Rinoceronte 6 by Taller de Grabado

REVISTA DE LA ESPECIALIDAD DE GRABADO / FACULTAD DE ARTE / 2015

Editorial

Proyectos 3ERO Y 4TO

Derechos Humanos y lucha contra la corrupción Andrea Saito

MATRIZ

02 06

Revisión de textos León Portocarrero Iglesias Diseño Gráfico y diagramación Carla Franco Foto de carátula Olga Flores

Imagen de carátula Obra de Diego Cabanillas Impresión Forma & Imagen Av. Arequipa 4558, Miraflores, Lima.

Hecho el depósito legal en la Biblioteca Nacional del Perú: N° 2011-06014

Av. Universitaria 1801 San Miguel Lima 32 - Perú T (511) 6262000 Anexo: 5617 F (511) 6262805 Apartado Postal 1761 Lima 100

Diego Cabanillas

EGRESADOS

38 Grabado Lima

MEMOTECA: Evocadores autobiográficos

Luís Camnitzer

Karla Zorrilla

Palabra e imagen visual en la creación artística

Ana María Rocha Puente

PORTAFOLIO

Del silencio al ruido: LA HUELLA DE LA VOZ María José Añorga

7º Bienal Internacional de Grabado Douro, Portugal

En un mismo impulso, en la fragilidad del instante me vivo Aileen Gavonel

Pontificia Universidad Católica del Perú Rinoceronte es una publicación de la Especialidad de Grabado de la Facultad de Arte de la PUCP

Desplazamiento del grabado: El taller de impresión en los espacios cotidianos Carolina Salinas

Edición Olga Flores Comité Editorial Carolina Salinas Zoila Reyes Olga Flores

Reconectarse

Grabado en expansión: medios históricos y nuevas fronteras. Juan Martínez Moro Juan Peralta Berríos

Descentralizados

editorial RINOCERONTE nº 6 se presenta hoy como un proyecto que va consolidando su cuidado y cariño por proponer una lectura crítica sobre la obra gráfica y el arte. Este RINOCERONTE es producto del trabajo de diversos autores que aman lo que hacen, convencidos de la validez de lo que dicen e interesados por lo que proponen en su vigencia contemporánea. Cada artículo o cada pieza artística, nos habla y enseña muchas cosas, nos propone preguntarnos: ¿Qué nuevos desafíos impone el contexto contemporáneo al grabado, lejos del control que demandan los procesos técnicos previos?, ¿qué es la libertad en el grabado? Las indagaciones y disputas que podríamos advertir del pasado, como por ejemplo el obsesivo manejo de las técnicas, encuentran hoy su pasaje poético. Admitimos, sin embargo, su correlato contemporáneo, pues no nos despojamos de sus reliquias. Por ello, recogiendo el discurso del mencionado sistema predominante y que marca el conocimiento básico del grabado en los públicos, les proponemos en esta edición compartir el debate que se plantea entre “lo que hubo” y “lo que vendrá”, que deseamos venga desde una mirada creativa, que hurgue en sus imágenes una lectura libre, avizorando atender a problemáticas actuales y comunes, sociales, culturales y humanas, donde coexisten la complejidad y la simpleza de ritmos intensos, tibios y/o neutros de la vida. En la primera sección, Matriz, Carolina Salinas, docente de la especialidad de Grabado, escribe el artículo: Desplazamiento de la obra gráfica, en el que aborda los nuevos territorios de creación como obra expandida. Seguidamente, presentamos la ponencia: Grabado Lima, del maestro Luís Camnitzer, invitado por el Departamento de Arte de la Pontificia Universidad Católica del Perú (PUCP) y la Especialidad de grabado en marzo del 2014. Sus opiniones, producto de una prolija trayectoria como artista, educador y crítico de arte, nos demuestran un pensamiento complejo en estructuras y aristas, provocándonos numerosos cuestionamientos acerca de la práctica y formación artística en la actualidad, sobre concebir la creación como un conjunto de configuraciones del contexto y al respecto de los medios de información y del conocimiento, que darán sentido y propósito a la obra al señalizar un carácter nuevo y predecible: el de la inevitabilidad. Completamos esta sección con el artículo: Palabra e imagen visual en la creación artística de Ana María Rocha Puente, lingüista, educadora y artista visual. El artículo comprende una breve explicación sobre las relaciones y complementación de la palabra y la imagen visual para conformar un solo discurso al que el receptor se acerca buscando descifrar o construir los “significados”. En la siguiente sección, Portafolio, Juan Peralta, docente de la especialidad de Grabado, nos presenta un minucioso resumen de la ponencia: Grabado en expansión: medios históricos y nuevas

fronteras, presentada en mayo del 2014 por Juan Martínez Moro, artista visual y autor de importantes títulos dedicados a la investigación de la historia del arte, del grabado y la obra gráfica. Complementamos esta parte con la presentación del artículo: La contemporaneidad del grabado: desafíos, diálogos y estrategias de mediación, por Nuno Canelas, curador principal de la 7º Bienal Internacional de Gravura do Douro, (Alijó, Portugal), considerada como una de las más importantes del mundo. Nuno Canelas manifiesta que el sentido de los eventos y las bienales permite acercar al público la clave de selección e interpretación del proceso de información, sirviendo además de interfaz entre el objeto cultural de conocimiento erudito y el cotidiano. Las dos siguientes secciones están dedicadas a la presentación de los proyectos gráficos de los alumnos de la especialidad. Como parte del IX Encuentro de Derechos Humanos: “Cómplices”, PUCP, 2014, Andrea Saito presenta la gráfica de un mapa del Perú alterado, que alude a la necesidad de reconocer la fractura social como una consecuencia del problema de la corrupción. El proyecto de Diego Cabanillas, Reconectarse, reflexiona sobre cómo la estructura social se ha desplazado a un ámbito artificial, ilusorio y dependiente por el uso de los nuevos medios y la tecnología, afectándose el desarrollo de una “familiaridad” real dentro de las familias. Los proyectos finales siguientes corresponden a las alumnas egresadas del año 2013; En un mismo impulso, en la fragilidad del instante me vivo, de Aileen Gavonel, se muestra dos conjuntos de piezas donde el gesto y el instante son capturados por elementos matéricos que dejan contener la vivencia y la acción del cuerpo. Karla Zorrilla presenta MEMOTECA: evocadores autobiográficos, una instalación que invita al espectador a manipular sobre una fuente de luz la materialidad de la imagen, la cual alude a la vulnerabilidad de la memoria, el recuerdo y el tiempo. Este último proyecto mereció el Primer Premio a la Crítica en la especialidad de Grabado 2013. Finalmente, María José Añorga nos presenta el proyecto Del silencio al ruido: la huella de la voz, el cual se concibe inicialmente en el espacio urbano para identificar a través del retrato fotográfico y la denuncia de la violencia contra las mujeres, un problema urgente que apela la autora a ser atendido por el Estado y la sociedad civil. Agradecemos la generosidad de nuestros invitados, amigos muy queridos, Ana María Rocha (PER), Luís Camnitzer (URU), Juan Martínez Moro (ESP) y Nuno Canelas (POR), por ceder sus ponencias e imágenes, por procurarnos su pensamiento hacia el estudio y la investigación de las artes visuales, enriqueciendo el intercambio de contextos nacionales e internacionales.

Invitamos a todos nuestros lectores a seguirnos en: www.blog.pucp.edu.pe/tallerdegrabado

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MATRIZ Diana Arteaga Recuerdos. Instalación. Tranfer fotográfico sobre papel canson. Cajonería, zapatos y álbumes. 2012.

des plaza miento

calidades en su impresión. Editar la imagen trabajada, mordida, tallada en la piedra, madera, malla o placa es la finalidad de un impresor, demostrando su experticia en el arte de la copia en su búsqueda por que ninguna imagen se diferencie. Los significados de las acciones, procedimientos y prácticas de las técnicas tradicionales de impresión que

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Desplazamiento DEL GRABADO El taller de impresión en los espacios cotidianos Carolina Salinas El “desplazamiento” en el grabado es una forma de abordar esta disciplina desde la experimentación y la reflexión de las proyecciones de las técnicas tradicionales, expandiendo así los significados de sus acciones a otros territorios abiertos a la interdisciplinariedad, con otros conocimientos en los cuales el grabado asiente sus bases técnicas y conceptuales. Los términos usados en el taller como incidir, arañar, morder, transferir, corroer, degradar y cortar, argumentan sus significados desplazando

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al grabado a lenguajes comunes, saliendo simbólicamente del taller con un nuevo y renovado conocimiento técnico y conceptual. Hacer un grabado es necesitar registrar "profundamente" una idea que tenga la capacidad de reproducirse, multiplicarse, repetirse, serializarse y copiarse una a una en imágenes grabadas en una matriz1, adhiriéndose luego, dicha imagen, a un material particular que, dependiendo de sus características y virtudes, logrará diferentes

La industria imprentera imprime en botellas, cajas, circuitos electrónicos, etc. Los grabadores, sin embargo siguen haciendo grabados con los mismos elementos que usaba Durero. La impresión de ediciones, la acción de editar, es más importante que el trabajo de la plancha. La calidad del papel se hace irrelevante. "Papel" es solamente un ejemplo accidental de un material existente antes del proceso de impresión, como tela, vidrio o el plástico. Además hay materiales que fraguan durante el proceso de impresión, el yeso, el papier maché o las emulsiones plásticas. De aquí llegamos a la idea del objeto trascendiendo las ideas tradicionales de la pintura y de la escultura. El grabado nos da no solamente la posibilidad del objeto sino de la edición de objetos. Solamente Seghers y Piranesi fueron capaces de revelar imágenes con sus grabados. Los grabadores epigonean tras las otras artes y viven encerrados en su cocina artesanal. Ha llegado el momento de que asumamos la responsabilidad de revelar nuestras propias imágenes, condicionadas pero no destruidas por nuestras técnicas2.

habitan en el taller de grabado fortalecen tanto el dominio de la misma como también provocan reflexionar sobre qué hay más allá de dichas técnicas, qué posibilidades nos entrega el grabado en el espacio moderno y cómo hacer que el grabado no solo se refugie en los procedimientos técnicos sino que exprese ideales.

Aránzazu Otero Eje temático: Temperatura. Técnica: serigrafía Materiales: seda, gasa y parafina,

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MATRIZ El primer manifiesto de The New York Graphic Workshop responde al desarrollo del arte de la década del 60, el posmodernismo de reacción y de resistencia3. La búsqueda de producciones creativas que representaran revoluciones ideológicas, cuestionadoras de las supremacías de las culturas exteriores, como las únicas y originales, permitió la deconstrucción de las artes, por ende la ruptura positiva de las reglas formales del taller de grabado, proponiendo un campo expandido estructurado desde la verdad y el contexto. La epistemología de las palabras estructurales del discurso de las técnicas de impresión, representan un mundo de posibilidades creativas y de desplazamiento a otros espacios; impone la interdisciplinariedad de las artes con otras disciplinas; y propone un grabado que sostiene las ideas desde la realidad, analizando, profundizando, investigando y descubriendo cómo el grabado habita en los espacios comunes (por ejemplo, el aguafuerte también está presente en la simbolización de las guerras por la herida, la marca, el daño, la irrecuperabilidad de la matriz, o sea de la sociedad, o el estudio de la litografía para representar la memoria histórica de un lugar, aquel espacio en el que se mantiene los fantasmas de la historia, a través del recuerdo, los restos de monumentos, documentos, etc., pasado y presente en una imagen).

