Melómano 241

Número 241 | mayo 2018 | Año XXIII

Cristóbal Soler, TOMANDO NOTAS

Para Elisa

CLAVES PARA DISFRUTAR DE…

La Sinfonía núm. 39, una obra maestra de Mozart CLAROSCUROS

Géneros y especialidades

director y gestor

Sumario

MAYO 2018

241

■

por Paz Ramos

Cristóbal Soler, director y gestor

Cristóbal Soler pertenece a esa nueva generación de músicos-gestores cada vez más frecuente en nuestro país. Además de gran director, es un gestor que siente pasión por la pedagogía, está muy comprometido con la docencia y es un gran defensor de la creación de orquestas en el seno de las instituciones musicales.

Tiene una excelente trayectoria, que arrancó cuando consiguió el Primer Premio del Concurso Internacional de Jóvenes Orquestas Sinfónicas, celebrado en Viena en 1998. Ha dirigido numerosas óperas como Don Giovanni, La traviata, Così fan tutte o La sonámbula, y muchas zarzuelas, como Pan y toros, Doña Francisquita, Luisa Fernanda o La Generala, pero se entusiasma cuando habla de sus proyectos pedagógicos y sus planes para formar músicos desde los 8 años. Un valenciano que reclama un mayor apoyo institucional para la formación musical de los jóvenes y su acceso al mundo laboral.

Ha prestado especial interés a la recuperación del patrimonio lírico inédito. Su último hallazgo ha sido El carillón de Brujas de Adolfo Wagener. Ya estrenó Le revenant de José Melchor Gomis, Los amores de la Inés de Manuel de Falla o L’indovina de Salvador Giner.

Preocupado por la creación de nuevos públicos, apoya constantemente a la nueva generación de músicos. Nos cuenta un extraordinario proyecto hecho realidad dentro de la Semana de Música Religiosa de Cuenca, de la que es director artístico.

Comenzó el año con una gira y grabación con la Joven Orquesta Nacional de España (JONDE), interpretando a Strauss, Ibert,Turina, Coll, Sánchez-Verdú y Teixidor por distintos auditorios españoles. Le vemos tan entusiasmado con la JONDE como lo estaba Giulini cuando les dirigió por primera vez.

Estoy completamente de acuerdo porque lo que ellos ofrecen es virtuosismo. Son jóvenes entusiastas, a los que se les nota pasión, pero técnicamente son virtuosos. Su falta de experiencia se cubre en el proceso de preparación de las obras, ya que tienen seis o siete sesiones con profesores es-

© Álex Oltra / FSMCV M

ENTREVISTA

ENTREVISTA

ENTREVISTA

Cristóbal Soler, director y gestor..........................................

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José Fraguas Amor, disfrutar tocando............................................. 12

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CLAVES PARA DISFRUTAR DE LA MÚSICA

Sebastián de Iradier y Salaberri, el desconocido .......................... 32 INFORMAR

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Sabin Salaberri

El desconocido

Lago de Caicedo-Yuso (Álava).

En la primavera de 1935, Pío Baroja estaba tomando apuntes para su novela El cura de Monleón. Le solía acompañar Gonzalo Manso de Zúñiga, en cuyo automóvil recorrían Vitoria y algunos pueblos de alrededor. Charlando un día en el restaurante Beltrán de la calle Dato de Vitoria, “donde estaba una guapa chica de Vera”, Baroja preguntó a Zúñiga: —¿Y aquí no se sabe nada de Iradier el músico?

—No. No he oído hablar de él.

—Pues debía de ser de Vitoria. Es extraño que su nombre no aparezca en ninguna parte y, en cambio esa habanera suya “La Paloma” sea tan popular…

—En Vitoria hay una calle de Manuel Iradier. Pero este es el explorador…

—Sí… El otro, el músico, se llamaba Sebastián —Pues de este no sé nada. Aquí nadie ha oído hablar de él.

Pero me enteraré.

No debe sorprendernos el hecho de que casi nadie conociera a Iradier en Vitoria en 1935. Tampoco es actualmente mucho más conocido. Si se preguntara por la calle, o incluso a más de una persona instruida, acerca de Iradier el músico, cuyas canciones fueron y siguen siendo verdaderos éxitos internacionales, se obtendrían respuestas similares a las recogidas por Pío Baroja. ¿A qué se debe este desconocimiento? Posiblemente a que Iradier se ausentó de su tierra alavesa siendo aún joven y no regresó hasta sus últimos días, que trascurrieron prácticamente desapercibidos. Por otra parte, en su largo catálogo de obras, ninguna es de carácter vasco. Él, por su parte, nunca mostró interés en contar la trayectoria de su azarosa vida. Baltasar Saldoni, su profesor y luego compañero, intentó inútilmente incluir la biografía del músico alavés en su Diccionario biográfico bibliográfico de efemérides de músicos españoles. Comenta que Iradier es un “autor muy conocido en el mundo filarmónico por sus canciones populares.

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y la decadencia social

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ENSEÑANZAS MUSICALES

Encarnación López de Arenosa: Pedagogía auténtica.................... 56

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LA MÚSICA EN EL CINE

Clásico: Hidalgo sin armadura.............................................. 62 Novedades: Three Billboards Outside Ebbing, Missouri, The Shape of Water y Handia ...................................................... 63

© Eastman School of Music-University of Rochester

Street Scene

Internacional...................................................................... 38 Orquestas ......................................................................... 40 Auditorios.......................................................................... 44 Festivales........................................................................... 47 Noticias ............................................................................ 48 SERVICIO DE SOCORRO ................................................................

ÓPERA

ÓPERA DEL MES

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VIDAS, HECHOS Y OTROS ASUNTOS

Street Scene y la decadencia social............................................... 26

el desconocido

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Géneros y especialidades..................................................... 18

LA ÓPERA DEL MES

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VIDAS

A veces el autor es engullido por su propia obra. No nos referimos a épocas, como la Edad Media, en las que el artista era anónimo y no firmaba sus obras. En la historia de la cultura se repiten casos en los que una obra adquiere tanta popularidad que subsiste y se propaga por sí misma, dejando sepultado en el olvido el nombre de su autor.

