The Long Line - Massimiliano Coclite & Stefano Travaglini

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Two Pianos

The Long Line stefano travaglini ­ massimiliano coclite 01 02 03 04 05 06 07 08 09 10 11 12

mythos garden of delights ethos querendo dançar dianoia body and soul (J. Green, 1930) LEXIS Folk song, Clowns and Litany OPSIS THE LONG LINE melos (take 1) melos (take 2)

02’23 07’39 03’02 07’25 02’39 06’59 02’35 10’59 03’11 07’19 04’59 04’39 Total Play Time: 63’55

MUSIC composed / improvised by massimiliano Coclite and stefano Travaglini ‘Body and Soul’ by Johnny Green

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ENG These days it is really difficult to play a single note and keep it separate from any language or a tradition; increasingly, music floods our existence, and for us artists the cliché is always there, lurking around the corner. The Long Line is an ambitious project which primarily aims to be a concept album based on improvisation or perhaps, more precisely, on instant composition. This unity of intent and ideas about the art of making music together is made possible by a human and musical synergy that we share as a duo. This album is the result of a kind of study that no any artist can ever consider finished: the fascinating research of his own voice, often obscured by the urgent demands and influences of the world, rather than being allowed to speak its natural language. All this involves sacrifices, great determination and the study of the great masters who have preceded us.

The main tracks of this album are based on ideas from composers of the past: Garden of Delights was inspired by one of the Four Temperaments (Sanguinisch) by Paul Hindemith; Querendo dançar takes inspiration from a Giga

by John Bull from the Fitzwilliam Virginal Book; and Folk song, Clowns and Litany is a piano transposition of the compositional ideas found in Igor Stravinsky’s Trois pièces pour quatuor à cordes. The Long Line, on the other hand, is an original composition and takes its title from a quote by Aaron Copland, who was in turn influenced by the compositional message of his teacher Nadia Boulanger (in La Grande Ligne): “Music must always flow, for that is part of its very essence, but the creation of that continuity and flow – that long line – constitutes the be-all and end-all of every composer’s existence” (Copland, What to Listen for in Music).

All the other songs are free improvisations, each based on a musical gesture and combined with the six formative elements of the Greek tragedy according to Aristotle, intended as theatrical forms in which the two performers end up alternating hands and even, in Opsis, playing directly on the piano strings.

In the middle of the album there is a crepuscular arrangement of Body and Soul, a marvellous jazz standard which acknowledges the importance of Afro-American music to our duo, as a source of inspiration and improvisational freedom.

Stefano Travaglini Massimiliano Coclite

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Massimiliano Coclite graduated in piano and jazz from the Conservatoires of Teramo and Bari with the highest marks and praise, before attending the Pescarese Academy of Music in the three-year highlevel piano course with Michele Marvulli. He studied with Claudio Menéndez, Michele Marvulli, Pierluigi Camicia, Benedetto Lupo, and Alexander Lonquich. He has won numerous Italian and international awards, and has played with symphony orchestras in Pescara, Bari, and Bucharest. In Germany, with Romeo Tudorache and Serge Collot, Massimiliano Coclite played in several cities as part of the Koblenz Chamber Music Festival. He has played as a duo with Patrick De Ritis, the principal bassoon player of the Wiener Symphoniker. He has attended numerous masterclasses with Benedetto Lupo, Alexander Lonquich, Aldo Ciccolini, Rudolf Buchbinder, and Professor Marisa Somma. He has collaborated for many years with the wind quintet D’Annunzio. Since 2000 he has broadened his artistic activity in jazz, as a pianist, singer, composer and arranger. He has recorded four albums in various roles, and is part of the Trem Azul group with whom he has recorded three albums. As programmer and Roland demonstrator for 20 years, he has played across the globe in festivals, jazz clubs, and giving music workshops.

Since 2012 the magazine JazzIt has featured Massimiliano Coclite as amongst the principal Italian crooners. He is a jazz singing teacher at the Alfredo Casella Music Conservatory in L’Aquila and the Nino Rota Music Conservatory in Monopoli.

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Described as “a wondrously eclectic talent” in Jazz Journal, Stefano Travaglini is a pianist and composer mostly interested in the fascinating world of improvisation. He has released two albums: The Hungarian Songbook (2013) in which he freely improvises over ancient magyar melodies, and Ellipse, solo piano (2017), recorded in Oslo at Rainbow Studio, the result of an hour-long free recording session, considered “a masterwork of improvised music” and “one of the best improvised works of 2017”(All About Jazz). Travaglini was mentioned as “newcomer musician” in the 10th annual International Critics poll by Jazz Journalist Association. He also graduated in Oboe, Composition and Conducting, having started playing piano at a very young age, and has performed in numerous countries around the world.

