su amor y por su apoyo constante.
I am deeply grateful to the University of Ottawa’s School of Music and Dr. Lori Burns, its director when this recording was made, for generously providing me with a wonderful hall and a beautiful Yamaha CFX piano; to my colleagues at the University of Ottawa’s School of Music – James Law, Hali Krawchuk, and Anne-Laure Duval – for making the recording days go so smoothly; to piano technician Don Côté, for keeping the piano in outstanding condition throughout the recording sessions; to recording engineer Earl McCluskie, for his fine work and patience during the entire ‘trip’ this project has been; to the Association of Part-Time Professors of the University of Ottawa, for its financial collaboration towards this recording; to my brothers Juan Luis and Jorge, and to my friends Martha López, Annie McDonald, Toni Deaño and Scott Rousseu, for their generosity editing the text that accompanies this recording; and to the recording label Odradek Records, for having welcomed me with so much attention and warmth.
Estoy profundamente agradecido a: la Facultad de Música de la Universidad de Ottawa y a la Dra. Lori Burns –su directora cuando se llevó a cabo esta grabación–, por cederme generosamente un auditorio estupendo y un piano Yamaha CFX magnífico; a mis compañeros de la Facultad de Música de la Universidad de Ottawa –James Law, Hali Krawchuk, y Anne-Laure Duval–, por hacer que los días de grabación transcurrieran con facilidad; a Don Côté, técnico-afinador, por mantener el piano en perfectas condiciones durante las sesiones de grabación; a Earl McCluskie, ingeniero de grabación, por su buen trabajo y paciencia durante todo el “viaje” que ha sido este proyecto; a la Association of Part-Time Professors de la Universidad de Ottawa, por apoyar económicamente esta grabación; a mis hermanos Juan Luis y Jorge, y a mis amigos Martha López, Annie McDonald, Toni Deaño y Scott Rousseu, por su generosidad revisando el texto que acompaña a esta grabación; y al sello discográfico Odradek Records, por haberme acogido con tanto cariño y atención.
Leopoldo Erice Photo Leopoldo Erice at the piano: Nacho Samper www.odradek-records.com www.leopoldoerice.com