“La Paloma” de Iradier es un claro ejemplo: se ha popularizado, traducido y grabado en todo el mundo.Y muy pocos saben algo acerca de su autor.

“La Paloma” de Sebastián de Iradier es, sin duda, una de las canciones más populares, traducidas y grabadas universalmente. Otras melodías originales de Iradier han alcanzado renombre mundial “fusiladas” por compositores como Eduard Lalo, Georges Bizet o Jerónimo Jiménez. Sin embargo, ni Álava, donde nació, ni Vitoria, donde ejerció su profesión y murió, le guardan un recuerdo especial.

En Lanciego lleva su nombre la calle donde se sitúa su casa natal, adornada con una placa conmemorativa, pero muy deteriorada actualmente. Otra placa señala la casa donde murió en Los Arquillos de Vitoria-Gasteiz. Ni la ciudad ni el territorio histórico le recuerdan con algún monumento conmemorativo. La memoria de Iradier hubiera merecido algo más.

CLAROSCUROS

La Sinfonía núm. 39, una obra maestra de Mozart........................ 20

Sebastián de Iradier y Salaberri, ■ por

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PROMESAS CUMPLIDAS

pecialistas antes de que llegue el director, así que todo ese trabajo técnico de lectura está más que superado. Tienen una entrega absoluta.

Puedo contar anécdotas, como por ejemplo, una con Sánchez-Verdú. Me dijo: Cristóbal, no te lo vas a creer, pero esta obra mía la interpretó la Filarmónica de Dresde, que, sin duda, es una gran orquesta y para el repertorio clásico o romántico es de las mejores orquestas del mundo, pero como la obra tiene muchas cosas muy novedosas —como la utilización de sordina—, los de la Filarmónica estaban muy cerrados y, claro, con la JONDE, con esa mentalidad tan

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vidas, hechos y otros asuntos

número

26

por Fabiana Sans Arcílagos @fabianasans

Street Scene es el nuevo título que se suma a la larga e importante historia de puestas en escena del Teatro Real. Para esta ocasión, el coliseo madrileño ha apostado en la realización de la ópera de Kurt Weill por una producción conjunta con la Ópera de Monte-Carlo y la Ópera de Köln, bajo la dirección escénica de John Fulljames y la musical de Tim Murray. Para este montaje también cuenta con el Coro y Orquesta del Real, además de los pequeños cantores de la ORCAM. El reparto está integrado por Geoffrey Dolton, Jeni Bern, Scott Wilde, Lucy Schaufer, Harriet Williams, Mandisinde Mbuyanzwe, Patricia Racette, entre otros. Las funciones se realizarán entre el 26 de mayo y el 1 de junio.

LIBROS DE MÚSICA

Lucrecia Arana (1867-1927).Tiple-contralto de zarzuela, musa de artistas e Introducción a la música del siglo XX ............................. 64

TOMANDO NOTAS Argumento (en base al argumento publicado por el Teatro Real) Acto I Años 40 del siglo XX. Varias mujeres están sentadas en los escalones frente al número 346 de Lower East Side, en Nueva York, por el insoportable calor que hace en el ambiente.

Entre todas, mantienen un cotilleo en torno a Anna Maurrant, esposa de Frank y madre de Rose, que al parecer se “entiende” con el repartidor de leche. Todas comentan y cantan en M

Para Elisa .......................................................................... 65

el trío “Come in, come in, wherever you are”. Ríen y susurran hasta que callan rápidamente cuando se produce la llegada de la adultera. Las mujeres también se burlan de Daniel Buchanan, que está nervioso por el parto de su esposa. Por su parte, la señora Maurrant expresa su preocupación en el aria “Somehow I never could believe”. Poco a poco aparecen otros personajes, como el judío Abraham Kaplan; Jenny Hildebrand, de familia alemana, radiante tras su graduación en el instituto; el italiano Lippo Fiorentino, que regala helados a todo el mun-

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ANÉCDOTAS Y CURIOSIDADES ...................................................

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GUÍA DE ORQUESTA Y CORO

El barítono......................................................................... 68

CLAVES

Claves para disfrutar de...

La Sinfonía núm. 39,

DVD............................................................................................................

una obra maestra de Mozart

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BUSQUE ESTE DISCO

por José Ramón Tapia

De las cuarenta y una sinfonías de Wolfgang A. Mozart, las tres últimas son las más célebres y las de mayor calidad artística. No se sabe a ciencia cierta la razón por la que Mozart las escribió en un breve lapso de tiempo de tan solo unas semanas en el verano de 1788.

La Sinfonía núm. 39 en Mi bemol mayor, constituye un buen exponente de la obra sinfónica del genio de Salzburgo.

Aunque dentro de la trilogía final es la menos interpretada, su avanzada armonía, el hábil empleo de las disonancias, el original tratamiento de la orquesta y la inspiración que Mozart vierte en ella, así como otros aspectos, hacen de esta sinfonía una obra maestra.

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Mulier Misterio. El Códice de las Huelgas.............................. 72

RECOMENDADOS .............................................................................

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¿QUÉ QUIERE USTED SABER DE...

Proyecto OCNOS? ............................................................... 78 Salzburgo.

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La trilogía sinfónica final Aquel verano de 1788 en Viena, acuciado por dificultades económicas que se mantendrían hasta el final de sus días, Wolfgang A. Mozart (1756-1791) compuso en apenas diez semanas sus tres últimas sinfonías. El propio compositor anotó en su catálogo las fechas en que terminó la partitura de cada una de ellas: el 26 de junio, la núm. 39 en Mi bemol mayor (KV 543); el 25 de julio, la núm. 40 en Sol menor (KV

550) y el 10 de agosto, la núm. 41 en Do mayor, conocida como “Júpiter” (KV 551). En la actualidad, los manuscritos se conservan en la Biblioteca Nacional de Berlín y en la Sociedad de Amigos de la Música de Viena.

