SEVEN
WORKS BY ANDREA CASARRUBIOS
ANDREA CASARRUBIOS (1988)
01. SEVEN for solo cello (2020) 10'35
02. Armadura for solo cello (2022) 08'07
03. 24 Mozas for cello and piano (2017) 03'51
04. Mensajes del agua for cello and piano (2019) 04'16
05. Silbo for cello and piano (2021) 05'50
06. Afilador for clarinet, violin, viola and cello (2022) 09'51
Piano Quintet for 2 violins, viola, cello and piano (2023)
07. I. Abundance 07'02
08. II. Lullaby 03'21
09. III. Golden Hour 05'05
10. IV. Zasca! 04'05
Total Play Time: 62'09
Andrea Casarrubios cello
Audrey Abela piano
Members of Chicago Symphony Orchestra featured in Afilador
John Bruce Yeh clarinet
Matous Michal violin
Danny Lai viola
Members of Manhattan Chamber Players featured in the Piano Quintet
Adam Golka piano
Rubén Rengel violin I
Suliman Tekalli violin II
Luke Fleming viola
This album features seven of my most recent works. Together, they encompass a truly significant period in history: the years before and after 2020. At the heart of this collection lies SEVEN for solo cello, a piece that has become central to my life as a composer. The title alludes to the 7pm tribute offered to healthcare workers during the lockdown. Through the music, I sought to explore the contradiction between solitude and community; that unique emotional complexity precipitated by the overwhelming challenges of 2020. Playing the piece in public still grants me the relief of a more distant perspective, creating a space where the performer and the audience can reflect on loss and appreciation, applauding those they wish to remember after the seven bell-like sounds that end the work.
Each note of this album is filled with intention; from recalling the sounds that decorate our childhood in Afilador to moments of soothing meditation and renewal, such as in Mensajes del agua or the ‘Lullaby’. The piece 24 mozas celebrates generations of traditional music in northern Spain, and Silbo is inspired by whistled languages, such as silbo gomero in the Canary Islands. Armadura takes its essence from the writings of Frida Kahlo, conveying the effort exerted to protect the integrity of our inner world. The Quintet for Piano and Strings evokes the magnificent landscapes of California’s Central Coast. Culminating in humour and exuberance, the last movement, ‘Zasca’, is inspired by the gestures of a fan as it is being snapped open on a hot summer day.
I would like to acknowledge Audrey Abela and the magnificent artists from the Chicago Symphony Orchestra and Manhattan Chamber Players who joined me in making this album. Their stunning playing inspires me every time I hear them, and I hope their musicianship will do the same for you.
As I reflect on the journey that led me to record this collection of pieces, I am reminded of the unwavering support of my dear friend Alicia Rodríguez Blanco. It is with profound gratitude and reverence that I dedicate this album to her memory, honoring the lasting impact she has had on my life and music.
Andrea Casarrubios
SEVEN, for solo cello (2020)
Commissioned by Thomas Mesa, SEVEN is a tribute to essential workers and honours the victims of the global COVID-19 pandemic. My intention with this work was to create an experience in which two opposites coexist: solitude and resilience during isolation, and a sense of community and solidarity. Written in Manhattan, the piece ends with seven bell-like sounds, alluding to the daily 7pm tribute during the lockdown that occurred in many countries – a moment when we would lay aside our personal challenges, open our windows, and connect with each other to express appreciation for those on the front lines. SEVEN received its Carnegie Hall premiere in 2021 and has been performed in more than 36 countries since.
Armadura, for solo cello (2022)
Armadura (Armor) was commissioned by EXTENSITY Concert Series for their 2022 New York festival “Women Now”. The seed for the music developed while reading the words of Mexican artist Frida Kahlo from 1953: “La vida callada, dadora de mundos”, which can be translated as “The silent life... giver of worlds”. This description of the inner world immediately resonated with me, yet I couldn’t help consider the cost; the energy necessary to protect that space, the worlds that coalesce within it, and how easily that centre can be disrupted – particularly in an age of social media. Armadura is an attempt to evoke these contrasting yet linked phenomena: the fragility of the nascent worlds within and the effort exerted to protect them. The music is founded on a heartbeat rhythm, which increases in intensity over time until we reach the end of the work, when the main theme is presented one last time, unprotected, with honesty and simplicity.
