Número 239 | marzo 2018 | Año XXIII
Jose Sanchís,
la dirección de orquesta en el siglo XXI
VIDAS
Centenario Claude Debussy CLAVES PARA DISFRUTAR DE LA
Sinfonía n.º 2 de Brahms
EDITORIAL
Festivales de Semana Santa
Sumario
MARZO 2018
239
ENTREVISTA
ENTREVISTA
ENTREVISTA
Jose Sanchís, la dirección de orquesta en el siglo XXI.............
Jose Sanchís,
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PROMESAS CUMPLIDAS
la dirección de orquesta en el siglo XXI ■
por Susana Castro
El valenciano Jose Sanchís dirige la Orquesta Sinfónica de Bankia, recientemente presentada, y la Orquesta Sinfónica de la Universidad Complutense de Madrid. Simultanea estos proyectos con su actividad docente, así como con su presencia como director invitado en las temporadas de distintas orquestas españolas. Además, saca tiempo para seguir formándose, y ocupar el puesto de secretario en la Asociación Española de Directores de Orquesta (AESDO). Su visión de la dirección orquestal actual es bastante novedosa en España: cree en la figura del director-gestor, creando sus proyectos y desarrollándolos posteriormente. Se divide entre el repertorio sinfónico y el repertorio lírico, abordando con gran respeto su trabajo y el estudio de la partitura y las fuentes.
Comenzaste tu andadura musical de la mano de la trompeta y posteriormente realizaste tus estudios de musicología. ¿En qué momento decides encaminarte hacia la dirección de orquesta? Como otros muchos valencianos, empecé mi andadura musical en el seno de una sociedad musical, la Sociedad Artístico Musical de Picassent, mi pueblo. Empecé con la trompeta y posteriormente cursé estudios universitarios de Magisterio e Historia y Ciencias de la Música, compaginándolos de una manera inicial con los de dirección de orquesta, a los que luego me dediqué en exclusiva. Primero hice mis pinitos como director en el coro infantil de Picassent y luego en Alfafar, dirigiendo a una orquesta juvenil. Tengo un defecto, y es que cuando me pongo a hacer algo soy muy perfeccionista, así que al empezar a descubrir el maravilloso mundo de la dirección de orquesta empecé a querer más, a querer formarme, al principio sin ninguna intención de dedicarme profesionalmente a ello, sino para tener una mejor formación y que mi trabajo fuera más productivo. El cambio de mentalidad vino en un curso de dirección de orquesta que hice en la Universidad de Valencia en 2003, en el que trabajamos la Segunda Sinfonía de Johannes Brahms. Cuando escuché aquello pensé: “yo quiero dirigir esto”. M
número
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A partir de ese momento centro mi atención en la dirección de orquesta y en mi formación para dedicarme a ella profesionalmente. Fue un momento de catarsis a nivel personal, en el que me cuestioné muchísimas cosas. Pasé por la Accademia Musicale Chigiana de Sienna, trabajé con algunos profesores, asistí a muchos ensayos de orquestas, y a raíz de esta inquietud decido lanzarme, siendo consciente en todo momento de lo complicado que era, pero dejándome llevar por el romanticismo de la música. Me considero una persona muy afortunada por dedicarme a lo que me gusta, aunque haya conllevado y conlleve mucho sacrificio. Mi profesión me aporta muchas experiencias a nivel musical y vital, y soy muy consciente de la responsabilidad y dificultad que entraña este oficio.
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CLAROSCUROS
Música europea, unidad y diversidad.................................... 18 VIDAS, HECHOS Y OTROS ASUNTOS
Claude Debussy (1862-1918), en el centenario de su fallecimiento .............................................................................. 20
Has dirigido muchas de las más importantes orquestas españolas, ¿dónde te has sentido más cómodo o qué momentos recuerdas especialmente? En todas las orquestas con las que he tenido ocasión de trabajar me he sentido muy respetado, cuidado y muy cómodo trabajando. En este sentido, me siento un afortunado y siempre intento que sea recíproco para la orquesta, creo que ahí está el secreto: si eres una persona honesta con tu trabajo,
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Laia Masramon: “la música es de los mayores tesoros que se pueden tener”................................................................................ 12
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LA ÓPERA DEL MES
Il mondo della luna, de Joseph Haydn ........................................ 26
VIDAS
vidas, hechos y otros asuntos
Claves para disfrutar de la música
Claude Debussy (1862-1918),
en el centenario de su fallecimiento
■ por
Begoña Arechederra Domínguez
Debussy se ha convertido en una de las figuras más prominentes de la historia de la música. Como compositor fue capaz de establecer un nuevo concepto de sonoridad y crear un lenguaje propio, que a día de hoy siguen siendo indispensables para comprender el desarrollo de la música hasta nuestros días.