Cada una de estas tres sinfonías se yergue como una entidad inconfundible, absolutamente característica, no solo por la orquestación, distinta para cada caso (la 41 carece de clarinetes, la 39 no tiene oboes y la 40 prescinde de trompetas y 33

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Editorial

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Orfeo Ediciones

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¿Quo vadis, cedé?

@melomanodig

Conocemos bien el camino recorrido por el CD, cedé o disco compacto, llámenlo como prefieran. Heredero del disco de vinilo, el cedé atravesó una época brillante, mucho más que dorada, de auténtico éxito, durante dos décadas. Movía miles de millones y, aunque parezca mentira, incluso si nos ceñimos al reducido mundo de la música clásica, supuso durante ese periodo una notable fuente de ingresos y también una influyente forma de control sobre la vida de los artistas. Grabar para un sello importante, de talla internacional, suponía de forma casi inmediata la fama y el aprecio por parte del público. No vamos a entrar en este editorial a analizar algo tan complejo como los motivos de la caída en desgracia de este soporte, sobre todo porque ya no tiene remedio. Sin embargo, conviene romper una lanza en favor del disco compacto, explicar en qué momento se encuentra y hacia dónde dirige sus pasos a corto plazo (meterse en el medio y largo ya sería con bola de cristal, que no tenemos) gracias, sobre todo, a la labor de las pequeñas compañías discográficas, al menos en España.

Vamos a centrarnos en nuestro país y en la música clásica, que es seguramente lo que más interesa a nuestros lectores. Tenemos tres ámbitos, lógicamente interrelacionados: el consumidor, el canal de venta y las casas discográficas.

Los hábitos de consumo han variado sustancialmente y las ventas por los canales habituales se han reducido a cantidades irrisorias. Los grandes artistas que antes vendían 10000 unidades, ahora no venden más de 50 en un año. Leen ustedes bien: cincuenta discos. En consecuencia, desparecieron las pequeñas tiendas especializadas, mientras que los grandes almacenes han dejado de “almacenar” y han reducido al mínimo la exposición de discos; total, si casi nadie los compra…

En el origen de todo se encuentra el trabajo de las casas o sellos discográficos.

Muchos de los grandes desaparecieron o fueron absorbidos por otros (EMI, BMG); otros, también de los históricamente grandes, se mantienen a duras penas, reduciendo el personal especializado al mínimo y conservando una actividad muy limitada, reeditando viejas glorias, sacando cajas recopilatorias de los grandes artistas del pasado en fechas navideñas para cubrir objetivos de ventas y, en algunas ocasiones, apoyando las carreras de nuevas generaciones de artistas. Desde luego nunca españoles, y casi siempre cobrando unas cantidades desorbitadas al músico, en lugar de pagárselas como hacían en el pasado. La jugada es: ¿Quieres poder decir que has grabado con este sello? Pues págalo, que si no, no ganamos dinero.

Sin embargo, en los últimos años han surgido o se han mantenido al pie del cañón numerosos sellos independientes (por llamarlos de alguna manera que todos entendamos), a cargo de luchadores natos que, a base de imaginación, calidad y buenas artes, han hecho posible que el cedé siga vivo y todavía sea considerado como una necesidad por el sector musical. No siempre coinciden sus objetivos ni el modo de hacer las cosas, pero el espíritu es el mismo: hacer que el disco se haya convertido en una necesidad más que en un producto de consumo masivo. ¿Y cuál es esa necesidad? Para algunos, como Nîbius, Solé Recordings, Columna Música o, La mà de guido, Eudora o Lindoro, es el rescate de obras de nuestro patrimonio musical. Para otros, como Orpheus Classical o IBS Classical, se trata del apoyo a la nueva creación. Para casi todos ellos, el trabajo consiste además en ayudar a jóvenes intérpretes a difundir su trabajo y, en ocasiones, a artistas nacionales consagrados que quieren dejar un testimonio de su buen hacer. Es cierto que el modelo ha cambiado y que ningún sello puede permitirse pagar a una intérprete por grabar, ya que nunca recuperaría la inversión. Sin embargo, a diferencia de los “grandes”, los sellos independientes ofrecen a los músicos la posibilidad de grabar y distribuir sus discos a cambio de cantidades asumibles y razonables, algo de lo que todas las partes implicadas se benefician inmediatamente: el artista graba, da a conocer su trabajo y vende ejemplares en sus conciertos (un canal de venta nada desdeñable, que genera más ingresos que las ventas en grandes superficies), recuperando en ocasiones una parte importante de su inversión; el disco se mantiene con vida como forma de llegar al público y también como tarjeta de visita ante los programadores; y, en fin, los sellos discográficos mantienen a duras penas sus negocios, con la cabeza bien alta por llevar a cabo una tarea heroica que ninguna de las poderosas marcas del pasado quiere asumir.

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Colaboran

Colaboran Luis Agius Alberto Alpresa Manuel Ballestero Gregorio Benítez Suárez Carmelo Cordón Paula Coronas Luciano González Sarmiento Iciar L.Yllera (ilustraciones) Tomás Marco Sofía M. Gascón Lucía Martín-Maestro Verbo Rut Martínez Amparo Molero Marco Antonio Molín Ruiz Alejo Palau Antonio Pardo Larrosa Luis Ponce de León José Prieto Marugán Paz Ramos Laura Recio Isabel Royán González Sabin Salaberri Gloria Sánchez Andrés Sánchez Alonso Fabiana Sans Arcílagos José Ramón Tapia Sección Enseñanzas Musicales: Mª Ángeles García Serrano Antonio Narejos Ana Pilar Zaldívar Gracia

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ClassicVet, Producciones y Comunicación Maquetación y diseño: Mario Moreno Cortina ISSN: 2531-0879

Esta revista ha recibido una ayuda a la edición del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte.

|4 Melómano no se hace responsable de las opiniones vertidas en los reportajes e informaciones firmadas.Todos los derechos reservados. Esta publicación no puede ser reproducida ni en todo ni en parte, ni registrada en, ni transmitida por cualquier sistema sin el permiso previo por escrito de la editorial.