Ana Lucía Masías Eje temático: Intersticios Técnica desplazada: Litografía Análisis conceptual de la imagen fantasma que aparece en la piedra litográfica cuando el rodillo entintado rescata la memoria de las imágenes anteriores grabadas en la matriz, permitiendo ver el pasado con el presente. El Proyecto evoca un hecho histórico que permanece en la ciudad, escenas de la guerra con Chile en la zona del distrito de Miraflores. Técnica utilizada: fotografía, collage fotográfico e impresión digital Formato: 6 impresiones 60 x 90cm. aprox.

En el pasado, en el mercado del arte el grabado fue llamado un "arte menor" por su sistema de reproducción y distribución, por ser copia. El "desplazamiento" pone en conflicto la ideología del grabador, unos oponiéndose a la búsqueda de otros territorios (por considerarlo la destrucción del arte de la impresión) y otros sumergidos en el campo expandido que explora la realidad a través de la investigación de los significados de los procesos hallados en un vocabulario común y entendible no solo para los que conocen la técnica, posibilitando así ser conscientes de la presencia del grabado en el día a día (al cortar las papas en la cocina, al marcar el molde de un vestido en la tela o al comprar un six pack de bebidas gaseosas en el

supermercado). Desplazarse es salir sin limitaciones, trasgredir el espacio cerrado valiéndose del dominio técnico y aprovechando la semántica de los conceptos, tomando como herramienta la tecnología y viendo en los materiales alternativos significaciones para la producción de obras. Lo que se busca es promover la investigación, comprender los significados de los términos y acciones de los métodos de impresión, encontrando en otras disciplinas lenguajes y símbolos que sostienen su trascendencia e interacción con otros medios. Se busca también el desarrollo de propuestas multidisciplinarias de carácter reflexivo y crítico en torno a una comunidad viviente que interactúa entre sí trascendiendo en el tiempo. De igual modo, se intenta resignificar los procesos de impresión y reproducción valiéndose del uso de métodos de indagación demostrando sus capacidades creativas y gestoras. La enseñanza y el desarrollo de lo mencionado en el espacio universitario permitirá al estudiante tomar conciencia del contexto, profundizar sobre el origen de los problemas que este debate trae, reconociendo la historia y las conexiones con las disciplinas que analizan esta problemática, buscando así conocer y proponer soluciones, para que de esta manera se entienda que el arte puede involucrarse con la sociedad proponiendo proyectos visuales, críticas y reflexiones sostenibles y demostrables.

Las matrices son: piedra-litografía, madera-xilografía, metal-intaglio, malla-serigrafía y cartón-colagrafía. Esto se ha modificado con el tiempo por la experimentación de los artistas, la aparición de la industria gráfica, la tecnología y la desaparición de algunos materiales como las piedras litográficas, resinas y tintas.

Pastor Mellado, Justo. “Las convenientes indocumentaciones programadas de la escena chilena”. justopastormellado.cl, 12 de enero del 2005. Ver en: goo.gl/PkkOw8

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Desplazarse es salir sin limitaciones, trasgredir el espacio cerrado valiéndose del dominio técnico y aprovechando la semántica de los conceptos, tomando como herramienta la tecnología y viendo en los materiales alternativos significaciones para la producción de obras.

Habermas, J.; Baudrillard. J; Said E.; Jameson F; y otro. La Postmodernidad. Barcelona: Kairos, 2006. RINOCERONTE 06 / 5

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Grabado LIMA

tistas y aquellos que quieren ser parte integral de Estados Unidos, y en un encuentro a mitad de camino siguen como un Estado asociado). Están ahí, pero sin todos los derechos. Compiten como país en las Olimpíadas con orgullo nacional propio, pero políticamente están al servicio de otros. El grabado comparte todo eso. Sus ciudadanos actúan como una cofradía cerrada, tienen sus propios hábitos, pero en realidad sirven a la pintura, que los controla. La primera noción que quiero mencionar es una que descubrí hace unos sesenta años mientras veía Scaramouche, película filmada en 1952. Eso fue siete años antes de que usara mi primera gubia. Stewart Granger era el actor principal de la película y lo único que recuerdo de ella es que había mucha esgrima. Lo que me impacto de Scaramouche y la razón por la que la utilizo aquí fue un consejo que le dieron a Granger o que él le dio a otro espadachín: al florete (un equivalente a la gubia, luego al grabado como medio y finalmente a todo lo demás en esta metáfora) hay que agarrarlo como si fuera un pajarito. Si se aprieta demasiado, el pájaro muere y cuelga en la mano como un trapo. Si se tiene muy flojo, el pájaro se escapa y uno queda sin nada y a la merced de lo que pueda pasar. Este me pareció un consejo superprofundo, algo así como un zen-Hollywood.

Luis Camnitzer Landscape as Attitude 1979

Grabado LIMA Luís Camnitzer Me voy a referir al grabado usando dos nociones que aparentemente no tienen nada que ver con él, siendo justamente ese el motivo por el que me interesan. Ellos son: el actor Stewart Granger en la película Scaramouche y la habilidad de predicción que tiene el motor de búsqueda de Google. Uno de los problemas más graves del grabado es que normalmente no se conecta con cosas que no tienen nada que ver con él. El grabado es un campo insular, y peor aún, un campo colonizado. Hace muchos años describí al grabado como una colonia de las artes. Más precisamente, es una colonia de la pintura. Podemos incluso llamarlo una “isla colonial”, algo así como lo que es Puerto Rico (la población de Puerto Rico siempre estuvo dividida entre independen-

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La segunda noción a mencionar es mucho más reciente y trata de la habilidad de predicción que tiene el motor de búsqueda de Google. Hace muy poco leí que Google es capaz de saber cuándo va a haber una epidemia de gripa, dónde va a comenzar y qué recorrido va a tener, todo con un 98% de acierto. Esto lo logra simplemente analizando las órdenes de medicamentos que se hacen a las farmacias a través del Internet. Este es un milagro que no necesita de personal humano sino de un buen algoritmo. Saber esto me “movió el piso” con respecto a nuestra actitud cotidiana frente a la información, que en realidad corresponde a una actitud del siglo diecinueve. La lección de Stewart Granger se aplica más obviamente a las actitudes que se tienen en las artesanías. El ejemplo de Google sirve para ejemplificar el contexto dentro del cual esas

...estamos acostumbrados a ver al arte como una colección de objetos y a las artesanías como lo necesario para producirlos. Visto así, las cosas se vuelven extremadamente definidas y no nos permiten ver fuera de ese entorno. Haciendo o mirando lo hecho damos primacía a como fue hecho y estamos, ya allí, con una actitud mental de apretar al pájaro con demasiada fuerza.

Luis Camnitzer This is a poetic statement. Identify the elements that construct the poem. From the series “Assignment Books”. 2011 Brass plaque with mixed media 39.4h x 19.7w x 19.7d in (100.08h x 50.04w x 50.04d cm) Courtesy Alexander Gray Associates, New York ©2014 Luis Camnitzer / Artist’s Rights Society (ARS), New York

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artesanías se aplican. La gran pregunta aquí entonces es si podemos establecer una conexión entre ambas cosas y cómo hacerla. Utilizar un pájaro muerto o uno que se escapó, un sable o un florete, el grabado como medio técnico o el arte en general, y conectarlo en un todo coherente en donde hay predicciones, parece una tarea bastante difícil. Para empezar, estamos acostumbrados a ver al arte como una colección de objetos y a las artesanías como lo necesario para producirlos. Visto así, las cosas se vuelven extremadamente definidas y no nos permiten ver fuera de ese entorno. Haciendo o mirando lo hecho damos primacía a como fue hecho y estamos, ya allí, con una actitud mental de apretar al pájaro con demasiada fuerza. Entretanto, Google generalmente es visto como un instrumento que permite extraer una información particular de una cantidad infinita de datos que están guardados en algún lugar. Nadie sabe bien de dónde viene esa información, lo que importa poco pues la geografía pasó de moda. Generalmente utilizamos el buscador de Google (u otro sistema similar) porque tenemos una pregunta concreta, a lo que esperamos y recibimos una respuesta también precisa. En otras palabras, utilizamos Google como antes usábamos una enciclopedia. Lo de su capacidad de predicción fue una noticia sorprendente.

Luis Camnitzer The Form Generating the Content (1973-1997). Broken glass, engraved brass plaque, glass and wood. 7.68h x 9.96w x 1.97d in (19.51h x 25.3w x 5d cm)

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Con Google y su capacidad de predicción pareciera que las reglas de juego han cambiado espectacularmente y es por esto que lo utilizo como ejemplo. Los significados particulares pierden su importancia y son las configuraciones de las conexiones las que está tomando su lugar. Al usar configuraciones en lugar de datos concretos, el sistema es capaz de absorber errores e informaciones falsas para tabularlas como información útil que ayuda a refinar una configuración particular, y de ahí predecir cosas. Es una habilidad que asusta un poco porque mal utilizada es muy peligrosa y capaz de cambiar la sociedad de una manera nefasta. Por ejemplo, juntando y configurando información personal podría predecirse que alguien va a cometer un crimen en algún futuro relativamente preciso. Se puede llegar a la conclusión entonces de que conviene encarcelar y castigar a ese futuro criminal antes de que cometa el crimen predicho. Esta fue precisamente la teoría de George W. Bush cuando se metió a hacer sus guerras-por-si-acaso en Irak y Afganistán. Me recuerda a un amigo, un gran jugador de ajedrez, que después de oír una frase de su mujer fue y le pegó una bofetada. Cuando la mujer lo increpó el hombre le explicó que podía haber respondido, pero que entonces ella le hubiera dicho que tal cosa, y que entonces él le hubiera dicho tal otra y, etc., etc., por lo que después de escuchar la primera frase decidió ahorrar tiempo.

Luis Camnitzer Detail of Memorial, 2009. Pigment prints in 179 parts 11.75h x 9.5w in (29.85h x 24.13w cm) Courtesy Alexander Gray Associates, New York©2014 Luis Camnitzer / Artist's Rights Society (ARS), New York.