As a leader, Travaglini has toured with his own Quintet and DayDream Trio almost always playing original music. The Hungarian Songbook duo (with magyar singer Fatime Halmos) has performed widely in Europe and America. In 2013 the duo was also one of the 23 finalists at the Terem Crossover International Competition in St. Petersburg. In 2018 Travaglini was a finalist at the renewed Scrivere in Jazz International Competition in Composition and Arrangement for Jazz Orchestra (Sassari, Italy) presenting a work called Miserere inspired by traditional music from Sardinia.

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A first hearing of the music on this album prompted thoughts about two issues in particular: the nature of improvisation, and the porous nature of the boundaries between jazz (and free improv) and classical music.

Stefano and Max readily acknowledge the inspiration they have derived from Hindemith, Copland, Stravinsky and the English Tudor composer John Bull on some of the pieces on this album, and there are sometimes Baroque echoes, including lines which evoke J.S. Bach in the crystalline beauty of Mythos and, before it develops into a spikier phase, Garden of Delights, bookended by engaging, dancing opening and concluding passages.

A rigid barrier between composition and improvisation would have seemed a little odd to artists and audiences prior to the second half of the 19th century, when the dictatorial power of celebrity conductors and composers began to take hold. Concerto cadenzas had originally been improvised, but as the 19th century wore on composers were less and less willing to trust to the initiative of potentially wayward soloists. It was, of course, harder for them to control the use of their ideas as a jumping-off point for other compositions, let alone improvisations, and the mid-20th century development of graphic scores, and even “scores” that were merely sentences, gave performers so much discretion that the credit due to the composer became a moot point. This was an issue that arguably reached its most intriguing (and perplexing) manifestation with Karlheinz Stockhausen and the pieces he labelled intuitive music. Despite the gnomic nature of many of

his verbal scores, entirely devoid of traditional notation, leaving musicians with the knotty conundrum of how to realise them in sound, performances somehow ended up readily identifiable as the work of Stockhausen.

Max and Stefano are, of course, both composers and performers here, and they prefer to use the term instant composition rather than improvisation for what they do: “In our view there is a difference between improvisation and instant composition. Real improvisation is something free and deep at the same time, where a performer usually lives a musical experience far from traditional concepts like harmony, rhythm and form, especially without any kind of limitation. In our case it’s better to talk about instant composition because we have a ‘score’ to follow and this score is just morphological … it says only ‘where’ to go but not ‘how’, and can be made by notes, or words, or diagrams, etc.”

There are, however, some free improvisations here, inspired by Aristotle’s analysis of the essences of drama: Mythos (plot), Ethos (character), Dianoia (theme or reasoning), Lexis (diction/speech), Melos (music) and Opsis (spectacle). The almost architectural underpinning progression of Mythos deftly suggests the exposition of a story; the introspective, delicate interaction on Ethos with its brief passage of more fretful playing, conjures the subtlety and sometimes contradictory nature of temperament. Dianoia evokes the Platonic view of the concept, discursive and perhaps rather technical; the sparkling upper-register parts and the bluesy bass 7 7

lines of Lexis draw us into an animated and sometimes slightly argumentative conversation. The mystical Opsis is unexpectedly un-dramatic and non-visual, full of intriguing textures; the suitably-lyrical two-part Melos starts out tentatively, lingering over resonances and delicate phrases, though hints of anxiety and a degree of menace surface in the second part before a serene yet emotionally ambiguous conclusion.

The duo’s reading of that one-time test-piece for tenor saxophonists, Body and Soul, the only “standard” in this set, is particularly intriguing for the sonorities, the players’re-configuration of the harmonies rendering this familiar old war-horse mysterious and unpredictable.

Of the other pieces, the “instant compositions”, Querendo Dançar draws on a Giga by John Bull found in a compilation of keyboard pieces from a golden age of English music, the late 16th and early 17th century. The Fitzwilliam Virginal Book (so called since it has been in the custody of Cambridge’s Fitzwilliam Museum for the last two centuries) was also a source of inspiration to the MJQ’s John Lewis, and prompts some of the most complex textures on this album, managing to meld echoes of the Tudor era with a severe 20th-century harmonic sensibility. The nimble, sparkling Folk song, Clowns and Litany references a string-quartet piece which Stravinsky transcribed for orchestra as well as four hands on one piano. The title track certainly flows,

reflecting Copland’s comment that was its ultimate inspiration, but it also floats, flies, glides and ripples with echoes of American and French impressionist music.