Vida y formación
Claude-Achille Debussy nace en Saint Germain-en-Laye, un barrio periférico de París, en el seno de una familia de clase media. Sus antepasados fueron campesinos provenientes de la Borgoña, y su padre, Manuel-Achille, ya asentado en la capital, desempeña numerosos oficios durante la infancia del compositor como vendedor de porcelana o empleado de una imprenta. Victorine Manoury, su madre, e importante influencia para Debussy, ha sido descrita en distintos testimonios como una mujer independiente, que nunca sintió especial apego hacia sus hijos, excepto hacia el pequeño Claude, su favorito, y a quien nunca llevó a la escuela, proporcionándole una estricta educación en casa. El padre de Debussy había sido guardia nacional al servicio de la Comuna de París en 1971, lo cual le supuso una condena de cuatro años de prisión de los cuales solo cumplió uno. Este acontecimiento da un importante giro a la vida del joven Claude, ya que es en este momento cuando su padre decide que comience a tomar clases de piano con Mme. Mauté de Florville, la hermana de uno de sus compañeros de campaña, y supuesta alumna de Chopin. Mme. Mauté fue una gran influencia para el compositor, quien M
siempre la profesó un gran aprecio y agradecimiento. Fueron sus lecciones las que le prepararon y le dieron un nivel suficiente para entrar en el Conservatorio de París en 1873, a la edad de 10 años, pasando la prueba en el primer intento. El Conservatorio de París era una institución de destacable corte patriótica y conservadora, y uno de sus principales objetivos era competir con las mejores instituciones italianas. Entre los maestros que tuvo el joven Debussy a lo largo de su formación en el Conservatorio, destacaron especialmente Antoine François Marmontel en piano, Albert Lavignac en solfeo, o Ernest Guiraud en composición, siendo determinantes en la posterior consolidación de su estilo. Debussy era un niño tímido e inseguro, pero según el testimonio de algunos de sus compañeros, todos estos miedos desaparecían cuando se sentaba al piano y hacía muestra de su extravagante y magnética forma de tocar. Durante los primeros años de su formación gana varias medallas y premios. Es en esta época cuando comienza a desarrollar su personalidad individualista y afilada, con un sentido del humor ácido que le acompañó durante el resto de su vida. En el verano de 1879 se presenta una oportunidad para Debussy, que le permite pasar unos meses como pianista al ser-
La Sinfonía n.º 2 en Re mayor, Op. 73, de Johannes Brahms ........ 32
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Internacional...................................................................... 38 Orquestas ......................................................................... 39 Auditorios.......................................................................... 42 Festivales........................................................................... 45 Noticias ............................................................................ 48 SERVICIO DE SOCORRO ................................................................
Claude Monet, Le Givre (1880).
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INFORMAR
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ENSEÑANZAS MUSICALES
La música en la UNIR.......................................................... 56
ÓPERA Il mondo della luna,
ÓPERA DEL MES
LA MÚSICA EN EL CINE
de Joseph Haydn ■
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Haydn, famoso por sus sinfonías y cuartetos, tomará el escenario del Teatre Martín i Soler del Palau de les Arts de Valencia los días 8, 10, 12 y 14 de marzo, con su dramma giocoso Il mondo della luna. La dirección musical estará a cargo Jonathan Brandani, quien conducirá la Orquesta de la Comunitat Valenciana, mientras que el reparto está constituido íntegramente por músicos del Centre Plácido Domingo, destacando las voces de Vicent Romero y Olga Syniakova, que darán vida al farsante astrólogo Ecclitico y a su amigo Ernesto, mientras que César Méndez y Jorge Álvarez representarán al avaricioso Buonafede, además del resto de personajes de esta ópera pocas veces representada en España. La dirección de escena cuenta con Emilio Sagi y la producción está a cargo del Teatro Arriaga de Bilbao en coproducción con la Ópera de Monte-Carlo.
Argumento Acto I En alguna ciudad, el falso astrónomo Ecclitico y sus cuatro discípulos se encuentran en la torre del observatorio mirando el cielo estrellado y la luna llena. El astrónomo se mofa de aquellos que creen que él es un verdadero científico, como Buonafede, quien aparece en la terraza. El burgués Buonafede desconoce qué es la luna y se deja engañar por Ecclitico, quien le explica el significado del cuerpo celeste y asevera que, a través de su telescopio, podrá ver tanto la superficie de la luna como su interior, pudiendo distinguir reinos, provincias, plazas, casas y personas, logrando espiar a las damas antes de dormir. Buonafede queda impresionado con las posibilidades del aparato y le solicita al astrónomo mirar por el telescopio. Este, sin dudarlo, acepta que el burgués observe las bondades de su “invento”; los discípulos del astrólogo mueven M
una máquina iluminada que contiene algunas figuras que simulan personas. Piensa Ecclitico: “¡Cuántos tontos mortales con falsos telescopios creen ver la verdad y no pueden descubrir las falsedades!”. Sale riendo Buonafede y asegura haber visto a una joven hermosa acariciando a un anciano, a un hombre reprender a su mujer para corregir el intento de infidelidad, a una pareja común y a otra formada por un amante y una mujer enamorada pidiendo piedad. Ante la felicidad encontrada en lo observado, el burgués le paga a Ecclitico con una bolsa con dinero. Pensativo, Ecclitico se sincera y expresa que el dinero del viejo burgués no es su principal objetivo, sino contraer matrimonio con una de sus hijas, Clarice. Ernesto, amigo del astrologo, confiesa que él esta enamorado de otra de las hijas del viejo crédulo, Flaminia; mientras que Cecco, criado de Ernesto, confiesa adorar a la criada Lisetta. Ecclitico les propone un plan para “salvar” a las mujeres.
Clásico: El lienzo en el espejo............................................... 62 Novedades.......................................................................... 63
por Fabiana Sans Arcílagos @fabianasans
LIBROS DE MÚSICA
Ángeles Gulín y Maria Callas. El adiós a la diva .................... 64
TOMANDO NOTAS
Viva .................................................................................. 65 ANÉCDOTAS Y CURIOSIDADES ...................................................
Palacio Eszterháza.
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GUÍA DE ORQUESTA
El violín............................................................................. 68
CLAVES
Claves para disfrutar de...
DVD............................................................................................................
La Sinfonía n.º 2 en Re mayor, Op. 73
BUSQUE ESTE DISCO
de Johannes Brahms ■
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por Laura Recio
Considerado el compositor más clásico del Romanticismo, Johannes Brahms jugó un papel importante para sus contemporáneos, representando el ideal de una música continuadora de la tradición clásica. Su Segunda Sinfonía así lo demuestra, ya que utiliza las formas clásicas de la sinfonía y sus cuatro movimientos. Será interpretada el día 22 de marzo por la Orquesta Sinfónica de Galicia en el Teatro Afundación de Vigo.
Ramón Paús, Works for Piano.............................................. 72
ENCAJADO
Cat Música: 30 Anys Intensament Clàssics............................ 74
Recomendados .................................................................................