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Luis Camnitzer Migración. Detalle

La relación que establezco aquí entre el grabado y la guerra es bastante tenue, pero no importa. Me interesa que el uso predictivo de la información de Google introduce cuestiones de orden ético a un nivel en el que no habíamos tenido que pensar mucho hasta el presente. Y ahí tenemos que lo único que está haciendo Google es reordenar la información para revelar configuraciones. Esto es lo que también hacemos como artistas, ya que el arte es una forma de reordenamiento de la información, una búsqueda y creación de órdenes alternativos que no podemos lograr de otras maneras. Lo importante de Google en su función predictiva es que, parecido al proceso creador en el arte, pone el acento en las configuraciones que generan los datos y no en los datos mismos. Mientras tanto, toda la sicología del grabador enfatiza los datos y no las configuraciones. Eso es lo que define la relación tensa que existe entre el grabado y el arte, el florete frente a la computadora. Yo comencé mi vida artística como grabador, o sea que buscaba hacer arte por medio del grabado. Era una época en la que no entendía que el grabado es una cosa y el arte otra. No percibía que uno utiliza al otro y que hay que decidir cuál es el orden de utilización, y que si uno decide mal, termina haciendo grabado pero no arte, lo que es fatal. Metido en esa situación tuve serias dificultades en identificar a grabadores que verdaderamente hacían arte. Con ello me refiero a grabadores que yo pudiera considerar capaces de generar nuevos sistemas de orden que no dependieran de otros medios para entonces ser reproducidos o regurgitados, que no desarrollaran una imagen en la pintura para luego copiarla o recrearla. Sí, a mí también me gustan los grabados de Durero, Rembrandt, Goya y Picasso, y en particular me encantan los de Morandi, pero todos ellos eran en primer lugar pintores: organizaban su visión y creaban su mundo dentro de la pintura para luego traducir todo en el grabado. Hay cientos de artistas buenos como ellos por ahí, pero uno siempre podría describirlos como: “…y también hacían grabados”. En ese sentido, buscar lo contrario, grabadores que también pinten, es una tarea mucho

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Yo comencé mi vida artística como grabador, o sea que buscaba hacer arte por medio del grabado. Era una época en la que no entendía que el grabado es una cosa y el arte otra. No percibía que uno utiliza al otro y que hay que decidir cuál es el orden de utilización, y que si uno decide mal, termina haciendo grabado pero no arte, lo que es fatal.

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más difícil. No es nada fácil encontrar ejemplos de artistas que generaron su mundo en el grabado y que también, o no, hacían pintura. De ese rubro yo elegiría a Hércules Seghers, un tipo que precedió un poco a Rembrandt (incluso se dice que Rembrandt reutilizó algunas de las planchas de cobre hechas por Seghers para regrabarlas con sus imágenes y ahorrarse gastos de metal, una verdadera lástima). Luego están Giovanni Battista Piranesi, José Guadalupe Posada y Andy Warhol. Todos ellos artistas que generaron su imagen, o parte de ella, en el grabado, o sea, gente que mantiene su estatura más allá del medio que utilizaron. ¿Por qué tan pocos?, ¿significa que el grabado es un técnica estéril mientras que la pintura no lo es?, ¿es que el grabado ha muerto hace mucho tiempo y nadie se dio cuenta, mientras que la muerte de la pintura tan frecuentemente anunciada fue un error? Son todas preguntas relacionadas a un mundo que era relativamente simple, cuando la información concreta era información concreta y las cosas eran cosas en lugar de unidades sin significado que generan configuraciones. En realidad, no sé si son preguntas que realmente importen hoy, pues muchas cosas han cambiado.

Ray Kurtzweiler es un tipo muy famoso en los Estados Unidos, no solamente porque es inmensamente rico y está tratando de ser inmortal (dopándose con vitaminas, dietas especiales e inyecciones) sino también porque inventó las máquinas de escanear y las tabletas de dibujo digital. Kurtzweiler predice que durante el siglo XXI haremos un progreso tecnológico equivalente a 20 000 años del pasado. Entretanto hay que considerar que salvo el brillante invento del pincel, un simple palito con pelos, la pintura no ha evolucionado mucho desde las pinturas rupestres. Y el grabado, en la medida que todavía vive amarrado a la xilografía, al aguafuerte y su familia, a la litografía y a la serigrafía, sigue haciendo lo mismo que hacían Durero, Rembrandt, Senefelder y los viejos chinos, respectivamente. Es indudable que el campo se refrescó un poco con la aparición reciente de la impresión digital tridimensional industrial, un recurso que lentamente se está haciendo accesible al artista medio en el mundo económicamente más desarrollado. Este tipo de impresión parece ser el nuevo paradigma que adelantará al grabado un par de miles de años en la especulación de Kurzweiler. Aunque ese adelanto

técnico no signifique que exista la garantía de la producción de un arte mejor, pues finalmente, ya sea un arte tradicional o uno que se adapte a la nueva realidad, lo que importa es que sea mejor. Algo similar parece ocurrir con la fotografía, pues a estas alturas deben de existir algunos miles de millones de “teléfonos inteligentes” que sacan muy buenas fotos y que pueden competir con cualquier aparato fotográfico. Hay por lo tanto una cantidad equivalente de fotógrafos sueltos que están llenando el mundo con sus fotografías. Pero en ese mismo par de años en que proliferaron los fotógrafos y mejoró la tecnología no se aprecia un mejoramiento del arte fotográfico. Con este ejemplo no quiero parecer pesimista, aunque me cuesta bastante. Pero me confirma que el asunto no está en los medios sino en otra cosa. No creo que haya medios, incluso entre aquellos que son técnicamente obsoletos (como lo son el grabado y la pintura), que sean estériles. Y tampoco creo que la obsolescencia y la muerte sean sinónimas. En los términos generales de la cultura, tanto la moda como la nostalgia son instrumentos que apoyan la vida o

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inevitabilidad a la predicción. En la relación con la obra de arte inevitable, nosotros somos como una especie de Google, lectores de la configuración de farmacias, no de ejemplos técnicos concretos. Si el público tiene que aprender primero como se hace una aguatinta para poder apreciar una obra, estamos embromados. Si yo volviera a enseñar, daría un curso en inevitabilidad. Conferencia GRABADO LIMA, por Luís Camnitzer. Facultad de Arte, PUCP, marzo 2014

que resucitan cosas aparentemente muertas. En términos generales del arte, sin embargo, no podemos declarar muerte y vida al mismo tiempo. No podemos decir que cualquier cosa sirve para hacer arte y al mismo tiempo enterrar algunas técnicas en el cementerio porque ya no sirven. Si nos damos el permiso de utilizar todo, desde apilar basura a cocinar para el público, también tenemos que permitirnos la utilización del grabado en sus formas más anticuadas. No se trata pues de las propiedades congénitas de los medios o de su contemporaneidad, se trata verdaderamente de qué es lo que hacemos con esos medios o qué hacen esos medios con nosotros, ya que nosotros también podemos terminar como sus pájaros maltratados o trapos arrugados. La adhesión a una tradición, entonces, no es ni buena ni mala. El querer poner las técnicas al día con el argumento de utilizar el progreso tecnológico puede ser algo tan reaccionario como el continuar utilizando técnicas medievales por la voluntad de mantener una fidelidad con la tradición. En el lenguaje de Stewart Granger, esto es permitir que la espada determine lo que hacemos en lugar de nosotros decidir qué hacemos con la espada. Si bien es importante el establecer un equilibrio entre el autor y el instrumento, y de asumir la responsabilidad correspondiente, probablemente sea aún más importante el investigar y decidir si la espada es lo que realmente necesitamos para una situación determinada.

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Esto quiere decir que cualquiera sea el medio que elegimos, la obra de arte resultante tiene que ganarse su derecho de existencia demostrando la inevitabilidad de lo que se está presentando. Desde este punto de vista, la distinción de “pintores que hacen grabados” o de “grabadores que generan sus propias imágenes” pierde un poco su importancia. Hay ejemplos de inevitabilidad en ambos grupos. Debo confesar que cada vez que veo aguafuertes de Morandi me vuelvo a emocionar profundamente y mis categorías desaparecen completamente. La emoción se produce gracias a que pareciera que la técnica fue inventada específica y exclusivamente para esa obra en particular. Es como si dicha técnica no hubiera existido antes de ese momento y que la obra no podría vivir en otro medio que no sea ese. Esa es la sensación de inevitabilidad. Pienso que la sensación de inevitabilidad es un importantísimo instrumento para controlar la calidad de una obra, al punto de no entender el por qué no se enseña sobre ella en las escuelas de arte. Es la inevitabilidad lo que lleva a Google el poder predecir cuándo y dónde sucederá la epidemia de gripa, saber si el contagio se hace por besos furtivos o pasionales, por darse la mano o por toser en la cara del prójimo, todos equivalentes a los detalles técnicos tradicionales en las artesanías artísticas que no tiene importancia ni agrega nada. La configuración perfecta que todo eso crea y que se traduce en el acceso a la farmacia es lo que le da la precisión y la

Sin embargo, muchos artistas (utilizo aquí el término en un sentido bastante laxo y tolerante) continúan tratando de descubrir lo que van a hacer por medio de una exploración de las posibilidades de una técnica. Con ello corren el peligro de averiguar exclusivamente lo que puede suceder dentro de la técnica y excluyen la exploración del universo. Un ejemplo que les daba a mis estudiantes era que podía darles un curso de especialización en el uso del microscopio. Lo que lograría con esto es que nunca se van a enterar de que existen las estrellas. Ahora que me leo y me escucho, resulta ser un ejemplo bastante cursi, pero que en su momento fue útil para explicar lo que quería. El buen grabador sabe mucho de grabado y se ufana de ello. La cuestión es cuánto sabe de todo lo demás, y en mi experiencia la respuesta es que muy poco. No sé si en estos momentos los estoy insultando a ustedes o si los estoy haciendo pensar. Me preocupa menos lo primero que lo segundo. Mi elección de Seghers entre los grabadores que generan su imagen en el grabado y lo trascienden en realidad es un poco más complicada de lo que primero parecía. Más correctamente, Seghers se ubica entre ambas categorías1.

Luis Camnitzer

Rainbowed Statement (1973-1975) Cut wood letters, acrylic paint, glass, wood 12.25h x 9.88w x 2d in (31.12h x 25.1w x 5.08d cm)

1 Seghers fue un precursor de la técnica al azúcar. En esta técnica se trata de dibujar sobre una plancha de metal con una mezcla saturada de tinta china con azúcar, a veces agregando goma arábiga. Luego se tapa la plancha con barniz de asfalto y, finalmente, puesta en un baño de agua caliente, el barniz se levanta en donde está el dibujo y despeja el metal. El barniz tiene una cierta porosidad, que si bien no permite pasar el agua, sí permite que pase la humedad. La tinta con el azúcar se hincha y por presión desprende el barniz que no logró pegarse a la plancha debido a la tinta acuosa. Es una técnica formidable porque los materiales no siempre son obedientes y muchas veces todo termina en un pegote. Seghers parece que compartió mis problemas y terminó agregando texturas luego de los baños de ácido y coloreando sus estampas a mano.

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Las serigrafías de Warhol son fallidas, con zonas no impresas porque permitió que se seque el cedazo, o con zonas borroneadas. Son impresiones que cualquier grabador con un poco de dignidad tiraría a la basura. Y sin embargo e increíblemente Warhol logró que esos defectos se conviertan en un aporte estético, un enriquecimiento de su imaginería.