Silbo, for cello and piano (2021)
Silbo takes inspiration from the fascinating whistled languages that have long existed in territories around the world, developed to communicate across long distances. Some of these languages still exist in regions with mountains or large expanses of land. Each place has its own system of codes, tied to its history and heritage. For example, silbo gomero (from La Gomera in the Canary Islands) allows for full sentences to be exchanged from up to three miles away. This whistled language has been tenaciously preserved generation after generation, and has also been granted UNESCO World Heritage status.
Silbo, for cello and piano was commissioned by the Cello Teaching Repertoire Consortium, and one of my goals was to foster curiosity towards these captivating traditions; the cello often utilises harmonics to imitate the whistles, while the piano provides the shapes of the landscape and climate conditions. These ideas are combined with dance rhythms inspired by the traditional music of La Gomera island.
Mensajes del agua, for cello and piano (2019)
Mensajes del agua is a meditative work and the music is inspired by the delicate perfection of the shapes found in unpolluted frozen water. Originally written as the slow movement of the MIRAGE Concerto for Cello and Orchestra, it is also performed on its own, along with Silbo and 24 Mozas. Almost like an oasis, the music is meant to provide a moment of renewal. The piece is dedicated to Maria de Macedo, one of my beloved cello mentors who gave me the book Messages in Water by Japanese Scientist Masaru Emoto as my life transitioned to the United States when I was 18.
24 Mozas, for cello and piano (2017)
24 Mozas is a short virtuosic work based on the traditional song Tío Babú from Toro (province of Zamora, Spain). The two themes are presented on the cello and the piano before taking several unexpected turns as the piece develops. The percussive cello sounds come from the tradition of singing the tune at a casual home gathering, clapping and hitting the table in rhythm with the melody. The lyrics of the song have one section, accompanied by a slower melody, which refers to the rainy weather, and a second faster section that mentions a traditional wedding. Contrary to popular belief, there were not 24 but 25 ladies, “because the bride was also attending!” This old traditional tune has been passed from generation to generation and is now known to be sung during vendimia, the harvesting of the grapes.
Afilador, for clarinet, violin, viola and cello (2022)
Afilador is a Chicago Symphony Orchestra commission for MusicNOW and was premiered at the Symphony Center in 2023. We all retain certain sounds that decorate our childhood. Whether it is the jingle of an ice cream truck – or, in my case, the whistle of an afilador – they resound perennially fresh in our memory. Those who grew up in Latin America are well acquainted with the immediately recognisable scales of an afilador. Playing a whistle or flute called a “chiflo”, the afilador bikes from town to town with their equipment attached to the handlebars, attending to the dull knives and razors of the residents. I was born in a small village surrounded by a mountain range in Spain called Sierra de Gredos, where I used to hear the sound of the knife sharpener every week. Although this profession has been disappearing, the afilador was for many generations part of the natural sound world of all of the villages in the valley. I have been living in the United States for almost half of my life now, but during a recent visit to my hometown, I heard the chiflo of the knife sharpener in the distance. I hadn’t heard one in 20 years. I found myself following the music through the streets, radiating with a sensation of intactness, a wholeness which now exists for me only in flashes of scent and sound.
In this quartet the music begins with a breath of fresh air, seeking to float above everything earthbound, gathering perspective from a bird’s eye.
The clarinet then starts imitating the distant melismas of a sharpener’s whistle. The afilador as a musical idea is intended to appear as a call to come back to presence; to snap out of our mental noise, and from there, perhaps, to be ushered immediately into memory and meaning. After the first iteration of the afilador theme, the music becomes almost like a mantra played by the strings, drifting through an intense ice storm where all the elements eventually align. The ending returns to the abundant colour of the valley, and represents a transformation; turning tragedy and hardship into as much beauty and warmth as possible.
This work was written in memory of my brother, who played the violin and suggested that I learn the cello so that we could play together.
Quintet for Piano and Strings (2023)
This Piano Quintet was commissioned by California’s Chamber Music Monterey Bay in memory of Terry Field, and was premiered by Manhattan Chamber Players at the Sunset Center in 2023. The first movement, ‘Abundance’, is inspired by the flourishing ecosystems found along California’s Central Coast. The music embraces the richness of life, expressed in vibrant melodies, rhythmic vitality and lush harmonies, echoing the power of the waves and cliffs. The second movement offers a moment of tranquility and reflection. Conceived as a ‘Lullaby’, the music is tender and intimate, but it is a lullaby hummed to soothe oneself. The third movement, ‘Golden Hour’, captures the magical and ethereal light of the Pacific coast. The music evokes the golden hues bathing the landscape during those fleeting moments of sunset. The celebratory last movement adds a spirited flair to the quintet. Inspired by the sound of a Spanish fan being snapped open on a hot day, ‘Zasca’ is the word to describe that quick gesture and the music is infused with rhythmic energy as the piano and strings engage in a thrilling dialogue capturing the excitement of a summer dance.