Paisaje de la costa alemana (1900) de Max Clarenbach.
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Apuntes biográficos Johannes Brahms nació el 7 de mayo de 1833 en Hamburgo. La música le fascinó ya de muy pequeño, en parte debido a su padre, Johann Jakob Brahms, contrabajista de orquestas callejeras de Hamburgo, que empezó a impartir clases de solfeo al pequeño Johannes. Pronto se dio cuenta del talento de su hijo para la música y, a los 7 años, Brahms comenzó a estudiar piano con el profesor Otto Cossel.
El compositor dio sus primeros recitales de piano en público a la temprana edad de 10 años, interpretando sobre todo música de cámara. A esta edad, Brahms empezó a recibir clases sobre teoría musical y piano del prestigioso profesor Eduard Marxsen y fue durante este periodo cuando compuso sus primeras obras. Poco a poco se fueron revelando sus dotes para el piano, por lo que, siendo aún adolescente, comenzó a ganar 33
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¿QUÉ QUIERE USTED SABER DE LA...
Brass Academy Alicante? .................................................... 78
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Editorial
Es una publicación editada por
Orfeo Ediciones
Teléfono: +34 91 351 02 53 www.orfeoed.com | gerencia@orfeoed.com
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Festivales de Semana Santa La Semana Santa es desde hace décadas excusa más que suficiente para convocar actividades musicales, debido, entre otras cosas, a que el repertorio sacro es muy extenso y a la originalidad que supone dedicar unos días a la música en una época del año diferente a la de los tradicionales y numerosos festivales de verano. Si bien en la actualidad contamos con abundantes convocatorias de calidad en torno a estas fechas, algunas de ellas no se centran en el tema sacro, como por ejemplo el Pórtico de Zamora, FEMAS o Pórtico do Paraíso (más información en las página 45 a 47, sección Informar). Por otro lado, hay dos festivales expresamente dedicados a lo religioso que se desarrollan en las semanas anteriores a la propia Semana Santa y merecen nuestra atención: Arte Sacro, de la Comunidad de Madrid, y el Festival de Música Religiosa de Canarias. Mientras que el segundo se enorgullece (y por qué no hacerlo) de centrarse de forma muy explícita en lo religioso, el primero ha ampliado sus horizontes en las últimas ediciones, bajo la dirección de Pepe Mompeán. Algo que nos parce realmente acertado ya que, a pesar de la amplitud del repertorio histórico y de la gran cantidad y calidad de obras compuestas a lo largo de la historia con fines religiosos, el objetivo que se ha marcado Mompeán no deja de ser innovador y atrevido, entendiendo que todo lo relacionado con aspectos espirituales puede formar parte de la programación de Arte Sacro. Así, es posible celebrar los aniversarios de Nebra, Couperin y Porpora en el mismo festival en que podemos ver recitales que aúnan antiguas tradiciones religiosas con el jazz, el flamenco y la música electrónica. De ahí que, en la presentación de Arte Sacro, escuchásemos al consejero de Cultura, Turismo y Deportes de la Comunidad de Madrid, Jaime de los Santos, decir que “la programación del festival se basa en conceptos amplios y universales, para abrirse al terreno de la espiritualidad más que a lo estrictamente religioso”. Otros valores añadidos que engrandecen el Festival Internacional de Arte Sacro, son su política de encargos y estrenos, y su apuesta por el talento joven y por los artistas españoles, dos aspectos que nunca nos cansaremos de aplaudir desde Melómano. Se suma a ello uno de los mayores atractivos del festival, música aparte, como son los escenarios en los que se celebra: un total de ocho iglesias de Madrid, junto a lugares tan singulares como el Congreso de los Diputados, la Capilla del Palacio Real o el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y el Real Coliseo de Carlos III de San Lorenzo de El Escorial. Pero si lo que queremos es centrarnos en música religiosa, en pleno corazón de la Semana Santa y en marcos históricos incomparables, la cita ineludible es la Semana de Música Religiosa de Cuenca. Una vez superadas las tremendas dificultades económicas con que se encontró el festival, al aceptar el cargo en 2017, el director de orquesta Cristóbal Soler ha asumido la dirección artística y ha querido “diseñar un modelo sostenible de programación que busca mantener un equilibrio entre la tradición, con su marcado sello y temática, y nuevas aportaciones” como la creación de la Academia de la SMR, formada por el Coro, Orquesta y solistas de la SMR, permanente embajada cultural del festival, más allá de su sede conquense y el periodo de Semana Santa. Así, La programación principal, Semana de Pasión, está formada por cinco grandes oratorios, liderada por la presencia de las tres grandes obras de J. S. Bach: La Pasión según San Mateo, bajo la dirección de Marc Minkowski; La Pasión según San Juan, con Ton Koopman al mando del Coro y Orquesta Barroca de Amsterdam; y, finalmente, la Misa en si menor. A lo que hay que añadir un Requiem de Mozart entre cuyos solistas vocales destaca la presencia del tenor Ramón Vargas. Nombres que hablan por sí solos y que contribuirán a mantener la excelencia y el reconocimiento de este festival, declarado de Interés Turístico Internacional. No se lo pierdan. n M
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Luis Agius Alberto Alpresa Begoña Arrechederra Domínguez Manuel Ballestero Gregorio Benítez Suárez Paula Coronas Luciano González Sarmiento Iciar L.Yllera (ilustraciones) Tomás Marco Sofía M. Gascón Lucía Martín-Maestro Verbo Rut Martínez Amparo Molero Marco Antonio Molín Ruiz Alejo Palau Antonio Pardo Larrosa Luis Ponce de León José Prieto Marugán Paz Ramos Laura Recio Isabel Royán González María Saiz San Emeterio Andrés Sánchez Alonso Fabiana Sans Arcílagos José Ramón Tapia Sección Enseñanzas Musicales: Mª Ángeles García Serrano Antonio Narejos Ana Pilar Zaldívar Gracia
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ENTREVISTA
Jose Sanchís,
la dirección de orquesta en el siglo XXI
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ENTREVISTA
■
por Susana Castro
El valenciano Jose Sanchís dirige la Orquesta Sinfónica de Bankia, recientemente presentada, y la Orquesta Sinfónica de la Universidad Complutense de Madrid. Simultanea estos proyectos con su actividad docente, así como con su presencia como director invitado en las temporadas de distintas orquestas españolas. Además, saca tiempo para seguir formándose, y ocupar el puesto de secretario en la Asociación Española de Directores de Orquesta (AESDO). Su visión de la dirección orquestal actual es bastante novedosa en España: cree en la figura del director-gestor, creando sus proyectos y desarrollándolos posteriormente. Se divide entre el repertorio sinfónico y el repertorio lírico, abordando con gran respeto su trabajo y el estudio de la partitura y las fuentes.