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Warhol para mí es un caso más claro aunque parece que nadie lo clasifica como grabador. Claro que “grabador” es una categoría menor y no demasiado útil en las relaciones públicas necesarias para promover artistas en gran precio. Aun así, una buena historia de las artes del grabado debería darle a Warhol un rol preponderante. Por lo pronto, al meter la serigrafía en las telas tradicionalmente reservadas para la pintura Warhol destapó la artificialidad de la separación del dibujo y el grabado reservados para el papel y la pintura para la tela. Viene al caso el ejemplo de mi compatriota Pedro Figari, ilustre pintor de las décadas del 20 y 30 del el siglo pasado. Figari fue abogado y senador, o sea que no era una persona falta de medios económicos. Sin embargo, por motivos desconocidos para mí, él insistía en pintar sobre cartón y no sobre tela. Eso hizo que, por lo menos en una época (tengo que averiguar si aún es cierto hoy), el Museo de Arte Moderno de Nueva York lo tenga en la colección de obras sobre papel y no en la colección de pintura. Pero volviendo a Warhol, en sus cuadros serigráficos introduce la serie repetitiva de imágenes, una especie de rejunte de toda la

edición que crea una obra más o menos única. Las serigrafías de Warhol son fallidas, con zonas no impresas porque permitió que se seque el cedazo, o con zonas borroneadas. Son impresiones que cualquier grabador con un poco de dignidad tiraría a la basura. Y sin embargo e increíblemente Warhol logró que esos defectos se conviertan en un aporte estético, un enriquecimiento de su imaginería. Hace poco alguien me comentó que vio que en un cartel explicativo de la técnica para una obra de Warhol no decía “impresión serigráfica” sino “tinta serigráfica sobre tela”. Pero Warhol fue más allá de la impresión gráfica. Después de imponer la imagen de la sopa Campbell como un ícono del pop estadounidense, Warhol también firmó latas de sopa compradas en el supermercado. Si bien ello no fue un acto que se hiciera muy conocido, desde el punto de vista del grabado, con ello se apropió de una edición industrial ya existente. Llevó la filosofía del readymade de Duchamp a un extremo que hasta esos momentos no había sido previsto. Su hallazgo continuó con la fabricación de una edición de almohadas espejadas que llenas de helio flotaban en la galería. En fin, guste o no

guste, si nos ponemos a investigar el grabado como generador de imágenes, y a Warhol como alguien que ayudó a expandir las fronteras conceptuales y técnicas, no hay manera de ignorarlo. De igual modo también tenemos a Posada, quien tuvo una producción más amplia que Daumier, y que creó una técnica nueva: grababa el plomo del linotipo en el taller donde trabajaba como si fuera madera de pie. Posada inundó y concientizó políticamente al medio mexicano de su época al mismo tiempo que se retroalimentaba con la imaginería popular que el mismo ponía en movimiento. Fue uno de los pocos artistas que logró dialogar con su público en lugar de solamente hablarle. Es bastante increíble que Morandi, en la sencillez y tradicionalismo de sus aguafuertes elementales, sin experimentación técnica alguna y limitándose al mero dibujo, logre lo que logra. En otras palabras, estoy tratando de minimizar aquí la importancia de la técnica por la técnica, la enfermedad típica del grabador. Esa visión lo pone al nivel del cocinero que sigue las recetas al pie de la letra y que luego define su originalidad porque encontró una desviación que

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MATRIZ

Luis Camnitzer A) Objeto cubierto por su propia imagen. B) Objeto cubierto por la imagen del observador. 1971-1974 Aluminio, grabado placa de latón, vidrio, madera 13.5h x 9.9w x 2d en (34.29h x 25.15w x 5.08d cm) Courtesy Alexander Gray Associates, New York ©2014 Luis Camnitzer / Artist's Rights Society (ARS), New York

nadie había encontrado hasta entonces. En lo que respecta al gusto de lo cocinado, eso parece que no importa, olvidándose además que el primer motivo para comer es tener hambre. Una de las moralejas es que lo que hagamos, sea lo que sea, tiene que ser presentado de la “mejor” manera posible. El concepto de “mejor” no se deriva del virtuosismo técnico sino de la inevitabilidad. Es la inevitabilidad la que nos permite utilizar técnicas obsoletas sin tener escrúpulos o remordimientos. Puede ser bordado, témpera al huevo o el último grito tecnológico ejemplificado por las computadoras cuánticas que todavía no existen en la realidad práctica. Pueden ser también técnicas que no tienen nada que ver con nada. Después de todo, Marina Abramovic se pasó horas mirando fijo a la gente que se sentaba frente a ella y eso le otorgó un éxito memorable en la historia del Museo de Arte Moderno en Nueva York. Yo no la he visto, pero supongo que fue un ejemplo de inevitabilidad y no de rigor técnico. Y si queremos podemos traducir su performance en un lenguaje de grabadores: Abramovic fue la matriz, la mirada fue su tinta y el interlocutor actuó como un papel que fue impreso. La suma del público constituyó la edición, bastante grande, debo notar. ¿Pero vale la pena esa traducción?, ¿agrega algo a la obra? Enfrentados a los avances tecnológicos tenemos dos opciones: podemos rechazarlos en honor de un purismo con respecto a la tradición, en la creencia de que el arte está enraizado en las técnicas que se han utilizado para producir objetos y que no hay lugar para innovaciones porque cambiarían la definición de lo que es arte; o podemos aplaudir los avances en la creencia que las nuevas técnicas nos permitirán ser innovadores y originales. Ambas reacciones solamente logran introducir confusión en el tema, ubican la esencia del arte en las habilidades que corresponden a la presentación y no permiten analizar lo que estas innovaciones pueden lograr en el desarrollo de nuestra imaginación y en la transformación de la cultura. Solamente se concentran en el mejoramiento y refinamiento de la artesanía que organiza la investigación y en el proceso del pensamiento. Si bien no hay ningún problema

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con respecto a un perfeccionamiento técnico, tanto en sí mismo como en la aplicación de habilidades personales, este foco aislado olvida, entre otras cosas, nuestra tarea como comunicadores. Creo que esta parte, la de comunicadores, es fundamental y aclara muchas cosas. Una de ellas es que nos obliga a salirnos de un cierto narcisismo que compartimos todos los artistas. Actuamos como elegidos y superdotados y nos atribuimos facultades y derechos que creemos que otra gente no tiene. Aun más importante, al poner el énfasis en la comunicación, automáticamente nos ponemos en la situación de tener que rendir cuentas. Nos damos cuenta de que el que recibe la comunicación tiene opiniones y que nos puede criticar. Es como lo que sucede con el habla normal. Tendemos a cierta hipocresía aparentando una falsa amabilidad para que la gente piense que somos seres bien educados, respetuosos e inteligentes, y que además apreciamos al interlocutor. Entretanto, por dentro, estamos pensando lo que se nos antoja y tratando que el otro no se dé cuenta. En otras palabras: estamos manipulando al otro. En el arte definitivamente estamos manipulando al otro, y es mejor que lo hagamos conscientemente y nos responsabilicemos de esa manipulación para asegurarnos de que la hacemos éticamente. Todo esto en grabado se hace aún más importante que en otros campos. No porque estemos grabando sino porque hacemos ediciones. O sea, estamos tratando de ampliar numéricamente al público multiplicando la obra por diez, por cien o por mil. Una vez propuse a mis estudiantes como ejercicio que escribieran un titular para el New York Times,

En el arte definitivamente estamos manipulando al otro, y es mejor que lo hagamos conscientemente y nos responsabilicemos de esa manipulación para asegurarnos de que la hacemos éticamente.

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MATRIZ periódico con una circulación de alrededor de 50 millones de ejemplares en los EE.UU. Los estudiantes se dieron cuenta rápidamente que estaban usando mal la oportunidad que les había dado si llegaban a escribir cosas como: “Hoy estoy triste”, “Odio al mundo”, “Quiero la Revolución”, “Estoy enamorado”, “Pienso que la guerra es algo malo” o “Creo en Dios porque es bueno”. Normalmente estos temas son los que muchos artistas usan para hacer arte, aunque por suerte lo redactaran en una forma más sofisticada y un poco menos trivial. Pero cuando se trata de comunicarse con 50 millones de personas, un número que en la realidad se multiplica porque en general hay familias que leen el mismo ejemplar, entran en juego otras consideraciones. Estamos en presencia de una megaedición, mucho más grande que lo que normalmente podemos atrevernos a soñar. Una de las consideraciones, o quizás una revelación, es que probablemente a nadie le va a importar nuestras opiniones personales. Nuestra tan preciada autoría en el arte en realidad no tiene mayor peso y podemos ignorarla para este proyecto. Otra consideración es que queremos que el lector del titular se interese o incluso se apasione por lo que le estamos diciendo. Esto a su vez obliga a tomar en cuenta cuidadosamente no solamente el contenido del texto sino su redacción y su tipografía, todo en virtud de lo que se estime será la reacción del lector. Luis Camnitzer Horizon 1968 Aguafuerte 25.98h x 24.8w in (65.99h x 62.99w cm) Courtesy Alexander Gray Associates, New York ©2014 Luis Camnitzer / Artist's Rights Society (ARS), New York

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Luis Camnitzer The Discovery of Geometry 1978/2008 Gelatina de plata 11h x 14w in (27.94h x 35.56w cm) Courtesy Alexander Gray Associates, New York ©2014 Luis Camnitzer / Artist's Rights Society (ARS), New York

Si nos fijamos bien, la lección no proviene del tamaño de la edición sino del acto de comunicar. La edición solamente nos obliga a encarar nuestra arrogancia cuando no nos dignamos a seleccionar lo que vamos a comunicar y cuando en forma autoindulgente nos negamos a mirar nuestras obras a través de los ojos de nuestro público. Pero aquí estamos hablando del grabado, que es una colección de técnicas desarrollada para llegar a grandes audiencias. Es un instrumento de comunicación populista que se quedó en su pasado histórico, ese pasado de cuando la imprenta industrial se comenzó a independizar y agarró por otro lado. La culpa de la separación, según algunos autores, la tuvo la peste bubónica que en el siglo catorce mató entre un tercio y dos tercios de la población de Europa. La consecuencia de esa despoblación fue que los salarios subieron, que el nivel de vida por lo tanto también subió y que las clases populares por primera vez en la historia pudieron darse el lujo de usar ropa interior. Se puede afirmar que los calzoncillos constituyeron un hecho fundamental en la historia de la comunicación. El uso de ropa interior aumentó la disponibilidad de trapos. Los trapos se utilizaron para hacer papel barato, esto a su vez estimuló la creación de prensas cada vez más rápidas y eficientes, etc., etc., y llegamos al día de hoy. Y ese día de hoy parece ser el momento en que todo eso está por desaparecer gracias a la cultura digital, y yo no sé qué se hará con tantos trapos (lo último lo digo un poco en broma pues hoy significa que salvamos árboles). Ya no son solamente las técnicas del grabado las que son obsoletas, sino que también la imprenta industrial y los periódicos sobre papel.

el de Johnny Friedlander, ambos creadores de técnicas pesadillescas en su complicación.