© Álex Oltra / FSMCV

ENTREVISTA

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ENTREVISTA

■

por Paz Ramos

Cristóbal Soler, director y gestor

Cristóbal Soler pertenece a esa nueva generación de músicos-gestores cada vez más frecuente en nuestro país. Además de gran director, es un gestor que siente pasión por la pedagogía, está muy comprometido con la docencia y es un gran defensor de la creación de orquestas en el seno de las instituciones musicales.

Tiene una excelente trayectoria, que arrancó cuando consiguió el Primer Premio del Concurso Internacional de Jóvenes Orquestas Sinfónicas, celebrado en Viena en 1998. Ha dirigido numerosas óperas como Don Giovanni, La traviata, Così fan tutte o La sonámbula, y muchas zarzuelas, como Pan y toros, Doña Francisquita, Luisa Fernanda o La Generala, pero se entusiasma cuando habla de sus proyectos pedagógicos y sus planes para formar músicos desde los 8 años. Un valenciano que reclama un mayor apoyo institucional para la formación musical de los jóvenes y su acceso al mundo laboral.

Ha prestado especial interés a la recuperación del patrimonio lírico inédito. Su último hallazgo ha sido El carillón de Brujas de Adolfo Wagener. Ya estrenó Le revenant de José Melchor Gomis, Los amores de la Inés de Manuel de Falla o L’indovina de Salvador Giner.

Preocupado por la creación de nuevos públicos, apoya constantemente a la nueva generación de músicos. Nos cuenta un extraordinario proyecto hecho realidad dentro de la Semana de Música Religiosa de Cuenca, de la que es director artístico.

Comenzó el año con una gira y grabación con la Joven Orquesta Nacional de España (JONDE), interpretando a Strauss, Ibert,Turina, Coll, Sánchez-Verdú y Teixidor por distintos auditorios españoles. Le vemos tan entusiasmado con la JONDE como lo estaba Giulini cuando les dirigió por primera vez.

Estoy completamente de acuerdo porque lo que ellos ofrecen es virtuosismo. Son jóvenes entusiastas, a los que se les nota pasión, pero técnicamente son virtuosos. Su falta de experiencia se cubre en el proceso de preparación de las obras, ya que tienen seis o siete sesiones con profesores es-

pecialistas antes de que llegue el director, así que todo ese trabajo técnico de lectura está más que superado. Tienen una entrega absoluta.

Puedo contar anécdotas, como por ejemplo, una con Sánchez-Verdú. Me dijo: Cristóbal, no te lo vas a creer, pero esta obra mía la interpretó la Filarmónica de Dresde, que, sin duda, es una gran orquesta y para el repertorio clásico o romántico es de las mejores orquestas del mundo, pero como la obra tiene muchas cosas muy novedosas —como la utilización de sordina—, los de la Filarmónica estaban muy cerrados y, claro, con la JONDE, con esa mentalidad tan M 7

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© Lourdes Balduque

José Fraguas Amor, disfrutar tocando ■ por Gloria Sánchez

José Fraguas Amor es un joven violinista de 19 años, madrileño de nacimiento, y francés de formación en la mayor parte de su joven carrera. Su primera lengua es el francés, idioma en el que cursó sus estudios de música y de bachiller. Además de haber recibido algunos premios a los que no parece otorgarle mucha importancia, cree en sí mismo y en su música, su sonido y su personalidad. No hace falta decir que disfruta con lo que hace y que el público también, porque eso es algo más que evidente. A Fraguas hay que escucharle en directo para que te emocione y te deje clavado en la butaca por la expresividad e impresiones tan enormes que transmite.

Además de ser un gran conocedor de Sarasate ahora sale a luz su disco homenaje al violinista pontevedrés Manuel Quiroga, con obras que no habían tenido la difusión que se merecen.

¿Dónde comenzaste a estudiar y por qué el violín?

Mi primera inmersión en la música (especialmente en el Barroco) fue en Francia, donde he vivido doce años. Ingresé en el Conservatoire Choletais con 4 años. Allí trabajé algunos aspectos de la música que conllevan otro programa diferente si se compara con España. La “culpa” de que empezase en esto fue de mi madre, que tuvo un sueño revelador… Recuerdo de pequeño unas clases magistrales de Yo-yo Ma en París con mi hermano que es violonchelista y dije para mí: vaya instrumento más grande. Tengo otro M

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hermano viola y que estudia canto. Somos tres hermanos, imagina los esfuerzos de la familia. ¿Por qué regresaste a España, es que vas al revés?

Sí, voy al revés justamente de muchos de mis colegas. Después de haber terminado en Nantes a los 12 años el diploma de DEM, comencé a viajar cada mes para estudiar la escuela rusa de la mano de Serguei Fatkoulin en su Escuela de Alto Rendimiento de Madrid y de Bönn. Después nos afincamos

PROMESAS

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Claves para disfrutar de...

La SinfonĂ­a nĂşm. 39,

una obra maestra de Mozart

Salzburgo.

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CLAVES ■

por José Ramón Tapia

De las cuarenta y una sinfonías de Wolfgang A. Mozart, las tres últimas son las más célebres y las de mayor calidad artística. No se sabe a ciencia cierta la razón por la que Mozart las escribió en un breve lapso de tiempo de tan solo unas semanas en el verano de 1788.

La Sinfonía núm. 39 en Mi bemol mayor, constituye un buen exponente de la obra sinfónica del genio de Salzburgo.