Comenzaste tu andadura musical de la mano de la trompeta y posteriormente realizaste tus estudios de musicología. ¿En qué momento decides encaminarte hacia la dirección de orquesta? Como otros muchos valencianos, empecé mi andadura musical en el seno de una sociedad musical, la Sociedad Artístico Musical de Picassent, mi pueblo. Empecé con la trompeta y posteriormente cursé estudios universitarios de Magisterio e Historia y Ciencias de la Música, compaginándolos de una manera inicial con los de dirección de orquesta, a los que luego me dediqué en exclusiva. Primero hice mis pinitos como director en el coro infantil de Picassent y luego en Alfafar, dirigiendo a una orquesta juvenil. Tengo un defecto, y es que cuando me pongo a hacer algo soy muy perfeccionista, así que al empezar a descubrir el maravilloso mundo de la dirección de orquesta empecé a querer más, a querer formarme, al principio sin ninguna intención de dedicarme profesionalmente a ello, sino para tener una mejor formación y que mi trabajo fuera más productivo. El cambio de mentalidad vino en un curso de dirección de orquesta que hice en la Universidad de Valencia en 2003, en el que trabajamos la Segunda Sinfonía de Johannes Brahms. Cuando escuché aquello pensé: “yo quiero dirigir esto”.
A partir de ese momento centro mi atención en la dirección de orquesta y en mi formación para dedicarme a ella profesionalmente. Fue un momento de catarsis a nivel personal, en el que me cuestioné muchísimas cosas. Pasé por la Accademia Musicale Chigiana de Sienna, trabajé con algunos profesores, asistí a muchos ensayos de orquestas, y a raíz de esta inquietud decido lanzarme, siendo consciente en todo momento de lo complicado que era, pero dejándome llevar por el romanticismo de la música. Me considero una persona muy afortunada por dedicarme a lo que me gusta, aunque haya conllevado y conlleve mucho sacrificio. Mi profesión me aporta muchas experiencias a nivel musical y vital, y soy muy consciente de la responsabilidad y dificultad que entraña este oficio. Has dirigido muchas de las más importantes orquestas españolas, ¿dónde te has sentido más cómodo o qué momentos recuerdas especialmente? En todas las orquestas con las que he tenido ocasión de trabajar me he sentido muy respetado, cuidado y muy cómodo trabajando. En este sentido, me siento un afortunado y siempre intento que sea recíproco para la orquesta, creo que ahí está el secreto: si eres una persona honesta con tu trabajo, M 7
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© Nieves J. Seco
Laia Masramon:
“la música es de los mayores tesoros que se pueden tener” ■ por Paz Ramos
Laia Masramon es una excelente intérprete del fortepiano y del piano, reconocida internacionalmente, ya que ha actuado en los auditorios más importantes de Europa y Estados Unidos. Habla con ferviente pasión de la música, a la que considera el mayor tesoro que se puede tener. Entre sus maestros encontramos a su admirada Alicia de Larrocha, Carles Julià, Ramon Coll y Galina Eguiazarova. A los 15 años Lawrence Foster la seleccionó para actuar como solista con la Orquestra Simfònica de Barcelona i Nacional de Catalunya. Además, tiene una intensa actividad como fortepianista, tocando instrumentos originales. El 2 de marzo ofrecerá un recital de piano en la Fundación Carlos de Amberes de Madrid con obras de Schubert, Mompou y Guinovart, que repetirá el 7 en el Palau de la Música Catalana. El día 9 ofrecerá una masterclass de piano y música en Barcelona, dirigida tanto a alumnos como a músicos profesionales. El 20 de mayo ofrecerá un concierto de música de cámara en el Teatre Kursaal de Manresa, junto al violinista Alejandro Bustamante, la clarinetista Ona Cardona y el chelista Peter Schmidt.
Estudiaste con Alicia de Larrocha, una maravillosa pianista y persona, generosísima de verdad. La conocí con 12 años. Me invitaba a tocar a su casa, dábamos clases y jamás me cobró nada. Nos pasábamos la tarde entera tocando. Yo siempre la admiré muchísimo, y también mi familia. Para mí el contacto con ella fue extremadamente importante porque de ella emanaba esa verdad de los grandes músicos que tocan con el alma. Recordaré siempre una frase que me dijo: “Laia, el verdadero músico es aquel que ama la música. Si no amas mucho la música mejor no te dediques a ello porque no serás feliz tú y le harías un flaco favor a la música”. Yo vivo como un privilegio poder dedicarme a mi pasión. Para mí la música es de los mayores tesoros que se puede tener. Ese contacto diario con la música y poder transformarla
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es una manera de vivir, una manera de entenderme a mí y de entender a la vida. A través de la música nos conocemos mejor a nosotros mismos. Eres también una apasionada de la música de cámara, de hecho, tienes un cuarteto con Erich Hobarth, Hariolf Schlichtig y Christoph Richter. La música de cámara tiene para mí algo especial, ya que es la ocasión ideal para conectar profundamente con un ser humano. La manera de comunicarnos es la más íntima. La intimidad que esto crea y la conexión que encuentras encima de un escenario tocando cámara, respirando juntos, fraseando juntos… esto no tiene nombre. ¡Se me ponen los pelos de punta nada más de hablarlo!