Durante este proceso en que las técnicas tradicionales del grabado se quedaron atrás, pasaron a subordinarse al canon artístico establecido por la pintura y la escultura. En el siglo XX, consciente de la emulación y dependencia de la pintura, el grabado trató de independizarse de su función de multiplicador pictórico. Trató de establecer su propia personalidad. Dos talleres de grabadores tradicionales fueron punta de lanza en esto, el de Stanley Hayter y

Hay algo que me huele a una traición a la personalidad del grabado en todo esto, aunque no sé en dónde está precisamente ubicada esa traición. En términos de clase social no sé bien cuál es la clase traicionada, aun si las víctimas reales pertenecen, como siempre, a las clases populares. Es como si la metáfora de Stewart Granger también hubiera deformado nuestro cerebro: lo matamos o se nos escapa, pero no sabemos agarrarlo correctamente. Con ello

Con un síntoma de personalidad múltiple, los grabadores trataron de mantener simultáneamente su fidelidad hacia la cofradía de grabadores y al mismo tiempo quebrar con sus tradiciones. El afán de ser parte de los productores primarios del arte los llevó a un chovinismo con el cual querían ser aceptados en las “naciones unidas del arte”. Con ello también comenzaron a servir a la misma minoría compradora de obras de arte a la que sirven las artes consideradas mayores. Por otro lado, la fidelidad a la cofradía los mantuvo dentro de las reglas de la producción múltiple y popular.

no hemos pues logrado aprender de Google que debemos trabajar con las configuraciones que promueven nuestra creatividad en lugar de apretar unidades de información, es decir, andar matando pajaritos en lugar de ver cómo utilizarlos para pensar en arte. Hoy mi relación con el grabado es un poco distante. Si bien no lamento haberme formado en él, me alegro de no tener que imprimir todos los días. Reconozco así que tengo una reacción ambigua de amor y odio con el grabado. Hay algo de reconfortante en sumergirme en la artesanía. Al mismo tiempo, el peligro de agregar papeles sucios a un mundo que cada vez se limpia menos, me da remordimientos. En cambio, me interesa ver cómo puedo sacar las complicaciones y simultáneamente mantener la complejidad. Pienso que la poesía es un intento fútil de aprisionar lo poético porque lo complica y lo esconde. Y eso lo puedo aplicar a cualquier artesanía que nos pone en el peligro de no respetar al pájaro en lugar de manejar las configuraciones para capturar lo que en principio parece ser impredecible. Si el grabado nos ayuda en estas tareas, bienvenido sea.

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“palabra objeto palabra imagen” Justo Béjar Frisancho “Misky rimay”, Empanadas de Semana Santa cusqueña Medida de cada pieza: 70x50cm

Palabra e imagen visual ´ EN LA CREACION ´ ARTISTICA

María Paz Mejía “ASCOS. UNA REVISTA MUY NACIONAL”. Nº de tirada: 15 ejemplares. Portada, papel Flora Avorio 160gr. Interiores, papel de pasta mecánica, tipo Bulky 104gr. Medidas: 297x210 mm. Nº de páginas: 10

Ana María Rocha Puente Gran parte de los discursos artísticos contemporáneos se desenvuelven en el marco de la complementación de los lenguajes o, utilizando una denominación de hoy, en el marco in extenso de los lenguajes multimedia e híbridos. Dos de esos lenguajes, el de la palabra y el de la imagen visual, han tenido a través de la historia múltiples relaciones, ya sea que entremos en el campo de las referencias -como los casos del texto como “inspirador” de la imagen si se piensa en la ilustración tradicional- o en la simultaneidad de sus presencias coexistiendo y configurando un hipertexto. Por ejemplo, el caligrama que Apollinaire crea, tuvo, según Saúl Yurkievich, antecedentes que se remontan al mundo greco latino. ¿Qué aporta cada uno de estos dos lenguajes cuando buscan integrarse para conformar un solo discurso? Por un lado, la palabra -percibida en su naturaleza gráfica cotidiana o a pesar

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de que a veces ciertas vanguardias han enfatizado su aspecto meramente formal- siempre nos conduce al mundo del concepto abstracto y del logos, mientras que la imagen visual, por sus características perceptivas vinculadas a lo espacial, formal y cromático, nos lleva de golpe, y dependiendo de los niveles de iconicidad o abstracción que maneje, a la concreción de alusiones representacionales. Por ello, la imagen visual puede descontextualizar, unir o fragmentar con facilidad referentes y así dar vida a un segmento grande o pequeño de la existencia misma, todo ello en base de sus cualidades basadas en la inmediatez y el impacto visual. Mientras que estas cualidades se prestan al juego de las alusiones intertextuales y referencias simultáneas, la palabra ha sido entendida como un anclaje reflexivo de lo visual, como una guía para la interpretación, tal como Roland Barthes lo explica. Y sin embargo, la pa-

labra también puede convertirse, si se descubre su sustrato semántico adecuadamente, poéticamente, en un territorio pleno de significados, denso y libre para la mirada lúdica de quien la crea y de quien la lea o mire. Palabra e imagen, dados en simultaneidad en una obra, pueden consumar una relación dialógica constituyendo un discurso al que el receptor se acerca buscando descifrar qué es en realidad, siendo esta una búsqueda consciente, o no, de “completar” los sentidos de la malla de significación propuesta. El público receptor es quien debe activar, como diría Umberto Eco, lo dicho y lo no dicho, redescubrir el encaje entre estos dos lenguajes y convertirse así en participante y operador en la construcción de la significación de la obra. El uso de múltiples soportes para la palabra escrita (incluso tridimensionales), convertida

en “palabra objeto” o “palabra imagen”, el uso de textos recortados, su fusión con impresos y fotos documentales, el uso del video, etc., es decir, la deconstrucción de los lineamientos tradicionales de la textualidad, son recursos tomados por el arte en general que despiertan nuevos significados, abren la polisemia y desafían al receptor para que aliste una nueva y enriquecedora mirada. En ese sentido que nos parece fundamental hacer notar que más allá de que esta relación pueda aplicarse como un recurso estético y comunicativo, las nuevas formas de complementación entre palabra e imagen visual abren espacios a discursos que requieren de una renovada alfabetización de parte del público receptor, el que deberá sensibilizarse a las muchas veces sorprendentes interrelaciones entre estos dos lenguajes.

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Bienal Internacional de Grabado del Duoro Portugal Derek Michael Besant (Canadá) “Gravity”, 2013 Instalación para el Monasterio de Salzedas 240 x 150 cms

La contemporaneidad DEL GRABADO Desafíos, diálogos y estrategias de mediación Nuno Canelas Curador de la 7º Bienal Internacional de Grabado Douro, Portugal.

Probablemente toda la gente hizo alguna vez un grabado. ¿Quién no dejó su rastro en la arena mojada de una playa o jugó con sellos a marcar con un lápiz en una hoja colocando una moneda debajo?, ¿quién no transfirió con carboncillo la textura de una hoja o de un árbol al papel, o imprimió una fotografía digital de su hijo recién nacido? Estos ejemplos sencillos, que pueden ser realizados por cualquier persona en el día a día,

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sirven para demostrar cómo el grabado está presente en nuestra vida cotidiana, incluso sin tener mucha idea de que estamos produciéndolo o usándolo. Grabar parece ser una cosa fácil y banal ya que para hacer una impresión se requiere de gestos tan simples y materiales tan elementales como la arcilla, la mano, los pigmentos, los moldes, los cortes, la corrosión, etc. La palabra impresión abriga tantas prácticas y tantos resultados

bienal

portafolio

que podemos detectar procesos de impresión desde los tiempos más remotos, como por ejemplo los grabados rupestres, los dinosaurios que dejaron impresiones en la arcilla o incluso cualquier fósil. Efectivamente, realizar un grabado no se restringe solo a pensar en un papel, una prensa y una matriz, es pensar en el diseño, en el dibujo, en el proceso. En este sentido, una idea no puede ser descrita como un pensamiento del grabado, sino como el grabado del pensamiento, teniendo la misma plasticidad, la fluidez y consistencia que los movimientos en el proceso del grabado. Como se puede ver, la complejidad de los procesos en el grabado, los cuestionamientos sobre la impresión, el contacto, la matriz, el material y la imagen, no son solo de orden retiniano, técnico, matérico o material, esta complejidad nos deja en suspenso sobre cualquier conclusión precipitada sobre este asunto, dando preferencia a una mirada superficial sobre lo que plantea el grabado, sin profundizar o comprender los horizontes físicos y atemporales del ámbito de su aplicación.

“

”

El ala de una libélula puede ser la fosilización más alejada en el tiempo, como también puede estar conectada con una superposición de trazos contemporáneos. Una imagen puede así exponer un tiempo contradictorio e intricado en una misma superficie. De igual modo, los diferentes niveles de nuestros pensamientos también están sobrepuestos, como una idea de anacronismo o de interrelaciones que trabajamos en las capas de los grabados. En cuanto al arte como un pensamiento–grabado o como un grabado-pensamiento, este no pretende guiar una determinación, es un intento de percibir a través de sus planes. El grabado se compone de varias experiencias: procedimientos, capas, pruebas de estado, pruebas de artista, pruebas únicas, pruebas de color, transferencias, ideas, sensaciones, impregnancias, excavaciones, capturas, fisuras, ausencias, formas, contraformas, hendiduras, distancias, contactos sutiles, intensos, abrumadores, aterciopelados, agudos, y una infinidad enorme de muchos otros. Por lo tanto, las experiencias en el grabado se convierten en una experiencia inaugural que se destaca en todas las sobreposiciones originando una

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portafolio A pesar de la desaprobación de algunos y el consentimiento de otros, el diálogo constructivo o su total ausencia, el arte del grabado no se detiene y continua impávido y sereno en su viaje, arrastrando consigo a todos sus afiliados. De hecho, la relación del grabado con la fotografía provocó la ira o el descontento de muchos hoy, en pleno siglo XXI. Así, la hibrides en el grabado con otros medios intensificó y dio origen a nuevos ataques y fricciones sin duda mayor que los anteriores. Esto dio lugar a nuevos modelos de grabado próximos a las concepciones gráficas del offset, de la gráfica urbana, de las instalaciones multimedia y de las composiciones digitales computarizadas e impresas en impresoras comunes, mediante el uso de programas y softwares como el Photoshop o Corel Draw.

Alexandra Haeseker (Canadá) “Red Tide”, 2014 Flooting floor installation UV latex ink on 100 router cuy-out Prolam components 450 x 600 cm

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experiencia de sensaciones táctiles de pensamientos. Lo que se sucede entre el espacio de una superficie y el de una matriz es una especie de inscripción de formas de grabado o de grabado-pensamiento. La percepción de estas formas desencadena nuevamente nuevas fuerzas. Así, es preciso que haya un transporte o un medio para que surjan las formas, una película, un plan o una piel donde pueda circular esa energía de las imágenes en movimiento.