The distinguished and adventurous saxophonist Steve Lacy once said: “In composition you have all the time you want to decide what to say in 15 seconds. In improvisation you have 15 seconds.” He also opined: “It is in collaboration that the nature of art is revealed.” This is certainly true of improvisation, where co-operation and submersion in the persona of the collective entity produces the best results. Listening to each other is important – even in the sonic cage-fighting characteristic of many performances by the fearsome saxophonist Peter Brotzmann and his disciples the participants pick up elements from each other and run with them – and Max and Stefano demonstrate time and again how adept they are at improvising complex lines without getting tangled up or damaging the other’s contribution. This is duo playing that eschews one-dimensional virtuosity, displaying instead a warm, subtle, contemplative and aesthetically-rewarding musical vision.

Barry Witherden

Text by Barry Witherden / Odradek Records, LLC is licensed under a Creative Commons Attribution-NoDerivatives 4.0 International License. Permissions beyond the scope of this license may be available at www.odradek-records.com

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DEU Heutzutage ist es wirklich schwierig, auch nur eine einzige Note zu spielen, ohne dass sie irgendeiner musikalischen Richtung oder Tradition zugeordnet wird. In zunehmendem Maße überschwemmt Musik unser Leben, und für uns Künstler lauert die Gefahr des Klischees immer gleich um die Ecke. The Long Line ist ein ehrgeiziges Projekt, das in erster Linie darauf abzielt, ein Konzeptalbum zu sein, das auf Improvisation oder Kompositionen in Echtzeit basiert.

Diese Einstimmigkeit der Ziele und Ideen über die Kunst des gemeinsamen Musizierens wird durch die menschliche und musikalische Synergie ermöglicht, die wir als Duo teilen. Dieses Album ist das Ergebnis einer Art Studium, das kein Künstler je für beendet halten kann: die faszinierende Erforschung der eigenen inneren Stimme, die oft von den Anforderungen und Einflüssen der Welt überdeckt wird, anstatt ihre natürliche Sprache sprechen zu dürfen. All dies beinhaltet Opfer, große Entschlossenheit und das Studium der großen Meister, die uns vorausgegangen sind.

Die Hauptstücke dieses Albums basieren auf Ideen von Komponisten der Vergangenheit: Garden of Delights wurde von Paul Hindemiths Die vier Temperamente (Sanguinisch) inspiriert; Querendo dançar wird von einer Gigue von John Bull aus dem Fitzwilliam Virginal Book beeinflusst, und Folk song, Clowns and Litany ist eine Klavierbearbeitung der kompositorischen Ideen, die in Igor Strawinskys Trois pièces pour quatuor à cordes zu finden sind. The Long Line dagegen ist eine Originalkomposition und entlehnt ihren Titel einem Zitat von Aaron Copland, der wiederum vom kompositorischen Einfluss seiner Lehrerin Nadia Boulanger (in La Grande Ligne) inspiriert wurde: „Musik muss immer fließen, denn das ist Teil ihres Wesens, und die Schaffung dieser Kontinuität und dieses Fließens - dieser langen Linie - ist das A und O der Existenz eines jedes Komponisten“ (Copland, Was sie in Musik hören sollten).

Alle anderen Stücke sind freie Improvisationen, die jeweils auf einer musikalischen Grundidee basieren und mit den sechs prägenden Elementen der griechischen Tragödie nach Aristoteles kombiniert werden, die theatralisch konzipiert sind, bei denen sich die Hände der beiden Interpreten abwechseln. Opsis wird sogar direkt auf den Klaviersaiten gespielt.

In der Mitte des Albums befindet sich ein vages Arrangement von Body and Soul, einem wunderbaren JazzStandard, der der Bedeutung der afroamerikanischen Musik für unser Duo als Quelle der Inspiration und Improvisationsfreiheit Anerkennung zollt.

Stefano Travaglini Massimiliano Coclite 9 9

Massimiliano Coclite absolvierte sein Klavier- und Jazzstudium an den Konservatorien von Teramo und Bari mit den besten Noten und dem höchsten Lob, bevor er die Pescarese Academy of Music in einem dreijährigen Klavierkurs mit Michele Marvulli besuchte. Er studierte bei Claudio Menéndez, Michele Marvulli, Pierluigi Camicia, Benedetto Lupo und Alexander Lonquich. Er gewann zahlreiche italienische und internationale Preise und spielte mit Sinfonieorchestern in Pescara, Bari und Bukarest. In Deutschland spielte Massimiliano Coclite mit Romeo Tudorache und Serge Collot im Rahmen des Koblenzer Kammermusikfestivals in mehreren Städten. Er spielte als Duo mit Patrick De Ritis, dem Hauptfagottisten der Wiener Symphoniker. Er besuchte zahlreiche Meisterkurse bei Benedetto Lupo, Alexander Lonquich, Aldo Ciccolini, Rudolf Buchbinder und der Professorin Marisa Somma. Er arbeitet seit vielen Jahren mit dem Bläserquintett D’Annunzio zusammen. Seit 2000 erweitert er seine künstlerische Tätigkeit im Jazz als Pianist, Sänger, Komponist und Arrangeur. Er hat vier Alben in verschiedenen Funktionen aufgenommen und ist Mitglied der Trem Azul-Gruppe, mit der er drei Alben herausgebracht hat. Als Programmierer und Vorführer der Roland-Instrumente spielt er seit 20 Jahren auf Festivals, in Jazzclubs und bei Musikworkshops auf der ganzen Welt.