PROMESAS
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vidas, hechos y otros asuntos
Vida y formación
Claude-Achille Debussy nace en Saint Germain-en-Laye, un barrio periférico de París, en el seno de una familia de clase media. Sus antepasados fueron campesinos provenientes de la Borgoña, y su padre, Manuel-Achille, ya asentado en la capital, desempeña numerosos oficios durante la infancia del compositor como vendedor de porcelana o empleado de una imprenta. Victorine Manoury, su madre, e importante influencia para Debussy, ha sido descrita en distintos testimonios como una mujer independiente, que nunca sintió especial apego hacia sus hijos, excepto hacia el pequeño Claude, su favorito, y a quien nunca llevó a la escuela, proporcionándole una estricta educación en casa. El padre de Debussy había sido guardia nacional al servicio de la Comuna de París en 1971, lo cual le supuso una condena de cuatro años de prisión de los cuales solo cumplió uno. Este acontecimiento da un importante giro a la vida del joven Claude, ya que es en este momento cuando su padre decide que comience a tomar clases de piano con Mme. Mauté de Florville, la hermana de uno de sus compañeros de campaña, y supuesta alumna de Chopin. Mme. Mauté fue una gran influencia para el compositor, quien M
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siempre la profesó un gran aprecio y agradecimiento. Fueron sus lecciones las que le prepararon y le dieron un nivel suficiente para entrar en el Conservatorio de París en 1873, a la edad de 10 años, pasando la prueba en el primer intento. El Conservatorio de París era una institución de destacable corte patriótica y conservadora, y uno de sus principales objetivos era competir con las mejores instituciones italianas. Entre los maestros que tuvo el joven Debussy a lo largo de su formación en el Conservatorio, destacaron especialmente Antoine François Marmontel en piano, Albert Lavignac en solfeo, o Ernest Guiraud en composición, siendo determinantes en la posterior consolidación de su estilo. Debussy era un niño tímido e inseguro, pero según el testimonio de algunos de sus compañeros, todos estos miedos desaparecían cuando se sentaba al piano y hacía muestra de su extravagante y magnética forma de tocar. Durante los primeros años de su formación gana varias medallas y premios. Es en esta época cuando comienza a desarrollar su personalidad individualista y afilada, con un sentido del humor ácido que le acompañó durante el resto de su vida. En el verano de 1879 se presenta una oportunidad para Debussy, que le permite pasar unos meses como pianista al ser-
VIDAS Claude Debussy (1862-1918),
en el centenario de su fallecimiento
■ por
Begoña Arechederra Domínguez
Debussy se ha convertido en una de las figuras más prominentes de la historia de la música. Como compositor fue capaz de establecer un nuevo concepto de sonoridad y crear un lenguaje propio, que a día de hoy siguen siendo indispensables para comprender el desarrollo de la música hasta nuestros días.
Claude Monet, Le Givre (1880).
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ÓPERA DEL MES
Argumento Acto I En alguna ciudad, el falso astrónomo Ecclitico y sus cuatro discípulos se encuentran en la torre del observatorio mirando el cielo estrellado y la luna llena. El astrónomo se mofa de aquellos que creen que él es un verdadero científico, como Buonafede, quien aparece en la terraza. El burgués Buonafede desconoce qué es la luna y se deja engañar por Ecclitico, quien le explica el significado del cuerpo celeste y asevera que, a través de su telescopio, podrá ver tanto la superficie de la luna como su interior, pudiendo distinguir reinos, provincias, plazas, casas y personas, logrando espiar a las damas antes de dormir. Buonafede queda impresionado con las posibilidades del aparato y le solicita al astrónomo mirar por el telescopio. Este, sin dudarlo, acepta que el burgués observe las bondades de su “invento”; los discípulos del astrólogo mueven M
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una máquina iluminada que contiene algunas figuras que simulan personas. Piensa Ecclitico: “¡Cuántos tontos mortales con falsos telescopios creen ver la verdad y no pueden descubrir las falsedades!”. Sale riendo Buonafede y asegura haber visto a una joven hermosa acariciando a un anciano, a un hombre reprender a su mujer para corregir el intento de infidelidad, a una pareja común y a otra formada por un amante y una mujer enamorada pidiendo piedad. Ante la felicidad encontrada en lo observado, el burgués le paga a Ecclitico con una bolsa con dinero. Pensativo, Ecclitico se sincera y expresa que el dinero del viejo burgués no es su principal objetivo, sino contraer matrimonio con una de sus hijas, Clarice. Ernesto, amigo del astrologo, confiesa que él esta enamorado de otra de las hijas del viejo crédulo, Flaminia; mientras que Cecco, criado de Ernesto, confiesa adorar a la criada Lisetta. Ecclitico les propone un plan para “salvar” a las mujeres.
ÓPERA Il mondo della luna, de Joseph Haydn ■
por Fabiana Sans Arcílagos @fabianasans
Haydn, famoso por sus sinfonías y cuartetos, tomará el escenario del Teatre Martín i Soler del Palau de les Arts de Valencia los días 8, 10, 12 y 14 de marzo, con su dramma giocoso Il mondo della luna. La dirección musical estará a cargo Jonathan Brandani, quien conducirá la Orquesta de la Comunitat Valenciana, mientras que el reparto está constituido íntegramente por músicos del Centre Plácido Domingo, destacando las voces de Vicent Romero y Olga Syniakova, que darán vida al farsante astrólogo Ecclitico y a su amigo Ernesto, mientras que César Méndez y Jorge Álvarez representarán al avaricioso Buonafede, además del resto de personajes de esta ópera pocas veces representada en España. La dirección de escena cuenta con Emilio Sagi y la producción está a cargo del Teatro Arriaga de Bilbao en coproducción con la Ópera de Monte-Carlo.