Andrea Casarrubios
Praised by The New York Times for having “traversed the palette of emotions” with “gorgeous tone and an edge of-seat intensity,” Spanish-born cellist and composer Andrea Casarrubios has played as a soloist and chamber musician throughout Europe, Asia, Africa, and the Americas. First Prize winner of numerous international competitions and awards, Casarrubios has appeared at Carnegie Hall, Walt Disney Concert Hall, and the Piatigorsky, Ravinia, and Verbier Festivals. Her latest engagements include commissions and concerts in Mexico, Colombia, Spain, Romania, Belgium, Germany, Canada, and the United States. Casarrubios’ compositions have been programmed by organizations such as the Indianapolis Symphony Orchestra, the Philadelphia Orchestra, National Philharmonic, Carnegie Hall, Sphinx Organization, Washington Performing Arts, the European Parliament, NPR, and the Spanish National Radio. Her previous album with Odradek Records, Caminante, presents some of her own original music and it was chosen as one of the “Best 2019 Classical Music Albums” by Australia’s ABC Classic, celebrating her artistry as “superhuman.” Her acclaimed piece SEVEN received its Carnegie Hall premiere in 2021 and has been performed around the world since.
As a guest soloist at Auditorio Nacional in Madrid, Casarrubios premiered her own Concerto for Cello and Orchestra, MIRAGE, a work that she will continue to tour next season. Other recent works include the orchestra version of Afilador (2022-23) commissioned by the Chicago Symphony Orchestra for MusicNOW and featured in this album as a quartet; Sonia (2023) written in honor of Supreme Court Justice Sotomayor; and Herencia for String Orchestra (2023), a “stirring creation” (The Strad) commissioned for Sphinx Virtuosi’s 2023-24 tour and premiered at Carnegie Hall’s Stern Auditorium in 2023. A dedicated mentor, Casarrubios has taught masterclasses at The Juilliard School, University of Southern California, City University of New York, Illinois State University, as well as at numerous festivals and institutions on tour. Her cello teachers have included Maria de Macedo, Lluís Claret, Amit Peled, Marcy Rosen, and Ralph Kirshbaum. She is an alumna of Ensemble Connect, and as part of her Doctoral degree in New York, Casarrubios also studied composition with John Corigliano.
Andrea Casarrubios
Praised for her sensitive and captivating interpretations, French pianist Audrey Abela has performed extensively around the world. In 2019, she completed her dissertation, a study on French pedagogy at the Paris Conservatory. Subsequently, she recorded her debut album, En Suite, an homage to French piano music, described as “a disc to treasure.” Abela is also the director and founder of Opus One Music, a thriving music school based in New York City.
Audrey Abela
John Bruce Yeh joined the Chicago Symphony Orchestra in 1977, the first Asian musician ever appointed to the CSO and is now the longest-serving clarinetist in CSO history. A prize winner at both the 1982 Munich International Music Competition and the 1985 Naumburg Clarinet Competition, his more than two dozen solo and chamber music recordings have earned worldwide critical acclaim. Yeh is director of Chicago Pro Musica, which received the 1986 Grammy Award as “Best New Classical Artist.”
John Bruce Yeh
Matous Michal joined the Chicago Symphony Orchestra in 2016, appointed by Music Director Emeritus for Life Riccardo Muti. A native of the Czech Republic, Michal studied at the Prague Conservatory, the Juilliard School, and the Manhattan School of Music. He has served as a concertmaster for multiple orchestras, as well as playing solo and chamber music concerts performing in some of the most notable venues in the world, such as Musikverein in Wien, La Scala in Milano and Suntory Hall in Tokyo.
Matous Michal
Danny Lai was appointed by Riccardo Muti in Chicago Symphony Orchestra in 2014. A Northwestern University graduate in economics and music performance, Lai studied under Dr. Roland Vamos. He played in the Civic Orchestra of Chicago and later joined the Colorado Symphony. Lai collaborates in Chicago’s vibrant music scene and has performed globally with orchestras. With a passion for new music, Lai actively collaborates with innovative creators and composers, contributing to the evolving landscape of classical artistry.