Aunque dentro de la trilogía final es la menos interpretada, su avanzada armonía, el hábil empleo de las disonancias, el original tratamiento de la orquesta y la inspiración que Mozart vierte en ella, así como otros aspectos, hacen de esta sinfonía una obra maestra.

La trilogía sinfónica final Aquel verano de 1788 en Viena, acuciado por dificultades económicas que se mantendrían hasta el final de sus días, Wolfgang A. Mozart (1756-1791) compuso en apenas diez semanas sus tres últimas sinfonías. El propio compositor anotó en su catálogo las fechas en que terminó la partitura de cada una de ellas: el 26 de junio, la núm. 39 en Mi bemol mayor (KV 543); el 25 de julio, la núm. 40 en Sol menor (KV

550) y el 10 de agosto, la núm. 41 en Do mayor, conocida como “Júpiter” (KV 551). En la actualidad, los manuscritos se conservan en la Biblioteca Nacional de Berlín y en la Sociedad de Amigos de la Música de Viena.

Cada una de estas tres sinfonías se yergue como una entidad inconfundible, absolutamente característica, no solo por la orquestación, distinta para cada caso (la 41 carece de clarinetes, la 39 no tiene oboes y la 40 prescinde de trompetas y 21

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ÓPERA DEL MES

Street Scene y la decadencia social

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por Fabiana Sans Arcílagos @fabianasans

Street Scene es el nuevo título que se suma a la larga e importante historia de puestas en escena del Teatro Real. Para esta ocasión, el coliseo madrileño ha apostado en la realización de la ópera de Kurt Weill por una producción conjunta con la Ópera de Monte-Carlo y la Ópera de Köln, bajo la dirección escénica de John Fulljames y la musical de Tim Murray. Para este montaje también cuenta con el Coro y Orquesta del Real, además de los pequeños cantores de la ORCAM. El reparto está integrado por Geoffrey Dolton, Jeni Bern, Scott Wilde, Lucy Schaufer, Harriet Williams, Mandisinde Mbuyanzwe, Patricia Racette, entre otros. Las funciones se realizarán entre el 26 de mayo y el 1 de junio.

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© Eastman School of Music-University of Rochester

ÓPERA

Argumento (en base al argumento publicado por el Teatro Real) Acto I Años 40 del siglo XX. Varias mujeres están sentadas en los escalones frente al número 346 de Lower East Side, en Nueva York, por el insoportable calor que hace en el ambiente.

Entre todas, mantienen un cotilleo en torno a Anna Maurrant, esposa de Frank y madre de Rose, que al parecer se “entiende” con el repartidor de leche. Todas comentan y cantan en

el trío “Come in, come in, wherever you are”. Ríen y susurran hasta que callan rápidamente cuando se produce la llegada de la adultera. Las mujeres también se burlan de Daniel Buchanan, que está nervioso por el parto de su esposa. Por su parte, la señora Maurrant expresa su preocupación en el aria “Somehow I never could believe”. Poco a poco aparecen otros personajes, como el judío Abraham Kaplan; Jenny Hildebrand, de familia alemana, radiante tras su graduación en el instituto; el italiano Lippo Fiorentino, que regala helados a todo el mun27

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vidas, hechos y otros asuntos

Sebastián de Iradier y Salaberri, el desconocido ■ por

Sabin Salaberri

A veces el autor es engullido por su propia obra. No nos referimos a épocas, como la Edad Media, en las que el artista era anónimo y no firmaba sus obras. En la historia de la cultura se repiten casos en los que una obra adquiere tanta popularidad que subsiste y se propaga por sí misma, dejando sepultado en el olvido el nombre de su autor.

“La Paloma” de Iradier es un claro ejemplo: se ha popularizado, traducido y grabado en todo el mundo.Y muy pocos saben algo acerca de su autor.

“La Paloma” de Sebastián de Iradier es, sin duda, una de las canciones más populares, traducidas y grabadas universalmente. Otras melodías originales de Iradier han alcanzado renombre mundial “fusiladas” por compositores como Eduard Lalo, Georges Bizet o Jerónimo Jiménez. Sin embargo, ni Álava, donde nació, ni Vitoria, donde ejerció su profesión y murió, le guardan un recuerdo especial.

En Lanciego lleva su nombre la calle donde se sitúa su casa natal, adornada con una placa conmemorativa, pero muy deteriorada actualmente. Otra placa señala la casa donde murió en Los Arquillos de Vitoria-Gasteiz. Ni la ciudad ni el territorio histórico le recuerdan con algún monumento conmemorativo. La memoria de Iradier hubiera merecido algo más.

Lago de Caicedo-Yuso (Álava).

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VIDAS

El desconocido

En la primavera de 1935, Pío Baroja estaba tomando apuntes para su novela El cura de Monleón. Le solía acompañar Gonzalo Manso de Zúñiga, en cuyo automóvil recorrían Vitoria y algunos pueblos de alrededor. Charlando un día en el restaurante Beltrán de la calle Dato de Vitoria, “donde estaba una guapa chica de Vera”, Baroja preguntó a Zúñiga: —¿Y aquí no se sabe nada de Iradier el músico?

—No. No he oído hablar de él.

—Pues debía de ser de Vitoria. Es extraño que su nombre no aparezca en ninguna parte y, en cambio esa habanera suya “La Paloma” sea tan popular…

—En Vitoria hay una calle de Manuel Iradier. Pero este es el explorador…

—Sí… El otro, el músico, se llamaba Sebastián —Pues de este no sé nada. Aquí nadie ha oído hablar de él.

Pero me enteraré.