Seit 2012 zählt die Zeitschrift JazzIt Massimiliano Coclite zu den wichtigsten italienischen Croonern. Er ist JazzGesangslehrer am Conservatorio Alfredo Casella in L’Aquila und am Conservatorio di Monopoli Nino Rota.

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Stefano Travaglini wird im Jazz Journal als „unglaublich vielseitiges Talent“ bezeichnet und ist ein Pianist und Komponist, der sich hauptsächlich für die faszinierende Welt der Improvisation interessiert. Er hat zwei Alben veröffentlicht: The Hungarian Songbook (2013), in dem er über uralte magyarische Melodien frei improvisiert, und Ellipse für Solo-Piano (2017). Ellipse wurde im Rainbow Studio in Oslo in einer einstündigen freien Session aufgenommen: „Ein Meisterwerk der improvisierten Musik“ und„eines der besten improvisierten Werke 2017“ (All About Jazz). Travaglini wurde von der Jazz Journalist Association bei der 10. internationalen Kritiker-Umfrage als „Newcomer-Musiker” erwähnt. Er absolvierte sein Studium in Oboe, Komposition und Dirigat. Schon in jungen Jahren begann er mit dem Klavierspiel und trat in zahlreichen Ländern der Welt auf.

Als Leader hat Travaglini mit seinem eigenen Quintett und dem DayDream Trio fast immer eigene Musik gespielt. The Hungarian Songbook-Duo (mit der ungarischen Sängerin Fatime Halmos) ist in Europa und Amerika sehr oft aufgetreten. 2013 war das Duo auch einer der 23 Finalisten der Terem Crossover International Competition in St. Petersburg. Im Jahr 2018 war Travaglini Finalist des erneuerten internationalen Scrivere-Wettbewerbs für Komposition und Arrangement für Jazzorchester (Sassari, Italien) und präsentierte ein Werk namens Miserere, das von traditioneller Musik aus Sardinien inspiriert wurde.

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Beim ersten Anhören der Musik auf diesem Album wurden insbesondere zu zwei Themen Überlegungen angestellt: die Art der Improvisation und die fließenden Grenzen zwischen Jazz (und freier Improvisation) und klassischer Musik. Für einige der Stücke auf diesem Album erkennen Stefano und Max die Inspiration an, die sie von Hindemith, Copland, Strawinsky und dem englischen Komponisten aus der Tudor-Ära John Bull mitgebracht haben. Zuweilen sind barocke Echos zu hören, darunter auch Stellen wie in der kristallklaren Schönheit von Mythos, die an J.S. Bach erinnern und auch – bevor sie sich zu einer etwas komplexeren Phase entwickeln – in Garden of Delights, das in bezaubernde tänzerische Eröffnungs- und Schlusspassagen eingebettet ist.

Eine starre Trennung zwischen Komposition und Improvisation wäre Künstlern und Publikum vor der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts ein wenig seltsam erschienen, dann jedoch gewann die diktatorische Macht prominenter Dirigenten und Komponisten die Oberhand.

Konzert-Kadenzen waren ursprünglich improvisiert worden, aber mit fortschreitendem 19. Jahrhundert waren die Komponisten immer weniger bereit, auf die Initiative möglicherweise eigensinniger Solisten zu vertrauen. Es war natürlich schwieriger für sie, die Verwendung ihrer Ideen als Ausgangspunkt für andere Kompositionen zu kontrollieren, ganz zu schweigen von Improvisationen; und die Entwicklung hin zu grafischen Partituren Mitte des 20. Jahrhunderts und sogar zu Partituren, die lediglich aus Sätzen oder Worten bestanden, gab den Interpreten so viel Ermessensspielraum, dass die Anerkennung der ursprünglichen Ideen des Komponisten oft zum Streitpunkt wurde. Dies war ein Thema, das

mit Karlheinz Stockhausen und den Stücken, die er als intuitive Musik bezeichnete, wohl seine faszinierendste (und verwirrendste) Erscheinungsform erreichte. Trotz des gnomischen Charakters vieler seiner verbalen Partituren, die völlig ohne traditionelle Notation auskommen und den Musikern das knifflige Rätsel über die Art und Weise überlassen, wie diese verbalen Partituren in Musik umzusetzen sind, wurden die Aufführungen am Ende doch irgendwie als das Werk Stockhausens identifiziert.