El grabado, al asociarse hoy en día a estos nuevos medios digitales, producirá nuevas experiencias visuales con potencialidades renovadas para sí mismo. Si su matriz en el pasado era el metal, la piedra o la madera, adquiere ahora características inmateriales de formato digital, donde el píxel de una imagen reemplaza al punto, a la línea y a las manchas grabadas por la acción física del grabador o por medios alquímicos de ácidos y barnices, integrando así imágenes virtuales en soportes informáticos, dejando el papel, lo que significa un primer paso para salir del proceso tradicional de grabado. Un elemento principal de estas simbiosis mediáticas es que pueden adquirir la forma de instalaciones, imágenes digitales, we-art, entre otras. Esta nueva realidad contemporánea promueve la entrada del grabado a una imagen visual impresa por computadora. Esta transición al campo virtual es un tanto drástica, pues pasa del peso del átomo de papel y del átomo de tinta al peso de las imágenes virtuales, es decir, a los bits y al píxel virtual, de materia a energía, lo que es de hecho una transformación radical.

Toda esta complejidad que el grabado (tan simple en su concepto) origina amplía su campo de acción, siendo por eso una obra abierta. En esta línea de raciocinio los nuevos medios se complementan y ayudan al grabado a mantener su autonomía en el contexto del arte contemporáneo.

El artista grabador de hoy, en cierto modo, confronta una virtualidad que se presenta como una ventana aparentemente rectangular (la pantalla del computador), como una nueva versión del espacio pictórico, pero que no lo es ya que los elementos de transformación, los elementos plásticos de manipulación y las di-

mensiones que están involucradas van mucho más allá de las dos dimensiones de la página blanca del papel. La persona que utiliza los nuevos medios confronta situaciones verdaderamente inesperadas. Esta “claridad” de la expresión creativa, ausente de materia, confiere a la creación experimentalista un registro fundamental para su inequívoca contemporaneidad, recordando automáticamente los espacios “vacíos” y acercándose a la operatividad del medio, a los conceptos de “obra abierta” de Umberto Eco o a los conceptos paradigmáticos del arte contemporáneo teorizados por Rosalind Krauss, quien nos habla de esa conquista del arte, del espacio vacío y de la ausencia de obra.

Torre y Puente de Ucanha

Esta nueva obra gráfica digital invade nuestra cultura cotidiana manifestando su vanguardismo por los museos y galerías de arte contemporáneo, en las zonas urbanas (en forma de arte público) y en bienales dedicadas a ella, mostrándose viva y en constante transformación, tal como sucedió siempre en su historia. La gráfica se revela nuevamente como “obra abierta”, no encerrándose en sus propias confrontaciones y permitiendo siempre al artista o al espectador innovar e incrementar nuevas posibilidades que su dialéctica permite. Esta revolución operativa en la cual el grabado sobrevive conquistando nuevos espacios de dimensión contemporánea, contradice a aquellos que lo aniquilan y a los que lo denominan, injustamente, como un arte menor. Tal vez sus críticos no perciban su determinante contribución a la historia del arte y a la humanidad, razón por la cual apenas ven aquel arte como artesanal al servicio de la imprenta, sin comprender o ignorar los pasos dados rumbo a su autonomía. Entonces, resulta que en el mundo del grabado siempre se evidenció una constante mutación de procesos de impresión gráfica a lo largo de la historia del arte, a veces más cerca del grabado tradicional, a veces más distante y en profunda ruptura. Tal como se muestra a través del análisis de las obras más importantes del grabado y en su evolución hacia nuestros días, este delineó una trayectoria en dirección hacia una actitud que expande sus límites no de una forma subversiva, sino más coherente con

Monasterio de San João de Tarouca

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Taller de Grabado No – Tóxico. Profesor: Fernando Santiago (Puerto Rico). Auditorio Municipal de Alijó

Curadores y participantes. Monasterio de Salzedas. Agosto-octubre, 2014. Participación de más de 1200 obras. 530 artistas. 71 países.

Inauguración Museo Côa.

su necesidad de autonomía y subsistencia en cuanto a arte vivo. El gran desafío para el grabado, sea tradicional o híbrido, consiste pues en mantener vivas las premisas históricas de su génesis, sin renunciar a las transformaciones dictadas por la propia evolución de la historia del arte, autovalorizándose con estas contribuciones contemporáneas. Solo así la gráfica podrá reivindicar un papel de importancia similar a otros lenguajes. Los artistas y las instituciones no tienen que seguir un código impuesto. Las personas cambian, el mundo cambia, la visión del mundo cambia y el arte se adapta a dichos cambios, dando su contribución para la mejoría del mundo y de la sociedad, de hombre por dentro y también por fuera. Este perfeccionamiento de la sensibilidad es un proyecto abierto que no precisa de seguir un código específico, ni es tan dependiente de los lenguajes artísticos o cuestiones técnicas. Así, enfrentamos hoy en el arte nuevos procesos de producción industrial y electrónica, de circulación masiva e internacional, consecuentemente, nuevos tipos de recepción y apropiación. En la medida en que

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crece el dominio del hombre sobre esos infinitos medios de información, opera un cambio en el hombre mismo y en la percepción de lo que produce. La clave, entonces, está en la selección e interpretación del proceso de información. Los eventos y las bienales de arte pueden proporcionar esa clave, servir de interfaz entre el objeto cultural de conocimiento erudito y el cotidiano. Esta clave puede materializarse a través de una información más clara de los diferentes públicos existente, sobre los aspectos relacionados con los mensajes de arte expuestos, de los fundamentos de las temáticas seleccionadas, de las polémicas y relevancias políticas, sociales y culturales planteadas por sus acciones en la sociedad, y por el uso y empleo de nuevas tecnologías audiovisuales que penetren con mayor facilidad en los públicos menos atentos y ávidos de estímulos más interactivos. El diálogo con el arte va más allá del ejercicio experimental, transformándose en un placer estético en la vida del hombre. En la medida en que se pueda educar por medio del arte,

podremos ser capaces de hacer mejores personas y mostrar que existen muchos mundos además de nuestro ombligo. En este sentido, se hace inevitable una mayor conciencia pública, encontrando medios que estén a la altura de su comprensión y no responder a las preguntas con más preguntas, sino celebrar debates públicos con explicaciones sobre los artistas, explicar y fundamentar la razón de opciones y, principalmente devolver al público la posibilidad de reencontrar el asombro, esa percepción que viene de la contemplación de un objeto que integra la perfección de la forma con la perfección de la idea. Hace falta, hoy, el ejercicio de admiración, de empatía. Algo muy contrario al ruido y la banalidad del cotidiano, de las soluciones fáciles y descartables de la cultura tipo “shopping center”. Finalmente, es indispensable invitar a los artistas locales a mezclarse con los artistas de afuera para un conocimiento mutuo, tener una preocupación con la parte social y socializante, no solo para las organizaciones, sino también para los productores del arte, los artistas y su interacción con el público.

Todas estas consideraciones son intentos para comprender nuestro mundo tan fragmentado. Por ello, en mi opinión, el rol de las bienales de arte debería estar precisamente en esta línea de arte global y en la complejidad de descodificación de las sociedades contemporáneas. Sin presentar una conclusión demasiado objetiva, tarea casi imposible en materia de arte, sin encontrar una fórmula que resuelva las cuestiones planteadas, a pesar de eso, es necesaria una reflexión sobre el campo expandido del grabado, señalando diversas perspectivas para su subsistencia y autonomía como técnica tradicional, y sobre sus ventajas en aliarse con otros lenguajes. Es precisamente el equilibrio de confrontación a través de “malabarismos” creativos de los artistas que el grabado puede encontrar su espectáculo y proyectarse sin errores o inferioridad en el contexto del arte contemporáneo.

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portafolio Con motivo de su visita a Lima por invitación y gestión de la Especialidad de Grabado de la Pontificia Universidad Católica del Perú (PUCP), el Dr. Juan Martínez Moro, reconocido artista gráfico1, brindó una conferencia en torno al grabado. A continuación expondremos algunos de sus lineamientos a modo de resumen.

Juan Martinez Moro Panóptico I (2011)

“

La conferencia va sobre todo en la línea del grabado en expansión que me parece que es un concepto más amplio que implica las dimensiones físicas, espaciales, temporales, y otras como la superación del medio, del proceso, etc.

Introducción

El tema de la presentación del Dr. Martínez Moro se centró en el concepto de "expansión” presentado en un artículo de Rosalind Krauss, teórica norteamericana que en 1979 hablaba de la escultura en el campo expandido, refiriéndose principalmente a la producción norteamericana que encuentra sus expresiones a través del minimalismo, el land art y las influencias de la arquitectura. A partir del siglo XXI, este concepto termina aplicado a la pintura y a la escultura, y al hablar de ello nos referimos a las instalaciones, performances, etc. En el ámbito visual, empieza hablarse en Europa de la pintura expandida cuando esta supera los márgenes del lienzo y se desarrolla en el espacio. Lo mismo se diría sobre la gráfica, como grabado expandido o gráfica expandida: "La conferencia va sobre todo en la línea del grabado en expansión que me parece que es un concepto más amplio que implica las dimensiones físicas, espaciales, temporales, y otras como la superación del medio, del proceso, etc.”.

”

Mediados del siglo XIX. El aguafuerte móvil Conferencia de Juan Martínez Moro. PUCP, 6 de mayo del 2014

Grabado en

´ EXPANSION: medios históricos y nuevas fronteras Juan Peralta Berríos

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Martínez Moro plantea que a mediados del siglo XIX el grabado pierde su estatus como labor profesional al aparecer las sociedades aguafuertistas. Estas estuvieron integradas por artistas, entre pintores y dibujantes, quienes deciden practicar el grabado de manera libre y versátil, siendo el aguafuerte la técnica más

1 Juan Martínez Moro. Docente de la Universidad de Cantabria. Ensayista e investigador sobre la gráfica contemporánea. Cuenta en su haber con varias publicaciones en torno a la gráfica como: Ilustrar lo sublime (1996), Un ensayo sobre grabado. A finales del siglo XX (1998 y reeditado el 2008) y La ilustración como categoría. Una teoría unificada (2004).

Juan Martinez Moro Pliegue de hogar IV

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empleada. Ludovic-Napoleón Lepic es una figura importante por la idea del aguafuerte móvil, concibiendo la matriz como un ente móvil, variable, interpretable y experimental. Lepic desarrollaría el "entrampado", que desde una misma matriz y mediante el consumo de la tinta en sus surcos, permitiría realizar varias impresiones, lográndose así variaciones de una misma imagen. En esa perspectiva, los artistas como Claude Monet quien a través de la serie pictórica La catedral de Rouen (1892-1894) expresa el nuevo espíritu artístico orientado a las tendencias experimentales e investigativas en torno a la producción. En la obra “Bañista” de Edvard Munch y los trabajos de Whistler, confirman las nuevas propuestas gráficas tomadas desde la matriz y sus variaciones.

Instrumentalización de la matriz

La matriz es susceptible de ser empleada no solo en una obra o proceso, si no en obras posteriores, por lo que puede ser combinada de diversas maneras y con otras matrices y procesos de estampación. La matriz ofrece posibilidades abiertas, y en ese sentido, no tiene un objetivo final. Conceptos como "palimpsesto" o "transferencia" son empleados en producciones bajo esta perspectiva.