Danny Lai
Venezuelan violinist Rubén Rengel has appeared as a soloist with the Philadelphia Orchestra, Detroit Symphony, Houston Symphony, Dallas Symphony, Venezuela Symphony, New York String Orchestra, and he is a winner of the 2018 Sphinx Competition. His chamber music appearances include performances at Caramoor, Moab Music Festival, Philadelphia Chamber Music Society, Washington Performing Arts, Music@ Menlo, Ravinia, and Marlboro. A versatile performer, He also explores Venezuelan and Latin American folk genres, and his arrangement of Beethoven’s “Kreutzer” Sonata has been featured on the Deutsche Grammophon label. He was recently in residence at Carnegie Hall as a member of Ensemble Connect.
Rubén Rengel
American violinist and top-prize winner of the 2015 Seoul International Music Competition, Suliman Tekalli has performed throughout the Americas, Europe, and Asia on stages including Carnegie Hall, Seoul Arts Center, and Wigmore Hall among others. Tekalli has appeared at numerous chamber music festivals, including Music@Menlo, Yellow Barn, and the Banff Centre and also served as concertmaster of the critically acclaimed conductorless ensembles Orpheus Chamber Orchestra, the Sphinx Virtuosi, and the International Sejong Soloists. Tekalli was recently in residence at Carnegie Hall as a member of Ensemble Connect.
Suliman Tekalli
Suliman Tekalli
Praised by The Philadelphia Inquirer for his “glowing refinement,” violist Luke Fleming’s performances have been described by The Strad as “confident and expressive...playing with uncanny precision,” and lauded by Gramophone for their “superlative technical and artistic execution.” An alumnus of the Juilliard School, the Royal Academy of Music, the Marlboro Music School and Festival, and the Steans Institute at Ravinia, Fleming is the Founding Artistic Director of both the Manhattan Chamber Players and the Crescent City Chamber Music Festival, and serves as Artistic Program Director for Chamber Music Monterey Bay.
Luke Fleming
Polish-American pianist Adam Golka has appeared as soloist with the BBC Scottish Symphony, Warsaw Philharmonic, Shanghai Philharmonic, as well as the San Francisco, Atlanta, Houston, Dallas, Indianapolis, New Jersey, and San Diego symphonies. He performed cycles of Beethoven’s 32 Sonatas as well as solo recitals at Klavier-Festival Ruhr in Essen, Tonhalle Zürich, Maison de France in Berlin, Tokyo’s Musashino Hall, New York’s Alice Tully Hall, and Amsterdam’s Kleine Zaal in Het Concertgebouw. As a chamber musician, he performs frequently with the Manhattan Chamber Players, participated in Marlboro Music, and he is a regular of the KrzyżowaMusic “Music for Europe” festival. He is an Artist Teacher at the Longy School of Music in Cambridge, Massachusetts.
Adam Golka
Este álbum es un viaje a través de siete de mis obras más recientes y reflejan un momento crucial en la historia; un antes y un después del año 2020. En el corazón de esta colección se encuentra SEVEN para violonchelo solo, una pieza que ocupa un lugar muy significativo en mi vida. SEVEN nació como un homenaje a los profesionales sanitarios durante el confinamiento, y la obra se adentra en las profundidades de la soledad, encarnando la complejidad emocional de los múltiples desafíos a los que nos enfrentamos. La música finaliza con siete sonidos a modo de campanas, en alusión al tributo de las siete de la noche en Nueva York, donde la escribí en 2020. Aunque en algunos países ocurrió una hora después, este era el momento de dejar nuestros problemas de lado, abriendo ventanas para aplaudir a las personas que ponían sus vidas en peligro al cuidar de los demás. Todavía me otorga alivio tocar esta pieza en concierto, creando un espacio donde podamos seguir reflexionando, y donde el público sigue aplaudiendo a aquellos profesionales tras finalizar la obra.