Max und Stefano sind natürlich sowohl Komponisten als auch Interpreten und sie ziehen es vor, den Begriff Komposition in Echtzeit anstelle von Improvisation für das, was sie tun, zu verwenden: „Aus unserer Sicht besteht ein Unterschied zwischen Improvisation und Komposition in Echtzeit. Echte Improvisation ist etwas Freies und zugleich Tiefgründiges, in welcher der Interpret gewöhnlich ein musikalisches Erlebnis fern von traditionellen Konzepten wie Harmonie, Rhythmus und Form und insbesondere ohne jegliche Einschränkung erfährt. In unserem Fall ist es besser, über Komposition in Echtzeit zu sprechen, weil wir eine „Partitur“ haben, der wir folgen sollen und die nur morphologisch ist... sie sagt nur„wohin“, aber nicht„wie“, und kann aus Noten, Wörtern oder Diagrammen usw. bestehen.“ Es gibt jedoch einige freie Improvisationen, die von Aristoteles’ Analyse vom Aufbau des Dramas inspiriert wurden: Mythos (Handlung), Ethos (Charakter), Dianoia (Thema oder Argumentation), Lexis (Diktion/ Sprache), Melos (Musik) und Opsis (Schauspiel). Der fast architektonisch untermauerte Verlauf von Mythos deutet geschickt auf die Darstellung einer Geschichte hin. Die introspektive, delikate Interaktion von Ethos mit seiner 13 13

kurzen Passage von eher unruhigem Spiel beschwört die subtile und manchmal widersprüchliche Natur des Temperaments. Dianoia erinnert an die platonische Sicht des Konzepts, diskursiv und vielleicht eher technisch; die sprühende Struktur des oberen Registers und die bluesartigen Basslinien von Lexis führen uns in ein lebhaftes und manchmal leicht argumentierendes Gespräch. Die mystische Opsis ist überraschend undramatisch und voller faszinierender Texturen. Der entsprechend lyrische zweiteilige Melos beginnt zaghaft mit Resonanzen und delikaten Phrasen, wobei im zweiten Teil Andeutungen von Angstzuständen und ein gewisses Maß an Bedrohung auftauchen, vor seinem heiteren, jedoch emotional mehrdeutigen Schluss.

Die Interpretation des Duos in diesem klassischen Stück für Tenorsaxophonisten, Body and Soul – der einzige „Standard” in dieser Zusammenstellung – ist wegen ihrer Klangfülle besonders faszinierend.

Die Neugestaltung der Harmonien macht den altbekannten Reißer geheimnisvoll und unberechenbar.

Von den anderen Stücken, den „Kompositionen in Echtzeit“, greift Querendo Dançar auf eine Gigue von John Bull zurück, die in einer Sammlung von Werken für Tasteninstrumente aus einem goldenen Zeitalter der englischen Musik, dem späten 16. und frühen 17.

Jahrhundert, gefunden wurde. Das Fitzwilliam Virginal Book (so benannt seit seiner Verwahrung während der letzten zwei Jahrhunderte im Fitzwilliam Museum in Cambridge) war auch eine Quelle der Inspiration für John Lewis des MJQ und gab Anlass zu einigen der komplexesten Texturen in diesem Album, indem es ihm gelang, die

Echos der Tudor-Ära mit der strengen harmonischen Sensibilität des 20. Jahrhunderts zu vereinen. Das flinke, funkelnde Folk song, Clowns and Litany verweist auf ein Streichquartett, das Strawinsky für Orchester wie auch für vierhändiges Piano umschrieb. In der Tat fließt die Spur des Titels gewissermaßen und spiegelt Coplands Zitat wider, das seine wesentlichste Inspiration war, aber gleichzeitig schwebt, fliegt, gleitet und schwankt er mit Anklängen an amerikanische und französische impressionistische Musik.

Der angesehene und experimentierfreudige Saxophonist Steve Lacy sagte einmal: „Bei der Komposition haben Sie alle Zeit, die sie brauchen, um zu entscheiden, was Sie in 15 Sekunden sagen wollen. Bei der Improvisation haben Sie 15 Sekunden.“ Er meinte auch: „In der Zusammenarbeit offenbart sich das Wesen der Kunst.“ Dies trifft zweifellos auf die Improvisation zu, bei der die Zusammenarbeit und das Einfühlen in die Mitspieler die besten Ergebnisse erzielen. Das gegenseitige Zuhören ist wichtig; selbst bei den für viele Auftritte des gefürchteten Saxophonisten Peter Brotzmann und seiner Schüler charakteristischen akustischen Gefechts nehmen die Musiker Elemente voneinander auf und entwickeln sie. Max und Stefano zeigen immer wieder, wie geschickt sie im Improvisieren komplexer Passagen sind, ohne sich beirren zu lassen oder den Beitrag des anderen zu behindern. So soll ein Duo spielen: indem es solistische Virtuosität meidet und stattdessen eine warme, subtile, kontemplative und ästhetisch befriedigende musikalische Vision entfaltet.