No debe sorprendernos el hecho de que casi nadie conociera a Iradier en Vitoria en 1935. Tampoco es actualmente mucho más conocido. Si se preguntara por la calle, o incluso a más de una persona instruida, acerca de Iradier el músico, cuyas canciones fueron y siguen siendo verdaderos éxitos internacionales, se obtendrían respuestas similares a las recogidas por Pío Baroja. ¿A qué se debe este desconocimiento? Posiblemente a que Iradier se ausentó de su tierra alavesa siendo aún joven y no regresó hasta sus últimos días, que trascurrieron prácticamente desapercibidos. Por otra parte, en su largo catálogo de obras, ninguna es de carácter vasco. Él, por su parte, nunca mostró interés en contar la trayectoria de su azarosa vida. Baltasar Saldoni, su profesor y luego compañero, intentó inútilmente incluir la biografía del músico alavés en su Diccionario biográfico bibliográfico de efemérides de músicos españoles. Comenta que Iradier es un “autor muy conocido en el mundo filarmónico por sus canciones populares.

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© Elena Castro

ENSEÑANZAS MUSICALES

Empecemos por el principio… ¿Qué circunstancias se dan en la vida de Encarna que la llevan a nacer en el Palacio Real de Madrid?

Es muy curioso. Mi padre trabajaba en Correos. Estudiaba la carrera de Derecho, y para ganar algo más de dinero, se metió en el despacho de un notario, D. Juan Castrillo. Este señor estaba bastante metido en política durante la Segunda República y salió diputado.

Se llevó a mi padre a Palacio a la estafeta, lo que implicaba vivienda.

Vivíamos en la tercera planta, en la zona que se conoce —creo— como Duque de Ahumada. No conservo recuerdos, ya que aunque M

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nací allí, duramos poco tiempo. El fallecimiento de mi hermano mayor, con 7 años, fue el detonante para la marcha. He leído una novela de Pérez Galdós hace muy poco, La de Bringas, y en ella se habla de toda la gente que tenía vivienda en el Palacio Real. Es muy curiosa.

Tu relación con la música viene casi desde la cuna, debido a la gran afición de tus padres. ¿Cómo descubres que esa es tu vocación?

Mis padres eran muy melómanos, pero más que nada gallegos. Mi padre fue uno de los fundadores del Centro Gallego

Encarnación López de Arenosa: Pedagogía auténtica

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por Susana Castro

A lo largo de más de veinte años, Encarnación López de Arenosa, junto a otros colaboradores, ha llenado páginas de la revista Melómano con valiosísima información sobre las enseñanzas musicales en España. Siempre con una mirada optimista y renovadora, proponiendo claves para la mejora y el entendimiento, y luchando por fortalecer un sector que algunos parecen empeñados en debilitar.

En el mes de febrero decidía pasar el testigo a otros compañeros, y desde Melómano hemos creído que era de justicia homenajearla en las mismas páginas que ella ha utilizado en numerosas ocasiones para rendir homenaje a otros.

No será esta una entrevista sobre pedagogía musical, legislación o el futuro de la educación musical, asuntos sobre los que Encarna ya nos ha transmitido sus opiniones a lo largo de muchos años. En esta entrevista nos dedicaremos a conocer a la persona que hay detrás de la trabajadora incansable, lo que a buen seguro aumentará nuestra admiración por ella. Espero estar a la altura y abordo esta entrevista con suma humildad, ya que yo fui una de esos afortunados que estudió con sus métodos en la distancia. Agradezco a Susana Rodríguez Fernández su colaboración para poder llevar a cabo esta tarea.

de Madrid y allí formaron un coro. En ese coro fue donde se conocieron mis padres. Mis tíos también cantaban allí. En cada reunión familiar terminábamos cantando en gallego y llorando… Cuando mi padre cantaba “Negra sombra” (poema de Rosalía de Castro con música del maestro Xoán Montes) aquello era tremendo. Tenía una voz de bajo muy bonita.

Mis padres quisieron que yo estudiase música. Me llevaban a conciertos, íbamos todas las mañanas de los domingos al Monumental, que era donde estaba la Orquesta Nacional. Tenía una profesora particular de piano para cuando salía del colegio. Llegó un momento en que dijo que era una tontería estar estudiando y no examinarme, aunque al principio era la típica actividad de adorno para niñas. ¿Tuviste claro desde el principio que lo tuyo era el solfeo y la teoría musical?

Llegó un momento en el que esta misma profesora, muy honrada, le dijo a mi padre que ella ya no me podía enseñar más.

Empecé a trabajar con una profesora del Conservatorio, doña Julia Parody. Estudiaba por libre, pero era otro nivel. Empecé a

estudiar muchísimo piano, con muchísimas ganas, lo cual coincidió con la finalización del colegio. Teníamos que hacer asignaturas complementarias para acabar la carrera, así que esas las hacía de forma oficial en el Conservatorio. Eran muy pocas las asignaturas que se exigían, pero empecé a coger carrerilla e hice toda la armonía, todo el contrapunto, me matriculé en composición, hice virtuosismo del piano con Cubiles y con Carra, etc.

En aquel momento en la enseñanza a todos los niveles, incluidos los universitarios, había mucho profesorado que no pertenecía a las plantillas docentes debido a la gran cantidad de demanda de estudios, en nuestro caso musicales que había. Esto eran los llamados PNN (profesor no numerario). Ese profesorado llegó a ser más numeroso que el propio claustro en el Conservatorio de Madrid. Cuando me planteé el tema como profesional, empecé a pensar que aunque a mí lo que me había apasionado siempre era el piano —creo que hasta tenía ciertas condiciones—, pianistas había a montones, pero creía —y sigo creyendo— que el solfeo necesitaba muchísimos “apaños” que no tenía. Le pedí al director, D. José Moreno Bascuñana, que me metiera como candidata a los PNN en solfeo. Le dije: “yo 57

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LA MÚSICA EN EL CINE Música: José Nieto

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Hidalgo sin armadura

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aballero sin espada, hijodalgo de escena y claqueta que, sin rocín ni escudero, compañeros de andanzas y chanzas, cruzó la península sobre la yerma brisa del cine patrio. Señor de espacios y tiempos que con su voz conquistó las mentes de algunos de los cineastas más ilustres de la época. Quijote sin montura, armadura y yelmo que entre silencios y redondas construyó una de las hazañas más grandes de la música hispana. Ilustre caballero de nombre José y apellido Nieto, que con su certera y afilada pluma dio vida a un sinfín de imágenes que forman parte de la historia musical de este país. ¡Cuánto le debe la música! ¡Cuánto le deben aquellos que ahora triunfan con aquello que él hizo grande!