Repetición y variación en la cultura de masas

La herencia warholiana centrada en la repetición y variación, como la serie de Marilyn Monroe de 1962, cuya composición podría remitirse a fuentes como el impreso budista del siglo

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VIII, plantea no fijar una imagen icónica sino mostrarla como sucesión de imágenes asumidas desde la variación visual o su alteridad, lo que resulta de una matriz que alude a íconos móviles y no fijos, tal como se establecía en los siglo XVIII o XIX.

Juan Martinez Moro Cuerpo hogar II

Work in progress (procesos generativos inherentes al medio) El work in progress es entendido en la gráfica como la suma de todos sus procesos. Las pruebas de estado permiten, por un lado, congelar los pasos por los que atraviesa una matriz y, por otro, evaluar proceso y resultado. El grabado como medio procesual lo vemos en la obra gráfica de Tom Phillips (1972 - 1973) y Jasper Johns.

Mestizaje versus esencialismo

Los procesos de expansión del grabado y de experimentalismo técnico conducen "naturalmente" a un mestizaje que alude a la posibilidad de combinar procesos abiertos con técnicas antiguas y electrográficas. Aquí conviven en un mismo soporte la serigrafía, la litografía, el aguafuerte, la aguatinta, el relieve y el collage.

Universalización de la matriz

La matriz se universaliza y pasa de ser metal o madera, a ser cualquier otro soporte que permita imprimir. Ejemplos como Automovil tire print (1951) de John Cage y Robert Rauschenberg o Domestic I D, IV (1992) de Willie Cole, ilustran esta idea.

La edición ilimitada

En oposición a la edición limitada, y por tanto al juego del mercado, surgen obras reproducibles de manera ilimitada y al alcance del público. Aquí se genera una verdadera expansión de la obra de arte. La obra Sin título (Death by gun) de 1990 de Félix Gonzáles-Torres es un buen ejemplo.

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portafolio

PROYECTOS ACADÉMICOS 3ER AÑO ALUMNOS DEL CURSO: ESTUDIO DE LA MATRIZ Y REPRODUCCIÓN I

3er año

La ampliación del rol social y comunicativo

La obra no solo se ubica dentro de la plástica y espacio de difusión, sino que aborda, desde diversos soportes, otros ámbitos, como los comunicativos, más allá de los ambientes artísticos. Las prácticas de Barbra Kruger se insertan en este ámbito.

Cuestionamiento del soporte

El grabado no solo se agota en lo técnico sino que también explora en el ámbito del soporte, yendo más allá de sus soportes tradicionales, incorporando otros medios. . En este campo se destaca el trabajo del taller experimental de Kennteh Tyler Graphics.

Gráfica en expansión / Expansión gráfica

Martínez Moro se refiere aquí a su visión y proyección como artista, quien partiendo desde el grabado, se proyecta como un artista gráfico, donde se introducen conceptos como la destrucción o deconstrucción, como un valor en sí mismo de la creación o la reinterpretación, o como la transferencia o el desplazamiento hacia otros soportes o medios pocos convencionales, los que finalmente nos permiten hablar de la gráfica expandida. Como ejemplos de ello destaca los trabajos experimentales de Robert Rauschenberg, Concha García, Ana Soler, Jesús Pastor, Juan López o Javier Arce.

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De igual modo, concretando su idea y su experiencia, plantea la posibilidad de la expansión de la gráfica por el surgimiento de nuevos medios. Esto lo explica en el texto de presentación titulada: Amor de Don Tórculo y La señorita impresora, de su muestra individual realizada en la Fundación Pilar i Miró, en Palma de Mallorca en 2002, en el que explica su encuentro espontáneo donde se conjugaría los procesos del grabado tradicional con la impresión digital. Sus obras Pliegue de hogar (2005), Cuerpo-Hogar II (2007), Coloso I (2007) y Panoptico I (2011) consolidan este criterio, en el que sus propuestas constituyen reproducciones superpuestas, dobles, móviles y de sensaciones infinitas.

Se puede ver la conferencia completa del Dr. Juan Martínez Moro en: http://educast.pucp.edu.pe/speaker/754/ juan_martinez_moro

Derechos Humanos Y ´ lucha contra la corrupcion Andrea Saito

La corrupción se ha dedicado, a través del tiempo, a fragmentar todo tipo de bienestar común entre los peruanos. Como nación, estos fragmentos nos afectan profundamente, ya que generan brechas abismales como el racismo y el clasismo. El Perú de hoy, es un Perú que le cuesta reconocerse. En ese sentido, quizá lo único que hace que nuestro país se reconozca como tal es su territorio demarcado. El territorio nos identifica. Queramos o no, tenemos impresa en nuestra memoria la forma que nuestro país toma al limitarse con sus países vecinos y el océano Pa-

cífico. Es por esto que decido jugar con la imagen visual que me remite, instantáneamente, la palabra patria o país: su mapa. Mi propuesta gráfica trata de aislar de sus vecinos limítrofes a cada uno de los 24 departamentos que forman al Perú, a componiendo así, con las formas obtenidas, una nueva imagen del país.

Corrupcion ´ (del latín corruptĭo, corruptiōnis); a su vez del prefijo de intensidad con- y rumpere (romper, hacer pedazos).

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3er año

PROYECTOS ACADÉMICOS 4TO AÑO ALUMNOS DEL CURSO: DESPLAZAMIENTO DE GRABADO I Andrea Gago

Luego de haber fraccionado por completo al Perú se me hizo difícil identificar las formas particulares de cada departamento. Esta reacción causó en mí la reflexión que más adelante buscaría en el espectador al presentar mi trabajo. Orienté la imagen a una suerte de mapamundi que exponga los departamentos en orden aleatorio, y así, permita al espectador reconocerlos. Sin embargo, tuve la necesidad de otorgarle a cada uno imágenes de noticias que revelaban actos de corrupción, además de contar con un tono variable de rojo para poder darles cuerpo a cada departamento. Incluí también ciertos símbolos cartográficos como las coordenadas, una brújula y una leyenda, con el fin de que el espectador reconozca un mapa.

José Carlos La torre

Rodrigo Ramos

Natalie Gago

Angela Yachachin

Para poder detener esto es necesario aceptar qué sucede. Reconocernos. Así estemos rotos, es necesario reconocer cuánta distancia existe para empezar a unirnos. Debemos dejar de criticarnos unos con otros y optar por entendernos. Creo que para equilibrarnos y conseguir un país estable y unido primero necesitamos redescubrir que no lo somos.

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reconectarse

No obstante, el trabajo se reconoce a simple vista como un mapa alterado. Así tenemos que la leyenda de mi trabajo, a pesar de que cuenta con el formato regular que adquieren las leyendas de nuestro mapa político, se ve alterada, ya que en vez de nombrar los 24 departamentos, contiene palabras que para mí identifican mucho a nuestro país: mentira, informalidad, valores, amor, coima, narcotráfico, justicia, etc. Como conclusión, creo que en mi caso, no se evidencia un acto de corrupción literal. Sin embargo, se evidencia claramente una de las grandes consecuencias que esta genera. Mi trabajo representa toda esta percepción triste y real que yo asumo como mi país. Un gran territorio roto, distanciado y dividido por tantas acciones corruptas, del que hoy solo se pueden ver las huellas imborrables que los impactos de la corrupción han dejado en la mayoría de provincias y ciudades. La informalidad se apodera de nuestras ciudades, mientras que el miedo y la pobreza se introducen en nuestras provincias.

4TO AÑO

Instalación de mesa grabada y vela encendida dispuesta en un espacio oscuro

Reconectarse Diego Cabanillas

El término conexión, desde su significado literal, nos habla de la unión de uno o más elementos, de un enlace o una relación entre ellos. Nos remite al ámbito de la tecnología y a los sistemas eléctricos, como el caso de las conexiones de Internet, de luz, cable, etc. ¿Qué sucedería en una familia si estas conexiones artificiales y eléctricas se desactivaran de un momento a otro?, ¿qué sucedería si estos sistemas tecnológicos son desconectados?

Tanto en décadas anteriores como hoy en día (quizá menos que antes), los apagones son eventos cotidianos que no generan mayores inconvenientes prácticos, más allá del significado que uno pueda atribuirle. Incluso los apagones puede ser beneficiosos para la vida familiar pues de alguna manera obligan a estas a reunirse a alrededor de una vela y a compartir, algo que seguramente no sucedería si el sistema eléctrico estuviera conectado.

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4TO AÑO

PROYECTOS ACADÉMICOS 4TO AÑO

...bajo esta dinámica virtual, el individuo termina perdiendo contacto físico y real con los que lo rodean, incluyendo las relaciones de familia. Los integrantes de esta se pierden en el mundo virtual y dejan de lado la interacción directa (física).

la necesidad de usar cada vez más los medios virtuales para desarrollar su vida; la estructura social se ha desplazado a un ámbito artificial casi ilusorio en el que las personas tienen cada vez menos contacto e interacción cara a cara entre ellas, conformándose con saber unas de otras solo a través de las redes sociales. Es tanto el espacio y la importancia que se le ha dado al mundo virtual que el mundo físico ha perdido relevancia, afectándose y dificultándose con esta dinámica el desarrollo de una “familiaridad” real dentro de las familias. Tal y como nos dice Piero Che Piu en su artículo “Bienvenidos a la generación: por favor no me hagas pensar”:

En otras palabras, quizá esta desconexión obligada de paso a otro tipo de conexión. La luz cálida que genera una vela encendida reemplaza la frialdad de la luz eléctrica y las voces de una conversación aparecen en lugar del ruido de clics, ventiladores y teclados. El momento de ajetreo cotidiano y continuo cesa cada vez que el sistema eléctrico cae y con este la actividad virtual, dando paso a la tranquilidad, el descanso y la comunión familiar.

Problemática En los últimos años, con los avances tecnológicos y la Internet, el individuo se ha visto en

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La generación táctil ve al menos siete veces una pantalla cada minuto que pasa despierto, cambia de trabajo al menos cinco veces antes de cumplir los treinta y creen sin razón alguna que su celular está sonando (aunque no lo haga). Esto nos muestra el grado de dependencia que se tiene del Internet y de las tecnologías que ha generado el individuo con su uso descontrolado e irresponsable. Finalmente, bajo esta dinámica virtual, el individuo termina perdiendo contacto físico y real con los que lo rodean, incluyendo las relaciones de familia. Los integrantes de esta se pierden en el mundo virtual y dejan de lado la interacción directa (física).

ALUMNOS DEL CURSO: DESPLAZAMIENTO DE GRABADO I

Propuesta

Descripción

Partiendo de los apagones nocturnos en las casas y las actividades que estos desencadenan, se rescatan los elementos que de alguna manera sirven como llamado de reunión a los integrantes de una familia: la vela y la mesa redonda. Mostrando así, de alguna manera, la necesidad por desconectar el sistema artificial para poder reconectarse con los demás de manera física y tranquila, dejando de lado el alboroto y la velocidad en la que estamos obligados a vivir diariamente. Dentro del ámbito del grabado se podría decir que la familia es una serie de imágenes diferentes pero que necesitan estar relacionadas para que mantengan su naturaleza seriada. Así, cada integrante conforma un elemento de la serie “familia”, cada uno reconocido como parte de esta con un símbolo.