Barry Witherden Autor des Textes Barry Witherden (Übers. Antonio Gómez Schneekloth) / Odradek Records, LLC ist im Besitz einer Creative CommonsNamensnennung-Keine Bearbeitungen-4.0 Internationalen Lizenz.

Genehmigungen, die über den Geltungsrahmen dieser Lizenz hinausgehen, kann man bei www.odradek-records.com erhalten.

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ITA Oggi è veramente difficile suonare una nota e riuscire a tenerla lontana da un linguaggio o da una tradizione, la musica sempre di più inonda la nostra esistenza e per noi artisti il cliché è sempre lì, dietro l’angolo. The Long Line è sicuramente un progetto ambizioso che in primis vuole essere un concept album basato sull’improvvisazione o forse, ancora più esattamente, sulla composizione istantanea. Una unità di intenti e di idee sull’arte di fare musica insieme, resa possibile da una sinergia umana e musicale che condividiamo in quanto duo.

Il disco è il frutto di uno studio che mai nessun artista potrà considerare concluso: l’affascinante ricerca della propria voce, quanto di più urgente il mondo inconsciamente ci chiede, al posto del naturale adeguarsi a un linguaggio.

Tutto questo prevede dei sacrifici, grande determinazione e lo studio dei grandi che ci hanno preceduto.

Così che le tracce principali di questo disco poggiano le basi su alcune idee di autori del passato: Garden of Delights è stata ispirata da uno dei I Quattro Temperamenti (Sanguinisch) di P. Hindemith, Querendo dançar da una Giga di J. Bull tratta dal Fitzwilliam Virginal Book e Folk song, Clowns and Litany è una trasposizione pianistica delle idee compositive di I. Stravinsky messe in campo nei Trois pièces pour quatuor à cordes. The Long Line invece è una composizione originale e prende il titolo letteralmente da una citazione di Aaron Copland, a sua volta influenzato dal messaggio compositivo della sua insegnante Nadia Boulanger ( la Grande Ligne): “La musica vi scorre come onda e la creazione di questa continuità ed effusione, che fa parte della sua essenza stessa - la grande linea -, costituisce la ragione d’essere e lo scopo della vita del compositore” (Come ascoltare la musica, A. Copland).

Tutti gli altri brani sono delle libere improvvisazioni, ognuna basata su un gesto musicale e associate alle 6 parti che costituiscono la tragedia greca secondo Aristotele, intese come forme di teatro dove i due esecutori arrivano sempre ad alternare gli arti e addirittura a suonare dentro il pianoforte in Opsis.

Nel mezzo c’è un arrangiamento crepuscolare di Body and Soul, un meraviglioso standard della storia del jazz a sancire la centralità della musica afro-americana nel nostro duo, fonte di ispirazione e di libertà improvvisativa.

Stefano Travaglini Massimiliano Coclite

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Massimiliano Coclite si è diplomato in pianoforte e jazz presso i Conservatori di Teramo e Bari con il massimo dei voti e la lode, prima di frequentare l’Accademia di Musica Pescarese nel corso triennale di pianoforte di alto perfezionamento con il Maestro Michele Marvulli.

Ha studiato con Claudio Menéndez, Michele Marvulli, Pierluigi Camicia, Benedetto Lupo e Alexander Lonquich.

Ha vinto numerosi premi nazionali ed internazionali e ha suonato con le orchestre sinfoniche di Pescara, Bari e Bucarest. In Germania, con Romeo Tudorache e Serge Collot, Massimiliano Coclite ha suonato in diverse città nell’ambito del Koblenz Chamber Music Festival. Ha suonato in coppia con Patrick De Ritis, primo fagotto del Wiener Simphoniker. Ha frequentato numerose masterclass con Benedetto Lupo, Alexander Lonquich, Aldo Ciccolini, Rudolf Buchbinder e la professoressa Marisa Somma. Ha collaborato per molti anni con il quintetto a fiati D’Annunzio. Dal 2000 ha ampliato la sua attività artistica nel jazz, come pianista, cantante, compositore e arrangiatore. Ha registrato quattro album come solista e fa parte del gruppo Trem Azul con cui ha registrato tre album. Programmatore e dimostratore Roland per 20 anni, ha suonato in Brasile, Stati Uniti, Cina, Giappone, Indonesia, Danimarca, Germania, Polonia, Ungheria, Russia, Spagna, Portogallo, Francia, Belgio, Lussemburgo e India, in festival, jazz club e università musicali, tenendo workshop. Dal 2012 la rivista JazzIt colloca Massimiliano Coclite come uno dei principali crooners italiani. È docente di canto jazz presso il Conservatorio di musica “Nino Rota” di Monopoli e presso il Conservatorio di musica “A. Casella” dell’Aquila.