Cada nota de este álbum está llena de intención; desde el recuerdo del Afilador y de quienes ya no están con nosotros, hasta momentos de meditación y renovación, como en Mensajes del agua o Lullaby, la canción de cuna. 24 Mozas celebra generaciones de música tradicional y Silbo se inspira en el fascinante mundo de los lenguajes silbados, como el silbo gomero. Armadura toma su esencia de Frida Kahlo, evocando el esfuerzo realizado para proteger nuestro mundo interior y su integridad. A través del Quinteto os invito a sumergiros en la exuberante y grandiosa Costa Central de California, así como en un final con humor y desparpajo inspirado en el lenguaje del abanico con Zasca. Este álbum es un reflejo de las innumerables experiencias que dan forma a nuestras vidas, apoyándonos en lo que podría acercarnos dentro de un mundo cada vez más dividido.
Quiero expresar mi admiración por los magníficos músicos de la Chicago Symphony Orchestra y Manhattan Chamber Players que tocan conmigo en este álbum. Espero que sus sonidos os conmuevan tanto como a mí.
El apoyo inquebrantable de mi querida Alicia Rodríguez Blanco me llevó a grabar esta colección de piezas. Es con profunda gratitud que dedico este álbum a su memoria, para que resuene durante toda la eternidad, honrando el profundo impacto que ha tenido en mi vida y mi música.
Andrea Casarrubios
SEVEN, para violonchelo solo (2020)
Encargado por el violonchelista Thomas Mesa, SEVEN nació a modo de homenaje a los trabajadores sanitarios y en conmemoración de las víctimas del COVID-19. La música, escrita en Nueva York, finaliza con siete sonidos emulando el toque de las campanas de un reloj, en alusión al tributo de las siete de la tarde en varios países durante el confinamiento; momento durante el cual apartábamos nuestros problemas para agradecer en comunidad a aquellas personas que arriesgaban sus vidas para cuidar de los demás. Tras la reapertura de los auditorios, SEVEN estuvo de gira por Estados Unidos, estrenándose en el Carnegie Hall en 2021. Desde entonces, esta obra se ha interpretado en más de 36 países.
Armadura, para violonchelo solo (2022)
Armadura fue un encargo de EXTENSITY Concert Series en Nueva York para el festival “Women Now” donde se estrenó en 2022. La semilla de la obra surgió con los escritos de la célebre artista mexicana Frida Kahlo. En particular, hay una frase suya de 1953 que resonó en mi mente durante días: “La vida callada, dadora de mundos”. No pude evitar pensar en la energía que se necesita para proteger nuestro mundo interior y la facilidad con la que ese eje puede verse alterado, especialmente en la era de las redes sociales. Armadura evoca ese centro y el esfuerzo realizado para protegerlo. La música está basada en un ritmo similar al latido del corazón. El pulso va aumentando en intensidad hasta llegar al final de la obra, cuando el tema principal se presenta por última vez, desprotegido, con honestidad y sencillez.
Silbo, para violonchelo y piano (2021)
Encargado por el Cello Teaching Repertoire Consortium y la Universidad de Rochester como obra pedagógica para ampliar el repertorio en programaciones educativas universitarias, Silbo se inspira en los fascinantes lenguajes silbados que existen o han existido para comunicarse a grandes distancias a través de barrancos o vastos territorios naturales. Algunos de estos territorios se encuentran en pueblos de México, Bolivia, Brasil, Nepal, Turquía, Francia, Grecia, España y múltiples países de África. Cada lugar tiene su codificación e historia particular. Por ejemplo, los orígenes del lenguaje silbado de la isla de La Gomera (Islas Canarias, España) se creen ligados al guanche o bereber canario, pues los sonidos del silbo gomero imitaban la lengua guanche que se hablaba en tiempos prehispánicos en Canarias, permitiendo intercambiar mensajes a una distancia de hasta cinco kilómetros. El silbo gomero no sólo se ha preservado, sino que es Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad.
Mi intención al escribir este dúo para violonchelo y piano fue fomentar interés por estas asombrosas tradiciones. El violonchelo a menudo utiliza armónicos que crean un mundo sonoro imitando silbidos, mientras que el piano proporciona una sensación de amplios espacios naturales y climatológicos. Asimismo, se pueden escuchar pasajes inspirados en ritmos de música y danza tradicional de La Gomera, trenzando estas esencias folklóricas con sonidos del silbo gomero.
Mensajes del agua, para violonchelo y piano (2019)
Inspirada en las delicadas formas cristalizadas que se encuentran en el agua helada sin contaminar, esta pieza meditativa pretende proporcionar un espacio de renovación. Originalmente escrita en forma de oasis, como el movimiento lento del Concierto para Violonchelo y Orquesta MIRAGE, también se suele interpretar junto a Silbo y 24 Mozas. Mensajes del agua está dedicada a mi gran profesora Maria de Macedo, quien me regaló el libro Mensajes en el agua del científico japonés Masaru Emoto durante mi transición desde España hacia los Estados Unidos en 2007.