Padre de una generación de músicos que han hecho que la música juegue donde solo juegan los grandes. Cardelús, Cervantes, Gil-Inglada o Vivas Puig son solo algunos de los nombres que a buen seguro beben de la inagotable fuente de su imaginación. ¡Cuánto le deben aquellos que hoy triunfan!

Entre amaneceres, caballeros y detectives, la música de este hacedor de sueños se escribe con letras áureas sobre los gastados dinteles que soportan el peso del arte. Resulta una quimera entender las películas de Aranda, Uribe, Miró o Cuerda sin estremecerse con algunas de sus melodías; cromáticas ideas que dibujan paisajes que otrora dieron vida a una forma de hacer cine que por aquel entonces no había descubierto que la música hurga allí donde el fotograma pierde su intención. Celebérrimo caballero de nombre José y apellido Nieto, que no solo escribió música para la gran pantalla, sino que también recuperó las obras de sus predecesores; músicos de abolengo como Juan Quintero o Manuel Parada, que en los albores del fotograma escribieron las primeras sinfonías visuales de nuestra cinematografía.

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cuyo frontispicio aun pervive en nuestra memoria. Ahora bien, entiéndase que juventud no es sinónimo de inexperiencia; idea que se diluye cuando nos damos cuenta de que las interpretaciones no pierden un ápice de Amantes, de Vicente Aranda. frescura en las jóvenes Valiente es la palabra idónea para describir el manos de los artistas. Es más, la heterogénea trabajo discográfico que nos ocupa. Un disco selección de piezas (véase Le privé o Amantes) embebido de historia que ha pasado por las dificulta todavía más la interpretación de los manos del propio Nieto, espectador de primúsicos, liza que resuelven con una madurez impropia de su edad. mera fila que, en un alarde de generosidad, ha dejado que la Joven Orquesta Sinfónica de Granada y la Orquesta de su Universidad, dirigidas por Gabriel Delgado, interpreten algunas de sus obras. Como muy bien dice el músico: “Lo que ha sido mi vivencia durante los tres días de trabajo intenso, riguroso y serio, inmerso en la energía arrolladora y contagiosa de este soberbio grupo humano, se puede resumir en una sola palabra: emocionante”. Y es que esa emoción de la que habla el maestro tensa las cuerdas que las orquestas tañen El caballero Don Quijote, de Manuel Gutiérrez desde la convicción y la determinación que el Aragón. amor por las cosas bien hechas produce. Las orquestas, el director y el músico dan vida a Una vez más es de obligado cumplimiento una obra que conmemora el 75 aniversario destacar la encomiable labor docente que de nuestro hidalgo más insigne; un espléndialgunas instituciones llevan a cabo para dido trabajo discográfico que repasa a través fundir la música cinematográfica más allá de la suite de concierto una pequeña parte del medio en el que se realiza; actividad que de su obra. Las suites de Carmen, Amantes, El le otorga un valor añadido dentro del orcaballero Don Quijote o Celos, y la presencia ganigrama real de las cosas. Esta hercúlea de El caballero del dragón (¡cómo iba a faltar!) tarea ha conseguido poner de actualidad las dan buena cuenta del enorme caudal artísandanzas y chanzas de nuestro hidalgo más tico que posee el creador madrileño; obras ilustre; caballero de nombre José y de apellido Nieto, que abrió la ruta por la que hoy transitan algunas de las voces más representativas de nuestra música cinematográfica. ¡Cuánto te debe la música! ¡Cuánto te deben aquellos que ahora triunfan con aquello que tú hiciste grande! Hijodalgo de escena y claqueta… n El caballero del dragón, de Fernando Colomo.

TOMANDO NOTAS

■ Texto: Sofía M. Gascón Ilustración: Iciar L. Yllera

Mi muy querida Elisa Qué lejos te tengo.Aunque se podría decir que mucho antes de que nos separasen todos los kilómetros que nos separan hace ya unos meses, ya desde entonces, te habías convertido en menos mía y más tuya que nunca. Desde el primer día me dijiste que yo jamás sería tu media naranja, que los amores verdaderos eran los de dos naranjas enteras que decidían madurar juntas, no obstante, siempre fuimos Tres Naranjas.

Tú, yo y la música. Muy a mi pesar, porque nunca se me ha dado bien compartirte con nadie, ni siquiera con ella, por muy bien que suene la idea.

Pero hemos llegado a un punto de nuestra relación en la que te echo en falta y tú andas más preocupada de dar la nota que de mí, y estoy harto. Harto de que excuses tu comportamiento en que fuiste La menor de tus hermanas. Harto de que todo lo que vivas, hables o hagas, tenga que ser en clave de sol. Hasta yo me he contagiado y espero que entiendas que ahora por supervivencia solo puedo pensar en Mi. Aun así, te he querido tanto… Aún recuerdo el día que te vi en los campos de la Toscana, los pobres girasoles no sabían ni hacia dónde

mirar. Fuiste mi Capricho Italiano. Me abriste un Nuevo Mundo.Y en nuestra noche de bodas en la Suite núm. 3 fuiste mi Pájaro de fuego, toda alas, llamas y viento. Y ahora… Elisa… Qué poco mía eres. Y lo doloroso de esto es que eres mi sueño de todas y cada una de las noches de verano, en un verano de Cuatro Estaciones.