La obra propuesta es una mesa circular de madera que ha sido grabada con los retratos de una familia. En dicha mesa hay una serie de palabras grabadas entre cada persona y una vela encendida en el medio. Todo ubicado en un ambiente totalmente oscuro con el sonido de una conversación de fondo.

Finalidad El objetivo de este proyecto es el de revalorizar la relación familiar física y las conexiones interpersonales tangibles, disminuyendo el exceso de tiempo invertido en el mundo virtual, así como generar una actitud reflexiva en el espectador sobre ello. Se busca que el espectador se identifique como parte de un grupo humano afectivo, que requiere de su relación (como familia) para poder funcionar.

´ Conexion 1. f. Enlace, juntura o relación entre distintos elementos. 2. TECNOL. Atadura o unión de los elementos de una máquina o un aparato. 3. TECNOL. Punto donde se realiza el enlace entre diferentes aparatos o sistemas.

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EGRESADOS

PROYECTOS ACADÉMICOS FINALES 5TO AÑO

Instalación. Archivador, mesa de luz y papel hecho a mano. Medidas variables 2013 Elementos: 1 mesa de luz 1 estante organizador 12 pilas de papeles (30 c/u aprox.) 1 cuaderno-libro

ALUMNOS DEL CURSO: TALLER PROYECTO FINAL II / EGRESADOS 2013-2

MEMOTECA: Evocadores ´ autobiograficos Primer Premio a la Crítica, 2013 Karla Zorrilla

La memoria es la fuente de vida de todo ser humano. La inscripción de nuestros recuerdos a través del tiempo configura nuestra identidad y es lo que caracteriza al individuo desde su nacimiento hasta la muerte. Sin embargo, la memoria puede considerase como una de las funciones cognitivas más vulnerables, dado que puede verse afectada por razones ocasionadas hasta por su mismo sistema.

¿Cómo es el proceso adquisitivo de la memoria y cuál es la ruta de nuestros recuerdos? ¿Cómo se ven afectadas las imágenes mentales al momento de rememorar? ¿Cómo se manifiesta la necesidad humana de completar las ausencias en la memoria?

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Por ello, por la importancia de la memoria, es fundamental para nosotros entender cómo funciona nuestra capacidad de recordar, saber si existe la manera de conservar aquellas imágenes y situaciones que consideramos fundamentales. En esa búsqueda, nos preguntamos: ¿Cómo es el proceso adquisitivo de la memoria y cuál es la ruta de nuestros recuerdos? ¿Cómo se ven afectadas las imágenes mentales al momento de rememorar? ¿Cómo se manifiesta la necesidad humana de completar las ausencias en la memoria? Memoteca es un espacio interactivo que reúne una amplia documentación introspectiva del cotidiano, conservada con el objetivo principal de la intervención de un individuo para una futura remuneración. Este espacio íntimo está compuesto por una repisa de madera que consta de varias divisiones organizadas alfabéticamente. Cada una de ellas contiene una serie de papeles artesanales con caracteres distintos, tales como el color, grosor y textura. Los papeles funcionan como contenedores de estímulos que permiten evocar diversos hechos, algunos aparentemente banales hasta aquellos que son de suma importancia. En este caso, el papel permite descubrir las imágenes inscritas a manera de filigrana, la cual es revelada por medio de la luz, empleándola como un vehículo metafórico de la rememoración.

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EGRESADOS

PROYECTOS ACADÉMICOS FINALES 5TO AÑO

ALUMNOS DEL CURSO: TALLER PROYECTO FINAL II / EGRESADOS 2013-2

En un mismo impulso, en la fragilidad del instante me vivo. Aileen Gavonel

Este proyecto reflexiona sobre la experiencia de lo espontáneo, de aquello que no está planificado y surge de forma natural en todo ser. La arcilla, como elemento que posibilita guardar la memoria, desde un beso hasta una caricia, un golpe e inclusive un instante, sirve de medio en este proyecto para plasmar las huellas del cuerpo como una matriz que materializa experiencias, al capturar huellas corporales, dando como resultado una serie de piezas cerámicas. La arcilla es el soporte indicado para hablar de una experiencia, pues esta posee la cualidad de registrar, gracias a su capacidad de contener vida y grabar experiencias. Si bien cada pieza puede ser un instante equivocado o acertado, es finalmente un instante. Las piezas buscan ser un reflejo del contexto en el que el tiempo es tan veloz que las experiencias se vuelven frágiles, se pueden quebrar, olvidar o reconstruirse en la memoria. Se estudia y experimenta en el proceso de mezclar el barro con la pulpa de papel para exigir y dotar al material de texturas y soportes finos. Al someter a la arcilla, con la pulpa de papel, a altas temperaturas, esta se gresifica y logra de esta manera evocar la fragilidad de los impulsos espontáneos del ser humano. En las colagrafías se explora, con el uso de adiciones de tierra, arena y esmeril, para obtener en las estampas distintas texturas y gamas de grises, las que permiten visualizar la materialización de los instantes a través de la mancha, la huella y el dibujo, demostrando una expresión rescatable y admirable por su vitalidad. Así tenemos que el uso de la cerámica y el grabado abren las posibilidades a futuras exploraciones entorno a la huella.

Rastros del Deseo. Colagrafía

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Nuestro cuerpo ensaya su propia plasticidad como matriz generadora de impresiones del impulso efímero que buscan trascender y perdurar a través del soporte tanto cerámico como gráfico.

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EGRESADOS

PROYECTOS ACADÉMICOS FINALES 5TO AÑO

ALUMNOS DEL CURSO: TALLER PROYECTO FINAL II / EGRESADOS 2013-2

huella de la voz

Esta obra participativa quiere crear un espacio donde las mujeres (anónimamente) puedan sentirse libres de denunciar sus vivencias sin ser oprimidas.

Instalación fotográfica Registros de cámara Polaroid

Del silencio al ruido: LA HUELLA DE LA VOZ María José Añorga Este proyecto nace de experiencias personales, en donde preocupa cada vez más el espacio violento al que se enfrentan las mujeres en el Perú. Parte de esa preocupación es que los lugares donde las mujeres pueden denunciar los ataques sufridos, sintiéndose seguras y protegidas, son cada vez más reducidos. De igual modo, nos preocupa que las cifras de maltratos y feminicidios en nuestro país vayan en aumento, tomándose la violencia contra las mujeres cada vez con más “naturalidad”. Esta obra participativa quiere crear un espacio donde las mujeres (anónimamente) puedan sentirse libres de denunciar sus vivencias sin ser oprimidas. Con este objetivo se realizó esta acción simbólica donde una no debe enfrentarse a un marco legal y en donde se nos permite tener una reflexión sobre las propias experiencias, logrando internándonos en el problema y poder visualizarlo tanto desde dentro como desde fuera. La acción consistió en fotografiar bocas de mujeres como símbolos de la denuncia. Luego, esas fotografías instantáneas fueron intervenidas por las mismas mujeres retratadas respondiendo a la pregunta: “¿Alguna vez te sientes o te has sentido violentada?”

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desCENTRALIZADOS 44 / RINOCERONTE 06

PlexoPerú, Poesía y gráfica Perú-Chile. Chimbote, Trujillo, Lima, Temuco, Santiago y Valparaíso. Editorial Quimantú. Valparaíso-Chile Participación de Verónica Noriega, Zoila Reyes y Carolina Salinas

Libro Arte: GRAVURAMAQUIA – GRABADOMAQUIA. Proyecto colectivo de Verónica Noriega(Perú) y Eduardo Ávila(Brasil). Participación: Zoila Reyes, Carolina Salinas y Olga Flores.

Técnica mixta. Zoila Reyes Técnica mixta. Zoila Reyes

15th international Exhibition Small Graphic Forms, Lodz, Polonia. Participación de Julio Garay Terrazas

Exposición Colectiva: Maestros del grabado. Homenaje a Jorge Ara Centro Cultural de la Escuela Nacional de Bellas Artes, (setiembre, octubre, 2014). Participación de Marco Albuquerque, Diego Gianella, Miguel Mendoza, Zoila Reyes y Julio Garay, egresados de la PUCP.

Exposición colectiva: GEOMETRIKS Participación de Augusto Ballardo. Serie: Cauce Galeria IMPAKTO. Miraflores. www.galeria-impakto.com Del 29 de octubre al 29 de noviembre, 2014

Árboles grabados. Técnica mixta: frottage y collage

FESTIÁRBOL 2014. Municipalidad de Lima. SERPAR - Servicio de Parques de Lima Curaduría y Exposición. Plaza Mayor. Parque Huayna Capac. Parque Huiracocha. Parque de la Exposición (setiembreoctubre, 2014). Participación: Olga Flores

7º Internacional Printmaking Biennial Douro, Portugal 2014 Participación de Olga Flores Del 10 de agosto al 31 de octubre, 2014

Visita al Pratt Institute Printmaking Participación: Cristina Dueñas

Exposición Colectiva: Estampa Japonesa Espacio Taller Khalkós, Buenos Aires (noviembre, 2014) Participación Cecilia Carrión

The International Biennial Print Exhibition: 2104 ROC (Republic of China) Participación de Carolina Salinas y Julio Garay. Del 2 de febrero al 5 de marzo, 2014

Visita al Blackburn Printmaking Workshop Participación: Cristina Dueñas,RINOCERONTE agosto 2014.06 /

Osten Biennial of Drawing Skopje 2014. 42nd World Gallery of Drawing. Skopje, Macedonia. Participación de Julio Garay Terrazas 9º Triennale Mondiale de l´Estampe Chamalieres-Auvergne- Francia. Participación de Carolina Salinas, Zoila Reyes, Julio Garay Terrazas y Olga Flores.

Hombres diablo. Impresión digital

Exposición individual: El deseo de la línea. María José Añorga Librería El Virrey (Miraflores, noviembre 2014) 2014 The 3º Guangzhou International EXLIBRIS AND MINI - PRINTS Biennial Participación Julio Garay RINOCERONTE 06 / 45

Grabado del semestre

Imagen: Libro arte basado en las redes de mercado y el tráfico ilícito de armas en el país.

Soporte: Cartulina Fredigoni 180 gr

Tema: Corrupción - Mercado negro de armas de fuego en el Perú Autor: José Carlos La torre Pallete Año: 3er Año 2014 - 2 Eje temático: Corrupción Curso: Investigación en Grabado 2 Palabras Clave: contactos, redes, tráfico de armas, corrupción.

Vehículos: Tintas tipográficas y tintas serigráficas al agua

Contenedor: caja de fierro grabada en ácido nítrico, expuesta al proceso de oxidación por la humedad del ambiente, simbolizando los procesos de corroer la sociedad. Matrices: Malla serigráfica, madera Diablo Fuerte Técnicas: Serigrafía, Xilografía, Intaglio Edición: Libro Arte único