24 Mozas, para violonchelo y piano (2017)
24 Mozas es una obra de carácter virtuosístico inspirada en una canción popular que pertenece a los cantares de boda de la localidad zamorana de Toro, donde se ha convertido en una seña de identidad. El cantar se conoce como El tío Babú y también está registrado como canción popular astur-leonesa en el Archivo de la Música Tradicional del Museo Etnográfico del Pueblo de Asturias. Musicalmente podemos escuchar dos secciones que se alternan: una melodía lenta donde la letra incide en que llueve mucho, seguido de otro pasaje rápido sobre la boda a la que no acuden 24 Mozas, sino “25 porque iba la novia.” Los temas, interpretados tanto por el violonchelo como por el piano, juegan y se transforman a lo largo de la obra. El violonchelo también interpreta secciones rítmicas percutidas sobre el instrumento, proporcionando giros inesperados que hacen de esta pieza tradicional una experiencia exuberante en concierto.
Afilador, para clarinete, violín, viola y violonchelo (2022)
Afilador fue un encargo de la Chicago Symphony Orchestra bajo la dirección de Riccardo Muti y Jessie Montgomery, y se estrenó en el Chicago Symphony Center en febrero de 2023. Cada persona guarda en su memoria ciertos decorados sonoros que han marcado momentos de su infancia. En mi caso, como en generaciones anteriores a la mía, han sido los melismas de los afiladores – sonidos que resuenan como una mágica llamada atemporal. Llevo casi la mitad de mi vida viviendo en Estados Unidos, pero durante
una de las visitas a mis tierras natales en el Valle del Tiétar (España), ocurrió que de pronto me hipnotizó el sonido del chiflo de un afilador, pues no lo había escuchado en veinte años. Como si el tiempo no hubiese pasado, me apresuré por las calles, intentando acercarme para atrapar ese sonido con una preciosa sensación de inocencia que pronto se convirtió en melancolía. Poco después recibí una llamada con el fin de escribir una obra para la Chicago Symphony Orchestra, y fue así que el encargo se fue convirtiendo en una cápsula de aquella experiencia. La música comienza con una ráfaga de aire, intentando tomar perspectiva al flotar por encima de todo lo terrenal. En esta versión de cuarteto escuchamos al clarinete imitando los lejanos melismas de un afilador; sonidos que pretenden arrancarnos del bucle de nuestro ruido mental y, a partir de ahí, llevarnos de viaje al mundo de los recuerdos. Tras una intensa tormenta escuchamos el doblar de las campanas, emulando el fatídico momento sonoro en las aldeas anunciando el luto por la joven partida. El final de la obra nos transporta a la abundante explosión de color del valle, invitando al desafío vital de transformar la tragedia en un eterno esplendor. Afilador está escrito en memoria de Diego Casarrubios García, mi hermano.
Quinteto para piano, 2 violines, viola y violonchelo (2023)
Este quinteto fue un encargo de la Chamber Music Monterey Bay en California y fue estrenado por Manhattan Chamber Players en el Auditorio Sunset Center en 2023. El primer movimiento, Abundance, está inspirado en los prósperos ecosistemas que se encuentran a lo largo de la costa central de California. La música abarca la riqueza de la vida, expresada con vitalidad y exuberancia, finalizando con sonoridades que evocan el poder de las olas y acantilados. El segundo movimiento nos ofrece un espacio de tranquilidad y reflexión. Concebido como una canción de cuna para adultos, la música es íntima y su propósito es calmarnos durante momentos extremos. El tercer movimiento, Golden Hour, hace alusión a la luz mágica y etérea del Pacífico, evocando las tonalidades doradas que bañan el paisaje durante esos fugaces instantes del atardecer. El cuarto movimiento, Zasca, aporta un dinámico final al quinteto. A modo de celebración y con cierto desparpajo, el piano y el cuarteto de cuerda entablan un emocionante diálogo a modo de baile. La música está inspirada en el lenguaje de los abanicos e impregnada de rápidos y enérgicos gestos.