Palacio Eszterháza.
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Claves para disfrutar de...
La Sinfonía n.º 2 en Re mayor, Op. 73 de Johannes Brahms ■
por Laura Recio
Considerado el compositor más clásico del Romanticismo, Johannes Brahms jugó un papel importante para sus contemporáneos, representando el ideal de una música continuadora de la tradición clásica. Su Segunda Sinfonía así lo demuestra, ya que utiliza las formas clásicas de la sinfonía y sus cuatro movimientos. Será interpretada el día 22 de marzo por la Orquesta Sinfónica de Galicia en el Teatro Afundación de Vigo.
Paisaje de la costa alemana (1900) de Max Clarenbach.
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CLAVES
Apuntes biográficos Johannes Brahms nació el 7 de mayo de 1833 en Hamburgo. La música le fascinó ya de muy pequeño, en parte debido a su padre, Johann Jakob Brahms, contrabajista de orquestas callejeras de Hamburgo, que empezó a impartir clases de solfeo al pequeño Johannes. Pronto se dio cuenta del talento de su hijo para la música y, a los 7 años, Brahms comenzó a estudiar piano con el profesor Otto Cossel.
El compositor dio sus primeros recitales de piano en público a la temprana edad de 10 años, interpretando sobre todo música de cámara. A esta edad, Brahms empezó a recibir clases sobre teoría musical y piano del prestigioso profesor Eduard Marxsen y fue durante este periodo cuando compuso sus primeras obras. Poco a poco se fueron revelando sus dotes para el piano, por lo que, siendo aún adolescente, comenzó a ganar 33
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LA MÚSICA EN EL CINE Título: El lienzo en el espejo Director: Artha Moreton Música: David Bazo
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El lienzo en el espejo
La galería baziana “La música y la pintura son lo mismo, usted solo tiene que tener el órgano para la detección de las mismas.” Franz Marc
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a sea a través del tiempo —The Time Traveller (2017)—, regio administrador de bulas y dispendios, o escondida en el interior de una mitológica caja llamada Pandora (ánfora a jarra según el mito), la música del compositor madrileño David Bazo se arrebola con tintineante jovialidad en derredor de un conjunto de renglones que la escritora Artha Moreton ha trazado a la luz de la tenue mirada que el músico, pintor de estilizado trazo y orondo afecto, ha ideado sobre las imágenes que brotan de la fértil imaginación de la escritora. El lienzo en el espejo es un interesante proyecto músico-literario que aúna con sensibilidad e inteligencia dos lenguajes hermanos que entrelazados caminan hacia una misma dirección, hacia ese cromático lugar que recorre 300 años de la historia pictórica de la humanidad. Diego Velázquez, maestro sevillano del Barroco español, y un lienzo secreto escondido en la memoria del tiempo son los ejes sobre los que gira la enigmática historia que la escritora y el músico narran a través de las obras de algunos de los grandes genios de la pintura universal. Murillo, Sorolla, Picasso o Van Gogh son algunos de los protagonistas que ambos artistas convocan para la realización de tan singular obra, dejando que las metáforas, figuras retóricas de contornos y sombras, manchen el lienzo con ese aire nostálgico que suelen tener las miradas de los hombres. M
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David Bazo.
El misterio y el amor por la pintura, constantes en la galería baziana, son las principales ideas que sobrevuelan sobre este soberbio mosaico que el músico elabora utilizando el teclado (piano, clave y órgano) y las voces como principales protagonistas de la trama. Como si de una pequeña galería de arte se tratara, de esas que tienen el tamaño de una mirada, la partitura de El lienzo en el espejo muestra ese halo místico que las manos del orfebre trabajan sobre el teclado… Música de salones, galerías y palacios es lo que David Bazo ha compuesto utilizando las piezas que Artha Moreton le ha proporcionado en uno de los juegos más difíciles de ejecutar, ese que une música y palabras. Componer una melodía sobre una determinada imagen es algo difícil de elaborar, sin duda, pero entretejer una historia basándote solo en palabras deja un gran espacio a la imaginación; facultad que los genios hacen costumbre y los mortales quimera; y es que Bazo es uno de los creadores más imaginativos del panorama musical actual. Esta facultad humana o divina, según se mire, que Apolo y Artemisa otorgan a unos cuantos elegidos, hace que esta habilidad tan en desuso sea una propuesta que rara vez se ve. Por eso, visitar la galería baziana para contemplar El lienzo en el espejo supone adentrarse en
un universo cromático sin parangón que tiene en esta original obra el ejemplo de que todavía hay propuestas interesantes que acometer. Bazo resuelve el enigma propuesto por la escritora componiendo toda una suerte de leitmotiv que van describiendo con acierto los diferentes estadios (capítulos) por los que atraviesa la protagonista de la historia; de ahí que El lienzo en el espejo sea por derecho una de las obras más arriesgadas del autor madrileño, creación que a buen seguro ocupará un lugar destacado en la gran galería baziana. El compositor David Bazo vuelve a demostrar, una vez más, que la versatilidad es una de las grandes características que definen su interesante obra. Ya sea a través de los teclados; de las guitarras, díscolas y algo borrachas; o del piano, el universo creativo del músico madrileño se construye desde la atalaya de la originalidad que su personal forma de escribir posee. Con El lienzo en el espejo Bazo se adentra en el proceloso mundo literario (palabras, palabras y más palabras…) para colorear un delicado y emotivo lienzo que usa letras en vez de fotogramas. Es, por así decirlo, una atípica banda sonora que se lee y se escucha a través de las cromáticas historias que la escritora ha plasmado en unas cuantas cuartillas de papel. n
■ Texto: Sofía M. Gascón Ilustración: Iciar L. Yllera
TOMANDO NOTAS
Viva “Estoy viva, aunque nadie lo sepa. Y de hecho puede incluso que esté más viva que muchos que en un principio pudieran parecer más vivos que yo. Pero de veras que estoy muy viva. Vale, sí. Bien es cierto que no puedo hacer lo que hace la inmensa mayor parte de los vivos. Como caminar, leer, comer, bailar, hablar o respirar. Para las funciones vitales tengo a Joey. He decidido ponerle nombre al aparato este porque… bueno… me parece que lo merece, al fin y al cabo, me da la vida cada día. El caso es que es un chisme electrónico, como un ordenador que en vez de juegos tiene aplicaciones como para que yo respire, para ver cómo me late el corazón y para controlar mis ondas cerebrales.