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Descritto come “un talento straordinariamente eclettico” dal Jazz Journal, Stefano Travaglini è un pianista e compositore interessato principalmente all’affascinante mondo dell’improvvisazione. Ha pubblicato due album: The Hungarian Songbook (2013) in cui improvvisa liberamente su antiche melodie magiare, ed Ellipse, solo piano (2017), registrato ad Oslo presso il Rainbow Studio, considerato “un capolavoro di musica improvvisata” e “una delle migliori opere di improvvisazione del 2017” (All About Jazz).

Travaglini è stato menzionato come newcomer musician nel 10° International Critics poll a cura della Jazz Journalist Association. Ha inoltre conseguito i diplomi di Oboe, Composizione e Direzione d’orchestra, inizia a suonare il pianoforte in età molto giovane e in seguito svolge attività musicale dal piano solo all’orchestra in Italia, Ungheria, Austria, Svizzera, Germania, Olanda, Russia, Spagna, Emirati Arabi, Stati Uniti, Messico e Canada.

Come leader, Travaglini si è esibito con il proprio Quintetto e il trio DayDream suonando molto spesso musica originale. Con il duo The Hungarian Songbook (insieme alla cantante ungherese Fatime Halmos) si è esibito negli ultimi anni tra l’Europa e gli Stati Uniti, partecipando inoltre come finalista anche al Concorso Internazionale Terem Crossover a San Pietroburgo. Nel 2018 è stato finalista al Concorso Internazionale di Composizione e Arrangiamento per Orchestra Jazz “Scrivere in Jazz” (Sassari) presentando un lavoro intitolato Miserere ispirato ai temi tradizionali della Sardegna.

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Un primo ascolto della musica di questo album mi ha spinto a riflettere su due temi in particolare: la natura dell’improvvisazione e la natura aperta dei confini tra il jazz (e l’improvvisazione libera) e la musica classica.

Stefano e Max riconoscono subito l’ispirazione che hanno tratto da Hindemith, Copland, Stravinsky e John Bull, compositore inglese d’epoca Tudor, in alcuni dei brani di questo album; talvolta ci sono echi barocchi, incluse linee che evocano J.S. Bach nella bellezza cristallina di Mythos e, prima che si sviluppi in una fase più complessa, di Garden of Delights, costellato di passaggi coinvolgenti, danzanti e risolutivi.

Una rigida barriera tra composizione ed improvvisazione sarebbe sembrata un po’bizzarra agli artisti ed al pubblico prima della seconda metà del 19° secolo, quando il potere dittatoriale di direttori e compositori celebri cominciò a prendere piede. In origine, le cadenze dei concerti venivano improvvisate, ma con il procedere del XIX° secolo i compositori furono sempre meno disposti a fidarsi dell’iniziativa di solisti potenzialmente ribelli.

Naturalmente era più difficile controllare l’uso delle loro idee come punto di partenza per altre composizioni, per non parlare delle improvvisazioni; lo sviluppo degli spartiti dalla metà del 20° secolo, e persino “spartiti” che erano semplicemente frasi scritte, diede agli artisti talmente tanta discrezione che la considerazione dovuta al compositore era diventata un punto controverso.

Questo fu un argomento che probabilmente raggiunse la sua più intrigante (e sconcertante) manifestazione con Karlheinz Stockhausen e gli elementi che egli etichettò

come musica intuitiva. Nonostante la natura gnomica di molte delle sue partiture verbali, completamente prive di notazione tradizionale, che lasciavano ai musicisti il complesso nodo di come realizzarle in termini sonori, le esecuzioni in qualche modo divennero agevolmente identificabili come il lavoro di Stockhausen.

Qui Max e Stefano sono naturalmente sia compositori che artisti e per il loro operato preferiscono usare il termine di composizione istantanea piuttosto che di improvvisazione: “A nostro avviso c’è una differenza tra l’improvvisazione e la composizione istantanea.