Andrea Casarrubios
Texto de Andrea Casarrubios / Odradek Records, LLC bajo licencia Creative Commons Attribution-NoDerivatives
4.0 International License. Permisos más allá del ámbito de esta licencia disponibles en www.odradek-records.com
La violonchelista y compositora Andrea Casarrubios actúa frecuentemente en diversos países de Europa, Asia, África y América. Entre sus interpretaciones como solista se incluyen conciertos en el Auditorio Nacional de Madrid, Carnegie Hall de Nueva York y National Center for the Performing Arts de Pekín. Galardonada con primeros premios en numerosos concursos internacionales, Casarrubios ha sido invitada al Piatigorsky Festival, Ravinia Festival y Verbier Festival. Como profesora, ha impartido clases magistrales en la Juilliard School, University of Southern California y City University of New York, entre otros centros. Sus composiciones han sido encargadas e interpretadas por agrupaciones como la Indianapolis Symphony Orchestra, Chicago Symphony Orchestra, National Philharmonic o The Philadelphia Orchestra, y son programadas regularmente en radios de Australia, Canadá, Japón, Brasil, Argentina, EEUU y España. SEVEN, la icónica y emocionante obra que ha dado la vuelta al mundo desde su concepción en 2020, tuvo su estreno en el Carnegie Hall en 2021.
Su anterior disco con Odradek Records, titulado Caminante: Music of Andrea Casarrubios, ha sido elogiado por críticos de diversos países, incluyendo ABC Classic que lo eligió como “Best Classical Albums 2019” describiendo su calidad interpretativa y compositiva como “sobrehumana”. Entre sus obras más recientes se incluyen Herencia (2023) para orquesta de cuerdas, una “conmovedora creación” (The Strad) escrita para la gira de Sphinx Virtuosi y estrenada en la sala sinfónica del Carnegie Hall en 2023; la versión para orquesta de Afilador (2022-23), un encargo de la Chicago Symphony Orchestra incluido en este álbum como cuarteto; y Sonia (2023) escrita en honor a la Jueza de la Corte Suprema Sonia Sotomayor. Además de colaboraciones con la Charlotte Symphony Orchestra, Casarrubios seguirá interpretando su propio Concierto para Violonchelo y Orquesta durante las próximas temporadas.
Tras comenzar sus estudios con la pianista y compositora María Escribano, Casarrubios continuó su formación de piano con Ludmil Angelov en Toledo. Al mismo tiempo, se formó como violonchelista con Maria de Macedo en Madrid completando sus estudios con Lluís Claret en Barcelona. Becada por la Johns Hopkins University y la University of Southern California, Casarrubios fue alumna de Amit Peled y Ralph Kirshbaum. Como parte de su doctorado en Nueva York, también trabajó en el ámbito de la composición con John Corigliano.
Elogiada por sus sensibles y cautivadoras interpretaciones, la pianista francesa Audrey Abela actúa con frecuencia en EEUU y Europa. En 2019 completó su tesis doctoral, una extensa investigación sobre la pedagogía realizada en el Conservatorio de París. Posteriormente grabó su álbum En Suite, un homenaje a la música para piano francesa, aplaudido como “un disco para atesorar”. Abela también es la directora y fundadora de Opus One Music, una próspera escuela de música con sede en la ciudad de Nueva York.
John Bruce Yeh se unió a la Chicago Symphony Orchestra en 1977, siendo el primer músico asiático nombrado en la CSO, y es actualmente el clarinetista con más años de servicio en la historia de la célebre orquesta. Ganador de premios en el Concurso Internacional de Música de Múnich de 1982 y el Concurso de Clarinete de Naumburg de 1985, sus más de dos docenas de grabaciones en solitario y música de cámara han recibido elogios en todo el mundo. Yeh es director de Chicago Pro Musica, que recibió el Premio Grammy de 1986 como “Mejor Nuevo Artista Clásico”.
Matous Michal se unió a la Chicago Symphony Orchestra en 2016, nombrado por el Director Musical Emérito Riccardo Muti. Nacido en la República Checa, Michal estudió en el Conservatorio de Praga, la Juilliard School y la Manhattan School of Music. Ha sido concertino de múltiples orquestas, tocando también como solista y músico de cámara en algunos de los lugares más destacados del mundo, como el Musikverein en Viena, La Scala en Milán y el Suntory Hall en Tokio.