En cuanto a mí, me llamo Lucía, tengo 15 años, y estoy en el proceso de curación de un cáncer cerebral. Lo último que he sabido es que me han operado para extirparme el tumor. Después de eso, algo ocurrió, que todas las luces se apagaron, y por un instante también lo hizo mi cuerpo, hasta que llegó Joey.Yo en ningún momento dejé de sentir. A menudo siento a mi madre, que me abraza y me acaricia. A veces siento que llora, porque sus ojos gotean sobre mí, y me mojan. Otras veces siento a papá, que sé que no querrá verme porque eso
le pone triste. Pero aún así a veces viene, me da la mano y apoya su cabeza sobre mi camilla. Siento lo triste que le pone verme tan quieta, enchufada a todos esos aparatos. Pero solo es porque no sabe lo viva que estoy. Mi padre es de esos papás blanditos y tiernos que no soportan ver a su hija pasar un mal rato. Y con mamá también es muy bueno, porque aunque ella se ponga nerviosa y discutan, él siempre le da un abrazo y le dice que la quiere. Aunque yo sé que por mí siente debilidad. Cuando yo era pequeña, le decía que para mí él era como Superman y él me decía siempre que yo era su kryptonita, y que de mí dependía que tuviese poderes y que tuviese alguna flaqueza. Me quiere. Me quieren todos. Incluso ‘Cheto’, que es una ratilla que tengo por mascota a la que mi madre ha conseguido meter en el hospi sin que se enteren los médicos, y a veces duerme conmigo. No hay peligro de que la aplaste, porque como mi cuerpo no responde aunque le pida que se mueva… A veces me siento encerrada. Como si mi cuerpo fuese una cadena que me atrapa a algo de lo que no me deja desprenderme. Siento que es una habitación que se me queda cada vez más pequeña. Sobre todo cuando papá y mamá lloran. Y aunque sé que lo fácil sería rendirme…” De pronto se abren las fronteras del sonido de aquella pequeña habitación y un zumbido… un rugido, el grito ahogado de un violín, el resoplar de una trompeta… Una melodía completa. “¿Oigo cosas? Sé que papá y mamá están aquí, y que han puesto música, pero daba por insonorizadas la paredes de esta, mi pequeña habitación. Estoy llorando. Lo sé porque noto el resbalar de una lágrima recorriendo mi mejilla. También oigo a Joey. Le escucho pitar cada vez con más intensidad, más y más rápido. Creo que es mi corazón que trata, como loco, de acompasarse a la música. Noto cómo mi cuerpo se despereza, cómo se desentumece, cómo la música va calentando esos huesos tan llenos de hielo y antes de muerte. Pero ahora solo son huesos. Puede incluso que ahora sean más fuertes de lo que eran antes de enfermar.Ahora son de roca y antes los tenía de cristal. Sí, estoy quieta, y callada, y no como por mí misma, ni me muevo ni hablo ni respiro. Pero soy más fuerte que ayer, y menos que mañana.Y de veras, papás, que ojalá entendieseis que ahora estoy más viva que nunca…” ■ 65
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INFORMAR
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Il mondo della luna en el Palau de les Arts La ópera de Haydn tendrá a Emilio Sagi como director de escena
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l Palau de Les Arts de Valencia tendrá como plato fuerte para el mes de marzo la representación de la ópera Il mondo della luna de Joseph Haydn. Del 8 al 14 de marzo se llevará a cabo esta producción del Teatro Arriaga de Bilbao en coproducción con la Opéra de Monte-Carlo. La producción tiene la dirección de escena de Emilio Sagi, escenografía de Daniel Bianco, vestuario de Pepa Ojanguren, iluminación de Albert Faura y coreografía de Nuria Castejón. El director Jonathan Brandani tomará la batuta de la Orquestra de la Comunitat Valenciana. El reparto contará con Vicent Romero (Ecclitico), Olga Syniakova (Ernesto), César Méndez y Jorge Álvarez (Buonafede), Annya Pinto (Clarice), Giorgia Rotolo (Flaminia), Nozomi Kato (Lisetta) y Andrés Sulbarán
(Cecco), todos ellos del Centre Plácido Domingo. El día 11 de marzo tendrá lugar la interpretación de los Conciertos de Brandemburgo 1, 2 y 3 de Bach, interpretados por profesores de la OCV, dirigidos por el violinista y experto en música barroca Fabio Biondi. Por último, el propio Fabio Biondi será el encargado de la dirección musical de la ópera Il corsaro de Verdi, que se estrenará el día 28 de marzo y está producida por el propio Palau de les Arts en colaboración con la Ópera de Monte-Carlo. Nicola Raab se encargará de la dirección de escena, George Souglides de la escenografía y el vestuario, y Ran Arthur Braun de la coreografía de lucha y rodaje. En el reparto contarán con las voces de Michael Fabiano (Corrado), Kristina Mkhitaryan (Medora) y Oksana Dyka (Gulnara). n
Guillermo Pastrana, con la Orquesta Nacional de Bélgica
Será en el ADDA, bajo la batuta del danés Michael Schonwandt y con el Primero de Shostakóvich
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l Auditorio de la Diputación de Alicante (ADDA) afronta un mes de marzo cargado de actividad. Con motivo de la celebración del Día de la Mujer, se ha programado el ciclo Emoción Diva, que arrancará el día 10 con TransÓpera, en espectáculo en el que la soprano Pilar Jurado en su faceta compositiva lleva más allá de sus propios estilos a los elementos musicales y los recicla convirtiéndolos en una nueva manera de presentarlos, sin perder la esencia de lo excelente. Dentro de este ciclo también encontramos SHAKERLoops (17 de marzo), con el Ensemble Contemporáneo de la Orquesta de Cadaqués, dirigido por Josep Vicent, que ofrecerán obras de Stravinski, Amargós, Adams y un estreno de Navarro. La programación sinfónica tiene su plato fuerte el día 20 de marzo con la Orquesta Nacional de Bélgica, bajo la batuta del director danés Michael Schondwandt. El violonchelista Guillermo Pastrana afrontará junto a ellos el Concierto n.º 1 de Shostakóvich, uno de sus con-