Podría quedarme con las cosas malas. Con que diese igual lo que te pedía, que el único “si” que me dabas es el que entonabas entre “la”

y “do”. Porque, mi amor, tú no te levantas temprano, te levantas soprano.

Pero he preferido quedarme con nuestros paseos por el retiro a media noche, en el Lago de los cisnes, bajo la luz del Claro de luna, tú y yo solos. Dormirnos en los atardeceres, a la sombra de los árboles para que nos despertase El vuelo de (un dichoso) moscardón. He preferido quedarme con la Toscana, con tus ojos de ratón, nuestras naranjas, tus alas y tu bello corazón.

No obstante… No puedo seguir así. Esto tiene más de Amor brujo y de Traviata que de El elixir de amor.

Y ya sé que nunca fui tu Beethoven pero esta es mi última nota para Elisa.

Ojalá hubiese podido tenerte siempre sostenida a MI LA DO. Y de ahora, hasta siempre, por ti y por mí, doble barra de compás. ■

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GUÍA DE ORQUESTA Y CORO

El barítono por Carmelo Cordón, Jefe de Cuerda del Coro de RTVE

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veces los aficionados, o el público en general, pueden confundir al barítono con el bajo, pero no son lo mismo. La diferencia estriba en el timbre y la tesitura: el bajo puede cantar notas más graves y, además, posee un color de voz más oscuro. En mi caso, yo soy barítono. Generalmente, se suelen aceptar tres tipos de barítono: dramático, lírico y ligero o Martin.

La peculiaridad principal del timbre del barítono en relación con el resto de los tipos de voces es, en mi opinión, que por ser una voz intermedia entre el bajo y el tenor, el barítono puede afrontar los registros cercanos de ambos. Puedo añadir también que suele ser una voz muy apreciada por los compositores por su naturalidad y versatilidad.

En el escenario, dentro del coro solemos estar en la zona más cercana al centro del grupo y hacia la derecha mirando desde donde se encuentra el espectador.

Al igual que un profesor de orquesta que toca un instrumento debe hacer determinados ejercicios de mantenimiento muscular debido a su postura al interpretar, un cantante de un coro debe tener ciertos cuidados para mantener en buena forma su voz. En general, yo recomendaría ejercicios para aumentar la capacidad pulmonar, así como un trabajo vocal diario y llevar una vida sana y una alimentación saludable.

En cuanto a los problemas musculares que pueden surgir con la práctica de nuestro trabajo, se puede decir que suele haber problemas en cervicales y lumbares, así como problemas de reflujo gástrico.

Desde pequeño, me interesó la música en cualquiera de sus expresiones y sentí curiosidad por la música clásica. Todavía recuerdo lo que me emocionaba escuchar la Quinta sinfonía de Beethoven, las Pasiones de Bach o el Concierto núm. 2 de Rajmáninov. Comencé a cantar en coros con 17 años de la mano de mi hermano Francisco que me animó para que lo hiciera, aunque yo era un poco reticente. En M

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cuanto entré en el coro me enganchó esa forma de hacer música.

Además de trabajar como barítono del Coro RTVE, como barítono solista he in© Foto RTVE-Luis de Grado

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terpretado infinidad de papeles de ópera y zarzuela, así como papeles en diferentes oratorios en muchos teatros de España y del extranjero. La voz de barítono es

¿QUÉ QUIERE USTED SABER DE...

Proyecto OCNOS? Proyecto OCNOS nace en Sevilla, ¿cómo surge la iniciativa?

Ambos habíamos terminado de estudiar y buscábamos un espacio en el que poder desarrollar ideas y proyectos. Compartíamos un especial interés por la música del siglo XX y la de creación reciente. Aunque la instrumentación no era la más fácil para encontrar repertorio, nos lanzamos a la aventura con pocos medios pero con bastante inocencia y entusiasmo. Hemos aprendido mucho en estos cuatro años y la ilusión por hacer algo diferente se mantiene intacta.

¿Cuáles son los objetivos que persigue su agrupación?

Principalmente pretendemos innovar en el campo de la música contemporánea, estar en contacto con los compositores actuales y difundir su trabajo. También pretendemos acercar esta música al público más diverso posible y por eso desarrollamos proyectos que tengan una coherencia conceptual que articulen nuestros programas de concierto. En ocasiones, intentamos que exista una interacción con otras artes y, cuando los medios lo permiten, elaboramos espectáculos que cuidan el carácter escénico y visual para reforzar la propia música. Creemos que para conectar al oyente con la música de hoy es importante que las obras de mediados del siglo pasado se interpreten con más frecuencia de lo que se hace actualmente. Esto nos lleva a que también desarrollemos esta línea de trabajo y programemos grandes obras del siglo pasado en nuestros conciertos.

© Paula Cabrera

¿De dónde toman el nombre de “Ocnos”?

Encontrar un nombre que resumiera el proyecto no fue fácil. Lo tomamos prestado de un poemario que Luis Cernuda dedica a Sevilla. Algunos de los poemas evocan la música y se encuentran en algunas placas de los rincones de la ciudad. Además nos dimos cuenta de que era un personaje de la mitología griega al que se representa trenzando una cuerda de juncos mientras un asno la va devorando eternamente. Ese carácter efímero de una

obra de arte nos pareció una analogía perfecta de la relación de los intérpretes con la música y recogía muy bien la filosofía del proyecto.

Entrevista a sus directores artísticos, Gustavo A. Domínguez y Pedro Rojas Ogáyar M

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PRÓXIMO NÚMERO | JUNIO 2018

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EN PORTADA ■ .Entrevista Roberto Abbado por Paz Ramos

■ . Claves para disfrutar de...

La Sinfonía de los salmos de Stravinski por Isabel Royán

■ . Ópera del mes Die soldaten de Zimmermann por Fabiana Sans Arcílagos

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■ . Vidas, hechos y otros asuntos Coaching para músicos por Fran Parrado

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