Danny Lai se unió a la Chicago Symphony Orchestra en 2014, nombrado por el Director Musical Emérito Riccardo Muti. Graduado de la Universidad Northwestern en Economía e Interpretación musical, Lai estudió bajo la dirección del Dr. Roland Vamos. Tocó en la Orquesta Cívica de Chicago y luego se unió a la Sinfónica de Colorado. Un apasionado por la música contemporánea, Lai colabora con innovadores compositores, contribuyendo a la evolución de la historia de la música y su legado.
El violinista venezolano Rubén Rengel ha actuado como solista con la Orquesta de Filadelfia, la Sinfónica de Detroit, la Sinfónica de Houston, la Sinfónica de Dallas, la Sinfónica de Venezuela y la Orquesta de Nueva York, y fue ganador del Concurso Sphinx de 2018. Como músico de cámara ha actuado en Caramoor, el Festival de Música de Moab, Washington Performing Arts, Music@Menlo, Ravinia y Marlboro. Un versátil intérprete, Rengel también explora géneros folclóricos venezolanos y latinoamericanos, y su arreglo de la Sonata ‘Kreutzer’ de Beethoven ha sido grabado por el sello Deutsche Grammophon. Rengel estuvo recientemente en residencia en Carnegie Hall como miembro de Ensemble Connect.
Violinista estadounidense y ganador del Primer Premio del Concurso Internacional de Música de Seúl de 2015, Suliman Tekalli ha actuado en las Américas, Europa y Asia en escenarios como el Carnegie Hall, el Seoul Arts Center y el Wigmore Hall, entre otros. Tekalli ha participado en numerosos festivales de música de cámara, incluidos Music@Menlo, Yellow Barn y Banff, y también ha sido concertino de la Orpheus Chamber Orchestra, los Sphinx Virtuosi e International Sejong Soloists. Tekalli estuvo recientemente en residencia en Carnegie Hall como miembro de Ensemble Connect.
Elogiado por The Philadelphia Inquirer por su “brillante refinamiento”, el violista Luke Fleming ha sido aclamado por The Strad por “tocar con una precisión asombrosa”. Alumno de la Juilliard School y la Royal Academy of Music, acudió a festivales como Marlboro y Ravinia. Es Director Artístico y Fundador tanto de los Manhattan Chamber Players como del Crescent City Chamber Music Festival, y también trabaja como Director de Programación Artística para el Chamber Music Monterey Bay.
El pianista polaco-estadounidense Adam Golka ha actuado como solista con la Orquesta Sinfónica de la BBC de Escocia, la Filarmónica de Varsovia, la Filarmónica de Shanghái, así como las sinfónicas de San Francisco, Atlanta, Houston, Dallas, Indianápolis, Nueva Jersey y San Diego. Interpretó la integral de las 32 Sonatas de Beethoven y recitales en solitario en el Klavier-Festival Ruhr de Essen, Tonhalle Zürich, Maison de France en Berlín, Musashino Hall en Tokio, Alice Tully Hall en Nueva York y en el Concertgebouw de Ámsterdam. Como músico de cámara, actúa con frecuencia con los Manhattan Chamber Players, en Marlboro Music y en el festival Krzyżowa-Music. Es profesor en la Longy School of Music en Cambridge, Massachusetts.
Andrea Casarrubios
SEVEN, Armadura, Afilador
Recorded at: Guarneri Hall, Chicago
Dates: February 7th, February 16th & March 21st 2024
Producer and Sound Engineer: Charlie Post, PostProductions Audio
Editing and Mixing: Charlie Post, PostProductions Audio Silbo, Mensajes del Agua, 24 Mozas, Piano Quintet
Recorded at: Oktaven Audio, New York
Dates: March 1st & April 27th 2024
Producer and Sound Engineer: Ryan Streber
Editing: Ryan Streber, Deanna Fielding and Charles Mueller Mixing: Ryan Streber
Mastering: Thomas Vigntrinier, Sequenza Studio, Paris
PHOTOS ©
Andrea Casarrubios: Titilayo Ayangade
Audrey Abela: TommasoTuzj.com - vist.co
John Bruce Yeh: Todd Rosenberg
Matous Michal: Todd Rosenberg
Danny Lai: Todd Rosenberg
Adam Golka: Jürgen Frank
Rubén Rengel: Natalie Gaynor
Suliman Tekalli: David Fung
Luke Fleming: Dominique Andre
Graphics: marcoantonetti.com
www.andreacasarrubios.com
www.odradek-records.com