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ciertos estrella, en cuya interpretación brillan especialmente las virtudes del granadino y, quizás, la obra que más veces ha interpretado en su carrera. La última vez que lo hizo en España fue bajo la dirección de Miguel Harth-Bedoya, abriendo la temporada de la Orquesta de Valencia, el pasado mes de octubre. El concierto se completa con la Sinfonía n.º 1 de Brahms. El Ciclo Familiar continúa día 17 con El sastrecillo valiente, cuento escenificado de Títeres Etcétera, bajo la dirección musical de Tim Anderson y la escénica de Enrique Lanz. Entre otras muchas propuestas, el día 22, la Orquesta Sinfónica de la Región de Murcia y su directora titular, Virginia Martínez, invitarán a la pianista Judith Jáuregui para interpretar el Concierto para piano en Fa menor Op. 21 de Chopin. El programa incluirá también la Sinfonía n.º 3 en Mi bemol mayor Op. 55 “Eroica” de Beethoven. El día 23, la Orquesta Filarmónica de Alicante, bajo la dirección de Héctor J. Hurtado, interpretará obras de Mozart, Grieg y Beethoven. n
GUÍA DE ORQUESTA
El violín por María Saiz San Emeterio
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engo la suerte de poder tocar con un violín italiano, concretamente un G. B. Rinaldi de 1880. Creo que hoy en día se fabrican instrumentos estupendos que cuentan con todas las características necesarias para considerarlos de primera categoría, pero bajo mi punto de vista los instrumentos antiguos cuentan con otros puntos a su favor que los hacen realmente extraordinarios, ya sea el timbre, el color o la calidez del sonido. En mi opinión, los instrumentos italianos son los mejores representantes de la lutería. De hecho, he tenido la oportunidad de tocar con varios, por ejemplo, con los Stradivarius del Palacio Real, y ha sido una de las experiencias más gratificantes de mi vida. El violín actual no aparece hasta el siglo XVII. Proviene de otros instrumentos de diferentes orígenes. Cremona, en Italia, se puede considerar, de alguna manera, como la cuna del violín tal y como lo conocemos en la actualidad, destacando por la gran cantidad de lutieres dedicados a la mejora de la construcción de dichos instrumentos. Existe un debate sobre las razones por las cuales dichos violines destacan sobre el resto, si bien puede ser por cuestiones tan elementales como las maderas y los barnices empleados. Para mí, el violín es un instrumento perfecto. Dentro de los instrumentos de cuerda frotada es el más pequeño y agudo. Su versatilidad es realmente amplia; es brillante como solista y, a la vez, se puede sumergir y mezclarse con el resto de los instrumentos de la orquesta sin ninguna complicación. Lo cierto es que pertenezco a una familia con cierta tradición musical. Mi madre contaba con varios músicos en su familia, y a ella siempre le fascinó este mundo, transmitiéndonos a mis hermanos y a mí dicha pasión por la música y concretamente por el violín, pues a pesar de la enorme dificultad para su aprendizaje, se trata de un instrumento realmente completo y bonito. Soy natural de Santander que, si bien es una ciudad relativamente pequeña, ha ido abriéndose paso en el mundo de la música, hasta destacar en estos momentos por la organización de diferentes eventos de renombre mundial. Sin embargo, las oportunidades
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de estudiar hacia una carrera profesional eran limitadas. Por ello, fue necesario acudir a estudiar en otras ciudades. Soy la menor de tres hermanos y todos estudiamos violín y tuve la suerte de contar con la ayuda de ellos. Creo que estudiar música es un verdadero esfuerzo por muchas partes, pero al final es toda una recompensa ver cómo poco a poco consigues obtener resultados. El estudio nunca acaba, pero en cada concierto, cada clase y cada pieza interpretada la sensación de superación no tiene comparación. © Foto RTVE-Raúl Tejedor
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Bajo mi punto de vista, por lo menos al principio, no es necesaria una formación diferente para un violinista de orquesta y para un solista de violín que quiera hacer una carrera en solitario. Sí que es verdad, que cada profesional quizá necesite desarrollar más unas características sobre otras. Por ejemplo, en un músico de orquesta creo que debe prevalecer la preocupación por formar parte de una agrupación, sin sobresalir en exceso y aportar lo más positivamente al conjunto todo lo que pueda, en la calidad y calidez del sonido, en el ritmo, en
PRÓXIMO NÚMERO | ABRIL 2018
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EN PORTADA ■ .Entrevista Joel Prieto por Paz Ramos
■ . Vidas, hechos y otros asuntos Centenario Astrid Varnay por Diego Manuel García
■ . La música en el cine Especial Predator, de Alan Silvestri por Antonio Pardo Larrosa
■ . Claroscuros
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