La vera improvvisazione è qualcosa di libero e profondo allo stesso tempo, dove un artista di solito vive un’esperienza musicale lontana dai concetti tradizionali come armonia, ritmo e forma, specialmente senza alcun tipo di limitazione. Nel nostro caso è meglio parlare di composizione istantanea perché abbiamo una “parte” da seguire anche se è solo morfologica... dice solo “dove” andare ma non “come”, e può essere fatta di note o parole, o diagrammi, ecc. “ Vi sono comunque anche alcune improvvisazioni libere, ispirate dall’analisi di Aristotele sugli elementi essenziali del dramma: Mythos (trama), Ethos (personaggio), Dianoia (tema o ragionamento), Lexis (linguaggio / parola), Melos (musica) e Opsis (spettacolo). La progressione quasi architettonica alla base di Mythos suggerisce abilmente l’esposizione di una storia; l’interazione introspettiva e delicata in Ethos, con il suo breve passaggio dai toni più inquieti, evoca la sottigliezza e la natura a volte contraddittoria 18 18

del temperamento. Dianoia evoca la visione platonica del concetto, discorsiva e forse eccessivamente tecnica; le parti scintillanti del registro superiore e le linee di basso blues di Lexis ci trascinano in una conversazione animata ed a tratti leggermente contrastante. L’Opsis mistico è inaspettatamente non drammatico e non visivo, pieno di trame intriganti; la melodia a due parti, intenzionalmente lirica, inizia in modo esitante, soffermandosi su risonanze e frasi delicate, mentre cenni di ansia ed un certo grado di minacciosità emergono nella seconda parte prima di una conclusione serena seppure emotivamente ambigua.

La lettura da parte del duo del classico brano da provino per sassofonisti tenori, Body and Soul, l’unico “standard” di questo set, è particolarmente intrigante per le sonorità e la riconfigurazione delle armonie prodotta dagli esecutori, che rendono questo vecchio e familiare cavallo di battaglia qualcosa di misterioso ed imprevedibile.

Degli altri pezzi, le “composizioni istantanee”, Querendo Dançar attinge da un Giga di John Bull trovata in una raccolta di pezzi per tastiera composti durante l’età dell’oro della musica inglese, tra la fine del XVI° e l’inizio del XVII° secolo. Il Fitzwilliam Virginal Book (chiamato così dal momento che negli ultimi due secoli è stato custodito nel Fitzwilliam Museum di Cambridge) è stato anche una fonte di ispirazione per John Lewis di MJQ, e ha suggerito alcune delle trame più complesse di questo album, riuscendo a fondere gli echi dell’era Tudor con la severa sensibilità armonica del XX° secolo. L’agile e

scintillante Folk song, Clown and Litany fa riferimento ad un brano per quartetto d’archi che Stravinskij trascrisse per orchestra e pianoforte a quattro mani. La traccia del titolo certamente scorre, riflettendo il commento di Copland che era la sua massima ispirazione, ma allo stesso tempo galleggia, vola, scivola e si increspa sugli echi della musica impressionista americana e francese.

L’illustre ed avventuroso sassofonista Steve Lacy disse una volta: “Nella composizione hai tutto il tempo che vuoi per decidere cosa dire in 15 secondi.

Nell’improvvisazione hai 15 secondi”. Disse anche: “È nella collaborazione che la natura dell’arte è rivelata”.

Questo è certamente vero per l’improvvisazione, dove la cooperazione e l’immersione nella personalità dell’entità collettiva produce i risultati migliori.

Ascoltarsi l’un l’altro è importante – perfino nel combattimento sonoro caratteristico di molte esibizioni del temibile sassofonista Peter Brotzmann e dei suoi discepoli, dove i partecipanti raccolgono elementi gli uni dagli altri e li sviluppano – e Max e Stefano dimostrano ripetutamente quanto siano abili ad improvvisare linee complesse senza finire aggrovigliati o danneggiare l’uno il contributo dell’altro. Questo è un duo che evita il virtuosismo unidimensionale, mostrando invece una visione musicale calda, sottile, contemplativa ed esteticamente gratificante.

Barry Witherden Testo di Barry Witherden (trad: Teodora Masi) /Odradek Records, LLC è distribuito con licenza Creative Commons Attribution-NoDerivatives 4.0 International.

Autorizzazioni oltre lo scopo di questa licenza potrebbero essere disponibili su www.odradek-records.com.

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Recorded at Studio Odradek 18-20 September 2018 Edizioni Musicali Fonoarte Pianos: Steinway D (Fabbrini Collection) Piano Technician: Ettore Desiderio Sound Engineer, Editing: Marcello Malatesta Mixing and Mastering: Thomas Vingtrinier, Sequenza Studio, Paris

Photos: TommasoTuzj.com Art Director: Shin Yu Chen Executive Producer: Ricardo López Translations: Antonio Gómez Schneekloth (German) Teodora Masi (Italian) www.stefanotravaglini.com www.massimilianococlite.com www.odradek-records.com

℗ & © 2018 Odradek Records, LLC, Lawrence (KS) USA. All rights reserved. Unauthorized copying, hiring, lending, public performance, and broadcasting of this sound recording are strictly prohibited.

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